Historia del traje II

UVA I

Exposición de experto
Período 1900- 1918

Belle epoque: Inaugura una nueva etapa de abundancia y prosperidad

económica, da lugar a la alta costura parisina.
Paris: Centro de la moda y alta costura: Charles Worth. Cámara de la alta costura:
defiende el trabajo de los diseñadores. El resto se copia de ellos.
Nacimiento de las relaciones mundanas, la costumbre de las ceremonias oficiales
y las recepciones de etiqueta: gala, teatro, ópera y carreras de caballos. Esto se da
en la burguesía (quienes se enriquecieron en la revolución industrial).
Mujer aristocrática y burguesa. Sigue los lineamientos de la última etapa del S xix.
Mujer adorno.
Sistemas de comunicación: promueven una moda internacional.
Época más opulenta. Esplendor, embellecimiento de ciudades. ART NOUVEAU.

Silueta reloj de arena: También conocida como silueta S o Gibson girl (Camille
Clifford). Silueta curvilinea que se forma gracias al uso de grandes sombreros
(lanas, linos, fibra natural), vestidos sinuosos y largos (curva y contracurva), corset
(42 cm de cintura, moldea la cadera hacia atras y el pecho hacia adelante, llega
hasta 1910), sobrecargada ornamentación, falda latiguillo (parecida a una cola de
sirena) y pieles (como elemento distintivo de lujo). Canon de belleza femenina.

Deporte y ocio: Grandes agentes de cambio en la silueta y moda femenina. Las

actividades deportivas generó la necesidad de comodidad y de cambio de
vestimenta. La mujer comienza a tener una liberación, desaparece el corset y la
silueta opresiva.

Ballets rusos: Vanguardia de danza. Se contrapone al ballet clásico: hombres

protagonistas, sensualidad en la vestimenta (muestra piel), movimientos
disruptivos, música cortante, vestuario colorido y recargado, arabe-oriental-ruso).
La danza y el arte van a influenciar la moda y el trabajo de los diseñadores.

Texto: La Belle epoque

Las prendas intimas femeninas nunca fueron tan ocultas como en la Belle
Epoque. Algunas mujeres llegaron a usar 12 enaguas para suplantar la crinolina.
Virginia Wolf platea que los muebles y la vestimenta femenina evolucionan
juntos: ostentación, hinchazón, encajes, bordados y pasamanerías. Esto
significaba falta de autonomía de la mujer en su vestimenta.
Culto al cuerpo de la mujer en los últimos años del siglo xix. La mujer en general y
su vestimenta se convierten en temas de interés artístico y sanitario, ya que por
un lado son representadas y tomadas como inspiración en arte, publicaciones,
jarras, y diversos artículos, y por otro lado, comienzan a surgir informes médicos
que discuten los riesgos que el corset implica para la salud.
También se habla de la mujer feminista, que veía al corset como simbolo de
sumisión y dependencia femenina.
La vestimenta femenina se convirtió en una cuestión de debate para toda la
sociedad. Comenzaron a surgir alternativas, como los vestidos de línea recta
creados por el arquitecto Shultze-Naumberg.
Paul Poiret fue el modisto que suprimiría definitivamente los corsets en 1906, y
tomaría de inspiración el ballet ruso para cambiar la silueta S por lo vaporoso y
oriental. También fue el responsable de la aparición de las mangas kimono, que
liberaban los movimientos de brazo femenino.
Varios autores también relacionan la vestimenta opresiva de la Belle epoque con
la represión de la vida y las aspiraciones de las mujeres.
Al eliminarse el corset, desapareció la necesidad de ayuda de terceros (doncellas o
maridos) para desvestirse.
Los tobillos se convirtieron en el punto central del fetichismo, reforzado por la
sociedad, casas de prostitución, dibujantes, etc.
Para 1900 lo que más destacaba sobre la vestimenta femenina era la lencería. Por
esta epoca se comienzan a hacer populares los baños de mar y se reduce la
censura en las publicaciones. Aparecen los espectaculos eróticos. Igualmente no
se permitía mostrar piel entre el pecho y las caderas.
De 1910 a 1914 aparece la moda de jupe entravee, antecesora de la falda tubo, que
al ser tan estrecha dificultaba el caminar, solo era usada por algunas mujeres. El
resto optó por levantar las faldas y comenzar a mostrar el tobillo. Esto produjo que
las medias se conviertan en protagonistas en diferentes diseños: caladas, seda,
crepe, motivos florales y embellecidas con encajes de bruselas.

Texto: El reinado de la alta costura

La moda surgió en el renacimiento, ya que aquí es cuando la ropa comenzó a

utilizarse para expresar la individualidad y como exaltación del propio gusto.
La Alta Costura es la creación firmada y, por tanto, de diseño original, de modas de
la más alta calidad y de confección totalmente artesana. Charles Worth es
conocido como el padre de la alta costura y el primero en firmar sus prendas.
En 1910 la costura se separó de la confección al fundarse la Chambre Syndical de
la Couture y quedar establecidas ya las diferencias entre la “alta costura”, la
“media costura”, casas que no hacían desfiles, pero recibían clientes privados y
compradores profesionales, y la “pequeña costura”, o confección, de los modistos
tradicionales que hacían ropa a medida.
Exigencias de la cámara sindical de la alta costura: presentar 2 colecciones al año,
en París, en fechas fijadas por la Cámara, con al menos 75 modelos originales por
colección, diseñados y confeccionados en talleres propios, y sujetos a comisiones
de control.
El taller debe contar con un mínimo de veinte empleados fijos. Además, cada
colección tiene que presentarse al menos cuarenta y cinco veces en Isabel
Vaquero Argüelles El reinado de la Alta Costura: la moda de la primera mitad del
siglo XX un año dentro de la propia casa de costura, y con al menos tres
maniquíes “vivientes”.
Desde 1950 las firmas de Alta Costura han basado gran parte de su estrategia de
negocio en la concesión de licencias de uso de marca para cosméticos, perfumes,
joyas y accesorios en general.
España: Aparece en el mapa de la alta costura en los años 30 con Balenciaga. Las
señoras compraban afuera de españa o hacian copiar los modelos a sus
costureras.
Paul Poiret se formo en los talleres de Doucet y Worth y fue el responsable de
crear la silueta de la mujer moderna a principios del siglo XX, inspirandose en la
moda del directorio por la línea recta marcada por un frunce bajo los senos y el
oriente, del cuál imitó los motivos estilizados y los colores vivos. La nueva moda se
usa sin corset. El peso de la ropa se redujo de 3 kilos a 900 gramos. Gracias a él se
logró el retorno al traje fluido, entallado, que significaba el fin de la moda
recargada que había durado cuatro siglos, siempre acompañada de corsés con
ballenas.

Influencia de la guerra

La primera guerra mundial forzó a las mujeres a comenzar a trabajar ocupando

ciertos oficios que antes realizaban los hombres. Esto permitió la aparición de un
nuevo traje práctico que se adapte a este estilo de vida.
Innovaciones:
- La falta se acorto (1915, el traje cubre la rodilla y pantorilla pero deja al
descubierto los tobillos).
- Ropa tipo sastre, sin adornos.
- Paul Poiret: traje sastre de tipo deportivo en un solo color. Reprensenta
democratización: no permitia identificar las diferentes clases sociales.
- Aumento de la producción de jerseys tejidos a mano.
- Popularización del uso de tejidos de punto gracias a Gabrielle Chanel.

1920: la alta costura propuso la vuelta al traje sofisticado. Esto recién tuvo exito en
1947.
Las casas de moda con mayor influencia estaban dirigidas por mujeres: Lanvin
(trajes bordados), Madeleine Vionnet (pionaera del corte al bies) y Gabrielle Chanel
(primera gran estilista y creadora de los primeros trajes que las mujeres pueden
ponerse sin ayuda). Otras: Molyneux, Jean Patou y Jacques Heim.
La ata costura se aproxima a otras artes decorativas.

Nueva mujer:
Años locos: joven deseosa de escapar de las normas tradicionales. El traje tenía
una connotación sexual ya que buscaba una paridad con el hombre. Hay una
renuncia a los atributos femeninos: ya no se rellena el pecho (incluso se lo
vendaba) y bajó la cintura a la cadera. Uso de fajas ligeras de tul elástico para dar
al cuerpo un matiz andrójino.
Cortes de pelo muy corto y uso de sombreros (cloche- forma de campana), que
escondía el pelo y solo dejaba ver la patilla.
Renuncia a la piel blanca (práctica de deportes y baño de sol).
Indumentaria básica: raje sastre de corte estric-
to, con camisa, y a veces con corbata.
Maquillaje: artificial, como en el siglo XVIII. cejas depiladas y luego trazadas con
lápiz, la boca dibujada con lápiz de labios, de colores sintéticos.
Insutrumento de coquetería: faldas que apenas cubrian las rodillas usadas con
medias color piel. Lenceria elegante de seda, color pastel y reducida.
Textil: punto de seda artificial, de mantenimiento facil y que no necesita plancha.

Difusión de revistas de moda que permitía a las mujeres conocer las tendencias
impuestas.

Grandes divas del cine que se convertirian en modelos para el resto de las
mujeres: Greta Garbo.

