Por: Shanti Devi Carreras Pérez

Índice

Introducción

Artistas:

Claire Muckian

Brian Kakas

Steve Belz

Maciej Kasperski

Connie Norman

Chris Wight

Antonella Cimatti

Abigail Simpson

Liza Riddle

Merete Rasmussen

Mateo Cámaras

Patrick colhoun

Signe Schjoth

Kathy pallie

Nagae Shigekazu

Yochiro kamei

Conclusiones.
Introducción

El presente trabajo pretende hacer un recorrido a lo largo del panorama actual

que se vive en la cerámica artística, a través de la mirada de diferentes artistas
contemporáneos, su obra, y su particular visión de la misma, que se materializa
mediante las diferentes técnicas de trabajo, las temáticas que siguen, o la
manera de aprovechar las cualidades propias de los distintos materiales
empleados.

Lo que aquí se muestra, no pretende crear una imagen completa de la

cerámica artística en la actualidad, ya que este objetivo se plantea
inalcanzable, debido a la extensa diversidad que contempla el panorama
actual.

La línea común que une esta recopilación de autores, obras y estilos, es la

visión que plantean de cómo trabajar artísticamente a través de diferentes tipos
de arcillas, pretendiendo alcanzar a su vez distintos objetivos, pero que se
unen bajo una misma temática, crear en el espectador una respuesta, o un
sentimiento que va más allá de la simple percepción estética, o lo que es lo
mismo, hacerlo partícipe de la experiencia, de manera que no deje a nadie
indiferente.

El hecho de tratar la cerámica artística en la época actual, se basa en que

normalmente las etapas más antiguas son aquellas que más se conocen, o de
las cuales se tiene una idea o visión más clara, dejando de lado un aspecto
fundamental como es el papel que la cerámica ocupa en el arte hoy en día,
pretendiendo así mostrar algunas de las tendencias, estilos, o posibilidades
que esta rama artística puede aportar al proceso creativo.
Claire Muckian
"La mentira está en algún lugar entre la cerámica y
la escultura contemporánea, mi trabajo es un híbrido
de ambas disciplinas.

En la actualidad, los centros de trabajo son espacios

oscuros. Yo construyo con las manos, uso técnicas
tales como pellizcos, o unir pequeños segmentos,
para formar las paredes delgadas. A través de estas
técnicas, se van creando espacios de interés,
mientras que también se crea un diálogo entre el
interior y el exterior. Celosía (alternancia de bandas
soportes y filas) que me permiten construir
estructuras delicadas que son a la vez abiertas y
cerradas. A menudo, uso los motivos para denotar el
significado.

El dibujo es importante, ya que refleja mi trabajo en todas las etapas. Los

objetos nacen en algún lugar entre el dibujo y la escultura.

En cuanto a materiales, yo uso una variedad de diferentes arcillas como la

porcelana, terracota y arcillas de gres. En particular, me gusta utilizar la
porcelana, ya que de ella se puede explotar su delicadeza y translucidez. A
veces compagino una variedad de técnicas mixtas como por ejemplo la
cera. Así las obras abarcan un rango en la escala de lo íntimo a lo grandioso.

Trabajo en la línea de las cualidades del arte anónimo. Hago recortes de

nuevo a elementos puros, señalando la influencia de las formas concentradas,
tales como menhires, círculos y rombos. Abstracto, y sin embargo familiar, se
trata de objetos que apelan a los contenidos de la mente arcaica, donde el
espectador puede acercarse a alguna forma de reconocimiento ". Claire
Muckian
Brian Kakas
La forma creativa debe adaptarse a los
cambios continuos que sufren disciplinas
como el arte, la arquitectura, la ciencia y la
tecnología.

En este nuevo cuerpo de obras de cerámica,

titulado "Percepción de la tectónica", la
intención es la incorporación de metodologías
y teorías de las prácticas mencionadas para
crear una "nueva naturaleza" en el diseño
estructural de los objetos de cerámica. Las
piezas buscan celebrar la versatilidad de la
arcilla con el objetivo de fomentar nuevas
realizaciones del espacio arquitectónico.
Viajes a través de Asia y una variedad de ricas experiencias culturales en
China han dado lugar a nuevas realizaciones dentro de la mente del artista y la
percepción de la identidad cultural de la historia, y el espacio.

