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Fundamentos del arte

opción B
 Parte teórica
1. Art Decó.
El Art Decó (también art déco o incluso art deco) fue un movimiento de diseño popular
desarrollado desde 1920 a 1939, influyendo en todas las artes decorativas como arquitectura,
escultura, pintura, diseño interior, artes visuales… En 1925 se organizó la “Exposición
Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas” en París dando nombre al movimiento.
El Art Decó alcanzó su apogeo en la década de los años 20, siendo casi puramente decorativo, por
lo que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y
estilísticas, posee una clara identidad propia, basándose en la Revolución Industrial y generando
un nuevo repertorio de formas. Entre sus características destacan la influencia de los
descubrimientos arqueológicos del Antiguo Egipto, la utilización de líneas aerodinámicas, la
geometrización de las formas y, por último, la utilización de materiales como el aluminio o el acero
inoxidable. Tuvo aplicaciones en el diseño de zapatos para señoras, diseño de interiores de teatros
y de rascacielos o los transatlánticos SS Normandie o Queen Mary.
El Art Decó destaca por importantes rascacielos como el “Edificio Chrysler” de Nueva York, obra
de William Van Allen. Igualmente destacable es el “Empire State Building” de Nueva York,
edificado por el Estudio de Arquitectura Shreve, Lamb and Harmon.

2. Coco Chanel.
Nacida a finales del siglo XIX en una familia humilde, Gabrielle Chanel se cría en un orfanato,
aprendiendo a coser con las monjas y son ellas las que le consiguen su primer trabajo como
costurera. Posteriormente, se dedica al mundo del cabaret, adoptando en ese momento el
seudónimo de Coco. Será uno de sus amantes el que financie su primera tienda, una tienda de
sombreros que abre en París, rápidamente extendida a otras ciudades costeras francesas.
Abre también su casa de modas. Comienzan sus grandes éxitos: crea el perfume Nº 5 y su
famoso vestido negro. Una de las tradiciones más antiguas en relación a la vestimenta es la de
asociar el color negro al luto, siendo una de las mayores revoluciones de Chanel introducir ese
color en la vida de la mujer como símbolo de elegancia. Otras de sus novedades serán el Petite
Robe Noir, el Little Black Dress o el vestido negro que revolucionó la moda y que fue calificado
como el uniforme de la mujer moderna tras ser publicado en la revista “Vogue”.
La Segunda Guerra Mundial la obliga a cerrar sus tiendas y las acusaciones de haber sido una
espía nazi la obligan a exiliarse a Suiza. A mediados de la década de los años 50, regresa a París
y reabre su negocio. En Francia no es muy bien recibido su regreso, pero triunfa en Estados
Unidos con el traje de tweed.
En la actualidad, las creaciones de Coco Chanel son fuente continua de inspiración en la moda
actual. Muchos de los gustos estéticos preferidos de Chanel siguen siendo hoy tendencias
dominantes en la moda: mujeres altas y delgadas, de piel morena, el uso de prendas sport y de
influencia masculina, la influencia marinera, los trajes como prendas elegantes o la bisutería como
sustituto perfectamente aceptable de las joyas.

3. Hergé.
Georges Prosper Remi es conocido por el seudónimo artístico de Hergé. Nace en Bélgica a
principios del siglo XX en una familia de clase media, cursando sus estudios secundarios en un
colegio religioso, lo que tendrá una influencia decisiva en su posicionamiento ideológico. Se afilió a
los Boy Scouts, estando en sus historietas presente la ética scout. En estos años es cuando crea
su primera serie oficial “Totor”.
Finalizados los estudios secundarios, Hergé ingresa en la redacción de un periódico
ultraconservador de orientación clerical y nacionalista, dirigido por el sacerdote Norbert Wallez.

