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Índice de contenidos
Introducción
Unidad
Unidad
Unidad
Versión digital de la Unidad
Carpeta de trabajo
Página siguiente
2
ISBN: 978-987-774-028-8
Íconos
LL
Leer con atención. Son afirmaciones, conceptos o definiciones destacadas
y sustanciales que aportan claves para la comprensión del tema que se
desarrolla.
PP
Para reflexionar. Propone un diálogo con el material a través de preguntas,
planteamiento de problemas, confrontaciones del tema con la realidad,
ejemplos o cuestionamientos que alienten la autorreflexión.
Texto aparte. Contiene citas de autor, pasajes que contextualicen el desa-
rrollo temático, estudio de casos, notas periodísticas, comentarios para for-
mular aclaraciones o profundizaciones.
CC
Cita. Se diferencia de la palabra del autor de la Carpeta a través de la inser-
ción de comillas, para indicar claramente que se trata de otra voz que ingre-
sa al texto.
Ejemplo. Se utiliza para ilustrar una definición o una afirmación del texto
principal, con el objetivo de que se puedan fijar mejor los conceptos.
AA
Para ampliar. Extiende la explicación a distintos casos o textos como podrían
ser los periodísticos o de otras fuentes.
KK
Actividades. Son ejercicios, investigaciones, encuestas, elaboración de cua-
dros, gráficos, resolución de guías de estudio, etcétera.
SS
Audio. Fragmentos de discursos, entrevistas, registro oral del profesor expli-
cando algún tema, etcétera.
EE
Audiovisual. Videos, documentales, conferencias, fragmentos de películas,
entrevistas, grabaciones, etcétera.
II
Imagen. Gráficos, esquemas, cuadros, figuras, dibujos, fotografías, etcétera.
WW
Recurso web. Links a sitios o páginas web que resulten una referencia den-
tro del campo disciplinario.
OO
Lectura obligatoria. Textos completos, capítulos de libros, artículos y papers
que se encuentran digitalizados en el aula virtual.
RR
Lectura recomendada. Bibliografía que no se considera obligatoria y a la que
se puede recurrir para ampliar o profundizar algún tema.
Línea de tiempo. Se utiliza para comprender visualmente una sucesión cro-
nológica de hechos.
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Índice
Los autores............................................................................................ 7
Introducción............................................................................................ 9
Reflexiones acerca del aprendizaje en un entorno virtual............................ 9
Objetivos del curso................................................................................ 11
2. El lenguaje audiovisual..................................................................... 31
Objetivos ............................................................................................. 31
2.1. Nociones de composición y movimientos de cámara......................... 31
2.1.1. Encuadre............................................................................. 31
2.1.2. Profundidad de campo.......................................................... 32
2.1.3 Gramática audiovisual........................................................... 34
2.2. Reglas de composición................................................................... 46
2.2.1. Centro de interés................................................................. 46
2.2.2. Regla de los tercios.............................................................. 47
2.2.3. Regla del horizonte............................................................... 48
2.2.4. Regla de la mirada............................................................... 48
2.2.5. Regla de curva en S............................................................. 49
2.2.6. Regla de repetición.............................................................. 49
2.2.7. Regla de enmarcado............................................................. 50
2.2.8. Regla de espacio negativo.................................................... 51
2.3. La iluminación............................................................................... 51
2.3.1. Tratamiento......................................................................... 51
2.3.2. Formas de iluminación.......................................................... 57
2.3.3. Esquemas de iluminación..................................................... 60
2.4. La posproducción........................................................................... 64
2.4.1. El cine sin montaje............................................................... 64
2.4.2. Primeros aportes.................................................................. 67
2.4.3. El montaje........................................................................... 70
2.4.4. David Wark Griffith. El montaje paralelo y alterno.................... 72
2.4.5. Montaje invisible.................................................................. 73
2.4.6. El Efecto Kuleschov.............................................................. 75
2.4.7. Sergei Eisenstein y el nontaje de atracciones......................... 76
2.5. La edición...................................................................................... 79
2.5.1. Montaje de sentido, edición lineal/no lineal........................... 80
2.5.2. Planilla de visualización y guion de edición............................. 81
6
Referencias bibliográficas...................................................................... 85
Referencias filmográficas....................................................................... 86
Referencias en línea.............................................................................. 87
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Los autores
Alejandra Nicolosi
Licenciada en Comunicación Social (UNQ) y magíster por la ECA-USP de San
Pablo, Brasil. En la UNQ, se desempeña como docente e investigadora, dirige
el proyecto Observatorio de Ficción Televisiva en la TV Pública, el Programa
Transversal de Adaptación y Desarrollo de la TV Digital y las carreras de posgra-
do Especialización y Maestría en Comunicación Digital Audiovisual. Ha publica-
do numerosos artículos y ponencias sobre telenovela y ficción televisiva, tanto
a nivel nacional como internacional.
Leonardo Murolo
Doctor en Comunicación (UNLP), Licenciado en Comunicación Social (UNQ),
Director de la Licenciatura en Comunicación Social UNQ, director del proyecto
de investigación “Nuevas pantallas: usos y narrativas de las tecnologías digi-
tales”. Autor de artículos académicos y de divulgación en temáticas ligada a
los usos de las tecnologías y las narrativas audiovisuales.
Natalia García
Licenciada en Comunicación Social (UNQ) y Técnica Universitaria en Publicidad
(UCA). Fotógrafa formada en el IMDAFTA, en la UBA, en la UP y en el Centro
Cultural Municipal “León F. Rigolleau”.
Profesora de la Escuela Universitaria de Artes, el Departamento de
Ciencias Sociales y la Secretaría de Extensión Universitaria en asignaturas
de Fotografía.
Fotógrafa institucional en la Dirección de Prensa en la Universidad Nacional
de Quilmes.
Cristian Verón
Especialista en Comunicación Digital Audiovisual (UNQ) y Licenciado en
Comunicación Social (UNQ), con más de diez años de experiencia en los medios
(públicos y privados) y especialista en edición y postproducción de video.
Jefe de Departamento de Producción del Programa de Producción Televisiva
(UNQ).
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Introducción
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Objetivos
•• Conocer la historia de la imagen como representación social: sus orígenes,
su historia y su desarrollo.
•• Proponer una mirada a los modelos contemporáneos hegemónicos de
producción.
•• Reconocer los distintos medios audiovisuales: el cine, la televisión, la tele-
visión digital, el video y las nuevas pantallas.
1.1.1. Pintura
En el reconocimiento de la historia iconográfica, una de las referencias más impor-
tantes la acapara la pintura rupestre. Se trata de una de las manifestaciones
artísticas más antiguas de las que se tiene constancia. Existen testimonios data-
dos de hasta 60 mil años de antigüedad. Del primero de los periodos citados son
las extraordinarias pinturas de la cueva de Chauvet, en el sur de Francia, donde
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ros_grotte_Chauvet.jpg#/media/File:Rhinoc%C3%A9ros_grotte_
Chauvet.jpg> [Consulta: 10 de abril de 2017]
CC
Pero el apetito visual humano posee todavía un grado más elevado de formali-
zación cognitiva, manifestado en lo que podríamos denominar pulsión icónica,
que hace que veamos formas figurativas en los perfiles aleatorios en las nu-
bes, en los puntos luminosos de las constelaciones o en las manchas de las
paredes. O aprovechar el aprovechamiento por el artista rupestre primitivo de
las formas naturales en las paredes de las cuevas del paleolítico superior para
construir la imagen de un bisonte o un jabalí.
La pulsión icónica revela la tendencia natural del hombre a imponer orden y
sentido a sus percepciones mediante proyecciones imaginarias. Si bien tales
orden y sentido aparecen ampliamente diversificados según el grupo cultural al
que pertenezca el sujeto perceptor y según la historia personal que se halla tras
cada mirada. (Gubern, 1996: 11)
Pintura de la Antigüedad
Los egipcios utilizaban la pintura para ilustrar los muros de las tumbas de los
faraones con representaciones mitológicas y escenas de actividades cotidia-
nas, como la caza, la pesca, la agricultura o la celebración de banquetes. En
primer lugar, las imágenes, más conceptuales que realistas, presentan los
rasgos anatómicos más característicos, combinando las vistas frontales y de
perfil de la misma figura; en segundo lugar, la escala de las figuras indica la
importancia de las mismas, y así el faraón aparece más alto que su consorte,
hijos o cortesanos. Por ejemplo, describe Gubern (1996) que el canon de
proporciones de la figura humana en el antiguo Egipto era el de una altura de
siete cabezas y media y tal canon no podía transgredirse. El desarrollo de la
etapa se ubica en el 3000 a. C.
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Pintura moderna
El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que
determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.
Esta nueva etapa planteó una otra forma de ver el mundo y el ser humano,
también mostró el interés por las artes, la política y las ciencias, revisando el
teocentrismo medieval.
El desmembramiento de la cristiandad con el surgimiento de la reforma pro-
testante, la introducción de la imprenta y la consiguiente difusión de la cultura
fueron uno de los motores del cambio. El determinante, sin embargo, de este
cambio social y cultural fue el desarrollo económico europeo, con los prime-
ros atisbos del capitalismo mercantil.
Esta etapa tiene epicentro en Italia (Florencia, Venecia, entre otras) con
figuras emblemáticas como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti,
Sandro Botticelli, Rafael Sanzio y Tiziano, como así también en los Países
Bajos, con su principal referencia en Pieter Brueghel, el Viejo.
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Pintura contemporánea
Si bien lo contemporáneo es “lo actual”, en el caso del arte identificamos,
de manera extensiva, como pintura contemporánea a las obras desarrolladas
desde el siglo XIX y más usualmente a las producidas en los siglos XX y XXI.
Tienen lugar las vanguardias y suelen ser obras conceptuales.
El cubismo tiene origen en la primera década del 1900 en Francia. Son
obras que se desprenden casi totalmente de la semejanza con la naturale-
za, no tratan de interpretarla sino que expresan ideas. La obra tiene valor en
sí misma. Se valoran los diferentes puntos de vista, se rompe con la mirada
tradicional y la perspectiva clásica. Pablo Picasso, George Braque y Fernand
Leger son artistas del movimiento.
También en Francia es donde nace la pintura surrealista. Todo el movimien-
to surrealista se aboca a la profundidad del ser humano, buscando compren-
der al hombre completamente, en su totalidad. Los sueños, lo subconsciente
son plasmados en las obras surrealistas. Masson, Miró, Klee, Dalí, Magritte
son fieles exponentes de este movimiento figurativo, rupturista.
El acento en el color, el sentimiento del artista, el dinamismo de la obra son
características del impresionismo, movimiento nacido en Alemania en pleno
siglo XX. Estos artistas rompen las formas del mundo que pintan y tratan de
mostrar sus emociones y sentimientos.
La expresión de la pintura artística da lugar al arte abstracto, con obras
que trabajan no a partir de un mundo real o figurativo sino de la imaginación
y ensueño de los artistas, basadas en la subjetividad, la espontaneidad, el
impulso, la ambigüedad y la improvisación.
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1.1.2. Fotografía
En 1816 se obtiene la primera imagen negativa sobre papel con una cámara
oscura.
La fotografía tuvo su auge comercial a partir de 1888 cuando Kodak sacó
al mercado una cámara que utilizaba carretes de 100 fotos circulares y,
sobre todo, debido a la industrialización del proceso de impresión de pelícu-
la fotográfica.
Para los aficionados a la fotografía en blanco y negro no ha habido práctica-
mente cambios desde la introducción al mercado de la Leica 35 mm en 1925
o la aparición de la fotografía color.
Los avances técnicos aplicados a la fotografía, el perfeccionamiento de los
dispositivos de captura y la constante demanda de imágenes para uso comer-
cial masificó el uso de cámaras entre los aficionados. Todo ello redundó en
un fuerte impulso y desarrollo a todo el proceso.
