Proceso de mi primera obra
-Vinilos
En mi obra, quise plasmar por medio
de un rostro, la decadencia emocional,
física y económica de una persona. Por
lo mismo, traté de elaborar un rostro
grotesco, con una fisionomía belfa y el
tabique torcido, lo único que el rostro
conserva es el cabello, sin embargo se
ve como este se va cayendo poco a
poco. De este modo, mi obra retrata
cómo un individuo va decayendo
progresivamente por problemas
economicos y abuso de sustancias,
derivando en enfermedades de salud
mental. Mi inspiración surgió después
de ver el filme "Shame" de Steve
Mcqueen, en donde el protagonista
desciende en una espiral de excesos y
una adicción a las relaciones sexuales.
Dentro de la película, se observa cómo
el protagonista sufre una
transformación física en decadencia.
Por otro lado, comencé a moldear la
mascarilla de yeso en un rostro.
Posteriormente utilicé vinilos para
pintar la mascarilla, y le pegué pelos de
una peluca. Finalmente diseñé los ojos
con microporo y les di color con
crayones.
Materiales:
-Pelo de peluca
-Porcelanicron
-Yeso
Referentes
Quinten Massys El greco Caravaggio Experimentación
En una de las experimentaciones para
mi obra final, quise dibujar el rostro de
Poncio Pilato. Me basé en la obra Ecce
Homo de Caravaggio, cuando la analicé
junto al expolio de Cristo, del greco.
Utilicé lápiz para hacer la estructura del
rostro; tracé las líneas de los ojos, el
mentón, la nariz, las orejas, las cejas, la
barba y el gorro con el lápiz. Después
Los artistas por los que me voy a guié son El Greco de esto, procedí a darle volumen y
color oscuro al gorro, la barba, las
y Caravaggio (concretamente su obra ecce homo). cejas, los ojos y la barba.
También voy a guiarme por dos movimientos: El
barroco y el arte flamenco, puesto que en el
barroco los artistas usaban la asimetría para
dibujar los rostros y en el flamenco se dibujaban
de forma grotesca, con mucho realismo. Por otro
lado, tercer referente es Quinten Massys,
exponente del arte flamenco.
Por ejemplo, en su obra llamada “La Duquesa fea”,
Massys nos muestra un rostro grotesco, con una
aristócrata de muy mala figura. Todo su rostro está
arrugado, también simboliza la decadencia moral
de la época.
 Primer paso Segundo paso
Boceto
Procedí a colocar un

globo detrás del rostro, y
Comencé realizando la mascarilla de yeso.
comencé a seguirle
Adherí con agua caliente las tiras de yeso a
pegando gasas
El boceto de mi primera obra lo un rostro. Dejé que se secara y finalmente la alrededor, para terminar
hice con dibujo y pintura. Con el despegué. de formar el cráneo
lápiz dibujé todo el rostro, luego La persona con la que hice la mascarilla completamente.
apliqué vinilos para darle color al tenía el tabique torcido, esto me facilitó para Además, seguí poniendo
dibujo. En la barba traté de seguir deformandola después. tiras de yeso sobre la
aplicar la técnica del claro- nariz y el mentón, para
oscuro, pero no se notó mucho. irlos deformando poco a
En el rostro usé diferentes tonos poco.
de color piel, quedó difuminado.
Tercer paso
Después de deformar la nariz y el mentón,
Obra finalizada
Finalmente, terminé de empecé a pintar el
rostro con los colores
difuminados.
moldear todo el rostro y el Luego, hice una especie de moneda para
cráneo; dejé la nariz y el dar vida a los ojos, con el porcelanicron; las
mentón notablemente pinte e hice las líneas rojas alrededor de
deformes. ellos, dándole mayor composición al estado
decadente.
Pinté el rostro con diferentes
Posteriormente, recorté los cabellos de una
tonos de color piel, denotando peluca y los pegué al cráneo.
el claro-oscuro de mis Finalmente, realicé el soporte de mi obra,
referentes del barroco, así pintándola entre gris y negro, con la
mismo, las deformidades del intención de darle el tono de claro oscuro
también, siguiendo los estandartes de mis
rostro hacen alusión a mi
referentes.
referente del arte flamenco.
