Programa de formación e inmersión

en el arte contemporáneo para artistas

de la comunidad iberoamericana

Del 3 de octubre al 18 de noviembre

Lunes-miércoles y viernes de 10 am a 1 pm (hora CCS)
Descripción
Este programa de formación interdisciplinaria para artistas
fue gestado en el año 2013 por la curadora y promotora cultural
Lorena González Inneco (VEN), con la intención de promover
el intercambio de miradas entre formadores y creadores
de Venezuela y ahora de Iberoamérica. El programa incluye
una clínica teórico-práctica de temas y reflexiones pertinentes
para el desarrollo contemporáneo de la obra de arte, así como
la revisión, discusión y confrontación museográfica
de las propuestas generadas por los participantes.
Prácticas vs. Teoréticas bajo el concepto «Mirar al mundo de nuevo»
se plantea de forma virtual y presencial con el fin de fomentar
la producción del arte contemporáneo con exponentes, artistas
y docentes, para dar curso a nuevas formas de vinculación
co-participativa en los nuevos modelos de representación
y difusión del arte contemporáneo en la actualidad. La intención
es promover y activar el intercambio de miradas entre formadores
y creadores de Venezuela e Iberoamérica, avivando temas
y reflexiones pertinentes para el desarrollo contemporáneo
de la obra de arte.
Objetivos
1 Establecer un intercambio dialogante sobre la experiencia del arte
contemporáneo con artistas de territorios diversos, por lo cual
se trabajará en online y presencial con docentes, talleristas
y curadores de distintas partes de Iberoamérica, con la finalidad
de que podamos aglutinar no sólo el proceso formativo para
los artistas, sino una obra expositiva virtual-presencial que permita
a los participantes confrontar en el futuro sus investigaciones
con el espectador y con el espacio museográfico.

2 Activar un proceso formativo necesario en nuestros territorios

en crisis, el cual estará compuesto por una serie de talleres donde
se plantearán postulados del arte contemporáneo, desde
los territorios inestables entre el siglo XX y el siglo XXI, así como
el enlace con reflexiones y ejemplos del arte más actual en torno
a los cambios de paradigma que estamos atravesando. Visitaremos
propuestas teóricas junto a ejemplos visuales.

3 Impulsar la profesionalización de los procesos de formación para

la creación audiovisual, y que los participantes puedan desarrollar
sus proyectos y piezas, esperando engranar un lenguaje que nos
permita desde sus propias necesidades construir una propuesta
virtual y presencial donde nos encontremos con una metodología
de investigación que reúna los conocimientos y la experiencia
particular de los artistas seleccionados junto a los lenguajes
de la contemporaneidad.
4 Activar la experiencia del arte como un espacio de recuperación,
como pregunta y transformación frente a las situaciones
que actualmente vivimos.

5 Desarrollar un intercambio virtual y presencial que en paralelo

le de visibilidad a los talleres y charlas, donde la curadora
Lorena González Inneco, supervisará una clínica constante junto
a los artistas en formación, con la finalidad de conducir las piezas
que estos creadores desarrollarán en el tránsito del curso y hacia
el engranaje posible de una muestra final.
Cómo participar
■ Este taller está dirigido a artistas mayores de 18 años
de la comunidad iberoamericana.

■ El programa es de carácter gratuito. La convocatoria es abierta

y no tiene límite de edad.

■ Los interesados pueden postularse y deberán consignar a través

del enlace bit.ly/PvsT2022 , una sinopsis curricular
de no más de 3 cuartillas junto a una pequeña intención
de participación y/o algún proyecto artístico que les interese
desarrollar en esta clínica teórico/práctica.
El taller Prácticas vs. Teoréticas prevé las siguientes fechas para
inscripciones, recepción de la postulación e inicio de actividades:

■ Inscripciones vía web: del sábado 10 de septiembre de 2022 con

el anuncio de esta convocatoria, hasta el jueves 29 de septiembre
de 2022 a las 12:00 pm.

■ Anuncio de los artistas seleccionados para el taller:

sábado 01 de octubre de 2022, vía mail.

■ Inicio de actividades: lunes 03 de octubre de 2022.

