Universidad de Panamá

Facultad de Arquitectura y Diseño

Escuela de Arquitectura

Estudiante: Yorlenis Ríos

C.I.P.: 8-904-561
Código de Horario: 3407
Correo: yriosv.02@gmail.com
Cel.: 6680-0865

22 septiembre de 2021

MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS ENFOCADOS A LA

ARQUITECTURA
 INTRODUCCIÓN

Los movimientos artísticos son tendencias que están enfocadas al arte con creadores y
seguidores en un determinado período. Usualmente, estos movimientos se concentran una
región o país específico creando una cuna o escuela y que poco a poco, dependiendo de su
impacto, se va integrando a otras regiones.

Dichas escuelas con sus precursores, buscan crear un impacto que de manera artística expresan
no solamente sus críticas sociales o históricas, sino también relacionado a temas estéticos,
conceptuales y temas determinados. Cada movimiento cuenta con características muy bien
definidas y propias de la época.

Estos movimientos se proyectan en distintas áreas del arte y literatura, como lo son: la música,
la pintura, escultura y la arquitectura.
Los estilos son aquellas formas únicas e inconfundibles que posee un artista. Es así como se va
formando un movimiento, cuando un grupo se une para defender y seguir ese estilo.

A continuación, se presentarán cuatro (4) movimientos artísticos que han marcado un antes y un
después, no solamente en su región de inicio, sino a nivel mundial, siendo aplicado en todas las
ramas del arte. Cada una adaptando las características únicas de los movimientos y
adaptándolas a las diferentes ramas del arte.
 MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS

BAUHAUS

INICIOS

Antes del movimiento Bauhaus, las artes como la arquitectura y el diseño se valoraban más que
las artesanías (es decir, pinturas, trabajos en madera, etc.) según Bauhaus interiors, pero todas
las artesanías, incluido el arte, la arquitectura y el diseño geométrico, podían combinarse.

Bauhaus, que literalmente significa "Casa de Arquitectura", nació a principios del siglo XX como
una escuela de arte alemana. La escuela fundada por Walter Gropius eventualmente se convirtió
en un movimiento de arte moderno único con una arquitectura y métodos de diseño únicos. Hoy
en día, la Bauhaus es conocida por su estética única (la inteligente combinación de arte y
artesanía) y su influencia duradera en el arte contemporáneo.

PRINCIPAL EXPONENTE / CREADOR

El movimiento Bauhaus comenzó en 1919 cuando Walter Gropius fundó una escuela con la visión
de cerrar la brecha entre el arte y la industria combinando la artesanía con el arte.

Walter Gropius fundó Stadtlische Bauhaus,

una escuela dedicada a integrar todas las
ramas del arte bajo un mismo techo. La
escuela es el centro creativo más
experimental de Europa. Artistas famosos
como Josef Albers, Wassily Kandinsky y Paul
Klee proporcionaron su experiencia. La
Bauhaus existió como institución educativa en
tres ciudades: Weimar (1919-1925), Dessau
(1925-1932) y Berlín (1932-1933).
CARACTERÍSTICAS

Este auge ejemplar ilustra el uso caprichoso y relacionado en la disposición geométrica por la
que se conoce la Bauhaus. En el lenguaje único del artista, el énfasis cambia constantemente
entre la abstracción y la metáfora, la asociación narrativa y los símbolos esotéricos, según
Theartstory. Las formas brillantes que recuerdan a los vitrales se disponen asimétricamente,
formando un ritmo visual compuesto por líneas verticales, horizontales y diagonales.

La doctrina del movimiento Bauhaus es centrarse en "verdad a verdad". En otras palabras, el

material debe usarse de la manera más apropiada y "honesta", y su naturaleza no debe ser
alterada. Por ejemplo, soportes como el acero deben quedar expuestos y no pueden ocultarse
en el marco interno de los muebles.
A partir de la famosa frase "un camino activo, un movimiento libre sin meta", la influencia de esta
obra es tan grande que, como lo expresó el crítico Mark Hudson, tiene una gran reputación como
uno de los teóricos del arte contemporáneo. La metáfora de la germinación de este componente
se convirtió en el principio básico de la filosofía de diseño de la Bauhaus.

