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HISTORIA DEL ARTE

Presentado por:
EMMANUELIS ROMERO
Esteban López Hernández

Área:
Artística (artes visuales)

Profesor:
Sebastián Pérez

I.E. Javiera Londoño Sevilla

2022

La historia del arte…

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La historia del arte es una parte de la historia fundamental para aprender

sobre nuestros pasados, es una parte importante del pensamiento
humano para reflejar en este las emociones o las ideas más creativas del
ser humano…
La historiografía del arte es una disciplina tanto académica como también
lo es en el entorno institucional aunque se suele restringir a las llamadas
artes visuales o plásticas (esencialmente a pintura, escultura y
arquitectura), en lo que otras artes son más especialmente objeto de
análisis de otras disciplinas evidentemente delimitadas, como la narración
de la literatura o la crónica de la canción, siendo cada una de ellas objeto
de atención por la llamada historia de la cultura o historia cultural, junto
con las historias sectoriales enfocadas a otras protestas del pensamiento,
como la narración de la ciencia, la narración de la filosofía o la narración
de las creencias.
A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera,
desde la distinción medieval entre artes liberales y artes vulgares (o
mecánicas), pasando por la moderna distinción entre bellas artes y artes
menores o aplicadas, hasta la multiplicidad contemporánea, que entiende
como arte casi cualquier manifestación de la creatividad del ser humano.

La sucesiva ampliación del listado de las “artes principales” llegó en el

siglo XX: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura, la
poesía entendida de forma amplia como literatura con intención estética,
que incluye los distintos géneros del teatro y la narrativa, la
cinematografía, la fotografía y la historieta (o cómic).

Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes

visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas.

No obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la

historia artística, intentando una descripción global del arte de todas las
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civilizaciones y el análisis de sus producciones artísticas en términos de sus

propios valores culturales (relativismo cultural), y no solo de los de la
historia del arte occidental.

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación
de todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su
historia.

Durante el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos

y galerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y
catalogación de las obras de arte, así como su exposición a un público
mayoritario.

Premios como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la Fundación Wolf

de las Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el Premio Velázquez de
Artes Plásticas, el Premio Pritzker de arquitectura, el Premio Nobel de
literatura, la Medalla Mozart de la Unesco de música clásica, el Pulitzer de
fotografía y los Óscar de cine también fomentan la obra de los mejores
creadores a nivel internacional.

Instituciones como la UNESCO con el establecimiento de un Patrimonio de

la Humanidad ayudan igualmente a la conservación de los principales
monumentos del planeta…
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Corrientes del arte…

entender las corrientes artísticas en su espacio y tiempo es vital para

comprender el arte en general, en esta parte del texto tendremos las corrientes
del arte, estos los vamos a representar por medio de resúmenes:

Expresionismo abstracto: Este estilo de arte emergió en Nueva York

durante los años 40 como una amalgama de ideas entre el surrealismo y
conceptos americanos sobre la importancia de ser pioneros en el arte y
dejar atrás el arte tradicional No es completamente expresionista ni
abstracto. Tomó la técnica del automatismo y lo llevó a un nivel nuevo
para generar imágenes.

Antropofagia: Su principio básico era que los artistas Latinoamericanos

debían devorar y digerir las influencias europeas para crear algo propio.

Anti-arte: Término atribuido a Marcel Duchamp para describir los trabajos

artísticos que retaban y redefinían todas las preconcepciones sobre la
naturaleza del arte, tal como la adición de un bigote al cuadro de la Mona
Lisa para titularlo con fonemas que al ser pronunciados aseguraban que la
mujer tenía calor en el culo: L.H.O.O.Q. El dadaísmo fue el primer
movimiento antiarte.

Art Nouveau : Las mujeres tenían una figura muy estilizada y con esta
corriente se rechazó el historicismo del siglo XIX. Estaba lleno de
elementos simbolistas y del movimiento Arts and crafts.

Art Decó: Utilizaban elementos clásicos que databan del reinado de Luis
XVI y los combinaban con otras culturas como la africana, azteca, china y
el cubismo.

Barroco: Era un arte temperamental y florido que combinaba diferentes

cosas como una revolución contra el manierismo, su carácter intelectual,
elitista y frialdad emocional para servir a los impulsos religiosos y que la
masa los conociera. Los efectos teatrales también eran una de las
principales características.
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Body Art: Los artistas del Body Art eran un grupo suelto, en su mayoría
categorizados como un grupo por críticos e historiadores del arte, que se
desarrollaron tempranamente dentro del movimiento Performance Art.
En la corriente artística del Body Art, la presencia del artista se traduce a la
fisicalidad de un artista; no solo tenían que cumplir personalmente un
papel en la presentación de una obra de arte, sino que su propia carne y
sangre se convertirían también en una figura clave en el trabajo.

Bizantino: Esta corriente artística abarcó el tiempo entre la antigüedad y la

Edad Media, el Arte Bizantino abarcó una variedad de estilos e influencias
regionales y desarrolló una iconografía cristiana de longeva que es
admirada por los profesionales de hoy. Los emperadores bizantinos
utilizaron el arte y la arquitectura para señalar su fuerza e importancia.

