LA DANZA

El baile de los coribantes inventado por los curetos o

coribantes, ministros de la religión bajo los primeros titanes,
lo ejecutaban al son de tambores, de pífanos, zampoñas y al
tumultuoso estrépito de los cascabeles, lanzas, espadas y
escudos. La fábula dice que con el ruido de dicho baile
salvaron de la barbarie de Saturno al pequeño Júpiter, cuya
educación les había sido confiada.

Las danzas o bailes campestres, que se dice fueron

inventados por el dios Pan, se ejecutaban en los bosques y
parajes deliciosos por jóvenes de ambos sexos coronados
de ramos de encina y guirnaldas de flores.

Antigua Grecia

Música y bailarina griega, s. V adC.

Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte, teniendo una musa
dedicada a ella: Terpsícore. Los primeros vestigios provienen de los cultos a Dioniso
(ditirambos), mientras que fue en las tragedias —principalmente las de Esquilo— donde se
desarrolló como técnica, en los movimientos rítmicos del coro.
Los griegos conocieron este arte desde tiempo inmemorial, y en el octavo libro de La
Odisea vemos que los feacios obsequiaron ya en aquellos remotos tiempos al hijo de
Laertes recién llegado a la corte de Alcínoo con un baile ejecutado por una tropa de
jóvenes al son de la armoniosa lira de Demódoco, los que bailaron con tanto primor y
ligereza que Ulises quedó arrebatado por la encantadora movilidad de sus pies. A las
sabias leyes de Platón se debió el que este arte llegase al último grado de perfección entre
los griegos, como que Ateneo nos dice que los escultores más hábiles iban a estudiar y
dibujar las varias actitudes de los bailarines, para copiarlas después en sus obras.

Platón reconoció tres especies de danzas, dos de «honestas» y una de «sospechosa»:

La primera, de pura imitación, que con dignidad y nobleza se ajusta a las expresiones del
canto y de la poesía.
La segunda, destinada a procurar la salud, ligereza y buena gracia en el cuerpo.
La tercera o sospechosa era de las bacantes y otras semejantes que con pretexto de
cumplir con ciertos ritos religiosos imitaba la embriaguez y se abandonaban a toda suerte
de excesos. Por esta razón, al paso que juzgó las dos primeras de la más grande utilidad
para la república, desterró la última como contraria a la moral y buenas costumbres
Coro de danzarinas en un friso de Samotracia, s. V adC.
Los griegos introdujeron el baile en la escena, cuya invención se atribuye a Batilo de
Alejandría y a Pílades: el primero lo unió a la comedia y, el segundo, a la tragedia. Esta
diversión, que forma uno de los principales placeres de la juventud, no podía menos de
gustar a los romanos y a los demás pueblos que les sucedieron.

Como es considerado el inventor de las danzas con que los griegos y romanos adornaron
sus banquetes. Primero fueron como unos intermedios de aquellas comidas que la alegría
y la amistad ordenaban en las familias, pero el placer, la glotonería y el vino dieron
después mayor extensión a este divertimento, degenerando de su primitivo origen.

Sócrates es alabado por los filósofos que le sucedieron porque bailaba con primor. Platón
mereció ser vituperado por haber rehusado bailar en un baile que daba un rey de
Siracusa: y Severo Catón, que en los primeros años de su vida no cuidó de instruirse en un
arte que ya se miraba entre los romanos como un objeto serio, creyó que debía sujetarse
a los 59 años de edad a las ridículas instrucciones de un maestro de baile en Roma.
Joven y bailarina, s. V adC.
Los griegos y la mayoría de los pueblos antiguos introdujeron el baile en la mayor parte de
sus ceremonias sagradas y profanas. El baile o danza sagrada es de todas la más antigua.
Los judíos la practicaban en las fiestas mandadas por la Ley y para celebrar algún
acontecimiento interesante. Después del paso del mar Rojo, Moisés y su hermana María
bailaron en unión con otros hombres y mujeres y David hizo lo mismo delante del Arca en
señal de alegría. La danza o baile astronómico inventado por los egipcios e imitado luego
por los griegos se reducía a representar al son de tocatas armoniosas y por medio de
pasos mesurados y figuras bien diseñadas el movimiento y curso de los astros.

El baile armado o «danza pírrica», cuya invención se atribuye a Pirro hijo de Aquiles, que la
ejecutó por primera vez delante de la tumba de su padre, se hacía con la espada, la lanza y
el escudo. En medio de ella ejecutaban todas las evoluciones militares de aquellos
tiempos, y formaba una parte de la educación de la juventud de Lacedemonia. Este baile
se llamaba también por los griegos menafítico y se decía lo había inventado Minerva para
celebrar la victoria de los dioses y el abatimiento de los titanes. Los espartanos iban al
combate danzando. La danza de los festines se ejecutaba en los intermedios o después de
los banquetes. El sonido de muchos instrumentos reunidos invitaba a los convidados a
nuevos placeres: los poetas dicen que Baco inventó este baile cuando volvió de Egipto.

Se llamaba «baile de la inocencia» a una danza que se hacía en Lacedemonia por las
doncellas de aquella ciudad enteramente desnudas delante del altar de Diana, con
graciosas y modestas actitudes y con pasos lentos y graves. Helena se ejercitaba en este
baile cuando fue vista por Paris, el que, enamorado, la robó. Licurgo, al reformar las leyes
de los lacedemonios, conservó esta danza, la que probablemente no consideraría
perjudicial a las buenas costumbres.

Los «bailes fúnebres» se ejecutaban en las exequias y funerales. En los de un rey de

Atenas, por ejemplo, una escogida tropa vestida de largas ropas blancas rompía la marcha.
Dos órdenes de jóvenes precedían al féretro circuido de otros dos coros de doncellas.
Llevaban todos coronas y ramos de ciprés y formaban bailes graves y majestuosos al son
de sinfonías lúgubres. Luego venían los sacerdotes de las diversas divinidades del Ática,
adornados con los signos distintivos de su carácter. Caminaban lentamente y en cadencia,
cantando himnos en alabanza del difunto rey. Los bailes fúnebres de los particulares
ejecutados sobre este modelo eran proporcionados a la dignidad de los muertos.

El inicio teatral antiguo se dividía en cuatro partes:

Trágico. Era propio del trágico toda la seriedad y dignidad necesaria para inspirar la
tristeza, la compasión, el terror y todos los sentimientos análogos a la acción que se quería
representar.
El baile cómico, llamado cordacio, era acompañado de las posiciones más indecentes y
licenciosas, en tanto grado que Teofrasto dice que un hombre no se hubiera atrevido a
bailar el cordacio sin haber perdido antes toda especie de pudor o sin estar embriagado.
Satírico. La tercera especie de baile se llamaba attellanes y era lo que en la satírica griega
se decía sykinnis, destinado a la burla y mordacidad.
Pantomímico. La cuarta parte y la más famosa reunía el carácter de todas las demás: los
pantomimos sin necesitar ni de la propia voz, ni del oído de los espectadores, daban a
entender con la mayor claridad por medio de pasos y acciones expresivos cuanto querían.
Antigua Roma

Bailarina con patera y rhytos, s. I dC.

