Cine - Modulo - 6 - Historia

El cine como recurso
didáctico
6. Historia del Cine: Años 80 y 90
2012
El cine como recurso didáctico Formación en Red
El cine como recurso didáctico
Historia del Cine: Años 80 y 90

La televisión por cable y por satélite y el vídeo en los 80, el dvd y otras tecnologías digitales en los 90 hacen que el público acuda menos
a las salas de cine. Por ello, la industria cinematográfica reestructuró su organización y sus estrategias comerciales, y para atraer al
público, especialmente joven, recurrió a los efectos especiales y al aumento de la violencia y el sexo.
La Tecnología en el cine: Fotogramas de Terminator 2 y Toy Story
Las técnicas digitales se aplicaran tanto en películas con actores como Terminator 2: el juicio final (Terminator 2: Judgement Day,
James Cameron, 1991) como de animación, Toy Story (John Lasseter, 1995). Junto a las películas para todas las edades, se produce
cine de violencia, erótico, policíaco y de terror, intentando sacar ventaja al conservadurismo de la oferta televisiva.
Las propuestas de más calidad de los años anteriores se orientan sólo a sectores intelectuales, universitarios y a las salas especiales.
Así continúan las tendencias alternativas de producción independiente, con puntos de vista no ortodoxos y estilos no convencionales.
Pero tienen una distribución muy restringida, la mayoría restringidas a Festivales o ciclos, y sólo algunas llegan a un poco más al
público, como los trabajos del grupo Dogma 95.
La irrupción del vídeo
Por la demanda de las cadenas estadounidenses de televisión (la necesidad de grabar noticias que ocurrían en una costa y transmitirlas
en el horario de los noticiarios de la otra), surgió el magnetoscopio (1). Hasta ese momento las noticias en directo se grababan en 35 o
16mm desde la pantalla de un televisor, el llamado telecine. El primer modelo profesional fue fabricado por Ampex en 1956 y cambió
totalmente el funcionamiento de la televisión. Tras numerosos intentos de llevar sistemas de grabación al mundo de la educación, en
1976-77 las empresas japonesas Sony (Betacam) y Matsushita (VHS) presentan dos sistemas -incompatibles entre sí- para lo que
acabará llamándose vídeo doméstico.
La implantación del vídeo, tanto para grabar como para reproducir películas revolucionará la estructura de la distribución y, a medio
plazo, la de la producción. Las películas se convierten en un objeto de consumo doméstico, como el libro o el disco. A finales de los
ochenta los ingresos del vídeo y las televisiones superan claramente al de las salas, especialmente para las majors americanas. El
consumo mundial de películas a través de las televisiones y los reproductores domésticos dispara la cuota del cine americano y ello no
es debido sólo al control de los canales de distribución sino a la competencia entre los canales privados de televisión fruto de la
liberalización impulsada por los gobiernos europeos a instancias de la Unión Europea (en España se pasa en 1990 de dos canales
públicos a un sistema con tres cadenas privadas y varias autonómicas).
Ministerio de Educación, Cultura y Deporte INTEF 1

Magnetoscopio Betacam (izq.), Cámara de Vídeo (centro) y DVD (dcha.)
El vídeo (y posteriormente el DVD) (2) crea nuevos modos de acercamiento al cine. El espectador de finales del siglo XX tiene acceso a
través del alquiler en video-clubs o la compra al visionado y coleccionismo de películas actuales o clásicas, empiezan a proliferar las
promociones en los quioscos y puede grabarlas desde el televisor sin estar presente. Pero además cambia su actitud, que deja de ser
pasiva, ya que puede realizar un visionado fragmentado y con pausas, puede repetir y omitir secuencias, congelar la imagen, etc... Se
pierde la magia de la gran pantalla en la sala oscura a cambio de una accesibilidad que los ordenadores domésticos y los nuevos
sistemas digitales acabarán de apuntillar una década más tarde.
La cultura cambia y se hace menos crítica, pero también hay más oportunidades para un cine de vanguardia o independiente; incluso,
las tecnologías digitales van a hacer posible producir películas muy baratas. Además, la utilización de las tecnologías digitales (en
teléfonos, cámaras, ordenadores, internet, GPS...) da origen al expanded cinema -según la expresión acuñada por Gene Youngblood-
,(3)un cine fuera de las salas, con vídeos, películas, entornos interactivos ( en los que el espectador puede ser cámara, editor o
protagonista) y aplicaciones on line.
Amar el cine: Capítulos 8 y 9
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Para saber más
(1) magnetoscopio
(2) DVD
(3) Gene Youngblood
Actividad 1
Explica cómo han cambiado las nuevas tecnologías los hábitos de consumo de cine.
Estados Unidos: comerciales, autores e independientes

Las grandes productoras de cine fueron absorbidas por grupos multimedia con intereses en la industria electrónica, la televisión por
cable, el oci, la telefonía, el mundo editorial,... como AOL-Time-Warner, Sony-Columbia, el grupo Murdoch (con la Fox), etc... Sólo los
estudios encuadrados en estas grandes compañías (con salas de exhibición, centros comerciales, TV por cable, cadenas temáticas) se
aseguran la amortización de sus productos (se calcula que sólo tres de cada diez filmes recuperan la inversión entaquilla). Esos
oligopolios han permitido al cine norteamericano colonizar el mundo (aunque un 60% de la amortización se logra en Estados Unidos).

Fotogramas de Fiebre del sábado noche, El último vals y Stop Making Sense
Musicales
Hollywood, en un intento de sacar provecho a la discomanía, inició la producción de una serie de películas musicales menores para
jóvenes con Fiebre del sábado noche (Saturday Night´s Fever, John Badham, 1977). Pero también hubo grandes acercamientos a la
música. Martin Scorsese dirigió El último vals (The Last Waltz, 1978) (1), el concierto de despedida de The Band (dirigió varios films de
música, incluído el clip de Michael Jackson Bad, 1987). Jim Brown rodó el precioso documental sobre el cuarteto de folk The Weavers:
Wasn't That a Time (1982), George T. Nierenberg el interesante documento sobre gospel Say Amen, Somebody (1982) y Jonathan
Demme fue el responsable de Stop Making Sense (1984) (2), una impresionante película rock con el grupo Talking Heads rodada en
tres días.
Ciencia-Ficción y Terror
También proliferaron las películas de catástrofes y de ciencia-ficción, algunas de notables como Tiburón (Jaws, 1975), Encuentros en la
tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977) y E.T. (1982), de Steven Spielberg; la trilogía galáctica iniciada en 1977 La
guerra de las galaxias (Star Wars) de George Lucas o el universo de terror y futurismo de Alien (1979) (3) y Blade Runner, 1982, de
Ridley Scott. Una variante fue el cine de experimentación genética como Jurassic Park (Steven Spielberg, 1993) y Gattaca (Andrew
Niccol, 1997) (4). Con Pi, fe en el caos (Pi, Darren Aronofsky, 1998), Cube (1999) del canadiense Vincenzo Natali o Matrix (The Matrix,
Larry y Andy Wachowski, 1999) se exploraron nuevos caminos formales y técnicos.
Fotogramas de Encuentros...tercera fase, Gattaca y Cube
William Friedkin inició con El exorcista (The Exorcist, 1973) un cine de terror de gran crudeza. Stanley Kubrick se basó en la novela
de Stephen King para realizar El resplandor (The Shining, 1980), donde muestra el proceso hacia la locura y la autodestrucción de un
hombre en una situación de soledad y aislamiento. Con Drácula (Bram Stoker's Dracula, 1992) Francis Ford Coppola intentó renovar
planteamientos de un clásico.
Violencia
La violencia también resurgió en el cine de gansters y varios directores de nombre se unieron a la tendencia: El precio del poder
(Scarface, 1983) y Los intocables de Eliot Ness (The Untouchables, 1987) de Brian DePalma, El honor de los Prizzi (Prizzi´s Honor,
1985) de John Huston y Manhatan Sur (The Year of the Dragon, 1985) de Michael Cimino. Oliver Stone dirigió una parodia sobre la
fascinación por las armas y los asesinos, Asesinos natos (Natural Born Killer´s, 1994).
Se ha llegado a llamar cine neo-noir al acercamiento "moderno" al cine negro, una definición que englobaría los thrillers de David
Lynch, Ridley Scott, Tarantino, los hermanos Coen o el último Scorsese. Curtis Hanson mezcló clasicismo y modernidad en la
exuberante L.A. Confidential (1997).
Autocrítica
En los 70 la crítica a Vietnam y al Watergate había creado una conciencia crítica con películas como Todos los hombres del

presidente (All the President's Men, Alan J. Pakula, 1976) (5). En los 80-90 con el reaganismo se diluyó buena parte del espíritu crítico,
pero Hollywood aún produjo algunas películas de carácter autocrítico con el sistema americano, como Desaparecido (Missing, 1982) (6)
de Costa Gavras, Rojos (Red, 1982) de Warren Beatty y la desconcertante The Times of Harvey Milk (1984), de Robert Epstein, que
es uno de los más importantes documentales sobre los 80.
Fotogramas de Taxi Driver, ...Hombres del presidente y Missing
Pero seguramente ha sido el director negro Spike Lee uno de los que de forma más explícita ha cuestionado aspectos sociales y
políticos concretos de EE.UU. desde Haz lo que debas (Do the Right Thing, 1989) pasando por el bio-pic Malcom X (1992) hasta su
documental sobre el Katrina (2006).
Otras Películas revisaron el conflicto vietnamita, aunque algunas trascienden el propio tema o género, como Apocalypse Now (1979) de
Francis Ford Coppola, El cazador (The Deer Hunter, 1978) (7) de Michael Cimino, Taxi Driver (1975) (8), de Martín Scorsese,
Platoon (1986) y Nacido el 4 de julio (Born on the Fourth of July, 1989) de Oliver Stone, y La chaqueta metálica (Full Metal Jacket,
1987) de Stanley Kubrick.
Pero también hubo un cine que volvió a reivindicar el orgullo americano como Rambo (George P. Cosmatos, 1985) y otras peores con
los Chuck Norris de servicio. Ese anticomunismo reaganiano se plasmó en filmes como Los evadidos del Mekong (Love Is Forever, Hall
Bartlett, 1983) o Amanecer rojo (Red Dawn, John Milius, 1984). Pero el uso político que los presidentes hacen de la guerra fue
denunciado también en cintas como La cortina de humo (Wag the Dog, Barry Levinson, 1997).
Cine de Autor
En 1980 Martín Scorsese realizó con Toro Salvaje (Raging Bull) (9) uno de los mejores relatos sobre el deporte cinematográfico por
excelencia, el boxeo, filmado en blanco y negro y con un espectacular montaje de Thelma Schoonmaker. Tras recuperarse de su
adicción a las drogas, dirigió varias cintas con relativo éxito como Jo, ¡qué noche! (After Hours, 1985) o El color del dinero (The color of
the money, 1986) o la polémica La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ, 1988). Con Uno de los nuestros
(Goodfellas, 1990) (10) volvió a aunar éxito de crítica y público pero no obtuvo el anunciado Oscar lo que le llevó posteriormente a un
cine cada vez más comercial.
Francis Ford Coppola creó su productora American Zoetrope para sus propios proyectos y para producir los de otros directores, como
Win Wenders que dirigió París, Texas (1982). Coppola pretendía hacer algunas películas comerciales para invertir lo ganado en otras
más personales, pero las pérdidas contraídas con la película Corazonada (One from the Heart, 1981) hundieron su empresa. Un año
antes, La United Artists también se dió el batacazo con La puerta del cielo (Heaven´s Gate) de Cimino.
En la comedia destaca el actor, escritor y director Woody Allen con una fecunda obra original que, influenciado por grandes creadores
como Bergman, aborda obsesivamente temas de su mundo interno, de relación de pareja, el sexo, la muerte y dios, desde una óptica
muy personal. Su universo se muestra en películas como Annie Hall (1977) (11), Manhattan (1978) (12), Hannah y sus hermanas
(Hannah and Her Sisters, 1986) y Delitos y faltas (Crimes and Misdemeanors, 1988) y tantas otras, ya que es un realizador muy prolífico.
El independiente Robert Altman continuó con sus obras corales, iniciadas en 1975 con Nashville, con estudios en profundidad de
muchos personajes, como El juego de Hollywood (The Player, 1991) y Vidas cruzadas (Short Cuts, 1993), basada en textos de
Raymond Carver, y que refleja la pérdida de valores de la sociedad. En Gosford Park (2001) realiza un minucioso examen de la rígida
organización social en la Inglaterra de principios del siglo XX.
David Lynch, que había iniciado un estilo vanguardista con Cabeza borradora (Erasehead, 1976) (13), dirigió en 1980 El hombre
elefante (The Elephant Man (14), una producción muy lograda. Después, tras las inclasificables cintas de culto Terciopelo azul (Blue
Velvet, 1985) y Corazón salvaje (Wild at Heart, 1990), dirigió la serie de televisión Twin Peaks.
Considerado un actor menor, Clint Eastwood empezó a dirigir en los 70 sin hacer demasiado ruido pero se consolidó con dos filmes de
impacto, el logrado retrato del músico Charley Parker en Bird (1988) (15) y Sin perdón (Unforgiven, 1992) (16), un western revisionista,
lírico, violento y amargo. La buena acogida comercial de sus películas de los 90 como Los puentes de Madison (The Bridges of

Madison County, 1995) (17) le permitirá abordar proyectos más personales posteriormente.
Fotogramas de Eraserhead, Reservoir Dogs, Batman y Smoke
En 1984 aparecía la impresionante Sangre fácil (Blood Simple) de los hermanos Joel y Ethan Coen, con la que iniciaban una de las
propuestas más originales del momento, que siguió con Muerte entre las flores (Miller´s Crossing, 1990), Barton Fink (1991), Fargo
(1996) (18) y El hombre que nunca estuvo allí (2002) (19).
Tim Burton desmostró su extraordinaria sensibilidad e imaginación en películas como Eduardo Manostijeras (Edward Scissorhands,
1990) y Ed Wood (1994) (20). Con Batman (1989) (21) y Batman Returns (1992) plasmó, tomando elementos del expresionismo alemán
y de Blade Runner, la estética de buena parte de la ciencia-ficción de final de siglo.
Otro independiente es Quentin Tarantino, que causó bastante revuelo con Reservoir Dogs (1991) y Pulp Fiction (1994), películas de
gansters con mucha violencia y humor negro, muy personales y de dirección agresiva y desenvuelta, deudora de Scorsese (22) y de
Kubrick.
Wayne Wang y Paul Auster dirigieron la admirable Smoke (1994), sobre los buenos sentimientos y el placer de compartir.
Comerciales con Calidad
Milos Forman dirigió Ragtime (1981), una obra coral sobre la época de la música ragtime. Con Érase una vez en América (Once Upon
a Time in America, 1984), una épica película de gansters, con una cámara sublime, estupendos decorados y una interpretación
impresionante, Sergio Leone demostró que era mucho más que un director de spaghetti-westerns.
Proveniente del cine independiente, Susan Seidelman tuvo éxito comercial con Buscando a Susan desesperadamente (Seeking Susan
Desperately, 1985), lo que la introdujo en la industria.
Terrence Malick, tras llamar poderosamente la atención con Malas tierras (Badlands, 1973) (23) y Días del cielo (Days of Heaven,
1978), realizó una película atípica de guerra, La delgada línea roja (The Thin Red Line, 1998), que destacaba la naturaleza en relación
con los personajes y sus sentimientos, junto a la destrucción que la guerra produce en ambos.
Independientes
Jim Jarmusch es autor de un cine independiente, tierno y encantador que fue una bocanada de aire fresco en el panorama USA.
Stranger Than Paradise (1984), Down By Low (1986), Mystery Trains (1989) y Night On Earth (1991) le valieron un estatus de director
de culto. Posteriormente la extraña Dead Man (1995) y, sobre todo, Ghost Dog (1999) sobre un moderno samurai americano, le
mantuvieron en la cima del cine indie.
Fotogramas de Mystery Train, Rambling Rose, Passion Fish
Martha Coolidge con El precio de la ambición (Rambling Rose, 1991) y John Sayles con Pasión Fish (1992) son otros autores
independientes.
En los noventa continuaron los movimientos por un cine experimental, ahora apoyado por nuevas tecnologías, pero se mueve más en
los circuitos relacionados con el arte.

Amar el Cine: Capítulos 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8 y10
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Para saber más
Musicales: (1) The Last Waltz, (2) Stop Making Sense
Terror y ciencia-ficción: (3) Alien, (4) Gattaca
Denuncia y autocrítica: (5) All the President's Men, (6) Missing, (7) The Deer Hunter, (8) Taxi Driver
Cine de autor: (9) Raging Bull, (10) Goodfellas, (11) Annie Hall, (12) Manhattan, (13) Erasehead, (14) The Elephant Man, (15)
Bird, (16) Unforgiven, (17) The Bridges of Madison County, (18) Fargo, (19) El hombre que nunca estuvo allí, (20) Ed Wood,
(21) Batman
(22) Ética y estética en el cine de Martin Scorsese y Quentin Tarantino
Comerciales con calidad: (23) Badlands
De película
Trailer de Taxi driver.
Trailer de Manhattan.
Trailer de Ed Wood.
Trailer de Badlands.
Recomendación
Accede a los reportajes del programa Días de cine
Especial Rock 03. La música disco, el videoclip.
Actividad 2
Elige y visiona un filme de un autor USA de las décadas finales del siglo XX (Coppola, Altman, Kubrick, Scorsese, Woody Allen,
los Coen, Jarmusch, Tarantino,...) y explica por qué lo has elegido.

Europa
Las cinematografías europeas tuvieron -y tienen- que competir con la industria televisiva y con las superproducciones de Hollywood, que
además controla buena parte de los circuitos publicitarios y de distribución y exhibición. Sobreviven gracias a las políticas proteccionistas
y de subvenciones desarrolladas desde los estados y a la puesta en marcha de proyectos en régimen de producción y coproducción con
las televisiones oficiales.
Pero en los años 90, algunas empresas europeas importantes, como Cyby 2000, Berlusconi o Studio Canal +, se propusieron una línea
de acción más internacional, que intentaba una competencia en menos desventaja con las grandes producciones norteamericanas.
A pesar de su vocación comercial, estas producciones apostaron por un cine de autor o, como dice Manuel Vidal Estévez "por un cine
lo más mayoritario posible, perfectamente exportable, pero "con una imagen de marca autoral" (Historia General del Cine, Vol. XII, Ed.
Cátedra, 1995).
El creciente acceso de mujeres a la realización, la visibilidad de la homosexualidad y las minorías, los intentos de contar historias desde
contextos nacionales son marcas de un cine, con muchos aspectos de interés pero que tiene verdadera dificultad para abrirse paso en
las pantallas.
Gran Bretaña (por su idioma) y Francia son las grandes potencias (a nivel europeo) mientras destaca la proliferación de autores de valía
en los Balcanes y la Europa nórdica.
Francia
La excepción cultural
Francia fue la abanderada de la llamada "excepción cultural", es decir, que los productos culturales como el cine no sean tratados como
simple objeto de transacción mercantil y no estén sometidos a la liberalización de mercados que obliga a los estados a no subvencionar
ciertos artículos con medidas que preserven su viabilidad ante competidores más fuertes. Francia alzó esa bandera ante las
transnacionales norteamericanas de la distribución que, invocando la libre circulación mundial, se oponían a las legislaciones que, para
defender el cine propio, fijaban cuotas de estrenos nacionales, subvencionaban ciertas producciones o les otorgaban beneficios fiscales.
La UNESCO respaldó la excepción cultural (con dos votos en contra, de EE.UU. y su alíado Israel) pero también es cierto que el cine
francés mantuvo en las décadas finales del siglo XX un respaldo del público que ningún otro país europeo tuvo ni de lejos.
La vigencia de los veteranos de la Nouvelle Vague
En Francia se mantuvieron con vitalidad los directores veteranos (incluido Truffaut, que rodó tres películas entre 1980 y su muerte en
1984), los cuales mantienen su sello de autores en su mayoría. Jean Luc Godard, fiel y coherente con su trayectoria, siguió siendo el
más innovador, experimentando su cine radical con vídeo y nuevas tévnicas, con películas como Detective (1986), Nouvelle Vague
(1990) y Elogio del amor (Éloge de l'amour, 2001). Durante los 90´ realizó para la televisión una Historia del Cine muy personal que se
comercializó en dvd.
Fotogramas de Eloge de lámour, Smoking, Lámi de mon amie y Sans toit ni loi.
Alain Resnais dirigió la filosófica Mon oncle dÁmérique (1980) y la estupenda y atrevida Lámour a mort (1984), una producción sobria
para un testamento espiritual insólito. Tras varios filmes, como los galardonados Smoking y No Smoking (1993), obtuvo un gran éxito de
taquilla con el musical On connaît la chanson (1997) (1). Eric Rohmer, tras sus Seis cuentos morales (1962-1972), realizó dos nuevos
ciclos de películas, Comedias y proverbios y Cuentos de las cuatro estaciones. Siguió trabajando con presupuestos bajos, manteniendo
una fidelidad a su estilo diáfano y su conocida elegancia. Sus películas no envejecen: Le rayon vert (1986) (2), Lámi de mon amie
(1987) o L'arbre, le maire et la médiathèque (1993). Más polémica fue La inglesa y el duque (L'Anglaise et le duc, 2001).

