EL PRCESO DE GRABACIÓN. TEMA 15.

1. Profesionales que intervienen en el proceso.

- El artista: es el elemento clave en torno al cual gira toda la grabación de un

disco. El momento de la composición de las canciones es el punto de inicio.
“una buena canción mal grabada siempre es mejor que una
superproducción de un tema malo”. Por ello lo más importante de un disco,
son las canciones. Existen determinados estilos de música donde en lugar de
artista es más adecuado hablar de un producto y en donde la producción técnica
supera ampliamente una base musical pobre pero de gran aceptación en diversos
sectores de la sociedad.
La combinación perfecta sería: gran artista (un buen frontman) + grabación,
producción y mezcla de alta calidad + management y difusión adecuadas.

- El ingeniero de sonido: el trabajo del ingeniero o técnico de sonido tiene una

vertiente técnica, ya que cada vez los equipos son más sofisticados, y una
vertiente artística: la música es un arte y tiene una parte subjetiva. El ingeniero
es el punto de enlace entre el artista o grupo y el productor. El productor sabe lo
que quiere, a nivel de sonoridad, pero no sabe llevarlo a cabo con los equipos,
ese el trabajo del técnico de sonido.
Será el responsable de la calidad de la grabación, con todo lo que ello conlleva.
No siempre tendrá toda la responsabilidad ya que en ocasiones en las que haya
un productor artístico, el ingeniero seguirá las indicaciones de este productor (si
hay que repetir una toma, cambiar de caja…)
En la etapa de mezcla, el técnico o ingeniero es importantísimo. El trabajo de
mezcla supone el factor decisivo de la calidad resultante del disco.-

- El ingeniero de mantenimiento: realiza el mantenimiento periódico de todos

los equipos que configuran el estudio.

- El productor: Existen 3 tipos de productor: artístico, técnico y ejecutivo. El

productor artístico es el que potencia lo mejor del grupo a nivel de sonoridad,
dirige al grupo, toma decisiones sobre el tipo de sonido de la banda, arreglos y
estructuración de las canciones. Controla el presupuesto asignado y va a ser él
quien decida ciertos aspectos clave como elección del estudio, tipo de músicos,
tiempo total en el que se va a llevar a cabo la grabación. Ha de ser una persona
con buena visión comercial, con oído musical, creatividad y conocedor del
entrono de grabación. Tiene que sacar lo mejor del artista o banda a nivel de
interpretación y de emoción. El productor técnico son los técnicos o ingenieros
de sonido, que trataran de conseguir el sonido que quiere el productor artístico.
El productor ejecutivo es quien pone el dinero para pagar la realización de un
disco.

- Músicos de sesión: músicos altamente experimentados y que son contratados

por su habilidad, experiencia y sonido para una determinada producción. Han
existido desde los orígenes de la música grabada. En según que tipo de
producciones musicales se puede contratar, si el presupuesto lo permite, a este
tipo de músicos capaces de suplir las carencias de algún miembro del grupo, o
simplemente por deseo del artista, o por deseo del productor.

1
 También en ocasiones es debido al arreglo o arreglos que necesita una canción
determinada (sección de cuerdas…)

2. Etapas de la grabación de un disco.

2.1 Preproducción.
Fase inicial previa a la grabación del disco y consiste en poner de manifiesto las
canciones y definir los arreglos . Es una etapa crucial para dejarlo todo claro. La
primera fase sería la maqueta o demo para presentar a una discográfica o productor.
Esto significa tener un conjunto de canciones que son las que formarán el disco, a
grandes rasgos. La demo se usa para mostrar las canciones. También puede servir
para enviarla a un productor artístico con el que se quiera trabajar para que se haga
una idea. A los grandes productores musicales les gusta escuchar las canciones
“desnudas”, no muy producidas, guitarra y voz y poca cosa más, con esto ellos
podrán imaginar como será el resto y empezar con la producción artística.
Otra modalidad sería hacer la demo antes de entrar al estudio para que queden
pactados los arreglos y facilitar el trabajo. Esto conlleva trabajar en el local de
ensayo con el productor.