Entre los romanos se usaba una especie de danza que mejor debería llamarse pantomima
en los entierros o funerales. Un hombre tomaba el vestido del difunto y, cubierta su cara
con una máscara, iba delante de la pompa lúgubre remedando las costumbres y modales
más conocidos del sujeto que representaba, de modo que venía a ser un orador fúnebre
sin hablar una palabra, de todas las costumbres del muerto.

El baile o danza de los salios fue instituido por Numa Pompilio, segundo rey de Roma, en
honor de Marte, el que ejecutaban doce sacerdotes llamados salios escogidos de las más
ilustres familias de Roma.

El baile del Himeneo o «danza nupcial» estaba en uso entre los romanos. Se ejecutaba en
los matrimonios de los antiguos por jóvenes y doncellas coronados de flores, que con sus
figuras y con sus pasos expresaban la alegría que reina en una feliz unión. Con el tiempo
este baile, tan sencillo en su origen, pasó a ser un vivo ejemplo y una pintura la más
obscena de las funciones más secretas del matrimonio. La licencia y el libertinaje llegaron
a tal punto que el Senado se vio precisado a echar de Roma a todos los danzarines y
maestros de semejante baile.

Todos los pueblos, como hemos dicho, tuvieron sus bailes sagrados, que eran
considerados como una parte del culto que debía tributarse a sus divinidades. Los galos,
los españoles, los alemanes, los ingleses tenían sus danzas sagradas. En todas las
religiones antiguas fueron los sacerdotes danzadores por estado. Si hemos de dar crédito
a Scaligero, los obispos fueron llamados præsules en la lengua latina (a præsiliendo)
porque ellas principiaban la danza sagrada. Así es que en casi todas las iglesias que se
construyeron en los primeros tiempos se dejaba un terreno elevado al que se daba el
nombre de coro; este era una especie de teatro separado del altar, tal como se ve aún en
el día de hoy en las iglesias de san Clemente o de san Pancracio de Roma, en el que se
ejecutaban las danzas sagradas con la mayor pompa en todas las fiestas solemnes.
Aunque estos bailes hayan sido sucesivamente desterrados de las ceremonias de la Iglesia,
no obstante se conservan todavía en algunos pueblos católicos en honor de los misterios
más augustos de esta religión.3

Edad Media
La danza medieval tuvo escasa relevancia, debido a la marginación a la que la sometió la
Iglesia, que la consideraba un rito pagano. A nivel eclesiástico, el único vestigio eran las
«danzas de la muerte», que tenían una finalidad moralizadora. En las cortes aristocráticas
se dieron las «danzas bajas», llamadas así porque arrastraban los pies, de las que se tiene
poca constancia. Fueron más importantes las danzas populares, de tipo folklórico, como el
pasacalle y la farándula, siendo famosas las «danzas moriscas», que llegaron hasta
Inglaterra (Morris dances). Otras modalidades fueron: el carol, el estampie, el branle, el
saltarello y la tarantela.4

Renacimiento
La danza renacentista tuvo una gran revitalización, debida al nuevo papel preponderante
del ser humano sobre la religión, de tal manera que muchos autores consideran esta
época el nacimiento de la danza moderna. Se desarrolló sobre todo en Francia –donde fue
llamado ballet-comique–, en forma de historias bailadas, sobre textos mitológicos clásicos,
siendo impulsado principalmente por la reina Catalina de Médicis. Se suele considerar que
el primer ballet fue el Ballet comique de la Reine Louise (1581), de Balthazar de
Beaujoyeulx. Las principales modalidades de la época eran la gallarda, la pavana y el
tourdion. En esta época surgieron los primeros tratados sobre danza: Domenico da
Piacenza escribió De arte saltandi et choreas ducendi, siendo considerado el primer
coreógrafo de la Historia; Thoinot Arbeau hizo una recopilación de danzas populares
francesas (Orchesographie, 1588).5

Barroco
La danza barroca siguió desarrollándose nuevamente en Francia (ballet de cour), donde
hizo evolucionar la música instrumental, de melodía única pero con una rítmica adaptada
a la danza. Fue patrocinada especialmente por Luis XIV, que convirtió la danza en grandes
espectáculos (Ballet de la Nuit, 1653, donde intervino el rey caracterizado de sol), creando
en 1661 la Academia real de Danza. Como coreógrafo destacó Pierre Beauchamp, creador
de la danse d'école, el primer sistema pedagógico de la danza. Las principales tipologías
fueron: minuet, bourrée, polonaise, rigaudon, allemande, zarabande, passepied, gigue,
gavotte, etc. En España también se dieron diversas modalidades de danza: seguidilla,
zapateado, chacona, fandango, jota, etc.6

Baile social del siglo XVIII.

En el siglo XVIII -la época del Rococó- continuó la primacía francesa, donde en 1713 se
creó la Escuela de Ballet de la Ópera de París, la primera academia de danza. Raoul-Auger
Feuillet creó en 1700 un sistema de notación de danza, para poder transcribir por escrito
la diversa variedad de pasos de danza. En esta época la danza comenzó a independizarse
de la poesía, la ópera y el teatro, consiguiendo autonomía propia como arte, y formulando
un vocabulario propio. Se empezaron a escribir obras musicales solo para ballet,
destacando Jean-Philippe Rameau –creador de la opéra-ballet–, y comenzaron a surgir
nombres de bailarines destacados, como Gaetano Vestris y Marie Camargo. A nivel
popular, el baile de moda fue el vals, de compás ¾, mientras que en España surgió el
flamenco.7

Durante el neoclasicismo el ballet experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias al

aporte teórico del coreógrafo Jean-Georges Noverre y su ballet d'action, que destacaba el
sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un mayor naturalismo y
una mejor compenetración de música y drama, hecho perceptible en las obras del
compositor Christoph Willibald Gluck, que eliminó muchos convencionalismos de la danza
barroca. Otro coreógrafo relevante fue Salvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al
«cuerpo de ballet», el conjunto que acompaña a los bailarines protagonistas, que cobró
independencia respecto de estos.8
Romanticismo
La danza romántica recuperó el gusto por los bailes populares, las danzas folklóricas,
muchas de las cuales sacó del olvido. Surgió el clásico vestuario de ballet (el tutú),
aparecido por primera vez en el Ballet de las Monjas de Robert le Diable (1831), de
Giacomo Meyerbeer. Se empezó a componer música puramente para ballet, destacando
Coppélia (1870), de Léo Delibes. En el aspecto teórico, destacó la figura del coreógrafo
Carlo Blasis, principal creador del ballet moderno en cuanto codificó todos los aspectos
técnicos concernientes a la danza: en El código de Terpsícore (1820) relacionó la danza
con las otras artes, efectuando estudios de anatomía y movimientos corporales,
ampliando el vocabulario relativo a la danza, y distinguiendo varios tipos de bailarines
según su físico. También introdujo el baile sobre las puntas de los pies, en el que
destacaron Marie Taglioni y Fanny Elssler. En bailes populares, continuó la moda del vals,
y aparecieron la mazurca y la polca.9

Representación de El cascanueces, de Piotr Chaikovski.

