Te has preguntado qué elementos son importantes para crear una buena

fotografía con cualquier tipo de cámara. A continuación te explico cuáles son

algunos de los elementos que son materia prima para poder crear imágenes con
calidad. Comencemos revisando los conceptos fotografía y luz.

La fotografía y la luz

Veamos las definiciones de fotografía:

Fotografía

Joan Fontcuberta (1990)

Diccionario de la Real Academia de la Lengua Española (RAE)

Estas definiciones nos revelan dos premisas básicas que desarrollaremos a lo

largo de este curso:

A través de su devenir histórico la fotografía ha sufrido una serie de cambios y

adaptaciones.

Entre estos cambios se encuentra el factor de la luz.

La luz

Es un elemento esencial en el proceso de la fotografía, es una porción constante

de la amplia gama de energía que el sol irradia. Aunque estemos continuamente
sometidos a la radiación luminosa no sentimos su impacto porque no se trata de
una cosa material, en cambio sí podemos sentir el calor del sol porque su luz se
convierte en energía calórica que el cuerpo detecta.

El ojo humano y las cámaras fotográficas funcionan bajo un mismo esquema, en

ambos casos la luz entra por unas pequeñas aberturas.
Observemos la siguiente imagen:

Imagen 1. La refracción de la luz y la cámara oscura funcionan bajo el mismo

principio.

Imagen 1. La refracción de la luz y la cámara oscura funcionan bajo el mismo

principio.

Los rayos lumínicos se refractan al pasar por un lente y la imagen se forma sobre
un material sensible a la luz.

Este es un principio conocido como cámara oscura (Imagen 2), del italiano camera
obscura, que significa “sala oscura”. Tal denominación se deriva de los primeros
acercamientos hacia este instrumento óptico, debido a que se realizaban en una
habitación cerrada con un pequeño orificio que proyectaba la luz exterior y
reflejaba una imagen del exterior. Es gracias a esto que todos los equipos
fotográficos son conocidos como cámaras.

Otro de los elementos importantes en la fotografía es la iluminación, veamos en

qué consiste.

Iluminar

La luz incide en el momento de capturar sujetos, paisajes o toda clase de objeto y

no precisamente en la contribución del proceso físico de captar las imágenes. En
la fotografía se le conoce a este proceso como iluminar y es un factor
determinante para el resultado de nuestras capturas.

Existen dos tipos principales de fuentes luz:

Front of card

Luz natural

Back of card
Aquella que proviene del sol.

Front of card

Luz artificial

Aquella que proviene de lámparas.

De manera inherente a la luz surgen las sombras, esto es, cuando un cuerpo le
obstruye la luz a otro, lo que produce una umbría.

Veamos el siguiente el video acerca de la técnica usada antes de la fotografía:

Lo primero que necesitamos al momento de iluminar es seleccionar el tipo de luz

adecuada para nuestras capturas. A continuación te muestro algunos tipos de luz
que te pueden ser de utilidad en alguna captura fotográfica:

Dura

Tenues

Uniforme

Cenita

Fronta

Lateral

Contraluz

La temperatura de la luz

La temperatura de la luz es el elemento final en nuestro proceso de iluminación

fotográfica. Con temperatura lumínica nos referimos a la sensación que produce la
luz según su tonalidad.

Las luces frías son las que tienen tonos cercanos al azul.

Y las luces cálidas contienen tonos cercanos al rojo.

La fotografía ha recorrido un largo camino en su historia relativamente corta. En
casi 200 años, la cámara se desarrolló a partir de una caja simple que tomaba
fotos borrosas a comparación de las mini computadoras de alta tecnología que
usamos hoy en nuestras cámaras de fotos reflex y teléfonos inteligentes.

1. Evolución de la fotografía

La llegada de la fotografía digital fue posible gracias al descubrimiento de varios

procesos y técnicas en diferentes momentos de la historia de la humanidad. A
continuación haremos un breve recorrido por este complejo camino.

Procedimiento fotográfico: heliografía

Es un procedimiento fotográfico que comenzó a utilizarse a principios de 1802

mediante el cual se realizaban capturas de imágenes por medio de una cámara
obscura y se imprimían sobre diversos materiales como papel, vidrio o metal.

Imagen 1: Vista desde la ventan en Le Gras. Imagen de 1826 capturada por

Nicéphore Niépce y reconocida como la primer fotografía de la historia.

Imagen 1: Vista desde la ventan en Le Gras. Imagen de 1826 capturada por

Nicéphore Niépce y reconocida como la primer fotografía de la historia.

Procedimiento fotográfico: daguerrotipo

Con este proceso fotográfico se obtienen imágenes en positivo gracias a una
placa de cobre cubierta con yoduro de plata. Este procedimiento se presentó de
manera oficial el 19 de agosto de 1839 y es considerado como uno de los sucesos
más importantes en la historia de la fotografía.

