En fotografía 
la inspiración es el principal proceso bonito porque lo han visto en otros sitios o
para conseguir despertar una creatividad fuera de
meras copias. El problema es que, la inspiración
muchas veces es confundidacon conseguir algo
similar y no con conseguir un elemento
diferenciador.
Cuando algunas personas nos responden
con "Para mejorar tu trabajo debes muchas
fotografías", a muchos se les nubla la mente al
observar tomas que les encantan
encendiéndoseles una luz roja en sus ojos con la
frase, "Quiero hacer esto".
Defiende tu fotografía intentado ser "único"
Esta frase suele ser el principio del error. Y es que
una fotografía o un estilo propio se denomina así
por algo. Y no es ni más ni menos porque alguien
fue el encargado de llevarlo a cabo en primera
instancia. Por tanto, todo lo que venga después,
exactamente igual, siempre será reflejado como
"una copia de...". Y bueno, no se si muchas
personas buscaran esto, pero lo que esta claro es
que ese momento no es el punto que se
busca con ese proceso inspiracional para un estilo
personal.
Debemos, por tanto, mirar siempre la fotografía
de otros como un camino intermedio y nunca
como proceso final. Siempre he sido muy
partidario de comparar este tipo de formas de
fotografiar (a pesar de su esfuerzo, que eso nunca
se quita), como las copias de los chinos. Lo sé,
alguno me podréis decir que hay gente que
puede hacer la foto mejor que el primero que la
realizó, pero da igual, una fotografía es mucho
más que una técnica depurada. Una fotografía es
una idea, un concepto, y una sensación y eso, por
mucho que queramos rebatirlo, seguirá ahí.
Muchas veces creemos que llenar nuestro
ego con las alabanzas de los demás va a hacer
una foto mejor que otra, y eso no cabe duda
que es erróneo. Esto lo comento porque, para
aumentar nuestra creatividad, uno de los
primeros puntos a tratar debería ser mirar lo ya
realizado por nosotros anteriormente. Y es que,
nuestro portafolio actual puede tener la clave.
Saber diseccionar más y más nuestro portafolio
para posteriormente dejarlo en las menos
fotografías posibles son una baza que podría
mostrarnos el camino.
Para saber como realizar esto, nunca debemos
dejarnos llevar sólo por la opinión de los demás.
Hay que defender una idea, defiende TU idea.
Muchas veces las personas consideran algo
incluso hasta la saciedad, pero es más difícil aún
hacer que algunas personas sientan predilección
por algo cuando es nuevo y que no ha creado
tendencia. Este es uno de los puntos
correctos donde radica un buen proceso
personal.
Además, siempre he creído que el bloqueo
creativo requiere de descanso mental. El abrir
nuestra mente dedicándonos a otros menesteres,
olvidando durante un tiempo (tampoco muy
largo) la fotografía, puede hacernos más
receptivos ante todo lo que nos rodea para que
así despierten ideas en nosotros.
La solución está en nuestra confianza y el motivo
Otro aspecto a tratar en el proceso creativo
es simplificación del trabajo. Muchos fotógrafos
cuando hablan de sus fotografías hacen
comentarios sobre las mil o dos mil capas que
usan en Photoshop, incluso se enorgullecen de
ello (lo pongo como ejemplo, pero hay más; no
sólo en temas de postproducción cuando me
refiero a esto). No hay duda, es un trabajo duro,
requiere de técnica y de mucha complejidad.
Pero en esa última palabra está la
clave, complejidad. Cuando necesitamos de
tantos pasos para conseguir un resultado la
mente se puede perder entre el paso 1 y el 1259.
Esta complejidad, muchas veces, altera la
necesidad de tener la cabeza libre para aumentar
ese proceso creativo. Es por eso que, cuando
necesitemos conseguir hacer que vuelva esa
creatividad sería importante liberarnos de tantas
cargas. Simplifiquemos nuestra fotografía. Menos
es más y os aseguro que funciona. Tomar este
paso cómo queráis, desde fotografiar y editar
luces para tener la toma final, hasta disparar
usando la luz natural sin nada más que tu cámara.
Cabe recordar que es un ejercicio. Nada que
sustituya el tipo de fotografía que cada uno
realice; ya que hay que reconocer que,
hay diferentes estilos de fotografía que requieren
de tiempo y muchos pasos.
Cosas como estas nos ayudan a poder
preguntarnos muchas veces el motivo de porqué
fotografiamos. Porqué queremos recoger
instantáneas o coleccionarlas. Suele parecer una
obviedad, pero no mucha gente sabe el motivo
real de porqué lo hace. El saber ese motivo puede
hacer decantarnos por un lado u otro del proceso
fotográfico y creativo; pues, a la larga, nos
ayudará a no compararnos siempre con los
demás y a dejar de pensar en el que dirán (algo
tan típico en la fotografía...).
Debemos recordar que la inspiración, la
creatividad y el estilo propio van ligados; y
aunque el primero se debe al mundo que te
