REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN

INSTITUTO UNIVERSITARIO DE TECNOLOGÍA INDUSTRIAL
“RODOLFO LOERO ARISMENDI”
CÁTEDRA: TEORÍA DEL DISEÑO
PROF: JEREMY NARANJO
PUNTO FIJO-ESTADO FALCÓN

TEORÍA DEL DISEÑO

AUTOR:
ANA PETIT 28.369.058

PUNTO FIJO, MAYO 2022

 ÍNDICE

1. Historia del diseño gráfico

1.1 Antecedentes
1.2 Siglo XIX
1.3 Primeras Vanguardias
1.4 Las escuelas de diseño
1.5 Segundas Vanguardias
1.6 Actualidad
2. Fundamentos del Diseño
3. Concepto y definiciones de diseño
4. ¿Cuál es la función del diseño gráfico?
5. ¿Cuáles son las etapas de diseño?
6. ¿Cuáles son las características del diseño?
7. ¿Cuáles son las categorías de diseño gráfico? Y explique cada una de ellas
8. Tendencias de diseño y explique cada una
9. Herramientas digitales para el diseño gráfico
10. Conclusión
11. Bibliografía
 INTRODUCCIÓN
Dicen que una imagen vale más que mil palabras y en el caso del marketing,
esto se ha vuelto más cierto que nunca. En ocasiones las palabras no son necesarias
para entender un mensaje, y si esto se logra es gracias al buen trabajo del diseñador
gráfico.

Con la evolución de los años, el diseño gráfico tiene un fuerte peso en la industria y el
mercado, por lo que debe buscar transmitir un mensaje determinado por medio de
ideas creativas, permitiendo la comunicación visual de un mensaje. Los diseñadores
gráficos modernos están preparados para organizar, proyectar, coordinar y seleccionar
elementos para producir un objeto gráfico que se adapte al canal visual, generando un
mensaje que cumpla su objetivo.

La constante evolución del diseño gráficos siempre ha estado relacionada con la

evolución de las tecnologías y las técnicas de comunicación. En la década de los 70,
el diseño gráfico era uno de las principales herramientas del diseño de periódicos. A
medida que las tecnologías fueron creciendo, y evolucionando, también se convirtió
en una parte fundamental de los programas de televisión.

Si bien es cierto que el diseño gráfico en sí existe desde la antigüedad. Sin embargo,
la profesión del diseñador gráfico, se consolida en la era contemporánea. La sociedad
de masas y de consumo demanda una nueva forma de comunicación más directa y
eficaz, capaz de llegar al mayor número de personas en el menor tiempo posible.

El trabajo de diseñador se ha visto infravalorado en los últimos años, y no es de

extrañarse con la llegada de programas que facilitan la creación de elementos sin
ayuda profesional. Por eso, con este trabajo de investigación se busca o se trata de ver
una visión general de todo lo que conlleva crear y plasmar un trabajo de diseño
gráfico, y su historia como en su evolución en los años hasta la actualidad.
 1. HISTORIA DEL DISEÑO

Aunque no existe consenso sobre una fecha exacta en la que nació el diseño
gráfico, algunos lo datan durante el período de entreguerras. Otros entienden que
comienza a identificarse como tal para finales del siglo xix. Puede argumentarse que
comunicaciones gráficas con propósitos específicos tienen su origen en las pinturas
rupestres del Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje escrito en el tercer milenio a.
C. Pero las diferencias de métodos de trabajo, ciencias auxiliares y formación
requerida son tales que no es posible identificar con claridad al diseñador gráfico
actual con el hombre de la prehistoria, con el xilógrafo del siglo xv o con el litógrafo
de 1890. Sin embargo, la evolución del diseño gráfico como práctica y profesión ha
estado estrechamente ligada a las innovaciones tecnológicas, las necesidades sociales
y la imaginación visual de los profesionales. El diseño gráfico se ha practicado de
diversas formas a lo largo de la historia; de hecho, los buenos ejemplos de diseño
gráfico se remontan a los manuscritos de la antigua China, Egipto y Grecia.