El movimiento Bauhaus revolucionó el diseño y la fabricación de muebles modernos al utilizar el

acero como soporte de marcos, mesas, sillas, sofás e incluso lámparas. El uso de tubos de acero
mecánicos producidos en masa ha contribuido a la apariencia moderna y aerodinámica de los
muebles Bauhaus, y su forma simple casi no requiere mano de obra ni decoración.

EXPONENTES / ARTISTAS DEL MOVIMIENTO

La historia de la Escuela Bauhaus está muy ligada a la ciudad alemana de Weimar. De hecho,
fue allí donde se fundó esta academia de arte. Los principales exponentes de la Escuela
Bauhaus fueron, entre otros:
- El arquitecto Walter Gropius,
- El pintor Lyonel Feininger
- El escultor Gerhard Marcks
- Los pintores Paul Klee y Vassily Kandisky
- Oskar Schlemmer que impartió un taller de teatro que no dejó indiferente a nadie
- El diseñador y fotógrafo László Moholy-Nagy
- El arquitecto y diseñador de muebles Marcel Breuer
- El afamado arquitecto Mies van der Rohe

Paul Klee, uno de los artistas más talentosos y misteriosos asociados con la visionaria Bauhaus,
combina una asombrosa innovación formal con una extraña ingenuidad primitiva.

Exponentes de la Escuela
Bauhaus.
IMPORTANCIA E INFLUENCIA

Bauhaus influye en el arte, la industria y la tecnología, pero siempre ha sido el diseño de

mobiliario contemporáneo más influyente. Bauhaus construyó un puente entre el arte y la
industria, el diseño y la función. Bauhaus fue fundada como hemos dicho, por Gropius y fue una
de las primeras escuelas en enseñar diseño moderno. En la década de 1930, la escuela cerró
bajo la presión nazi, pero el movimiento aún afectó la arquitectura modernista y el diseño
moderno.

Weimar, también conocida como la Bauhaus en Weimar, es donde Gropius sentó las bases para
la próxima Bauhaus. Aquí, estableció lo que se consideró un ideal visionario en ese momento.
Según la declaración y el programa, el arte debe jugar un papel social y no debe haber más
división de disciplinas basada en la artesanía. En Weimar, los "talleres escénicos" son una parte
importante de la educación. Fue dirigida por Roter Schreyer (1921-1923) y Oskar Schlemmer
(1923-1925). Vincula las artes visuales y escénicas y enfatiza un enfoque interdisciplinario.

INFLUENCIAS EN LA ARQUITECTURA

En el siglo XIX, gran parte de las obras de arquitectura e ingeniería se habían realizado
recurriendo al hierro como material innovador. Nuevas formas de diseño fueron aplicadas a
programas tales como salas de gran porte, para exposiciones y estaciones de ferrocarril, puentes
entre otros. Así como el hierro fue el material que acompañó la revolución industrial y caracterizó
muchas de las obras de ese siglo, desde principios del siglo XX las estructuras de hormigón
armado, con sus nuevas posibilidades técnicas tuvieron un fuerte impacto a nivel del diseño
arquitectónico.

Una parte importante de aquel proceso de cambio, que aún influye en la arquitectura, fue aplicada
también al campo del diseño estructural.

Otra de las posibilidades que revalorizó esta nueva visión de la arquitectura fue la prefabricación,
es decir la producción en taller de elementos
aplicables a construcciones modulares. Esta ya
había sido experimentada con el hierro, en el caso
del Cristal Palace, construido con hierro fundido y
vidrio en el Hyde Park de Londres.

Crystal Palace, Hyde Park, Londres.

 SPACE AGE

INICIOS

A lo largo de los años 60 fue cuando más se desarrolló la carrera espacial, en la cual estaban
implicados los Estados Unidos y la Unión Soviética.

