UNIVERSIDAD CATÓLICA DE HONDURAS

“Nuestra Señora Reina de la Paz”

CAMPUS SAN PEDRO Y SAN PABLO

Alumno:
Iris Elena Lopez Altamirano 0501-2004-06528

Asunto:

Informe de Pintura y Escultura Barroca

Asignatura:

Historia de la Arquitectura II

Fecha:

08/03/23

Parcial:

II

Catedrático:

Arq. Jennifer Marisol Pineda Orellana.

1
 INDICE
Introducción…………………………………………………………………………..p.3
Objetivos……………………………………………………………………………...p.3
1. Origen del arte del barroco………………………………………………………...p.4
1.1. El Barroco arte de la Iglesia Católica……………………………………………p.5
1.2. El Barroco como arte civil……………………………………………………….p.7
2. Características del arte del barroco………………………………………………...p.8
3. Pintura del arte del barroco………………………………………………………...p.8
3.1. Características de la pintura barroca……………………………………………..p.9
3.2 Principales representantes de la pintura barroca. (Según tabla
proporcionada)………………………………………………………………………..p.11
3.3. Pinturas más importantes y reconocidas provenientes del arte barroco. (Según tabla
proporcionada)………………………………………………………………………..p.15
4. Escultura del arte del barroco……………………………………………………...p.24
4.1. Características de la escultura barroca…………………………………………...p.24
5. Principales representantes de la pintura barroca. (Según tabla proporcionada)…...p.25
5.1. Esculturas más importantes y reconocidas provenientes del arte barroco. (Según
tabla proporcionada)…………………………………………………………………p.26
Conclusiones…………………………………………………………………………p.29
Bibliografía…………………………………………………………………………..p.29

2
 INTRODUCCIÓN
El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo
de índole social, político y religioso. El barroco es la continuación al manierismo italiano
que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar
los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad
clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la
tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación. Durante el período Barroco, la
arquitectura, la pintura y la escultura se integraron en conjuntos decorativos. La
arquitectura y la escultura se volvieron pictóricas, y la pintura se volvió ilusionista. El
arte barroco se preocupaba esencialmente por lo dramático y lo ilusorio, con colores
vivos, fuentes de luz ocultas, materiales lujosos, y elaboradas y contrastadas texturas de
superficie, utilizadas para aumentar la inmediatez y el placer sensual. Así que a
continuación se realiza un informe de investigación sobre los puntos, personajes,
características y obras destacadas de su pintura y escultura.

OBJETIVOS
✓ Conocer con más detalle la pintura y escultura del barroco, destacando aquellos
personajes que nos brindaron obras increíbles y de gran auge.

✓ Determinar que, además de la arquitectura, existen profesionales dedicándose

también a la pintura y escultura, dándole así su respectiva admiración.

✓ Demostrar que arte barroco se dirige siempre a los sentidos del espectador, el
ilusionismo y el dinamismo de sus formas pretenden impresionar, convencer,
provocar un movimiento interno.

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 CONTENIDO

1. ORIGEN DEL ARTE EN EL BARROCO

El Barroco se inicia en Italia, cobijado y dinamizado por la jerarquía católica que tuvo en
el arte una excelente arma propagandística para frenar la Reforma protestante, después
que el Concilio de Trento (1545-1563) hubiese sentado definitivamente las bases de
restauración del catolicismo. En el siglo XVII, cuando Roma había vencido a la herejía
calvinista, la iglesia católica enseña al mundo su victoria a través de un arte triunfal, de
exaltación del papado y de todas aquellas creencias que el Concilio Tridentino había
declarado verdades dogmáticas de la fe.

Fue un movimiento de reforma interior y al mismo

tiempo, de reacción enérgica contra el protestantismo,
que se inician en la iglesia católica a mediados del siglo
XVI. La necesidad de una Reforma se había hecho
sentir debido a la corrupción de una parte del clero, la
desorganización, la pésima administración y la
violación de la disciplina eclesiástica, habían
favorecido la expansión del protestantismo en Europa.
Concilio de Trento (1545-1563)

El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo

de índole social, político y religioso.

El barroco es la continuación al manierismo italiano que

prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el
manierismo comienza a usar los cánones clásicos con
artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la
serenidad clásica para expresar un mundo en
movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la
tendencia del barroco es a la exageración y la
ostentación. Manierismo Italiano

Causas Político-Religiosas
Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra
la severidad e iconoclastia del protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de
templos con profusión de escultura. Hay que recordar que los luteranos se alejaron
negando la intercesión de la Virgen María y de los santos, por lo que en el arte barroco se
incide en su representación en fachadas, retablos y todo el arte mueble.

En las artes figurativas barrocas (pintura y escultura) se produce un alejamiento de los

temas paganos de las mitologías griega y romana que tanta aceptación tuvieron durante
el Renacimiento.

Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los artistas
iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos.

4
Estas normas aparentemente conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en este
arte suntuoso y recargado que llamamos Barroco.

Causas Sociales y Psicológicas

El siglo XVII fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la historia
europea. La vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte. Por eso también
era más necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada e intensa para el hombre
barroco.

En ese contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida así como el
movimiento y el color, como si de una magna representación teatral se tratase. De hecho,
se ha indicado con acierto que en las artes plásticas, el barroco intenta reproducir la
agitación y vistosidad de la representación teatral.

Al igual que una representación dramática se apoya en un decorado vistoso y efímero, la

arquitectura barroca se subordina a la decoración, que ha de ser espectacular.

1.1. EL BARROCO COMO ARTE DE LA IGLESIA CATÓLICA

El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos

religiosos de ese período. Frente a la tendencia protestante a
construir edificios para el culto de una manera sobria y sin
decoración, la iglesia católica usará para sus fines litúrgicos la
grandiosidad y la complejidad barroca. En este sentido se puede
afirmar que el Barroco es la expresión estética de la
Contrarreforma.

La Contrarreforma
Durante el siglo XVI, las tesis protestantes fueron extendiéndose por diversos lugares de
Europa, Roma perdía su hegemonía, tanto política como religiosa, toda vez que se pone
en entredicho su supremacía. Esta inestabilidad general y, en concreto, la propia división
de la Iglesia requería una reafirmación del Catolicismo sobre la Reforma, entendida como
la principal causa en la ruptura de la armonía renacentista. Por todo ello, se puso en
marcha un movimiento, la Contrarreforma, que pretendía dos objetivos: una
remodelación desde dentro de la propia Institución y una respuesta dogmática al nuevo
pensamiento protestante. El procedimiento para alcanzar dichos fines se llevó a cabo
fundamentalmente mediante la convocatoria de un Concilio en Trento y la creación de la
Compañía de Jesús.