A medida que la impresión y la producción de libros se desarrollaron en el siglo xv,

los avances en el diseño gráfico se desarrollaron a lo largo de los siglos posteriores, y
los compositores o tipógrafos a menudo diseñaban las páginas según establecían el
tipo. A fines del siglo xix, el diseño gráfico surgió como una profesión distinta en
Occidente, en parte debido al proceso de especialización laboral que se produjo allí, y
en parte debido a las nuevas tecnologías y posibilidades comerciales que trajo
consigo la Revolución Industrial. Los nuevos métodos de producción llevaron a la
separación del diseño de un medio de comunicación (por ejemplo, un cartel) de su
producción real. Cada vez más, a lo largo del siglo xix y principios del siglo xx, las
agencias de publicidad, los editores de libros y las revistas contrataron directores de
arte que organizaron todos los elementos visuales de la comunicación y los integraron
en un todo armonioso, creando una expresión adecuada al contenido. En 1922, el
tipógrafo William A. Dwiggins acuñó el término diseño gráfico para identificar el
campo emergente. A lo largo del siglo xx, la tecnología disponible para los
diseñadores siguió avanzando rápidamente, al igual que las posibilidades artísticas y
comerciales del diseño. La profesión se expandió enormemente y los diseñadores
gráficos crearon, entre otras cosas, páginas de revistas, cubiertas de libros, carteles,
carátulas de discos compactos, sellos postales, empaques, marcas, carteles, anuncios,
títulos cinéticos para programas de televisión y películas, y sitios web. A principios
del siglo XXI, el diseño gráfico se había convertido en una profesión global, a medida
que la tecnología y la industria avanzadas se extendían por todo el mundo.

1.1 ANTECEDENTES

El libro de Kells una Biblia manuscrita profusamente ilustrada, realizada por

monjes irlandeses del siglo ix es para algunos un muy hermoso y temprano ejemplo
del concepto de diseño gráfico. Se trata de una manifestación gráfica, de gran valor
artístico, de altísima calidad, y que incluso sirve de modelo para aprender a diseñar
pues incluso supera en calidad a muchas de las producciones editoriales actuales, y
además desde un punto de vista funcional contemporáneo esta pieza gráfica responde
al conjunto de necesidades planteadas al equipo de personas que lo realizó, no
obstante otros opinan que no sería producto del diseño gráfico, pues entienden que su
concepción no se ajusta a la idea del proyecto de diseño gráfico actual.

La historia de la tipografía y por carácter transitivo, también la historia del libro está
estrechamente vinculada a la del diseño gráfico; esto puede ser así porque
prácticamente no existen diseños gráficos en los que no se incluyan elementos
gráficos de este tipo. De ahí que cuando se habla de la historia del diseño gráfico,
también se cita la tipografía de la columna trajana, las miniaturas medievales, la
imprenta de Johannes Gutenberg, la evolución de la industria del libro, los afiches
parisinos, el Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), William Morris, la
Bauhaus, etc.

La introducción de los tipos móviles por Johannes Gutenberg hizo a los libros más
baratos de producir, además de facilitar su difusión. Los primeros libros impresos
(incunables) marcaron el modelo a seguir hasta el siglo XX. El diseño gráfico de esta
época se ha llegado a conocer como Estilo Antiguo (especialmente la tipografía que
estos primeros tipógrafos usaron) o Humanista, debido a la escuela filosófica
predominante de la época.

1.2 SIGLO XIX

Durante el siglo xix el diseño de mensajes visuales fue confiado alternativamente

a dos profesionales: el dibujante o el impresor. El primero estaba formado como
artista y el segundo como artesano, ambos frecuentemente en las mismas escuelas de
artes y oficios. Para el impresor tenía como arte el uso de ornamentos y la selección
de fuentes tipográficas en sus composiciones impresas. El dibujante veía a la
tipografía como un elemento secundario y prestaba más atención a elementos
ornamentales e ilustrativos. Entre 1891 y 1896, la imprenta Kelmscott de William
Morris publicó algunos de los productos gráficos más significativos del Movimiento
de Artes y Oficios (Arts and Crafts), y fundó un lucrativo negocio basado en el diseño
de libros de gran refinamiento estilístico, vendiéndolos a las clases pudientes como
objetos de lujo. Morris demostró que existía un mercado para los trabajos de diseño
gráfico, estableciendo la separación del diseño con respecto a la producción y las
bellas artes. El trabajo de la imprenta Kelmscott está caracterizado por su recreación
de estilos históricos, especialmente medievales.