2.2 Producción artística.

El productor escucha la maqueta y según su visión, y dependiendo del estilo, y del
tipo de grupo (amateur o experimentado), establecerá como será la etapa de
producción. Pensará a qué público puede dirigirse la producción, establecerá
estructuras de canciones y arreglos. Una vez productor y banda tienen las canciones
preproducidas se busca un estudio para grabarlas. Antes, con los grandes
presupuestos de la discográfica, estas preproducciones se hacían ya en el estudio, 2
o 3 meses, preparando el disco antes de grabarlo. Así el técnico tenía tiempo de
experimentar y conseguir la mejor grabación. Actualmente esto supone un gran
presupuesto.
El productor ha de dirigir a la banda y cantante, surgirán nuevas ideas, se cambiarán
tempos de canciones, estructuras, arreglos…

2.3. Grabación

2.4 Edición.
La edición puede abarcar diferentes aspectos. Normalmente se refiere a la
corrección de errores de interpretación de tempo y afinación. “Hoy en día todo el
mundo cree que puede grabar”, pero existe una gran diferencia entre un buen músico
y un mal músico que ha sido editado y que suena perfecto en tempo y afinación. En
el caso del tempo hablamos del groove. Aunque con un programa de edición de
tempo podemos hasta elegir el groove (beat detective, por ejemplo), y con plugins
como el auto tune o melodyne podemos afinar acordes, notas… no dejan de ser
“apaños”. Estas herramientas son muy válidas pero peligrosas, deshumanizan al
músico y la propia canción.
También se llama editar al hecho de elegir diferentes tomas y escoger lo mejor de
cada una de ellas.

2.5. Mezcla

2
2.6 Mastering o masterización.

3. Las canciones.
Son importantisimias las estructuras de las canciones. Las canciones se dividen en
compases, y los diferentes momentos por los que pasa el tema se estructuran en
partes. Así la estructura de una canción es como se ordenan las diferentes partes de
las mismas. Es de vital importancia establecer una buena estructura de manera que
pueda tener el máximo impacto en el oyente.
La intro es la parte inicial de la canción normalmente instrumental de 4 u 8
compases. La estrofa de la canción sitúa en la historia y suele entrar la voz. El
puente o bridge es la parte que precede al estribillo y sirve para hacer subir el tema,
el estribillo es el punto álgido de la canción y donde el mensaje llega al oyente, el
interludio es una parte donde se vuelve al mitivo musical del inicio de la canción,
un riff o entrada musical, y que da paso a la segunda estrofa. El break supones un
respiro a estrofa y estribillo, puede suponer una variación, puede aparecer un solo
de un instrumento…El solo que supone un descanso de la voz y el predominio de
algún instrumento, el break se usa para de nuevo hacer subir al estribillo final y el
outro puede ser como la intro pero más conclusiva, o el estribillo de forma
repetitiva para finalizar el tema.
Es importante que el técnico de sonido conozca como es la estructura de la canción
para poder establecer en el programa de grabación, marcadores e ir más rápido en
las sesiones.

El arreglo, se basa en dos aspectos fundamentales de una canción: la orquestación

y la estructura explicada antes. La orquestación se refiere al tipo de instrumentos
que se van a usar en la canción y de que forma van a trabajar juntos armónicamente.
Incluye como van a ser las dinámicas y transiciones de este conjunto de
instrumentos durante la canción.
Con la estructura y la orquestación se busca que la canción tenca un hook (gancho),
que puede ser el estribillo. El productor también hará limpieza de solos, sobre todo
en bandas amateurs donde si los músicos no son muy experimentados tienden a
llenar todo sobrecargando el tema.
Los músicos aficionados son capaces de filtrar todo lo demás y únicamente escuchar
su propio instrumento.
La interpretación es un factor clave y no tiene nada que ver con la tecnología. Existe
una gran diferencia entre una buena toma y una toma espectacular. Es de vital
importancia no dejar escapar ese momento que solo puede aparecer una vez y que
constituye el núcleo básico de la emoción que se expresa con la canción.

