Panorama - Preguntas de Finales Respondidas

PANORAMA HISTÓRICO Y SOCIAL DEL DISEÑO
PREGUNTAS
1. ¿Cuál es el papel de la antigüedad clásica en la concepción del arte y el diseño durante los
siglos XV y XVI? Desarrolle el contexto social y cultural
2. Desarrollar el surgimiento de la imprenta en el contexto del Humanismo, y los

descubrimientos realizados en el inicio de la era moderna. Desarrollar en detalle el
impacto que tuvo para el diseño tipográfico y de libros.
3. ¿Cuáles fueron las transformaciones del arte y el diseño entre el siglo XVII y principios del
siglo XIX? Características. Desarrolle el contexto histórico en que suceden dichas
transformaciones.
4. Desarrollar las transformaciones sociales y culturales ocurridas por el impacto de la

Revolución Industrial. Explicar en detalle el efecto que tuvo la industria en la producción
de objetos de uso y los debates de la idea que esto produjo. Explicar la inserción de la
Argentina en dicho contexto mundial.
5. Desarrolle los acontecimientos que desencadenaron la Rev. Francesa en el s XVIII (1789).

El iluminismo y el enciclopedismo. Transformaciones en el arte.
6. ¿Qué significó el movimientos de Arts and Crafts para la historia del diseño? Desarrolle el
contexto histórico, económico, social y cultural del país en el que se manifiesta. //
Desarrollar el movimiento de Artes y Oficios en Inglaterra, relacionarlo con su contexto
histórico, describiendo su impacto en la sociedad de la época, su postura con respecto al
proceso de industrialización y sus repercusiones futuras. // ¿Cuáles fueron los principales
acontecimientos sucedidos en Inglaterra a mediados del siglo XIX? Señale la reacción anti
industrialista y el pensamiento de Jhon Ruskin y William Morris: su influencia en el diseño
gráfico, arquitectura y diseño industrial.
7. Desarrollar el modernismo y sus manifestaciones en los distintos países entre 1880 y 1914.
Mencionar sus antecedentes y sus ideas respecto a la producción de objetos e imágenes.
8. Desarrolle la situación de Alemania desde fines del siglo XIX y principios del siglo XX (hasta
el comienzo de la 1GM). Señale los cambios realizados con el diseño y la industrialización.
Aportes de Deutcher Werkbund y el protagonismo de Peter Behrens. // Desarrollar el
diseño de Alemania a principios del siglo XX. Ideas respecto al diseño y la producción en el
contexto de la expansión imperial. Describir los casos y debates más significativos en
relación a artesanías e industrialización.
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9. Desarrollar la escuela de diseño más famosa de Alemania en el período de entreguerras.

Relacionarla con su contexto histórico y sus distintas etapas. Desarrollar su método de
enseñanza y su relación con las vanguardias.
10. Desarrollar de manera abarcadora y detallada la escuela de Vkhutemas. Sus ideas respecto
al diseño y la enseñanza del mismo en el contexto social en que tuvo lugar. Dar ejemplos y
caracterizar sus producciones más relevantes.
11. Comparar las dos escuelas de diseño paradigmáticas del período de entreguerras en
Europa. Comparar sus ideologías y estructura de enseñanza. Desarrolle el contexto en que
emergen cada una de estas escuelas. // Desarrollar y relacionar la escuela de Bauhaus en
Alemania y Vkhutemas en la Unión Soviética. Similitudes y diferencias. Contexto social en
que se desenvolvieron cada una.
12. Desarrolle la experiencia soviética desde 1917 en el marco de las creaciones

vanguardistas. Desarrolle el contexto político, económico y social. Relación con el diseño
gráfico e industrial.
13. Desarrollar el impacto de las vanguardias artísticas en el campo del diseño europeo
durante el período de entreguerras. Mencionar tres casos relevantes y sus producciones.
Dar ejemplos.
14. Desarrolle el fordismo y su contexto. Su importancia en el período de industrialización.

Ubicación temporal, geográfica y cultural.
15. Desarrolle la situación de EEUU en el período de 1920 a 1940. Describa el desarrollo del
diseño relacionado con los nuevos movimientos en diseño industrial y gráfico. //
Desarrollar el caso del Good Design en EEUU comparándolo con los desarrollos anteriores
del Styling, Describir sus producciones y contrastar ideas y posturas en relación a la
situación de cada contexto.
16. Desarrollar el contexto de la década de 1930 en EEUU y Francia. Describir y relacionar los
movimientos o corrientes predominantes en cada país durante dicha época
17. Desarrollar el caso del diseño italiano, comparando el desarrollo del Bell Design en los
años de posguerra con las posteriores corrientes de antidiseño. Describir sus producciones
y contrastar ideas y posturas en relación a la situación sociocultural de cada contexto.
//Desarrollar las denominadas corrientes de antidiseño en el contexto de las incipientes
posturas posmodernas a partir de la crisis social y cultural de fines de la década del ‘60.
Dar ejemplos y caracterizar sus producciones más relevantes.
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18. Desarrolle la escuela de ULM, y sus ideas respecto al diseño y su enseñanza. La postura
que toma en relación con el arte y las ciencias durante el directorio de Tomás Maldonado
en comparación con el de Max Bill.
19. Desarrollar la situación del diseño en el contexto de posguerra en Europa en los países y
regiones más relevantes. Elegir 2 movimientos o corrientes de 2 países diferentes y
compararlos en detalle (¿bell design-ulm? Insipientes posturas postmodernas) Italia y
Alemania. // Desarrolle las consecuencias que deja la SGM en el mundo y la
reconstrucción europea. Señale los principales hechos de diseño en Italia y Alemania
20. Desarrollar en profundidad la situación del diseño en EEUU en el contexto social de la

posguerra (2° GM). Dar ejemplos y caracterizar sus producciones más relevantes.
21. Desarrollar el Arte Pop y relacionarlo con su contexto histórico. Ideas y posturas en
relación al arte y la sociedad. Repercusión en el campo del diseño. Dar ejemplos y
22. Características sociales, económicas y culturales de la década del ’60. Desarrolle los
principales movimientos artísticos y señale la incidencia en el Diseño. // Desarrolle el
panorama general de la década del ’60 participación de la juventud. Desarrollo del
consumismo y la comunicación de masas. Señale el nacimiento de los movimientos
culturales en general (arte y diseño). Inglaterra y EEUU.
23. Desarrollar con amplitud el movimiento de la psicodelia y relacionarlo con su contexto

histórico y social. Describir su repercusión en el campo del diseño.
24. Analice la posmodernidad. Sus primeros pasos en la arquitectura y el surgimiento de

nuevas posturas frente al diseño en los años ’70 y ’80.
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1. ¿Cuál es el papel de la antigüedad clásica en la concepción del arte y el diseño durante

los siglos XV y XVI? Desarrolle el contexto social y cultural
El arte y el diseño de los siglos XV y XVI se caracterizó por un retorno a las artes griegas y
romanas, es por ello que se llamó “renacimiento”, porque refiere a un resurgimiento o renacer de
los valores y la estética de la antigüedad clásica grecorromana.
El renacimiento marca la transición entre la Edad Media y la Edad Moderna. En este período la
fragmentaria sociedad de la Edad Media, caracterizada por una economía agrícola y una vida
cultural e intelectual dominada por la iglesia, se transformó en una sociedad dominada,
progresivamente, por instituciones políticas centralizadas, con una economía urbana y mercantil.
Nace la burguesía y se desarrolla el mecenazgo de la educación, de las artes y de la música.
Pero sería imposible hablar de renacimiento sin el desarrollo del humanismo que trae consigo
un cambio de mentalidad, lo que implica conocer más de lo que se conocía hasta el momento y
vivir más allá de los límites descubiertos. Esta corriente humanista reemplaza el teocentrismo
medieval por el antropocentrismo de la edad moderna. Dios deja de ser el eje de la realidad
humana; ahora el hombre es el centro, máxima creación divina, capaz de crear y pensar mediante
el desarrollo de la razón y el conocimiento. La religión, aunque no pierde su importancia como
institución, deja de ser la que explica y preside cualquier aspecto de la vida.
Mucho de lo que se conserva y conoce de la cultura clásica es gracias a que fue

reivindicada y recuperada a partir del renacimiento entre los siglos XV y XVI. Muchos humanistas,
impulsados por el cambio de mentalidad que trajo consigo el cambio de época, y sostenidos por
la teoría antropocentista, se dedicaron a estudiar las obras de las grandes ciudades de la
antigüedad y reinterpretaron y adaptaron los cánones de la cultura clásica, que se convirtieron en
una característica importante del renacimiento.
La tradición clásica es concebida como la herencia cultural del mundo grecorromano a la

civilización occidental, tomando la concepción medieval del concepto occidental, que agrupa a
todas las monarquías que se encontraban bajo el mando político y religioso de la iglesia católica.
El arte clásico incluye tanto las denominadas Bellas Artes (danza, pintura, escultura, música,
literatura), como las Artes Decorativas o Menores, más ligadas a la producción de objetos
utilitarios y ornamentados con una finalidad estética, sinónimo de las artes aplicadas.
El renacimiento plantea una nueva forma de ver el mundo y al ser humano. El artista tomó
conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vió atraído por el saber y comenzó a
estudiar modelos del pasado. Así rompió con el ideal de la producción artística con fines religiosos
y la representación de imágenes planas, de colores plenos, sin variaciones de luz, sombra o
volumen, propia del estilo gótico medieval, y se interesó en plasmar la realidad idealizada.
Plasmaban las obras bajo las técnicas de claroscuro, las formas de representación de la
perspectiva, los puntos de fuga y la dimensionalidad, la anatomía humana, el equilibrio, la
composición, la armonía, la proporción y la representación realista. La religión ya no tiene un fin
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de representación didáctico o promocional, sino que ahora se la representa de manera mundana:

las principales figuras sagradas sin aureola y con trajes profanos.
{+} El renacimiento contó con diferentes etapas cuyo desarrollo reflejaron las raíces clásicas:
El QUATTROCENTO: que se desarrolló durante el siglo XV en Florencia. Los artistas

abandonaron el anonimato, nace la categoría de autor y retomaron lo más puro de la cultura
clásica grecorromana en cuanto a las Bellas Artes. En la arquitectura, destacó Filipo Bruneleschi
que en 1420 avistó una posible solución para la cúpula de Santa María del Fiore. Nació así la idea
de proyecto y la aplicación de las ciencias duras a la hora de proyectar un edificio, en contraste
con la idea medieval de que las construcciones eran creaciones de dios, no se las proyectaba y se
sucedían de generación en generación, tardando años en finalizarlas. El Quattrocento retoma la
horizontalidad en la arquitectura, contra la verticalidad medieval que simbolizaba el deseo de los
hombres de conectarse con Dios. En cuanto a diseño, el concepto renacentista del uso de la razón
se ve en la racionalización y adaptación de las páginas a imprimir. Se busca también la armonía por
medio de los espacios entre letras y la legibilidad.
El CINQUECENTO de principios del siglo XVI en Roma. Se destacaron las figuras más populares
hasta la actualidad como Leonardo da Vinci, Sanzio, Botticelli y Miguel Ángel Buonarroti por lograr
interpretar el ideal de belleza clásico, utilizando tonalidades claras, la dulzura y la elegancia en sus
composiciones. Por otra parte, Miguel ángel destacó por sus multiples facetasartísticas (arq.
escultor, pintor) y su aplicación de las mismas en la Capilla Sixtina y el David. En cuanto a diseño se
profundiza el desarrollo de nuevas tipografías en hacia 1500 Aldo Manuzio incorpora el tipo latino
y difunde textos clases en variable cursiva, respondiendo al ideal de armonía y equilibrio
trasladado a las páginas de los libros.
Durante la segunda mitad del siglo XVI empezó la decadencia del renacimiento, que cayó en
un rígido formalismo dando paso al MANIERISMO italiano, que se gesta a partir de 1530 como una
contracorriente del renacimiento. Era una reacción anticlásica que pierde lo más propio del arte
grecorromano: las proporciones, la armonía, la serenidad, el equilibrio. Subjetivo e inestable.
Luego dejará paso al Barroco.
* Filippo Brunelleschi, artista y arquitecto del renacimiento, para poder representar los edificios
en perspectiva realizó una serie de estudios con la ayuda de instrumentos ópticos. Con ellos,
descubrió los principios geométricos que rigen la perspectiva cónica *
2. Desarrollar el surgimiento de la imprenta en el contexto del Humanismo, y los

descubrimientos realizados en el inicio de la era moderna. Desarrollar en detalle el
impacto que tuvo para el diseño tipográfico y de libros.
Durante la Edad Media, los monasterios fueron centros de conservación de la cultura clásica y
de difusión de la cristiana. En ellos los monjes copistas transcribían los textos antiguos destinados
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al clero y a los estudiosos. Mediante el sistema xilogáfico tambien se confeccionaban panfletos,

trabajos de pocas hojas, estampado de telas y naipes. Se trataba de una tablilla de madera que se
grababa en relieve, incluía texto e imágenes, y se entintaba para después ser aplicada a presión
sobre el papel. El desgaste era considerable por lo que no podían realizarse muchas
reproducciones con un molde.
A principios del siglo XII, al fundarse las primeras universidades en Europa, la labor de los
monjes dejó de ser exclusivamente de órdenes religiosas, y ante un público más numeroso, culto y
exigente era imprescindible la creación de la profesión de amanuense o escribano.
La creciente demanda de libros por parte de la nueva clase media culta y la introducción del
papel desde China a Europa comenzaban a gestar el contexto ideal para que, en 1450, Johannes
Gutenberg apostara a ser capaz de hacer varias copias de la Biblia a la vez, en menos tiempo que
el copista más rápido tardaba en copiar un solo ejemplar creando la imprenta. Para esto, en vez
de utilizar las tablas xilográficas, confeccionó los moldes de cada letra y posteriormente los relleno
con metal, creando los primeros tipos móviles. E imitando a la perfección la escritura de un
manuscrito.
Como plancha de impresión amoldó una vieja prensa que sujetaba el soporte con los tipos
móviles, dejando el hueco para las letras capitales y dibujos, que serían añadidos posteriormente
mediante el sistema xilográfico y decorados de forma manual.
Los ejemplares obtenidos se denominaron libros incunables, como todos aquellos libros que
se imprimieron durante el siglo XV, confeccionados en parte mecánicamente y en parte a mano. La
tipografía utilizada en esta etapa fue la gótica Éste fue el trabajo más famoso de Gutenberg, la
Biblia de 42 líneas, haciendo referencia al número de líneas impresas por página. Su producción
dio comienzo a la impresión masiva de textos en Occidente.
En un contexto de humanismo latente, con el hombre como centro y ser razonable y la

búsqueda por investigar e ir más allá de lo conocido, Gutenberg adapta los elementos del
cotidiano para realizar el mayor invento de la época. Éste resignificó y adaptó el papel para la
prensa, la tinta utilizada por los pintores y los tipos móviles aportando la fundición de éstos en
moldes ajustables.
La invención de la imprenta ayudó a eliminar barreras que obstaculizaban la comunicación

entre los hombres, unificó idiomas, redujo el analfabetismo, redujo el costo del libro y aumentó su
demanda, enriqueció el debate y la difusión de las ideas. En Italia, además, comienza la edición de
libros profanos de teoría matemática y filosofía contemporánea. En el siglo XVII se desarrolla el
cartel y el panfleto como información pública (1620 gaceta) marcando así la etapa de pre-prensa.
En 1631 se publica el primer periódico. Un siglo después, nace la enciclopedia.
Avances en el diseño tipográfico:
ITALIA (siglo XV)
 Jenson: Caracteres de tipo Romano. Venecia , siglo XIV (pre Manuzio)
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 Manuzio: Creador de la primera tipografía cursiva llamada Itálica.
Tratados de escritura: estudio de las proporciones del alfabeto latino (Da Vinci, Alberti,
Feliciano y Luca Paccioli)
FRANCIA (siglo XVI – edad de oro de la tipografía Francesa)
 Garamond: alfabetos basados en la tipografía Itálica. Armonía en los trazos. Se exporta a

toda Europa y hace posible la producción de libros de extraordinaria legibilidad y belleza.
 Tory: Confeccionó letras floreadas, sellos comerciales y letras itálicas.
INGLATERRA (XVIII)
 Caslon: tipografía romana, versión de estilo antiguo con itálicas, de buena legibilidad y
modulación entre trazos. Terminaciones en ángulos rectos.
 Barkerville: Mejoró la prensa, desarrolló nuevos papeles y perfeccionó la tinta. Fundió
tipos sutiles y elegantes, con una notoria modulación entre trazos. Abundantes márgenes
y espacios entre letras y líneas.
ITALIA
 Bodoni: Tipo de letra romana, refinada y rigurosa