A mediados del siglo XIX, con el nacionalismo musical, el centro geográfico en cuanto a
creación e innovación pasó de París a San Petersburgo, donde el Ballet Imperial alcanzó
cotas de gran brillantez, con un centro neurálgico en el Teatro Mariinski –y,
posteriormente, en el Teatro Bolshói de Moscú–. La figura principal en la conformación
del ballet ruso fue Marius Petipa, que introdujo un tipo de coreografía narrativa donde es
la propia danza la que cuenta la historia. Hizo ballets más largos, de hasta cinco actos,
convirtiendo el ballet en un gran espectáculo, con deslumbrantes puestas en escena,
destacando su colaboración con Piotr Chaikovski en tres obras excepcionales: La bella
durmiente (1889), El cascanueces (1893) y El lago de los cisnes (1895). A nivel popular, el
baile más famoso de la época fue el can-can, mientras que en España surgieron la
habanera y el chotis.10

Danza contemporánea
La danza contemporánea se inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso adquirido a
finales del siglo XIX: Mijaíl Fokin dio más importancia a la expresión sobre la técnica; su
obra Chopiniana (1907) inauguraría el «ballet atmosférico» –solo danza, sin hilo
argumental–. Serguéi Diáguilev fue el artífice del gran triunfo de los Ballets Rusos en París,
introduciendo la danza en las corrientes de vanguardia: su primer gran éxito lo obtuvo con
las Danzas polovtsianas de El príncipe Ígor de Aleksandr Borodín (1909), al que siguieron El
pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913), de Ígor
Stravinski; por último, Parade (1917) fue un hito dentro de la vanguardia, con música de
Erik Satie, coreografía de Léonide Massine, libreto de Jean Cocteau y decorados de Pablo
Picasso. En el grupo de Diáguilev destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky, Anna Pávlova y
Tamara Karsávina. Con la Revolución soviética el ballet ruso pasó a ser un instrumento de
propaganda política, perdiendo gran parte de su creatividad, aunque surgieron grandes
bailarines como Rudolf Nuréyev y Mijaíl Barýshnikov, y se produjeron obras memorables
como Romeo y Julieta (1935) y Cenicienta (1945), de Serguéi Prokófiev, y Espartaco
(1957), de Aram Jachaturián. También alcanzó notoriedad el sistema pedagógico ideado
por Agrippina Vagánova.

Ballets Rusos (1912), de August Macke, Kunsthalle, Bremen.

La danza expresionista supuso una ruptura con el ballet clásico, buscando nuevas formas
de expresión basadas en la libertad del gesto corporal, liberado de las ataduras de la
métrica y el ritmo, donde cobra mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación
con el espacio. Su principal teórico fue el coreógrafo Rudolf von Laban, quien creó un
sistema que pretendía integrar cuerpo y alma, poniendo énfasis en la energía que emanan
los cuerpos, y analizando el movimiento y su relación con el espacio. Este nuevo concepto
quedaría plasmado con la bailarina Mary Wigman. De forma independiente, la gran figura
de principios de siglo fue Isadora Duncan, que introdujo una nueva forma de bailar,
inspirada en ideales griegos, más abierta a la improvisación, a la espontaneidad.

En el período de entreguerras destacaron las escuelas francesa y británica, así como el

despuntar de los Estados Unidos. En Francia, el Ballet de la Ópera de París volvió al
esplendor de la era romántica, gracias sobre todo a la labor de Serge Lifar, Roland Petit y
Maurice Béjart. En Gran Bretaña destacaron figuras como Marie Rambert, Ninette de
Valois, Frederick Ashton, Antony Tudor, Kenneth MacMillan, Margot Fonteyn, etc. En
Estados Unidos, donde había escasa tradición, se consiguió en poco tiempo llegar a un alto
nivel de creatividad y profesionalización, gracias en primer lugar a pioneras como Ruth
Saint Denis, Martha Graham, Doris Humphrey y Agnes De Mille. El ruso George Balanchine
–surgido de la compañía de Diáguilev– se instaló allí en 1934, donde fundó la School of
American Ballet, y produjo espectáculos que lo renombraron como uno de los mejores
coreógrafos del siglo. En los años 1950 y 1960 destacó la actividad innovadora de Merce
Cunningham que, influido por el expresionismo abstracto y la música aleatoria de John
Cage, introdujo la danza basada en la casualidad, el caos, la aleatoriedad (chance
choreography). Otro gran hito de la época fue el West Side Story (1957) de Jerome
Robbins.
Con Paul Taylor la danza entró en el ámbito de la posmodernidad, con un manifiesto
inicial en su Duet (1957), donde permanecía inmóvil junto a un pianista que no tocaba el
piano. La danza posmoderna introdujo lo corriente y lo cotidiano, los cuerpos ordinarios
frente a los estilizados de los bailarines clásicos, con una mezcolanza de estilos e
influencias, desde las orientales hasta las folklóricas, incorporando incluso movimientos
de aerobic y kickboxing. Otros coreógrafos posmodernos fueron Glen Tetley, Alvin Ailey y
Twyla Tharp. En las últimas décadas del siglo destacaron coreógrafos como William
Forsythe y Mark Morris, así como la escuela holandesa, representada por Jiří Kylián y Hans
van Manen, y donde también se formó el español Nacho Duato. A nivel de bailes
populares, en el siglo XX ha existido una gran diversidad de estilos, entre los que se puede
remarcar: foxtrot, charlestón, claqué, chachachá, tango, bolero, pasodoble, rumba,
samba, conga, merengue, salsa, twist, rock and roll, moonwalk, hustle, breakdance, etc.11

Véase también
Ballet cortesano
Ballet de acción
Ballet romántico
Ballet español
Ballet moderno
Opéra-ballet
Baile de salón
Danza folclórica
Danza contemporánea

El Renacimiento y el Nacimiento del

Ballet
El advenimiento del Renacimiento trajo una nueva actitud hacia el cuerpo, las artes y la
danza. Las cortes de Italia y Francia se convirtieron en el centro de nuevos desarrollos en
la danza gracias a los mecenazgos a los maestros de la danza y a los músicos que crearon
grandes danzas a escala social que permitieron la proliferación de las celebraciones y
festividades. Al mismo tiempo la danza se convirtió en objeto de estudios serios y un
grupo de intelectuales autodenominados la Pléyade trabajaron para recuperar el teatro de
los antiguos griegos, combinando la música, el sonido y la danza.

