TEXTO MAHABHARATA

Su evolución o creación data del siglo IV, en ese mismo sufrió grandes variaciones.

Fue catalogada como un libro extenso por el contenido de libros.

No se identifica un autor en su creación porque fueron varios quienes tuvieron participación de la obra.

Fue descrito como la lucha o embate entre dos personajes de una única familia.

Se narra la historia de dos príncipes que consideraban tener la razón de ser ellos quienes debían tener el
mando de la comarca, este mando de manera individual y de ese concepto empieza la batalla hindú.

Consideran que el Mahabharata es un texto sagrado.

Está basado en una narración legendaria de genero épico “heroico” de la Guerra   y de la historia del
futuro de los Príncipes Kaurava y Panḍava, ambos consideraban tener las cualidades individuales para
asumir el mando por el poder para gobernar el territorio, con la penosa realidad que eran una misma
familia y esto ocasiono que se enfrentaran cruelmente, aunque Pandava era de corazón y espíritu noble y
el segundo príncipe era de naturaleza egoísta.

MAHABHARATA

Mahabharata refieren a la explicación o descripción del nacimiento del mundo, el cual comprende el
cosmo del Kali Yuga, y de igual forma señala cómo fueron desarrollados los acontecimientos para llegar a
ser tan negativos como lo expresan las líneas trazadas en el texto. En relación a este particular el
Ramayana se le atribuye parte de la angustia e inclusive de la traición.

Sin embargo, nada que concuerde con la inmensidad del odio despiadado y la venganza del Mahabharata,
el final del Mahabharata es la Batalla o combate de Kurukshetra en donde ocurre el enfrentamiento de las
dos familias de hermanos, identificados dentro de la trama como los Pandavas y los Kauravas, príncipes
hijos de dos hermanos nacidos de un mismo vientre y criados con la misma ternura se enfrentan entre sí,
por dos primos, en el cual estos cegados se pelean.

Por conseguir un poder temporal, la idea es llevarlo hasta la muerte despiadada y brutal, llegando a
exterminar a toda la raza, siendo de esa forma casi aniquilado. Siendo descritos como los héroes de la
historia los cinco hijos de Pandu, y también, los Pandavas. El texto muestra que el mayor de todos es el
excelentísimo rey Yudhishthira. El consecutivo es Bhima, quien fuere señalado como un aguerrido
luchador considerablemente fuerte, de igual modo con un increíble apetito.

Posteriormente de Bhima es el turno de Arjuna, considerado el más grande de los aguerridos e

igualmente el acompañante de Krishna. Cabe mencionar que los dos últimos son gemelos, los cuales son
Nakula y Sahadeva. Otra particularidad que se manifiesta en la obra es que los cinco hermanos
compartían la misma mujer en su lecho, ella era llamada Draupadi como mencionamos era la esposa de
los cinco hermanos, a según por accidente.

Por otra parte, los enemigos de los Pandavas fueron identificados los Kauravas, que de igual manera eran
la misma familia (primos), viniendo hacer los hijos del hermano de Pandu, en su efecto sobrinos de este y
primo hermano de los hijos de Pandu. Resaltándose en la historia que Dhritarashtra continuaba con vida,
pero no puedo impedir el enfrentamiento o derramamiento de su propia sangre, ya que su hijo
Duryodhana, no soporta enérgicamente los triunfos de sus primos, los Pandavas.
El joven Duryodhana, prepara la emboscada con un tío materno, la trampa consistía en llevar a los primos
a un desafío, Yudhishthira esto efectuaría mediante un simple juego de dados, mientras que Yudhishthira,
se juega el todo, por el todo, inclusive su propia vida. Los Pandavas antes del embate deben ir al
confinamiento, pero de regreso habían convenido realizar el ataque cruel a los Kauravas en la
beligerancia.

De la batalla resulta victorioso Yudhishthira, convirtiéndose de inmediato en el único rey, con la

particularidad que surge un cambio por completo luego del acontecimiento este marco el lugar y a los
habitantes para siempre, por la presencia de la implacable violencia que invadió el territorio en la batalla.
Este príncipe inspirado en su maldad obtuvo lo que quería, pero el precio que resulto en fue terrible por
la inmensa soledad en la que se encontraba su alma.