1.3 PRIMERAS VANGUARDIAS

El diseño de principios del siglo xx, al igual que las bellas artes del mismo
periodo, fue una reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales
del siglo xix. El interés por la ornamentación y la proliferación de cambios de medida
y estilo tipográfico en una misma pieza de diseño, como sinónimo de buen diseño,
fue una idea que se mantuvo hasta fines del siglo xix. El Art Nouveau, con su clara
voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un mayor orden visual en la
composición. Si bien mantuvo un alto nivel de complejidad formal, lo hizo dentro de
una fuerte coherencia visual, descartando la variación de estilos tipográficos en una
misma pieza gráfica.
Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo xx y la agitación política
que los acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño gráfico. El Dadá, De
Stijl, suprematismo, cubismo, constructivismo, futurismo, y el Bauhaus crearon una
nueva visión que influyó en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos
estos movimientos se oponían a las artes decorativas y populares, así como también el
Art Nouveau, que bajo la influencia del nuevo interés por la geometría evolucionó
hacia el art déco. Todos estos movimientos aparecieron con un espíritu revisionista y
transgresor en todas las actividades artísticas de la época. En este período también
proliferaron las publicaciones y manifiestos, mediante los cuales los artistas y
educadores mostraron sus opiniones. Durante la década de 1930 se desarrollaron
aspectos interesantes para la composición del diseño gráfico. El cambio de estilo
gráfico fue trascendental porque muestra una reacción contra el organicismo y
eclecticismo ornamentalista de la época y propone un estilo más despojado y
geométrico. Este estilo, conectado con el constructivismo, el suprematismo, el
neoplasticismo, el De Stijl y el Bauhaus, ejerció una influencia duradera e ineludible
en el desarrollo del diseño gráfico del siglo xx. Otro elemento importante en relación
a la práctica profesional, fue el creciente uso de la forma visual como elemento
comunicacional. Este elemento apareció sobre todo en los diseños producidos por el
Dada y el De Stijl.

1.4 LAS ESCUELAS DE DISEÑO

Jan Tschichold plasmó los principios de la tipografía moderna en su libro de

1928, New Typography. Más tarde repudió la filosofía que expone en esta obra,
calificándola de fascista, pero continuó siendo muy influyente. Herbert Bayer, que
dirigió desde 1925 hasta 1928 el taller de tipografía y publicidad en la Bauhaus, creó
las condiciones de una nueva profesión: el diseñador gráfico. Él puso la asignatura de
“Publicidad” en el programa de enseñanza incluyendo, entre otras cosas, el Análisis
de los medios de publicidad y la Psicología de la publicidad. Es así como Tschichold,
Herbert Bayer, László Moholy-Nagy, y El Lisitski se convirtieron en los padres del
diseño gráfico como lo conocemos hoy día. Fueron pioneros en las técnicas de
reproducción y en los estilos que se han ido usando posteriormente. Hoy, los
ordenadores han alterado drásticamente los sistemas de reproducción, pero el enfoque
experimental que aportaron al diseño es más relevante que nunca el dinamismo, la
experimentación e incluso cosas muy específicas como la elección de tipografías (la
Helvética es un revival; originalmente era un diseño basado en la tipografía industrial
del siglo xix) y las composiciones ortogonales. Estos grandes diseñadores vivieron en
el marco de la más grande escuela de diseño la Bauhaus, e incluso algunos de ellos
como László Moholy-Nagy fueron profesores y formaron parte de la programación de
la escuela.

