UNIVERSIDAD NACIONAL

FACULTAD MULTIDICIPLINARIA
DE OCCIDENTE

MATERIA: Teoría e Historia III

TEMA: Neoclasicismo
DOCENTE: Arq. Víctor Antonio Castro López
ALUMNOS: -Barillas Saravia, Christian Alexander
1 -Escobar Arriola, Fernando José
2 -Rivera Cerna, Sofía Cristin
 ÍNDICE Página
1 QUE ES EL NEOCLASICISMO?..................................................................1
1.1 CONTEXTO HISTÓRICO……………………………………………………...1
1.2 CONCEPTO…………………………………………..…………………………1
1.3 CUANDO INICIA EL NEOCLASICISMO………………………………..…...1
2. CARACTERÍSTICAS DEL NEOCLASICISMO……………………….………2
2.1 REGLAS DEL ARTE DEL NEOCLÁSICO……………………………….….2
2.2 CAUSAS DEL NEOCLASICISMO……………………………………………2
3. ELEMENTOS CLAVE DE LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA…..……….2
3.1 TIPOS DE ARQUITECTURA NEOCLÁSICA………………..………………2
3.2 MATERIALES CARACTERÍSTICOS DEL NEOCLASICISMO….…………3
3.3 EJEMPLOS DE ELEMENTOS CARACTERISTICOS DEL
NEOCLASICISMO………………………………………………………….............4
4. PRINCIPALES EXPONENTES DEL NEOCLASISISMO……………………..5
4.1 Ange-Jacques Gabriel…………………………………………………………5-6
4.2 Jacques-Germain Soufflot………………………………………...………….7
4.3 Étienne-Louis Boullée…………………………………………………………8-9
5. OBRAS REPRESENTATIVAS………………………………………………….10
5.1 Palacio bourbon………………………………………………………………...10
5.2 Somerset House………………………………………………………………...10
5.3 La puerta de Brandeburgo…………………………………………………….11
5.4 Museo del Prado…………………………………………………………11-12-13
1. ¿QUE ES NEOCLASICISMO?
Corriente literaria y artística desarrollada en Europa y Estados Unidos durante la segunda
mitad del siglo xviii hasta principios del siglo xix, que se caracteriza por recuperar los
modelos y reglas de la antigüedad clásica griega y latina, considerada reflejo de
racionalidad, sobriedad y claridad: el Neoclasicismo surgió como reacción contra el
Barroco.

1.1 Contexto Histórico

El neoclasicismo surgió a partir de la difusión de las ideas de la Ilustración en Europa.
En Francia, coincidió con el debilitamiento de la monarquía absolutista francesa; el
estallido de la Revolución francesa –que afectó directa o indirectamente a todas las
monarquías europeas– y la expansión del Imperio napoleónico.
En el aspecto social, se destacó la creciente importancia de la burguesía, un grupo cada
vez más influyente que se adhirió a las ideas liberales y racionales de la Ilustración.

1.2 Concepto
El hombre transforma, destruye, crea y recrea, lo que desea. El hombre ha deseado
permanecer para la eternidad, sin embargo, está consciente de su mortalidad, es por ello
que desea dejar rastro en la historia, desea plasmar sus pensamientos, ideales y
pasiones, en la materia, para que estas subsistan para la eternidad. El arte ha sido el
medio por el cual el hombre ha encontrado su mayor expresión, es donde emana, fluye y
se desbordan las mayores expresiones del hombre. El arte se puede comparar
al corazón, el cual bombea y distribuye la sangre, al sistema arterial, esas venas que lo
componen son las diversas y múltiples corrientes que el arte ha tenido a través de su
historia. La energía que hace que ese corazón siga latiendo, es que el ser humano no ha
dejado de pensar, imaginar y crear. Debido a lo extensas que pueden ser esas "venas",
es necesario situarnos en una de estas, en este caso será el neoclasicismo.
El neoclásico o neoclasicismo, será una corriente que deja ver, la seducción del hombre
por el pasado, retornar a lo que ya no existe y volverlo a revivir, un eterno retorno, se
convierte el pensamiento del hombre, el neoclasicismo dejará ver esto de manera muy
clara.

