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Disciplinas

Fotográficas
Bases y nociones para este texto
Tipos De Cámaras Digitales: Compactas/Ultracompactas,
Bridge y Réflex
En este sentido no vamos a "reinventar la rueda", está muy clara la clasificación y es
asumida prácticamente por la totalidad de la comunidad de fotógrafos.

Podemos hablar básicamente de 3 tipos de cámaras digitales, cuyas diferencias como casi
siempre radican en precio, funcionalidad y dimensiones.

A continuación, te muestro cada uno de estos tipos con algunas de sus características más
representativas. ¡Estate atento!

Compactas/Ultracompactas. Las Cámaras "de Bolsillo"


Se trata de las cámaras de gama más baja
atendiendo a los tres parámetros a los que he
aludido anteriormente. Son las más baratas, las
que menos funcionalidad ofrecen y las de
menor tamaño (se las suele llamar "de bolsillo"
por su reducido tamaño).

Otras características propias de estas cámaras son


la incorporación de grandes pantallas LCD (para
su reducido tamaño), funcionamiento silencioso,
rapidez al iniciarlas y disparar y, sobre todo,
como ya he dicho, una extremada portabilidad
que te permitirá llevarlas a cualquier sitio.

Son las cámaras más apropiadas para aquellos


que se inician en la fotografía y que quieren
disparar de forma automática o en modos
semiautomáticos. Con estas cámaras prima, por
encima de todo, la mayor manejabilidad y
automatismo, frente a un uso más manual en que
el fotógrafo pueda variar ciertos parámetros.

Se trata de cámaras con una óptica más bien discreta, donde el objetivo no es
intercambiable y con zooms que varían entre los 2x y los 5x.

En cuanto a la forma de visualizar la escena antes de fotografiarla, muchas de estas cámaras


ya carecen de visor directo, aunque tanto si existe como si no, se hace uso de la pantalla
LCD y no del visor para realizar el encuadre y ajustar los parámetros de la toma.

Por último, en lo que respecta a la frontera entre compactas y ultracompactas, es difícil


establecerla, porque con los procesos de "miniaturización" que se han conseguido en los

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últimos años, una compacta de hoy en día podría haber pasado hace apenas 2 años por una
ultra-ultracompacta.

Cámaras Bridge. A Medio Camino Entre las Compactas y


las Réflex
Estas cámaras se encuentran, como digo, a medio
camino entre las compactas y las réflex. Tienen
un mayor coste y tamaño que las primeras y
menor que las réflex y las funcionalidades y
calidad que ofrecen son también intermedias.

También se trata de cámaras cuyo objetivo no es


intercambiable, pero que ofrece mayor calidad
que las compactas y, en algunos modelos, el
zoom supera, incluso, los 15x. Por ejemplo, el
zoom de la Olympus SP-560 UZ llega hasta los
18x.

Este tipo de cámaras puede ser una buena toma de


contacto para aquél que quiere algo más que
una cámara ligera y automática. No estoy
hablando del "poder" de una réflex, pero sí, al
menos, de ofrecer la posibilidad al fotógrafo de
modificar valores como la apertura o el tiempo de
exposición e irse adentrando en el arte de la
fotografía.

En definitiva, se trata del tipo "puente" (bridge) entre compactas y réflex. Tanto en precio,
como en dimensiones (pues necesitas un bolsillo más grande para poder guardar una bridge),
como, por supuesto, en funcionalidad.

Por poner un ejemplo de este tipo de cámaras, podemos hablar de la Canon Powershot G10.
Se trata de la cámara que tienes a la derecha y que como características más significativas
ofrece: resolución de 14.7 Megapixels, sensor de 1/1.7", zoom óptico de 5x, posibilidad de
disparar en JPG y RAW, 26 modos de disparo (automáticos, semiautomáticos y manual), tres
tipos de metering, y un sinfín de características que no están al alcance de cámaras compactas
o ultracompactas.

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Cámaras Réflex (DSLR). La Opción Más Avanzada
Se trata de la gama alta de cámaras digitales. Son las
que tienen mayor precio, mayores dimensiones y
mayor funcionalidad.

Como puedes imaginar, son las que mejor calidad de


imagen ofrecen y ello se debe a que disponen de un
sensor de mayor tamaño (recuerda que el tamaño del
sensor sí que importa), una óptica de más calidad y,
en general, materiales de mayor calidad y mejor
calibrados.

A diferencia de las dos categorías anteriores, las réflex


ofrecen la posibilidad al fotógrafo de cambiar el
objetivo en función de sus necesidades. Hay muchos
tipos de objetivos en función de las necesidades del
fotógrafo y con una réflex podrás usar el más
apropiado, ¿te acuerdas?

Sin duda, otro de los aspectos claramente


diferenciadores de las cámaras réflex o DSLR, como
también se las conoce, es la presencia de un visor
réflex que muestra con total precisión la escena a
fotografiar.

En las cámaras réflex, salvo que dispongan del sistema Live View, es necesario hacer uso del
visor, dejando la pantalla LCD únicamente para la visualización de la fotografía tras
haber disparado.

Por último, estas cámaras son las más adecuadas para profesionales, desde luego, pero
también para aquellos que cuentan con la suficiente inquietud y deseo de aprender fotografía
como para "pelearse" y sacarle partido a los modos semiautomáticos y manuales de estas
cámaras, que desde luego nada tienen que ver con las posibilidades que ofrecen los otros
tipos.

Como podrías imaginar, no podía dejar escapar la ocasión de mostrarte mi querida Nikon
D60. Es la cámara de la derecha. Un ejemplo de cámara réflex, con un precio ajustado y con
una funcionalidad más que suficiente para disfrutar de la fotografía. Personalmente, estoy
francamente contento con ella.

¿Qué Es El Bracketing (Horquillado)?


En fotografía entendemos por bracketing, u horquillado en español, la técnica que consiste
en realizar varias tomas de una misma escena utilizando diferentes configuraciones de
la cámara (velocidad de obturación, apertura de diafragma, ISO, enfoque...).

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Esas diferentes configuraciones se realizarán atendiendo al tipo de horquillado que
realicemos, pues aunque uno de los más sonados sea el bracketing de exposición, hay además
otros tipos también.

¿Cuántos Tipos de Bracketing Hay?


Ya te hablábamos de ellos anteriormente. Entre los más populares destacan 5 tipos de
horquillado o bracketing: el de exposición, el de flash, el de enfoque y el de balance de
blancos. Veamos un poco más acerca de ellos.

1. Bracketing de flash. El horquillado de flash no es uno de los más habituales, pero se


utiliza sobre todo cuando combinamos un flash de relleno con la luz natural de un
ambiente. Al hacer diferentes tomas con distinta potencia del flash, podremos
conseguir un resultado más adecuado o bien apilando las diferentes tomas, o
simplemente escogiendo aquella que más nos guste.
2. Bracketing de enfoque. Este tipo de horquillado es estrella dentro de la fotografía
macro. Cuando hacemos esta clase de fotos, la profundidad de campo es muy
limitada, por lo que si realizamos un horquillado de enfoque, disparando varias tomas
con enfoques distintos, y a continuación apilándolas digitalmente, lograremos que
nuestra foto esté enfocada en las zonas que deseemos.

Pero no solo sirve para fotografía macro, en la temática de paisajes también puede ser
muy interesante si lo que deseamos es obtener una gran profundidad de campo. De
esta forma, imagina que tienes un paisaje y una roca en primer término. Si quieres que

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ambas salgan enfocadas y no te acabas de aclarar con el tema de la hiperfocal,
entonces realiza dos disparos: uno enfocando a la roca y otro enfocando al paisaje de
fondo. A continuación, fusionamos ambas imágenes en edición, y tendremos nuestra
foto con las áreas que queremos perfectamente enfocadas.
3. Bracketing de balance de blancos. Aunque con los archivos en formato RAW este
tipo de horquillado deja de tener sentido, no está de más que lo nombremos. Este
horquillado consiste en realizar diferentes tomas con un balance de blancos distinto en
cada uno de ellas. Imagina que en ese momento no sabes cuál es el balance más
adecuado... pues puedes probar a hacer la toma con distintos balances. Esto como te
digo, si disparas en formato RAW no te hace falta, pero si eres de los que disparan en
JPEG y no quieres corregir tu mismo el balance en Photoshop, entonces puede ser una
buena opción.

4. Bracketing de exposición. Es el horquillado más popular de todos. De hecho, si


alguna vez escuchas a un fotógrafo hablar de horquillado y no te especifica más,
probablemente se este refiriendo al horquillado de exposición. Veamos en qué
consiste en el párrafo que viene a continuación.

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Fotografía HDR: Qué Es y Cómo se Hace

La fotografía HDR (o HDRI, High Dynamic Range Imaging) es una técnica para procesar
imágenes que busca abarcar el mayor rango de niveles de exposición en todas las zonas. Esto
se consigue mediante la mezcla de varias fotos del mismo lugar con diferentes exposiciones.
Si quieres conocer todo lo relacionado con la creación de fotos HDR, cómo funciona el Alto
Rango Dinámico, consejos y trucos para hacer mejores fotos HDR, este es tu sitio.

El llamado efecto seda


¿Qué logramos con el llamado efecto seda? Conseguir que en nuestras fotografías en las que
aparece el agua como protagonista, esta se convierta en una especie de manto sedoso. Esto
supone avanzar un paso más como fotógrafos, y nos permite jugar mucho más con nuestras
tomas con agua en movimiento. Para que esto ocurra, el parámetro que debemos dominar es
la velocidad de obturación. Cuando hablamos de velocidad de obturación, hacemos
referencia al tiempo durante el que vamos a estar exponiendo la fotografía. Dicho con otras

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palabras, el tiempo que transcurre desde que el obturador de nuestra cámara se abre para
dejar pasar la luz que conforma la toma hasta que se cierra.

Para conseguir el efecto seda emplearemos una baja velocidad de obturación, lo que quiere
decir que estaremos más tiempo haciendo la fotografía con el fin de inmortalizar el flujo del
agua.

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Qué es la Distancia Hiperfocal y Cuándo
Usarla en tus Fotos

Una de las preocupaciones de todo fotógrafo de paisajes es conseguir que su foto salga lo
más nítida posible, de forma que los detalles que en ella aparecen se aprecien perfectamente
independientemente de que estén más cerca o más lejos de la cámara en el momento de tomar
la foto.

Para ello se juega normalmente con un concepto, la profundidad de campo, pero hay otro
concepto a veces no tan conocido e igual de importante, que es la distancia hiperfocal.
¿Conoces su significado? ¿Sabes cómo calcularla? Si has escuchado alguna vez este término,
pero no sabes bien qué es o simplemente quieres estar seguro de su significado, en este
artículo te explico en detalle lo que significa para que lo tengas claro de una vez por todas.

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La Distancia Hiperfocal: Conceptos Previos
La distancia hiperfocal es un concepto complicado de entender si no se tienen claros otros
conceptos primero. Por eso, antes de hablar de ella, conviene repasar otros factores con los
que está estrechamente relacionada:

La Profundidad de Campo

De la profundidad de campo ya hemos hablado aquí en muchas ocasiones. Si no tienes claro


cómo funciona, puedes consultar nuestros artículos "La Profundidad de Campo en
Profundidad" o "La Profundidad de Campo Explicada con Ejemplos".

En resumidas cuentas, la profundidad de campo es la zona que aparecerá aceptablemente


nítida en tu fotografía por delante y por detrás del punto enfocado. La profundidad de
campo variará dependiendo de diversos factores como la distancia focal, la apertura del
diafragma y distancia al elemento enfocado.

Factores que influyen en la Profundidad de Campo

El Círculo de Confusión

Cuando hablamos de zonas enfocadas y desenfocadas es inevitable hablar del círculo de


confusión. A grandes rasgos podríamos decir que el círculo de confusión es la nitidez
mínima aceptable para que nuestro ojo perciba un elemento como algo enfocado.

