Recursos Técnicos de la industria del

Entretenimiento
(previa)

FINANCIACIÓN DE UN PROYECTO

Industria audiovisual —> tiene como actividad transformar la materia prima

en un producto , entra algo (idea/imagen) y sale material audiovisual
(película)

-Para esto se necesita maquinaria y recursos humanos agrupados como

empresa para lograrlo

EQUIPO CINEMATOGRÁFICO

Equipo técnico —> equipo de camarógrafos, iluminación “detras de camara”

Equipo artístico —> equipo de actores/personajes “delante de cámara”

-Estos equipos pueden trabajar:

—> Sobre la línea :Los trabajadores no tienen un valor salarial bajo un

convenio determinado. Se negocia la ganancia con el cliente. (Actores,
productores ejecutivos, directores) si bien en algunos casos encontramos los
valores que se deberían pagar como por ejemplo en la página de asociación
de actores argentinos

—> Bajo convenio: El salario está determinado por el gremio.

-Gremio: Asociación profesional formada por personas que tienen el mismo
oficio.

EQUIPO:
•PRODUCCIÓN
• DIRECCIÓN
• GUIÓN
• FOTOGRAFÍA
• ARTE
• SONIDO
• EDICIÓN
-Hay dos miembros del equipo de una película que tradicionalmente van por
libre y no suelen implicarse en el rodaje:

EL GUIONISTA
-Suelen trabajar por encargo
-Un guionista que trabaje por su cuenta suele escribir primero un
tratamiento (resumen del guión) para presentarlo a un productor
que se lo encargue escribir completo

EL MÚSICO
-Su trabajo principal comienza una vez la película está ya montada
ya, que ha de componer la música para que coincida con
exactitud con los momentos establecidos en cada secuencia
-Conoce el guión desde el comienzo de la producción y es
normal que haya tenido varias reuniones con el director para
planificar las secuencias que habrá música.

EQUIPO DE PRODUCCIÓN
PRODUCCIÓN

-Representante legal de una obra cinematográfica y el responsable de los

aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una pieza audiovisual.

-Está a cargo de la contratación del personal arriba de la línea, de la

financiación de los trabajos y del contacto con los publicistas y distribuidores
para la difusión de la obra.

Se compone por:

• Productor Ejecutivo
-Es quien se ocupa de cómo,dónde, y en qué tiempo se consigue el dinero ,
busca la financiación del proyecto.
-Participa en el proyecto desde el guión inicial hasta finalizada la copia
estándar.

• Jefe/a de producción
-Trabaja directamente con el director de producción.
-Hace un reconocimiento de las locaciones para prever las necesidades y se
encarga de preparar los desplazamientos.
-Debe solventar todos los problemas en rodaje
-En dependencia del proyecto tendrá uno o varios ayudantes de producción
para delegar ciertas tareas de logística.

• Asistente de producción
-Ayudan al director y al jefe de producción principalmente en la ejecución de
las tareas de organización, como son el alquiler o compra de material.
-La solicitud de permisos necesarios en las localizaciones, la organización de
las comidas, el cuidado del orden en el rodaje, el cierre de calles,etc.
-También gestionan los archivos, preparan itinerarios, supervisan los horarios
de trabajo, entregan el material al laboratorio, firman los diferentes partes,
citan a los actores para doblaje, etc.
• Ayudante de producción
• Jefe/a de locaciones
-Esta figura aparece generalmente cuando hablamos de un proyecto grande
-Es quien llevará los temas concernientes a los sitios de rodaje, desde la
búsqueda de las localizaciones, hasta la tramitación de los permisos, la
fijación del precio y la utilización o no de los objetos o estructura del lugar.
-También será el encargado de las negociaciones en caso de reclamaciones.
• Asistente de locaciones

EQUIPO DE DIRECCIÓN
DIRECCIÓN

-Responsable de la calidad desde el punto de vista artístico y

narrativo.
-Decide el tono de la película, con todo lo que ello conlleva
el tipo de interpretación, el ritmo, los colores, la fotografía,
la puesta en escena, etc.
-Tiene mucha fuerza en la elección final de los actores y en posibles
correcciones del guión.
-Colabora en la realización del plan de rodaje y postproducción y en la
elección de localizaciones. Colabora también en el montaje.
Se compone por:

• Director
-Es la cabeza artística del proyecto
-Su trabajo consiste en elegir al equipo artístico, proponer gente del equipo
técnico, hacer los ensayos con los actores y la puesta en escena, así como la
supervisión del montaje.
-Durante la fase de preparación ayuda a hacer el desglose de guión, en la
planificación del proyecto y trabaja directamente con el ayudante de dirección
quien hará el trabajo de supervisión dejando al director más tiempo para
concentrarse en los elementos artísticos del film sin tener que preocuparse
por los aspectos técnicos.
-Decide el estilo fotográfico y sonoro. es él quien toma las decisiones
creativas finales. Es el autor de la película y por consiguiente el responsable.

• Continuista / script
-Trabaja directamente con el ayudante de dirección y entre los dos, en la fase
de preproducción, calculan el tiempo estimado en pantalla de cada secuencia.
-Está siempre en el set mientras se preparan y filman los planos para evitar
problemas de continuidad (raccord). Lleva el control del tiempo real en
pantalla grabado.
-Anota en la parte de cámara las tomas que se hacen de cada plano, así
como las tomas buenas que habrá que positivar. También controla que no se
omita ningún detalle del guión a menos que sea indicación del director.

• 1ª ayudante de dirección
-Es el enlace directo entre productor y director y entre el equipo y el director.
-Es la persona más cercana al director y trabaja con él durante toda la
preproducción, de manera que sabe perfectamente cómo es la película que
quiere hacer.
-Trabaja con el director de producción en la preparación de los desgloses y el
plan de trabajo y participa en las decisiones sobre las localizaciones y la
elección del equipo humano.
-Durante el rodaje está siempre en el set controlando los requerimientos del
guión

• 2ª ayudante de dirección
-Es asignado por el director y se encarga de los temas relacionados con el
decorado y las localizaciones.
-Distribuye guiones y cambios de guión al equipo.
-Ayuda en la búsqueda de localizaciones y en el transporte de quienes lo
necesitan.
-Corta para las comidas y hace de enlace entre el ayudante de dirección y la
oficina de producción.

• Director de casting
-En algunas ocasiones es una persona y en otras se trata de una agencia, a
la cual se le contrata por el servicio de la búsqueda de actores.
-Su trabajo es exclusivamente la búsqueda de los personajes dando
diferentes opciones al director, quien tomará la decisión final.
• Asistente de casting

EQUIPO DE FOTOGRAFÍA
(DOP) DIRECTOR/A DE FOTOGRAFÍA

-Es la persona responsable de la creación artística de imágenes para la

puesta en escena de producciones cinematográficas, televisivas o de vídeo.

-Para la realización de esta labor, llevará a cabo decisiones respecto a la

iluminación, ópticas, encuadre y composición, texturas, etc.

-Su trabajo se realiza mano a mano con el DIRECTOR y con otros miembros
del equipo, Entre ellos se llega a acuerdos respecto al tipo de imagen que
requiere la historia y el modo de llegar a ella, dependiendo del género, tono
de la historia, etc

Se compone por:

• Director de fotografía
-Es el responsable de la parte visual, tanto técnica como estilística de la
película.
-Traduce el guión a imágenes diseñando la iluminación y definiendo los
encuadres de cámara según el criterio del director.
-En la preproducción selecciona el material de iluminación, el tipo de material
virgen (sensibilidad y grano), así como los lentes y filtros de la cámara.
-Durante el rodaje, junto con el director, decidirá la composición visual de los
planos, qué se tiene que ver y cómo se verá.
-En la postproducción ajustará el color y la iluminación de cada plano para
que haya continuidad visual.
• Técnico/a hd
• Camarógrafo/a
• 1er ayudante/asistente de cámara
-Su principal trabajo es medir y mantener el foco durante la toma de las
imágenes y dar los datos al script para que los incluya en la parte de cámara.
-Corrobora la posición de los actores antes de cada toma y se encarga del
mantenimiento exhaustivo de la cámara y sus accesorios.