1.3 ¿CUÁNDO INICIA EL NEOCLASICISMO?

El Neoclasicismo se inicia en 1758 con el regreso de Italia de Robert Adam, quien va a
promover el nuevo gusto. James Stuart construye un ejemplo de arquitectura de orden
dórico el templo de los jardines de Hagley Park, 1758. En 1751 James Stuart y Nicholas
Revett habían viajado a estudiar las ruinas de Grecia, publicando en 1762, "Antigüedades
de Atenas", con perfectas descripciones.
El Neoclasicismo como movimiento artístico surge en la década de 1750, que supuso
decisivos cambios en la cultura europea, el paso decisivo del barroco tardío a una nueva
mentalidad ilustrada. Basta decir como ejemplo que los dos grandes genios musicales del

1
barroco: Johann Sebastián Bach y Georg Friedrich Händel murieron en 1750 y 1759,
respectivamente y que en 1756 nace el genial Wolfgang Amadeus Mozart, que con sólo 4
años ya componía e interpretaba como los más geniales virtuosos de la época, y cuyas
obras nos muestran a la perfección el gigantesco contraste existente entre estas dos
épocas separadas por la crucial década.

2. CARACTERÍSTICAS DEL NEOCLASICISMO

1.-La finalidad del periodo neoclásico es didáctica. Los autores y escritores de la época, mediante
sus obras, se dedicaban a educar al lector. Para esto utilizaban sucesos cotidianos como ejemplo,
siempre con una moraleja. Esto comúnmente se daba en un tono crítico donde se mostraban las
faltas de algo en particular, para que el lector no cometa los mismos errores del protagonista.

2.-El lenguaje en este movimiento se caracterizó por su forma simple y cotidiana. Esto contrastaba
grandemente con lo rebuscado del lenguaje en el Barroco, donde abundaban complejas metáforas
y otros recursos. Además, este lenguaje simple facilitaba la identificación del lector con la obra.

2.1 REGLAS DEL ARTE NEOCLÁSICO

a) Verosimilitud - evitar lo fantástico o increíble.

b) Universalidad - evitar lo particular y típico.
c) Unidad de estilo: evitar mezclar el verso con la prosa, lo cómico con lo trágico, lo elevado con lo
vulgar.
d) Finalidad moral o educativa (didáctica) - educar al público.
e) Deberán cumplir con las tres unidades clásicas de tiempo, lugar y acción.

2.2 CAUSAS DEL NEOCLASICISMO

-El neoclasicismo se desarrolla como contraposición de los excesos del barroco debido a las ansias
de aprender de la gente.

-Se da como respuesta a la culminación de la Revolución Francesa.

-El concepto ideológico de la burguesía que sirvió para consolidar el movimiento con los conceptos
de libertad, igualdad y bien común.

-La ilustración difundió el racionalismo en toda Europa, poniendo fe en la razón y por lo tanto en la
ciencia.

3. ELEMENTOS CLAVE DE LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA

Los edificios neoclásicos se caracterizan por el uso de:
• Volúmenes a gran escala.
• Formas geométricas simples.
• Columnas dramáticas.
• Detalles dóricos griegos o romanos.
• Techos abovedados o planos, según estilo.
3.1 TIPOS DE ARQUITECTURA NEOCLÁSICA