La necesidad de acortar los tiempos de procesado entre la captura y la
posterior publicación de la imagen, como así también la búsqueda del abara-
tamiento de los insumos, se logra en gran medida con la aparición de la foto-
grafía digital. El modo de captura a través de la lente es similar a la fotografía
fílmica, pero la impresión de la luz ya no se hace sobre una película sino que
la información es recogida por un sensor, procesada por un chip y almacena-
da en un soporte digital.
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Leica, 1927
Fuente: <https://commons.wikimedia.org/wiki/File:LEI0060_186_Leica_I_
Sn.5193_1927_Originalzustand_Front-2_FS-15.jpg> [Consulta: 1º de abril de
2019]
1.1.3. Cine
El 28 de diciembre de 1895 es la fecha marcada como el “inicio formal” de
las proyecciones cinematográficas. Ese día, los hermanos Louis y Auguste
Lumière presentaron en París una serie de sus primeros registros cinemato-
gráficos. Si bien el registro de imágenes que semejaban el movimiento tenía
antecedentes, no sucedía lo mismo con su reproducción.
De aquellos registros documentales iniciales se pasó a la filmación de
representaciones, de escenas armadas, dando lugar también a la ficción.
El invento no tardó en conseguir éxito comercial en distintas partes del
mundo que lo importaron, lo mejoraron y lo potenciaron en todos los sentidos:
técnica, comercialmente y en el desarrollo de contenidos. Rápidamente logró
éxito comercial y sus producciones también pasaron a ser consideradas parte
de la producción artística.
El punto de inflexión en la producción se produjo a través de la incorpora-
ción del montaje. El reordenamiento de lo registrado para construir nuevos
sentidos conforma un nuevo lenguaje con características y reglas propias.
Sobre fines de la década de 1920 el cine mudo deja lugar al cine sonoro
que reemplaza a los relatores y la música en vivo durante las proyecciones.
El éxito comercial de la cinematografía provoca la conformación de una ver-
dadera industria del entretenimiento, logrando tal vez su máxima expresión
en Hollywood, pero también en Europa y otras partes del mundo con produc-
ciones que conforman nuevos movimientos, corrientes y reconocidos autores.
El cine documental se convierte en una de las más fieles expresiones y
documentos que retratan, reflejan y construyen una memoria audiovisual de
innegable e irreemplazable valor para la memoria de los pueblos.
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1.
1.1.4. Televisión
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Fuente:
Video disponible en: <http://encuentro.gob.ar/programas/serie/8001/5530>
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La televisión digital
Los últimos años han mostrado un gran avance tecnológico que ha redundado
en el abaratamiento del equipamiento de producción y transmisión y, a su vez,
de los aparatos de recepción de televisión. La transformación tecnológica y
el paso de la producción analógica a la digital ha creado un nuevo entorno
que se muestra interactivo y el modelo de la comunicación tradicional está
en revisión.
Productores, emisores, receptores, audiencias ya no son lo que eran y lo
que se ha generado es una gran incertidumbre en torno a cómo continuará
el desarrollo de la televisión en el contexto actual. Un contexto complejo
desde lo comercial, lo social, lo político y lo actitudinal. Como decíamos, la
incertidumbre, en varios de estos aspectos, pareciera ser lo que tienen en
común.
La televisión digital ha mejorado la calidad de la señal (menos ruido) y el
aprovechamiento del ancho de banda. Describiremos brevemente los avances
sobre este segundo aspecto para comprender la potencialidad del sistema
digital por sobre el analógico. El otro gran cambio respecto a la televisión
analógica es la posibilidad de interactividad y una transmisión estable y de
calidad en dispositivos móviles.
Lejos de lograr un sistema uniforme de carácter global, digamos, hasta la
actualidad se han desarrollado cuatro proyectos para la transmisión digital
de televisión. El Proyecto DVB es una alianza de más de 200 empresas,
en su mayoría de origen europeo y que incluye operadores, distribuidores
y desarrolladores de software. Si bien el proyecto ha logrado sus mejores
resultados en DVB-T (señal digital terrestre), también ha desarrollado DVB-S
(satelital), DVB-C (cable) e incluso experiencias de aplicación del sistema en
comunicación por ADSL y para transmisión digital de radio.
El sistema DVB-T está ampliamente difundido en la región europea, junto
a su variante mejorada DVB-T2.
En los Estados Unidos, el gobierno decidió adoptar como norma el
sistema ATSC y su variante para dispositivos móviles ATSC-M/H. El Comité
de Sistemas de Televisión Avanzada (ATSC, Advanced Television System
Committee) está integrado por cadenas de TV y empresas tecnológicas y no
ha logrado mayor penetración en otras regiones del mundo, salvo aislados
casos en Latinoamérica. El DTMB (Digital Terrestrial Multimedia Broadcast) ha
recibido el apoyo de China y otros países asiáticos (Macao, Hong Kong).
Por último, haremos referencia al ISDB-T y al ISDB-TB. El Integrated Services
Digital Broadcasting, además de la televisión digital terrestre, permite la
implementación de otros componentes, como la satelital, el cable, servicios
multimedia y radio digital. El sistema fue creado en Japón y ha logrado un
amplio desarrollo en países de Latinoamérica, donde ha sido modificado por
Brasil, que ha mejorado sustancialmente el uso de ancho de banda, siendo
el ISDB-TB el sistema adoptado por la Argentina y la casi totalidad de países
de Sudamérica para sus sistemas de Televisión Digital Terrestre y Satelital.
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Institucional TV Pública
1.1.5. Video
Si bien en los primeros años de la década de 1950 se comienza a trabajar
experimentalmente en la grabación de imágenes en video no es hasta bien
entrada la década siguiente que el videotape tiene un desarrollo fructífero.
Una fecha importante en la historia de este medio es 1964, durante los jue-
gos olímpicos de Tokio: primer acontecimiento en el que se realiza una repro-
gramación diferida de la transmisión en directo. En 1965 se efectúa el primer
video personal con una intención artística, considerándose este año como el
del nacimiento del “videoarte”, cuando el coreano Nam June Paik filmó la visi-
ta del papa Paulo VI a Nueva York desde la ventanilla de un taxi.
Posteriormente, en 1968, la Sony Corporation produce el “portpack”, pri-
mera cámara portátil comercializada, y en ese mismo año acontece que Jean-
Luc Godard graba la revuelta francesa de estudiantes por la mañana –hecho
conocido como el Mayo Francés–, material que era visto por la noche en una
librería francesa, naciendo así el video-reportaje y el video documental, géne-
ros de expresión periodística que con el paso del tiempo se han convertido en
cauce de testimonios y denuncias de injusticias, fraudes y catástrofes.
A partir de 1970 Philips lanza el sistema VCR y otorga facilidades de uti-
lización al ciudadano común, que encuentra nuevas posibilidades de uso al
registrar experiencias cotidianas, familiares y sociales; amplía sus posibilida-
des expresivas, renueva la forma de transmitir información, delata injusticias,
implementa la vigilancia de bancos y lugares públicos, apoya la investigación,
etcétera.
Si bien la grabación de imágenes y su posterior montaje y edición eran prác-
ticas conocidas desde el nacimiento del cine, el video aporta celeridad en el
proceso al no requerir del revelado fílmico, la grabación del audio en simul-
táneo y en el mismo dispositivo, abaratando los costos y permitiendo que la
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Fanvids. Los fanvids son los fanáticos de series, películas y bandas musicales,
quienes reeditan fragmentos de sus series, películas y videos favoritos crean-
do nuevas narraciones, como finales alternativos o escenas que les gustaría
que hubieran sucedido. Sostiene Jenkins (2010: 31) que “la cultura de los
fans supone un desafío a la ‘naturalidad’ y conveniencia de las jerarquías
culturales dominantes, un rechazo a la autoridad del autor y una violación de
la propiedad intelectual”. Este subgénero propicia la creatividad dentro de un
régimen de visibilidad acotado: son otros fans quienes consumen estas pro-
ducciones, las comentan, las comparten y las reproducen. No obstante, este
tipo de producciones de fandom (fanfics, fanfilms o fanvids) existe desde las
novelas en papel o los cómics. Con la digitalización, las comunidades virtuales
potenciaron el impacto de estas producciones.
Otro subgrupo tiene que ver con los fans que interpretan covers de sus
bandas favoritas. Se trata de videos generalmente en toma fija, de performan-
ces de canciones conocidas sobre la misma base musical o con instrumen-
tos propios. Estos videos son muy celebrados en internet ya que cuentan con
gran cantidad de visualizaciones y comentarios que alientan a los intérpretes
a seguir posteando más canciones.
Series web. Por su parte, la serie web postula un formato híbrido, entre ama-
teurismo y profesionalidad, volcado a producir ficción o documental en pocos
minutos para ser consumido a la carta. Hay propuestas de las grandes empre-
sas de comunicación que, al tener poco que perder, se lanzan a la vanguar- Los cambios en las formas de
dia de la innovación narrativa al producir series web. Algunos ejemplos de consumir audiovisual, a partir de
las posibilidades brindadas por
este subgrupo serían Embarcados (MSN, 2008); La pareja del mundial (Grupo
el desarrollo masivo de la red
Clarín, 2010); El Rastro (Telefé, 2011); Vera Blum (Telefé, 2013); Tus amigos internet y como contraposición
siempre a mano (Telefónica, 2013), desarrollado por profesionales de la tele- al complejo y costoso sistema
visión. Todas ellas tienen como reminiscencia la serie televisiva. de la radiodifusión por espectro
radioeléctrico, han dado lugar a
Desde el punto de vista formal, se tratará de narraciones breves para ser plataformas de video a deman-
vistas en internet y telefonía móvil. Por ello también se trastocará el trata- da o sobre la red como UN3 (de
miento del lenguaje a través de colores predominantemente claros, escala de la Universidad Nacional de Tres
planos cortos, edición veloz por corte, voces en off y ausencia del videograph. de Febrero, <https://un3.tv/>),
FansWorld TV (<https://www.fwtv.
A su vez las apuestas independientes como Plan V (2009 y 2010) y Un tv>) o Cine.ar Play (del Estado
año sin televisión (2011), entre otras, abrieron la puerta a la consolidación del Argentino, con participación del
formato. Desde 2013 se realizan convocatorias, existen canales y festivales Instituto Nacional de Cine y Artes
Audiovisuales, <http://cine.ar>).
orientados a este, con instancias de programación, financiación y premios.
Allí serán importantes en Argentina UN3, FWTV, CINE.AR Play.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
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perfil a otros usuarios para compartir información. De este modo, las redes
sociales virtuales al estilo Facebook —paradigma de esta segunda forma
de comunicación— van ganando terreno en los usos de internet y dentro de
ellas se generan diferentes lógicas de intercambiar y compartir información.
Sostienen Caro Castaño y Selva Ruiz (2012) que estos espacios propician más
los sentimientos, compartir y recomendar que la producción de contenidos. En
el terreno de la privacidad se juega una dimensión de importancia. Mientras
los enlaces de otras páginas se comparten en Facebook, un video alojado en
Facebook puede ser visto solamente por los amigos que entren en la perso-
nalización del posteo.
En este subgrupo se encuentran los videos de vacaciones, de festejos, de
situaciones cotidianas que solamente buscan como receptores a los amigos
y familiares para iniciar —en la misma dinámica que propone las redes socia-
les virtuales— comentarios y respuestas sobre la producción posteada. Este
subgrupo de videos se caracteriza por la poca profesionalización en la filma-
ción y la nula edición.
Asimismo, deberá prestarse atención al devenir de los usos del video en
Instagram: historias y publicaciones menores de un minuto.