5
El Concilio de Trento (1545-63), convocado a tales efectos, se cerró con la confirmación
de los dogmas tradicionales de la Iglesia y con la voluntad de combatir su corrupción
interna. Sus conclusiones fueron determinantes en la formación del arte barroco, ya que,
en gran medida, se constituirá éste en el
medio propagandístico de la Iglesia
católica. En su última sesión, en
diciembre de 1563, se aprobaron
instrucciones decisivas para la creación
artística. «...por medio de las historias de
los misterios de nuestra Redención,
descritos en pinturas o en otras
representaciones, el pueblo sea instruido
y confirmado en el hábito de recordar y
meditar continuamente los artículos de
fe.»
Las recomendaciones iconográfico-formales
Iglesia de la Compañía de Jesús dadas en el Concilio podrían resumirse,
según algunos teóricos de la época, en: 1) claridad, sencillez y comprensibilidad, 2)
interpretación realista, y 3) estímulo sensible a la piedad. Siguiendo el último aspecto, se
recomendó representar a Cristo «afligido, sangrando, escupido encima, con la piel
lacerada, herido, deformado, pálido y poco atractivo».

La nueva imagen religiosa también afectó a los templos

y, así, Carlos Borromeo, obispo de Milán y ejemplo a
seguir de conspicuo contrarreformista, decía en sus
Instrucciones sobre arquitectura (1577): «Una iglesia
debería ser de planta de cruz de acuerdo con la
tradición; las plantas circulares se usaban en templos
de ídolos paganos y raramente para iglesias cristianas».

Il Gesu, Vignola, Roma

Otro de los instrumentos de lucha religiosa fue la Compañía

de Jesús, fundada por Ignacio de Loyola (1491- 1556) y
aprobada en 1540 por el papa Paulo III. Esta, con una
estructura monárquica de obediencia al Superior y al papa, se
dedicó a combatir el protestantismo desde la intelectualidad y
la educación, toda vez que se proponía, mediante sus
«ejercicios» conducir la experiencia personal a través de los
sentidos. A mediados del siglo XVII, contaban ya con más de
quinientos colegios o fundaciones, lo que, por otra parte,
contribuyó enormemente a la multiplicación de las obras
artísticas encargadas por la orden.

Papa Paulo III

6
 1.2. EL BARROCO COMO ARTE CIVIL
Junto a la construcción de templos, ermitas,
monasterios y santuarios se desarrollaría
una arquitectura civil que se correspondería
con los réditos que muchas de las familias
más prosperadas de Murcia fueron
obteniendo entre los siglos XVII y XVIII.
Las casas nobiliarias y los palacetes no se
concentraron en la próspera ciudad de
Murcia, la Región está salpicada de
edificios que llaman la atención por su
ornamentación y tamaño, en algunos casos
hasta parajes que hoy día se encuentran
fuera de los ámbitos más poblados enseñan
ejemplos de la arquitectura civil barroca.
Palacios de los Fajardo en Cehegín

Las casonas y palacetes suelen tener un desarrollo en planta que genera en el interior
un patio al que van a dar las estancias de los distintos niveles del edificio. Lo ámbitos más
decorados y llamativos suelen ser, como siempre, las portadas o zonas de acceso y, en el
caso de los consistorios, las fachadas principales, ideadas para la escenificación de los
momentos más importantes de la vida de las poblaciones.

Las casas Consistorial de Lorca, el

Ayuntamiento de Mula o el Ayuntamiento de
Totana, son distintos ejemplos, muy diferentes
entre sí, del tipo de edificios públicos que
podemos encontrar en el barroco, desde las
fachadas más sencillas, próximas casi a
volúmenes más propios del Renacimiento, hasta
los ejemplos más elaborados, con amplias
balconadas e incluidos en los nuevos trazos de
plazas públicas. La Casa Consistorial de Lorca

7
El palacio de los Fajardo en Cehegín, el de
Llamas en Ricote, el de los Condes de San
Julián y el de Guevara en Lorca, el de Cabrera
en Abanilla, la Casa de Alarcos en Yecla o el
de los Marqueses de los Vélez en Mula,
ejemplos de construcciones civiles con muy
distintos enfoques y acabados. De los ejemplos
sencillos y de líneas rectas tuteladas por los
modelos herrerianos, se pasa a las fachadas
ampliamente decoradas, a los frontis con
columnas y abundante parafernalia nobiliaria.
En definitiva de la austeridad del primer barroco Plaza del Ayuntamiento de Mula
se pasa a la abundancia de elementos pero
concentrada en ocasiones en los espacios de portada.

2. CARACTERÍSTICAS DEL ARTE DEL BARROCO

1. Los temas religiosos son una de las constantes del Barroco. No en vano fue un
estilo que surgió como medio de difundir la doctrina contrarreformista.
2. Otra de las características del Barroco es su carácter opuesto al Renacimiento con
una visión más pictórica, profunda y efectista,
3. El Barroco también se caracteriza por dotar a sus obras de
cierto escepticismo. Una herencia del Manierismo, fase final del Renacimiento,
que se refleja en el dramatismo y la fatalidad que imprimieron los artistas
barrocos en sus obras.
4. Estamos ante un estilo más recargado, ornamentado, teatral y artificial.
5. A esta decoración profusa se suman los efectos ópticos para crear ilusiones y
efectos que sorprendan al espectador.
6. Otra de las características del arte Barrocoque buscan remarcar esa teatralidad y
dramatismo es la preferencia por el movimiento, la tensión y la introducción de
las curvas y las superficies onduladas como forma de romper el equilibrio.
7. El color y la luz se subordinan al tema y se llama la atención gracias a los fuertes
contrates cromáticos y al tenebrismo.
8. El Barroco es así una cultura de la imagen, tiendo como objetivo crear una obra
de lo más completa al crearse una estética teatral y dinámica, algo ingenioso y
capaz de diseñar una ilusión, sin mostrarse las cosas como son.
9. Para lograrlo ser recurre a distorsionar la realidad con recursos como el escorzo
en pintura y escultura y una perspectiva pensada para crear ilusiones y efectos.
10. Las celebraciones barrocas suponen una ocasión para aunar todas las artes para
crear escenarios fastuosos y únicos. La arquitectura, la pintura, la danza, la
música o el teatro, entre otras artes, se conjugan para planificar eventos
espectaculares.

