Barroco

La combinación de dos innovaciones artísticas, la formulación de las leyes de la perspectiva

en el siglo XV y la producción de la primera ópera en 1597, sentó las bases del teatro
barroco, que duró hasta el siglo XIX. Durante esta era, todos los países se unieron en la
misma órbita, aunque Italia siguió siendo la principal inspiración.

El drama de inspiración clásica del siglo XVI da paso a una variedad de entretenimientos:
intermezzi, ballet, máscaras y ópera. La invención de nuevos medios para presentar efectos
visuales espectaculares alentó la instalación de maquinaria cada vez más elaborada en los
edificios teatrales.

Durante la época barroca, el teatro reflejó la creciente complejidad de ideas, elementos

cómicos y dramáticos, tramas y personajes. Los dramaturgos de la época exploraron los
temas predominantes del arte imitando la vida y el mundo como escenario.

El trabajo de Shakespeare durante el período barroco dio lugar a tragedias más

complicadas como Hamlet, Macbeth y Otello en comparación a su trabajo durante el
Renacimiento, que eran en su mayoría obras de teatro y comedias históricas. Sus obras
tenían la sensibilidad barroca al sumergir a sus personajes en situaciones complejas y
numerosos giros en la trama.

En Francia, el neoclasicismo fue el estilo de drama en este período. Los dramaturgos

siguieron conceptos dramáticos del teatro griego y Aristóteles, incluyendo las tres unidades
(tiempo, lugar y acción), verosimilitud (realidad sin acciones sobrenaturales) y decoro
(comportamiento apropiado). Además, los dramaturgos se atenían a una estructura de cinco
actos donde la comedia y la tragedia no se entrelazaban, y al final el bien triunfaba sobre el
mal. Aunque los dramas eran de naturaleza didáctica, las producciones teatrales eran
opulentas con puestas en escena extravagantes.

En España el período barroco contó con escritores muy importantes como Francisco de
Quevedo y Luis de Góngora.

La arquitectura de estilo barroco dominó la construcción de teatros. Las novedades de la

época fueron presentadas en teatros privados de la corte. Por primera vez apareció un foso
de orquesta en frente al escenario, hundido debajo del nivel del suelo. El escenario, que
antes se había extendido a solo unos metros del arco del proscenio, se profundizó para
acomodar escenografía, equipamiento y baile. Grabados de la época indican que los teatros
de la corte se utilizaban para bailes, conciertos y representaciones teatrales.

Aunque pequeños, estos costosos teatros de la corte fueron testigos de las primeras
producciones de muchas óperas y también desempeñaron un papel importante en el
desarrollo del ballet clásico.

Había dos tipos de teatro público. El Teatro alla Scala de Milán es un buen ejemplo de los
numerosos teatros construidos por la nobleza del siglo XVIII en las capitales de Europa. Los
teatros públicos como La Scala se diferencian de los teatros privados de la corte solo en el
tamaño del auditorio y el escenario.
La ópera, que generalmente incluía un ballet, era en ese momento la forma de
entretenimiento más popular, especialmente en Italia.

El otro tipo de teatro público, propio de Inglaterra, era el Restoration Playhouse. Este tipo de
teatro, si bien tomaba prestado el escenario del teatro barroco, todavía tenía un pequeño
escenario que conectaba con el proscenio, sobre el cual se desarrollaba la mayor parte de
la acción para no perder el contacto íntimo entre el actor y el público que el teatro isabelino
había permitido.

Entre 1642-1660, los puritanos cerraron los teatros en Inglaterra, y cuando Carlos II
recuperó el trono, el teatro fue restaurado. Como resultado, comenzó el período de la
Restauración inglesa. Se caracterizó por las comedias costumbristas. Mostraban un mundo
pulido y estilístico, que tomaba prestadas ideas de las comedias europeas. El teatro de la
Restauración también introdujo mujeres en el escenario interpretando papeles femeninos,
que en el pasado eran interpretados por hombres disfrazados de mujeres.

La iluminación del teatro en este período fue proporcionada por iluminadores alimentados
por mechas ocultos detrás de las alas y el arco del proscenio. En el auditorio se utilizó una
lámpara grande, única y central o una serie de lámparas de techo más pequeñas. Todos se
mantenían encendidos durante la función y la costumbre de encender el auditorio persistió
hasta finales del siglo XIX.

Las máscaras de la corte sirvieron para introducir la puesta en escena italiana en Inglaterra.
Las mascaradas eran alegorías diseñadas para honrar a una persona u ocasión en
particular comparándolas favorablemente con personajes o situaciones mitológicas.

Después de la década de 1760 se construyeron teatros al estilo italiano, con auditorios

ovoides y escenarios ampliados. En la década de 1780, cuando el foso de pie cayó en
desuso, todos los espectadores finalmente se sentaron fuera del escenario.