LECTURA OBLIGATORIA
OO 26 a 35.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
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Referencias bibliográficas
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El lenguaje audiovisual
Néstor Daniel González, Natalia García, Leonardo Mora Doldán
y Cristian Verón
En el transcurso de esta unidad trabajaremos con los elementos constitutivos
del lenguaje audiovisual siendo la primera parte un texto de tono descriptivo
y de carácter instructivo, para adentrarnos sobre el final en conceptos más
analíticos y reflexivos.
Como modalidad, ejemplificaremos con diversas producciones audiovisua-
les que den cuenta lo tratado y salvo que se cite específicamente lo contrario,
los fotogramas sobre los que se trabaja corresponden a la película Fur: An
Imaginary Portrait of Diane Arbus. Fur: An Imaginary Portrait of Diane
Arbus (EEUU) del director Steven
Shainberg, basada en la biogra-
fía de la fotógrafa Diane Arbus.
Objetivos La película es del año 2006 y
fue estrenada en la Argentina con
•• Reconocer los elementos que constituyen el lenguaje audiovisual. el título “Retrato de una pasión”.
•• Manejar los conceptos que hacen a la composición audiovisual. Referencia en IMDB: <http://www.
imdb.com/title/tt0422295/>
•• Comprender el sentido que adquiere el conjunto de reglas sintácticas y gra-
maticales que regulan el contenido audiovisual.
•• Acercar a los alumnos a las diversas maneras de construir narraciones
audiovisuales.
2.1.1. Encuadre
Lo primero a tener en cuenta cuando construimos una imagen es el concepto
de encuadre. Su importancia radica en que nos marca una parte del todo, que
a su vez, nos permite generar una nueva totalidad. Es tomar una porción de
esa totalidad que está frente a nosotros y generar una nueva, esa que va a
pasar a ser “nuestra totalidad”.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
32
Imagen 2.1.
Imagen 2.2.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
33
Imagen 2.3.
Imagen 2.4.
Y por último, las imágenes con mucha profundidad de campo permiten tener,
mediante el recorrido visual, la totalidad de información con nitidez para poder
ver sujetos, objetos, entorno, etcétera (Imagen 2.5.).
Imagen 2.5.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
34
Tipos de encuadre
Hay diferentes tipos de encuadres y muchas veces son elegidos para recortar
determinado tipo de imagen. Aunque vale aclarar que el encuadre no es exclu-
yente de una clase de imagen y que, muchas veces, la riqueza de la composi-
ción se da por la utilización de un encuadre que no se utilizaría habitualmente
para ese recorte.
Imagen 2.6.
•• Encuadre vertical. Este tipo de encuadre, por lo general, se utiliza para regis-
trar objetos o sujetos en su totalidad: un edificio de muchos pisos, un árbol
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
35
Imagen 2.7.
Imagen 2.8.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
36
Imagen 2.9.
Planos
Los tipos de planos se definen en relación con la distancia entre la cámara y
Los planos se definirán en relación el objeto o sujeto. Y más allá de sus dimensiones, el plano está constituido
con el cuerpo humano. por un conjunto de información.
Imagen 2.10.
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37
Imagen 2.11.
Imagen 2.12.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
38
Imagen 2.13.
Imagen 2.14.
•• Primer plano. Con relación a la figura humana, este plano toma el rostro
y parte de los hombros de la persona. Marca una distancia corta y es útil
para mostrar intimidad y confidencialidad en relación con el personaje
(Imagen 2.15.).
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
39
Imagen 2.15.
Imagen 2.16.
Imagen 2.17.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
40
Movimiento de cámara
El movimiento registrado por una cámara puede clasificarse, en una primera
instancia, como interno o externo.
Movimiento interno. Hace referencia al movimiento que desarrollan los
sujetos o los objetos en el cuadro que toma la cámara.
Movimiento externo. Se habla de movimiento externo cuando lo que se
mueve es la cámara. Hay varias maneras de hacerlo y cada movimiento de
cámara apunta a producir un efecto. También podemos clasificar los movi-
mientos de cámara como:
Fuente: Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus (2006), Dir: Steven Shainberg
Disponible en: <https://youtu.be/Jnhjhrk8hWE?t=26s> [Consulta: 10 de mayo de
2015].
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
41
Fuente: Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus (2006), Dir.: Steven Shainberg
Disponible en: <https://youtu.be/Jnhjhrk8hWE?t=2m38s> [Consulta: 10 de mayo
de 2015].
Fuente: Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus (2006), Dir.: Steven Shainberg
Disponible en: <https://youtu.be/f5wSt04KKZA?t=1m8s> [Consulta: 10 de mayo
de 2015].
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
42
Punto de vista
El punto de vista está íntimamente relacionado con los planos y con la angu-
lación de la cámara. Al igual que en la descripción de los planos, tomaremos
como referencia la figura humana de ejemplo.
Desde este punto podemos enunciar dos tipos de angulaciones: verticales
y horizontales de acuerdo con la posición que la cámara adopte en relación
con la mirada del sujeto.
Angulaciones verticales
•• Normal. Denominado también “a nivel”. En este caso, la cámara está situa-
da a la misma altura del sujeto transmitiendo una sensación de igualdad,
y equilibrio (Imagen 2.18.).
Imagen 2.18.
Imagen 2.19.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
43
Imagen 2.20.
Imagen 2.21.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
44
Imagen 2.22.
Angulaciones horizontales
•• Perfil. La cámara se posiciona de manera lateral al sujeto captando el perfil
del este (Imagen 2.23.).
Imagen 2.23.
Imagen 2.24.
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45
•• Espalda. En este plano la cámara se ubica detrás del sujeto (Imagen 2.25.).
Imagen 2.25.
Imagen 2.26.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
46
CC
[…] No veía, en francés, ninguna palabra que expresase simplemente esta es-
pecie de interés humano; pero en latín esa palabra creo que existe: es el stu-
dium, que no quiere decir, o por lo menos no inmediatamente, ‘el estudio’, sino
la aplicación a una cosa, el gusto por alguien, una suerte de dedicación gene-
ral, ciertamente afanosa, pero sin agudeza especial. Por medio del studium me
intereso por muchas fotografías, ya sea porque las recibo como testimonios
políticos, ya sea porque las saboreo como cuadros históricos buenos: pues es
culturalmente (esta connotación está presente en el studium) como participo
de los rostros, de los aspectos, de los gestos, de los decorados, de las
acciones.
El segundo elemento viene a dividir (o escandir) el studium. Esta vez no soy yo
quien va a buscarlo (del mismo modo que invisto con mi consciencia soberana
el campo del studium), es él quien sale de la escena como una flecha y viene
a punzarme. En latín existe una palabra para designar esta herida, este pincha-
zo, esta marca hecha por un instrumento puntiagudo; esta palabra me iría tanto
mejor cuanto que remite también a la idea de puntuación y que las fotos de las
que hablo están en efecto como puntuadas, a veces incluso moteadas por estos
puntos sensibles; precisamente esas marcas, esas heridas, son puntos. Ese
segundo elemento que viene a perturbar el studium lo llamaré punctum; pues
punctum es también: pinchazo, agujerito, pequeña mancha, pequeño corte, y
también casualidad. EI punctum de una foto es ese azar que en ella me despun-
ta (pero que también me lastima, me punza). (Barthes, 1999: 58)
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
47
Si nos basamos en esta idea, podríamos abrir el juego y decir que la regla de
interés es “relativa” (en lo que respecta a la subjetividad de la mirada) ya que
estos puntos de la imagen que hieren la atención del que observa van a ser
variados porque no a todas las personas les va a llamar la atención lo mismo.
Varias personas, ante una misma toma pueden detener su mirada en diver-
sos aspectos de la imagen. Por ejemplo, en la siguiente imagen podemos
establecer como centro de interés la patente del micro, las ópticas, la puerta
abierta y la sombra que dibuja en la ruta, etcétera. (Imagen 2.27.).
Imagen 2.27.
Imagen 2.28.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
48
Imagen 2.29.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
49
Imagen 2.30.
Imagen 2.31.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
50
Imagen 2.32.
Imagen 2.33.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
51
Imagen 2.34.
1.
2.3. La iluminación
La iluminación es el lenguaje de la fotografía y de la imagen en movimiento.
Los patrones de luz transmiten información y esa información que la luz trans-
mite es clara, concisa, como por ejemplo: esta pared es rugosa o esta medalla
es de oro o esta bebida es gaseosa.
Es importante analizar ese lenguaje y para eso debemos determinar de qué
manera se transmite la luz, cuál es la superficie donde esa luz incide, qué
esquemas de iluminación se pueden construir, etcétera.
2.3.1. Tratamiento
El tratamiento de la imagen por medio de la luz es imprescindible tanto a nivel
técnico como artístico. Los principales valores de la luz son:
•• Calidad: cuando la luz cae directamente (luz dura) sobre el objeto o figura,
se genera un efecto en el que se resaltan los contornos. En cambio si la
luz es difusa o suave, se reduce el contraste, destacando el detalle de las
sombras.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
52
Con relación a las superficies donde la luz incide, podemos clasificarlas como:
•• Reflectivas o especulares: el rayo incidente tiene el mismo ángulo que el
reflejado. Para que una superficie funcione de este modo tiene que ser lisa.
•• Transparentes y translúcidas: la traslucidez puede variar desde la transpa-
rencia hasta la difusión. La transparencia hace que los rayos luminosos
atraviesen la materia, no se difundan en todas la direcciones, aunque pue-
dan cambiar su ángulo de propagación (una vitrina, agua inmóvil). La mate-
ria traslúcida es aquella que deja pasar la luz pero en su interior los rayos
se difunden en distintas direcciones (papel calco, telas livianas).
•• Difusoras: una superficie difusora es aquella en que los rayos de luz que
inciden son reenviados en distintas direcciones y esto ocurre en superficies
opacas y traslúcidas (por ejemplo, una cortina de tela expuesta al sol, una
pared clara). La difusión es el principio sobre el cual se basa la mayoría de
los equipos que se utilizan en iluminación. Una superficie difusora es útil
para aumentar el tamaño de la fuente de luz.
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53
De color
El color es también una propiedad fundamental en la capacidad de reflejar
o transmitir la luz. Las superficies oscuras absorben la luz en mayor medida
que las claras.
Con respecto al tipo de la fuente de luz, podemos hablar de fuentes de
luz “activas” o “pasivas”.
•• Fuentes de luz activas: son las que reciben energía de algún medio y la
convierten en radiaciones luminosas. Por ejemplo, una lámpara eléctrica
o de aceite, un flash, el sol, el fuego, un relámpago. Cuando un reflector o
difusor es solidario de una fuente activa, también es una fuente activa, por
ejemplo, una lámpara y su pantalla (Imagen 2.37.).
Imagen 2.37.
•• Fuentes de iluminación pasivas son las que reciben las radiaciones lumino-
sas y reintegran una parte de ellas, ya sea por reflexión o por translucidez.
Por ejemplo, la luna que refleja los rayos del sol, una pared clara, la piel
humana. Cuando observamos un paisaje (si el sol no se encuentra visi-
ble) veremos solo fuentes de luz pasivas. Lo mismo ocurre en una escena
teatral en la que las luces están ocultas y solo vemos su efecto sobre la
escenografía y los personajes (Imagen 2.38.).
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54
Imagen 2.38.
Imagen 2.39.
•• Luz difusa es aquella que se percibe como una superficie luminosa sin
poder marcar bien sus dimensiones (en vez de reconocerse como un punto
más o menos grande, como ocurre en el caso de la luz puntual). Un ejem-
plo de luz difusa es la luz del sol que pasa por una ventana (Imagen 2.40.).
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55
Imagen 2.40.
Imagen 2.41.
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56
Imagen 2.42.
