1.

Historia de la Ópera

El período Barroco

El Barroco La Opera Italiana Revolución Musical del Siglo XVII

El Barroco, es una palabra que designa un estilo artístico y también un

período que se extiende desde principios del XVII hasta la segunda mitad del siglo
XVIII, se modifica profundamente, el mapa musical de Europa. El periodo Barroco
ocupó una época importante de grandes cambios en la historia de la humanidad.
Por ejemplo, Galileo, Kepler y Newton estaban descubriendo nuevas formas de
explicar el universo. En la música, las artes, la arquitectura y la moda, la
decoración y ornamentación sofisticada se convirtieron en norma. La influencia
italiana se extiende por todos los países, sobre todo en el campo de la Opera y en
el de la música instrumental.

3. La ópera barroca fue un espectáculo diseñado para atraer tanto a la vista como
al oído. El decorado, la tramoya y los efectos escénicos se desplegaban buscando
el mayor efectismo. Otras de sus características fueron: la teatralidad, el
dramatismo y su utilización como medio para la pompa y esplendor en los
espectáculos públicos, principalmente ligados a celebraciones cortesanas y en
particular bodas principescas. Un exponente del decorativo estilo vocal barroco y
en verdad la estrella de la ópera barroca y su creación más extravagante fue el
castrato. El cantante era sometido de niño a una castración para conservar su voz
aguda, de soprano, mezzo-soprano o contralto. Uno de los más famosos e
internacionalmente conocidos fue el italiano Carlo Broschi “Farinelli” (1705–1782).

4. La ópera barroca se organizaba de acuerdo con un esquema. En el caso de la

ópera seria, se apoyaba en elementos de la historia y la leyenda clásicas;
prácticamente a todos los héroes mitológicos les alcanzó un libreto de versos
pomposos y su correspondiente música. La ópera seria fue elevada en tono y
altamente estilizada en forma, consistiendo generalmente en recitativo seco,
intercalado con largas arias “da capo”. Esto produjo grandes oportunidades para el
virtuosismo vocal y durante la era dorada del barroco, el cantante se convirtió en la
gran estrella de la ópera. Características Musicales Las características más
definitorias de la ópera barroca son: El uso del bajo continuo , que facilitó el
desarrollo de la armonía tonal y el gusto por los fuertes contrastes sonoros, entre
coros, entre familias instrumentales ó entre solista y orquesta, materializado en la
policoralidad y el estilo “concertante”. Ricordati che sei Ópera Farnace - Vivaldi

5. Había escenas corales pero pocas de conjunto. Los recitativos y las arias
determinaban el curso de la ópera. La acción en si misma era desarrollada por un
predominante recitativo, así llamado porque sólo era acompañado por el clave y
los instrumentos bajos. En tanto que las más emotivas arias expresaban los
sentimientos de los personajes individuales. Tenían una gran riqueza de
coloratura, capacidad para conmover y belleza La partitura consistía
fundamentalmente en la parte vocal y en la línea del bajo ; se esperaba que los
clavecinistas y los tañedores de instrumentos pulsados (guitarra, mandolina , laúd)
improvisaran armonías partiendo de las indicaciones escritas sobre la línea del
bajo. La orquesta, casi invariablemente, constaba de una sección de cuerdas que
en ocasiones se vería reforzada por un fagot; más tarde se añadieron oboes,
flautas y trompas; también podían utilizarse instrumentos de metal.

6. Compositores de Ópera del período Barroco (1600-1750) Pietro Francesco

Cavalli (1602-1676) Marco Antonio Cesti (1623-1669) Francesco Provenzale
(1627-1704) Jean Baptiste Lully (1632-1687) Alessandro Stradella (1645-1682)
Henry Purcell (1659-1695) Alessandro Scarlatti (1660-1725) Apostolo Zeno (1668-
1750) Antonio Vivaldi (1678-1741) Jean-Philippe Rameau (1683-1767) Georg
Friedrich Haendel (1685-1759) Pietro Trapassi (1698-1782) Johann Adolph Hasse
(1699-1783) Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736)