Imagen 2: En este daguerrotipo podemos ver al célebre escritor Edgar Allan Poe.
La imagen fue capturada por Edwin H. Manchester en 1848.

Imagen 2: En este daguerrotipo podemos ver al célebre escritor Edgar Allan Poe.
La imagen fue capturada por Edwin H. Manchester en 1848.

Procedimiento fotográfico: calotipo

Este procedimiento es uno de los grandes avances en la fotografía, consiste en

crear impresiones en negativo para después hacer múltiples impresiones en
positivo. Dicho proceso es el predecesor de la fotografía moderna.

Imagen 3: En este calotipo aparece William Henry Fox, inventor de este proceso
fotográfico.

Imagen 3: En este calotipo aparece William Henry Fox, inventor de este proceso
fotográfico.

Procedimiento fotográfico: colodión húmedo

El colodión es una clase de explosivo cuya base es la celulosa nítrica. En este

proceso de revelado y captura de imágenes siempre debe utilizarse una placa
húmeda. Este proceso apareció en el año 1851 y una de sus principales
aportaciones es la incorporación de materiales como el vidrio, que a diferencia del
papel, facilita su conservación y garantiza la durabilidad de las impresiones
fotográficas.

Este procedimiento tiene como limitante que el material necesita permanecer

húmedo durante la captura y revelado de las fotografías. Por ello, solo podían
hacerse capturas en el estudio o muy cerca del laboratorio de revelado.

Imagen 4. En esta imagen aparece Abraham Lincoln en 1864. Es un soporte en

placa de vidrio al colodión húmedo.

Imagen 4. En esta imagen aparece Abraham Lincoln en 1864. Es un soporte en

placa de vidrio al colodión húmedo.

Placas de gelatina seca

Dicha técnica consistía básicamente en extender una solución de bromuro de

cadmio, agua y gelatina sensibilizada con nitrato de plata, la cual ya no necesita
estar húmeda durante todo el proceso. Surge para sustituir al colodión húmedo
debido a lo poco práctico que resultaba manipularlo en los exteriores. Esta técnica
permitió a la fotografía salir de los estudios y documentar el mundo exterior.

Imagen 5. Esta fotografía en placa sobre gelatina de 1914 retrata a las soldaderas,
pertenece a la colección fondo Casasola.

Imagen 5. Esta fotografía en placa sobre gelatina de 1914 retrata a las soldaderas,
pertenece a la colección fondo Casasola.
PELÍCULAS EN ROLLO DE CELULOSA

PELÍCULAS KODACHROME

POLAROID O FOTOGRAFÍA INSTANT...

Tras solucionar las problemáticas causadas por el colodión en 1879, comienzan a

utilizarse en lugar de las antiguas placas de vidrio los rollos de celulosa para
facilitar su transportación.

En esta fotografía aparece un rollo de película de celulosa Ilford. La imagen

pertenece a la colección del Museum of Transport and Technology (MOTAT).

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imagen-17.png

Este largo proceso evolutivo es el camino que ha tenido que seguir la humanidad
para llegar a la fotografía digital.

2. Tipos de cámaras

Como ya lo hemos revelado con anterioridad, la historia de la fotografía es muy

amplia, por ello haremos dos grandes divisiones en los equipos fotográficos:
equipos análogos y cámaras digitales.
Equipos análogos

Este es el término que utilizamos para referirnos a los equipos cuya principal
característica es el uso de películas cubiertas de materiales o emulsiones que
cambian sus propiedades al entrar en contacto con la luz, dando como resultado
fotografías.

La cantidad de materiales fotosensibles con que se cubren las películas

determinan su calidad y se mide en una escala conocida como ISO (International
Organization for Standarization).

Algunas de los equipos fotográficos más comunes en el ámbito analógico son:

a) Equipos análogos

Este es el término que utilizamos para referirnos a los equipos cuya principal
característica es el uso de películas cubiertas de materiales o emulsiones que
cambian sus propiedades al entrar en contacto con la luz, dando como resultado
fotografías.

La cantidad de materiales fotosensibles con que se cubren las películas

determinan su calidad y se mide en una escala conocida como ISO (International
Organization for Standarization).
Algunas de los equipos fotográficos más comunes en el ámbito analógico son:

COMENZAR

Punto 1

Cámaras compactas

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imagen-20-1.png

Son principalmente de uso doméstico, con opciones predeterminadas y uso

sencillo.

Cámara Reflex SLR (Single Lens Reflex).

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imagen-21.png

Estas cámaras reciben su nombre por dos cosas: por un lado, su visor funciona a
través de prisma que refleja la imagen y, por el otro, tiene lentes intercambiables
que le permiten tener diferentes ángulos de visión. Su mecanismo complejo ofrece
una mayor precisión en sus capturas, pero también requiere de mayor
conocimiento técnico en su manejo.

b) Cámaras digitales

Estas cámaras reciben la luz y la convierten en impulsos eléctricos. Con la ayuda

de un conversor analógico digital los impulsos se transforman en lenguaje binario,
dando como resultado una imagen.
Algunas de los equipos fotográficos más comunes en el ámbito digital son:

Los factores de la fotografía que veremos son conceptos básicos que nos
ayudarán a estandarizar criterios y continuar con nuestro curso.