• 2do ayudante/asistente de cámara

-Es la persona que se responsabiliza de la carga y descarga del material en el
chasis y de llevar un control del material negativo.
-Ayuda al asistente y lleva un reporte de las tomas filmadas. En ocasiones es
quien anota las tomas en la claqueta y las pone frente a la cámara en cada
nueva toma.
• Key grip
• Grip
-Técnico que construye y mantiene todo el equipo que soporta las cámaras.
-Ejecuta y mantiene todo el equipo en el set que tiene que ver con el
Departamento de cámaras que incluye trípodes, plataformas, orugas, grúas y
casi todos los aparejos.
• Asistente de grip
• Video assist
-Es el encargado de instalar y operar los equipos de video
-Conecta la grabadora de video a la cámara de cine para grabar mientras se
filma de manera que se puedan visionar las tomas filmadas casi
instantáneamente y si se requiere, se puedan ir editando escenas de la
película.
-Controla lo que se graba y lo que se ve.

• Fotógrafo/a de filmación
-Es la persona encargada de fotografiar tanto las escenas importantes
mientras se están filmando como al equipo trabajando.
-Estas imágenes fijas son utilizadas para la publicidad y promoción de la
película.

• Gaffer
-Con un equipo de eléctricos bajo su responsabilidad, sigue las instrucciones
del director de fotografía para el montaje de la iluminación, es decir, la
posición y la calidad de las luces así como la organización y el mantenimiento
de los proyectores de luz y de sus accesorios.
• Jefe/a reflectorista
• Reflectorista
• Operador/a de generador

EQUIPO DE ARTE:
DIRECTOR DE ARTE

-Responsable de la estética física de la película (toda la estética

no fotográfica).
-Tiene que hablar mucho con el director de fotografía para orientar sus
trabajos en la misma dirección

Se compone por:

• Director/a de arte
-El director de arte es la persona encargada de diseñar lo que se ve
físicamente en una película; comienza su trabajo al principio de la
preproducción.
-Su trabajo inicia desarrollando bocetos y propuestas desde la escenografía
hasta la personalidad de los personajes, es decir, su forma de vestir o los
muebles que tendría en su casa.
-Trabaja en común acuerdo con el director de fotografía desde el
planteamiento inicial para definir las gamas de colores que darán a la historia
-Concibe toda la estética de una película

• Escenógrafo/a
-Diseña y dirige las construcciones de los decorados ayudado por un equipo
de construcción.
-Va por delante del rodaje preparando las siguientes localizaciones.

• Ambientador/a
-Es el encargado del montaje del decorado, es decir, de la ejecución del estilo
planteado por el director de arte sobre el mobiliario en general, así como el
mantenimiento de éste durante el rodaje.

• Ayudante de escenografía
-Realiza trabajos como las mediciones de los espacios, la elaboración de la
lista de necesidades, la coordinación del transporte del material a la
localización y está generalmente durante el rodaje para subsanar posibles
emergencias de último momento.
-También se encarga de la limpieza y mantenimiento del decorado, es decir,
que los objetos que forman parte de la decoración y que son generalmente
movidos para facilitar la realización de algunas tomas, vuelvan a su lugar
según estaba inicialmente para mantener las condiciones adecuadas.

• Vestuarista
-Selecciona el vestuario que usarán los personajes según las indicaciones del
director de arte.
-Hace bocetos, decide los materiales y los colores. También se encarga de
buscar complementos como bolsos, relojes, anillos o gafas.

• Ayudante de vestuario
-Clasificar los diferentes vestuarios según los personajes y controlar su
continuidad y su limpieza, así como para vestir a los extras o a algunos
actores en escenas con muchos personajes.

• Utilero/a
-Se encarga del manejo de la utilería, es decir, de todos aquellos objetos de
decoración que serán utilizados por los personajes. Por ejemplo, si los
personajes están tomando una cerveza, el utilero será el responsable de
tener preparado un líquido sin alcohol que se asemeje y deberá agitarlo de
cierta manera que produzca espuma.

• Jefe/a de maquillaje
-Es responsable del maquillaje de los personajes, así como de la elaboración
de su caracterización.
-Está siempre en el set pendiente de hacer retoques, matando brillos y
compensando el maquillaje.

• Peinador/a
-Elabora los peinados de los personajes y en ocasiones también afeita, lava,
corta o tiñe el cabello de estos.
-Durante el rodaje está pendiente que no se deshagan y hace retoques entre
tomas
EQUIPO DE SONIDO
Se compone por:

• Director de sonido
-Responsable de la banda sonora de la película.
-Responsable de los diálogos,efectos y musica.Se ocupa de la buena calidad
en el registro sonoro.
-Asiste a las localizaciones para evaluar las condiciones acústicas
-Durante el rodaje marca la posición de los micrófonos y se coloca en la mesa
de control de sonido.

• ayudante de sonido
-Bajo las indicaciones del director de sonido , se encarga de sujetar la pértiga
(boom) con el micrófono y colocarla en la posición adecuada para la mejor
captación de sonido.

• editor/a de diálogos
-Es el responsable de editar todo el sonido que viene del rodaje.

- Así que todo lo que el sonidista de rodaje grabó durante la filmación es

problema del editor de diálogos
-Se ocupan de suavizar las transiciones del diálogo entre cada escena.

• editor/a de ambientes y efectos

EQUIPO DE MONTAJE
Se compone por:

• Compaginador/a de Finalización
-Responsable del manejo o edición de una película
-Su trabajo consiste en organizar la estructura interna de los elementos
visuales y sonoros que darán sentido a la historia.
-Bajo las pautas del director y con el guión como base, selecciona las tomas
que se empalmaran , alargando o acortando su duración e intercalando
planos que den el ritmo deseado a cada secuencia.

• Compaginador/a
-Persona encargada de ordenar y compaginar todos los fragmentos de
material , tanto de imagen como de sonido.
• Ayudante de compaginación
-Se encarga de la organización del material, de la sincronización de la imagen
con el sonido, y eventualmente hace arreglos bajo las instrucciones del
montador.

• Cortador/a de negativos
-Persona encargada de cortar y armar los negativos originales de cámara
para su posterior uso en la máquina copiadora. Efectúa la sincronización y los
empalmes necesarios.

LENGUAJE AUDIOVISUAL

-es un lenguaje mixto ya que es visual y auditivo

1) Aspectos morfológicos
La forma , expresar una idea de una forma
ej: plano , sonido que se intensifica > tensión

2) Aspectos sintácticos
El orden y la relación , el significado y su orden
ej: el color/mov. de cámara
composición/continuidad

3) Aspectos semánticos
Se trata de recursos visuales como la elipsis o la metáfora y recursos
lingüísticos como neologismos, ironías o frases hechas.

Metáforas: uso de simbolismos, frases o recursos audiovisuales para contar

una historia. Rocky 4 analogía a la guerra fría.

-La elipsis en el cine es un salto en el tiempo narrativo de la historia. El

espectador podrá completar fácilmente lo que ha pasado y no perderá la
continuidad de la secuencia.

-Las elipsis cortas (jump cut), las haces dentro de una misma escena para
eliminar momentos que no aportan nada a la acción, así conseguimos
meter ritmo en la escena. Por ejemplo, en Breaking Bad, cuando Walter Withe
y Jesse Pickman cocinan metanfetamina. Aquí, el montador resume la
escena de manera eficaz, con diferentes cortes entre planos.
-Y luego están las elipsis en el cine llamadas flashback y flashforward. Son
las que hacen un salto en el tiempo ya sea de días, semanas, años, siglos,
hacia el pasado o hacia el futuro. Para evitar una elipsis, en todo caso es
necesario hacer uso de un plano secuencia.

4) Aspectos estéticos
La poesía/la estructura
lo que hace que sea lindo y armonico

5) Aspectos didácticos
Elementos que nos ayudan a entender que ese mensaje
muchas veces se trata de una función pedagógica
ej: rose y jack se dan la mano (unión de status social)

LA IMAGEN FÍLMICA

-La imagen fílmica tiene dos dimensiones y es limitada. El cuadro tiene ancho
y alto, dependiendo del soporte de filmación y reproducción.

CUADRO: Delimitación del ancho y alto, corresponden con los límites físicos
que definen la imagen.Es uno de los primeros materiales con los que trabaja
un cineasta.
Es una Imagen fílmica de dos dimensiones medida en CM.
Formato/encuadre 16:9

-El espacio contenido en el interior del cuadro es denominado campo.

