Exposición grupos de 2

Tema: Tecnología musical

Clave 1 y2
La tecnología musical es un campo de conocimientos que se enfoca en el uso de
cualquier dispositivo, mecanismo, máquina o herramienta física o en software por
parte de un artista para hacer o interpretar música, para componer, anotar,
reproducir o grabar obras musicales, para analizar o editar música o para
crear/reproducir fuentes sonoras alternativas. Las primeras aplicaciones conocidas
de la tecnología en la música fueron el uso de una herramienta por parte de los
pueblos prehistóricos para perforar agujeros en los huesos con el fin de hacer
flautas simples.1 Antiguos egipcios desarrollaron instrumentos de cuerda,
como arpas, liras y laúdes, que requerían hacer cuerdas delgadas y algún tipo de
sistema de clavijas para ajustar el tono de las cuerdas. Los antiguos egipcios
también usaban instrumentos de viento e instrumentos de
percusión como platillos. En la antigua Grecia, los instrumentos incluían los aulos
de doble caña y la lira. En la Biblia se hace referencia a numerosos instrumentos,
incluidos el cuerno, la pipa, la lira, el arpa y la gaita. Durante los tiempos bíblicos,
también se usaban cornetas, flautas, cuernos, órganos, pipas y trompetas.
Durante la Edad Media, la notación musical se utilizó para crear un registro escrito
de las notas de melodías sencillas.
Durante la era de la música del Renacimiento, se inventó la imprenta, lo que hizo
mucho más fácil producir música en masa (que previamente había sido copiada a
mano). Esto ayudó a difundir estilos musicales más rápidamente y en un área más
grande. Durante la era barroca (1600–1750), se desarrollaron tecnologías
para instrumentos de teclado, lo que condujo a mejoras en los diseños de órganos
de tubos y clavecines, y al desarrollo de un nuevo instrumento de teclado en
aproximadamente 1700, el piano. En la era clásica, Beethoven agregó nuevos
instrumentos a la orquesta para crear nuevos sonidos, como el flautín,
el contrabajo, los trombones y la percusión no afinada en su Novena Sinfonía.
Durante la era de la música romántica (c. 1810–1900), una de las formas clave en
que las nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la
venta de partituras, que los amantes de la música aficionados interpretarían en
casa en su piano u otros instrumentos. En el siglo XIX, se agregaron a
la orquesta nuevos instrumentos como saxofones, bombardinos, tubas de
Wagner y cornetas.
A principios del siglo XX, con la invención y popularización del disco de
gramófono (comercializado en 1892) y la transmisión de radio (a partir de una
base comercial hacia 1919-1920), hubo un gran aumento en la escucha de
música, y fue más fácil distribuir música a un público más amplio. 1 El desarrollo
de la grabación de sonido tuvo una gran influencia en el desarrollo de
géneros musicales populares, ya que permitió que las grabaciones de canciones y
bandas se distribuyeran ampliamente. La invención de la grabación de sonido dio
lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, el estilo concreto de
composición electrónica de Musique. La invención de la grabación
multipista permitió a las bandas pop sobregrabar muchas capas de pistas de
instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una
actuación en vivo. A principios del siglo XX, se utilizaron tecnologías eléctricas
como pastillas electromagnéticas, amplificadores y altavoces para desarrollar
nuevos instrumentos eléctricos como el piano eléctrico (1929), la guitarra
eléctrica (1931), el órgano electromecánico (1934) y el bajo eléctrico (1935). ) La
orquesta del siglo XX ganó nuevos instrumentos y nuevos sonidos. Algunas piezas
de orquesta usaban la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico o el Theremin.
La invención del transistor en miniatura en 1947 permitió la creación de una nueva
generación de sintetizadores, que se utilizaron por primera vez en la música pop
en la década de 1960. A diferencia de las tecnologías de instrumentos de
teclado anteriores, los teclados de sintetizador no tienen cuerdas, tuberías ni
dientes metálicos. Un teclado sintetizador crea sonidos musicales utilizando
circuitos electrónicos o, posteriormente, chips de computadora y software. Los
sintetizadores se hicieron populares en el mercado masivo a principios de la
década de 1980. Con el desarrollo de potentes microchips, se introdujeron una
serie de nuevas tecnologías de música electrónica o digital en la década de 1980 y
décadas posteriores, incluidas las cajas de ritmos y los secuenciadores de música.
Las tecnologías de música electrónica y digital son cualquier dispositivo, como una
computadora, una unidad de efectos electrónicos o software, que es utilizado por
un músico o compositor para ayudar a hacer o interpretar música. 2 El término
generalmente se refiere al uso de dispositivos electrónicos, hardware
informático y software informático que se utiliza en la interpretación,
reproducción, grabación, composición, grabación y reproducción de
sonido, mezcla, análisis y edición de música.
Renacimiento: Clave 3 y 4