La Hochschule für Gestaltung (HfG) de Ulm fue otra institución clave en el

desarrollo de la profesión del diseñador gráfico. Desde su fundación, la HfG se
distanció de una posible afiliación con la publicidad. Al comienzo, el departamento
en cuestión se denominó Diseño Visual, pero rápidamente quedó claro que su
objetivo actual era resolver problemas de diseño en el área de la comunicación de
masas, en el año académico 1956-57 el nombre se cambió por el de Departamento de
Comunicación Visual, según el modelo del Departamento de Comunicación Visual de
la New Bauhaus en Chicago. En la HfG de Ulm, se decidió trabajar primordialmente
en el área de la comunicación no persuasiva, en campos como el de los sistemas de
signos de tráfico, planos para aparatos técnicos, o la traducción visual de un
contenido científico. Hasta ese momento no se habían enseñado sistemáticamente
esas áreas en ninguna otra escuela europea.

1.5 SEGUNDAS VANGUARDIAS

La reacción a la cada vez mayor sobriedad del diseño gráfico fue lenta pero
inexorable. Los orígenes de las tipografías postmodernas se remontan al movimiento
humanista de los años cincuenta. En este grupo destaca Hermann Zapf, que diseñó
dos tipografías hoy omnipresentes Palatino (1948) y Óptima (1952). Difuminando la
línea entre las tipografías con serifa y las de palo seco y reintroduciendo las líneas
orgánicas en las letras, estos diseños sirvieron más para ratificar el movimiento
moderno que para rebelarse contra él.
Un hito importante fue la publicación del Manifiesto lo primero es lo primero (1964),
que era una llamada a una forma más radical de diseño gráfico, criticando la idea del
diseño en serie, carente de valor. Tuvo una influencia masiva en toda una nueva
generación de diseñadores gráficos, contribuyendo a la aparición de publicaciones
como la revista Emigre. Otro notable diseñador de finales del siglo XX es Milton
Glaser, que diseñó la inconfundible campaña I Love NY (1973), y un famoso cartel
de Bob Dylan (1968). Glaser tomó elementos de la cultura popular de los sesenta y
setenta.

Los avances de principios del siglo veinte fueron fuertemente inspirados por avances
tecnológicos en impresión y en fotografía. En la última década del mismo siglo, la
tecnología tuvo un papel similar, aunque esta vez se trataba de ordenadores. Al
principio fue un paso atrás. Zuzana Licko comenzó a usar ordenadores para
composiciones muy pronto, cuando la memoria de los ordenadores se medía en
kilobytes y las tipografías se creaban mediante puntos. Ella y su marido, Rudy
VanderLans, fundaron la pionera revista Emigre y la fundición de tipos del mismo
nombre. Jugaron con las extraordinarias limitaciones de los ordenadores, liberando un
gran poder creativo. La revista Emigre se convirtió en la biblia del diseño digital.
David Carson es la culminación del movimiento contra la sobriedad y la constricción
del diseño moderno. Algunos de sus diseños para la revista Raygun son
intencionadamente ilegibles, diseñados para ser más experiencias visuales que
literarias.

1.6 ACTUALIDAD

Hoy en día, gran parte del trabajo de los diseñadores gráficos es asistido por
herramientas digitales. El diseño gráfico se ha transformado enormemente por causa
de los ordenadores. A partir de 1984, con la aparición de los primeros sistemas de
autoedición, los ordenadores personales sustituyeron de forma paulatina todos los
procedimientos técnicos de naturaleza analógica por sistemas digitales. Por lo tanto,
los ordenadores se han transformado en herramientas imprescindibles y, con la
aparición del hipertexto y la web, sus funciones se han extendido como medio de
comunicación. Además, la tecnología también se ha hecho notar con el auge del
teletrabajo y en especial del crowdsourcing o tercerización masiva, ha comenzado a
intervenir en las modalidades de trabajo. Este cambio ha incrementado la necesidad
de reflexionar sobre tiempo, movimiento e interactividad. Aun así, la práctica
profesional de diseño no ha tenido cambios esenciales. Mientras que las formas de
producción han cambiado y los canales de comunicación se han extendido, los
conceptos fundamentales que nos permiten entender la comunicación humana
continúan siendo los mismos.

2. FUNDAMENTOS DEL DISEÑO

Son la base de todos los medios visuales: están en el arte, en el diseño web, e
incluso en pequeños detalles, como las tipografías. Pero estas tienen en común que
algunos poseen elementos básicos, como la línea, la forma, el tamaño la textura y el
equilibrio. Puede que estos elementos no parezcan importantes solos, pero cuando
están juntos forman parte de lo que ves.