Años 30: Fin del Corse

1928 las faldas vuelven a alargarse.
Entre 1930 y 1939: vuelven a acortarse y ganan amplitud. Se marcan los hombros y
los trajes de noche se alargan. El sujetador se convierte en una prenda
fundamental (comienza a ser cuestionada recine en los 60 y 70) por la necesidad
de redondear el pecho y dar el volumen deseado ante la desaparición del corsé.

Notas del Uade Connect

Mujer con espiritu y ansias de independencia. Presionan al mundo de la moda

para lograr la libertad. La aparicicón del deporte favoreció la desaparición del
corset por una cuestión de comodidad, que se termina expandiendo a la vida
diaria. Además la mujer comienza a ganar terreno en diferentes ámbitos.
1905-1910: Eje más grande de cambio de todo el siglo XX.
La burguesía está regulando el vestir, es la clase social dominante. La belle
epoque coincide con todos los movimientos de vanguardia.
Las vanguardias artisticas rompen con lo establecido, con la lógica tradicional.
El ballet ruso rompe con la danza clásica. Ballet clasico propone silueta femenina
y clasica con colores tenues, mientras que el ruso, protagonista hombre, fuerte,
sensual, viril. Colores estridentes, contrastantes, escotes pronunciados, bordados.
Movimientos bruscos y estruendosos. Interacción con el público.
Musicalidad: muy cortante, con silencios que generan incomodidad.
Paul Poiret se inspiro en el ballet ruso.

Paul Poiret: veia a la moda como arte.

Discipulo de Doucet y Worth
Influencias orientales, arabes y clasicas (grecolatino).
Diseño interdisciplinar: vendia un estilo de vida.
Los diseñadores son personas que saben lo que está por venir y se animan a
hacerlo.
Diseño interdisciplinar.
Usa mucho amarillo tono ocre. Kimono deconstruido.

UVA II

Exposición de experto
Período 1919- 1929

Años que comprenden el fin de la primera guerra mundial y la crisis de Wall st.

Primera guerra mundial

Mujer comienza a ocupar lugar en las fábricas. Ocupan los lugares que antes eran
ocupados por los hombres. Producen y mantienen la economía en marcha.
Adapta su indumentaria a las formas nuevas de su existencia diaria. La guerra
cambia a las mujeres en lo social, político y económico.

Mundo moderno
Progreso- avance tecnológico - corte con el pasado.
Todas las vanguardias artisticas va a querer cortar con los parametros del pasado
porque estos recuerdan a lo que llevó a que se desate la guerra.
Ej: art nouveau (curvas y contracurvas) vs Art decó (lineas rectas,
geometría).exotismo vs funcionalidad (bauhaus).
Silueta recta, rectangular, geométrica con líneas diagonales.
Años 20: vivir la vida a pleno. Se cree que nunca más habrá otro conflicto bélico.
Danza, baile y locura. Jazz, charleston, etc. Auto como simbolo de la velocidad

El baile trae la idea de la interculturalidad. Musica y baile como agente de cambio.

Es la metáfora del mundo acelerado.
El tango representa la fortaleza y la sensualidad en la mujer. Ej tita merello.
Comienza a fumar y maquillarse en público.

Silueta de los 20:

- Falda corta
- Talle bajo a la cadera
- Sombrero (cloche) campana
 - Pelo corto. Masculinización
- Zapatos escotados
- Noche: escotes en la espalda, cuellos amplios y brazos al desnudo. Medias
color carne.

No se muestran las curvas del cuerpo.

Tejido de punto en la silueta femenina: aporta comodidad para moverse.

Uade Connect UVA II

Diseñadores de los XX:

Mundo moderno, corte con el pasado necesario por el fin de la guerra.
Nace el art decó (Geometretización y sintesis, no es simple y minimalista
necesariamente), que se contrapone a todos los procesos del art nouveau.
Todo se re piensa en función del futurismo.
años 20: silueta masculinizada. no quiere decir que sea androgina. A chanel
muchas mujeres las ven como una heroina.

Diseñadora textil:
Sonia Delauney
sus primeros pasos en el mundo artistico fuerom gracias a su esposo Robert
delone, que era artista.
Simultaneísimo: deriva de la publiciacion de Cheverul (1893) teoria que indentifica
el fenomeno de los colores que se ven diferentes segun los colores que rodean.
Sonia delone pinta circulos.
Decide incursionar en el mundo de los textiles e ir más allá de los límites
tradicionales de las bellas artes.
Lo mas relevante: uso del color y textil.
Diseñaba experimentalmente y para amigos artistas principalmente.
Exposición de 1925.
Trasladaba las piezas del simultaneísmo a las prendas: patchwork.
Falda a la cadera, cintura rectangular, se dejan ver las piernas, medias color carne,
zapato escotado (3/4 cms) sombero campanita, tapados de piel.
Cada prenda era una obra artistica.
Hacia colaboraciones con otros diseñadores.
Grande escala y dinamismo, a traves del color (movimiento visual).
Diseño textil comercial: los hacia para ciertas tiendas departamentales.
Simplificación de las formas.
Pasion por el color.
To do UVA III: Leer nota de cátedra. 1929-1945.

LOS AÑOS 20: HIJOS DE LA ÉPOCA DEL JAZZ

LURIE, A. Capítulo 3: Moda y Épocas. En El lenguaje de la moda: una

interpretación de las formas de vestir. Grupo Planeta (GBS). España. 1994. ISBN

9788449328558.

● ¿Cuáles fueron los cambios en la silueta femenina luego de la Primera

Guerra Mundial?

Se pasó de una silueta reloj de arena a una silueta de alfombra enrollada.

Figura de muchacho, plana por delante y por detrás con largas y delgadas
piernas.

● Realice un breve punteo de las prendas son sus características más

significativas.

- Faldas más cortas con cinturas ensanchadas.

- Vestidos de saco muy cortos, escotados y sin mangas.
- gorritos acampanados.

● Comente sobre el concepto de masculinización de la silueta. Figura de

muchacho, plana por delante y por detrás con largas y delgadas piernas. Se
sugiere que esta silueta se da por la afirmación de los derechos recién
conquistados o por la necesidad de reemplazar a los hombres muertos en
la guerra. Aunque viendo las fotografías más bien las mujeres parecían
niños en lugar de hombres.

- Vestidos sueltos tipo bata corta o tipo saco que terminaban justo por
debajo de la rodilla. Podían no tener cintura y ceñirse a la altura de la
cadera. Tejidos finos y ligeros. Paleta de color: crema, beige, blancos
o pasteles suaves (remitían a la infancia). Eran llevados con adornos a
gran escala, flores artificiales de terciopelo y pesadas sartas de
cuentas. Otro vestido popular fue el cortado a modo de camisa, con
 cuello desmesurado y corbata de lazo suelta. También se usaban
blusas y faldas marineras y zapatos atados al tobillo con una correa o
zapatos “mary jane” a los cuales se le adhería un tacón cubano.

● ¿Cómo cambió la silueta de los hombres? Los hombres perdieron su

corpulencia y autoridad eduardiana. Mas esbeltos y jóvenes, con hombros
más estrechos y más caídos, menos barbilla y poco o nada bello facial. La
ropa se fabricaba con tejidos más ligeros y a menudo con colores más
pálidos: blanco, café claro, gris claro, coma. El cuello duro alto estaba
desapareciendo; las chaquetas eran más cortas y los hombros menos
acolchados. Los pantalones eran de talle alto, sugiriendo una figura juvenil
e incluso preadolescente. Se hicie¡on popular'"s las ropas deportivas de
todo tipo, y en las ocasiones informales, aun cuando no tuviesen intención
de jugar al golf ni al tenis, los hombres se ponían con frecuencia Ios suéters,
los bombachos y las gorras de visser:r dc su infanci¡.
● ¿Cuáles fueron los cambios en el ámbito literario? o. La madurez deió de
estar de moda, y las figuras paternas fuertes, calladas y seguras de sí misma
fueron reemplazadas por las figuras filiales que son los héroes de las
novelas de Joyce, Lawrence y }-fitzgerald: románticos, sensibles, impulsivos,
y también ocasionalmente débiles y a menudo psicológicamente
inestables.
● Realice una breve reseña sobre la obra de F. Scott Fitzgerald.