La era de la música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) vio el desarrollo de muchas nuevas
tecnologías que afectaron el desempeño y la distribución de canciones y piezas musicales.
Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, lo que hizo que las partituras impresas fueran
mucho menos costosas y fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta,
toda la música anotada se copiaba laboriosamente a mano). La mayor disponibilidad de
partituras impresas ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área
geográfica más grande.
Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras
de instrumentos que habían existido previamente en la era medieval. Los instrumentos de
latón en el Renacimiento fueron tradicionalmente tocados por profesionales. Algunos de los
instrumentos de metal más comunes que se tocaron incluyen:

 Trompeta deslizante: similar al trombón de hoy, excepto que en lugar de que una sección
del cuerpo se deslice, solo una pequeña parte del cuerpo cerca de la boquilla y la boquilla
en sí son estacionarias.
 Cornett : Hecho de madera y se tocaba como la grabadora, pero soplaba como una
trompeta.
 Trompeta : las primeras trompetas de la época del Renacimiento no tenían válvulas, y
estaban limitadas a los tonos presentes en la serie de armónicos. También se hicieron en
diferentes tamaños.
 Sackbut : un nombre diferente para el trombón, que reemplazó la trompeta deslizante a
mediados del siglo XV.
Instrumentos de cuerda incluidos:

 Viol : este instrumento, desarrollado en el siglo XV, comúnmente tiene seis cuerdas. Por lo
general, se jugaba con un arco.
 Lira : Su construcción es similar a un arpa pequeña, aunque en lugar de ser arrancada, se
rasguea con una púa. Sus cadenas varían en cantidad de cuatro, siete y diez,
dependiendo de la época. Se jugó con la mano derecha, mientras que la mano izquierda
silenció las notas que no se deseaban. Las liras más nuevas fueron modificadas para
jugarse con un arco.
 Hurdy-gurdy : (También conocido como el violín de la rueda), en el que las cuerdas son
sonadas por una rueda por la que pasan las cuerdas. Su funcionalidad se puede comparar
con la de un violín mecánico, ya que su arco (rueda) es girado por una manivela. Su
sonido distintivo se debe principalmente a sus "cuerdas de dron" que proporcionan un
tono constante similar en su sonido al de la gaita.
 Gittern y mandore : estos instrumentos se utilizaron en toda Europa. Precursores de
instrumentos modernos como la mandolina y la guitarra acústica.
Instrumentos de percusión incluidos:

 Pandereta : La pandereta es un tambor de marco equipado con jingles que producen un

sonido cuando se golpea el tambor.
 Judío arpa : un instrumento que produce sonido usando formas de la boca e intentando
pronunciar diferentes vocales con la boca.
Instrumentos de viento de madera incluidos:
 Shawm : Un shawm típico no tiene llave y mide aproximadamente un pie de largo con
siete agujeros para los dedos y un agujero para el pulgar. Las tuberías también estaban
hechas comúnmente de madera y muchas de ellas tenían tallas y decoraciones. Fue el
instrumento de doble caña más popular del período del Renacimiento; Se usaba
comúnmente en las calles con tambores y trompetas debido a su sonido brillante,
penetrante y a menudo ensordecedor. Para jugar al shawm, una persona pone toda la
caña en la boca, hincha las mejillas y sopla en la tubería mientras respira por la nariz.