Logré hacer notar una línea rojas alrededor de los ojos, que simbolizan la decadencia
física y emocional que quería transmitir. Ya que los ojos irritados son un efecto
secundario del abuso de drogas y del llanto. De este modo, la decadencia económica,
deriva en el abuso de droga y esta termina en un decaimiento físico y emocional,
representado en la obra.
Por lo mismo, a pesar de conservar cierta cantidad de pelo, el rostro tiene grandes
entradas en la frente, es decir, que a la persona ya se le está empezando a caer el
cabello. La nariz y la deformidad en el mentón, son el resultado físico del abuso de
drogas, son el simbolismo de las consecuencias
 El expolio-El Greco
Conexión con referentes: En mi obra, se puede evidenciar a nivel general
una similitud en la fisionomía del rostro que
elaboré con los rostros de Quinten Masas y EL
Greco. La similitud se ve principalmente en
obras tales como "Cabeza de viejo" y "El expolio"
respectivamente. En la deformación que hice del
rostro se encuentran características del arte
flamenco, donde estos artistas pintaban figuras
humanas decadentes, reflejando rasgos
degenerados por medio de la pintura.
Por otra parte, decidí arrancar uno de los ojos
de mi obra, y encajarlo en la misma
posteriormente; con el fin de darle mayor
estética desaliñada. De este modo, logrando una
concexión más fuerte con los referentes. Cabeza de viejo-Quinten Massys

Del mismo modo, en mi obra se encuentra una

relación en cuanto a las tonalidades. Siendo así,
el color piel de mi escultura maneja una mezcla
de gamas entre claro-oscuros, los cuales se
aprecian con mayor fuerza en la frente del
rostro. Así, se ve la relación con el movimiento
barroco y las obras "Ecce homo" y "La vocación
de San Mateo" del artista Caravaggio. Donde
además de rostros asimétricos, se ven unos
tonos claro-oscuros de pintura.
 Proceso de mi segunda obra
Referentes
.La idea principal con la que quiero iniciar
mi segunda obra es la admiración de los
paisajes y de los parques naturales del
mundo, puesto que al observarla, y
después admirarlas, crea en mí un
sentimiento sublime. Mientras he ido
madurando, ese amor por los paisajes y
por las montañas ha crecido
exponencialmente en mi ser; no hay
nada más bello que perderse en el punto
de fuga del cielo desde una montaña,
observando las cumbres de las demás.
Por esto mismo, quiero crear mi obra.
Tengo el deseo de tomar una fotografía
que le permita al espectador perderse en
los matices de las nubes, en las cumbres
de las montañas y en lo bello de la
naturaleza, creando esa sensación, esa
experiencia subliminal. Para que mi obra
genere impacto, quiero utilizar el símbolo
de la belleza natural.
Desde la fotografía, quiero mejorar mi
habilidad de edición, ya que no lo he
practicado mucho, y casi no tengo
conocimiento de los métodos y
programas para editar. Así que esta será
mi iniciación en la fotografía y sobre todo,
en la edición de esta. Voy a experimentar
los matices de los colores y cómo estos
cambian el impacto de la fotografía.
Ansel Adams Edward Weston
Los dos referentes que voy a utilizar son: Ansel
Adams y Edward Weston. Parto de la base de que
ninguno de los dos fotografiaba personas, además de
que ambos la tomaban en blanco y negro, obteniendo
el balance de blancos, compensando los distintos
colores de la luz. De Edward Weston quiero utilizar el
elemento de la fotografía directa, en donde se trata
de legitimar la fotografía como un arte independiente,
en donde no se imitan pinturas; también quiero
fotografiar los paisajes en blanco y negro, como él.
Por otro lado, de Ansel Adams quiero utilizar el
sistema de zonas, en donde el blanco es el color con
mayor valor, y el negro con el menor valor, de 1 a 10.
De Adams también quiero utilizar ese juego de
matices, en donde ha varios tonos grises en la misma
foto, seguido de pocos blancos y negros.
Materiales:
-Cámara Sony
Cyber-shot
-Lente 4x Optical
Zoom
-App de edición
"pixlr"
Experimentación
Esta experimentación no la pude
realizar con fotografía. Sin embargo,
realicé mi trabajo con crayones de cera.
Dibujé una rosa en medio de un azul de
fondo, encima de una plano e
naturaleza. Dibujé la rosa puesto que es
uno de los símbolos más conocidos del
romanticismo, al igual que la naturaleza.