3. PINTURA DEL ARTE DEL BARROCO

8
La pintura del barroco es aquella que se produjo en el
siglo XVII y parte del XVIII en Europa, y que además
se irradió en las colonias iberoamericanas.

Enmarcada en el contexto de la Contrarreforma, la

pintura barroca fue particularmente fecunda al
auspicio de los países católicos, tales como Italia y
España. Pero también fue alentada por las diversas
monarquías europeas y los sectores privados
protestantes que procuraban distinción social.

Puede decirse que en el barroco, la pintura fue una

puesta en escena de recursos plásticos que exaltaban
el efectismo, el dinamismo, y los conceptos
complejos. Fue también, sin duda, un período glorioso para esta disciplina artística.
Conozcamos, pues, las características principales de la pintura barroca, y sus artistas y
obras más importantes.
3.1.CARACTERISTICAS DE LA PINTURA BARROCA

Lo primero que debemos comprender sobre la pintura del período barroco es que tuvo
expresiones diversas. Cada país desarrolló características particulares, conforme a los
intereses políticos y sociales, y conforme también a los gustos y sensibilidades.

Tenebrismo y clasicismo

Izquierda: Caravaggio: El descendimiento de la cruz. Derecha: Carracci: Domine quo vadis?

La pintura del período barroco se expresó en dos grandes corrientes plásticas: el

tenebrismo y el clasicismo. La mayoría de las producciones del período pueden ser
enmarcadas dentro de estas dos tendencias.
El tenebrismo es un estilo caracterizado por el contraste dramático entre luces y
sombras. La atmósfera dominante suele ser oscura, y es puntualmente invadida por
focos de luz intensa orientados en función del simbolismo de la escena. Al tenebrismo
le interesa también representar las escenas con el mayor naturalismo posible, sin
esconder ni lo grotesco ni lo desagradable. La técnica pictórica puede acudir a
pinceladas gruesas o inacabadas cuando la expresión así lo requiere. Su máximo
exponente fue Caravaggio.

9
 Importancia del Color
El color es un valor dominante en la
pintura del barroco, ya que a través de él
se persigue transmitir efectos,
sensaciones y conceptos de diversa
índole. En el caso del barroco temprano,
predomina el uso de una paleta basada en
colores tierra, ocres y rojizos. Más
adelante se amplía la gama a colores más
luminosos.

Francisco de Zurbarán: Cristo y la Virgen en

Nazaret
Diferentes soluciones espaciales
El centro único del renacimiento se multiplica y da
lugar a diversos focos de perspectiva. Esto permite
muchas soluciones espaciales. Por ejemplo, dentro
de un cuadro podían existir dos o más centros.
También podían agruparse diferentes elementos de
una escena (como personajes u objetos) en distintos
grupos geométricos como triángulos o círculos. Fue
común también el uso de la diagonal para separar
ambientes o planos, y para crear mayor dinamismo.

Diego Velázquez: Las meninas. 1656, óleo

sobre lienzo, 381 x 276 cm. Museo del Prado,
Madrid
Dinamismo
Buena parte de la pintura barroca se caracteriza por el
dinamismo de las composiciones. En el caso de la
pintura italiana y flamenca, por ejemplo, predomina el
interés por el movimiento dramático de los personajes y
la tensión entre ellos. No es el caso de la pintura
española, algo más reposada.

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 Pedro Pablo Rubens: El desembarco de María de
Médicis en el puerto de Marsella, 1622-1625, óleo sobre
lienzo, 394 cm × 295 cm, Museo del Louvre, París.

Trampantojo
Pietro da Cortona Barrettini: El triunfo de la
Divina Providencia y el cumplimiento de
sus propósitos bajo el Papa Urbano VIII,
1636-1639, fresco del techo del Salone di
Pietro da Cortona, Palazzo Barberini.
El barroco empleó una técnica conocida
como trampantojo, que consiste en
disimular el soporte físico para crear un
Pietro da Cortona Barrettini: El triunfo de la Divina
efecto de continuidad espacial. Con esta
Providencia y el cumplimiento de sus propósitos técnica, se buscaba sumergir al espectador en
bajo el Papa Urbano VIII, 1636-1639, fresco del la ilusión de pertenecer a la representación.
techo del Salone di Pietro da Cortona, Palazzo Aunque usado también en la pintura de
Barberini.
caballete, el trampantojo fue clave en la
arquitectura, donde sirvió para esconder las líneas de la estructura y transmitir la
percepción de un espacio continuo y dinámico. Por ejemplo, el decorado interior de
bóvedas y cúpulas.
3.2.PRINCIPALES REPRESENTANTES DE LA PINTURA BARROCA

Caravaggio
(Michelangelo Merisi; Caravaggio, actual Italia, 1571 - Porto Ercole, id., 1610) Pintor
italiano. Principal figura de la pintura italiana de su tiempo, aprendió el arte pictórico
de un maestro de segunda fila, Simone Peterzano, y sobre todo a partir del estudio de
las obras de algunos artistas venecianos.
De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde no
tardó en destacar no sólo por su original
enfoque de la obra pictórica, sino también
por su vida irregular, en la que se sucedían
lances, peleas y episodios reveladores de
su carácter tempestuoso y su falta de
escrúpulos.

De Caravaggio se ha dicho que fue un

revolucionario tanto por su vida turbulenta
como por su pintura, en la que planteó una
oposición consciente al Renacimiento y al
Caravaggio manierismo, aunque no por ello debe dejar
de notarse la influencia de maestros
renacentistas como Miguel Ángel Buonarroti o Giorgione en la formación de su estilo.
Caravaggio siempre buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de vehementes
contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una
presencia física de vigor incomparable.

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José de Ribera
(Llamado el Españoleto; Játiva, 1591-
Nápoles, 1652) Pintor y grabador
español. No se tienen noticias seguras
sobre su formación artística, si bien se
cree que fue discípulo de Francisco
Ribalta.

Hacia 1608-1610 marchó a Italia,

donde visitó la corte de los Farnesio en
Parma (San Martín partiendo su capa
con el pobre) y se interesó por la obra
de Correggio. Hasta 1616 estuvo en
Roma, donde admiró a Rafael, Miguel
Ángel y, especialmente, a Caravaggio.
Allí consiguió celebridad y realizó
obras de una gran calidad, como
evidencian El gusto y El tacto, de la
serie de Los cinco sentidos.
José de Ribera

Francisco de Zurbarán
(Fuente de Cantos, 1598 - Madrid,
1664) Pintor español. A los quince
años Francisco de Zurbarán se
trasladó a Sevilla, donde fue discípulo
del pintor Pedro Díaz de Villanueva y
conoció a Velázquez. Contrajo
matrimonio con María Páez en 1617,
y desde ese año hasta 1628
permaneció en Llerena
(Extremadura). Aunque existen
noticias documentales de distintas
obras realizadas por Zurbarán durante
este tiempo, no se conoce ninguna
que con seguridad pueda situarse en
esta época.