Grabadoras renacentistas

 Tubo de lámina : hecho de un solo bastón corto con una boquilla, cuatro o cinco agujeros
para los dedos, y fabricado con lámina. La caña se hace cortando una pequeña lengua,
pero dejando la base unida. Es el predecesor del saxofón y el clarinete.
 Hornpipe : Igual que el tubo de lámina pero con una campana al final.
 Gaita / vejiga: utilizaba una bolsa hecha de piel de oveja o cabra que proporcionaría
presión de aire para una tubería. Cuando su jugador respira, el jugador solo necesita
apretar la bolsa debajo de su brazo para continuar con el tono. El tubo de la boca tiene
una simple pieza redonda de cuero con bisagras en el extremo de la bolsa del tubo y
actúa como una válvula de retención. La caña se encuentra dentro de la larga boquilla de
metal, conocida como bocal.
 Panpipe : diseñado para tener dieciséis tubos de madera con un tapón en un extremo y
abierto en el otro. Cada tubo tiene un tamaño diferente (lo que produce un tono diferente),
lo que le da un rango de octava y media. El jugador puede colocar sus labios contra el
tubo deseado y soplarlo.
 Flauta transversal : la flauta transversal es similar a la flauta moderna con un orificio de
boca cerca del extremo tapado y orificios para los dedos a lo largo del cuerpo. El jugador
sopla en el costado y sostiene la flauta hacia el lado derecho.
 Grabadora : Utiliza una boquilla de silbato, que es una boquilla con forma de pico, como
su principal fuente de producción de sonido. Generalmente se hace con siete agujeros
para los dedos y un agujero para el pulgar.