4. Producción técnica.
El técnico de sonido tendrá que hacerse una idea de cómo será la grabación, y a la
hora de grabar tendrá que saber a priori que tipo de grabación va a ser, como son las
salas y el estudio, con qué tipo de micros cuenta, y demás material técnico, si se
hará en digital o analógico…

TIPOS DE GRABACIÓN

A) Modo grupo.
Todos los músicos tocando simultáneamente (recording live). Esta es la manera en
la que se empezó a grabar la música. Hoy en día con la grabación digital se pueden

3
hacer varias tomas de una canción y coger las mejores partes de cada una. Si se tiene
un estudio de grabación con salas auxiliares, permite que todos los músicos puedan
tocara a la vez, pero teniendo los instrumentos separados de manera que cada micro
capte la señal lo más pura posible. Esto tiene una ventaja y es que si algo no ha
quedado bien, al estar separado y no haber leakage (diafonía), se puede volver a
interpretar.
No todos los músicos pueden grabar de este modo, solo los altamente
experimentados, y sobre todo si se graba en la misma sala donde todos los micros
van a recoger diafonía. En esta modalidad es vital la comunicación visual. Puede dar
la sensación de que cuanto más alejados estén unos de otros quedará mejor pero esto
tiene un límite ya que si los alejas demasiado entre unos y otros, lo que captará otro
micro de un instrumento será la rever y dará la sensación de que ese instrumento ya
tiene rever. Al estar muy juntos, habrá más diafonía, pero no se tendrá ese problema
de rever.
La infraestructura técnica es necesaria: salas de grabación, micrófonos, monitorado
para cada músico, previos, conversores A/D….

B) Base rítmica + recordings.

El batería y bajista graba sobre una voz de referencia y un metrónomo o claqueta.
No se expresa lo mismo que con todo el grupo grabando a la vez, es una grabación
más artificial, pero también da buenos resultados, aunque no haya el mismo feling.
Es un modo más fácil técnicamente. También existe una combinación de ambas, es
decir, todos tocan a la vez pero dando prioridad a la base: batería, bajo y guitarras
por ejemplo, y después se regraban guitarras, teclados, voces, coros… Este es un
método que se aprovecha lo bueno de los dos modos. Nos da una idea del conjunto,
de la canción…
Hoy en día como se puede graban tantas pistas, los músicos no son conscientes de
que menos es más. También en ocasiones los técnicos pones más micros de los que
se necesitan llegando luego a tener miles de pistas.

C) Grabación de una orquesta o big band.

En este caso la dinámica musical suele ser mayor que la de un grupo de pop y las
técnicas de microfonia serán también diferentes. Interesa captar todo el conjunto
más que la individualidad de cada instrumento. La preparación de la sesión es clave
y hay que tenerlo todo preparado. Dos cosas muy importantes a vigilar: pueden
surgir ruidos inesperados en los pasajes de menor intensidad (hoja de partitura, una
silla, un músico que se mueve ligeramente…), y cuando la grabación de la orquesta
sea un arreglos para una canción de pop o rock habrá que controlar si la afinación de
toda la orquesta con respecto a la base es correcta.
Normalmente habrá un director de orquesta o en el caso de cuartetos o secciones
más pequeñas un músico hará la tarea de director. El lenguaje que se usa en estas
sesiones es muy teórico musicalmente hablando.
- Figuras musicales: blanca, negra…
- Calderón: signo musical que indica que una nota ha de prolongarse
- Esforzando: reforzar la intensidad
- Retardando: retardar el tempo de la figura
- Diminuendo: reducción progresiva de la intensidad
- Tuti: todos tocan
- Anacrusa: nota o conjunto de notas que preceden al primer tempo
- …