Factores en la fotografía

A continuación, describiré tres dispositivos que utilizan algunas cámaras para

tener un completo control de la luz.

a) Diafragma

Es el dispositivo encargado de regular la cantidad de luz que entra a nuestro

dispositivo. Esto nos permite decidir qué tanta luminosidad brindamos a nuestras
capturas. Cuando el diafragma está muy cerrado las fotos pueden quedar poco
iluminadas, este fenómeno se conoce como subexposición.

El caso contrario ocurre cuando el diafragma queda demasiado abierto y se

produce un exceso de luminosidad en nuestras capturas, este fenómeno es
conocido como sobreexposición.

Imagen 1. La imagen muestra un diafragma y algunas de sus diferentes, la cual se

aberturas se mide en números “f”, entre más grande el número “f” más cerrado el
diafragma.

Imagen 1. La imagen muestra un diafragma y algunas de sus diferentes, la cual se

aberturas se mide en números “f”, entre más grande el número “f” más cerrado el
diafragma.
Diagrama 1. Muestra las diferentes escalas del ISO, obturador y apertura.

Diagrama 1. Muestra las diferentes escalas del ISO, obturador y apertura.

b) Obturador

Este mecanismo permite controlar el momento en el que entra la luz a nuestro

dispositivo. En combinación con el diafragma nos permite dar la luminosidad
correcta a nuestras capturas.

Cuando el diafragma ofrece la entrada de mucha luz el obturador deberá restringir

su permanencia con un disparo rápido. En caso contrario, un diafragma muy
cerrado necesitará luz por un tiempo prolongado.

c) ISO (International Organization for Standarization)

Como ya lo vimos con anterioridad, la cantidad de materiales fotosensibles con

que se cubren las películas determinan su calidad. En la fotografía digital este
valor se otorga a la sensibilidad del sensor electrónico. Para mayor cantidad de luz
será necesario un menor ISO. En espacios oscuros necesitaremos un mayor ISO.

Cuando aumentamos el ISO en una cámara digital se amplifica la señal en su

sensor, haciendo ganar más luz, pero sacrificando calidad en la imagen. Este
fenómeno es conocido como ruido que son unos pequeños puntos se sustituyen la
falta de información (ver última parte de la diagrama 1).

El equilibrio entre la apertura, velocidad e ISO adecuados, nos darán una correcta
exposición. Estas son las principales herramientas para controlar la luz en la
fotografía, sin embargo, al hacer una captura buscamos tener un registro
automático de la realidad que narra un hecho determinado. Para ello necesitamos
considerar algunos elementos que nos ayuden a dar el mensaje que deseamos.

Como ya lo he mencionado, la intención de este curso no es dar un dominio

técnico sobre equipos complejos, sino brindar elementos básicos que nos ayuden
a solucionar problemas al momento de hacer nuestras construcción fotográfica.

A continuación los describiremos:

1. Encuadre

Es el proceso a través del cual elegimos los elementos que aparecerán en nuestra
fotografía. Dicho de otro modo, al buscar construir una imagen para expresar una
idea o mostrar algún mensaje, el encuadre será nuestra unidad narrativa básica.

Lo primero será decidir el formato, el horizontal es el más común porque ofrece la

forma natural de ver las cosas, nos ayuda a mostrar paisajes o fotos grupales. Por
otro lado, el vertical produce la sensación de extrañeza, nos ayuda al momento de
querer destacar algún elemento.

2. Objeto de interés

En todas las fotografías es necesario definir a la persona u objeto que buscamos

fotografiar y dar énfasis en dicho elemento. Podemos tomar como analogía al
teatro y pensar que nuestro objeto de interés será el actor principal y la encuadre
el escenario.

3. Momento

Elegir un momento exacto es parte esencial de la construcción de nuestra

fotografía. Es por ello que debemos ser conscientes que al disparar nuestra
cámara estamos capturando un momento exacto, es decir, congelamos un
instante de tiempo. Debemos pensar claramente qué buscamos reflejar en nuestra
captura, tener paciencia para encontrar el momento preciso y pericia para no
dejarlo escapar.
La imagen 4 pertenece a la película Zama de 2017 de la directora Lucrecia Martel.
Con ella podemos ilustrar la importancia de definir un objeto de interés para tener
un punto donde centrar la vista, de lo contrario corremos el riesgo de perdernos en
la imagen.

4. Fondo

Todo lo que aparece en nuestras fotografías es información, por lo que debemos

cuidar todos los aspectos que aparecen en ella. El fondo es un elemento muy
significativo que puede ayudarnos a enfatizar la idea que buscamos, transmitir un
mensaje diferente o, simplemente, ser un distractor en la construcción de nuestro
mensaje.