El periodo conocido como Space Age o Era Espacial fue el comprendido post Atomic Age, es
decir finales años 50’s y comienzos de los 70’s. Hace parte de los “stylings” que reinaron en
EEUU durante el siglo XX.
El concepto de un mundo optimista basado en una posible “Tierra del Mañana” reinada por el
dominio de la energía atómica y viajes espaciales.

Esta carrera espacial resultó ser una parte más en la rivalidad cultural y tecnológica que había
entre la URSS y los Estados Unidos conocida como Guerra Fría. En este período la tecnología
espacial y la high- tech vinculada a este ámbito tuvo efectos psicológicos e influencia sobre el
imaginario de la población, especialmente norteamericana. Esto se puede demostrar a través de
las imágenes a la vez que se determinan cuáles son las características visuales propias de este
ámbito.

CARACTERÍSTICAS

Morfología esférica:
Se abandonan morfologías de la era atómica como lo eran: Las formas de riñón o boomerang,
las aletas de velocidad en los automóviles y las lámparas en forma de hongos y se adopta la
esfera como principal referente morfológico, haciendo referencia a satélites o cascos espaciales.

Lámpara de techo Topan Lamp,

Verner Panton, Dinamarca, 1960

Colores:
La gran variedad de influencias culturales de esta época, amplió la paleta de colores logrando
resultados innovadores con:
- Colores intensos como la paleta del magenta, pasando por el rojo, naranja y amarillo
relacionados con la cultura pop y la psicodelia.
-El blanco y el negro vinculados con el Op art
-Plateado y transparencias los cuales hacían
más referencia a la Era Espacial.
Casi todas las paletas de color incluyen tonos
que se relacionan entre sí. Si en otras épocas
todos los tonos de una paleta tenían entre si
una relación más que evidente, en los sesenta
esa relación es mucho más ligera, y responde
mucho más a brillo o saturación, que a la base
o la composición del color final.
En esa época encontramos tonalidades
intensas de aspecto psicodélico.

Plásticos:
La evolución para lograr plásticos más
resistentes, goma espuma y colores más
definidos, permitió un mayor uso de este
material, antes utilizado para piezas más
chicas como carcasas de radios o vajillas.

Silla Panton, 1960.

EXPONENTES

Oliver Mourgue
Mourgue pudo seguir una nueva dirección en el diseño de muebles que trata a los muebles como
la escultura.
La silla Djinn, producido por la marca francesa Airborne Internacional, es un modelo único por su
silueta original y futurista, incluso hoy en día. La Djinn fue de los primeros muebles que se han
hecho de espuma de poliuretano sobre estructura de tubo de acero con cinchas de goma (Pirelli),
y la cubierta roja de lana elástica de Bernard Joliet.

Eero Aarnio diseña en esta década la ball chair y en fotografía

corrientes como el Op-Art se nutren de esa forma para sus obras. Es
también destacable la obra de Richard Fuller, la cápsula del pabellón
de los Estados Unidos en la Exposición Universal de 1967, en la que
se detectan estas formas.

Piere Paulin. Pierre Paulin fue capaz de infundir en las curvas de

flujo libre de la escultura en sus fabulosas sillas. Este cuidadoso
equilibrio de diseño redondeado que fluye libremente es típico del
estilo de muebles orgánicos de Pierre Paulin. Las formas de
simplicidad y suavemente curvada de su Sillón Orange Slice para
Artifort hace que el diseño parece tranquilo, puro y acogedor. El sillón
Sillón Orange Slice es una obra maestra del diseño moderno , con
Eero Aarnio en la ball chair.
una forma elegante y redondeada en un pedestal redondo cromado.
INFLUENCIAS DEL MOVIMIENTO.

Los años 60’s fuero una década repleta de influencias estéticas y cambios de hábitos que se ven
reflejado en esta estética de Era Espacial.