 Fournier: Elabora un sistema de medidas a base de puntos tipográficos (corregido luego
por didot) que constituye al sistema de medición Europea
 Didot: diseño basado en la Bodoni. Acentúa más la relación entre trazos finos y gruesos.
Con los tipos Bodoni y Didot, nace la “Egipcia”.
3. ¿Cuáles fueron las transformaciones del arte y el diseño entre el siglo XVII y principios
del siglo XIX? Características. Desarrolle el contexto histórico en que suceden dichas
transformaciones.
BARROCO
Era moderna pre industrial. La burguesía estaba en pleno auge. La vida material era muy
precaria, los objetos muy toscos, por lo que se recurría a ornamentar los objetos con un fin
meramente estético. Los que se buscaba era embellecer los objetos. El concepto de belleza
estaba asociado al de ornamento.
En el siglo XVII, crisis económicas, política, guerras religiosas e intelectuales hacen que el
absolutismo tome mayor poder, y conducen a la corrupción, que apoyaba al Barroco.
Durante el siglo XVII y parte del XVIII, el arte y la cultura europeos asumen la herencia del
Renacimiento para desarrollar un estilo con personalidad propia marcado por la exageración y el
dinamismo. Belleza=ornamento.
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La religión determinó muchas de las características del arte barroco. La Iglesia católica se
convirtió en uno de los mecenas más influyentes, y la Contrarreforma, lanzada a combatir la
difusión del protestantismo, contribuyó a la formación de un arte emocional, exaltado, dramático
y naturalista, con un claro sentido de propagación de la fe.
Características principales: el sentido del movimiento, los contraluces, la teatralidad de las

escenas, la integración, la tendencia a los excesos decorativos, la energía y la tensión. Fuertes
contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y
obras arquitectónicas. Acumulación de formas y exceso de superposición de elementos
ornamentales: Belleza = Ornamento
Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y
apariciones milagrosas. La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura
barrocas
Tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras
la representación correcta del espacio y la perspectiva.
El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en
los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad
propia.
Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los
temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e
inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco —manifestado en las representaciones
realistas de la piel y las ropas— hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte
occidental.
Pintura: variaciones de luz y color.
Escultura: se exageran las formas y expresiones y se busca el movimiento y la agitación.
Arquitectura: líneas curvas, dinamismo, elementos decorativos, columnas retorcidas.
Diseño industrial: la producción artesanal va aumentando de escala hacia fines del siglo XVII y
principios del XVIII. Se pasa de la producción en talleres de un artesano, a los antecedentes de lo
que luego van a ser las fábricas. Surgen los catálogos para comprar objetos y la idea de
sistematización en la producción ante la alta demanda.
ROCOCO
S XVIII. Artifiosidad exagerada producto del Barroco. Estilo decorativo nacido en Francia XVIII,
que se caracterizó por una ornamentación elaborada, delicada y recargada.
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Surge en el reinado de Luis XV, la rocalla es un tipo de ornamentación que, inspirado en las
grutas de los jardines renacentistas, se basa en la imitación de elementos naturales como rosas,
caracoles, etc.
En decoración, se caracterizó por una ornamentación basada en arabescos, conchas marinas,

curvas sinuosas y en la asimetría.
En pintura se distinguió por el uso de colores pastel más bien pálidos. Se desentiende de
cuestiones religiosas, ya que era un arte superficial y mundano. Pintura ligada a la nobleza, los
palacios y las cortes. Vida llena de placeres y sensualidad. Se desarrolla principalmente en Francia.
Temas superficiales.
En Arquitectura: decoración de extraordinaria fantasía. Las formas Barrocas se simplifican.
El estilo rococó se difundió rápidamente por otros países europeos, particularmente por
Alemania y Austria, donde se entremezcló con el barroco creando un estilo suntuoso y profuso,
especialmente en iglesias y espacios sagrados.
El rococó se desarrolló más en la decoración de interiores.
En Francia dio paso al austero estilo neoclásico a finales del siglo XVIII y desapareció con el
inicio de la Revolución Francesa en 1789 de manera repentina y por completo.
NEOCLASICISMO (XVIII)
Es producto de la revisión de modelos sociales, económicos y políticos de Europa, es un

resurgimiento y reaparición del arte grecorromano. Surge como reacción contra el Barroco y el
Rococó, el eje fundamental es la sencillez y la armonía de lo clásico. Se imponía a través de la
razón, enmarcado dentro de las ideas de la ilustración racionalista y empirista. Se inspiró en las
formas grecorromanas. Se lo consideró un arte correcto pero frío.
- Se produce en toda Europa un cansancio del recargado estilo Rococó. Surge en Italia.
- En pintura se elimina el claroscuro. Muchas representaciones de Napoleón Bonaparte.
- En arquitectura se copian construcciones de la antigüedad.
En escultura (reposada y fría) recupera autonomía y adquiere un carácter simbólico,

representando alegóricamente la razón, la libertad, el comercio, la industria, etc. Se inspiran en la
paz y la serenidad.
4. Desarrollar las transformaciones sociales y culturales ocurridas por el impacto de la

Revolución Industrial.
Explicar en detalle el efecto que tuvo la industria en la producción de objetos de uso y
los debates de la idea que esto produjo.
Explicar la inserción de la Argentina en dicho contexto mundial.
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El método y el proceso científico como base del conociemiento y al servicio de la tecnología ->
consuencia -> revolución industrial
La revolución industrial es un proceso de transformación científica y tecnológica que produce

una transformación social. Es un proceso ininterrumpido y gradual que comienza a desarrollarse a
mediados del siglo XVIII en Inglaterra (1750 - 1840). Convirtió la economía y la sociedad agraria y
artesanal en un conjunto organizado en torno a la producción industrial. Se produce un cambio de
producción en los objetos de consumo con la irrupción de la maquina que producía fuerza
superior a la de la capacidad humana. La idea de progreso estaba ligada directamente a la
producción y el progreso industrial.
La primera revolución industrial introdujo la máquina de vapor gracias a la existencia de minas

de carbón que utilizado como combustible, y el hierro, elemento clave para la producción
industrial. La segunda (1870-1914), por su parte, suplanta el hierro por el acero, el carbón por el
petróleo y la máquina de vapor por el motor a explosión.
La revolución produce el traspaso del campo a la ciudad. Los obreros (la mayoría ex
campesinos) se ven obligados a inmigrar a las ciudades por la poca productividad de sus campos.
Hay un impacto negativo en el ideal de belleza de la ciudad, las chimeneas de las fábricas
reemplazan las agujas de las catedrales.
Las ventajas de este proceso son: la seriación de la producción y la racionalización del tiempo
con la que se conseguían producir más objetos en menos tiempo. La mecanización industrial se
transformó en una verdadera revolución cuando comenzó a aplicarse en las máquinas una nueva
fuente de energía (el carbón y el vapor).
-El barco de vapor revolucionó la navegación

-El ferrocarril: en 1825 se construyó la 1º locomotora a vapor y en menos de una década
funcionaron servicios regulares en las ciudades más importantes.
-La imprenta de Vapor: significó un gran adelanto en la cultura popular. La aplicación del vapor
originó una “segunda invención de la imprenta” impulsando la cultura que ahora estaba al
alcance de las clases populares.
Los productos industriales desplazan del mercado a los artesanales. Los productos carecen de
aspectos estéticos, sólo técnicos. Más tarde con la mecanización aparecen ornamentos agregados
a los artículos. Los burgueses estaban disconformes con los objetos industriales, que eran
sencillos y mal terminados, y querían un retorno a los artesanales y más decorativos. Era
imposible recrear de forma industrial lo artesanal.
La revolución cambió la concepción y percepción del tiempo y el espacio. El tiempo era

dinero, por lo que se puso en práctica el Taylorismo, es decir, la producción seriada en línea de
montaje, donde cada obrero se ocupaba de una tarea específica. A pesar de que las maquinas
suplantaban en gran parte la mano de obra humana, se necesitaban obreros capacitados para
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manejar la maquinaria, a los cuales de los explotaba, se les retribuía con un sueldo bajo, y se los
tenía en situaciones precarias.
El desarrollo industrial marcó fuertemente la distinción de clases entre empresarios-

capitalistas y clase obrera. En el comienzo de la revolución el movimiento Ludita o Ludismo
animaba a destruir las máquinas de las fábricas ya que los veían como un enemigo del hombre. En
el auge del capitalismo, el socialismo se pronuncia en contra de la sociedad industrial. Para luchar
por sus derechos, los obreros comienzan a agruparse en sindicatos y a manifestarse en lugares
públicos ya que no había leyes que los amparen. Surge el movimiento obrero y en 1840, se
produce la primera huelga.
Argentina experimenta en las primeras décadas del siglo XIX el gran fenómeno de inmigración
Europea gracias a la revolución de los transportes de 1820, donde se introduce el ferrocarril y la
navegación a vapor. En 1853, con Urquiza en la presidencia, se dicta la constitución nacional que
garantizaba la protección a todos los inmigrantes y se les subsidiaba el pasaje.
El sometimiento por parte de los grandes países productores no era solo hacia los obreros. El
imperialismo dominó a las colonias y países periféricos, y los subordinó al negocio de la
exportación de materias primas. La Revolución Industrial trajo aparejada la División Internacional
del Trabajo, adhirió a Argentina como proveedor de materias primas agropecuarias, que contaba
con una pampa húmeda extensa, muy productiva y poco explotada.
5. Desarrolle los acontecimientos que desencadenaron la Rev. Francesa en el s XVIII (1789).

El iluminismo (ilustración) y el enciclopedismo. Transformaciones en el arte.
ILUSTRACIÓN/ILUMINISMO -> SIGLO DE LAS LUCES XVIII
La ilustración fue un movimiento filosófico del siglo XVIII que marca la transición de la edad
moverna, que se dio especialmente de Francia, basado en la razón, el progreso, el empirismo y la
naturaleza. Afirmaba el poder ilimitado de la Razón para gobernar el mundo de los hombres y
dirigir sus vidas.
Hacía falta “ilustrar” a las grandes capas del pueblo, porque ésta era la condición previa para
una sociedad mejor. Se pensaba que la miseria y la opresión se debían a la ignorancia y a la
superstición, por lo tanto había que tomarse muy en serio la educación de los niños y del pueblo
en general. No es una coincidencia que la pedagogía como ciencia tenga sus orígenes en la
Ilustración.
Surge como crítica a numerosos aspectos de la sociedad del siglo XVIII, primordialmente al
Antiguo Régimen, a la idea de monarquía como forma de gobierno (que atrasaba – considerada
arcaica) y las instituciones tradicionales de la sociedad, como por ejemplo la Iglesia, que eran
dueñas del conocimiento o del poder.
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Algunos de los filósofos que estaban a favor de ciertas libertades era:
 John Locke: ideólogo de la revolución que terminó con el absolutismo en Inglaterra. Los súbditos
tienen derecho a la vida, a la libertad y a la propiedad, que los monarcas no pueden violar y si lo
hacen, el pueblo puede destruirlos.
 Monstesquieu: criticó el absolutismo, propuso la división de poderes: Poder Ejecutivo (a manos
del Rey), Poder Judicial (jueces y magistrados) y Poder Legislativo (Parlamento o Asamblea
Representativa).
 Voltaire: ridiculizó a la monarquía en su estilo mordaz y también lo hizo con la sociedad y la
Iglesia. Sus ataques demoledores ayudaron a desacreditar a las instituciones religiosas, políticas y
sociales de la época. Gracias a la razón, el hombre puede alcanzar cualquier nivel de
conocimiento.
 Rosseau: afirma que el hombre es bueno por naturaleza y que es la sociedad la que lo corrompe.
Para evitar esto el hombre debe volver al estado puro en contacto con la naturaleza, para que
ella guie su moral. La sociedad y el Estado nacen voluntariamente y libremente por las acciones
del hombre y estos mediante un contrato delegan sus derechos en su gobierno. Se deduce que el
soberano no es el monarca, sino la voluntad general del pueblo.
Los ilustradores difunden sus ideas a través de las Enciclopedias.
La ilustración o iluminismo dio origen al Enciclopedismo, y ambos son el antecedente

inmediato de la Revolución Francesa. Los intelectuales, filósofos y científicos que formaron parte
de la ilustración, emprendieron la tarea de compendiar todo el conocimiento científico en lo que
se conoció como Enciclopedia (Diderot y D’Alembert).
Con la Toma de la Bastilla el 14 de Julio 1789, se pone fin al Antiguo Régimen y la Revolución
Francesa marca el pasaje de la Edad Moderna a la Edad Contemporánea.
1° etapa: Toma de la Bastilla.
Simboliza el triunfo del pueblo contra el antiguo régimen.
Los burgueses cambian el régimen absolutista por un reino constitucional de bases liberales:
- Se proclamó la igualdad social.
- Se proclamaron lo derechos del hombre y del ciudadano.
- Se liberaron los esclavos en todas las colonias.
- Se suprimen las torturas.
En 1791 se aprueba la constitución y Francia pasa a ser un reino constitucional liderado por los
tres poderes propuestos por Montesquieu. El Ejecutivo a manos del rey, el Legislativo a manos de
la Asamblea Representativa y el Judicial formado por jueces selectos.
2° etapa: La convención
Se disuelve la Asamblea Representativa y le da lugar a La Convención, que proclama la República

y condena a Luis XVI a la guillotina por traidor a Francia.
Así se aseguro la libertad de enseñanza, la fundación de academias y museos (e/ ellos el Luvre) y
se implantó el sufragio universal.
Como consecuencias cae el absolutismo monárquico y se eliminan los privilegios. Se impulsó la

libertad laboral a los trabajadores y la separación religión-política.
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El neoclasicismo, que representa la sencillez y la armonía de lo clásico y se imponía a través