Agnès Varda logró sus mejores películas cuando enfocó los lados más marginales de nuestra sociedad, como el drama de una
vagabunda Sin techo ni ley (Sans toit ni loi, 1985) o el aplaudido documental Los espigadores y la espigadora (Les glaneurs et la
glaneuse, 2000) (3).
Fotogramas de Marius et Jeannette, Hoy empieza todo y Lundi matin
Confirmaciones
El georgiano Otar Iosseliani tiene en sus películas numerosas influencias de Vigo, Rossellini, Tati, Renoir y a la Nouvelle Vague. Sus
películas, diferentes y singulares, están llenas de pasión por la vida, el amor y la amistad como Les favoris de la lune (1984), La chasse
aux papillons (1993), o Lundi matin (2002) (4).
Bertrand Tavernier, moviéndose siempre entre lo social y la literatura, obtuvo un buen éxito con Round Midnight (1985), interpretada
por el saxofonista Dexter Gordon. Posteriormente ha dirigido cintas bélicas, vibrantes thriller realistas como L-627 (1991) y L'Appât
(1995) y, sobre todo, la reflexión social y educativa Hoy empieza todo (Ça commence aujourd´hui , 2000)(5), que generó un enorme
debate en Francia.
El marsellés de origen armenio Robert Guédiguian ha construido una de las obras que mejor conjuga militancia política y cine realista
situando buena parte de sus historias en el barrio de lÉstaque, un crisol de flujos migratorios. Podemos citar Marius et Jeannette
(1997) (6), À la place du cœur (1998), La ciudad está tranquila (La ville est tranquille, 2000) y Marie-Jo et ses deux amours (2001) (7),
todas protagonizadas por su mujer Ariane Ascaride.
Paris s´éveille, El odio y La vida soñada de los ángeles
Nuevos valores
Junto a los veteranos, hay otros directores que hacen buenas películas. Algunos como Jean Jacques Annaud y Luc Besson son muy
comerciales. Pero un sistema industrial tan sólido como el francés permite la eclosión de muchos talentos.
El parisino Olivier Assayas fue considerado portavoz de su generación con sus filmes Désordre (1986) o Paris s'éveille (1991). En Irma
Vep (1996) y Fin août, début septembre (1998) hizo homenajes al cine de Hong-Kong, que admira. Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro
sorprendieron con la comedia de humor negro Delicatessen (1991). Jeunet dirigió la cuarta entrega de la serie Alien, Alien: Resurrection
(1999) antes de obtener un éxito mundial con la almibarada Amélie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, 2001).
Ayudante de Wim Wenders y Jim Jarmusch, Claire Denis debutó con éxito con la autobiográfica Chocolat (1988). De nuevo África está
presente en Beau travail (1999), película en la que la música tiene gran importancia, como en todas las de esta autora. Antiguo profesor
de secundaria, el cine ascético de Bruno Dumont es pesimista y muestra el fracaso moral de nuestra sociedad, como en La Vie de
Jésus (1997) o L´Humanité (1999).
Mathieu Kassovitz causó sensación con El odio (La Haine, 1995) (8), un drama juvenil situado en la banlieu parisina rodado en color
pero pasado al blanco y negro en el montaje. Érick Zonca deslumbró con su debut, el drama social La vida soñada de los ángeles (La
vie rêvée des anges, 1998) (9) pero no realizó su segundo film hasta diez años después.

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Para saber más
Veteranos: (1) On connaît la chanson, (2) Le rayon vert, (3) Les glaneurs et la glaneuse
Confirmaciones: (4) Lundi matin, (5) Ça commence aujourd´hui , (6) Marius et Jeannette, (7) Marie-Jo et ses deux amours
Nuevos valores: (8) La Haine, (9) La vie rêvée des anges
De película
Inicio de Los espigadores y la espigadora de Varda.
Trailer de Le rayon vert de Rohmer.
Trailer de Marius et Jeannette de Guèdiguian.
Trailer de La haine de Kassovitz.
Recomendación
Accede en el archivo de rtve al reportaje de Días de cine
Homenaje a Eric Rohmer
Actividad 3
El cine francés produjo a finales del siglo XX varias películas de gran impacto social (Los espigadores y la espigadora, Todo
empieza hoy, El odio, Marius y Jeannette, El árbol, el alcalde y la mediateca,...). Si conoces alguna, dános tu opinión.
Italia

La crisis de un modelo
La producción e importancia de las películas italianas decayó y el cine italiano perdió buena parte de su proyección internacional.
Desaparecidos Rossellini, Visconti y Pasolini, Federico Fellini hace obras más minoritarias, aunque siguió creando su universo
particular, como en la memorable Ginger y Fred (1985), caricatura grotesca de la explotación del individuo por los medios de
comunicación consumistas. Michelangelo Antonioni regresó, después de 13 años de inactividad y de una larga enfermedad, con Más
allá de las nubes (Al di là delle nuvole, 1995) (1), codirigida con Win Wenders.
Bernardo Bertolucci se enroló en grandes producciones internacionales que, a pesar de contar con muchos medios, son inferiores a
las películas más personales de su etapa anterior. El último emperador (The Last Emperor, 1987) fue tal vez la más desmesurada.
También siguió dirigiendo, y mucho, Marco Bellocchio con filmes frecuentemente volcados hacia la literatura y la historia recientes. Una
de sus obras de más éxito fue la escandalosa El diablo en el cuerpo (Diavolo in corpo, 1986), por sus escenas de sexo explícito y una
de las mejores La balia (1999), una dura historia adaptada de Pirandello.
Fotogramas de Al di là delle nuvole, La balia, Kaos y Maccheroni
Paolo y Vittorio Taviani se superaron a sí mismos en Kaos (1984), cuatro historias de Pirandello, narradas con brillantes imágenes que
contrastan la dureza de la vida y la belleza de la naturaleza sicilianas. La aventura hollywoodiense de unos italianos en Good Morning,
Babilonia (1987) o Las afinidades electivas (Les affinités électives, 1996), una adaptación de Goethe, son sus obras posteriores.
Ettore Scola se consolidó como verdadero cronista de la sociedad italiana con sus melodramas sociales llenos de realismo, humor y
ternura, como Maccheroni (1985), La Familia (La famiglia, 1987) o La noche de Varennes (1998), protagonizados por los grandes
actores italianos, Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman o Alberto Sordi. Pero también tiene cintas experimentales como (Il mondo
nuovo, 1982) o La sala de baile (El bal, 1983) y otras más militantes como Mario, María e Mario (1993), reflexión sobre la evolución del
comunismo tras la caída del muro de Berlín.
Nuevas miradas
Algunos directores más jóvenes consiguieron bastante resonancia internacional, como Giuseppe Tornatore, que obtuvo un clamoroso
éxito de crítica y público en 1989 con Cinema Paradiso (2) o el actor cómico y director Roberto Benigni que también logró un taquillazo
con la sentimental fábula La vitta è bella (1997).
Fotogramas de Cinema Paradiso, Lamerica, Hamam y La habitación del hijo
Hay también directores menos previsibles, como Gianni Amelio que dirigió la neorrealista Il ladro di bambini (1992), la brillante
Lamerica (1994), una ácida reflexión sobre inmigración, historia y humanidad y la poco complaciente Così ridevano (1998). El director
anglo-indio Michael Radford rodó en Italia la meláncolica, El cartero y Pablo Neruda (Il Postino, 1995), un éxito mundial lleno de buenos
sentimientos. El turco formado en Italia Ferzan Özpetek brilló en Hamam: el baño turco (Il bagno turco, 1997) y fue más discutido por El
hada ignorante (Le Fate Ignoranti , 2001).
Pero, sin duda, el personaje más interesante es el escritor, actor y director Nanni Moretti por su cine político lleno de sarcasmo y
frescura, casi siempre situado en Roma. Obtuvo una gran acogida con su primer film profesional, Ecce bombo (1978) y, tras años de
alternar la actuación con algunos filmes interesantes, alcanzó un éxito con el falso documental autobiográfico Caro Diario (1994) (3).
Tras la discutida Abril (1998), volvió a convencer a la crítica con el drama familiar La habitación del hijo (La stanza del figlio, 2001),
galardonada en Cannes.

Amar el cine: Capítulos 1, 5, 7, 9 y 11
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Para saber más
(1) Al di là delle nuvole
(2) Cinema Paradiso
(3) Caro Diario
Actividad 4
Consulta la ficha de Lamerica ( Gianni Amelio) que nos propone Edualter.
Propón una película que usarías en clase para tratar valores similares.
De película
Fragmento de Al di là delle nuvole de Antonioni y Wenders.
Trailer Cinema Paradiso de Tornatore.
Trailer de Caro Diario de Nani Moretti.
Gran Bretaña
Entre Hollywood y el realismo social
La industria británica sufrió las consecuencias de la crisis del sector, tal vez en menor medida que el resto de las cinematografías
europeas, debido a la afinidad idiomática y cultural con los EE.UU. Además la industria británica se apoyó en buena medida en el éxito
de sus series de televisión a nivel internacional. Por su parte, los realizadores británicos encuentran gran facilidad para integrarse en
Hollywood. De hecho, muchos de los miembros del Free Cinema, como Tony Richardson, Karel Reisz o John Schlesinger,
abandonaron el país, a finales de los años 60 y durante los 70, para probar fortuna en Hollywood. A ellos se unió Ken Russell, el más
controvertido, que realizó para la industria norteamericana numerosas películas, entre ellas, un polémico retrato de las obsesiones
sexuales del americano medio en La pasión de China Blue (Crimes of Passion, 1984).

Fotogramas de Pasión China Blue, Gritos del silencio, Habitación con vistas y Juego de lágrimas
Curiosamente, el californiano James Ivory desarrolló en Inglaterra su obra de inspiración literaria. Una habitación con vistas (A Room
with a View, 1986) y Lo que queda del día (The Remains of the Day, 1993) son películas de autor con un cuidadoso tratamiento de la
psicología de los personajes y de la descripción de ambientes de época.
El irlandés Neil Jordan mostró su talento en la intensa e inteligente Mona Lisa (1986) y en la emocionante Juego de lágrimas (The
Crying Game, 1992) antes de rodar en Hollywood Entrevista con el vampiro (Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles, 1994)
y regresar a Irlanda con la polémica Michael Collins (1996).
La tradición de cine comercial literario y de época -que tanto irritó a los "jóvenes airados"- siguió con los últimos filmes de David Lean
como Pasaje a la India (A Passage to India, 1984), y los de Richard Attenborough, como Ghandi (1982) o En el amor y la guerra (In
Love and War , 1996). Stephen Frears dirige con más talento la cínica Las amistades peligrosas (Dangerous Liaisons, 1988), una
versión provocadora de la novela de Choderlos de Laclos.
Roland Joffé hizo un drama emocionante y lleno de fuerza visual con Los gritos del silencio (The Killing Fields, 1984), una denuncia del
régimen de los khemeres rojos en Camboya. El responsable de la cámara fue Chris Menges, uno de los mejores directores de
fotografía del mundo, que a su vez dirigió A World Appart (1988), sobre el racismo en África del Sur, y Second Best (1993).
Tradición Realista y Social
En estos años apareció un cine social crítico con la política thatcherista y que enlazaba con la tradición airada del Free Cinema y del
documental realista y social. Uno de los primeros autores fue Stephen Frears que realizó películas audaces como Mi hermosa
lavandería (My Beautiful Launderette, 1985) y Sammy y Rosie se lo montan (Sammy and Rosie Get Laid, 1987) retratos de la comunidad
pakistaní de Londres, y la entrañable Café Irlandés (The Snapper, 1993), que analizaba la situación de la mujer en el seno de la clase
trabajadora católica en Irlanda.
fotogramas de Café irlandés, Lloviendo piedras, Full Monty y Oriente es Oriente
Pero el realizador más comprometido es Ken Loach que, tras años trabajando en televisión, regresó al cine con la denuncia política
Agenda Oculta (Hidden Agenda, 1990). Más tarde abordó como nadie el desmantelamiento de los derechos sociales en su trilogía del
trabajo formada por Riff-Raff (1991), Lloviendo piedras (Raining Stones, (1993) y Lady Bird, Lady Bird (1994). En 1995 realizó en
España Tierra y libertad (Land and Freedom), una aproximación a la guerra civil española, pero sus mejores películas emergen cuando
vuelve al terreno de la denuncia social en su país como Mi nombre es Joe (My Name Is Joe, 1998) o La cuadrilla (The Navigators, 2001)
en las que sigue denunciando (1) el desmantelamiento del estado del bienestar.
Mike Leigh volvió al primer plano con sus películas Indefenso (Naked, 1993) y Secretos y mentiras (Secrets and Lies, 1996) (2), en las
que fue capaz de indagar a fondo en las relaciones privadas de los personajes que viven unas situaciones sociales muy actuales. Con
Todo o nada (All or Nothing, 2002) demostró que era el director más completo de esta tendencia social.
Un acercamiento a la crítica social desde la comedia o con enfoques más amables tuvo gran auge a finales de los noventa, siendo su
máximo expresión la comedia de los parados que se lanzan al estríptis en The Full Monty (Peter Cattaneo, 1997), un taquillazo a nivel
mundial. Otras cintas en esta línea fueron la musical Tocando el viento (Brassed Off, Mark Herman, 1997), la familia pakistaní de
Oriente es Oriente (East is East, Damien O'Donnell, 1999), el niño bailarín Billy Elliot (Stephen Daldry, 2000) (3) o las chicas futbolistas
de Quiero ser como Beckham (Bend It Like Beckham, Gurinder Chadha, 2002).
Alternativos

Fotogramas de Caravaggio, El cocinero, su mujer,..., Wonderland y Todo o nada
Derek Jarman es un director alternativo, con películas sobre temas clásicos del pasado o de la Historia de la Pintura, con un enfoque
homosexual, como The Tempest (1979), Caravaggio (1985) y Edward II (1991). Su película Blue (1993) es profundamente experimental,
abstracta e inusual.
El pintor, matemático y filósofo Peter Greenaway se convirtió en un cineasta de culto, elitista y minoritario con películas como El
contrato del dibujante (The Draughtman´s Contract, 1982), El vientre del arquitecto (The Belly of an Arquitect, 1987), El cocinero, el
ladrón, su mujer y su amante (The Cook, the Thief, his Wife and her Lover, 1989) (4) y The Pillow Book (1995). En el 2002 inició un
proyecto multimedia ambicioso, The Tulse Luper Suitcases, con el que pretendía renovar el medio, combinando los nuevos lenguajes
mediáticos, cine, tv, internet, dvd, cd-rom y libro. Este ambicioso proyecto incluye tres largometrajes, una serie de televisión de 16
capítulos, tres novelas, tres cd-roms interactivos, una página web y una exposición, y narra acontecimientos esenciales del siglo XX a
través de la historia del uranio, que corre paralela a la vida del protagonista.
Procedente de la televisión, Michael Winterbottom irrumpió en el cine en 1995 con la adaptación literaria Jude, que le valió ofertas de
Hollywood que rechazó. Posteriormente brilló con la crónica realista Welcome to Sarajevo (1997) y sorprendió con Wonderland (1999),
con música de Michael Nyman, que colaboraría en varios de sus filmes posteriores. Una obra inclasificable que seguirá con fuerza en el
siglo XXI.
Pulse aquí
Para saber más
(1) Página oficial de ken Loach
(2) Secrets and Lies
(3) Billy Elliot
(4) The Cook, the Thief, his Wife and her Lover
Actividad 5. Lectura
Puedes ampliar tu informción leyendo estos textos de Javier Tarín sobre el cine de Ken Loach.
EL TRIUNFO GLOBAL DE LA NUEVA ECONOMÍA: más riqueza, mayor desigualdad
"CUANDO ERES OBRERO, LLUEVEN PIEDRAS SIETE DÍAS A LA SEMANA"

De película
Canal de Ken Loach en Youtube.
Secuencia con los créditos de Secrets & Lies de Mike Leigh.
Secuencia con los créditos de The Cook, the Thief, his Wife and her Lover de Greenaway.
Alemania
Un cine sin público
El cine alemán también sobrevivió en buena medida gracias al apoyo de la televisión estatal pero, pese a tener talentos muy
consolidados, no logró una conexión con el público.
Rainer Werner Fassbinder continuó de forma compulsiva (40 filmes para cine y TV en 13 años) con sus magistrales melodramas en
los que criticó de forma cruda las lacras de la "próspera" sociedad alemana como la xenofobia, la prensa sensacionalista, la alienación
de la mujer o la dominación cultural de las minorías. También dio un repaso a las sombras de la historia reciente con Lili Marleen (1980),
Lola (1981), de lo mejor del autor, con dirección de cámara perfecta y una dramatización impresionante, o la apasionante La ansiedad
de Veronika Voss (Die Sehnsucht der Veronika Voss, 1982). Justo antes de morir a los 37 años, dirigió Querelle (1982), sobre la
homofobia en la sociedad burguesa.
Fotogramas de Lola, La ansiedad de Veronika Voss y Querelle
Wim Wenders hace sus películas en EEUU, Relámpago sobre agua (Lightening over Water, 1980), codirigida con Nicolas Ray, y la
sugerente Paris, Texas (1984) (1). Después se dedicó a un cine introspectivo, más alejado del espectador. En 1987 realizó la fábula
poética Cielo sobre Berlín (Der Himmel ubre Berlin) (2) y en 1991 Hasta el fin del mundo (Jusquáu bout du monde ), un filme de
aventuras de ciencia-ficción que es un relato filosófico y de amor por el cine.
Werner Herzog siguió destacando por sus filmes que muestran al ser humano en situaciones límite frente a la naturaleza salvaje, la
selva amazónica de Fitzcarraldo (1982), la Australia aborigen de Donde sueñan las verdes hormigas (Wo die grünen Ameisen träumen,
1984), la esclavitud africana de Cobra Verde (1987) (3) o la historia de alpinismo extremo de Grito de piedra (Cerro Torre: Schrei aus
Stein, 1991) (4).