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Wallez idea un suplemento para jóvenes bajo la dirección de Hergé. Retomó a Totor, cambiándole
algunas letras a su nombre y le añadió la compañía de un fox terrier llamado Milú. Su primera
aparición se remonta a 1929 con el nombre de “Las aventuras de Tintín y Milú”.
Hergé concibió a Tintín como un eterno adolescente periodista y viajero, que recorre el mundo en
compañía de un plantel de secundarios que complementan las habilidades del protagonista: Milú,
el gruñón capitán Haddock, el despistado Profesor Tornasol, los policías secretos Hernández y
Fernández, su enemigo Rastapopoulos… Podemos destacar que los personajes femeninos son
escasos en sus aventuras, apareciendo la cantante de ópera Castafiore.
Hergé creó otras series con diferentes personajes, entre las que destacan “Quique y Flupi” y “Las
aventuras de Jo, Zette y Jocko”.
Hergé está considerado el padre del cómic europeo, con un estilo de dibujo inspirado en el
estadounidense McManus. Marcaría a varias generaciones de dibujantes con la corriente conocida
como la línea clara, basada en la claridad del contorno de las figuras, la depuración de cualquier
elemento accesorio y la inclusión de personajes caricaturescos en entornos realistas.

4. Alfred Hitchcock.
Alfred Hitchcock, nacido a finales del siglo XIX en Londres, fue director y productor de cine. Fue
precursor en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del
suspense y el thriller psicológico, por lo que es considerado uno de los directores más influyentes
de la historia del cine.
Estudió ingeniería y se convirtió en dibujante industrial. Obtiene su primer trabajo en el mundo del
cine como diseñador e ilustrador de los paneles donde aparecían los títulos y los créditos de las
películas, así como de los escenarios. Un director cayó inesperadamente enfermo, siendo
sustituido por Hitchcock, iniciándose a partir de ese momento su carrera como realizador.
Su producción cinematográfica se podría dividir en distintas etapas. En primer lugar hay que
destacar la denominada Etapa inglesa, con películas como “El hombre que sabía demasiado” y
“Los 39 escalones”. Posteriormente, David O. Selznick, productor estadounidense, lo contrataría
para trabajar en Hollywood iniciándose así su Etapa estadounidense en la que sobresalen títulos
como “La sombra de una duda”, “Psicosis”, “Los pájaros”, “Rebeca”, “Encadenados”, “La ventana
indiscreta”, “Con la muerte en los talones”…
Entre las características principales del cine de Hitchcock se podría destacar la importancia de la
forma antes que el fondo de sus películas; la perfección técnica, lo que supone un ahorro de
costes de las películas debido también a sus “story-boards”; la aparición de un falso culpable,
convertido en un inocente contra el mundo y que debe realizar una transferencia al verdadero
culpable; el Macguffin, claramente visible en “Psicosis”, en el que engaña al espectador en la trama
de la película; su preferencia por las actrices rubias, como Tippi Hedren y, por último, sus cameos,
participando Hitchcock en muchas de sus películas.

5. Bauhaus.
Bauhaus (“casa de la construcción”) es el nombre de una escuela de artes y diseño fundada en el
primer tercio del siglo XX por el arquitecto Walter Gropius en la ciudad alemana de Weimar. Esta
escuela propuso un sistema de aprendizaje innovador en el que el arte, la artesanía y la
tecnología se articulan e integran en el entorno de la arquitectura. Las clases se organizaban en
talleres creativos donde se trabaja de forma colectiva bajo la supervisión de un artista.
En sus realizaciones la forma de cada objeto viene determinada por su función, por lo que se
pronuncian a favor de una austera racionalidad, compatible con la producción industrial en serie y
su comercialización. Nace así el concepto de diseño contemporáneo, caracterizado por la
simplicidad de líneas, con formas geométricas y abstractas influenciadas por el Cubismo.
En la evolución de la escuela se distinguen tres fases: se trasladará primero desde Weimar a
Dessau, y después a Berlín, donde fue clausurada por Hitler en 1933 cuando la dirigía el arquitecto
Ludwig Mies Van der Rohe.
Entre los artistas más significativos que trabajaron en la Bauhaus se encuentran Paul Klee,

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desarrollador de un lenguaje geométrico; Vassily Kandinsky, importante al establecer las
conexiones entre forma y color; y Oskar Schlemmer, creador de escenografías teatrales,
coreografías y figurines, como en su Ballet Triádico, donde pone de manifiesto su concepto de
movimiento y de abstracción.