Algunas frases que me resultaron interesantes destacar:

“Lo bueno demostrado a otros traerá el bien, y cuando esto ocurre no se sabe cuándo regresa”.

“Los excelentes y más altos hombres, conocen el bien, por consecuencia actúan amablemente”.

“Un ser masculino jamás debe despreciarse, porque si llama al éxito brillante atenderá al hombre que lo
aclama por lo contrario huirá del hombre que no siente estima por lo que él es”,

“Del mismo modo como no se revela el rastro de las aves que parten el aire, ni el nadar de los peces que
acarician el agua, nunca se verá la trayectoria de aquellos que practican buenas acciones”.

TEATRO KATHAKALI

El Kathakali es un arte único y global: hay música, cantada y con instrumentos de percusión, hay acción, el
maquillaje en las caras, muchos ornamentos y colores en el vestuario para ayudar a la dramatización... Es
una combinación de cuatro artes: música, danza, gestualidad y maquillaje y vestuario. Pero lo más
importante es que no se habla. Los artistas comunican con la expresión facial, con los movimientos
musculares, con los gestos de las manos, y la mujer [interpretada por hombres] habla con sus ojos. Los
movimientos de las manos forman el alfabeto del Kathakali. Por ejemplo, hablar del sol es una
combinación de movimientos de manos y de ojos.

La forma artística concreta del Kathakali tiene unos 400-500 años de antigüedad. Pero está relacionada
con una forma más antigua, el Kuttiyattam, que ha sido reconocido por la UNESCO como Obra Maestra
del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad. El Kuttiyattam se remonta a 2.000 años atrás.

Todo se basa en la creencia en dios, dios es bueno y la verdad ganará. Estas obras tienen tres mensajes
básicos: tienes que ser obediente, tienes que ser devoto de dios y bueno con las demás personas. Cada
historia transmite un mensaje en este sentido, por lo que se puede decir que todavía son actuales.

Es un arte único de Kerala. En la música además, cuando es cantada, se usa una mezcla de sánscrito y
nuestra lengua local, el malayalam. Hay que reconocer que la música, sobre todo las percusiones, juegan
un papel muy importante en la explicación de la historia. Con sus matices pueden recrear una guerra o la
intimidad. Y no hay lugar a la improvisación, mantenemos todos los pasos uno tras otro porque queremos
preservar la tradición con todo su valor.

Los personajes deben alejarse del ser humano ordinario y aproximarse a lo que sería un superhombre.
Pero además, el público debe ver claramente los movimientos de los músculos faciales, de los labios, de
los ojos… y se aprecian mejor con el maquillaje, porque borra las figuras humanas. También tienen esta
función las largas uñas artificiales, resaltan los gestos. Todo ayuda a transmitir el mensaje sin hablar.

TEATRO KABUKI

Es un teatro tradicional de Japón, Siglo XVII, Periodo Edo.

En 1868 se trató de llevar este teatro que era únicamente del pueblo a que se difundiera en la clase alta,
adaptando lo tradicional a la modernidad.

Características del teatro Kabuki

Las más importantes son la música, indumentarias, dispositivos y accesorios escénicos, repertorios
específicos, lengua, y un estilo de actuación determinado.

En el escenario se encontraban escenas giratorias y trampillas por donde aparecían los personajes y un
pasillo que llegaba hasta el público.

Originalmente estas obras eran representadas por hombre y mujeres, pero después solo fue para actores
masculinos.

Onnagata – masculino que hace el papel femenino, no era imitar a la mujer sino transmitir su esencia.

En Tokio se creó un estilo más violento de actuación kabuki llamado Aragoto, mientras que en Osaka y
Kioto el estilo era suave, es llamado Wagoto. Poco a poco este tipo de teatro fue tomando forma, con
elementos del teatro Noh como el telón y el escenario, también se añadieron escenas más complejas y
obras con múltiples actos. 

El instrumento principal del kabuki es el shamisen de tres cuerdas. La música se divide, según la obra y el
personaje, está la música lírica, llamada “nagauta” que significa canción larga. También se utilizan varios
tipos de música narrativa, donde el que canta está acompañado de hasta tres shamisen y a veces otros
instrumentos como los tambores y las flautas.