La imagen que aquí presentamos pertenece a la serie Luis Miguel de Netflix. En

ella se puede se intenta recrear un salón de primaria pero en el pizarrón aparece
un error básico aritmético, pues el resultado de la operación 7×1 es 7 y no 1. Esta
imagen, que fue causa de burlas en redes sociales, nos ayuda a ejemplificar la
importancia de poner atención en el fondo de nuestras capturas.

4. Realidad o ficción

Otro punto importante por definir será si queremos capturar un momento de la vida
cotidiana ( paisaje urbano), elementos de la naturaleza o las actividades diarias de
un personaje determinado. Empero, quizá hemos decidido fotografiar
construcciones escenográficas o situaciones prefabricadas o controladas que nos
ayudan a expresar una idea más concreta.

La imagen 5 es fotografía realizada en colaboración entre Salvador Dalí y Phillippe

Halsman. Se trata de un ejemplo claro de ficción, pues nos muestra una imagen
que no existe de manera natural.

Cuando hablamos de un plano nos referimos a la cantidad de elementos que

deseamos mostrar en nuestro encuadre.
La fotografía de retrato es una serie de conceptos y recomendaciones que
debemos utilizar cuando fotografiamos a una persona con el fin de determinar
criterios, por ejemplo, en qué parte del cuerpo podemos hacer cortes de encuadre
para evitar mutilaciones o imágenes poco estéticas.

A continuación analicemos los planos más utilizados en la fotografía.

Plano general

En este plano la persona a fotografiar deberá aparecer de cuerpo completo, es

decir, de pies a cabeza. En esta toma abierta se podrá mostrar una gran cantidad
de información sobre los elementos que rodean a nuestros modelos.

La imagen 1 de la película de The Shining nos muestra un ejemplo de plano

general. En ella vemos a un pareja de gemelas en medio un pasillo. La toma no
solo nos permite ver a las niñas de cuerpo completo, también nos posibilita
percatarnos de los elementos que se encuentran en su entorno, brindándonos un
mayor contexto.

Plano americano

Este es un plano que surgió en el ámbito cinematográfico con las películas

western. En él se muestran tres cuartas partes de la persona, haciendo un corto
abajo de las caderas justo a mitad de los muslos.

En esta escena de la película de The Good, the Bad and the Ugly (El bueno, el
malo y el feo) de 1966 que dirigió Sergio Leone aparece el actor Clint Eastwood en
un claro ejemplo de plano americano. Estas escenas fueron un invento de las
películas de vaqueros para prestar atención en las manos y las armas de los
actores.

Plano medio largo

Con este plano se busca resaltar la parte alta del cuerpo, haciendo un corte de la
cadera hacia arriba. Uno de los grandes errores en este plano resulta al hacer un
corte de las manos o brazos, por lo que te recomiendo prestar atención para no
mutilar a la persona.
Plano medio

Con él se busca mostrar la parte superior del cuerpo, dando más énfasis en la
cara. Se logra al hacer un corte a la altura de la cintura (uno poco más arriba de la
cadera, una cuarta abajo del ombligo).

La escena de The Grand Budapest Hotel (El Gran Hotel Budapest) muestra al
actor Ralph Fiennes como ejemplo de plano medio. La solución para no cortar sus
manos fue ponerlas sobre un mostrador.

Plano cortoEn este plano haremos un corte de la persona a la mitad del abdomen.
La cara será uno de los elementos más visibles, por lo que debes asegurarte que
la persona exprese lo que tu buscas.

Esta escena perteneciente a la película de Skyfall (007: Operación Skyfall) del

2012 nos muestra al actor Daniel Craig en plano corto. Los cortes en las
extremidades son más naturales, es decir con un mayor parecido a la realidad (no
forzadas o fingidas). Lo que nos ayuda a centrar nuestra atención en factores
como las caras y expresiones, ¿puedes imaginar esta escena con una sonrisa del
actor? Esto le borraría el dramatismo a la toma y cambiaría por completo la
intención del mensaje.

Primer plano

Aquí buscamos mostrar la cara de la persona que retratamos, realizando un

encuadre a la altura del pecho y por encima de la cabeza.

Con esta fotografía de la película Amélie del 2001 dirigida por Jean-Pierre Jeunet
podemos ver a la actriz Audrey Tautou en un claro ejemplo de primer plano. En
este tipo de encuadre es primordial centrar la atención en el rostro de nuestros
modelos.

Primer primerísimo plan

Este encuadre busca hacer un mayor acercamiento al rostro de nuestro modelo y

cortar la información que hay alrededor de él. La teoría fotográfica nos indica que
este corte debe hacerse desde la mitad de frente hasta media barbilla si el
encuadre es horizontal. En el caso de ser un encuadre vertical, el corte se
realizará de la mitad del cuello y a la mitad de la cabeza

Con este plano de la escena de León (El Profesional) podemos ver a la actriz
Natalie Portman en un magnífico ejemplo de primer primerísimo plano de
encuadre horizontal. Con este tipo de encuadre buscamos transmitir
completamente las emociones de nuestro modelo.

