Primero que nada quiero darte las gracias por descargar esta guía!.

Me
contenta ver tu interés por mejorar cada vez más y tener la disposición
de aprender herramientas para darle a tu música el valor que se merece.

Quiero iniciar todo este rollo con la siguiente pregunta que

seguramente te haz hecho más de una vez:

REALMENTE ES POSIBLE HACER UNA PRODUCCIÓN DE NIVEL

PROFESIONAL DESDE MI ESTUDIO CASERO?

Pues, dejaré que tengas la respuesta por ti mismo luego de leer

esta guía! Puede que si te lo digo no me creas, así que dejaré que tu
mismo puedas convencerte de que el resultado depende más de nuestros
conocimientos que de muchas otras cosas.
 En mí opinion la tecnología actualmente ha permitido que las
reglas del juego en la industria musical jueguen un poco a nuestro favor
y debemos aprovecharlo! Te cuento 2 razones de por qué creo esto:

1. Tenemos en nuestras manos de manera muy accesible

poderosas herramientas con las cuales podemos hacer una
gran producción musical desde nuestro home estudio.
Construyendo mi Home Studio (Video + Guía GRATIS)

2. La distribución de la música actualmente es en su mayoría

por no decir toda de manera digital, existen cientos de
plataformas en donde puedes publicar tus canciones, y
mejor aun poder monetizar las reproducciones y obtener
un ingreso por tu duro trabajo.

Pero como todo en la vida, y esta no es la excepción, el camino no

es fácil! Así como tu tienes esas oportunidades de ser escuchado,
también millones de personas la tienen. Así que es mejor que trabajes
muy duro, te prepares y hagas un material de muy buen nivel para salir
ahí afuera y competir en la industria de la música.

Mi meta con esta guía es que tengas la idea de los elementos que
hacen que una producción musical sea profesional, aun cuando haya
sido hecha en tu home estudio. Lo desglosaré en 5 pasos sencillos para
que de esta manera puedas aclarar muchas dudas, asimilar mejor la
información que estoy publicando a diario sobre temas más técnicos, y
sobre todo te motives a trabajar en tu música una vez termines de leer
esto.

Estás listo para comenzar? Aquí vamos.

PASO 1: COMPOSICION Y PRODUCCION

Las mejores grabaciones comienzan mucho antes del proceso de

grabación como tal. Comienzan con una buena letra y melodía.

De nada te sirve usar el mejor micrófono del mundo si tu

letra no lleva un mensaje o la melodía es aburrida y no
atrapa al oyente.

Antes de pensar en grabar, debes tener una buena canción, de

otra manera no tendrás nada llamativo y que valga la pena grabar y
compartir. Se que es muy subjetivo decir si una canción es buena o no
pero te comentaré lo que en mi criterio una buena canción debe
contener.

• Las buenas canciones tienen buenas letras, esto es lo que hará

que tu público se identifique con tu mensaje.

• Las buenas canciones tienen buenas melodías, estas deben

entrar en el cerebro del oyente y quedarse ahi para siempre. Si tu
melodía es corriente y carece de originalidad simplemente pasará por
alto y esto hará que tu mensaje no llegue. Hay melodías tan buenas
que aun sin letra pueden quedarse en tu memoria para siempre, para
mejor ejemplo tienes los ring tones de iPhone, puedes identificarlos
inmediatamente con solo oírlos 2 segundos.