Clave 5 y6

Barroco
Durante la era barroca de la música (ca. 1600-1750), se desarrollaron tecnologías para
instrumentos de teclado, lo que condujo a mejoras en los diseños
de órganos de tubos y clavecines, y al desarrollo de los primeros pianos. Durante el período
barroco, los constructores de órganos desarrollaron nuevos tipos de tubos y cañas que
crearon nuevos colores tonales. Los constructores de órganos crearon nuevas paradas que
imitaban varios instrumentos, como la viola da gamba. El período barroco se considera a
menudo como la "edad de oro" de la construcción de órganos, ya que prácticamente todos los
refinamientos importantes del instrumento llegaron a su punto máximo. Constructores
como Arp Schnitger, Jasper Johannsen, Zacharias Hildebrandt y Gottfried
Silbermann construyeron instrumentos que mostraban una artesanía exquisita y un sonido
hermoso. Estos órganos presentaban acciones mecánicas clave bien equilibradas, que le
daban al organista un control preciso sobre el discurso de la tubería. Los órganos de Schnitger
presentaban timbres de caña particularmente distintivos y grandes divisiones de Pedal y
Rückpositiv.
Los constructores de clavecines en el sur de los Países Bajos construyeron instrumentos con
dos teclados que podrían usarse para la transposición. Estos instrumentos flamencos sirvieron
como modelo para la construcción de clavecines de la era barroca en otras naciones. En
Francia, los teclados dobles se adaptaron para controlar diferentes coros de cuerdas,
haciendo un instrumento más flexible musicalmente (p. Ej., El manual superior se podía poner
en una parada de laúd silencioso, mientras que el manual inferior se podía parar con coros de
cuerdas múltiples, para un sonido más fuerte). Los instrumentos de la cima de la tradición
francesa, de fabricantes como la familia Blanchet y Pascal Taskin, se encuentran entre los
clavecines más admirados y se utilizan con frecuencia como modelos para la construcción de
instrumentos modernos. En Inglaterra, las firmas Kirkman y Shudi produjeron clavecines
sofisticados de gran poder y sonoridad. Los constructores alemanes ampliaron el repertorio de
sonido del instrumento agregando coros de dieciséis pies, agregando al registro inferior y dos
coros de pie, que agregaron al registro superior.
El piano fue inventado durante la era barroca por el experto fabricante de
clavecines Bartolomeo Cristofori (1655–1731) de Padua, Italia, quien fue empleado
por Ferdinando de 'Medici, Gran Príncipe de Toscana. Cristofori inventó el piano en algún
momento antes de 1700. 37 38 Mientras que el clavicordio permitía un control expresivo del
volumen, con pulsaciones de teclas más fuertes o más fuertes creando un sonido más fuerte
(y viceversa) y notas bastante sostenidas, era demasiado silencioso para grandes
actuaciones. El clavecín produjo un sonido suficientemente fuerte, pero ofreció poco control
expresivo sobre cada nota. Presionar una tecla de clavecín más fuerte o más suave no tuvo
ningún efecto en el volumen del instrumento. El piano ofreció lo mejor de ambos, combinando
volumen con control dinámico. El gran éxito de Cristofori fue resolver, sin ningún ejemplo
previo, el problema mecánico fundamental del diseño del piano: el martillo debe golpear la
cuerda, pero no permanecer en contacto con ella (ya que una tangente permanece en
contacto con una cuerda de clavicordio) porque esto humedecería el sonar. Además, el
martillo debe volver a su posición de reposo sin rebotar violentamente, y debe ser posible
repetir la misma nota rápidamente. La acción de piano de Cristofori fue un modelo para los
muchos enfoques de las acciones de piano que siguieron. Los primeros instrumentos de
Cristofori eran mucho más fuertes y tenían más sostenimiento que el clavicordio. Aunque el
piano fue inventado en 1700, el clavicordio y el órgano de tubos continuaron siendo
ampliamente utilizados en conciertos de orquesta y música de cámara hasta finales de 1700.
Le tomó tiempo al nuevo piano ganar popularidad. Sin embargo, en 1800, el piano
generalmente se usaba en lugar del clavecín (aunque el órgano de tubos seguía usándose en
la música de la iglesia, como las misas).

Clasicismo
Desde aproximadamente 1790 en adelante, el piano de la era de Mozart experimentó enormes
cambios que condujeron a la forma moderna del instrumento. Esta revolución fue en respuesta
a la preferencia de los compositores y pianistas por un sonido de piano más potente y
sostenido, y fue posible gracias a la Revolución Industrial en curso con recursos tales
como alambre de piano de acero de alta calidad para cuerdas y fundición de precisión para la
producción de hierro. marcos. Con el tiempo, el rango tonal del piano también aumentó de las
cinco octavas del día de Mozart al rango de más de 7 que se encuentra en los pianos
modernos. El progreso tecnológico temprano debía mucho a la firma de Broadwood. John
Broadwood se unió a otro escocés, Robert Stodart, y un holandés, Americus Backers, para
diseñar un piano en el caso del clavicordio, el origen del "gran". Lo lograron alrededor de
1777. Rápidamente se ganaron una reputación por el esplendor y el tono potente de sus
instrumentos, con Broadwood construyendo unos que eran progresivamente más grandes,
más fuertes y más robustos.
Enviaron pianos a Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, y fueron la primera empresa en
construir pianos con un rango de más de cinco octavas: cinco octavas y un quinto
(intervalo) durante la década de 1790, seis octavas en 1810 (Beethoven usó el extra notas en
sus trabajos posteriores), y siete octavas para 1820. Los fabricantes vieneses siguieron de
manera similar estas tendencias; Sin embargo, las dos escuelas utilizaron diferentes acciones
de piano: Broadwoods eran más robustos, los instrumentos vieneses eran más sensibles.
La instrumentación de Beethoven para orquesta agregó flautín, contrabajo y trombones al final
triunfal de su Sinfonía n.º 5. Un flautín y un par de trombones ayudan a generar tormenta y sol
en la Sexta. El uso de Beethoven de flautín, contrabajo, trombones y percusión sintonizada en
su Novena Sinfonía amplió el sonido de la orquesta.