En la corte de Catalina de Medici (1519-1589), la esposa italaiana de Enrique II, nacieron

las primeras formas de Ballet de la mano del genial maestro Baltasar de Beauyeulx. En
1581, Baltasar dirigió el primer ballet de corte, una danza idealizada que cuenta la historia
de una leyenda mítica combinando textos hablados, montaje y vestuario elaborados y una
estilizada danza de grupo. En 1661, Luis XIV de Francia autorizó el establecimiento de la
primera Real Academia de Danza. En los siglos siguientes el ballet se convirtió en una
disciplina artística reglada y fué adaptándose a los cambios políticos y estéticos de cada
época.

Las danzas sociales de pareja como el Minuet y el Vals comenzaron a emerger como
espectáculos dinámicos de mayor libertad y expresión. En el siglo XIX, la era del ballet
romántico refleja el culto de la bailarina y la lucha entre el mundo terrenal y el mundo
espiritual que trascende la tierra, ejemplarizado en obras tales como Giselle (1841), Swan
Lake (1895), y Cascanueces (1892).

Al mismo tiempo, los poderes políticos de Europa colonizaron Africa, Asia y Polinesia
donde prohibieron y persiguieron las danzas y los tambores por considerarlos bastos y
sexuales. Esta incomprensión de la danza en otras culturas parece cambiar al final de la
Primera Guerra Mundial y las danzas de origen africano y caribeño crean nuevas formas
de danza en Europa y en América.

LA DANZA CONTEMPORANEA
la danza contemporánea o moderna es un estilo creado para expresar los sentimientos.
Así como los sentimientos cambian, los bailarines contemporáneos deben cambiar
constantemente. Es importante el individualismo, la abstracción y la entrega al arte.

Los bailarines tienen poco en común además del rechazo de las tradiciones existentes y
del deseo de reexaminar los principios fundamentales de la danza como medio de
comunicación.

Diferencias entre el ballet y la danza contemporánea

Ballet

Las formas siempre son graciosas y bellas.

El cuerpo necesita tener una forma en particular y desde niños se trabaja en eso.

Se trabaja movimientos elevados y saltos.

Los pasos básicos están rígidamente definidos

La coreografía sigue una historia y tiene varios personajes.

Se baila con ropas y zapatos especiales.

En el pas de deux, el hombre carga a la mujer en formas definidas.

Danza Contemporánea

Las formas muestran lo bonito y lo feo de la vida

El cuerpo puede pesar o medir lo que sea mientras este fuerte y flexible.

Se trabaja en el suelo y en saltos con caídas.

Hay muchos estilos de pasos

La coregografía se basa en ideas y sentimientos.

Se baila con la ropa que sea. Por lo general bailan descalzos.

Uno o más hombres cargan a la mujer o a otros hombres de maneras inusitadas. Inclusive
la mujer carga al hombre.

Historia
Los orígenes del movimiento datan de finales del siglo XIX cuando bailarinas como las
estadounidenses Loie Fuller, Isadora Duncan, Ruth Saint Denis, Martha Graham, Doris
Humphrey y la alemana Mary Wingman sintieron demasiadas restricciones en el ballet
para expresarse. Aunque el movimiento se dio simultaneamente por diferentes artistas,
puede decirse que empezo en 1900's con los primeros recitales de Loie Fuller en la
exposición universal de Paris y de Isadora Duncan en Londres. Loie Fuller trabajo en la
transformación de su cuerpo en una flor o una mariposa.

Isadora Duncan

Ella explotó la capacidad de las nuevas tecnologías, al bailar en una nube de seda
iluminada por los nuevos sistemas eléctricos de la iluminación teatral. Isadora Duncan
utilizó los ideales del antiguo arte griego para inspirar formas más naturales de danza.
Duncan utilizó el cuerpo humano como un instrumento de expresión emocional. Su vida y
su muerte hicieron de Isadora una figura mística de la danza.

RutH St Denis

En 1915, Ruth St. Denis funda con su esposo Ted Shawn, estudiante de teología, fundan la
escuela Denishawn en Los Angeles, USA. En esta escuela se exploran movimientos de la
danza india, la danza española y bailes africanos. Además incorporaba movimientos de las
artes marciales como el tai chi. En esta escuela estudiaron grandes exponentes de la
danza como Martha Graham, Doris Humphrey y Charles Wiedman. Lamentablemente la
escuela cerró en 1932 trás la separación de Ruth y Ted.

Mary Wigman
Mary Wigman, asistente de Laban (creador de la notación Labiana), crea su propia escuela
en 1920. Ella fue famosa por crear una serie de solos famosos (Hungarian Dances, Danses
de la nuit) e impulsar la danza contemporanea en Europa.

Martha Graham,

Martha Graham, ex-alumna de St.Denis, funda en 1927 su propia escuela basada en la

relajación-contracción del cuerpo. Sus obras están inspiradas en la historia americana
(Primitive Mysteries, Frontier, Appalachian Spring) y en la mitología (Cave of the Heart,
Errand into the Maze, Hérodiade, etc.). Dejo de bailar en el escenario a los 75 años y su
última coreografía (Mapple Leaf Rag) la creo a los 96 años, una verdadera Matusalem de
la danza.

Doris Humphrey

Otra ex-alumna de St Denis, Doris Humphrey pone en práctica la técnica de control y

abandonamiento, de la busqueda de equilibrio en el desequilibrio del cuerpo con sus
coreografías (The Shakers, New Dance Trilogy, Salón México). Victima de artritis en 1945,
se dedica a dirigir la compañia de su alumno más destacado, José Limón.

José Limon
Mexicano de origen, José Limón crea un estilo viril y feroz (La Pavane du Maure)que a la
vez busca una profunda espiritualidad (There is a time). Su compañia es una de las pocas
en Estados Unidos que han sobrevivido a su muerte.