Charla introductoria,
revisión de portafolios y propuestas
de los artistas seleccionados:

■ Lunes 03 de octubre → 10 am — 1 pm

Revisión de resultados
y acompañamiento curatorial de procesos
de producción artística de los participantes
y sus talleristas en sesión conjunta:

■ Miércoles 26 de octubre
■ Viernes 28 de octubre
■ Lunes 31 de octubre → 10 am — 1 pm
■ Lunes 14 de noviembre
■ Viernes 18 de noviembre

▲ Lorena González Inneco (VEN)

¿Quiénes éramos y quiénes somos ahora?

¿Podemos hacer obra en estos tiempos?

¿Seremos capaces de consolidar los caminos de la imagen

y las fuerzas de la metáfora en estos espacios instersticiales?

¿Cómo nombrarnos y representarnos frente al surgimiento

de contextos críticos?
TALLER 1
Cuerpo y latencia
Nomadismos éticos y estéticos del cuerpo como objeto y sujeto de observación.
El peso del cuerpo físico / la levedad del cuerpo virtual. Registro y autorretrato.

■ Miércoles 05 de octubre
■ Miércoles 12 de octubre
→ 10 am — 1 pm
■ Miércoles 19 de octubre
■ Miércoles 26 de octubre

▲ Paola Spalletti (ARG)

TALLER 2
Grafías del otro
Laboratorio colectivo que tomará como 'punto de partida' la adopción del archivo
fotográfico personal de cada participante. A partir de la aproximación procesual
de estas colecciones afectivas, se enumerarán los procedimientos para
el reconocimiento y la construcción de estructuras narrativas en muchos
formatos. Esta dinámica incluirá los pasos de manipulación, cruce, apropiación
y edición de las imágenes para encontrar zonas de contacto entre la memoria
individual y colectiva. Tales prácticas serán los 'modos de entrada' para construir
una nueva genealogía del otro, con el objetivo de conceptualizar y tornar posible
nuevas propuestas artísticas.

■ Viernes 07 de octubre
■ Viernes 14 de octubre
→ 10 am — 1 pm
■ Viernes 21 de octubre
■ Viernes 28 de octubre

▲ Nydia Negromonte (BRA)

TALLER 3
Metaversos, mundos digitales y net art
En este taller de inmersión en el mundo del net art, profundizaremos en la historia
del medio y en las herramientas del artista digital: algoritmos, selecciones, nuevos
órdenes, así como la posibilidad de diseño de obras procesuales.
Los mundos alternos y sus resonancias serán un punto central para entender
desde lapráctica los medios y estrategias, las verdades y ficciones, los mitos
y las alternancias en torno a la reciente capitalización de los medios digitales
y la virtualidad de la experiencia; pero al tiempo que conoceremos algunos
de estos procesos a la hora de generar arte digital, también nos sumergiremos
en los pasos y requerimientos necesarios para enteder y afinar las herramientas
que pueden capitalizar la expansión del propio trabajo en redes sociales
y otros espacios de intercambio y difusión.
■ Lunes 10 de octubre
■ Lunes 17 de octubre → 10 am — 1 pm
■ Lunes 24 de octubre
■ Lunes 31 de octubre

▲ José Luis García R. (VEN)

TALLER 4
Por una fotografía menor
La verdad visual frente a la verdad óptica. Repensar la fotografía como
herramienta esencial e integrarla a otras disciplinas.Cruces entre los límites
de la imagen y el lenguaje ¿Podríamos hablar de un canon fotográfico?
¿Existe la Gran Fotografía? Y de ser así ¿existe la fotografía del margen?
¿La fotografía tiene temas específicos? ¿La fotografía debería tener géneros?
¿La fotografía es realidad, mimesis o verdad? Si la fotografía es un lenguaje
¿hasta dónde nos ha alcanzado para «decir» con ella? ¿Por qué a pesar de haber
parido a medios como el cine y el video estos gozan de mayor validación en el arte?
¿Realmente se le ha pensado como disciplina? ¿Por qué cada vez hablamos
más de imágenes y no de fotografía? ¿Se puede hacer arte con un medio masivo
y omnipresente? ¿Todavía tiene capacidad inaugural? o ya nos rendimos
con la fotografía.
Este taller teórico-práctico propone: pensar o repensar la fotografía
como lenguaje, medio autónomo o integrado a otras disciplinas.
Reflexionar colectivamente sobre la situación de la fotografía a nivel local
y/o internacional dentro del arte. Generar todas las preguntas posibles respecto
a la fotografía frente a otros medios y nuevas tecnologías.
A través lecturas, ejercicios escritos y prácticos propiciaremos que los integrantes
generen ideas/fotografías que pongan en duda el lugar común del medio.
Incentivar a los asistentes a poner el lenguaje fotográfico en alta tensión
para ampliar sus posibilidades discursivas.
■ Miércoles 02 de noviembre
■ Viernes 04 de noviembre
→ 10 am — 1 pm
■ Miércoles 09 de noviembre
■ Lunes 14 de noviembre