4
 D) Sesiones basadas en instrumentos virtuales.
La ventaja de este tipo de sesiones es la flexibilidad, ya que como ocurre en el rap el
arreglo de la canción se puede cambiar hasta el último momento de la canción.
Por ejemplo, si el cantante necesita bajar o subir un tono a la canción y ya esta
grabado, con un ordenador es muy fácil. Hoy existen plugins que te permiten hacer
un cambio de tono, pero esto degrada la señal musical grabada y la empeora.
En ocasiones ciertos tipos de sonidos reales que se han grabado, como una batería
por ejemplo, se pueden complementar con el sonido de muestras de ordenador
(también reales y sampleadas). Suele ocurrir con la caja, que se puede triggear para
sumarle a la caja original, o para reemplazarla, o como efecto…(sound replace). Se
usa también para suplir las carencia técnicas de un batería. En el caso del bombo se
utiliza muchísimo ( porque el baterista no le hadado con intensidad constante…)

E) Grabación por pistas.

5 .Tipo de sala de grabación.

Dependiendo del tipo de producción se necesitará una sala u otra según el

instrumento a grabar o según la visión del productor artístico. Normalmente la elección
del estudio se basa en el equipo que tienen y la acústica de sus salas.
La palabra booth significa cabina, dry booth se refiere a una sala de grabación caon
acústica casi anecoica, iso booth hace referencia a una sala aislada de las demás, big
room, es la sala principal del estudio y la más grande.
Normalmente un estudio de grabación profesional suele tener o3 o más salas con
acústicas diferentes diseñadas para diferentes tipos de grabaciones y para poder aislar
instrumentos con mucho SPL. Si interesa grabar instrumentos acústicos como guitarras,
percusión… se necesita ambiente, y esto se consigue en salas con cierto tiempo de
rever, inferior a 2 segundos. Hay estudios que tienen salas con tiempo de rever
ajustables.
La grabación de baterías en un ambiente vivo, potencia el sonido añadiendo aire y
dando rever natural, que es siempre mejor que usar simulación de rever con plugins.
A veces en el caso de grabción de voces, también se prefiere una sala con dimensiones
más pequeñas y sin influencia de la acústica de la sala, para en una etapa posterior poder
añadir la cantidad de rever al gusto, es el caso de los dry booth.

6. Preparación de la sesión de grabación.

Es importantísimo conocer el tipo de grabación que vamos a realizar, saber de antemano

que no le gusta a un artista es también una información muy valiosa. Conocer su
trabajo, el estilo, cuántos músicos son, cómo van a ser las canciones… Haber escuchado
la demo nos servirá para hacer un mapa mental de cómo abordar la grabación.
Antes de la grabación es importantísimo comprobar que todo funciona bien.
La confianza del músico en el técnico de sonido ha de ser total. Es por esto que aparte
de conocimiento técnicos, el técnico debe poder empatizar con el músico que va a
necesitar el feedback del técnico, y la opinión de cómo lo está haciendo.

5
El técnico tiene que tener siempre una actitud positiva en la grabación y ciertas dosis de
psicología a la hora de decir y proponer cosas a los músicos, de manera que estos no se
sientan ofendidos.