1.- CARRERA ESPACIAL

La carrera espacial entre EEUU y la URSS crean en la sociedad una nueva visión del futuro;
mucho más real, cercana y basada en avances científicos y tecnológicos, a partir de la concreción
de proyectos espaciales como Sputnik (URSS,1957) y Explores (EEUU,1958).
La Era Espacial introdujo una gran curiosidad y cercanía al concepto de la incorporación de
tecnologías a la vida cotidiana. El sentimiento era de estar “viviendo en el futuro” ya no se veía
distante como una simple ilustración futurista o pastiches escenográficos de los años 50’s.
La sociedad estaría dispuesta a aceptar cambios en su estilo de vida, forma de viajar y actividad
social.
La fascinación por una nueva temática, un concepto glamoroso y futurista

2.- CIENCIA FICCIÓN

Películas, series televisivas y literatura de ciencia ficción, fueron introduciendo a la sociedad el

concepto de futuro y tecnología, no solo el concepto de viaje al espacio fue la temática abordada,
sino también todo lo que giraba alrededor de
este momento histórico. Espías (guerra fría),
inventos secretos, electrónica miniaturizada y
todo tipo de gadgets de comunicación.
Películas como Odisea del Espacio 2001
(1968) y la serie Espacio 1999 (1975) llevaron
a la ciencia ficción a un lugar más real, más
posible. Esta visión desplazaría la estética
futurista de “ingenuidad naif” instaurada en la
década de los 50’s basada en lenguajes más
escenográficos y artificiales.

Esta nueva estética se caracterizó por sus

formas más redondeadas y limpias,
inspiradas en los equipos utilizados por la
NASA en su proyecto espacial.

INFLUENCIAS EN LA ARQUITECTURA

En el ámbito de la arquitectura dos movimientos como Archigram en Londres y el metabolismo

arquitectónico en Japón, están relacionados por esa preocupación por el futuro. Ambos
movimientos presentan la ‘cápsula’ como una solución para vivir en la ciudad del futuro, en una
sociedad masificada.

Trabajos destacados de Verner Panton como el Restaurante Varna donde muestra un Diseño
interior integrador que buscaba crear “realidades alternativas y artificiales”. Los interiores se
comprendieron como un espacio total, pisos, paredes y cielorraso se encontraban cubiertos con
patrones de Op Art altamente artificiales, Esta estética particular, proporcionó al interior un tono
psicodélico.
La iluminación siempre fue considerada como una parte esencial de sus extravagantes interiores,
ricos y ornamentados, destinado a un estilo de vida Snob.
Restaurante Varna
 POP ART

Obra de Andy Warhol.

INICIOS

El Pop Art o arte pop es un movimiento artístico que surge en Inglaterra, el cual tiene un fuerte
impacto en Estados Unidos y en la sociedad norteamericana que responde a ciertos rasgos y
características que promueve este estilo artístico. Esta corriente surge a mediados del siglo XX
y termina entre 1980 y 1985, sin embargo, varios pioneros del arte pop siguen con vida y
trabajando.

El movimiento comienza cuando termina la Segunda Guerra Mundial y empieza a restablecerse

la dinámica de una sociedad industrial cada vez más enfocada en el consumo. En términos de
arte, el expresionismo abstracto se encontraba en boga, el cual renuncia a la figuración del arte
y aspira más a lo intelectual: A la vez se estaba promoviendo fuertemente el consumo en
masas y se estaban desarrollando los medios de publicidad; entonces, un grupo de jóvenes
artistas se rebelan en contra de un arte que se enfoca más a ese lado espiritual y conceptual
que consideran un tanto elitista y apuestan a un arte que refleje las condiciones mismas de una
sociedad, es así como surge el arte pop.

La idea que había detrás de este movimiento era similar a la que puedes encontrar en las
vanguardias de los años 20. Buscaban escapar de una visión elitista del arte, una visión que no
hacía más que mermar su capacidad creativa y el modo en el que querían reproducir el mundo.