▲ Aglae Cortés (MEX)

TALLER 5
Secuencias de incertidumbre
En este taller haremos una revisión práctica y teórica de referencias en torno
al videoarte como herramienta para la creación de discursos y metáforas.
Nos adentraremos en nociones de utopía y distopia a la hora de construir
disertaciones a través de la imagen. Exploraremos en las posibilidades
de las narrativas visuales para generar acciones inéditas y relatar contenidos
diversos que puedan trascender y relatar nuevos puntos de vista frente
a lo que nos rodea.
Nuevas definiciones, nuevas palabras, nuevas acciones y formas de intercambio.
La imagen se levantará como la estrategia para atrapar conceptos por venir:
asentamientos visuales que nos convoquen a imaginar no solo otras realidades
sino los nuevos vocabularios de ese mundo en transformación constante.
■ Lunes 07 de noviembre (online)
■ Viernes 11 de noviembre (online) → 10 am — 1 pm
■ Miércoles 16 de noviembre (presencial en CCS)
■ Lunes 18 de noviembre (presencial en CCS)

▲ Marco Godoy (ESP)

 CURADORA DOCENTE
Lorena González Inneco (VEN)
Formada en diversas áreas de las humanidades
sus intereses particulares giran en torno
a las problemáticas de la obra
en la contemporaneidad, en especial
en su desarrollo dentro de la hibridez teórica
y temática de nuestros tiempos. En cada uno
de sus proyectos (curatoriales, ensayísticos,
de formación, creativos, de gestión cultural
y de intercambio) destaca el trabajo con
las dificultades y nuevas perspectivas
en el análisis de la obra contemporánea,
su escritura y sus diversas lecturas dentro
de los convulsos contexto políticos, económicos
y sociales de nuestra actualidad. Tras la búsqueda de la teoría perdida,
la investigación de González se centra en los problemas propios de lo global
y lo local, en las nuevas redes de exhibición, en la disolución de la autoría, así como
en el desvanecimiento entre los límites que separan las disciplinas artísticas
frente a los vericuetos de la nueva difusión cultural: paradigmas de nuestras
nuevas formas de mirarnos, mirar al otro, difundirnos y encontrarnos.

Lorena González Inneco

Caracas, Venezuela, 1973. Vive y trabaja en Caracas.
Curadora, docente, escritora, dramaturgo, crítica, gestora cultural e investigadora de arte
contemporáneo. Es Licenciada en Letras por la Universidad Central de Venezuela, donde por su
trabajo de grado Hacia una poética de la fotografía contemporánea en Venezuela obtuvo la máxima
calificación otorgada por esta universidad. Como curadora independiente, ha llevado a cabo más
de 80 proyectos expositivos con galerías, instituciones y entornos educativos. Entre 1999 y 2003,
se desempeñó como curadora en el Museo Alejandro Otero donde desarrolló exposiciones, talleres
y seminarios de investigación del pensamiento contemporáneo. Entre 2003 y 2009, fue
Administradora de la Colección de Arte de Mercantil, con quienes desarrolló como co-curadora,
entre otros, los proyectos Jump-Cuts. Arte Contemporáneo Venezolano. Colección Mercantil,
expuesto entre febrero y junio de 2005 en Americas Society Gallery de Nueva York; es también
co-curadora de la muestra Uno a la vez. Dibujos en la Colección Mercantil (MACZUL 2005); y de la
muestra Autonomía y desplazamiento. Cerámica contemporánea en la Colección Mercantil,
exposición que itineró por siete museos de Venezuela desde el año 2005 hasta el 2008.