Romanticismo
Durante la era de la música romántica (c. 1810 a 1900), una de las formas clave en que las
nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la venta de partituras, que
los amantes de la música aficionada tocarían en casa en su piano o en grupos de música de
cámara, como cuartetos de cuerda. Los saxofones comenzaron a aparecer en algunas
partituras de orquesta del siglo XIX. Si bien aparece solo como instrumentos solistas
destacados en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de las imágenes
en una exposición de Modest Mussorgsky y las danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff, el
saxofón se incluye en otras obras, como Boléro de Ravel, Sergei Prokofiev 's Romeo y Julieta
Suites 1 y 2. El euphonium se presenta en algunas obras románticas tardías y del siglo XX,
generalmente interpretando partes marcadas como "tuba tenor", incluyendo The Planets
de Gustav Holst y Ein Heldenleben de Richard Strauss. La tuba Wagner, un miembro
modificado de la familia de los cuernos, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen
de Richard Wagner y en varias otras obras de Strauss, Béla Bartók y otros; tiene un papel
destacado en la Sinfonía n.º 7 de Anton Bruckner en mi mayor. 39 cornetas aparecen en el
ballet Swan Lake de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, La Mer de Claude Debussy y en varias obras
orquestales de Hector Berlioz.
El piano continuó experimentando desarrollos tecnológicos en la era romántica, hasta la
década de 1860. En la década de 1820, el centro de innovación en la construcción de pianos
se había trasladado a París, donde la firma Pleyel fabricaba pianos utilizados por Frédéric
Chopin y la firma Érard fabricaba los utilizados por Franz Liszt. En 1821, Sébastien
Érard inventó la acción de doble escape, que incorporó una palanca de repetición (también
llamada balanza ) que permitía repetir una nota incluso si la tecla aún no había alcanzado su
posición vertical máxima. Esto facilitó la reproducción rápida de notas repetidas, un dispositivo
musical explotado por Liszt. Cuando la invención se hizo pública, según la revisión de Henri
Herz, la acción de doble escape se convirtió gradualmente en estándar en los pianos de cola,
y todavía se incorpora a todos los pianos de cola actualmente producidos. Otras mejoras del
mecanismo incluyeron el uso de revestimientos de martillo de fieltro en lugar de cuero o
algodón en capas. El fieltro, que fue presentado por primera vez por Jean-Henri Pape en
1826, era un material más consistente, permitiendo rangos dinámicos más amplios a medida
que aumentaban los pesos de los martillos y la tensión de las cuerdas. El pedal sostenuto,
inventado en 1844 por Jean-Louis Boisselot y copiado por la firma Steinway en 1874, permitió
una gama más amplia de efectos.
Una innovación que ayudó a crear el sonido del piano moderno fue el uso de un fuerte marco
de hierro. También llamado "placa", el marco de hierro se asienta sobre la caja de resonancia
y sirve como el baluarte principal contra la fuerza de la tensión de la cuerda que puede
superar las 20 toneladas en un gran moderno. El marco de hierro fundido de una sola pieza
fue patentado en 1825 en Boston por Alpheus Babcock, 40 combinando la placa de metal del
pasador de enganche (1821, reclamada por Broadwood en nombre de Samuel Hervé) y barras
resistentes (Thom y Allen, 1820, pero también afirmó por Broadwood y Érard). La mayor
integridad estructural del marco de hierro permitió el uso de cuerdas más gruesas, más tensas
y más numerosas. En 1834, la firma Webster & Horsfal de Birmingham sacó una forma de
alambre de piano hecha de acero fundido ; Según Dolge, era "tan superior al alambre de
hierro que la empresa inglesa pronto tuvo el monopolio". 41
Otros avances importantes incluyeron cambios en la forma en que se colga el piano, como el
uso de un "coro" de tres cuerdas en lugar de dos para todas las notas excepto las más bajas,
y la implementación de una escala con cuerdas excesivas, en la que las cuerdas son colocado
en dos planos separados, cada uno con su propia altura de puente. La estructura de acción
mecánica del piano vertical fue inventada en Londres, Inglaterra en 1826 por Robert Wornum,
y los modelos verticales se convirtieron en el modelo más popular, también amplificando el
sonido. 42