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Sin embargo, esto va a depender de la distancia a la que veamos la foto, y también de su
tamaño. Si vemos una foto a mayor distancia la veremos más nítida que si nos acercamos, de
la misma manera que una foto en un formato pequeño siempre nos va a parecer más nítida
que vista a gran tamaño.

¿Qué Es la Distancia Hiperfocal?


La distancia hiperfocal es la distancia mínima de enfoque con la cuál conseguimos una
mayor profundidad de campo, obteniendo un enfoque que se extiende desde la mitad de
esta distancia, hasta el infinito.

Esto significa que si enfocamos un punto a una distancia concreta, que deberemos calcular
(luego veremos cómo), vamos a conseguir que se vea nítido todo lo que se encuentre desde el
punto enfocado hasta el infinito. Además, también conseguiremos que se vea nítida la mitad
de esta distancia por delante de nuestro punto enfocado.

Evidentemente, esta distancia va a cambiar dependiendo de las condiciones de distancia


focal y de apertura del diafragma que estemos usando, ya que la profundidad de campo va
a actuar sobre nuestra fotografía. Además, como te comentaba, el círculo de confusión
también va a ser un elemento clave para que finalmente veamos nuestra fotografía lo
suficientemente nítida.

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Mejor Veámos qué es la Hiperfocal con un Ejemplo
Puede que así visto de manera abstracta suene un poco enrevesado, pero lo vas a ver más
claro con un ejemplo. Imagina que quieres fotografiar a una persona en un paisaje, en plano
general. Evidentemente enfocaremos a la persona, pero queremos que nuestro paisaje quede
lo más definido posible. Por mucho que ajustemos nuestros parámetros para conseguir una
profundidad de campo amplia, lo cierto es que no conseguiremos que nuestro paisaje de
fondo quede definido del todo. A no ser, claro, que usemos la distancia hiperfocal.

Si continuamos con el ejemplo, imagina que después de calcular la distancia hiperfocal (que
después veremos cómo se hace), nos sale que debemos enfocar un punto a 6 metros para que
el resto de nuestro paisaje salga nítido. Enfocando a 6 metros, vamos a conseguir que todo
lo que esté por detrás de este punto salga aceptablemente nítido, y que la mitad de esa
distancia (en este caso 3 m.) esté nítida también por delante de ese punto. Así
conseguiremos que tanto nuestra persona como el paisaje de fondo aparezcan nítidos en
nuestra fotografía.

Si enfocamos a la distancia hiperfocal (en este caso 6m) conseguiremos que la profundidad
de campo se extienda desde la mitad de esta distancia (en este caso 3m) hasta el infinito

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DISCIPLINAS FOTOGRAFICAS
Paisaje 1

Nocturna 10

Larga Exposición 23

Urbana 28

Macro 41

Retrato 48
Paisaje

¿Qué tendrán los paisajes que nos enamoran? Si te gusta viajar y la fotografía, seguro que es
una de tus temáticas favoritas. Gracias a ella, o por ella, descubriremos rincones realmente
fascinantes. ¿Pero cuál es la mejor manera de plasmarlo en nuestras fotos? La fotografía de
paisajes, como toda especialidad, tiene sus propios trucos y consejos para sacarle todo el
partido, por eso en esta guía vamos a abordar todo lo que deberías saber sobre esta temática.
¡Vayamos punto por punto!

1. Cámara de Fotos

Por supuesto, necesitarás una cámara. ¿Tiene que ser réflex? Para nada. Puede ser réflex,
pero también puedes optar por hacer fotos de paisajes con una cámara evil o sin espejo. Si
estás pensando en comprar una y no sabes qué modelo es para ti, te aconsejo que le eches un
vistazo a estos artículos sobre cámaras.

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2. Objetivos Idóneos para Fotografía de Paisaje

Ya tenemos la cámara, pero... ¿qué objetivo es el más indicado para fotografía de paisajes?
Pues piensa que en este tipo de fotos lo que queremos capturar es la grandiosidad del entorno,
y que todo salga especialmente nítido, por lo que esto nos conduce a una lente gran
angular. Con este tipo de objetivos gozaremos de una gran profundidad de campo y un
ángulo de visión más amplio. Por supuesto, esto no implica que no puedas utilizar objetivos
menos angulares y conseguir buenos resultados también.

3. Trípode

Uno de los accesorios más importantes en fotografía de paisajes es sin duda el trípode. Si te
atrae el bonito y famoso efecto seda, si te gusta capturar el movimiento de las nubes en un
atardecer, o si simplemente quieres lograr una mayor nitidez en tus paisajes, este es tu
accesorio.

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4. Disparador remoto o modo Bulb

Ya sabes que a veces cuando pulsamos el botón de disparo de nuestra cámara podemos
causar cierta trepidación que afectará negativamente a la nitidez de nuestras imágenes. La
mejor combinación para solucionar esto es utilizar un trípode y un disparador remoto. En este
artículo te hablamos de todo lo que necesitas saber sobre los disparadores remotos, pero si no
dispones de uno, no te preocupes porque siempre puedes utilizar el autodisparador de
tu cámara.

5. Filtros

A medida que avances en la fotografía de paisaje te darás cuenta de que ante determinadas
situaciones te falta encontrar la forma de lograr una exposición equilibrada en toda la toma, o
que no sabes cómo conseguir evitar los reflejos del agua de un río para poder ver lo que hay
en el fondo. Incluso tampoco sabes cómo conseguir el efecto seda del que hablábamos hace

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un momento, a plena luz del día. Como solución a todas estas cuestiones, te diré que
necesitas un filtro. No para todas las situaciones valdrá el mismo claro, los hay polarizadores,
filtros neutros, filtros degradados... Depende cuál sea el fin de tu foto deberás escoger uno u
otro. Aquí te dejamos unos cuantos artículos para que descubras cuál es el que buscas.

6. Baterías y Tarjetas Extra

Imagina que llevas todo el equipo cargado a la espalda y que conduces y andas bastantes
kilómetros hasta llegar a tu paisaje de ensueño. Montas el trípode, colocas la cámara,
conectas el disparador, y en el momento de la captura... ¡ZAS! No te queda suficiente batería
o te has quedado sin espacio en la tarjeta de memoria. ¿Cómo poder evitar esto? La forma
más sencilla es llevar siempre con nosotros, al menos, una batería y una tarjeta extra.
Además, piensa que la tecnología a veces puede fallar, y llevar repuesto para estos pequeños
accesorios puede ahorrarnos algún que otro disgusto.

7. Mochila Fotográfica Cómoda

Por último, y no menos importante, necesitarás una buena mochila en la que llevar todo tu
equipo. La elección de este accesorio es importante. Tiene que ser cómoda, de un tamaño que
se adapte a tus necesidades materiales, y que, a ser posible, tenga un reparto de peso
adecuado para evitar posibles dolores de espalda. El propósito es que puedas transportar tu
equipo de forma segura y cómoda.

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Técnicas en Fotografía de Paisaje

Una vez tenemos claro el material que podemos necesitar para hacer fotografía de paisaje lo
siguiente es aprender la técnica. ¿Cómo debemos configurar nuestra cámara para sacar una
fotografía espectacular del paisaje en el que nos encontramos?

• Por norma general intentaremos escoger una apertura de diafragma entre f/8 y
f/16, ya que recuerda que lo que queremos es que salga gran parte de la escena
enfocada. Para ello necesitaremos una gran profundidad de campo, y esta, entre
factores, depende de la apertura de diafragma.
• En cuanto a la velocidad de obturación dependerá del tipo de escena que vayamos
a fotografiar, ya que no es lo mismo querer congelar un paisaje que buscar captar el
movimiento del agua o de las nubes. Así pues, la velocidad la adaptaremos en función
de tipo de imagen que busquemos.
• El ISO es el tercer pilar del triángulo de la exposición como bien sabes, y es el que
evitamos subir en exceso para no correr el riesgo de que aparezca ruido en nuestra
fotografía. Así pues, lo ideal será utilizar el ISO más bajo que podamos en función
de las condiciones lumínicas de la escena.
• Por otra parte, es recomendable que disparemos nuestras tomas en formato RAW (o
al menos aquellas que sepamos que son más importantes). De esta manera tendremos
más margen de corrección en edición, y además podremos cambiar el balance de
blancos sin perder calidad, entre otras muchas cosas, tal y como te contábamos en este
artículo.

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Si quieres ampliar esta información, en esta serie de artículos te damos todos los consejos que
necesitas.

Además de estos consejos, también tenemos técnicas específicas que resultan realmente
atractivas para la fotografía de paisaje, y que le dan un toque diferente a nuestras tomas. En
esta lista te comentamos algunas de las mejores.

1. Mejora la exposición de tus fotos mediante el HDR y el bracketing de exposición

2. Logra mayor nitidez en tus imágenes de paisaje a través del control del enfoque

3. Consigue largas exposiciones diurnas para capturar las nubes con trazas o el efecto seda
en imágenes con agua en movimiento

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Composición en Fotografía de Paisaje

La técnica es importante en fotografía, pero no por ello debemos prestarle menos atención a
la parte artística y a la composición. Ya sabes que las reglas que nos han ido dejando los
grandes fotógrafos de referencia se aplican a cualquier temática, y que hay algunas que
especialmente funcionan bien en fotografía de paisaje, como son la regla del horizonte o la
regla de los tercios.

Pero esto no implica que tengas que limitarte siempre a ellas. Habrá ocasiones en las que
romper las reglas será precisamente lo que haga de tu fotografía una captura diferente. Te
dejamos a continuación unos cuantos artículos sobre composición que harán que tus
fotografías de paisaje mejoren notablemente.

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El Momento de la Captura

No es lo mismo realizar una fotografía de paisaje al amanecer, que a plena luz del sol o por la
noche. Las condiciones lumínicas cambian, y eso afectará a la manera en la que tenemos que
proceder para realizar la captura. Por eso a continuación, te enlazamos varios artículos con
consejos específicos en función de la hora del día a la que hagamos la toma.

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Formato Especial: La Panorámica

Sí, a veces por mucho objetivo angular que llevemos no abarcamos la magnificencia de un
paisaje. ¿Qué podemos hacer entonces? Recurrir a un formato de imagen especial: la
panorámica. Este formato consiste en realizar una serie de fotografías seguidas y rotando
desde la misma posición (preferiblemente con cámara en trípode), para después en edición
juntaras y poder obtener el paisaje completo. También nos sirve en el caso de que nuestro
objetivo no sea muy angular y queramos captar todo el paisaje. Si quieres descubrir cómo
hacer buenas panorámicas paso a paso te aconsejamos los siguientes artículos:

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Nocturna

La fotografía nocturna es un tipo de fotografía muy diferente a lo que estamos


acostumbrados, y por eso suele ser tan atractiva y espectacular. Aunque normalmente cuando
pensamos en fotografía nocturna quizás pensamos en estrellas o en lightpainting, en
realidad comprende muchos otros campos, todos ellos muy interesantes, pero distintos
entre sí. En este artículo vamos a descubrir todos los tipos de fotografía nocturna que existen,
y qué es lo que vas a necesitar para poder ponerlos en práctica.

¡Enseguida te lo cuento!

Seguro que alguna vez has salido a hacer fotografías y se te ha hecho de noche. Habrás
notado entonces, que la cosa se complica a la hora de exponer correctamente tus capturas,
¿verdad? Eso es porque la fotografía nocturna requiere unos parámetros y accesorios
específicos para poder realizarla correctamente. Si no los conoces, no te preocupes porque
precisamente en este artículo los vamos a ver en profundidad.

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Accesorios Necesarios para la Fotografía Nocturna
Pese a que, como veremos más adelante, cada tipo de fotografía nocturna es diferente y no
en todos vamos a usar los mismos accesorios, es interesante primero conocer diferentes
tipos de accesorios que podemos necesitar para realizar fotografías nocturnas. Después, en
cada tipo de fotografía veremos cuáles deberemos usar en cada momento.