7. La Ópera en Francia En 1671 se fundó la Academie Royale de Musique ,

principal impulsora de la “Grand Opéra” francesa. Fue sobre todo con el rey
francés Luis XIV, el "rey sol", cuando la ópera se convirtió en el
escaparate teatral del gobernante absoluto. En Versalles, se introdujo el ballet a la
ópera , en buena medida porque el propio rey era un entusiasta bailarín. La danza
siguió siendo un rasgo característico de la ópera francesa, al principio como
expresión del orden jerárquico del estado pero más tarde porque se convirtió en el
espectáculo favorito. La ópera francesa recibió su forma y consistencia de Jean
Baptiste Lully (1632-1687), natural de Florencia. Combinó sus esfuerzos con
Molière en la aspiración a combinar la comedia, la música y la danza. La más
importante comedia-ballet fue “Le bourgeois gentilhomme” (1670), realizada junto
con Molière y que se hizo famosa más tarde debido al tratamiento que Richard
Strauss dio al mismo argumento. Les Sauvages Ópera Les Indes galantes –
Rameau.

8. La tragedia-ballet de Lully dio origen a la tragedia lírica , una forma

característica en la historia operística francesa, vehículo de expresión del
sentimiento lírico en un estilo invariablemente elevado, ya fuese con recitativos ó
con música detalladamente compuesta. Contrasta con la ópera cómica, en la que
el diálogo se interpola entre los números musicales y se tratan temas realistas.
Las formas estilísticas de Lully fueron la base para la música escénica del
compositor y teórico Jean-Philippe Rameau (1683-1767). Sus argumentos los
tomó de la antigüedad heroica, alternando montajes escénicos de marcados
contrastes. El ballet era la pieza clave del espectáculo e hicieron su aparición los
temas exóticos, como “Les Indes galantes” (1735). A la música se le
encomendaba un efecto ilustrativo, imitando a la naturaleza, en línea con los
dogmas del racionalismo.

9. La obertura, que Lully había generalizado, se convirtió en una introducción

musical, consistente en un inicio lento, de profundo sentimiento, y una sección
principal rápida, a menudo fugada. La redacción del texto poético fue
particularmente valorada por los buenos racionalistas franceses de la ópera de
París y durante mucho tiempo la ópera sólo se representó en la capital. La Ópera
en Inglaterra La aparición de la ópera en Inglaterra se retrasó debido a la guerra
civil y a la Commonwealth (1642-1660). Cromwell y los puritanos despotricaron
contra las diversiones públicas y prohibieron el teatro y la ópera. El rey Carlos II
anunció la Restauración en 1660, incluyendo la restauración del drama isabelino
de Shakespeare. Hubo representaciones de obras de Shakespeare, de ampulosas
piezas históricas y comedias francesas. Henry Purcell (1659-1695), el más
destacado compositor inglés, escribió música incidental (The Fairy Queen, King
Arthur, etc.) para cuarenta y siete de estas piezas, ampliándolas con canciones,
coros y bailes.

10. Su única ópera propiamente dicha, “ Dido and Aeneas ” , representada en

1689, ópera de cámara, escrita para un corto número de personajes e
instrumentos de cuerda, ofrece una variante de las óperas-ballet y relata el
desdichado amor entre la reina de Cartago y el héroe troyano. Los breves y
melodiosos números musicales adquieren un colorido vívido y característico a
causa de la utilización de armonías atrevidas. El adiós de Dido, cantado justo
antes de ascender a la pira funeraria, es un sucesor hondamente conmovedor del
Lamento d'Arianna de Monteverdi y de otros innumerables lamentos operísticos.
Por instigación de Jonathan Swift, el poeta John Gay escribió The Beggar's Opera
en 1728; situada en el submundo criminal, consta de canciones populares, danzas
y melodías bien conocidas, arregladas por John Christopher Peppusch , un
inmigrante de Berlín. No fue sino a comienzos del siglo XVIII cuando la ópera
italiana hizo de Londres un baluarte del “bel canto”. Los empresarios privados
tuvieron un buen éxito al trasplantar a Londres el florecimiento de la ópera en el
continente. Ombra mai fu Ópera Serse - Handel

11. Georg Friedrich Haendel Uno de los compositores traído a Londres fue Georg
Friedrich Haendel, que había nacido en la ciudad de Halle, Alemania en 1685, el
mismo año de Johann Sebastian Bach y que murió en Londres siendo ciudadano
británico en 1759. Es considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los
mejores y más influyentes compositores de la música occidental. Su inmenso
legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la
primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de
su época, donde 43 óperas , 26 oratorios y un legado coral son lo más
sobresaliente e importante de su producción musical. Llegó a Londres desde
Hanover en 1711 y desplegó una energía casi sobrehumana escribiendo ópera
tras ópera para el teatro que dirigía.