• Las buenas canciones tienen un elemento sorpresa, la

mayoría de canciones son predecibles en cuanto a rítmica o
composición, (intro, estrofa, coro, estrofa, coro, coro, y mas coro
hasta tener 3 o 4 minutos, y ya sentimos que podemos terminarla). No
 está mal, pero esto la hace aburrida, siempre trata de usar puentes,
cambios de melodías, agrega arreglos a medida que va pasando la
canción, o simplemente has silencios de ciertos instrumentos, esto para
que el oyente mantenga su atención durante toda la canción y no la
cambien al minuto de estar escuchando lo mismo

• Una buena canción tiene buenos arreglos y una buena

producción, este es sin duda uno de los pasos que la bandas y
artistas que graban sus canciones por su cuenta se saltan y es un
grave error. Así no tengas en tu equipo la figura de un arreglista o
productor musical debes ponerte en sus zapatos y jugar el papel de
serlo. Aquí es donde nos debemos hacer la pregunta: Si escuchara
esta canción en la radio, cambiaría la estación? Pues el
trabajo de arreglo y producción consiste en la visión “comercial” de tu
canción, por llamarlo de alguna manera. En otras palabras, es crear
un viaje de emociones a través de la canción y poder mantener la
atención del oyente de principio a fin.
PASO 2: GRABACIÓN

Ahora que hemos escrito una gran canción, con buenos arreglos y
una producción bien pensada es hora de grabar!

Esta es una de las etapas más interesantes a mi parecer, ya que

aquí es donde vamos a capturar toda la energía de una canción y juntar
todos los elementos que la componen. En cuanto a sonido, pienso es
también la parte mas importante de todo el proceso de producción, ya
que de esta depende, a mi criterio, que el resultado final sea exitoso o
un fracaso.
A diario escucho decir que en “LA MEZCLA” es dónde sucede la
magia. Pues lamento decepcionarte, pero la realidad es que no es así. Sí
queremos llamarlo magia, por ponerle un nombre, esta ocurre en el
proceso de GRABACIÓN!. En la grabación podrías ya concluir si tu
mezcla será o no exitosa. Ponle mucho cuidado a este proceso y tómate
el tiempo necesario para hacerla lo mejor posible.

Asumiendo que ya tienes el equipo necesario para grabar

( Micrófonos, Software, Interface de audio y Monitores / Auriculares) y
tu canción ya escrita, con algunos arreglos ya pensados, toma en cuenta
los siguientes consejos antes de apretar el botón de REC:

•Microfonía es el secreto de una buena grabación

No se trata de utilizar el micrófono mas caro, sino de sacar el mejor

provecho del que tenemos a la mano. Un buen posicionamiento de un
micrófono lo es todo.
 Sabías que cambiando la posición del micrófono con
respecto a al fuente de sonido que queremos grabar puede
cambiar el sonido drásticamente?

Intenta colocándolo más cerca, mas lejos, directamente o con un

ángulo de 45 grados de la fuete de sonido por ejemplo, y notaras como
podrías conseguir distintos matices de un mismo sonido y con el mismo
micrófono. De esta manera puedes llegar a conseguir el sonido que
buscas o lo mas cercano posible sin hacer mucho uso de EQ, lo cual te
ahorrara mucho trabajo en la mezcla

Tomate el tiempo necesario para experimentar lo suficiente en este

paso, ya luego con la práctica lo tendrás cada vez mas claro y lo harás
con una idea más clara.

•Niveles de la señal - “NO GRABES TAN ALTO”

Uno de los errores más comunes que me encuentro a diario es que

se graban las pistas con una ganancia super alta. Cuando grabamos en
el dominio digital, como es común ahora, debemos tener cuidado de no
saturar nuestras señales.

A diferencia de cuando grabamos en el dominio análogo, donde la

saturación aporta distorsión harmonica, la cual brinda color y cierto
carácter a la pista de audio, en digital esto genera distorsión o clipping,
lo cual se traduce en degradación de la señal y no suena nada
agradable al oído. Así que mantén tus niveles siempre con un nivel de
pico al rededor de -6dBFS (50% al 75% del medidor de tu software)
para así tener un sonido limpio y más musical con el cual trabajar luego
en la mezcla.
• Toma decisiones al momento, no dejes nada para
luego