CAMPO: Es el espacio que está dentro del campo, todo lo que aparece ahí
pertenece al universo narrativo.
es la única parte visible de un espacio más amplio que existe sin duda
alrededor.

FUERA DE CAMPO : Es el espacio no visible que prolonga lo visible

(personajes, decorados, sonidos, etc.) que a pesar de no estar dentro del
cuadro de la imagen, son asignados al mismo por el espectador.
El fuera de campo es lo que está más allá de los bordes del encuadre, pero
que da sentido a lo que vemos y oímos. (parte de la narrativa).
Se juega mucho con el fuera de campo a través de miradas y sonidos que
van en dirección de él, o llegan desde fuera de él, por uno de los lados del
cuadro.
FUERA DE CUADRO : Es aquello que en una imagen fotográfica o cinemática
queda fuera del campo visual que abarca el “ojo” de la cámara

TIPOS DE PLANOS Y MOVIMIENTOS DE CÁMARA

-Como bien dijimos dentro de los aspectos morfológicos tenemos los planos.
Los mismos se dividen en:

ABIERTOS

-Los planos descriptivos o abiertos son planos amplios, y nos muestran el

entorno donde se desarrolla la acción.

-Se suelen utilizar para comenzar o finalizar las escenas, y ubican al

personaje en un entorno.

-Es decir, nos muestran información sobre dónde transcurre la historia.

-Los principales tipos de plano descriptivos son el Gran Plano General (GPG),
el Plano General (PG) y el Plano Entero (PE).

● GRAN PLANO GENERAL: Suele ser descriptivo, y adquiere un valor

dramático cuando situamos la figura humana frente a un gran paisaje,
tanto si es rural como urbano.

-Se da así más relevancia al contexto que a los personajes. El Gran

Plano General generalmente se hace con objetivos angulares, que
tienen un amplio ángulo de visión y una profundidad de campo amplia.

● PLANO GENERAL: El plano general es más corto que el gran plano

general, pero aún sigue teniendo más presencia el entorno, que el
personaje. Se suele utilizar para comenzar una escena o situar una
acción.
 ● PLANO ENTERO: El plano entero es el encuadre donde los límites
superiores e inferiores coinciden con la cabeza y los pies del sujeto,
dejando un poco de aire por arriba y por abajo. El entorno sigue siendo
importante, pero la figura humana ya es perfectamente reconocible, y
vemos todo lo que hace con su cuerpo.

MEDIOS

Los planos intermedios o narrativos muestran las acciones que desarrollan

los personajes. En estos tamaños de plano intermedios ya podemos ver lo
que esa persona hace con su cuerpo. La figura humana va tomando
presencia, pero también podemos mostrar parte del entorno.

● PLANO AMERICANO: También llamado Plano ¾ (Plano Tres Cuartos)

En las películas del oeste se utilizaba mucho, ya que se necesitaba ver
cómo los pistoleros desenfundar la pistola en los duelos.
 -Se ve hasta las rodillas del personaje. El escenario y los personajes
tienen la misma jerarquía

-Es un plano medio más largo, al que tomando como referencia la

figura humana, tiene su límite superior justo por encima de la cabeza, y
su límite inferior aproximadamente a la altura de las rodillas

● PLANO MEDIO: El plano medio tiene la distancia adecuada para

mostrar la realidad entre dos sujetos, como es el caso de las
entrevistas. En este tipo de plano podemos ver bien qué está haciendo
el sujeto con sus manos, ya que el límite inferior de la imagen está a la
altura de la cintura aproximadamente.
CERRADOS

En este tipo de planos cinematográficos vemos la expresión de los

personajes: sus emociones y sentimientos. Son planos cortos el Primer Plano
(PP), el Primerísimo Primer Plano (PPP) y el Plano detalle (PD). Se utilizan
mucho en cine y televisión, ya que nos muestran de cerca la comunicación
verbal y no verbal de esa persona.

● PRIMER PLANO: Este tipo de plano corto nos muestra el rostro y los
hombros. Sirve para ver las emociones del personaje, y ya nos
olvidamos del entorno. Generalmente, se suelen hacer con los
llamados lentes teleobjetivos.

● PRIMERÍSIMO PRIMER PLANO: Capta el rostro desde la base del

mentón hasta la parte de arriba de la cabeza, y en el que el rostro
humano llena todo el encuadre.

-Es una imagen muy expresiva que enfatiza aún más que el primer
plano. También se utiliza mucho en los westerns, durante los duelos,
para incrementar la tensión narrativa en momentos concretos.
 ● PLANO DETALLE: muestra en su máxima expresión un objeto o una
parte concreta de una persona, EN EL CASO DE QUE MUESTRE UN
OBJETO, el personaje debe estar haciendo uso de ese objeto ya que
de no ser así, es un insert.

-El plano detalle, además de ser expresivo, puede ser muy narrativo y
ayudarnos en la fase de montaje, como enlace entre dos planos difíciles de
montar juntos.

ANGULACIONES DE CÁMARA

- Ángulo normal: el ángulo de la cámara es paralelo al suelo y se encuentra

a la altura de los ojos del actor: la cámara se ubica a la altura de la mirada del
personaje.

- Angulo Picado: este ángulo se logra cuando la cámara obtiene un

encuadre desde arriba hacia abajo. Denota debilidad, inferioridad o
sometimiento del personaje. La cámara se sitúa por encima del personaje.

- Ángulo contrapicado: En este caso, la cámara se sitúa por debajo de la

línea de los ojos del personaje, grabándole desde abajo, para otorgarle fuerza
y superioridad.

- Ángulo cenital: ángulo cenital es cuando grabamos o hacemos fotos desde

arriba. A menudo se usa como plano general, para ver la escena desde un
punto de vista omnipresente, como de Dios.

- Ángulo supina (90°): es el opuesto al plano cenital. También se utiliza por

ejemplo en caídas desde una altura, para ver la acción desde abajo y dar
mayor sensación de vértigo y urgencia.
 ● Planos según el punto de vista: estamos hablando de la posición de la
cámara respecto a un sujeto, no al tamaño.

Plano dorsal o de espaldas: En el lado opuesto al plano frontal, tenemos el

plano dorsal o ángulo dorsal. Es decir, desde atrás, o desde el dorso de una
persona.

Plano lateral: Se produce cuando vemos completamente desde un lado a

una persona, ocultando el otro lado. No tiene tanta profundidad, y en
ocasiones también se utiliza para provocar algo de misterio, si por ejemplo el
personaje nos oculta una de sus caras.

Plano ¾: se sitúa a medio camino entre el plano perfil o lateral, y el plano

dorsal. Es decir, desde atrás, pero favoreciendo uno de los lados de la
persona, aproximadamente en un ángulo de 45º, para dotar al plano de
profundidad.

Plano escorzo: Es un plano conjunto. Incluye al sujeto protagonista de cara

y al sujeto que escucha de espalda. Enfatiza al sujeto que tiene la acción en
ese momento (por ejemplo, hablar). La cámara se sitúa detrás del sujeto
filmado, en 45 grados. Se puede utilizar para hacer un plano y contraplano
que incluya escorzo.

Over shoulder: El llamado plano semisubjetivo o también Over The Shoulder

(sobre el hombro), como ves es parecido a lo que alguna gente llama plazo
escorzo. Pero en este caso, se refiere a cuando nos situamos detrás de un
personaje, por encima del hombro, para situar la cámara casi en su punto de
vista.
Plano holandés o aberrante: La cámara se inclina levemente de forma que
lo que ocurre en la escena no es paralelo al horizonte fotográfico. Esta
técnica se utiliza mucho en el cine con diferentes objetivos. El Plano
Holandés ayuda a dar más sensación de movimiento a una escena, también
sirve para dirigir la mirada del espectador a lo largo de una línea hasta un
punto determinado de la escena.

-En escenas sin movimiento, el Plano Aberrante genera una sensación

psicológica de inestabilidad que ayuda a dar más fuerza a un acontecimiento
inquietante.

MOVIMIENTOS DE CÁMARA

-Vamos a comenzar diciendo que existen dos categorías principales de

movimientos de cámara que son:

Movimientos físicos de la cámara: Se producen movimientos físicos de la

cámara que pueden ser sobre el eje de la cámara o desplazando la cámara
de su propio eje.

Movimiento óptico: aquellos donde no se produce movimiento físico de la

cámara, por ejemplo, un zoom del objetivo.