Arte Conceptual: Se refiere a la corriente artística de los 60, 70 y 80 que se

creó de acuerdo con alguno de los siguientes principios: arte que consiste
en una idea básica que no tiene manera de representarse en forma física;
el lenguaje se convierte en el material básico del arte y la barrera entre
arte y teoría del arte se rompe; esta actividad artística se convierte en una
investigación de la naturaleza del arte; cada resultado y encarnación es
una demostración de una conclusión general. Entre los artistas
conceptuales más importantes están Lawrence Weinter, Sol Levitt, Joseph
Kosuth y Bruce Naumann.

Constructivismo: Buscaban aplicar su arte a las necesidades industriales y

sociales de su tiempo, integrándola a la arquitectura y experimentando
con distintos materiales como ropa o mobiliario. Tuvo gran influencia para
instituciones como la Bauhaus.

Cubismo: Se dividió en cubismo analítico, el cual abandonaba las

perspectivas convencionales yuxtaponiendo caras; y el cubismo sintético
que transformó la realidad para plasmarla en un código equivalente en el
lienzo.

Expresionismo: se utilizó para aquel arte que no representaba la realidad

sino las reacciones subjetivas de la realidad. Las emociones del pintor
están manifiestas con la distorsión de la forma y el color.

Realismo mágico: El movimiento original surgió en la década de 1920 en

Alemania para contrarrestar el énfasis puesto en la subjetividad individual
de artistas de vanguardia anteriores. Frida Kahlo fue una pintora dentro
de esta corriente.
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Fauvismo: Aunque los fauvistas retomaron algunos estilos de los

postimpresionistas como van Gogh y Gauguin, la fecha de esa exposición
es considerada el inicio del Movimiento Moderno.

Futurismo: La pintura futurista y escultura estuvo representada por

Giacomo Balla, Umberto Boccioni y otros artistas que quisieron brindar la
sensación de movimiento y velocidad con la representación simultánea de
diferentes planos. El Futurismo fue publicitado en diferentes manifiestos y
performance públicos en los que la audiencia era provocada y
escandalizada.

Impresionismo: Un movimiento de arte francés que intentó usar técnicas

científicas contemporáneas para hacer estudios sobre el color y así lograr
una representación exacta tanto del color como del tono.

La mayoría de los impresionistas aplicaron la pintura con pequeños toques

de color puro en lugar de pinceladas extensas. El resultado: pinturas
deslumbrantes.

Arte cinético: Fue planteado por primera vez por los constructivistas a
principios del siglo XX y después se popularizó gracias a Alexander Calder
con sus móviles en los 30.

Manierismo: Los pintores manieristas tenían un estilo astuto y buscaban

efectos exagerados y extraños para mostrar el cuerpo y los músculos de
manera perfecta. El contrapposto y el alargamiento extremo de la figura
son características de esta corriente. Los artistas se ocupaban más del
estilo que el contenido del cuadro

Arte Minimalista: Las figuras se dan por la oportunidad, como un puñado

de arena, o se hacen con formas geométricas simples que tienden a
repetirse.

Naturalismo: una tendencia artística popularizada en la segunda mitad del

siglo XIX que mostró la decepción y trivialidad de la vida ordinaria en
pintores y escritores. 

Neoclasicismo: El estilo de decoración que se basa en la antigua Grecia y

Roma en el año 1750 como protesta hacia el caprichoso estilo
caracterizado por el exceso. Se caracterizaba por la preferencia de las
líneas y la simetría, y por lo plano en lugar de la plasticidad.
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Neoconstructivismo: Una corriente disidente de Brasil que se desprende

del Constructivismo. El poeta Ferreira Gullar escribió Manifiesto Neo
Concreto y lo publicó en el periódico Journal do Brasil en marzo de 1959.
Algunos de los artistas del movimiento son Lygia Clark y Hélio Oiticica. Esta
corriente se anticipó al minimalismo norteamericano y el arte conceptual.

Purismo: Intentaban reformar la fase más decorativa del Cubismo para

regresar a lo simple y formas básicas generalizadas.

Romanticismo: En las artes visuales, literatura y melodía, el Romanticismo

se define como un desplazamiento en oposición a la formalidad que
poseía la finalidad de plasmar las emociones. En Gran Bretaña el artista
más representativo ha sido Turner, de Alemania Friedrich y de Francia
Géricault y Delacroix.

Suprematismo: Movimiento de arte que se proclamó en el Manifiesto

Supremacista en 1915 por Kasimir Malevich. Fue una contraparte del
Constructivismo que usaba las formas abstractas en espacios sin límite.

Simbolismo: Combinaba un misticismo religioso, perversidad y erotismo

para el culto de la decadencia. Ciertos artistas fueron Odilon Redon,
Gustave Moreau, Puvis de Chavannes, Fernand Khnopff, Jan Toorop,
Hodler y Segantini.

Surrealismo: Mediante escritura automática y los sueños, sus imágenes

expresan las más intensas emociones, fobias y miedos con una mística
propia del inconsciente. Hacen del humor negro y la ironía un aliado para
burlarse del sistema y las piezas de algunos, como Dalí, tienen una fuerte
carga erótica y simbólica

Secesión: Varios grupos de artistas alemanes y austriacos que se rebelaron

contra las reglas establecidas en el mundo del arte y el salón. En Munich,
Franz von Stuck fue el principal exponente en 1892; en Viena Klimt; en
Berlín Lieberman y Darmstadt. 
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Muchas gracias por la atención

prestada
PDTT: no pusimos más corrientes artísticas porque no no aparecían más xd