6. Cristóbal Balenciaga.
Cristóbal Balenciaga Eizaguirre, más conocido por Balenciaga, fue un destacado diseñador de
moda español nacido a finales del siglo XIX en Guetaria, Guipúzcoa. Considerado uno de los
creadores más importantes de la alta costura, desempeñó su trabajo en París, siendo
contemporáneo de Coco Chanel y Christian Dior.
Tuvo un pleno dominio de la costura y del manejo de los tejidos gracias a su madre, costurera de
profesión. Sus señas de identidad son los tejidos con peso, enriquecidos con bordados a mano,
lentejuelas o pedrería. Destaca también por el tacón bajo, la falda por debajo de las rodillas, la
manga a tres cuartos y la manga murciélago. Se muestra partidario de los vestidos de color negro,
los abrigos cuadrados sin cuello ni botones, el vestido túnica y los impermeables trasparentes.
Impuso un estilo innovador presentando una línea de hombros caídos, cintura pinzada y caderas
redondas.
Considerado el padre de la alta costura, nunca trabajó el Prêt-à-porter, excepto en los trajes de
azafatas de Air France. Su clientela era la alta sociedad, la realeza o las grandes actrices, como
Fabiola de Bélgica, Grace Kelly, Greta Garbo, Marlene Dietrich…
En el taller de Cristóbal Balenciaga se formaron modistos como Paco Rabanne, Óscar de la Renta
y Hubert de Givenchy. La marca Balenciaga sigue presente actualmente en bolsos, zapatos,
complementos, playeras…
En su ciudad natal se localiza el Museo Balenciaga.

7. Jackson Pollock.
Jackson Pollock fue un pintor estadounidense nacido a principios del siglo XX. Es la figura más
importante del Expresionismo Abstracto, movimiento desarrollado durante el segundo tercio del
siglo XX. Está influenciado por el psicoanálisis de Jung, la obra de Picasso y la pintura del arte
aborigen americano, en especial la pintura de arena practicada por los indios americanos.
Pollock practicaba el “estilo all over”, denominado así porque llena toda la superficie del soporte y
evita la existencia de un único centro de atención y de una jerarquía de las formas; la pintura es
como un continuo que podría expandirse más allá de los límites del lienzo.
Fue el representante más significativo de la denominada “Action Painting” (pintura de acción o
gestual), según la cual hay que realizar la pintura en un mínimo de tiempo, gracias al desarrollo de
una acción gestual rápida sobre el lienzo. Conseguía este resultado con la técnica del “dripping”
(goteo), que consistía en hacer gotear o salpicar la pintura sobre la tela sin tensar, colocada en el
suelo. Y en lugar de pinceles utilizaba palos, cucharas, botes agujereados y como material una
pasta espesa mezclada con arena y vidrio molido.
Pollock alternaba el trabajo propiamente pictórico, dominado por el automatismo psíquico, con
días y semanas de reflexión ante la obra emergente. En el momento de pintar, ejecutaba una
especie de ballet onírico y salvaje en torno a la tela mientras escuchaba música a todo volumen.
Titulaba sus cuadros al final del proceso creativo, pues argumentaba que no podía predecir su
aspecto definitivo. A pesar de todo, para no influir en el espectador prefería darles un número,
llamarlos “sin título” o referirse a ellos por la fecha de creación.