En 1625 Zurbarán se casó en segundas nupcias con Beatriz Morales. En 1627 pintó
su primera gran obra importante firmada y datada: la Crucifixión del oratorio de la
sacristía del convento dominico sevillano de San Pablo el Real, para el que en 1626
había contratado la realización de veintiún cuadros en ocho meses. Entre 1628 y 1629
llevó a cabo un ciclo de pinturas para el colegio franciscano de San Buenaventura.

Diego de Silva Velásquez

(Diego Rodríguez de Silva y Velázquez; Sevilla, 1599 - Madrid, 1660) Pintor español.
Además de ser la personalidad artística más destacada de su tiempo, Diego Velázquez
es también la figura culminante del arte español, sin rival hasta los tiempos de Goya.

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Diego Velázquez realizó su aprendizaje en Sevilla, en el taller de Francisco Pacheco,
con cuya hija se casó en 1617.
Cuando todavía era un
adolescente, pintó algunas obras
religiosas (La Inmaculada
Concepción, La Adoración de los
Reyes Magos) con un realismo
inusual y pronunciados efectos de
claroscuro. A la misma época
pertenece una serie de obras de
género con figuras de prodigiosa
intensidad y una veracidad
intensísima en la reproducción
tanto de los tipos humanos como
de los objetos inanimados; entre
otros ejemplos se pueden citar
Vieja friendo huevos y El aguador
de Sevilla.

Bartolomé Murillo
(Sevilla, 1617 - 1682) Pintor
español. Nació en 1617 en el
seno de una familia de catorce
hermanos, de los que él fue el
benjamín. Quedó huérfano de
padre a los nueve años y perdió
a su madre apenas seis meses
después. Una de sus hermanas
mayores, Ana, se hizo cargo de
él y le permitió frecuentar el
taller de un pariente pintor, Juan
del Castillo.
En 1630 trabajaba ya como
pintor independiente en Sevilla y en 1645 recibió su primer encargo importante, una
serie de lienzos destinados al claustro de San Francisco el Grande; la serie se compone
de trece cuadros, que incluyen La cocina de los ángeles, la obra más celebrada del
conjunto por la minuciosidad y el realismo con que están tratados los objetos
cotidianos. En general, sus inicios manifiestan la influencia del naturalismo de
Francisco de Zurbarán, José de Ribera y Alonso Cano; posteriormente conocería, en
sus viajes a Madrid, la obra de Velázquez. Murillo destacó también como creador de
tipos femeninos e infantiles: del candor de La muchacha con flores al realismo vivo
y directo de sus niños de la calle, pilluelos y mendigos, que constituyen un prodigioso
estudio de la vida popular. Después de una serie dedicada a la Parábola del hijo
pródigo, se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los capuchinos

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 de Cádiz, de la que sólo concluyó los Desposorios de santa Catalina, ya que, mientras
trabajaba en el cuadro, falleció a consecuencia de una caída desde un andamio.

Peter Paul Rubens

(Siegen, actual Alemania, 1577 -
Amberes, actual Bélgica, 1640) Pintor
flamenco. Fue la gran figura del Barroco
en la Europa septentrional. Las fuentes lo
recuerdan como un gran humanista, un
idealista clarividente, un hombre
reservado y honesto que despreció la
actitud arrogante de los poderosos. Tuvo
más influencia que Rembrandt, a pesar
de que a su pintura grandilocuente le falta
algo de sinceridad.

En razón de las creencias religiosas de su

padre, un abogado calvinista, Pieter Paul
Rubens pasó su primera infancia en Siegen y Colonia. En 1587, la muerte de su
progenitor le permitió desplazarse a Amberes, donde estudió pintura con tres artistas
poco conocidos; uno de ellos, Otto Vaenius, le indujo a realizar el tradicional viaje a
Italia, que resultó decisivo para la formación del artista.

Rembrandt
(Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Leiden,
Países Bajos, 1606 - Amsterdam, 1669) Pintor
holandés. Nacido en el seno de una acomodada
familia de molineros, Rembrandt van Rijn
recibió una esmerada educación y llegó a
ingresar en la Universidad de Leiden, donde
estudió un curso, ya que por entonces decidió
dedicarse a la pintura. De los dos maestros que
tuvo, uno en Leiden y otro en Amsterdam, fue
este último el que más influyó en el artista y el
que le transmitió las tendencias italianizantes en
boga. De hecho, sus primeras creaciones (como
la Lapidación de san Esteban) manifiestan una
evidente influencia del estilo de Pieter Lastman.
A Rembrandt se le recuerda, de hecho, sobre todo por sus magistrales retratos de grupo,
absolutamente alejados de los convencionalismos al uso. La maestría compositiva, la
perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la
agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección
de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros)
unas obras llenas de vida y de genio.
Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, que dejó cerca de 1.500
dibujos y alrededor de 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras
plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de
la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los
Países Bajos. En todo ello se asemejan a las pinturas del artista, de las cuales se

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diferencian en la mayor importancia que en dibujos y grabados tiene la línea sobre el
claroscuro.

3.3.PINTURAS MAS IMPORTANTES Y RECONOCIDAS PROVENIENTES

DEL ARTE BARROCO

Baco, La Cena de Meeux

En sus pinturas parece existir una extensión del
espacio real, deliberadamente hace que los
espectadores se sientan como si estuvieran
participando en la escena. Como dije
anteriormente, la mayoría de sus escenas
estaban inspiradas en la Biblia. La Cena de
Emaús es uno de esos casos donde ilustra un
momento dramático del Nuevo Testamento. La
historia la cuenta Lucas (24, 13-32) y tiene
lugar el día de la Resurrección de Cristo.

Jesús se dirige a pie a la aldea de Emaús

cuando se encuentra con dos de sus discípulos por primera vez desde que le
abandonaron después de su prendimiento. Caravaggio describe el momento en que estos
discípulos se encontraban empezando a cenar cuando un extraño comienza a bendecir la
comida.
Inmediatamente los dos hombres reconocen a Cristo al bendecir este sus alimentos de la
misma manera que lo hizo en la Última Cena. Caravaggio nos muestra este dramático
momento donde introduce la impresionante visión de los protagonistas en primer
término.