Como dramaturga obtuvo el premio Ópera Prima en el FESTIN 2004 y el Prix de la Ville de París
2005 concretando una residencia de autor en la Citè International des Arts. Entre 2009 y 2013,
fue curadora de la Caja, Espacio de Investigación Visual del Centro Cultural Chacao donde
desarrolló más de 30 exposiciones de arte contemporáneo, así como encuentros y publicaciones
en torno a las artes visuales con la participación de artistas nacionales e internacionales. Entre
2013 y 2015 fue curadora de La Colección Banesco donde generó procesos de intercambio y
crecimiento para jóvenes artistas y hasta 2019 fue curadora del Archivo Fotografía Urbana con
quienes desarrolló, entre otras, exhibiciones como la muestra Bonadies+Caula. Cartografías de un
territorio compartido, la cual formó parte de la programación oficial de PhotoEspaña 2015.

En 2014 recibió el Premio AICA 2013 por las muestras fotográficas Vasco Szinetar. Cuerpo de
Exilio/El Ojo en Vilo, bajo su curaduría y en 2021 recibió el premio AICA a mejor exposición
colectiva otorgado a su proyecto curatorial: Tiempos de espera. Iluminaciones contra la marea.
Actualmente es docente en el Diplomado de Arte Contemporáneo de la UNIMET donde dicta el
curso Nuevos ámbitos: producción del arte y consumo en los procesos del siglo XXI y docente y
coordinadora académica del Diplomado de Arte Contemporáneo II: cartografías y resonancias en
el arte Latinoamericano.

En el área editorial ha formado parte del comité editorial de la revista Extracámara y ha trabajado
como colaboradora y columnista de opinión en la revista Arte al Día Internacional, en la Revista
Veintiuno, en la revista internacional ART NEXUS, en el portal PRODAVINCI, en el Papel Literario,
en la revista digital ARTISHOCK y en el diario El Nacional. En el 2011 participó como ponente en el
III Encuentro de Críticos e Investigadores en Valparaíso (Chile), los días 10, 11 y 12 de noviembre
de 2011, bajo el título: Desde aquí. Contexto e internacionalización, en el marco de PhotoEspaña
2011. En el año 2012 fue invitada a la ciudad de Costa Rica para participar como visionadora de
portafolios para fotógrafos latinoamericanos en los eventos educativos de PhotoEspaña 2012; y en
el 2013 gestionó y produjo los visionados de portafolio en la ciudad de Caracas, así como la muestra
(Re)Presentaciones. Fotografía latinoamericana contemporánea PHOTOESPAÑA’13, con la
curaduría de Ana Berruguete. Ha tenido importantes vínculos y proyectos de alianzas y
curadurías en galerías venezolanas y espacios culturales como D’Museo, GBG Art, Carmen Araujo
Arte, Beatriz Gil Galería, Spazio Zero, Sala TAC, Hacienda La Trinidad Parque Cultural y Sala
Mendoza junto a destacados proyectos de intercambio cultural con la Embajada de España, la
Embajada de Italia, el Goethe Institut y la Embajada de Francia en Venezuela.

Su más reciente proyecto curatorial Líneas de Fuga. Expansiones de un territorio en crecimiento,

se exhibe de modo presencial y virtual en distintas estaciones desde las Galerías sedes de CAF
(Banco de desarrollo para América Latina) en tres ciudades Latinoamericanas: Montevideo, La
Paz y Caracas. Reúne la obra de 18 artistas contemporáneos de la región iberoamericana.
ARTISTA DOCENTE
Paola Spalletti (ARG)
Artista visual, curadora / docente
y gestora socio-cultural. Su obra
está atravesada por diversos
lenguajes: fotografía, pintura,
video arte, instalaciones
y objetos escultóricos.
Paola Spalletti, propone
un cambio de enfoque: el punto
de mira que dispone para
aprehender el mundo.
Atravesada por una cosmovisión
que desmonta el entendimiento
del universo como algo dado.
Con sutileza, distingue
posibilidades más felices a partir
de lo adverso, compone imágenes
poéticas sobre la miseria
humana. La observación sobre
la imagen como constructo
y la consecuente advertencia sobre su falacia, no entra en conflicto
con la imperiosa voluntad de una narración bella.

Paola Spalletti
Córdoba, Argentina, 1975, vive en México.