8. The Beatles.
The Beatles fue una banda de pop/rock inglesa activa durante la década de los años 60, siendo
reconocida como la que tuvo más éxitos comerciales en la historia de la música popular. Formada
en Liverpool, estuvo constituida por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney
(bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista).
Enraizada en el skiffle y en el rock and roll de los años cincuenta, la banda trabajó con distintos
géneros musicales, que iban desde las baladas pop hasta el rock psicodélico, incorporando

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 elementos clásicos en sus creaciones.
Tuvo una enorme popularidad, apareciendo la moda de la “Beatlemanía”, convirtiéndose en
modelos que eran imitados por una juventud que se vistió y peinó como ellos. Llegaron a ser
percibidos como la encarnación de todos los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las
revoluciones sociales y culturales de la década de los años 60.
Su álbum “Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club” es considerado su obra maestra. Entre las
principales canciones del grupo podríamos destacar: “Love Me Do”, “She Loves You”, “Can´t Buy
Me Love”, “Yesterday”, “Help”, “Strawberry Fields Forever”, “Here Comes Sun”, “Hey Jude”…
The Beatles aportaron innovaciones importantes a la historia de la música, siendo el grupo que
inició las giras multitudinarias y los conciertos en los grandes estadios. Fueron también los
primeros en lanzar los álbumes musicales con las letras impresas, iniciando igualmente las
retransmisiones televisivas y los vídeos musicales.

9. Botero versus Giacometti.

Se trata de dos autores, con obras totalmente diferentes, aunque ambos tenían en común que eran
al mismo tiempo pintores y escultores. Cronológicamente se sitúan también en épocas también
diferentes puesto que Giacometti pertenece a la primera mitad del siglo XX mientras que Botero
continúa trabajando en este siglo XXI.
Las esculturas y pinturas de Botero tienen mucho volumen (no se trata de obesidad, el artista lo
que pretendía era que hubiera rotundidad, una presencia muy fuerte que impactara al espectador).
En su obra podemos ver (casi siempre) la alegría de la vida, el baile, la unidad de la familia.
Además, la obra de Botero nos lleva a ver referencias de artistas como Rubens cuyas mujeres
representaban la belleza de la época o si vamos mucho más lejos a la famosa Venus de Willendorf
.Esta influencia la podemos ver en su obra “Maternidad” (1989) ; mientras que las pinturas y
esculturas de Giacometti son frágiles, casi fantasmagóricas, representa a seres angustiados,
silenciosos que parecen a punto de resquebrajarse, como podemos ver en su obra “El hombre que
camina” (1961) o “El perro” (1954), en las que apreciamos el aislamiento del hombre del siglo XX.
Evidentemente son dos cánones de belleza contrarios que podríamos representar como líneas: la
vertical de Giacometti versus la horizontalidad de Botero.

10. Zaha Hadid.

Zaha Hadid fue una arquitecta anglo-iraquí nacida en Bagdad a mediados del siglo XX y fallecida
en Miami en 2016. Estudió Arquitectura en Londres, siendo considerada la primera mujer
arquitecta superestrella. Fue premiada con numerosos galardones como el Premio Mies Van der
Rohe y el Premio Pritzker.
Zaha Hadid es una de las representantes de la corriente arquitectónica denominada
“Deconstrucción” o “Deconstructivismo”, originada en la exposición organizada en 1988 por el
Museo de Arte Moderno de Nueva York. Se desarrolla en los años 80 y 90 del siglo XX, estando
definida por sus formas irregulares y aparentemente inestables, en combinaciones carentes de
armonía y proporción. El resultado es un edificio que parece desafiar las leyes de la gravedad,
siendo la forma el resultado de la fantasía.
Zaha Hadid destaca por su fusión con el paisaje y el espacio circundante. Apuesta por la
plasticidad, la arquitectura orgánica, el movimiento, las líneas curvas, la utilización del color
blanco, las terminaciones angulosas, la búsqueda de la luz a través de grandes fachadas
acristaladas y la utilización de materiales modernos como la fibra de vidrio y el poliéster.
Entre sus obras destacan el “Museo MAXXI” en Roma, el “Palacio de la Ópera de Guangzhou”, el
“Centro Acuático de Londres” y el “Galaxy Soho” en Pekín. En España son reseñables el “Pabellón
Puente” en Zaragoza, las “Bodegas Viña Tondonia” en Haro y la “Estación de Euskotren” en
Durango. Zaha Hadid también realizó diseños de interiores, mobiliario, zapatos y joyas.