Estas relaciones han permitido a la artista explorar las relaciones entre los
elementos fuertes de la tradición y las identidades modernas que evolucionan
rápidamente en todo el mundo. Exploraciones de estas interrelaciones y las
intenciones del fabricante y su material ha llevado a los nuevos diseños de
cerámica estructural. A través de su proceso de invención, la intención del
artista es encontrar una forma natural, y que permanece fiel a los materiales
elegidos y sus propiedades inherentes.

El artista está buscando establecer un vocabulario formal que permita a los

objetos escultóricos exhibir las cualidades de únicos y artesanales, de la cultura
tradicional con la de los hechos a máquina y objetos de producción masiva de
nuestra sociedad contemporánea.

La sinergia, las formaciones de los patrones y estructuras, de animales, plantas

e insectos tienen una fuerte influencia sobre la creación de formas. Se siente
intrigado por las preguntas que surgen de los objetos finales y han comenzado
a buscar maneras de evaluar los resultados. ¿Qué formas puede permitir
interpretaciones más o menos exitosas? (Por ejemplo, lo masculino frente a
femenino; orgánica vs geométrica) ¿Hay o puede haber un denominador
común que los relacione a
todos? Se puede y cómo pueden
contribuir estas relaciones a
fomentar nuevas ideas y
preguntas más allá de que de las
tres realidades tridimensionales?

Las formas cerámicas de Kakas se

derivan de las hibridaciones que
se han desarrollado a través de
investigaciones de la estética del
siglo 20 de diseño estructural en la arquitectura y las teorías matemáticas de
los sistemas de exploración de los patrones de crecimiento, y las dimensiones.

Teorías tales como: la geometría cartesiana,

fractales de Mandelbrot, Golden Ratio,
secuencias de Fibonacci y espirales
gnómicos.

La Intención de las obras es incorporar las

teorías matemáticas para influir, aunque no
establecer de parámetros finitos a los diseños
de esculturas de cerámica. Los componentes
numéricos de las teorías siguen siendo
irracionales, mientras que los conceptos de
las relaciones se centran en permitir la
creación de esculturas para hacer
construcciones más intuitivas.

Su forma de encontrar la práctica se centra en el uso de elementos de la

naturaleza y la industria que permite a las variaciones de un tema dentro de un
conjunto más amplio de trabajo.

El artista quiere hacer una contribución notable al arte contemporáneo de la

cerámica y la industria mediante la ampliación de vocabulario histórico de la
forma a través de un formato innovador de la construcción.

Uno de los objetivos dentro de las obras es el de informar e involucrar a los

espectadores, creando relaciones entre una multitud de disciplinas en un
esfuerzo por buscar nuevas preguntas y respuestas posibles en relación con
nuestro propio tiempo y espacio en la sociedad contemporánea.

"En nuestro tiempo la cantidad de cambio en el ambiente en que un individuo

tiene que seguir reajustando a sí mismo psicológicamente es tan grande, y el
ritmo de este cambio tan rápido que la demanda está forzando la capacidad del
ser humano para adaptarse." - Arnold Toynbee
Steve Belz
“El medio ambiente se
encuentra en un delicado
equilibrio entre el bienestar y
la decadencia. Para una
sociedad sana, tenemos que
ser sensibles al hecho de
que todas nuestras
actividades afectan a la
Tierra.

Mis esculturas expresan la

belleza de la naturaleza y la
tensión creada por la
manipulación del hombre de
nuestro medio ambiente. Yo uso la belleza de la forma para aumentar la
conexión emocional del espectador con la naturaleza.

Esta conexión con la naturaleza va más allá de una persona, y en última

instancia busca la compasión de nuestra sociedad por el mundo natural.

Históricamente hemos manipulado las plantas mediante la recopilación de las

semillas, injertos miembros, o el control de la polinización de las plantas con los
rasgos que encontramos favorables. Estas cualidades se han desarrollado
gradualmente a lo largo de incontables generaciones. ¿Qué diferencia nuestra
modificación de las plantas, con la selección de largo alcance de los rasgos de
los organismos que no serían accesibles?. Por ejemplo, un empalme de genes
de pescado con una fresa para hacer las fresas más resistentes al frío.
Esto no podría ocurrir si no fuera por las técnicas desarrolladas por los
científicos. Este tipo de manipulación es diferente de nuestro sistema previo de
selección de plantas y tiene efectos potencialmente profundos en la Tierra.
Puedo utilizar elementos fabricados en mi trabajo para crear una tensión
destinada a lograr una conciencia en el espectador, para abrir un diálogo sobre
la asociación de la sociedad contemporánea con la naturaleza.