de la razón enmarcado dentro de las ideas de la ilustración dio paso hacia fines del siglo XVIII
(1770-1800) al Romanticismo. El arte deja de regirse por la doctrina del Clasicismo. Su objetivo
principal no es la belleza, sino la expresión y los sentimientos que pueden abrir horizontes mucho
más amplios. Su carácter revolucionario es incuestionable. Supone una ruptura con una tradición,
con un orden anterior y con una jerarquía de valores culturales y sociales. Exhaltación sentimental
y anhelo de libertad. El artista toma partido, se expresan los sentimientos y la pasión.
Innovaciones en la tipografía
Las necesidades masivas de comunicación de una creciente comunidad urbana llevaron al
rápido desarrollo de imprentas comerciales, anuncios y carteles. Las letras de los libros cobran
mayor importancia estética.
El Cartel
Cuando los tipos aumentaron de tamaño se dieron cuenta de que si los hacían de madera eran
mucho más económicos, livianos, y durables. La empresa del cartel fue creciendo masivamente.
1789 nace la caricatura como forma de protesta y denuncia
6. ¿Cuáles fueron los principales acontecimientos sucedidos en Inglaterra a mediados del

siglo XIX? Señale la reacción anti industrialista y el pensamiento de Jhon Ruskin y
William Morris: su influencia en el diseño gráfico, arquitectura y diseño industrial.
S. XIX: Siglo de transformaciones en las Artes Visuales.
Mediados del S. XIX: 2da Revolución Industrial: 1870-1914. 1° Rev Industrial: 1750-1840.
Contexto:
El auge de la burguesía en la era pre-industrial se vió amenazado por los nuevos inventos y
descubrimientos como la implementación del carbón como combustible para la máquina de vapor,
y el hierro para la producción. Los talleres en los que realizaban de forma manual sus objetos se
vieron suplantados a mediados del siglo XVIII por las fábricas y la producción industrial, en un
proceso que se denominó Revolución Industrial.
La revolución industrial es un proceso de transformación científica y tecnológica que

produce una transformación social. Se produce un cambio de producción en los objetos de
consumo con la irrupción de la maquina que producía fuerza superior a la de la capacidad humana.
Así mismo, surge el socialismo, el sindicalismo que vela por los derechos de los obreros, las
huelgas y las protestas ante la explotación laboral, y las condiciones de trabajo.
Los Burgueses estaban disconformes con los objetos industriales, que eran sencillos y mal
terminados, y querían un retorno a los artesanales y más decorativos. El intento de reproducir lo
13
ornamentado de forma industrial desembocó en la utilización de materiales más económicos. Los

objetos para ese entonces se habían convertido en un arte tosco, donde el diseño, la planificación,
y la artesanía habían quedado prácticamente opacados por el interés de producir a grandes
cantidades de manera industrial. Los burgueses planteaban que era imposible recrear
industrialmente los objetos artesanales. Surge así, como contrapropuesta de la industrialización, la
escuela de Artes y Oficios (o Arts & Crafts)
Los visitantes de la Feria Universal de 1851 llegaban al Crystal Palace de Londres, además
de asombrarse por los avances técnicos, se sorprendían por el mal gusto de todo lo que se
fabricaba en masa. De allí surge la necesidad de devolver a los objetos de la vida cotidiana
una cierta dimensión estética, que acompañase a las funciones naturales para las que eran
fabricados. Esa reacción se denominó Arts and Crafts.
El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano,
impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político que tuvo, sin lugar a dudas, una gran
influencia histórica en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.
Morris se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, renegando de las

nacientes formas de producción en masa. En protesta contra la mecanización, reivindicó los oficios
medievales en plena época victoriana (de productos en masa, baratos), reafirmando así la
primacía del ser humano sobre la máquina y siendo un movimiento en principio contracultural.
Oponía la creatividad y el arte a la producción en serie.
Basó sus ideas en las de Ruskin (1860) (rechazo la economía mercantil, insistió en la unión
del arte y el trabajo para la sociedad y el arte como función social).
Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura,

las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de
jardines.
Morris organizó un grupo de intelectuales y artistas y en 1861 funda la empresa

Morris&Co, (+ Marshall y Faulkner) formada por artistas en pintura, muebles, tapices y metales,
quienes diseñaron y construyeron productos destacados por su manufactura impecable y la
calidad en contraste con los objetos producidos en serie.
Morris difundió y justifico sus ideas con éxito, y a partir de su figura surgió el llamado
movimiento de Artes y Oficios, desatando un renacimiento de la artesanía artística. La maquina
era el principal enemigo de Morris, pero este cayó en contradicciones ya que su negativa a los
procedimientos modernos de producción dió como consecuencia un costo elevado en sus
productos, reduciéndolos a un circulo de compradores limitado.
William Morris se dedico especialmente al diseño tipográfico y al aspecto visual del libro
como objeto. Se convirtió en un brillante diseñador bidimensional. Utilizo una cuidada distribución
de la mancha tipográfica sobre la página en blanco, y su relación con la página contigua. Baso sus
ideas en las de Ruskin (rechazo la economía mercantil, insistió en la unión del arte y el trabajo para
14
la sociedad y el arte como función social), Philip Web (diseña una muestra de arquitectura resuelta
con el planteamiento del espacio interior funcional), y Arthur Mackmurdo (desarrollo una nueva
estética del diseño al incorporar diseño japonés, dando el eslabón entre el movimiento de artes y
oficios con el art noveau). Morris paso a dedicarse al diseño de letras, siendo el tipo “Goleen” su
primer diseño. Para la fundición de este tipo contrató a trabajadores y una prensa que fue puesta
en marcha en Kelmscott. Gracias a esta se volvió a obtener una calidad similar a la de los
Incunables.
El estilo diseñado de la imprenta Kelmscott quedo establecido en los primeros libros. Morris,
mientras buscaba refugio en la artesanía del pasado, desarrollo actitudes que proyectaban al
futuro. La imprenta Kelmscott se disolvió en 1898, dos años después de la muerte de William
Morris.
En la última fase del arts and crafts, en Norteamérica el movimiento fue impulsado por Rogers
y Goudy, transformándolo en un diseño independiente, especializado en carteles y tipografías.
Este estilo inspiro a numerosas tipografías en el siglo 20. Goudy y Rogers revitalizaron la tipografía
y el diseño de libros en Norteamérica. William Dwiggins (alumno de Goudy) fue quien creó hacia
1920 el término “diseñador Grafico”.
LA ESTILIZACIÓN EN LOS DISEÑOS ABRE EL CAMINO HACIA EL ART NOUVEAU

(MODERNISMO)
7. Desarrollar el modernismo y sus manifestaciones en los distintos países entre 1880 y

1914. Mencionar sus antecedentes y sus ideas respecto a la producción de objetos e
imágenes.
Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística

desarrollada a fines del siglo XIX y principios del XX, durante el período denominado fin de ciclo y
Belle Époque. En distintos países recibió diversas denominaciones:
- Art Nouveau en Inglaterra, Bélgica y Francia
- Jugendstil en Alemania y países nórdicos
- Sezession en Viena (Austria)
- Modern Style en los países anglosajones
- Liberty o Floreale en Italia
El Art Nouveau es un movimiento de transición entre el historicismo-eclecticista y el

movimiento moderno, producido por un agotamiento del arte hacia fines del siglo XIX. En relación
con este aspecto, Philip Meggs afirma que:
El Art Nouveau es el estilo de transición que se desvió del historicismo que

dominó al diseño durante la mayor parte del siglo XIX. Por otro lado... al
reemplazar el historicismo por la innovación, el Art Nouveau se convirtió en
la fase inicial del movimiento moderno. Preparó el camino del siglo XX al
eliminar el espíritu decadente del diseño.
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Es un estilo decorativo que involucra a la arquitectura, el diseño de mobiliario, el

diseño de productos, las modas y la gráfica. El Art Nouveau, gobernado por el diseño del
ornamento, que crea un “nuevo principio del diseño”: la decoración, la estructura y la
función están unificadas. (Propuesta por el Arts and Crafts)
El Art Nouveau se identifica por sus líneas similares a una planta orgánica, que puede ondular
o fluir con gracia, decorando el espacio. Ésta se adapta en motivos como Zarcillos de vid, flores
como la rosa de lirio, los pájaros (el pavo real) y la figura femenina. Las formas y líneas del Art
Nouveau eran a menudo inventadas en lugar de copiarse de la naturaleza; se logró una
revitalización del proceso del diseño que apuntaba hacia el arte abstracto.
Los diseñadores gráficos y los ilustradores trataron de hacer del arte parte de la vida
cotidiana, dando como resultado una mejora de la calidad visual de las comunicaciones masivas.
Los estilos que aportaron al Art Nouveau incluyen el estilo Rococó, el Movimiento de Artes y
Oficios y el diseño Japonés. De éste último heredó el dibujo lineal caligráfico, la simplificación de
las apariencias naturales, la configuración plana de las siluetas y los colores y motivos de las áreas
decorativas.
Tipografía: Si bien el canon modernista curvilíneo y ornamentado ofrecido por el art nouveau
no resulta el más apropiado para el diseño de tipos convencionales, constituye un excelente
repertorio para titulares y composiciones breves.
El Art Nouveau se convirtió en la fase inicial del Movimiento Moderno. Incorpora una nueva
forma de resolver las cosas mezclando y reformulando estilos. En cuanto a la arquitectura, realiza
un planteo totalizador de la estructura: incorpora una nueva forma orgánica de resolver la
arquitectura y los objetos. Las artes aplicadas quedan bajo la tutela de la arquitectura.
Su expansión internacional fue posible gracias al avance de la tecnología, las comunicaciones

y la transportación. Su influencia se vio en la pintura con las formas turbulentas de Vincent Van
Gogh (1853-1890).
En términos gráficos, la ley de libertad de prensa Francesa de 1881 suprimió la censura y

permitió el desarrollo del cartelismo, fomentando tanto la industria gráfica, como a los
diseñadores e impresores.
Jules Chéret fue considerado el padre del cartel moderno, además de considerarlo el padre de
la liberación femenina tras presentar su modelo de mujer que escapaba los estereotipos de dama
de salón o ramera, presentando una mujer que combinaba ambas actitudes: no eran ni puritanas
ni prostitutas, estas felices criaturas, seguras de sí mismas, disfrutaban de la vida al máximo,
usando vestidos de escote bajo, bailando, bebiendo vino y fumando en público. Con este cambio,
la mujer comienza a tener un nuevo papel en la sociedad.
Eugéne GRASSET, fue el primer Diseñador-Ilustrador que rivalizó con Chéret de forma pública.
Aunque sus estilos contrastaban por la composición formal y la gama cromática, ambos apuntaban
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hacia el Art Nouveau Francés y decoraban las calles de Francia con sus doncellas. Grasset las
representaba esbeltas y altas, con largos y sueltos ropones, con poses estáticas anunciando tintas,
chocolates y cerveza, embellecieron las calles de Francia.
EL ART NOUVEAU INGLÉS
En Inglaterra este movimiento se preocupaba más por el diseño gráfico y las ilustraciones que
se inspiraban en el flujo ondulante y las raíces en el arte japonés del estilo modernista. Sus
orígenes incluyeron el Arte Gótico y la pintura Victoriana.
Uno de los pioneros del Art Nouveau Inglés fue Walter CRANE, que produjo muebles y textiles
para la tienda de departamentos “Liberty y Compañía”. Los textiles Liberty llevaron a los italianos
a denominar el Art Nouveau estilo Liberty. Aplicó modelos ornamentales japoneses e
interpretaciones orientales de la naturaleza para sus diseños.
EL ART NOUVEAU FRANCÉS
En 1891 el cartel de Toulouse-Lautrec para “El Molino Rojo”, sentó nuevas bases en los
diseños de carteles, el cual muestra figuras simbólicas y simplificadas.
Toulouse –Lautrec admiraba el arte japonés y el impresionismo. Frecuentó los burdeles y

cabarets de París, dibujando y desarrollando un estilo ilustrativo y periodístico que captó la vida
nocturna de la “Belle Époque” (término que se utilizó para describir el París reluciente de los
últimos años del Siglo XIX.).
Las curvas ligeras y fluidas del Rococó francés del siglo XVIII constituían un recurso especial en
Francia.
Desde el año 1895 hasta el 1900 el “Arte Nuevo” encontró a su mayor exponente en el trabajo
de Alphonse MUCHA, que llevó al Art Nouveau a la más alta cumbre. Su tema dominante era una
figura femenina central rodeada de formas estilizadas, derivadas de plantas y flores, y mosaicos
bizantinos. Sus mujeres, exóticas y sensuales, no expresan una edad específica, nacionalidad o
época histórica.
El Arte Nuevo Francés encontró una de sus expresiones arquitectónicas más completas en el
trabajo de GUIMARD, cuyas puertas y pabellones de hierro y vidrio para el metro de París,
lograron expresión visual y fueron constituidos con método de manufactura industrial y
producción en serie.
17
EL ART NOUVEAU BELGA
El máximo exponente del Art Nouveu Belga fue el arquitecto Henry Van de Velde que
sintetizó varias fuentes dentro de un mismo estilo unificado. Consideraba a los ornamentos no
como simples decoraciones, sino como un medio de expresión que podía lograr la condición de un
trabajo de arte.
En su trabajo cobran importancia las formas lineales dinámicas, que comprendían todo el
espacio que los rodeaba, y el ornamento que era un aspecto lógico del conjunto, resultante de las
consideraciones de la construcción.
En el año 1902 fue llamado a Weimar, donde reorganizó el Instituto Weimar de Artes y
Oficios y la Academia Weimar de Bellas Artes. Este fue el primer paso para la formación de la
BAUHAUS de Gropius en 1919.
ESCUELA DE GASGLOW (Escocia)
Durante los últimos años de 1890 el trabajo del arquitecto americano Frank LLouyd
WRIGHT empezaba a ser conocido por los artistas y diseñadores Europeos. Éste acudía al diseño y
arquitectura Japonesa para obtener un modelo de armonía en la producción y poesía visual.
Wright fue una inspiración para los diseñadores que evolucionaban del Arte Nuevo
Curvilínea hacia la fase Rectilínea. Inspiración que toma Mackintosh en la Escuela de Glasgow
(Escocia) con piedra, hierro forjado y acero. En la misma, el Art Nouveau evolucionó a un estilo
más geométrico que combinaba intensas estructuras rectilíneas con elementos florales y
curvilíneos.
La Escuela de Glasgow (1875 – 1905) fue una escuela de arte que también hacía referencia
a un círculo de artistas modernos influyentes que desarrollaron el Art Nouveau en Escocia. En este
grupo se encontraban los arquitectos Mackintosh y McNair y las hermanas diseñadoras gráficas y
decoradoras de interiores, MacDonald, juntos conocidos como “los Cuatro Macs”
Este grupo desarrolló un estilo particular, épico y simbólico muy admirado en el

continente, especialmente en Viena, ellos definirán el estilo Art Nouveau en Escocia.
SEPARATISMO VIENÉS (Sezession – Austria 1897)
El Separatismo Vienés fue un movimiento contrario al Arte Nuevo Floral que prosperó en Francia
y Alemania. En su diseño gráfico, los vieneses preferían los letreros limpios y legibles de tipo sans-
serif que fluctuaban de gruesas losas planas a fluidas formas caligráficas.
En 1900 los artistas del Separatismo Vienés se inclinaron hacia las figuras planas con mayor
18
simplicidad. El diseño y el trabajo manual llegaron a ser más importantes, ya que esta
metamorfosis culminó con un énfasis en los modelos geométricos y la construcción modular del
diseño.
JUGENDSTIL (Art Nouveau Alemán)
El movimiento Jugendstil, significa “joven” y debe su nombre a la revista alemana Jugend