Fotogramas de Cielo sobre Berlín, Grito de piedra y ¿Soy linda?
El controvertido escritor y dramaturgo austriaco Peter Handke, colaborador de Wenders, llevó al cine sus novelas La mujer zurda (1977)
y La ausencia (1992) mostrando su capacidad para transmitir sentimientos con relatos descriptivos y fríos.
Doris Dörrie alcanzó un notable éxito con Hombres, hombres (Männer..., 1986) una afilada sátira feminista que retrata la pomposa
reacción de los hombres de clase media ante el engaño de sus mujeres, liberadas del tedio del matrimonio. Escritora, autora de más de
quince largometrajes y de varios telefilmes, su ironía en el tratamiento del conflicto hombre-mujer se ha plasmado en cintas de éxito en
su país como Love in Germany (1989), Nadie me quiere (Keiner liebt mich, 1995), ¿Soy linda? (Bin ich schön?, 1998), una obra que
seguirá en el siglo XXI.
Para saber más
(1) Paris, Texas
(2) Cielo sobre Berlín
(3) Cobra Verde
(4) Cerro Torre: Schrei aus Stein
De película
Trailer de El cielo sobre Berlín de Wenders.
Un Frafmento de Grito de Piedra: Cerro Torre de Herzog
España
Cine en democracia
En 1977 se suprimió la censura (lo que no impidió sonadas prohibiciones como la de El crimen de Cuenca (1979) de Pilar Miró),
produciéndose una eclosión de proyectos sobre el pasado reciente y aprovechando la nueva frontera sexual. Al mismo tiempo se
mantuvo una política de subvenciones autómaticas que no pudo frenar la pérdida de espectadores del cine español (del 23% en 1982 al
12% en 1988). El nuevo estado autonómico propicia un fuerte impulso del cine catalán y vasco, creándose también varias productoras
en Galicia y Andalucía.
Reescribiendo la Historia reciente
El fin de la dictadura provocó una eclosión de filmes que deseaban reinterpretar la Historia reciente. La Guerra Civil fue recuperada en
Las largas vacaciones del 36 (1976) y Dragon Rapide (1986) de Jaime Camino, Las Bicicletas son para el verano (1983) de Jaime
Chávarri, a partir de la pieza de Fernán Gómez, La vaquilla (1984) de Luis G. Berlanga, primera obra satírica sobre el tema, ¡Ay,
Carmela! (C. Saura, 1990) o Libertarias (1996) de Vicente Aranda, sin olvidar la aportación de Ken Loach con Tierra y libertad.
Las bicicletas son para el verano, Dragon Rapide, El año de las luces y Libertarias

También la posguerra y el franquismo son objeto de análisis en películas como La escopeta nacional (Luis G.Berlanga, 1978), La
colmena (Mario Camus, 1982), La plaça del Diamant (Francesc Betriu, 1982), Tiempo de silencio (1980) y Si te dicen que caí (1988) de
Aranda, El año de las luces (Fernando Trueba, 1986) y Madre Gilda (Francisco Regueiro, 1991).
Las Primeras Productoras
Una figura clave en el cine español de esta época fue Elías Querejeta, productor de muchas de las mejores películas del período, como
las de Saura hasta 1981, las de Erice, con el que tuvo serias desavenencias durante el rodaje de El Sur, Montxo Armendáriz, Fernando
León, etc...
Carlos Saura abandonó su obsesión por la guerra civil y el hermetismo simbólista de sus películas y rodó en 1980 Deprisa , deprisa. A
partir de aquí, su temática cambió completamente y, asociado ahora al productor Emiliano Piedra, dirigió superproducciones musicales
como Bodas de sangre (1981), Carmen (1983), Sevillanas (1991) y un largo etcétera.
La cruda El desencanto (1976) de Jaime Chávarri sobre la familia Panero y la sincera confesión de Lola Herrera en Función de noche
(1981) de Josefina Molina son documentales de entrevistas que marcaron su momento. En 1982, una película española logró por
primera vez el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, Volver a empezar de Jose Luis Garci. La segunda sería Belle Epoque (F.
Trueba, 1992) y antes de acabar el siglo la tercera fue para el filme de Almodóvar Todo sobre mi madre (1999).
Nuevas comedias
Frente a la comedia de trazo grueso de los Ozores y compañía, surgieron una serie de películas en torno a la llamada "comedia
madrileña", que partía de las nuevas generaciones, con un toque "progre" y un lenguaje coloquial. Tigres de papel (1977) de Fernando
Colomo inauguró este movimiento, que siguió con ¿Que hace una chica como tú en un sitio como éste? (1978) y con Opera Prima
(1980) de Fernando Trueba y en la que se podría incluir al primer Almodóvar de Pepi, Luci y Bom y otras chicas del montón (1980).
Fotogramas de Tigres de papel, Opera prima, Mujeres al borde... y Jamón, jamón
También aparecieron en estos años dos autores más transgresores, Bigas Luna y Almodóvar. Bigas Luna disecciona la conducta
humana desde la perspectiva de la sexualidad y la comida en filmes tan personales como Bilbao (1978), Las edades de Lulú (1990) o
Jamón, jamón (1992).
Pedro Almodóvar, procedente de la movida madrileña de los 80, desplegó un universo humano de sentimientos extremos retratados de
manera fresca y directa. Se proyectó internacionalmente con la comedia Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) (1) pero
podemos citar entre sus mejores títulos del siglo XX ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984), La ley del deseo (1986) (2), Átame
(1989) y Todo sobre mi madre (1999) (3), que lo colocarán entre los autores de referencia de la cinematográfica europea (Vd. Autores).
Los veteranos siguieron en activo, como el propio Berlanga hasta 1999 con París-Tombuctú, y directores como José Luis García
Sánchez con la divertiva La corte del Faraón (1985) o José Luis Cuerda que obtuvo un gran éxito con su humor absurdo en El bosque
animado (1987) y Amanece que no es poco (1988).
El Modelo Proteccionista
El cine español logró salir de la penuria económica gracias a la política de colaboración de Televisión Española y la Dirección de
Cinematografía dirigidas por Pilar Miró, impulsora del Decreto proteccionista que dio lugar a un buen número de producciones. Se
buscaba un cine "de calidad" frente a la cantidad de la subvención automática (en 1982 se registraron 146 larghometrajes, el record de
la historia española).
Beneficiados por esas ayudas pudieron llevar adelante sus proyectos Mario Camus, La colmena (1982) y Los santos inocentes (1984)
(4) o Manuel Gutiérrez Aragón, La mitad del cielo (1986). La misma Pilar Miró, tuvo un último período intimista, plasmado en películas
como Beltenebros (1991) y la escéptica El pájaro de la felicidad (1992). Jaime de Armiñán y Pedro Olea son otros nombres de
directores de calidad. En este ámbito, el independiente Gonzalo Suárez siguió con su etiqueta en un autor insólito, con su película
Remando al viento (1987).

La generación de los 90´
Las políticas de apoyo a los nuevos realizadores propiciaron que 158 (entre ellos 27 mujeres) filmasen su primer largometraje en los
años 90´(44 no han hecho un segundo). Es una generación menos obsesionada con la historia anterior y más atenta a los nuevos
gustos del público. Uno de los más precoces es Alejandro Amenábar que ganó el Goya a los 24 años con Tesis (1996). Tuvo un
crecimiento extraordinario como director de películas de suspense, en las que demostró un oficio impropio de su edad, como en Abre
los ojos (1997) y Los otros (2001). Gómez Pereira o Gerardo Herrero son otros nombres que se revelaron en esta década.
Fotogramas de Tesis, Flores de otro mundo, Solas y Los lunes al sol
El cine social tiene a Fernando León como uno de los directores más persistentes. Dirigió la excelente Barrio (1998) y Los lunes al sol
(2002) (5), una dura crónica naturalista sobre el paro. En 1999, el director formado en Cuba Benito Zambrano consiguió con Solas una
película sencilla y llena de valores.
Entre las directoras podemos citar a Chus Gutiérrez y su estimulante Insomnio (1997) y a Gracia Querejeta, que tras la larga polémica
con Javier Marías a raíz de El último viaje de Robert Rylands (1996), mostró su madurez en Cuando vuelvas a mi lado (1999). Pero la
más brillante es Iciar Bollaín que firmó un sonado debut con Hola ¿estás sola? (1995) antes de filmar la conmovedora Flores de otro
mundo (1999) (6).
Cine desde Euskadi y Cataluña
Euskadi también concedió subvenciones a los proyectos de cineastas vascos, lo que permitió a una nueva generación sumarse al
veterano Imanol Uribe, que con La Muerte de Mikel (1983) completó su trilogía vasca (7) y con Días contados (1994) se acercó al tema
de ETA. Algunos protagonistas de ese nuevo cine vasco son:
El navarro Montxo Armendáriz, procedente del documental antropológico, que debutó con las realistas Tasio (1984) (8) y 27
Horas (1986), antes de lograr gran eco con Las cartas de Alou (1990) e Historias del Kronen 1994).
Juanma Bajo Ulloa, autor de las difíciles Alas de mariposa (1991) y La madre muerta (1993), antes de lograr un taquillazo con
la comedia gamberra Airbag (1997).
Julio Medem, seguramente el más interesante. Deslumbró por la poesía y la voz personal que mostró en Vacas (1992), Tierra
(1995) y Lucía y el sexo (2000) pero su cine posterior ha sido peor recibido.
Alex de la Iglesia, cuando logra controlar su desmesura, consigue películas con éxito de público como El día de la bestia (1995)
y La Comunidad (2000).
Fotogramas de Tasio, Tierra, Ocaña y A los que aman
En Cataluña también se apoyó al cine, para fomentar la producción en catalán, siendo los directores más destacados:
Ventura Pons es el director catalán más prolífico, con más de 20 largometrajes desde su brillante debut con el documental
Ocaña, un retrato intermitente. Su cine está formado por adaptaciones literarias, casi siempre rodadas en catalán como Que t´hi
jugues Mari Pili? (1990), El perquè de tot plegat (1995) o Amic/Amat (1999).
El mallorquín Agustí Villaronga con Tras el cristal (1986), un filme de gran dureza en el que muestra un vigoroso pulso
narrativo, que confirmó en El mar (2000).

Isabel Coixet, una directora con temas y estilo propios, con obras intensas como Cosas que nunca te dije (Things I Never Told
You, 1995) y A los que aman (1998).
José Luis Guerín, una voz personal plasmada en documentales como Innisfree (1990), bello homenaje a El hombre tranquilo de
John Ford, y En construcción (2001), que llegó a distribuirse en las salas comerciales.
Amar el cine: Capítulos 2, 3, 4, 7, 9, 10, 11 y 12
Pulse aquí
Para saber más
(1) Mujeres al borde de un ataque de nervios
(2) La ley del deseo
(3) Todo sobre mi madre
(4) Los santos inocentes
(5) Los lunes al sol
(6) Flores de otro mundo
(7) Trilogía vasca
(8) Tasio
De película
Trailer Las bicicletas son para el verano de Chávarri.
Trailer Jamón, jamón de Bigas Luna.
Puedes ver varios trailers de películas de Almodovar en la cuenta de El Deseo, productora de los hermanos Almodovar.
Trailer de Los lunes al sol de Fernando León.
Actividad 6
¿Nos recomendarías una película española de este periodo?

Otros europeos
En Dinamarca surge en este periodo uno de los movimientos que, pese a su rigidez y corta duración, más influye en la reflexión del cine
de fin de siglo, el Dogma-95.
La caída del telón de acero cambiará el panorama de Europa y, lógicamente, del cine.
Dinamarca
Dogma 95
En oposición al cine dominante de ficción, tendencioso y elaborado técnicamente, surgió en el país de Dreyer, un nuevo movimiento
cinematográfico, el colectivo Dogma 95 (1), que se dio a conocer con un manifiesto de 10 puntos en el que defendían un cine realista
con sentimientos auténticos, rodado en localizaciones reales, no simuladas, con sonido diegético y cámara en mano, sin tocar el color ni
la iluminación en la posproducción, sin trucos fotográficos y que no admite las películas de género, ni con excesivo presupuesto. Los
impulsores del manifiesto fueron Thomas Vinterberg y Lars Von Trier, que ya se había dado a conocer con su trilogía europea
formada por El elemento del crimen (Forbrydelsens Element, 1984), Epidemic (1988) y Europa (Zentropa, 1991).
Las primeras películas del movimiento Dogma fueron La celebración (Festen, 1998) (2) de Vinterberg y Los idiotas (Idioterne, 1998) de
Von Trier, dos historias con mucha fuerza.
Fotogramas de La celebración, Los idiotas, Mifune e Italiano para principiantes
Otras películas Dogma 95 fueron la emocionante Mifune (1999) de Soren Kragh-Jacobsen, la deliciosa comedia Italiano para
principiantes (Italiensk for begyndere, 2000) de la realizadora Lone Scherfig y El rey está vivo (The King Is Alive, 2001) de Kristian
Leuring.
Fuera de Dinamarca también se rodaron varias cintas que obtuvieron el certificado Dogma como Loves (2001) de Jeanc-Marc Bar, y
Julien Donkey Boy (1999) de Harmony Korine, una directora independiente de EE.UU. También es autora de Gummo (1997).
Al margen del Dogma Lars von Trier dirigió películas como Rompiendo las olas (Breaking the Waves, 1996), en la que narra con un
estilo vertiginoso una maravillosa historia de amor trágica y milagrosa y en el musical Bailando en la oscuridad (Dancer in the Dark,
2000), otra historia trágica de amor y esperanza protagonizada por la cantante islandesa Björk.
Fotogramas de El elemento del crimen, Bailando en la oscuridad, Festín Babette y Pelle el conquistador
El veterano Gabriel Axel, realizador de cine y televisión desde 1951, culminó su carrera con la deliciosa El festín de Babette (3)
(Babettes gæstebud, 1987), sobre una novela de Isak Dinesen. El film le valió el Oscar a la mejor película extranjera, el primero de un
cine danés, que repitió al año siguiente con la terrible Pelle el conquistador (Pelle erobreren, 1987) (4) de Bille August.
Para saber más
(1) Dogma 95

(2) Festen
(3) El festín de Babette, Babettes gæstebud
(4) Pelle erobreren
De película
Trailer de Celebración de Vintemberg.
Trailer de Bailando en la oscuridad de Lars Von Trier.
Trailer de El festín de Babette de Gabriel Axel.
El Manifiesto Dogma cambió la historia del cine. Como la Nouvelle Vague, o el Free Cinema, pero de forma mucho más
agresiva.
Aquí os dejo el Manifiesto y el Voto de castidad (haciendo click). Dogma 95 ya no existe, pero es importante recordarlo.
Pulse aquí
Actividad 8
Las películas Dogma más influyentes han sido : La celebración (Festen, 1998) de Vinterberg, Los idiotas (Idioterne, 1998) de
Von Trier, Mifune (1999) de Kragh-Jacobsen, la comedia Italiano para principiantes (Italiensk for begyndere, 2000) de la
realizadora Lone Scherfig y El rey está vivo (The King Is Alive, 2001) de Kristian Leuring.
Si no las conoces, visiona una de ellas.
¿Crees que el movimiento Dogma es heredero de otros anteriores? ¿De cuáles? Explica por qué ha sido tan influyente pese al
corto número de películas que se hicieron.
Otros cines nórdicos
Suecia después de Bergman
Con Bergman dedicado al teatro y la televisión, otros directores mostraron la densidad del cine sueco. La actriz Mai Zetterling empezó a
dirigir en los sesenta y siguió haciéndolo hasta su muerte en 1994, trabajando en Suecia y reino Unido. Scrubbers (1982) o Amorosa
(1986) son dos de sus filmes de este periodo.
Antiguo profesor, Jan Troell se reveló como la personalidad más interesante del cine sueco de los setenta con su adaptación de la obra

de Vilhelm Moberg Los emigrantes (Utvandrarna) y su secuela La nueva tierra (Nybyggarna), ambas de 1971. Se trata de la epopeya
migratoria hasta Estados Unidos de unos campesinos suecos del siglo XIX que le valió ser llamado a Hollywood, donde sus películas
fracasaron. De regreso a Suecia rodó la épica y polar El vuelo del águila (Ingenjör Andrées luftfärd, 1982), la polémica Il Capitano (1991)
y la controvertida Hamsun (1996) sobre el escritor noruego Knut Hamsun, un premio Nobel que fue ferviente admirador de Hitler.
Fotograma de Los emigrantes, Infiel y Mi vida como un perro
La también actriz Liv Ullman escribió y dirigió cuatro películas al estilo de Ingmar Bergman (con quien tuvo una hija). En ellas muestra el
interior de los personajes desde una cuidada puesta en escena, como en Sofíe (1992), Confesiones privadas (Enskilda samtal, 1995)
(1) o Infiel (Trolösa, 2000).
Lasse Hällström se reveló con Mi vida como un perro (Mitt liv som hund, 1985). Trasladado a Hollywood, destacan dos filmes con
Johnny Deep como protagonista, ¿A quién ama Gilbert Grape? (What's eating Gilbert Grape?, 1993) y Chocolat (2000).
Finlandia
Aquí surge uno de los autores más interesantes del momento, Aki Kaurismäki (vd. Autores) que muestra en su cine a las clases
sociales más desfavorecidas con una mirada tierna e irónica. Entre sus películas destacan La chica de la fábrica de cerillas
(Tulitikkutehtaan tyttö, 1990) con resonancias del cine de Bresson, Contraté un asesino a sueldo (I Hired a Contract Killer, 1990), La vida
de bohemia (La vie de bohème, 1996) o Juha (1998), una cinta muda en la estela de Amanecer de Murnau.
Fotogramas de Soldado desconocido, Juha y Casas abandonadas
Otros directores son Lauri Törhönen que realizó la crítica y asombrosa Palava Enkeli (1984) y Casas abandonadas (Hylätyt talot, autiot
pihat, 2000), una trágica historia de mujeres en la segunda Guerra mundial. Rauni Mollberg logró una película antimilitarista
impresionante, El soldado desconocido (Tuntematon sotilas, 1986). Renny Harlin (Lauri Harjola es su nombre) desarrolló su carrera en
EE.UU. con filmes de aventuras, frecuentemente al servicio de su esposa, la actriz Geena Davis, como La isla de las cabezas cortadas
(Cutthroat Island, 1995) o Memoria letal (The Long Kiss Goodnight, 1996).
Para saber más
(1) Confesiones privadas
Portugal y Grecia
Maestros del Sur: de Oliveira y Angelopoulos
Portugal

El veterano Manoel de Oliveira (1908) es uno de los más importantes autores de cine, un maestro imprevisible como Godard o Buñuel.
Su películas se caracterizan por una marcada teatralidad y una constante reflexión acerca de la naturaleza del arte y la complejidad del
ser humano. En activo desde 1929, rueda un filme al año, muchos de ellos ambientados en su Oporto natal. Entre sus películas de este
periodo podemos citar Le soulier de satin (1985), A Divina Comédia (1991), El valle de Abraham (Vale Abraão, 1993), La caja (A Caixa,
1994), El convento (O Convento, 1995), la autobiográfica Viaje al principio del mundo (Viagem ao Princípio do Mundo, 1997) o A carta
(1999).
Retrato de Oliveira y fotogramas de A caixa(izq.). Retrato de Angelopulos y La mirada de Ulises (dcha.)
Grecia
Theo Angelopoulos, autor de la fascinante metáfora de poder y posesión Alejandro Magno (O Megalexandros, 1980), es un director
genial, en la línea de Bergman y de Fellini. Su cine es una búsqueda moral y espiritual continua. El viaje de los comediantes (O
Thiassos, 1975) es una deslumbrante epopeya de la historia de la Grecia moderna, con recursos narrativos sorprendentes. Con Paisaje
en la niebla (Topio stin Omichli, 1988), La mirada de Ulises (To Vlemma tou Odyssea, 1995) (1), reflexión sobre las ruinas de la guerra
de los Balcanes y la memoria de la cultura, y La eternidad y un día (Mia aiwniothta kai mia mera, 1998), profundo film en el que se narra
una historia de balance vital, demuestra poseer una de las voces fílmicas más poderosas del siglo.
Para saber más
(1) To Vlemma tou Odyssea
Recomendación
Visiona el reportaje de Días de cine
Theo Angelopoulos ( 1935-2012)
Bélgica y Holanda
Autores belgas
Jean-Jacques Andrien dirigió el drama Grand paisage dÁlexis Droeven (1981) una película paisajista con estilo contemplativo y lírico
que trataba el tema de la transmisión entre generaciones. Posteriormente produjo muchas buenas películas.

Fotogramas de Grand paysage, El octavo día y Rosetta
Jaco Van Dormael, procedente del documental, tuvo un debut brillante con la excelente Toto le héros (1991) (1) y volvió a demostrar
un gran pulso con la sorprendente historia de perdedores El octavo día (Le huitième jour, 1998) (2). Dos éxitos internacionales fueron
los biopics del sacerdote obrerista Daens (Stijn Coninx, 1992) y Farinelli, il Castrato (Gérard Corbiau, 1994).
Pero las grandes figuras del cine belga son los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, autores de un cine social y crudo lleno de
realismo. La promesa (La promesse, 1996), una película sobre inmigrantes y compromisos éticos, fue premiada en valladolid y Rosetta
(1999), en la que muestra la vida de una joven marginal, ganó la Palma de Oro de Cannes. En esa misma línea están la descarnada El
hijo (Le fils, 2002) y el drama de padres adolescentes de El niño (L'enfant, 2005), con la que volvieron a ganar en Cannes.
Contrastes holandeses
Paul Verhoeven se dio a conocer con su segundo largo, el drama erótico Delicias turcas (Turks Fruit, 1973). Tras varias películas en su
país, como la destacable Eric, oficial de la reina (Soldaat van Oranje, 1977), dio el salto a Hollywood donde se especializó en filmes
llenos de efectos especiales (Robocop, 1987) y erotismo como Instinto básico (Basic Instinct, 1992). Marleen Gorris tuvo una gran
acogida a su Antonia (1995), una película subversiva y bella.
Fotogramas de Delicias turcas, Antonia y Submission
Theo van Gogh, polémico y ateo radical, criticó en sus películas a los políticos, como En el interés del Estado (In het belang van de
staat, 1997) y las religiones organizadas, especialmente el sionismo y el islamismo. Su cortometraje Submission (2004), en el que
denunciaba la situación de las mujeres entre los islamistas, levantó ampollas entre los musulmanes holandeses, uno de los cuales lo
asesinó en noviembre de 2004.
Para saber más
(1) Toto le héros
(2) Le huitième jour
El final de la Unión Soviética
Los años ochenta supusieron un cierto aperturismo que permitió que los cineastas soviéticos tomasen una dimensión que les permitió,
en muchos casos, seguir destacando en el sistema posterior (en el que siguió habiendo algunas dificultades para la total libertad de
creación artística).
En 1979 el melodrama generacional Moscú no cree en las lágrimas (Moskva slezam ne verit) (1) de Vladimir Menshov fue la gran

sensación del cine ruso. A partir de 1985, la política reformista y de aperturismo favorece la recuperación de la obra de Tarkovski, que
murió en el exilio en 1986, y permitió el regreso de algunos autores inhabilitados en la etapa anterior.
Fotogramas de Moscú no cree en las lágrimas, Monanieba y Urga
El georgiano Tengiz Abuladze dirigió la controvertida Monanieba (1984), una metáfora del estalinimo. Elem Klimov, presidente de la
Asociación de Cineastas, rodó la magistral Masacre: ven y mira (Idi I Smotri, 1985), una terrible mirada sobre la ocupación de Bielorrusia
por los nazis. Kira Muratova dirige con un estilo oscuro, cruel, y a ratos absurdo, como en la bipolar Síndrome asténico (Astenicheskiy
Sindrom (1989), un retrato del decaimiento moral de una sociedad que vive entre la agresividad y la apatía. Muratova continuó su
carrera con un cine de fuerte impacto emocional, que busca desorientar al espectador con la ausencia deliberada de cualquier
formalismo.
Nikita Mikhalkov es el director más reconocido en su país. Tras varias películas notables, varias de ellas basadas en Chejov, se dio a
conocer internacionalmente con la deliciosa Ojos negros (Oci ciornie, 1987), rodada en Italia, y la poética Urga, el territorio del amor
(Urga, 1991) (2). Quemado por el sol (Utomlyonnye solntsem, 1994) (3), ambientada en la época de las purgas estalinistas, ganó el
Oscar y ha sido la película más taquillera en la Europa del Este durante el siglo XX. Ha sido presidente de la Asociación de Cineastas y
dirigió desde 2000 el festival de cine de Moscú.
Los nuevos cineastas
Aleksandr Sokúrov, al modo de Tarkovsky y de Kieslowski, está más interesado en la estética visual que en los temas controvertidos.
Así dirige con simplicidad y belleza Madre e hijo (MatÍ Syn , 1997), en la que la naturaleza se muestra con estilo pictórico. Sokúrov filmó
una trilogía sobre políticos del siglo XX: Moloch (1999) sobre Hitler, Taurus (2000) sobre Lenin, y El Sol (Solntse, 2004) sobre el
emperador Hirohito y la controvertida El arca rusa (Russkij kovcheg, 2002) (4), filmada en un sólo plano-secuencia de 96 minutos.
Fotogramas de Síndrome asténico, Arca rusa y Guerra
Aleksei Balabanov dirige dos crudos dramas contemporáneos de crímenes y gánsters en Hermano (Brat, 1997) y Hermano II (Brat II,
2000), y la inolvidable historia sobre los primeros años del siglo y del cine De monstruos y hombres (Pro Ourodov I Lioudiei, 1998).
Abordó el conflicto de Chechenia en Guerra (Voyna, 2002).
Para saber más
(1) Moscú no cree en las lágrimas
(2) Urga
(3) Quemado por el sol
(4) El arca rusa