Esta discusión puede aumentar la concienciación sobre el peligro que se

plantea en nuestra situación actual. La falta de responsabilidad con la Tierra,
crea muchos problemas para el planeta, entre ellos la degradación de nuestros
sistemas básicos de soporte vital, como se refleja en la pérdida de
biodiversidad, aumento de la toxicidad de nuestros sistemas alimentarios, el
uso ineficiente de los recursos
naturales y el cambio climático global
.

Espero que mi arte promueva a los

espectadores para que se eduquen y
se vuelven cada vez más activos, en
la lucha por asegurar un futuro
sostenible ". Steve Belz
Maciej Kasperski

"Estoy interesado en las relaciones entre la

forma y la función de un objeto. Está
relacionado con mi creencia en un valor
estético excepcional de artículos de cada
día. La funcionalidad viene para mí como
punto de partida para el análisis de una
forma estética.

Aspiro a hacer arte comprensible, si no en

el nivel de análisis racional o intelectual,
por lo menos en el nivel de los
sentimientos, sentidos o placer estético”.
Maciej Kasperski

Maciej Kasperski nació en 1969. En 1996 se graduó de Cerámica y Vidrio del

Departamento de la Academia de Bellas Artes de Wroclaw. En la actualidad, es
profesor en la Facultad de Cerámica de la AFA en Wroclaw.
Connie Norman
"Toda mi vida he luchado con la
escritura, ahora mi trabajo está
completamente cubierto con el
texto. Este cambio de paradigma, me
ha permitido experimentar con
distintas formas artísticas, y superar
los miedos, a través del arte. ¡Una
aventura interesante en el auto-
descubrimiento!

El texto de mis piezas actúa en

varios niveles. Por ejemplo, tiene una
textura, patrón, misterio y un camino
a mirar hacia adentro para descifrar
un vistazo a mis pensamientos
privados.

Estoy fascinado por las cualidades

rítmicas creadas por el color, la
textura, y los patrones. La decoración
y el acto de la decoración son
esenciales, ya que celebra y mejora
la forma y habla exclusivamente de la estética.

Puedo usar la cerámica como medio y vehículo para explorar la decoración y

así como otras cuestiones formales. Se me permite investigar la forma, el
espacio y la imagen. Mi mayor satisfacción es rellenar superficies con color y
decoración muy detallada, con un espíritu juguetón y caprichoso.

Mi intención es hacer un entorno, donde un participante expresivo pueda hacer

frente a la importancia de la estética, en su vida diaria” .Connie Norman

Connie Norman nació en Japón, y creció en todo el mundo. Ella es graduada

de la Universidad del Estado de Nueva York de Cerámica de la Universidad
Alfred y se especializó en
la cerámica y la escultura
cerámica. También ha
estudiado la cerámica en
Nagoya, Japón.
Su trabajo ha sido
expuesto a nivel nacional
en muchas exposiciones,
Chris Wight

“La primera vez que trabajé con

porcelana, me llamó la atención
por su blancura, su capacidad,
para asumir los detalles y su
transparencia sorprendente.

La propiedad, de la misma que la

convierte en sensible a la luz, y le
permite cambiar entre los estados
translúcidos y opacos - Poco a
poco o de manera instantánea-
según se produzcan los cambios
de luz alrededor de ella, por lo que
se convierte así en una
importante fuente de fascinación.

Una fuente de inspiración son los patrones, texturas, formas y figuras que se
encuentran en la naturaleza, a menudo, y en particular me inspiran , los
pequeños mundos que se descubren en un microscopio .Además de estos
temas, seguiré desarrollando una cadena corta de trabajos que se centran en
los iconos de los objetos a partir de mi propia infancia.

La "memoria de la arcilla" es un rasgo

importante, ya que al reparar una fractura esta
tiende a reaparecer, esto crea inevitablemente
altas pérdidas en la producción.

Por esta razón la mayoría de los ceramistas

evitan el uso de la porcelana. Sin embargo, a
través del tiempo he llegado a comprender la
naturaleza de la arcilla y ahora la disfruto con
los constantes desafíos que presenta.