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La arquitectura neoclásica tiene tres variaciones principales:
1-Estilo templo
Este tipo de construcciones emulan el estilo de los templos antiguos, como el Panteón de
París, basado en el Panteón de Roma, y el Museo Británico de Londres, de inspiración
griega.
2-Palladio
Estos edificios están inspirados en las villas del arquitecto renacentista italiano del siglo
XVI Andrea Palladio, quien se inspiró en los edificios de la antigua Grecia y Roma. En
Gran Bretaña, el arquitecto Robert Adam se hizo famoso por sus casas de campo
palladianas. En los Estados Unidos, la Casa Blanca y el Capitolio de los Estados Unidos
son los ejemplos palladinos más famosos de estilo neoclásico.
3-Bloque clásico
Son edificios de forma rectangular o cuadrada, a menudo con techos planos y exteriores
que muestran columnas o arcos que se repiten para formar una apariencia clásica de
bloques decorativos. La Bibliothèque Sainte - Geneviève, construida entre 1843 y 1850
por el arquitecto francés Henri Labrouste, se considera una obra maestra de la forma. Y la
ópera Pallais Garnier de París, diseñada por Charles Garnier, es uno de los ejemplos más
famosos del mundo del estilo clásico de bloques.

3.2 MATERIALES CARACTERISTICOS DEL NEOCLASISISMO

• - El material fundamental sigue siendo la piedra, sobre todo el mármol, aunque

algunos arquitectos introducirán nuevos materiales, como el hierro.
• - En cuanto a los soportes, aunque se emplea el muro, el pilar y la pilastra, el
elemento de soporte principal es la columna. Se recuperan los órdenes clásicos,
sobre todo, el dórico. Gran influencia de los órdenes griegos más puros.
• - Las cubiertas suelen ser abovedadas (arcos, bóvedas de cañón y cúpulas)
inspiradas en el arte romano; pero, al exterior, encontramos a veces estructuras
adinteladas con entablamentos y frontones triangulares poblados de estatuas.
• - En el exterior, la decoración es escasa y muy clásica. En el interior, guirnaldas,
medallones, grutescos y esfinges a lo pompeyano.
• - Simplicidad espacial y compositiva: las líneas rectas dominan sobre las curvas,
existen menos contrastes de volúmenes, menos adornos. Los edificios guardan
proporciones basadas en volúmenes geométricos y simétricos, lo que facilita el ser
visto desde distintos ángulos (exentos). Desarrollo de fachadas estáticas y pórticos
con columnas, a partir de los templos clásicos.

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• - Se levantan muchos tipos de edificios que reflejan una sociedad moderna. A los
habituales palacios e iglesias, se le añaden: museos, bibliotecas, teatros,
observatorios, bancos, monumentos conmemorativos, puertas monumentales...
• - Preocupación por el urbanismo, promoviendo una mayor fluidez en las
comunicaciones urbanas y dotando a las ciudades de espacios verdes para ocio
de los ciudadanos. Por razones de higiene, los enterramientos serán desviados
hacia la periferia de las ciudades, creándose cementerios públicos.
3.3 EJEMPLOS DE ELEMENTOS CARACTERISTICOS DEL NEOCLASICISMO

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4. PRINCIPALES EXPONENTES DEL NEOCLASISISMO

4.1 Ange-Jacques Gabriel

Ange-Jacques Gabriel (París, 23 de octubre de 1698

- ibídem, 4 de enero de 1782) fue un destacado
arquitecto francés, primer arquitecto del rey Luis XV
de Francia y una de las figuras más importantes del
neoclasicismo francés.
Ange-Jacques Gabriel, hijo del arquitecto Jacques V
Gabriel, quien realizó la casa palaciega Peyrene de
Moras, llamada también Biron (actual Museo Rodin) y
nieto del arquitecto Jacques IV Gabriel.
En 1734 Gabriel sustituyó a su padre, quien a su vez
había sustituido a Robert de Cotte, como arquitecto
del palacio de Versalles. En el año 1735 se convirtió
en arquitecto de primera clase de la Academia Real
de Arquitectura. En 1742, tras la muerte de su padre,
fue nombrado Primer Arquitecto de Luis XV, el cual
depositó en él toda su confianza.
A partir de los años 1760 y durante el 1770, Gabriel utilizó una decoración más sobria,
inspirada en la antigüedad. La Ópera real de Versalles (1765-1770), la obra más
importante del arquitecto, la sala de baño de Luis XV e incluso la biblioteca de Luis XVI
(1774) se realizaron siguiendo el nuevo estilo llamado Luis XVI, situando en el lado
derecho, columnas y medallones.
En este nuevo estilo, la obra maestra de Gabriel es, sin duda alguna, el Pequeño Trianón
(1760-1764), destinado a Madame de Pompadour quien desgraciadamente murió antes
de verlo acabado, y cuya primera ocupante fue María Antonieta. Pequeño palacio
campestre, el Pequeño Trianón tiene la originalidad de estar construido haciendo ángulo
con una terraza, de forma que dos de las fachadas presentan un nivel de basamento que