Luminosidad
La luminosidad está vinculada con la idea de cantidad de luz, es lo que evalua-
mos como oscuro o luminoso y cada toma puede tener una tendencia global
en uno u otro sentido. Cuando estamos frente a una imagen de clima oscuro
(con poca cantidad de luz) decimos que esa imagen está construida en “Low
Key” (Imagen 2.43.).
Imagen 2.43.
Cuando, por el contrario, estamos ante una imagen clara (con gran cantidad
de luz) decimos que es una toma pensada en “High Key” (Imagen 2.44.).
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57
Imagen 2.44.
Contraste
El contraste es la relación de luminosidad entre las zonas claras y oscuras
de la imagen y es el resultado combinado de la presencia alternada de luz y
sombra y de las características tonales propias del sujeto.
El contraste, al igual que la luminosidad, es una magnitud que puede medir-
se con un fotómetro.
Hay dos tipos de contrastes:
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
58
Imagen 2.45.
Imagen 2.46.
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59
Imagen 2.47.
Imagen 2.48.
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60
Imagen 2.49.
Imagen 2.50.
•• Luz de relleno: va a marcar el contraste y puede ser igual que la luz prin-
cipal, solo que ubicada en un punto más lejano que la anterior (Imagen
2.51.).
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Imagen 2.51.
Imagen 2.52.
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62
Imagen 2.53.
También podemos utilizar solo alguna o algunas de estas luces para construir
la imagen como en los siguientes ejemplos:
Imagen 2.54.
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63
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
64
2.4. La posproducción
En general, todo producto audiovisual, desde su concepción hasta el fin de
su realización, consta de cuatro etapas bien diferenciadas: preproducción,
producción, rodaje y posproducción.
Podríamos decir, simplificando el análisis, que en las tres primeras eta-
pas se construye aquello que se quiere decir. Esa idea primigenia toma forma
a partir de la investigación, de la construcción del guion y por supuesto, del
desarrollo del plan de rodaje y la filmación misma.
Incluso puede afirmarse que también aparece el primer esbozo del modo
en que se desea transmitir ese concepto. A partir de la construcción del guion
y de la estructuración de la escaleta, el director compone las secuencias,
escenas y planos de acuerdo con la manera en que quiere comunicar su idea.
La escaleta es la estructuración
del guion de manera resumida. En Sin embargo, aunque el sentido común podría indicar que el rodaje es el
ella se consigna, como encabe- que determina las características del producto final, no es hasta la última
zado, si la escena transcurre en etapa en donde todo toma forma. Algunos autores indican que es solo a tra-
interiores o exteriores y el momen-
to en que se desarrolla: noche o
vés del montaje que la película cobra vida y señalan a esta etapa como un
día. Por otra parte, se consigna, período tanto o más importante que los anteriores.
sin los diálogos, la acción que allí Incluso entre los directores de cine abundan las opiniones al respecto. Para
se desarrolla. Anthony Minghella (The English Patient, 1996), “una película se hace a través
del montaje” y es un proceso al que hay que prestarle la debida atención. El
actor y director Sean Penn afirma que “saber cómo realizar el montaje puede
salvar al director del suicidio” (Apple, 2004).
¿Qué es el montaje? Como primera aproximación podemos hacer referen-
cia al término francés assemblage que guarda estrecha relación con la termi-
nología utilizada en la primera década del cine.
El vocablo remite a “la yuxtaposición simple de fragmentos dispares o de
una serie de cuadros” de una película (Pinel, 2004). Es decir que refiere al
proceso de organizar los planos de un film para que la historia se comprenda.
Básicamente, esta primera definición parece referirse más a un aspecto
técnico del proceso que a uno intelectual y guarda relación con esa primera
década de desarrollo del cine: cortar el plano, unirlo con otro, unirlo con otro
más, y generar una historia comprensible.
Pese a la importancia que tiene el montaje en la etapa de posproducción,
en el comienzo de la historia del cine no existía como parte del proceso pro-
ductivo. ¿Cómo se hacía cine?
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
65
La salida de los obreros en una fábrica de Lyon (Imagen 2.55.), por ejem-
plo, muestra a los empleados de los Lumière saliendo de la propia empresa
Lumière, Auguste Marie Louis
de los hermanos durante una toma que no excede el minuto. Nicolas; Lumière, Louis Jean. La
sortie des ouvriers des usines
Lumière à Lyon. Lumière Brothers,
1895.
Imagen 2.55.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
66
los obreros salieron demasiado rápido del plano así que, con nuevas directi-
vas, fueron enviados adentro para comenzar otra vez.
El primer gag de la historia del cine, El regador regado, mantiene esta
misma lógica. Sin corte alguno, se ve a una persona regando el jardín. Por
Lumière, Auguste Marie Louis
Nicolas; Lumière, Louis Jean. detrás, otro personaje se acerca y pisa la manguera. Al momento en que el
L’Ar roseur ar rosé. Lumière regador observa el extremo por donde debía salir agua, el segundo persona-
Brothers, 1895. je quita su pie de la obstrucción y el regador recibe un chorro de agua sobre
su rostro. Mojado, lo persigue hasta el fondo del jardín, pero, contrario a lo
que sería una acción espontánea, lo arrastra hasta la ubicación original para
quedar nuevamente en el centro de la escena y que se lo pueda observar gol-
peando al segundo personaje. De haber transcurrido la acción en el fondo del
jardín, no se podría haber observado con el mismo detalle esa acción, que
tiene un sentido en el transcurso de la historia.
Sin duda alguna, en nuestro tiempo, la escena podría haberse resuelto de otra
manera. A través del montaje, con una mayor cantidad de planos y música,
podría generarse el suspenso necesario para lograr un efecto de similar o
mayor impacto. Esa es una de las características más interesantes del cine:
las maneras posibles de contar una historia son infinitas.
Cabe aquí hacer una pequeña salvedad. Cuando se indica que el montaje
no era parte del proceso de realización en las primeras décadas del cine, hace-
mos referencia al montaje como lo conocemos en nuestros días; sin embar-
go, sí se realizaba una forma primigenia de montaje.
Este primer período de la industria se caracteriza por la filmación y pro-
yección de películas mudas y en blanco y negro. Los adelantos técnicos
de la época no permitían aún el registro de imágenes y sonido de manera
sincronizada.
La música, generadora de climas también en estos años, se reproducía al
tiempo que se proyectaba el film: una orquesta, un piano o un órgano ejecuta-
ban la melodía, compuesta especialmente para matizar las escenas.
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Imagen 2.56.
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Imagen 2.56.
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69
La obra más famosa de Méliès es, sin duda, El viaje a la Luna (Francia, 1902).
A excepción del coloreo de negativos, utiliza todas las técnicas desarrolladas
por él. Logra, con esto, contar una historia en orden cronológico a partir de la
utilización de varios escenarios, personajes y efectos.
Del otro lado del mundo, en un proceso que no presenta linealidades, Edwin
S. Porter dirigía cortos para la compañía de Edison. Según algunos autores,
su tarea dentro de empresa era imitar los materiales audiovisuales que se
desarrollaban en Europa.
Lejos de ser un simple reversionista, Porter se constituyó en un director de
cine que introdujo técnicas novedosas en cuanto a los movimientos de cáma-
ra y al montaje.
En 1903 presentó Life of an American Fireman (Edison Manufacturing
Company, EE. UU., 1903). La película está construida con planos rodados con
anterioridad para otros cortos y escenas especialmente filmadas. La combina-
ción, a partir del montaje, resulta en una historia que no tiene fisuras desde el
punto de vista de la acción. Desarrolla un orden lógico y temporal comprensi-
ble para el espectador a pesar del avance que introduce: una suerte de mon-
taje paralelo que hasta el momento era desconocido.
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En este caso, los cortes son dos. El primero, tal vez, el más notable debido
a que posiciona la cámara a 180º. Sin embargo, no hay interrupciones en
los movimientos. Entre uno y otro plano se acompaña el desplazamiento del
personaje principal sin que se detecte nada raro. El segundo es un salto en
la escala: el soldado baja de la tarima y pasamos de un plano americano (de
ambos personajes) a uno completo al culminar el movimiento.
Como se dijo, el montaje invisible consiste en acompañar la acción entre
un plano y otro. Una puerta que se abre desde el exterior de una habitación
es acompañado por un plano que completa la apertura de esta pero desde el
interior. Un movimiento que se realiza en plano general es completado desde
un primer plano manteniendo el raccord o continuidad.
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•• Montaje sobretonal o armónico. En este caso, el todo es más que las par-
tes. Pensar en el montaje armónico refiere a la combinación de los tipos
anteriores y cómo, en su unión, se busca generar un concepto, una sensa-
ción en el espectador.
•• Montaje intelectual. Aquí estamos en la etapa máxima de desarrollo y la
cristalización del proceso de trasladar una idea desde el film al espectador.
Es la combinación superadora de todos los elementos anteriores que, a
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79
El montaje es, quizás, el proceso que más claramente cristaliza esta posibili-
dad. Y tener presente la importancia de este proceso es permitirse:
LECTURA OBLIGATORIA
2.5. La edición
Podemos reconocer como edición a la tarea instrumental por la cual selec-
cionamos, recortamos y reordenamos fragmentos de video e imágenes para
construir una pieza audiovisual.
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80
CC
La película editada contiene miles de tomas... y en cada una de ellas hay 24
fotogramas por segundo. El escritor usa las palabras, el compositor o el músi-
co usa las notas. Un montajista o un cineasta usa los fotogramas, un mal foto-
grama, dos fotogramas de más o dos fotogramas que faltan, constituyen la di-
ferencia entre una mala nota y una buena. Constituyen la diferencia entre una
porquería lenta y sin gracia... y un ritmo orgásmico. (Tarantino, 2004)
Edición lineal
La edición de video lineal es la que comúnmente se llama analógica o tradicio-
nal. Desde el inicio del cine como industria, el método de edición sobre una
línea de tiempo se realizaba uniendo físicamente los cuadros del film.
Con el desarrollo de nuevas tecnologías y el advenimiento de las cintas
magnéticas, la edición de video evolucionó en lo que se llamó edición máqui-
na-máquina. En ella se va avanzando de principio a fin porque se trabaja
sobre una cinta. En este tipo de edición siempre se utilizarán como mínimo
dos videos, en el que uno trabaja de player (reproductor) y el otro de recorder.
Un recorder puede hacer ambas funciones, sin embargo el player solo puede
hacer una. En este método, se seleccionan las imágenes que se quieren del
player y se graba en el recorder. Existen tres modos de edición lineal: Play-
Play-rec: se activan de manera
rec, Assemble e Insert.
independiente el player y el recor-
der, habitualmente en caseteras Edición no lineal
no profesionales);
Assemble: un dispositivo permite El proceso de edición puede realizarse de varias formas. La edición no lineal
sincronizar las dos acciones de se realiza mediante una computadora. En esta se trabaja sobre una línea de
play y rec, rebobinando e inician- tiempo en un eje X y en distintas capas de audio o video en un eje Y.
do la grabación sin ruidos.
La manipulación de los medios digitales se realiza a través de un programa
Insert: se seleccionan indepen- que ensambla los distintos fragmentos de video en un entorno gráfico para
dientemente los elementos a
que podamos ver de manera previa cómo quedará nuestro video.
grabar, sean estos imágenes o
sonidos con marcas de entrada y Hoy en día existen varios programas de computadora utilizados para la
salida sin fisuras ni ruidos. edición digital, enfocados a diferentes tipos de edición, desde los más bási-
cos como MAGIX Video deluxe, Pinnacle Studio, Nero Vision, Windows Movie
Maker u OpenShot, Corel VideoStudio Pro X5 y los semiprofesionales y pro-
fesionales como Final Cut Studio, Cinelerra, Adobe Premiere Pro, Sony Vegas
Pro, Avid. También es necesario mencionar el desarrollo que actualmente tie-
nen las herramientas “open source”. Estas opciones libres que trabajan sobre
distribuciones de Linux, también ofrecen programas de nivel profesional como
kdenlive, Open Movie Editor, Pitivi, etcétera.