De película
Trailer de Quemado por el sol de Mikhalkov.
Europa oriental
Polonia
Andrzej Wajda continuó las líneas argumentales de su período anterior con sus epopeyas sobre el hombre, como Un amor en Alemania
(Eine Liebe in Deutschland, 1980), Los poseídos (Les possédés, 1988) o Pan Tadeusz (1999). Afín a las ideas del sindicato Solidaridad,
fue senador a principios de los 90.
Krzysztof Kieślowski creó un cine estético, de gran belleza visual. Sus obras son magistrales dramas psicológicos, sociales y
personales sobre la conducta humana, en los que se interrogó sobre la función del arte y del artista, y la responsabilidad del cineasta.
Se dio a conocer con Amator (1979) y después hizo Przypadez (1982), una imagen irónica de la situación polaca, No matarás (Krótki film
o zabijaniu, 1987), No amarás (Krótki film o miłości, 1988) y Decálogo (1989), una serie de 10 capítulos para la televisión. Rodó en
Francia la espiritual La doble vida de Verónica (La double vie de Véronique, 1991) y en 1993-1994 dirigió su trilogía llena de símbolos
Tres colores (Trois couleurs): la nostálgica Azul (Bleu) (1), la delirante Blanco (Blanc) y la vitalista Rojo (Rouge), en correlación con las
ideas de Libertad, Igualdad y Fraternidad. En ellas se muestran tragedias de personas con sus conflictos y sus relaciones, pero con la
esperanza de reconciliación con ellas mismas y con su entorno.
Fotogramas de Eine Liebe in Deutschland, Europa, Europa y Rojo
Agnieszka Holland, colaboradora, ayudante de dirección y guionista en algunas películas de Wajda y de Kieslowsky, escribió y dirigió,
Bittere Ente (1985) y Europa, Europa (1990) (2), que se articulan sobre la huída de personajes judíos enfrentados a la ideología nazi.
Con Vidas al límite (Total eclipse, 1995) abordó la relación entre Verlaine y Rimbaud.
Otros autores
István Szabó es el director húngaro más conocido. Autor de un cine de autor, exploró la historia reciente del país desde la perspectiva
de su generación en Padre (Apa, 1966), Szerelmesfilm (1970) y Tűzoltó utca 25 (1973). Con la fascinante Mephisto (1981) (3), sobre la
relación del arte y la política, se llevó el Oscar, con Coronel Redl (Oberst Redl, 1984) ganó en Cannes y con Hanussen (1988) (4)
profundizó en el poder hipnótico de las ideologías. Las tres fueron protagonizadas por el actor austriaco Klaus Maria Brandauer.
Fotogramas de Reconstituirea, Mephisto y Coronel Redl
Lucian Pintilie fue uno de los directores más importantes del teatro y el cine rumanos. Reconstituirea (1968), su segunda película, es
considerada una obra maestra del cine rumano. Dirigió El roble (Balanta, 1992), una tragicomedia de ribetes absurdos sobre el
derrumbamiento de su país o la realista y terrible Última parada, el paraíso (Terminus paradis, 1998).

Amar el Cine: Capítulos 6 y 7
Pulse aquí
Para saber más
(1) Bleu
(2) Europa, Europa
(3) Mephisto
(4) Hanussen
De película
Trailer de Europa, Europa de Holland.
Los convulsos Balcanes
Yugoslavia y sus secuelas
La primera figura que alcanzó cierta repercusión exterior fue Alexandar Petrovic, ganador en Cannes con Yo también conocí algunos
gitanos felices (Skupljaci perja, 1967). Dusan Makavejev, líder del Novi Film que reivindicaba el cine experimental de los Godard,
Pasolini o Jancsó, causó un notable escándalo con el falso documental basado en las teorías de Wilhelm Reich Los misterios del
organismo (Misterije organizma, 1971). Posteriormente realizó ya en Francia la sátira social Dulce película (Sweet Movie, 1974).
Fotogramas de ...conocí algunos gitanos felices, El perro al que... y Papá...en viaje de negocios
Goran Paskaljevic topó con la censura en su primer filme Pan Hrstka (1969), pero posteriormente se consolidó como uno de los
mejores valores del cine yugoslavo con El vigilante de la playa en invierno (Čuvar plaže u zimskom periodu, 1976) y El perro al que le
gustaban los trenes (Pas koji je voleo vozove, 1977). En 1992 abandonará el país.
Con una impresionante serie de largometrajes internacionalmente aclamados, el bosnio Emir Kusturica es autor de películas en torno al
carácter de los pueblos, los conflictos sociales y la brutalidad humana, siempre tomando partido como en ¿Recuerdas a Dolly Bell?
(Sjecas li se, Dolly Bell 1981) y Papá está en viaje de negocios (Otac na službenom putu, 1985) (1), con las que fue premiado en

Venecia y Cannes. Aún más aclamada fue Tiempo de gitanos (Dom za vesanje, 1989). Tras alguna rareza en EEUU, volvió con la
ambiciosa y controvertida Underground (1995) (2), una personal visión histórica de Yugoslavia. Cerró su obra del siglo XX con la genial
farsa Gato negro, gato blanco (Život je čudo, 1998).
Con la desintegración de Yugoslavia, la cinematografía se deterioró, comenzando a funcionar de forma independiente en las diferentes
ex-repúblicas yugoslavas.
Bulgaria
La película Cuerno de cabra (Kozijat rog) de Metodi Andonov, una reflexión sobre el amor y la muerte, fue una de las revelaciones del
año 1972 en un occidente que desconocía el cine búlgaro. Un gran nombre del cine búlgaro es Ivan Nichev que, a través de las dos
Guerras Mundiales, el holocausto y el período del comunismo, explora siempre en la condición humana.
Turquía bajo la dictadura militar
Pese a la terrible dictadura que hubo en su país, Yilmaz Güney dio a conocer al mundo el cine turco con películas de activismo político,
algunas acabadas por su ayudante Serif Gören, ya que él pasó muchos años en la cárcel. Tras escapar de la cárcel, pudo acabar en el
extranjero la estremecedora Yol (1982) (3) y El muro (Duvar, 1983), dos historias que retratan las cárceles humanas, más allá de la
prisión. Murió de cáncer (no había recibido tratamiento mientras estuvo encarcelado) con 47 años en 1984 y sus películas estuvieron
prohibidas en Turquía hasta 1992.
Retrato de Yilmaz Güney y fotogramas de Yol y El muro
Para saber más
(1) Papá está en viaje de negocios
(2) Underground
(3) Yol
De película
Trailer de Underground de Kusturica.
Actividad 9
Paskaljevic y Kusturica son los cabezas de cartel del nuevo cine yugoslavo y post-yugoslavo.
Si conoces alguna película de ellos o de otro director balcánico, coméntala y, en su caso, recomiéndala.

Otras cinematografías
En este período, junto a países con sistemas políticos sin conflictos y con cinematografías con un desarrollo estable, hay otros llenos de
dificultades y convulsiones pero con cinematografías emergentes. En general, en todos ellos se incorporan las innovaciones de estilo y
narrativa anteriores, y se abandonan las pautas de las instituciones para tratar en los relatos temas y personajes extraídos de la realidad
cotidiana, en lucha con las condiciones de vida derivadas de las transiciones sociales y políticas en unos países, o con las
consecuencias de los sistemas industrializados y tecnificados en otros.
Debido a la poca distribución, no es un cine fácil de ver, pero en todo caso, igual que ocurre con todo el buen cine, merece la pena
seguirle la pista.
Actividad 10
Selecciona una película de una cinematografía que no sea europea o de EE.UU. y explica por qué deberíamos verla.
Latinoamérica
Argentina
El autor de Tiempo de revancha (1981), Adolfo Aristaraín se consolidó como figura central del cine argentino con los éxitos de público
y crítica Un lugar en el mundo (1991), Martín Hache (1996) y Lugares comunes (2003) (1). Luis Puenzo dio su primer Oscar a
Argentina con La historia oficial (1986), una reflexión sobre la opresión y el olvido durante la dictadura militar argentina, dirigiendo
también Gringo viejo (1988), adaptación de la novela de Carlos Fuentes. También se acercaron a la guerra sucia de la dictadura La
noche de los lápices (Héctor Olivera, 1986), Made in Argentina (Juan José Jusid, 1987), La amiga (Jeanine Meerapfel, 1989), Garage
Olimpo (Marco Bechis, 1999) (2) o Kamchatka (Marcelo Piñeiro, 2002). Sergio Renán, que ya había adaptado la obra de Mario
Benedetti La tregua (1974), dirigió una versión de El sueño de los héroes (1992) de Adolfo Bioy Casares. Lucrecia Martel debutó con la
fallida La ciénaga (2000).
Fotogramas de Un lugar en el mundo, Garaje Olimpo, Picado fino y Pizza, birra, faso
En la década del noventa surge una nueva corriente denominada nuevo cine argentino (3), de carácter independiente. El precursor en
este movimiento fue Martín Rejtman quien hace en 1991 su ópera prima Rapado. Otro filme que marcó un punto de inflexión es Picado
fino (1994) de Esteban Sapir. La primera película que tuvo repercusión pública fue Pizza, birra, faso de Bruno Stagnaro e Israel
Adrián Caetano. A esa le siguieron Mundo Grúa (1999) de Pablo Trapero y otras que continuaron esa línea de películas realistas con
bajo presupuesto y actores no profesionales.
México
Tras una larga crisis, el cine mexicano volvió al plano internacional con obras de directores como Arturo Ripstein con La mujer del
puerto (1991), Profundo Carmesí (1996) y El coronel no tiene quién le escriba (1999) y de Alfonso Arau con Como agua para chocolate
(1992) y Un paseo por las nubes (1995). María Novaro también consigue notables película con Danzón (1991), sobre la lucha de una
mujer, y El jardín del Edén (1995), sobre los mexicanos que pasan la frontera hacia los EEUU.

Fotogramas de Como agua para chocolate, El jardín del Edén, Mariachi y Las mujeres de verdad...
Otra línea ascendente es la del cine hecho en EE.UU. por hispanos. En el ámbito comercial destaca Robert Rodríguez que se reveló
con la original El mariachi (1993). El último éxito de este cine ha sido Las mujeres de verdad tienen curvas (4) de Patricia Cardoso
(2002).
Brasil
Existe cierto paralelismo entre el cine brasileño y argentino de estos años, en cuanto a temas y modos de hacer. Así, Nelson Pereira
dos Santos, padre del Cinema novo y que se había dado a conocer internacionalmente con Vidas secas (1963), realizó Memorias de la
cárcel (Memórias do cárcere, 1984) sobre la represión militar. Con la democratización, Héctor Babenco hizo un escalofriante retrato de
la delincuencia infantil con Pixote, la ley del más débil (Pixote: A Lei do Mais Fraco. 1980). El beso de la mujer araña (Kiss of the Spider
Woman, 1984), sobre la novela de Manuel Puig, es su mejor película en EE.UU. Susana Amaral, que estudió cine tras haber tenido
diez hijos y divorciarse, debutó con A Hora da Estrela (1985), basada en una novela de Clarice Lispector que muestra las condiciones
de una joven obrera.
Fotogramas de Memorias de la cárcel, Pixote:..., Estación central... y Ciudad de Dios
Las últimas revelaciones del cine brasileño son Estación central de Brasil (Central do Brasil, 1998) de Walter Salles y Ciudad de Dios
(Cidade de Deus, 2002) de Fernando Meirelles.
Cuba
Tomás Gutiérrez Alea logró el reconocimiento del público, y premios internacionales, después de su etapa crítica al burocratismo del
régimen, con Fresa y chocolate (1993) y Guantanamera (1995), codirigidas con Juan Carlos Tabío.
El veterano Humberto Solás siguió trabajando con adaptaciones como El siglo de las Luces (1991). Sus últimos filmes han sido Miel
para Oshún (2001), sobre un cubano-americano que se reencuentra con sus raíces, y la desencantada Barrio Cuba (2005).
Fernando Pérez es autor de documentales y ficciones documentales que han recibido numerosos premios. Una de las más recientes es
la sugerente Suite Habana (2003).
Fotogramas de Suite Habana, La estrategia del caracol, La ciudad y los perros e Historias de fútbol
Colombia, Perú, Venezuela, Bolivia, Ecuador, Chile
Entre los autores de países sin demasiada base industrial hay que citar a los colombianos Sergio Cabrera, autor de uno de los mayores

éxitos del cine latinoamericano con La estrategia del caracol (1993) y Víctor Gaviria con su conmovedora La vendedora de rosas (1998)
y al maestro peruano Francisco Lombardi ( La ciudad y los perros, 1985 o La boca del lobo , 1988).
Otros nombres son los de los venezolanos Román Chalbod (La oveja negra, 1987) y Mauricio Wallerstein (Cuando quiero llorar no
lloro, 1973), el boliviano Paolo Agazzi (Los hermanos Cartagena, 1984) o los hermanos ecuatorianos Esteban y Viviana Cordero
(Sensaciones, 1990).
Chile, tras la recuperación de la democracia, experimenta una cierta bonanza industrial y creativa: Ricardo Larraín obtuvo
reconocimiento internacional con La frontera (1991) y descollaron jóvenes realizadores como Gustavo Graef-Marino (Johnny cien
pesos, 1993), Andres Wood (Historias de fútbol, 1997 y El desquite, 1999), Boris Quercia (Sexo con amor, 2003) y Marcelo Ferrari
(Sub-Terra, 2003).
Para saber más
(1) Lugares comunes
(2) Garage Olimpo
(3) Nuevo cine argentino
(4) Las mujeres de verdad tienen curvas
De película
Trailer de Como agua para chocolate de Alfonso Arau
Trailer de Ciudad de dios de Meirelles
El auge de los cines asiáticos
La Quinta Generación china
Tras la muerte de Mao se reabrió la Academia de Cinematografía y los primeros diplomados formarán la llamada Quinta Generación,
que abordará con cierta tolerancia obras realistas o de reflexión sobre la historia reciente en un contexto de desarrollo industrial y
urbano. Los más destacados son:
Chen Kaige cuya película Tierra amarilla (Huang Tudi, 1984) marca el inicio de la Quinta Generación, es uno de los directores más
conocidos con El rey de los niños (Haizi wang, 1987), Adiós a mi concubina (Bàwáng Bié Jī, 1993) (1), El emperador y el asesino (Jing
Ke ci Qin wang, 1999).
Zhang Yimou es el más conocido del grupo y el que más repercusión tuvo en Occidente tras Sorgo rojo (Hang gao Liang, 1987) (2),
Semilla de crisantemo (Ju Dou, 1990) (3) y La linterna roja (Dà Hóng Dēnglóng Gāogāo Guà, 1991) (4). La conmovedora Ni uno
menos (Yi ge dou bu neng shao, 1998) (5) y la hermosísima El camino a casa (Wo de fu qin mu qin, 1999) (6) fueron sus últimas
grandes películas de autor, antes de decantarse por un cine más comercial.
Wu Tianming, autor de El viejo pozo (Lao Jing, 1986) y la maravillosa El rey de las máscaras (Biàn Liǎn, 1996) se exilió a EE.UU. unos
años tras la matanza de Tiannamen.

Fotogramas de Adiós mi concubina, Linterna roja, Ni uno menos y Rey máscaras
Tian Zhuangzhuang, un famoso actor, rodó, entre otras, Ladrones de caballos (Dao ma zei, 1986) y La cometa azul (Lan feng zheng,
1993), filmes muy admirados por Scorsese.
Zhan Yuan, tras filmes como Bastardos de Pekín (Beijing za zhong, 1993), irritó a las autoridades con Palacio de oriente, palacio de
occidente (Dong gong xi gong, 1996), que le retiraron su pasaporte.
Tras ellos, aparece una Sexta Generación que mira más hacia los conflictos urbanos, con temas como las drogas, la homosexualidad,
los trabajadores ilegales y las consecuencias de un crecimiento desequilibrado. Wang Xiaoshuai debutó en 1993 con Los días
(Dongchun de rizi) y brilló en Tan cerca del paraíso (Biǎn dān, gū niáng, 1998). Tras varios cortometrajes, Jia Zhangke, uno de los
pilares del cine independiente chino, debutó con Xiao Wu (1998) y brilló con Plataforma (Zhantai, 2000).
Taiwán
Tras estudiar en EE.UU., Ang Lee realizó en su país El banquete de bodas (Hsi yen, 1993) (7) y Comer, beber, amar (Yin shi nan nu,
1994) (8) ,en las que abordaba el choque entre la mentalidad tradicional y las nuevas generaciones occidentalizadas. Posteriormente
trabajó en EEUU rodando películas de diversos géneros antes de volver a sus raíces con Tigre y dragón (Grouching Tigre, Hiden
Dragon, 2000), un espectacular film de artes marciales (Wu Xia) en coproducción con China.
Hou Hsiao-hsien reflejó el impacto sobre los individuos de los grandes hechos históricos en Tierra de desdicha (Bēiqíng chéngshì,
1989), El maestro de marionetas (Xì mèng rén shēng 1993), Adios sur, adios (Nánguó Zaìjiàn, Nánguó, 1996), y Flores de Shangai
(Shàng hāi hua, 1998) , un estudio de las relaciones de los individuos y el poder ambientado en el siglo XIX.
Otros autores son Edward Yang con El terrorista (Kongbu fenzi, 1986) y Yi Yi (2000) y el malayo Tsai Ming-Liang con Viva el amor
(Aiqing wansui, 1994) y El río (He liu, 1997).
Fotogramas de Comer, beber,amar, Adiós sur,adiós, Chunking Express y Olor papaya verde
Hong Kong
El cine hongkongués se labró su reputación en los setenta con los filmes de artes marciales, con los Bruce Lee y Jackie Chan a la
cabeza. Los directores Tsui Hark y Wong Jin son los líderes de una producción que colonizó en los ochenta las pantallas de Asia,
incluido Japón, y llegó a todos los continentes, especialmente a través de las colonias chinas, integrándose en la cultura popular. Al cine
de kung-fu, se suman géneros como el cine de gánsters (las tríadas chinas) con John Woo, un cineasta que acabará dirigiendo en
Hollywood, las comedias y los melodramas.
Pese a que Hong Kong fue transferida a China en 1997, mantiene un estatuto de amplia autonomía (hasta 2047) que le ha permitido
mantener su cine propio.
Mable Cheung Yueng-ting dirigió una excepcional tragicomedia romántica dotada de humor sutil, Un cuento de otoño (Chou tin dik tong
wah, 1987). La actriz Silvia Chang hizo la bergmaniana Passion (1987), una joya de gran belleza y simplicidad y ha rodado una docena
de filmes más, casi siempre con rasgos feministas.
Wong Kar-wai es el director con un lenguaje más nuevo y estimulante y un estilo visual muy estilizado y de gran belleza formal, todo
ello con la colaboración del director de fotografía australiano Christopher Doyle, a base de vivos colores, rápidos cortes y suaves
movimientos de cámara: Chungkin Express (Chung hing sam lam, 1994), Ángeles caídos (Fallen Angels, 1995), y Deseando amar (Fa

yeung nin wa, 2000).
Vietnam
Trần Anh Hùng elige temas de la vida cotidiana, de importancia social o intimista, y además, en sus películas, da gran importancia a los
detalles, al tratamiento del color, a la textura de las imágenes y a la banda sonora. Las laureadas El olor de la papaya verde (Mùi đu đủ
xanh, 1993), Cyclo (Xích lô, 1995) y Pleno verano (2000) forman su trilogía vietnamita, tras la cual buscará nuevos horizontes en Japón
y Francia.
Los nuevos autores japoneses
Los años 80-90 supusieron la muerte de los grandes estudios japoneses con los nuevos gustos del público, y el paso de la producción a
los productores independientes.
El veterano Shohei Imamura dirigió la hermosa La balada de Narayama (Narayama bushiko, 1983), la impresionante y bella Lluvia
Negra (Kuroi ame, 1989) y La anguila (Unagi, 1997).
Fotogramas de Balada de Narayama, Tampopo, Verano Kikujiru y After life
El independiente Yoichi Takabayashi, con varios filmes en 8 y 16mm en los setenta, realizó una película de amor excéntrico y un
hermoso uso del color, Iruzemi: el espíritu del tatuaje (Sekka Tomurai Zashi, 1982).
Jūzō Itami atacó con ironía y humor en sus películas a la yakuza y las sectas religiosas (fue herido por unos yakuza descontentos y
murió en extrañas circunstancias, aunque se dictaminó suicidio). Las principales son El Funeral (Ososhiki, 1984), Tampopo (1985) y El
arte de la extorsión (Minbō no Onna, 1992). La extraña muerte de Itami inspiró a su cuñado, el premio Nobel Kenzaburō Ōe su novela
Renacimiento (2000).
Actor y escritor,Takeshi Kitano empezó a dirigir en 1989, inicialmente películas de yakuzas llenas de humor y algo nihilistas como
Violent Cop (Sono otoko, kyôbô ni tsuki, 1989), Fireworks (Hana-Bi, 1997) (9), El verano de Kikujiro (Kikujiro no natsu, 1999) o Brother
(2000).
Hirokazu Kore-eda es uno de los autores más originales de la actualidad. Sus películas reflexionan sobre la asunción de la muerte y
otras pérdidas, siendo las primeras Maborosi (Maboroshi no hikari, 1995) y After Life (Wandafuru raifu, 1998).
India después de Ray
El clásico y veterano Satyajit Ray dirigió en 1984 El hogar y el mundo (Ghare-Baire), una confrontación entre dos tipos de nacionalismo,
el local y el cosmopolita, pero también el contrapunto entre los sentimientos individuales y los colectivos. Poco antes de morir acabó su
32º film (sin contar documentales o telefilmes), El visitante (Agantuk, 1991). Casi todo el resto de la producción india son melodramas
musicales populares.
Mira Nair se reveló internacionalmente con Salaam Bombay (1988), el deambular de un niño por los submundos de Bombay, la
subsistencia, la venta de una joven virgen, el amor y la necesidad de cariño. Posteriormente rodó en EE.UU., donde es profesora,
Mississippi Masala (1991) y The Perez Family (1995), en las que abordó el choque de culturas.
Fotogramas de Salaam Bombay, A través de los olivos, Kandahar y Niños del paraíso
La nueva ola iraní