Vivimos en la era digital, donde podemos grabar tantos canales

como queramos, y usar infinidad de procesos (Plugins). Esto es super
positivo si lo vemos desde el punto de vista de que no tenemos
limitaciones en cuanto a equipamiento, pero a su vez se nos presenta un
problema que considero a veces aun más grave, y es que tenemos tantas
opciones que nos cuesta decidir con cuál quedarnos. Podríamos pasar un
día entero tratando de escoger un sonido de sintetizador o guitarra, o
procesar una pista de voz con 3 micrófonos y preamps distintos para
luego escoger la que mejor nos parezca. Pues, te diré lo que pasará,
cuando termines de grabar (si lo haces algún día), tendrás una sesión
con 200 pistas donde ya no tendrás que tomar una decisión a la
vez ,sino muchas al mismo tiempo, y probablemente no tomarás siempre
la mejor.

Mi consejo es, toma decisiones al momento. Si te parece que algo

suena bien déjalo, sigue adelante, muy probablemente comprometerte
con un sonido desde un principio despierte la creatividad y haga fluir las
ideas de una manera mas natural. No pares el proceso creativo solo
buscando la opción perfecta porque esa no existe.

• Ten muy claro el sonido que buscas

Es muy importante plantearse un objetivo y los pasos que debemos

seguir para alcanzarlo. No comiences nunca a grabar sin tener muy
clara la idea, debes imaginártela y oírla ya terminada en tu cabeza sin
haber siquiera empezado, esto hará que la toma de decisiones sea mas
acertada durante todo el proceso de grabación.

Recuerda que en tu home estudio, si estas grabando tu propio

proyecto, no solo eres músico, sino, que eres el ingeniero de grabación,
de mezcla, y productor musical. Debes pensar como tal, mientras tu “YO
INGENIERO” piensa en que micrófono utilizar para la voz tu “YO
PRODUCTOR” debe estar pensando como debería sonar la voz.

Siguiendo estos pasos puedo asegurarte que tus grabaciones

mejoraran enormemente, tal vez no a la primera, pero como todo es
cuestión de práctica.
PASO 3: EDICIÓN

Si hay algo bueno de las grabaciones digitales es el poder que

tenemos de editar las pistas de audio al punto de poder decir que “todo
es posible”.

Anteriormente en la era de las grabaciones en cinta, editar era

algo limitado, había que literalmente cortar la cinta con una cuchilla y
usar cinta adhesiva para pegar, lo cual quitaba mucho tiempo y la
precision era algo que se conseguía con mucha experiencia y practica.

Ahora en tu software de grabación puedes cortar, copiar, pegar,

mover, repetir pistas de audio, mover afinaciones y así un sin fin de
herramientas que te ayudan a sonar mucho mejor de una manera fácil y
rápida. De allí viene el dicho: “En el estudio de grabación todo el mundo
suena bien”, pero si esto realmente fuera así todos estaríamos
encabezando el top 20 del billboard, no crees?. Aunque así parezca, a
pesar de que son herramientas que ayudan bastante, nunca van a
reemplazar una buena ejecución. Son herramientas que ayuda mucho
usándola adecuadamente y tiene un propósito que es ahorrar tiempo.
Debes ser cuidadoso a la hora de editar, ya que si te sobrepasas puedes
matar por completo la naturalidad de la canción y se va a notar.

El objetivo de la edición es limpiar ruidos, respiraciones en una

pista de voz, mover algún desfase entre pistas, entre otras cosas para
mejorar el sonido de nuestras grabaciones.

A continuación te dare algunos tips de cómo sacar provecho de

esta herramienta de manera profesional, manteniendo un sonido muy
natural. La mejor edición es la que no se nota qué se ha hecho, así que:
Usa la herramienta de Playlist o Pistas Alternativas

En la mayoría de los softwares de grabación tenemos una opción

de grabar varias tomas de una misma pista y guardarlas en un Playlist
en Pro Tools, o Pistas Alternativas en Logic Pro X. Te nombro estos dos
porque son los DAW que uso normalmente para trabajar, pero en
cualquiera que utilices seguramente tendrás la opción de hacerlo. Esto te
permitirá luego tomar las mejores partes de cada una para así formar
una sola. Esto te ayudará a evitar hacer muchos cortes, lo cual romperá
la fluidez y naturalidad, así como también tener como respaldo otras
tomas en caso de que mas adelante notes algún error difícil de reparar.