Zoom
-Estos movimientos son producidos por los mecanismos de las lentes que
permiten variar la distancia focal del objetivo. Es lo que se conoce como
Zoom. El efecto visual que se produce es distinto al de un travelling porque se
modifica la perspectiva.

-Un movimiento de zoom in o zoom out muy rápido llamado crash zoom. Este
movimiento, utilizado en numerosas comedias de los 80, ha sido popularizado
por Quentin Tarantino.

Profundidad de campo
-Es la distancia por delante o por detrás del punto enfocado. Entonces, una
foto donde todo, o casi todo, es muy nítido, significa que tiene una mayor
profundidad de campo. En cambio, si sólo una pequeña parte de la fotografía
se ve enfocada, significa que tiene una menor profundidad de campo.
-La profundidad de campo depende de diversos factores, como la distancia
entre lo que estás enfocando y la cámara.
-Entre más cerca esté tu cámara de tu objeto, hay una menor profundidad de
campo.
-Y la distancia focal. A mayor distancia focal, menor profundidad de campo y
viceversa. La df es propia del lente y se mide en mm.

Tipos de Zoom:

Zoom in: Se da cuando se aumenta la distancia focal de la lente, lo que

produce un acercamiento a los objetos y se reduce la profundidad de
campo, aplanando la imagen.

Zoom out: Sería el movimiento contrario. Al iniciar el movimiento, estamos

con una distancia focal alta y el objeto está encuadrado muy cerca, al hacer
Zoom out, se reduce la DF (distancia focal), va aumentando la profundidad
de campo y nos vamos alejando poco a poco del objeto que estaba
anteriormente encuadrado en primer plano.

-En el caso de los movimientos sobre sus ejes son aquellos que suelen
hacerse sobre un trípode o incluso cámara al hombro si no nos desplazamos.
En cambio, cuando se desplaza en el espacio pueden ser los travellings,
steadycam, grúas…

SOBRE SU EJE

TILT : movimiento de cámara de arriba a abajo o viceversa sobre su eje.

Como si nos ponemos frente a un rascacielos y miramos hacia arriba. Si el
movimiento es de abajo a arriba se conoce como TILT UP y si es de arriba a
abajo es TILT DOWN.

ROLL: Es un movimiento oblicuo de la cámara que se pueden realizar

gracias a los gimbal o estabilizadores electrónicos. Algunos de ellos permiten
girar hasta los 360º

PAN/PANEO: Es un movimiento de la cámara sobre su propio eje horizontal.

Es decir, de izquierda a derecha, o viceversa. Es un movimiento similar a
cuando giramos la cabeza.

-También se le conoce como PAN, que es como se le llama en inglés.

SE DESPLAZA - CÁMARA EN MOVIMIENTO

PEDESTAL: Se trata de un movimiento de desplazamiento de arriba hacia

abajo y viceversa. Este tipo de movimiento de cámara físico nos ayuda a
relevar elementos que no vimos en un principio, explorar el lugar y seguir a un
personaje alterando su altura.

DOLLY IN: También conocido como travelling de acercamiento o dolly in. Este
movimiento de cámara ayuda a realizar la descripción de un espacio o a
trazar una trayectoria.

DOLLY OUT : También conocido como travelling de alejamiento o dolly out. El

objetivo de este plano de cámara es alejar al espectador de los sujetos, de la
situación o del lugar. Este movimiento de cámara se usa para relajar la
atención. También, funciona para mostrarnos contexto y salir de la tensión de
una situación.

(Cámara se acerca o se aleja)

TRUCK: El movimiento de cámara va de un lado a otro en eje horizontal.

-Teniendo en cuenta los movimientos de cámara y la altura de la misma. Es

preciso saber que hay diferentes herramientas para obtener nuestros
objetivos deseados.
Trípode: se trata de un soporte con tres patas cuya longitud se puede ajustar
de forma individual. Se caracterizan por ser ligeros y a la par resistentes.

-Con la ayuda de un trípode es posible estabilizar la cámara y cambiar

cómodamente su altura.

-Permite fijar la cámara en cualquier posición, y evita la trepidación en el

momento de oprimir el botón de disparo.

Tripode Dolly: La característica de este trípode es que tiene ruedas, lo que

permite rodar en movimiento.

Trípode baby: soporta menos peso y se puede hacer mucho más pequeño al
juntarle las patas que un trípode convencional.

Dolly: Consiste en una plataforma con un soporte en el que se encuentra

situada la cámara, y sobre la Dolly va montado el operador de cámara, que es
ayudado durante la grabación por un técnico encargado de mover la
plataforma un maquinista o un grip. En su base tiene cuatro ruedas que
pueden moverse por raíles o sin ellos, esto último permite una mayor libertad
de movimiento.
Steadicam: El sistema permite llevar la cámara de cine o televisión atada al
cuerpo del operador de cámara mediante un arnés. Compensa los
movimientos del operador, mostrando imágenes similares al punto de vista
subjetivo del personaje.

Grúa: Las grúas tienen un enorme abanico de posibilidades. Los movimientos

de las grúas se caracterizan por ser rápidos y suaves, desde el nivel del suelo
hasta su tope de altura y con un arco de 360º.

-Puede elevar la cámara desde el ras de piso hasta 3 metros de altura

Pedestal: Donde más se suelen utilizar los pedestales es en televisión, es

una columna central de altura regulable que está fijada a una base central
con 3 ruedas que se controla mediante un volante o una palanca. Podemos
encontrar pedestales para cámaras también para rodar en exteriores.7-

Webcam: Son perfectos para realizar tomas aéreas. Más que un soporte de
cámara se trata de un estabilizador que se adapta a helicópteros.

EJE DE ACCIÓN

-El eje de acción o eje de interacción: es una recta imaginaria que se traza
sobre la dirección de la acción. Es decir, nos referimos a la línea invisible
creada por la dirección de un personaje, por la que marca su mirada, o la
línea creada por dos personajes que están hablando, por ejemplo.

-El eje de movimiento: el cual se rige por la idea de que todo desplazamiento
recto marca una trayectoria y al hacerlo su dirección delimita un eje de
movimiento, una línea imaginaria del recorrido.

La regla de los 180 grados que nos incumbe dice que el eje que atraviesa a
los personajes deja el espacio dividido en dos mitades.
Una dirección de mirada puede servir para reubicar un eje y habilitar un
nuevo plano.

-Al saltar el eje cambia la perspectiva y se desbalancea la espacialidad.

Entonces se puede hacer esto para transmitir la idea de que un personaje se
encuentra perdido o desorientado. O marcar alguna situación que lo
descoloca.

En el caso de que los personajes estén hablando y se marque un eje de

acción, pero los mismos no se miren. Es recomendable establecer un plano
abierto para entender las posiciones de los mismos previamente.

-El salto de eje, por lo tanto, es aquel fenómeno en el cual pasamos de una
toma con una cámara a un lado del eje de acción, y posteriormente hacemos
la toma en el otro lado del mismo.

-Este efecto es básico y sobradamente conocido, y que, aunque en principio

dentro del lenguaje audiovisual convencional o clásico es considerado como
un error, puede ser utilizado en determinadas producciones como un recurso
audiovisual válido e intencionado desde el punto de vista expresivo.

LA COMPOSICIÓN

-El concepto de composición cinematográfica alude a la disposición en el

espacio de los diferentes elementos que conforman la imagen.

-La composición cinematográfica determina el propósito y el significado de la

creación visual. Además, guía la lectura del espectador. Para esto no hay
estructuras o recetas universales. Sin embargo, existen reglas compositivas
que conviene saber utilizar para conseguir transmitir al espectador lo que se
busca. Por tanto, el significado visual de la película dependerá no sólo de la
composición cinematográfica sino también de los códigos de percepción del
espectador.

Técnica de centro: Si con un objetivo de escasa profundidad de campo, o

utilizando diafragmas abiertos, enfocamos el centro de interés, dejando el
fondo desenfocado, conseguimos acentuar el efecto de profundidad del
plano. Si, además, variamos durante la toma el plano enfocado con el qeu
estaba previamente desenfocado ej: león el profesional cuadno Gary oldman
tiene la pistola, logramos n efecto de gran profundidad visual y con
interesantes posibilidades dramáticas.
Regla de los tercios: Una de las principales reglas compositivas es la regla
de los tercios.