Tras la revolución islámica de 1979 se cuestionó el cine comercial y se propició un cine de calidad siempre, aunque siempre amenazado
por los defensores de los valores islámicos. Nace así la llamada Nueva Ola iraní, conocida también como Cinemay-e motafavet o Cine
diferente.
Abbas Kiarostami es, en palabras de Akira Kurosawa, el nuevo Satyajit Ray. Su cine, que borra la frontera entre documental y ficción,
está realizado mediante un proceso de filmación complejo, imbricando acontecimientos reales con momentos creados, y simulando un
resultado final de apariencia simple. Es el director más reconocido en Occidente donde su uso del tiempo y el tono poético de filmes
como Dónde está la casa de mi amigo (Khāneh-ye doust kodjāst?, 1987) (10), Y la vida continua (Zendegi erame darad, 1992) (11),
A través de los olivos (Zire darakhatan zeyton, 1994) (12), El sabor de las cerezas (Ta'm-e gilās, 1997) (13) o El viento nos llevará
(Bād mā rā khāhad bord, 1999) (14) fueron muy aplaudidos.
Mohsen Makhmalbaf trata asuntos de actualidad de su país a la vez que reflexiona sobre el medio de expresión, como en Gabbeh
(1996), una película de gran belleza sobre dos amantes de diferentes tribus tejedoras de alfombras gabbeh, y en la conmovedora
Kandahar (2001) (15), sobre la situación de las mujeres en el Afganistán de los talibanes.Su hija Samira Makhmalbaf hizo La pizarra
(Takhté siah, 2000). Otro director interesante es Majid Majidi, con películas tan bellas y dramáticas como Niños del paraíso (1996), Y el
color del cielo (1999).
Para saber más
Zhang Yimou: (1) Adiós a mi concubina, (2) Sorgo rojo,(3) Semilla de Crisantemo, (4) La linterna roja, (5) Ni uno menos, (6) El
camino a casa
Ang Lee: (7) El banquete de boda, (8) Comer, beber, amar
(9) Hana-Bi (Fireworks)
Abbas Kiarostami: (10) Dónde está la casa de mi amigo, (11) Y la vida continua, (12) A través de los olivos, (13) El sabor de
las cerezas, (14) El viento nos llevará
(15) Kandahar
De película
Trailer de Camino a casa de Zhang Yimou
Trailer de El sabor de las cerezas de Abbas Kiarostami
África, la dificultad de hacer cine
Los cineastas africanos trabajaban con características similares a las de otros países con dificultades, convulsiones y cinematografías
emergentes, pero poniendo un interés especial en la búsqueda de recursos y estilos propios para no ser una copia de los europeos o
americanos.
Egipto
Desde los años 40 este país desarrolló una potente industria que producía para todo el mundo árabe géneros populares pero que
también ha propiciado algunos autores de calidad. Youssef Chahine, de familia cristiana libanesa, es el director más conocido (1) del
mundo árabe y ha rodado casi 40 películas. Formado en EE.UU., empezó haciendo películas costumbristas en los 50 pero en su
filmografía abundan las obras de reflexión histórica como La alternativa (Al-Ikhtiyar, 1970), El gorrión (El asfour, 1972) sobre la derrota

ante Israel o la grandiosa El destino (Al-Massir, 1998) (2) sobre el filósofo andalusí Averroes. Además filmó cuatro filmes
autobiográficos, en los que muestra sus conflictos y su bisexualidad: ¿Alejandría...Por qué? (Iskanderija... lih?, 1978), Una historia
egipcia (Hadduta misrija, 1982), Alejandría, de nuevo y siempre (Iskanderija, kaman oue kaman, 1990) y Alejandría...Nueva York
(Iskanderija... New York, 2004).
El director Chahine (izq.) y fotogramas de El gorrión, El destino y Caos (2007)
Senegal
El escritor Ousmane Sembène, considerado como el padre del cine africano hizo desde 1964 un cine militante y comprometido, como
en Camp de Thiaroye (1987) o Faat Kiné (2000). Djibril Diop Mambéty, menos conocido que Sembène, es un cineasta más ambicioso
artísticamente como demostró en Hienas (Hyènes, 1992). Su prematura muerte le impidió completar su trilogía de la gente pequeña, de
la que rodó Le franc (1995) y La niña que vendió el sol (La petite vendeuse de soleil, 1998).
Fotogramas de Camp de Thiaroye, La niña que vendió el sol, Yeelen y La ley
Mali
Souleymane Cissé muestra el drama africano a través de historias de niños y adolescentes como en El viento (Finyè, 1982) o Yeelen
(1987).
Burkina Faso
Idrissa Ouedraogo estudió en la URSS y Francia y, además de películas como Yaaba (1989) o La ley (Tilai, 1990), ha realizado series
para televisión.
Para saber más
(1) Youssef Chahine: el gran cineasta egipcio. por Samir Farid Intramuros nº 28, Primavera / Verano 2008. Disponible en ARCE.
(2) Al-Massir
Oceanía
La edad de oro del cine australiano
En los años 80 se inició una era de prosperidad para la industria australiana. Bruce Beresford dirigió Breaker Morant (1980) sobre el
sacrificio de los individuos ante los poderes establecidos y los estados. Clara Law en Floating Life (1996) habla de emigración, amor y
familia. Más comerciales son George Miller, con los apocalípticos Mad Max y Mad Max II (1981) y Peter Faiman con Cocodrilo Dundee
(Crocodile Dundee, 1986), la película más taquillera de la historia del cine australiano.

El director más notable es Peter Weir con Gallipoli (1981) y El año que vivimos peligrosamente (The Year of Living Dangerously, 1982).
Weir marchó a EEUU donde dirigió filmes de encargo pero siempre con un toque personal como Único testigo, La costa de los
mosquitos (The Mosquito Coast, 1986) y El club de los poetas muertos (Dead Poets Society, 1989) y El show de Truman (The Truman
Show, 1998) (1).
Fotogramas de Breaker Morant, El año que vivimos peligrosamente, Truman Show y El piano
Nueva Zelanda
Jane Campion realizó la intensa y bella El piano (The Piano, 1993) (2). Peter Jackson dirigió como independiente el film gore de culto
en 16mm Bad Taste (1987). Más tarde también dirige el escalofriante thriller Criaturas celestiales (Heavenly Creatures, 1991), que
demostró que era algo más que un director gamberro. Terror y humor volvieron con The Frighteners (1996), aunque Jackson se hará
célebre al lograr la dirección de la trilogía El señor de los anillos.
Para saber más
(1) The Truman Show
(2) The Piano
De película
Trailer de The Truman Show de Peter Weir.
Trailer de The Piano de Jane Campion.
Canadá
Por su cercanía a Estados Unidos, buena parte de los grandes talentos canadienses (desde Mack Sennett a James Cameron) han
trabajado en la industria de Hollywood. Desde 1967 el gobierno impulsa el Instituto del Cine y políticas para fomentar un cine nacional
(1). Norman Jewison, un director que triunfó en EE.UU., fue una de las principales personalidades del cine canadiense. Por cuestiones
lingüísticas, fue en la francófona Quebec donde se consolidó un cine de autor y, posteriormente un cine comercial en francés (y desde
los 90 más volcado hacia los telefilmes para televisión).
La figura de proa del cine quebequés es Denys Arcand que con la mordaz El declive del imperio americano (Le déclin de l'empire
américain, 1985) (2) cuestionó las relaciones sociales a través del sexo. Con la continuación, Las Invasiones bárbaras (Les Invasions
barbares, 2003) (3) se llevó el Oscar de lengua no inglesa. Entre medias realizó la irónica Jésus de Montréal (1989) (4).
Jean-Claude Lauzon, fallecido prematuramente en un accidente de avión, es autor de la original y poética Léolo (1992) (5).

Fotogramas de Las Invasiones bárbaras, Leolo, Exótica y Crash
El armenio Atom Egoyan es un director independiente y alternativo de gran calidad, que reflexiona sobre la alienación y la
incomunicación en una sociedad llena de medios de comunicación. Exotica (1994) (6) es una fascinante película de voyeurismo y
secretos de familia. En El dulce futuro (The Sweet Hereafter, 1997), muestra más tensiones y secretos familiares, y en El viaje de Felicia
(Felicia's Journey, 1999) más relaciones fatales.
David Cronenberg es un maestro del terror, con fijación en la clonación y la metamorfosis y también para las adaptaciones literarias.
Entre sus películas más populares, Scanners (1981) (7), La mosca (The Fly, 1986) (8) y Crash (1996) (9), con la que se inició un giro
en su carrera hacia temas más realistas.
Para saber más
(1) cine nacional
Denys Arcand: (2) Le déclin de l'empire américain, (3) Les Invasions barbares, (4) Jésus de Montréal
(5) Léolo
(6) Exotica
David Cronenberg: (7) Scanners, (8) The Fly, (9) Crash
De película
Trailer de Las invasiones bárbaras de Denys Arcand.
Trailer de Crash de David Cronemberg.
Autores
Los autores amplíados son Spielberg y Coppola, representantes de las dos almas del cine americano, la del entretenimiento de calidad
y la del cine de autor, y dos de los directores europeos más singulares de finales del siglo XX, Pedro Almodóvar y Aki Kaurismäki.
Steven Spielberg

Spielberg junto a los carteles de varias de sus películas
El Director
Steven Spielberg (1946) puede presumir de tener una de las filmografías más exitosas (1), sino la que más, de todos los tiempos.
Varios de sus títulos se cuentan entre las películas más taquilleras de la historia del cine. Este interesante registro procede de la
combinación de un talento casi innato para el cine (empezó a dirigir desde niño, con su propia familia) con una intuición proverbial a la
hora de detectar (o provocar) las apetencias en el público. Si a esto se le suma su considerables aptitudes como narrador fílmico (2) y
el respaldo de la industria hollywoodiense, se obtiene como resultado un auténtico hombre de cine, capaz de poner de moda en todo el
mundo dinosaurios o extraterrestres, al tiempo que sensibilizar a la opinión pública sobre las consecuencias del racismo a través de
películas de hondo calado, más propias del cine de autor que del cine estrictamente comercial. Bueno, eso para sus (muchos)
partidarios ya que una parte de la crítica le acusa de manipulador y de exceso de sensiblería.
Su Filmografía
Pero ni siquiera Spielberg ha escapado al sabor del fracaso (3). Entre sus numerosos éxitos hay algunos títulos que no alcanzan una
nota aceptable en un cineasta de su calado: Loca evasión (The Sugarland Express, 1974), El imperio del sol (Empire Of The Sun, 1987),
Always (1989), Amistad (1997) o A.I. (2001), bien por una mala concepción, bien por no haber contactado con el público, figuran entre
sus obras de menos prestigio. Pero, más allá de estas excepciones, sólo cabe hablar de éxitos y reconocimientos.
Fotogramas de Duel, Tiburón y Encuentros tercera fase
Su primer gran acierto, tras su excitante debut con la brillante road movie El diablo sobre ruedas (Duel, 1971) (4), fue Tiburón (Jaws,
1975), una película bien narrada y con ritmo, que le preparó el terreno para la realización de Encuentros en la tercera fase (Close
Encounters of the Third Kind, 1977) (5), película de extraterrestres que fue nominada al Oscar a la Mejor Dirección.
La década de los 80 es, seguramente, la época de plenitud del cineasta. En 1981 comenzó la saga de aventuras de Indiana Jones, con
En busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981), a la que seguirían Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the
Temple Of Doom, 1984) e Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and the Last Crusade, 1989), todas con Harrison Ford como
explorador infatigable, un personaje compuesto de dureza y ternura. Entre una entrega y otra de Indiana Jones, Spielberg tuvo tiempo de
rodar E.T. el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982), inolvidable cuento en el que un curioso extraterrestre trata de entender el
mundo de los humanos utilizando como cicerone a un niño, El color púrpura (The Color Purple, 1985), uno de sus mejores dramas, que
ahonda en la trágica existencia de una mujer negra, y El imperio del sol (Empire of the Sun, 1987), historia sobre los campos de
concentración japoneses de la II Guerra Mundial en la que no acertó con el tono.
Fotogramas de Indiana Jones, E.T. y El imperio del sol
Tras Always y Hook (1991), dos filmes fallidos, Spielberg quiso darse garantías definitivas de que su nombre pasaría por derecho a una
de las primeras páginas de la Historia del cine, y realizó la sorprendente Parque Jurásico (Jurassic Park, 1993), donde explotó a fondo
los efectos especiales.
Considerado un cineasta de cine de aventuras, quiso demostrar su capacidad para temas más trascendentes en La lista de Schindler

(Schindler's List, 1993), con la que Spielberg no consiguió convencer a todos los escépticos sobre la calidad artística de su cine. La
película, planteada como reconstrucción histórica de dramáticos episodios de exterminio nazi, contiene todo tipo de recursos, y obtuvo
por fin la consideración de la Academia, que la galardonó con 7 Oscar (entre ellos Mejor Director y Mejor película).
De su última etapa, tras los incomprensibles tropiezos de Amistad (1997) y A.I. (2001), sólo explicables por prestar más atención a su
faceta de productor (creó la productora Dreamworks), cabe destacar Salvad al soldado Ryan (Saving Private Ryan, 1998) (6), irregular
pero impactante película sobre la II Guerra Mundial, cuyas primeras secuencias ofrecen un tratamiento de las escenas bélicas tan
realista como desconocido hasta entonces, aunque su supuesto mensaje antibélico queda diluído por un inevitable patrioterismo. Su
sombrío acercamiento a la venganza de Israel en Munich (2006) (7) gustó a sus críticos pero indignó a sus seguidores más
convencionales (y al estado judío) por la crudeza de su planteamiento. También decepcionó, pese a su éxito en la taquilla, su adaptación
de La guerra de los mundos (War of the worlds, 2005) (8).
Fotogramas de La lista de Schindler, Salvad al soldado Ryan y Munich
Spielberg, que es junto con James Cameron el realizador más rentable de la historia, es asimismo un activo productor, campo en el que
ha mostrado siempre cierta predilección por los filmes de aventuras y ciencia-ficción como Los Goonies, las sagas de Regreso al futuro,
los Gremlins y los Tiny Toons, Men in Black y un largo etcétera. Pero también ha apoyado filmes de Akira Kurosawa o Clint Eastwood.
Para saber más
En Miradas de cine: (1) La filmografía de Spielberg, (2) Un gran cineasta, (3) Las críticas
Películas: (4) Duel, (5) Close Encounters of the Third Kind, (6) Saving Private Ryan, (7) Munich, (8) War of the worlds
De película
Trailer de Duel.
Trailer de Always.
Pedro Almodóvar
Almodóvar junto a carteles de algunas de sus películas

Sus Inicios
La primera etapa de Pedro Almodóvar (1949) se define por el frenesí y desinhibición de sus argumentos. Tras haber hecho teatro,
música, relatos y cortos, debutó con Pepi, Lucy, Bom, y otras chicas del montón (1980) (1), que costó 500.000 ptas. Tras Laberinto
de pasiones (1982) (2) y Entre tinieblas (1983) (3) llamó la atención de la crítica con la brillante ¿Qué he hecho yo para merecer
esto? (1984) (4). Esas primeras películas están repletas de extravagancias y de disparates llamativamente provocativos, exhibiendo sin
tapujos contenidos (especialmente los sexuales) que lindan con lo prohibitivo, al menos según los moldes estéticos de los primeros
ochenta.
Como todo talento creador que disfruta provocando, Almodóvar consiguió ser desde el inicio objeto de encendidas y controvertidas
críticas. Desde aquéllas que le otorgaron el acierto de haber encontrado un nuevo e insólito cauce de comunicación con el espectador,
hasta las que le tildaron de oportunista, cuyo único mérito radicaba en saber haber adaptado el esperpento, en su versión más grosera,
a la cultura postmoderna.
Fotogramas de Pepi, Luci, Bom,..., ¿Qué he hecho...?, La ley del deseo y Átame
Su Universo
En cualquier caso, lo que es indudable es que poco a poco Almodóvar fue conformando una particular forma de hacer cine. En ¿Qué he
hecho yo para merecer esto? (1984) y sobre todo en Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) hace gala de un refinado gusto
satírico, a la vez que sigue conformando su especial universo femenino, tan presente en toda su carrera, y causante de que el mundo
del celuloide haya generado la etiqueta "chica Almodóvar" para aquéllas actrices que tienen el privilegio de ser fetiches para el director
manchego: Carmen Maura, Marisa Paredes, Cecilia Roth... Con ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, tras las controvertidas
críticas que generó Entre tinieblas, consiguió Almodóvar ganar algo más de respeto entre la crítica más reacia a su obra, aunque todavía
provocaron una desigual acogida sus siguientes películas Matador (1986) (5), La ley del deseo (1987), Átame (1989), Tacones
lejanos (1991) (6) y Kika (1993) (7).
En cualquier caso, el cine de Pedro Almodóvar recibió el refrendo internacional en dos mercados tan poco receptivos al cines español
como Francia y Estados Unidos. La imágen de una España, a la vez tópica y moderna, y el estilo de melodrama sentimental pero
sexualmente explícito han cimentado la figura de Almodóvar como el cineasta español más conocido desde la época de Buñuel. Por
contra, en España, la división de la crítica (8) ha sido una constante durante toda la trayectoria del cineasta manchego.
Fotogramas de Mujeres al borde..., Tacones lejanos, Carne trémula y Todo sobre mi madre
Por fin, y tras la irregular Carne trémula (1999) (9), llegó Todo sobre mi madre (2000), con la que mejoró definitivamente la relación
críticos-cineasta. Siguen existiendo los rechazos, pero enfocados ya desde un respeto que nadie se atrevería a romper a estas alturas.
Un respeto ganado a pulso, y refrendado posteriormente con la consecución del Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Hable
con ella (2002) (10) confirmó el pulso narrativo y la madurez del estilo de Almodóvar.
La mala educación (2004) (11), uno de los filmes más trabajados de su autor, no encontró el respaldo que Almodóvar esperaba. Por
contra, Volver (2006) (12) fue un notable éxito de público, seguramente por el protagonismo de actrices populares en una historia de
mujeres que hacía muchas concesiones al sentimentalismo sin perder el "toque Almodóvar". El deseo del manchego de no encasillarse
le llevó a realizar Los abrazos rotos (2009) (13) y La piel que habito (2011), inicialmente mal recibidas por el público.