Directora del espacio cultural Tandem Art Lab y Fundadora de la Ong Parabens (Para el desarrollo
de oportunidades sociales, educativas y culturales).

Investiga y promueve la expansión creativa - artística como conducto hacia la transformación

social. Es disertante y facilitadora como docente, curadora y gestora en espacios de reflexión hacia
posibles cambios de paradigmas (ARG, ESP, BOL, MEX, UK, PRY). Formada y acompañada por
grandes maestras/os; impulsa su labor hacia la construcción de espacios colaborativos -
colectivos desde un enfoque socio-cultural, humanista - existencialista, político y en defensa de
los derechos humanos y el medio ambiente.

Desde 2011 ha participado y recibido reconocimientos en numerosas muestras y convocatorias

nacionales e internacionales. Se destacan: Beca Residencia Fundación Yaxs (Guatemala), Beca
Diplomado en derechos humanos de las mujeres (Universidad de Salamanca), Art Lima (Perú),
Casa de las Américas (Madrid – España), Photoespaña (Costa Rica), Buenos Aires Photo (Centro
Cultural Recoleta – Bs As), Mercado de Arte Córdoba, Museo Genaro Pérez, Museo de Fotografía
Palacio Dionisi, Selección premio NANO - FoLA (Fototeca Latinoamericana – Bs As), Centro de
Arte Contemporáneo Chateau Carreras, INTERLUDIO (Primer muestra Virtual de fotografía
Latinoamericana), Muestra Virtual RASTRUMS (Suiza).

Selección Premio ITAÚ de Artes Visuales, Primer premio MEMORIA Y GÉNERO - UPC
-Secretaría de Cultura y Educación de la Nación - Argentina, entre otras.
 ARTISTA DOCENTE
Nydia Negromonte (BRA)
Construyendo su poética a partir
de diferentes medios —dibujo, escultura,
instalación, fotografía, video
e intervenciones in situ—
Nydia Negromonte plantea
interrogantes sobre la fuerza del objeto
y los límites del lenguaje artístico.
Utilizando un amplio repertorio
plástico, la artista desmonta
las expectativas inmediatas
de comprensión de un proyecto artístico
y convierte los espacios intersticiales
del entorno en el que se asienta su obra
en una plataforma de indagaciones
existenciales sobre la inestabilidad
de la sustancia que constituye
los cuerpos físicos y sobre la relación
de lo humano con los espacios
en los que circunstancialmente habita.

Nydia Negromonte
Lima, Perú, 1965, vive en Brasil.
Artista visual. Se graduó en dibujo en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Minas
Gerais, Brasil en 1989, con especialización en grabado en 1998: “La obra gráfica hoy: de la
impronta grabada a la impronta digital” en la Facultad de Bellas Artes, Universidad de Barcelona,
España. En 1999 fue artista residente en el taller HANGAR, Barcelona, España, participando de
importantes muestras y ferias: ARCO, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, Madrid;
“Corpo Seco”, Galería Sicart y “Urbild”, Galería Antonio de Barnola, Barcelona. Ha realizado
exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías de Brasil, Venezuela y Perú.
Individuales: 2018, “Nydia Negromonte. Lección de Cosas (2004-2018)”, curaduría Andrea Elera
y Jorge Villacorta, Sala Luis Miró Quesada Garland, Lima, Perú. 2016, “Silo”, Galeria GTO, SESC
Palladium, Belo Horizonte, MG, Brasil. 2015, “Ocidente”, Galeria Genesco Murta, Palácio das Artes,
Belo Horizonte, MG, Brasil. 2011, “Lição de Coisas”, Fundación ECARTA, y “Casa das Vitaminas”,
Porto Alegre, RS, Brasil; 2010, “Jasmim do Cabo”, Laboratorio de Intervención Urbana, Instituto
Undió, Belo Horizonte, MG, Brasil; 2004, “Pulmo”, Torreão, Porto Alegre, RS, Brasil; 2003, Centro
Universitario Maria Antonia, São Paulo, SP, Brasil. Colectivas: 2021, “Outras Habitabilidades”,
Museu Casa Kubitschek, Belo Horizonte, MG, Brasil; “O ventre da Terra”, Galeria Superfície, São
Paulo, SP, Brasil. 2016, “As casas de Lili”, Galería GTO, SESC Palladium, Belo Horizonte, MG, Brasil.
2015, “Habitáculo”, Cine Theatro Brasil, Belo Horizonte, MG, Brasil. 5º Prêmio Marcantonio Vilaça
CNI Sesi Senai, MAC USP, São Paulo, SP, Brasil. 2014, “Punto de Quiebre”, Beatriz Gil Galería,
Caracas, Venezuela. 2010, “Casa das Vitaminas”, Museo de Arte da Pampulha, Belo Horizonte, MG,
Brasil; 2006/2005, “Identificador”, Paço das Artes, São Paulo, SP, Brasil y Galería de Arte Cemig,
Belo Horizonte, MG, Brasil; 2002, “Matéria Prima”, curadora Lisette Lagnado y Agnaldo Farias,
Nuevo Museo de Curitiba,PR, Brasil.