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El Sueño de Jacob

El cuadro narra el sueño misterioso del patriarca

Jacob, según relata el Génesis, quien aparece
dormido, recostado sobre el brazo izquierdo.
Detrás de él se encuentra un árbol y al otro lado
la escala de luz por la que suben y bajan los
ángeles.

El asunto muestra la capacidad técnica de

Ribera para construir un discurso metafórico. A
través de la representación de un pastor tendido
a descansar en el campo describe uno de los episodios bíblicos más conocidos. La
visión en primer plano del personaje sólidamente construido y los rasgos realistas de la
escena sirven para hacer verídico el sueño milagroso, que se describe en un haz de luz
bajo un cielo azul y gris.

San Hugo en el Refectorio

Los monjes cartujos protagonizan uno de los
cuadros más emblemáticos del barroco andaluz, obra
del maestro Francisco de Zurbarán. La obra «San
Hugo en el refectorio» de 1635 narra un episodio
sobrenatural ocurrido a estos primeros monjes
durante la época de Cuaresma. El primer aspecto que
llama la atención de este cuadro es que los cartujos
aparecen comiendo carne a pesar de que por motivos
penitenciales está prohibido en su norma. La razón
de esta peculiaridad es que Zurbarán se inspira en el
momento en el que los siete primeros cartujos, entre los que se encuentra San Bruno, el
fundador, afrontan el dilema de si saltarse su regla que les prohíbe comer carne o si
contravenir los deseos del obispo de Grenoble, San Hugo, que se encuentra visitándolos
y les pide precisamente este tipo de comida. La carne adquiere entonces un papel
protagonista en el cuadro a nivel compositivo y conceptual ya que no sólo aparece
dispuesta en la franja del centro de la obra, sino que también es señalada por el dedo del
obispo. Poco después de esta escena la carne se convertirá en ceniza, como indicativo de
que no existen excepciones a la norma cartujana que permitan a los monjes comer
carne.

Vieja Friendo Huevos

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 Seguramente fue pintada en el taller de
Pacheco, donde se había formado y donde
cultivó el género que tanto gustaba al pinto
sevillano, el bodegón. Esta modalidad pictórica
se diferencia de las “naturalezas muertas”
porque él añade figuras humanas. Si quieres
disfrutar de esta pintura al natural tendrás que
visitar la National Gallery of Scottland de
Edimburgo.

El asunto tratado por Velázquez en La vieja

friendo huevos, supone una absoluta novedad,
ya que hasta ahora nadie se había atrevido a representar en la pintura española escenas
tan aparentemente triviales como la que podemos contemplar en ésta.

Retrato de Felipe IV
El retrato oficial de Felipe IV, de cuerpo entero y vestido
de negro, fue pintado por Velázquez hacia 1623, siendo
uno de los primeros retratos que hiciera del rey al poco
tiempo de establecerse en Madrid, y fue íntegramente
rehecho por el mismo pintor hacia 1628.
Artista: Diego Velázquez
Año: hacia 1623, repintado hacia 1628
Estilo: Barroco
Técnica: Óleo sobre lienzo

El Triunfo de Baco
El triunfo de Baco es una pintura del
español Velázquez, creada en 1629 y
conservada en el Museo del Prado.1 Es
conocida popularmente como Los
borrachos.

El cuadro lo pintó unos cinco años después

de su llegada a Madrid procedente de
Sevilla, y poco antes de su primer viaje a
Italia. En los Sitios Reales Velázquez pudo
contemplar la colección de pintura italiana
del rey y hubo de quedar impresionado por los cuadros mitológicos con desnudos que
tenía la colección, sumamente raros en su Sevilla natal; por lo cual se animó a tratar el
mismo género, si bien con un enfoque muy personal.
Año 1628 -1629
Autor Diego Velázquez
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo Barroco
Tamaño 165 cm × 225 cm
Localización Museo del Prado, Madrid, España

17
Retrato del Papa Inocencio X
El Retrato de Inocencio X es una pintura realizada al óleo
sobre lienzo por Diego Velázquez, en el verano de 1650.
Actualmente se encuentra en la Galería Doria Pamphili de
Roma, también conocida como Palazzo Doria-Pamphili.
Una de las virtudes de Velázquez es que era capaz de
penetrar psicológicamente en el personaje para mostrarnos
aquellos aspectos ocultos de su personalidad. Aunque sus
retratos eran calificados de «melancólicos y severos», para
el gusto actual resultan mucho más veraces que los de
Rubens y Van Dyck, quienes en vida gozaron de mayor
éxito comercial porque adulaban a sus clientes
embelleciéndolos.

Año 1650
Autor Diego Velázquez
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo Barroco
Tamaño 140 cm × 120 cm
Localización Galería Doria Pamphili, Roma, Italia

La Venus del Espejo

La Venus del espejo es un cuadro de
Velázquez (1599-1660), el pintor más
destacado del Siglo de Oro español.
Actualmente se encuentra en la National
Gallery de Londres, donde se la denomina
The Toilet of Venus o The Rokeby Venus. El
sobrenombre «Rokeby» proviene de que
durante el siglo xix estuvo en el Rokeby Hall
de Yorkshire.1 Anteriormente perteneció a la
Casa de Alba y a Manuel Godoy, en cuya
época seguramente se conservaba en el Palacio de Buenavista (Madrid), de donde
probablemente fue robada por algún miembro del ejército inglés.
La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y
mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de
un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a
la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer. Esta vez, sin embargo,
prescinde del toque irónico que emplea con Baco, Marte o Vulcano.

18
Las Meninas
Las meninas (como se conoce a esta obra desde el
siglo xix) o La familia de Felipe IV (según se
describe en el inventario de 1734) se considera la
obra maestra del pintor del Siglo de Oro español
Diego Velázquez. Acabado en 1656, según Antonio
Palomino, fecha unánimemente aceptada por la
crítica, corresponde al último periodo estilístico del
artista, el de plena madurez. Es una pintura realizada
al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones
formado por tres bandas de tela cosidas
verticalmente, donde las figuras situadas en primer
plano se representan a tamaño natural. Es una de las
obras pictóricas más analizadas y comentadas en el
mundo del arte. El tema central es el retrato de la
infanta Margarita de Austria, colocada en primer plano, rodeada por sus sirvientes, «las
meninas», aunque la pintura representa también otros personajes. En el lado izquierdo
se observa parte de un gran lienzo, y detrás de este el propio Velázquez se autorretrata
trabajando en él. El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de
composición del espacio, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad
para caracterizar a los personajes.
Año 1656
Autor Diego Velázquez
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo Barroco
Tamaño 320,5 cm × 281,5 cm
Localización Museo del Prado, Madrid, España
País de origen España

Las Hilanderas
La fábula de Aracne, popularmente conocido
como Las hilanderas, es un lienzo de Diego
Velázquez, conservado en el Museo Nacional del
Prado. Esta obra es de los máximos exponentes de
la pintura barroca española y está considerada
como uno de los grandes ejemplos de la maestría
de Velázquez. Temáticamente es una de sus obras
más enigmáticas, pues aún no se conoce el
verdadero propósito de esta obra.