Yo, al ser aficionado al periodo literario
e histórico del romanticismo, me siento
representado con la rosa y con la
naturaleza.
Traté de que la luminosidad y
saturación de los colores fuera baja,
aunque de por sí no se puede lograr
alta luminosidad y saturación con
crayones.
 Primer paso Segundo paso
Segunda obra
Gran parte de mi inspiración para esta obra del romanticismo, Con el fin de obtener un

particularmente con el espectacular texto, Las penas del joven

Werther, de Goethe. Con ese amor por la naturaleza, siendo el
mayor contraste de gris en el
lugar más tranquilo, en donde los hombres llegan al pináculo de
Para comenzar, le puse color blanco y negro cielo de la foto, le resté 80
reflexiones en esa soledad; en ese momento donde uno se a la foto. Le subí 20 puntos a la exposición y puntos a la exposición,
pierde en el seno de las montañas, contemplando desde la logrando un efecto de claro-
cumbre ese paisaje soberbio, pero a la vez magnánimo en 20 puntos al color blanco. oscuro entre blancos y grises.
belleza. Así como el joven Werther encontraba tranquilidad y
Todo esto con el fin de obtener más blancos No obstante, los arboles de la
reflexiones en la cumbre de las montañas, yo lo quise hacer en
mi obra, para despertar subliminalidad. en la fotografía, sin embargo no pude derecha quedaron en su
Utilizando como referente a Ansel Adams, artista que dedicó su mayoría negra, pero mi
vida a fotografiar parques naturales en Estados Unidos. Sus generar un contraste en el cielo entre intención es que los de la
fotos eran en blanco y negro, con varios tonos grises. Tomé mi blancos y grises medios. Es decir, entre la izquierda y el del medio
fotografía estando en Estados Unidos, en la montaña “Mount
clave alta y la clave baja. queden negros, y los de la
Lemon”, situada en el Bosque Nacional Coronado. La fotografía
la tomé desde un cenital vertical, y tratando de obtener la menor izquierda en un gris oscuro.
distancia focal.
Iré modificándole los colores, la saturación y vibrancia. Estará en
blanco y negro, con una escala de grises. La presencia de nubes Tercer paso
permitirán la existencia de diferentes grises, los árboles oscuros
la presencia de negros y la nieve de blancos, logrando una fusión

entre la clave alta y la clave baja. Así podré obtener el sistema de

Finalmente, le subí 6 puntos a la
zonas.
Obra finalizada exposición, 5 al brillo y 100 a las
sombras. Le resté 100 puntos a la
luminosidad, 60 al contraste, 1 al punto
negro y 20 puntos a las luces.
Entre los cambios de ritmo y Con esto, logré obtener el gris oscuro en
los cambios de matiz entre los árboles de la derecha y el contraste
deseado en el cielo; con un gris oscuro
grises, blanco y negro se va en el medio, y diferentes gamas grises
arriba. Todo esto seguido de tres puntos
generando una tensión en blancos que son el mayor valor en el
la imagen, creando una sistema Zonal. De tal manera que traté
de llegar a la compensación de
composición de belleza. exposición

Estando mi segunda obra finalizada, he llegado a la conclusión que se creó desde una
perspectiva, puesto que cada espectador puede encontrar en diferentes lugares el
punto álgido de la belleza dentro de la obra. Los elementos morfológicos que existen
dentro de la fotografía crean un ritmo visual; es decir que las líneas verticales de los
árboles crean un ritmo a primera vista. Sin embargo, la cumbres de las montañas
rompen este ritmo, puesto que interfieren; el punto de quiebre que cambia el ritmo de
la fotografía se encuentra en el cielo, puesto que torna la posición de las líneas, y se van
volviendo verticales, así como se van encontrando diferentes líneas diagonales, al final
del cielo.
 Conexión con referentes: Dunes at Oceano-Edward Weston
En mi segunda obra, logré establecer una
conexión muy particular con las fotografías
de Ansel Adams y Edward Weston. Para
empezar, estos artistas tomaban sus
fotografías en la naturaleza, transgrediendo
los estandartes de las obras fotográficas,
con el fin de darle a esta disciplina una
independencia frente a la pintura.
Principalmente, Ansel Adams tomaba sus
obras en parques naturales
estadounidenses, al igual que mi segunda
The Tetons and the Snake River-Ansel Adams
obra.