En 2012 realizó una gran exposición individual, “Lição de Coisas”, curaduría Renata Marquez, en
el Museo de Arte de Pampulha, Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil y participó de la Trigésima
Bienal de São Paulo, “A Iminência das Poéticas”, curaduría Luis Pérez-Oramas en Brasil. En 2013
fue invitada a participar de la Selección de Obras de la Trigésima Bienal de São Paulo “La
Inminencia de las Poéticas”, Centro Cultural Chacao, Caracas, Venezuela.

En 2017 lanzó el libro D.U.C.T.O: que abarca quince años de investigación y producción en artes
visuales. En 2019 fue seleccionada como una de las treinta artistas finalistas de la séptima edición
del Premio Nacional de la Industria Marcantonio Vilaça, Brasil.

Desde 2014 coordina junto a Marcelo Drummond el espacio autónomo denominado ESPAI en Belo
Horizonte, MG, Brasil.
 ARTISTA DOCENTE
José Luis García R. (VEN)
«La obra de José Luis García R.
es orgánica. Puede que haya sido creada
a través de una computadora, pero eso
es porque hardware y software le han
abierto un espacio propicio para crecer,
para expandirse, como si se tratara
de un tipo de vegetación que responde al
impulso vital de la zoé. Sus experiencias
de vida se han ido materializando
en patrones visuales que han ido
poblando el espacio. La computadora
es tan solo otro suelo fértil donde
germinar, instrumento que potencia
las posibilidades de desarrollo de su
irrefrenable impulso de creatividad vital.
Un impulso que no cesa de transformar
la experiencia, en y del mundo,
en imágenes que son, a la vez, registro del momento, memoria encriptada, huella
que deja el paso del tiempo. Se trata, por tanto, de una obra arraigada a la vida,
que evoluciona con y como ella. Para José Luis García el hacer consiste entonces
en un incesante transmutar la data del mundo en ritmo cromático, en patrón
visual poiético. De ahí que la computadora e Internet se le ofrezcan como terreno
fértil donde encontrar abundante alimento. Todo aquello que pueda ser traducido
a código alfanumérico —uno de los signos más significativos de nuestro tiempo—
le sirve como materia prima para su obra, materia desmaterializada que termina
convertida en poesía que se escribe con un lenguaje plástico —punto, ancho
de línea, recta, curva, color, composición, forma, espacio, armonía, movimiento—
que este curioso algorista, con algo de alquimista, escoge y determina a través
de instrucciones precisas». DDL
José Luis García R.
San Félix, estado Bolívar, Venezuela, 1969. Vive y trabaja en Caracas, Venezuela.

Artista visual, diseñador y editor gráfico, autodidacta. Como artista ha desarrollado visuales
generadas por algoritmos desde 1984, haciendo énfasis en el estudio de píxeles y fractales para
crear e intervenir imágenes y datos digitalmente, dando como resultado patrones (patterns) que
luego edita para producir avatares, pinturas, animaciones y formas escultóricas. En 2007
comienza a exhibir sus obras en Internet, a través de sus perfiles y páginas en distintas redes
sociales, utilizando trozos de los patrones generados en reemplazo del retrato y visuales de
encabezado, publicando casi a diario una imagen distinta.

Ha realizado exposiciones individuales como Sin cuenta, Seminario internacional «Nómadas:

habitar un mundo que se transforma», Fundación Telefónica, Mega Sala Digital Movistar, Caracas,
2019. Secuencia inicial, Espacio Monitor, Centro de Arte Los Galpones, Caracas, 2018.