12. Alcanzó sus primeros éxitos en el Theater am Gänzemarkt de Hamburgo.

Estudió la ópera italiana sobre el terreno, llegando a ser músico favorito del
público en Roma y en Venecia, como clavecinista y como compositor de ópera, y
en 1709 los italianos quedaron cautivados por "il caro sassone" cuando
representó su ópera Agrippina con vestuario clásico. Haendel presenta figuras de
la mitología y la historia antiguas finamente delineadas contra un decorado que es
suntuoso y en ocasiones de carácter oriental Se apoya invariablemente en el vigor
melódico del aria “da capo” y utiliza pocos conjuntos, a pesar de que su lenguaje
orquestal es muy colorista y pleno de matices. En las manos magistrales de
Haendel la ópera barroca italiana alcanzó su culminación. La melodía y el ritmo
son supremos. La gestualidad expansiva de la ópera barroca queda legitimada por
la infalible capacidad de Haendel para la expresión emocional.

13. La ópera final de Haendel “Serse” (1738) es un puente entre el barroco tardío y
el rococó; se aproxima claramente al nuevo estilo con su yuxtaposición de pathos,
lirismo y comedia. Su expresión emotiva tiene gran hondura y dignidad, sus
escenas de la naturaleza son impactantes y concisas, y sus cantinelas, como el
célebre "Largo" de Serse, son de gran amplitud y de un ritmo
claramente definido. Sus oratorios bíblicos, empezando en 1742 con “Messiah” ,
eran óperas adornadas con vigorosos coros, ejemplares narraciones dramáticas
que han quedado generalmente como modelos excelsos en su género. El teatro
de Haendel, con su superabundancia de figuras heroicas, las intrigas en que
andaban enredados primadonnas y castratos, los decorados ostentosos y el
público londinense anhelante de sensaciones, impulsó en su conjunto la sátira y la
burla. Crude Furie Ópera Serse - Handel

14. La Ópera en Italia El culto barroco a la ópera tenía en sí mismo a su peor

enemigo. Los cantantes, especialmente los castratos se erigieron en déspotas. A
los libretistas se les quemaban las pestañas de tanto escribir. La autocopia, la
producción masificada y el manierismo eran inevitables. En realidad no había un
repertorio; el público quería óperas recién salidas de la pluma. Gradualmente,
Venecia, donde los compositores habían permanecido más o menos fieles al
austero estilo de Monteverdi , cedió la supremacía a Nápoles, que era la mayor
ciudad de Italia a principios del siglo XVIII, con 300,000 habitantes y
consecuentemente, la ciudad con mayor exigencia de diversiones. La escuela
napolitana se puso pronto a la cabeza del género. Francesco Provenzale (1627-
1704), fue uno de los primeros compositores Napolitanos. Fue profesor en el
Conservatorio de Sta. María di Loreto y luego profesor en el Conservatorio de
Turchini. Es autor de “ Lo schiavo di sua moglie” , “Difendere l´offensore” y otras
seis óperas, nueve cantatas y música sacra.

15. Alessandro Scarlatti (1660-1725), uno de los más grandes compositores

Napolitanos compuso ciento quince óperas , ciento cincuenta oratorios y alrededor
de seiscientas cantatas. Fue maestro de capilla de la corte en su ciudad natal y
más tarde en Florencia, donde fue protegido por Fernando de Médicis. Entre sus
óperas más importantes figuran: “L´Errore Innocente” , “il Pompeo”, “L´honesta
negli amori” , “Ovvero gli equivoci nel sembiante ” y otras. Compuso también 200
misas y una serie de Oberturas con varios tiempos ó movimientos, de las cuales
se derivarían más tarde las Sinfonías clásicas. Con su ópera “Rosaura” introdujo
innovaciones en el recitativo, el Aria y comenzó a utilizar la Obertura Italiana ó
Sinfonía con un esquema organizativo de los movimientos o tiempos (Allegro-
Lento-Allegro) y una formación orquestal muy similar a la de los primeros
sinfonistas clásicos (Sammartini, Stamitz, Monn, Haydn ).