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no se encuentra en los otros dos. Sobre estas dos fachadas, el orden colosal se
encuentra reposando directamente sobre el suelo.
Hacia 1771, Gabriel consiguió de Luis XV la aprobación de un proyecto completo para los
exteriores del palacio de la corte en mármol: el Gran Diseño. Se trataba de cubrir por
completo con piedra las fachadas de ladrillo y piedra, suprimiendo los manierismos
barrocos del Gran Siglo, que no eran del gusto de los arquitectos del siglo XVIII,
reemplazando las buhardillas vistas por azoteas. El proyecto se puso en marcha y se
prosiguió pese al fallecimiento de Luis XV en 1774 y el cese de Gabriel en 1775. La
construcción se interrumpió debido a la falta de presupuesto, creando una asimetría que
no pudo arreglarse hasta la intervención de Alex Dufour en el siglo XIX.
Louis Le Dreux de la Châtre, sucedió a Gabriel en la Compiègne y acabó la construcción
del palacio. Con este palacio construido entre 1751 y 1788, Ange-Jacques Gabriel y Louis
Le Freux de la Châtre, realizaron uno de los monumentos más sobrios de la arquitectura
neoclásica francesa.
Entre las mayores realizaciones de Gabriel, cabe destacar la plaza de Luis XV (hoy Plaza
de la Concordia) y la Escuela Militar de París.
Murió en 1782, muy criticado y combatido por los gastos excesivos de sus construcciones
siendo calificado por sus detractores como "artista mediocre y del género más vulgar".
Hoy es reconocido como una de las figuras más importantes del neoclasicismo francés.

ESTILO
El estilo de Gabriel es de problemática clasificación, puesto que por una parte, llegó a una
depuración clásica extraordinaria sin perder, por otra parte, la línea de la tradición del
grand siècle. Gabriel parte de la tradición barroca de Jules Hardouin Mansart, Robert de
Cotte, su padre Jacques V Gabriel, etc. y es un claro precursor de arquitectos tan
radicalmente neoclásicos como el propio Ledoux.
El clasicismo francés del grand siècle se había alejado del barroquismo exacerbado de
otros países, lo cual hace que la aparición del neoclasicismo en Francia no rompa de
forma contradictoria como en otros países. Bien es cierto que el estilo rococó tuvo mucho
éxito en el reinado de Luis XV, pero este es un arte en Francia más decorativo que
arquitectónico.
Los arquitectos activos durante el reinado de Luis XV como Gabriel, o posteriormente
Soufflot, Blondel o Louis levantaron edificios de sereno clasicismo, difícilmente
clasificables como barroco tardío académico o precursores del neoclasicismo.
Su edificio más importante, el Petit Trianon de Versalles ejerció una gran influencia en los
hoteles construidos por Boullée y Ledoux como el Hotel Brunoy o el Pabellón de
Louveciennes.