Limpia tus pistas de audio

Este es el primer paso que realizo en toda grabación antes de

comenzar con la mezcla. Debes asegurarte de limpiar toda clase de
ruidos, feedbacks, respiraciones o “bleeding” (ruidos por ejemplo de
platillos que se cuelan en el canal de la caja). Recuerda que la idea en
la edición es nunca perder la naturalidad, es por eso que cuando te digo
ruidos, es todo aquello que no aporta nada a la grabación, hay
excepciones, pero ya mas por tema de gustos en particular. Hay veces
que en mis mezclas no limpio las pistas de batería, por ejemplo, pero ya
eso sería otro tema que trataremos en los próximos tutoriales.
Afinación de voces

No sientas que estas haciendo trampa al afinar la voz, es una

herramienta que esta ahí y es para usarla si es necesario. He trabajado
con muy buenos cantantes y aun así siempre hay algo que se puede
mejorar. Muchas veces ni siquiera llega a ser una corrección sino más
bien una pulitura.

Como ya lo he dicho antes, es una herramienta muy delicada, la

cual si no hacemos uso correcto terminaremos teniendo a un robot
cantando en nuestra grabación. Existen muchos plugins que te permiten
hacer correcciones de afinación y tiempo como softwares más dedicados
a esto para ediciones que requieran mucha mas precisión. Normalmente
este tipo de correcciones las hago usando las opciones de Flex Pitch y
Flex Time en Logic Pro X, ya que tiene la opción de hacerlo sin
necesidad de comprar ningún otro programa. Si trabajas con otro DAW
y no tiene esa opción te recomiendo el plugin de Waves Tune Real-Time
que es muy sencillo de usar y no es costoso.

Chequea las fases (Phase) entre pistas

Pasa muchas veces que no conseguimos esa cohesión y fuerza que

queremos en nuestra grabación y una de las razones puede ser desfases
entre pistas. Dónde podemos encontrar estos problemas de
fase o (Phase)? Muy probablemente en guitarras grabadas con dos
micrófonos, o en baterías donde utilizamos 5 o mas micrófonos a la vez,
los cuales están posicionados a distintas distancias, lo cual hace que la
señal llegue a cada micrófono a tiempos diferentes. También podemos
ver que pasa mucho en la entrada de un coro de una canción donde
todos los instrumentos rítmicos rompen a sonar al mismo tiempo y no
están exactamente alineados lo cual hace que lo que debe ser un “golpe
en la cara” se convierta en… “se suponía que esto era el coro de la
canción, no?”. Esto en algunos casos puede corregirse invirtiendo la
polaridad de la señal, en el caso de que no, debes recurrir a mover tus
pistas y alinearlas en fase a mano.

Tip: Tal vez esto no sea un paso muy interesante o divertido

como insertar un EQ o Compresor y empezar a mover
botones pero creeme que es súper importante y podría
arruinar por completo tu mezcla si no lo haces.

Hasta acá podríamos decir que tenemos más de la mitad del

camino recorrido. Tenemos una buena canción, ya hemos grabado todas
las ideas y elementos que la componen, tenemos materializada esa idea
que antes solo sonaba en nuestra cabeza.
PASO 4: MEZCLA

Este sin duda es un paso muy importante, y es mi favorito porque

es donde vamos a juntar todas esas pistas que tenemos como elementos
individuales y convertirlas en una pista estéreo. Para esto vamos a hacer
uso de herramientas como ecualizadores, compresores, reverbs, delays,
como también mover volúmenes y paneos, los cuales nos permitirán
darle un espacio a cada elemento de la mezcla y hacer que todos estén
presentes y se entiendan.