Por otra parte, yo decidí darle vida a gamas
de blanco y negro a mi fotografía, al igual
que la fotografía "The Tetons and the Snake
River" de Ansel Adams y a "Dunes at
Oceano" de Edward Weston.
Además de esto, utilicé el sistema de zonas
de Ansel Adams, para que el blanco (color
de mayor valor en la escala" estuviese en la
parte alta de mi fotografía, siendo la cumbre
de esta y representando el punto de fuga
en la fotografía.
 Proceso de mi tercera obra
Hoy en día, los humanos nos encontramos en la etapa
post-moderna de la historia; se dice que esta etapa
Referentes
comenzó cuando se cayó la Unión Soviética en 1991.
Sin embargo, la edad post-moderna, es en aspectos
sociales muy parecida a la modernidad en sí. Yo
pienso que a medida que pasa el tiempo, el ser
humano entra en una decadencia cada vez peor;
tengo una opinión acérrima al respecto. Siempre he
encontrado cierta clase de fastidio ante las personas
que aborrecen cualquier tiempo pasado, y creen que
entre más progresa el tiempo y la tecnología, en su
proceso de “evolución”, todo es cada vez mejor.
Debido a mi crítica opinión ante la post-modernidad,
quiero llevar a cabo mi obra más íntima y personal de
este proceso. Quiero tomar una fotografía en donde
yo presente un cuestionamiento clave. Esto quiere
decir que: quiero ejecutar una fotografía en donde se
cuestione si el hombre post-moderno representa un
progreso y una evolución para la humanidad. Al tener
la intención de que sea mi obra más íntima, voy a
tratar de que sea lo más críptica posible. Por medio de
un hombre post-moderno del común, sometido a la
era en la que vive, tomaré una foto en la que pose en
frente de algún monumento, que represente la
grandeza de algún gran intelectual del pasado, que
seguramente el hombre que pose, no sabrá quién es
el intelectual plasmado en el monumento. Por la
sutileza de la vestimenta, en comparación con el
monumento, el espectador podrá tener los primeros
indicios de qué trata la obra; de ahí en adelante, el
espectador logrará captar el significado de la
fotografía.
En esta fotografía, seguiré trabajando mis habilidades
de edición y toma. Sin embargo, esta será más que
todo una experimentación, puesto que diferente a mi
anterior obra, en esta tendré que idear la pose de la
persona ante la estatua y diferentes elementos
presentes dentro de la obra. Además, trataré de llevar
aún más alla la edición, haciendo desaparecer algunas
partes presentes dentro de la fotografía.
Paolo Sorrentino Federico Fellini
Mis dos referentes los encontré en el cine. Soy una persona
que le apasionar con fervor el cine.
De este modo, mi primer referente es Paolo Sorrentino, con
su filme “La gran belleza”. Esta película abarca diferentes
críticas; sin embargo, su crítica con el cuestionamiento sobre
el progreso del hombre por moderno es el bastión principal
del filme.
Dentro de la pelíca, se encuentran diferente momentos
donde personas recorren monumentos y esculturas, sin
observarlas con detenimiento. Ese mensaje entre líneas es el
que deja el filme: Si el hombre post-moderno es más grande
que el pasado glorioso de diferentes intelectuales y hombres
grandes. A pesar de que el hombre post-moderno se cree
más grande, en muchos aspectos, no lo es.
En la siguiente imagen de la derecha, se puede observar lo
dicho anteriormente. Toni Servillo posa en frente de una
estatua del glorioso Zeus. No existe ninguna contemplación, y
por medio de la imagen, Sorrentino plantea el
cuestionamiento dicho anteriormente.
Materiales:
-Cámara Nikon D3200
-App de edición "pixlr"
"Lente Yongnuo Ef
50mm F/1.8 Af
Segundo
referente:
Mi segundo referente es el también
En esta imagen, podemos observar a dos de los personajes en el
director de cine, Federico Fellini, con su espectacular monumento Fontana di Trevi. Ambos se bañan en
filme “La dolce vita”, de 1960. Fellini, ella como si fuese su casa, sin apreciarla, irrespetándola en todo
plantea un cuestionamiento muy similar, sentido. Ambos se concentran únicamente en el placer
más no idéntico. En La dolce vita, Fellini momentáneo, todo es momento. El hombre (Marcelo), está
concentrado únicamente en cuidar a la mujer (Sylvia).
construye personajes banales, en donde
Por otro lado, Sylvia se concentra en sentir el agua de la fuente
el protagonista es el único intelectual; al barroca en su cuerpo. Ninguno de los dos observa la belleza del
vivir en un periodo histórico en donde el arte, dejando de lado cualquier actividad que trascienda a los
hedonismo era la máxima de las espiritual. De esta forma, Fellini también cuestiona si el hombre
sociedades occidentales, se ve obligado a moderno está representando un progreso y superioridad ante
un pasado glorioso.
abandonar esa clase de actividades.