1. Cámara: Para realizar fotografía nocturna va a ser importante contar con una cámara
que nos permita configurarla de manera manual, ya que vamos a tener que jugar
con sus parámetros de manera muy específica para que la fotografía salga
correctamente.
2. Objetivo luminoso: En la mayoría de fotografías nocturnas vamos a necesitar abrir el
diafragma de nuestra cámara para captar cuanta más luz mejor, por lo que siempre
será recomendable usar objetivos luminosos. Además, también será recomendable
contar con objetivos gran angular, sobre todo si queremos fotografiar paisajes grandes
o cielos estrellados.

3. Trípode: En la mayoría de nuestras fotografías nocturnas vamos a necesitar reducir la


velocidad de obturación considerablemente, llegando a exposiciones de varios
segundos o incluso minutos en algunas ocasiones. Por eso, vamos a necesitar un
trípode para que nuestra fotografía no salga trepidada.

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4. Disparador remoto: En fotografías de larga exposición hasta el hecho de pulsar el
botón de disparo de nuestra cámara puede trepidar la foto. Por eso, siempre es
recomendable usar un disparador remoto para no tener que tocar nuestra cámara, e
incluso contar con un intervalómetro para poder disparar muchas tomas seguidas. Si
no cuentas con él, otra opción también es activar el temporizador de tu cámara para
evitar la trepidación.
5. Luz frontal: Excepto para las nocturnas que disparemos en ciudad, en todas las
demás estaremos casi en plena oscuridad. Por eso, una luz frontal nos va a ayudar a
poder configurar los parámetros de nuestra cámara sin tener las manos ocupadas.

6. Flash externo: El flash externo nos va a ser muy útil en diferentes tipos de fotografía
nocturna. Nos ayudará a rellenar sombras, a iluminar paisajes e incluso a crear efectos
curiosos de lightpainting. Normalmente siempre será aconsejable dispararlo con una
potencia baja y con un difusor, para reducir su intensidad y su dureza, conservando
así el ambiente nocturno de la fotografía.
7. Antorcha: En lugar de un flash también puedes usar una antorcha regulable, que te
proporcionará menos intensidad y te ayudará a preservar el ambiente nocturno.
8. Reflector: Un reflector 5 en 1 siempre nos va a venir bien para rellenar zonas en
sombra, sobre todo cuando disparemos en ciudad, para reflejar o difundir la luz de las
farolas.
9. Linternas: Las linternas son muy útiles para alumbrar partes de la fotografía que, de
otra manera, quedarían totalmente negras o muy subexpuestas en nuestra fotografía.

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Además, si iluminamos los elementos de manera lateral conseguiremos realzar su
textura. Podemos usarlas en tonos cálidos o fríos para conseguir efectos diferentes, e
incluso usar linternas RGB para darle toques de color a ciertas áreas.

10. Herramientas de lightpainting: El lightpainting es una modalidad de fotografía


nocturna muy diversa y atractiva. Podemos encontrar multitud de herramientas para
hacer lightpainting como hilo luminoso, cátodos, fibra óptica, palas de metacrilato,
esferizadores, lana de acero, etc. De hecho, cualquier objeto que emita luz puede
servirte para experimentar con el lightpainting.

Parámetros Generales en Fotografía Nocturna


De la misma manera que con los accesorios, en cada tipo de fotografía nocturna vamos a
configurar nuestra cámara de manera diferente. Lo veremos detalladamente en cada uno
de ellos, pero es necesario hablar primero de algunos parámetros generales que todos o casi
todos los tipos de fotografía nocturna tendrán en común:

1. Velocidad de obturación: En fotografía nocturna casi siempre vamos a usar


velocidades de obturación lentas, ya que necesitaremos ganar bastante luz, incluso

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aunque estemos en la ciudad. Dependiendo del tipo de fotografía nocturna que
hagamos, nuestras tomas variarán desde velocidades de aproximadamente 1/50 - 1/30
segundos, hasta exposiciones de varios segundos, e incluso minutos.

2. Apertura de diafragma: La apertura de diafragma va a variar mucho de un tipo de


fotografía nocturna a otra. Normalmente usaremos aperturas grandes para poder ganar
más luz y sacar más estrellas en el cielo. Sin embargo, si queremos realizar efectos de
luz es probable que tengamos que cerrarlo bastante si no queremos sobreexponer
dichos efectos.
3. ISO: Al igual que con la apertura de diafragma, la ISO también va a variar bastante
de unos tipos de fotografía nocturna a otros. De igual manera, necesitaremos subir
bastante la ISO para exponer correctamente nuestras fotografías y para sacar más
estrellas, pero deberemos bajarla para no sobreexponer los efectos de luz.
4. Reducción de Ruido: Aumentar la ISO siempre implica ganar más ruido en nuestras
fotografías. Sin embargo, en la mayoría de cámaras podemos encontrar opciones para
reducirlo un poco. Hablamos de la "Reducción de ruido en exposiciones
prolongadas". Si activamos esta opción, la cámara disparará nada más terminar la
fotografía una segunda foto en negro que tomará como referencia para reducir el
ruido, sin perder definición. Esto llevará un poco de tiempo, por lo que te recomiendo

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que la desactives en las pruebas de luz y solamente la actives para fotografías
definitivas. Suele haber otra opción de reducción de ruido llamada "Reducción de
ruido en ISOs altas", pero ésta sí nos hará perder definición. Por eso te recomiendo
que no la actives nunca, sino que lo hagas ya desde programas de edición. Así
conservarás la fotografía original sin alterar, y lo podrás reducir a tu gusto en el
revelado, siendo tú el que decida cuánto reducirlo (y cuánta definición sacrificar) y no
la cámara de manera automática.
5. Balance de Blancos: El balance de blancos también va a ser un parámetro importante
en fotografía nocturna, porque normalmente el automático no va a funcionar
correctamente en estas condiciones. Si disparas en ciudad normalmente tendrás que
compensar un poco el tono amarillo de las farolas. Si, en cambio, vas a realizar fotos
en plena oscuridad, deberás decidir si quieres que tu cielo sea más rojizo o más
azulado, y elegir un balance de blancos u otro. Ninguno de ellos estará mal,
simplemente te ofrecerá resultados y sensaciones diferentes.

6. Enfoque: Exceptuando las fotografías nocturnas que hagas en ciudad, la mayoría de


veces te vas a encontrar en completa oscuridad por lo que el enfoque automático de tu
cámara no va a funcionar. Así pues, vas a necesitar alumbrar al objeto o persona que
quieras fotografiar con una linterna para poder enfocarlo correctamente, o calcular la
distancia hiperfocal si se trata de una fotografía nocturna a un paisaje o a las estrellas.

Tipos de Fotografía Nocturna


1. Fotografía Crepuscular

La fotografía crepuscular se realiza justo cuando se esconde el sol, o justo antes de que salga,
en la famosa "hora azul". Pese a que todavía no es de noche del todo, ya se considera un tipo
de fotografía nocturna.

La fotografía crepuscular es muy atractiva porque todavía podemos captar el paisaje gracias a
que aún hay suficiente luz, y además el color del cielo se vuelve de un bonito azul intenso.
En paisajes nos da una atmósfera mágica, y en ciudad contrasta a la perfección con el
amarillo/naranja de las farolas.

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En este tipo de fotografía normalmente la velocidad de obturación será bastante baja para
ganar luz y no tener que subir demasiado la ISO, por lo que probablemente necesitarás un
trípode. Dependiendo del momento, el diafragma variará. Si estás en ciudad será interesante
cerrarlo bastante para sacar las luces de las farolas en forma de estrella. Si, en cambio, estás
fuera de la ciudad, podrás abrirlo un poco más para ganar luz.

Si te interesa conocer más sobre la fotografía crepuscular, te recomiendo los siguientes


artículos:

2. Fotografía de Estrellas

La fotografía de estrellas es una de las favoritas entre los tipos de fotografía nocturna.
Capturar un cielo estrellado siempre es una opción muy atractiva, sobre todo cuando la vía
láctea surca el cielo. Dentro de este tipo de fotografía existen diversas opciones, como
capturar las estrellas en forma de puntos o capturarlas en forma de traza formando una
circumpolar.

En fotografía de estrellas lo mejor es abrir el diafragma al máximo para captar cuantas más
estrellas mejor. La ISO también va a ser imprescindible subirla, hasta ISO 1600, 3200 e
incluso más. Cuanta más ISO pongas, más estrellas saldrán en tu fotografía. Pero ten en
cuenta que también generarás más ruido, así que intenta encontrar un término medio entre
ruido y estrellas, para no arruinar tu foto.

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En cuanto a la velocidad de obturación, ten en cuenta que las estrellas empezarán a dejar
traza a partir de los 20-30 seg. (dependiendo del formato de tu cámara, el diafragma y la
distancia focal que estés usando). Así que deberás poner menos velocidad si quieres captarlas
como puntos, o aumentarla si quieres capturarlas como traza y crear una circumpolar.

3. Fotografías de la Luna

La luna también es uno de los motivos nocturnos más fotografiados, sobre todo cuando está
llena, o en las famosas "superlunas". Para poder captar todas sus formas y detalles, y que
no sea simplemente un punto brillante en el cielo, deberemos cerrar bastante el diafragma
(alrededor de f/5,6 - f/8) y usar una ISO baja (100 o 200). Respecto a la velocidad de
obturación, ten en cuenta que la luna va a moverse bastante rápido, por lo que vas a tener
que usar tiempos más rápidos de 1 segundo (por ejemplo 1/125 seg) si quieres captar todos
sus detalles bien definidos.

Respecto al equipo necesario, un teleobjetivo siempre nos va a permitir ver la luna desde más
cerca, pero cualquier movimiento de nuestro pulso será mucho más acusado y podría trepidar
la toma. Por eso, también será recomendable usar un trípode.

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4. Trazas de Nubes

Podemos pensar que si nos sale una noche nublada ya se nos ha estropeado la salida nocturna,
pero las trazas de nubes también pueden quedar muy atractivas, sobre todo si hace un poco de
viento. Para captarlas necesitarás un trípode, y configurar tu cámara con tiempos de
exposición largos. Así podrás captar todo el movimiento de la nube, y se formarán unas
trazas muy bonitas en el cielo de tu fotografía.

5. Escenas con Lightpainting

El lightpainting es un tipo de fotografía con multitud de herramientas y técnicas diferentes


que nos van a permitir jugar con la luz para crear formas y efectos muy diferentes y
atractivos. En este tipo de fotografía el límite lo pone tu imaginación, ya que cualquier objeto
que emita luz puede convertirse en una herramienta para "pintar".

Para captar las formas del lightpainting sin quemarlas normalmente deberás cerrar
bastante el diafragma y usar una ISO baja, ya que vas a requerir usar tiempos de exposición
largos para que te de tiempo a "pintar" lo que quieras. Es por eso que el trípode va a ser
un accesorio imprescindible.

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Otra opción también es usar fuentes de luz muy poco potentes si quieres usar otro tipo de
parámetros, por ejemplo, para captar también estrellas en el cielo. Así podrás abrir el
diafragma o subir la ISO sin quemar el efecto de luz.

6. Fotografía Nocturna Urbana

Si queremos captar el cielo nocturno nos tenemos que alejar de las ciudades, sí, pero un
entorno urbano también nos puede ofrecer fotografías nocturnas espectaculares. Además,
puedes aprovechar la hora azul para captar el contraste entre las luces amarillas de las
farolas y el cielo azul intenso.

Los parámetros de tu cámara variarán mucho dependiendo de lo que quieras conseguir. Por
ejemplo, si quieres que el destello de las farolas tenga forma estrellada deberás cerrar
bastante el diafragma (f/8 - f/16), pero deberás compensar con el resto de parámetros para
poder suplir esa pérdida de luz.