que oscilaba entre ser una revista de arte y un periódico de entretenimiento popular.
El primero en establecer y mantener un esquema de estilo tipográfico uniforme en todos

los aspectos fue el Periódico Literario llamado “Die Insel” (1899) cuyo asesor de diseño fue Peter
Behrens, uno de los mejores diseñadores de Jugendstil. Die Insel no estaba ilustrada, tenía
ornamentos y viñetas de diseño abstracto en todos los aspectos.
Sin embargo, la principal contribución alemana no fue Jugendstil, sino las innovaciones
que se desarrollaron como reacción al mismo después de finales de siglo XIX, pues arquitectos y
diseñadores, incluyendo a Eckmann y Behrens, fueron influenciados por los ideales del
movimiento de las Artes y Oficios, depurados del sentimiento medieval.
Behrens fue un innovador fundamental en la transición que va desde las sensibilidades

decorativas y florales del siglo XIX a las formas geométricas sencillas y funcionales del siglo XX.
Diseñó edificios, gráficas, productos, tejidos y muebles al desplazarse con facilidad de un
problema de diseño a otro.
En 1907 Behrens es contratado por una de las corporaciones más grandes del mundo en la
fabricación de artículos electrónicos: AEG, para que se hiciera cargo de todas las áreas de la
imagen visual de la misma.
Behrens es considerado el primer diseñador industrial. Sus artefactos fueron diseñados

como formas lógicas desprovistas de ornamentos, ya que creía que la belleza podía derivarse de la
comodidad. Esta reacción fue denominada “Nueva Objetividad”.
8. Desarrolle la situación de Alemania desde fines del siglo XIX y principios del siglo XX
(hasta el comienzo de la 1GM). Señale los cambios realizados con el diseño y la
industrialización. Aportes de Deutcher Werkbund y el protagonismo de Peter Behrens.
CONTEXTO (Situación Alemana)
Alemania era un país subdesarrollado cuando Gran Bretaña ya estaba muy desarrollado a
principios del siglo XIX. Sin embargo, a lo largo del siglo y hasta la primera guerra mundial,
Alemania fomentó la industria, y llegó a estar al nivel de desarrollo de Gran Bretaña.
19
La (segunda) revolución industrial trajo consigo muchas innovaciones tecnológicas.

Alemania dominaba la industria pesada en el proceso de industrialización. Nuevas invenciones
como el motor combustible, la locomotora eléctrica, el automóvil y nuevos avances en la química
situaron a Alemania a la cabeza del progreso tecnológico.
El estado potenciaba la educación, se invertía en la formación de técnicos y trabajadores

calificados para utilizar la maquinaria, además de infraestructuras como caminos, canales y
ferrocarriles.
No se puede dejar de lado el rol que juega la inversión en armas en el desarrollo alemán.
El estado invertía masivamente en tecnología armamentística. La construcción de buques de
guerra, de submarinos (U-Boot) y nuevos tipos de artillería pesada necesitaba grandes cantidades
de acero, material que había sido introducido en la denominada segunda revolución industrial.
Alemania se convirtió de un país subdesarrollado y agrario a principios del siglo XIX en país
plenamente industrializado y potencia económica y militar en el adviento de la primera guerra
mundial.
A raíz de la innovación tecnológica, la organización de la producción y la concentración

industrial, Alemania y EEUU desplazaron a Gran Bretaña del liderazgo mundial.
El crecimiento industrial de Alemania, obedeció al liderazgo en los sectores de la industria

química, eléctrica y siderurgia. Crecieron las industrias del hierro, del acero, la eléctrica, la química
y la de colorantes sintéticos.
JUGENDSTIL (Art Nouveau Alemán) 1896
Durante la última década del siglo XIX comenzó a desarrollarse en Alemania el movimiento
Art Nouveau, que adquirió el nombre “Jugendstil” que debe su nombre a la revista alemana
Jugend y significa “joven”
La principal contribución alemana no fue Jugendstil, sino las innovaciones que se

desarrollaron como reacción al mismo a principios del siglo XIX, pues arquitectos y diseñadores,
incluyendo a Eckmann y Behrens, fueron influenciados por los ideales del movimiento de las
Artes y Oficios, depurados del sentimiento medieval.
Behrens fue un innovador fundamental en la transición que va desde las sensibilidades

decorativas y florales del siglo XIX a las formas geométricas sencillas y funcionales del siglo XX. Se
desplazó con facilidad de un problema de diseño a otro.
AEG
En 1907 Behrens es contratado por una de las corporaciones más grandes del mundo en la
fabricación de artículos electrónicos: AEG, para que se hiciera cargo de todas las áreas de la
imagen visual de la misma.
20
Diseñó la imagen corporativa de la empresa, los edificios de sus fábricas y una serie
unificada y sistémica de productos eléctricos además de la famosa Nave de Turbinas AEG de
Berlín.
Behrens es considerado el primer diseñador industrial. Sus artefactos fueron diseñados

como formas lógicas desprovistas de ornamentos, ya que creía que la belleza podía derivarse de la
comodidad. Esta reacción fue denominada “Nueva Objetividad”.
A partir de la empresa AEG se define la postura racionalista para los objetos industriales.
Esto lleva a la formación de escuelas de Diseño Industrial que serán la base de todas las demás
(Bauhaus)
WERKBUND
A fines del siglo XIX en Alemania se dio un rápido progreso tecnológico gracias a la
estrecha relación entre las universidades y la industria. Por esta razón, envían a Londres al
escritor y crítico Herman Mathesius, para ponerse al tanto de las actividades en arquitectura y
diseño en Inglaterra. Esto le permitió conocer el trabajo de William Morris y sus seguidores.
Así es como en 1907 Hernán Muthesius funda la Deutscher Werkbund una importante
organización en la historia de la arquitectura moderna, del diseño moderno y precursora de
la Bauhaus.
Influenciado por la obra de Morris en el movimiento Arts & Crafts, crea una asociación
mixta de arquitectos, artistas e industriales. Mientras que el movimiento Arts & Crafts creía que la
artesanía era superior a la producción mecánica industrial, el Werkbund propugnaba que debían
conocerse las diferencias entre ambos y admitir la utilización de la máquina y del proceso
industrial.
Muthesius veía la simplicidad y la exactitud como una demanda funcional en la fabricación

mecánica, y como aspecto simbólico de la eficiencia del poder industrial del XX.
La intención era forjar la unidad entre los artistas y artesanos con la industria, para elevar
las cualidades funcionales y estéticas de la producción en masa.
El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción financiada por el estado
para integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de
poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los
Estados Unidos.
Entre sus características principales se encuentran: “Muebles prácticos, sin adornos, con
formas simples, pulidas y ligeras, cómodas. Nace la adecuación a la función y la sobriedad”.
Peter Behrens fue una figura capital en el establecimiento. Su defensa de una “nueva
objetividad” (la belleza podía derivarse de la comodidad) y sus teorías acerca de la proporción
21
tuvieron un impacto en el desarrollo del pensamiento de Gropius. La Bauhaus tomaría esta base,
permitiendo el nacimiento de la fabricación modular (en serie).
La ideología de Werkbund, de mantener la supremacía de Alemania como potencia,

influye en el nuevo cartel alemán y dio origen al Diseño Protomoderno que propugnaba:
simplificación de las obras y reducción de su grometría, terminar con el Art Nouveau, racionalismo
en la forma y tipificación en el diseño.
En Europa a partir de la experiencia de la empresa AEG, se define la postura racionalista

en el tratamiento que se da a la forma de los productos industriales. Esto llevará a la formación
de las primeras escuelas de Diseño Industrial: Bauhaus en Alemania y Vkhutemas en la Unión
Soviética, que serán la base de todas las escuelas de diseño industrial.
9. Desarrollar la escuela de diseño más famosa de Alemania en el período de entreguerras.

Relacionarla con su contexto histórico y sus distintas etapas. Desarrollar su método de
enseñanza y su relación con las vanguardias.
Contexto:
El período de entreguerras estuvo marcado por una profunda crisis económica y social, y la
reconstrucción civil de las ciudades involucradas en el enfrentamiento.
Lejos de terminar con los conflicos, hacia el final de la Primera Guerra Mundia, Alemania
enfrenta la llamada “revolución de noviembre” de 1918, que introdujo al cambio desde
la Monarquía constitucional del Kaiserreich alemán a una república parlamentaria y democrática.
En 1918 se firma el armisticio entre Alemania y los Aliados y en 1919 el Tratado de

Versalles, un tratado de paz con duras sanciones económicas a Alemania.
El desenlace formal de la revolución de noviembre ocurrió el 11 de agosto de 1919 con la

organización de una asamblea para la creación de la nueva Constitución de la República de
Weimar. Las debilidades de la nueva república permitirían el ascenso del Nazismo en 1933.
Bauhaus:
Ese mismo año (1919) Walter Gropius (arquitecto, urbanista y diseñador alemán) funda la
Escuela Superior de la Bauhaus, por la fusión de dos instituciones de enseñanza: la Escuela Superior
de Bellas Artes y la Escuela de Artes Aplicadas, fundadas por H. Van de Velde en Weimar en 1906,
época en que Alemania estaba en un periodo de gran efervescencia.
En sus principios, la Bauhaus rescata, nuevamente, la problemática de lo artesanal contra lo

técnico. Su respuesta final fue la producción en serie y la racionalización del trabajo.
22
La principal característica de esta Escuela Superior es la enseñanza revolucionaria y sus

talleres experimentales, cosa que no había pasado hasta ese momento en ninguna escuela.
Se desarrolla metodológicamente la enseñanza de la arquitectura, el diseño industrial y el

diseño gráfico.
Fue fundadora de una teoría y práctica del moderno mundo técnico.
La Bauhaus creó un estilo de diseño viable, moderno, que influyó en la arquitectura, el

diseño de productos y la comunicación visual.
Al disolver los límites entre las bellas artes y las artes aplicadas, trató de llevar el arte a una
cercana relación con la vida por medio del diseño, el cual se consideraba un vehículo para el
cambio social y una revitalización cultural.
La Bauhaus tenía dos objetivos centrales:
- Alcanzar una nueva síntesis estética, mediante la integración de todos los géneros del arte
y todas las ramas de la artesanía, bajo la primacía de la arquitectura.
- Alcanzar una síntesis social, mediante la orientación de la producción estética hacia las
necesidades de un amplio espectro de clases sociales.
El curso preparatorio:
La base fundamental de la educación de la Bauhaus era el curso preparatorio, que fue

dirigido por Johannes Itten en 1919/1920 como parte esencial del programa de estudios.
Curso Preparatorio – objetivo:

- Experimentación y el hallazgo personal
- Otorgaba calificaciones de partida según un sistema educativo objetivo.
- Liberar las habilidades creativas de cada estudiante para desarrollar un entendimiento de
la naturaleza física de los materiales y enseñar los principios del diseño, que son la base de
todo arte visual.
- Su metodología de la experiencia directa buscó desarrollar una conciencia de la
percepción, habilidades intelectuales y experiencia emocional.
El curso preparatorio fue después impartido por Moholy-Nagy y más tarde por .
Tras este curso, los estudiantes podían elegir talleres específicos como por ejemplo:
Tipografía, Cerámica, Metal, Pintura (al fresco y sobre superficies vidriadas), Carpintería,
Escenografía, Textil, Encuadernación y Escultura en madera.
23
Weimar fue la sede de la Bauhaus desde 1919 hasta 1925 que se trasladó al nuevo edificio
proyectado por Gropius en Dessau, en el cual se trabajaría siete años más (1932).
Bajo la presión de los nacional-socialistas se cerró la Bauhaus en Dessau, pero un pequeño grupo de
profesores y estudiantes prosiguió su actividad en los años 1932 y 1933 en Berlín.
La creciente persecución Nazi condujo a que muchos de los miembros de la facultad se unieran a
los artistas e intelectuales que huyeron hacia los EEUU. Este éxodo por el Atlántico iba a tener un
impacto significativo en el diseño estadounidense después de la 2ºGM.
Las 3 fases de Bauhaus:

1.Fundación (1919-1923) fase expresionista con Kandinsky y Klee
2.Consolidación (1923-1928) Moholy-Nagy y las influencias de De Stijl
3.Desintegración (1928-1933) Renuncia Gropius y asume Meyer
Primera Fase: 1919 – 1923 / Paul Klee y Kandinsky / Expresionismo
Fase de fundación.
- Período expresionista: el expresionismo es una de las primeras vanguardias del siglo XX. Surge en
Alemania en 1907. Fue un movimiento heterogéneo que defendía un
arte personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista,
la expresión, frente a la plasmación de la realidad. El arte ligado a la
expresión y no al concepto de belleza.
- Walter Gropius, su primer director, plantea como lema “Arte y artesanía, una unidad”.
- Los talleres eran un reflejo de la época medieval: maestro – oficial – aprendiz.
- El elemento pedagógico principal era el ya descrito curso preparatorio. Tras este curso, los
estudiantes podían elegir talleres específicos como por ejemplo: Tipografía, Cerámica, Metal,
Pintura (al fresco y sobre superficies vidriadas), Carpintería, Escenografía, Textil, Encuadernación y
Escultura en madera.
- Dos encargados estaban al frente de cada taller, un maestro de la forma (artista) y un maestro del
oficio (artesano)
- En el año 1923 ITTEN dejó la Bauhaus debido a un desacuerdo con el manejo de este curso. La
Bauhaus estaba evolucionando de un interés por el medievalismo, el expresionismo y la artesanía
hacia un mayor énfasis en el racionalismo y el diseño de máquinas. Así, se da paso a la segunda
fase de la Bauhaus: la consolidación.
Segunda Fase: 1923 – 1928 / Moholy-Nagy / De Stijl y Constructivismo
- Etapa de consolidación. Tipificación, racionalismo y producción industrial.
24
- El lema de Gropius pasó a ser “Arte y Técnica, una nueva unidad”
- A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad de

Behrens (Formas lógicas desprovistas de ornamentos. La belleza podía derivarse de la comodidad)
- La Bauhaus se fue convirtiendo en un lugar de elaboración de prototipos industriales. Dos de los

talleres de mayor influencia fueron el de Metal y el de Mobiliario.
- Itten deja la escuela y es suplantado por Moholy-Nagy, quien se hacer cargo del Curso
Preparatorio orientándolo hacia una economía en el uso de los materiales que tendía a conseguir
el máximo efecto con el mínimo esfuerzo, lo que condujo a las formas abstractas y geométricas.
Durante esta etapa fueron evidentes las influencias De Stijl y Constructivistas.
- Nueva estética característica de la escuela basada en el funcionalismo racionalista regido por

severas normas en la composición formal y el uso de la geometrizacion y los colores.
- Las ideas que fluían en abundancia de la Bauhaus impactaban la vida y el diseño de productos,
mobiliarios de acero y arquitectura funcional y la tipografía del siglo XX.
- En el año 1925 la Bauhaus se traslada a Dessau y en 1926 cambia su nombre a “ESCUELA