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 Parte práctica
1.
El nombre de esta obra es Caminante frente al mar de nubes.
Su autor es Caspar David Friedrich. Su cronología es del
primer tercio del siglo XIX. Se encuentra en el Kunsthalle de
Hamburgo, en Alemania.
Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al
Romanticismo pictórico en Alemania, caracterizado por la
utilización de colores fríos y la importancia concedida al
paisaje.
Friedrich representa a un viajero vestido de negro mirando a
un mar de nubes a sus pies, siendo representado de
espaldas y apoyado en un bastón como muestra de su
debilidad ante la naturaleza. Predominan en el paisaje las
cadenas montañosas, demostrando la soledad del hombre
ante el mundo rural.

2.
El nombre de la obra es La Libertad guiando al
pueblo. Su autor es Eugène Delacroix. Su
cronología es de finales del primer tercio del
siglo XIX. Se encuentra en el Museo del Louvre
de París, en Francia.
Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al
Romanticismo pictórico en Francia,
caracterizado por la importancia del color
sobre el dibujo, las luces vibrantes y las
composiciones dinámicas. Delacroix
representa la Revolución de 1830 que provocó
la caída de la monarquía de Carlos X. Las
figuras se organizan en una única pirámide
ascensional cuya cima es la bandera francesa.
Los muertos aparecen en primer plano,
destacando la figura femenina que simboliza la
Libertad. El autor se autorretrata en la obra
con un sombrero de copa y un arcabuz como
muestra de su compromiso político.

3.
El nombre de esta obra es Día de verano. Su
cronología es del último tercio del siglo XIX. Se
encuentra en la National Gallery de Londres.
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Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al Impresionismo, estilo pictórico caracterizado por el
interés por la luz, la pincelada suelta y la pintura al aire libre.
La autora, Berthe Morisot representa a dos mujeres en un momento de relax paseando en barca
por un río. Destacan los efectos de la luz que se refleja en el agua y la armonía de los suaves
colores. La composición está muy estudiada a base de tres planos: en el primer plano aparecen las
dos jóvenes destacando la joven del vestido claro que ocupa el centro del cuadro, un segundo
plano está ocupado por el agua y los patos y un tercer plano con la arboleda del fondo. A pesar de
la pincelada rápida y empastada, apreciamos dosis de dibujo, especialmente en los rostros de las
mujeres.

4.
Esta obra se denomina Noche estrellada. Su
autor es Vincent Van Gogh. Su cronología es
de finales del siglo XIX. Se encuentra en el
Museo de Arte Moderno de Nueva York, en
Estados Unidos. Esta pintura de óleo sobre
lienzo se adscribe al Postimpresionismo, estilo
pictórico caracterizado por la importancia del
lado subjetivo, humano, emocional y
sentimental que les alejaba del Impresionismo.
Van Gogh representa en primer término dos
cipreses, con un dinamismo vertical que se
desprende de ambos y también de la aguja de
la iglesia del pueblo contrapuesto al remolino
horizontal de las estrellas. Dos enormes
espirales que se enroscan transmiten su
agitación al cielo intensamente azul. Once
estrellas iluminan el firmamento, mientras una
luna de color naranja parece confundirse con el sol.

5.
El nombre de la obra es Guitarra y periódico.
Su autor es Juan Gris. Su cronología es del
primer tercio del siglo XX. Se encuentra el
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en
Madrid. Esta pintura de óleo sobre lienzo se
adscribe al estilo artístico del Cubismo
Sintético, caracterizado por la interrelación de
los componentes del cuadro en una visión
unitaria, con una mayor luminosidad y
valoración del color.
Juan Gris nos muestra una serie de objetos
sobre una mesa a modo de bodegón. Destaca
de manera predominante una guitarra donde
la angulosidad ha dejado paso a formas
redondeadas, característica de los últimos
años del artista. Aparece detrás un periódico,
elemento recurrente desde la aparición del
collage. Copas, fruta y partitura completan la

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composición.