Ha sido curador de experiencias y exposiciones colectivas como Serendipia > Instalar, Espacio
Monitor, Caracas, 2021 y Píxeles, GBG Arts, Caracas. Ha participado como artista y
conceptualizador en proyectos como Tiempos de espera: Iluminaciones contra la marea, GBG Arts,
Caracas, 2020. Y como artista en colectivas como El cálculo de las proporciones (la percepción, el
pensamiento, la imagen), Sala Magis, Centro Cultural Padre Carlos Guillermo Plaza s.j.,
Universidad Católica Andrés Bello, Caracas, 2019. Píxeles 2019, GBG Arts, Caracas. De colección,
Espacio Monitor, Centro de Arte Los Galpones, Caracas. Píxeles, GBG Arts, InCasa, Madrid,
España. Algo/ritmos: Código y Poiésis, Taller Curatorial Experimental III, Periférico Caracas,
Centro de Arte Los Galpones, Caracas, 2013.

Su trabajo artístico ha sido desarrollado en ponencias como:

José Luis García R.: Patrones de una inédita cosmogonía. Por Daniela Díaz Larralde. Stock Talks,
GBG Arts, Caracas, 2019.

José Luis García R.: Imágenes epigenéticas de una memorabilia encriptada. Por Daniela Díaz
Larralde. Seminario internacional «Humano: demasiado posthumano». Fundación
Telefónica, Mega Sala Digital Movistar. Caracas, 2019.
José Luis García R.: Imágenes epigenéticas de una memorabilia encriptada. Por Daniela Díaz
Larralde. Espacio Monitor, Centro de Arte Los Galpones. Caracas, 2018.

Rumbo (fuerza natural) / Tú. Seminario internacional «Vida líquida / Universos líquidos».
Fundación Telefónica, Mega Sala Digital Movistar. Caracas, 2018.
ARTISTA DOCENTE
Aglae Cortés (MEX)
Para esta artista el motor de su actividad
visual es El Tiempo, por ser un concepto
problemático e inasible a nuestra
comprensión. Sus preguntas persiguen
aquel latido originante perdido
en nombre del funcionamiento moderno
desde uno de los misterios más grandes
del hombre: el misterio del lenguaje.
Con imágenes y palabras “de este mundo”
emprende una saga para volver al tiempo
más inmemorial. Su obra hace preguntas
sobre el problema de la representación
donde es muy habitual confundir verdad
visual con verdad óptica. Y con sus
propias palabras: prescindiendo
del dispositivo óptico, ¿se puede tocar
lo esencial del lenguaje fotográfico?

Aglae Cortés
Guaymas, Sonora, México, 1977. Vive y trabaja entre la Ciudad de México y Hermosillo.

A partir del 2021 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA. Con el apoyo
de la Secretaría de Relaciones Exteriores realiza la Residencia Fiskars AIR 2017 en Finlandia. En
2015 es seleccionada en el Programa 12 x 12 Arte Emergente de Fundación Bancomer y el Museo
de Artes de Sinaloa para presentar su exposición individual El peso del tiempo en una línea
imaginaria. En 2016 es Premio de Adquisición en la Séptima Bienal Nacional de Artes Visuales
Miradas, así mismo, en 2015 es Premio de Adquisición de la XV Bienal de Artes Visuales del
Noroeste, obtuvo la beca Creadores con Trayectoria FECAS-PECDA por el estado de Sonora
(2014-2015) y la beca del Programa Jóvenes Creadores del FONCA (2012-2013), el primer lugar en
The Art of Photography Show 2012 y fue seleccionada para Trasatlántica en Photo España 2012.

Su trabajo se ha exhibido de forma individual y colectiva en México, Argentina, Brasil, Estados

Unidos, Venezuela, Guatemala y España, de las que se destacan: Todo (ser) se nombra. Se diluye,
Proyecto CAIMAN (2019); Prácticas para detener el tiempo, Cordoba Lab + Galería (2018); Making
Appear, Galería Almanaque (2018); PST: LA / LA Latin America & Los Angeles, Kopeikin Gallery
(2017); Existe lo que tiene nombre. Fotografía Contemporánea en México en la galería SF
Camerawork (2015); (Re)presentaciones Fotografía Latinoamericana Contemporánea en la sección
oficial del Festival PhotoEspaña (2013); Failure is not an option en el Festival GuatePhoto (2015) y la
XVI Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen (2014). Es seleccionada en MacroSalón 2021,
Salón de Arte Contemporáneo en Monterrey y así mismo en Salón ACME No.9 2022. En 2020
gana el Concurso Estatal Foto Sonora.