Resumen sobre UVA II

- Si bien el diseñador Jean Patou heredó la tradición por la peletería, fue su

encuentro con la tenista Suzanne Lenglen lo que lo llevó a experimentar
con prendas realizadas en tejido de punto para favorecer los movimientos y
la comodidad en las canchas. A partir de sus diseños, vemos nacer lo que
sería el rubro sportswear.
- La escuela de diseño de la Bauhaus nacida en el año 1919 se destacó por
crear una forma innovadora de practicar el arte, la artesanía y la industria.
La simplicidad y el lema "menos es más" fueron parte de su práctica
 durante los diez años que estuvo abierta. La función fue primordial en la
creación de objetos logrando la mezcla justa entre tecnología y artesanía.
- Una de las características del trabajo de Sonia Delaunay fue aplicar sus
estudios sobre las relaciones del color al textil. Jugó con líneas y formas
geométricas relacionadas a las vanguardias para plasmarlas en diseños
textiles que serían comercializados en toda Europa
- El período 1918-1929 se definió, por los historiadores, como un momento de
plena alegría por el fin de la Gran Guerra, una mirada vanguardista que se
comprueba en el auge de los movimientos artísticos, la idea de progreso
como motor social hacia el futuro y el cambio rotundo con la Belle Époque.
- Las innovaciones tecnológicas y la mirada hacia el futuro marcaron un
período que intentó por todos los medios cortar con el pasado. Las
vanguardias en el arte como el cubismo, el fauvismo, el futurismo y el
expresionismo alemán fueron, sin duda, un aspecto cultural que marcó la
moda y la silueta de la mujer.
- Las mujeres se liberan definitivamente del corset para incorporar
innovadoras tipologías como el vestido recto que tendrá una falda corta de
15 cm por encima de la rodilla. El nuevo sistema de conjunto deja ver las
piernas y se combina con zapatos escotados y pelo corto. Estas
características definirán la silueta a la garconne de rasgos andróginos.
- Una de las innovaciones por parte de Coco Chanel fue la inspiración a partir
de prendas tradicionales masculinas. El blazer, el chaleco de punto y el
pantalón fueron tres tipologías que utilizó para crear una silueta femenina
cómoda y acorde al momento de liberación.
- Una de las manifestaciones de la aceleración característica de la década de
los años 20 fue, sin dudas, el baile. El ritmo acelerado del charleston, las
grandes bandas de jazz y la sensualidad del tango fueron expresiones de la
nueva era y generaron encuentros multiculturales que marcarían el resto
del siglo.
- La diseñadora Jeanne Lanvin se destacó en la alta costura y por su interés
en trasladar sus creaciones a diseños infantiles. Sus diseños marcaron un
antes y un después en el rubro de prendas para niñas generando un nuevo
rubro comercial que perdurará hasta nuestros días.
- La Primera Guerra Mundial fue un conflicto que provocó grandes cambios
en la cotidianeidad de las mujeres. Los hombres tuvieron que trasladarse a
las zonas de guerra y las mujeres aprendieron los trabajos de fábrica. A
 partir de estos sucesos, las mujeres comienzan una nueva vida con
mayores libertades en lo laboral y en el ámbito social.

UVA III

Exposición de experto
Período de entreguerras (1929-1945)

Revistas de moda: Los medios gráficos aparecen a partir del siglo XIX con la rev
industrial. A partir del siglo XX, las revistas son cada vez más especializadas para
cada rubro, en ese contexto aparecen las revistas especificas para la mujer y sus
inquietudes, no son 100% de moda.
Las revistas le muestran a la mujer ciertas tipologías, siluetas, costumbres, formas
de maquillarse y cocinar etc.
Tienen una combinación entre ilustración y fotografía (la fotografia era muy
costosa).
Nacimiento de las editoriales de moda: relatos fotográficos para mostrar las
tendencias del momento, suelen tener una temática. Son narrativas que
acompañan los sucesos historicos del momento.
Surge la idea de modelo (muchas veces las actrices son modelos), fotografo de
moda (especializados) y editora (curadora de la revista, le da un tema y las hace
diferenciarse del resto).

Las revistas de moda abrieron el camino a la fotografia y marcan el ritmo de

eventos en la vida cotidiana de las mujeres.

Las revistas funcionan como un modo de escape a la crisis económica y a la

segunda guerra mundial.

Fotografía de moda:
- Las poses son rígidas, la modelo está estática, no es espontánea. Tiene que
ver con la tecnologia de la epoca. Camara fija.
- . Contextos preparados, poses actuadas. Las fotos se hacian en estudio.
- Trabajo sobre la luz
- La modelo como maniqui.

Fotografos destacados:
Cecil Beaton: tmb es artista e ilustrador. Se mueve en las elites de la moda. Retrata
la moda durante los 30, 40 y 50.
Horst. P Horst: fanatico de la luz y de la paleta cromatica y pose. Todo en su
perfecto lugar
Lee Miller: comenzo como modelo. Aprendiz del artista surrealista Man Ray.
Uade Connect UVA III

Periodo entreguerras 1929, gran crisis económica. periodo del 1930 al 1945.
Depresión económica. Moral superrigida. Racionamiento.
Silueta rigida.
Las faldas se alargan, se impone la sastreria.
El lujo si sigue presente en la alta costura.
Elsa Schiaparelli, diseñadora italiana. SHOCKING: palabra que la define. Su color:
rosa shocking.
Revistas de moda: gran distracción.
Ella esta ligada al surrealismo.
Instala la ironía en la moda.
Importancia de los accesorios, sirve para permitir que el traje no parezca siempre
el mismo.
No habia abundancia de materiales por el racionamiento y por la guerra.
Innova en los materiales, ej celofan en alta costura, uso de cierres.
shocking, accesorios de bichos.

1890, roma. 1927: primera colección. Sweaters deportivos con motivos

geometricos, lazos, punos y cuellos de trampantojo (tecnica surrealista, algo que
parece una cosa pero es otra). Bravuconeria iconoclasta y originalidad
desenfrenada.
- No es una diseñadora masiva
Usa el mismo atellier de bordado que chanel le sache (aprobado por la camara de
alta costura).
Silueta vertica, silueta bien marcada, largo modular hasta el piso. Prenda: torerita,
prenda caracteristica de esta epoca.
Linea de hombros bien rigida que tiende a la militarizacion
Collab con Dali: tear dress, Lobster dress. también hicieron colaboracoines de
joyeria surrealista y el zapato sombrero.
Primera en estampar en la alta costura.
Collares con bichos.
Primera en hacer estampado de diarios con sublimación y rodillos.
Perfume junto a Leonor Fini. Dirvio de inspo para muchos frascos de perfumes
famosos, marc jacobs, kim kardashian, etc.
1938 coleccion circo.

Nota de Cátedra

Período de entreguerras: 1929-1939: Estados Unidos y Europa sufrieron dos

importantes eventos de cambio en la situación social y económica.
- Crisis de la bolsa de Wall Street (1929): La búsqueda del festejo y la
aceleración fueron reemplazados por los valores tradicionales de austeridad
y seriedad.
 - Aparición de partidos políticos como el Nazismo en Alemania y el Facismo
en Italia.

Este período se caracteriza por resguardo, escasez, moderación y templanza, y la

aparición del cine, que va a funcionar como una máquina de estereotipos.

El sueño americano se mete en el inconsciente colectivo promoviendo el poderío

del Estados Unidos de posguerra. Las imágenes se graban y se replican de forma
mundial, dando lugar al entretenimiento como pauta del bloque capitalista
durante la Guerra Fría.

El género de cine describe a cada una de las distintas categorías o clases en las
que se puede ordenar las obras, según rasgos comunes de forma y contenido.
Se identifica a partir de ciertas características comunes:
- Visuales en cuanto a fotografía, interiores, vestuario, etc
- Uso de tecnología: tipos de edición y sonido.
- Trama y guión

Los historiadores consideran que la época dorada de Hollywood fue en el período

entreguerras.

Tipos de géneros:
- Western: Representa todos los simbolismos de la vida rural en EEUU. Los
escenarios rurales, los bares, los burdeles, los ranchos, el caballo y las
carretas nos presentan la nostalgia de una vida perdida por la convulsión
de las grandes ciudades. Personaje: héroe americano: un ser de confianza,
blanco, de buenos modales, honrado, pero rudo a la vez. Trama: conflicto
por la división entre “buenos” y “malos” que comúnmente serán nativos en
su estereotipo de salvajes contra el blanco defensor de mujeres y pueblos.
Director clave: John Ford. Actores populares: John Wayne, Jack Palance,
Clint Eastwood y Gary Cooper. Vestuario: prendas de trabajo con el
sombrero de ala ancha con soga, la camisa cuadrillé o de algodón tupido
cultivado en el sur de Estados Unidos, pantalones vaqueros, cobertores de
cuero para montar, cartucheras de pistolas, pañuelo rojo a la base del
cuello, botas estilo texano y camisas con bordado.
- Cine negro, cine gangster o film noir: peleas entre pandillas, situaciones de
violencia, robos y actos criminales. Escenas: caracter expresionista,
claroscuro, fotografía nocturna. Personajes: femme fatale, puede llevar a los
personajes al borde la muerte y la locura. Vestimenta: hombres llevan traje
a rayas, cuadrillé o liso con línea de hombros amplia decorado con clavel o
pañuelo de seda en el bolsillo, sombrero de ala corta tipo fedora y como
elementos accesorios el cigarrillo y el arma. Mujeres: el vestido curvilíneo o
vestidos de seda serán protagónicos.
- Horror o terror: su característica principal es fomentar la sensación de
miedo. Personajes: Monstruos como Drácula, Frankenstein, la Momia y el
 Hombre Lobo, entre otros. Este cine puede ser ligado también al de ciencia
ficción y al que muestra personajes extraterrestres.
- Comedia musical: es el género más representativo del american dream y
nace con el cine sonoro. Proviene del teatro y las acciones se desenvuelven
con secciones cantadas y bailadas exagerando movimientos y poses para
captar la atención. Dupla principal de actores: Judy Garland y Mickey
Rooney encarnaran siempre la pareja de bajos recursos que de una forma u
otra llegará al estrellato de Broadway. Películas clásicas: Cantando bajo la
lluvia (1952). El baile de salón también entra dentro de este género, aunque
deja más de lado la comedia para enfocarse en las coreografías. La pareja
que encarnará este formato será Ginger Rogers y Fred Astaire. Impecables
bailes filmados en una sola toma en vivo con bandas de jazz marcan la
perfección con la que trabajaban.