Otro recurso interesante en ciudad es disparar con velocidades de obturación lentas para
captar las estelas de luz que dejan los coches al pasar.

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7. Retrato Nocturno

El retrato nocturno es un tipo de retrato menos practicado pero puede ofrecernos fotografías
diferentes y originales. Podemos encontrar dos tipos: el retrato nocturno urbano, donde las
luces de la ciudad van a ser nuestra fuente de luz principal; o el retrato nocturno con
lightpainting, donde dispararemos en plena oscuridad y deberemos iluminar a nuestro
modelo con linternas para que no sea simplemente una silueta negra.

En el retrato nocturno urbano deberemos abrir bastante el diafragma y subir la ISO para ganar
toda la luz que podamos, ya que las farolas no serán suficiente para poder exponer bien
nuestra fotografía. Respecto a la velocidad de obturación, si no quieres usar un trípode te
recomiendo usar tiempos no demasiado lentos (1/30 seg. como mínimo) para no correr el
riesgo de trepidar tu fotografía. Puedes ayudarte con el reflector, el flash o una antorcha
para compensar la luz de las farolas y mejorar así la iluminación en el rostro de tu modelo.

En cambio, en el retrato nocturno con lightpainting sí vamos a usar tiempos de exposición


más largos y el trípode será imprescindible. La ISO y el diafragma dependerán mucho de la
potencia de las linternas que usemos para iluminar a nuestro modelo y a la escena, aunque
normalmente usaremos diafragmas ligeramente cerrados e ISOs no demasiado altas. En esta

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ocasión el modelo sí tendrá que estar completamente quieto, sobre todo en el momento en el
que le iluminemos, y permanecer en la misma postura hasta que termine la toma,
aunque ya no le estemos iluminando. Si se marchara del lugar su forma aparecería
semitransparente después en nuestra fotografía, dándole una apariencia fantasmal.

8. Fuegos Artificiales

Los fuegos artificiales también son un motivo nocturno de lo más atractivo. Al fin y al cabo,
los fuegos artificiales son una forma de lightpainting, ya que al dispararse se van a pintar
con luz sus típicas formas estrelladas.

Para captarlos en todo su esplendor vas a necesitar un trípode y utilizar tiempos largos de
exposición, aunque no demasiado largos si no quieres que se te acumulen demasiados fuegos
artificiales en una sola toma. Respecto al diafragma, normalmente lo tendremos que cerrar un
poco para no quemar los fuegos artificiales, y usar una ISO baja por el mismo motivo. Aun
así, estos parámetros dependerán mucho de la luz del lugar y de lo cerca que estés de los
fuegos.

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Larga Exposición

¿L.E.D.? ¿Qué quieres decir con Larga Exposición


Diurna?
Pues ni más ni menos que fotografías hechas durante el día, normalmente con un tiempo de
exposición que puede ir desde un minuto o dos hasta más de quince o veinte (dependiendo
de las condiciones que tengamos o del efecto que busquemos). Déjame que te hable un poco
de ello para ponerte en situación.

Desde la revolución de la fotografía digital, los fotógrafos paisajistas y amantes del blanco y
negro (un claro ejemplo es Joel Tjintjelaar, os recomiendo visitar su galería) han sido los que
más se han interesado en desarrollar esta técnica. Se empezó a usar el término Daylight Long
Exposure para referirse a ella, teniendo todas estas fotos elementos comunes: la inmensa
mayoría en blanco y negro, cielos con estelas de nubes o mares totalmente en calma...

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Lo que he hecho yo simplemente es adaptar el nombre al español (Larga Exposición Diurna,
L.E.D.) para tener un término que poder utilizar al referirme a esta técnica en español.
Pero…

…antes de continuar me gustaría intentar explicar la diferencia entre lo que considero una
fotografía de larga exposición hecha de día, y el concepto de Larga Exposición Diurna
sobre el que quiero hablaros en este artículo.

Por ejemplo, una foto hecha de día dentro de un bosque, en el que alarguemos la exposición
para conseguir un efecto sedado en el agua de un río es, sin duda, una foto de larga
exposición.

Sin embargo, en el estilo L.E.D. que os presento se intentan capturar imágenes con un cierto
aire de irrealidad, de misticismo incluso podríamos decir. Se suelen realizar este tipo de
fotos en un entorno urbano, y el elemento principal acostumbra a ser un elemento
arquitectónico, como un edificio, un puente, un banco, etc. Elementos comunes
aparentemente, pero que adquieren otra dimensión totalmente diferente siendo fotografiados
con esta técnica.

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A los "protagonistas" de las fotografías L.E.D. se les intenta dar relevancia (o como yo
suelo decir, presencia ) jugando principalmente con el contraste entre las luces y las sombras
en las diferentes partes del elemento, y sobre todo va acompañado casi siempre con un cielo
que suele tener estelas de nubes, captadas precisamente gracias a la larga exposición.
Precisamente por esta larga exposición y por el tipo de fotografía, el elemento humano rara
vez está presente.

Como os he comentado antes, el blanco y negro suele ser el procesado elegido, dado que se
intenta jugar principalmente con la fuerza del contraste y los efectos consiguen mayor fuerza
y dramatismo eliminando el color. De todos modos y por supuesto, hay excelentes fotos
L.E.D. hechas en color donde se juega con los tonos. Y como muestra, esta foto de Jesús M.
García Flores (en su web podéis ver más fotos suyas).

Además de todo lo anterior, para conseguir un buen resultado final normalmente es necesario
un procesado algo elaborado de la fotografía, aunque por supuesto la imagen debe ser
atractiva desde el inicio. Como se suele decir, una mala fotografía no hay procesado que la
arregle…

¿Qué otras diferencias hay respecto al resto de fotografías


de larga exposición?
Aparte de lo que ya hemos comentado, una de las mayores diferencias está en el momento del
día en el que se realizan este tipo de fotografías. O mejor dicho, en la importancia del
momento en que se realizan. Y como en muchas ocasiones, lo mejor es explicarlo con un
ejemplo.

Como ya sabemos, en la fotografía crepuscular buscamos captar esos momentos especiales


del día como son los amaneceres o atardeceres, con esa luz tan característica y singular; en la
hora azul también buscamos esos tonos azules tan determinados que sólo podemos
inmortalizar en un espacio de tiempo determinado; y por supuesto no hace falta decir que
para la fotografía nocturna ¡es necesario que sea de noche!

En cambio, en la fotografía de Larga Exposición Diurna, no existe un momento concreto del


día ideal en que realizar las fotografías, sino que el momento "adecuado" dependerá del
motivo a fotografiar, de la luz que necesitemos reciba dicho motivo. Y del mismo modo, no
siempre nos hará falta que haga un Sol radiante, en ocasiones nos puede interesar un día
nublado, o ¡incluso con niebla!

En esta fotografía por ejemplo, se realizó por la tarde, momento en el que el Sol iluminaba el
edificio por el lado izquierdo para buscar ese contraste tan acusado entre ambas fachadas. Las
ligeras estelas de nubes tras la parte derecha ayudan a "separar" el edificio del fondo y
conseguir un mayor contraste.

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¿Qué necesitamos para realizar este tipo de fotografías?
Como os he comentado al principio, estas fotografías se caracterizan por tiempos de
exposición bastante largos, de varios minutos. Por lo tanto, es imprescindible el uso de un
trípode para este tipo de fotografías.

Por otro lado, al contrario que en la fotografía nocturna donde el tiempo de exposición nos lo
determina la luz existente (luz de la Luna, luz que añadamos nosotros con linternas o flashes,
etc…), de día tenemos que "pelearnos" con la fuente de luz más potente que existe, ¡el
Sol!.Ya os adelanto que en un día soleado, por más que cerremos el diafragma de nuestro

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objetivo o bajemos la sensibilidad ISO de nuestro sensor, apenas lograremos alargar nuestra
exposición a un mísero segundo (¡con suerte!). Por lo tanto necesitaremos a la fuerza usar
filtros de densidad neutra (ND) para poder alargar el tiempo de exposición. Y no hablamos
de un filtro ND de dos o tres pasos, necesitaremos al menos uno de diez pasos. Y aún así
podríamos quedarnos cortos… ¡De nuevo un ejemplo es la mejor explicación!

Imaginad que hemos calculado que el tiempo de exposición de la fotografía que queremos
hacer, sin ningún filtro es de 1/125 segundos. Si entonces ponemos un filtro ND de diez
pasos delante conseguimos alargar el tiempo de exposición hasta ocho segundos.

Si lo que queremos conseguir es tener unas estelas de nubes muy largas o un mar totalmente
en calma (sedado), esos ocho segundos no son suficientes. Pero si añadimos otro filtro ND de
seis pasos al de diez, tendremos un "superfiltro" ND ¡de dieciséis pasos!, lo que nos alarga
entonces el tiempo de exposición hasta los ocho minutos. Este tiempo sí es adecuado para
obtener los efectos que hemos comentado. Que no os asuste el tener que comprar filtros si no
los tenéis aún, más adelante os contaré cómo empezar a disfrutar de esta técnica gastando
¡muy poco dinero!

Ah, y por último, pero no menos importante, un programa de edición fotográfica como
Photoshop o similar que permita procesar por zonas.

En esta imagen, el cielo y el edificio se han procesado por zonas para poder conseguir ese
contraste entre la luminosidad de la fachada y la oscuridad del cielo

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Urbana

Con la aparición de cámaras fotográficas cada vez más económicas y portables, la mejora
en la calidad de las cámaras que incorporan los omnipresentes móviles y, en definitiva, la
democratización que ha experimentado en estos primeros años de siglo XXI la fotografía
(todo el mundo tiene una cámara), hay un género que, sin duda, ha vivido un crecimiento
espectacular: la fotografía urbana.

¿Cómo?, ¿que no sabes lo que es? No te preocupes. En este artículo te describimos en qué
consiste esta disciplina y te ofrecemos algunos consejos y pautas para que puedas empezar
a disfrutarla y dominarla. ¿Estás listo?

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¿Qué Es La Fotografía Urbana?

La fotografía urbana se trata de un tipo de fotografía que tiene lugar en la urbe (ciudad),
como su propio nombre indica, pero que no se centra en la ciudad, sino en los habitantes
de la ciudad y la forma en la que éstos viven, se desenvuelven, interactúan y disfrutan en la
ciudad.

Se trata de una fotografía que se desarrolla en lugares públicos, que cuenta con una
importante dosis de espontaneidad por parte de los protagonistas y de instinto por parte
del fotógrafo y que requiere de un equipo mínimo para que la fotografía resulte lo más
natural posible y el fotógrafo pueda pasar completamente desapercibido.

La única regla que ha de seguir esta fotografía es que nunca, bajo ningún concepto, el
fotógrafo puede intervenir en la escena o pedir una pose concreta, ya que se perdería la
naturalidad, libertad y frescura que tiene esta fotografía.

#1 El Equipo Apropiado: Discreción y Flexibilidad


A diferencia de otras disciplinas, en fotografía urbana, el equipo elegido no resulta decisivo.
Eso sí, deberemos procurar que nuestra elección nos permita garantizar el cumplimiento de
una de las bases de la fotografía urbana: la discreción y el poder pasar desapercibidos para
no interferir en la escena retratada.

No obstante, además de esta característica, que nos habla fundamentalmente sobre el tamaño
de nuestra cámara, también resultará interesante garantizar que nuestra cámara ofrece un

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enfoque veloz, un obturador silencioso, configuraciones manuales de apertura, tiempo de
exposición e ISO y la posibilidad de disparar en modo ráfaga (realmente útil, dado que la
fotografía urbana no está pactada).