rodea, los otros dos ocurren sólo si eres tú quien
lo consigue, por tanto, esos puntos sólo
dependen de ti y no de los demás.
La aceptación o el gusto por ellos ya dependerá
de los demás, pero ese es otro punto que no toca
en este instante. A pesar de todo siendo
positivos, la fotografía es algo muy subjetivo, eso
nos lleva a pensar que siempre habrá alguien al
cual le pueda agradar nuestro estilo. Y es que
como se suele decir, intenta agradarte a ti mismo
primero para que a posterior puedas agradar a
los demás.
¿Qué es la creatividad en fotografía?
 Cuando hablamos de creatividad
fotográfica podríamos pensar en esas fotografías
que utilizan herramientas tecnológicas para
plasmar lo imaginado, casi como un
sueño, alejado de lo real, pero hermoso.
Imágenes mentales que se convierten en
realidad, hay quien lo llama fotografía creativa.
Por otro lado, estarían las fotografías reales, esas
poco manipuladas pero que captan instantes
únicos que solo aparecen bajo la mirada de la
persona que hace la fotografía, una mirada
subjetiva e íntima.
 En cualquiera de las dos opciones el proceso
creativo es el que nos va a permitir desarrollar un
estilo particular que muestra la propia percepción
del mundo más que su mera reproducción.
Añadir esta visión personal a la fotografía es dar
el paso de reproducir a expresar, desde la ciencia
al arte. La creatividad, en este sentido, será aquel
movimiento que consigue que la imagen exprese
lo que yo quiero que exprese: La fotografía como
proceso creativo único, como mi expresión
artística personal.
 ¿Y cómo llego a qué mi fotografía sea mi
expresión artística?
Esto no es gratis, requiere dos elementos clave:
1. Una labor de investigación y documentación,
desde una mirada absolutamente personal y
auténtica. Si para un idioma tenemos que
escuchar, leer y hablar, lo que llamamos
inmersión lingüística, en fotografía tenemos
que ver (visitar exposiciones, ver documentales,
catálogos…), leer (el trabajo de artistas,
fundamentos, biografías…) y fotografiar, esto
es: inmersión fotográfica.
2. Escucha tu vibración, siente tu cuerpo mientras
fotografías o investigas. La mayoría de artistas
hablan de esa fuerte emoción que se siente
cuando sabes que ya has conseguido la fotografía
que buscabas, cuando la calle te regala el
momento preciso o encuentras la mirada
adecuada en la persona que retratas. Roland
Barthes lo llamaba punctum, a mi me gusta
hablar de vibración cuando realizamos la
“fotografía precisa” o cuando vemos el trabajo de
alguien que nos apasiona. Esa que sucede a dos
centímetros bajo el ombligo y que explica la
inteligencia intuitiva. . La expresión artística es un
proceso comunicativo entre artista y espectador,
pero también entre artista y lo representado. En
ambos casos intervienen la percepción,
comprensión, entendimiento y la dimensión
emocional y cultural.
La inteligencia intuitiva y las emociones en
creatividad son fundamentales. La
“vibración” influye directamente en nuestro
sistema cognitivo, en cómo y qué percibimos.
Detonan transmisores neuroquímicos que bañan
zonas particulares de nuestro cerebro,
modificando la percepción y la toma de
decisiones. Esto lo sabe muy bien la
neuroeducación, nuestras emociones cambian la
manera en la que pensamos y son guía de
nuestro comportamiento y de lo que
miramos. Permiten realizan valoraciones rápidas:
–Esto es aburrido, aquí hay potencial, esto es
bonito. Pero lo más importante es que van a
marcarte el camino a seguir en tu investigación y
en el desarrollo de tu expresión artística.
Daniel Goleman, autor de inteligencia
emocional,  señala que tenemos dos mentes, una
que piensa y otra que siente. Ambas igual de
importantes. Las emociones son tan
fundamentales como el pensamiento lógico,
lineal y verbal del hemisferio izquierdo. No
pensamos sólo con un único hemisferio, sino que
los dos son necesarios. Tampoco nos limitamos a
procesar la información, además la sentimos.
Investigación y vibración-emoción son
importantes para nuestro pensamiento creativo.
Por eso disfrutamos contemplando algunas
fotografías y nos encanta mostrar aquellas que
nos hacen sentir alguna emoción. Por eso, hay
imágenes que nos traen recuerdos, olores,
sensaciones táctiles, y otras que nos chirrían.
Crear es generar más, nuevas y mejores ideas con
valor, dice la pedagoga experta en creatividad
Angélica Satiro. Lee, investiga, busca, aprende,
saborea, siente, duda, practica, fotografía,
diviértete, ríe, llora, sufre, preocúpate, descansa,
disfruta…
Somos un gran catálogo de imágenes, llevamos
dentro imágenes que a lo largo de nuestra vida
nos han ido configurando, que tienen que ver con
vivencias y experiencias personales, otras están
relacionadas con nuestros intereses o formación.
Tu expresión fotográfica está dentro de ti,