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4.2 Jacques-Germain Soufflot
Jacques-Germain Soufflot (Irancy, 22 de julio de 1713
— París, 29 de agosto de 1780) fue un arquitecto
francés autor del Panteón de París, antes conocido
como iglesia de santa Genoveva.
Tras haber dejado el hogar a la edad de 19 años,
estudió las obras de la Antigüedad y las obras de
Palladio en Italia de 1731 a 1738. Acabada su
formación se instaló en Lyon, donde realizó la Loge de
Change y el Hôtel Dieu. En 1747, Soufflot presentó
una memoria sobre la arquitectura gótica,1 tema que
contaba con pocos adeptos en la época. En 1749,
Madame de Pompadour lo eligió para acompañar a su
hermano Abel-François Poisson de Vandières,
marqués de Marigny, a un nuevo viaje por Italia junto
al grabador Charles-Nicolas Cochin. Este viaje tuvo
gran importancia en la implantación del gusto
neoclásico en Francia.
Posteriormente volvió a Lyon en 1751 para realizar el teatro del barrio de Saint-Clair. Se
estableció definitivamente en París en 1754 a petición de Marigny, convertido en su
protector, que le confió la construcción de su palacete particular, hoy desaparecido.
Nombrado superintendente de los edificios del rey, el Marqués de Marigny nombró a
Soufflot contrôleur des bâtiments du Roi y lo hizo admitir en la primera clase de la
Académie royale d'arquitecture de París. Además fue distinguido como caballero de la
orden de Saint-Michel y fue nombrado director de la Fábrica de los Gobelinos. Soufflot fue
también convocado a una propuesta de renovación del Palacio del Louvre, y formuló
algunas propuestas que no tuvo tiempo de poner en práctica.
Su obra más conocida es la iglesia de santa Genoveva de París, encargada por el
marqués de Marigny, y posteriormente remodelada para ser el Panteón, desde 1791. El
edificio se encuentra en la cima de una colina denominada «montaña de santa
Genoveva», cercana al palacio de Luxemburgo. El primer proyecto está fechado en 1757.
En 1764 se terminó la cripta y desde entonces hasta su muerte en 1780, el arquitecto no

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dejó de modificar y perfeccionar su proyecto. El proyecto lo terminó Rondelet en 1791 y la
Asamblea Legislativa decidió proclamarlo santuario laico de la nación, motivo por el cual
se suprimieron los campanarios. El propio Soufflot recibió sepultura en el edificio tras su
muerte.

ESTILO
Soufflot ha sido uno de los principales artesanos del retorno al «grand goût» en los años
1750, movimiento que se oponía al «art rocaille» (rococó). Su arquitectura retoma los
principios de la arquitectura gótica adaptados a un vocabulario antiguo y clásico
comparable al de Claude Perrault (arquitectos de la columnata del Louvre).
Soufflot se puede considerar como el primer gran arquitecto neoclásico francés. En el
caso del Panteón, se podría tratar todavía de un edificio en transición, apegado a
estructuras tradicionales ya que trata de aunar el antiguo templo abovedado con el uso
pronunciado de columnas en la portada. El abovedamiento, de tipo bizantino, presenta
una gran ligereza, que está claramente relacionado por los estudios del arte gótico que
realizó en Lyon.
La cúpula del Panteón se acerca mucho más a la solución de San Pablo en Londres que
la del Panteón de Roma. A su vez, la cúpula de Santa Genoveva influye claramente en la
del Capitolio de Washington.

4.3 Étienne-Louis Boullée.

Étienne-Louis Boullée (París, 12 de febrero de 1728 -

ibídem, 4 de febrero de 1799) fue un visionario arquitecto
francés del neoclasicismo, cuya obra influyó mucho en
los arquitectos contemporáneos y aún hoy en día es
considerada importante.
Nacido en Francia, hijo de un arquitecto, estudió pintura
pero luego se pasó a la arquitectura por petición paterna.
Estudió con Jacques-François Blondel, Germain Boffrand
y Jean-Laurent Le Geay, de quienes aprendió el estilo de
arquitectura clásica francesa predominante en los siglos
XVII y XVIII y el Neoclasicismo hacia el que evolucionó a
mediados de siglo.
En 1762 entra a formar parte de la Academia real de arquitectura de París y se convirtió
en el arquitecto en jefe de Federico II el Grande de Prusia, un título en gran medida
honorario. Diseñó una serie de casas particulares desde 1762 hasta 1778, aunque la
mayor parte de ellas ya no existen; entre los ejemplos supervivientes destacan el Hôtel
Alexandre y Hôtel de Brunoy, ambos en París. Junto a Claude Nicolas Ledoux fue una de
las más influyentes figuras de la arquitectura neoclásica francesa.