Sin embargo, existe una tensión entre las

limitaciones de la arcilla y mi intención como
artista, en la línea de revelar su belleza
inherente y demostrar a su vez, la versatilidad
que presenta.
Para aprovechar el encanto de la porcelana adopto 'alto riesgo' en técnicas no
convencionales, que a menudo, van en contra de las buenas prácticas
tradicionales - que empujan a la arcilla hasta el límite.

La intuición aliada con la experiencia, son básicas a la hora de hacer una pieza
con éxito. Las nuevas tecnologías, como el corte por chorro de agua, hacen
posible la creación de obras de altura y volumen significativamente mayor, al
mismo tiempo es crucial, mantener la cerámica lo suficientemente fina para
conservar la delicadeza y la translucidez.

Yo habitualmente combino los enfoques tradicionales y modernos al mismo

tiempo que voy tratando de llevar los límites al máximo y redefinir la percepción
de la porcelana como algo más que simplemente el dominio exclusivo de vajilla
fina”.

"Chris Wight”
Antonella Cimatti
"Creo que el mayor
compromiso del artista es
el de mantenimiento
profesional, como cuestión
de hecho, junto con la
creatividad espontánea,
que indisolublemente debe
agregar una elevada
competencia profesional en
relación con la técnica, a
través de la lectura y la
observación, resumidas en
la alegría de la
experimentación, de
combinar y de avanzar.

Mi diseño nace a partir de una relectura de la producción artística pasado a

través de un filtro de la sensibilidad personal, dirigida a la realización de un
objeto funcional o escultural.

Las obras generadas son estéticamente correctas, y muestran un fuerte

sentido del carácter femenino real, de la gracia, de elegancia y de la atención al
detalle.

Por lo tanto, "Crespines", se basa en objetos tradicionales originalmente

Faentinian que se utilizaron en Europa en los siglos 16 y 17, y que han sido
rehechas en arcilla de porcelana de papel para una nueva colección que
comenzó en 2005.

Fue difícil y emocionante crear formas derivadas del pasado, pero lo he

llevado a cabo con técnicas totalmente nuevas y con una nueva filosofía.

Estas piezas se han formado con una trama decorativa muy fina que en última
instancia, crea su estructura de soporte: es un arte de la suma, no de resta,
como se ha hecho común
en el original crespines

El procedimiento prevé la
moldura con una jeringa a
mano alzada en cóncavo
o convexo, creando
soportes refractarios, que
requieren una cocción a
alta temperatura.
A veces, las obras se
montan en bases de vidrio
soplado a mano, que se han diseñado y puesto en marcha en la Toscana.

La forma redonda es frecuente en mi trabajo, esta a menudo se puede

encontrar en la arquitectura italiana del Renacimiento.

Se presentan de esta manera, al igual que las copas de cerámica, amplias

filigranas, en un tipo de encaje de superposición de espirales entrelazadas en
porcelana preciosa "hilo", un efecto absolutamente imposible de obtener sin la
ayuda de arcilla de papel. Los objetos de la luz y la vulnerabilidad, viven en la
iluminación y la sombra, en el tacto, en la blancura suprema y vibraciones
imperceptibles”
". Antonella Cimatti “

Antonella Cimatti nació en Faenza en 1956. Fue una de los pupilos de Carlo
Zauli en el Istituto d'Arte (Escuela Estatal de Cerámica) en Faenza, pasó a
obtener un grado con honores en la Academia de Bellas Artes (Academia de
Bellas Artes) en Bolonia. Actualmente enseña Diseño en el Istituto d'Arte
(Escuela Estatal de Cerámica) en Faenza desde 1979.
Abigail Simpson
“He trabajado con el tema de la embarcación desde hace algún tiempo, el
desarrollo como un objeto más allá del uso normal. Mi idea de un buque no es
simplemente como una pieza de trabajo de los aparatos, sino como un objeto
que expresa la energía en bruto y el poder.

No es un ejercicio académico en la imitación del pasado histórico. Estoy

interesada en la cerámica "arquitectura" de un objeto, y en mi trabajo expreso
un sentido de la ingeniería de la forma, la cual es crucial.

Cuando estoy en el estudio pienso en el objeto en términos simples, su

superficie, el color, la escala y la promesa de algo elegante y hermoso en la
meta. También hay un sentimiento subyacente de lo erótico ..." Abigail
Simpson

Abigail Simpson nació en Londres y en un principio se formó como actriz antes

de estudiar cerámica. Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en Gran
Bretaña. La última empresa de Simpson es una instalación de 15 buques que
actualmente se muestra en Ralph Pucci Salón Internacional de
Manhattan.Grandes, formados por vasijas de cerámica de Simpson y de ollas
Bobble ', que se han convertido en su marca. Estos son cuidadosamente
construidos por la mano de la arcilla de gres con bobinas gigantes.