Merce Cunningham

Merce Cunningham, ex-alumno de Martha Graham, crea su compañía en 1953 donde

enfatiza una posición vertical en piernas y brazos elegantes. Utiliza muchos ejercicios con
demi-pliés y ejercicios en pointé en distintas direcciones (Points in Space). Otros
coreografos norteamericanos destacados, que le imprimieron a la danza un goze por la
vida y un particular sentido del humor, fueron Paul Taylor, Alwin Nikolais, el étnico Alvin
Ailey o Twyla Tharp que dirigió al legendario Mikhaïl Barychnikov.
DICCIONARIO DE LA DANZA

Adagio

Movimiento lento que se realiza solo o acompañado.

La primacía clásica del pas de deux, en el cual la bailarina es ayudada por su compañero
masculino y así realiza los movimientos lentos y elevaciones, en el cual en los ascensos el
bailarín apoya o lleva a la bailarina. La bailarina así, realiza pasos y alcanza las posturas
que le serían imposibles sin la ayuda de su compañero.

Allégro

Enérgico, animado. Un término que se aplica a todos los movimientos brillantes y

enérgicos. Todos los pasos de saltos tales como el entrechat, cabriole, assemblé, jeté etc.
se realizan bajo esta clasificación.

Arabesque

Una de las posiciones básicas en ballet clásico. Es una posición del cuerpo que ha de
ponerse de perfil, apoyado respecto a una pierna, que puede ser recta o demi-plié o en
relevè, y la otra pierna levantada detrás y estirada. Los brazos se encuentran sostenidos
en las varias posiciones que crean la línea más larga y estilizada. Los hombros se deben
sostener cuadrados a la línea de la dirección. Las formas del arabesque varían. El método
de Cecchetti utiliza cinco arabesques principales; la escuela rusa (Vaganova), cuatro; y la
escuela francesa, dos.

Arrière, en

Hacia atrás. Una dirección para la ejecución de un paso. Término para indicar que un paso
es ejecutado hacia atrás.
Assemblé

Montado o unido juntos. Un paso en el que el pie que trabaja se desliza por el suelo antes
de elevarse por el aire. Como el pie entra en el aire, el bailarín se eleva del suelo con la
pierna de apoyo. Ambas piernas una vez realizado el salto bajan a tierra simultáneamente
en la quinta posición. Assemblés pueden ser petit o grand según la altura del battement y
es ejecutado devant, derrière, en avant, en arrière y en tournant. También puede ser
hecho batido.

Attitude

Es una posición en una pierna (como arabesque) con la diferencia que la que se encuentra
levantada flexiona la rodilla doblándola en un ángulo de 90 grados. El pie de soporte
puede ser terre, demi-pointe o pointe. Los brazos se encuentran sostenidos en las varias
posiciones que crean la línea más larga y estilizada. Los hombros se deben sostener
cuadrados a la línea de la dirección.

Avant, en

Delante. Una dirección para la ejecución de un paso. Indica que un paso debe ser
ejecutado hacia adelante.

Balancé

Paso oscilante. Este paso es muy parecido al movimiento del Valse y es una alternación de
equilibrio, cambiando el peso de un pie al otro.

Barre – Barra
La barra de madera se encuentra en posición horizontal, sujeta a las paredes de la sala de
clase del ballet para que el bailarín se apoye y practique los ejercicios. Cada clase del
ballet clásico comienza con ejercicios en la barra.

Ballonné Pas

Salto. Un paso en el cual el bailarín salta encima de el piso, con el pie sur le cou-de-pie,
hace una pausa en el aire y desciende ligera y suavemente. Sólo hace el movimiento de
rebotar en el aire con una pierna como si pateara una pelota. El ballonné se puede
ejecutar con el cuerpo en todas las direcciones.

Battement

Acción que consiste en sacar la pierna extendida. Hay dos tipos de battements: grands
battmente y petites battmente. Los battements petis son: tendus, dégagés, frappés. Los
grand battement en cloche y estirado.

Battement Dégagé

El battement dégagé es similar al battement tendu pero se hace mas rápido y el pie de
trabajo se levanta cerca de cuatro pulgadas del piso con el pie bien acentuado. Al cerrar
resbala nuevamente hacia dentro de la primera o quinto posición. Los dégagés consolidan
los dedos del pie, desarrollan el empeine y mejoran la flexibilidad del empalme del tobillo.

Battement Cloche

Como una campana. Se refiere a grands o petites battements ejecutado continuamente

devant y derrière por la primera posición.

Battement Fondú
Es un ejercicio en el cual la pierna soporte está doblada lentamente en demi plie (como
hundiéndose abajo) y el pie que trabaja señala el tobillo y se estira hacia el suelo o hacia el
aire. Mientras que se endereza la pierna soporte se extiende. El fondu puede ejecutarse
con punta en el piso o en el aire. Se puede ejecutar en varias posiciones: al frente, al lado
o atrás.

Battement Frappé

Battement pulsado. Un ejercicio en el cual el bailarín poderosamente amplía la pierna de

trabajo de una posición cou de pie a varias posiciones: al frente, al lado o a la parte
posterior. Este ejercicio consolida los dedos del pie y los empeines y desarrolla la energía
de las puntas. Es la base del allegro.

Battement Petite Sur le cou-de Pie

Battement pequeño en el tobillo. Ejercicio en la barra en la cual la pierna que trabaja se

encuentra en posición cou-de-pie moviéndola hacia hacia fuera y adentro rápidamente.

Battement Tendú

Battement estirado. Es un ejercicio para forzar los empeines hacia fuera. El pie de trabajo
sale de la primera o quinto posición hacia la segunda o cuarta posición sin la elevación del
dedo del pie de la tierra. Ambas rodillas se deben mantener estiradas. Cuando el pie
alcanza el tendue del pointe de la posición, entonces vuelve a la primera o quinto
posición. El battements tendus se puede también hacer con el cuerpo en varias
posiciones.

Battement Grand

Battement grande. Un ejercicio en el cual la pierna de trabajo se levanta en el aire con

fuerza (sin mover las caderas) y vuelve a su posición original otra vez. El acento de este
movimiento es hacia arriba y ambas rodillas estiradas. La función de los grands
battements es aflojar los empalmes de la cadera. Los grands battements se pueden tomar
el seconde, devant y derrière.

Battu

Batido. Cuando un paso es mezclado con un golpe entre de pies, se llama battu.

Bras

Brazos en preparación. Esto es “la preparación” del bailarín. Los brazos formaran un
círculo con las palmas enfrentadas y los dedos a la altura de los muslos en forma de
círculo.

Bras Posiciones

Posiciones de los brazos. Aunque las posiciones de los pies son estándares en todos los
métodos, las posiciones de los brazos cambian según cada uno. Cada método tiene su
propio sistema. El método de Cecchetti tiene cinco posiciones estándares con un derivado
de la cuarta posición y de la quinto posición. La escuela francesa tiene una posición
preparatoria y cinco posiciones estándares. La escuela rusa tiene una posición
preparatoria y tres posiciones estándares de los brazos.