Por tanto, según lo comentado barajaremos los siguientes grupos de cámaras: móviles,
compactas, bridges, CSC (ó EVIL) y Reflex. En mi opinión, probablemente los grupos más
apropiados serían las bridges y CSC (ó EVIL), eso sí, podrás hacer fotografía urbana con
cualquier cámara, así que si no tienes una cámara de alguno de los grupos indicados, no te
preocupes y sigue adelante. También, como se suele decir en fotografía, "la mejor cámara es
la que siempre llevas encima", lo que abre un importantísimo hueco al móvil.

Por último, en cuanto al objetivo a elegir, en el caso de aquellas cámaras que permiten
intercambiarlo (CSC ó EVIL y Reflex), funcionarán especialmente bien focales angulares
o normales (desde los 28 a los 50mm). Focales superiores (teleobjetivos) hacen que la
fotografía urbana pierda algo de su esencia al ser objetivos concebidos para disparar desde
una posición más lejana a la escena.

No pienses en más accesorios (salvo baterías y tarjetas de memoria). La fotografía urbana es


sinónimo de sencillez en términos de equipo, así que bastará con lo dicho para lograr
espectaculares fotos urbanas.

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#2 La Configuración de la Cámara: Metering y Modo de
Disparo
Estamos fotografiando en plena calle, a cualquier hora del día, con la presencia de edificios
que proyectan grandes sombras, o en parques en que no existe ningún elemento que bloquee
el potente sol. En definitiva, la ciudad es un entorno dinámico e incontrolable que origina que
no existan unos parámetros infalibles, sino que precisan por parte del fotógrafo velocidad
en la lectura de las condiciones de cada toma y en el consiguiente ajuste de parámetros.

Sin duda, uno de los ajustes al que más atención deberemos prestar será el metering de
nuestra cámara y utilizar el más apropiado en cada situación: matricial (escenas
uniformes), ponderado al centro (situaciones más contrastadas), o puntual (escenas con
contraste extremo).

En cuanto al modo de disparo, sin duda, deberemos optar por un modo semiautomático:
prioridad a la apertura (A ó Av) y prioridad al tiempo de exposición (S ó Tv). De este
modo ajustaremos el parámetro que más nos interese y dejaremos en manos de la cámara el
cálculo del complementario.

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Salvo que sea una escena que te permita mucha preparación o tengas gran pericia en su
manejo, desaconsejo optar por el modo manual (M), pues podrías perder la captura por
invertir demasiado tiempo en la configuración de los parámetros.

#3 La Configuración de la Cámara: Enfoque, Parámetros


y Modo Ráfaga
Deberás también prestar especial atención al modo de enfoque seleccionado. En este caso, a
pesar de que los mecanismos de enfoque automático son cada vez más rápidos y precisos, es
posible que no cuentes con el tiempo necesario para seleccionar el plano de enfoque y esperar
a que tu cámara lo ajuste, o que no haya suficiente iluminación, por eso debes pasarte al
modo manual.

Con nuestra cámara en modo de enfoque manual y una apertura suficientemente


reducida f/8, f/11... buscaremos ubicar el plano de enfoque en un punto que nos permita
obtener una profundidad de campo tal que podamos tener garantías de capturar de forma

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nítida a nuestro sujeto (si es posible hacer uso de la hiperfocal, resultará mucho más rápido
y eficaz). Requiere práctica, pero una vez dominado aporta una gran velocidad.

Por supuesto, para hacer posible el uso de las aperturas citadas y disponer de tiempos de
exposición siempre superiores a 1/100 seg (el mínimo recomendable), deberás, en función
de las condiciones lumínicas de la escena, elevar la sensibilidad ISO. Aunque recuerda
que esto originará la aparición de ruido, por lo que deberás conocer tú cámara y hasta qué
niveles de sensibilidad el ruido que genera es asumible.

Por último, y como comentábamos en el apartado anterior, si tu cámara dispone de la


opción de disparar en modo ráfaga, actívalo. En fotografía urbana es esencial este ajuste,
pues al no haber coordinación entre fotógrafo y sujeto, no hay garantía de cuándo será el
mejor momento para realizar la toma.

#4 Saber Leer La Luz Y Las Condiciones De Cada Escena


Creo que es la cuarta o quinta vez en lo que va de artículo que hablo de la luz, pero es que,
junto con la dificultad de predecir el comportamiento de las personas que aparecen en las
fotografías, la imposibilidad de controlar la luz y el dinamismo de ésta a lo largo de las
horas y en las distintas partes de la ciudad que puedes fotografiar son los dos elementos
más característicos y más difíciles de manejar de la fotografía urbana.

En función de la hora en la que lleves a cabo las fotografías y la ubicación dentro de la ciudad
en la que te encuentres en cada momento, deberás conocer las características de la luz y
usarlas en tu provecho. En lugar de realizar una descripción de los tipos de luces, he
considerado más oportuno recomendarte un fantástico artículo de Javier Millán en que
describe los tipos de luz a lo largo del día. Por si eres algo perezoso, aquí te dejo un
resumen:

• Horas centrales: Luz intensa, blanca y de alto contraste.


• Amanecer y atardecer: Intensidad media, cálida y de contraste moderado.
• Alba y crepúsculo: Baja intensidad, fría y de bajo contraste.
• Días nublados: Luz intensa, blanca y de bajo contraste.
• En condiciones de niebla: Intensidad media, blanca-azulada y de bajo contraste.

Además de estas condiciones también deberás contemplar la posibilidad de lluvia y nieve,


siendo fundamental estar resguardado para protegerte y también a tu equipo.

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Y, por supuesto, las tomas nocturnas, muy características de la fotografía urbana y en las
que deberás ayudarte de fuentes de iluminación artificial como farolas, semáforos, letreros
luminosos y parámetros como tiempos de exposición más prolongados y sensibilidades ISO
más elevadas para lograr una correcta exposición.

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#5 Consejos Y Elementos Para Mejorar Tu Composición
¿Luz natural, personas incontroladas y además hay que cuidar la composición? Me temo que
sí, de lo contrario no lograrás una fotografía urbana "perfecta". Como sé que es difícil tener
todo esto en la cabeza, allá van unos consejos para tratar de ayudarte a lograr una buena
composición en tus fotografías, como en la imagen siguiente.

• No olvides las reglas que siempre funcionan: la regla de los tercios, la regla de la
mirada, o la regla del movimiento.
• Procura equilibrar la fotografía a partir de los pesos de los distintos elementos que
intervienen.
• Trabaja con puntos, sobre los que atraer la atención y con líneas, que te ayudarán a
conducir la mirada (horizontales, verticales, diagonales, curvas). Ya sabes que cada
una tiene un significado concreto.
• Utiliza patrones y formas que den ritmo y contribuyan al dinamismo de tus
imágenes.
• Logra composiciones sencillas a través de un uso sencillo del color y con suficiente
contraste: blanco y negro, o bien con colores complementarios.
• Limpia el fondo de tus imágenes para evitar distraer la atención.

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No hay recetas mágicas, pero si pones en práctica alguno de los consejos comentados, te
garantizo que lograrás fantásticos resultados a nivel compositivo.

#6 Vence El Miedo Y La Vergüenza


Al margen del desconocimiento técnico o de falta de pericia en la gestión de la iluminación o
de limitaciones compositivas, la principal dificultad que entraña la fotografía urbana es
nuestro miedo, vergüenza o mala concepción, por culpa de los paparazzis, que existe sobre
la fotografía urbana.

Así que lo primero que deberás hacer es olvidarte de esto y empezar a fotografiar en lugares
públicos. Para ello es vital que salgas a la calle y comiences a utilizar tu cámara. Al principio
puedes empezar con teleobjetivos y buscando cierta discreción, para acabar por emplear
objetivos más cortos y habiendo naturalizado la realización de fotografías en la vía pública.

En función del umbral de riesgo o vergüenza que soportes puedes comenzar con una técnica
que los americanos denominan "shooting from the heap", tipo vaquero, o hacer como que
fotografías otro motivo, o bien por no tener miedo a mostrar que estas realizando una
fotografía y actuar de forma relajada y natural.

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No estás haciendo nada malo, siempre que no busques la mofa o el ridículo del sujeto
fotografiado. Y, si alguien te detecta y se molesta, basta con pedirle disculpas y ofrecerte a
borrar la imagen. Tienes que tener en cuenta que cualquier persona que aparezca en tu
fotografía está en su pleno derecho de reclamarte que la elimines.

#7 Conoce La Ley Y Tus Derechos


En España, la Ley Orgánica 1/1982, de 5 de mayo, sobre protección civil del derecho al
honor, a la intimidad personal y familiar y a la propia imagen, indica que realizar
fotografías a personas en un lugar público se considera una intromisión en su intimidad, salvo
en los siguientes casos:

• Cuando se cuenta con autorización expresa de quien aparece.


• Cuando la fotografía tiene intereses históricos, científicos o culturales.
• Cuando se trata de un personaje público.
• Cuando se fotografía un suceso o acontecimiento público y la persona aparece de
forma accesoria.

En el caso de menores, la ley es aún más proteccionista, siendo casi obligatorio, en este caso,
contar con una autorización por escrito por parte de padres o tutores.

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En los demás casos, podemos optar por evitar retratos directos, no incluir rostros de forma
que sean reconocibles, evitar mostrar caras o, en el caso de hacerlo, tener claro que
podemos acogernos a alguna de las excepciones indicadas.

No obstante, deberemos ser conscientes en todo momento de dos premisas:

1. si pretendemos comercializar las fotografías siempre deberemos contar con el


consentimiento explícito de los fotografiados (aún en el caso de que se cumplan las
excepciones mencionadas).
2. también, aunque se cumpla alguna de las excepciones, cualquier persona que
aparezca en la fotografía y solicite la eliminación de la misma, está en su pleno
derecho y deberemos borrarla.

#8 Edición: El Blanco Y Negro Es El Acabado Por


Excelencia
Poco puedo decir a este respecto. Si observas libros de fotografía o webs pronto te darás
cuenta de un denominador común en una amplia mayoría de las fotografías urbanas: han
sido procesadas en blanco y negro.

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Mi única recomendación en este sentido es que no realices una conversión a la ligera, sino
que apliques la técnica más apropiada en cada caso y que cuides otros ajustes como
exposición, balance de blancos o nivel de enfoque antes de realizar la conversión.

#9 Comienza Por Un Proyecto Urbano

No es fácil empezar en fotografía urbana. Al menos no lo es si buscas continuidad y


progresión. Es frecuente que una tarde sientas la inspiración y el deseo de realizar cientos de
fotografías, pero probablemente no vuelvas a experimentar lo mismo hasta mucho tiempo
después.

Por eso es recomendable optar por iniciar un proyecto urbano, que tendrá las siguientes
características:

• Selección de un tema concreto: mascotas, grupos de personas, escaparates, medios


de transporte, edificios, sentimientos, etc.
• Identificación de la ciudad o ciudades (puede ser tu ciudad o algunas a las que
planees ir).
• Elegir el plazo de ejecución y la periodicidad con que se acometerán las fotografías.

La identificación del proyecto no es garantía de éxito, pero al menos te ayudará a dirigir y


enfocar tus inicios en fotografía urbana y conducirte por un camino adecuado. De lo
contrario, es posible que vayas, como se suele decir, haciendo fotos como "pollo sin cabeza".
Y acabarás aburrido y considerando que esta disciplina es un sinsentido.

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#10 Busca Inspiración

Como en cualquier otra disciplina y en la fotografía en general, es necesario una fuente de


inspiración que a partir de la imitación, primero, y luego de la creación de variantes, nos
ayude a despegar en este género.

Hay múltiples referencias que pueden servirte de ayuda para iniciarte en este mundo. Te
recomiendo, por encima de otras y como forma de empezar desde cero, el libro "Fotografía
Urbana. Cómo fotografiar la vida en la ciudad", de Jesús León. Este artículo está
fuertemente inspirado en este libro, aunque, por supuesto, dejando a un lado muchos
conceptos que en él se tratan y no profundizando en otros con el detalle que lo hace el libro.
En mi opinión, su lectura es 100% recomendable.