Estereotipos de Hollywood: actores que se especializaban en cada formato. Las

productoras eran las responsables de manejar la carrera de los artistas desde su
lado profesional y muchas veces de su lado personal. Ej: Paramount, Metro
Goldwyn Meyer o Warner Brothers.

- Marlene Dietrich, Alemana, que encarnó a una mujer fuerte con ciertos
rasgos de androginia.
- Bette Davis: Encarnó siempre a la niña inocente y caprichosa de ojos
grandes que obtiene lo que desea. Su carácter pasa de jovial y chistosa a
una mujer intensa y malvada.
- Carole Lombard, encarnó papeles de comedia con grandes
interpretaciones físicas.
- Vivien Leigh, ejemplo de la actriz inglesa que triunfó en Hollywood. Lo que
el viento se llevó y Un tranvía llamado deseo.
- Greta Garbo, sueca, encarnó la mujer rígida y misteriosa de la Metro. Anna
Karenina, de 1935, y comedias como Ninotchka, de 1939.
- Rita Hayworth, la encarnación del estereotipo de bomba sensual.
- Joan Crawford, estereotipo de la mala, la mujer asesina, sin escrúpulos, la
amante o la falta de moral en las relaciones amorosas.

Vestuaristas: Aparecen como parte de las megaproducciones a partir de la

década de los años 30. Son contratados por las grandes compañías no solo para
diseñar los vestuarios, sino, también, para lidiar con los egos de las actrices y la
incorporación de diseñadores de alta costura a los largometrajes.
Edith Head de Paramount que llegó a ganar 8 Oscars a mejor vestuario e
inauguró la categoría en los premios de la Academia.
Otro diseñador reconocido fue Gilbert Adrian, de MGM, cuya obra más conocida
fue la película “El Mago de Oz”, en la que vistió a Judy Garland y todo el elenco.
Madeleine Vionnet

- Formó parte de un grupo de mujeres creativas que transformaron la moda

a principios del siglo XX.
- Se identificaba como modista antes que diseñadora
- Buscó generar una cohesión entre cuerpo y vestido, comenzando su
proceso de diseño en un
maniquí a media escala y trabajando con las características del tejido para
valorar los contornos
naturales del cuerpo.
- A fines del S XIX trabajo como aprendiz de la modista de la corte Kate Reilly,
quien copiaba la moda francesa.
- En 1907 comenzó a trabajar en Jacques Douce y lanzó su primera colección
con vestidos sin corsé, y sus modelos, inspiradas en la bailarina moderna
Isadora Duncan, caminaban descalzas.
- En 1912 abrio su primera casa de moda
- Las creaciones de Vionnet eran un marcado contraste con las modas
excesivamente adornadas del período anterior a la guerra; evocaban una
nueva forma de feminidad que hablaba de libertad, independencia y
experimentación. Se inspiró particularmente en el diseño clásico, y en las
esculturas antiguas.
- Sus cuatro principios de la confección –proporción, movimiento, equilibrio y
verdad– hacen referencia a los ideales clásicos de pureza y belleza.
- También tomo como inspiración el cubismo por la reducción a las formas
geométricas.
- Era famosa por su uso de cinta al bies, innovadora tecnica de confección.
Ella cortara, cubriera y sujetara tela en una muñeca de madera, trabajando
en las tres dimensiones en lugar de una superficie bidimensional. Su uso
del corte al bies dio como resultado diseños que se ajustaban
perfectamente al cuerpo del usuario, sin la necesidad de complejas
prendas interiores o corsetería.
- En 1919 comenzó a tomar fotografías con derechos de autor (anverso, lateral
y reverso) para cada prenda que producía. Más tarde, estos evolucionaron
en una sola toma que mostraba simultáneamente las tres vistas a través
del inteligente posicionamiento de los espejos. Cada prenda también fue
bautizada con su propio nombre y número únicos, y etiquetada con la
firma y huella digital de Vionnet
- También fue pionera en lo que respecta al bienestar social de sus
empleados.
- Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939, Vionnet, de 63 años,
decidió cerrar su negocio y jubilarse.

Uade Connect

Balenciaga: cuerpo escultural arquitectonico

Contracultura: Beat generation
segunda posguerra: idea de nuevo mundo. No tiene como obj plantearse lo
sucedido.
Contexto: años 50, la mujer hace un retroceso en lo social. femeneidad que llega a
lo ridiculo.
Plan economico marshal, casas en los suburbios, mundp negador.
American dream, estereotipado, no hay lugar para las minorias ni los
pensamientos diferentes.

Beat
cuando estan sucediendo, osea en el momento, no son populares. es gente que
esta como under, como marginal. con el tiempo se reconoce
surge desde el ambito de la escritura
en eeuu
cultura de masas, mucha mas gente accede a la universidad.
Beat era un modo de ser, beatnik era ropa de moda. beat era identidad, beatnik
imagen.
beat cansado, nik, sputnik.
todos tienen libros yson escritores. comunidades de artistas modernos.

cafe greenwitch village.

vesyimenta:buzo universitario, jeans
francia: estetiza la imagen, polera negra boina y anteojos redondos.
Jack kerouac

en contra del consumismo.

allen ginsberg, poeta.

el almuerzo desnudo, william s burroughs.

pull my daisy: remera rayada, pantalones negros.

UVA IV

Nota de Cátedra: Christian Dior

Segunda guerra mundial: racionamiento dada la escasez de materia prima, lo cual
llevo a una silueta de extrema simpleza y lineas rígidas hasta 1945. Se debian
respetar las normas en relacion a cantidad de botones y bolsillos permitidos en las
prendas.
En 1945 los paises europeos se concentraron en revivir sus tradiciones y progresar
economicamente. Uno de los propositos del gobierno frances fue resurgir las
colecciones de alta costura para generar trabajo y atraer clientes estadounidenses.
Christian Dior: fue influenciado por su relacion con su madre y su silueta de curvas
y contracurvas que ella usaba en la belle epoque, que luego el volveria a traer en
los 50.
Trabajo como ilustrador y figurinista y en el atelier de alta costura de Lucien
Lelong, donde tendría de compañero a Pierre Balmain. Mas tarde se convirtio en
el protegido de Marcel Boussac (gran empresario textil de la época).
En 1947 presento su coleccion corola, con diseños inspirados en las lineas
organicas que remiten a la belle époque, así como en la propia flor como símbolo
de un retorno a la femineidad. No tuvo aceptación por el público frances. Se tomo
como burla a las secuelas de la guerra. Sin embargo, si fue aceptado por la prensa
estadounidense y aparecio en la revista Harpers Bazaar, bajo el concepto de New
look.
Los próximos diez años marcarían las líneas de diseño de la casa Dior y
cimentarían la tradición y el gusto del diseñador por una mujer elegante,
sofisticada y femenina en el sentido más tradicional. Su silueta se distingue por
las líneas curvas y suaves, las caderas marcadas por el péplum, las faldas
tableadas con la perfección de los talleres de alta costura, la cintura de avispa
con ropa interior que simula la opresión del corset, las pinzas curvas, la falda tubo
y los stiletos creados por Roger Vivier para estilizar y dar altura.
Su mirada y aproximación al diseño, si bien algunos la marcan como retrógrada,
fue revolucionaria para la moda. Les devolvió a las mujeres de la posguerra la
posibilidad de lucir glamorosas y femeninas, así como también inspiró a otros
diseñadores que seguirían sus líneas entre ellos Hubert de Givenchy.

Dior después de Christian Dior: Saint Laurent fue apuntado como el nuevo
director creativo de la casa y presento su primera coleccion en 1958. Hacía 1960
sus diseños cambiaron hacía ideas más juveniles en sintonía con las nuevas
formas geométricas del pop art incluyendo una paleta de color que no tentó a la
clientela legendaria de Dior.
En 1960 con la salida de Saint Laurent, Marc Bohan tomó el control creativo de la
casa creando las colecciones hasta 1989, cuando se mudó a diseñar para Hartnell.
Bohan creó en 1968 la primera colección Prêt-à-porter. Hasta la fecha la casa Dior
había sido solo de alta costura, y con el correr de los años inauguró la línea de
hombres y niños. Es el diseñador que más años estuvo, más aún que el propio
Dior.
Raf simmons para dior 2012, resignifico a Dior en los 50. Mas minimalista en lo
decorativo. Idea del strapples.

Exposición de experto
Posguerra (1945-1960)
Revolucion juvenil
Luego de la 2GM, hay un nuevo paradigma de pensamiento y de sociedad: los
jóvenes acaparan la escena. La juventud se convierte en el modelo a seguir.
Los jovenes dejan de tener las responsabilidades que tenian en periodos
anteriores como trabajar o ir a la guerra. Ahora pueden estudiar. Quieren cambiar
las reglas de sus padres y se oponen a todo lo anterior.
Es una rebeldia inocente ya que se da a partir de la musica, rock, estereotipos y
hollywood. Así nace un nuevo mercado de consumo.
Aparecen revistas como seventeen que se enfocan en el universo adolescente.
Hollywood comienza a hacer peliculas para el publico joven, con problemáticas
sobre la juventud,, protagonizadas por actores como Audrey Hepbour, James
dean (encarnacion del rebelde) y Marlon Brando.

El traje sastre de tres piezas se reemplazó por jeans, camiseta blanca de algodón y
camperas de cuero en los hombres y las mujeres jóvenes cambiaron los
sofisticados géneros como la seda por el algodón.