PRINCIPAL EXPONENTE

El más famoso de los artistas del Pop Art es sin duda Andy Warhol. Se le conoce como el rey
del aburrimiento debido a que toda su obra está seriada y violenta la misma idea del artista
desde un proceso creativo, ya que retoma y se vale de ciertos elementos icónicos para
convertirlos en su arte. Algunas de sus obras son Still from Empire, la Serie de Mao Tse-Tung,
Race Riot y la Serie de Marilyn Monroe.

CARÁCTERÍSTICAS

Los artistas pop, en realidad, documentan lo que ven a su alrededor, con sus luces y sus
sombras. Es, ni más ni menos, la manifestación plástica de una cultura que se caracteriza por
varios factores como son el consumo vertiginoso, la tecnología, el ocio, el consumo, las modas,
la democracia… Todo fabricado, empaquetado y listo para venderse.

 Influencia en la cultura de masas. Los temas buscan escapar de la grandilocuencia o del

tremendismo de otras épocas. Ahora la intención principal que se tiene es la de coger
referencias culturales comunes que todo el mundo pueda percibir y entender.

 Superficialidad. Los objetos o los temas son retratados con cierta superficialidad. Pese a que
luego esas mismas obras puedan tener un sinfín de lecturas académicas, en un principio se
busca algo mucho más simple y sencillo, visualmente hablando.

 Visión irónica. De forma casi natural, a través de esa

tendencia hacia la superficialidad y a ensalzar la cultura
de masas, se produce ese cambio con una visión un tanto
irónica. Los artistas de este movimiento no pierden su
capacidad crítica, todo lo contrario. Sin embargo, su obra
en sí no te parecerá necesariamente planteada como una
crítica.

 Un arte más plano. No se busca tanto reproducir

piezas complejas o técnicamente significativas. El giro se
produce en el hecho de que el arte deja de imitar la vida
y es la vida la que pasa a imitar el arte. Es decir: este
nuevo movimiento trata de predecir o de condicionar la
propia vida de masas, creando cultura, también, de
masas.

Obra de Lichtenstein.

EXPONENTES

Roy Lichtenstein
Un ejemplo del movimiento estadounidense. Se caracterizaba por las representaciones en gran
tamaño que hacía de los modelos clásicos del cómic de la época. Entre sus obras destacaría El
beso, una de las más conocidas. Lo que trataba de hacer era dotar de un nuevo significado a
ese gesto a través de su obra. Es decir, cogía elementos de otras disciplinas y cambiaba un poco
su encaje o su marco. De esta forma no dejaban de ser algo común, pero a un tiempo, se
reconvertían en algo nuevo.

Andy Warhol
El artista más famoso de todos. Su gran peculiaridad es que quiso llevar los principios que movían
su arte también a su propia vida. Y son muchas las anécdotas que puedes encontrar sobre sus
excesos y desfases. Al fin y al cabo, hizo por
codearse con los más famosos y conocidos
de su tiempo.
La obra más interesante y emblemática que
tiene, sin lugar a dudas, es la de Marilyn. Un
perfecto ejemplo de la fascinación hacia la
cultura popular y sus códigos. Y, a la vez,
una forma de reinterpretarlos y dotarlos de
un nuevo significado. En el caso de Warhol
es donde puedes ver la máxima expresión de
este modelo artístico.
Eduardo Paolozzi
Para terminar, el gran artista del movimiento británico. En este caso, se guardan algunas
distancias con respecto al estadounidense. Aquí se utilizaban mucho más las fórmulas futuristas,
y había mucha influencia clara de las vanguardias de principios de siglo. En cualquier caso,
también en la obra de Eduardo Paolozzi puedes encontrar elementos propios de este tipo de
arte: referencias al mundo del cómic, de la cultura popular y de la publicidad.