Lo importante a destacar es que no es condición excluyente tener el últi-
mo programa para poder editar, para la mayoría de los casos y limitaciones
siempre existe el software adecuado a los recursos que tenemos sin que ten-
gamos que resignar profesionalismo. Un buen editor de video puede realizar
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
81
su trabajo con casi cualquier programa de edición, desde los más sencillos y
básicos, hasta los más completos y profesionales.
El producto de la edición no lineal deberá ser respetar el guion que previa-
mente preparamos.
Cualquier tipo de edición de video, ya sea analógica o digital, conlleva un
par de pasos previos que nos ordenan y nos preparan el camino de la edición.
Una vez que tenemos los archivos de video en el disco duro de la PC, proce-
deremos al visionado del material.
Es el primer paso a realizar y es necesario visionar el material grabado para
así decidir qué fragmentos nos interesan. Conviene apuntar los códigos de
tiempo de aquello que utilizaremos para trabajar.
Al utilizar tarjetas de memorias en los cuales el video ya está en un archivo
digital, se producirá una transferencia casi instantánea. Sin embargo, si la gra-
bación ha sido realizada en soporte cinta, este proceso será más prolongado.
Por esta razón, y para facilitar la edición y evitar que el sistema se colapse,
conviene hacer un buen proceso de selección en la primera fase.
Si para la construcción de nuestro producto se considera la inclusión de
una locución externa que acompañe las imágenes (frecuente en noticias y
reportajes de TV), esta debe construirse con anterioridad a sentarse en la
mesa de edición. La manera recomendada de grabar la voz en off es de mane-
ra continua en un solo corte, respetando las pausas que las imágenes requie-
ran en consonancia.
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82
Planilla de visualización
Tape N°:____
2.
Guion de edición
Aquí volcaremos todas la tomas elegidas de la planilla de visualización en el
orden en que serán editadas.
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83
Los problemas en edición pueden ser variados, desde daños en la cinta hasta
disgusto con el resultado de las tomas elegidas, por lo tanto es importante
tener presente la planilla con las alternativas posibles.
LECTURA OBLIGATORIA
OO editores.
Guion de edición
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Referencias bibliográficas
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
86
Referencias filmográficas
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British Broadcasting Corporation (BBC). Estados Unidos, Reino Unido y
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Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
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Géneros televisivos
Néstor Daniel González y Alejandra Pía Nicolosi
CC
La televisión todo lo que toca lo convierte en contenido dramático. Es un relato
más de acción que de reflexión; propone movimientos en las historias. La des-
cripción densa y la reflexión argumental no son el fuerte televisivo. Para mover
la acción se requiere del conflicto como motor de ese viaje. La narrativa televi-
siva siempre buscará del conflicto para poder generar drama, emoción y ac-
ción, desde la telenovela, el talk show hasta la Santa Misa. (Rincón, 2006)
Objetivos
•• Reconocer los distintos formatos presentes en las programaciones de
televisión.
•• Comprender las diferencias existentes entre los géneros y los formatos
televisivos.
•• Caracterizar los contenidos para televisión de acuerdo con su contenido.
•• Reconocer los nuevos formatos que se producen para los soportes digitales.
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
90
CC
[…] la producción y realización de un programa televisivo; es un texto escrito (a
menudo acompañado de asesoría y entrenamiento presencial) que describe
paso a paso el ‘know how’ para realizar un programa televisivo, generalmente
complejo y desconocido para los nuevos productores; la compra del formato
pretende minimizar el ensayo-error del nuevo productor; además de adquirir un
programa exitosamente recibido por una determinada audiencia, la compra del
formato permite la adaptación y localización a otra audiencia diferente.
(Fuenzalida, 2008: 160)
CC
Aunque asistamos siempre a los mismos géneros como referentes y lógicas
dramáticas, estos se actualizan en formas televisivas llamadas formatos que
van desde el concurso, el musical, el talk show, la telenovela o el sitcom, hasta
novedosas formas que implican la presencia de distintos rasgos genéricos en
un mismo producto como el docudrama […]. (Rincón, 2006: 186)
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•• Imágenes del evento, que pueden contar con sonido ambiente o directo
o que también pueden servir como imágenes de insert o musicalizadas.
•• Presentación frente a cámara, de introducción, durante el informe o cie-
rre, que da cuenta de la presencia del periodista en el lugar de los hechos.
•• Narración o Voz en off, que funciona como hilo conductor del informe
y aporta datos informativos, estadísticas, interpretaciones, opiniones,
etcétera.
•• Testimonios de fuentes directas o secundarias que describen, interpretan
u opinan sobre el hecho que aborda el informe. Este es sin lugar a dudas
el elemento “más importante” del relato informativo audiovisual, donde
los testimonios son la clave de referencia entre los hechos, los actores
implicados y el recurso narrativo por excelencia. Suelen ser narrados en
planos cortos (primer plano o planos medios) y además de la recolección
del propio testimonio pueden también incluirse fragmentos de conferencias
de prensa, declaraciones o discursos públicos.
•• Música y ambientación sonora, que sirve para agilizar el relato, agregar
emotividad o clima.
•• Infografías, fotos, dibujos, recursos de imagen fija, con el objetivo de
ampliar información, gráficos estadísticos o mapas de referencia. También
animaciones que sirven para ilustrar situaciones cuando hay vacancia de
imágenes reales del acontecimiento descripto.
•• Rótulos o zócalos, para mostrar el nombre de los entrevistados y datos
biográficos, créditos de los realizadores o también para incluir información
adicional al informe. También se puede utilizar para subtitular el diálogo
cuando el audio externo no permite la comprensión del testimonio, o sim-
plemente en la elaboración de contenidos accesibles para personas con
limitación auditiva.
•• Material de archivo, puede ser visual, audiovisual o sonoro y se usa fre-
cuentemente como documento en temáticas históricas, biográficas o como
elemento de documentación o prueba.
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LL nos generales los mismos que el resto del periodismo, pero en rigor,
la característica propia que demanda la utilización de imágenes y
sonidos para documentar el tratamiento de la realidad ha ido llevan-
do al noticiero a optar por imágenes cautivadoras y de fuerte impac-
to emocional a punto tal de homogeneizar el tratamiento informa-
tivo por el camino de la espectacularización, el entretenimiento y el
sensacionalismo.
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95
CC
En muchos países del mundo, los noticieros televisivos parecen haberse volca-
do hacia la espectacularización, es decir, hacia el uso de recursos de forma y
de fondo que apelan a las emociones y a los sentidos más que a la razón.
Cada vez con mayor frecuencia e intensidad, los conductores y reporteros edi-
torializan y adoptan tonos de voz altos y rápidos, con énfasis dramáticos. Las
noticias privilegian la personalización, la dramatización y la fragmentación en la
cobertura de los acontecimientos, sean de política, espectáculos o deportes.
(Lozano Rendón, 2004)
Como plantea Cebrián Herreros (2004), “los noticieros dejaron de ser un ser-
vicio de información para convertirse en programas que buscan captar a las
audiencias como cualquier tipo de programa”. Inclusive, con la aparición de
los canales especializados en información que emiten 24 horas de noticias,
los canales generalistas están obligados a desarrollar otras estrategias para
distinguirse de los antes mencionados.
Se modifica la organización en pirámide invertida, dando paso a nuevas
estrategias de organización de la información. Desde las ya conocidas for-
mas de espectacularización hasta la inclusión de formas narrativas como la
ficcionalización, la entrega seriada de noticias, la inclusión de pauta publicita-
ria interna, con secciones fijas auspiciadas y demás, pero fundamentalmente
una dependencia de la producción de imágenes que respalden, documenten
e impacten el tratamiento informativo.
Como plantea Guillermo Kaufman (2006), los programas del género periodístico han
sufrido una marcada transformación en la neotelevisión, incluso los clásicos formatos
del prime time. “La neotelevisión modificó la dinámica de los géneros periodísticos
instalando como rutina la práctica de hibridación discursiva entre información y opi-
nión, lo que dio lugar a nuevas formas de representación y narración de la actualidad.
El noticiero, por ejemplo, tomó las características de los géneros de opinión, en espe-
cial las del magazine”.
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96
Marcela Farré (2004, 3) amplía aquella primera noción de la figura del presen-
tador como eje central del proceso mediador:
CC
En el pacto de lectura mediático el espacio televisivo es central. Actúa como
intermediario entre el ámbito privado y el espacio de lo real, transformando a
este último en espacio público. La mediación se efectúa por la presencia del
conductor, figura clave porque de él depende el éxito de la negociación, de la
impostación.
Asimismo, las representaciones del conductor y el espacio que lo rodea y lo
construye serán las que generen esa ilusión de continuidad entre el medio/el
acontecimiento/el espectador: la ilusión de estar participando de los hechos a
través de la ventana al mundo en que se ha convertido la pantalla.
Este dispositivo no solo está presente cuando desde el estudio el conductor pre-
senta las noticias, sino aún más cuando se involucra con los acontecimientos.
3.2. Documental
Como mencionamos anteriormente, el cine de género documental nació con-
juntamente con el propio cine.
En primer lugar y a diferencia de las películas de ficción, las documentales
tenían como único propósito el registro de la realidad. Sin embargo, el desa-
rrollo del cine de género documental (la denominación de documental no llegó
hasta antes de mediados de la década de 1920) evidenció la noción de que el
solo registro de la realidad no alcanza para delimitar al género, sino más bien,
la existencia de una o unas formas de “observar y representar a la realidad”.
Es por ello, que hacia adelante, el documental se introdujo en un campo de
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97
CC
Las situaciones y los eventos, las acciones y los asuntos pueden representar-
se de diferentes formas. Surgen estrategias, toman forma convenciones, en-
tran en juego restricciones; estos factores funcionan con el fin de establecer
las características comunes entre textos diferentes, de situarlos dentro de la
misma formación discursiva en un momento histórico determinado. Las moda-
lidades de representación son formas básicas de organizar textos en relación
con ciertos rasgos o convenciones recurrentes. En el documental, destacan
cuatro modalidades de representación como patrones organizativos dominan-
tes en torno a los que se estructuran la mayoría de los textos: expositiva, de
observación, interactiva y reflexiva. (Nichols, 1991)
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1.
LECTURA OBLIGATORIA
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99
CC
[…] pone en contacto y habitúa a tratar con realidades simbólicas, donde su-
ceden cosas y habitan seres de los cuales no solo se alimenta el debate coti-
diano (en una reedición del cotilleo colectivo y de sus funciones de control y de
integración a la vez), sino que también constituyen y despliegan un rico reper-
torio de objetos, estímulos, sugestiones –quizá aun más que modelos de com-
portamiento–, para aquella actividad de elaboración fantástica sobre ella mis-
ma y sobre el mundo, reconocida ya como parte esencial de los modernos
procesos de construcción de la identidad.
CC
A través de la ficción, la televisión explica y, cuando lo hace, recoge y amplia
desmesuradamente una tradición antigua de narración oral, quizá más aun que
la escrita. (…) la “función barda” y su estatuto de “Central Story Teller System”
del presente no pueden ser fácilmente desestimados: no se trata simplemente
de reconocer que la ficción televisiva es narrativa, sino que constituye además
el cuerpo descriptivo más importante de nuestros días y quizá de todos los
tiempos. Ningún otro sistema narrativo del presente o del pasado ha implicado
a audiencias de decenas de millones de personas como las que cada día en
todo el mundo sintonizan series y seriales televisivos.