6.
La obra se denomina Aristide Bruant. Su autor es
Toulouse-Lautrec. Su cronología es de finales del siglo XIX. Se
encuentra en el Art Museum de San Diego, en Estados Unidos.
Este grabado pertenece al Postimpresionismo, estilo pictórico
caracterizado por la importancia del lado subjetivo, humano,
emocional y sentimental que les alejaba del Impresionismo.
Toulouse-Lautrec nos muestra a Arístide Bruant, cantautor vestido
con un traje de terciopelo negro, sombrero de fieltro y bufanda roja.
Los carteles fueron difundidos por toda la ciudad de París con
motivo de la actuación del artista en el café-concierto
Ambassadeurs.

7.
El nombre de esta obra es El pensador. Su autor es Auguste Rodin.
Su cronología es de finales del siglo XIX. Se encuentra en el Museo
Rodin de París, en Francia.
Esta escultura de bulto redondo de bronce se adscribe al
Impresionismo, estilo artístico caracterizado por la importancia de la
luz y la captación del instante.
Rodin representa a un hombre desnudo, con los brazos, las manos y
los pies sobredimensionados (influencia de Miguel Ángel), en actitud
reflexiva. Todos los músculos están en tensión, crispados por el
esfuerzo. La factura poco pulida de la estatua provoca, en su
superficie, fuertes sombras que ayudan a transmitir al observador el
sufrimiento del pensador.

8.
Esta obra se denomina Casa Milá o La Pedrera. Su autor
es Antoni Gaudí. Su cronología es de principios del siglo
XX. Se encuentra en Barcelona.
Este exterior arquitectónico se adscribe al Modernismo
español, estilo artístico caracterizado por la
reinterpretación de las formas de la naturaleza a través de
la geometría, utilizando líneas curvas o helicoidales.
Gaudí concibió esta obra de ritmo ondulante como un gran
pedestal de roca erosionada para un grupo escultórico
con la Virgen del Rosario, que al final no fue colocado. La
arquitectura se convierte así en un organismo vivo con
referencias al mundo natural: se asemeja a un grupo de
montañas excavadas (de ahí el nombre popular de
“Pedrera”), con arbustos metálicos en los balcones y cumbres nevadas con chimeneas
antropomórficas.

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9.
Esta obra se denomina La persistencia de la
memoria. Su autor es Salvador Dalí. Su cronología
es del primer tercio del siglo XX. Se encuentra en el
Museo de Arte Moderno de Nueva York, en Estados
Unidos.
Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al
Surrealismo Figurativo, estilo pictórico caracterizado
por su interés por la vía onírica, mostrando sus
obras un realismo fotográfico. Dalí representa un
escenario onírico compuesto de elementos reales y
extraños: un paisaje costero y rocoso, una figura
amorfa tumbada en la playa que parece muerta o exhausta -es un autorretrato de Dalí-, una mesa
o pedestal, un pequeño árbol seco, un reloj cubierto de hormigas, otros tres de formas
extravagantes por su naturaleza blanda y una mosca posada sobre uno de ellos.

10.
Esta obra se denomina La máquina de coser electrosexual. Su autor
es Óscar Domínguez. Su cronología es de la década de los años
30 del siglo XX. Se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte
Reina Sofía de Madrid.
Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al Surrealismo
Figurativo, estilo pictórico caracterizado por su interés por la vía
onírica, mostrando en sus obras un realismo fotográfico. Óscar
Domínguez destaca en esta obra el cuerpo luminoso de una mujer
desnuda sobre un fondo oscuro. Se encuentra boca abajo y con la
cabeza cubierta. Sus piernas están siendo devoradas por una
planta carnívora, mientras sobre su espalda cae un hilo de sangre
de un embudo que es vertido desde la cabeza de un toro.