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UNIDAD

ARTE BARROCO
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3.3. La pintura
En España, al igual que en los demás países católicos, los temas religiosos fueron los más importantes para
fomentar la devoción del pueblo, como propaganda de la Contrarreforma iniciada en el Concilio de Trento. Se
explotaron los temas más dramáticos de la vida de Cristo, la Virgen o los santos, para conmover a los f eles,
siguiendo siempre una estética naturalista. Los temas mitológicos, alegóricos o inspirados en la historia
grecorromana sirvieron para exaltar el poder de las monarquías y de la aristocracia, al tiempo que los temas de
género, esto es, escenas populares y cotidianas de carácter costumbrista, retratos, paisajes y bodegones tuvieron
gran desarrollo. Variantes de los bodegones fueron los vanitas, que a partir de la idea de la vanidad humana
ref exionan sobre lo efímero de las ambiciones mundanas ante la suprema realidad de la muerte, invitando a los
f eles a llevar una vida piadosa.

La pintura española del siglo XVII presenta las siguientes características:


● Predominan de los temas religiosos llenos de emotividad y dramatismo, encargados por la Iglesia católica
para fomentar la devoción del pueblo y los ideales contrarreformistas. También fueron numerosos los
retratos y los bodegones, los temas mitológicos e históricos, demandados por la corte y la aristocracia.
● Se emplean sistemáticamente formas naturalistas y recursos efectistas, como las composiciones
diagonales, escorzos y movimiento, para que los cuadros fuesen comprensibles por el espectador y atrajesen
su atención.
● En un primer momento cobra gran importancia el tenebrismo de Caravaggio, para pasar luego al color y la
pincelada suelta por inf uencia de la pintura veneciana y de Rubens, así como de los pintores italianos del
Barroco decorativo (Pietro de Cortona, Andrea Pozzo, Luca Giordano, etc.).
Agrandes rasgos, cabe señalar que durante el primer terciodel siglo XVII predominó el naturalismo tenebrista,
mientras que desde el segundo tercio se extendió el Barroco decorativo.
Podemos estudiar los principales pintores de esta etapa (por un lado, Ribera; por otro, Zurbarán, Murillo y
Valdés Leal; por último, Velázquez) según las regiones (Valencia, Andalucía y Madrid).

El Barroco decorativo es una pintura monumental que se manif esta en los grandes frescos que recubren las
bóvedas de iglesias y palacios, y en los grandes cuadros de altar de las iglesias, como expresión triunfalista del
poder de la Iglesia católica y de la monarquía. Está inf uida por la pintura de bóvedas de Miguel Ángel (1475-
1564) y de Annibale Carracci (1560-1609), y es una pintura escenográf ca y teatral destinada a deslumbrar y
sorprender al espectador a base de efectos ilusionistas y trampantojo(trompe l´oeil) o engaño visual que prolonga
falsamente los límites físicos, usando arquitecturas f ngidas que encuadran las escenas (quadratura), perspectivas
vistas de abajo arriba (sotto in sú), composiciones diagonales, f guras en escorzos violentos y cielos inf nitos en los
que se mueven los personajes como si volaran, produciendo una sensación de majestuoso espectáculo.

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Andalucía
Francisco de Zurbarán (1598-1664). Aunque extremeño de origen, destacó en Sevilla, donde es el principal
representante de la pintura andaluza. Trabajó durante los dos primeros tercios del siglo XVII y se caracterizó por
sus composiciones sencillas y ordenadas, sus f guras monumentales
y serenas, de movimiento contenido, y su tendencia a las formas
geométricas cuyo volumen viene dado por la luz.
Las primeras obras de Zurbarán fueron tenebristas e inf uidas por
Caravaggio, hasta que su viaje a Madrid en 1634 fue aclarando su paleta,
haciendo su pintura más colorista. En su obra destacan los cuadros
de monjes, llenos de sobriedad y misticismo, donde plasma la vida
sencilla y recogida de estos religiosos, como San Hugo en el refectorio
de los Cartujos (1635). Pinta también numerosos cuadros tenebristas
de santas, donde las protagonistas aparecen ricamente vestidas en un
ambiente de recogimiento y serenidad, como Santa Margarita (1631) o
San Hugo en el refectorio de los Cartujos, de Zurbarán.
el más tardío Santa Casilda (1642), dotado de mayor colorido. (Wikimedia Commons)
Son famosos los bodegones de Zurbarán, sencillos y de
pocos objetos, tratados con gran realismo, que debían servir para
ref exionar sobre la vanidad del mundo; en ellos se aprecia el
interés del pintor por las distintas calidades de las cosas. Utiliza
la técnica tenebrista, como el titulado Tazas y vasos (1633),
del Museo del Prado, donde aparecen una copa y tres jarrones
alineados sobre una mesa y destacando del fondo oscuro.
Para la corte, Zurbarán pintó algunos cuadros de temas
mitológicos y batallas destinados a decorar el Salón de Reinos Tazas y vasos, de Zurbarán. (Wikimedia Commons)
del Palacio del Buen Retiro, a partir de los encargos hechos por el rey Felipe IV para exaltar los triunfos españoles
en la guerra de los Treinta Años, como son La defensa de Cádiz (1634) o la serie de cuadros titulada Los trabajos
de Hércules, que debían ser un ref ejo de los triunfos españoles en dicha guerra.
Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682). Pintor sevillano que vivió durante buena parte del siglo XVII, es el
más popular de los pintores barrocos españoles. Inf uido por Ribera y Van Dyck, abandonó el tenebrismo propio
de la escuela sevillana de la primera mitad del siglo XVII, por una pintura de pincelada suelta y colores cálidos, con
gran riqueza cromática de movimiento y escorzos,
inf uida por Rubens y por los pintores italianos del
Barroco decorativo.
Las obras de Murillo representan temas religiosos
y escenas de género, tratando de fomentar con
sus imágenes sagradas la devoción popular, con
personajes femeninos e infantiles llenos de gracia y
ternura, rechazando los temas dramáticos y buscando
siempre plasmar el lado amable y sentimental de la
vida. Entre sus obras destacan la Sagrada Familia del
pajarito (1650), la Inmaculada Concepción (1665), El
Buen Pastor (1660) o Niños comiendo melón y uvas
(1646). Niños comiendo melón y uvas, de Inmaculada Concepción, de Murillo.
Murillo. (Wikimedia Commons) (Wikimedia Commons)