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100
1. Naturaleza de la ficción.
2. Origen o procedencia.
3. Contenido de la ficción.
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101
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Spin off: refiere a las ficciones nacidas o derivadas como extensión de otra
anterior cuyo éxito de audiencia fue constatado. La serie brasileña Ciudad
de los Hombres (TV Globo, 2002) es un spin off de la película Ciudad de Dios
(2002), ambas dirigidas por Fernando Meirelles.
Fact fictions (factions): corresponden a las teleficciones cuya trama está
basada en hechos reales. Generalmente son historias contemporáneas, de
gente anónima, de dramas personales y que se desarrollan en locaciones
interiores (hogar). El formato docudrama (de tradición estadounidense) atien-
de a este tipo de fuente creativa. Por ejemplo, la trama de Combatientes (TV
Pública, 2013) se nutre de relatos testimoniales e historias de vida de excom-
batientes de la Guerra de Malvinas.
Teleteatro
En términos generales, el formato teleteatro responde a la transposición
al medio televisivo de una obra de dramaturgia teatral de cualquier género
(drama, comedia, farsa, etc.). No obstante, según el tipo de representación y
tratamiento audiovisual del hecho teatral, el formato puede ser diferenciado
y clasificado como:
Teatro televisado: también conocido como “teatro en la TV”, consiste en
la retransmisión del hecho teatral desde la sala misma o desde el estudio de
TV (en ocasión del traslado de su puesta en escena). En tanto que retrans-
misión, la grabación es continua, en plano fijo y general, sin intervención del
lenguaje audiovisual.
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Telecomedias
Las telecomedias se caracterizan por producirse en estudio, en directo, con
pocos escenarios (uno principal y dos secundarios) y pocos personajes. Las
tramas se basan en historias costumbristas y conflictos relacionales, especial-
mente, los familiares. El género predominante es la comedia y pueden ser de
emisión diaria o semanal. Algunos ejemplos de emisión semanal, de la tele-
ficción nacional son: Los Campanelli (Canal 13, 1969), La familia Benvenuto
(Telefe, 1991), Los Iturralde (América, 2000), Los Grimaldi, una familia de locos
(Canal 9, 2013).
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104
Comedias de situación
La comedia de situación refiere a la sitcom de tradición estadounidense. En
la sitcom confluyen la comedia de pie (stand up) y el teatro del absurdo para
abordar situaciones de enredo y malentendidos, tomadas de la vida cotidiana.
Para Carrasco Campos (2010: 191) este formato se caracteriza por ser “una
telecomedia de emisión generalmente diaria en capítulos de 20-30 minutos,
destinado a todos los públicos para su consumo en horarios de sobremesa,
tarde y pre-prime time (horario central)”. En su aspecto formal, las tramas se
sustentan con pocos personajes, un escenario principal, un enredo central
y uno o dos secundarios, siendo generalmente todos autoconclusivos. Las
grabaciones se realizan en estudio y los gags (chistes) son enfatizados con
risas grabadas sobrepuestas a las escenas en el montaje (o grabadas en pre-
sencia del público en el estudio). Entre las sitcom estadounidenses se pueden
mencionar la clásica I love you, Lucy (CBS, 1951-1960) y las contemporáneas
Friends (NBC, 1994-2004), The Office (NBC, desde 2005) e incluso, los dibu-
jos animados The Simpsons (FOX, desde 1989) o Family Guy (Fuzzy Dog-FOX,
desde 1999). En la teleficción nacional cabe mencionar a Casados con hijos
(Telefe, 2005), remake de la estadounidense Married with children.
Soap opera
Es el formato dramático de ficción estadounidense por excelencia. Lanzado en
EEUU en 1930, el formato se consolida cuando las agencias financiadoras de la
radio comercial –empresas como Colgate-Palmolive y Lever Brothers– comienzan
a producir las “óperas de jabón” para vender sus productos al público femenino,
ya que las ventas habían disminuido debido a la fuerte crisis económica que
azotaba al país por aquella época (Ortiz, Borelli, Ramos, 1989).
Contrariamente al género folletinesco, que se organiza en “próximos capí-
tulos” que anuncian el desenlace de la historia, la soap opera se constituye
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
105
Entre los escasos ejemplos de soap opera presentes en América Latina cabe
destacar la brasileña Malhação de la TV Globo. Esta ficción permanece en
pantalla –ininterrumpidamente– desde 1995, y actúa como “semillero” para
la identificación de talentos actorales que luego pasarán a la telenovela, ingre-
sando así, al star system (plantel de actores) de la emisora. En Argentina, se
pueden considerar como soap opera a las teleficciones Señales del fin del
mundo (TV Pública, 2013) pero también a ciclos como Pelito (Canal 13, 1983-
1986), Clave de Sol (Canal 13, 1987-1990), Canto Rodado (Canal 13, 1993)
y Montaña Rusa (Canal 13, 1994-1996) de donde han surgido figuras reco-
nocidas como Adrián Suar, Leonardo Sbaraglia, Cecilia Dopazo, Pablo Rago,
Gustavo Bermúdez, Facundo Arana, entre otros.
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Señales del fin del mundo es una tira musical que cuenta los amores, sue-
ños, ambiciones y rivalidades de Catalina y un grupo de jóvenes que
asisten a una escuela de artes en Laguna Deseada. La vida del pueblo
es transformada por la súbita llegada de dos chicos idénticos, Adrián y
Leo, seres clonados venidos de otra dimensión altamente tecnificada
pero vacía de emociones humanas.
Para ver Señales del fin del mundo, visitar <http://www.tvpublica.com.
ar/articulo/senales>Consulta: 10 de mayo de 2015.
Telenovela
Heredera del folletín literario, la radionovela y la soap opera, la telenovela es el
formato popular típicamente latinoamericano tanto en su dimensión simbólica
como económica. Es el principal motor de la industria televisiva de la región,
destinada tanto al mercado local como el internacional.
Según lo demuestran los estudios de teleficción realizados por OBITEL, la
OBITEL: Obser vatorio telenovela ha desplazado definitivamente a los enlatados estadounidenses en
Iberoamericano de la Ficción el horario central de la grillas en Iberoamérica, confirmando la tesis de la “proxi-
Televisiva. <http://obitel.net/> midad cultural”. Este concepto sostiene que los telespectadores prefieren his-
torias que hablen desde sus propios códigos culturales, que narren sus dramas
cotidianos, a través de personajes con quienes puedan identificarse y proyec-
tarse, y situando los conflictos en escenarios sociales reconocibles. Martín-
Barbero y Rey (1999: 115) destacan la capacidad de la telenovela para contar
historias, conectar las sensibilidades y captar las dimensiones de la vida coti-
diana. Asimismo, es vista por los autores como un espacio de intervención, a
la vez que ofrece un campo cultural para la introducción de hábitos y valores.
En su aspecto formal, la telenovela es definida como:
CC
Una historia contada por medio de imágenes televisivas, con diálogo y acción,
creando conflictos temporales y permanentes; los conflictos provisorios se van
resolviendo hasta su sustitución en el curso de la acción, mientras que los de-
finitivos –los principales– son resueltos solo al final. La telenovela se basa en
varios grupos de personajes y lugares de acción, grupos que se relacionan in-
terna y externamente –es decir, dentro del grupo y con otros grupos; supone la
presencia de protagonistas cuyos problemas son prioritarios en la conducción
de la historia. (Pallottini, 1998: 35)
En promedio, una telenovela está compuesta por 150 capítulos. Cada capítulo
presenta un final abierto a través de una incógnita que solo será develada
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Series
La serie, para Calabrese (1984), es el formato cuyo modelo repetitivo es el
de la acumulación, puesto que los episodios que la conforman se repiten
Frecuentemente el formato es lla-
mado “unitario”. En nuestra pers- sin tener nunca en cuenta el tiempo de la serie entera. Siguiendo esta idea,
pectiva de clasificación, llamamos Barroso (2002: 249) aporta que la serie es “un conjunto de relatos autóno-
“unitario”, en términos generales, mos con un nexo común, el protagonista o héroe. Cada unidad tiene carácter
al formato de una única emisión
autónomo, independiente en su orden de emisión y de estructura recurrente,
por semana. En este sentido,
hablar de “unitario” poco nos principio y final, independiente del conjunto de la serie”. Generalmente, una
habla de la forma narrativa del temporada dura 13 episodios que son emitidos a razón de uno por semana,
mismo (puede ser continua o cubriendo, así, tres meses de programación en la grilla televisiva. Cada episo-
acumulativa).
dio, frecuentemente, posee un título propio, más allá del que da nombre a la
serie. Ejemplos de series son: El hombre de tu vida (Telefé, 2011), Los anillos
de Newton (TV Pública, 2013), Tratame bien (Canal 13, 2009) o Maltratadas
(América TV, 2011).
Seriales
A diferencia de la serie de acumulación, el serial es un formato que respon-
de al modelo de continuación (Calabrese, 1984) puesto que en el fondo o
explícitamente el relato se encamina hacia un punto final de la historia. Los
episodios guardan relación entre sí, la historia es evolutiva y los personajes
guardan una memoria narrativa. Al ser conformado por unidades consecutivas,
no autónomas y de estructura no recurrente, el orden de emisión de los episo-
dios de un serial es esencial para el sentido de la historia. Su modo de progra-
mación habitual responde a la frecuencia diaria o semanal de sus episodios
en entregas trimestrales (13 capítulos). Algunos ejemplos de seriales son:
Ruta misteriosa (TV Pública, 2013), Los Sónicos, una historia de rock (Canal
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Telefilms
El telefilm es una producción cinematográfica con destino a la emisión televi-
siva, de episodio único y sin expectativa de explotación comercial en las salas
de cine. Carrasco Campos (2010: 182) agrega que: “Sin embargo, a diferencia
de aquellas destinadas al cine, su duración suele ser más restringida, así
como sus presupuestos (reflejándose en breves plazos de rodaje y escasas
propuestas estéticas y artísticas, tanto a nivel de guion como de producción
y estructura)”.
Como ejemplos de telefilms (de notable producción) podemos mencio-
nar: Belgrano, la película (2011) y Revolución. El cruce de los Andes (2012),
ambas realizadas en conjunto por la TV Pública, el Instituto Nacional de Cine
y Artes Audiovisuales y Canal Encuentro, en el marco de la conmemoración
del Bicentenario de Argentina.
Para ver el sitio web creado para Belgrano, la película visitar <http://
Docudrama
En palabras de Fuenzalida (2008: 162) el docudrama es un formato de género
híbrido ya que
CC
Narra con una representación actoral-ficcional casos dramáticos de origen real.
Son situaciones cotidianas límites o extremas, que le han ocurrido a personas
comunes y corrientes, pero no son narradas en formato documental ni de do-
curreality, sino de modo ficcionalizado y más libre; esto es, no se ciñen exacta-
mente al caso referencial sino que cabe la introducción de elementos ficciona-
Audiovisual Néstor Daniel González, A. P. Nicolosi, L. Murolo, N. García, C. Verón, L. Mora Doldán
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Al estar basado en hechos reales (fact fiction), el formato supone una impor-
tante investigación previa de los casos a representar: entrevistas con las per-
sonas, su autorización para representar ficcionalmente el caso, las medidas
para preservar la privacidad y anonimato, etc. Frecuentemente, las fuentes
de estos casos pueden ser los periódicos, consultorios clínicos de salud y
psicología, archivos de violencia familiar, policiales y otros.
Formalmente, el docudrama es habitualmente programado en un ciclo seria-
do, con episodios autónomos que abordan un caso particular en cada emi-
sión. A los fines de producir y potenciar un efecto de realidad en la audiencia,
el docudrama apela a actores no-profesionales y desconocidos, alejados del
star system que identifica a los actores con la ficción televisiva. En el mismo
sentido, el docudrama incorpora en la narrativa archivos audiovisuales sobre
el caso, producidos en la época por noticieros u otros programas periodísti-
cos. El ciclo Sin condena (Canal 9, 1994), Mujeres asesinas (Canal 13, 2005)
y Escobar, el patrón del mal (Canal 9, 2013) son claros ejemplos.