Ha sido jurado y tutora en el PECDA de Querétaro y Chihuahua (2020-2021) y compartido su

experiencia como ponente e impartido talleres en la plataforma TANDEM (Argentina), Prisma Gif
(Perú), CENTRO Diseño+Cine+Televisión, con el Colectivo Luz Viajera en Guadalajara, en el Centro
de las Artes de Pachuca, Festival Interfaz, Gimnasio de Arte y Cultura, Generación Espontánea y
Foto Viva.
Su trabajo ha sido difundido en diversas publicaciones en línea e impresas, en los catálogos de la
XVI Bienal de Fotografía; de la exposición Existe lo que tiene nombre SFCamerawork y The Andy
Warhol Foundation for the Visual Arts; ALBÜM Galería MÜ y The Art of Photography Show;
participó en Miradas convergentes, libro conmemorativo de Canal 22, así mismo sus imágenes
han sido portadas de libros para las editoriales Tierra Adentro en México y Giangiacomo
Feltrinelli Editore en Italia.

Su obra forma parte de las colecciones Alain Servais Collection, La Colección Nicolás Saad,
Fundación CODET, Museo de Artes de Sinaloa y de la colección de la Bienal de Artes Visuales del
Noroeste, entre otras privadas.
ARTISTA DOCENTE
Marco Godoy (ESP)
El trabajo de Marco Godoy consiste
en un conjunto de estrategias
desde donde visibilizar y gestionar
el desacuerdo. Su obra es una trama
que emplea el espacio expositivo
como un lugar vinculado a momentos
concretos de nuestro contexto social
y político en cuestiones relacionadas
tanto a nuestro pasado como al presente.
A partir de estas situaciones plantea
propuestas que funcionan como
una respuesta o como la generación
de nuevas inquietudes. A través
de formatos visuales como el vídeo,
la escultura y la acción propicia
las resonancias de las diferentes formas
que tienen de construirse y legitimarse
las formas del poder, la autoridad
y las fronteras en nuestro mundo contemporáneo.

Marco Godoy
Madrid, España, 1986. Actualmente vive y trabaja entre Madrid y Roma, Italia.
Se ha formado en el Master of Photography del Royal College of Art ad Design (Londres), en el
“Video and new media department” del SAIC Chicago y es licendiado en Bellas Artes por la UCM.
Además de estar especializado en los medios de video y fotografía, su práctica abarca la escultura,
el dibujo y los proyectos colaborativos.

Su trabajo se ha mostrado en instituciones y galerías como Matadero Madrid, Centre Georges

Pompidou, Liverpool Biennial, Palais de Tokyo en París, MNCARS, Stedelijk
Museum’s-Hertogenbosch, Edinburgh Art Festival, Dallas Museum of Contemporary Art,
Institute of Contemporary Arts (ICA) en Londres, Herzliya Museum of Contemporary Art,
Lugar a Dudas en Cali, Haus der Kulturen der Welt en Berlín, Museo Thyssen-Bornemisza y
Whitechapel Gallery en Londres, entre otros.

Entre sus muestras individuales destacan: Al servicio de la visión. Galería Max Estrella. Madrid,
2021. Heterarchy: Ven, seremos. Patricia Ready gallery, Santiago de Chile. Marzo 2020. Double
reverb, Solo performance at Centro Centro, Madrid. Oct 2019. My we, your we, our we. Copperfield
Gallery. London. April 2019. La distancia que nos separa. Sala de Arte Joven. Madrid. Lo que aun
queda por hablar. Galería Max Estrella. Madrid. Möbius strip. Comisariada por Violeta Janeiro.
Hangar. Lisboa. Europe. Copperfield Gallery. Londres. 2016. Claiming the Echo. Comisariada por
Robert Blackson. Temple Contemporary. Philadelphia. 2015.