Cada pieza es única y tiene un carácter propio. La única constante es la

extraordinaria escala - los buques pueden ser de hasta 7 pies de altura.

Su objetivo es liberarse de las limitaciones y expectativas de "Cerámica",

aprovechando su inspiración principalmente de arquitectura, el arte y la moda.

Sus barcos se pueden describir como voluptuosos y atractivos y su formación,

como actriz se puede deducir de la teatralidad misma de estos grandes
buques. El trabajo de Abigail Simpson ha aparecido en la mayor parte de las
principales revistas de moda. Entre sus compradores se incluyen Annie Lennox
y Donna Karan.
Liza Riddle
"He estado profundamente inspirada en el
ritmo, los patrones y las fuerzas de la vida,
como los cantos rodados en una ladera de la
Sierra, la línea del hombro sensual de una
figura humana en movimiento, las ondas de
viento en un mar azul y gris, los viajes
alrededor del mundo.

La cerámica de las culturas antiguas, y el

trabajo cuidadosamente elaborado, me
hablan, tal vez por el espíritu del fabricante que aún residen en los propios
artefactos.

Me baso en las mismas técnicas utilizadas para estas culturas la bobina por
mis vasos, con arcilla porcelana suave. Algunas piezas son cuidadosamente
pulidas y pulidas antes de la cocción, otras son de arena, a las que después de
suavizar los bordes, creo una textura fina y mate.

Mis piezas están desprovistas de sus lunas, y sin una superficie vidriosa, tienen
la misma sensación fresca y suave de una piedra erosionada en una playa de
arena.

En lugar de cristales, pinto los vasos bisqued con metales solubles en agua -
de hierro, níquel, cobalto y otras sales, sustancias químicas que penetran el
barro no vitrificado y revelando la paleta elemental de la Tierra después de la
cocción. A través de ensayo y error, he desarrollado mis propias mezclas de
sales de metales y las técnicas para la aplicación de estas casi transparentes
"acuarelas".

Las sales de metales son a menudo imprevisibles, pero puede crear patrones
mágicos - halo que rodea las galaxias de puntos, o los colores que se rompen
de un rojo rico en hierro a cielo brillante
de cobalto azul, diseños sutiles que
imitan los colores y los patrones de la
naturaleza "Riddle Liza.
Merete Rasmussen

"Yo trabajo con formas escultóricas

abstractas. Estoy interesada en la idea
de una superficie continua, con un borde
conectado o la línea que atraviesa todo
el formulario. Las formas claras y
limpias, suaves curvas suaves, en
contraste con los bordes afilados,
superficies cóncavas y convexas, el
descubrimiento y la fuerza de un espacio
interior / negativo - todas estas son
expresiones de las formas que me
interesan y los resultados de mi
exploración continua y de expresión en muchos países diferentes.

Mis esculturas son asimétricas o con una repetición de la forma:

- Asimétricas las que trabajan principalmente con la idea de superficie

continua. La forma tiene sólo un lado y un borde conectado a través de la
forma.

- La repetición de la forma con tres partes simétricas que están conectadas,

tres son tanto un número fuerte y una repetición de la forma equilibrada. El
espacio negativo - la forma del espacio en el medio, es igualmente importante.

Mi trabajo está construido a mano, mediante la técnica del bobinado. El gres

es mi principal material por sus cualidades - Me gusta desafiar a la materia y
mis propias habilidades mediante la creación de formas complejas, y frágiles,

A menudo me invaden ideas para una

nueva forma mientras trabajo en
otras. También creo que mi
inspiración se basa en las formas que
vemos en la naturaleza, así como la
arquitectura y el diseño, las curvas
limpias, la decoración escasa, la
sencillez. Para enfatizar la forma
utilizo una superficie mate y los
colores blanco y negro”.
Nació en Dinamarca, pero se crió en Suecia. Volvió a Dinamarca para estudiar
en la Escuela de Diseño de Kolding en el año 2000, y se trasladó a Londres en
2005 después de graduarse. Desde su obra ha estado centrada principalmente
en piezas escultóricas.
Mateo Cámaras
"Hago la escultura que nace de la
rueda de alfarero. Muchas secciones
son arrojadas y construidas para
crear una belleza, con ritmo y
simetría en forma de resumen.