Fotogramas de Hable con ella, La mala educación, Volver y Los abrazos rotos
La evolución de Almodóvar como cineasta (14) es indiscutible. Almodóvar sigue siendo fiel a sí mismo, y eso no le permite alejarse
de los personajes extravagantes que deambulan por situaciones límite. Sin embargo, el disparate y las situaciones alocadas de sus
primeros filmes han ido progresivamente convirtiéndose en situaciones más estilizadas, y sobre todo, con pinceladas más realistas (y
más dulcificadas). Desde su talento y experiencia, Almodóvar ha conquistado el don de hacer creíbles y verdaderas las tragedias más
forzadas.
Ciertamente, costaría creer en la efectividad de sus filmes si se repasara en frío el universo dramático de Almodóvar (actores porno,
rateros, violadores, homosexuales y travestís de diversa clase y condición, monjas con sida...), pero lo cierto es que con sus comedias y
melodramas, Almodóvar ha sabido configurar un universo fílmico propio que recuerda en algunos aspectos al de Fellini. Sus personajes
transitan por el melodrama y la tragedia, pero siempre sobre un fondo desplegado con enérgico optimismo. Incluso en sus coqueteos
con el dolor transmite la esperanza de que hay recuperación después de la tragedia. Su mirada (15) e ímpetu excesivos no son más
que los de alguien que renueva en cada película sus deseos de vivir.Su última película hasta la fecha es La piel que habito (2011).
Para saber más
Primeras películas: (1) Pepi, Lucy, Bom, y otras chicas del montón, (2) Laberinto de pasiones, (3) Entre tinieblas, (4) ¿Qué he
hecho yo para merecer esto?
Segunda etapa: (5) Matador, (6) Tacones lejanos, (7) Kika
(8) Carlos Boyero a propósito de Los abrazos rotos
Tercera etapa: (9) Carne trémula, (10) Hable con ella, (11) La mala educación, (12) Volver,(13) Los abrazos rotos
(14) Estudio de Almodovar en Miradas de cine.
(15) El blog de Almodovar
De película
Puedes ver varios trailers de películas de Almodovar en la cuenta de El Deseo, productora de los hermanos Almodovar.
Recomendación
Visiona el reportaje de Días de cine (rtve)
Almodóvar, la vida en película
Actividad 11

Pocos autores son tan controvertidos entre el público y la crítica como Pedro Almodóvar y su cine. ¿Te gusta o te exaspera?
Argumenta tu pronunciamiento y señala la película suya que prefieres.
Puedes leer un artículo favorable al cine de Almodóvar PEDRO ALMODÓVAR. CONFLICTOS PERSONALES Y COLECTIVOS
EN EL CINE de José Luis Pozo Fajarnés y una ácida crítica de Carlos Boyero, ¿Horror frío? No, horror grotesco (El País, 2
septiembre 2011).
Pulse aquí
Francis Ford Coppola
Coppola junto a los carteles de varias de sus películas
Hijo del músico italiano Carmine Coppola, Francis Ford Coppola (1939) comenzó en el cine trabajando con el productor independiente
de películas de serie-B Roger Corman, desempeñando varios oficios. Con él dirigió su primera película, un filme de terror llamado
Dementia 13 (1963).
Tras ser llamado para dirigir un anodino musical con un anciano Fred Astaire, en 1969 ganó la Concha de oro de San Sebastián por
Llueve sobre mi corazón (The Rain People) y en 1970 el Oscar por el guión de Patton (Franklin J. Schaffner, 1970). Estos
reconocimientos avalaron la carrera de un director que tenía entre los productores fama de demasiado independiente. Fundó con su
amigo George Lucas American Zoetrope (1), para producir películas de otros y las suyas propias con un espíritu independiente,
versátil y ambicioso. No obstante, el fracaso de la película de Lucas THX 1138 (1971) dejó a la productora en muy mala situación.
Esas necesidades de financiación le llevaron a aceptar el encargo de El padrino (The Godfather, 1972) (2). Pese a sus reticencias, la
adaptación de la novela de Mario Puzo (que no gustaba nada a Coppola) alcanzó un éxito inimaginable que la acabará convirtiendo en
un superventas. La película combina violencia, valores y lealtad dentro de una familia mafiosa italo-americana. El padrino, con su
historia, el estudio de caracteres y el retrato de la sociedad, conserva el estilo tradicional del género de gángsters y, a la vez, renueva el
modo de hacer estas películas. Con el dinero pudo producir American Graffiti (1973) de su amigo Lucas.
Fotogramas de Dementia13, El padrino y La conversación
En 1974, escribió, dirigió y produjo la magnífica La conversación (The Conversation) (3), con objetivos más artísticos, al estilo de los

autores europeos. A pesar de su buena acogida crítica, fue un desastre económico y, para salir del fracaso, Coppola dirigió ese mismo
año El padrino II (The Godfather II), que no alcanzó el éxito de la primera parte pero que es posiblemente aún más penetrante e intensa.
Se trata de una de las mejores secuelas de la historia del cine.
En 1979 dirigió la barroca y siniestra Apocalypse Now (4), adaptación libre de la novela de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas
trasladada al conflicto de Vietnam, y en la que volvió a trabajar con Marlon Brando. Como productor impulsó el film de Kurosawa
Kagemusha (1980).
Fotogramas de Apocalypse Now, Corazonada y Rebeldes
El descalabro económico de Corazonada (One from the Heart, 1982) le obligó a liquidar su productora y a dedicarse desde ese momento
a dirigir por encargo, pese a lo que logró ser autor de obras muy apreciables. La adaptación de las novelas (5) de la autora juvenil
Susan Hinton Rebeldes (The Outsiders) y La ley de la calle (Rumbling Fish, ambas 1983) (6), la segunda rodada en blanco y negro, le
permitió recuperar el pulso fílmico. The Cotton Club (1984) (7) volvió a ser una película con insuficiente resultado en la taquilla y ello
acrecentó el estigma de Coppola de ser un director muy caro y con poco rendimiento comercial. Gracias a la ayuda de George Lucas,
ahora un hombre muy rico, Coppola pudo abordar de nuevo un proyecto personal, Tucker: un hombre y su sueño (Tucker: The Man
and his Dream, 1988) (8) pero tampoco la taquilla la respaldó y ello acentuó su mala situación económica.
Tras negarse durante años, finalmente accedió a abordar El padrino III (The Godfather III, 1990), a cambio de un sueldo astronómico y
una participación en beneficios. Su heterodoxo acercamiento a Drácula, de Bram Stoker (Bram Stoker's Dracula, 1992) sí que fue muy
rentable y ello le permitió convertirse en viticultor, uno de sus sueños. Siguió produciendo filmes muy desiguales, entre otros de
directores como Tim Burton, Kenneth Brannagh, Walter Salles o su hija Sofia Coppola, y dirigiendo películas de encargo como la correcta
Legítima defensa (The Rainmaker, 1997) o Tetro (2009), filmada en Argentina.
Cotton Club - El padrino 3 - Drácula
Francis Ford Coppola representa uno de los empeños más genuinos por hacer cine de autor dentro de la maquinaria de los grandes
estudios en las ultimas décadas. En el camino queda un balance con obras muy importantes y otros intentos menores, incluyendo
algunos fracasos. A cambio de ello, Coppola ha logrado plasmar en algunas obras su visión, en la medida en que pudo controlar las
condiciones de producción, creando un cine innovador e inquietante para la visión reaccionaria de la vida y la sociedad que tiene un
amplio sector de su país, y lo que constituye el sello Coppola por excelencia, su capacidad de narrador y su maestría como cineasta.
Para saber más
(1) American Zoetrope
(2) The Godfather
(3) The Conversation
(4) Apocalypse Now

(5) Rebeldes y la ley de la calle
(6) Rumbling Fish
(7) The Cotton Club
(8) Tucker: The Man and his Dream
De película
Trailer de Dementia 13.

Trailer de El padrino.
Trailer de Apocalypse Now (redux).
Recomendación
Visiona el reportaje de rtve de Días de cine
40 aniversario de 'El padrino', de Francis F. Coppola
Aki Kaurismäki
Uno de los cineastas que más reforzados han salido de estas dos décadas finales del siglo XX cuando se revisan los balances es Aki
Kaurismäki (Finlandia, 1957). Cineasta de imágenes y silencios, su cine presenta una poética personal sin concesiones a la facilidad ni
a las modas que le sitúan, en un mundo tan comercial como el del cine actual, en una posición de periferia casi marginal. Pero su
capacidad para convertir lo cotidiano en objeto estético a través de una reflexión a la vez cínica e irónica, convierten su mirada en una
de las más singulares del siglo XX. Si su ritmo lento, con una narración lacónica llena de "tiempos muertos", que son en realidad
espacios para mirar, lo podría asociar con algunas pautas del cine postmoderno, es sin duda en el cine de Jim Jarmusch y en el de su
casi homónimo iraní Abbas Kiarostami donde encontramos rasgos más coincidentes.
Una obra singular
Sus primeros filmes son muy particulares adaptaciones de obras de Shakespeare o Dostoiewsky (1) pero su estilo empieza a tomar
forma con Sombras en el paraíso (Varjoja Paratiisina, 1986) (2), Ariel (1988) (3) y La chica de la fábrica de cerillas (Tulikkutehtaan
tyttö, 1989). Son historias de amor y supervivencia de personas desprovistas de cualquiera de los atributos de los triunfadores sociales
que usan ese amor para resguardarse de la soledad y de la crueldad de una sociedad que no mira hacia los que no reproducen los
modelos de consumo.
Fotogramas de Sombras en el paraíso, Ariel y La chica de la fábrica de cerillas
En Leningrad Cowboys Go America (1989) (4) y su secuela Leningrad Cowboys Meet Moses (1994) (5) sigue a un enloquecido

grupo de rock por los desolados paisajes de una América sin sueño americano.
En 1999 realizó una película muda, Juha (6), en la que homenajea el cine de los Dreyer, Murnau o von Stroheim: "la estética del mudo
es particular. Sin la palabra el cineasta debe concentrarse, hay menos soluciones fáciles. La llegada del sonido ha simplificado la
narración pero ha aumentado en demasía la producción y la puesta en escena".
Fotogramas de Leningrad Cowboys, Juha y Nubes pasajeras junto a un retrato de Kaurismäki
En los noventa su cine se hace formalmente más elegante (7) pero sin abandonar su mirada radical en cintas como Nubes pasajeras
(Kauas pilvet karkaavat, 1996) (8) y, sobre todo, la muy aplaudida El hombre sin pasado (Mies vailla menneisyyttli, 2002) (9), una
alegoría de la marginación a través de la figura de un hombre que pierde la memoria y, por tanto, su identidad, pero que, como en todo
el cine de Kaurismäki encontrará el modo de mantener la dignidad en un frágil equilibrio con otros marginados. Con esta cinta el
realizador finlandés (10)obtuvo la consagración internacional ya que ganó el Gran Premio del Jurado y a la Mejor Interpretación
Femenina (Kati Outinen) del Festival de Cannes y fue también nominada al Óscar a la mejor Película en Lengua Extranjera.
En Luces al atardecer (Laitakaupungin valot, 2006) insiste en sus temas habituales como la pobreza, la soledad y el amor. En el festival
de Cannes de 2011 presentó Le Havre.
Fotogramas de Hombre sin pasado, Luces al atardecer y Le Havre
Las películas de Kaurismäki suelen hablar de viajes, tanto externos como internos. Algo se mueve, algo cambia para los personajes de
sus películas, pero a menudo se trata de una lenta toma de conciencia, a veces de su profunda miseria, y una manera de conseguir
mantenerse a flote a pesar de esa triste constatación. Sus films son verdaderamente singulares, y realmente bellos, combinando la
modestia de recursos con la tenacidad de una visión artística. Es uno de esos realizadores, como Godard o Assayas, que hace cine con
el objeto de capturar un efímero y diáfano sentimiento compuesto de dicha y melancolía, triunfo e inconsciencia.
Para saber más
(1) Shakespeare y Dostoiewsky vistos por Kaurismäki
(2) Sombras en el paraíso
(3) Ariel
(4) Leningrad Cowboys Go America
(5) Leningrad Cowboys Meet Moses
(6) Juha
(7) El cine estético de Kaurismäki
(8) Nubes pasajeras
(9) El hombre sin pasado

(10) Entrevista con Kaurismäki (en Miradas de Cine)
Debes conocer
Si no lo conoces, deberías estrenarte ahora con el cine de Kaurismäki. ¿Una sugerencia? El hombre sin pasado (2002).
De película
Trailer de El hombre sin pasado.
Trailer de Le Havre.
Serie Amar el cine
Amar el cine es una serie documental en doce capítulos en los cuales, mediante entrevistas a profesionales del medio y fragmentos de
películas, se tratan diversos aspectos, tanto técnicos como estilísitcos del mundo del cine.
La serie fue elaborada en el año 2002 por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte en colaboración con Televisión española.
En cada capítulo encontrarás el enlace "Ficha técnica y minutaje" que te permitirá consultar los contenidos del capítulo y el minutado
extacto.
Contenidos
1. El invento del cine.

2. El guión.
3. La dirección.
4. Las estrellas de la pantalla.
5. El lenguaje.
6. El montaje.
7. Estética cinematográfica.
8. Los trucos.
9. ¿Cómo se hace una película?
10. Los géneros.
11. Movimientos cinematográficos.
12. Ver cine.

Capítulos 1-4
Capítulo 1: El invento del cine
Ficha Técnica y minutaje
Capítulo 2: El Guión

Capítulo 3: La dirección
Capítulo 4: Las estrellas de la pantalla

Capítulos 5-8
Capítulo 5: El lenguaje

Capítulo 6: El montaje
Capítulo 7: Estética cinematográfica

Capítulo 8: Los trucos
Capítulos 9-12
Capítulo 9: Cómo se hace una película

Capítulo 10: Los géneros

Capítulo 11: Movimientos cinematográficos
Capítulo 12: Ver cine

Actividades
Actividad 1
Explica cómo han cambiado las nuevas tecnologías los hábitos de consumo de cine.
Actividad 2
Elige y visiona un filme de un autor USA de las décadas finales del siglo XX (Coppola, Altman, Kubrick, Scorsese, Woody Allen,
los Coen, Jarmusch, Tarantino,...) y explica por qué lo has elegido.
Actividad 3
El cine francés produjo a finales del siglo XX varias películas de gran impacto social (Los espigadores y la espigadora, Todo
empieza hoy, El odio, Marius y Jeannette, El árbol, el alcalde y la mediateca,...). Si conoces alguna, dános tu opinión.
Actividad 4
Consulta la ficha de Lamerica ( Gianni Amelio) que nos propone Edualter.
Propón una película que usarías en clase para tratar valores similares.

Puedes ampliar tu informción leyendo estos textos de Javier Tarín sobre el cine de Ken Loach.
EL TRIUNFO GLOBAL DE LA NUEVA ECONOMÍA: más riqueza, mayor desigualdad
"CUANDO ERES OBRERO, LLUEVEN PIEDRAS SIETE DÍAS A LA SEMANA"
Actividad 6
¿Nos recomendarías una película española del periodo que abarca desde el inicio de la democracia hasta el final del siglo XX?
El Manifiesto Dogma cambió la historia del cine. Como la Nouvelle Vague, o el Free Cinema, pero de forma mucho más
agresiva.
Aquí os dejo el Manifiesto y el Voto de castidad (haciendo click). Dogma 95 ya no existe, pero es importante recordarlo.
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Actividad 8
Las películas Dogma más influyentes han sido : La celebración (Festen, 1998) de Vinterberg, Los idiotas (Idioterne, 1998) de
Von Trier, Mifune (1999) de Kragh-Jacobsen, la comedia Italiano para principiantes (Italiensk for begyndere, 2000) de la
realizadora Lone Scherfig y El rey está vivo (The King Is Alive, 2001) de Kristian Leuring.
Si no las conoces, visiona una de ellas.
¿Crees que el movimiento Dogma es heredero de otros anteriores? ¿De cuáles? Explica por qué ha sido tan influyente pese al
corto número de películas que se hicieron.
Actividad 9
Paskaljevic y Kusturica son los cabezas de cartel del nuevo cine yugoslavo y post-yugoslavo.
Si conoces alguna película de ellos o de otro director balcánico, coméntala y, en su caso, recomiéndala.

Actividad 10
Selecciona una película de una cinematografía que no sea europea o de EE.UU. y explica por qué deberíamos verla.
Actividad 11
Pocos autores son tan controvertidos entre el público y la crítica como Pedro Almodóvar y su cine. ¿Te gusta o te exaspera?
Argumenta tu pronunciamiento y señala la película suya que prefieres.
Puedes leer un artículo favorable al cine de Almodóvar PEDRO ALMODÓVAR. CONFLICTOS PERSONALES Y COLECTIVOS
EN EL CINE de José Luis Pozo Fajarnés y una ácida crítica de Carlos Boyero, ¿Horror frío? No, horror grotesco (El País, 2
septiembre 201).
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Glosario de cine
En esta sección encontrarás una lista de definiciones de términos cinematográficos.
En cada apartado (A-B-C por ejemplo) podrás acceder a las definiciones, ordenadas alfabéticamente: A, B, C,...
Importante
Todas las imágenes que encontrarás en este documento están bajo dominio público (public domain). En caso contrario se
indica al pie autor y licencia Creative Commons utilizada.
A-B-C
-A-
Acción. Movimiento que se produce ante la cámara. Fuerza motriz que desarrollada por los personajes hace avanzar la narración.
Adaptación. Guión hecho a partir de una obra literaria.

Angular (Gran angular). Lente de distancia focal corta, (en 35 mm, de 18 a 35 mm). Por debajo de 16 mm se llama “ojo de pez”, ya
que se obtiene una imagen muy deformada. Permite encuadrar un campo visual más amplio que una lente normal y con gran
profundidad de campo. Exagera las relaciones de espacio, expandiendo la distancia aparente entre lo cercano y lo distante.
Ciudadano Kane en Wikipedia
Ángulo. Inclinación del eje de la cámara respecto a lo que se quiere filmar (punto de vista). Puede ser Normal o neutro (paralelo al
suelo), tomado desde arriba (Picado) o desde abajo (Contrapicado).Si es inclinado a derecha o izquierda de l eje vertical se llama
Aberrante.
Animación. Dotar de movimiento a dibujos u objetos mediante procedimientos mecánicos o electrónicos. Descubierta por Méliès, la
técnica inicial llamada stop motion consistía en imágenes dibujadas, maquetas, marionetas, etc., que se registraban fotograma a
fotograma y que cobraban movimiento al ser proyectadas. Luego vendrán la pixelación, la rotoscopía, la animación de recortes (cut-out
animation), la animación digital, el 3-D y 4-D.
Anime. Animación futurista y de ciencia ficcion japonesa, conocida como Japanese Animation. La mayoría es una adaptación del
manga (cómic japonés). Se diferencia del dibujo animado tradicional en sus temas, con historias de contenido más profundo y
emocional. Otra diferencia es su técnica, se utilizan menos cuadros de animación por segundo (8 cuadros, frente a 24 o 12 en la
animación occidental).
Anime. Wikimedia Commons

Autor: Fracco. Licencia CC-BY-SA 3.0
Argumento o Trama. Desarrollo de una idea o tema por medio de una historia (la acción narrada), esbozando personajes y situaciones.
Arte y Ensayo: Salas que surgen en España tras una Orden Ministerial de 1967. Estuvieron destinadas a la exhibición de ”obras de
destacados valores cinematográficos”- en versión original íntegra y subtitulada. Sólo se permitían en ciudades de más de 50.000
habitantes y zonas turísticas especiales, con un aforo máximo de 500 espectadores. Por extensión se llama "cine de arte y ensayo" a
películas con aspectos vanguardistas o planteamientos anti-comerciales.
Atrezzo. Conjunto de instrumentos, enseres, muebles y todo tipo de objetos que se usan en la ambientación y decoración de una
escena.
-B-
B (serie B). Películas rodadas con muy poco presupuesto y escasas pretensiones artísticas, habitualmente de género (terror, policiaco,
ciencia-ficción, etc.). Si el presupuesto es ínfimo se les llama de serie Z.
Backstage: Es el área donde se ubica el equipo técnico, las cámaras, el director, etc... Un espacio que el público no ve donde se
desarrolla lo previo y lo posterior a la realización dentro del set. Actualmente, muchas películas traen como extras en los DVDs esa
sección permitiendo ver cómo se filmó la película.

Estudios en 1899. Wikipedia
Banda. Cada uno de los soportes que contienen los elementos de una película; la banda de imagen (o película propiamente dicha)
contiene las imágenes en los fotogramas. La banda sonora, el sonido: voces, efectos sonoros (ruidos) y música. Después se mezclan
(banda de mezclas)y se incorporan en una sola. De forma incorrecta se llama banda sonora a la música de la película para su venta en
soporte doméstico.
Barrido. Transición entre dos planos por medio de una imagen intermedia borrosa, a través de un movimiento rápido y seco de la
cámara.
Biopic. (del inglés Biografic Picture) es un genéro cinematográfico que narra o adapta biografías. Algunos ejemplos serían Gandhi,
Amadeus o Una mente maravillosa.
Blockbuster. Las películas más taquilleras, aunque el concepto ha evolucionado con el tiempo, las que logran las mejores taquillas en
un tiempo récord. Las que sitúan el listón de ingresos más alto, a partir de una lista que se establece entre los estrenos de una semana
o de un fin de semana.
Bollywood. Películas de la industria cinematográfica de la India. Específicamente son las películas comerciales realizadas por los
estudios de Bombay. La palabra, acuñada en los setenta, juega con las palabras Bombay y Hollywood.
Bollywood. Wikipedia
Autor: Skip. CC.BY.SA.2.0
Box Office. Se refiere e los ingresos de taquilla de una película. Es la tabla en la que se clasifican por orden de ingresos las películas
más taquilleras en exhibición. Puede ser internacional o por países.
-C-
Cámara. Aparato que se utiliza para la toma de imágenes en cine, televisión y fotografía.