SUPERIOR DE LA FORMA”.
La tipificación, la normalización, la fabricación en serio y la producción en masa se convirtieron en

las directrices de su trabajo.
Tercera Fase: 1928 – 1933 / Meyer
- Etapa de desintegración.
- Gropius deja la Bauhaus y en su lugar Hannes Meyer es nombrado director en 1928. Conflictos con
las autoridades municipales lo obligan a renunciar en 1930.
- Período de mucha producción.
- Organizó los talleres entre Arte y Ciencia.
- Implantó la tendencia científica en el diseño con nuevos profesionales.
- Se incluyó un taller de Arquitectura, dividido en aprendizaje teórico y ejercicio de la construcción.
- Mies VAN DER ROHE, fue nombrado director. Afirmaba del diseño que “MENOS ES MAS”;
afirmación que se convirtió es una doctrina importante del diseño del siglo XX.
- En 1931 en Partido Nazi dominó el Consejo de la ciudad de Dessau y canceló los contratos de la
facultad de Bauhaus en 1932.
- Van Der Rohe trató de dirigir la Bauhaus desde una fábrica vacía de teléfono en Berlín, pero el
acoso Nazi hizo insostenible su continuación. La Bauhaus fue cerrada el 10 de agosto de 1933.
25
La creciente nube de persecución Nazi condujo a que muchos de los miembros de la facultad se
unieran a los artistas e intelectuales que huyeron hacia los Estados Unidos. Este éxodo por el
Atlántico iba a tener un impacto significativo en el diseño Estadounidense después de la Segunda
Guerra Mundial.
10. Desarrollar de manera abarcadora y detallada la escuela de Vkhutemas. Sus ideas

respecto al diseño y la enseñanza del mismo en el contexto social en que tuvo lugar. Dar
ejemplos y caracterizar sus producciones más relevantes.
VKHUTEMAS (1920)
En la unión soviética paralelamente a la experiencia Alemana de Bauhaus se funda

Vhutemas (Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado) que conforman una base
fundamental de las raíces del diseño industrial en este siglo; que tiene frecuentes convenciones con
la Bauhaus ya que surgieron casi al mismo tiempo y tuvieron un final parecido.
En Vkhutemas encontramos las teorías más consistentes sobre los objetos de diseño
industrial y los objetivos de esta profesión.
Para entender su desarrollo habría que analizar el contexto social en que se ubicó ya que
fue el nuevo estado soviético que había desplazado en régimen tradicionalista de los zares después
de la revolución de octubre (Revolucion Rusa de 1917), el que dio cabida al nuevo artista.
Las transformaciones económicas que originaron un rápido crecimiento de la población urbana
produjeron un creciente interés por la arquitectura y la producción de todos aquellos objetos
utilitarios necesarios para el ciudadano.
Con el fin de construir una nueva sociedad, Lenin impulsó la creación de Vkhutemas fueron
talleres superiores artísticos y técnicos del estado, creados por decreto de Lenin como marco de la
trasformación de la URRS. Esta institución planteaba un arte revolucionario ligado a la política,
planteando un arte utilitario.
Fue dirigido en un principio por Kandinsky junto a Malevich y otros que se inclinaron hacia
la interpretación psicológica de las reacciones provocadas por los medios de expresión artística.
La creación de estructuras abstractas como modelo para un arte revolucionario no cumplía con el
objetivo de realizar tareas utilitarias y beneficio social, por lo que Kandinsky renuncia a la dirección
y se suma a la Bauhaus como profesor.
El plan de estudios, con una duración de 5 años, incluía un curso introductorio y luego se
dedicaba a especializaciones como la pintura, arquitectura, escultura, textiles, cerámica, madera y
metal.
26
El diseño industrial fue desarrollado en el departamento de metalurgia y madera. Estos

talleres estaban bajo la dirección de Alexander Rodchenko. Preparaba a los alumnos del curso de
ingreso, enseñando los métodos de pensamiento analítico.
En los cursos superiores se enseñaba la síntesis de la forma y de la composición, es decir la

geometrización de los objetos o de la figura humana a través de la abstracción de las formas a
figuras simples (círculo, triángulo y cuadrado).
Al finalizar estos talleres, los alumnos pasaban al estudio de los materiales analizando a
profundidad todas sus características y aplicaciones. El siguiente paso, fue lograr convenios con los
sindicatos de obreros para que produjeran en masa sus productos.
Lo novedoso era la relación entre arte y técnica, la conciliación de la intuición con el

pensamiento científico riguroso. La imaginación y el ingenio llevaron a los alumnos a la creación de
objetos necesarios en la casa y posteriormente se implementó un programa dirigido a la
polifuncionalidad.
Los principios de economía, orden y belleza fueron el punto de inspiración para los
proyectos. De este modo, no solo se encargaban de generar nuevos objetos, sino que en ellos
lograban diversas funciones, facilidad de montaje y que estuvieran compuestos por elementos
unificados, estandarizados, intercambiables, permitiendo así una gran cantidad de combinaciones
y aplicaciones logrando una respuesta coherente en un contexto social lleno de carencias y
penurias
Una pieza fundamental, tanto en el desarrollo de estos talleres como en el surgimiento del
Diseño Gráfico profesional (URSS y el mundo occidental), fue “El Lizzitzky” que medió como
vehículo para establecer contacto entre los Vkhutemas y la Bauhaus a partir de 1937, con una
exposición de la Bauhaus en Moscú.
La educación artística en Vkhutemas tendía a ser multidisciplinaria, que se deriva de sus

orígenes como una fusión entre un colegio de bellas artes y una escuela artesanal.
También contribuye a esto, la generalidad del curso básico, que continuaba aún después de que los
estudiantes se especializaban y se complementó con un profesorado versátil.
Vjutemás cultivó maestros multiespecialistas, muchos con logros en la gráfica, la escultura,

el diseño de productos, y la arquitectura. Había pintores y escultores que solían realizar proyectos
relacionados con la arquitectura; los ejemplos incluyen:
- La Torre de de la tercera - Los Architektons de Malévich - Las Construcciones Espaciales de Ródchenko
internacional de Tatlin - Los Architektons de Malévich - Las Construcciones Espaciales de Ródchenko
27
Cuando Stalin asume al poder, debido a su incapacidad para entender la unión de las
nuevas expresiones artísticas con la producción, lleva por decreto en 1932 el “regreso de un
realismo academicista”.
Para Stalin, la variedad de asociaciones y organizaciones culturales suponían un peligro

social, por lo que decretó la disolución de todas, de este modo la producción rechazó entonces al
diseñador dejando nuevamente en manos del ingeniero la concepción del producto con las
consecuencias que años antes ya se visualizaban.
11. Comparar las dos escuelas de diseño paradigmáticas del período de entreguerras en
Europa. Comparar sus ideologías y estructura de enseñanza. Desarrolle el contexto en
que emergen cada una de estas escuelas. // Desarrollar y relacionar la escuela de
Bauhaus en Alemania y Vkhutemas en la Unión Soviética. Similitudes y diferencias.
Contexto social en que se desenvolvieron cada una.
En Europa a partir de las experiencias de empresas como la AEG se define la postura

racionalista en el tratamiento que se le da a la elaboración de los productos industriales. Esta
corriente desembocara en los años veinte en la formación de las primeras escuelas de Diseño
Industrial que serán la base de todas las demás: La Bauhaus alemana y los talleres Vkhutemas
soviéticos.
En relación con el contexto social en el que emergen, ambas surgen de conflictos sociales y
períodos de enfrentamiento ideológico:
 La conocida “revolución de noviembre” Alemania de 1918, que introdujo al cambio

de Monarquía constitucional del Kaiserreich alemán a una república parlamentaria y
democrática, tiene como desenlace formal la creación de la nueva Constitución de
la República de Weimar. (Donde se fundaría en 1919 la Bauhaus)
 La URSS, atraviesa la revolución rusa en 1917, “la revolución de Octubre” y es su nuevo
estado soviético el que desplaza al régimen tradicionalista de los zares y posiciona en un
nuevo lugar al artista. Los cambios políticos y sociales proporcionan el espacio ideal para la
conformación de los Vkhutemas.
Su surgimiento/fundación:
 La Escuela Superior de la Bauhaus es fundada por Walter Gropius en 1919, por la fusión
de dos instituciones de enseñanza: la Escuela Superior de Bellas Artes y la Escuela de
Artes Aplicadas.
 Los Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado, fueron creados por decreto de
Lenin como marco de la trasformación de la URRS en 1920.
En cuanto a sus concepciones ideológicas:
28
 Bauhaus:
- Producción en serie, tipificación y la racionalización del trabajo. Producción industrial.
- Segunda etapa: influencia constructivista, se orienta a la economía en el uso de los
materiales y la simplificación de las formas. Abstracción y geometrización.
- Tercera etapa: Tendencia científica en el diseño
- Diseño como un vehículo para el cambio social y una revitalización cultural.
- Alcanzar una síntesis estética, integrando todos los géneros del arte y la artesanía (bajo la
primacía de la arquitectura).
- Alcanzar una síntesis social, orientando la producción estética hacia las necesidades de un
amplio espectro de clases sociales.
- Relaciones dialécticas en sus distintas etapas: Arte y artesanía y Arte y técnica.
 Vkhutemas:
- Arte revolucionario ligado a la política.
- Arte utilitario, lo necesario para la sociedad.
- Síntesis de la forma y de la composición, geometrización, abstracción de las formas a
figuras simples (geométricas)
- Objetos multifuncionales, facilidad de montaje, estandarizados, intercambiables como
respuesta coherente en un contexto social lleno de carencias.
- Relación arte y técnica como conciliación intuición-pensamiento científico riguroso.
En cuanto a la estructura de enseñanza en cada escuela:
 Bauhaus:
- El curso preparatorio: - Experimentación y hallazgo personal
Itten / Moholy-Nagy / Albers - Calificaciones de partida según un sistema educativo objetivo
- Talleres Específicos: - Tipografía

- Cerámica
- Metal
- Pintura (al fresco y sobre superficies vidriadas)
- Carpintería
- Escenografía
-Textil
- Encuadernación
- Escultura en madera
- 3 Fases: Etapa de Fundación (1919-1923): - Kandinsky y Paul Klee

- Medievalismo, expresionismo y artesanía
- Gropius (director) “Arte y artesanía, una unidad”
- Talleres reflejo medieval: maestro – aprendiz
29
Etapa de la Consolidación (1923-1928): - Moholy-Nagy a cargo del Curso Preparatorio

- “Arte y técnica, una nueva unidad”
- De Stijl y Constructivismo
- Economía en el uso de los materiales.
- Abstracción y geometrización
- Tipificación, racionalismo, y producción industrial
Etapa de Desintegración (1928 – 1933): - Gropius > Meyer > Van Der Rohe
- Organiación de los talleres entre Arte y Ciencia.
- Tendencia científica en el diseño
- Periodo de mucha producción
 Vkhutemas (1920 – 1932):
Plan de estudios de 5 años: - El curso introductorio

- Especializaciones (pintura, arquitectura, escultura, textiles,
cerámica, madera y metal)
- Métodos de pensamiento analítico.
- Relación arte - técnica, como la conciliación intuición -
pensamiento científico riguroso.
- Fomentar la producción de objetos poli funcionales, de

facilidad de montaje, estandarizados e intercambiables
- Educación artística multidisciplinaria.

Docentes multiespecialistas y alumnos multifacéticos.
Ej. pintores y escultores que realizan proyectos arquitectónicos:

- La Torre de de la tercera internacional - Tatlin
- Los Architektons - Malévich
- Las Construcciones Espaciales – Ródchenko
La disolución de ambas escuelas se debe a razones similares:
 Bauhaus: En 1931 en Partido Nazi dominó el Consejo de la ciudad de Dessau y canceló los
contratos de la facultad de Bauhaus en 1932.
Van Der Rohe trató de dirigir la Bauhaus desde una fábrica vacía de teléfono en
Berlín, pero la persecución Nazi hizo insostenible su continuación.
La Bauhaus fue cerrada el 10 de agosto de 1933.
30
 Vkhutemas: Stalin, incapaz de entender la unión de las nuevas expresiones artísticas con
la producción, decreta en 1932 el “regreso a un realismo academicista”.
La variedad de asociaciones y organizaciones culturales suponían un peligro

social, por lo que decretó la disolución de todas.
La producción rechazó al diseñador dejando en manos del ingeniero la
concepción del producto.
12. Desarrolle la experiencia soviética desde 1917 en el marco de las creaciones

vanguardistas. Desarrolle el contexto político, económico y social. Relación con el diseño
gráfico e industrial.
Durante los años 1914 a 1918 se desarrolla la Primera Guerra Mundial que dejó a las
potencias involucradas debilitadas, produciendo severos cambios ideológicos y sociales de cara a
lo que sería la reconstrucción civil y social, y la recuperación de las economías locales. En este
mismo sentido se plantea una reconfiguración del mapa europeo, mientras que en ámbito
artístico aparece el término “vanguardia”: es un término militar que significa “ir adelante”.
Las vanguardias surgieron en el ambiente artístico, teniendo como principios la redacción

de un manifiesto, el desecho del pasado, la ruptura con el academicismo y la proyección de
nuevas maneras de concebir el arte y la cultura social. Eran una propuesta política y crítica de la
sociedad que planteaban una ruptura en todo aspecto.
Encuentra sus antecedentes en corrientes del Arte Moderno: expresionismo,

informalismo, simbolismo y realismo.
En 1917 la URSS que luchaba para el bando aliado se retira de combate por problemas
civiles internos; lo que más tarde daría como resultado la Revolución de Octubre donde el nuevo
estado soviético que desplazaría el régimen tradicionalista de los zares después dio cabida a una
nueva concepción de artista.
A la par, en 1917 se desarrolla el Constructivismo, una vanguardia soviética fundada en el

“Manifiesto Realista” que incorpora el maquinismo y el materialismo y pronto influenciará los
talleres Vkhutemas. Predominaba el dinamismo y los motivos abstractos, utilizaban formas
geométricas y lineales. Renuncia a la estética de la masa, reemplazándola por la estética de líneas
y planos.
Su abstracción geométrica tiene raíces en el suprematismo de Malévich.
Fue un gran aparato de reconstrucción social. El constructivismo fue difusor de las

propagandas revolucionarias Comunistas. Los artistas del constructivismo participaron en la vida
31
pública durante la Guerra Civil. Trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros
para el gobierno de la revolución bolchevique (Lenin) post-Octubre.
Entre los artistas más reconocidos se encuentran:

- Ródchenko: Construcción Espacial
- El Lissitzky: “Golpea a los blancos con la cuña roja”
- Vladimir Tatlin: Torre de la tercera internacional
- Malévich: Los Architektons
13. Desarrollar el impacto de las vanguardias artísticas en el campo del diseño europeo
durante el período de entreguerras. Mencionar tres casos relevantes y sus producciones.
Dar ejemplos.
Durante los años 1914 a 1918 se desarrolla la Primera Guerra Mundial que dejó a las
potencias involucradas debilitadas, produciendo severos cambios ideológicos y sociales de cara a
lo que sería la reconstrucción civil y social, y la recuperación de las economías locales. En este
mismo sentido se plantea una reconfiguración del mapa europeo, mientras que en ámbito
artístico aparece el término “vanguardia”: es un término militar que significa “ir adelante”.
Las vanguardias surgieron en el ambiente artístico y producen una explosión de la esfera

del arte. Son una respuesta a las turbulentas características del siglo XX. Eran una propuesta
política y crítica de la sociedad que planteaban una ruptura en todo aspecto. Gran influencia en la
vida cotidiana.
Las vanguardias surgen a partir de los primeros años del siglo XX. Las claves para que
emergieran son: Fin de la Belle Époque, expansión del colonialismo, creciente mecanización >
1GM y Revolución Rusa. Reconfiguración del mapa europeo, polarización ideológica,
debilitamiento de las democracias, crisis económica y social.
Entre sus principios encontramos la redacción de un manifiesto, el desecho del pasado,

la ruptura con el academicismo y la proyección de nuevas maneras de concebir el arte y la cultura
social.
Encuentra sus antecedentes en corrientes del Arte Moderno: expresionismo,

informalismo, simbolismo y realismo.
Las vanguardias pueden clasificarse en Positivas o Negativas.