Clave 7 y 8

Música de los siglos XX y XXI

Con la música del siglo XX, hubo un gran aumento en la escucha de música, ya que la radio
ganó popularidad y los fonógrafos se usaron para reproducir y distribuir música. La invención
de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dieron lugar a nuevos subgéneros
de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acústica 43 y Musique
concrète. La grabación de sonido también fue una influencia importante en el desarrollo de
géneros musicales populares, ya que permitió que las grabaciones de canciones y bandas se
distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran
influencia en la música rock, ya que podía hacer mucho más que grabar la actuación de una
banda. Utilizando un sistema multipista, una banda y su productor musical podrían
sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que
no serían posibles en una actuación en vivo.
La orquesta del siglo XX fue mucho más flexible que sus predecesoras. 44 En la época de
Beethoven y Felix Mendelssohn, la orquesta estaba compuesta por un núcleo bastante
estándar de instrumentos que rara vez se modificaba. A medida que pasaba el tiempo, y a
medida que el período romántico vio cambios en la modificación aceptada con compositores
como Berlioz y Mahler, el siglo XX vio que el compositor prácticamente podía elegir la
instrumentación. Los saxofones se usaron en algunas partituras de orquesta del siglo XX,
como las Sinfonías 6 y 9 de Vaughan Williams y la Fiesta de Belshazzar de William Walton, y
muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. En la década de 2000, la orquesta
moderna se estandarizó con la instrumentación moderna que incluye una sección de
cuerda, instrumentos de viento de madera, instrumentos de metal, percusión, piano, celeste e
incluso, para algunas obras del siglo XX o XXI, instrumentos eléctricos como guitarra eléctrica,
eléctrica. bajo y / o instrumentos electrónicos como el Theremin o el sintetizador.

Eléctrico y electromecánico
La tecnología de música eléctrica se refiere a instrumentos musicales y dispositivos de
grabación que utilizan circuitos eléctricos, que a menudo se combinan con tecnologías
mecánicas. Ejemplos de instrumentos musicales eléctricos incluyen el piano
eléctrico electromecánico (inventado en 1929), la guitarra eléctrica (inventada en 1931),
el órgano Hammond electromecánico (desarrollado en 1934) y el bajo eléctrico (inventado en
1935). Ninguno de estos instrumentos eléctricos produce un sonido que sea audible para el
intérprete o la audiencia en un entorno de actuación a menos que estén conectados a
amplificadores de instrumentos y gabinetes de altavoces, lo que los hizo sonar lo
suficientemente alto como para que los intérpretes y la audiencia los escuchen. Los
amplificadores y altavoces están separados del instrumento en el caso de la guitarra eléctrica
(que usa un amplificador de guitarra ), bajo eléctrico (que usa un amplificador de bajo ) y
algunos órganos eléctricos (que usan un altavoz Leslie o un gabinete similar) y pianos
eléctricos. Algunos órganos eléctricos y pianos eléctricos incluyen el amplificador y la caja del
altavoz dentro de la carcasa principal del instrumento.

Piano eléctrico

Un piano eléctrico Rhodes Mark II Stage 73.