16. El mérito especial del estilo italiano meridional fue su ligazón con la “commedia
dell'arte” , que aportó un esfuerzo hacia el realismo y la introspección psicológica,
de modo que las figuras estereotipadas resultaron más humanas y aportaban más
encanto sensual hacia la melodía y el color tonal. Sensualidad, ingenio y comedia
hicieron de la Ópera Buffa Napolitana un modelo que perduró hasta Mozart ,
Rossini y Donizetti. Antonio Vivaldi (1678-1741), compositor y violinista veneciano,
uno de los más grandes compositores del período barroco Es universalmente
conocido, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta “Las
cuatro estaciones” . Esta obra, que forma parte del ciclo de su Opus 8 “ il cimento
dell'armonia e dell'inventione", Fue también compositor y empresario de
óperas en Venecia y viajaba a Roma, Mantua y otras ciudades para supervisar las
representaciones de sus óperas. Artaserse Overture Johann Adolph Hasse

17. Vivaldi escribió más de 500 conciertos y 70 sonatas, 45 óperas, música

religiosa como el oratorio Juditha Triumphans , el Gloria, Misas y Motetes . Sus
óperas más famosas son: Ottone in Villa (1713) La costanza trionfante degli amori
e degl'odii (1716) La Coronación de Darío (1717) Tito Manlio (1719) Teuzzone
(1719) il Giustino (1724) Dorilla in Tempe (1726) Orlando Furioso (1727) Farnace
(1727) Motezuma (1733) La Olimpiada (1734) il Tamerlano (1735) Griselda (1735)
18. El Rococó En la nueva ópera barroca había surgido la costumbre de insertar
intermedios cómicos, farsas, en medio del tono aceptado y marchito del estilo
heroico de la opera seria, tratando de dar cierta variedad a la diversión del público,
que era bastante versátil en cuanto a sus preferencias operísticas. Uno de estos
interludios hizo historia en la ópera convirtiéndose en el prototipo de ópera cómica.
Fue “L a Serva Padrona” de Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). El periodo
rococó se estaba iniciando , con sus formas elegantes, delicadas, su estilo galante
y su sentimentalismo. En la música tuvo lugar un proceso de transición gradual. El
bajo continuo, se batía en retirada paso a paso. Los instrumentos para continuo
fueron perdiendo importancia: sólo el clave se mantuvo como soporte de los
recitativos seco. Todo esto ocurrió de la mano de un cambio del gusto.

19. El contrapunto escolástico cayó en descrédito como un corsé pasado de

moda. La gente había oído ya más que suficientes fugas, cánones y otros artificios
polifónicos. Este rígido estilo de escritura se mantuvo más tiempo en la música
religiosa. Los racionalistas franceses proclamaron que el objetivo del arte era
“Imitar la Naturaleza" . Esto no significa copiar o remedar los aconteceres
naturales sino más bien actuar como lo haría la naturaleza en un medio
determinado. La gente llevaban lunares en el rostro, vestía ropajes de pastoras y
llevaba el corazón en la mano. Como en los primeros días de la ópera, se adjudicó
la mayor estimación a la monodia, al canto sencillo con un acompañamiento vivaz,
una voz que sale del corazón antes que un virtuoso despliegue de destreza vocal.
Intermezzo La Serva Padrona - Pergolesi

20. La grandeza del compositor no reside en las estructuras contrapuntísticas

espléndidamente ingeniosas sino en líneas melódicas expresivas, subjetividad
convincente e individualidad estilística. Al estar más cercana a la realidad, la
Ópera Buffa empezó a destacarse , en tanto que la opera seria se fue
esclerotizando gradualmente hasta convertirse en el arte de prestigio de las
cortes. La ópera heroica sobre los temas griegos y romanos, ya en su fase final,
tuvo dos figuras con autoridad en medio de las hasta entonces poco consideradas
filas de los libretistas. Ambos fueron poetas cortesanos en Viena: el veneciano
Apostolo Zeno (1668-1750) y Pietro Trapassi (1698-1782), de Roma, que se hizo
llamar Metastasio . El propósito declarado de Zeno era que la ópera debía
fomentar la virtud presentando personajes nobles abocados a desenlaces felices
después de haber superado los obstáculos.