Estoy interesado en el viaje y la

progresión de capas, el patrón
tridimensional, y cómo esto puede
crear distintas calidades según el
funcionamiento de los tres factores
esenciales:

- La construcción: De la simplicidad a
la complejidad. Circular o fragmentada.

- El patrón de ritmo: ritmos diferentes producidos a través de la construcción y

la colocación de las piezas.

- La posición de visión y la profundidad de la forma: horizontal, vertical o

angular. En el interior el ritmo del espacio o cerrado.

La pasión que se establece en el proceso de fabricación, impulsa la creación

de mi escultura. A través de la práctica y la persistencia, he desarrollado una
forma única de hacer, y esto, junto a la versatilidad de la arcilla, es esencial
para crear el carácter individual de la obra Chambers "Mateo
Patrick colhoun
"Me esfuerzo por ser único, y que mi trabajo
cree división de opiniones. Esta debe ser la
principal característica de mis piezas,
fuertes y masculinas, como los animales.

Trato temas como la desviación sexual, el

confinamiento, la agresión, con toques de
simbolismo religioso.

En esta etapa de mi carrera cerámica, estoy

tratando de ampliar los límites todo el
tiempo en términos de creatividad, forma y
acabado. Sospecho que siempre lo haré.

Estoy trabajando principalmente con barro

negro que me permite el lujo de dejar partes
de la obra de vez en cuando.

También estoy particularmente interesado

en explorar cómo ciertos materialespueden
trabajar juntos, como el metal y la
cerámica". Patrick Colhoun

Patrick Colhoun vive y trabaja en Belfast.

Signe Schjoth

“Mi trabajo está orientado al

proceso con el examen de forma,
que en su presencia aparece en
las formas orgánicas y líneas
rítmicas en movimiento.

El punto de partida era la idea de

una flor como la energía radiante y
la elegancia notable y exuberante,
un testimonio de la existencia de
los milagros cotidianos.

La creación de un objeto estético, sensual material, ha sido siempre la esencia

de mi trabajo, pero estos objetos desde el año 2002 se han ido volviendo más
abstractos. En el momento en que yo me pregunto: ¿Es posible la combinación
o la colisión de los sentidos para llegar a una forma más compleja? Esa es mi
ambición.

Toda mi obra está hecha a mano. Para lograr un sentido de la elegancia y la

fragilidad trabajo con tamaños y piezas muy delgadas. .Además he puesto un
gran esfuerzo en el logro de una superficie armónica y un acceso definido de
las líneas, para intensificar el carácter de cada objeto.

Las superficies mantienen una textura que refleja la presencia profundidad y

sensibilidad de las formas que se encuentran en la naturaleza. En conjunto,
estos acentúan la calidad táctil de las obras. " Signe Schjøth

Nacido en Copenhague en 1974, Signe Schjøth estudió en la Escuela de

Cerámica de Bornholm (1999 - 2002) y desde entonces ha sido seleccionada
para varias exposiciones internacionales.
Kathy pallie

"Como artista comercial diseño productos

para escaparates de las tiendas al por
menor, pantallas interiores, stands para
ferias y eventos especiales.

He trabajado con diferentes materiales para

crear objetos tridimensionales. Cuando me
retiré y empecé a trabajar con la arcilla, me
di cuenta de que la arcilla es un material
atractivo y táctil que tenía que explorar en
profundidad.

Estoy intrigado con la idea de cómo la mano del artista puede manipular la
arcilla en una obra de arte, expresando una emoción, o contando una historia,
de manera que puede ser funcional o puramente atractivo a la vista.

A veces, la arcilla parece tener una vida propia, ya que me lleva,

transformándose de una forma y concepto a otro. En otras ocasiones, puedo
imaginar la pieza terminada antes de tocar la arcilla.

Inspirado por la naturaleza, mi trabajo refleja la variedad ilimitada de texturas,

patrones, y la energía que encuentro en mi entorno natural. La textura y el
sentido del tacto han sido siempre partes importantes de mi trabajo. Suelo
construir con bloques de arcilla, rollos y formas extruidas, utilizar distintos tipos
de arcilla, procesos de cocción, esmaltes y acabados en frío para la
fabricación de diferentes formas y texturas.