La mezcla es un proceso técnico, pero a la vez puede ser muy

creativo y subjetivo. Muchas veces romper las normas puede resultar
algo positivo, pero para romper las normas primero debemos
conocerlas.

Este proceso no es algo simple, pero tampoco es algo tan

complicado como a veces la falta de experiencia puede hacérnoslo
parecer. A continuación te dare 5 pasos, que considero esenciales, los
cuales con practica, “mucha practica”, harán que tus mezclas mejoren
increíblemente y puedas mostrar tus canciones sin decir antes las famosa
s frases: aun no esta terminada!, falta mezclarla un poco!, o es que la
grabe en mi casa!.

Tip: Antes de comenzar toda mezcla, no dejes nunca de

preparar tu sesión para la mezcla. Con esto me refiero a
trabajar ordenado, esto te ahorrará tiempo buscando esa
guitarra que se llama Audio_1.1, o tener una pista de voz
entre la pista de bombo y caja. Colorea tus pistas, ponle
nombres que puedas identificar rápidamente y diferenciar
una pista de otra, agrupa las pistas que se relacionen como
por ejemplo, todas las pistas de batería en un grupo, todas
las guitarras rítmicas en otro, voces, coros, teclados, etc.
Parece algo sin mucha importancia pero en realidad es super
importante.

Volumen y Paneo

Una vez que tengas tu sesión preparada para la mezcla es

momento de tomarte un tiempo y escuchar la canción de principio a fin,
repetidas veces si es necesario, y entender bien lo que esta pasando.
Comienza a mover los volúmenes y paneos hasta que sientas que todas
las pistas están balanceadas y cada elemento tiene su espacio en la
mezcla. Hasta este punto no deberíamos haber insertado ni un solo
plugin o proceso como EQ o compresores, solo trata de conseguir ese
balance con lo que tienes ahi grabado, ya que de esta manera cuando
uses algún procesamiento será porque lo crees necesario, y no por
simplemente ser parte de tu rutina llenar tu sesión de plugins, o porque
la sesión se ve más profesional de esa manera.

En el caso de que estes trabajando todo tu solo, es muy probable

que a estas alturas ya hayas nivelado algunos volúmenes durante la
grabación, pero de igual manera te recomiendo que separes el proceso
de grabación del proceso de mezcla por completo, y no te saltes este
paso. Parte desde un principio, colocando el volumen de toda tus pistas
en 0dBu y los paneos al centro, teniendo así una perspectiva más clara,
recuerda que a veces debemos hacer el papel de músico, ingeniero y
productor al mismo tiempo. Con mas razón aún, si recibimos alguna
grabación en la cual vamos a trabajar solo la mezcla, este paso es
obligatorio ya que debes familiarizarte con el proyecto que vas a
trabajar.
EQ

Esta es una de las herramientas más poderosas que tienes a la

mano a la hora de mezclar. Haciendo buen uso de los ecualizadores
puedes hacer mas espacio a tus instrumentos dentro de la mezcla cuando
con solo paneo no es suficiente, como también darle limpieza y claridad
a tus pistas.

Utiliza EQ sustractiva para limpiar y eliminar esas frecuencias que no

aportan nada a las pistas, y una vez te deshagas de lo malo utiliza una
EQ aditiva para resaltar lo bueno de cada instrumento, brindándole
cierto color o dandole una característica particular al sonido.

Siempre ve primero por la EQ sustractiva, en cuanto a ecualizar se trata

funciona muy bien la norma de “menos es más”.

Compresión

Usa compresores cuando necesites controlar los volúmenes de

instrumentos o voces, como también para darle pegada, fuerza y
energía a tus pistas.