-Esta consiste en dividir la pantalla en tres tercios y estos a su vez en otros

tres tercios. Los cuatro puntos de intersección de los ejes se convierten en los
puntos de fuerza en el encuadre. Por lo que se convierten en puntos clave
para situar el sujeto u objeto de interés principal.

Proporción áurea: La proporción áurea o número de oro ha sido objeto de

estudio a lo largo de la historia, desde los griegos y egipcios hasta la
actualidad; guarda una absoluta asociación con la naturaleza . Si pudiéramos
elegir una imagen que definiera la proporción áurea en la naturaleza, la más
destacada quizá sería la espiral que forma una caracola.

-Proporción áurea, creada a partir de un patrón de números y medidas

basados en la espiral áurea o espiral de Fibonacci. Esta medida está
presente en la naturaleza (en las semillas de girasol, en las conchas marinas)
por lo que las imágenes que respeten esta proporción resultarán agradables a
la vista.
Técnica de cuadrantes: Utilizada en la película drive por Nicolas Winding.
Se puede dividir tanto de forma vertical u horizontal.

¿Para qué sirve encuadrar?

-FORZAR LA ATENCIÓN EN EL ESPACIO Cuando una masa uniforme y

pesada ocupa gran parte de la pantalla nuestros ojos buscan una salida. En
300, la montaña oscura nos obliga a mirar a los espartanos empujando a sus
enemigos al acantilado. Nuestros ojos están atrapados en lo que sucede
contra el cielo.
-Se puede sugerir la debilidad, soledad o fragilidad de un personaje
guardándolo dentro de un recuadro imaginario en una pantalla partida en seis
partes. Es lo que sucede en Matrix: Neo vuelve de estar detenido por el
agente Smith. Está desorientado, no sabe qué ha ocurrido y desamparado,
acepta subir al coche de Trinity
OPRESIÓN

Por lo general, el triángulo comprime: sugiere que los lados superiores

aplastarán al personaje.

SEPARAR REALIDADES O MUNDOS

La composición divide mundos distintos o enfrentados. Por ejemplo, en

Gladiator, una línea horizontal separa al público del grupo de centuriones que
rodea a Russell Crowe y Joaquin Phoenix.

DESASOSIEGO: Las diagonales crean dinamismo o desasosiego (ausencia

de calma) barroco diagonales contrapuestas. En la imagen de El silencio de
los corderos observamos que Hannibal tiene gran peso visual al estar a la
izquierda. El plano picado que destaca su rostro y su boca llena de sangre
sobre un rostro pálido y una camiseta blanca. La diagonal que parte a
Hannibal sugiere dualidad: por un lado, inteligencia y calma; por otro,
perturbación mental y descontrol.
ENFRENTAMIENTO

La composición crea aire entre personajes enfrentados que aún no han

llegado a la violencia. Por ejemplo, en Metrópolis, el androide es objeto de
deseo entre el empresario sin escrúpulos y el científico. Ambos hombres
tienen ideas contrarias sobre la finalidad del robot

LA CÁMARA CINEMATOGRÁFICA

-La cámara cinematográfica consiste básicamente en una cámara fotográfica

con un mecanismo de arrastre de la película constante que permite tomar
imágenes a cierta velocidad y de una forma intermitente, de manera que en
un segundo pueda impresionar 24 fotogramas.

-La persistencia de la visión fue un supuesto fenómeno visual descubierto por

Peter Mark Roget que demostraría que el cerebro humano es capaz de
procesar entre 10 y 12 imágenes separadas por segundo, y seguir siendo
capaz de percibirlas de forma individual.
-Esto quiere decir que a partir de esos 12 fps, empezarás a ver una
consecución de fotos como una imagen en movimiento. En la industria
cinematográfica actual, 24 FPS se ha convertido en la norma para las
películas de 35 mm, aunque algunos directores y cineastas han estado
experimentando con nuevas velocidades de fotogramas para alcanzar
distintos estilos visuales.

-Por ejemplo, Peter Jackson (director de la serie del Señor de los anillos) fue
famoso por filmar El hobbit a 48FPS, lo cual resultó en mucho mayor detalle e
imágenes realistas.

Los componentes/anexos de la cámara de cine son:

-EL OBJETIVO: conjunto de lentes que transportan la luz desde el exterior

hasta la ventanilla de impresión donde se encuentra la película.

-CUERPO DE LA CÁMARA: En él se encuentran los dispositivos más

importantes para la impresión de la película:

-OBTURADOR: mecanismo que deja pasar la luz intermitentemente hacia la

emulsión.

-VENTANILLA DE IMPRESIÓN: lugar donde la película se expone a la luz.

-Dentro del cuerpo de la cámara se encuentran los engranajes o sistema de
arrastre de película que la transportan de una forma progresiva, suave y
segura permitiendo que en la ventanilla de impresión se exponga a la luz.

-CHASIS DE PELÍCULA: En él se almacena la bobina con la película

destinada a ser impresionada (bobina de alimentación) así como otra bobina
con la película expuesta (bobina de recepción).

-VISOR: Es un componente óptico a través del cual el operador puede ver la

imagen que forma el objetivo.

-SISTEMA DE ALIMENTACIÓN: se encarga de proporcionar a la cámara la

energía necesaria para accionar todos sus componentes. Según el tipo de
cámara, se realiza mecánicamente, mediante energía eléctrica (con corriente
continua o alterna) o con baterías.

FUNCIONAMIENTO DE UNA CÁMARA CINEMATOGRÁFICA

-Primero tenemos el chasis dónde se guarda la película virgen y la expuesta.

Gracias a los engranajes giratorios que encajan con las perforaciones de la
película ésta es desplazada hacia abajo. El garfio tira de ella y el contra garfio
la mantiene sujeta y plana frente a la ventana de exposición.

-Este proceso es llamado paso de la película intermitente. En la ventana de

exposición es dónde se va a formar el fotograma, una vez expuesta la
película.

-Justo delante está el obturador que va a regular el tiempo de exposición y de

que la película llegue virgen a la ventana. Las imágenes tomadas podemos
verla a través del visor y finalmente la película es arrastrada por los
engranajes hasta la segunda bobina.
-Película donde se graba el material: Se califica como fotosensible, por lo
tanto, a aquello que tiene sensibilidad a la luz. Dicha cualidad hace que el
producto en cuestión reaccione frente a las ondas electromagnéticas que
componen el espectro visible. Un material fotosensible reacciona al tomar
contacto con la luz. Esta propiedad puede ser aprovechada de distintas
formas.

-El desarrollo de la fotografía, por ejemplo, está asociado al uso de sustancias

fotosensibles. Lo que se conoce como película fotográfica, en este marco, es
una lámina de celuloide o plástico que se recubre con una capa de una
emulsión fotosensible.

CAMARA DE VIDEO DIGITAL

-Si se trata de un cámara de video, cosa que es cada vez más frecuente
debido al auge de la cinematografía digital, se conservan íntegramente
componentes como el objetivo, el visor y la fuente de alimentación, pero no
existe el chasis y el cuerpo de la cámara varia.

-Tendría igualmente un obturador, en lugar de ventanilla de impresión

tendríamos un sistema de CCD electrónico sensible a la luz.

-Un CCD es el sensor electrónico con diminutas células fotoeléctricas que

registran la imagen siendo posteriormente procesada para grabarla en la cinta
o registrarla en algún tipo de memoria. La capacidad de resolución o detalle
de la imagen depende del número de células fotoeléctricas del CCD. Este
número se expresa en píxeles . A más píxeles, mayor resolución. Los pixeles
del CCD registran tres colores diferentes: verde , azul y rojo .
-El sensor es para las cámaras digitales como la película o carrete que
usábamos en las cámaras analógicas. La diferencia es que en las cámaras
analógicas había que cambiar la película mientras que en las digitales el
sensor es fijo y no requiere ser cambiado. Delante del sensor tenemos el
obturador, una cortina que se abre para permitir entrar la luz y delante del
obturador tenemos el espejo junto con el pentaprisma que ambos se
encargarán de que podamos ver la imagen en el visor. Clave para
comprender el funcionamiento de una cámara réflex.

-A Través del objetivo está constantemente pasando luz, pero para que la
misma llegue al sensor, el espejo debe estar levantado. Una vez apretado el
disparador se levanta el espejo y el Obturador. El sensor se estimula y capta
luz.