Brisé

Roto, rotura. Un pequeño batido o latido de pies. Los Brisés son comenzados con un o dos
pies y al final decaen a un o dos pies. Ellos son dessous, en avant y en arrière.
Fundamentalmente un brisé es un assemblé golpeado y desplazado. La pierna que trabaja
sale de la quinta posición a la segunda posición para que el punto del pie salga unas
pulgadas de la tierra, y golpee delante o detrás de la otra pierna, que ha venido para
encontrarlo; entonces ambos pies vuelven a la tierra simultáneamente del demi-plié a la
quinta posición.
Ballet

Un trabajo realizado en el ámbito de teatro, en la cual un coreógrafo ha expresado sus

ideas hacia un grupo o bailarines o solistas, junto a un acompañamiento musical con los
trajes apropiados, el decorado y luces. No siempre un Ballet se basa en un argumento. La
danza clásica o ballet es una forma de contar una historia utilizando el movimiento del
cuerpo. El ballet es uno de los bailes que requiere entrenamiento desde una temprana
edad, sobretodo si se quiere llegar a ejecutar profesionalmente. El ballet clásico es la base
necesaria como preparación para cualquier otro estilo de baile.

Ballet Clásico

Un ballet clásico en el cual el estilo y la estructura adhieren al marco definido que se

estableció en el siglo XIX. La extravagancia de las cortes imperiales es reflejada en este
estilo. La función principal es mostrar técnica pulida. Por lo general un ballet clásico se
compone de 3 etapas: pas de deux o adagio, solos o variaciones y un pas de deux final o
coda. Las mujeres utilizan vestidos de cuento de hadas o vestidos cortos y levantados
llamados tutús. Marius Petipa y Lev Ivanov hicieron las coreografías de las obras clásicas
más aclamadas. Los ejemplos de ballet clásicos son: Coppélia, La Bella Durmiente, El Lago
de los Cisnes entre otros.

Ballet de Diághilev

Este estilo fue inventado por el ruso Mikhail Fokine que colaboró con Sergei Diághilev que
coordinaba a músicos, coreógrafos, compositores y diseñadores para crear obras
maestras. Este estilo es menos rígido, son de un solo acto y utiliza hombres y mujeres por
igual. Anna Pavlova, famosa por “The Dying Swan”, y Vaslav Nijinsky fueron los
representantes de este estilo.

Ballet moderno

Después de la muerte de Diághilev en 1929, nuevos estilos surgieron. La danza

contemporánea llegó a ser un movimiento aparte teniendo diferencias notables con el
ballet.
Bailarina

La bailarina principal de una compañía de Ballet Clásico. En los días de los teatros
imperiales rusos, el título fue dado a los solistas excepcionales que bailaron los principales
papeles clásicos. En el Teatro de Maryiinski en St. Petersburgo la compañía del ballet
clásico consistió en: bailarinas, bailarines de primeros puestos, primero y los segundos
solistas, los coreógrafos y el cuerpo de baile.

Ballet master

La persona en una compañía del ballet clásico que su deber es dar a la compañía
diariamente la clase y ensayar los ballet clásicos del repertorio de la compañía.

Balletómane

Un entusiasta del ballet clásico. La palabra fue inventada en Rusia al principio del XIX.

Ballet romántico

Un estilo del ballet clásico producido a principios del siglo XIX, en el cual era importante
basar el ballet en una historia de amor. Un ejemplo de ballet clásicos románticos es la
Sylphide.

Brisé de volé

Brisé volado. En este brisé el bailarín termina sobre un pie después de haber sido batido y
la otra pierna cruzada atrás. La composición de este paso es un movimiento fouetté con
un jeté battu. En las Escuelas rusas y francesas la pierna levantada termina sur le cou-de –
pied, devant o derrière, y el brisé volé es hecho como un jeté battu. En el método
Cecchetti, el pie que trabaja pasa por la primera posición a la cuarta posición, los tobillos
son golpeados juntos.

Cou-de-pied, sur le

Sobre “el cuello del pie”. El pie que trabaja es colocado en la parte de la pierna entre la
base del talón y el principio del tobillo.

Cabriole

Un paso del allegro en el cual las piernas extendidas se baten en el aire. Los Cabrioles se
divide en dos categorías: petite, que se ejecutan en 45 grados, y grandes, que se ejecutan
en 90 grados. La pierna de trabajo se empuja en el aire, la pierna que esta debajo la sigue
y la golpea enviándola más arriba. El aterrizaje entonces se hace primero con la pierna que
esta debajo. El cabriolé puede ser hecho devant, derrière y á la seconde; y en cualquier
posición del cuerpo, como croisé, effacé, écarté, etc.

Changement de pieds

Cambio de pies. El término se abrevia generalmente al changement. Changements son los

pasos que salen en la quinto posición, los pies del bailarín que cambian en el aire y el
aterrizaje en la quinto posición con el pie opuesto en el frente. Pueden ser simples y
batidos.

Chassé

Perseguido. Un paso en el cual un pie persigue literalmente el otro pie de su posición;

hecho en una serie.

Croisé
Cruzado. Una de las direcciones del épaulement. La travesía de las piernas con el cuerpo
puesto en un ángulo oblicuo del frente. La pierna desunida se puede cruzar en el frente o
en la parte posterior.

Côté, de

De lado. Usado para indicar que un paso debe ser hecho al lado, o sea a la derecha o a la
izquierda.

Croix, en

En forma de cruz. Indica que un ejercicio debe ser ejecutado a la cuarta delante, a la
segunda posición y a la cuarta posición atrás, o viceversa. Como, por ejemplo, en
battements tendus en croix.

Centre practice

La práctica en el centro, o ejercicios al medio de la clase. Es el nombre dado a un grupo de

ejercicios similares a los de la barra, pero realizado en el espacio sin el apoyo de la barra.
Estos ejercicios por lo general son realizados alternadamente de ambos pies y son
inestimables para la obtención de un buen equilibrio y control corporal.

Coreografía

Término utilizado para describir los pasos de progresión, las agrupaciones y los modelos
reales de un ballet clásico o de una composición de la danza.

Coda

El final de un ballet clásico en el cual todos los bailarines principales aparecen por
separado o con sus acompañantes. La danza final del paso clásico a dos, a tres o a cuatro.
Dessous

Bajo. Indica que el pie que trabaja pasa detrás del pie de apoyo. Como, por ejemplo, in pas
de bourrée dessous.

Dessus

Indica que el pie que trabaja pasa delante del pie de apoyo. Como, por ejemplo, in pas de
bourrée dessus.