Filmando. Wikipedia
Cameo. Aparición incidental de un actor o director (o cualquier personalidad externa al cine) en una película. Son célebres los de
Hitchcock en sus propios filmes.
Cameo de Hitchcock. Wikimedia
Campo. Es el espacio en el que entran todos los personajes y objetos visibles en la pantalla. Lo que oímos o intuímos (pero no vemos)
queda fuera de campo.
Casting(prueba de reparto). Selección del reparto de un filme, desde los papeles protagonistas y secundarios a los figurantes.
Catch. Artificio que deja en negro parte de la imagen.
Caza de brujas. Término acuñado en Hollywood cuando se inició la persecución de comunistas en el seno de la industria. Aunque la
Comisión de Actividades Antiamericanas comenzó a actuar en 1938, no fue hasta 1947 cuando inicia una “caza de brujas” en la que se
verían inmersos muchos guionistas, directores y actores, acusados todos de pertenecer o haber pertenecido al Partido Comunista. Esta
campaña, conocida como “maccarthysmo”, finalizó en torno a 1954. Por extensió, persecución por ideas políticas.
Censura. Desde que el ser humano posee la capacidad de expresar ideas existe la censura. El censor justifica siempre sus actos
esgrimiendo siempre el mismo argumento: el beneficio de la comunidad, la moral y las instituciones. En España fue instituida por el
franquismo en 1939. En 1953 se ordenó la censura previa de guiones. Se suprimió en 1977.
Chambara. Termino generico para las peliculas de samurais. Chanbara o Ken-Geki significa “teatro de espadas”. A diferencia del
genero chino Wu Xia Pian, en las Chanbara la fantasia no está tan presente y se recalcan los valores tradicionales de honor, valor,
justicia,… (el bushido, el estricto código de los samurais) dentro de límites realistas. Las historias suelen desarrollarse en el Japón
feudal o en la era Tokugawa.
Cine-clubs. En españa surgieron durante la República y tenían como objeto desarrollar todo tipo de actividades cinematográficas,
especialmente proyectar películas vanguardistas o minoritarias. Gracias a los cine-clubs muchos españoles tuvieron la oportunidad de
acercarse a las grandes películas de la historia del cine. Estas asociaciones dispusieron de naturaleza jurídica por primera vez en 1957
y, bajo el franquismo, tuvieron un papel decisivo para conocer otro cine.
Cine de autor. A fines de los 50 en Francia surgió la Nouvelle vague, un grupo de jóvenes directores cinéfilos amparados por la revista
Cahiers du cinema. Ellos reivindicaron la figura del director-autor frente al sistema de estrellas, de estudios o de productor. Se miraban
en Orson Welles y Alfred Hitchcock. Desde entonces se llama cine de autor, por oposición al llamado cine comercial, al que se aleja de
temas frívolos y experimenta con el lenguaje, en suma, en el que es posible reconocer la personalidad y estilo de quién dirige.

Cine clásico. El realizado en los EEUU durante los años 30-50, según el sistema de convenciones que constituyen la tradición
cinematográfica. Fue definido por la producción del sistema de Estudios con películas totalmente controladas por el productor y
protagonizadas por sus estrellas de plantilla y encuadradas por géneros. Formalmente su característica principal es la invisibilidad de la
cámara: el público tiene la sensación de estar allí directamente.
Cine negro. El cine negro o film noir es un género cinematográfico que se desarrolló en Estados Unidos durante la década de 1940-50.
Basado en las novelas policíacas, presenta la cara menos amable de la sociedad americana, tipos duros, corrupción..., con una
iluminación generalmente expresionista, llena de luces y sombras.
Fim Noir. Wikipedia
Cinemascope. Formato panorámico de pantalla. Fue un cambio sustancial en la proyección y filmación de películas, al lograr una visión
espectacular de situaciones y paisajes. La primera película fue La túnica sagrada (1953).
Claqueta. Pizarra articulada en la que se escribe antes de cada toma la información visual y sonora que permitirá localizar y sincronizar
después esa toma.
Clímax. Punto culminante de la acción dramática. Momento de más alto interés o emoción en la acción del film, en especial de tono
dramático o espectacular, que se crea antes del desenlac.
Close-up. Primer plano, toma de acercamiento. Generalmente se refiere a un acercamiento al rostro.
Comedia. es una película de humor o que intenta provocar la risa de la audiencia. Junto con el melodrama o la ciencia ficción, la
comedia es uno de los géneros cinematográficos clásicos. Billy Wilder o Woody Allen son dos directores muy reconocidos en este
género. Se distinguen subgeneros como la comedia musical, la comedia romántica, la comedia negra, el vodevil, las parodias, la sátira
política,...
Continuidad. Vd. Raccord
Contracampo. Espacio visual simétrico al campo, o sea, el campo contrario. Se usa en escenas entre dos personajes.
Coproducción. Sistema de financiación de una película compartido entre dos o más países. Se comparten actores, locaciones y
personal técnico. Busca atraer al público de ambos países y reducir costos de producción.
Coral (Película coral). Cine que rompe la estructura clásica del cine con protagonistas principales mediante una trama con muchos
personajes o la acumulación de pequeñas historias. Es el caso del cine de Berlanga o de Milos Jancsó, o de películas como Amarcord
de Fellini y Vidas cruzadas de Robert Altman. Más en esta línea de historias cruzadas son grandes éxitos recientes como Pulp Fiction,
Crash o el cine de González Iñárritu (21 gramos, Babel).
Corte. En el montaje, realizar la transición entre dos planos mediante el paso directo de un plano a otro. Se llama también cambio de
plano por corte simple.
Cortinilla. Efecto óptico que permite sustituir de manera gradual una imagen por otra, en diferentes direcciones.
Cortometraje. Película que dura menos de 30 minutos.
Crítica cinematográfica. Es la actividad de aquellos profesionales que hacen análisis y juicio sobre las películas. Suele referirse a esas
reseñas que, en prensa e internet, analizan las películas recién estrenadas. No obstante, la crítica cinematográfica es una actividad más
amplia, que incluye el estudio del lenguaje del cine, su historia y el recorrido profesional de quienes lo elaboran. Con frecuencia, los
críticos de cine son partidarios de una determinada teoría estética o defienden cierta ideología, lo que identifica su perfil intelectual.
Cuadro. Zona delimitada por los cuatro bordes de la pantalla.
Culto (película de culto o Cult-movie). Se refiere a aquellas cintas que, por determinados elementos o influencia generacional se

convierten en referentes de un grupo o generación, por sus personajes, banda sonora o estética, aunque no necesariamente por su
calidad. Son ejemplos de películas de culto las sagas de El padrino o La guerra de las galaxias, algunas cintas de los hermanos Coen,
Tarantino, etc.
D-E-F
-D-
Decorados. Espacios artificiales de diversos materiales y en especial de cartón-piedra y madera que simulan lugares reales. Muchos
directores clásicos los preferían a los escenarios naturales debido a la facilidad para el control de la luz y el movimiento de la cámara.
Desenlace. Es el momento final de un film, en el que se resuelve el relato. Puede ser cerrado o abierto (es decir, no se resuelven todos
los conflictos).
Diégesis. La diégesis son el espacio y el tiempo (en suma, el mundo ficticio) en los que discurre la narración fílmica.
Director/directora. También llamado realizador, es el responsable creativo del film. Es su función dirigir la puesta en escena a partir de
un guión técnico, el encargado de poner en imágenes el guión literario; dirige la puesta en escena y supervisa el montaje (en EE.UU.
generalmente termina su cometido en el rodaje y es el productor el que se encarga del montaje).
El director Lucas Demare con sus guionistas. Wikipedia
Director artístico. Arquitecto decorador o decorador jefe. Se encarga de diseñar y construir los decorados, crear ambientes...
Director de fotografía. También llamado operador. Es el responsable técnico y artístico de la toma de imágenes, cuidando de la
iluminación y de los encuadres. Coordina a los equipos de cámara, foto fija y eléctricos (que se ocupan de los focos).
Documental. Film que recoge imágenes de la realidad, aunque de forma creativa y, por tanto, manipulada (como todo el cine). Un
documental es el producto de un montaje de escenas y, en este sentido, también se aproxima a las películas de ficción. No obstante,
cabe insistir en su afán de verosimilitud y en su aproximación inmediata a la realidad que procura mostrar. Algunos movimientos
(Neorrealismo, Free Cinema) y directores (Ken Loach) imitan el estilo documental para dotar de realismo a sus filmes.
Rodando un documental. Wikipedia

Autor: Valentina Ippolito. CC-BY-SA.3.0
Doblaje. Grabación sonora realizada después del rodaje y que se sincroniza con una toma de imagen. Doblar una película es también
traducir sus diálogos al idioma del país en el que se proyecta. Los actores de doblaje son actores especializados que ponen voz al texto
traducido. José Luis Garci siempre dobla sus películas, práctica habitual en el cine norteamericano.
Docudrama. Género difundido en cine, radio y televisión, que trata, con técnicas dramáticas, hechos reales propios del género
documental.

Dolly. La más sencilla de las grúas: carrito sobre el que se montan la cámara y el operador. Es como un travelling con ruedas de goma.
Drama. Como género cinematográfico, el drama está asociado a las tramas con conflictos desgarrados como historias de amores
imposibles, injusticias raciales, conflictos familiares o hechos históricos. Se caracteriza por utilizar un discurso que apela a la sensibilidad
y a la emoción del espectador, no sólo a través del guión, sino de la música, la fotografía y el tono de los actores.
Drive-in. Se denominan así los cines para coches, los auto-cines que proliferon en Estados Unidos en los años cincuenta y en algunos
países europeos años más tarde. Son escenarios muy utilizados por el cine estadounidense para algunas secuencias de películas
juveniles de época.
Drive-in en Bruselas. Wikipedia

Autor: Christian Kremer. CC-BY-SA.3.0
-E-
Edición. Se llama así al montaje cuando se hace en vídeo o sistemas informáticos. En sentido amplio, editar es montar.
Efectos especiales (FX). Procedimientos para modificar la imagen obtenida por la cámara, desde sencillos trucos hasta los actuales (y
sofisticados) efectos por ordenador. Pueden ser mecánicos, sonoros, físicos, químicos, digitales,...
Eje de cámara. Línea imaginaria definida por la orientación de la cámara, que se extiende desde ésta al objeto filmado.
Eléctricos. Encargados de la luz y los focos en un rodaje.
Elipsis. Procedimiento que permite saltar en el tiempo y/o el espacio sin que el espectador pierda la continuidad de la secuencia
aunque se han eliminado los pasos intermedios.
Encadenado. Transición de planos por sobreimpresión, más o menos prolongada, de las últimas imágenes de un plano y las primeras
del plano siguiente.
Encuadre. Es la selección del campo abarcado por el objetivo (lo que se verá en la pantalla) en el que se tiene en cuenta el tipo de
plano, la colocación de objetos y actores, la ubicación de la cámara y el puntos de vista, para lograr la armonía de la composición y la
fluidez narrativa. Es la forma de organizar la toma.
Película japonesa. Wikipedia
Escaleta. La escaleta es el esqueleto del guión, en la que se detallan todas las escenas, indicando si va a ser rodada en un espacio
interior o exterior; de día o de noche, y el lugar en el que transcurre la acción (dormitorio del protagonista, por ejemplo). Una vez
construida la escaleta, se añaden los diálogos.

Escena. Es la toma que coincide con la entrada y salida de actores del marco de filmación. Plano o conjunto de planos que tienen
unidad de tiempo y espacio ( escenario). Suele compararse al párrafo en la obra literaria.
Estereotipo cinematográfico. Modelo simplista que se expresa cinematográficamente a través de personajes o pautas dramáticas
reconocibles. Los estereotipos propician la identificación del público con una serie de rasgos que ya conoce. Entre otros estereotipos del
cine, podemos citar al héroe justiciero, la doncella perseguida, el amigo cómico, el falso culpable, el villano sofisticado,...
Estudios. Espacios en los que se reúnen uno o varios platós para el rodaje de películas. Puede contener una o varias naves para los
interiores y escenarios al aire libre para aquellos que necesiten de espacios abiertos; en ambos casos con la posibilidad de utilizar
decorados corpóreos. Se asocian con la política de las Majors en el llamado Sistema de estudios del cine americano de los 40-50.
Estudios en Hollywood, 1922. Wikipedia
Exteriores. Como indica su nombre, el rodaje en escenarios exteriores significa que el equipo de filmación no realiza su labor en un
estudio de cine o dentro de un edificio. Este tipo de rodaje es extremadamente complejo, pues queda sometido a las inclemencias del
tiempo y a la variable iluminación que ofrecen las distintas horas del día. No obstante, este planteamiento proporciona resultados de una
gran frescura.
Extra o figurante. Actor sin texto cuya función es de contenido visual para enriquecer la escena y conformar el ámbito en el que se
integra el reparto.
-F-
Fantástico, cine. Es un género opuesto al realismo. Tiene sus leyes propias y construye un universo paralelo, poblado de seres y
objetos que sólo son posibles dentro de la fantasía. El hombre y los seres sobrenaturales se relacionan y conviven (o luchan) en él.
Abarca tanto a los films de terror y ciencia-ficción como a otros que recrean universos basados en la mitología o las sagas nórdicas,
artúricas, asiáticas....
El hombre de la cabeza de caucho (Méliès, 1901). Wikipedia
Figurinista. Diseñador/a de los modelos de vestuario del film y responsable del vestuario total del mismo. Debe trabajar en íntima
conexión con el escenógrafo para unificar criterios en cuanto al estilo cromático, época, ambiente y atmósfera.
Flash-back. O vuelta atrás. Recurso fílmico que permite retroceder a hechos del pasado en la narración por medio del recuerdo, del
sueño, de la narración de una historia, a partir de la lectura de un diario o libro,...

Flashforward. O ir hacia delante. Es una escena proyectada hacia el futuro, o que imagina lo que hubiera podido suceder.
Folletín. Novela popular del XIX que cultivaba la intriga, el romance y el melodrama. Publicada por entregas en la prensa, el folletín
abusaba del exceso y el efectismo. Entre los cultivadores más notables de esta fórmula figuran Alejandro Dumas o Charles Dickens.
Desde sus inicios el cine adoptó el mismo esquema a la hora de orientar sus argumentos, de ahí que buena parte de la producción se
haya acomodado a los resortes del relato folletinesco, con sus vaivenes, súbitas revelaciones e intrigas encaminados a un final feliz.
Formato. Es el tamaño de la película de celuloide (en el cine analógico). El profesional era el de 35 mm mientras que las cámaras de
16mm, más pequeñas y manejables se usaban mucho para reportajes antes de la generalización del vídeo. El de 70 mm se hizo común
para el cine comercial en la década de los 60. En cine familiar y amateur trabajaba con películas de 8 mm.
Diferentes formatos. Wikipedia
Foto fija. Apartado técnico encargado de realizar fotografías de la película. Suelen ser de determinadas escenas de importancia y se
toman para la promoción del film.
Fotograma. Cada uno de los cuadros fotográficos que se expone cada vez que el obturador se abre y que, vistos en continuidad,
proporcionan la ilusión de movimiento (pasan 24 cada segundo). La forma y tamaño de la ventanilla determinan sus dimensiones: desde

8mm (cine amateur) a 70mm de anchura (a más anchura más calidad).
Fotograma de Intolerancia, 1916, DW.Griffith. Wikipedia
Fotografía. En base a la óptica y a la iluminación utilizadas, cada plano se puede presentar con iluminación uniforme (luz tonal) o con
fuertes contrastes entre zonas iluminadas y oscuras (claroscuro).
Frame. Equivalente del fotograma en soporte magnético (cinta de vídeo, donde la imagen está codificada electrónicamente). Un
segundo de vídeo contiene 25 frames en PAL, el sistema que utilizaban la mayoría de los países europeo. En el estándar americano
NTSC contiene 30 frames.
Fuera de campo. Acción o diálogo que tiene lugar fuera del campo visual de la cámara.
Fuera de foco. Cuando una imagen nítida pierde definición, decimos que está fuera de foco. Se transforma en una imagen que logra
tener un efecto fantasmal, onírico, alucinógeno. También puede suceder lo contrario, estar fuera de foco y volverse nítida.
Fundido. Recurso que indica el paso del tiempo o un cambio radical de escenario. Es una transición entre planos, en la que se va
oscureciendo paulatinamente la imagen hasta que la pantalla queda negra, antes de que otra imagen surja de la misma oscuridad
(fundido en negro). Excepcionalmente, el fundido también puede hacerse a blanco o a otros colores. Hay de cierre y de apertura. Fade-
in se llama al que cierra y fade-out al que abre.
Fundido encadenado. Plano que es sustituido progresivamente por otro que se va superponiendo. Suele indicar paso del tiempo.
G-H-I-J-K
-G-
Gag. Efecto cómico inesperado; puede ser visual, verbal o sonoro. Dentro de la comedia, un gag vine a demostrar que no todo es
predecible, y que las situaciones tienen giros inesperados.
Buster Keaton, The Frozen North, 1922. Wikipedia
Gendai geki. O "historias de familias". Es el termino generico para las peliculas japonesas sobre la vida cotidiana. El gran maestro fue
Yasujiro Ozu

Viaje a Tokio, Yasujiro Ozu, 1953. Wikipedia
Género. Modo de agrupar las películas según sus temas y características: comedia, policíaco, musical, western, terror, ciencia-ficción...
Gore (o Splatter). Literalmente, sangre derramada. El gore es un tipo de películas de terror que se centran en lo visceral y la violencia
gratuita, con profusión de mutilaciones y sangre.
Grúa. El vehículo que soporta la cámara, que va sobre una plataforma giratoria y permite realizar multitud de movimientos. Es esencial
para los planos secuencia complicados.
Guión. Es la idea de lo que va a ser la película plasmada por escrito, con narración, diálogos, descripción de personajes y escenarios. Si
le añadimos la banda sonora y la planificación (movimientos, planos, ángulos) tendremos el guión técnico. Si la historia procede de una
obra literaria se llama guión adaptado, en caso opuesto es un guión original.
-H-
Happy End. Literalmente, final feliz. Fórmula narrativa con la que concluían las narraciones comerciales.
The End, Encadenados, Hitchcock, 1946.

Wikipedia
Hollywood. Si el cine nació en Francia, fue en Hollywood donde se comercializó y se industrializó. En la “Meca del cine” surgieron los
grandes Estudios, las superproducciones, las estrellas y el star system. Desde Hollywood se monopolizó el mercado cinematográfico. Su
modelo de cine, y también político e ideológico, hace que identifiquemos con este término a la industria americana del cine. Fue un lugar
donde se podía cumplir y llevar a cabo cualquier fantasía; hoy, envejecido, es un lugar emblemático para hacer turismo.

El cine según Holliwood (D. Juan, 1926). Wikipedia
-I-
Independientes ("Indies"). Surgió cuando algunos cineastas de EE.UU. (Cassavettes, Mulligan, Penn, Nichols,...) promovieron un cine
narrativamente más independiente producido fuera de los grandes estudios de Hollywood. Algunos trabajaron en Nueva York y
particparon en corrientes como el cine underground, anticomercial y de vanguardia. Uno de sus referentes principales es el festival de
Sundance, promovido por Robert Redford en 1983.
Sundance Film Festival. Wikipedia
Inserto. Plano que se intercala en medio de otros dos para destacar un detalle, describir un aspecto.
Intertítulos. Carteles intercalados con las imágenes del cine mudo en los que aparecían diálogos o aclaraciones de lo que sucedía en la
pantalla. Reemplazaron al "explicador" que acompañaba las primeras proyecciones imitando voces, y comentando la acción que el
público visualizaba. Los intertítulos requerían que el público supiese leer y compartiera el mismo idioma. Con la llegada del sonoro no
desaparecieron por completo, ya que algunos filmes los utilizan como separadores de secuencias o como un homenaje.
-J-
Jirafa (o Boom). Es el soporte telescópico que se utiliza para sujetar el micrófono sobre los actores y moverlo al lugar necesario para
captar todos los diálogos. Se coloca a suficiente altura sobre los intérpretes con el fin de que la cámara no lo filme (aunque a veces se
cuela en el montaje final).

Jirafa en un rodaje. Wikipedia

Autor: PRA CC-BY-SA.3.0.2.5.2.0.1.0
Jump-cut. Anglicismo que se utiliza cuando se produce una transición entre planos que supone un salto apreciable (generalmente en el
tiempo o el desarrollo de la trama) de personajes o situaciones.
-K-
Kolossal. El cine inspirado en episodios históricos o en textos literarios de gran trascendencia social cuya escenografía se caracteriza
por la espectacularidad.
Cartel de Cabiria en Wikipedia
L-M-N
-L-
Largometraje. Película que dura más de 60 minutos.