-La imagen que llega al sensor está invertida con respecto a la escena (lo de
arriba sale hacia abajo y lo de abajo hacia arriba). Para que el fotógrafo vea la
escena correctamente, el visor óptico utiliza un pentaprisma o un pentaespejo
con el que se consigue invertir 180º la imagen que llega desde el objetivo.

-Las cámaras mirrorless no tienen ni espejo ni pentaprisma. En este caso la

luz atraviesa el objetivo intermitentemente cuando se levanta el obturador y
llega al sensor.

EL SENSOR es una especie de pequeño chip compuesto por millones de

componentes sensibles a la luz, llamados píxeles. Esos millones de píxeles
tienen que estar siempre a oscuras, y tan pronto como se les exponga a la luz
ellos la capturan, por eso son sensibles. Gracias a que capturan esa luz,
obtenemos la imagen
El sensor es el corazón de nuestra cámara. Todo lo que hacemos para
capturar una buena foto, desde el momento en que encuadramos hasta el
momento del disparo, todo son acciones y pasos que persiguen un único fin:

-Conducir la luz (la imagen) exterior hacia el sensor de la cámara.

-El sensor, como su nombre indica, es un elemento «sensible» dentro de

nuestra cámara, aquello sobre lo cual se proyecta la luz dibujando una
imagen que representa lo que nuestra cámara ve.

-Es para las cámaras digitales como la película o carrete que usábamos en
las cámaras analógicas. La diferencia es que en las cámaras analógicas
había que cambiar la película mientras que en las digitales el sensor es fijo y
no requiere ser cambiado.

TIPOS DE PELÍCULA FOTOGRÁFICA

-El 35mm es uno de los formatos más usados en todo el mundo por los
cineastas, juntamente con el formato 70 mm y 16mm.3​
-El formato 70mm se desarrolló en el año 1895, y estuvo destinado
inicialmente a proyecciones espectaculares, en pantalla grande. Usualmente,
este formato contiene cinco perforaciones a cada lado de la película

-La relación de aspecto es la proporción entre la altura y la anchura de la

película. Por ejemplo, 3:2 es una de las proporciones más comunes de la
fotografía. Si dividimos 3 entre 2 nos da 1,5.

-35 mm: La película de 35 mm es el formato de negativo o película fotográfica

más utilizado, tanto en cine como en fotografía, que se mantiene
relativamente sin cambios desde su introducción en 1892 por William Dickson
y Thomas Edison, que usaron material fotográfico proporcionado por George
Eastman, según la norma, debe llevar cuatro perforaciones por cuadro o
fotograma en ambos lados, para que la película se reproduzca a 24
fotogramas por segundo.
-70mm: La película de 70 mm (o 65 mm) es un tamaño de película de alta
resolución para fotografía fija y cine, con mayor resolución que el formato de
película cinematográfica estándar de 35 mm. Como se utiliza en las cámaras,
la película es de 65 mm. Para la proyección, la película de 65 mm original se
imprime en película de 70 mm.

PERSISTENCIA RETINIANA

-La persistencia de la visión fue un supuesto fenómeno visual descubierto por

Peter Mark Roget que demostraría como una imagen permanece en la retina
humana una décima de segundo antes de desaparecer por completo.

-Se supuso que el cine aprovechaba este efecto y provoca ese "enlace"
proyectando a más de 10 imágenes por segundo (generalmente 24), lo que
genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento (la televisión se da a
29,97 fotogramas por segundo)

KINETOSCOPIO: Máquina de consumo individual que dentro tenía un loop

de fotografías que cuando uno tiraba de la palanca, veía la imagen en
movimiento. Al ser para pocos consumidores, aumentó el flujo e instalaron
más máquinas.

Hermanos Lumier: crearon el cinematógrafo

-CINEMATÓGRAFO: Es una máquina, obra de los hermanos Lumière, capaz

de filmar y proyectar imágenes en movimiento. Patentada a finales del siglo
XIX, fue la primera máquina capaz de rodar y proyectar películas de cine.

- En él las imágenes ya no se veían en una mirilla como en el kinetoscopio,

estas se proyectaban en una pantalla mediante una potente lámpara y una
lente. El movimiento de la película se realizaba mediante una manivela.

1895: ofrecieron al mundo la primera exhibición pública de imágenes en

movimiento.

-La salida de la fábrica: documentales de apenas 1 minuto de duración. 16

fps.

TIPOS DE CÁMARAS

-Cámara de video broadcast: la imagen que se toma puede ser transmitida en

vivo.

Cámaras de cine…
ARRI: es una compañía alemana fundada en 1917 en Múnich.

RED: Prácticamente todas las funciones de cámara son las mismas a través
de toda la linea, todas filman a un mínimo de 5K.

● Hay 3 tipos de lentes según la distancia focal La distancia focal indica

el ángulo de visión, es decir, cuánto se capturará de la escena.
-El primero conocido como normal es el 50 mm. El ángulo de visión que capta
es la del ojo humano. Un lente menor a 50 mm se trata de un angular o gran
angular. Cubren un gran campo de visión. Si se trata de un angular muy
extremo: ojo de pez.

-Un lente mayor a 50 mm se trata de un teleobjetivo. Ya si buscamos un

zoom muy importante, podemos utilizar un lente macro que sirve para sacar
fotos de objetos que están muy cerca de la lente.

● Los objetivos zoom pueden variar la distancia focal. Pero son menos
luminosos.
● A mayor cantidad de píxeles, mayor resolución. Pero hay quienes dicen
que no podemos distinguir más de 6 k de resolución.

Conjunto de planos: ESCENA

Conjunto de escenas: SECUENCIAS

Conjunto de secuencias: ACTOS

-Es clave recordar que una escena es un conjunto de planos, sí pero, ésta
debe transmitir en el mismo tiempo y espacio. Si hay un cambio de espacio,
se cambia de escena. Y si hay un cambio de tiempo, como la aparición de un
flashback, TAMBIÉN.

SONIDOS

El sonido en el cine puede ser : diegético y extradiegético

SONIDO DIEGÉTICO

-Es todo aquel sonido que forma parte de lo narrado.

-Por ejemplo, si un personaje está tocando un instrumento o escuchando la

radio, hablamos de música diegética. Un ejemplo claro serían la mayoría de
las escenas musicales de Whiplash.
SONIDO EXTRADIEGÉTICO

-Extradiegético es aquel sonido que no pertenece a la acción de la escena,

como suele suceder con la música de la mayoría de las películas.

-Sin embargo, también hay efectos de sonido que no son exactamente

música, y también son extradiegéticos. Por ejemplo, esos sonidos que se
ponen a veces en las transiciones, para reforzarlas y darle dinamismo

-Una canción puede pasar de ser extradiegética en una escena y diegética en

la otra. Ej: Suena una canción mientras una pareja discute. La música
solamente está para ambientar y generar mayor tensión, pero los personajes
no la escuchan.

-En la siguiente escena, vemos al tercero en discordia que sube el volumen

de la radio dónde está esa canción y la música pasa a ser diegética.

● El sonido in (proviene del interior de la Pantalla). Todo lo que

acontece: diálogos de los personajes, sonidos, o música, si vemos al
músico tocar en directo.
● El fuera de campo corresponde al sonido diegético, pero la fuente del
sonido no se ve en pantalla.

-Por ejemplo, tenemos un plano detalle de una persona durmiendo, y se

empieza a escuchar el despertador sin que lo veamos, despertando a nuestro
protagonista.

-Sabemos que el despertador está ahí, aunque no lo veamos.

● El sonido off (exterior al mundo narrado), como por ejemplo una voz
en off de un narrador, música o sonidos que añadimos a posteriori.

Sonido directo VERSUS efectos de sonido

– SONIDO DIRECTO. Es el sonido que se registra durante la filmación,

incluyendo los WILDTRACKS, que son ambientes o repeticiones de diálogo
que se graban al margen de la imagen, para tener más recursos.

– EFECTOS DE SONIDO. Son sonidos que, aunque parecen reales y

remarcan la acción, están previamente creados, o son creados por un Foley
Artist o artista de Efectos Sala. SONIDOS POST SINCRONIZADOS.
Qué aporta el sonido en el cine

En definitiva, aquí tenemos algunas de las funciones del sonido en el cine.

1 – Complementa a la imagen para comprender la historia.