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Entre 1752 y 1775 realiza varios arreglos para interiores de casas de nobles, entre ellos
una para el conocido actualmente como Palacio del Elíseo (residencia presidencial).
Su mayor impacto lo provocó como maestro y teórico en la École nationale des ponts et
chaussées entre 1778 y 1788, desarrollando un estilo geométrico abstracto distintivo
inspirado por formas clásicas. Su obra se caracterizó por la eliminación de toda la
ornamentación innecesaria, hinchando las formas geométricas hasta una escala enorme y
repitiendo elementos como columnas en grandes series.
Boullée promovió la idea de hacer arquitectura expresiva de su propósito, una doctrina
que sus detractores llamaron architecture parlante («arquitectura parlante»), que fue un
elemento esencial en la formación arquitectónica Beaux-Arts en el final del siglo XIX
Su proyecto más célebre es el Cenotafio para Isaac Newton (1784), cuyos dibujos y
esbozos se conservan en la Biblioteca Nacional de Francia. Este diseño representa uno
de los iconos de la llamada arquitectura visionaria. Ejemplifica su estilo de manera
destacada. El cenotafio sería una esfera de 150 metros de alto hundida en una base
circular y cubierta de cipreses. Aunque la estructura no se construyó nunca, su diseño fue
grabado y circuló ampliamente en círculos profesionales.
Su obra fue muy escasa y su tratado de la arquitectura (Arquitectura. Ensayo sobre el
arte) no fue publicada hasta mediados del siglo XX.
Las ideas de Boullée tuvieron una gran influencia entre sus contemporáneos, no solo por
su papel como maestro de otros arquitectos importantes como Jean Chalgrin, Phillipe
Morthié, Alexandre Brongniart, Winderson y Jean-Nicolas-Louis Durand, sino por su
faceta de tratadista y arquitecto visionario. Parte de su obra solo vio la luz del día en el
siglo XX; su libro Architecture, essai sur l'art («Arquitectura, ensayo sobre el arte»),
defendiendo un neoclasicismo con un compromiso emocional, solo se publicó en 1953. El
volumen contenía su obra desde 1778 hasta 1788, que en su mayor parte comprendía
diseños de edificios públicos en una gran escala totalmente impracticable.
La querencia de Boullée por los diseños grandiosos ha hecho que se le caracterice como
megalomaníaco y visionario. Su foco sobre la polaridad (contrarrestando elementos de
diseño opuestos) y el uso de la luz y la sombra era muy innovador, y sigue influyendo a
arquitectos de hoy en día. Fue «redescubierto» en el siglo XX y ha influido a arquitectos
recientes como Aldo Rossi.
La película de Peter Greenaway El vientre del arquitecto (1987) contiene numerosas
referencias a la obra de Étienne-Louis Boullée.

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5. OBRAS REPRESENTATIVAS
5.1 Palacio Bourbon (1722-1728) (hoy Asamblea Nacional), París.

El Palacio Borbón, (en francés: Palais Bourbon)

es un palacio gubernamental situado en el
séptimo distrito de París, en la orilla izquierda
del Sena, frente a la Plaza de la Concordia,
cruzando el río. Es la sede de la Asamblea
Nacional, la cámara baja del parlamento
francés.

El palacio fue construido originalmente en 1722 para Louise-Françoise de Bourbon,

duquesa de Borbón, hija legitimada de Luis XIV, como una casa de campo, rodeada de
jardines. Fue nacionalizada durante la Revolución Francesa, y en la época del Directorio,
de 1795 a 1799, fue el lugar de reunión del Consejo de los Quinientos, la cámara
legislativa que elegía a los 5 miembros del Directorio. A partir de 1806, Napoleón
Bonaparte añadió una columnata clásica en su acceso por el Sena.
El complejo del Palacio incluye actualmente el Hôtel de Lassay, en el lado oeste del
Palais Bourbon, el cual es la residencia oficial del Presidente de la Asamblea Nacional.