Plano detalle

Un plano que se usa para destacar algún elemento determinado en el rostro de la

persona que fotografiamos.

Regla de la mirada

Existe una regla simple que nos ayudará a generar un mayor impacto en la
construcción de nuestros retratos. La propuesta de esta regla es simple, cuando
hagamos un retrato es necesario dejar un espacio libre sobre el área donde se
encuentra la mirada de nuestro modelo. Este criterio ayuda a generar una
sensación de naturalidad y libertad en tus fotografías. Si por el contrario buscas
producir una sensación de negatividad y pesadumbre busca que la mirada de tu
modelo sea hacia el lado con menor espacio.

Con este sencillo criterio podrás tener mayor control sobre la construcción del
discurso en tus fotografías.

Este plano de la película Her del 2013 nos muestra al actor Joaquin Phoenix en
una escena donde la mirada dirigida hacia el espacio más largo produce una
mayor naturalidad.

Planos fotográficos según la angulación de la cámara

Plano picado

Para lograrlo debemos poner la cámara ligeramente por encima de la persona que
vamos a fotografiar. Con este plano damos el efecto de reducir el tamaño de la
persona a fin de dar un efecto de inferioridad.
Plano contrapicado

Debemos situar la cámara ligeramente por debajo de la persona. El plano le da el

efecto de crecimiento y de superioridad.

Plano cenital

En este plano la cámara debe estar completamente en la parte superior de nuestro

sujeto y ver al piso. Lograrla es algo complicado pero agrega un toque creativo a
nuestras fotografías.

Plano nadir

Aquí tendremos que poner la cámara justo por debajo de la persona y ver
completamente hacia arriba. Son pocas las veces que podemos utilizar esta toma
pero logra grandes resultados en las capturas.

La fotografía de paisaje es uno de los temas más complejos, ya que busca

capturar la esencia de un espacio natural y extenso a una escala mucho mayor.
Por ello, entender los criterios aquí expuestos te ayudarán a solucionar muchas de
las problemáticas que se te presenten al momento de concebir tus fotografías.

Regla de los tercios

Esta es una regla básica en el mundo de la composición fotografía. En principio

puede parecer un tema complejo, pues propone crear proporción a través de
líneas imaginarias en tus fotografías. Pero con ella empezarás a notar grandes
cambios en tus fotografías.

Para poder aplicar esta regla necesitas partir tu imagen en tres partes iguales
verticales y horizontales para obtener una división de nueve cuadrantes y cuatro
puntos de intersección al centro. Cada uno de estos puntos de intersección es
conocido como punto fuerte y la regla de los tercios nos dice que aquí debemos
poner los objetos de interés en nuestra fotografía.
Recuerda que todas las fotografías, inclusive las de paisaje, deberán tener un
punto de interés. Por ello, la regla de los tercios propone poner los objetos en
puntos fuertes opuestos (Imagen 1).

Al empezar a utilizar esta regla observaras que tus fotografías comienzan adquirir
equilibrio, fuerza y complejidad.

En esta imagen de la película Life of Pi del 2012 se muestra al actor Suraja

Sharma y la imagen digital del tigre en los puntos fuertes, como lo propone la regla
de tercios.

Regla de las líneas guías

Al momento de componer fotografías notarás que las líneas son algunos de los
elementos más recurrentes y eficaces en la construir tus fotografías. Esta regla
propone utilizar el movimiento natural de las líneas para guiar a la mirada hasta el
punto de interés de tu fotografía.

Lo primero que necesitas hacer para aplicar este concepto será reconocer las
líneas de manera natural en nuestras fotografías.

Líneas verticales

Líneas horizontale

Líneas curvas

El correcto uso de las líneas en la construcción de tu fotografía te ayudará a

dotarla de movimiento, dinamismo, orden o equilibrio en tus composiciones, esto
en función de lo que quieras transmitir.

Este plano de 2001: A Space Odyssey, una película de Stanley Kubrick, es un

ejemplo de la regla de las líneas guías, pues en ella podemos ver cómo las líneas
negras y blancas llevan nuestra mirada directamente al actor.

Regla de la simetría
La regla de la simetría propone generar un balance entre los elementos con los
que construimos nuestras fotografías.

Tipos de simetría

Simetría axial: Es la que encontramos al hacer un corte vertical en nuestra imagen

y tener los mismos elementos en ambos lados de los cortes.

Simetría radial: La encontramos en circunferencias concéntricas y al hacer cortes

en cualquier dirección los lados siempre tendrán los mismos elementos;

Simetría de traslación: Es el resultado de repetir varios elementos en una misma

dirección o que generen la sensación de movimiento.