2 – Amplía los límites de la pantalla (FUERA DE CAMPO).

3 – Soluciona problemas narrativos y da cohesión al montaje. Generalmente

el sonido cambia mucho de una toma a otra, y es fundamental unir todo eso
con un wildtrack, por ejemplo.

4 – Influye en el espectador de forma inconsciente.

Micrófonos Dinámicos

-Estos son los más comunes de encontrar. Estos micrófonos captan el

sonido a través de las variaciones de presión que las ondas acústicas ejercen
sobre el diafragma.

-En principio, este tipo de construcción hace que el micrófono no sea

excesivamente sensible, lo que puede ser beneficioso para fuentes sonoras
especialmente fuertes como elementos de percusión, amplificadores de
guitarra, e.t.c y que tenga una respuesta en frecuencia aceptable, lo que
hace que lo podamos utilizar incluso en voces.

-ideales para directos o aplicaciones al aire libre. Este es el micrófono más

utilizado en sonorizaciones y eventos musicales, tales como conciertos y
teatros.

● micrófonos de condensador
-Junto con los dinámicos, los tipos de micrófono más usados. Con una
construcción algo más compleja y delicada que los micrófonos dinámicos

-Los micrófonos de condensador se caracterizan por tener la respuesta en

frecuencia más amplia y una mayor sensibilidad para captar los detalles
más sutiles de los sonidos. Este micrófono es más usado en estudios de
grabación, debido a su gran sensibilidad.

1) Micrófonos Unidireccionales
-Solo captan en una dirección. Los más conocidos son los micrófonos de
cañón, muy usados en cine para captar el sonido desde una cierta distancia y
así no interferir en la imagen. También es muy utilizado para captar sonidos
de ambiente (sonido de tráfico, animales, etc.).

2) Micrófonos Omnidireccionales
-Son los que captan el sonido en todas direcciones. No influye la posición del
micro en la captación, son muy usados en teatros, platós de televisión y
también se usa mucho en estudios para grabación. Por contra, tienden a
re-alimentarse, por eso no se usan mucho en conciertos.

3) Micrófonos Cardioide
-Este patrón se caracteriza por recoger prácticamente sólo el sonido que
proviene del espacio situado directamente frente a la membrana del
micrófono, algo de los laterales y prácticamente nada de la parte trasera.

-Este patrón puede ser muy útil para aislar un determinado sonido, en una
supuesta situación en la que existen varias fuentes de sonido. Hay
variaciones de este patrón polar, como el hipercardioide, donde recoge aún
menos de los laterales para centrarse casi exclusivamente en lo que suena
en la parte frontal.

-Los micrófonos de cañón, también llamados shotgun, de pistola o de

escopeta, son muy direccionales y tienen una gran sensibilidad a la hora de
recoger el sonido.
-También se les llama micrófonos Boom cuando van montados en una pértiga
y en ocasiones, micrófonos de cámara, cuando son utilizados con este
dispositivo. Suelen ser de condensador. Direccionales cardiode o
hipercardioide. Son para grabar a corta distancia.
Trae: Pistola, Felpudo para asilar el sonido del viento se le suma al protector.
Caña; Suspensión que sujeta al micrófono y lo aísla de cualquier movimiento.

En situaciones de viento extremas podemos sumarle un blimp

Micrófono corbatero: Antiguamente, se colgaban del cuello del locutor.

Ahora, los modelos son más discretos y se enganchan fácilmente en la
chaqueta o en un vestido. Son muy delicados. Si se choca con la tela, se
nota.

Tortuguitas: sirven para grabar sonido ambiente. Son omnidireccionales. Su

rango de captación es más amplio.

LUZ Y COLOR

LUZ: Es una Radiación electromagnética que nos permite ver lo que nos
rodea , y que se propaga en forma de ondas en cualquier espacio.

3 PROPIEDADES DE LA LUZ

-Luz natural o artificial — Caso de que trabajemos con luz artificial

podremos modificar directamente la cantidad de luz que emite la fuente,
modificando la potencia o la distancia con respecto al sujeto, la podemos
utilizar como refuerzo a la luz natural o como fuente única de luz.
Y la luz natural es luz cambiante que no controlamos, es por esto que hay
que saber cómo aprovecharla.
 -Intensidad lumínica — Cuando hablamos de intensidad nos referimos a la
cantidad de luz que recibe el sujeto
La intensidad de la fuente de luz que se elige para una toma es una decisión
importante. Más luminoso no necesariamente es mejor. La elección de la
profundidad de campo (f-stop = profundidad de foco) y del f-stop
con su cámara debe ser una decisión tomada a conciencia cada vwz que
comienza a iluminar una toma.

-Ángulo de procedencia — se refiere a la posición en la cual se encuentra

la luz. No es igual el efecto que genera una luz lateral que el que puede
generar una luz frontal o un contraluz.
Se puede utilizar para crear diferentes apariencias y jugar con las sombras

Balance de blancos
-Es un control de la cámara que sirve para ajustar el brillo de los colores
básicos (rojo, verde y azul, con siglas RGB).
-La finalidad es que la cámara calibre la iluminación.
-Es una configuración de las cámaras digitales sobre la temperatura de color.
Le indicamos a la cámara, a qué temperatura tendremos nuestro color blanco
para que se configure en base a eso.
Existen varios tipos de balance de blancos según la necesidad lumínica
requerida:
-Tungsteno
-Fluorescente
-Sol
-Flash
-Nublado
-Sombra

TEMPERATURA DEL COLOR

-Se define comparando su color dentro del espectro luminoso con el de la luz
que emitiría un cuerpo negro calentado a una temperatura determinada.
La temperatura color se mide en grados kelvin.
-La temperatura de color es una indicación aproximada de la impresión de
color generada por una fuente de luz blanca. Describe hasta qué punto tendrá
un aspecto “cálido” o “frío”

PROPIEDADES DEL COLOR

-TONO O MATIZ : se refiere al recorrido que hace un tono por el círculo

cromático.El tono define a un color -como tal- mediante su grado de
cromatismo máximo, que está determinado por su longitud de onda. Cada
color nace a partir de ondas luminosas, las cuales poseen una longitud que
permite identificarlos con exactitud.
-SATURACIÓN : Depende de la distancia entre el color y la escala de grises -
gris + color = saturación (cantidad de gris que tiene un color )

-En la teoría del color, la saturación, colorido o pureza es la intensidad de un

matiz específico. Se basa en la pureza del color; un color muy saturado tiene
un color vivo e intenso, mientras que un color poco saturado parece más
descolorido y gris.

-Sin saturación, un color se convierte en un tono de gris, o aveces más

oscuro, DESATURADO.

A MENOR INTENSIDAD MÁS DESATURADO A MAYOR, MÁS SATURADO.

-LUMINOSIDAD O BRILLO : La luminosidad es la proporción o los niveles de

blanco o de negro que contiene un color (cantidad de blanco o negro presente
en un color).
-La luminosidad es la encargada de calificar a un color como claro u oscuro.
● A mayor porcentaje de blanco, más claro o luminoso será un color.
● A mayor porcentaje de negro, será más oscuro.

ILUMINACIÓN

PLANTA Y PARQUE DE ILUMINACIÓN

Diseño de iluminación: se utiliza para los efectos visuales que buscamos

generar, ya que el diseño de iluminación puede influir en la conciencia
espacial, el comportamiento emocional e incluso la productividad en el
trabajo. Se trata de pensar cómo vamos a llevar a cabo la pieza audiovisual.

Parque de iluminación: Se trata de las luces ya posicionadas en la locación.

El parque de luces se edifica para alcanzar la calidad lumínica que necesita
cada escena dramáticamente.

-El diseño de la iluminación surge luego de que analizamos y planeamos

cómo llevar a cabo una pieza audiovisual. Para ello edificamos un parque de
luces para alcanzar la calidad lumínica que necesita cada escena
dramáticamente.
Planta de iluminación: Una planta de iluminación es básicamente un croquis
cenital del lugar donde transcurre la acción. Sirve como ayuda para realizar el
bloqueo de escena porque permite ver desde arriba las posiciones y
movimientos de la cámara, también de los personajes y las luces.
Dependiendo de la complejidad del esquema de iluminación que requiera
cada escena y de lo que decida el director de fotografía, se pueden emplear
plantas de luces separadas de las de cámara, pero por lo general se grafica
todo junto.