5.2 Somerset House (1776-1796), Londres.

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 Somerset House es uno de los
grandes edificios históricos de Gran
Bretaña. Está situado en la orilla
norte del Támesis, frente al
National Theatre de Londres, en la
parte Sur de The Strand.
Construido en el siglo XVIII por Sir
William Chambers, sobre un
palacio del período Tudor,
albergaba originalmente oficinas
gubernamentales, sociedades
científicas y la Oficina Naval.
En 1604, en el primigenio palacio tudor se firmó el Tratado de Londres que puso fin a la
Guerra anglo-española de 1585-1604. Las condiciones del tratado fueron favorables al
Imperio Español, a cambio del compromiso de no intentar restaurar el catolicismo en el
Reino de Inglaterra
Recientemente, gracias a una inversión de 48 millones de libras, Somerset House se ha
convertido en hogar de diversos museos, restaurantes y cafés. Dos de los museos más
conocidos son el Courtauld Institute of Art y el Gilbert Collection of Decorative Arts.
Además es la sede de la Royal Society of Literature.

5.3 La puerta de Brandeburgo (1789-1791), de Carl Gotthard Langhans, Berlín.

La puerta de Brandeburgo, obra del
arquitecto Carl Gotthard Langhans, es
una construcción en piedra arenisca de
26 m de altura, 65,5 m de anchura y 11
m de longitud según el estilo del
Neoclasicismo temprano. Recuerda a
los propileos de la Acrópolis de Atenas.
Posee cinco zonas de paso, de las
cuales la central es la más ancha, con
dos puertas menores a los lados. Las
columnas son de estilo dórico,
estriadas, y en su base alcanzan un
diámetro de 1,75 m. La parte superior y
el interior de las zonas de paso están
recubiertas con relieves que representan a Heracles, Marte y la diosa Minerva. Después
del derribo de la muralla de la ciudad (1867/68), el discípulo de Friedrich Schinkel, Johann
Heinrich Strack, colocó a ambos lados los dos pórticos mayores. La puerta está coronada
por una escultura de cobre de unos 5 m de altura, la Cuadriga, creada por Johann
Gottfried Schadow, que representa a la diosa Victoria montada en un carro tirado por
cuatro caballos en dirección a la ciudad.
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5.4 Museo del Prado (1785-1819) en Madrid, obra de Juan de Villanueva.

El Museo Nacional del Prado, en

Madrid, España, es uno de los más
importantes del mundo, así como
uno de los más visitados (el
decimoctavo en 2013 entre los
museos de arte), y está
considerada la institución cultural
más importante de España, según
el Observatorio de la Cultura de
2020, estudio realizado entre varios
centenares de profesionales del
sector. Singularmente rico en
cuadros de maestros españoles y del resto de Europa de los siglos XV al XVIII, y
españoles del XIX, según el historiador del arte e hispanista Jonathan Brown «pocos se
atreverían a poner en duda que es el museo más importante del mundo en pintura
europea».
Su principal atractivo radica en la amplia presencia de Velázquez, el Greco, Goya (el
artista más extensamente representado en el museo), Tiziano, Rubens y el Bosco, de los
que posee las mejores y más extensas colecciones que existen a nivel mundial, a lo que
hay que sumar destacados conjuntos de autores tan importantes como Murillo, Ribera,
Zurbarán, Fra Angelico, Rafael, Veronese, Tintoretto, Durero, Patinir, Antonio Moro, Van
Dyck o Poussin, por citar solo algunos de los más relevantes.
Alfonso E. Pérez Sánchez, antiguo director de la institución, afirmaba que «representa a
los ojos del mundo lo más significativo de nuestra cultura y lo más brillante y perdurable
de nuestra historia».
El inventario de bienes artísticos comprendía, a febrero de 2017, más de 35 000 objetos,
desglosados en 8045 pinturas, 9561 dibujos, 5973 estampas y 34 matrices de
estampación, 971 esculturas (además de 154 fragmentos), 1189 piezas de artes
decorativas, 38 armas y armaduras, 2155 medallas y monedas, por encima de 15000
fotografías, 4 libros y 155 mapas.
Por endémicas limitaciones de espacio, el museo exhibía una selección de obras de
máxima calidad (unas 900), por lo que era definido como «la mayor concentración de
obras maestras por metro cuadrado». Con la ampliación de Rafael Moneo, inaugurada en
2007, se previó que la selección expuesta crecería en un 50 %, con unas 450 obras más.
Además, en 2018 se reabrieron las salas del ático norte, tras lo cual el total de piezas
expuestas ronda las 1700, y cuando se rehabilite el edificio del Salón de Reinos se
colgarán en él entre 250 y 300 pinturas más.
Al igual que otros grandes museos europeos, como el Louvre de París y los Uffizi de
Florencia, el Prado debe su origen a la afición coleccionista de las dinastías gobernantes
a lo largo de varios siglos. Refleja los gustos personales de los reyes españoles y su red