IMPORTANCIA E INFLUENCIAS

Nacido en las grandes ciudades, este tipo de arte desarrolló otros referentes. Por ejemplo, los
cómics, la publicidad o la televisión. A diferencia de otros movimientos, este estaba tan definido
en su misma esencia que, realmente, no llegó a sufrir mutaciones características. Es cierto que
algunos de los artistas más influyentes de todo el siglo se adscribieron a este movimiento. Sin
embargo, no es fácil que se encuentre con claridad una serie de etapas o de momentos.

Generalmente, las preocupaciones que se reflejaban eran las de la vida diaria, y las de cada
territorio. Por lo tanto, si bien compartían características, cada país mantenía su propia idea o
movimiento de arte pop, diferenciado del resto.

INFLUENCIAS EN LA ARQUITECTURA

El Pop Art es un movimiento artístico que se centra sobre todo en medios como anuncios,
cómics, objetos culturales, música y pintura. En cuanto a la arquitectura, podemos definir que
no existe una ‘arquitectura Pop Art’, pero si varios edificios que tienen trazos y características
que coinciden con el Pop Art.

En el caso específico del Pop Art,

considerar una creación
arquitectónica Pop Art significa
formas libres y coloridas, que
intentan reflejar la estridencia con
sentido y la espontaneidad
premeditada.

Como ejemplo de creaciones

arquitectónicas con influencia Pop
Art, destacamos el Instituto de
sonido y visión (Hilversum,
Holanda).
Este edificio de Neutelings & Riedjik
destaca por las coloridas cristaleras que le envuelven y que hacen que tenga este aspecto que
fluye entre la arquitectura industrial y la estética Pop Art.
 HIGH - TECH

INICIOS

El high-tech es un movimiento arquitectónico destacado desde los años 70's por ser una
revolución del modernismo al innovar en la construcción de monumentales edificios adaptados a
la era contemporánea aplicándoles la tecnología. Joan Kron y Suzanne Slesin publican un libro
en el año de 1978 con las cualidades de este género arquitectónico, naciendo así el término.

El concepto de la monotonía de las principales ciudades era motivo de preocupación entre los
representantes del modernismo, debido a que las capitales mundiales ya se organizaban
concretamente y la impresión de edificios extremadamente altos (llamados rascacielos)
comenzaban a mimetizarse y opacarse poco a poco en el concepto de ciudad, con ciertas
excepciones. Es aquí donde el high-tech aparece como la respuesta a mundo que decide
comunicarse de manera instantánea, donde la distancia ni el tiempo son impedimentos para
enviar y recibir encomiendas y donde la cultura de cada país exige unirse con los últimos aportes
que la tecnología nos ofrece en la nueva década.

PRECURSOR O CREADOR

Con la crisis del petróleo de 1973, muchos de estos edificios se

volvieron imposibles de mantener por el alto uso de materiales
metálicos y vidrio que no solo implicaron en un veloz envejecimiento
sino en un enorme gasto energético. El Centro Pompidou que fuera
reconocido como un exponente de la nueva tendencia rápidamente
mutó en el ejemplo de lo que no debía hacerse. Los principales
hacedores del High Tech Foster, Rogers, Piano, Thomas Herzog,
Francoise-Hélène Jourda y Gilles Perroudin decidieron refundar el
High Tech para hacer frente a los nuevos problemas que comenzaron
a agobiar a la humanidad a principios de los 90.

Renzo Piano
CARACTERÍSTICAS

También conocido como el Tardo modernismo, este movimiento consta de las siguientes
características:

- Desarrollo natural de las ideas precedentes de un mundo globalizado.

- Una discrepancia con el Postmodernismo debido al estancamiento de éste a finales del siglo
XX.

- Importancia a la imagen tecnológica y en los avances presente-futuristas.

- Europa y Asia ya no son los únicos continentes que sugieren el movimiento. La aparición de
América en las maravillas arquitectónicas actuales surge como lo nuevo.

- Materiales y presupuestos económicos para crear estructuras de impresión.