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Macro

Si existe una rama de la fotografía especialmente valorada y practicada por miles de


aficionados alrededor del mundo, ésa es la macrofotografía en el medio natural. ¿Qué la
hace tan popular? Bajo mi punto de vista, el éxito de este ejercicio fotográfico radica en la
inmensidad de situaciones, sujetos y en definitivas posibilidades que puede otorgarnos un
simple metro cuadrado de campo, sobre todo en primavera.

Hemos hablado largo y tendido en dzoom sobre los inconvenientes más habituales, las
dificultades en cuanto a disponibilidad de luz o algunos consejos generales para adentrarte en
ella, pero, ¿qué tal si trabajamos las posibilidades compositivas que nos ofrece?

Aprendiendo a componer
Conseguir cierta soltura en cuanto al manejo de las funciones de una cámara resulta una tarea
medianamente fácil a día de hoy. Incluso, llegar a dominar la mayoría de las técnicas
fotográficas no te llevará demasiado tiempo si le pones especial empeño: internet, libros,

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ebooks o la propia posibilidad de practicar mediante ensayo/error nos brindan en la
actualidad innumerables facilidades.

La composición, un aspecto de la fotografía que nace de lo más profundo de nosotros


mismos, constituye esa parte de la fotografía que nos hará diferentes al resto de la misma
forma que cada uno de nosotros tiene una forma propia de comunicarse de forma hablada, ¡tu
personalidad fotográfica!

Ya lo he recomendado en alguna ocasión, pero me gustaría nuevamente citaros este


magnífico libro: El ojo del fotógrafo, de Michael Freeman.

Las “reglas” del juego: Tercios, horizonte.


Comencemos haciendo un breve repaso a las principales reglas del juego. Otorgan sentido,
estabilidad y coherencia en esquemas compositivos donde los puntos de especial interés
se ubican en lugares atractivos para nuestro cerebro.

La regla de los tercios, de sobra conocida por todos, es perfectamente aplicable a fotografía
macro. Dividimos hipotéticamente el espacio de nuestras imágenes en tercios verticales y
horizontales e intentaremos que nuestros protagonistas se ajusten de la mejor forma posible,
sobre todo a las intersecciones de éstas.

El horizonte, si bien será difícil encontrarlo como tal en la disciplina que nos ocupa
(recordemos que la mayoría de los fondos los encontraremos desenfocados), siempre lo

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tendremos como referencia, ya sea imaginado o porque algún elemento dentro de nuestra
imagen realice sus funciones.

Composiciones geométricas
Ayudan a potenciar la composición gracias a la simplicidad gráfica que ofrecen.
Diagonales, triángulos o círculos crean atractivos espacios y conducen la lectura de la
imagen.

Composición claramente geométrica en la que las líneas convergentes hacia los ojos de la
mosca juegan un papel crucial. Dirigir la mirada mediante el empleo de formas naturales es
un recurso corriente en el lenguaje visual.

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Quizá, una de las peculiaridades sobre las líneas que mayor juego puede darnos es la
interacción entre éstas y la capacidad de crear profundidad. No olvidemos que cuando
practicamos macrofotografía estamos empleando profundidades de campo tan reducidas que
hasta cuando no queramos tendremos atisbos de profundidad, se crean diferentes planos.

Buscando la simetría
La simetría es un recurso que puede ofrecernos mayores satisfacciones de las que
pensamos. A priori, buscar composiciones simétricas puede ir en contra de las nociones
básicas de composición que aprendemos al iniciarnos pero, ¿quién dijo que romper las reglas
no era una opción?

Una imagen simétrica es estable, poco dinámica y si no tenemos claras nuestras intenciones
puede resultar incluso aburrida. Sin embargo, sí que disponemos de cierto margen para
potenciar nuestras fotografías haciendo uso del igualmente denominado “efecto espejo”.

Tenemos la posibilidad de realizar simetrías verticales u horizontales, y es en este aspecto en


el que deberíamos centrarnos: si componemos con simetría horizontal, utilizaremos esa
asimetría vertical para lograr ubicar nuestros puntos fuertes en espacios de mayor
atracción. La doble simetría, vertical y horizontal, también es una opción que de saber
emplearla en nuestro beneficio creará composiciones con especial potencial visual.

Composición de gran impacto visual con simetría horizontal. En éste caso, como no existe
simetría vertical decidimos ubicar el punto de mayor interés, los ojos, en el tercio superior al
igual que lo haríamos con el horizonte de un paisaje.

La importancia del fondo

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En cierta manera, la macrofotografía me recuerda a la toma de imágenes en presencia de
niebla y seguro saltará una pregunta de forma inmediata, ¿qué similitudes tienen? ¿Por qué?

En primer lugar, los fondos quedan difusos, pierden peso en las imágenes, pero no por ello
dejan de jugar un papel crucial. Por otro lado, ambas disciplinas cuentan con un denominador
común: la profundidad. Mientras que una utiliza la profundidad de campo para elegir qué
grado de profundidad queremos, la otra lo hace mediante el degradado físico del paisaje
mediante un elemento como el agua en suspensión.

Claro ejemplo de la importancia del fondo: aporta ambiente y enfatiza la lectura en diagonal.

El fondo es muy importante: mediante profundidades de campo reducidas podemos


dejarlo liso, apartarlo de toda interacción en nuestras composiciones o bien hacerlo
partícipe de nuestro lenguaje visual procurando que determinados elementos dentro de él
(manchas de color, líneas o formas) interactúen con nuestro protagonista.

Personalmente soy más partidario de entrarlo en el juego compositivo, pero en ciertas


situaciones, sobre todo si queremos resaltar al motivo principal, es lógico pretender dejarlo en
segundo plano. Como podréis ver, ¡la composición es algo muy personal!

El minimalismo
Practicar el minimalismo compositivo en macrofotografía es una opción que, seguro, nos
dará muchas satisfacciones. Acabamos de hablar sobre las similitudes entre la fotografía con
niebla y macro, donde el fondo es clave, e irremediablemente se nos plantea una nueva
vertiente: si podemos controlar el fondo, ¿qué tal si practicamos el minimalismo?

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Buscaríamos suprimir todos aquellos elementos de una escena que, o bien resultan
superfluos, o bien cargan la imagen compitiendo en protagonismo con el motivo principal
que hemos elegido. Nuevamente, si podemos controlar el fondo resultaría lógico pensar que
fácilmente podremos aislar nuestros motivos ¿no?

Un fondo liso puede ayudarnos en numerosas situaciones a crear imágenes minimalistas.

Sé creativo: El ángulo
Ser peculiar, atrevido y diferente siempre llama la atención, ¡y no sólo en fotografía! En
el mundo real o, más bien, en la escala del mundo real, conseguir puntos de vista diferentes
resulta algo más complejo.

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Tenemos la posibilidad de colocarnos a ras de suelo, elevarnos, realizar picados o
contrapicados leves. Cuando tratamos con seres tan pequeños como los insectos, ¡las
posibilidades de ángulos de enfoque se multiplican! Desde planos totalmente cenitales
(desde arriba) hasta planos totalmente nadir (desde abajo) y una infinidad de términos
medios, ¡aprovéchalo!

En ésta ocasión el ángulo empleado es poco usual: podemos observar la parte inferior del
insecto cuando habitualmente es al contrario.
El lenguaje visual y, en definitiva, la forma de componer de cada uno de nosotros será lo
que marque la diferencia, será lo que cree nuestra impronta personal. Cuando llegue el
día en que la mayoría de tus seguidores sepan diferenciar una imagen tuya sin firmar,
¡encontraste tu camino!

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Retrato

A todos nos ha pasado. Una de las primeras temáticas que abordamos cuando le cogemos el
gusanillo a esto de la fotografía es el retrato. ¿Y por qué? Pues porque pocas cosas hay más
expresivas que el rostro de una persona. Como dice el famoso refrán, "la cara es el espejo
del alma", y a través de nuestros retratos podemos llegar a conmover a quien observa la
fotografía.

Esta temática, por tanto, es una de las más recurrentes, aunque no por ello deja de tener
su complejidad. Conseguir retratos sublimes es algo al alcance de muy pocos, ya que el
proceso es bastante más complicado de lo que pueda parecer en un principio. Pero no te
preocupes, porque en este artículo hemos querido recopilar todo lo que necesitas saber para
que tus retratos fotográficos sean impactantes. Esperamos que te gusten.

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Los Retratos Fotográficos

Un buen retrato es como una receta de cocina. Para conseguir que nuestro plato salga
exquisito necesitamos varios ingredientes. Hay que cuidar desde el planteamiento de la
sesión fotográfica, hasta el momento de realizar las fotos, y por supuesto, el tratamiento
posterior que le vamos a dar a esas imágenes para conseguir unos resultados más atractivos.
En esta guía de iniciación al retrato, vamos a ver punto por punto todo aquello que nos
ayudará a mejorar nuestros retratos.

¿Qué Necesitamos para la Fotografía de Retrato?


Hemos decidido hacer una sesión de fotografía de retrato. ¿Qué va a ser lo esencial que
vamos a necesitar para poder llevarla a cabo?

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• Un modelo (necesario). Esto es evidente, por supuesto. Si no tenemos a un modelo
que aparezca en nuestra fotografía, no hay retrato. Siempre puedes pedirle a un
familiar o a un amigo si quiere ser el protagonista de tus fotos. Tú tendrás tu sesión
fotográfica de retratos, y él a cambio, se llevará un buen número de fotografías en las
que será el absoluto protagonista. Si no tienes suerte en este misión, puedes probar
con los retratos robados en una sesión de fotografía callejera. Y por último, otra
opción para practicar con la temática de retratos, que te enseñará tanto lo que implica
estar delante como detrás de la cámara, es el autorretrato. ¿Quién mejor que tú mismo
va entender los que quieres expresar en tus fotografías de retrato?
• Cámara y objetivo (necesario). Ya tenemos a nuestro protagonista, y ahora
necesitamos obviamente una cámara con un objetivo para poder hacer la fotografía.
Suponiendo que tenemos una cámara de objetivos intercambiables ¿cuál es el objetivo
y distancia focal que deberíamos usar para nuestras fotos de retrato? No hay una
respuesta única, por eso tenemos varios artículos que analizan las consecuencias de
emplear unas lentes u otras.
o Elegir un Objetivo para Retratos: Elementos a Tener en Cuenta
o El Impacto de la Distancia Focal Utilizada en los Retratos
o Distancia Focal Ideal para Retratos: una Comparativa y mis Conclusiones
o 10 Razones por Las Que Necesitas un 50 mm

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• Luz (necesaria). Ya te hemos comentado mil y una veces que la fotografía es luz. Sin
ella, no tenemos foto. Pero teniendo luz, existen muchísimos modos de tratarla y
poder conseguir mensajes muy diferentes en nuestra fotografía tan solo alterando la
iluminación.

Bien, teniendo un modelo iluminado y una cámara ya podemos hacer nuestro retrato. Pero
por si eres de los que quieren avanzar un poco más, estos materiales extra pueden resultarte
muy interesantes.

• Flash externo (opcional/recomendado). Cuando empezamos con los retratos,


normalmente trabajaremos con la luz del sol, o con aquella de la que dispongamos en
un interior. Sobre todo en este segundo caso, puede que esa luz sea insuficiente, y un
flash externo es el complemento ideal para evitar que esto ocurra. Si estas buscando
uno para incorporarlo a tu equipo ésta lista puede serte de gran utilidad.
• Trípode (opcional/recomendado). No es que sea estrictamente necesario, pero sí que
le aportará un extra de nitidez a tus fotografías. Además, si lo que estás pensando es
hacer un autorretrato, en ese caso se convierte en un imprescindible. En este enlace
encontrarás algunas recomendaciones a la hora de adquirir un buen trípode.