 Línea: Las líneas están presentes frecuentemente en el diseño, por ejemplo, en

dibujos, ilustraciones, y elementos gráficos como texturas y patrones. Puede
ser gruesa o delgada, ondulada o irregular.
 Forma: Círculos, cuadrados, triángulos. Se dividen en dos categorías:
geométrica o regular y orgánica. Son importantes para comunicar ideas
visualmente, porque les dan peso y las hace reconocibles. Pueden ayudarte a
separar u organizar el contenido.
 Objeto: Cuando una forma adquiere propiedades 3D, se llama objeto, el cual
puede existir en un mundo real o simularse utilizando técnicas como la luz, la
sombra y la perspectiva para crear la ilusión de profundidad. En el diseño
bidimensional los objetos le dan un toque realista al trabajo.
 Textura: Es la cualidad física de una superficie, al igual que los objetos, puede
ser tridimensional y dar una idea de cómo se verá en la vida real. En diseño la
textura agrega profundidad y tacto a las imágenes planas. Los objetos pueden
ser lisos, rugosos, duros o blandos. Dependiendo de los elementos.
  Equilibrio: Es la buena distribución del peso visual y puede verse afectado por
muchas cosas, como el color, el tamaño, el número y el espacio en blanco.
Los diseños simétricos son iguales o similares en ambos lados de un eje. Se
equilibran porque cada lado puede llegar a ser idéntico.

3. DEFINICIONES DEL DISEÑO

Se define como el arte y la práctica de planificar y proyectar ideas y experiencias

con contenido visual y textual. En otras palabras, el diseño gráfico comunica ciertas
ideas o mensajes de manera visual. Estos gráficos pueden ser tan simples como un
logotipo de negocio o tan complejos como diseños de página en un sitio web. El
diseño gráfico toma elementos gráficos y textuales y los implementa en múltiples
tipos de medios. Ayuda al productor a conectarse con el consumidor y transmitir el
mensaje de un proyecto, evento, campaña o producto.

En un concepto amplio, el término diseño gráfico, designa superficies

bidimensionales, materiales o virtuales, medios de comunicación visual y soportes de
información mediante la tipografía, la imagen, el color y el material.

4. ¿CUÁL ES LA FUNCIÓN DEL DISEÑO GRÁFICO?

La principal función del diseño gráfico consiste en transmitir una determinada

información a través de composiciones gráficas, las cuales llegan al público objetivo
mediante diferentes tipos de soportes, como carteles, folletos, trípticos, etc.

El diseño gráfico se encarga de difundir las ideas más importantes de un mensaje de

manera clara y directa, valiéndose para ello de diferentes elementos gráficos que
permitan dar forma y estilo al mensaje.

Para comunicar visualmente un mensaje de manera efectiva, el diseñador debe

conocer en profundidad los recursos gráficos que tiene a su disposición, y además
debe contar con la imaginación, creatividad y buen gusto necesarios para combinarlos
de manera apropiada.
Una de las funciones del diseño gráfico consiste en actuar ante la necesidad de
transmitir un mensaje específico. Por eso decimos que el diseñador interviene como
intérprete, es un creador de comunicaciones que construye mensajes con medios
visuales.

Además de difundir ideas, el diseño gráfico también se encarga de describir

gráficamente el perfil de una compañía. En este ámbito, lo que produce el diseñador
representa la primera impresión que se lleva el cliente de la empresa, organización o
compañía.

Como podemos ver, las funciones del diseño gráfico están centradas en comunicar en
forma visual un determinado mensaje o idea, haciendo uso de diferentes recursos,
elementos, arte y creatividad. El diseñador suele brindar soluciones creativas a los
problemas, ofreciendo propuestas originales para satisfacer las necesidades de
empresas y clientes, su trabajo puede ser visto a diario en carteles, panfletos, tarjetas,
logos y fotografías.

5. ¿CUÁLES SON LAS ETAPAS DEL DISEÑO?