Nina Leen
Fue fotografa de la revista life y tomaba retratos de los adolescentes en su
intimidad (hablando por telefono, esuchando musica, tomando cocacola

Musica
Movimiento cultural de cambio y rebeldia. El Rock n roll es la expresion de la
juventud. Elvis Presley, rockero pero tambien fue soldado, cumple con sus
obligaciones.

Fin de la 1GM: Líneas rectas, diagonales, geometría, corte con el pasado.

Fin de la 2GM: Líneas curvas, vuelta a una especie de corset, líneas femeninas y
nostalgia con el pasado.

UVA V

Nota de Cátedra: Mary Quant

A partir de 1947, Londres pasaría a ser el nuevo epicentro de la cultura y la música

creando una verdadera revolución de diseño joven.
Aparece el movimiento swinging london. Los estilos modernos hicieron florecer el
arte, la música y la moda. Bandas como The Beatles, The Who, The Rolling Stones,
The Monkeys y Pink Floyd traerían nuevos estilos como el rock sinfónico y
tendrían una fluida conexión con nuevos estilos vestimentarios que cambiarían la
moda masculina. Las modelos como Twiggy y Jean Shrimpton formarían parte de
la escena junto a fotógrafos como Terence Dovonan y David Bailey. Amor libre y
disfrute.
Ideas de la juventud: color, creatividad, progreso y tecnologia. Nuevas modas y
expresión de la minifalda como la prenda que marca la década, , las formas
geométricas y un fanatismo por la era espacial serán parte de las inspiraciones
para los nuevos diseñadores.

Mary Quant fue estudiante de arte e ilustración. Junto a su esposo, Alexander

Plunket Greene, abrió el local King´s road donde vendia productos de moda que
compraba a otros proveedores. Luego comenzó a diseñar sus propias colecciones
y creo el look Chelsea girl, cuya protagonista era la minifalda.
En 1957 abre su segunda tienda. Su filosofía era la ropa divertida que
proporcionaba libertad, la capacidad de correr, saltar y moverse, sin las
limitaciones de las enaguas de la posguerra. Se volvio popular entre los jovenes
que buscaban diferenciarse de sus padres.

Los Spotted piyamas(piyamas a lunares) de Mary Quant fueran de sus primeras

creaciones en Bazaar. Realizaba prendas con moldes de revistas y los adaptaba a
formas más innovadoras y juveniles. Este conjunto de principios de los 60s
mostraba la línea trapezoidal que triunfaría a mediados de la década y la
inspiración en los bloomers, pantaloncillos infantiles que iban debajo
de los vestidos.

Para el año 1962 y con varias colecciones en su haber comienza a vender en

Estados Unidos en conjunto con la cadena de ropa JC Penny que recrearía sus
estilos más famosos y su línea de ropa interior. Uno de los propósitos que siempre
conservó fue el de llegar a toda la juventud con sus diseños.
Su silueta se caracteriza por una búsqueda en el diseño de prendas infantiles, el
largo modular de la minifalda, los cuellos estilo Peter Pan, las mangas bombilla,
los bloomers y el jumper conformarán una moda versátil que permite a las más
jóvenes moverse con total libertad.
Otra de sus innovaciones fue crear vestidos largos en materiales cómodos con
terminaciones de rib deportivo para romper con la idea del largo solo para noche.
Estas prendas muy versátiles podían adaptarse a distintas situaciones durante
todo del día y estar más acorde a la velocidad de la juventud.
La sastrería sin embargo seguirá vigente en los diseños juveniles pero adaptada a
formas rectangulares e incluirá la minifalda. Las escalas exageradas de los
patrones como el escocés serán una marca registrada de los 60s y de Mary Quant.
Los alamares en tamaño extra grande acompañan el diseño que posee rasgos
tradicionales e innovadores en simultáneo.
Parte del gran suceso de sus locales y diseños fue por el trabajo grupal que se
generó en el círculo cultural londinense entre fotógrafos, modelos, revistas,
músicos y diseñadores. Mary Quant colaboró con la nueva generación de
modelos, editoras de moda y fotógrafos creando imágenes icónicas para revistas
como Honey y Petticoat.
La inspiración en el deporte fue una constante en su carrera trabajando recursos,
recortes, avíos y tejido de punto para crear prendas que jugaran con la fusión de
rubros, los bloques de color y la comodidad. El minivestido creado en 1966 tuvo un
gran impacto, con recortes curvos en las sisas realizados en morley de algodón y
el cuerpo en jersey bondeado, lo lucía una modelo que posaba con una pelota de
futbol (ver imagen debajo). Las poses de las siluetas de Quant estaban siempre en
movimiento reflejando el espíritu de acción de sus colecciones y estilo de vida.
Hacia 1963 la minifalda se vuelve a acortar y Quant juega a revisitar las tradiciones
inglesas una vez más. Inspirada en las prendas de lluvia crea una colección de
pilotos y vestidos mini en una novedosa materialidad: el PVC. Estos diseños le
proporcionaron una tapa en la revista Vogue catapultando sus wet looks al
mercado internacional. Realizados en tonos como el ginger (rojizo), uno de los
favoritos personales de la diseñadora, venían con alfileres de gancho en gran
escala y cinturones.

Todas sus colecciones trajeron entretenimiento y frescura a la moda. Repensando

estilos victorianos y prendas infantiles jugaba con el color y las siluetas “lolita”.
Trabajó desarrollando algodones, lanas y tweeds con tejedores y fabricantes de
Gales, Wiltshire y Yorkshire, utilizaba tintes artificiales como novedad y creando
escoces de escala exagerada con terminaciones de botones extragrandes.

Al mismo tiempo revive los looks masculinos de la década de los 20, como el
estereotipo de la flapper haciendo eco de los dramáticos desarrollos vividos por
las mujeres y la moda en la generación que precedió a los baby boomers. Como
parte de su evolución en la década de los 60 comienza incursionar en el desarrollo
de prendas de ropa interior en 1966 con colores saturados y formas inspiradas en
piezas de la década de los 20s. Realizado con la fibra de elastano conocida
comercialmente como lycra moderniza las primeras pieles aportando comodidad.

Hacia fines de la década de los 60 agrega la línea de maquillaje que será

comercializada en todo el mundo y la cual aún conserva. Las innovaciones van a
ser desde las paletas estridentes de colores, los envases que por ejemplo podían
ser sombras para ojos imitando crayones, distintos formatos que formaban un
rompecabezas o su famoso rímel Cry Baby resistente al agua. También desarrolló
maquillaje para hombres en los 70 inspirados en el glam rock.

Exposición de experto
Moda entre 1960 y 1970

Silueta de los 60

- Silueta joven, representativa de la revolución juvenil. Los adultos quieren vestir

como jovenes. La moda juvenil se instala a partir de diseñadores jovenes que
nutren con nuevas ideas el pret a porter y la alta costura.
- Silueta de formas geométricas: trapezoidal.
- Largo modular corto: minifalda: prenda representativa de este período.
- Motivos con escala exagerada. Todo tiene que ser extra grande.
- Ideas futuristas: era espacial. Influenciado por la llegada a la luna y la carrera
tecnologica de la guerra fria.
- La innovación está sujeta a la idea de progreso y al sistema capitalista.

Movimiento Mod

Los mods o modernistas eran jovenes con tiempo y dinero, debido al fin de la
guerra y a la mejoria de la situacion economica, y de la educación, lo cual les dio
independencia.

En sus inicios, 1958, eran hijos de sastres y usaban a combinación de los estilos
italiano y francés de la época. Llevaban trajes italianos con solapas estrechas,
impecablemente hechos a su medida, y los llevaban con camisas de cuello
puntiagudo. Los zapatos eran muy similares a los utilizados por los recolectores de
winkle a mano, llamados así debido a sus dedos extremadamente puntiagudos.
Llevaban el pelo corto y prolijo, siguiendo el ejemplo de las estrellas de cine
francesas.
Heredaron las narcisistas y fastidiosas tendencias de los Teds con respecto a su
apariencia. Vestirse para el espectáculo era transformado en una religión.
Intereses: música jazz moderna y los coches Jaguar y motos como medios de
transporte, ya que era barato. Incorporaron parcas a sus vestuarios, para
protección y limpieza: abrigos para todo clima con capuchas forradas de piel en
verde militar.

En 1960 fue cuando alcanzo su auge de popularidad, y muchas tiendas

comenzaron a vender ropa de este estilo. Se destaca a la diseñadora Mary Quant y
John Stephens (his clothes).
Las mujeres comenzaron a entrar en la escena (eran denominadas pajaros por los
hombres). Se subieron los dobladillos, se incorporo la minifalda, los zapatos
planos, pantalones y las camisas o suéteres a juego con los del novio de la chica.
Estilo andrógino en cortes de pelo (cortos y prolijos). Sombra de ojos marron y
pestañas postizas como maquillaje, a diferencia de los hombres que usaban
sombra de ojos, lápiz de ojos, lápiz labial y colorete.