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• Disparador remoto (opcional/recomendado). En el caso del disparador remoto la
explicación es la misma que la del trípode. Será imprescindible en el caso de los
autorretratos. Aquí tienes unos cuantos si deseas adquirir uno.
• Fondo (opcional/recomendado). Puedes hacer tus retratos en un exterior, o puedes
hacerlos en tu casa. Si optas por la segunda opción, a veces los fondos de los que
disponemos no son los mejores para lograr que el resultado final del retrato sea
atractivo, por eso puede ser interesante utilizar una tela opaca o echarle un vistazo a
fondos como este de amazon.

Empezando con la Fotografía de Retrato

Si acabas de aterrizar en el mundo de la fotografía, y te has decantado por centrarte en la


temática de retratos necesitarás unos cuantos consejos iniciales para meterte de lleno en la
materia. Tenemos la cámara lista y preparada para capturar nuestros retratos. Pero... ¿cómo la
configuramos? ¿dónde tenemos que enfocar? ¿qué parámetros son los más adecuados para
esta temática? Todas estas dudas te las resolvemos en los siguientes artículos.

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Consejos Útiles para Hacer Mejores Fotos
de Retrato

El arte del retrato es una de las disciplinas fotográficas más vistosas y conocidas. Pero,
¿Cómo sacar lo mejor de un modelo no profesional? ¿Cómo conseguir fotos naturales?

El secreto está en aprovechar las circunstancias al máximo, con estos consejos te será mucho
más fácil, empezamos:

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1. Fíjate en los detalles
El cuerpo humano es bello por naturaleza y tiene una gran cantidad de elementos que te
pueden dar mucho juego. Así que no te obsesiones con retratar caras e intenta, más bien,
captar la personalidad del modelo. Un peinado, una mano en la cadera o un simple plano
detalle del ojo pueden darte mucho juego a la hora de hacer un retrato diferente.

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2. Roba fotos
No se trata de pillar a la modelo bostezando, si no de aprovechar una mirada, un gesto o una
carcajada por un chiste que haya salido entre fotos. Cualquier cosa puede regalarte una foto
preciosa. Hay que tener cuidado con estas fotos porque el modelo puede no gustarse en ellas.
¡Pero por lo general acostumbran a ser imágenes muy naturales así que anímate a improvisar
un poco!

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3. Aprovecha el entorno
Tu mejor aliado para esto será la profundidad de campo. Un diafragma abierto te ayudará a
incluir algún elemento del entorno en la composición sin que le robe protagonismo al
modelo. Esto conseguirá unas fotos más naturales, pues el modelo no se verá superpuesto en
el entorno, si no que estará rodeado de él. Aprovecha ramas, mobiliario, marcos naturales,
cualquier cosa es buena!

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4. Haz que el modelo interactúe con algo
Si le das al modelo una objeto con el interactuar, se olvidará de la cámara, se relajará y, como
consecuencia, las fotos saldrán más naturales. Si el modelo tiene un hobby, tocar la guitarra,
por ejemplo, pídele que te toque alguna canción. Además de conseguir que se relaje, podrás
"robarle" alguna que otra foto.

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5. Enseña las fotos
Ésta es otra manera de conseguir que el modelo se relaje. Intenta crear un ambiente relajado y
de confianza y ayudarás a que el modelo se suelte un poco en caso de estar tenso o nervioso.
El hecho de enseñar las fotos, además, puede ayudar al modelo a mejorar alguna pose e,
incluso, puede servirte para tener nuevas ideas.

6. Busca el movimiento
A todo el mundo le llaman más la atención las imágenes en movimiento que las estáticas.
Puedes pedirle a la modelo que camine, que se toque el pelo, que se ponga la chaqueta. Tu
misión será cazar el movimiento para que éste aporte dinamismo a las fotografías.

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7. Mira las cosas desde otro ángulo
Este consejo es adaptable a todos los tipos de fotografía, no sólo a los retratos. Se trata de
aportar un plus de creatividad a tus fotografías. Intenta aprovechar las circunstancias para
crear perspectivas interesantes.

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8. Y desde otra altura
Ya hemos visto en dzoom cómo, para fotografiar niños, es muy recomendable sacar las fotos
desde una altura diferente, la suya. ¡Para fotografiar adultos también tiene resultados muy
vistosos, atrévete a tumbarte al suelo o a subirte a una silla, los resultados valen la pena!

9. Sigue la mirada
Los ojos son el reflejo del alma y, salvo algunas excepciones, se tiene que intentar que la
mirada del modelo sea el punto fuerte de la composición. Por eso, si la mirada del modelo
tiene una dirección determinada es muy importante que la respetes e intentes integrarla en la
composición. Esto dirigirá, también, la mirada del espectador de la fotografía.

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10. La sonrisa es poderosa
Otro punto fuerte de la cara es la sonrisa. Aunque es cierto que la fotografía de retrato
profesional acostumbra a evitar la sonrisa para conseguir imágenes más serias, una sonrisa
siempre es contagiosa. Si consigues que la modelo sonría, aunque para ello le tengas que
"robar la foto", eso le dará mucha fuerza a la fotografía.

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Controlando la Iluminación en Nuestros Retratos

Si hay algo que resulta vital para conseguir buenos retratos es, como te decíamos, controlar la
luz de nuestras tomas. Tan solo alterando la iluminación podremos conseguir transmitir un
mensaje muy diferente, así como también conseguir que nuestra imagen sea más o menos
expresiva. Puedes trabajar con luz natural o con luz artificial en tus retratos. Lo importante es
que conozcas lo máximo posible las implicaciones de cada una de ellas, y así las utilices a tu
favor.

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Consejos de Composición en Fotografía de Retrato

La composición va un poco más allá de los parámetros que vayamos a indicarle a nuestra
cámara a la hora de hacer la toma. Es más, cuidando la composición podremos lograr un buen
retrato incluso con la cámara de nuestro móvil. Analizar los elementos de los que disponemos
en la escena y distribuirlos de la mejor forma para tratar de destacar a nuestro retratado va a
ser esencial para conseguir una fotografía impactante. A continuación te dejamos los mejores
trucos compositivos para sacarle provecho a tus fotografías de retrato.

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#1. Rellena El Encuadre
Lo sé, no es una regla compositiva exclusiva del retrato. En realidad, se trata de una de las
reglas básicas de cualquier fotografía. El archiconocido "fill the frame" es una de las
piedras filosofales de la composición fotográfica. Y, por supuesto, tampoco podía ser de
otro modo en fotografía de retrato.

¿Por qué también en retrato es una regla muy importante? Pues porque evitarás
distracciones y conseguirás que el protagonista de tu imagen, tu modelo, destaque y no vea
reducida su importancia en la fotografía por ningún otro elemento que pueda aparecer en ella.

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#2. Enmarca Tu Retrato
A veces puede interesarnos, en lugar de rellenar el encuadre sólo con el sujeto retratado, que
la escena nos proporcione un "marco" que también ayude a centrar la atención en el
sujeto.

Es posible que haya una puerta, unas ramas, una ventana, o cualquier otro elemento que
actúen como marco para nuestro sujeto. Con estos elementos presentes en la escena, si
abrimos un poco más el encuadre, estaremos incluyendo una mayor cantidad de
información del enclave en que se realiza la fotografía, pero sin restar importancia al
verdadero protagonista de la imagen.

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#3. Sitúa Los Ojos En El Tercio Superior
Los ojos son esenciales en los retratos y por eso es importante darles una consideración
especial. De ahí que, además de tender siempre a situar en ellos el plano de enfoque, es
esencial darles una relevancia mayor que a cualquier otra parte del cuerpo a nivel
compositivo.

Para ello, suele funcionar muy bien el que aparezcan siempre dentro del tercio superior de
nuestras fotografías. Si podemos situarlos además en uno de los puntos fuertes de este
tercio superior, aún será mayor la importancia que les confiramos.

En la imagen de arriba se encuentran en el tercio superior, aunque, lamentablemente, no en


uno de los puntos fuertes de este tercio :(

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#4. Separa A Tu Sujeto Del Fondo
Es muy importante que tu sujeto destaque de forma clara del resto de la fotografía (fondo).
Para ello, existen muchas técnicas, pero quizás las más conocidas pasan por reducir la
profundidad de campo (incrementando la apertura), incrementar la separación entre sujeto
y fondo (para llevarnos el fondo fuera de la zona nítida), o incrementar la diferencia de
iluminación entre primer plano y fondo.

A través de todas estas opciones, lo que se pretende es hacer que resalte nuestro sujeto y
conseguir que los ojos de quien observa la imagen, que prefieren lo nítido y bien
iluminado, se centren en el sujeto y prescindan del contenido del resto de la fotografía.

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#5. Guía La Atención: Las Líneas
Para que el sujeto sea el verdadero protagonista de la imagen puede venir bien que nuestro
fondo nos ayude a remarcar este protagonismo y dirija la atención hacia nuestro modelo.

Una forma de lograr esto último es a través de la presencia de líneas en nuestro fondo.
¿Has visto esas imágenes con fondos de ladrillos cuyas líneas, aunque desenfocadas, guían tu
mirada hacia el sujeto? Pues a esto me refiero cuando hablo de dirigir la atención.

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#6. Cambia el Ángulo y La Posición Cámara-Sujeto
Hay ocasiones en que el fondo que hay tras tu sujeto no resulta tan atractivo, o no
complementa de forma adecuada a tu sujeto. Hay un truco muy sencillo para cambiarlo:
desplazarte alrededor del sujeto, o variar el ángulo hacia arriba, o hacia abajo.

Si haces esto, tendrás 360º de fondo sobre el que poder elegir. Así no podrás quejarte de
que no logras el fondo adecuado.

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#7. Observa Retratos De Otros Fotógrafos Para Coger
Ideas
El último consejo que te traigo también es un clásico: invierte tiempo viendo retratos de
otros fotógrafos, profesionales o aficionados, no importa. De lo que se trata es de coger
ideas que luego poder aplicar a tus retratos.

Ver las creaciones de otros siempre ayuda para imitar o evolucionar algunas de las propuestas
que hayas visto que a otros les funcionan.

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Consejos para Dirigir a Tu Modelo

Otro punto importante a la hora de lograr un buen retrato es la actitud y la pose con la que
aparezca nuestro modelo. Y no nos equivoquemos, no solo depende de él. Sobre todo en los
casos en los que nuestro modelo no es profesional, que será en la mayoría de situaciones, es
muy importante aconsejar y guiar a nuestro modelo para que se sienta cómodo y relajado, y
así conseguir mejores fotografías.

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Tipos de Pose en el Retrato

El retrato es, probablemente, una de las variedades fotográficas preferidas o, al menos,


una de las más practicadas por todos los integrantes de la comunidad fotográfica.

En dZoom le hemos dedicado ya un amplio número de artículos, pero aún quedan cosas por
decir al respecto. Sin duda, algo sobre lo que aún no hemos hablado es sobre los tipos de
poses que puede adoptar el sujeto retratado.

Puede hablarse de 5 tipos de poses, ¿quieres conocerlas y saber cuándo recomendar a quien
fotografías que pose de una determinada manera? Entonces, presta atención a este artículo.

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Puntos a Considerar En Un Retrato
Antes de centrarme en las distintas poses, me gustaría hacer hincapié en otros puntos que
deberás valorar a la hora de realizar un retrato. Éstos son:

• La correcta iluminación de la sala y, sobre todo, del sujeto retratado.


• El encuadre y la composición. ¡Ah!, y no olvides cuidar el fondo.
• La perspectiva y el ángulo de la toma.
• El objetivo a emplear, en función del resultado que esperas obtener.
• El tipo de plano, para transmitir distintos mensajes con tus retratos.

No es poco, ¿verdad? Bueno, pues a esas consideraciones, deberás añadir, a partir de ahora,
la elección de una determinada pose por parte de quien decidas retratar.