Dedans, en

Hacia dentro. En pasos y ejercicios el término dedans indica que la pierna, en una posición
à terre o en l’air, se mueve en una dirección circular, en sentido contrario a las agujas del
reloj. Como, por ejemplo, en rond de jambe à terre en dedans. En piruetas, el término
indica que una pirueta es hecha hacia adentro, hacia la pierna de apoyo.

Dehors, en

Externo. En pasos y ejercicios el término en dehors indica que la pierna, en una posición à
terre o en l’air, se mueve en una dirección circular, en el sentido de las agujas del reloj.
Como, por ejemplo, en rond de jambe à terre en dehors. En piruetas el término indica que
una pirueta es hecha externa hacia la pierna que trabaja.

Demi-plié

Mitad flexión de las rodillas. Todos los pasos de la elevación comienzan y terminan con un
demi-plié. Vea Plié.
Derrière

Detrás, atrás. Este término puede referirse a un movimiento, el paso o la colocación de un

miembro atrás (trasero) del cuerpo. En relación a un paso en particular, la expresión de
derrière implica que el pie que trabaja cierra atrás.

Devant

En frente. Este término puede referirse a un paso, el movimiento o la colocación de un

miembro delante del cuerpo. En la referencia a un paso particular la adición de la palabra
“devant” implica que el pie que trabaja es cerrado en el frente.

Développé, temps

El tiempo de desarrolló de un movimiento. Por el uso común el término se ha abreviado a

développé. Un développé es un movimiento en el que la pierna que trabaja es elevada al
nivel de la rodilla de la pierna de apoyo y despacio ampliada a una posición abierta en l’air
y sostenida allí con un control perfecto. Las caderas son mantenidas a nivel y en la
dirección en la que el bailarín se enfrenta.

Diagonale, en

En diagonal. Indica que un paso debe ser hecho en una dirección diagonal.

Écarté

Separado. Amplio. Écarté es una de las ocho direcciones del cuerpo (método Cecchetti).
En esta posición el bailarín afronta cualquiera de las dos esquinas delanteras del espacio
(cuarto). La pierna más cerca a la audiencia señala a la segunda posición à terre o
levantada a la segunda posición en l’air. El torso es sostenido en perpendicular. Los brazos
son sostenidos en la actitud del brazo levantado que ha de ser sobre el mismo lado que la
pierna ampliada.
Échappé

Deslizar el movimiento. Un échappé es una abertura de ambos pies de una posición

cerrada a una posición abierta. Hay dos clases de échappés: échappé sauté, que es
saltado, y echeppé sur les pointes o demi-pointes, que se hace con un relevé y tiene las
rodillas rectas cuando la posición es abierta. En cada caso los échappés se hacen a la
segunda o cuarta posición, ambos pies que viajan una distancia igual del centro de
gravedad original.

Échappé sur le pointes

Échappé sobre las puntas. Desde la quinta posición de pie cambiando al otro pie. Se abren
los pies a la segunda o cuarta posición sobre las puntas de las zapatillas de ballet. Los pies
deberían deslizarse rápidamente a la posición abierta y ambos pies deben moverse
uniformemente a la posición del comienzo. Finalizado la ejecución en la posición abierta
deben mantenerse las rodillas tensas. Con un pequeño salto a la quinta posición en demi-
plié se termina este movimiento. Si el échappé es hecho en la segunda posición el pie de
derecho puede cerrarse delante o detrás. En échappé a la cuarta posición puede ser croisé
o effacé, el movimiento puede hacerse de la quinta posición a la cuarta posición sin el
cambio.

Effacé, effacée

Sombreado. Una de las direcciones de épaulement en el que el bailarín está de pie en un

ángulo oblicuo al frente, para que una parte del cuerpo sea conducida y casi ocultada de la
vista. Esta dirección es llamada “ouvert” en el método francés. Effacé también es usado
para calificar una postura en la que las piernas son abiertas (no cruzadas). Esta postura
puede ser tomada devant o derrière, o sea à terre o sea en l’air.

En l’ aire

En el aire. Indica que un movimiento debe ser hecho en el aire.

Enrico Cecchetti

Bailarín italiano y maestro de ballet clásico (1850-1928) nació en Roma, y fue el hijo de
Cesare Cecchetti y Serafina Casagli. Estudió con Giovanni Lepri, quien era una pupila del
gran bailarin Carlo Blasis, e hizo su estreno en La Scala de Milán, en 1870. En su juventud
Viajó por Europa como primer bailarín e hizo su estreno en el Teatro Maryinski, San
Petersburgo, en 1887. Aceptó la posición de segundo profesor de ballet clásico en el
Teatro Maryinski en 1890 y dos años más tarde lo nombran profesor en la Escuela
Imperial. Sus pupilas fueron Pavlova, Nijinsky, Karsavina, Fokine, Preobrajenska,
Kchessinska y Egorova. En 1902 fue a Varsovia, donde se desempeñó como director de la
Escuela Imperial, y en 1905 volvió a Italia. Con el paso del tiempo regresa a Rusia donde
abre una escuela privada y se sonvierte en el maestro de ballet de Anna Pavlova. Cuando
la célebre bailarina alcanza el estrellato, Cechetti se desempeña como su instructor
personal viajando por el mundo con ella. De 1909 a 1918 era el maestro oficial de los
Ballet Clásico Diaghilev. De 1918 hasta 1923 abre una escuela privada en Londres.
Cecchetti finalmente regresa a Italia y lo nombran profesor de ballet clásico en el Teatro
La Scala en 1925. Dedicó el resto de su vida a la enseñanza y la perfección de sus métodos.

Entrechat

Entretejimiento o trenza. Un paso de saltos en la que el bailarín brinca en el aire y

rápidamente cruza las piernas antes y detrás del uno al otro. Entrechats son contados de
dos a diez según el número de cruces requeridos y contando cada cruce como dos
movimientos, un por cada pierna; es decir en un entrechat quatre cada pierna hace dos
movimientos distintos.

Entrechat seises

Seis cruces. Demi-plié en la quinta posición con el pie derecho. Con un salto fuerte
abriendo las piernas, golpee la pierna derecha detrás de la izquierda, abra las piernas,
golpee la pierna derecha delante de la izquierda, abra las piernas y el fin en demi-plié en la
quinta posición el pie de derecho atrás.
Entrada de brazos

Ésta es una posición de los brazos, en los cuales los mismos se sostienen redondeados
delante del cuerpo con las yemas del dedo al mismo nivel del fondo del esternón. Esta
posición corresponde a la quinta de la posición avant (del método de Cecchetti y de la
primera posición de las escuelas rusas y francesas). Cuando los brazos se levantan de una
posición baja alta, los brazos pasan generalmente a través de la entrada.