Los mainstream mods usaban trajes de seda italianos con solapas estrechas. Los
colores iban desde el gris y el negro hasta el marrón, el rojo y el verde. Los
pantalones Drainpipe se cortaron por encima del tobillo para revelar los
mocasines italianos con borlas para los casuales de tejido de canasta,
generalmente con puntas en punta. Las corbatas eran siempre muy finas y
generalmente negras, y se usaban alrededor del cuello de las camisas
abotonadas. Los cuellos de tortuga también eran populares en lana o cachemira,
al igual que los suéteres de cuello redondo y cuello en V y las camisas de punto
tipo polo abotonadas hasta el cuello, con rayas horizontales como patrón
preferido. El cabello era corto y, a menudo, estaba rematado con un bombín
negro. Los Mods lucían gafas oscuras, en consonancia con la imagen "genial".
UVA VI - Juventud contracultural 1970-1980

Exposición de experto

Silueta de los 70s

Son varias porque esta década se caracteriza por la heterogeneidad.

Periodos anteriores: silueta única que se traslada a la moda general.
En esta expo vamos a ver los ejempls más "hegemónicos" y "de consumo", pero
tmb está el punk que funciona como un movimiento contrastante.

- Nueva mujer. Representativa de la adultez de la generación de los 60.

- Conjuntos de maxi silueta (largo modular muy largo, no es extracorporal sino
ajustada, pero es larga). Se suele combinar maxi con mini.
- Largo modular: falda larga, maxi vestidos.
- Motivos pequeños de flores (estilo liberty) y psicodelicos. Estampados folk
(exóticos y ligados a otras culturas x fuera de o europeo)
- Colores vintage, vuelta a las formas del Art nouveau (meláncolia y búsqueda de
momentos del pasado, osea buscar en el registro del pasado y volver a traer
momentos históricos, sobre todo Belle Epoque y sxix).
- Sastreria para la mujer. Es decir, se confecciona un traje a medida de la silueta de
la mujer.

Diseñadores:

Laura Ashley:
- Se inspira el la vuelta al pasado: estilo victoriano y el campo ingles del siglo XIX.
Juego con las materialidades.
- Silueta maxi eterea, algodones muselinas, estilo imperio.
- Vuelta a la búsqueda de técnicas artesanales.
- Gusto por los textiles art nouveau y estilo liberty.
- Etereo y ensueño.

Pareja de diseñadores
- Celia Birtwell (textil) y Ossie Clark (indumentaria).
- Celia: colores contrastantes y rapports complejos.
- Creadores del estilo bohemio Hippie chic.
- Silueta de maxi vestidos con estampas de vanguardia.
- Mezcla de materialidades.

BIBA (marca creada x Barbara Hulanicki).

- abrio una pequeña tienda departamental de una misma marca, donde vendía
no solo ropa sino perfumes, maquillaje, decoración, etc.
- Inspiración en art nouveau y deco
- La impronta tiene que ver con la noche y el disco.
- Estilos exóticos con inspiración en el este europeo y lo arabe.
- Maxi siluetas.
- Caftanes, terciopelo y look bohemio.

Nota de Cátedra Hippies y glam rock: anti modas de los 70.

Contexto:
- Primera gran crisis económica luego de finalizada la Segunda Guerra
Mundial.
- La crisis del petróleo estalla en 1973 y enfrenta al mundo con escasez y
pérdida de empleo tanto en EEUU como en Europa.
- Guerra de Vietnam (1955 - 1975)
- La juventud que creía en el progreso y el capitalismo se enfrenta a los
obstaculos de la realidad y las consecuencias de la crisis económica.
- Era politizada y la juventud el motor para el cambio y la revolución. El
interés por alterar las estructuras sociales se intensifica con ideales van
desde la violencia y el choque de los punks al amor y paz profesado por los
hippies.
- Hay una multiplicidad de estilos surge para crear identidades tanto
grupales como individuales. Si bien muchos jóvenes se agrupan bajo los
mismos ideales el interés por lo individual se hará cada vez más notorio y
llegará a su punto culmine en la década de los 80.

Hippies:
- Grupo de jóvenes, que surgió a mediados de los 60 y estaba atento al
conflicto bélico de Vietnam, era una gran aglomeración de previos estilos
de pensamiento e identidades.
 - Un conjunto de beats, folkies, surfers y psicodélicos formarán el
movimiento hippie alejado de las culturas hegemónicas y volcados a vidas
preindustriales y activismo. Buscaban una opción alternativa a la vida de
sus padres volviendo a ciertos principios básicos de comunidad, cultivar
una fuerte opinión sobre las decisiones de EEUU en Vietnam y expresarse a
través del rock sinfónico y sus variaciones será lo que los mantendrá unidos
hasta mediados de los 70.
- La libertad de vivir por fuera de la sociedad capitalista, siendo un alma
nómade, fue retomada por los adeptos al hippismo creando el modelo de
comuna.
- Una de sus bases es la literatura y el estilo de vida fomentado desde la
cultura beat estadounidense en la década de los 50.
- La vida del hippie, sin embargo, estará conectada con una vuelta a la
naturaleza y los géneros que provienen de fibras naturales como el algodón
y el lino. Otro aspecto de la moda característico será la búsqueda de
prendas vintage o retro que puedan reutilizarse.
- Uso de drogas, como el LSD.
- Verano del amor, 1967. Grandes festivales: Love In, Londres.
- Woodstock, 1969. Punto más relevante en la historia del hippismo.
- Con el fin de la guerra de Vietnam y el comienzo de una segunda ola de
prosperidad económica para Estados Unidos, el hippismo se fue
disolviendo y solo quedaron aquellos que permanecieron viviendo en
comunas.

Glam:
- En contraposición a la naturalidad y la vuelta a lo artesanal del hippismo a
principios de los 70, comienza a gestarse la manifestación de un estilo
híper artificial que tendrá como espacio la noche y los clubs.
- La imagen del glam requiere de materiales ultrasintéticos como el PVC, el
lurex, el lamé y excesivas cantidades de maquillaje para invocar quizás uno
de los estilos más teatrales de la calle junto al punk. El glam no se trata de
lo grupal, sino más bien de festejar la individualidad y el hedonismo de los
70.
- Dos figuras serán claves en el estilo, la indumentaria, los accesorios y el
maquillaje glam: Marc Bolan, el cantante de T-Rex, y David Bowie. Ambos
personajes se atreverán a renunciar a aspectos tradicionales de la
masculinidad y refundar la silueta varonil desde prendas asociadas a lo
femenino: las plumas, las plataformas, el cabello largo y ondulado, los
lentes con motivos irónicos, la silueta adherente y el maquillaje recargado
definirán al nuevo hombre dándole brillo y rebeldía.
- El glam inglés tendrá su paralelo en Estados Unidos con el surgimiento de
estilos como el funk entre los afroamericanos. Por primera vez, veremos
siluetas andróginas por parte de lo masculino y celebridades que
inventarían su vida a pedido del público jugando con la mentira publicitaria
y la teatralidad exagerada característica del Camp.
Uade Connect

Vivienne Westwood 1970-1980

Contexto:
- La juventud fue acaparando espacio a partir de los 50. Escuchan Rock,
revelarse ante los padres, vestirse distinto, campera de cuero. Todavia hay
inocencia. En este período aparece la generacion beat, cuyo objetivo es
salirse de la lógica de vida. Sientan las bases para todo lo sucedido en los
70.
- En los 60, la juventud se consolida en los espacios de la moda, musica, etc.
Aparecen modelos y fotografos jovenes. La estructura de la moda se
rejuvenece. El joven se convierte en el centro de todo. Todos quieren ser
jovenes y conservar la juventud. Todavía la juventud sigue siendo inocente,
porque creen en el progreso y el futuro.
- Los 70 vienen con la gran crisis del petroleo. Mucho desempleo. El joven de
los 70 no cree en el progreso, cree en desarmar y en romper. Activar sobre
el presente y cambiar todo.

Vivienne Westwood y lo Punk

- El punk en realidad surge en eeuu, pero es en inglaterra donde se le agrega

el factor estético.
- Diseña desde el racionamiento, la conceptualidad y la
deconstrucción.Rompe las prendas, moldes y el género. Desarmar y re
armar. DIY

Etapas:
- 1972: Primer local junto a Malcolm Mclaren. Rojo, negro y blanco (paleta
barroca). Too fast to live, to young to die. Empieza a construir lo que se
convertiría en la estética Punk. Esta tiene que crear shock y asco.
Innovacion, choque y obscenidad, eso que no queres ver. Ejemplos: Remera
con huesos, Burla a la iconografía de la realeza.
- Sex: segundo local. Lleva al vestir diario la impronta de lo sadomasoquista.
Convive con las ideas de Obscenidad,censura, nueva juventud, efímero,
inmediatez, adorno, individualidad y narcisismo.
- Sex pistols Seditionaries: Se comprende mas a si misma como diseñadora
en esta etapa. Se inspira en lo historico y en los paracaidistas de la segunda
guerra mundial. No hace las cosas literales. Continua con Deconstruir y
 reciclar: apropia la pollera kilt como punk. La banda Sex pistols usaba su
ropa en sus giras y conciertos.
- 80: es una diseñadora conformada. Entra en el sistema pero Toma
temáticas marginadas, ocultas, lo que no se mostraba, lo que está por
fuera. Comienza a hacer colaboraciones con otros diseñadores. Llego a ser
tapa de vogue finalmente en 1989.
- en los 90 está su colección de corsets.
- Contemporánea: siempre activista. Se enfoca en la hechura y calce de las
prendas. Seguía siendo modelo de sus propias colecciones.