Caso especial
El caso especial es el único formato que sale del patrón de la serialidad
televisiva. No obstante, es fragmentario en tanto que a pesar de ser exhibido
una única vez, el caso especial mantiene los tradicionales intervalos para los
cortes comerciales. Este formato está muy ligado a la fase inicial del desarrollo
televisivo sustentada en la transmisión de piezas de teatro como oferta de
entretenimiento. Al desprenderse de la serialidad, la programación del caso
especial es irregular (mensual, anual, etc.) sujeta a decisiones de programa-
ción diversas (conmemoraciones, homenajes, etc.). Ejemplo de ello es Gorrión
(ATC, 1982), obra de teatro de Alfonso Paso adaptada para televisión y emitida
como caso especial en septiembre de 1982, por ATC (Canal 7).
Formatos mixtos
Si bien la industria televisiva busca formatos que ganen aceptación en el
público de modo que se estandaricen y sedimenten la propia industria dismi-
nuyendo riesgos económicos, el gran desafío es siempre renovar los modos de
narrar y producir formatos para, por otro lado, evitar el desgaste y la saturación
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LECTURA OBLIGATORIA
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CC
[…] cada medio hace lo que mejor sabe hacer: una historia puede ser introdu-
cida en un largometraje, expandirse en la televisión, novelas y cómics, y este
mundo puede ser explorado y vivido a través de un videojuego. Cada franquicia
debe ser lo suficientemente autónoma para permitir un consumo autónomo. O
sea, no debes ver la película para entender el videojuego, y viceversa.
Celunovela
La celunovela es una ficción seriada pensada para ser transmitida por teléfono
celular móvil. Hereda la estructura de la telenovela pero dadas las condicio-
nes de recepción (individual, portabilidad, usos múltiples del dispositivo) los
capítulos son de breve duración (5 minutos aproximadamente) y las tramas se
basan en pocos personajes fijos y pocas acciones. Dado el tamaño pequeño
de la pantalla, el lenguaje audiovisual prioriza los primeros planos en detri-
mento de amplios encuadres cuya información se vuelve imperceptible. Como
el usuario debe buscar, descargar y pagar por una celunovela, las historias
deben ser atractivas y la promoción estratégicamente seductora a fin captar
“celuespectadores”.
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Webserie
La webserie o serie web es una ficción seriada (tanto acumulativa como
de continuación, como el serial) pensada para ser consumida por internet.
Atendiendo a la condición hipertextual de la lectura y navegación en internet
(migración de una página a otra, atención fluctuante, tiempos breves de lec-
tura), los “webisodios” poseen una extensión media entre 3 y 15 minutos
de duración. Asimismo, la historia se concentra en una sola trama de pocos
personajes, y puede responder tanto al género dramático como a la come-
dia. En promedio, una webserie está integrada por 10 “webisodios”. Algunos
ejemplos nacionales de webseries son: Eléctrica (2014), Embarcados (2010),
o Combinaciones: Historias que pasan en el subte (2010), entre otros.
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2.
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Referencias bibliográficas
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Objetivos
•• Reconocer las etapas de desarrollo del cine documental.
•• Proponer un recorrido por las producciones documentales latinoamericanas
y sus distintos soportes.
•• Conocer los distintos espacios de producción comunitaria del lenguaje
audiovisual.
•• Acercar una mirada sobre los diversos contextos sociopolíticos y culturales
que permitieron la producción audiovisual documental.
4.1. El documental
El cine nació como género documental, tal como vimos en la unidad 3 de esta
carpeta de trabajo. Las producciones de Lumière, con el registro y proyección
de las primeras imágenes en movimiento que se lograron capturar, nos mues-
tran momentos y situaciones cotidianas del entorno familiar y escenas propias
de aquella época.
El tren y la fábrica: dos símbolos reinantes de la Europa industrial de fin de
siglo, que sentaban las bases de un modelo de vida y político-cultural sobre los
cuales Lumière depositó su mirada. El nuevo arte en movimiento parecía no
estar preparado para la percepción de la gente. Cuando se exhibió por primera
vez “La llegada del tren a la estación”, donde se observa a la máquina ingresar
al plano y llegar prácticamente a la posición de la cámara, los espectadores
se pararon de los asientos, corrieron a los costados, ignorando estar frente a
un truco de ilusión. Sin embargo, pronto el cinematógrafo de los Lumière se
convirtió en un suceso de convocatoria en distintas salas de París. Seis meses
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después, los Lumière multiplicaron las exhibiciones por más de veinte países
y abrieron el campo para una industria pujante y reluciente.
Hacia adelante, el desarrollo del cine de género documental se introdu-
jo en un campo de reflexiones y acciones sobre su misión. La mirada social
sobre el mundo, la aplicación ideológica del régimen hegemónico y la acción
política de la resistencia fueron algunos de sus lugares; diversos, adversos,
complejos; pero en definitiva, la inclusión de la política en la producción de
las imágenes del mundo.
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Flaherty acordaba con Nanook las acciones del filme y les enseñó el uso de
la cámara. En pasajes de Nanook, el esquimal (Nanook of the North) se pueden
percibir algunos de estos momentos.
Flaherty dominaba la gramática del filme tal como se había desarrollado en
el cine de ficción. Con un público que desarrollaba paulatinamente una mirada
sensible al audiovisual, Flaherty montaba las acciones documentales como si
se tratara de una ficción pero respetando la naturaleza de los tiempos y con
una fuerte influencia del contexto.
Una de las escenas más reconocidas es la cacería de las morsas, donde
se monta la acción en una sucesión de planos diversos y dinámicos. Incluso,
los diarios de viaje cuentan que, en un momento, la morsa atrae a los cazado-
res hacia el agua en su intento por huir y los obliga a ultimarla con armas de
fuego. Esta imagen es retirada en la mesa de edición, ya que Flaherty consi-
deraba que lo importante no era la resolución de la acción, sino mostrar cuá-
les eran las formas de operar de los esquimales.
Esta noción de exponer las nociones principales de la realidad presente
es lo que Bill Nichols denominó “Modalidad de Representación Expositiva”:
“El texto expositivo se dirige al espectador directamente, con intertítu-
los o voces que exponen una argumentación acerca del mundo histórico…”
(Nichols, 1997). Si bien este film pertenece a la etapa del cine mudo, en
muchos pasajes, tanto Nanook como otros protagonistas miran fijamente a la
cámara, como buscando cierta conexión. Este tipo de estilo dejará más delan-
te de estar presente en el género documental.
CC
Si hay una cuestión ética/política/ideológica predominante en la realización
documental, puede ser: ¿qué hacer con la gente? ¿Cómo se pueden represen-
tar apropiadamente personas y cuestiones? Cada modalidad aborda esta
cuestión de un modo diferente y plantea cuestiones éticas características al
practicante. (Nichols, 1997)
CC
En una referencia anterior a Flaherty señalé cómo ese gran cineasta se apartó
del estudio cinematográfico: cómo se interesó por la historia esencial de los
esquimales, y después de Samoa, y más tarde por la gente de las islas de
Aran, y en qué punto el director documental que había en él difería de la inten-
ción del estudio en Hollywood. El punto central del asunto es este: Hollywood
quería imponer una forma dramática preconcebida sobre el material en bruto.
Quería que Flaherty, en una actitud de total injusticia frente al drama vivo que
tenía sobre el terreno, acomodara a la gente de Samoa a un drama convencio-
nal de tiburones y de bellas bañistas. El estudio fracasó en el caso de Moana;
tuvo éxito (a través de Van Dyke) en el caso de Sombras blancas en los Mares
del Sur y (a través de Murnau) en el de Tabú. En los dos últimos ejemplos triun-
fó a costa de Flaherty, que se separó de ambos realizadores. (Grierson, 1993)
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El proyecto principal de Vertov fue dirigir los primeros noticiarios filmados del
gobierno soviético. En 1918 filmó 43 ediciones del semanario cinematográfico
Kinonedelia; entre 1922/25 produjo 23 filmes de la serie Kino Pravda (Cine
Verdad).
CC
El movimiento del “Cine-Ojo” que nosotros dirigimos, nosotros Kinoks, cineas-
tas de actualidades, es un movimiento de índole internacional y su desarrollo
marcha al ritmo de la revolución proletaria mundial.
Nuestra tarea esencial y nuestro programa es ayudar a cada oprimido en par-
ticular y al proletariado en general en su ardiente aspiración a ver claro en los
fenómenos vivos que nos rodean.
La elección de los hechos fijados sobre películas sugerirá al obrero o campesi-
no el partido que deberá tomar.
En el campo de la vista: los hechos reunidos por los Kinoks-observadores o
cine-corresponsales obreros están organizados por los cine-montajistas según
las directivas del Partido, difundidas en gran cantidad y presentadas en todas
partes. (Vertov, 1974)
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CC
¿Y qué ocurre si el realizador interviene o interactúa? ¿Qué ocurre si se rasga
el velo de la ausencia ilusoria? Esta es la posibilidad que en la década de los
veinte propuso Dziga Vertov como kino-pravda. Los realizadores de varios paí-
ses renovaron esta posibilidad de forma tentativa y técnicamente limitada du-
rante principios y mediados de la década de los cincuenta.
El realizador ya no tenía por qué limitarse a ser un ojo de registro cinematográfi-
co. Podía aproximarse más plenamente al sistema sensorial humano: mirando,
oyendo y hablando a medida que percibía los acontecimientos y permitiendo que
se ofreciera una respuesta. La voz del realizador podía oírse tanto como la de
cualquier otro, no a posteriori, en un comentario organizado en voice-over, sino
en el lugar de los hechos, en un encuentro cara a cara con otros. Las posibili-
dades de actuar como mentor, participante, acusador o provocador en relación
con los actores sociales reclutados para la película son mucho mayores de lo
que podría indicar el modo de observación. (Nichols, 1997)
La relación de Vertov con las altas esferas del régimen fue por momentos de
gran respaldo, pero en otros, de crisis. En alguna oportunidad Lenin manifestó
que de todas las artes, la más importante era la cinematografía y resaltaba
especialmente las películas que hablaban de la realidad soviética. Stalin tam-
bién tenía mucho interés por el cine. Pero durante el primer Plan Quinquenal
se hicieron muchos esfuerzos por coordinar el contenido de las películas con
los objetivos oficiales. Las ideas de Vertov chocaban con este procedimiento.
Su visión documentalista de trabajar sin guion y al azar de lo que la realidad
le ofreciera, se enfrentó con los deseos intervencionistas de Stalin. De todos
modos, ante la necesidad de mantener su trabajo, buscó una postura conci-
liadora. Así fue que se abocó a un viejo proyecto postergado: El hombre de la
cámara, un largometraje sobre el papel del documentalista en la sociedad.
El film de 1929 esconde una crítica de la cotidianidad soviética solapada
detrás del protagonista, el camarógrafo. Vertov intercala en un ritmo vertigi-
noso imágenes de gente trabajando, paseando, con imágenes de pobreza, de
jóvenes desarropados durmiendo en bancos de plazas, de chimeneas que ilus-
tran una industria en movimiento, de arquitectura moderna, de enormes edi-
ficios públicos y de maniquíes que ridiculizan la moda. Y entre ellos, el cama-
rógrafo que todo lo filma, el lente de la cámara que todo lo observa. En este
film, Vertov demuestra toda su riqueza en el uso del lenguaje y juega un doble
juego entre la crítica, el arte y la mirada social del cine documental.