Finalmente, termina sumido en las
mismas banalidades de la sociedad.
Por medio de personas bellas
desinteresadas en el arte y Paparazzis,
Fellini nos plantea la crítica al hombre
moderno, y de nuevo, ese
cuestionamiento si es más grande que los
hombres del pasado.

Tercera obra
Para realizar mi obra, procedí a buscar alguna
estatua de algún gran hombre de la historia. En
mi ciudad (Bogotá) hay diferentes estatuas de
grandes intelectuales de épocas pasadas; así
que de este modo dí con la estatua del filósofo,
teólogo, poeta y astrónomo Giordano Bruno.
Giordano Bruno hizo aportes incalculables a la
humanidad, y en mi país, al ejercer la lengua
española, siendo esta una lengua derivada del
latín, se puede encontrar un enlace directo con
este gran hombre. En mi fotografía, la cámara
obtuvo una distorsión notable, haciendo que
algunas líneas rectas, como las casas del
fondos, se vean en líneas esféricas. Por otro
lado, la tomé desde un ángulo opuesto al
cenital, ya que la tomé de abajo hacia arriba.
Procedí a bajarle a la iluminación, puesto
que el espacio de color del cielo se veía
muy pálido y no se veía definido.
Aumente el contraste y la textura, para
que la piel y la calle se vieran con más
textura y con más nitidez. Todo esto lo
hice con el fin de que se notara el
contraste con claridad entre la piel, el
color del cielo y la estatua, haciendo una
compensación de gamas, obteniendo la
doble exposición.
Finalmente, la obra quedó con
una paleta de colores fría, y en la
mezcla le puse luminosidad. De
este modo, finalizo mi tercera
obra del primer año.
Precisamente esto es lo que
quería plasmar en la foto de
forma críptica, el cigarrillo
Me dirigí a la estatua con un amigo para que el posara en la foto. representa ese goce
momentáneo, que es lo único
De este modo, tomé la foto con los conceptos presentes dentro
que busca el hombre post-
de ella. Como se puede ver al lado, el hombre post-moderno se
moderno, de manera implícita,
ve pequeño ante la grandeza de este hombre del renacimiento.
La vestimenta es sencilla, pero no representa ninguna grandeza haciendo que el autofoco de la
ante Giordano Bruno, el fondo de la obra, ni siquiera se detiene a cámara sea hacia el hombre
observarla. Si el hombre que posa en la foto respetara el legado postmodetno. Al sentarse en
de este hombre, habría realizado una foto de él observándola. frente de esa gran estatua, se ve
Pero no fue así, el hombre post-moderno utiliza la estatua como pequeño al lado de la grandeza
un objeto insignificante para salir bien en una foto; está enfocado de Giordano Bruno; acá entra el
simplemente en el placer inmediato, al fumarse su cigarrillo. planteamiento ¿la humanidad
Todo es presente en el hombre post-moderno, no comprende cada vez mejora, siendo los
hombres post.modernos mejores
que el pasado, el presente y el futuro son una unidad.
y más grandes que los del
pasado? ¿el hombre post-
moderno si representa un
Obra finalizada
Con el fin de reforzar mi progreso para la humanidad?
concepto le añadí un grafiti a la
estatua, para que se viera esa
diferencia entre arte post-
moderno y la grandeza de
antaño. Dado que el humo del
cigarrillo no era muy notorio
decidí incluirlo en la obra. Tanto
el grafiti como el humo del
cigarrillo los descargué el png, es
decir sin fondo, y los acomodé
donde quería que estuvieran
dentro de la obra.