Cartel del largometraje Red Dust, 1932

Wikipedia
Leitmotiv: Del alemán, puede traducirse como “motivo conductor”. Se trata de una técnica de identificación entre una melodía o frase
musical y un concepto, un personaje o una idea general. Esta identificación se establece mediante la simultaneidad en la primera
aparición del concepto y la melodía, y a partir de ahí, mediante a repetición idéntica o transformada, siguiendo las incidencias
argumentales. Es una técnica típicamente operística adaptada al cine por compositores como Max Steiner, Erich Wolfgang Korngold o
Franz Waxman. El término fue acuñado por el musicólogo F. W. Jähns.
-M-
MacGuffin. Es una expresión acuñada por Alfred Hitchcock para referirse un elemento de suspense que hace que avance en la trama,
pero que no tiene auténtica relevancia en sí. El elemento que distingue al MacGuffin de otros tipos de excusas o distracciones
argumentales es que es intercambiable y no es lo importante para el desenlace.
Majors. Grandes compañías afincadas en Hollywood, que dominan la producción y distribución de los films; algunas tienen sus cadenas
de TV.
Making off. O "cómo se hizo". Reportaje promocional de una película destinado a las televisiones, que se incluirá como un extra en la
edición posterior del DVD. Se trata de un montaje breve, en el que asistimos a las interioridades de la película, como si fuéramos un
miembro más del equipo. Este tipo de escenas se combinan con apariciones de actores, director y guionista, que nos cuentan en
primera persona sus impresiones y anécdotas sobre el rodaje.
Marcas. Señales, usualmente en el suelo, para trazar el recorrido o los punto de salida, pausas y llegada de los actores y que deben ser
respetadas para facilitar el enfoque, el encuadre, la iluminación, etc...
Mediometraje. Película con duración entre 30 y 60 minutos.
Melodrama. Término con varios significados pero se usa preferentemente para referirse a películas que tienen una carga emocional o
moral muy fuerte. El cine adopta el melodrama de la literatura de folletín y naturalista. Uno de los precursores fue Griffith. Los
melodramas contaban la búsqueda de la identidad, pasiones desbocadas, hijos perdidos o robados, mujeres dominadas, vidas
miserables, ...
Suds, 1920. Wikipedia

Merchandising. Se denomina a todos los productos -mercadotecnia- que genera una película y que son objeto de venta junto con el
lanzamiento de dicha película. Son productos que se mantienen en el mercado durante mucho tiempo llegando a ser culto de
coleccionistas.
Montaje. Cuando vemos una película, nos encontramos con un proceso narrativo, pero la filmación no ha sido lineal y que las tomas se
realizan sin seguir el orden del guión. En el montaje se escogen las mejores secuencias y se encadenan siguiendo el hilo narrativo,
cortando y montando planos, mientras se sincroniza imagen y sonido. Uno de los primeros estudiosos del montaje fue el soviético
Kuleshov, que tomando dos planos que no tenían relación comprobó que juntos adquirían un nuevo significado. El montaje sonoro se
llama mezcla y acoplado al de las imágenes constituye la película. El montaje contribuye a la creación de sentido, ya que de la
colocación de los planos depende el significado de las miradas, de los gestos y movimientos y se produce una asociación de ideas.
Movimiento. El cine es el arte del movimiento y la cámara también puede desplazarse. Los principales movimientos de cámara son el
travelling y la panorámica.
Moviola: Máquina visionadora de película, por lo general con forma de mesa, utilizada para realizar los sucesivos cortes del montaje.
Sus cabezales pueden leer la imagen y el sonido juntos o por separado. Su uso comenzó a disminuir en los años 90 tras la aparición de
los equipos digitales, como el Avid.
Música diegética o naturalista: Es la integrada en la historia que se narra. Luis Buñuel o Carl Dreyer solían usar sólo música diegética y
en el Dogma-95 es la única permitida.
Música incidental (o no diegética): es la que se compone y añade para crear un clima emocional y añadir información. Algunos grandes
músicos de cine son Morricone, John Williams, Nino Rota, ...
Musical. Se encuadra como musical toda película que otorga relevancia narrativa a la música a través de canciones, bailes o
coreografías. Se llama también comedia musical porque los tratamientos dramáticos resultan excepcionales. Por excelencia era el
musical americano, historias optimistas en las que una trama y unos personajes muy simples sirven de soporte para números musicales
espectaculares. Pero hoy es seguramente el cine de Bollywood el que más cultiva el género.
Cartel de Melodías de Brodway, 1929. Wikipedia
-N-
Noche americana. Procedimiento de rodaje utilizado en el cine norteamericano clásico que consistía en filmar de día una escena
nocturna. Se realizaba por medio de filtros de color y filmando a contraluz, con el fin de velar parcialmente la película. Las nuevas
tecnologías hacen inútil este artificio, que provocaba sombras en escenas supuestamente nocturnas.

Efecto de noche americana. Wikipedia
Nudo. Parte central de la trama en la que se acentúan los conflictos.
O-P-Q
-O-
Objetivo. El conjunto de lentes convergentes y divergentes colocados dentro del cilindro que forma la parte óptica de la cámara. Su
función es recibir la luz procedente de un objeto, modificar su dirección hasta crear la imagen óptica contra el soporte sensible (película).
Los cilindros con las lentes se denominan objetivos fotográficos, que nos permiten tener un mayor dominio sobre la manera en que
ingresa la luz a la cámara. Los principales tipos de objetivos son gran angular, teleobjetivo, normal, zoom y anamórfico.
Cámara Lumière. Wikipedia
Obturador: Es un disco semicircular, inserto dentro de la cámara, que gira constantemente y que permite obturar y desobturar la luz
que deberá llegar al interior de la película. Mientras la película se desliza sobre unos carriles, de manera uniforme e intermitente frente a
la ventanilla, el obturador hace medio giro para que la película avance y en la otra mitad del giro desobtura el haz lumínico para que la
película haga su registro. Ese proceso se hace a una velocidad de 24 fotogramas por segundo, llamado ciclo de la cámara, en el cual el
obturador tendrá un tiempo de exposición de 1/48 segundos.

Opera prima. Se denomina así al primer largometraje de un realizador.
Operador. Técnico del equipo de fotografía encargado del manejo de la cámara y el encuadre según las instrucciones del realizador.
Oscar. Premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, en forma de estatuilla, diseñada por Cedric Gibbons
-que fue el máximo responsable de la decoración de la Metro Goldwyn Mayer desde 1924 hasta 1956-, que concede desde 1928..
Entrega de los Oscar. Wikipedia
-P-
Panorámica. Movimiento de rotación de la cámara sobre su eje (es vertical, horizontal, circular, oblicua, de barrido y balanceo).
Paralelo (montaje en paralelo o acción paralela). Segmento que presenta de manera alterna lo que está sucediendo en dos o más
escenas diferentes dentro de la misma acción que, o bien se complementan, o bien una puntúa a la otra.
Paso de manivela. Técnica aplicada por numerosos pioneros del cine a la hora de conseguir efectos diversos con la imagen. Consistía
en impresionar, con un giro de manivela, un fotograma, y para el siguiente haber cambiado de posición al personaje u objeto, y así
sucesivamente, para que el conjunto de dichos fotogramas produjesen un determinado efecto en la proyección.
Película. Es la cinta que se proyecta. Ha sido con el tiempo de diversos materiales. Las primeras eran de papel, hasta 1889 en que se
comercializa la flexible de nitrato de celulosa, muy inflamable (celuloide). Posteriormente pasaron a ser de triacetato de celulosa no
inflamable.
Película. Wikipedia
Autor: Ryan Baxter. CC-BY.2.0
Peplum. Es un género que puede definirse como una película de aventuras ambientada en la Antigüedad, en especial la greco-romana.
El término fue acuñado por la crítica francesa en los años 60, usando metonímicamente el nombre de una prenda de vestuario muy
frecuente en tales filmes, la llamada latinizadamente “peplum”, (del griego “πεπλον” -peplo-), especie de túnica sin mangas abrochada al
hombro.
Persistencia retiniana. Fenómeno por el que por medio de imágenes fijas sucesivas se crea la ilusión de movimiento. Hoy sabemos

que no es una característica de la retina sino un fenómeno cerebral y psíquico, que se conoce como Efecto Phi.
Plano. Espacio recogido en encuadre, es también la unidad de toma. Hay de diferentes tipos según el ángulo de la cámara. Se clasifica
según la escala de la figura humana: plano general (la figura humana como un elemento más del escenario o paisaje), plano entero (la
figura entera), plano Americano (muestra la figura humana desde las rodillas hacia arriba), plano medio (cortada por la cintura),
primer plano (el rostro entero), plano detalle (una parte del rostro). Se compara con la palabra en el lenguaje literario.
Plano secuencia. Secuencia que se rueda en un solo plano, directamente y sin interrupción, conservando la unidad temporal y espacial.
Necesita de muchos ensayos, usándose marcas en el suelo y contraseñas de todo tipo para indicar cuando y por donde entran y salen
lo personajes, los movimientos de la cámara, las luces, etc. Generalmente la cámara va en un móvil: dolly o grúa.
Plano subjetivo. Muestra lo que ven los ojos de un personaje.
Planteamiento. Parte en la que se presentan los personajes y el conflicto que se va a desarrollar.
Plató. Escenario cinematográfico, recinto, nave empleada para el rodaje. En el plató donde se ruedan los interiores de La ciudad que
nunca duerme hay diferentes sets o espacios.
Posproducción. Fase de elaboración de una película que comienza cuando, una vez grabada, el montador dispone del material
necesario para completar el primer montaje.
Pressbook. Catálogo confeccionado por las productoras o distribuidoras, a través de sus departamentos de prensa y publicidad,
destinado a los exhibidores y a la prensa cinematográfica. Generalmente contiene la sinopsis del film, ficha técnica y artística, biografía
del director y los intérpretes principales, gacetillas, clichés y fotos (hoy suelen hacerse en soporte digital).
PressBook. Wikipedia
Productor. Es la persona responsable de llevar a cabo el proceso de búsqueda, selección y gestión de recursos humanos, financieros y
materiales, necesarios para hacer una película.. El director de producción o productor jefe gestiona el presupuesto. Los hay con
personalidad propia, sus películas llevan su sello, y por su nombre y solvencia son un reclamo publicitario.
Profundidad de campo. Espacio incluído entre el primer término y el último que se enfocan en un mismo encuadre.
R-S-T
-R-
Raccord. Unión de un plano con otro. El cine crea ilusión de continuidad: un plano debe empezar donde acaba el anterior y terminar
donde se inicia el siguiente. Los elementos que aparecen en el plano también deben respetar esa continuidad. Por ejemplo, un actor no
puede llevar sombrero y en el plano siguiente no llevarlo. Lo contrario se llama “fallo de raccord”.
Realizador. A veces es sinónimo de director. Se le llama así sobre todo cuando se ocupa sólo de la puesta en escena y del rodaje (y en
la televisión).

El director Mexicano Rafael Montero. Wikipedia

Autor: Alinacinecinecine. CC01.Universal
Remake. Versión de una película ya hecha.
Ritmo. Cadencia armónica del tiempo de la narración. En función del montaje las películas tienen un ritmo más rápido (sucesión de
planos breves) o más pausado (planos más sostenidos).
Road movie. Literalmente “película de carretera”. Género cuyo argumento se desarrolla a lo largo de un viaje. Siguen la tradición
literaria del viaje iniciático y combinan la metáfora del viaje como desarrollo personal con la cultura de la movilidad individual, cuando el
automóvil se convierte en signo de la identidad adulta. Tienden a una estructura episódica, en que cada segmento enfrenta a los
protagonistas con un desafo para acabar revelando a los protagonistas algo sobre sí mismos.
-S-
Screwball Comedy. El término significa comedia loca o zigzagueante (viene del béisbol, dar efecto a la pelota), pero la palabra screw
por si sola significa tornillo. Suele ser una pareja que se conoce, los dos se caen mal pero, a la larga, terminarán enamorándose. Son
ejemplos filmes como Sucedió una noche (Capra, 1934) o La Fiera de Mi Niña (Hawks, 1938).
Script. Secretaria/o de rodaje. Sigue siendo una labor realizada fundamentalmente por mujeres. Controla los planos rodados, las tomas
que se dan por buenas, la continuidad (raccord) entre escenas, la ambientación, vestuario, maquillaje, sonidos, movimientos... para
evitar errores entre planos que en la película irán seguidos pero se ruedan en días diferentes. Hay raccord de todo: de luz, de ruido
ambiental, de peinado, de decoración.
Secuencia. Escena o conjunto de escenas que configuran una unidad dramática y dan continuidad narrativa al guión; se desarrolla
como una unidad de tiempo. Serie de escenas que forman parte de una misma unidad narrativa. Se puede comparar al capítulo de una
novela.
Serial. Constan de capítulos con un final abierto, por lo tanto con una historia incompleta, que evoluciona de un episodio a otro. Para
desarrollar el hilo argumental cuenta con los mismos personajes, como la serie.
Serie. Está formada por episodios que cuentan una historia con final, siempre con los mismos protagonistas.
Serie B. Vd. B (serie B).
Set. Lugar de rodaje. Decorado. Localización.
Sincronización. Correspondencia exacta, fotograma a fotograma, entre imagen y sonido.
Slapstick. Es un término que, procedente de la revista musical y también del circo, adapta el cine con el fin de conseguir "gags" muy
visuales, basados en la acción física de los personajes (tortazos, bastonazos, golpes de todo tipo, etc.), que provocan risas inmediatas.

Slapstick film (1916). Wikipedia
Sleeper. Película que obtiene un éxito de público inesperado.
Sobreimpresión. Es cuando se impresiona dos veces el mismo fragmento de film, filmando cada vez imágenes diferentes que
adquieren significado con la superposición.
Sonido directo. Cuando se graban los diálogos y sonidos al mismo tiempo que se realiza el rodaje. Se gana en naturalidad pero se
pierde en claridad de voz en los diálogos.
Sound track. Es una banda en la que se registran los sonidos de todas las bandas menos la de diálogos.
Spaghetti western. Subgénero del western que tuvo su auge en los 60 y 70. Puesto que estas películas eran financiadas por compañías
italianas, el género adquirió el nombre de spaghetti western (western espagueti en inglés) -o chorizo western cuando se trataba de
películas españolas-. La mayoría se rodaron en Cinecittà (Italia) y en Almería (España).
Spoiler. Proviene del inglés “spoil” cuyo significado es echar a perder. Spoiler quiere decir aguafiestas. Es bastante común que esta
palabra aparezca en reseñas, comentarios, monografías, etc., indicando párrafos donde se revela total o parcialmente el argumento.
Spoof movie. O película de parodias. Es un tipo de comedia que satiriza a otros géneros cinematográficos, tipo Aterriza como puedas,
Scary movie,....
Estrella en el paseo de la fama. Wikipedia

Autor. karmakazesal CC-BY-SA.2.0
Star-system. Se denomina al fenómeno del estrellato en el sistema de estrellas. Desde que Carl Laemmle decidió a partir de 1912 dar
el nombre de las actrices y actores que intervenían en sus películas, los espectadores estadounidense e, inmediatamente, de todo el
mundo comenzaron a demandar ciertas películas a partir de los protagonistas que intervenían en ellas. El strar-system se convirtió en el
mejor vehículo de promocionar y vender una película en todo el planeta.
Stop-motion. Es una técnica de animación que simula el movimiento de objetos estáticos haciendo fotografías y proyectándolas en
continuidad. En general se denomina stop motion a las animaciones no dibujadas, sino creadas tomando imágenes de la realidad. Hay

dos grandes grupos, la animación de plastilina (o cualquier material maleable), en inglés claymation, y las animaciones de objetos más
rígidos.
Story Board. Cómic con la historia dibujada de la película, expuesta plano a plano por medio de dibujos que señalan el encuadre a
realizar que van acompañados de textos con los diálogos correspondientes.
Subgénero. A partir de la pauta temática resumida bajo lo que llamamos géneros, se plantea una creciente diversificación, de modo que
cada nueva tendencia, fijada ya en las pautas propias de la industria del cine, adquiere su peculiar etiqueta. Por ejemplo, a partir del
género del cine negro, surgen variedades como el thriller erótico, el thriller de acción e incluso el llamado polar, o cine negro que se
sumerge en una realidad como la francesa. Ni que decir tiene que cada una de esas variantes, o subgéneros, resulta de compleja
catalogación, y en más de una oportunidad parte de una moda efímera que, analizada desde una perspectiva histórica, carece de
fundamentos teóricos.
Suspense. Anticipación que crea unas expectativas basándose en la dilatación del tiempo. Usualmente funciona ocultando una
información al personaje que si tiene el espectador.
-T-
TeleCine (TC). Máquina que copia la película digitalmente desde el proyector. El sonido y la imagen deberían ser muy buenos, pero los
telecines son muy poco comunes debido al equipamiento y los costos. Generalmente la película tendrá su razón de proporción correcta,
porque existen los telecines de 4:3. TC no debe ser confundido con Time Code, que es un contador visible en la pantalla durante la
película.
Telefilme. Película realizada para la televisión o que se emite en este medio y que se ajusta a sus técnicas de filmación y montaje.
Teleobjetivo. Lente de distancia focal larga, (más de 80 mm para cámaras de 35 mm). El teleobjetivo permite encuadrar un ángulo de
toma más reducido que un lente normal. Se emplea para aproximar imágenes lejanas o para realizar primeros planos. Comprime las
perspectivas y su profundidad de campo es mínima, produciendo fondos fuera de foco.
Tema. Idea central que se quiere transmitir.
Títulos de crédito. Rótulos con el título, los nombres de los que han trabajado en el film y otras informaciones técnicas. Aparecen al
principio o al final (o en ambas ocasiones.
Créditos de Derby Day, 1923. Wikipedia
Thriller. El término deriva del verbo "thrill" (asustar, estremecer) y se denomina así a las películas que persiguen emocionar narrando
una trama de intriga criminal o de investigaciones policiacas. Los franceses usan el termino Polar y los italianos Giallo (aunque es una
variante más morbosa).
Toma. Hecho físico de filmar o grabar algo. Nomenclatura dada a cada una de las veces que se rueda un mismo plano, habitualmente
identificada con un número y cuya extensión comprende desde que en rodaje se sincronizan con la claqueta imagen y sonido hasta que
se grita ¡corten!.
Tráiler. Montaje promocional de uno a dos minutos que, mediante la muestra de los momentos álgidos, anticipa los que veremos en la
película. Se trata de breves montajes, en tono grandilocuente, ideados para crear interés y expectación en el espectador.

Trama. Línea estructural de una historia en donde se planifican los acontecimientos para tener atrapada a la audiencia.
Travelling. Técnica cinematográfica consistente en el seguimiento del objeto mediente el desplazamiento de la cámara sobre los
hombros del operador o sobre un móvil (dolly, grúa) para acercarla a lo filmado, alejarlo o seguirlo. Suelen usarse raíles que aseguran
un movimiento limpio y suave. Puede ser de avance, retroceso, paralelo, en ascensor, oblicuo y circular. Berlanga usa con gran maestría
este recurso narrativo.
Travelling. Wikimedia
Autor. Joshua Sherurcij
V-W-X-Y-Z
-V-
Voz en off. Voz de alguien que está fuera del campo de la imagen (o de alguien que no habla sino que transmite el pensamiento).
Viva Zapata. Wikipedia
-W-
Western. El cine del Oeste. Probablemente uno de los más específicos géneros cinematográficos de la historia del cine que narra
sucesos ubicados en el Oeste norteamericano en la segunda mitad del siglo XIX. Más que por los temas o los tratamientos, se
caracteriza por la iconografía (sombrero tejano, pistolas al cinto, chalecos, caballos, desierto, ciudades-calle, saloon, ranchos, diligencia,
indios...). Hay muchos tipos de westerns, el clásico, el de frontera, el spaghetti western,...

Centauros del desierto, Jhon Ford, 1956. Wikipedia
Wu Xia pian. Género cinematográfico de artes marciales y fantasía originario de Taiwán y Hong Kong. Su significado literal es “héroes
de las artes marciales”. Sus características son un escenario histórico, escenas de acción con espadas y temas de lealtad y traición. Se
considera diferente al cine de artes marciales. Son ejemplos Tigre y dragón de Ang Lee, o Hero y La casa de las dagas voladoras de
Zhang Yimou.
-X-
X. En muchos países europeos, calificación que se aplica a las películas con contenidos pornográficos o sumamente violentos.
Woman With camera (1920). Wikipedia
-Z-
Zoom. Objetivo que permita acercar o alejar lo encuadrado sin necesidad de acercar o alejar la cámara.
Zoom. Wikipedia
Autor. Stefan-Xp. CC-BY-SA.3.0
Zoom óptico. Efecto de zoom realizado no con un objetivo zoom, sino en una positivadora óptica. Un zoom de aproximación se realiza

acercando la cámara y el objetivo progresivamentea la película que se está copiando y un zoomde alejamiento, alejándolos
gradualmente. La ventaja es que se evitan las distorsiones espaciales que se producen con un zoom normal y el inconveniente que,
ampliando el sujeto con una positivadora óptica, la imagen se hace más granulosa y menos definida.
Obra colocada bajo licencia Creative Commons Attribution Share Alike 3.0 License

Cine - Modulo - 6 - Historia

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