Las vanguardias POSITIVAS o Constructivas: consideran que el arte es un factor de transformación
social. Ej: Futurismo, constructivismo, neoplasticismo, cubismo.
Las vanguardias NEGATIVAS: conciben el arte como crítico o desligado de la esfera política. Arte
como medio para representar sus inconformidades políticas, culturales, ideológicas y sociales (en
32
un contexto social de conflicto). La estética del pensamiento cobraba más importancia que la
capacidad artística. Ej: Fauvismo, surrealismo y dadaísmo.
positiva
1) CONSTRUCTIVISMO (1917 – URSS):
En 1917 la URSS que luchaba para el bando aliado se retira de combate por problemas
civiles internos; lo que más tarde daría como resultado la Revolución de Octubre donde el nuevo
estado soviético que desplazaría el régimen tradicionalista de los zares después dio cabida a una
nueva concepción de artista.
A la par, en 1917 se desarrolla el Constructivismo, una vanguardia soviética fundada en el

“Manifiesto Realista” que incorpora el maquinismo y el materialismo y pronto influenciará los
talleres Vkhutemas. Predominaba el dinamismo y los motivos abstractos, utilizaban formas
geométricas y lineales. Renuncia a la estética de la masa, reemplazándola por la estética de líneas
y planos.
Su abstracción geométrica tiene raíces en el suprematismo de Malévich.
Fue un gran aparato de reconstrucción social. El constructivismo fue difusor de las

propagandas revolucionarias Comunistas. Los artistas del constructivismo participaron en la vida
pública durante la Guerra Civil. Trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros
para el gobierno de la revolución bolchevique (Lenin) post-Octubre.
Entre los artistas más reconocidos se encuentran:

- Ródchenko: Construcción Espacial
- El Lissitzky: “Golpea a los blancos con la cuña roja”
- Vladimir Tatlin: Torre de la tercera internacional
- Malévich: Los Architektons
positiva
2) CUBISMO (1907 – Francia):
El cubismo surge en Francia y cambia la manera de presentar una pintura. El artista trataba la
naturaleza en términos del cilindro, la esfera y el cubo, abandonando las técnicas de
representación clásica, como la perspectiva, los planos que muestran profundidad, la tonalidad, y
el claroscuro.
No poseía ni fondo ni espacio y se dio la abstracción figurativa como resultado de la

descomposición y reconstrucción de un objeto en el plano. El primer cuadro cubista corresponde
a Pablo Picasso, quien elimina toda ilusión de profundidad, los elementos de la escena avanzaban
hacia delante quedando como apretados dentro de una caja.
33
El objetivo principal del cubismo era el de alejarse de la representación naturalista y

conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde
múltiples ángulos, intentando conseguir una cuarta dimensión.
Se considera que la fecha de inicio de este movimiento fue en 1907 con el cuadro de Las
señoritas de Avignon de Pablo Picasso. No puede considerarselo un cuadro cubista, pero sí
posibilita su desarrollo.
Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el
espectador y la obra de arte. El espectador debe observar y reconstruir la obra en su mente para
poder comprenderla.
La nueva estética se desliga completamente de la semejanza con la naturaleza, lo que

significa que la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. Esta
desvinculación de la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus
partes mínimas, y pintadas de forma geométrica. Esta abstracción figurativa no es casual, sino que
está muy estudiada y calculada, para permitir la recomposición mental de la figura.
El cubismo se dividió en 3 épocas:
La etapa analítica (1906/09), donde destaca Picasso, y se adopta una variedad de ángulos
visuales para alcanzar una visión total del objeto. Se elimina la perspectiva tradicional y la ilusión
tridimencional, sustituyéndolas por el espacio plano. Es el cubismo más puro y el de más difícil
comprensión. Es la auténtica la estética cubista, la creadora del nuevo lenguaje.
La etapa sintética o de collage (1912): donde destacan Picasso y Braque. Las obras se
componen de diferentes partes superpuestas –pintadas y a menudo pegadas en el lienzo– y se
caracterizan por colores más brillantes. Al contrario que el cubismo analítico, que fragmentaba
objetos en sus diferentes partes, el cubismo sintético intenta poner varios objetos juntos para
crear diferentes formas.
La etapa cezaniana: Algunos autores hablan de una etapa previa a la que denominan cubismo
cezaniano, caracterizado por sus formas identificables, que son reducidas a formas geométricas
puras. Se trata más de un protocubismo que una nueva estética.
Artistas más reconocidos y obras cubistas:
Picasso: Las señoritas de Avignon (1907), Mujer sentada en un sillón, Cabeza de mujer. El
Guernica. (1937)
Braque: Violín y Jarra (1910), Naturaleza muerta en mesa de árbol (1913)
34
negativa
3) DADAÍSMO (1916 – Suiza):
El dadaísmo surge en 1916 en Suiza, impulsado por Hugo Ball y Tristan Tzara. Se la considera
una vanguardia negativa ya que rechazaba las reglas del arte con crítica social.
Se caracterizó por: - Rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas

- Burlarse del artista burgués, de su tradición y su arte.
Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a

la escultura pasando por la pintura o la música.
El Dadaísmo suele ser una sucesión de palabras, letras y sonidos a la que es difícil
encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por
la constante negación.
Busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando

planos de pensamientos antes no mezclables, lo cual conlleva a la rebeldía o destrucción. El
movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona
la existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por definición, cuestiona el propio
Dadaísmo.
El Dadaísmo se manifiesta contra: la belleza eterna

la eternidad de los principios,
las leyes de la lógica
la inmovilidad del pensamiento.
El Dadaísmo propugna: la desenfrenada libertad del individuo

la espontaneidad
lo inmediato, actual y aleatorio
la contradicción
el caos (contra el orden)
la imperfección (contra la perfección)
La estética dadaísta niega: la razón, el sentido, la construcción del consciente.
Sus formas expresivas son: el gesto, el escándalo, la provocación.
El aporte permanente del Dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de

qué es el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser
cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo
artístico.
35
Artistas y obras más reconocidas:
Marcel Duchamp: Europeo refugiado político en EEUU. Da vida al Dadaísmo neoyorquino.

Su obra más representativa: La Fuente, 1917.
Hugo Ball: Y la creación del cabaret Voltaire como cuna del dadaísmo
Tristan Tzara: poeta y ensayista. Escribió los manifiestos del Dadaísmo: Primer manifiesto
Dadá (1918) y Siete manifiestos Dadá (1924)
14. Desarrolle el Fordismo y su contexto. Su importancia en el período de industrialización.

Ubicación temporal, geográfica y cultural
Hacia fines del siglo XIX, EEUU comienza a emerger como una potencia en desarrollo.
Tras la 1GM EEUU emerge, en 1919, como primera potencia mundial. Los países
involucrados en la guerra comienzan un proceso de reconfiguración y reconstrucción, al mismo
tiempo que EEUU se posiciona como potencia exportadora de los productos básicos que los
europeos necesitaban, así como también acreedor financiero en la reconstrucción de Francia e
Inglaterra. La potencia estadounidense es tal que la Bolsa de Nueva York desplazó a la de Londres.
Comienzan así los felices años ’20. EEUU había alcanzado un nivel de autonomía y
autosuficiencia mientras que en Europa la crisis económica y social era tajante. Corresponde a un
período de prosperidad económica que se vio reflejado, también, en la vida de la sociedad
norteamericana.
La prosperidad económica difundió en la sociedad un gran optimismo, así como el ansia de

disfrutar plenamente de la vida. Entre los cambios más destacados, aparece el nuevo papel de la
mujer en la sociedad. Su presencia fue muy importante en las fábricas durante la 1GM y la mujer
empezó a reclamar otro lugar en la sociedad.
Sus cambios se dieron hasta en la moda, mostrando un nuevo tipo de mujer, con la figura
estilizada, la pollera más corta y el pelo corto “a la garçon”. Se abría paso en los lugares de trabajo
y reclamaba la igualdad de derechos, logrando el derecho al voto en 1920.
La vida se hizo más confortable con la aparición de productos que facilitaban las labores
domésticas: aspiradoras, lavadoras, heladeras.
La publicidad, divulgada a través de impresos, carteles luminosos posibles gracias a la

introducción de la electricidad, o la radio impulsaba a la industria, fomentaba el consumo y
marcaba los dictados de la moda; así como también la imposición de nuevas necesidades. Se creó
así una cultura de masas.
36
El interés por divertirse determinó la proliferación de espectáculo y las distracciones. Una

nueva forma de expresión musical hizo furor en la época: el jazz. Se incrementó, también, la
concurrencia a espectáculos deportivos y el turismo.
Hasta 1929, Estados Unido conoció uno de sus más brillantes períodos económicos basado
en la producción en serie y el consumo de productos estandarizados. Con el dominio de nuevos
métodos de producción se obtuvo un bajo costo en la producción y un acelerado incremento en el
consumo.
La producción industrial estadounidense de la segunda década del siglo XX estaba regida

por el Taylorismo, que refería a la división de las tareas en el proceso productivo. Permitió ahorrar
tiempo y abaratar costos. (gracias al taylorismo surge el fordismo)
El “fordismo” (1908 – Ford T) que surge con bases inspiradas en el taylorismo, se refiere al
modo de producción en serie que llevo a la práctica Henry Ford; fabricante automotriz de Estados
Unidos. Este sistema supone una combinación de cadenas de montaje, maquinaria especializada,
altos salarios (“nueva consideración” acerca de la relación entre la empresa y los trabajadores) y
un número elevado de trabajadores en planta.
Las innovaciones de Ford produjeron un notable aumento de la productividad. Buscó

conciliar la producción en masa con el consumo masivo. Para ello, fabricó automóviles cada vez
más baratos y mejoró los mecanismos de distribución y venta. Utilizó hábilmente la publicidad
para fomentar el consumo e ideó métodos de venta.
Este modo de producción resulta rentable siempre que el producto pueda venderse a un
precio bajo.
El progreso económico y la prosperidad que se vivía en la sociedad llega a su fin el 24 de

Octubre de 1929 con la caída de la Bolsa de Wall Street, lo que supuso la búsqueda de una nueva
estrategia para el resurgir de la economía norteamericana.
15. Desarrolle la situación de EEUU en el período de 1920 a 1940. Describa el desarrollo del
diseño relacionado con los nuevos movimientos en diseño industrial y gráfico. //
Desarrollar el caso del Good Design en EEUU comparándolo con los desarrollos
anteriores del Styling, Describir sus producciones y contrastar ideas y posturas en
relación a la situación de cada contexto
El progreso económico y la prosperidad que se vivía en la sociedad llegan a su fin el 24 de

Octubre de 1929 con la caída de la Bolsa de Wall Street. El consecuente enfriamiento de la
economía, la producción y el consumo supuso la búsqueda de una nueva estrategia para el
resurgir de la economía norteamericana.
37
De esta manera, se puso en marcha el “New Deal” (1933-1938), una política

intervencionista de Roosevelt para luchar contra los efectos de la gran depresión y resurgir la
economía estadounidense por medio de la incentivación de las demandas del mercado.
Esta nueva política del “New Deal” es la que permitió el desarrollo del Styling, dándole un
nuevo enfoque al diseño.
El styling parece ser un movimiento, pero en realidad es un nuevo enfoque de diseño en

la producción. Comienza una etapa de resurgimiento económico y de diversificación en el
mercado. Mientras que el fordismo de manera estandarizada y racionalizada, el Styling introduce
la producción diversificada e introduce en el mercado productos -ya explotados- pero
modificados en su apariencia externa.
Se caracteriza por: - formas aerodinámicas; formas curvas; idea de velocidad (mundo en

- atractivo visual movimiento)
- colores y brillo
- objetos estéticamente bellos y sin ornamentación
- diversificación de productos
Fue promovido desde 1923 por General Motors para disputarle el mercado a Ford pero su
auge se da a partir del New Deal luego de la crisis del ’29. Es un factor principal en el proceso de
reconstrucción económica estadounidense.
En 1927 Alfred P. Sloan crea la sección Art and Color con el objetivo de impulsar el Styling.
Los nuevos modelos debían presentar “mejoras” ofrecer motores diversos, aspectos distintos y un
equipo diferente. El éxito se debió al trabajo en la forma exterior del producto, logrando atraer al
comprador gracias al atractivo de la apariencia formal.
El styling es considerado como la concepción capitalista del diseño. El diseño únicamente

formal de los objetos ya explotados es un atractivo con poca inversión que incita al consumo en
combinación con el desarrollo de publicidades persuasivas.
Los principales exponentes fueron:

Alfre P. Sloan: director de General Motors, la cuna del Styling
Loewy: que aseguraba que “lo feo no se vende” y creó la locomotora S-1, entre otros.
Bel Geddes: con diseños como el vehículo aerodinámico con forma de gota.
Dreyfuss: Reloj despertador big ben para la Westclox
Mientras tanto, la marea creciente de gobiernos dictatoriales en Europa, como el nazismo

alemán y el facismo italiano, originó la migración más grande de intelectuales y talentos
creadores. Muchos profesores y estudiantes de la Bauhaus emigraron tras el cierre de la escuela
en 1933, llevando a EE.UU sus enfoques en el diseño y la arquitectura.
Estos factores de fusión cultural y los avances tecnológicos facilitaron el desarrollo del
movimiento moderno en EEUU, que hasta la década del 30 no había encontrado apoyo.
38
Alrededor de los años 30 empieza a abrirse camino en Estados Unidos la idea de que
ciertos objetos producidos por la industria pueden ser considerados de “GOOD DESING”, es decir,
objetos que por su particular cualidad formal merecen ser considerados como ejemplares.
Esta estética de la máquina tiene muchas cosas en común con la “estética mecánica”
(propuesta en 1921 por Van Doesburg) que había tenido una influencia determinante en el
nacimiento del llamado estilo Bauhaus. En suma Good Design y estilo Bauhaus tienen la misma
matriz.
El Good Design o (modernismo en EEUU) se basa en lo se podría denominar un “estilo de

vida”. Encuentra su lógica en una sociedad ligada al consumo masivo, dirigido a una sociedad con
alto poder adquisitivo.
Los avances tecnológicos introdujeron nuevos materiales como cauchos sintéticos, PVC,
resinas, poliester, poliuretano, laminados. Con las nuevas tecnologías de los materiales delgados,
era posible lograr comodidad sin tener que volver a la tapicería decorada con flores de la clase
media baja. En EEUU el buen gusto “oficial” (el aspecto estadounidense no proletario en los
muebles) utilizó una mezcla de formas geométricas y esculturales.
Las características del “ASPECTO OFICIAL” eran: - LA comodidad