J uan de Valdés Leal (1622-1690). Es otro pintor sevillano cuya obra expresa dinamismo y violencia, interés
por lo expresivo y cruel, lo tétrico y lo macabro. Empleó una técnica tenebrista y de pincelada suelta para ref ejar,
mediante imágenes, las enseñanzas pesimistas de la literatura ascética del desengaño. Sus obras más famosas
son Finis gloriae mundi (El f n de las glorias mundanas) e In ictu oculi (En un abrir y cerrar de ojos). Las pintó en
1672 para la iglesia del Hospital de la Caridad de Sevilla; su asunto macabro alude al tema de la vanitas o vanidad
humana y amonesta sobre la caducidad de los bienes temporales y la brevedad de la vida terrenal.

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No menos interesantes son las dos Vistas del jardín de la Villa Médicis
(1630), cuadros en los que el autor trató de plasmar, en horas distintas,
pintando al aire libre, la luz y los efectos atmosféricos en la conocida villa
romana, con pincelada muy suelta, lo que se considera un precedente del
impresionismo.
• Segunda etapa madrileña (1631-1649)
De vuelta de Italia, Velázquez emprendió junto con otros pintores la
decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro de Madrid; y
pinta retratos, temas históricos
y mitológicos para exaltar las
hazañas de Felipe IV y las
victorias españolas en la guerra Vista del jardín de la Villa Médicis, en Roma,
de los Treinta Años. De 1635 es de Velázquez. (Wikimedia Commons)
La rendición de Breda, inspirada en un episodio real de la guerra,
en el que el general holandés Justino de Nassau entrega las llaves
de la ciudad f amenca al general español victorioso, el italiano
Ambrosio Spinola, que las recibe del vencido con gesto caballeroso.
El cuadro, de pincelada suelta, con predominio de los tonos verdes y
grises, destaca por el conjunto de retratos de los soldados, de gran
La rendición de Breda, de Velázquez. naturalismo y dignidad, y por el magistral tratamiento de la perspectiva
(Wikimedia Commons)
aérea en el paisaje del fondo, donde aparece la ciudad de Breda.
Velázquez pinta en esta etapa algunos retratos de bufones del rey, como son Pablo de Valladolid (1637),
Calabacillas (1639), El Niño de Vallecas (1636) y otros. Se trata de retratos objetivos y de evidente captación
psicológica, en los que los personajes poseen una gran dignidad, al margen de sus defectos físicos.
• Segundo viaje a Italia (1649-1651)
Entre 1649-1651 Velázquez emprende su segundo viaje a Italia, con
objeto de comprar pinturas para el rey, lo que inf uye en el estilo de sus obras
posteriores. Allí pinta el retrato del papa Inocencio X (1651), verdadero prodigio
de penetración psicológica, y la Venus del espejo (1650), desnudo femenino de
espaldas, de gran sensualidad, en el que el rostro de la diosa se ref eja en un
espejo sostenido por su hijo Cupido.
• Tercera etapa madrileña (1651-1660)
Las últimas obras madrileñas del pintor sevillano, hasta su muerte en 1660,
se caracterizan por su pincelada suelta y el tratamiento de la perspectiva aérea.
A esta época corresponden Las Meninas (1656) y Las hilanderas (1658).
Las Meninas también llamado La Inocencio X, de Velázquez.
(Wikimedia Commons)
familia de Felipe IV, retrato colectivo
de la infanta Margarita y sus damas de compañía (las meninas) donde
aparece el autorretrato de Velázquez y en un espejo se ref ejan Felipe
IV y Mariana de Austria, padres de la infanta. El naturalismo de los
personajes y la perspectiva aérea del interior de la estancia son sus dos
principales méritos. El cuadro tiene una composición en aspa con las
f guras dispuestas en zigzag y un espacio de mayor complejidad que
en otros cuadros del autor, que realiza aquí un verdadero trampantojo
o engaño visual, pues parece que Velázquez está pintando a los reyes
mientras los demás los observan, pero la verdadera protagonista de la
obra es la infanta Margarita, que ocupa la posición central y atrae la
mirada del espectador.

Las Meninas, de Velázquez. (Wikimedia Commons)


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