Las obras trataban de acontecimientos históricos y conflictos morales de relaciones amorosas.

La vestimenta usada en el kabuki depende completamente del tipo de obra, en una histórica se llevan
enormes túnicas bordadas y largas pelucas para asemejar una época mucho más atrás, mientras que en
las domésticas se suele usar la ropa que se llevaba comúnmente en el Periodo Edo.
El bien conocido y tradicional maquillaje kabuki es llamado “kumadori” y existen aproximadamente 50
estilos diferentes. Los colores y diseños varían según el personaje interpretado y la personalidad del
mismo.

TEATRO NOH

El Noh pertenece a una antigua tradición japonesa. Se tienen registros de que el Noh es una mezcla de
bailes japoneses y chinos desde los siglos VI y VII.

El teatro noh es una manifestación artística japonesa, que se caracteriza por el uso de máscaras para su
interpretación, es una combinación de canto, drama y danza. Es una de las artes más antiguas de
 Japón. La UNESCO nombró al teatro Noh como Patrimonio de la Humanidad. Forma tradicional de
entretenimiento en Japón. 

En las historias del Noh, además de los actores hay músicos, coristas e intérpretes.

Las representaciones de este arte se dividen en cinco rubros: dioses aspecto de anciano, hombres
militares luchadores, mujeres, lunáticos y dementes no clasificados en los anteriores, y demonios no son
humanos. 

Su representación se realiza en un escenario cuadrado elevado y rodeado por dos de sus lados con
público. Además de las representativas máscaras, otra de sus características es que carece de telón en
todo el recinto, para ambientar el escenario se usan cuatro postes con un tejado según lo que se busque
representar. Para acceder al escenario los protagonistas entran por un pasillo llamado “hashigakari”, este
representa la unión del mundo de los vivos con el de los muertos.

La atención se enfoca en la vestimenta. Para la elaboración de estos trajes se usa la mejor seda. Todos los
diseños de cada prenda conllevan un simbolismo de acuerdo al papel que se interpreta. El color de la
prenda está determinado por la edad y el sexo del personaje, de forma que los personajes jóvenes se
representan en colores vivos y alegres, mientras que la mujer mayor se representa con tonos oscuros
como el gris. Con la vestimenta en el teatro noh se busca que los espectadores entiendan los sentimientos
del personaje. 
La ubicación se forma de la siguiente forma, en la parte posterior del escenario del teatro noh, se colocan
cuatro músicos y en el lado derecho hay un coro de ocho voces.

Los actores del teatro noh se dividen en cuatro principales categorías:

1. Shitekata: Es el actor con más trayectoria, el que interpreta el papel protagónico. Los shitekata
pertenecen a las familias con más trayectoria en la rama.
2. Wakikata: Son los actores que interpretan el waki, osea el personaje secundario, en la mayoría de las
ocasiones es el villano. Se busca que estos actores tengan el mejor dominio de la danza y acrobacia.
3. Kyogenkata: Actores cómicos que interpretan los interludios entre escenas.
4. Hayashikata: Este término es adjudicado a los músicos exclusivamente del teatro noh.

Existen dentro del mismo 5 tipos de obras a representar:

 Okinai: Este tipo de obra se caracteriza por combinar danza con rituales sintoístas, esta es más bien una
ceremonia religiosa, que aunque cumple todas las características y elementos del noh, no es como tal una
presentación del mismo.
 Obras de divinidades: Su característica principal es que tienen un kami como protagonista.
 Shura-noh: Obras de guerreros, se centran en el espíritu de guerreros muertos que fueron condenados al
infierno.
 Kazura-noh: Obras de mujeres enamoradas, su protagonista es el espíritu de una mujer que se enamora
de algún mortal o que murió en un acto de amor.
 Kiri-noh: Obras de demonios que incluyen personajes sobrenaturales y espectros malignos.

Cada máscara dentro del teatro noh tiene un nombre y representa un personaje distinto. Solo el actor
principal lleva una máscara, aunque depende del tipo de obra, ya que las máscaras se usan para
interpretar personajes femeninos, sobrenaturales, personas muy jóvenes o ancianas. El resto de los
actores que no llevan máscara representan a personas normales.
 BUNRAKU. MARIONETAS ORIENTALES

Teatro de marionetas japonés. Curiosamente este nombre se comenzó a utilizar solamente a partir del
siglo XIX como resultado del trabajo desarrollado por Uemura Bunrakuken, el responsable de dar un
nuevo impulso a este género en un momento en que se encontraba en decadencia; así la palabra Bunraku
fue inmortalizada como sinónimo del género que hasta entonces se conocía como Ningyô-Jôruri.