Aconsejar Una Determinada Pose También Es Cosa del


Fotógrafo
No, no pienses que, por el hecho de llevar la cámara, ya debes despreocuparte de preparar al
sujeto de la mejor manera posible y que los buenos resultados obedecen al azar.

De hecho, es una parte inherente de esta suerte fotográfica: el recomendar o alentar a la


persona que fotografías para que sea natural, para que se ponga de una determinada forma, de
otra, para que ponga un gesto u otro, etc.

Por eso, como es labor tuya, voy a presentarte las variantes de pose que podrás solicitar a tu
modelo con el objeto de lograr distintos resultados en tus fotografías. ¡Allá vamos!

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1. Perfil Delantero

En este tipo de pose el sujeto ha de situarse enfrente del fotógrafo y con los hombros
alineados perpendicularmente a la línea que le une con éste.

Y, a continuación, girar la cabeza de modo que muestre uno de los perfiles de su rostro.

Estas tomas darán una sensación de evasión, de tranquilidad y de paz en el modelo.


Aunque habrá que procurar que el sujeto relaje su rostro y mire hacia un punto en el infinito
para conseguir el mejor resultado.

Un gesto forzado y antinatural o una posición incómoda en su cuello evitarán lograr el


resultado buscado. Por lo que se deberá aconsejar al sujeto retratado que se relaje y pose
naturalmente. Como en cualquier tipo de retrato, por otra parte.

En función de si su perfil es más o menos bonito (hay narices que pueden querer
disimularse), se le pedirá que gire más o menos la cabeza. Pero siempre buscando la
naturalidad en la pose.

En cualquier caso, la mirada no deberá ir dirigida al fotógrafo, sino hacia uno de los lados.
Ya que, de lo contrario, estaríamos hablando más de una pose tipo tres cuartos.

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2. Tres Cuartos Delantero

Esta pose es una variante de la anterior en la que, como puedes ver en la imagen de la
derecha, se aprecian algunas variantes:

• Los hombros ya no están alineados, sino que uno de los hombros se adelanta en
dirección al fotógrafo.
• La cabeza se encuentra ligeramente girada, pero no tanto como en el perfil
delantero.
• La mirada no se pierde en un lateral, sino que se dirige hacia el fotógrafo. Como
"comprometiéndolo".

De nuevo debe buscarse naturalidad en la toma y gestos suaves. Haz que tu modelo se sienta
cómodo en todo momento para que adopte poses que no sean forzadas, tensas o antinaturales.

En este tipo de poses suele jugar un papel importante el pelo, el uso de un sombrero, etc. Pues
se suele buscar que únicamente se vea un ojo y este vaya dirigido directamente al fotógrafo.

Es una variante más "agresiva", directa, sensual, pícara. Aunque, por supuesto, estos
adjetivos también dependerán de la expresión que ponga el sujeto retratado.

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3. Frontal

No hay mucho que decir sobre esta pose. Si revisas tu archivo fotográfico, seguro que es el
tipo de toma que más se repite en tus retratos.

Se trata de tomas en las que el sujeto se coloca de frente a la cámara, con los hombros
alineados y la cabeza también de frente a la cámara. Nada de especial.

Es una variante que siempre funciona, pero a la que si no se añaden elementos singulares o
algo diferente, no aportará nada nuevo al que ve la foto.

En la fotografía de ejemplo, es indiscutible que la modelo es muy guapa, pero lo peculiar es


la posición de sus brazos y también su expresión de seguridad.

Si te decantas por estas tomas, deberás tratar de incluir algo distinto, algo que llame la
atención o cautive, pues, de lo contrario, obtendrás un retrato, posiblemente correcto e
incluso bien ejecutado, pero sin ningún atractivo.

Así que, si te decantas por esta variante, prepárate para exprimir a tu modelo y exigir el
máximo de su lenguaje facial y corporal.

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4. Tres Cuartos Trasero

Esta pose es la "opuesta" al tres cuartos delantero. No hay que ser muy listo para
imaginárselo, ¿no crees?

En este caso, el punto de partida del sujeto es situarse de espaldas a la cámara, desplazar
uno de sus hombros hacia ésta y girar su cabeza mirando al fotógrafo.

Es una pose muy sugerente y en la que suele querer transmitirse algo diferente, al tratarse de
una posición nada común.

Este tipo de tomas suelen buscarse para modelos con bonitas espaldas, cuando llevan
vestidos que dejan al descubierto esa parte de su cuerpo.

De nuevo hay que buscar la naturalidad, ya que se trata de una postura bastante artificial.

Piénsalo, salvo alguien que esté posando, uno no va por la calle y se encuentras a gente así
colocada, ¿no? Por lo que, si optas por esta variante, deberás lograr que la modelo se sienta
cómoda y se coloque de forma natural.

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5. Perfil Trasero

El último tipo de pose del que quiero hablarte es el perfil trasero. De nuevo puedes imaginar
fácilmente cómo se ejecuta este tipo de toma y cuál es la pose opuesta.

Como ves en la fotografía de la derecha, el sujeto se sitúa de espaldas a la cámara, con los
hombros alineados en la perpendicular a la línea que le une con la cámara.

Sitúa su cabeza de perfil y mira hacia el infinito. En función de lo que quiera transmitir
podrá alzar más o menos la mirada.

Si la línea de la mirada se dirige al cielo o al suelo, la modelo transmitirá una cosa u otra:
pesimismo, optimismo, introversión... ¿te lo imaginas?

Resaltar, de nuevo, que se trata de una pose "arriesgada", poco común. Que se buscará para
dirigir la atención del que observa la fotografía en la espalda del modelo y que, al situar
la cabeza de perfil, buscará separar al sujeto de la fotografía, no comprometerle haciéndole
que mire a la cámara y apreciando con cierta distancia su expresión.

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Tipos de Retrato según el Protagonista

Cuando hablamos de retrato ésta es una palabra muy amplia, por lo que siempre habrá
pequeños matices dependiendo del sujeto a quien vayamos a hacerle la foto. No es lo mismo
fotografiar a un bebé que hacernos nosotros mismos un autorretrato. Necesitarás consejos
propios en función de quién sea tu protagonista, y en esta lista de artículos te los damos.

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Déjate Inspirar con los Retratos Creativos

¿Existe el retrato creativo? ¿Qué es? Pues no podemos darte una definición exacta a esta
pregunta, ni ejemplos de retratos creativos únicos porque hay muchas alternativas, así que
aquí van unos cuantos artículos para que te dejes inspirar.

En general, cuando hablamos de realizar retratos, el imaginario popular piensa en las típicas
sesiones de fotos en las que el/la modelo posa para la cámara, con más o menos naturalidad, y
el fotógrafo hace una serie de fotos pensando en un posible book o reportaje. Pero un retrato
puede ir mucho más allá de este concepto porque un retrato bien hecho puede llegar a ofrecer
una infinidad de posibilidades artísticas.

En este artículo vamos a hablar de las posibles opciones creativas que podemos tener a la
hora de hacer un retrato para, así, llegar a explotar al máximo esta disciplina fotográfica.

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¿Qué entendemos por retrato? ¿Y por "sesión de fotos"?
Como decía en la introducción, cuando alguien habla de retrato, la gran mayoría de gente
piensa, automáticamente, en una sesión de fotos. Sobre todo aquellas personas que no tienen
relación con la fotografía. Pero también los aficionados a este arte que no se han planteado
nunca el retrato como algo más grande que una simple sesión de fotos.

Cuando hablo de una sesión de fotos, me refiero a las típicas sesiones fotográficas en la que
un/a modelo posa para la cámara, sin más pretensiones que lucir la ropa que lleva puesta o,
simplemente, inmortalizar gráficamente el aspecto físico de aquella persona. Me acabo de
inventar esta definición y no pretende ser, en absoluto, ofensiva ni despectiva para este tipo
de fotos, ¡que quede claro! Pero si aceptamos que hacer un retrato es mucho más que hacer
click delante de una persona, estaremos de acuerdo en que existe una infinidad de
posibilidades para sacarle el máximo de partido al hecho de retrata.

r.

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Las opciones creativas del retrato
Existen distintas maneras de realizar un retrato. Todas ellas tienen en común la figura
humana, pero la observan de una manera distinta con el fin de conseguir distintos resultados.
Allá van algunos ejemplos:

• La abstractualización. Consiste en aprender a mirar el cuerpo de manera abstracta y


conseguir verlo, sólo, como figuras, líneas o sombras que retratar. El resultado suele
ser bastante llamativo porque si el cuerpo está bien abstractualizado, a primera vista,
el ojo no reconocerá que aquello que está viendo es una figura humana. Pero con algo
más de observación, la figura se descubrirá y, entonces, no podremos dejar de verlo
como lo que es: el cuerpo visto de una manera original. ¿Algunos consejos para
conseguir abstractualizar la figura humana? Verlo de cerca, jugar con la luz para
esconder unos detalles y potenciar otros y, sobretodo, entrenar el ojo para verlo de
una forma distinta. Estos consejos, por supuesto, nos pueden servir para cualquier tipo
de foto asbtracta, aunque no se incluyan retratos en ella.

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• El personaje. Aquí la figura humana lo es todo. Se trata de crear una historia y que
nuestro/a modelo la represente. El retrato que debemos buscar si queremos conseguir
este tipo de fotografía tiene que ser planificado, esclavo de la historia y centrado en
explicar algo. Así que para este tipo de fotografías la planificación fotográfica es muy
importante, igual que la elección del/la modelo. Quizás la manera mas fácil de
conseguir un modelo humano es recorriendo a amigos y familiares pero puede ser que
esto no sea suficiente para este tipo de fotografías, pues la persona que aparezca en
ellas tiene que tener la fuerza suficiente como para transmitir aquello que buscamos
explicar. Si quieres experimentar con este tipo de retratos, tómate tu tiempo en buscar
la persona adecuada para encarnar tus personajes. ¡El resultado final te lo agradecerá!

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• "Una figura más". Hasta ahora siempre hemos hablado del cuerpo humano como el
elemento principal de la fotografía pero también podemos usarlo como un elemento
más de la composición, que no tenga especial importancia dentro de la imagen. De la
misma manera que en la imagen pueda haber una mesa o una ventana, incorporamos,
también, una figura humana. Será complicado conseguir que nuestro modelo no añada
ningún tipo de significado más allá del que puedan añadir los otros elementos de la
composición porque, como ya hemos dicho en alguna ocasión, al factor humano
siempre añade atractivo y "enganche visual" a una fotografía. Así que es trabajo
nuestro aprender a utilizarlo como queramos. Este es, tan solo, un ejercicio
fotográfico más que podemos intentar desarrollar.

• La referencia humana. Otro tipo de retrato en el que la figura humana no es lo más


importante de la composición. O quizás sí, porque aún sin ser el motivo principal de
la fotografía, nos ayudará a darle otro significado a la imagen. Con buscar la
referencia humana me refiero a hacer una fotografía en la que no haya referencias del
tamaño real de las cosas. Y colocar en ella una figura humana que haga la función
referencial. Esto puede servir para enseñar la majestuosidad de paisajes, para delatar
macros falseados... En estos casos, además, podemos conseguir que la figura tenga
una doble función: por un lado, como ya hemos visto, darnos las referencias
espaciales de nuestra fotografía y, por el otro, regalarnos ese factor humano que tanto
llena de significado algunas imágenes.

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El autorretrato también es una opción
Hemos hablado ya bastantes veces del autorretrato y de aprender a mirarlo con otros ojos. El
caso es que para todas las funciones del retrato que acabamos de ver, puede funcionar igual
un retrato "ajeno" que un autorretrato. Así que no te cierres puertas, si quieres hacer un
retrato y no tienes ningún modelo disponible, plantéate ser tu propio modelo.

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www.dzoom.org.es

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