Aplicar la simetría en nuestras composiciones nos puede ayudar a mantener el

equilibrio, generar una sensación de armonía y concordancia en nuestra imagen.

Este plano de 2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrick es un ejemplo de la

regla de simetría. Vemos claramente que al hacer una división en forma de cruz y
partiendo del centro se identifican los elementos que mantienen el completo
equilibrio.

Regla del horizonte

Esta toma como base la regla de los tercios, la cual nos dice que para encontrar el
equilibrio en nuestra imagen es necesario que el cielo ocupe las 2/3 partes
superiores y el suelo el otro 1/3. Esto le dará una sensación de más naturalidad en
nuestra fotografía, recuerda que con esto nos referimos a imágenes más cercanas
a la realidad. En este caso es resultado de la forma natural de ver al horizonte.

No olvides que al momento de fotografiar horizontes es necesario que la cámara

esté bien nivelada para evitar errores de perspectiva.

Un claro ejemplo de la regla del Horizonte es esta escena de la cinta Noah del
director Darren Aronofsky, pues podemos ver cómo los actores ven hacia el ocaso
y cómo el cielo ocupa dos terceras partes del plano.

Juega con los ángulos

Un truco muy útil en la fotografía de paisaje es cambiar el ángulo de visión, por
ejemplo, si tomas tus fotografías con la cámara cerca del piso lograras tener una
visión diferente de un lugar común y esto hará más atractivas tus capturas.

En esta escena de El regreso la cámara está en el piso, esta perspectiva nos

permite apreciar mejor el paisaje y contrastarlo con el actor.

El clima y la hora

Los factores meteorológicos y de temporalidad son elementos determinantes al

momento de hacer nuestras fotografías de paisaje, por lo que seleccionar la
condiciones ideales en función de nuestra intención es un cuestión vital para
reflejar la idea que deseamos exponer.

Para esta escena de Life of Pi fue importante poner lluvia en la escena para
demostrar la desesperación y angustia del actor.

Objeto de interés

Recuerda que el objeto de interés es un elemento primordial en todas las

capturas, ya que es el punto donde se centrará la mirada. Y las fotografías de
paisaje no son la excepción. Aunque muestres espacios muy amplios, debes
seleccionar un sitio donde aterrizar la mirada.

Con esta escena de Life of Pi se ejemplifica la importancia de un objeto de interés.

En este paisaje, centramos la vista en el actor y bote, sin ellos el mensaje no se
entendería.

Otro de las temáticas más comunes es la fotografía de objeto, la cual se puede

utilizar para fines comerciales, ilustrativos o como una buena práctica para mejorar
tus composiciones. Comencemos a analizar algunas de las reglas principales para
la toma fotográfica de objetos.

Regla de llenar el encuadre

Para llenar el encuadre necesitas encajar por completo tu objeto de interés en
todo el cuadro de la fotografía. Sin duda esta es una herramienta que puedes
utilizar en cualquier tipo de imagen, sobre todo al momento de crear retratos, pues
evitas distracciones y consigues un análisis profundo sobre tu modelo. Llenar el
encuadre te ayudará a focalizar toda la atención hacia el objeto de interés y dotar
de dramatismo y fuerza tus imágenes.

Regla de enmarca escena Con esta regla se busca encontrar nuestro objeto de
interés dentro de alguna imagen que aparezca en la misma composición.

Una de las ventajas de esta regla es que podemos contextualizar o brindar mayor
información sobre lo que sucede alrededor de nuestro objeto de interés y, al
mismo tiempo, hacer un marco natural para centrar la atención donde nos parezca
más oportuno sin romper la estructura natural de nuestra imagen.

Enmarcar una escena te da el completo dominio sobre la mirada del espectador, lo

cual es un proceso complejo que requiere práctica pero que te asegura un éxito
rotundo en tu fotografía.

marco natural para destacar nuestro elemento principal en la fotografía: el niño.

Regla del espacio negativo

La regla del espacio negativo nos habla de la parte de la composición donde no

tenemos información para centrarla en un punto lleno de información. Con esta
regla entendemos que el espacio de nuestro objeto de interés se conoce como
espacio positivo y el resto es conocido como espacio negativo. Por ello, esta
herramienta propone generar un alto contraste entre nuestro espacio negativo y el
positivo para brindarle un mayor protagonismo a nuestro objeto.

El espacio negativo brinda tensión y dramatismo a la construcción de nuestras

fotografías, además de que dota con una personalidad co-protagónica el entorno
que rodea a objeto destacado en las imágenes.

Regla del ritmo

Esta regla nos propone la repetición armónica de elementos, es decir, un patrón
que sigue un ritmo determinado.

Tipos de ritmo

Ritmo lineal

Cuando los patrones que se repiten son solo líneas.

Ritmo radial

Es el que se genera en forma de ondas.

Ritmo uniforme

Cuando se repite un mismo patrón.

Ritmo alterno

Cuando se repite una serie de patrones en intervalos ordenados.