El bunraku es un arte milenario compuesto de tres elementos básicos: los marionetistas ningyōzukai o

ningyōtsukai que manejan los muñecos ningyô; el narrador llamado tayu  y el acompañamiento musical
del shamisen (laúd).

Se dirige a adultos, desarrolla un drama serio de alta calidad técnica y artística cuyo dramatismo se ve
reforzado por la gran pericia con que los títeres son manejados: sus movimientos son tan naturales como
lo podrían ser los movimientos humanos. Manipular, narrar e interpretar música son actividades que
realizan profesionales diferentes, cada uno de ellos especialista en su arte. No existe preocupación por
ocultar al marionetista de la vista de los espectadores. El bunraku se describe como el teatro de
marionetas más avanzado y exquisito del mundo.

Clasificación de las marionetas

- danshichi, caracteres fuertes.

- kenbishi, oficiales.
- komei, héroe.
- wakaotoko, joven adolescente y guapo.
- fukeoyama, madrastra.
- okusan, esposa, hermanas y ancianas.

Las dos principales categorías de obras son sewamono (historias de la vida cotidiana), y jidaimono (temas

históricos). Las obras sewamono tratan temas como el adulterio, el suicidio y el asesinato. A veces, incluso
las noticias reales de un evento escandaloso podrían proporcionar inspiración para la trama de una
representación de bunraku. Las obras jidaimono cuentan historias que a menudo son complicadas y
fantásticas, tanto en referencia a leyendas antiguas como a eventos contemporáneos establecidos en el
pasado para evitar la censura. Tratan temas como la ética, la lealtad y la traición, el sacrificio.

La historia es narrada y comentada por una persona, que también da voz a todos los títeres. El narrador
debe ser capaz de interpretar un repertorio de voces lo suficientemente grande para representar a todos
los sexos y todas las edades. Un narrador experimentado podría desempeñar hasta quince roles en un
espectáculo. Se ríe, llora, susurra y grita.

OPERA DE PEKIN O CHINA

Fundada en 1955. En la escuela la preparación es muy amplia y exigente, pasando muchos años antes de
poder participar de un espectáculo. Son muchos los aspectos en los que la Ópera de Pekín debe contar,
uno de los principales son las destrezas que necesitan dominar y entrenar los intérpretes. Éstos deben
estar versados en canto, recitado, actuación y acrobacias.

En la ópera de Pekín los papeles se pueden diferenciar en cuatro tipos de personajes:  sheng (papel
masculino), dan (papel femenino), jing (de caras pintadas) y chou (payasos masculinos). La actuación de
cada uno tiene sus propias convenciones que dan lugar a diferentes técnicas de canto y actuación que
dieron lugar a varias escuelas.
La riqueza de colores y motivos del maquillaje y vestuario es una de las características más sorprendentes
de la ópera de Pekín. Cada papel tiene un maquillaje cargado de simbología y el vestuario da información
fundamental sobre los personajes.

Los vestidos principales pueden dividirse en cuatro grupos fundamentales: los mang, vestidos de corte
llevados sólo por los miembros de la familia imperial, primeros ministros o generales; los  pei, que sirven
como ropa informal de miembros de la familia imperial o persona de clase alta; los kao, una especie de
armadura portada por guerreros; y los zhezi, que conforman el atuendo informal de la clase media y
gentes de a pie. El resto del vestuario se engloba bajo el término yi, "ropa", el vestuario se completa con
una serie de coloridos y elaborados zapatos y accesorios, como coronas, yelmos, sombreros, gorros,
peinados y cinturones entre muchos otros; lo que hace que un amplio número de atuendos sean
específicos de un único personaje.

A opera pekinesa y la china en general son operas que en su expresión artística y su contenido vienen de
la naturaleza y de la forma de los antiguos Chinos por estar conviviendo en sintonía con la naturaleza.