Escuela francesa

La Escuela Francesa de Ballet Clásico comenzó en las ceremonias del tribunal de los
monarcas franceses. Louis XIV estudiado con el amo del famoso ballet clásico de Pierre
Beauchamp y estableció la primera academia de baile, conocida como Académie Royale
de Musique et de Danse, en París en 1661. La Escuela de Danza de la Ópera ha sido
fundada en 1713 y ahora pertenece a la Escuela de Danza del Teatro Nacional de la Opera
de París. Entre sus maestros de ballet clásico más famosos han sido Beauchamp, Pécour,
Lany, Noverre, G. y A. Vestris, M. y P. Gardel, F. Taglioni, Mazilier, Saint-Léon, Mérante,
Staats, Aveline y Lifar. Destacan de la Escuela francesa su elegancia y movimientos suaves,
llenos de gracia más que el virtuosismo técnico de la escuela rusa. Su extensión de
influencia en todas partes de Europa y es la base de toda la educación de ballet clásico.

Escuela italiana

La Academia de Baile Imperial se unió a La Scala de Milán en 1812. Su período más gran
comenzó cuando Carlo Blasis, el bailarín italiano y el profesor, se hizo su director en 1837.
Blasis publicó dos manuales, Tratado sobre el Arte de Baile y el Código de Terpischore, en
el que él codificó su enseñanza de métodos y todo lo que supieron de técnica de ballet
clásico. Estos libros forman la base de nuestra educación (entrenamiento) moderna
clásica. Blasis formó a la mayor parte de los bailarines famosos italianos de la época, y a su
pupila Giovanni Lepri; era el profesor de Enrico Cecchetti, uno de los profesores más
grandes en la historia de ballet clásico. Caracteriza a la escuela italiana su técnica fuerte,
brillante y el virtuosismo de sus bailarines, quien asombró a la audiencia con sus pasos
difíciles y vueltas brillantes.

Escuela rusa
La Escuela Rusa ha sido fundada en San Petersburgo en 1738 por el bailarín francés Jean –
Baptiste Landé. La influencia francesa fue continuada por grades profesores como Carlos
Picq, Carlos Didelot, Christian Johanssen, Julios Perrot, Arthur Saint-Léon y Marius Petipa.
En 1885 Virginia Zucchi, una bailarina famosa italiana, apareció en San Petersburgo y creó
sensación con su técnica poderosa y brillante italiana que se diferenció de la elegancia
suave, llena de gracia de la técnica francesa frecuente en Rusia hasta entonces. Otros
bailarines italianos como Enrico Cecchetti llegaron en Rusia y siguieron asombrando a los
rusos con su destreza asombrosa, piruetas brillantes, viajes y fouettés. Los bailarines rusos
rápidamente absorbieron todo que los italianos tuvieron que enseñar y lo incorporaron en
el sistema ruso. Así, la escuela rusa de ballet clásico es un desarrollo de las escuelas
francesas e italianas. Durante 1920 la bailarina rusa y profesora Agrippina Vaganova
desarrolla un sistema planeado de instrucción que más tarde se hizo sabido al mundo
entero como el sistema de Vaganova. Este sistema ha hecho el método básico de la
escuela entera soviética coreográfica.

Ejercicios en el centro

Es el nombre dado a un grupo de ejercicios similares a los de la barra, pero realizado en el

espacio sin el apoyo de la barra. Estos ejercicios por lo general son realizados
alternadamente de pies y son inestimables para la obtención de un buen equilibrio y
control corporal.

Ejercicios en la barra

Grupo de ejercicios realizados por el bailarín apoyado en una barra de una mano. Esta
barra, generalmente un trozo de madera cilíndrico, es sujetado horizontalmente a las
paredes de la clase de prácticas en una altura aproximadamente tres pies seis pulgadas
del suelo. La práctica de los ejercicios a la barra es el fundamento del ballet clásico, junto
con el pianista o música indicada para estos ejercicios. Cada lección de ballet clásico
comienza con estos ejercicios de barra. Está en la barra en entrenamiento fundamental
para los bailarines. Estos ejercicios son esenciales para desarrollar los músculos
correctamente, girando las piernas de las caderas y ganando el control y la flexibilidad de
las uniones y músculos.
Los ejercicios en la barra pueden ser simples o variados pero en general incluyen los
movimientos siguientes:

Pliés en primera posición de pies, segunda, cuarta y quinta.

Battements tendus.
Battements dégagés.
Battements fondus.
Ronds de jambe à terre.
Battements frappés.
Adagio.
Petits battements sur le cou-de-pied.
Ronds de jambe en l’air.
Grands battements.
Estiramientos.
Diccionario del ABT traducido al castellano por Danza Ballet® 2007 – 2013
Fuente: AMERICAN BALLET THEATRE www.abt.org

Estudio Ballet Barcelona®

Prof. Carolina de Pedro Pascual
www.ballet.barcelona
Danza Ballet® Vagánova
Body Ballet® & Detox Ballet®
-Desde 2003-
POSICIONES BÁSICAS DEL BALLET
Las posiciones y movimientos de ballet son numerosas. En el siglo XVII, en Francia, el rey
Luis XIV fundó en París la Academia Real de Danza, fue la primera escuela profesional de
baile. Por esta razón, gran parte de las posturas y de los movimientos tienen
denominación en el lenguaje francés. A continuación te describimos las cinco posiciones
básicas de los pies y las cinco posiciones básicas de los brazos en conjunto con las manos
que no admiten ninguna variación:
POSICIONES BÁSICAS DE LOS PIES

BALLET POSICIONES PIES

Primera posición: Los talones se juntan y los pies se giran hacia afuera hasta formar una
línea.
Segunda posición: Los pies se giran igual que en la primera posición, pero con las piernas
algo separadas. El espacio entre ellas debe ser el equivalente al largo de un pie.
Tercera posición: El talón de un pie se pone contra la parte central del otro.
Cuarta posición: los pies se cruzan de modo que el talón de un pie se encuentra a la misma
altura que los dedod del otro, y viceversa. Se debe dejar un espacio entre los pies
equivalente al largo de un pie.
Quinta posición: Los pies se cruzan de modo que el talón de un pie toque el dedo del otro,
y viceversa.

POSICIONES BÁSICAS DE LOS BRAZOS

BALLET POSICIONES BRAZOS
Primera posición: los brazos se colocan hacia abajo formando un óvalo.
Segunda posición: los brazos se abren ampliamente formando una línea con los hombros y
ligeramente curvados.
Tercera posición: Un brazo como en la primera posición y el otro como en la segunda.
Cuarta posición: un brazo curvado hacia adelante y el otro hacia arriba también
ligeramente curvado.
Quinta posición: Los brazos se colocan hacia arriba formando un óvalo.

BALLET POSICIONES