DECONSTRUIR LA MODA. EL UNIVERSO SIGNIFICATIVO DE VIVIENNE

WESTWOOD

“La ropa puede enfatizar cualidades de la personalidad y los sentimientos. Intento

dar a Ia gente alguna posibilidad de elección, elevar su espÍritu buscando la
unidad y La armonía del atuendo”

- La coherencia de Vivienne Westwood no se funda en un estilo definido sino

en una técnica personal de deconstrucción que le permite reinterpretar en
sus propuestas determinados signos socialmente significativos. La peculiar
construcción que ileva a cabo Westwood está sÓlidamente anclada en la
historia del punk, una tribu urbana cuya iconografía contribuyÓ a perfilar
junto con Maicom McLaren a finales de los años setenta y que sigue
influyendo notablemente en las pasarelas.
- La plusvalía de sentido estético que adquieren las creaciones de West
wood, su negativa a identificarse con un estilo único, su eclecticismo y su
personal interpretaciÓn de la britanidad constituyen las características
distintivas de un universo significativo polisémico, provocativo y
extraordinariamente sugerente, que ha convertido a esta estilista en una
verdadera creadora de tendencias de moda.
- Sentido estético: más bien se lo puede definir como estésico, porque lo que
la diseñadora inglesa intenta construir mediante sus ropas no es un look
sino más bien una actitud.
- Pluralidad de estilos, ya que no hay un modelo específico de mujer como
destinatario de su ropa. La dificultad de atribuir rÓtulos a Vivienne
Westwood (que constituye su segunda caracterÍstica) repercute
indudablemente en la legibilidad de sus propuestas y podrÍa explicar la
relativamente poca comercialidad de muchas de sus creaciones frente a ios
estilos “cÓctel” de un Versace 7o de un Jasper Conran 8(por poner tan sOlo
dos ejemplos), que construyen su significado y fundan su atractivo a partir
de elementos fácilmente reconocibles.
- Eclecticismo: La audacia de la hibridación que realiza Westwood no se
limita a las peculiares y heterodoxas mezclas de fibras que realiza (cuadros
 escoceses, piel, raya diplomática, lana, tejidos sintéticos o plásticos de todo
tipo), sino que también inventa insÓlitos complementos (coloca dos
enormes plumas colgando de una gargantilla), modifica los usos
institucionalizados de determinados tejidos (utiliza la tela de jouy en ropa,
zapatos y bolsos) y manifiesta una reiterada preferencia por un traje “total”,
cuyos componentes, hechos con Ia misma tela, se diferencian sOlo en el
corte (camisa, corbata, americana, etc.).
- Relación con el arte: La lectura del pasado de Westwood es siempre más
compleja que la realizada por los otros creadores, pues se asienta sobre
verdaderos actos de “perversión” de La deconstrucción intertextual que
realiza, abocada sistemáticamente a generar lecturas de tipo irónico del
texto de referencia.

YVES SAINT LAURENT

- Fue modisto pero también se dedicó al diseñó vestuario para teatro, cine y
ballet.
- Fue contratado por Dior como asistente en 1955, donde destacó por su
vestido de noche usado por Dovina (entre dos elefantes y fotografiado por
Richard Avedon). Luego en 1957, luego de la muerte de Dior, quedó al
frente de la casa (con 21 años) y saltó a la fama. Su primera colección en
Dior fue un éxito ya que era fiel al espiritu y a la estética de la casa. Sus
siguientes colecciones fueron consideradas demasiado juveniles para el
cliente de Dior y finalmente fue despedido.
- Pierre Bergé, su pareja, se hizo cargo del aspecto comercial y se dispuso a
restablecer el nombre de Yves, y lo ayudo a construir su propia casa de
moda.
- Yves quería continuar con la elegancia de Dior pero llevándola hacia una
silueta más “usable”. Fueron sus colecciones prêt-à-porter, las que
reflejaron las necesidades de la calle y la fuerza de la individualidad, la
libertad sexual y el aumento del poder y la autoestima de la mujer.
- Sus diseños se inspiraron en la cultura pop, sociedades primitivas y el
trabajo de grandes artistas: : Pop Art, África, Safari, Marruecos, Ballets
Russes, Chinoiserie, Matisse, Braque, Picasso, tuxedos y Le Smoking. Su
colección inspirada en Piet Mondrian fue la que lo llevó a alcanzar el éxito.
- Adaptó prendas del vestuario masculino como la chaqueta, la gabardina,
los pantalones cortos, el esmoquin, las chaquetas de safari y los pantalones,
convirtiéndolos en parte de la vestimenta de la mujer.
UVA VII Moda y poder - La era de las marcas 1980-1990

Diseñadores de Power Dressing

Contexto
- Los 80 fueron una década de excesos, comparable con el Barroco, y
caracterizada por la teatralidad, la excentricidad, el volumen y la
exageración.

Estilo:
- La línea de los hombros es protagonista para conformar el traje del power
dressing.
- Las mujeres demuestran al mundo que pueden dirigir empresas y hogares.
- Iconos: Lady Di, Margaret Thatcher, Madonna y Jane Fonda
- Ciudad de Nueva York
- Yuppies que visten marcas de primera línea: traje sastre estilo italiano, con
sobretodo Burberry y zapatillas deportivas Nike.

Diseñadores:

Claude Montana:
- Frances, estudio diseño en Londres en los 60.
- Fundo su casa en 1979. Se especializaba en el cuero, lo cual mostraba la
prosperidad económica del período. Fusión de materiales de lujo (seda,
cuero y gamuza) y fibras sinteticas (lycra). Siluetas extracorporales en
sasterira y adherentes en primera piel. Importancia a la calidad de
confección y capas.
- Espectaculares desfiles con supermodelos. Retrasos de horas.
- Moda masculina, se volcó mas a la usabilidad.
- Perfumes.

Thierry Mugler:
- Se mudo de Estrasburgo a Paris.
- Creo su marca en 1984. Caracterizado por la teatralidad y la tecnología.
Innovaciones: siluetas con piezas metálicas: corset con espejos retrovisores
y frenos.
- Le dió mucha importancia a los desfiles y a la puesta en escena.
Supermodelos. Control e innovación, efectos especiales.
Exposición de experto

Contraculturas de los 80, se oponen a lo hegemonico

Graffiti y Rap: Suburbios

- Expresiones artísticas de contracultura norteamericana.
- Arte representativo de lo urbano y callejero. Los graffitis estaban
relacionados con lo tipográfico y las frases de protesta.
- Rebeldía hacia la estructura de guetos(latinos, afroamericanos y blancos
que estaban separados) y la opresión de las autoridades estatales de NY.
- Subte como medio de transporte marginal. Ahí estaban principalmente
localizados los graffitis.
- El rap como manifestación de tradiciones culturales africanas. Origenes en
bailes grupales africanos.
- La calle como espacio de expresión artística.

Bboys (Breakdance boys)

- Rap como expresión musical y break dance como baile representativo.
- Expresiones de la marginalidad que hacen su camino al mainstream.
- Asociado al ambito callejero.
- Vestimenta: Silueta deportiva de marcas norteamericanas. Nike y adidas.
Pero no se mezclan entre si.

Flygirls: chicas representativas del hiphop.

- Indumentaria deportiva pero fusionado con un estilo sastrero-colegial
- Nerd, anteojos grandes.

Dapper Dan
- En los 80 vistió a estrellas del hiphop como JAY Z. Hoy viste a Beyonce,
salma hayek, etc.
- En el sotano de su tienda, imprimia logotipos de grandes marcas de lujo en
tejidos con los que confeccionaba prendas, accesorios y tapicería de autos.
- Idea de que la marca y el logo lo son todo. Uso de simbolos de la
supremacia blanca como liberacion de una minoria oprimida.
- Con el tiempo se convirtió en un diseñador reconocido
Nota de Cátedra Blitz Kids – New Romantics

- Se encontraban en Londres, 1979. No tenían muchos recursos económicos y

tenían lo justo para sobrevivir. Reutilizaban. Crecieron en la Inglaterra de
Margaret Thatcher y estaban desencantados con el gobierno.
- Inspirados en David Bowie y la realeza Tudor
- Transformaban la fantasia en realidad
- Androginia: los hombres usaban maquillaje y las mujeres se vestian como
Lords.
- Búsqueda de la individualidad y originalidad. Valía más algo hecho por uno
mismo que de un diseñador. “vestirse como uno mismo” “La apariencia era
su forma de riqueza”
- Si bien donde más se reunían era clubes nocturnos y discotecas, se vestían
de esa forma todo el tiempo, osea, era una forma de vida.

Uade Connect

New romatics Blitz Kids

Juventud: estados unidos, etapa contracultural pero interesados en estar dentro

del sistema. Raperos que quieren ser millonarios. Distinto a los 70, que no querian
estar dentro del sistema, querian crear algo distinto.

Inlgaterra: crisis economica por la mineria.

Post punk (New romantics o Blitz kids)

- Grupo de jovenes a las afueras de Londres.
- Boliche londinense Blitz, de ahi viene el nombre. Steve Strange era quien se
encargaba de decidir quien entraba en base a lo que usaban.
Los boliches reunían a todas las personas que eran consideradas "outsiders".
- Teatralidad.
- Superficialidad, narcisimo e individualidad. La juventud queria fama. Mostrarse y
resaltar a traves de lo que usaban.
- DIY y customización. Heredadon la cultura del Make do and mend de la segunda
guerra mundial.
- Contastaban con la hegemonía de la década.