El compresor es una de los procesos más confusos, pero en

realidad no es tan complicado, imagina un fader inteligente que se
encarga de bajar y subir el volumen de una pista automáticamente para
mantener una dinámica más estable y reducir los picos o caídas de un
instrumento. Claro que para que el haga esto tenemos que nosotros
decirle cómo hacerlo, moviendo sus controles principales como umbral
(Threshold), Ratio, Ataque (Attack) y Release.
 Cuando comienzas a experimentar con compresores, notarás que
no solo regulan dinámica sino que dependiendo de como lo hagas y que
tipo de compresor uses, estos brindaran características particulares a tu
sonido, y ahi es donde esta su magia y la razón de por que todos los
ingenieros de audio amamos los compresores.

Reverb y Delay

Estos dos tipos de efectos se generan de forma natural

dependiendo del espacio y lugar en donde grabemos. Los estudios
profesionales invierten mucho dinero en crear estos espacios con
tratamiento acústico adecuado, pero la realidad es que en un home
studio donde la acústica no es la mas adecuada, o muchas veces por
controlar un poco el ruido colocamos espuma o algunos absorbentes,
matamos por completo la vida de nuestros instrumentos, por lo cual
debemos simular mediante plugins ese espacio para darle profundidad a
los instrumentos.

Tanto el reverb como el delay harán que todas las pistas suenen en
una misma atmósfera, como una especie de pegamento que unificara
todo y suene como que tienes a la banda tocando en frente de ti en un
mismo lugar.

Recuerda que a menos que busques un efecto especial, estos dos

efectos se usan para brindar naturalidad, por lo cual debes ser
cuidadoso de no sobrepasarte, ya que por lo contrario sonara todo muy
artificial.
Automatización

Este es el último paso en el proceso de mezcla. Ya tenemos nuestra

mezcla balanceada, hemos ecualizado, comprimido, y tiene ese toque
de profundidad y espacio con los efectos de reverb y delay. Podríamos
decir que hemos creado al “monstruo”.

Ahora falta lo más importante, darle vida!. Con la automatización

lograremos que esta mezcla no sea algo estático, por el contrario
haremos que se mueva y varíe la relación de los volúmenes y la posición
de los instrumentos en el campo estéreo (Paneo) de cada instrumento a
medida que va transcurriendo la canción.

Me he dado cuenta que la automatización es pasada por alto la

mayoría de veces por falta de experiencia, o simplemente por no saber
la importancia que tiene. Si quieres que tu mezcla suene profesional no
dejes de automatizar tus pistas.

Tip: No veas la mezcla como algo complicado, no pienses

mucho cada movimiento, toma desiciones, menos técnica y
mas emociones. Al final todo se trata de conseguir el balance
de todos las pistas que la componen.
PASO 5: MASTERING

Finalmente hemos llegado al ultimo paso de la producción musical.

Hay mucha confusion acerca de este proceso, por lo cual he decidido
comenzar diciendo primero que NO es el mastering.

- El mastering NO es lo mismo que la mezcla.

- El mastering NO es un plugin que insertamos en el master bus para
darle mas volumen a la mezcla.
- El mastering NO es el proceso dónde se arreglan los errores de una
mala mezcla.
- El mastering NO es una varita mágica que hará sonar tu canción como
las de tus bandas favoritas.

El mastering es el proceso donde se prepara una buena mezcla

para ser presentada al mundo, y distribuirla en los diferentes medios de
consumo, ya sea vinilos, CDs, o servicios de streaming como Apple
Music, Spotify, Soundcloud, YouTube o el que sea que decidas utilizar,
cumpliendo con los estándares de volumen y loudness, manteniendo un
sonido consistente sin importar en que dispositivo se reproduzca nuestra
música.

Es cierto que se pueden hacer correcciones de la mezcla durante el

mastering, pero son cambios muy sutiles, por lo cual si ves necesario
hacer ajustes muy radicales de ecualización o compresión, lo mas
recomendable es volver a la mezcla y corregirlos allí.