- Afinación de instrumentos: es de vital importancia que todos los instrumentos

que van a intervenir en la grabación estén en perfectas condiciones y afinados.
Es decir, que el instrumento no tenga ninguna anomalía (guitarras eléctricas
desquintadas, cuerdas con ruido, parches de batería muy usados…)Es
imprescindible que se cambien las cuerdas antes de la grabación, y esto hará que
la guitarra se desafine más de lo normal. La afinación debe ser correcta y
precisa. Lo mismo ocurre con la batería, y dependiendo de la habilidad del
músico, puede llevar una hora o más afinar la batería. La afinación de guitarras y
bajos ha de comprobarse de continuo. Con los músicos profesionales no hay
problema pues se toman muy en serio tener su instrumento afinado, pero con los
músicos amateurs, hay que recordárselo periódicamente durante la grabación. En
estos casos el técnico tiene que percatarse de continuo para darse cuenta de
cuando un instrumento está desafinado.
- Calibración y encaminamiento de la señal: la calibración de los equipos con los
que vamos a trabajar ha de ser correcta y precisa tanto en grabación analógica
como digital. En digital la calibración es mucho más estable.
Hay que prestar mucha atención a la cadena de grabación y de monitorización.
Cadena de grabación: micrófono + preamplificador + procesamiento
(EQ/compresión…) + grabador analógico o digital (conversores AD)
Cadena de monitorización:
Grabador analógico o digital (conversores DA) + mesa de mezclas +
monitores.
A la hora de grabar es importante poder monitorizar cada fuente que se esté
grabando, para controlar que se está haciendo correctamente y tener una escucha
lo más fiel posible. Es importante disponer de un sistema de monitorización
eficiente de manera que en cualquier momento a golpe de fader puedas subir o
bajar el volumen de cualquier instrumento.
- Cadena de grabación: hace referencia al conjunto de dispositi9vos que usamos
para captar el sonido y grabarlo. Aspectos más importantes de la cadena:
o Estructura de ganancia correcta en los equipos de la cadena
o Calidad de grabación de dichos equipos
o Decisión de usar unos u otros equipos para reflejar la estética del artista
o Cada elemento de la cadena va a añadir una cualidad tonal a la señal que
estamos captando.
Sería conveniente hacerse una hoja de ruta donde indiquemos la cadena para
cada instrumento, el tipo de micro, previo al que se conecta, si existe inserto o
EQ, compresión… a que pista del conversor o grabador está conectado…
Esta hoja de ruta ha de estar muy bien diseñada y debemos tenerla muy clara,
aunque pude haber cambios en cualquier instante.
Los micrófonos son el primer paso en la cadena de grabación, y su elección es
un elemento clave para captar el tipo de sonido deseado. Hemos de conocer
cómo suena cada instrumento para poder microfonearlo correctamente, y
conocer cómo funciona cada micrófono. La clave está en entrar en la sala y
escuchar como suena el instrumento.
Los micrófonos que usaremos en la sesión van a conectados a los wallbox.
Siempre hay que dejar un margen de cable al conectar cada micro por si

6
queremos variar su posición durante la captación, siempre intentando que el
cable sea lo más corto posible. Las señales de los micros, han de llegar hasta el
control técnico, hasta el patch bay o patch panel, que es donde están todas las
entradas y salidas de todos los equipos.
En esta parte de la cadena además de una buena elección del tipo de micro es
necesario que exista una buena adaptación de impedancias entre micro y previo.
En general, los micros de baja impedancia pueden usar un cable más largo y el
previo no tendrá apenas pérdida de señal y menos coloración de su respuesta en
frecuencia que los micros de alta impedancia.

El preamplificador de micro, de donde la débil señal de tensión que sale del

micro, que es de milivoltios, se va a amplificar hasta el nivel de línea (+4dBu),
que corresponde a 1,23 v. Muchas veces, los preamplificadotes vienen equipados
con un indicador LED para informarnos cuando el previo está a punto de entrar
en la zona de saturación. Otro preamplificadotes vienen equipados con un
indicador de volumen VU.
Es sumamente importante la adaptación de la impedancia de salida del micro a la
impedancia de entrada del previo. El preamplificador debe estar en alguna parte
entre 5 y 10 veces la impedancia de salida del micro.
Siempre es importante recordar que cualquier ruido del circuito se va a
introducir en la cadena y además el ruido se sumará a la siguiente etapa. Hay que
tratar de mantener la cantidad de ruido lo más baja posible, por este motivo es
importante mantener la cadena de señal lo más corta posible.
Cualquier dispositivo de audio no lineal distorsionará en cierta medida, la señal
de entrada, y eso significa cambiar la forma de la forma de onda de audio,
creándose armónicos adicionales. La distorsión armónica es una distorsión de
una señal a través de la introducción de armónicos adicionales o la afectación de
los ya presentes, lo que resulta un cambio en el timbre. La distorsión en una
señal consiste en la deformación de la misma a causa de una trasferencia no
lineal, produciendo efectos que son audibles. EL color de los diferentes previos
se fundamenta en esto.