Un piano eléctrico es un instrumento musical eléctrico que produce sonidos cuando un

intérprete presiona las teclas del teclado musical estilo piano. Al presionar las teclas, los
martillos mecánicos golpean cuerdas o dientes metálicos, lo que genera vibraciones que se
convierten en señales eléctricas mediante captadores magnéticos, que luego se conectan a un
amplificador de instrumento y un altavoz para emitir un sonido lo suficientemente alto como
para que el artista y la audiencia lo escuchen. A diferencia de un sintetizador, el piano eléctrico
no es un instrumento electrónico. En cambio, es un instrumento electromecánico. Algunos
pianos eléctricos primitivos usaban longitudes de cable para producir el tono, como un piano
tradicional. Los pianos eléctricos más pequeños usaban astillas cortas de acero, dientes de
metal o alambres cortos para producir el tono. Los primeros pianos eléctricos se inventaron a
fines de la década de 1920.

Guitarra eléctrica

Una guitarra eléctrica Kramer XKG-20 circa 1980.

Una guitarra eléctrica es una guitarra que utiliza una pastilla para convertir la vibración de sus
cuerdas en impulsos eléctricos. La pastilla de guitarra más común utiliza el principio
de inducción electromagnética directa. La señal generada por una guitarra eléctrica es
demasiado débil para activar un altavoz, por lo que se amplifica antes de enviarse a un
altavoz. La salida de una guitarra eléctrica es una señal eléctrica, y la señal puede ser alterada
fácilmente por circuitos electrónicos para agregar "color" al sonido. A menudo, la señal se
modifica utilizando efectos electrónicos como reverberación y distorsión. Inventada en 1931, la
guitarra eléctrica se convirtió en una necesidad ya que los guitarristas de jazz buscaban
amplificar su sonido en el formato de banda grande
Clave 1 y2
Órgano de Hammond Clave 9

Un órgano eléctrico Hammond C-3.

El órgano Hammond es un órgano eléctrico, inventado por Laurens Hammond y John M.

Hanert 45 y fabricado por primera vez en 1935. 46 Se han producido varios modelos, la mayoría
de los cuales usan barras deslizantes para crear una variedad de sonidos. Hasta 1975, los
órganos de Hammond generaban sonido al crear una corriente eléctrica al girar una rueda
de metal cerca de una pastilla electromagnética. Se han fabricado alrededor de dos millones
de órganos de Hammond, y se ha descrito como uno de los órganos más exitosos. El órgano
se usa comúnmente y está asociado con el hablante Leslie. El órgano fue originalmente
comercializado y vendido por Hammond Organ Company a las iglesias como una alternativa
de menor costo al órgano de tubos impulsado por el viento, o en lugar de un piano.
Rápidamente se hizo popular entre los líderes profesionales de la banda de jazz, quienes
descubrieron que el sonido de un órgano de Hammond que llenaba la habitación podía formar
pequeñas bandas, como tríos de órganos, que eran menos costosas que pagar a una gran
banda entera.

Bajo eléctrico
El bajo eléctrico (o bajo) se inventó en la década de 1930, pero no tuvo éxito comercial ni se
utilizó ampliamente hasta la década de 1950. Es un instrumento de cuerda juega
principalmente con los dedos o el pulgar, por el punteo, golpeando, haciendo estallar, tocando,
tocando, golpes, o recoger con una púa, a menudo conocido como un pico. El bajo es similar
en apariencia y construcción a una guitarra eléctrica, pero con un cuello y una escala más
largos, y cuatro o seis cuerdas o cursos. El bajo eléctrico generalmente usa cuerdas de metal
y una captación electromagnética que detecta las vibraciones en las cuerdas. Al igual que la
guitarra eléctrica, el bajo está conectado a un amplificador y un altavoz para actuaciones en
vivo.
https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_tecnolog%C3%ADa_musical