- el color
- la brillantez
- el orden
- la higiene
En 1937 nace la Escuela de Chicago, dedicada al diseño industrial en EEUU y dirigda por el
húngaro Moholy-Nagy. Pretendía revivir los conceptos de la Bauhaus, cerrada 4 años antes por el
nazismo. Tras quebrar en 1938, la escuela logró reabrir en 1939 como la “Escuela de Diseño” y en
tan solo dos años logró que sus alumnos consiguieran 17 patentes y numerosos premios y
reconocimientos. En 1944 un grupo de empresas le dio el apoyo necesario para que la escuela se
convierta en el “Instituto de Diseño”
En 1938 tuvo lugar una exposición de la Bauhaus en el MOMA (Museo de Arte Moderno
de NY) dedicada, sobre todo, a la era de Gropius (1919-1928)
16. Desarrollar el contexto de la década de 1930 en EEUU y Francia. Describir y relacionar los
movimientos o corrientes predominantes en cada país durante dicha época
EEUU
El progreso económico y la prosperidad que se vivía en la sociedad llegan a su fin el 24 de

Octubre de 1929 con la caída de la Bolsa de Wall Street. El consecuente enfriamiento de la
39
economía, la producción y el consumo supuso la búsqueda de una nueva estrategia para el

resurgir de la economía norteamericana.
De esta manera, se puso en marcha el “New Deal” (1933-1938), una política

intervencionista de Roosevelt para luchar contra los efectos de la gran depresión y resurgir la
economía estadounidense por medio de la incentivación de las demandas del mercado.
Esta nueva política del “New Deal” es la que permitió el desarrollo del Styling, dándole un
nuevo enfoque al diseño.
El styling parece ser un movimiento, pero en realidad es un nuevo enfoque de diseño en

la producción. Comienza una etapa de resurgimiento económico y de diversificación en el
mercado. Mientras que el fordismo de manera estandarizada y racionalizada, el Styling introduce
la producción diversificada e introduce en el mercado productos -ya explotados- pero
modificados en su apariencia externa.
Se caracteriza por: - formas aerodinámicas; formas curvas; idea de velocidad (mundo en

- atractivo visual movimiento)
- colores y brillo
- objetos estéticamente bellos y sin ornamentación
- diversificación de productos
Fue promovido desde 1923 por General Motors para disputarle el mercado a Ford pero su
auge se da a partir del New Deal luego de la crisis del ’29. Es un factor principal en el proceso de
reconstrucción económica estadounidense.
En 1927 Alfred P. Sloan crea la sección Art and Color con el objetivo de impulsar el Styling.
Los nuevos modelos debían presentar “mejoras” ofrecer motores diversos, aspectos distintos y un
equipo diferente. El éxito se debió al trabajo en la forma exterior del producto, logrando atraer al
comprador gracias al atractivo de la apariencia formal.
El styling es considerado como la concepción capitalista del diseño. El diseño únicamente

formal de los objetos ya explotados es un atractivo con poca inversión que incita al consumo en
combinación con el desarrollo de publicidades persuasivas.
Los principales exponentes fueron:

Alfre P. Sloan: director de General Motors, la cuna del Styling
Loewy: que aseguraba que “lo feo no se vende” y creó la locomotora S-1, entre otros.
Bel Geddes: con diseños como el vehículo aerodinámico con forma de gota.
Dreyfuss: Reloj despertador big ben para la Westclox
FRANCIA
Surge en el contexto de reconstrucción europea tras la 1GM. Se desarrollan, en paralelo,

“Los años locos”: después de la guerra, la gente comenzó a disfrutar la vida y el ocio. Creían que
40
no podría suceder nada peor que la 1GM. Es una época donde se estimulan los sentidos y se
valoriza el ocio como forma necesaria de la vida cotidiana. Electricidad. Boom de la radio.
Emancipación femenina.
El Art Decó recibió influencias del cubismo, de bauhaus, De Stijl, el suprematismo y

culturas egipcias-aztecas-mayas-orientales.
En el período de entreguerras se produce, por primera vez, la solución al problema del

ornamento. El Art Decó (1920-1939) surgió como reacción al exceso de elaboración del Art
Nouveau como estética nueva para celebrar el auge de la mecanización.
Una geometría aerodinámica en zigzag, moderna y decorativa, expresaban los deseos de

interpretar la era moderna de las máquinas y satisfacer la pasión por la decoración. Uso del
dorado. Estilo fino y refinado.
La principal característica: - uso de líneas definidas

- contornos nítidos
- formas elegantes y simétricas
- formas sintetizadas y geométricas
En la gráfica las tiopgrafías por excelencia fueron las pesadas, ideales para titulares. Se
representan mujeres cleopatrizadas, figuras de perfil, soles radiantes luminosos, hombres
musculosos, mujeres liberadas, que fuman. Se destaca la figura de coco channel y sus trajes para
la mujer masculinizada.
La simplicidad de los objetos hacía que fueran fácilmente adaptables a una producción en
serie de objetos menos refinados.
La obra principal es el edificio Chrysler de William Van Allen en 1930, con elegantes
fachadas de bandas de aluminio y coronado con una aguja con arcos.
17. Desarrollar el caso del diseño italiano, comparando el desarrollo del Bel Design en los
años de posguerra con las posteriores corrientes de antidiseño. Describir sus
producciones y contrastar ideas y posturas en relación a la situación sociocultural de
cada contexto.
Previo a la década del ’50, Italia se caracteriza económicamente por la contradicción entre
el Norte Industrializado y el Sur marcadamente Agrícola, y no dispone de una tradición histórica
de Diseño; sólo después de la 2ºGM comenzó la transición de la producción artesanal a la
elaboración industrial.
41
El diseño moderno, heredero de la Bauhaus y Vkhutemas junto con las vanguardias, se

consolida en la posguerra. Después de la 2º Guerra Mundial, se vuelve a un diseño masivo y
“oficial”. La fe en las máquinas y en la tecnología estaba en su punto más alto. La reconstrucción
va a depender del proceso industrial. A esto va a responder el diseño moderno.
En cuanto a antecedentes de diseño, sólo a partir de 1945 es posible hablar de “diseño

Italiano”, aunque en un principio fue fuertemente influenciada por el diseño norteamericano,
como las sillas de Eames.
Durante los años ’50 el diseño italiano, Bell Design, destacó en Europa. Resuelve
problemas de diseño y encuentra un equilibrio entre forma y función. Ej: Moto vespa. Vehículo
pequeño que supera a la bicicleta y responde a pequeñas ciudades. También la Máquina de
escribir “Lexikon 80”.
El Bel Design Italiano está marcado por innovaciones técnicas y creativas, que han
acabado tipificando algunas clases de productos. El tratamiento ingenioso de formas, materiales
y colores determina su imagen de manera decisiva. Los diseñadores tenían un profundo
conocimiento del mensaje lingüístico del objeto, la visualización de las funciones de uso y las
connotaciones simbólicas. El Bel Design se enfoca a un pequeño grupo de la población que dispone
de una gran parte de la renta nacional.
El tratamiento ingenioso de formas, materiales y colores determina su imagen de manera

decisiva. Los diseñadores tenían un profundo conocimiento del mensaje lingüístico del objeto, la
visualización de las funciones de uso y las connotaciones simbólicas. El Bel Design se enfoca a un
pequeño grupo de la población que dispone de una gran parte de la renta nacional.
Alberto Rosselli resumía esta influencia: “El diseño industrial de Estados Unidos es el fruto
de un sistema de libre competencia. En Italia, por lo contrario, la autentica naturaleza del diseño
surge de una relación armónica entre la producción y la cultura”. A finales de los años ‘40,Italia
había desarrollado ya un estilo de diseño caracterizado por un elegante modificación del estilo
aerodinámico norteamericano.
La Post-Guerra trajo un diseño basado en la tradición cultural artesanal, que sería un

movimiento dominante a nivel mundial durante décadas. A mediados de los ´60 comienza el
momento clave de los experimentos con materiales nuevos por parte de arquitectos y
diseñadores italianos, como los materiales sintéticos, que tomaron la delantera.
Inspirados en lo efímero del arte pop, el consumismo y el lenguaje de los medios de com.
Los movimientos de contracorriente de los ´60 son una reacción frente a la sociedad de
consumo, el modernismo y la mercadotecnia, que también se manifestaba en nuevos conceptos
del producto. En paralelo al movimiento Hippie en EEUU, se formaron diferentes grupos en
Florencia (Archizoom) y Milán (Superestudio) que pusieron énfasis en el estudio de las
necesidades de los individuos por sobre cualquier otra consideración y orientaron el diseño y la
producción a ello. También, expresa la esperanza de generar cambios individuales de conducta
mediante planteamientos esbozados.
42
Superstudio (Milán):
Fue un grupo arquitectónico italiano desarrollado entre los años 1966 y 1978. Enmarcado
en el antidiseño, se fundó en Florencia en 1966, en paralelo al grupo Archizoom. Estaba
compuesto por los arquitectos Adolfo Natalini, Piero Frasinelli y Cristiano Toraldo di Francia.
Opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la
arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio de las necesidades de los individuos por
sobre cualquier otra consideración. Inspirados en el Art Nouveau, el art déco, el pop-art y el
arte kitsch, realizaron una serie de diseños de tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad
y buen gusto del diseño anterior.
En 1969 Superestudio describió su obra bajo el lema “diseño como invención

(cuestionando la funcionalidad del diseño anterior) – el diseño como evasión (intento de escapar
de la vida cotidiana, poniendo fin al mito de la racionalidad)”
El “Sacco” (puf) está considerado como el producto típico de esta época: un asiento que
permite al usuario adoptar cualquier tipo de posición de reposo, ofreciendo así mucha libertad. Al
interpretar la manera informal de sentarse de la gente joven, pasó a ser el prototipo “Anti-
Design”
Archizoom (Florencia):
1966. Florencia. Archizoom considerado como iniciador del “Anti-Design”. Entre los
primeros miembros del grupo se encuentran Branzi y Deganello.
En 1968, año en que el movimiento europeo alcanzaría su momento culminante con los
Disturbios de Mayo en París, presentaron un proyecto bajo el lema “Conspiración Eléctrica”; la
meta de su actividad proyectual consistía en la destrucción del carácter “fetichista” de los objetos.
El grupo estaba en contra de la actitud consumista y en todo lo que fuese “chic”, de moda, el
diseño y la arquitectura.
Archizoom generaba objetos figurativos y vulgares, están presentes en ellos:

- La agresión
- El color chillón
- El modelo tosco
- La falta de razón
- La ausencia de moderación o modestia.
Los integrantes de este grupo querían demostrar cómo el racionalismo, llevado al

extremo, conducía a lo irracional e ilógico.
43
Aunque Archizoom se disolvió en 1974, influyó en las posteriores formaciones de Alchimia

y Memphis que resaltan el carácter divertido de las formas más que el funcional. Obras que hacen
referencia al Good Design burlándose de él y ridiculizándolo.
18. Desarrolle la escuela de ULM, y sus ideas respecto al diseño y su enseñanza. La postura
que toma en relación con el arte y las ciencias durante el directorio de Tomás
Maldonado en comparación con el de Max Bill.
La escuela de ULM se genera en un contexto de ocupación y desnazificación de Alemania

occidental, y la posterior guerra fría. Tiene un carácter abiertamente de izquierda y anti-nazi.
Recibe la influencia del “milagro alemán” de la posguerra en Alemania occidental,

generado por la reindustrialización y el Plan Marshall. El Programa de Recuperación Europeo,
que pretendía servir como base para la recuperación económica y social de los países europeos,
lejos de ser una ayuda desinteresada, fue una jugada para que, en los comienzos de la Guerra Fría,
Estados Unidos tuviera influencia sobre otros países para frenar la expansión del comunismo de
influencia soviética.
La Nación emprendió así el camino hacia el milagro económico, gracias al desarrollo de

los campos en los que el diseño industrial jugó un papel muy importante: la educación y la
producción. La escuela de ULM, en un principio, es apoyada por los estados nacional y regional y
por las empresas.
Antecedentes e influencias de la escuela: - Bauhaus

- Diseño vanguardista alemán Pre-Guerra
- Nueva Tipografía
- Arte concreto (conceptual – metodológico) Post-Guerra

- Escuela Suiza (gráfico – metodológico)
La escuela de ULM fue una escuela de diseño radicada en Ulm, Alemania. Fundada por
Inge Aicher-Scholl y Otl Aicher. Parte de la “Fundación Hermanos Scholl” para aportar a la
reconstrucción cultural de una sociedad destruida por el nazismo y por la 2GM.
En 1946 Igne Scholl y Otl Aicher comienzan a concebir la idea de crear una escuela de artes
según el modelo de la Bauhaus, por lo que crean crea la Fundación Scholl, en memoria de Sophie
y Hans Scholl, hermanos y cuñados de Inge Scholl y Olt Aicher, respectivamente.
Y entre 1950 y 1953 comienzan a discutir el programa y convocar a ex profesores y

alumnos de la Bauhaus, junto con otros artistas y en 1953 Max Bill, primer director, comienza a
dictar el primer curso.
44
1953. Max Bill, su primer director, comienza a dictar el primer curso.
1955. Se concluye el edificio y comienzan a dictar las clases a gran escala.
1956. Max Bill renuncia como director y asume Tomás Maldonado.
1963. El estado regional evalúa el fin del subsidio de la escuela.
1968. La escuela, ahogada financieramente, cierra sus puertas.
La organización pedagógica de la escuela contaba con:
- Curso inicial: 1 año

- Especialización: 3 años, a elegir entre: Diseño de producto, Arquitectura (construcción
industrializada), Comunicación Visual, Información y Cinematografía a
posteriori.
- El último año de especialización era la tesis.
Principalmente basan su ideología en tres puntos: la utilidad a la funcionalidad en relación

con los requisitos ergonómicos, la armonía entre el diseño y la nueva tecnología industrial, y por
último se creía en el desarrollo de la imagen total de la empresa.
En los primeros años de funcionalismo y orientación estética formal, y con la dirección de

Max Bill (1953-1956), la didáctica de la escuela estaba orientada según los principios de la
Bauhaus, donde el diseñador tenía un perfil más artista que científico. Producciones de formas
honestas, no de invenciones para incrementar las ventas de productos de carácter inestable,
sujeto a la moda. “La forma sigue a la función” > periodo de la Gute Form
Max Bill basa su orientación metodológica a partir del racionalismo y de que todo objeto
complejo debía poder explorarse y entenderse mediante el análisis, la intuición y la deducción,
siempre que se descomponga en sus partes y se reduzca a sus elementos básicos.
El obejtivo de la escuela era formar diseñadores para la industria de bienes de consumo y

de producción, siendo la búsqueda de lo racional de formas y construcciones estrictas y austeras
lo que determinaba el pensamiento de la escuela.
Características/Estilo gráfico: - racionalismo