Esquema básico de iluminación

-Luz principal

-La luz principal (key light en inglés) es la que ilumina principalmente la

escena y condiciona al resto.

-Si hablamos de iluminación artificial, generalmente suele ser la de mayor

potencia e intensidad.

-Si usamos la luz natural, el Sol será por regla general nuestra luz principal.

-En el triángulo de iluminación básico, se suele colocar a unos 45 grados con

respecto a la cámara, y más alta que el sujeto, por encima de la altura de sus
ojos. De esta forma, la sombra que proyecta irá hacia abajo,desapareciendo
del encuadre. Generalmente, esta luz suele ser una luz dura, por lo que
provocará sombras definidas en el rostro del actor.

-Luz de relleno
-La luz de relleno (fill light en inglés) sirve, como su propio nombre indica,
para rellenar.

-Es una luz complementaria a la luz principal, cuya principal función es

reducir la dureza de la sombra que provoca la principal, y controlar el
contraste.

-Suele ponerse también al otro lado de la cámara con respecto a la luz

principal. Y como su principal función es minimizar las sombras, suele ser
una luz suave y difusa, y de menor intensidad.

-A veces, para tener esta luz de relleno, nos basta con rebotar la luz principal
con una superficie blanca, para reducir el contraste en el rostro.

-Contraluz

-La luz de contra (backlight en inglés) se coloca detrás del sujeto para
separarlo del fondo y darle volumen al rostro. suele ser una luz dura y
muy dirigida, para que no invada partes del encuadre que no queremos que
ilumine.

-Luz de fondo

La luz de fondo (background light en inglés) no iluminará al personaje. Por

eso no forma parte del triángulo básico.

-Es muy recomendable usar una luz de fondo para separar aún más al
personaje del fondo, y crear profundidad. En cine se usa mucho, por
ejemplo, cuando vemos alguna lámpara al fondo, dentro del encuadre.

Luz dura = sombras y contornos bien definidos. Produce mucho contraste en

el encuadre.

Luz suave: produce menor contraste, se puede conseguir filtrando la luz.

Utilizar fuentes de luz más suaves puede ser más benévolo al iluminar
personas, pero fuentes más suaves y difusas pueden ser mucho más difÍciles
de controlar
 FAROLES - EQUIPOS DE ILUMINACIÓN

FRESNEL: Puede ser de luz led o de tungsteno, Si es de tungsteno, se trata

de una luz cálida.

-El funcionamiento de las luces de fresnel es que hay un lente frente a la

bombilla que se puede mover hacia adelante o hacia atrás.

-El reflector dirige la mayor parte de la luz hacia la lente de Fresnel, que luego
convierte la iluminación en un rayo. Todo esto está encerrado en una carcasa
diseñada para disipar la enorme cantidad de calor que produce la unidad.
-Suelen tener 4 hojas que sirven para direccionar la luz.

LAMPARA INCANDESCENTE: Una lámpara de incandescencia es una

fuente que produce luz artificial. En la lámpara incandescente, un conductor
eléctrico, en concreto de tungsteno, se calienta mediante una corriente
eléctrica hasta ponerlo al rojo blanco.

-El filamento está encerrado en un bulbo de vidrio al vacío o con un gas inerte
que protege al filamento de la oxidación. Es muy usada en la actualidad para
la iluminación de espacios habitables.

LÁMPARA DE CUARZO: La lámpara de cuarzo, o halógena Las luces

halógenas, en vez de contar en su interior con solo un gas inerte, tienen una
mezcla de este y un halógeno, lo que aumenta considerablemente la
capacidad lumínica pudiendo llegar a una temperatura más alta sin fundirse,

-Es una lámpara de tungsteno formada por: un compuesto de cuarzo, que

soporta mucho mejor el calor. emite una luz muy rojiza

SOFTLIGHT: Este tipo de luz es tenue, no es dirigible. La luz es difusa, es

decir, las proyecciones de las sombras sobre los bordes son suaves, esta
puede reducir sombras sin crear sombras adicionales.

-Son halógenas.Las luces halógenas, en vez de contar en su interior con solo

un gas inerte, tienen una mezcla de este y un halógeno, lo que aumenta
considerablemente la capacidad lumínica pudiendo llegar a una temperatura
más alta sin fundirse.

MAXIBRUT: emite mucha luz y su control se dificulta. Se utiliza, por ejemplo,

para simular la luz que entra desde una ventana.
TUBOS FLUORESCENTES: cálidos o fríos, tienen una buena calidad
lumínica.

-A pesar de esto, no es bueno para grabar ya que se apaga y prende, cosa

que solo percibe la cámara.

-Abarcan una zona amplia de iluminación, dando una luz muy suave y
generando sombras con bordes bastante difuminados. Tiene la posibilidad de
cambiar los tubos y elegir que brinda una luz cálida o fría

LUCES LED: consumen menor energía. Paneles LED: Suelen ser muy
buenas para disipar el calor. Emite una luz suave y equilibrada en todo el
rango mediante un filtro difusor, lo que permite eliminar sombras con
iluminación de alta calidad y sin modificar la temperatura color. El filtro difusor
puede intercambiarse por otros de mayor o menor densidad.

RACCORD DE LUZ
El raccord es una técnica que asegura la coherencia en el cambio de un
plano a otro. genera verosimilitud mediante efectos visuales, sonoros o de
lenguaje, que dan continuidad a la narrativa. Casi ninguna producción de
video resulta de un solo plano o un movimiento continuo. Es necesario crear
una narrativa a partir de varias partes que deben estar conectadas entre sí.
-Es importante tener en cuenta elementos como la luz de la escena, la fase
del día y la posición del sol, el objetivo, la apertura del diafragma, entre otros.
Aunque esas diferencias de luz suelen intentar corregirse en postproducción
con el fin de dar una unidad visual a la escena.

Raccord de acción
Este se da entre dos planos que cubren la misma acción. Si un personaje, por
ejemplo,comienza a abrir una puerta en un plano, habrá que continuar con
esta acción en el plano siguiente en el punto exacto en el que se dejó. De lo
contrario, la escena no transcurrirá con fluidez porque habrá un salto
perceptible en la continuidad.

Raccord de movimiento
Hay que prestar atención al movimiento de los actores. Así si uno de los
actores se mueve de derecha a izquierda en el primer plano, en el plano
siguiente se espera que se mueva en la misma dirección, de otra forma
causaría una percepción extraña en el espectador.

SÍNTESIS ADITIVA: Se utiliza en monitores, pantallas y monitores de

computadoras.

-Cuando nos referimos a la síntesis aditiva, hablamos de la formación de los

colores a través de la suma de diferentes luces.

- La síntesis aditiva hace referencia a la adición de color, considerando el

blanco como la suma de toda luz en máxima proporción del espectro visible.
Esta forma de síntesis de los colores, se utiliza en todos los medios que
reproducen y/o capturan imágenes que dependen de la emisión directa de luz
como bien dijimos, monitores.
Hay cinco premisas fundamentales:

● Los colores primarios aditivos son: Rojo, Verde y Azul (RGB)

● La suma de dos colores primarios a partes iguales origina un color
secundario:

Rojo + Verde = Amarillo

Verde + Azul = Cian

Rojo + Azul = Magenta

● El blanco se forma por la unión de los tres colores a partes iguales con
la máxima saturación posible (255), porque con la adición (suma) de
todas las luces en partes iguales se obtiene la luz blanca (la luz blanca
contiene a todos los colores aditivos)

Rojo + Verde + Azul = Blanco Teórico

SÍNTESIS SUSTRACTIVA: Es la teoría que explica la mezcla de pigmentos

para crear colores que absorben la luz. Se llama sustractiva porque sustrae el
color hasta convertirse en negro.

-Los colores sustractivos primarios (cian, magenta y amarillo) son los que se
crean mediante la absorción de ciertas longitudes de ondas. En base a esto,
hay cinco premisas básicas:
● Los colores primarios sustractivos son: Cyan, Magenta y Amarillo
(CMY)
● La suma de dos primarios a partes iguales origina un color secundario:

Magenta + Cian = Azul

Amarillo + Cian = Verde

Magenta + Amarillo = Rojo

● La suma de los tres primarios sustractivos origina el negro. El negro

(suma de los tres colores) es la ausencia de color.

Cyan + Magenta + Amarillo = Negro