Año c 1657
Autor Diego Velázquez
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo Barroco
Tamaño 222,5 cm × 293 cm
Localización Museo del Prado, Madrid, España
País de origen España

19
Inmaculada
La conocida como Inmaculada «de Soult»
es un cuadro del pintor español Bartolomé
Esteban Murillo, pintado hacia 1678. Se
conserva en el Museo del Prado de Madrid
desde 1941, donde destaca como una de las
obras más importantes de la última etapa
del maestro. Autor de numerosas
Inmaculadas, esta es posiblemente la
última que Murillo pintara siguiendo la
misma fórmula ideal que venía empleando
desde sus primeras aproximaciones al
tema: la Virgen vestida de blanco y manto
azul, con las manos cruzadas sobre el
pecho, pisando la Luna y la mirada dirigida
al cielo. La composición, como en este
caso, suele presentar un claro impulso
ascensional, muy barroco, que coloca a la
figura de la Virgen María en el espacio
empíreo habitado de luz, nubes y ángeles,
aunando dos tradiciones iconográficas: la
de la Inmaculada propiamente dicha y la de
la Asunción.

Año hacia 1678

Autor Bartolomé Esteban Murillo
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo barroco
Tamaño 274 cm × 190 cm
Localización Museo del Prado, Madrid, Bandera de España España
País de origen España
Las Tres Gracias
Las tres Gracias es un cuadro del pintor barroco
Pedro Pablo Rubens, expuesto en el Museo del Prado
de Madrid, España. Está pintado al óleo y mide 221
cm de alto por 181 cm de ancho. La composición
respeta el modelo clásico que representa a las Gracias
completamente desnudas y reunidas, pero cambia la
relación entre las tres figuras que están conectadas
entre sí a través de los brazos, el velo transparente que
las cubre, y sus miradas, es decir, psicológicamente,
dando así nueva unidad al grupo. La disposición de
las Gracias forma un triángulo, estando la de en medio
de espaldas, con la cabeza vuelta y apoyada en sus
compañeras. A diferencia que en el renacimiento, en
este cuadro se representa la asimetría y el realismo
humano, siendo así una obra muy realista.
Año 1636-1639
Autor Pedro Pablo Rubens
Técnica Óleo sobre tabla de roble

20
Estilo Barroco
Tamaño 221 cm × 181 cm
Localización Museo del Prado, Madrid, España

El Rapto de las Hijas de Leucipo

El rapto de las hijas de Leucipo es un
cuadro del pintor flamenco Pedro Pablo
Rubens. Fue ejecutado hacia el año [[1700
]]. Se trata de una pintura al óleo sobre
tabla, que mide 2,22 metros de alto y 2,09
m de ancho. Actualmente se conserva en
la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania).

En esta tela se representa un tema

mitológico. Cástor y Pólux raptaron a las
hijas de Leucipo. No obstante, no se supo
que tal era el tema hasta que lo descifró el
poeta Wilhelm Heinse en 1777 después de
leer los «Idilios» de Teócrito. Es un
cuadro del principio de la carrera de su
autor, de transición entre el renacimiento
y el barroco.

La composición, como en el clasicismo, está calculada y equilibrada. Pero el movimiento,

ascendente y en diagonal, construido por masas de color, es ya de un dinamismo
típicamente barroco.

En los opulentos desnudos se nota la influencia de la escuela veneciana. Los colores son
cálidos y deslumbrantes.

Lección de Anatomía
La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp
es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt.
Fue pintado en 1632. Se trata de una pintura al
óleo sobre lienzo, que mide 168,5 centímetros
de alto y 216,5 cm de ancho. Se conserva en el
Mauritshuis de La Haya (Países Bajos).
Es el primer retrato de grupo pintado por
Rembrandt, que tenía entonces 26 años. Fue un
encargo del potente gremio de los cirujanos, de
los cuales Tulp, famoso médico de
Ámsterdam, era un representante eminente. Un
cuadro de similares características fue pintado por Thomas de Keyser en 1619.
En 1828 se decidió la venta pública de este cuadro en favor de la caja de las viudas de
cirujanos. El rey Guillermo I impidió esta venta y ordenó comprar esta obra maestra para
su «gabinete real de pinturas».

La Ronda de Noche

21
 La ronda de noche o La ronda nocturna (en
neerlandés: De Nachtwacht) es el nombre por el
que se conoce comúnmente una de las más
famosas obras maestras del pintor neerlandés
Rembrandt, pintada entre 1639 y 1642. Este
cuadro es una de las joyas de la exposición
permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam,
pinacoteca especializada en arte neerlandés.
Aunque el título del lienzo como La ronda de
noche está históricamente consolidado, su
nombre original fue La compañía militar del
capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh (el nombre oficial
en neerlandés es De compagnie van kapitein Frans Banninck Cocq en luitenant Willem
van Ruytenburgh maakt zich gereed om uit te marcheren).
Año 1642
Autor Rembrandt
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo Barroco
Tamaño 359 cm × 438 cm
Localización Rijksmuseum, Ámsterdam, Países Bajos
País de origen Países Bajos

Rembrandt (Mitología)
Danaé Dánae, del pintor Rembrandt, es una pintura al óleo sobre
lienzo realizada en 1636. Es una de las nueve obras del autor
neerlandés que conservan en el Museo del Hermitage de San
Petersburgo. Según la mitología griega, decepcionado por carecer de
herederos varones, Acrisio consultó un oráculo para saber si esto
cambiaría. El oráculo le dijo que fuese al fin de la Tierra donde sería
asesinado por el hijo de su hija. Para que esta no tuviese hijos, Acrisio la encerró en una
torre de bronce (o en una cueva, según la versión). Pero aun así, Zeus la alcanzó
transformado en ducha o lluvia de oro y la dejó embarazada.
Rembrandt (Historia)
La temática de este cuadro permanece todavía sin
esclarecer, representa una joven dama identificada como
Artemisa, Sofonisba o como una reina genérica que está
recibiendo una copa de manos de su criada. La copa
puede que contenga las cenizas del marido de Artemisa o
el veneno que mató a Sofonisba. Finalmente en 2009 se
reveló que la figura femenina del retrato era la heroína
bíblica Judit que embriagó a su enemigo Holofernes y lo
mató para evitar la guerra. El cuadro trata del momento
antes del asesinato, durante el banquete.