Seguramente te ha pasado que cuando exportas tu master resulta

que no suena igual a como sonaba la mezcla, o suena con muy poco
volumen cuando lo escuchas en el carro, en tu laptop o en auriculares.
 Me pasó muchas veces, y es lo mas frustrante, luego de tantas
horas produciendo tu música y que el resultado ni se parezca a lo que
venia sonando antes del mastering, cuando se suponía que el mastering
“mejoraría” todo.

Pues, no te preocupes, te voy a comentar dos pasos que me han

funcionado increíblemente a la hora de masterizar y conseguir resultados
que muchas veces superan mis expectativas.

Usa siempre una canción de referencia

Toma una canción que sepas que ha sido mezclada y masterizada

profesionalmente, preferiblemente que sea del genero y tenga más o
menos la misma instrumentación que la tuya y colocada en una pista
dentro de tu sesión de mastering. Esta te funcionará como una brújula,
que siempre te estará indicando tu norte, y así no te perderás en el
camino.

Seguramente esta sonará con más volumen, por lo cual, asegúrate

de bajarle hasta quedar al nivel de tu mezcla y así no engañar al oido a
la hora de tomar decisiones. En este paso usaremos la referencia para
ver que tiene esa master profesional que la tuya no tenga en cuanto a
timbre, color, fuerza o imagen estéreo.

Inserta un EQ para buscar acercarte a ese sonido que buscas y

compresión para lograr un poco más de pegada y fuerza. Recuerda,
hazlo sutilmente, si estás lejos de la referencia regresa a la mezcla.

TIP: Existe un tipo de ecualizador que también te será de

gran ayuda a la hora de trabajar con un audio de referencia
llamado Match EQ. Básicamente lo que hace es tomar como
muestra la curva de ecualización de tu referencia y aplicarla
a tu master. Uno de mis favoritos es el Match EQ de Logic Pro
X, ya viene incluido en el DAW, por lo cual no deberás
comprar ningún otro plugin.

Consigue el volumen estándar comercial

Ya que ahora tu mezcla esta sonando más parecida a la

referencia, es momento de llevarla al volumen estándar comercial.

La herramienta para lograrlo es utilizar un Limiter (Limitador).

Cualquiera que sea el software que uses seguramente tendrá uno, así
que no te preocupes por conseguir o tener que comprar uno. Esto hará
que reduzca el rango dinámico de tu canción, por lo cual intenta no
limitar demasiado, ya que tu master sonara aplastado y sin vida.

En este paso puedes volver a usar tu referencia. Sube el volumen

de la pista de referencia (0dBu) y trata de igualarlo con el limitador.

Sé que si tienes algo de experiencia en esto dirás: el mastering es

más que esto!, y tienes razón, y es por eso que hay ingenieros de
mastering. Con estos dos pasos no quiero quitarles el mérito ni mucho
menos, solo quiero darte algunas herramientas que te ayudarán a
mejorar tu producciones de una manera sencilla a la hora de hacerlo por
ti mismo, consiguiendo de igual manera un resultado excelente.
 ES HORA DE VOLVER AL ESTUDIO!

Una vez más quiero darte las gracias por descargar esta guía,
espero hayas disfrutado y aprendido tanto como yo lo he hecho.

Ahora ya tienes más claros los pasos de una producción musical y

la información necesaria para comenzar a trabajar. Esto es solo el
comienzo, siempre que quieras puedes ingresar al canal de Prosonic
Studio en YouTube y ver todos los videos con la información que
necesitas para seguir mejorando tus conocimientos y técnicas de
grabación, mezcla y mastering.

Nunca olvides que la única manera de mejorar en esto es la

práctica. Componer, grabar y mezclar a diario desde tu home studio es
la única manera de ganar experiencia.

Si tienes dudas sobre cualquier contenido publicado no dudes en

contactarme, puedes hacerlo a través de cualquiera de mis redes
sociales, comentando los videos, publicaciones o sencillamente enviando
un mensaje, estaré encantado de ayudarte!.

Espero saber pronto de ti y tus proyectos,

Carlos Lárez (Fundador de prosonicstudio.com)