Tercera obra: Conexión con referentes:
La dolce vita-Federico Fellini
En mi tercera obra, me guié de las
obras cinematográficas de Paolo
Sorrentino y Federico Fellini. De esta
manera, el encuadre que logré, es
muy similar al encuadre que hace
Sorrentino en su filme “La gran
belleza” y el de Fellini en “La dulce
vida”. En las tres obras, aparece el
hombre moderno, por delante de
estatuas de grandes hombres de
antaño. De tal manera que el fin
conceptual de la obra sobre el La gran belleza-Paolo Sorrentino
cuestionamiento de la grandeza del
hombre moderno y postmoderno
frente a sus antepasados es casi
idéntico. Siendo de esta forma, el
plano fotográfico mantiene muchas
similitudes con mis referentes.
Por otro lado, logré complementar las
gamas de tonalidades frías y cálidas,
entre tonos vivos y pálidos, al igual
que Sorrentino en La gran belleza.
El proceso curatorial de mis obras requirió bastante tiempo. Esto se debe a que en todo mi proceso escolar de
artes, nunca había manejado bien el concepto, y nunca me había percatado de la importancia de los marcos y
Curaduría
la organización de las obras en la exposición. De esta forma, mi grupo de artes tuvo una reunión vía google Posterior a la salida, en el grupo de artes realizamos un esbozo, en el cual estábamos organizados los
meet con un curador, donde nos explicó el concepto y la importancia. Luego de esto, junto a mi grupo de artes estudantes dentro de la sala. En este bosquejo, cada estudiante eligió su posición dentro del salón en el cual
tuve una salida pedagógica al museo del Banco de la República, en Bogotá. Esta salida fue bastante importante, íbamos a exponer nuestras obras
debido a que me pude hacer una idea de cómo deben estar posicionadas varias obras en un mismo lugar, con
el fin de darle armonía a una exposición.

En el museo tomé estas fotografías, las cuales tenían marcos parecidos. De tal manera que en esta salida me
pude hacer una idea de la importancia de los marcos, y de cómo deben estar organizadas las obras en una
exposición, para que esta tome su mejor forma frente al espectador que la aprecia.
Luego de esto, nuestros profesores realizaron el mapa virtual de cómo nosíbamos a
organizar en la exposición, posicionados dependiendo del hilo conductor de cada uno:
En cuanto a mi proceso personal, decidí acomodar mis obras estando ya en la sala, debido a que preferí
esperar a ver con mis propios ojos como iban a estar acomodados los tablones de la exposición. De este modo,
organizé mis obras dependiendo de la técnica, separando las esculturas con las fotografías. Para mis fotos
utilicé dos retablos negros y los pegué con nailon y con puntillas. Para la escultura, utilicé un soprte que yo
había elaborado de cartón, madera y balso.
 Evaluación:
Primera obra:
En mi primera obra, la técnica de escultura se me facilitó más que las demás. Esto se debe a que ya había utilizado
antes esta técnica durante mi proceso de artes en todo bachillerato. No obstante, lograr la notoriedad del claro-oscuro
de mis referentes por medio de la pintura fue batante difícil; al final, este recurso no era tan notorio a primera vista. Por
otro lado, logré mi objetivo de proyectar una estética desaliñada para cumplí con el trasfondo de mi obra. En general,
logré las similitudes esperadas de mis referentes en mi primera obra.
Segunda obra:
En mi segunda obra, la técnica de fotografía me trajo muchas dificultades en la edición de esta. A grandes
rasgos, pude cumplir las similitudes de mis referentes. Sin embargo, percibo que mi obra de cierto modo
parece más la decoración de una postal, en vez de una obra fotográfica de arte:
Tercera obra:
Personalmente, considero que mi tercera obra es la cumbre estética y conceptual de todo mi proceso. En
primera instancia, el trasfondo logra una similitudes impresionante con mis referentes, sumado a mis ideas
personales del hilo conductor. Por otra parte, logré editar mi foto a la perfección, eliminando partes que le
restaban el ritmo visual a esta, y reflejando unas gamas que se adhieren a la perfección para la obra. Finalmente,
esta obra cumple con todos los objetivos que determiné desde un inicio, con el concepto, plano, encuadre,
estética y tonos.
Curaduría:
Finalmente, en cuanto a mi proceso curatorial, opino que toda mi exposición cumplió un hilo condudctor que
se puede identificar fácilmente desde la observación de mis obras. Por otro lado, la organización de estas, se ve
en armonía y organizada.