 Objetivo: Se indicará el proyecto, visión y estilo del producto. Ya que se
deberá reunir toda la información del cliente para llevar a cabo una
investigación y negociación del objetivo del producto.
 Brief: En el brief es un resumen de lo acordado con el cliente mediante un
documento que incluya todos los datos e información de la empresa para que
quede todo establecido.
 Estrategia: Se llevará a cabo la planeación durante y después del proyecto. Así
mismo, se establecen los pasos para ver cómo se realizará las directrices que
tendrá y las herramientas que se utilizarán.
 Ideas: La lluvia de ideas para desarrollar el producto gráfico se requiere de
varias propuestas. Preguntas acerca del qué, cómo, por qué, para quién, dónde
y cuándo del proyecto creativo.
 Boceto: Se deben establecer los conceptos del por qué el diseño sigue el
proceso de abstracción en el bosquejo y desarrollar formas y elementos que
conformen la pieza creativa.
 Arte final: Consiste en realizar el proyecto como tal, ya que, construyendo el
producto final con las herramientas y materiales adecuados, la idea se verá
perfeccionada mediante el desarrollo necesario.
 Revisión del cliente: Es importante recibir una retroalimentación por parte del
cliente para así saber si el producto cumple con las especificaciones y
objetivos que requería el cliente.
 Publicación: Se viene la publicación del producto donde se pone al alcance
del consumidor final, los niveles de venta y el éxito que alcance el producto.
6. ¿CUÁLES SON LAS CARACTERÍSTICAS DEL DISEÑO?
 Observación y análisis: Ya que la necesidad del diseño surge de la
cotidianidad del ser humano.
 Planificación y proyección: Proponiendo un modo de solucionar la necesidad
detectada.
 Construcción y ejecución: Llevando a la realidad lo proyectado y
sometiéndolo a la prueba de su funcionamiento.
7. ¿CUÁLES SON LAS CATEGORÍAS DEL DISEÑO GRÁFICO? Y
EXPLIQUE CADA UNA DE ELLAS
 Diseño editorial: Tiene que ver con la maquetación y composición de libros,
revistas, periódicos, entre otros.
 Diseño publicitario: Creación, maquetación y diseño de diversas
publicaciones impresas, así como para otros medios visuales. Su objetivo es
incentivar la compra de un producto o servicio.
 Diseño de packaging: Todo producto requiere de una presentación, y es aquí
donde la labor del diseñador es primordial, ya que de su trabajo dependerá si
el consumidor consume o no cierto producto. El mensaje está en el diseño.
 Diseño de identidad corporativa: Aquí, el diseñador deberá transmitir la
filosofía, la misión y valores de una empresa u organización en distintos
materiales y en gráficos o visuales.
 Diseño web: Se trata del proceso de diseñar páginas de internet, el cual
también contempla el diseño de la interfaz y la optimización SEO.
 Diseño técnico o didáctico: Su objetivo es educar por medio de diseños
funcionales, legibles, creativos y simples.
 Diseño tipográfico: Se trata de una de las herramientas más importantes para
el diseño gráfico al reforzar las imágenes atendiendo el tamaño de las letras,
su espacio y su forma.
8. TENDENCIAS DEL DISEÑO Y EXPLIQUE CADA UNA DE ELLAS
 Maximalismo: “La tendencia de diseño 2021 que se opone al minimalismo”
Esta tendencia que nace como respuesta al minimalismo, mezcla colores
explosivos con diseños retro y futuristas. En lugar de incorporar colores
simétricos y convencionales, el maximalismo usa colores excéntricos y
atrevidos para lograr una sensación de caos organizado, sin atarse a ningún
esquema rígido.
 Elementos gráficos 3D: La creación de piezas 3D se ha vuelto una tendencia
muy popular entre los jóvenes diseñadores. Para proporcionar un buen diseño
3D para una marca, hay que emplear imágenes originales y a ser posible, del
producto y servicio.
 Diseño de materiales: Algunos se refieren a esto como plano 2.0 porque en
muchos sentidos, es una actualización a la tendencia de diseño plano,
agregando luz, sombra, profundidad y movimiento para una sensación más
tangible de realismo. Aunque google creó esta guía para la web y dispositivos
móviles, verás que los principios del diseño de materiales aparecen en toda
clase de formatos de diseño.
 Tipografía dramática: La tipografía no sólo es para leerse sino para hacer una
declaración. Busca una letra grande y atrevida que sea el centro de atención.
Puedes crear dramas a través del tamaño, pero también por el color, textura.
  Colores brillantes y llamativos: Esta tendencia sería un distanciamiento de las
paletas más tenues inspiradas en los años 60 para favorecer a los colores
pastel, neón, más ricos y saturados. El informe de colores Pantone se
encuentra justamente alineado con esta predicción.
9. HERRAMIENTAS DIGITALES PARA EL DISEÑO GRÁFICO
 Adobe Photoshop CC: Puedes hacer y optimizar las fotografías, también crear
diversas ilustraciones y conceptos en imágenes tanto 2D como 3D.
 Adobe illustrator: Permite la elaboración de logotipos para marcas, como
también la realización de dibujos, tipografías e ilustraciones usando sistemas
de vectorización.
 InDesing: Se realiza todo tipo de trabajos editoriales digitales. Ayuda mucho a
maquetar páginas y realizar algunas composiciones de textos.
 Freepik: Es una inmensa biblioteca de recursos tantos gratuitos como pagos
donde es posible descargar y editar de manera libre. Existen desde archivos
con extensión PSD, vectores y fotografías, hasta videos y gif animados.
 Corel Draw: Ofrece un montón de herramientas con la que se puede crear
trabajos de ilustraciones vectoriales como también la posibilidad de realizar
ediciones en fotografía.
 Gravit Designer: Posee funciones avanzadas con los que es posible obtener un
resultado muy profesional en el diseño vectorial. Crear íconos para páginas
webs, ilustraciones y animaciones.