Me gusta crear obras de arte que no sólo expresen mi amor por la naturaleza,
sino que también me permitan traer la esencia de la naturaleza en los espacios
interiores. " Kathy Pallie
Nagae Shigekazu
Nagae Shigekazu (nacido en 1953),
es uno de los pioneros de la porcelana
de casting y técnicas de cocción en
Japón. Casting es comúnmente
asociado con la producción en masa
de la porcelana, sin embargo, Nagae
transciende valientemente este
estereotipo, en última instancia, eleva
esta técnica a la vanguardia.

La fundición por sí sola, no puede lograr los movimientos naturales que se

encuentran dentro de las formas de Nagae. De hecho, la intensidad de sus
hornos de gas, ayudan a moldear, la forma y la curva de la porcelana blanca
delicada, lo que da a luz a las siluetas elegantes y tan estrechas que se han
convertido en marca Nagae.

Su popularidad y el reconocimiento como artista se han disparado, con las

adquisiciones por parte de la V & A en Londres, Los Angeles County Museum
of Art, y la Galería Nacional de Australia en tan sólo los últimos 3
años. También es recogida por las principales instituciones tales como el
Museo Nacional de Cerámica de Sèvres en París y el Museo Ariana de
Ginebra, entre otros, así como el reconocimiento mediante premios
prestigiosos como los grandes premios de 1998 en la Trienal de la porcelana
en Nyon, la cerámica Mino Festival de Japón y la exposición de arte de
cerámica (ambos 1997), estatura Nagae y el respeto en el mundo de la
porcelana ha llegado a nuevas
alturas.

Los ultimos trabajos de Nagae,

prueban los límites de sus
ingeniosas técnicas de fundición de
porcelana, y son la culminación de
sus extensos experimentos e
investigaciones sobre las cualidades
de la tierra batida y de fuego. Llamado Tsuranari no Katachi , son
esencialmente objetos de porcelana que contienen forma individual, y a su vez
crean formas de porcelana que están conectados entre sí. Cada forma
separada es antideslizante, y fundida a través de una sopa-combustión, que
combina cristales en las articulaciones y la suspensión de la obra a mediados
de aire dentro del horno de Nagae. A medida que el esmalte se funde y
cristaliza en el fuego del horno, las piezas van conectando correctamente. Sin
embargo, al mismo tiempo, el delicioso drapeado y afilado de sus curvas
orgánicas son asumidos a través de la "casualidad" los efectos del horno
naturales.
Yochiro kamei
Nacido en 1974 en la Prefectura de
Kagawa, Japón, Yoichiro Kamei es
uno de los más apreciados artistas
jóvenes de la cerámica. Con más
de 10 exposiciones individuales en
los últimos diez años - en Kyoto,
Tokio, Aichi, Osaka y Faenza, fue
galardonado con el Premio al Mérito
en la 1 ª Bienal de Cerámica de
Taiwan Internacional en 2004.

En 2010 recibió el Premio Artista ciudad de Kyoto, que es uno de los premios
de arte más valiosos de Japón.
Conclusión

Como conclusión fundamental quiero destacar el hecho de que actualmente la

cerámica forma parte activa del arte, siendo a la vez un medio, y un fin en sí
mismo, ya que hemos podido observar en los artistas presentados ambas
visiones, la cerámica como medio para transmitir y crear arte, y la cerámica
como arte en sí misma, con las implicaciones que esto conlleva.

Otro importante aspecto que me gustaría destacar, en que existe una gran
variedad y diversidad, en cuanto a líneas de trabajo, intenciones que se
persiguen, posibilidades, y materiales, en el trabajo con cerámica. Así cada
artista ha de intentar expresarse y crear a través de su propia experiencia, sin
dejar de lado su relación con el mundo y los problemas o inquietudes de la
sociedad que lo rodea.

El trabajo de cerámica artística permite conseguir objetivos de muy diversa

índole, que van desde lo funcional hasta lo meramente estético, pasando por la
propia visión del artista.

Las posibilidades de los materiales, así como sus cualidades son idóneas para
reflejar tanto la idea como la intención del artista en su estado más puro. El
conocer, y saber manejar diferentes técnicas y materiales, va a facilitar la tarea
que tienen la obra de transmitir el mensaje del artista, así como el hecho de
crear en el espectador un estímulo, relacionado con la temática o la intención
que persiga el artista con su obra.