21. Metastasio, cuyos libretos fueron utilizados incluso por Mozart, abordó los
mitos y la historia en forma de complicadas intrigas y escribió versos eufónicos y
llenos de vocales y símiles floridos, en italiano, por supuesto. Johann Adolph
Hasse (1699-1783), que había abandonado su región natal de Hamburgo para
hacerse un nombre en Italia, estableció las nuevas formas estilísticas, con el
acento en la emoción, tanto en la música instrumental como en la ópera,
escribiendo sinfonías dulcemente melódicas y algunas óperas que responden
plenamente al estilo galante, rococó, como “Artaserse” y “Catone in Utica”. La
lengua excelsa e inatacable de la escena operística durante todo el período rococó
fue la italiana, excepto en París y, ocasionalmente, en Londres. Para casi todos
los compositores era aún forzoso escribir óperas . Sólo el teatro ofrecía éxito
popular. La música instrumental era aún un producto marginal. El equilibrio no se
alcanzó hasta los inicios del período clásico.

barroco.
-. El barroco en cambio comienza la exploracion de lo instrumental con un nuevo
formato; la cantata, donde se mezclan con igual importancia las voces con los
instrumentos.
-La música barroca busca una codificación de todos los parámetros musicales
(ritmo, tonalidad,...)
el Contrapunto
-en el barroco la principal temática era religiosa, su pintura era solemne..se
preocupaban mucho por la exaltación d la belleza i era un poco exagerado
El Barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras
en el campo de la literatura,
el barroco, fue dada la daga final por la revolucion francesa
renacentista
-está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Entre sus formas
musicales más difundidas se encuentran la misa y el motete en el género religioso