Personajes relevantes:
Boy George: Musico
Steve Strange: empresario nocturno.
Sue Clowes: Diseñadora. Le hacia la ropa a Boy george. Nunca tuvo un exito
internacional, se mantuvo underground.
Leigh Bowery: Australiano,rompio con todos los estereotipos. Actos erformaticos y
disfraz.
Judy Blame: Estilista.
Princess Julia: DJ, trabajaba con Steve strage.
- Surgen publicaciones independientes: Time out, ID, The face, Dazed.

Buffalo style
- Primera semilla que refiere a las interculturalidad y globalización.
- Expresion caribeña para describir a personas que son niños groseros o rebeldes.
-Es un estilo duro tomado de la calle que combina aspectos funciones y elegantes
con antimoda y una actitud dura.
- Ray Petri estilista. Trabajo en the face, id y arena donde mostro este estilo.
- Mezcla de rubros, pieles, géneros y edades.
- Si bien esta por fuera de lo high fashion, tiene los parametros de los 80 de
exageración, hedonismo, narcisimo.

UVA VIII - Neoliberalismo en la moda 1990-2000

Nota de Cátedra – Diseñadores de los 90

Contexto
- La moda hegemónica del power dressing y la lógica de las marcas de elite
propusieron una moda selecta a la que muy pocos podían acceder.
- La adultez de los 80 dejó de lado a la juventud. La expresión artistica
provenía principalmente de sectores marginales.
- Surgimiento de la globalización que da lugar a conceptos internacionales.
 - Mediados de los 90, camadas de jóvenes graduados de escuelas de diseño
inspirados en la deconstrucción oriental, triunfarán con sus propuestas
minimalistas, que llegan hasta la alta costura.
- Escuela de antwerp (donde se graduo margiela), fue un eje de cambio para
el diseño occidental.

Helmut Lang
- Primer estudio en 1977
- Se especializó en moda de vanguardia
- Primer desfile en Paris 1986
- Enfoque minimalista etiquetado como decostruccionista y vanguardista.
- 1987 comenzó a diseñar ropa masculina y promovio un estilo urbano.
- Sus diseños fueron definidos como una interpretación sofisticada de la
ropa utilitaria. Uniforme para la vida urbana.
- Mezcla materiales baratos y caros, fibras naturales y sintéticas.
- La androginia tmb fue un factor caracteristico de sus diseños.
- 1995 incorporacion de ropa interior y calzado y 1996 incorporacion de jeans.
Estas extensiones de su marca le dieron un amplio reconocimiento.
- 2000 relación de colaboración con Prada.
- Enfoque minimalista en sus estrategias de mkt y publicidad: página web
vacía, fotografías de productos muy simples y limpias.

Jill Sander
- En sus inicios trabajo como periodista de moda
- Abrio su primera boutique en 1960 vendiendo sus propias creaciones junto
a las de diseñadores consagrados.
- En 1973 lanzó su primera colección
- Su trabajo se caracteriza por la elegancia y el refinamiento, confeccionado
por expertos y con telas lujosas. Utilizo mayormente paletas de colores
neutros y se enfoco en la simplicidad y facilidad de uso. También hizo
hincapie en estructura y en la forma en lugar de la ornamentación.
- En 1979 lanzo su línea de cosméticos y fragancias.
- En 1999 vendío un 75% de su compañia a Prada y renuncio poco tiempo
después por diferencias creativas.
- Es una de las principales diseñadoras que ayudaron a influir en el estilo
minimalista de los 90.

Antwerp Six o seis amberes

- Grupo de graduados de la Real Academia de Bellas Artes de Amberes
(Antwerp), entre 1980 y 1982. Estos diseñadores han realizado
contribuciones artísticas insuperables en la moda.
- Compuesto por Ann Demeulemeester, Dries van Noten, Dirk Bikkembergs,
Marina Yee, Walter Van Beirendonck y Dirk Van Saene.
- Ann Demeulemeester: Graduada en 1981. Ganó un año después el Golden
Spindle Award, creado por Bélgica en un esfuerzo por fortalecer su
 industria textil nacional. Fundó su sello homónimo y finalmente se
presentó en París en 1992. Si bien su estética era principalmente punk de
influencia gótica, sus diseños se consideraron minimalistas por presentar
siluetas intrincadas y limpias, con foco en el detalle. Se retiró de la moda en
2013.
- Dries van Noten: Es posiblemente el más exitoso comercialmente entre los
seis de Amberes, por sus colecciones de prêt-à-porter, que se hacen a
propósito con la intención de venderse en una tienda. Su etiqueta
personifica la elegancia discreta, a menudo incluye adornos ornamentados
en combinación con piezas cotidianas más usables. Opera desde Amberes,
donde abrió su primera tienda en 1989 y muestra en París.
- Dirk Bikkembergs: Se graduó en 1982, aunque finalmente ganó el Golden
Spindle Award en 1985 por su trabajo. Saltó a la fama por primera vez a
través de su fenomenal trabajo en el calzado. Tenía una gran pasión por el
fútbol, lo que lo llevó a diseñar piezas de inspiración más atlética que de
alta costura.
- Walter Van Beirendonck: es el mayor del grupo y se graduo en 1980. Es
profesor allí y fue mentor de muchos diseñadores reconocidos de la era
moderna (Raf Simons y Kris Van Assche, y Craig Green). Su estilo puede
describirse como salvaje, ya que le gusta hacer una declaración obvia de
una forma u otra.

Exposición de experto

Martin Margiela
Surge de un contexto de diseño joven
Es emblema del diseño conceptual (se trabaja sobre la estructura del cuerpo y no
como adorno) y de la reflexion intelectual sobre la indumentaria y el
funcionamiento de la industria
Rompe con las convenciones culturales de la moda (leyes culturales presupuestas
sobre la moda). Talles, tipologías, género y rubros.
Maison Margiela se construyo apoyada en los parametros de la reflexion y el
antimkt.
Ejemplo: Su primera colección fue presentada en un galpon y desfilada por sus
amigos. Prendas: sasteria sin terminar.
Trabaja deconstrucción, reciclaje y monocromia como paleta de color.
Anonimato: modelos con cara tapada
1997: semi couture: sasteria sin terminar. Cambia el orden de pieles. Trabaja con a
atemporalidad

Antimarketing: rompe con las 4 P. Ejemplo: no mostrar el producto, mostrar el

backstage.

Trompe Loeil y experimentación con materiales

Los 90 resignifican los 60.

Tapados hechos con pelucas: ironía a la alta costura parisina.

1957: Nace en genk Belgica.

1979: Se gradua en la royal academy of fine arts de amberes. Forma parte de los 6
amberes.
1988: Crea la forma Maison Martin Margiela
1994: Se traslada a Paris para trabajar con Jean Paul Gaultier.
1997: Se convierte en diseñador de Hermes
1998: Se presenta la primera coleccion masculina de la maison
2002: El grupo Diesel adquiere Margiela.
2003: Abandona su puesto en Hermes.

El periodo 1990-2000 tuvo un punto en común con los 60: la segunda oleada de
revolución juvenil. El diseño se torna una vez más a la juventud, haciendo surgir
una nueva camada de diseñadores que van a proponer una mirada simple,
característica de la austeridad del minimalismo. Por otra parte, los países como
Bélgica y Holanda se pondrán en eje de las semanas de la moda trayendo un aire
renovado a las estáticas pasarelas parisinas.

El gran revolucionario será, sin dudas, Martin Margiela, con su mirada de corte con
el pasado y una propuesta rebelde que rompería todos los parámetros del
sistema de la moda. La música del britpop tornará a los jóvenes en una vuelta
vintage hacia los 60, haciendo resurgir el estilo Beatle y MOD desde una nueva
perspectiva deportiva.

Fotografía de moda en la década de los 90

Juergen Teller
- Nació en Londres en 1964.
- Fotografío el número “Best Performances” de la revista W. Recibió criticas
por el aspecto improvisado y calidad descuidada de sus fotografías, que
dan la impresión de que podrían haber sido tomadas por cualquier
persona. También fue criticado por faltar el respeto a la noción de estrellato.
- Su fotografía se caracteriza por la inmediatez, la instantaneidad y la
desglamorización de los sujetos que fotografía, a pesar de ser celebridades..
Además su trabajo parece enfocarse mas bien en el “detrás de escena”.
- Uno de sus libros más reconocidos es “Go-sees” (1999) donde publicó
fotografías de modelos buscando trabajo.

Corinne Day
- Nació en Inglaterra en 1962.
- Es reconocida por haber impulsado la carrera de Kate moss al fotografiarla
para la revista the face.
- Su fotografia se caracteriza por explorar conceptos de belleza menos
perfectos y más inclusivos para la década, en una nueva apariencia
conocida como grunge, waif y, en tormentas sensacionalistas posteriores,
de manera inexacta, como "heroin chic", que contrastaba con la belleza
hegemonica de los 80.
- También su trabajo destacaba por capturar a las personas siendo ellos
mismos.
- Se refería a sus imágenes como instantaneas, por ser sencillas,
espontaneas y capturar “un momento”.
- Después de 1993 abandonó la fotografía de moda y se centró en n
fotografiar la vida de sus amigos. Algunas de esas imagenes aparecieron en
“Diario”, libro de fotografía publicado en el año 2000.
- En 2005 volvió a trabajar en moda hasta su muerte en 2010.