esperando que la mires y trabajes en ella.
La fotografía habla de aspiraciones y retos, de
una forma de mirar la vida: define la
individualidad. Tomamos muchas decisiones
cuando decidimos mostrar una imagen, lugar,
espacio, encuadre, forma, tipo de cámara,
edición, selección, revelado… y son estas
decisiones las que nos definen. Las imágenes son
la historia de nuestros cuerpos, de nuestras vidas,
de nuestras aficiones, vivencias y proyectos. Una
fotografía tiene sentido cuando se encuentra con
la mirada del espectador, contemplando fotos
nos damos cuenta de que nos contemplamos a
nosotros mismos. Y esa es la clave: darse cuenta.
Te invito a que inicies este curso desde la mirada
infantil, desde la mirada abierta y curiosa del niño
o niña que fuiste, un juego, un ver sin
consideraciones de ningún tipo, sin aceptar ni
rechazar nada, solo viviendo la experiencia y
disfrutando del viaje que supone conocerse a uno
mismo como quien conoce a alguien por primera
vez.
El lenguaje fotográfico
Una fotografía contiene numerosos significados,
por eso es un fenómeno polisémico, y para
desentrañarlos el primer paso es reconocer su
propia gramática. Se trata de un  vocabulario
específico con una sintaxis específica. Además,
cuenta con su propia forma de articular este
lenguaje particular. Podríamos llamar estilo a la
forma en la que cada fotógrafo utiliza este
lenguaje visual. Es un buen comienzo tener un
panorama general de algunos elementos que
integran este idioma que es de utilidad tanto para
el que se hace una fotografía como para quien la
analiza.
Primero vale la pena hacer una gran división:
Proponemos iniciar con siete grandes grupos o
categorías. Desde luego son un punto de partida
y pueden sumarse más grupos.
1. Atributos fotográficos
Se trata propiamente de aquellos elementos, a
grandes rasgos, propios de la imagen en general y
los atributos particulares que hacen que una
imagen sea considerada una fotografía con una
morfología, características, sintaxis y gramática
propios. Son los atributos generales
(iconográficos) a los particulares (fotográficos)
donde podríamos incluir distancia, encuadre, luz,
enfoque, tiempo, movimiento, etc. Estos
atributos unitarios nos ayudan a determinar los
componentes de la imagen que se lee. En cierta
medida es como la lista de ingredientes en un
platillo y son los elementos denotativos de la
imagen. El cómo estén combinados tiene que ver
con nuestro siguiente grupo: la composición.
2. Composición
Toda fotografía contiene elementos que están
articulados, organizados de una manera
específica, que tienen un cierto diseño y
la composición.Entonces, es necesario  incluir
algunos elementos de valoración que permiten
analizar una fotografía tal y cómo está realizada
desde el punto de vista de organización de sus
formas. Aquí encontraremos  elementos tales
como proporción, ritmo, etc.
3. Continente y contenido
En toda fotografía hay un continente (la foto
misma) y un contenido (lo que está en la foto).
El continenteimplica el formato: Si es un
daguerrotipo, un ambrotipo o una imagen
electrónica, con qué tipo de instrumento se
realizó. Importa porque distintos equipos pueden
tener eso que llama Vilém Flusser «Programa», es
decir las limitaciones o características propias del
medio. [1] Por ejemplo, una cámara Rolleiflex
réflex de doble objetivo de formato medio
generará forzosamente un encuadre en
proporción 1:1, es decir, totalmente cuadrado y
eso forzará al fotógrafo a tomar ciertas decisiones
específicas dada la peculiaridad de la proporción
en el encuadre).
El contenido nos hace reflexionar sobre el motivo
fotográfico, si incluye personas, cuál es su
discurso y cómo se ha realizado la narrativa
visual.
4. Estilo y género terreno simbólico y su papel como huella de un
hecho físico (índex). Es útil referirse a
Los géneros nos ayudan a entender un conjunto
nuestra Guía Mínima de Fotografía y Semiótica.
de cánones (reglas) con los que se lee una
imagen. Así no es lo mismo leer La tabla de los elementos del lenguaje fotográfico
un retrato urbano que una fotografía de calle,
Estos siete grupos pueden descomponerse en 59
una fotografía hallada que una creada, etcétera.
elementos individuales. Proponemos la siguiente
Comprender este conjunto de convenciones
tabla inspirada, por supuesto, en la química y
permite delimitar si se trata de una imagen
tomando como un primer punto de partida el
canónica (es decir, que sigue las reglas del género
trabajo de Javier Marzal Felici y Cynthia Way
al que pertenece o si las trastoca), que contradice
del International Center of Photography (ICP) de
preceptos o que aporta nuevos elementos a un
Nueva York. 
género, como lo que ocurrió con Richard
Avedon cuando agregó el movimiento a la
estática fotografía de modas de la posguerra.