-Durante el Renacimiento hay un incremento de la cultura musical

-En musica religiosa, la renacentista tiene mas importancia las voces q los
instrumentos,tradicion q viene desde la polifonia medieval. De esto encontraras las
dos formas mas comunes en la epoca q son el motete y el madrigal religioso
-el renacimiento su principal razon era la naturaleza, buscaban características dl
clásico, rompen con lo gótico..
el renacimineto fue el principio del desplome del imeprio católico
 RINCON DEL BAGO
1. ORIGEN DE LA OPERA BARROCA
La ópera no se mantuvo confinada a audiencias cortesanas. En el año 1637
en Venecia emergió la idea de una "temporada" de óperas de asistencia abierta a
todo público, financiada por la venta de entradas. Influyentes compositores de
ópera del siglo XVII incluyen a Francesco Cavalli y Claudio Monteverdi, cuyo Orfeo
(1607) es la ópera más antigua que todavía se representa hoy en día. Una
siguiente obra de Monteverdi, Il ritorno d'Ulisse in patria (1640), también es
conocida como una obra muy importante de los inicios de la ópera. En estas
primeras óperas barrocas, se combinaba la comedia con elementos trágicos de
una manera tal que desprendía una amplia sensibilidad, lo que inició el primero de
muchos movimientos reformistas de la ópera, el cual fue asociado con el poeta
Pietro Trapassi, conocido como Metastasio, cuyos libretos contribuyeron a
cristalizar el tono moralista de la ópera seria. La comedia en la ópera barroca
estaba reservada para la ópera bufa, en una tradición en desarrollo separado que,
en parte, se derivó de la comedia del arte.
La ópera italiana estableció el estándar. Los libretti italianos fueron la norma,
incluso para compositores alemanes como Händel que escribía para audiencias
londinenses, o Mozart en Viena, cerca de finales del siglo XVIII.
2. PARTES DE UNA OPERA
Las partes melódicas de una ópera están compuestas por arias, dúos, tríos,
quintetos, coro y otras combinaciones musicales. El resto de las palabras de la
ópera también es puesta en música, pero de una forma que conserva más el estilo
recitativo (del italiano recitare). El contenido de los recitativos no estás basado
tanto en la emoción, como en el caso de las arias, sino en la acción, y no son
melódicos.
Partes:
- Obertura/Preludio (parte instrumental que la precede).
- Partes cantadas.
- Interludios (partes instrumentales que se intercalan entre las partes cantadas).
3. ÓPERAS DE LA ÉPOCA
 Orfeo (ópera, 1607) de Claudio Monteverdi
 Fiori musicali (1635) de Girolamo Frescobaldi
 Daniele (16??) de Giacomo Carissimi
 Selva morale e spirituale (1640) de Monteverdi
 Symphoniae Sacrae (1629, 1647, 1650) de Heinrich Schütz
 Pasión según san Mateo (1666) de Heinrich Schütz
 Roland (1685) de Jean-Baptiste Lully
 Dido y Eneas (1689) de Henry Purcell
 Hexacordum apollinis (1699) de Johann Pachelbel
 Sonatas para violín y bajo continuo op. 5 (1700) de Arcángelo Corelli
 Canon y giga de Pachelbel
 Música acuática (1717) de Händel
 8 grandes suites (1720) de Händel
 Conciertos de Brandenburgo (1722) de Bach
 El clave bien temperado (1722-1744) de Bach
 Giulio Cesare (1724) de Händel
 Las cuatro estaciones (1725) de Vivaldi
 Pasión según San Mateo (1727) de Bach
 3 libros de suites (1706, 1724, 1728) de Rameau
 4 libros de órdenes (1713, 1717, 1722, 1730) de Couperin
 Música de tabla (1733) de Telemann
 El Mesías (1742) de Händel
 Música para los reales fuegos artificiales (1749) de Händel
 El arte de la fuga (1749-1750) de Bach
 El juicio final(1762) de Telemann
4. RESUMIR EL ARGUMENTO
L'Orfeo, favola in musica es una de las primeras obras que se cataloga como
ópera. Fue compuesta por Claudio Monteverdi sobre un poema de Alessandro
Striggio para los carnavales en Mantua. Fue estrenada en la Academia
degl'Invaghiti en Mantua en febrero de 1607 y el 24 de febrero del mismo año en
el Teatro de la corte de Mantua. Fue publicada en Venecia en 1609. En el siglo XX
fue reestrenada en una versión en concierto en París en 1904.
En Florencia en el año 1600 se celebra la boda entre María de Médicis y Enrique
IV de Francia. A esta boda asisten Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua y
pariente de la esposa, y su corte. Allí asistieron a la representación de Euridice de
Jacopo Peri. Supuestamente entre los asistentes se encontraba Claudio
Monteverdi, miembro de la corte de Gonzaga. Debido al éxito de la obra de Peri,
Gonzaga pidió a Monteverdi componer una ópera basada en el mismo mito y
siguiendo el estilo musical de la escuela florentina.
El libreto está basado en el mito de Orfeo. Poco tiempo después de su feliz boda,
la bella Eurídice muere a causa de una picadura de serpiente. Orfeo baja al
inframundo y logra que los dioses permitan que regrese con ella a la tierra de los
vivos, pero con una condición: en el camino de regreso no debe voltear a mirarla.
Es tanta la tentación que Orfeo incumple la condición y Euridice muere
nuevamente. El final de la obra, sin embargo, es diferente al del mito: Apolo se
apiada de Orfeo y permite que se reúnan nuevamente los amantes.
El Orfeo se destaca por su poder dramático y su animada orquestación.
Monteverdi utilizó una plétora de instrumentos, poco usual para la época: violas,
violines, flautas, oboes, cornos, trompetas, trombones, claves, arpas, dos órganos
pequeños. El Orfeo es uno de los primeros ejemplos de la asignación específica
de ciertos instrumentos a ciertas partes; a pesar de que los compositores de la
Escuela Venecia venían ejecutando esta práctica por casi dos décadas, con
diferentes niveles de precisión, la instrumentación de esta obra es particularmente
explícita.
Las óperas de Monteverdi se han catalogado como barrocas tempranas, o pre-
barrocas. Para el momento, la música del norte de Italia transitaba entre el estilo
renacentista tardío y el barroco temprano, y los compositores vanguardistas como
Monteverdi, combinaban las tendencias estilísticas que se utilizaban en los
círculos musicales más importantes como Florencia, Venecia o Ferrara.