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Fuente: <https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Man_With_A_Movie_Camera_
(Dziga_Vertov,_1929).webm?uselang=es>
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se impuso en las salas por esos días. Berlín: Sinfonía de la Gran Ciudad era
la primera película sobre una gran ciudad. A su vez, esta película inició una
serie de sinfonías de ciudades. Desde Berlín hasta la más reciente Ámsterdam
Global Village de Van der Keuken, la vida en las ciudades fue un eje permanen-
te en el documental. Primero se lo llamó el documental sobre viajes y, más
tarde, el documental geográfico. El mismo Ruttman realizó luego sinfonías
sobre otras ciudades alemanas.
En Francia, Alberto Cavalcanti hizo Solo las horas, sobre la vida de París,
desde el amanecer al crepúsculo.
En 1929, Jean Vigo, un joven y brillante cineasta, invitó a Boris Kaufman
(hermano de Vertov) a trabajar en un proyecto junto a él. El resultado de este
encuentro fue Sobre Niza (À propos de Nice).
Vigo, cuya posición política era muy clara producto de la influencia de su
padre que era un periodista de izquierda vasco, realizó un doble aporte al
campo documental. Por un lado, una importante apelación al cine a ocupar-
se de lo social.
CC
No se trata hoy por hoy de descubrir el cine social, como tampoco de sofocarlo
en una fórmula, sino de esforzarse en despertar en vosotros la necesidad la-
tente de ver más a menudo buenos films (y que nuestros artífices de films me
perdonen este pleonasmo) que traten de la sociedad y de sus relaciones con
los individuos y con las cosas.
Ya que, sin ninguna duda, el cine adolece más de un vicio de pensamiento que
de una total ausencia de pensamiento.
En el cine, tratamos a nuestro intelecto con el mismo refinamiento que los chi-
nos suelen reservar normalmente para sus pies.
Con el pretexto de que el cine acaba de nacer, estamos jugando al niño peque-
ño, como ese papá que “chochea” para que su angelito le pueda entender
mejor.
Sin embargo, un tomavistas no es una bomba de aire que haga el vacío.
Dirigirse hacia el cine social significaría decidirse a explotar una mina de temas
que la actualidad iría renovando incesantemente.
Dirigirse hacia el cine social significaría decidirse simplemente a decir algo y a
suscitar ecos diferentes de los eructos de todos esos señores y señoras que
van al cine a hacer la digestión. (Vigo, 1961)
Sobre Niza presenta muchas semejanzas con otras películas de ciudades, pero
agrega una nota de mordaz sátira. Vigo daba cuenta de que estaba filmando
los últimos espasmos de una ciudad que descuida sus responsabilidades
hasta el punto de producirnos náuseas y hacernos cómplices en la búsqueda
de una solución revolucionaria.
Vigo dirigía y solía llevar a Kaufman en silla de ruedas a pasear por Niza y
tenía oculta su cámara en la falda. Esto permitía sorprender actos inadverti-
damente. Al igual que en El hombre de la cámara de Vertov, Sobre Niza alterna
imágenes de la ciudad balnearia, de las mujeres vestidas a la moda, con la
pobreza y la degradación. Incluso utiliza el montaje para ridiculizar los mode-
los de vida.
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CC
Pero yo querría hablarles de un cine social más concreto, y del que me hallo
más próximo: del documental social, o dicho con más exactitud, del punto de
vista documentado.
Este documental social se diferencia del documental sin más y de los noticia-
rios semanales de actualidades por el punto de vista defendido inequívocamen-
te por el autor.
Este documental exige que se tome postura, porque pone los puntos sobre las íes.
À propos de Nice es solo un modesto borrador para un cine de este tipo. (Vigo,
1961)
El aporte del punto de vista documental dio vida al cine de autor dentro del
género, en el que los directores se atrevieron a hacer explícita su postura de
los sucesos narrados y también construyeron numerosos recursos estilísticos
al servicio de ello. La entrevista, el especialista frente a cámara y la recons-
trucción con material de archivo comenzaron a utilizarse bajo este perfil.
En Vigo vemos una focalización sobre lo social, una mirada explícita del rea-
lizador y, sobre todo, vemos la influencia del entorno en los aportes del resto
de las artes, sobre todo la pintura. El cuidado por la imagen y el acento en su
composición y su textura convierten a Sobre Niza en uno de los documentales
más importantes de la historia del género y a su director en uno de los más
destacados realizadores del siglo.
Fotograma de la película
Fuente: <https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Porteurs_de_socca_Nice.jpg>
Las primeras dos décadas del cine documental sentaron las bases de su
devenir. Luego llegaron los aportes de Grierson, Ivens, Riefenstahl y Rouch;
una historia que revela la relación directa entre el cine, la realidad y la política.
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130
CC
El subdesarrollo es un acto de hecho para Latinoamérica, Argentina incluida…
Sus causas son también conocidas: colonialismo, de afuera y de adentro.
El cine de estos países participa de las características generales de esa super-
estructura, de esa sociedad, y la expresa, con todas sus deformaciones.
Da una imagen falsa de esa sociedad, de ese pueblo, escamotea al pueblo: no
da una imagen de ese pueblo.
Consecuencia y motivación del documento social: conocimiento, conciencia,
toma de conciencia de la realidad.
Conclusión: ponerse frente a la realidad con una cámara y documentarla, docu-
mentar el subdesarrollo.
El cine que se haga cómplice de ese subdesarrollo, es subcine. (Escuela de cine
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CC
Los mass communications tienden a completar la destrucción de una concien-
cia nacional y de una subjetividad colectiva en vías de esclarecimiento, des-
trucción que se inicia apenas el niño accede a las formas de información, en-
señanza y cultura dominantes. En la Argentina, 26 canales de televisión, un
millón de aparatos receptores, más de 50 emisoras de radio, centenares de
diarios, periódicos y revistas, millares de discos, films, etc., unen su papel
aculturante de colonización del gusto y las conciencias al proceso de enseñan-
za neocolonial abierto en el primario y completado en la universidad. Para el
neocolonialismo los mass communications son más eficaces que el napalm. Lo
real, lo verdadero, lo racional, están al igual que el pueblo al margen de la ley.
La violencia, el crimen, la destrucción pasan a convertirse en la paz, el orden,
la normalidad. La verdad entonces equivale a la subversión. Cualquier forma
de expresión o de comunicación que trate de mostrar la realidad nacional, es
subversión”. (Grupo Cine Liberación, 1969)
Cine de la Base
CC
El artista es un trabajador intelectual, forma parte del pueblo y necesariamen-
te debe optar: o coloca su instrumento de trabajo al servicio de la clase obrera
y el pueblo, impulsando sus luchas y el desarrollo de un proceso revoluciona-
rio; o se coloca abiertamente del lado de las clases dominantes, sirviendo co-
mo transmisor y reproductor de la ideología burguesa.
El arte es siempre utilitario. Las clases dominantes siempre lo utilizaron como
medio para imponer sus valores morales, éticos, filosóficos.
El artista revolucionario debe utilizar ese mismo medio para desarrollar, desde
las bases, una escala de valores, una visión del mundo que corresponda a la
ideología del proletariado, única clase social auténticamente revolucionaria.
(Revista Nuevo Hombre, 1974)
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LECTURA OBLIGATORIA
Interferencias
Es en aquel contexto que, en total ausencia de la realidad en la pantalla
televisiva, las primeras experiencias de contrainformación en la televisión se
trataron de experiencias de interferencia de la programación, con el objetivo de
brindar mensajes de denuncia del atroz accionar de la dictadura con secues-
tros, desapariciones y robos de bebes.
Entre estos, el primero y el más avanzado fue Radio Liberación TV (RLTV), un medio
de agitación y propaganda cuyo objetivo militar era interferir las señales televisivas con
proclamas e informaciones, en el marco de las contraofensivas montoneras de 1979 y
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matizan y acompañan este nuevo marco de lucha social que tuvo una impor-
tantísima vigencia en el país. Entre estos trabajos se destacan Piqueteras
y Ninguneados, junto con otros como Matanza del Grupo Documental 1° de
Mayo, que se mete en el interior del barrio María Elena del partido bonaerense
de La Matanza; Hasta donde dea, sobre la lucha de piqueteros de Mar del Plata
donde militaba el dirigente y preso político Emilio Alí; y El rostro de la Dignidad
realizado por miembros del Movimiento de Trabajadores Desocupados de San
Francisco Solano y que fue producido como herramienta de lucha del movi-
miento. El documental permanentemente se articula en conjunto con movi-
mientos de documentalistas o realizadores independientes y movimientos de
trabajadores desocupados de distintas partes del país.
La relación entre el documentalista y el sujeto del film será casi una co-
producción basada en el respeto, la confianza, el afecto y la responsabilidad
compartida. Debe ser un proyecto común, facilitando la denuncia de situacio-
nes injustas, pero no quedarse solamente allí, sino avanzar hacia la construc-
ción de una alternativa de poder.
Estas dimensiones que rodean a la figura del documental son, desde luego,
emergentes de un proceso histórico de construcción cultural donde las voces
más acalladas por el escenario hegemónico pujan por hacerse oír. Muchas
veces el documental aparece como herramienta de contrainformación y otras
como herramienta de construcción política y social.
Muchos de estos trabajos, junto a otros de ejes conceptuales comunes,
organizaron a fin del año 2001 un ciclo llamado “Ciclo de Cine Piquetero”.
Este evento fue el primero en reunir este tipo de películas que luego dieron
un salto internacional protagonizando muestras oficiales de los Festivales
de Berlín, La Habana y Toulouse. En la famosa “Berlinale”, entre el 7 y el 16
de febrero de 2003, se mostraron seis documentales del denominado cine
piquetero: Por un nuevo cine en un nuevo país, realizado por ADoc (Asociación
de Documentalistas); Memoria, vacuna contra la muerte y Tercer tiempo, del
Grupo Cine Insurgente; Cerámica Zanón, de Contraimagen; Piqueteros, Carajo
(26/6/02, Puente Pueyrredón) y Brukman es de los trabajadores, de El Ojo
Obrero. Mientras tanto, en el Festival de Cine de La Habana, Por un nuevo cine,
un nuevo país fue seleccionado para la sección oficial competitiva de géne-
ro documental. Esta corriente propone colocar la cámara sobre los reclamos
de la clase obrera y realizar textos que sirvan como extensión a las acciones
Para un desarrollo más comple-
to de este tema, véase González, de lucha.
Néstor Daniel, Relatos audiovi-
suales de Argentina. De la crisis
a la televisión digital, tesis de
Maestría en Periodismo y Medios LECTURA OBLIGATORIA
de Comunicación, Facultad de
G onzález , N. D. (2004). “Genealogía del Documental en la
OO
Periodismo y Comunicación Social,
Universidad Nacional de La Plata. Televisión Argentina”. En Revista Tram(p)as de la Comunicación y
la Cultura, Facultad de Periodismo y Comunicación Social. UNLP.
Año 2 / Nº 27.
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CC
Grata sorpresa tuvieron los militantes de la Coalición cuando después de tan-
tas promesas y proyectos fallidos desde el 83, en marzo de 2009 el Poder
Ejecutivo presentó un anteproyecto de ley basado en sus 21 puntos. Y una
gran fiesta cuando siete meses más tarde, después de debatirlo y enriquecerlo
en foros federales, el Congreso sancionó por amplia mayoría la Ley 26522 de
Servicios de Comunicación Audiovisual. (Badenes y González, 2015)
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1.
KK Con base en los canales de aire del lugar que vive, realice un relevamien-
to de los productos de carácter documental y las temáticas que abor-
dan. ¿Considera que son temas que incluyen problemáticas propias del
lugar? ¿Qué tipo de abordaje presentan? ¿Los realizadores son del lugar?
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Referencias bibliográficas
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