5. Autoría

No siempre se conoce al autor de una fotografía.

Por ejemplo, ignoramos con frecuencia el
nombre del creador visual en la mayor parte de la
fotografía publicitaria.  Sin embargo, se obtiene
una valiosa información contextual al saber quién
es el autor, si pertenece a una cierta escuela, con
qué otras fotografías se relaciona, etc. En
hermenéutica esto se traduce en saber qué se
dice pero también quién lo ha dicho. Como
dice Luis Enrique de Santiago Guervós «No se
trata simplemente de comprender el sentido de
un texto, sino sobre todo de captar cómo se ha
producido ese texto, cuál es la génesis de su
creación.» [2]

6. Intención

Ayuda comprender el propósito del autor. No hay

que olvidar que para leer una fotografía hace
falta eso que Fiedrich Schleiermacher llamaba «…
el arte de comprender correctamente el discurso
de otro.» [3] Esto puede llevarnos a tratar de
desentrañar mejor el sentido de la obra, así como
valorar cómo se disemina (distribuye) o cómo es
recibida. Ahora bien, no hay que olvidar que
también puede ocurrir que el fotógrafo tenga una
cierta intención, pero el observador interprete la
imagen de manera diferente a la que el autor
buscaba. Tampoco es prudente caer en
el intencionalismo. Al respecto se puede revisar
nuestro artículo titulado Sobre la intención del
fotógrafo. 

7. Elementos semióticos

La lectura de la fotografía como un signo inserto

en un sistema de signos puede enriquecerse si
tomamos la triconomía semiótica de Charles
Sanders Piercetratando de comprender la
fotografía desde el punto de vista icónico,
como signo (o conjunto de signos), en un