La regla del ritmo nos ayuda a generar movimiento, fluidez y armonía en nuestras
en nuestras composiciones fotográficas.

Regla de los impares

La regla de los impares propone construir estructuras desiguales, es decir,

organizar elementos que sobresalgan de estructuras de repetición al ser distintos
del resto de los componentes.

Hablar de impares nos da una ventaja psicológica pues siempre prestaremos

mayor atención a los elementos diferentes dentro de nuestras estructuras. Hacer
construcciones impares nos dará orden y equilibrio en nuestras composiciones
fotográficas.

Regla del minimalismo

Al momento de construir tus composiciones es necesario tomar en cuenta que lo

principal en ella será el objeto de interés. Por ello, que evita exceder la cantidad de
elementos constituyentes o se le restará importancia al elemento que buscamos
destacar en nuestra fotografía. La esencia de regla del minimalismo consiste en la
austeridad en los elementos compositivos para destacar el objeto de interés.

Regla del Tight Shot

Este es un encuadre de uso exclusivo de objetos no de sujetos. Es una toma

cerrada donde se encuadra la totalidad de las piezas que estamos fotografiando.

También debes de considerar que en la fotografía de objeto puedes controlar más

elementos cuando realizas tus capturas, por ejemplo:

Fondo

Prueba diferentes fondos y busca cuál es el mejor para destacar los objetos en tu
fotografía. Prueba utilizando cartulinas para conseguir diferentes tonos en el
fondo.

Luces y sombras

Con la ayuda de linternas podrás jugar con las luces y sombras en tus objetos.
Prueba qué posición es la más conveniente para la idea que buscas transmitir

Las acciones aquí expuestas podrán ser realizadas desde tu dispositivo móvil o tu
computadora sin necesidad de manejar programas complejos de edición
fotográfica.

Lo que se denomina como Software refiere a los programas creados para ejecutar
una tarea específica. En este caso, necesitamos uno que nos ayude al momento
de editar nuestras fotografías.

Como ya lo he mencionado a lo largo de este curso, la intención es que te

familiarices con el mundo de la fotografía y lo uses como una herramienta que te
ayude a potencializar tus habilidades. Por ello, te propongo que utilices las
herramientas de edición que vienen el visualizador de fotografías en tu dispositivo
móvil o computadora.

Subexponer o sobreexponer. Esta función tiene como objetivo arreglar la

exposición de nuestras fotografías. Como ya lo hemos visto al principio de este
curso, en la fotografía es necesario utilizar la cantidad de luz adecuada. Mucha luz
produce fotografías sobreexpuestas y poca luz subexpuestas. Con esta
herramienta podemos alterarla para conseguir el efecto deseado.

Recorte y rotación. Con esta herramienta podemos hacer ajuste y arreglos en

nuestra imagen para corregir la composición.

Rotación. Como su nombre lo dice, la rotación es una función que nos ayuda a
girar las fotografías para corregir nuestras capturas y lleguen al encuadre
adecuado, ya que es muy común mover la cámara al momento del disparo. Así
que si esto te pasó no te preocupes, tiene solución.

Recorte. Es posible que en algunas ocasiones nuestro campo de visión se vea

comprometido y nos veamos obligados a incluir elementos no deseados en
nuestras composiciones, y para ello utilizaremos el recorte. Esta herramienta
elimina elementos que dañan nuestra composición o ajusta el tamaño de nuestro
encuadre

Color. Con esta función podemos hacer ajustes en la gama de colores para aplicar
desde tonos muy intensos hasta el blanco y negro. Alterar la intensidad de los
colores es una herramienta muy útil que nos ayuda en la construcción de nuestros
mensajes, por ejemplo, tonos menos saturados pueden generar la impresión de
soledad o nostalgia. Por el contrario, las imágenes con mayor saturación nos
pueden producir un efecto de alegría.

En las últimas dos clases veremos con más detalle esta herramienta.

Enfoque. A través de esta herramienta podemos mejor la nitidez de nuestras

imágenes y resaltar elementos de nuestra composición como enfocar el primer
plano a nuestras fotografías.

Eliminar ruido. Tiene como función disminuir el granulado de nuestras fotografías.

El granulado es un efecto contraproducente de tomar fotografías con ISO alto o en
condiciones de poca luz. Eliminar el ruido en nuestras capturas puede hacer una
mejora importante en su apariencia, pues es un efecto muy molesto que dificulta
ver los detalles de nuestras fotografías.
Una situación que podemos comparar con el color de la composición fotográfica
se relaciona con el proceso diario de combinar nuestra ropa. Sabemos que existen
colores que no se deben mezclar, a menos que busquemos llamar la atención.
Gran parte de este proceso debe iniciarse con la visualización, sin embargo, no
siempre podemos confiar en nuestra percepción. Por esta razón,la postproducción
nos puede ayudar a corregir algunos de estos problemas para mejorar la calidad
de nuestras fotografías. Como ya aprendimos en clases anteriores, el color tardó
varios años en incorporarse al proceso de la fotografía, sin embargo, hoy en día es
un elemento primordial en la comunicación visual. Es la razón por la cual veremos
algunos elementos que se pueden corregir durante de la postproducción, pero
también algunos criterios que debemos contemplar y entender al momento de
construir nuestro discurso.