Título: Judit en el banquete de Holofernes

Autor: Rembrandt von Harmenszoon

Pintado en: 1634

22
Estilo: Barroco

Técnica: Óleo sobre lienzo

Ubicación: Museo del Prado de Madrid

Rembrandt (Pintura de Género)

El Retorno del Hijo Pródigo
La obra "El Retorno del hijo pródigo" fue pintada
entre los años 1963 y 1965 por el neerlandés
Rembrandt, pintor y grabador, máximo exponente
del estilo barroco.

Los elementos del cuadro no han sido dejados al

azar, se han realizado estudios de cada detalle,
expresiones de los rostros, posturas corporales,
colores e iluminación, cada aspecto está
minuciosamente pensado por el pintor,
atendiendo a su propia Fe.
La escena representa la parábola del hijo pródigo,
narrada en el capítulo 15 del Evangelio de San
Lucas, concretamente, cuando el joven
arrepentido y avergonzado regresa a la casa del
padre, después de haberse gastado toda su
hacienda.

Al verlo a lo lejos, el padre corre a buscarlo con alegría, y el hijo se postra ante él. Para
explicar el acontecimiento el padre grita a todos: "Este hijo mío estaba muerto y ha vuelto
a la vida, estaba perdido y ha sido encontrado". Mientras, el hermano mayor junto con
sus amigos, lo miran con desprecio.

Rembrandt (Paisaje)
Paisaje de Invierno
De todos los paisajes, este está impregnado de
una frescura especial, como si se hubiera hecho
al aire libre, aunque esto no significa que se haya
creado en una sola sesión. Comenzaron a
escribir así solo en el siglo XIX. Es posible que
se hayan hecho bocetos al aire libre, pero luego
la imagen se refinó en el taller.

Este paisaje, aparentemente, es un boceto

preliminar: es de tamaño pequeño y está escrito
de una manera notablemente relajada, a grandes
rasgos, lo que da a la obra una apreciación tan inmediata ahora.

Rembrandt (Retrato)
23
Un Noble Polaco
Un noble polaco es una pintura de Rembrandt de 1637 que
representa a un hombre con un traje de szlachta polaca. La
identidad del tema de la pintura no está clara y ha dado lugar a
varias interpretaciones diferentes.

Rembrant (Pintura Religiosa)

Descendimiento de la Cruz
El Descendimiento de la cruz es un cuadro del
pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en
1633. Se trata de una pintura al óleo sobre tabla, que
mide 89,4 centímetros de alto y 65,2 cm de ancho.
Se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich
(Alemania).

Forma parte de un ciclo de siete obras sobre la

Pasión realizadas a petición de Federico Enrique de
Orange, gobernador de los Países Bajos.

Rembrandt utiliza el claroscuro para subrayar lo

humano del sufrimiento y el carácter detestable de
la muerte. Resalta la mortecina claridad de la
sábana mortuoria y de la pálida piel de Cristo.

4. ESCULTURA DEL ARTE DEL BARROCO

El arte barroco no careció de

escultores, aunque no muchos
fueran tan magníficos como los
del Renacimiento, si que hubo
uno, Gian Lorenzo Bernini que
fue digno sucesor de Miguel
Ángel. Los escultores barrocos,
trabajaron principalmente
decorando las fachadas y
edificios de la arquitectura
barroca y realizando estatuas
para mostrar imágenes
religiosas.

24
La escultura barroca fue la rama artística que más se extendió. Vamos a analizar a
continuación las principales características y escultores de esta corriente artística.

4.1.CARACTERÍSTICAS DEL ARTE DEL BARROCO

A continuación se muestran las principales características de la escultura barroca:

• La escultura barroca fue principalmente utilizada para decorar las obras

arquitectónicas de este periodo, tanto interna como externamente.

• En contraposición al orden que presentan las esculturas y en general las obras

renacentistas, el barroco trabaja con composiciones menos organizadas sin tanto
orden.

• Existe un elevado expresionismo de los rostros de las estatuas tratando de retratar

sentimientos por medio de gestos, peinados, tensiones.

• Los escultores barrocos están obsesionados con lograr imprimir movimiento a sus
obras, por ello se evitan las simetrías y se multiplican los pliegues, se emplea el
contrapuesto como técnica para dotar de movimiento a las figuras y se busca
lograr contrastes lumínicos.

• La temática habitual es la religión, ángeles, mártires, santos son habitualmente

representados. En las esculturas paganas, héroes y dioses paganos suelen aparecer.

• Se emplea el mármol y el bronce como materiales.

5. PRINCIPALES REPRESENTANTES DE LA ESCULTURA BARROCA

GIAN LORENZO BERNINI

25
 (Nápoles, 1598 - Roma, 1680) Escultor, arquitecto y
pintor italiano. Bernini es el gran genio del barroco
italiano, el heredero de la fuerza escultórica de
Miguel Ángel y principal modelo del Barroco
arquitectónico en Europa. En 1629, Bernini fue
nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por
el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte
trabajó ininterrumpidamente para los sumos
pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el
pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros
artistas (entre ellos Francesco Borromini, otra de las
grandes personalidades del Barroco italiano) y le
encargó pocas obras. De sus realizaciones para San
Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar
mayor y el grupo escultórico de los Padres de la
Iglesia que, observado a través de las columnas del
baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice. Su
mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la
plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus
efectos escenográficos. Esta columnata representó una gran novedad, no sólo por sus
dimensiones, sino sobre todo por su disposición elíptica, una forma muy cara a los
arquitectos barrocos, inclinados a conferir a todas sus obras efectos de movimiento. Las
monumentales estatuas que la rematan en su parte superior dotan al conjunto de un aire
todavía más majestuoso y solemne si cabe.

GREGORIO FERNÁNDEZ
(Sarria, España, 1576 - Valladolid, 1636) Escultor español.
No está documentado con seguridad su origen gallego ni el
período de su formación. Sólo se sabe que a partir de 1605
estaba activo en Valladolid, donde contaba ya con taller
propio, lo cual no excluye que trabajase como ayudante en
otros talleres antes de esa fecha. Fue uno de los grandes
maestros de la escultura religiosa en madera policromada de
la llamada escuela castellana de los siglos XVI-XVII.
Heredó de Juan de Juni la tradición de las imágenes
religiosas cargadas de dramatismo, pero incorporó al
lenguaje de su antecesor un mayor naturalismo.