- funcionalismo (“funcionalismo ulm” la categoría de estilo)
45
- simplicidad formal
- división del plano en módulos
- utilización de grilla
- composiciones armónicas
- ritmo y equilibrio – desequilibrio (formal y cromático)
- integración la fotografía a la composición
de manera objetiva.
En 1956 Max Bill deja la institución y Tomás Maldonado (1956-1968) lo suplanta en su rol
de director. Como efectos de la partida de Bill, cambió el Plan de Estudios y el planeamiento
didáctico del curso fundamental.
Maldonado incorporó nuevas disciplinas científicas y técnicas como la biónica, la
ergonomía, la semiótica y la metodología, que posteriormente fueron esenciales en los planes de
estudio de muchas de las escuelas de diseño contemporáneo.
Un ejemplo de la aplicación de las disciplinas científicas aparece en el departamento de
Comunicación Visual: hace foco metodológico, de análisis y desarrollo de modelos de
comunicación apoyándose en teorías de sistemas, semiótica y estudios de la comunicación.
A mediados de la década del 50 Gugelot y Aicher, hacen una aporte decisivo en la

elaboración de la línea de los productos de la firma Braun que lo diferencia de su competencia y lo
destaca y posiciona en el mercado. Se desarrolla así el “estilo Braun” también conocido como
“estilo ulm”:
Síntesis formal que eliminaba todos los detalles innecesarios y se centraba en
ordenar los elementos esenciales, esto se refleja también en el color casi invariablemente blanco
y negro. En los diseños de Braun cada uno de los elementos estaban equilibrados y unificados.
Las líneas nítidas, solidez y estabilidad, daban una fuerte sensación de orden.
El estilo Braun constituye un formidable banco de prueba para la concepción de la Gute Form,
como alternativa al Styling.
Contexto en Arg: creación de Universidades e Institutos
Las disputas internas sobre la dirección de los planes de estudios se hicieron cada vez más
profundas hacia mediados de la década de 60. La crisis interna se profundizó cada vez más,
situación que provocó el recorte final del presupuesto por parte del estado regional de Baden-
Wurttenberg. La dedición fue inevitable: a partir de septiembre de 1968, la HfG institución fue
cerrada e integrada posteriormente a la universidad de Stuttgart.
46
19. Desarrollar en profundidad la situación del diseño en EEUU en el contexto social de la

posguerra (2° GM). Dar ejemplos y caracterizar sus producciones más relevantes //
Desarrollar el Arte Pop y relacionarlo con su contexto histórico. Ideas y posturas en
relación al arte y la sociedad. Repercusión en el campo del diseño. Dar ejemplos y
Los bebés nacidos en el “baby boom” de la posguerra son jóvenes en la década del ’60 y
van a ser protagonistas de la Revolución Cultural > ideas y valores que tienen a los jóvenes como
protagonistas
El término “Pop Art” fue acuñado en Inglaterra por el crítico Alloway quien en 1954 la
utilizó por primera vez para referirse al arte que representaba la cultura de masas. Es la
abreviación de “Popular Art”: arte popular. Se inspira en la forma de vida norteamerica, así, EEUU
se siente identificado y lo toma como propio.
Es un movimiento, no una vanguardia puesto que no tiene manifiesto. Junto con la 2GM
terminan las vanguardias (la última fue el expresionismo abstracto). Surge a mediados de la
década del 50 casi en paralelo en Inglaterra y EEUU.
Los artistas introducían en el contexto de una obra de arte, recortes de elementos de

circulación masiva que antes no se creían aptos para la misma.
Las obras estaban constituidas por imágenes precedentes de la iconografía propia de una
sociedad industrial y urbana, como el cine, la publicidad, el cómic y la música.
El Arte Pop es la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, el

capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados
como productos en serie.
Se da en un contexto de sociedad de consumo. La prosperidad de la década del ’60 dio

lugar a la llamada “sociedad de consumo” caracterizada por la demanda masiva de bienes y
servicios que hasta entonces eran considerados de lujo.
Con la sociología y la psicología se desarrollaron técnicas de investigación de mercado, así

surgió el Marketing: un conjunto de técnicas destinadas a orientar las demandas de los
consumidores. Conjuntamente con la publicidad, el marketing desarrolló técnicas de
manipulación de la opinión pública con el objeto de promover el consumo.
El diseño comenzó a cumplir una función económica dándole un valor agregado a los
productos.
Características: Color, repetición, objetos de consumo, sociedad de consumo y cultura de

masas
47
El collage fue una técnica muy usada durante el movimiento Pop Art. Alrededor de los
años 40 se realiza el collage con materiales procedentes de las revistas ilustradas donde aparece
el repertorio iconográfico del Pop Art, con la mujer despampanante, la botella de Coca-Cola o los
anuncios de alimentos. De esta forma, los elementos mostrados se convertirían en símbolos de
estatus social.
El Arte Pop es un fenómeno complejo que esconde, bajo la apariencia banal,

manipulación de las imágenes comerciales, una actitud crítica hacia los valores de la cultura de
masas.
En 1957 Hamilton describía al nuevo arte como: “efímero, popular, barato, en serie, joven,
ingenioso, sexy, artificioso, encantador y un gran negocio”.
En Estados Unidos, uno de sus máximos exponentes es Andy Warhol. Saltó a la fama por
representar la Sopa Campbells (1968), un objeto que podía encontrarse en una góndola era
ahora arte. Representa objetos de consumo masivo, celebridades de Hollywood, pintorescos
personajes urbajos, entre otros. Al hacerlo, manifiesta a la sociedad y representa, a la vez, un
producto. Una de sus obras más famosas es la representación del rostro de Marilyn Monroe.
Entre 1963 y 1968 funcionó The Factory, un estudio de arte que fundó Andy Warhol para
producir sus obras. De la misma manera en que las fábricas producían sus productos de consumo,
él reproducía en masa y en cadena sus obras en serigrafía.
Warhol pretendía eliminar de la obra de arte cualquier traza o signo de manualidad;

muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo.
Otra renombrada figura es Roy Lichtenstein quien magnificó cuadros de historieta. Se

caracteriza por los colores saturados, las fuertes líneas y los marcados puntos de impresión
(efecto generado por la impresión sobre papel barato. Los puntos de impresión eran grandes para
que no reventara el papel). “Whaam” 1963 | “Beso” 1964
En 1968 el “New York Time” anunció la muerte del ARTE POP y a los pocos meses uno de
los símbolos originales de aquella era también había desaparecido: el estilo de vida del arte Pop.
20. Desarrollar con amplitud el movimiento de la psicodelia y relacionarlo con su contexto

histórico y social. Describir su repercusión en el campo del diseño.
protagonistas
48
Psicodélico es una palabra de origen griego que significa “algo que hace visible la mente”.
La explosión psicodélica se manifestó públicamente en la primera mitad de los ´60 a través de la
utilización de sustancias que modifican la percepción humana: las drogas. EL Cannabis
(marihuana) y sobre todo el LSD comenzaron a ser usados de modo indiscriminado y se integraron
a la cultura.
Fue la época del “Rock ácido de California”, de la psicodelia londinense, los “Acid Test”
(testeo de ácido), de la histeria de los gobiernos al ver cómo los jóvenes y otros no tanto, se
convertían en “delincuentes”.
El arte psicodélico estaba lleno de colores, vibración visual y arte óptico. A menudo se
utilizaba la letra como imagen.
Las artes visuales estuvieron subordinadas a la música psicodélica, especialmente la

música pop que fue la más difundida. Posters de conciertos, portadas de discos, shows de luces,
murales y cómics, se usaron para representar patrones caleidoscópicos, y recibían todo tipo de
interpretaciones en clave de sentimientos revolucionarios inspirados por esos estados alterados
de conciencia.
Características usuales del arte psicodélico:

 Patrones caleidoscópicos, fractales o inspirados en los diseños persas conocidos en inglés
como paisley pattern.
 Colores brillantes y / o altamente contrastantes.
 Extrema profundidad de detalle o estilización del detalle.
 Mutación de objetos y/o patrones y algunas veces collage.
 Inclusión de motivos fosfénicos y otros fenómenos entópticos.
Un claro antecesor del arte psicodélico fue el movimiento surrealista en su intento de

reflejar y crear imágenes y experiencias fantásticas y alucinatorias.
21. Analice la posmodernidad. Sus primeros pasos en la arquitectura y el surgimiento de

nuevas posturas frente al diseño en los años ’70 y ’80.
protagonistas.
Las anteriores generaciones (con sus expresiones artísticas y hechos históricos)

funcionaron como un puente para la una nueva generación:
49
Generación posmodernista (1970 en adelante):

- Se anulan los grandes relatos (revolución francesa, guerras mundiales, etc.)
- Sólo importa el relato de cada individuo
- Con el individualismo nace una nueva concepción de la sociedad: se abandonan los grupos de
personas, cada uno hace lo que quiere sin ninguna organización colectiva
- Hay una separación de los comportamientos sociales y una multiplicidad de visiones.
- La postmodernidad forma una corriente ecléctica en donde toda vale. Se toman a elección libres
herramientas, técnicas, tradiciones populares, ideales, etc. y se usan para producir un “todo”
nuevo.
- En la posmodernidad no se producen manifiestos.
- Hay un racional racionalismo, donde la forma ya no sigue la función, sino que la forma sigue a la
diversión.
- La primera manifestación artística del posmodernismo se dio en la arquitectura en EE.UU.

usando y mezclando materiales, estilos, asimetrías, sin formas puras, con ornamento.
- El posmodernismo el rechazo del brutalismo y el International Style asociados con Le Corbusier y

su sustitución por un estilo alusivo y ecléctico que alude en una suerte de pastiche caprichoso o
paródico a estilos anteriores.
- En el diseño industrial (primero grupos de diseño radical y contra-diseño) hubo dos etapas: una
subversiva, y otra donde se trabajo con la forma absoluta, diseños originales a veces simbólicos
con formas blandas.
- En este ámbito se destacaron el Grupo Memphis y el Studio Alchimia. Estos grupos hacían uso
de las nuevas tecnologías para la creación de sus productos, pero estaban en contra de la pro-
ducción en masa.
Los diseños eran de carácter subversivo, ya que estaban en contra de los cánones establecidos.
En el diseño grafico, los primeros indicios de esta generación se dieron en Suiza, Londres y EE.UU.
- Hubo dos corrientes: una retro inspirada en el art deco, y otra informática, suministrada de
nueva tecnología (PCs), dando una nueva visión.
- Se destacaron el grupo Pentagram (1962), de simbología y originalidad. Propone un libre diseño

basado en la simbología y en la originalidad del diseño (Alan Fletcher, Collin Forbes y Bob Gill).
- Grapus (1970), de Francia. Era un grupo muy politizado de ideología comunista. Aparece la
tipografía digital de la mano de diseñadores como Mattew Carter, Rubén Fontana y Eric
Spiekermann. y el grupo Grapus (1970), comunista libre de reglas.
50

Panorama - Preguntas de Finales Respondidas

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PANORAMA HISTÓRICO Y SOCIAL DEL DISEÑO

2. Desarrollar el surgimiento de la imprenta en el contexto del Humanismo, y los

4. Desarrollar las transformaciones sociales y culturales ocurridas por el impacto de la

5. Desarrolle los acontecimientos que desencadenaron la Rev. Francesa en el s XVIII (1789).

9. Desarrollar la escuela de diseño más famosa de Alemania en el período de entreguerras.

12. Desarrolle la experiencia soviética desde 1917 en el marco de las creaciones

14. Desarrolle el fordismo y su contexto. Su importancia en el período de industrialización.

20. Desarrollar en profundidad la situación del diseño en EEUU en el contexto social de la

23. Desarrollar con amplitud el movimiento de la psicodelia y relacionarlo con su contexto

24. Analice la posmodernidad. Sus primeros pasos en la arquitectura y el surgimiento de

1. ¿Cuál es el papel de la antigüedad clásica en la concepción del arte y el diseño durante

Mucho de lo que se conserva y conoce de la cultura clásica es gracias a que fue

La tradición clásica es concebida como la herencia cultural del mundo grecorromano a la

de representación didáctico o promocional, sino que ahora se la representa de manera mundana:

El QUATTROCENTO: que se desarrolló durante el siglo XV en Florencia. Los artistas

2. Desarrollar el surgimiento de la imprenta en el contexto del Humanismo, y los

al clero y a los estudiosos. Mediante el sistema xilogáfico tambien se confeccionaban panfletos,

En un contexto de humanismo latente, con el hombre como centro y ser razonable y la

La invención de la imprenta ayudó a eliminar barreras que obstaculizaban la comunicación

Avances en el diseño tipográfico:

ITALIA (siglo XV)

 Jenson: Caracteres de tipo Romano. Venecia , siglo XIV (pre Manuzio)

 Manuzio: Creador de la primera tipografía cursiva llamada Itálica.

FRANCIA (siglo XVI – edad de oro de la tipografía Francesa)

 Garamond: alfabetos basados en la tipografía Itálica. Armonía en los trazos. Se exporta a

 Bodoni: Tipo de letra romana, refinada y rigurosa

Características principales: el sentido del movimiento, los contraluces, la teatralidad de las

Pintura: variaciones de luz y color.

Escultura: se exageran las formas y expresiones y se busca el movimiento y la agitación.

Arquitectura: líneas curvas, dinamismo, elementos decorativos, columnas retorcidas.

En decoración, se caracterizó por una ornamentación basada en arabescos, conchas marinas,

El rococó se desarrolló más en la decoración de interiores.

Es producto de la revisión de modelos sociales, económicos y políticos de Europa, es un

En escultura (reposada y fría) recupera autonomía y adquiere un carácter simbólico,

4. Desarrollar las transformaciones sociales y culturales ocurridas por el impacto de la

La revolución industrial es un proceso de transformación científica y tecnológica que produce

La primera revolución industrial introdujo la máquina de vapor gracias a la existencia de minas

-El barco de vapor revolucionó la navegación

La revolución cambió la concepción y percepción del tiempo y el espacio. El tiempo era

El desarrollo industrial marcó fuertemente la distinción de clases entre empresarios-

5. Desarrolle los acontecimientos que desencadenaron la Rev. Francesa en el s XVIII (1789).

ILUSTRACIÓN/ILUMINISMO -> SIGLO DE LAS LUCES XVIII

Algunos de los filósofos que estaban a favor de ciertas libertades era:

La ilustración o iluminismo dio origen al Enciclopedismo, y ambos son el antecedente

Se disuelve la Asamblea Representativa y le da lugar a La Convención, que proclama la República

Como consecuencias cae el absolutismo monárquico y se eliminan los privilegios. Se impulsó la

El neoclasicismo, que representa la sencillez y la armonía de lo clásico y se imponía a través

1789 nace la caricatura como forma de protesta y denuncia

6. ¿Cuáles fueron los principales acontecimientos sucedidos en Inglaterra a mediados del

S. XIX: Siglo de transformaciones en las Artes Visuales.

La revolución industrial es un proceso de transformación científica y tecnológica que

ornamentado de forma industrial desembocó en la utilización de materiales más económicos. Los

Morris se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, renegando de las

Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura,

Morris organizó un grupo de intelectuales y artistas y en 1861 funda la empresa

LA ESTILIZACIÓN EN LOS DISEÑOS ABRE EL CAMINO HACIA EL ART NOUVEAU

7. Desarrollar el modernismo y sus manifestaciones en los distintos países entre 1880 y

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística

El Art Nouveau es un movimiento de transición entre el historicismo-eclecticista y el

El Art Nouveau es el estilo de transición que se desvió del historicismo que

Es un estilo decorativo que involucra a la arquitectura, el diseño de mobiliario, el

Su expansión internacional fue posible gracias al avance de la tecnología, las comunicaciones

En términos gráficos, la ley de libertad de prensa Francesa de 1881 suprimió la censura y