CONCLUSIÓN

Con este trabajo de investigación, podemos aclarar que, el trabajo de un

diseñador gráfico, en sí, tiene la responsabilidad gigante de crear, de producir
mensajes que contribuyan positivamente a la sociedad. La importancia del diseño en
la sociedad actual radica en su poder de comunicar ideas a través de la imagen, color,
forma, tipografía y las técnicas adecuadas que se conocen como teoría del diseño.
Diseñar conlleva una gran responsabilidad, ya que el diseñador gráfico es el creador
del medio por el cual una idea, un sentimiento, un propósito y hasta una sensación
puede llegar a ser interpretada de manera eficaz e irrefutable a un público en
específico. A diferencia de muchos medios de comunicación el diseño gráfico es
capaz de transmitir una cadena sucesiva de ideas, desde algo muy sencillo hasta lo
más complejo, bien sea por un tono, un detalle en la tipografía, una figura, hasta por
un punto un mensaje puede transmitir una sola sensación o miles, una sola idea o
millones al mismo tiempo.

La imagen dentro de la sociedad juega un papel fundamental por ello las empresas y
los medios de comunicación se apoyan tanto en el diseño gráfico, porque este es el
encargado de darle vida a una idea, rostro a una empresa, alma a un proyecto,
pregnancia a un mensaje. Cambiar una idea, vender un producto, dar un mensaje,
motivar, potenciar una empresa, en fin, esta es la verdadera razón del diseño gráfico y
este es tan importante para todos quienes la trabajan.

Bibliografía.

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https://www.canva.com/es_mx/aprende/9-tendencias-diseno-grafico-imperdibles/

https://www.integratecnologia.es/la-innovacion-necesaria/herramientas-diseno-
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https://einatec.com/cuales-son-las-etapas-del-diseno-grafico/

https://cayab.com.mx/cuales-son-las-etapas-del-diseno/

https://www.idat.edu.pe/blog/11-ramas-del-diseno-grafico-que-debes-conocer

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https://valentinapazosp.medium.com/cu%C3%A1l-es-el-origen-del-dise%C3%B1o-
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https://criafama.es/evolucion-del-diseno-grafico/

https://budamarketing.es/historia-del-diseno-grafico/

https://www.educativo.net/articulos/el-disenio-grafico-y-sus-funciones-
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%2C%20folletos%2C%20tr%C3%ADpticos%2C%20etc