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de alianzas y sus enemistades políticas, por lo que es una colección asimétrica; algunos
artistas y estilos tienen un repertorio insuperable, y por el contrario otros se hallan
representados nula o escasamente. Solo desde el siglo XX se procura, con resultados
desiguales, solventar algunas ausencias.
El Prado no es un museo enciclopédico al estilo del Museo del Louvre, el Hermitage, el
Metropolitan, la National Gallery de Londres, o incluso (a una escala mucho más
reducida) el vecino Museo Thyssen-Bornemisza, que tienen obras de prácticamente todas
las escuelas y épocas. Por el contrario, es una colección intensa y distinguida, formada
esencialmente por unos pocos reyes aficionados al arte, donde muchas obras fueron
creadas por encargo. El fondo procedente de la Colección Real se ha ido
complementando con aportaciones posteriores, que apenas han modificado su perfil
inicial, puesto que, a diferencia de lo habitual en las pinacotecas nacionales de otros
países, los esfuerzos, más que a completar las faltas, han ido dirigidos a reforzar el
núcleo esencial.
Muchos expertos la consideran una colección «de pintores admirados por pintores»,
enseñanza inagotable para nuevas generaciones de artistas, desde Manet, Mary Cassatt,
Renoir, Toulouse-Lautrec y Degas, que visitaron el museo en el siglo XIX, hasta Picasso,
Matisse, Dalí, Francis Bacon, David Hockney y Antonio Saura, quien decía: «Este museo
no es el más extenso, pero sí el más intenso».
Las escuelas pictóricas de España, Flandes e Italia (sobre todo Venecia) ostentan el
protagonismo en el Prado, seguidas por el fondo francés, más limitado si bien con buenos
ejemplos de Nicolas Poussin y Claudio de Lorena. La pintura alemana cuenta con un
repertorio discontinuo, con cuatro obras maestras de Durero y múltiples retratos de Mengs
como principales tesoros. Junto al breve repertorio de pintura británica, circunscrito casi al
género del retrato, hay que mencionar la pintura neerlandesa, una sección no demasiado
amplia pero que incluye a Rembrandt.
Aunque sean aspectos menos conocidos, el museo cuenta también con una importante
sección de Artes decorativas (que incluye el Tesoro del Delfín) y con una colección de
esculturas, en la que destacan las greco-romanas.
Junto con el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía, el Museo Nacional del Prado forma el llamado Triángulo del Arte, meca de
numerosos turistas de todo el mundo. Esta área se enriquece con otras instituciones
cercanas: el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Artes Decorativas, la
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y otros pequeños museos.
El Prado es gobernado por un director (actualmente Miguel Falomir, en el cargo desde el
año 2017), asistido por el Real Patronato del Museo. Su funcionamiento se rige por la Ley
46/2003, de 25 de noviembre, reguladora del Museo Nacional del Prado.

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