EXPONENTES

El High – Tech tomó elementos del Movimiento Metabolista de los 60

donde la tecnología llegaba al extremo de imaginar edificios y
ciudades de ciencia ficción. En estas ideas destacaron el grupo
Archigram y arquitectos japoneses enrolados en el Metabolismo,
como Kenzō Tange, Kiyonori Kikutake, Kishō Kurokawa y otros. Esto
era de esperarse ya que los edificios modernos eran muy blandos y
flexibles y la novedad de su aspecto estético se había adoptado. El
High Tech es una respuesta a esto y crea una estética muy nueva:
glorificando la fascinación por la continua innovación tecnológica.

Kenzō Tange
IMPORTANCIA E INFLUENCIAS

La arquitectura High Tech se basa en muchos temas propios de la Arquitectura Moderna, de los
cuales se apropió reelaborando y desarrollando sobre la base de las últimas tendencias. Los
objetivos principales de la arquitectura High Tech consiste en un juego creativo de crear cualquier
cosa nueva evidenciando la complejidad de la técnica.

La arquitectura moderna se esforzó en rebelarse contra los cánones establecidos para crear una
nueva estética. La arquitectura High Tech continúa esa actitud de rebeldía.

INFLUENCIA EN LA ARQUITECTURA

La mayoría de los diseños del High – Tech responden a necesidades actuales de la sociedad.
En muchas ocasiones han sido proyectadas en zonas deprimidas de las ciudades con el objetivo
de revitalizarlas. Es por ello que no están ajenas de la participación de las administraciones.
Tenemos que tener en cuenta que son construcciones en las que hace falta un desembolso
económico considerable, por tanto, son una muestra del poder económico.

La tendencia High-Tech, que irrumpe durante la década de los sesenta, intenta superar el
movimiento moderno en arquitectura, poniendo en evidencia, y dejando a la vista los diversos
elementos constructivos. Así la estructura, las instalaciones, los cerramientos y demás sistemas
constructivos, pasan a ser los
protagonistas.

La construcción del emblemático edificio

del Centre Pompidou, el popular Beubourg
de Paris, del 1977, da la salida del
movimiento High-tech que, durante los
años 90, incorpora a su programa inicial, la
incorporación de las energías alternativas.
Nace pues durante la grave crisis del
petróleo de los 70 y se regenera en los 90,
con un trasfondo que gira alrededor de la
optimización energética.
 CONCLUSIÓN

Los diversos movimientos que se han creado a lo largo de la historia de la arquitectura o el

diseño, nacen de una necesidad de la sociedad, por diferentes razones. Lo que cabe destacar
de cada una, es la fuerza con la que llegan y marcan una tendencia a lo largo de los años, en la
cual se van reflejando en los diseños del día a día, siendo fascinantes antes los ojos de los
espectadores.

Los movimientos artísticos existen para marcar un antes y un después en el desarrollo de la vida
humana. Es decir, una evolución en la vida. Algunos enfoques de los movimientos se basan en
imponer una nueva era o línea y no en la funcionalidad de las obras.

Cada movimiento, va enfocado al futuro, desde su propia perspectiva. Algunos viéndolo hacía lo
abstracto y “diferente” y otros enfocándolos a la sostenibilidad del medio ambiente, del entorno,
de resaltar lo natural y de explotarlo en las obras.

Desde un enfoque arquitectónico, todo va enlazado a salir de lo tradicional, a experimentar

nuevos diseños de fachadas, que sobresalgan frente a obras clásicas, que marquen un estándar
de superioridad, muchas veces causando obras extravagantes que algunas veces llegan a
romper con el entorno, sin embargo, enviando un mensaje que hacia allá va el futuro de las
estructuras.
 BIBLIOGRAFÍA

https://masdearte.com/movimientos/bauhaus/

https://decadadelos60.wordpress.com/2013/06/10/space-age/

http://historia-disenio-industrial.blogspot.com/2013/12/vital-forms.html

https://historia-arte.com/movimientos/pop-art

https://www.escueladesarts.com/blog/pop-art-historia/

https://arquitecturasigloxxi.weebly.com/high-tech.html