De hecho, Gregorio Fernández evolucionó desde una

primera etapa bastante vinculada al período anterior hasta una segunda fase en la que
impuso un gran naturalismo, presente no sólo en los gestos y las actitudes, sino también
y sobre todo en la policromía; en este campo, exigió a los policromistas que trabajaron
para él el abandono del oro y los tonos brillantes tan en boga hasta entonces para iluminar
las figuras con colores inspirados en el natural.

26
FRANCISCO SALZILLO
(Murcia, 1707-id., 1783) Escultor español. Su padre, el
escultor napolitano Nicolás Salzillo, se estableció en
Murcia unos años antes del nacimiento de Francisco, y
abrió en la ciudad un taller en el que se formaron sus
hijos, Juan Antonio, José, Inés y Francisco que también
se dedicaron a la escultura (más concretamente a la
policromía de las figuras).
A la muerte de su padre, Francisco Salzillo se hizo cargo
del taller familiar, en el que continuó al principio el
estilo paterno. Su primera obra enteramente personal es
también la más valorada por la crítica en la actualidad,
el famoso Pesebre de más de 800 piezas realizado al
estilo de los belenes napolitanos de finales del siglo
XVII; estas figuras, esculpidas en barro cocido, madera
o cartón, sobresalen por su realismo extremo y su
enorme expresividad, hasta el punto de que se consideran inspiradas en tipos populares.

Su otra gran realización la comenzó en 1752, cuando la cofradía de Jesús Nazareno le

encargó un conjunto de ocho pasos procesionales, que se han convertido en su creación
más famosa. Los más logrados son los dedicados a la Oración en el huerto, la Última
Cena y la Dolorosa, pero en todos triunfa el personal estilo del autor, exaltador de la
belleza y del naturalismo.
5.1.ESCULTURAS MAS IMPORTANTES Y RECONOCIDAS
PROVENIENTES DEL ARTE BARROCO

APOLO Y DAFNE
Apolo y Dafne es una escultura realizada por el italiano
Gian Lorenzo Bernini entre los años 1622 y 1625.
Pertenece al estilo barroco. Se trata de un grupo
escultórico de mármol y de tamaño natural expuesto en la
Galería Borghese (Roma). Cuenta el mito de Apolo y
Dafne que Apolo se burló de Eros.
Él, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de
él y para ello le arrojó una flecha de oro, que causaba un
amor inmediato a quien hiriese. Otro disparo hirió a la
Ninfa Dafne con una flecha de plomo, que causaba el
rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a
Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su
persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario,
huyó de él. Y la dríade corrió y corrió hasta que agotada
pidió ayuda a su padre, el río Ladón, y a su madre la diosa
Gea quienes determinaron convertir a Dafne en laurel.
Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de
dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de
hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: «Puesto que no puedes ser mi
mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las
personas en señal de victoria».

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EXTASIS DE SANTA TERESA
El Éxtasis de Santa Teresa también conocido
como la Transverberación de Santa Teresa (en
italiano: L'Estasi di Santa Teresa o Santa Teresa
in estasi o Transverberazione di santa Teresa)
es un grupo escultórico en mármol obra del
escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini, de
estilo barroco. Fue realizada entre 1647 y 1652,
por encargo del cardenal Cornaro, para ser
colocada donde iría su tumba, en la Iglesia de
Santa María de la Victoria (Santa Maria della
Vittoria), en Roma, donde actualmente se
encuentra, en la llamada Capilla Cornaro. Ella
muestra un evidente clímax erótico, entre el
placer y el dolor y su vestido está tallado en olas
de tela, casi flotando, evocando el terremoto
espiritual que rodea a Teresa. El ángel por su
parte sonríe travieso cuando va a penetrar con
su flecha a la señora.
Son 3,4 metros de altura que demuestran su experiencia como diseñador de escenarios.

CRISTO YACENTE
El tipo iconográfico del Cristo yacente está
tan unido a la producción del escultor
Gregorio Fernández que prácticamente no
existe un Cristo de este tipo en la mitad
septentrional de España, datado en la
primera mitad del siglo XVII, que no se le
haya atribuido en algún momento. Lo
cierto es que se puede considerar de su
mano alrededor de una docena, y sabemos
que hubo al menos otro que no se ha
conservado, hecho para los franciscanos de
Arántzazu en Guipúzcoa. Cronológicamente comienzan hacia 1609, con el Cristo yacente
encargado por el duque de Lerma para el convento dominico de San Pablo de Valladolid,
y llegan hasta el final de la carrera de Fernández.

LA ORACIÓN EN EL HUERTO DE LOS OLIVOS

La oración en el huerto, realizado por el
escultor murciano Francisco Salzillo, es
uno de los siete pasos procesionales que
formaban la serie encargada por la
cofradía de Nuestro padre Jesús Nazareno
de Murcia. Se trata por tanto de una obra
de imaginería procesional barroca del
siglo XVIII. En ella se ve, por un lado, un
ángel mostrando a Jesús el cáliz y, por
otro, la escena de los tres Apóstoles
durmientes bajo una palmera que contiene
el cáliz de la Pasión y una rama de olivo.
28
 CONCLUSIONES

✓ Se logró determinar la magnitud de las obras que se presentaban dentro del

barroco. Encontrando así, un auge gigante donde se observa la cantidad de detalle
y lo cargadas que eran las obras.

✓ Se observa el claroscuro dentro de cada pintura, las expresiones y detalles de la

anatomía humana se vuelven más presentes, dándole así más realce al ser humano.

✓ Las esculturas permanecen con mucha expresión a diferencia del renacimiento, ya

que se observan más a detalle la vivencia en cada personaje esculpido, como por
ejemplo en el Cristo Yacente, se observa la expresión decadente y de dolor.

BIBLIOGRAFÍA
✓ https://www.unprofesor.com/ciencias-sociales/barroco-caracteristicas-
generales-del-arte-1901.html
✓ Snyder, J. R. (2015). La estética del Barroco (Vol. 195). Antonio
Machado Libros.
✓ López, J. E., Marcano Torres, M., López Salazar, J. E., López Salazar,
Y., & Fasanella, H. (2004). El arte Barroco. Las formas en el Barroco.
Gaceta Médica de Caracas, 112(4), 325-340.

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