Saturación

Nos referimos a la intensidad del color: un color muy saturado será de tono más
intenso, uno menos saturado de tono más claro. Con esta herramienta
controlamos la movilidad de nuestros colores a fin de buscar la gama que mejor le
quede a nuestro discurso.

Brillo y luminosidad

Esta característica nos ayudará a ecualizar la cantidad de luz en nuestras

fotografías, es decir, re-ajustarla para corregir errores de origen. Con esto no
referimos a la oscuridad o claridad de partes específicas en nuestra fotografía.
Con mayor luz obtendremos mayor brillo y con menor luz la cantidad de brillo
disminuirá.

Contraste

Esto nos habla de la relación que existe entre los colores: entre el blanco y el
negro, la luz y las sombras. Se trata de combinar los colores para expresar lo que
buscamos.

A continuación te explico 3 de los tipos más comunes de contraste que existen y

pueden ser aplicados en la fotografía.
Contraste de temperatura

Este es un ejemplo de los tipos de contraste que podemos conseguir en nuestras

fotografías. Como lo vimos en otro momento del curso, cuando hablamos de
temperatura nos referimos a la sensación que produce la luz según su tonalidad.

Alto contraste

Nos referimos a las marcadas diferencias de tonalidades que existen en las

fotografías en blanco y negro, un tema que veremos con mayor detalle en la
siguiente clase.

El color natural

Uno de los grandes errores al momento de trabajar con el color durante la

postproducción es alterar la lógica natural de los colores. Por ejemplo, hacer
cambios en los valores ayudar a resaltar algunas tonalidades, pero también quitar
o minimiza la verdadera esencia del momento. Es la razón por la que siempre será
necesario tener en cuenta el estado real de los colores.

Con este término nos referimos al valor emocional y cultural que histórica o
socialmente tienen los colores, es decir, los motivos por los cuales las novias usan
vestidos blancos en su boda y las personas usan el negro en el luto.

Si bien es cierto que los atributos que le damos al color cambian según la región
geográfica y la temporalidad, es necesario tomarlos en cuenta para que nuestras
fotografías tengan coherencia con el discurso que buscamos construir.

Esta es una representación gráfica de las diferentes gamas de colores que existen
y cómo la mezcla de los mismos van creando nuevas tonalidades.

Esta representación gráfica ayuda a la selección de colores, dado que aquellos

que colinden entre sí son lo que combinan y aquellos colores opuestos son los que
generan alto contraste.

La fotografía en blanco y negro ocupa un lugar preponderante en el mundo del

arte, ya que la falta de color produce la sensación de extrañeza en las imágenes
cotidianas. Sin embargo, esto no quiere decir que debamos pasar todas las
fotografías a blanco y negro.

Debemos recordar que en los orígenes de la fotografía hacer capturas en blanco y

negro no era una opción. Más tarde, con la invención de la foto a color era
necesario decidir entre utilizar una película a color o blanco antes de comenzar
con las capturas, sin embargo, gracias a la fotografía digital se ha simplificado este
proceso, pues extraer el color es un actividad de la postproducción.

A continuación explico algunas de las ventajas de la fotografía en blanco y negro:

Existe un contraste más marcado entre las luces y las sombras, esto nos da un
efecto de mayor dramatismo en las capturas.

Un fondo oscuro, producto de las gamas negras en las fotografías, produce una
sensación de profundidad. Esto es un elemento que nos ayuda a provocar la
impresión de asombro.

Produce mayor contraste y definición en luces, sombras, texturas, líneas y formas.

En conjunto, harán que tus retratos sean más expresivos.

Las capturas con muchos elementos producen muchos caos en nuestras

composiciones. Una fotografía en blanco y negro nos puede ayudar a reducir el
desorden, reduciendo una multitud de colores a solo dos.

Consejos para la fotografía en blanco y negro

CUIDAR LA COMPOSICIÓN Y EL EN...

APROVECHAR LOS DÍAS NUBLADOS

LA RECOMENDACIÓN MÁS IMPORTAN...

Recuerda que ambos elementos serán más evidente en la fotografía que no tienen
color, así que tendrás que tener mayor cuidado en ambos aspectos. Cambiar una
fotografía de color a blanco y negro es un procedimiento sencillo en el proceso de
postproducción, sin embargo, aplicar los criterios que hemos revisado es un
proceso largo y complejo en el cual debemos evaluar todos los factores que
intervienen y cómo repercutirán en el resultado final de la fotografía. A
continuación, observa el siguiente video con algunos consejos prácticos para
realizar excelentes fotografías con dispositivos móviles o cámaras fotográficas: