Introducción

• Capítulo 1: ¿Deberían los cristianos ir al cine?

• Capítulo 2: Cine y cultura
• Capítulo 3: Preguntas para hacer sobre películas

Reseñas

• Un mundo perfecto
• Un río corre a través de él
• Valores de la familia Addams
• Celebridad
• Aturdido y confuso
• Hombre de demolición
• Diario de una mujer negra loca
• Abril encantada
• Ethan De
• Geronimo y algunas otras películas sobre indios
• Gettysburg
• Codicioso
• Protegiendo a Tess
• Cielo y tierra
• En el nombre del padre
• Intersección
• En el oeste
• Perdido en Yonkers
• Malcolm x
• Sociedad Amenaza II
• SR Jones
• Mucho ruido y pocas nueces
• Mi vida
• Filadelfia
• Grupo
• la lista de Schindler
• Shadowlands
• Atajos
• Señales
• Algunas notas breves
• Sugar Hill
• La edad de la inocencia
 • El apóstol
• El club de la Alegría y suerte
• La pesadilla antes de Navidad
• El papel
• El piano
• Lo que falta del dia
• El banquete de bodas
• Blues encubierto
• Imperdonable

Prefacio, 2005

Los lectores familiarizados solo con mis escritos teológicos pueden

sorprenderse al escuchar que durante un breve tiempo consideré una carrera
vocacional como crítico de películas. Siempre me han gustado las películas y
pensé que algunas de mis observaciones sobre las películas podrían ser
útiles, al menos para mis alumnos que tomaron cursos míos sobre cultura
moderna. También tuve ante mí el ejemplo de mi colega Harvie Conn, quien
reseñó películas para Christianity Today hasta que los editores le dijeron:
"Los lectores de CT no van al cine". (Evidentemente eso ha cambiado en los
años posteriores).

Entonces, alrededor de 1992-93, escribí una serie de reseñas, con algunas

reflexiones introductorias sobre el medio. Mi propósito principal era usarlos
en cursos, pero también los enviaba a editoriales y publicaciones periódicas,
con la esperanza de que tal vez pudiera trabajar en algún lugar como revisor,
siguiendo a Harvie. Las respuestas fueron totalmente negativas. Los editores
no querían publicar libros de películas porque se quedaban obsoletos muy
rápido. Los editores de periódicos pensaron, bueno, que no debería renunciar
a mi trabajo diario.

De ahí la desintegración de un revisor. Pero he utilizado estas reseñas y

piezas analíticas en otros contextos, y las respuestas no han sido totalmente
negativas. Así que los pongo a disposición ahora en la web. Las reseñas
todavía están anticuadas. La mayoría son de alrededor de 1993, aunque he
agregado uno o dos en los años posteriores. Pero con la creciente
popularidad de la cinta y el DVD, todavía puede haber interés en estas
películas en particular. Más importante aún, estas reseñas pueden ser útiles
para los lectores que buscan evaluar películas más contemporáneas.
Debo advertirle que las reseñas contienen "spoilers". Es decir, he revisado las
películas como se revisa la literatura clásica, con libertad para describir el final
y relacionar ese final con la interpretación general. Si alguien no puede
soportar conocer los finales de antemano, le insto a que vea la película antes
de leer la reseña.

Introducción

Después de ir a ver una película, por lo general me "interrogo", preguntando

de qué trata la película, qué disfruté, qué no, etc. A veces mi interrogatorio
ocurre en una conversación con otros, pero a menudo simplemente me
siento en el co-mputadora y escribir mi propia reseña de la película, buscando
poner en palabras mi respuesta a la experiencia.

He reunido algunas de mis reseñas, junto con algunos ensayos

introductorios, para presentárselas a mis estudiantes del Seminario
Teológico de Westminster para nuestro curso llamado “La mente moderna”,
una revisión crítica del pensamiento y la cultura modernos. Para impartir un
curso de este tipo, uno debe tener alguna fuente de exposición regular de
primera mano a las tendencias culturales, y he descubierto que, para mí, las
películas son el mejor medio para obtener esa exposición. Aunque amo la
música, confieso que encuentro la música moderna de vanguardia, tanto
popular como “seria”, muy difícil de escuchar. Tengo poco gusto o
comprensión del arte moderno. Las novelas tardan demasiado en leerse; las
obras son demasiado caras. Solía ver mucha televisión, pero bueno, ahora
tenemos niños pequeños en la casa y no quiero que se vuelvan "adictos". Leo
filosofía y teología modernas, pero también necesito exponerme a algo más
universalmente popular, para ver cómo las ideas académicas, filosóficas y
religiosas se reflejan y anticipan en la cultura general. Para ello, el cine se ha
convertido en mi medio preferido.

Las críticas de películas cuestan diez centavos la docena; ¿Por qué agrego el
mío a la pila? Bueno, los revisores difieren mucho en su énfasis. La mayoría
se ocupa de cuestiones estéticas o técnicas, o de juicios sobre el valor del
entretenimiento. Los críticos cristianos tienden a centrarse también en el
tono moral de las películas, algunos incluso cuentan los casos de sexo,
violencia o lenguaje soez. Algunos revisores ofrecen perspectivas únicas. Jim
Jordan, por ejemplo, aporta a sus reseñas una rica experiencia en simbolismo
literario y sugiere patrones de simbolismo en el cine que tienen una
influencia sutil pero profunda en el contenido de la película. Todos estos
enfoques tienen su utilidad.

No tengo la sensibilidad de Jordan al simbolismo. Tengo pensamientos sobre

valores estéticos, técnicos y de entretenimiento, que expresaré de vez en
cuando en las reseñas. Obviamente, también me interesan los aspectos
morales del cine, aunque no tengo ni la cabeza ni el corazón para contar las
malas palabras.

Aunque no tengo un título en cine o teatro, tengo cierto conocimiento de la

historia del cine, habiendo disfrutado de películas y discusiones sobre
películas desde la infancia. Creo que mi experiencia musical también me
permite apreciar la estructura dramática: reflujo, flujo y clímax. Pero otros
ciertamente tienen calificaciones más fuertes que las mías para expresar
opiniones sobre estos asuntos.

Lo que sí aporto a las reseñas es, en una palabra, teología. Porque la teología
es el principal trabajo de mi vida. También es de Jordan y de Harvie Conn. Pero
quizás porque tengo menos conocimientos que ellos sobre cuestiones de
detalle cinematográfico, tiendo a centrarme más que ellos en el panorama
general. Veo los “mensajes” de las películas menos en el contexto del cine
como tal que en el contexto de la cultura general y de esos grandes debates
culturales que en el fondo son teológicos. Mi enfoque es apartarme de cada
película y preguntar, ¿qué está tratando de decirme? ¿Cuál es su
cosmovisión, su ley, su evangelio?

La visión del mundo es el tema más importante del cine. Ese es el elemento
que tiene más influencia cultural (a menudo de manera destructiva) y, a
menudo, es el más central para el propósito del cineasta.

Uno de los viejos magnates del cine (me viene a la mente el nombre de Sam
Goldwyn, pero puede que haya sido otra persona) suele citarse diciendo "Si
quieres enviar un mensaje, llama a Western Union". Muchos cineastas han
hecho este tipo de afirmaciones, que su trabajo no tiene nada que ver con
mensajes, con teología o filosofía, que no es más que “arte por el arte” o, al
menos, “entretenimiento por el entretenimiento”.

No quisiera afirmar que el arte puede reducirse a teología o filosofía. El arte

tiende a ser particular y concreto, mientras que la filosofía y, en menor
medida, la teología, tienden a ser generales y abstractas. El arte se esfuerza
por entretener; la teología y la filosofía generalmente no lo hacen, aunque la
diferencia aquí también es una cuestión de grado. (Platón, Nietzsche y
Kierkegaard entretienen de una manera que Aristóteles, Kant y Tillich no lo
son. Ese hecho no es irrelevante para la evaluación adecuada de su trabajo).
El arte tiene dimensiones que nos deleitan o perturban, al margen de
cualquier ideología. contenido. Mucho de lo que comunica el arte es el
ingenio de su propio diseño: sus colores, sus armonías musicales, las
yuxtaposiciones de sus escenas. En el cine, gran parte de la calidad del
producto proviene del puro interés de los ángulos de la cámara, el enfoque
duro o suave,

Habiendo dicho todo eso, debo agregar que es simplemente falso afirmar
que el arte no tiene nada que ver con los "mensajes". De hecho, vivimos una
época en la que los mensajes del arte son cada vez más explícitos. Oliver
Stone, por ejemplo, es bastante explícito sobre el contenido político de sus
películas. No le avergüenzan en absoluto las afirmaciones de que tiene un
hacha que afilar. Mucho mejor. En la comunidad cinematográfica, los
directores y actores son elogiados por todas partes por participar en
películas (incluso, a menudo, películas mediocres) que adoptan posiciones
"controvertidas" sobre cuestiones morales / políticas. Es decir, son elogiados
cuando esas posiciones controvertidas son las que gozan de popularidad en
la comunidad cinematográfica y en los medios nacionales.

La retórica del “arte por el arte” tiende a aparecer cuando estos

controvertidos proyectos reciben críticas de espectadores conservadores o
cristianos. A tal crítica, la respuesta estándar es: “El arte no es filosofía y no
debe ser juzgado como tal. El arte está por encima de la política y la
religión. El arte se comunica solo a sí mismo, no la ideología ”. Pero esa
respuesta es falsa. Todo el mundo sabe que simplemente no es cierto.

Incluso conceptos como belleza y forma no son religiosamente neutrales. Lo

que es hermoso para un no cristiano puede muy bien ser feo para un
cristiano: el romance homosexual, por ejemplo, o las simulaciones
demoníacas en "Fantasía" de Disney. Algunas técnicas, por supuesto, como
el uso de cámaras de mano, pueden ser utilizadas por cristianos o no
cristianos. Un nivel tenue de iluminación en una escena no distingue
necesariamente la realización cinematográfica cristiana de la no
cristiana. Por otro lado, tal iluminación tenue se puede utilizar para hacer un
juicio de valor. La elección de un director de utilizar una iluminación tenue
en una habitación para la escena de una reunión podría, en algunos
contextos, transmitir la opinión de ese director de que los personajes en esa
reunión son bastante desagradables. Eso no significa que una iluminación
tenue siempre indique la presencia del mal; pero concedido otros elementos
del drama, puede indicar eso.

El mensaje, entonces, no es todo lo que hay en el arte, pero es un elemento

importante de él, uno que es especialmente importante para los cristianos
que están preocupados por el impacto de las películas en sus familias y en la
sociedad. Desde una "perspectiva", es el todo: porque cuando preguntamos
acerca del "mensaje", simplemente estamos preguntando qué nos está
comunicando el arte como un todo. Es posible que el mensaje no siempre se
exprese fácilmente en palabras o en términos de filosofía o
teología. Pero intentar expresarlo con palabras es un objetivo valioso para
un revisor. Tampoco se obtiene el mensaje de una película de la misma
manera que obtenemos el mensaje de un tratado filosófico. Las películas,
incluso las de Oliver Stone, no se limitan a enseñar o predicar. Pero nadie
debería tener ninguna objeción al análisis de las decisiones artísticas de un
director para ver qué revelan sobre su visión de la vida.

Por lo general, no es difícil responder a la pregunta: "¿Qué quiere el director

que pensemos (sobre los personajes, los eventos, el escenario, la
atmósfera)?" Por lo general, está bastante claro quiénes son los personajes
básicamente simpáticos, quiénes son los villanos. En las películas, como en
la vida real, existe, por supuesto, una ambigüedad moral. Hay bien en lo peor,
mal en lo mejor. Pero incluso para hacer tales comentarios debemos poder
utilizar términos morales; debemos ser capaces de distinguir el bien del
mal. El enfoque principal de mi análisis teológico de las películas será
simplemente preguntar "¿Qué considera la película bueno y qué malo?"

Así que mis reseñas básicamente intentarán resumir el “mensaje” de cada

película: su ideología, sus valores, su visión del mundo, su filosofía, su
teología. Comentaré otros elementos de la película que me parezcan
especialmente relevantes para formular ese mensaje. En el proceso,
intentaré observar las distinciones adecuadas entre arte y filosofía,
especialmente para reconocer el particularismo del enfoque de una
película. Pero el particularismo no tiene interés a menos que sea en alguna
medida universal, a menos que recuerde a sus espectadores lo que ellos
también han observado.
Ese es el programa subyacente a estas revisiones. Espero que los lectores y
espectadores los encuentren edificantes en cierta medida. Que Dios los use
de alguna manera pequeña o grande para fortalecer la presencia cristiana en
el mundo contemporáneo.

Una advertencia: dado que estas revisiones intentan ser un análisis serio en
lugar de "guías de visualización", no evitaré las discusiones sobre los
finales. Obviamente, no se podría hablar de manera significativa sobre
“Hamlet” o “La muerte de un vendedor” sin decir algo sobre los finales de
estos dramas. Lo mismo ocurre con las películas importantes. Aquellos que
no soporten saber el final de una película antes de verla deben proceder con
la debida precaución.

Mi agradecimiento y aprecio para aquellos autores cristianos que han

entrado en este campo antes que yo, que han soportado el desprecio del
mundo al desarrollar una interpretación cristiana del cine y que a menudo
han soportado el desprecio de los cristianos porque han elegido ir al
cine. Especialmente, he aprendido de las contribuciones de Donald Drew,
Harvie Conn, Jim Jordan y Keith Billingsley. Mucho debería decirse también
del trabajo de un judío observador, Michael Medved, quien ha expuesto el
antagonismo moral entre Hollywood y los "valores tradicionales
estadounidenses". Ya sea que lo reconozca o no, esos valores que aprecia
son, en general, los valores que enseña y promueve el evangelio cristiano.

Capítulo 1: ¿Deberían los cristianos ir al cine?

Algunos cristianos pueden preguntarse cómo un hermano en la fe puede

brindar apoyo a la industria del cine, notoria como es por sus prejuicios
anticristianos y su relativismo moral. Me gustaría señalar que también hay
una opinión en el extremo opuesto: algunos críticos cristianos de la cultura
insisten en que todos los cristianos tienen la responsabilidad de ser
culturalmente conscientes, de conocer las tendencias culturales en el arte,
la música, la literatura, el cine, el teatro, etc. .

Rechazo ambos extremos. Una posición más equilibrada, creo, es reconocer

que las Escrituras nos dicen que estemos "en" el mundo, pero no "del"
mundo. Eso significa que no solo podemos, sino que debemos estar
dispuestos a vivir en medio de una influencia secular (= anticristiana) sin
comprometer la fe. En este sentido, no importa si esa influencia secular
proviene del cine o de la participación en los negocios, el trabajo, el
vecindario, la política o lo que sea. Tampoco, dentro del ámbito general del
entretenimiento mediático, importa si estamos hablando de Beethoven o
rock moderno, Jane Austen o William Faulkner, Ernest Hemingway o Jackie
Collins, revistas de noticias o negocios, televisión o cine, películas de Disney
o películas de Martin. Scorsese. Para evitar la influencia no cristiana por
completo, tendríamos que vivir como ermitaños (suponiendo que incluso
pudiéramos encontrar algún lugar en el mundo fuera del alcance de las
comunicaciones y el gobierno modernos). En toda la experiencia moderna
hay un fuerte componente de enseñanza e influencia anti-bíblicas. Pero el
aislamiento completo no es una opción viva para los cristianos
bíblicos. Incluso los ermitaños cristianos de los períodos antiguo y medieval
justificaron su existencia como una vida de oración y, por tanto, una vida que
era, después de todo, en y para el mundo. ¿Cómo podemos orar por un
mundo del que no sabemos nada? No debemos buscar aislarnos del mundo,
sino ser "sal" y "luz" en nuestra cultura caída, para llevar a cabo la Gran
Comisión de nuestro Señor. Pero el aislamiento completo no es una opción
viva para los cristianos bíblicos. Incluso los ermitaños cristianos de los
períodos antiguo y medieval justificaron su existencia como una vida de
oración y, por tanto, una vida que era, después de todo, en y para el
mundo. ¿Cómo podemos orar por un mundo del que no sabemos nada? No
debemos buscar aislarnos del mundo, sino ser "sal" y "luz" en nuestra cultura
caída, para llevar a cabo la Gran Comisión de nuestro Señor. Pero el
aislamiento completo no es una opción viva para los cristianos
bíblicos. Incluso los ermitaños cristianos de los períodos antiguo y medieval
justificaron su existencia como una vida de oración y, por tanto, una vida que
era, después de todo, en y para el mundo. ¿Cómo podemos orar por un
mundo del que no sabemos nada? No debemos buscar aislarnos del mundo,
sino ser "sal" y "luz" en nuestra cultura caída, para llevar a cabo la Gran
Comisión de nuestro Señor.

Ese equilibrio, de estar “en” pero no “de” el mundo, a veces es difícil de

mantener. Las decisiones de uno en esta área deben basarse en parte en su
propia madurez moral y espiritual. Algunas personas, especialmente los
niños o los jóvenes en la fe, o aquellos con problemas especiales como la
adicción al alcohol o una susceptibilidad inusual a la tentación sexual, deben
limitar su exposición a la cultura secular de manera apropiada. Pero al mismo
tiempo deben ser entrenados en la madurez cristiana, para que
eventualmente puedan entrar más plenamente en la arena secular, sin temer
que la cultura los comprometa, pero esperando influir positivamente en la
cultura para Cristo.

No creo, con los “culturalistas” cristianos, que todo cristiano, o incluso todo
cristiano maduro, tenga la obligación de asistir a exposiciones de arte,
conciertos, películas, etc. Los cristianos deberían buscar influir en el mundo
para Cristo de alguna manera: que es la Gran Comisión. Pero la forma
precisa en que se acercan al mundo puede diferir mucho de un creyente a
otro. Mi cuñado es pastor de una iglesia en el centro de la ciudad de
Filadelfia. Normalmente no va a películas, dramas o exhibiciones de
arte. Pero definitivamente está "en" el mundo, el mundo real, y lo ministra
con toda la fuerza que Dios le proporciona. El conocimiento de los medios
de entretenimiento sería de poca utilidad para él en su ministerio, y yo sería
la última persona en instarlo a que se volviera "consciente de la cultura".

Sin embargo, hay otros (como yo, creo) que son llamados por Dios para
dedicar parte de su energía a la crítica cultural cristiana. Muchos pastores,
así como trabajadores juveniles, académicos, maestros, escritores, padres y
otros, están en esta categoría. Creo que para ellos no está mal, dentro de
límites razonables, exponerse al cine moderno u otros medios. El apóstol
Pablo dijo que no ignoraba las maquinaciones de Satanás ( 2 Cor. 2:11 ). Con
ese propósito, si no por otro, se nos puede llamar para saber qué tienen que
decirnos los cineastas.

Algunos argumentos utilizados por los cristianos que se oponen a la

asistencia moderada a las películas son los siguientes:

(1) "Los actos gráficos de violencia degradan a quienes los ven, haciendo que
los espectadores sean más propensos a la violencia". Sobre esta proposición
hay evidencia estadística mixta. Algunas personas, especialmente los niños,
parecen recurrir más rápidamente a la violencia, o al juego de imitación
violento, como resultado de ver violencia simulada en televisión o
películas. Abogo por que los padres limiten y controlen el uso de estos
medios por parte de sus hijos. Pero me cuesta creer que todo el mundo deba,
por esta razón, reducir drásticamente su asistencia al cine. Yo mismo nunca
(ni siquiera en la infancia, según recuerdo) me he sentido en lo más mínimo
inclinado hacia la violencia como resultado de verlo en una película. En su
mayor parte, ver tal violencia aumenta mi determinación de encontrar
soluciones no violentas a los problemas. Creo que muchas otras personas
son similares a mí en este sentido.
Además, si mantenemos una distancia crítica adecuada de las películas que
vemos (una distancia que es necesaria por muchas otras razones), podemos
ver que la violencia cinematográfica es esencialmente coreografía. Nadie sale
realmente herido. Y en la mayor parte de las películas, incluso hoy en día, las
personas injustamente violentas no son recompensadas ni glorificadas.

Es importante mantener la perspectiva: la falta de perspectiva es uno de los

defectos más prevalentes en el pensamiento cristiano hoy, en mi opinión. Y
la perspectiva más amplia es que la violencia nos rodea, es inevitable. Evitarlo
por completo es apartarse del mundo. De hecho, la Escritura misma contiene
descripciones de violencia aterradora, incluso sangrienta; acaba de leer el
Libro de los Jueces. Dado que las Escrituras incluyen tales descripciones,
debemos asumir que hay buenas razones para ello, razones que conducen a
la edificación ( 2 Tim. 3:16 , 17 ). No es difícil imaginar cuáles podrían ser
esas razones. La violencia de los malvados nos muestra lo que nos ha hecho
la Caída; y la violencia del juicio divino nos llama al arrepentimiento. Sobre
esta base, no podemos negar que alguna exposición a representaciones de
violencia puede ser edificante.

(2) "Las escenas sexuales en las películas excitan los deseos

impuros". Nuevamente, creo que esto es cierto para algunos espectadores,
pero no para otros. Si las escenas de sexo en las películas tienen ese efecto
en ti, entonces no vayas al cine hasta que Dios te dé un mayor dominio sobre
la tentación. Pero no creo que esto sea un problema para todos los
cristianos.

Pero algunos podrían ir más allá e insistir en que, incluso para aquellos que
no se sienten tentados al pecado por el sexo en la pantalla, está mal ver a los
actores en el proceso de hacer cosas que son pecaminosas en sí mismas. (Se
ha hecho el mismo punto con respecto al uso de lenguaje malsano o
blasfemo en los guiones de películas). Concedo que algunas escenas de amor
en las películas cruzan esa línea de ser "pecadores en sí mismos". Es cierto
que, para los actores y actrices involucrados, el sexo en la pantalla no es muy
"sexy". El rodaje de estas escenas se realiza poco a poco, con todo tipo de
intrusiones técnicas y, por lo general, sin contacto genital real. Aún así, si
estuviera casado con una actriz que optara por participar públicamente en
besos profundos y relaciones sexuales simuladas con un tercero, me
consideraría violada. En mi opinión, esa es una visión bíblica del asunto.
Así que algunas películas de sexo son ciertamente pecaminosas en sí
mismas. Y uno no puede, ciertamente, justificar observar el pecado por sí
mismo. No iría a una película con el propósito de ver a un actor y una actriz
en una escena de sexo desnudo (por lo tanto, evito las películas “XXX”),
como tampoco saldría a caminar por el parque para espiar a los niños que
hacen el amor detrás de la arbustos. Por otro lado, no me mantendría alejado
del parque por temor a que pudiera observar algún sexo ilícito. Del mismo
modo, si los actores de cine desean cometer un pecado ante la cámara, esa
es su responsabilidad. No creo que cometo pecado cuando yo, en el curso
normal de mis actividades culturales, observo lo que ellos, sin consultarme,
han elegido hacer en público.

(3) "Las películas modernas promueven, de manera muy eficaz, una filosofía
de vida no cristiana". Esto es cierto, y es el más profundo de todos los
argumentos contra la asistencia cristiana al cine. El sexo, el lenguaje soez y
la violencia son elementos incidentales en el cine, pero la visión del mundo y
de la vida no cristiana suele ser la esencia. Esa visión del mundo hace más
daño en la sociedad que cualquier representación cinematográfica de sexo,
violencia y lenguaje impío. De hecho, esa visión del mundo es lo que hace
que el sexo, la violencia y el lenguaje en las películas sean malsanos, en
contraste con las descripciones bíblicas de tales cosas.

Pero nuevamente, la perspectiva está en orden. La filosofía no cristiana ha

dominado las artes y la cultura en general durante los últimos tres
siglos. Para evitar la exposición a valores y visiones del mundo no cristianos,
tendríamos que evitar la exposición a Mozart y Beethoven, Emerson y
Thoreau, Hume y Kant, Paine y Jefferson, DW Griffith y Charlie Chaplin, etc.,
sin mencionar a Platón. , Aristóteles, Sófocles, Eurípides, Cicerón y otros
antiguos. Tendemos a descartar a los exponentes más antiguos de los
valores no cristianos, viéndolos con el halo que viene con una larga
aceptación cultural. Por esa razón, estos pensadores más viejos son a
menudo más peligrosos que los que son más contemporáneos y más
obviamente anticristianos. De hecho, por razones similares, debemos tener
cuidado con las películas con clasificación G tanto como con las películas
con clasificación R y X. Sí, limitemos nuestra exposición a todas estas
influencias;

(4) "No debemos dar nuestro dinero a una industria que fomenta la
inmoralidad y la incredulidad". Las Escrituras no requieren que los creyentes
apoyen solo industrias e instituciones que son moral y religiosamente
puras. Jesús enseñó a sus discípulos a pagar impuestos al César, impuestos
que apoyaban el culto al emperador, entre otras cosas. Pablo les enseñó a
los corintios a comprar comida en el mercado sin preguntar si se la había
ofrecido a los ídolos o no. Las Escrituras son lo suficientemente realistas
como para saber que si tuviéramos que preguntar sobre la religión o la moral
de cada comerciante antes de hacer negocios con él, no podríamos comprar
nada.

No creo que esté mal que los cristianos boicoteen industrias que creen que
están haciendo daño social y / o religioso en el mundo. Ciertamente son
libres de negar su apoyo económico a esas industrias. Por otro lado, no creo
que la Escritura @UN (nos exija) boicotear tales organizaciones. Realmente
no podríamos hacer eso en todos los casos sin aislarnos completamente del
mundo.

Por lo tanto, concluiría que una cantidad moderada de ir al cine es legítima

para la mayoría de los cristianos. No creo que debamos avergonzarnos de
eso o incluso de disfrutarlo. La moderación, por supuesto, requiere una
cuidadosa reflexión sobre las prioridades. Incluso las actividades que son
buenas en sí mismas pueden volverse incorrectas si desplazan de nuestra
vida las cosas que son más importantes. Cada uno de nosotros necesita
hacer un autoexamen en esta área. Las opciones sobre la exposición al
entretenimiento y la cultura no son neutrales desde el punto de vista
religioso. Pero aquellos que son conscientes de agradar a Dios y guardar sus
mandamientos no necesitan sentirse culpables por la asistencia moderada al
cine.

Capítulo 2: Cine y cultura

Harvie Conn ha descrito el cine como un "espejo cultural", un reflejo valioso

de las actitudes, filosofías, valores y estilos de vida contemporáneos. Otros,
como Michael Medved, han puesto más énfasis en la idea del cine
como formador de cultura.

Como yo lo veo, ambos énfasis son ciertos. La relación entre cine y cultura
es la del huevo y la gallina. El cine es, por supuesto, un producto de la cultura,
ya que los creadores de películas son personas de su propio tiempo. Por otro
lado, dentro de su propia cultura, los cineastas suelen ser atípicos. Tienden a
ser más liberales políticamente, menos inclinados a practicar la religión, más
abiertos a actitudes y movimientos sociales radicales, que la población en
general. Por lo tanto, sus películas tienden a apoyar el radicalismo y subvertir
los valores tradicionales, especialmente los cristianos. Cuando esos
cineastas responden a las críticas sobre el contenido de sus películas
diciendo “solo estamos reflejando la cultura más amplia”, están siendo
ingenuos o deshonestos. En la cultura más amplia, hay mucho más interés
en la religión, mucha más integridad familiar,

En cualquier caso, cuando vamos al cine es importante llevarnos algo de

comprensión de lo que está sucediendo en la cultura general: tanto lo que
se considera “tradicional” como lo que se considera “vanguardista”.

No se puede resumir adecuadamente la situación cultural actual en un breve

ensayo, pero ofreceré un resumen aquí simplemente para mostrar al lector
de dónde vengo en mis reseñas. Como yo lo veo, la cultura occidental se ha
movido en los últimos trescientos años de una época de dominio cristiano a
una época de dominio secular anticristiano. Incluso hoy, sin embargo, existe
en la cultura occidental bastante “capital cristiano prestado” y, de vez en
cuando, la enseñanza cristiana se escucha con respeto.

Es posible sobreestimar el papel del liberalismo secular en la sociedad

contemporánea. A partir de las representaciones de la década de 1960 en los
medios de comunicación populares, especialmente en el cine, uno da la
impresión de que todos en los Estados Unidos estaban "abandonando",
tomando drogas, protestando por la guerra, apoyando causas radicales de
izquierda. Quizás eso es lo que estaban haciendo la mayoría de los cineastas
y sus amigos. Pero la mayoría de los estadounidenses estaban hartos de
todas las protestas, las drogas y los pomposos jóvenes
moralizadores. Eligieron presidente a Richard Nixon en 1968, y lo reeligieron
abrumadoramente en 1972, contra George McGovern, quien era la voz de la
izquierda radical. Podría decirse que la población continuó moviéndose hacia
la derecha durante la década de 1970, lo que resultó en la elección de Ronald
Reagan en 1980 y 1984. Durante los últimos treinta años, los únicos
presidentes elegidos por los demócratas fueron hombres que persuadieron
al electorado de su moderación. Los liberales abiertos, McGovern, Mondale y
Dukakis fueron derrotados rotundamente.

Las ideas liberales, por lo tanto, no son tan dominantes dentro de la cultura
general como lo son en la prensa, los medios educativos y de
entretenimiento. Aún así, dejan su huella de manera importante, en gran
parte porque estos medios, junto con la influencia del gobierno, tienen
mucho poder.

Hoy, el enfoque del movimiento liberal se puede resumir en el

término igualdad . Ese movimiento enfatiza especialmente, de manera cuasi
marxista, la igualdad entre hombres y mujeres, entre razas, culturas,
religiones, entre ricos y pobres.

El cristianismo también respalda la igualdad de todas las personas ante la ley

divina y humana. Dios no hace acepción de personas, y la ley humana no
debe dar preferencia a las personas por motivos de riqueza, género o
raza. Pero el consenso liberal respalda formas de igualdad no bíblicas: roles
idénticos para hombres y mujeres, abolición de cualquier “brecha” entre
ricos y pobres, eliminación de cualquier sanción moral contra la
homosexualidad. En última instancia, la igualdad liberal equivale al
relativismo moral. Pero es un relativismo moral que se vuelve muy
dogmático, muy no relativista, al afirmar su propio igualitarismo. Cualquiera
que no esté de acuerdo, que no sea "políticamente correcto", debe ser
difamado y excluido de la sociedad educada.

El Dios de la Biblia trata a las personas por igual en algunos aspectos, pero,
en otros aspectos, es el gran divisor. Separa a los justos de los malvados en
sus terribles juicios. Establece límites morales no relativos para las criaturas
al revelar su ley. No tiene ningún interés en abolir las diferencias económicas
entre las personas de este mundo. Establece instituciones de la familia, el
estado y la iglesia, y otorga a diferentes personas diferentes roles dentro de
estas instituciones: esposo / esposa / hijo, magistrado / ciudadano, anciano /
miembro.

El Dios bíblico puede elegir entre las personas, porque es una persona . Un
distintivo de la personalidad es la elección racional. El problema con el
liberalismo secular es que ha abandonado la fe en el Dios personal de la
Biblia. Desde el punto de vista secular, las características más últimas del
universo son impersonales, no personales. Pero una fuerza impersonal no
puede tomar decisiones. Debe actuar sobre todas las demás realidades por
igual. Una corriente eléctrica descargará cualquier cosa o persona que se
encuentre con ella. Pero una persona puede elegir cómo responderá a otras
personas y objetos en su entorno.
El rechazo del Dios personal de las Escrituras trae inevitablemente el
universalismo: o todos se salvan o todos se pierden. Y trae igualitarismo.

El lado moral relativista del liberalismo secular se deriva del hecho de que,
como señaló Dostoievski, si Dios no existe, todo está permitido. Pero tal
permisividad universal es una receta para el caos, una que incluso los
secularistas no pueden aceptar fácilmente. De esta manera buscan
reemplazar a Dios con otro supuesto absoluto. (Las Escrituras llaman a este
proceso “idolatría”). Ese absoluto es, en la mayoría de los casos, su propio
juicio moral autónomo. De ahí el lado "dogmático" del secularismo. Pero
cuando ese dogmatismo fracasa, cuando el propio juicio de los secularistas
resulta indigno de confianza, vuelven al relativismo: “Oh, bueno; nadie lo
sabe realmente ". Relativismo y dogmatismo: son la Escila y Caribdis del
liberalismo secular. Estrictamente, estos son incompatibles entre sí. Pero se
complementan y se necesitan mutuamente.

Cornelius Van Til llama relativismo y dogmatismo con los términos

“irracionalismo” y “racionalismo” respectivamente, relacionando así estos
temas con las preocupaciones tradicionales de la epistemología filosófica, la
teoría del conocimiento. Os Guinness en El polvo de la muerte los describe
como "pesimismo" y "optimismo", relacionando así estos motivos con
actitudes prácticas. Es importante, especialmente en el contexto del cine,
que no veamos estos temas solo como elementos de una visión teórica del
mundo o un sistema ético, sino que los veamos como actitudes que afectan
a todas las áreas de la vida humana. Porque si alguien ha adoptado una ética
relativista, es probable que esa persona se desespere, “pesimismo” cuando
se trata de tomar decisiones en cualquier área de la vida. Ha rechazado a
Dios, la fuente de todo significado. ¿Qué base puede tener para el
optimismo? Por otro lado, puede convertirse en un secularista dogmático en
lugar de relativista, aunque sean dos caras de la misma moneda. Entonces
bien puede ser optimista; pero será una falsa esperanza.

En las películas, entonces, debemos tener en cuenta la presencia tanto del

relativismo moral como del dogmatismo secular. Pero también podemos
encontrar en las películas huellas, a veces más que huellas, de ideas cristianas
que, a pesar de la resistencia actual tanto de la cultura general como de la
industria cinematográfica, han logrado imponerse. Uno encontrará grandes
elementos de enseñanza y valores cristianos en historias antiguas
ambientadas en películas modernas: obras de Shakespeare, leyendas
medievales, etc. Y también encontrará películas de concepción reciente
donde los valores cristianos son prominentes. “Chariots of Fire”, “Tender
Mercies” y “A Trip to Bountiful” son películas recientes que, si bien no son
distintivamente cristianas en todos los sentidos, presentan sin embargo
ideas distintivamente cristianas bajo una luz favorable. A veces, uno
encuentra temas y simbolismos cristianos en películas, incluso películas que
en sí mismas no apoyan los valores cristianos. Los cristianos deben estar
preparados para sorprenderse cuando asisten a películas, y no solo
negativamente.

A veces es fácil explicar estos elementos auténticamente cristianos de las

películas, por las convicciones cristianas de un escritor, director u otro
miembro (s) del equipo de realizadores. Otras veces no es fácil de explicar. A
veces parece que los cineastas no cristianos no pudieron superar la fuerza
dramática, intelectual y moral de la revelación cristiana y, por una vez,
dejaron que se saliera con la suya.

En mis reseñas, mientras trato de resaltar los “mensajes” de los cineastas,

me enfocaré en los temas de igualdad, relativismo e idolatría dogmática. Y
también destacaré aquellos elementos en los que creo que la palabra de Dios
ha superado la resistencia cultural para pronunciar su pieza cinematográfica.

Capítulo 3: Preguntas para hacer sobre películas

En mi discusión sobre el cine y la cultura, identifiqué el impulso general del

liberalismo secular moderno y su antítesis con el cristianismo. Mis reseñas
tratarán esos temas en general. Aquí deseo ser un poco más específico. Lo
que sigue son algunas preguntas que siempre tengo en mente cuando voy
al cine. Recomendaría que otros espectadores cristianos hagan las mismas
preguntas. No revisaré esta lista completa en cada revisión; Solo hablaré de
los que creo que son más importantes para la película en particular.

1. ¿Quién escribió la película? ¿Quién lo produjo? ¿Quien lo

dirigió? ¿Conocemos a través de los escritos y trabajos previos de estas
personas algo sobre su filosofía de vida? Los trabajos previos de los actores
también son importantes. Los actores contribuyen mucho a la calidad de una
película, poco a su concepción fundamental. Pero los actores tienden a
firmar proyectos con los que tienen cierta afinidad ideológica (asumiendo
que las recompensas financieras no sean determinantes de otra
manera). Mel Gibson casi nunca toma películas con un fuerte componente
sexual; Mickey Rourke casi siempre lo hace. La presencia de ciertos actores,
admitiendo que a veces van “en contra del tipo”, puede decirte algo sobre el
mensaje de una película.

2. ¿Está bien hecho, estéticamente? ¿Son los valores de producción y

actuación de alta calidad? Estos factores pueden tener poco que ver con el
"mensaje". Pero tienden a determinar el alcance del impacto cultural de la
película, y eso es importante para nuestros propósitos. Si una película está
bien hecha, puede tener un gran impacto en la cultura para bien o para
mal. (¡Por supuesto que algunas películas malas también tienen un gran
impacto!)

3. ¿Es honesto, fiel a su propia posición? Esta es otra marca de "calidad". En

términos generales, una película honesta, independientemente de su punto
de vista, tendrá un impacto cultural mayor que una que embute sus puntos.

4. ¿Qué tipo de película es? ¿Fantasía? ¿Biografía? ¿Drama

realista? ¿Comedia? Obviamente, cada película debe ser juzgada según su
propósito y género. No exigimos de una fantasía el tipo de precisión histórica
que exigimos de una biografía supuestamente literal.

5. ¿Cuál es la cosmovisión de la película? ¿Es teísta o ateo? ¿Cristiano o no

cristiano? Si no es cristiano, ¿su principal impulso es relativista o
dogmático? ¿Cómo emplea el tema de la "igualdad"? ¿Hay algún papel para
la providencia, para Dios? ¿Es la película pesimista u optimista? ¿La acción se
mueve de manera determinista o hay un papel significativo para la elección
humana?

6. ¿Cuál es la trama? ¿Qué problemas enfrentan los personajes? ¿Pueden

estos problemas estar correlacionados de alguna manera con la caída de la
humanidad en Adán? ¿La película, en efecto, niega la Caída o la afirma de
alguna manera?

7. ¿Son los problemas solubles? ¿Si es así, cómo? ¿Qué métodos están
disponibles para los personajes para que puedan encontrar las respuestas
que necesitan?

8. ¿Cuál es la postura moral de la película? ¿Es la película relativista,

dogmática o ambas en alguna combinación? ¿Cuáles son sus actitudes hacia
el sexo, la familia, la vida humana, la propiedad, la verdad, las actitudes del
corazón? ¿Cuál es la fuente de las normas morales, si las hay? ¿Prevalece la
justicia?

9. En la comedia, ¿qué es lo gracioso? ¿Cuáles son las incongruencias

típicas? ¿Quién es el blanco de las bromas? (¿Cristianos? ¿Valores
tradicionales? ¿Los malvados? ¿Los justos? ¿Dios? ¿Satanás?) ¿Es el humor
anárquico? ¿Es la racionalidad que salió mal? ¿Es amargo o suave? ¿Se basa
en caricaturas? Si es así, ¿de quién?

10. ¿Hay alusiones a hechos históricos, obras literarias, otras películas,

personajes famosos, Escritura, etc. que nos den una idea de dónde vienen
los realizadores? Debemos recordar, por supuesto, que las alusiones pueden
ser negativas, positivas, irónicas o meramente decorativas. Una alusión
bíblica no necesariamente indica la aceptación de los valores bíblicos.

11. ¿Cuáles son las imágenes principales de la película? ¿Hay algo interesante
sobre la iluminación, los ángulos de la cámara, el sonido, la sincronización
que reforzaría un tema en particular? ¿Hay símbolos significativos?

12. ¿Hay temas religiosos explícitos? ¿Figuras de Cristo? 1 ¿Expresa la

película actitudes significativas hacia Cristo, el clero o la iglesia? ¿Distorsiona
el cristianismo o lo presenta en su peor momento? ¿O lo presenta con cierta
comprensión y / o simpatía? ¿Reconoce el elemento de piedad personal en la
vida de las personas? 2 Hay excepciones. Si es así, ¿lo aprueba o
desaprueba? ¿Qué pasa con Satanás, los demonios, lo oculto? ¿La película
reconoce su actividad de alguna manera? ¿Se toma al diablo en serio? Si es
así, ¿cómo se trata? _

1 El “ET” de Steven Spielberg es, creo, una figura de Cristo genuina: recuerda
los temas de la preexistencia, el crecimiento, la enseñanza, el milagro, la
curación, la muerte, la resurrección, la ascensión. Spielberg negó este
paralelismo, pero en mi opinión está objetivamente ahí, incluso si Spielberg
no era consciente de ello. La razón es que la mente humana necesita un
evangelio como el del Nuevo Testamento. Aquellos que no aceptan ese
evangelio a menudo otorgan instintivamente a sus invenciones idólatras
poderes paralelos a los de Cristo.
2 El personaje de Frank Burns en el M * A * S * H original era un tipo piadoso
que se arrodillaba para orar junto a su cama, ante el desprecio de sus
compañeros soldados. Finalmente, resultó que era un adúltero e
hipócrita. Eso es bastante típico de la forma en que Hollywood retrata la
piedad cristiana.

Un mundo perfecto

Red Garnett ………. Clint Eastwood

Butch Haynes ……… Kevin Costner

Sally Gerber ……… Laura Dern

Phillip Perry …… .. TJ Lowther

Terry Pugh ……… .. Keith Szarabajka

Tom Adler ………… Leo Burmester

Bobby Lee ………… Bradley Whiteford

Warner Bros. presenta una película dirigida por Clint Eastwood. Producida
por Mark Johnson y David Valdes. Escrito por John Lee Hancock. Fotografiado
por Jack N. Green. Editado por Joel Cox. Música de Lennie Niehaus. Duración:
136 minutos. Clasificados: PG-13 (en apelación por violencia, contenido
sexual y lenguaje).

Algunos críticos se han entusiasmado con esta película, el primer proyecto

como director de Clint Eastwood desde "Unforgiven". Como la película
anterior, esta enfatiza la ambigüedad moral: lo bueno en el peor de nosotros
y lo malo en el mejor. Sin embargo, no me impresionó tanto este esfuerzo.

Butch Haynes, interpretado por Kevin Costner, es un tipo que ha tenido una
infancia podrida y ha pasado la mayor parte de sus últimos años en la
cárcel. Se escapa de la cárcel con un compañero de prisión y (principalmente
debido a la locura de su colega) termina con un rehén de ocho años. La madre
del niño es testigo de Jehová, que nunca le ha permitido ir a pedir dulces en
Halloween, celebrar la Navidad o ir a carnavales o ferias. Nunca ha comido
algodón de azúcar. Comprensiblemente se ha desarrollado como un joven
tímido, no muy a gusto en público. Su verdadero padre dejó a la familia años
antes.

Cuando el compañero de fuga de Costner intenta abusar del niño, Costner

lo mata y deja su cuerpo en un campo de maíz. Luego, él y el niño se van
juntos, perseguidos por los Texas Rangers encabezados por el personaje de
Clint Eastwood, Red Garnett. Haynes se convierte en padre sustituto de
"Buzz", como llama al niño. Él le enseña por experiencia todas las cosas de
las que su madre lo protegió: armas, autos, sexo, truco o trato.

Garnett, de Eastwood, siente la culpa de haber enviado al joven Butch a una

prisión para menores hace años, aunque tenía bastante razón para
hacerlo. Butch aprendió allí cómo ser un criminal y nunca pudo ser otra cosa.

La historia llega a su clímax cuando Haynes y Buzz reciben hospitalidad en la

casa de un granjero negro. El granjero abofetea a su propio niño y Haynes se
enoja tanto que casi lo mata. Para evitar que haga esto, Buzz dispara a
Haynes y huye; pero finalmente el niño llega a reconocer lo mucho que ama
a su secuestrador. Con el tiempo, Butch es asesinado por un francotirador
de la policía tonto pero imperioso que piensa erróneamente que Butch está
armado. Buzz vuelve con su mamá pero, imaginamos, nunca volverá a ser el
mismo.

Aquí hay elementos de la trama de rutina: fuga de la cárcel, secuestro,

persecuciones de automóviles, trabajo de detective, amistad creciente entre
el secuestrador y la víctima. Pero la película minimiza estos elementos a favor
de las relaciones personales. Se trata esencialmente de padres (biológicos y
sustitutos) e hijos: Haynes y su padre podrido, Buzz y el suyo, Haynes y Buzz,
Garnett y Haynes, el aparcero negro y su hijo. La crueldad hacia los niños es
lo único que Haynes no puede soportar. Es decir, se nos dice en efecto, lo
que lo provoca a sus actos más violentos. Pero como padre sustituto de
Buzz, gana cierta nobleza, según la película.

Sin embargo, como cristiano, me resistí a los valores de la película. No

comentaré sobre las diferencias teológicas entre el culto de los testigos de
Jehová y la ortodoxia cristiana, aunque hay muchas. Tampoco expondré la
diferencia entre el legalismo evidente de la madre de Buzz y la ética de las
Escrituras, aunque también se podría decir mucho sobre eso. Hollywood no
sabe nada de tales distinciones. Para esta película, los testigos de Jehová son
malos, no porque sean heréticos o legalistas, sino porque defienden valores
“rectos”, en contra de los valores de Hollywood y la cultura moderna. En este
sentido, tendré que ponerme del lado de los Testigos. La madre de Buzz está
tratando de resistir la marea de la decadencia. A pesar de toda su herejía y
legalismo, está tratando de proteger a su hijo del mundo. Haynes está
tratando, esencialmente, de deshacer eso. La película se pone del lado de
Haynes; Yo no.

Por lo tanto, a pesar de todos los intentos de la película de profundidad moral

(es decir, reconocer la ambigüedad moral), la mayoría me dejó frío. Butch
Haynes es un asesino y un ladrón. ¿Debe ser excusado por su mala
educación? ¿Se redime despertando los instintos egoístas de Buzz? No en mi
libro. Por supuesto, es difícil no simpatizar con ningún personaje
interpretado por Kevin Costner. Todos sus movimientos (en todas sus
películas) proclaman que es un buen tipo. Pero la elección de Costner para
este papel es parte de la propaganda de la película. Prácticamente nos
ordena simpatizar con Haynes. ¿Podemos resistir esa orden? Otra razón más
para no dejar tus facultades críticas en casa cuando vas al cine.

Un río corre a través de él

Este es un guión de Horton Foote de una novela sobre un ministro

presbiteriano y sus dos hijos que vivían en Montana a principios del siglo
XX. Foote también escribió “Tender Mercies” y “A Trip to Bountiful”, dos
películas alabadas en los círculos cristianos por su tratamiento comprensivo
de las convicciones cristianas (un bien escaso en películas
recientes). También aquí la familia religiosa es vista con simpatía. Pero en
esta película el padre es un pastor bastante liberal, o eso indican sus
sermones. Aunque el pastor habló con cierta elocuencia sobre la vida
humana, no escuché nada en su predicación ni en ningún otro lugar que me
recordara el evangelio bíblico. Debemos recordar el argumento de J. Gresham
Machen de que el liberalismo y el cristianismo son dos religiones diferentes
y antitéticas.

En cualquier caso, el pastor también es un experto pescador con mosca y, se

nos dice en la introducción, en su familia era difícil trazar la línea divisoria
entre la teología y la pesca. También era un alumno en casa. Lo vemos
contando a sus muchachos los matices de la escritura. (“Ahora inténtelo de
nuevo, pero hágalo la mitad de largo”). Y les enseñó a pescar.

El hijo mayor fue a la universidad y finalmente se convirtió en profesor de

inglés. El más joven se quedó en casa y se convirtió en periodista. Como la
literatura actual sobre el orden de nacimiento le haría creer, el hijo menor es
algo menos “responsable” que el mayor. (Escribo como primer hermano.) Se
emborracha mucho, juega, sale con una mujer de la raza equivocada, y
finalmente se mata.

Pero poco antes de su muerte, vuelve a pescar, con su papá y su hermano

mayor. Mientras los mayores lo miran, asombrados, interpreta a un pez con
una habilidad que saca del guión el lenguaje de la inspiración divina. Para los
tres, es un momento de inexplicable belleza y asombro.

El misticismo del momento se queda con el hijo mayor, y al final de la película,

después de muchos años, se para junto al río y recuerda aquellos tiempos. Ve
a toda la gente, todos los tiempos y lugares reunidos en un solo flujo, "y un
río lo atraviesa".

La teología de la película, por lo tanto, se revela monista: todo es uno. El

hermano está muerto, pero está vivo en la memoria. En su momento de
gloria, ascendió a un nivel superior de ser, y con el tiempo todos seremos
parte de él y él parte de nosotros. La disipación y muerte del niño, en última
instancia, no tienen importancia.

Bueno, eso es lo que a mucha gente le gustaría creer hoy. Está muy lejos del
cristianismo; de hecho, es la némesis misma del cristianismo, que mantiene
distinciones entre Dios y el hombre, entre un ser humano y otro, entre el bien
y el mal, entre la pesca y la teología, entre la muerte y la vida. ¿Realmente
queremos creer que una vida de disipación puede compensarse con una hábil
pesca? Me doy cuenta de que esa pregunta trivializa bastante la película, que
en muchos sentidos es hermosa y reflexiva. Pero no aceptemos simplemente
el efecto fascinante que esta película busca producir en
nosotros. Preguntémonos qué es lo que se nos está enseñando y
escuchémoslo, no como parte del “fluir”, sino con una consideración
cristiana que no teme cuestionar un drama tan seductor como este.

Valores de la familia Addams

Morticia ………. Anjelica Huston

Gómez …………. Raúl Julia

Fester ………… Christopher Lloyd

Abuela ………… Carol Kane

Miércoles ……… Christina Ricci

Pugsley ……… .. Jimmy Workman

Debbie Jelinsky… Joan Cusack

Traqueteo …………. Carel Struycken

Paramount presenta una película dirigida por Barry Sonnenfeld. Producida

por Scott Rudin. Escrito por Paul Rudnick. Basado en personajes creados por
Charles Addams. Fotografiado por Donald Peterman. Editado por Arthur
Schmidt. Música de Mark Shaiman. Duración: 88 minutos. Clasificado: PG-13
(por humor macabro).

Esta es una película sobre asesinatos y lo oculto, que no se juega por el

horror, sino por las risas. Como comedia, esto es un tapón de corcho. El
guión y los gags visuales son tremendamente divertidos. Se mueve rápido,
sin cometer el error de muchas comedias que tardan una eternidad en armar
una mordaza solo para que se caiga. En esta película, las frases clave son
rápidas, a menudo en una sola palabra. Chica en el campamento de verano
al miércoles Addams: "¿Por qué estás vestida como si alguien hubiera
muerto?" Miércoles: "Espera". Observe las escenas con atención para
conocer los detalles, como el brebaje de las brujas hirviendo y humeando en
las bebidas del cóctel.

Las actuaciones son geniales: Raúl Julia como el nuevo Fernando Lamas /
Ricardo Montalbán / Cesar Romero, el estereotipado latin lover. Anjelica
Huston como Morticia, comunicando volúmenes con sus cejas. La química
entre ellos, especialmente su increíble número de baile, trascendió
el género . Disfruté especialmente de Christina Ricci, la joven actriz que
interpretó a su hija Wednesday. Interpretó el papel de manera tan directa,
tan sombría, que cada vez que rompía una sonrisa era muy graciosa.

La trama se desarrolla en tres direcciones: (1) el nuevo bebé de los Addams

y la rivalidad entre hermanos cómico-asesino de su hermana y su hermano,
(2) la experiencia de los niños mayores en el campamento de verano que
conduce a un Armageddon ardiente, (3) tío Fester (un Christopher Lloyd
irreconocible) se casa con una "viuda negra", una supuesta institutriz que se
casa con hombres ricos y luego se deshace de ellos en su luna de miel. (Su
descontento por no haber asesinado a Fester es maravilloso de contemplar).

Los cristianos bien pueden preguntarse si es legítimo que se rían de este tipo
de cosas. Después de todo, nos tomamos muy en serio cosas como los
asesinatos en masa y la brujería.

Algunos también han citado Proverbios 14: 9 en la traducción “Los necios se

burlan del pecado” para indicar que los cristianos nunca deben reírse de nada
malo. Sin embargo, la traducción de la NVI, "Los necios se burlan de
enmendar el pecado, pero la buena voluntad se encuentra entre los rectos"
es una posibilidad legítima y parece encajar mejor en el contexto. ¿Y
podemos olvidarnos por completo de los chistes que cuenta Jesús sobre los
ricos necios, los que cuelan mosquitos y cosas por el estilo?

Ahora bien, en un nivel, la risa sobre tales cosas no es difícil de justificar. Dios
se ríe de los malvados ( Salmo 2: 7 ), y una “perspectiva” de las Escrituras es
que el plan redentor de Dios es una gran broma sobre los malvados. La
sabiduría de Dios, necia para el mundo, hace que el mundo parezca necio ( I
Cor. 1 , 2 ). Pero en esta película en particular, los malvados ganan. De
hecho, los monstruos, asesinos y ghouls de Addams atraen la mayor parte
de la simpatía de la audiencia. (Las personas "heterosexuales" de la película
son horriblemente poco atractivas). ¿Deberíamos sentirnos avergonzados de
reírnos, por no hablar de animarlos?

La risa aquí se basa en la vieja premisa, común a

muchos dibujantes neoyorquinos , no solo al fallecido Charles Addams, de
que las personas famosas e infames deben tener algún tipo de vida hogareña
ordinaria: Napoleón sacando la basura, etc. Recuerdo una Nueva Caricatura
de Yorker en la que un rey con todo su atuendo entra en una sala de estar,
arroja su corona bellamente adornada con joyas en un perchero y dice
"cariño, estoy en casa". La yuxtaposición irónica entre su dignidad política y
su vida hogareña "típica" provoca risas. Los Addams son así: monstruos, sin
duda, pero con "valores familiares" que de alguna manera son "como tú y
yo".

Pero los cristianos saben mejor que la mayoría de las personas que la maldad
destruye la "vida familiar típica". La mayoría de los asesinos en masa son
"solitarios", como se nos dice una y otra vez en la prensa. Las brujas y los
demonios no suelen ser personas de "familia". Ir en contra del orden de Dios
en un área de la vida tiende a producir dislocaciones en otras áreas, y la
familia suele ser la primera en sufrir distorsiones. La familia es una institución
delicada. Su preservación requiere mucha atención a las leyes de Dios.

De modo que la idea de que los asesinos y las brujas tengan una vida familiar
típica estadounidense es aún más absurda para quienes conocen a
Cristo. Sabemos que no puede ser así. Así podemos divertirnos con la
fantasía. Es como un cerdo bailando tango. Es gracioso, porque simplemente
no sucede. Cuando los hijos mayores de Addams intentan varias veces matar
a su hermano pequeño, sabemos perfectamente bien que ninguna familia
real podría sobrevivir a la crisis. (Realza mi diversión al notar que si los
eventos de la película hubieran tenido lugar en California, los Servicios de
Protección Infantil habrían destrozado a la familia Addams diez minutos
después del primer carrete). Que la familia permanece unida y resuelve todo
el asunto con algo extraño. la racionalidad y los buenos sentimientos
satirizan nítidamente no sólo a los malvados, sino también al
establecimiento psiquiátrico, que exige la "aceptación" como
terapia. Cuando los niños de Addams queman su campamento de verano,
evidentemente destruyendo a la mayoría de los niños y consejeros en el
proceso, sabemos que en el mundo real serían enviados a un centro de
detención de menores. Pero ahí están en la siguiente escena, de vuelta en
casa, pasándola en grande.

El humor a menudo se basa en la discrepancia y el buen humor revela

importantes discrepancias en el mundo. La mayor discrepancia es entre el
orden creado por Dios (la familia) y el pecado humano (el estilo de vida de
los Addams). El humor que subraya esa discrepancia dice mucho de lo que
hay que decir en nuestro tiempo. “Los valores de la familia Addams”, aunque
no está informado por las Escrituras, reconoce lo absurdo de que la familia
coexista con la monstruosidad; por lo tanto, en cierto sentido, es una
película edificante. Creo que a Dios le agrada vernos reírnos de ello.
Pero no para vernos animarlos. Desafortunadamente, la gran comedia de
esta película es una especie de señuelo. Nos ofrece la risa apropiada según
las Escrituras para guiarnos hacia actitudes incorrectas según las
escrituras. Si bien un cristiano encontraría (o debería) la situación
completamente ridícula, los cineastas en realidad parecen tomarla en serio,
en cierto nivel. Para ellos, la "vida hogareña ordinaria" de los asesinos, ghouls
y vampiros no es solo una tontería irónica. Más bien, los Addams parecen ser
una especie de símbolo de todos esos grupos de la sociedad que son
incomprendidos y oprimidos. Esto es especialmente evidente en la aventura
del campamento de verano. El establecimiento del campo es la pesadilla de
un político liberal: ricos fanáticos de la WASP que exigen a todos los demás
rostros felices, disneyescos y sonrientes. Wednesday y Pugsley Addams, sin
embargo, se hacen amigos de judíos, negros y discapacitados, y vienen con
una "actitud". Por supuesto, según la película, son los únicos en el
campamento que tienen cerebro. Cuando el director del campamento
organiza un sensiblero desfile de Acción de Gracias, los Addams y sus amigos,
obligados a participar con trajes indígenas, lo convierten en una
manifestación por los derechos de los nativos americanos y, por lo tanto, en
una masacre. La película parece decir que todos los campistas de WASP
merecen morir porque no son políticamente correctos.

También hay al menos un indicio de apoyo a los derechos de los animales. En

el certamen, Pugsley aparece vestido como un pavo, cantando "cómeme",
"cómeme". A diferencia de los indios del miércoles, Pugsley sigue el guión del
director del campo WASP, que odia a todas las minorías y que, al escribir esta
canción, nos reunimos, también oprime a la población de pavos.

Entonces, por analogía, los Addams son solo otro grupo de víctimas. Son
como tú y yo, excepto que la sociedad los ha entendido mal. Seguro, los
niños intentan varias veces asesinar a su hermanito; pero en el fondo, sus
corazones son puros, porque defienden los reclamos de los nativos
americanos sobre el continente. De hecho: ¿quiénes se creen los
"heterosexuales" que le dicen a otras personas lo que debería ser una
"familia"? ¿No constituye una familia, en cierto modo, un grupo que convive
en el amor? (¿Dónde hemos oído eso antes?) ¿No tienen los Addams, después
de todo, “valores familiares” en el mejor sentido?

Supongo que los realizadores podrían reprendernos en este punto por

tomarnos todo demasiado en serio. Quizás incluso podrían argumentar que
la película es una sátira sobre la corrección política. Quizás sea así, hasta
cierto punto. De hecho, prefiero tomarlo así, porque como tal hace mejor
comedia. Pero no hay duda de que esta película está del lado de las brujas. En
las mejores comedias, los personajes principales de los cómics nunca son
escoria, nunca meros tontos, aunque algunos de los personajes secundarios
pueden serlo. De alguna manera, las figuras principales evocan la simpatía
del público. Piense en Chaplin, en el inspector Clouseau de Peter Sellers o en
Mickey Mouse. (Hay excepciones, como Frank Drebin de Leslie Nielsen en la
serie "Naked Gun". Pero si bien esa serie es bastante divertida, la mayoría de
nosotros no la incluiría entre las "grandes" comedias). Los realizadores
quieren que no solo nos reímos de los Addams, de hecho, no solo para
amarlos, sino también para admirarlos en algunos aspectos. Pero estos no
son, en general, candidatos a la admiración cristiana. Admito que defienden
sus convicciones y apoyan a sus electores, que consideran oprimidos; pero,
después de todo, Hitler también. Así que ten cuidado. Ríase, pero no deje sus
facultades críticas en la puerta.

Celebridad

Escrito y dirigido por Woody Allen

Vi Celebrity de Woody Allen , una película bastante lúgubre en cierto

nivel. Presentaba la línea habitual de Allen acerca de cómo todo pensamiento
intelectual, relaciones sociales, etc. es simplemente una búsqueda de todos
para obtener la mayor fama, dinero, emociones y sexo. Kenneth Branagh
interpreta a Woody Allen (evidentemente a Woody, el director, no le gustó
el intento de Branagh de imitar a su director; pero ¿quién más que un tipo
Woody podría decir las líneas escritas por Woody, el escritor?) Y pasa de una
mujer a otra. traicionando y siendo traicionado, absurdamente transparente
en sus motivaciones y tonto en sus halagos y racionalizaciones.

Pero también está la esposa del personaje de Branagh, a quien desecha al

comienzo de la película y que va en busca de ayuda de diversos tipos. Está la
Iglesia Católica Romana, pero los sacerdotes son tan banales como la
sociedad de Nueva York, a su manera. Ella también acude a un famoso
experto en cambios de imagen y finalmente se renueva. Uno espera que ella
termine en el mismo tipo de desesperación que el personaje de
Branagh. Pero a ella le va mejor. La diferencia es la gracia.
Un hombre, interpretado por Joe Mantegna, aparece en el consultorio de su
médico mientras ella hace planes para la transformación física. Pero
Mantegna dice que está bien tal como está. En contexto, parece una mentira
descarada. Ella no es atractiva en absoluto. Pero a medida que se involucra
con este hombre, notamos cambios, y no solo por el cambio de imagen.

Ella duda sobre el matrimonio, en un momento dejando a Mantegna en el

altar. Porque ella está "esperando que caiga el otro zapato". Este hombre
parece demasiado perfecto. Debe ser un asesino con hacha o algo así. Pero
ella habla con un adivino (!) Que le dice simplemente que confíe. Ella lo hace,
se casa y encuentra la felicidad. En retrospectiva, el personaje de Mantegna
parece ser un sustituto de Cristo. No le exige nada, le cambia la vida dándole
un respeto y un amor inmerecidos.

Jesús nos toma como somos, pero no nos dice que estemos perfectamente
bien, como somos. Más bien, nos muestra nuestros pecados y nos lleva por
el camino del arrepentimiento. No hay arrepentimiento en esta película, pero
hay algo como la gracia. Pero, ¿cómo puede funcionar la gracia sin
normas? Ésta es una cuestión teológica importante y también es una
cuestión en nuestras relaciones interpersonales.

Pero al menos la película admite que necesitamos ayuda, y que la ayuda debe
ser bastante fuera de lo común para satisfacer nuestra necesidad. La película
comienza y termina con un skywriter que escribe "AYUDA". Al final, el
personaje de Branagh observa la escritura (como parte de una película) y se
sienta aturdido. Solo su exmujer ha encontrado la ayuda por la que la película
clama al cielo.

Aturdido y confuso

Rosa ………… .. Jason London

Simone ………… Joey Lauren Adams

Michelle ………. milla Jovovich

Pickford ………. Shawn Andrews

Slater ………… Rory Cochrane

Mike ………… .. Adam Goldberg

Gramercy presenta una película escrita y dirigida por Richard

Linklater. Producida por James Jacks, Sean Daniel y Richard
Linklater. Fotografiado por Lee Daniel. Editado por Sandra Adair. Duración:
97 minutos. Clasificado: R (para uso generalizado y continuo de drogas y
alcohol entre adolescentes y lenguaje muy fuerte).

Esta película es una versión algo más oscura de "American Graffiti",

ambientada unos diez años después de esa película, en 1975. Una vez más,
es el último día de la escuela secundaria, y los niños lo están viviendo antes
de ir al mundo o al mundo. el próximo año escolar. Al igual que con "Graffiti",
hay mucho sexo, bebida y sexo. No recuerdo si los niños de "Graffiti"
fumaban marihuana, pero estos niños sí. Además, al igual que con "Graffiti",
hay muchas subtramas que se entretejen entre sí.

Quizás el más dominante (entre iguales) es la historia del mariscal de campo

del equipo de fútbol (potencialmente poderoso) del próximo año. Su
entrenador, presentado con cincuenta años de retraso, quiere que todo el
equipo firme la promesa de que no beberán, fumarán ni consumirán drogas
en todo el verano, por el bien del equipo. El gran momento, supuestamente,
es cuando el chico le devuelve la promesa a la cara del entrenador sin firmar
y le dice que aunque le gustaría jugar al fútbol, nunca firmará un documento
así. La película ve esto como su gran rito de iniciación, la afirmación de
autonomía del mariscal de campo.

La escuela tiene una tradición en la que los estudiantes de último año

golpean a los estudiantes de primer año que ingresan (niñas con niñas, niños
con niños). Se supone que hay mucha diversión con los mayores
persiguiendo el frosh y el frosh poniéndose a la par. Como alguien que solía
ser golpeado por niños más grandes cuando regresaba a casa de la escuela,
no encontré todo ese tema muy divertido, pero otros pueden verlo de
manera diferente. El proceso de "iniciación", sin embargo, es para estos niños
otro rito de iniciación. Después de que los chicos de último año remar a los
chicos de primer año a una pulgada de sus vidas, les presentan su mundo de
alcohol, chicas, marihuana, vandalismo, maldiciones, etc.
La película parece estar diciendo que este es el mundo correcto del que ser
parte. Los adultos que intentan restringir el acceso a él, especialmente el
entrenador, se presentan como demonios y reaccionarios imposibles. Los
niños que se unen a esa sociedad simplemente están haciendo lo que deben
hacer y nadie tiene derecho a decirles lo contrario. De hecho, lo heroico es
desafiar o engañar a los adultos heterosexuales tanto como sea posible.

No hay tragedias en esta película. Nadie muere de una sobredosis o un

accidente automovilístico. De hecho, hay muy poca trama. Es solo una parte
de la vida, bien dirigida y convincente en sus representaciones.

Pero el mensaje de la película es espantoso. Aparentemente, a los cineastas

nunca se les ocurre que los valores de autonomía y aceptación entre pares
que ellos idealizan aquí son los valores que han puesto en peligro nuestra
propia civilización. Tampoco ven nada malo en la sociedad adolescente que
racionaliza las drogas, la embriaguez, las peleas, el sexo libre y el odio al
mundo "heterosexual". Muchas películas de hoy han progresado más allá de
este punto de vista moral, aunque sin duda fue la dominante en los años
sesenta y setenta. Porque ahora es dolorosamente evidente que hay una
gran desventaja en este tipo de diversión para adolescentes. Pero esta
película es bastante complaciente con su sensibilidad de los sesenta con
respecto a los setenta. Alguien debería decirles a los realizadores de esta
película que ellos son los reaccionarios.

Hombre de demolición

Esta película, protagonizada por Sylvester Stallone, es algo más de lo que

sugiere su título (y los avances). Ciertamente es una película muy violenta,
con Stallone y Wesley Snipes derramando sangre y cuerpos por todo el
lugar. Pero también es una mirada bastante irónica a los posibles resultados
de las tendencias actuales.

La premisa es que a mediados de los 90, el nivel de violencia en Los Ángeles

supera incluso la tolerancia de los californianos relajados, y sucumben a los
planes de un aspirante a Mesías llamado Cocteau. Para la década de 2030,
ha establecido una sociedad donde se conoce el paradero de todos
(mediante un dispositivo electrónico implantado quirúrgicamente en sus
manos) y donde el comportamiento es monitoreado cuidadosamente. No
hay colesterol, grasa, carne, tóxicos, contaminación del aire, contaminación
acústica, fumar, armas. Debido al SIDA y otras enfermedades, no hay
relaciones sexuales, al menos no hay "intercambio de fluidos corporales". Te
dejo a ti que averigües qué hacen Stallone y su linda amiga policía en su
primera cita.

Cualquier cosa "mala para ti" es ilegal. El lenguaje inapropiado está

prohibido: cuando alguien dice blasfemias, una multa sale de una máquina
cercana quitando un "crédito". Por supuesto, no hay dinero; solo
transacciones electrónicas de “créditos” monitoreadas por el gobierno. Los
criminales son congelados y programados (mientras están congelados,
deduzco, aunque me parece difícil de creer) a través de electrodos colocados
en la cabeza, para aprender nuevas habilidades y hábitos. Todo el mundo
anda con disposiciones polyanés, al menos por fuera. Este es el estado niñera
definitivo.

Su esterilidad cultural está simbolizada por su música popular, que consiste

en jingles comerciales de los años 50 y 60, lo crea o no. Y debido a las
“guerras de franquicias”, ¡todos los restaurantes de la zona son Taco Bells!

Es comprensible que cuando Simon Phoenix, el personaje de Snipes, escapa

de su prisión de hielo y corre matando gente, la policía es incapaz de lidiar
con él. Nunca han visto violencia real y no tienen idea de cómo lidiar con
alguien tan bárbaro. Así liberan al personaje de Stallone, John Spartan, quien
detuvo a Phoenix en la década de 1990. Sly muestra a la policía cobarde
cómo luchar.

Resulta que la fuga de Phoenix en realidad fue organizada por Cocteau, quien
quiere que se oculte y mate al líder de lo que él considera un grupo
rebelde. En realidad, los rebeldes son gente sencilla, que atesoran sus
libertades y no quieren vivir en el Nuevo Orden de Cocteau. Les gustan sus
armas y su comida chatarra; les gusta maldecir. Desafortunadamente, tienen
dificultades para conseguir comida; la mayoría de las veces "tienen que"
robarlo del mundo de arriba. Así que de vez en cuando organizan redadas en
el Nuevo Orden. Esto irrita muchísimo a Cocteau, que envía a Phoenix a
deshacerse de ellos. Desafortunadamente para el plan, Phoenix mata a
Cocteau (entre muchos otros) y se pone a sí mismo en control de las cosas,
brevemente, hasta que Stallone lo alcanza. ¿Cómo pudo Cocteau haber sido
tan estúpido como para creer que podía controlar a ese perro rabioso
Phoenix? ¿Especialmente después de que programó a Phoenix en su cubo de
hielo para que fuera aún más malo que en 1995? Pero en este tipo de
películas, la lógica es un lujo.

Ya que estamos en el tema de la lógica, ¿qué pasó con la hija que Spartan
tenía que encontrar? Después del comienzo de la película, nunca volvemos a
saber de ella. Quizás decidieron salvarla para Demolition Man II.

Las persecuciones y la violencia son bastante largas y tediosas. No los tomo

muy en serio, ya que es principalmente coreografía, pero sospecho que
algunas personas pueden sentir náuseas.

Lo interesante, por supuesto, ya menudo muy divertido, es la sátira social. La

película toma como objetivos, como pocos lo han hecho, muchas nociones
liberales: "corrección política" y sus intentos de control del pensamiento,
ambientalismo extremo, activismo gubernamental, la tendencia de los
gobiernos liberales a "protegernos de nosotros mismos". La película se pone
en contra de todo esto y está a favor de la gente sencilla que ama la libertad.

Pero en mi opinión, la gente sencilla, aunque se presenta como gente mucho

más atractiva, no es mucho mejor que la pandilla New Order. Su objetivo es
la autonomía. No quieren recibir órdenes de nadie, y la libertad que quieren
es disparar armas, maldecir, fumar, escuchar música rock y robar. Creo que
si viviera entre ellos, el Nuevo Orden me parecería bastante atractivo.

Así que la película presenta dos alternativas: liberalismo extremo y

libertarismo secular. Más o menos. Los “liberales” extremos también
prohíben el aborto; pero ¿no sabían los realizadores que existe una gran
diferencia entre la mentalidad anti-aborto y la mentalidad que dice "lo que es
malo para ti es ilegal?"

Al final, con Cocteau y Phoenix fuera de escena, Stallone reúne a

representantes de los dos grupos y les dice que encuentren un término
medio feliz en alguna parte. ¿Pero es esa la respuesta para la sociedad? ¿Un
medio feliz entre el totalitarismo y la anarquía? Esas parecen ser las
alternativas aparte de los estándares cristianos. El valor de la película es
dejarlo claro.

Aparte de la revelación bíblica, ¿cómo puede alguien determinar dónde

terminan las prerrogativas del gobierno y comienzan los derechos del
individuo? La dificultad de esta pregunta presiona a los teóricos políticos
seculares hacia los extremos del totalitarismo y la anarquía. Sin embargo, la
Escritura coloca tanto al gobierno como al individuo bajo Dios y establece
los límites para ambos. Sin él, la feliz sociedad de Stallone parece destinada
a caer nuevamente en el caos o la tiranía. Y eso sin duda preparará el
escenario para la secuela.

Diario de una mujer negra loca

Fui a ver El diario de una mujer negra loca, que era una película
profundamente cristiana. No habría tenido esa impresión de ninguno de los
críticos. No fue realmente fácil, y me encogí ante algunas cosas que la
película parece aprobar. Pero en general, fue un sabor memorable del
cristianismo afroamericano.

La heroína, interpretada por Kimberly Elise, es tratada muy mal por su esposo
abogado, echada de la casa sin nada, viendo a su rival desplazarla. Por
supuesto que está enojada con el mundo, le resulta difícil confiar en nadie,
especialmente en los hombres. Pero un hombre entra en su vida, un hombre
que es tan absolutamente perfecto que me estremecí; pero quizás,
pensándolo bien, sea una figura de Cristo. La corteja con total gentileza y
comprensión, y cuando comienzan a besarse y acostarse juntos, no hay sexo,
solo "intimidad". En este punto, ella renuncia a su antigua vida, le permite a
su esposo tomar todo en el acuerdo de divorcio.

Pero luego el marido es paralizado por uno de sus clientes, y la heroína vuelve
con él, lo atormenta un poco (después de que su novia lo ha dejado), pero
finalmente lo nutre hasta que recupera la salud. Hay una escena notable en
un servicio de la iglesia en la que el marido deja las muletas y se resuelve otra
trama secundaria. Todos cantan alabanzas a Jesús y luego van a cenar a casa
de la abuela. (La abuela es un personaje cómico, interpretado por el director
Tyler Perry en drag.) Luego, la heroína presenta los papeles del divorcio a su
esposo y corre para reunirse con el pretendiente de la figura de Cristo.

Para un cristiano, debería haber problemas con la actitud de la película hacia

el divorcio y con parte del lenguaje. Pero el nombre del Señor se usa muy a
menudo, no en vano. Todos en la película (excepto la abuela profana y su
hermano) profesan ser cristianos, y eventualmente todos se reconcilian
tanto como uno pueda imaginar.

Abril encantada

Es una película inglesa maravillosa. Los ingleses suelen tener una gran
facilidad para presentar relatos de lo absolutamente inesperado, con total
credibilidad. “Abril encantado” es un buen ejemplo.

Dos mujeres de matrimonios disfuncionales deciden ir de vacaciones juntas

a una villa italiana. Allí conocen a dos mujeres más: una hermosa modelo, que
huye de su celebridad, y una mujer mayor cascarrabias que recuerda su
juventud entre la gente de la cultura.

Finalmente, llegan los maridos de las dos primeras mujeres y estamos

preparados para lo habitual de las películas: peleas furiosas entre cónyuges
y juegos sexuales. De hecho, la película prepara a la audiencia con todas las
premisas de la farsa sexual: ambos hombres se sienten atraídos por el modelo
glamoroso y hay mucha discusión sobre quién dormirá dónde. Esperamos
que haya mucha farsa en la noche, mientras los hombres persiguen a la mujer
bonita.

Sin embargo, lo que sucede es completamente diferente y

sorprendentemente maravilloso. Ambos matrimonios se reparan y las
mujeres solteras renacen, por así decirlo. Con la ayuda de su esposa, uno de
los hombres establece un valioso contacto comercial, de tal manera que llega
a apreciar nuevamente lo que su esposa significa para él. Al final, todos están
felices; todos han aprendido a ver la vida de manera diferente. Tampoco
sucede de formas obviamente "inventadas" por cineastas sensibles. Más
bien, el desarrollo es completamente creíble tanto en el guión como en la
interpretación.

No es una película cristiana, en particular. Pero honra muchas cosas

importantes para los cristianos: el matrimonio, las bellezas de la creación, la
reconciliación, el amor, la compasión intergeneracional. Torce, quizás incluso
satiriza, las convenciones de la farsa sexual de Hollywood. Uno espera en las
películas ver a los libertinos riéndose de los "heterosexuales". Aquí son los
heterosexuales los que ríen por última vez.
Ethan Frome

Protagonizada por Liam Neeson

Basada en la novela de Edith Wharton. Ethan es un joven de Nueva Inglaterra

robusto y prometedor, cuyas ambiciones se ven frustradas por la enfermedad
y la muerte de su madre. Después de la muerte de su madre, se casa con una
prima lejana que ha estado atendiendo las necesidades de su madre. Luego,
ella misma se enferma y llama a otro primo lejano para que la cuide. La
segunda mujer parece enferma al principio, pero finalmente se recupera y se
vuelve fuerte y vivaz, lo suficiente como para seducir a Ethan mientras su
esposa visita a un médico en un pueblo lejano. Ya sea que la esposa sepa o
no esto, despide al cuidador sobre la base de pequeñas críticas, con la
intención de contratar a otro cuidador. Ethan, muy enamorado, la lleva al
tren, tratando de persuadirla de que se vaya con él a Florida, que representa
el paraíso en el simbolismo de la película. En el transcurso de la tarde, Ethan
le pide que le cuente el deseo de su corazón: ir en trineo por la alta montaña
cerca de la ciudad. Ethan consigue un trineo y se divierten juntos hasta que
un terrible accidente deja a Ethan con una pierna coja y la niña… bueno,
enfermiza. Vemos al viejo Ethan, ahora un recluso, haciendo trabajo manual
para apoyar al dos mujeres enfermizas que ahora viven con él en casa.

Todo se dice muy inexpresivo, pero las ironías son geniales: un hombre
frustrado por tres mujeres enfermizas. Dios conspira contra él, o eso parece.

GERONIMO y algunas otras películas sobre indios

Teniente Charles Gatewood ……. Jason Patric

Bergantín. Gen. George Crook…. Gene Hackman

Al Sieber ……………… Robert Duvall

Gerónimo ………………. Wes Studi

Teniente Britton Davis ………. Matt Damon

Mangas ………………… Rodney A. Grant

Bergantín. General Nelson Miles…. Kevin Tighe

Columbia presenta una película dirigida por Walter Hill. Producida por Hill y
Neil Canton. Escrito por John Milius y Larry Gross. Basado en una historia de
Milius. Fotografiado por Lloyd Ahern. Editado por Freeman Davies, Carmel
Davies y Donn Aron. Música de Ry Cooder. Duración: 115
minutos. Clasificado: PG-13 (por violencia fronteriza).

"Geronimo" presenta de nuevo la visión revisionista de los nativos

americanos que se vio anteriormente en películas como "Dances with
Wolves", "Last of the Mohicans". Las tres películas están bellamente dirigidas
y fotografiadas, con representaciones comprensivas del punto de vista
indio. En términos generales, tiendo a ser crítico con la “corrección política”,
pero me gustaron mucho estas películas y su presentación del caso de los
indios es realmente convincente, un equilibrio necesario para el estereotipo
de los “pieles rojas asesinas”.

"Dances" demonizaba a los blancos, a excepción del personaje principal,

interpretado por Kevin Costner. (¿Cómo llegó a ser tan maravillosamente
liberal después de crecer en una cultura tan depravada?) También demonizó
a los pawnee, porque ayudaron a los blancos. Pero su descripción de la vida
de los indios fue soberbia. Todo estaba hecho en idioma sioux, con
subtítulos, y eso lo hacía aún más efectivo. Graham Greene dio una
maravillosa actuación como el personaje principal indio.

Los “mohicanos” en realidad estaban algo sesgados hacia los

blancos. Magua, la voz de los agravios indios, se presentó (por supuesto,
como lo hizo James Fenimore Cooper en el volumen original) como algo
irrazonable en sus odios. Pero consiguió exponer su caso y, teniendo en
cuenta las exageraciones, fue convincente.

“Geronimo” es también una película impresionante, con una excelente

interpretación de Wes Studi como personaje principal. (También interpretó
a Magua en "Mohicans"). La acción se desarrolla principalmente entre colinas
tipo Monument-Valley (como cientos de otros westerns, al parecer), pero en
esta imagen, las colinas a menudo se ven eclipsadas por las Montañas
Rocosas cubiertas de nieve. Al principio pensé que era demasiado, pero la
película parece centrarse en la grandeza de la tierra y la importancia de una
distribución justa de la misma. ¿Por qué, dice Gerónimo, los blancos tienen
que tenerlo todo ? Buena pregunta.

Su argumento esencialmente es que no es un asesino, sino un guerrero. Y

eso es simplemente cierto. Hubo una guerra entre los blancos y los indios y,
al final, los blancos ganaron. Podemos pensar lo que queremos sobre eso,
pero debemos ponerlo en perspectiva. Durante miles de años, las naciones
han conquistado naciones. No es una experiencia agradable, especialmente
para los conquistados, y a menudo nos gustaría creer que nunca
permitiríamos que eso suceda hoy. Pero todavía está sucediendo en nuestros
días, incluso en la Europa supuestamente civilizada. Los indios pueden tener
un agravio, pero no más que cualquier otro pueblo conquistado. Y, para ser
justos, la mayoría de las naciones, incluidos los blancos y los indios, han sido
conquistadores y conquistados en algún momento de su historia.

La historia es, por supuesto, más complicada que cualquiera de estas

películas presentes. Uno tiene la impresión de que los indios tenían algún
título legal sobre todas las tierras de América del Norte, y los blancos
entraron completamente en contra de la voluntad de los terratenientes. En
realidad, la "propiedad de la tierra" no era una gran cosa para los indios; por
eso a menudo son elogiados. (Por cierto, no se puede elogiar
simultáneamente a los indígenas por su falta de preocupación por la
propiedad de la tierra y luego dar la vuelta y decir que se violaron los derechos
de sus propietarios). Y la llegada de los blancos fue bienvenida por algunos
de los indígenas. Estaban felices de entrar en el comercio de pieles y
similares, lo que les proporcionó recursos adicionales, sin mencionar la nueva
tecnología de armas y caballos. De hecho, la expansión del comercio mejoró
considerablemente el nivel de vida de algunos indios.

Por supuesto, algunos indios resistieron a los blancos desde el principio. Pero
el continente era ciertamente lo suficientemente grande para que tanto los
inmigrantes como los primeros habitantes (también eran inmigrantes)
vivieran juntos en paz. Al final, sin embargo, eso resultó imposible. ¿Qué
debería haber pasado? Como creyente en la inmigración relativamente libre,
no creo que los blancos simplemente deberían haberse quedado fuera, o que
los indios deberían haberlos dejado fuera. Lo mejor que pudo haber sucedido
(digo en retrospectiva) fue una división legal del continente en algún
momento temprano en el proceso, en el que una parte del continente se
desarrollaría como parte de la civilización occidental, y los indios serían
bienvenidos a ser parte. de eso si quisieran. La otra parte, quizás la mayor
parte, se dejaría a los indios para que observaran su forma de vida
tradicional. Las dos naciones comerciarían libremente entre sí. (Todavía me
pregunto si sería posible darles a los indios algunas de las enormes
extensiones de tierras federales en el oeste, no como reservas, que son una
atrocidad, sino como el propio territorio soberano de los indios). No sucedió,
y no podría haberlo hecho, dados los hechos y la mentalidad de las personas
involucradas.

“Geronimo” tiene una perspectiva algo más equilibrada que cualquiera de las
otras películas que he mencionado. Los guerreros de ambos bandos son
simplemente eso: hombres en guerra. No son ni glorificados ni demonizados,
y la película deja en claro que ninguna de las partes es monolítica en sus
actitudes. Hay “halcones” y “palomas” en ambos ejércitos, algunos que son
crueles, otros que buscan justicia. Hay poca moralización aquí, pero la
película, en última instancia, se pone del lado de los indios, diría yo. Los
soldados estadounidenses no son malas personas, excepto, quizás, por el
general Miles, que se hace cargo del ejército al final de la película. Pero la
situación política cobra vida propia, y a los indígenas les resulta imposible
siquiera salvar la cara, y mucho menos obtener justicia.

Hay algunos temas religiosos bastante sutiles en la imagen. La partitura

musical exquisitamente hermosa, de Ry Cooder, se basa en los himnos de
"nota de forma" del siglo XIX, que se encuentran en volúmenes como "Sacred
Harp" y "Southern Harmony". Puede reconocer "Venid, pecadores, pobres y
desdichados" y "Pobre, forastero caminante". Esta literatura era en gran
parte bíblica, pero con una tendencia al escapismo religioso: anhelo del cielo
sin mucho sentido de nada que hacer en la tierra. Es un poco difícil ver por
qué la película hace tanto uso de esta música, excepto por la atmósfera de
época. Ciertamente, al menos transmite algo de la dureza de la vida en
ambos lados, la imposibilidad de cualquier felicidad de este lado de la
tumba. Quizás también haya alguna burla sutil de la irrelevancia de la religión
de los hombres blancos para el logro de la justicia concreta.

Tanto Geronimo como Gatewood (el soldado blanco más comprensivo)

creen en los dioses del amor, dicen. Pero para Gerónimo, el amor por su
gente requiere que mate a los blancos. Geronimo le da a Gatewood una pieza
de turquesa valiosa (¿quizás religiosamente?) Para los Apache. Más tarde,
Gatewood le da a Geronimo una cruz, que dice que le ha traído buena
suerte. La cruz no hace mucho por Gerónimo y su gente. Quizás el evento
religioso más significativo es que antes de que se ahorque a tres indios, uno
de ellos le dice a los espectadores en el idioma apache que no crean nada de
lo que el clero blanco les dice.

La película no lo muestra, pero tengo entendido que al final de su vida,

Gerónimo se convirtió al cristianismo y se reconcilió con el gobierno de los
Estados Unidos, incluso participando en el desfile inaugural de Theodore
Roosevelt. Hubiera sido interesante ver cómo sucedió todo eso. Por
supuesto, concentrarse en esos eventos probablemente habría sido
incompatible con los propósitos de estos cineastas. Por supuesto, no están
obligados a contarlo todo. Pero deberíamos objetar un poco desde el punto
de vista de una película en la que los hechos reales, incluso los hechos muy
interesantes, se omiten por inconvenientes para el "mensaje" de la película.

Gettysburg

Reparto Confederado:

Longstreet …………… .. Tom Berenger

Robert E. Lee ………… .. Martin Sheen

George E. Pickett ………. Stephen Lang

Armistead ……………… Richard Jordan

Reparto federal:

Coronel Chamberlain ……… .. Jeff Daniels

Buford ………………… Sam Elliott

Tom Chamberlain ………… C. Thomas Howell

Kilrain ……………… .. Kevin Conway

New Line presenta una película escrita y dirigida por Ronald F.
Maxwell. Producida por Robert Katz y Moctesuma Esparza. Basada en la
novela de Michael Shaara. Fotografiado por Kees Van Oostrum. Editado por
Corky Ehlers. Música de Randy Edelman. Duración: 4 horas y 18 minutos,
incluido un intermedio de 20 minutos. Clasificado: PG.

Esta es una película muy informativa sobre la batalla fundamental en la

Guerra Civil. Es un drama, pero también tiene todos los elementos de un
buen documental. Es como si estuviéramos mirando por encima de los
hombros de quienes planifican y ejecutan la estrategia. Crecí en Pensilvania
y he visitado el campo de batalla varias veces, pero nunca antes supe lo que
sucedió realmente. Ahora siento que tengo una idea general de eso, y es toda
una historia. Es un tema apropiado para el documental y también para el
drama.

El punto dramático fundamental fue el exceso de confianza del general Lee

y su génesis: mala inteligencia, luego desesperación, luego una fe
mística. Lee había llegado a Pensilvania fresco de algunas victorias
importantes, con la esperanza de terminar la guerra en unos
días. Irónicamente, se acercaba el 4 de julio. Lee sintió la ironía: tal vez podría
lograr la independencia del sur ese mismo día. Esperaba destruir al Ejército
del Potomac, encabezado por el ineficaz general Meade, y luego marchar
triunfante hacia Washington, ofreciendo la paz al presidente Lincoln.

Pero surgieron varios problemas. El general JEB Stuart, encargado de rastrear

los ejércitos de la unión con su caballería, de alguna manera se perdió
durante algunos días y no logró su tarea. (Si la película me dijo por qué, me
lo perdí). El sur tuvo que luchar, por lo tanto, sin su conocimiento habitual
de las posiciones y la fuerza del enemigo. Luego, otro general no obedeció
las órdenes que le habían dado de tomar una pequeña colina que le habría
dado a Lee la ventaja de su posición. Finalmente, el ejército de la unión se
apoderó de ese cerro y derrotó a los soldados del sur que intentaron
quitárselo. Después de esto, las municiones y los suministros quedaron muy
bajos. Las tropas de Lee tuvieron que luchar o retirarse. Lee vio una retirada
como una traición a los valientes hombres que habían dado su vida para
llegar tan lejos, y sus victorias pasadas le dieron la confianza de que sus
hombres podrían ganar otra batalla. incluso contra adversidades
sustanciales. Con la fe mística antes mencionada, Lee envió a sus tropas en
una marcha suicida de una milla a través de un campo abierto frente a los
cañones sindicales. La derrota fue devastadora y Lee se sintió humillado,
pero esperaba luchar otro día.

Esta no es una película de predicación. Sin embargo, se necesita cierta

licencia dramática, especular sobre actitudes y conversaciones entre
personajes. Como tal, ciertamente hace más que simplemente narrar los
hechos; tiene un punto de vista. Hay muchas conversaciones sobre el
significado de la vida y la muerte.

Los sureños, los filosóficos, de todos modos, parecen ser cristianos que
creen en la Biblia en su mayor parte. Tenemos la impresión de que algunos
de sus problemas son causados por una fe desmesurada en Dios, o al menos
una orgullosa confianza de que Dios estaba de su lado. Los norteños también
son cristianos, pero de alguna manera parecen más modernos. El personaje
de Chamberlain, interpretado por Jeff Daniels, es profesor de retórica y
teología en Bowdoin College. Él es el verdadero héroe de la película,
increíblemente valiente, ingenioso, elocuente, sabio, compasivo. La teología
de los soldados del norte es principalmente una teología de la igualdad racial,
presentada en términos que sugieren el movimiento de "corrección política"
de los años noventa. De hecho, Chamberlain es un hombre muy sensible de
los noventa que, sin embargo, puede luchar con los mejores cuando debe
hacerlo.

Al final, Lee (en su decepción, sin duda) suena menos a cristiano que a
nihilista: observa que realmente no importa quién gane o pierda, que todos
desempeñamos nuestro papel en la vida, pero sin Espero que haga mucha
diferencia. Dudo que el Lee histórico estuviera tan cerca en su filosofía del
existencialismo moderno.

Así que hay indicios de ideologías modernas, tanto de igualdad como de

nihilismo, sin mucha reflexión sobre la coherencia entre estas dos ideas.

Sin embargo, en general, la película es una experiencia de aprendizaje. Hay

algo de violencia gráfica, pero eso no es exagerado considerando el tema de
la película. Cuatro horas es un poco demasiado, pero encontré que el tiempo
invertido valió la pena.

Codicioso
Daniel ………… Michael J. Fox

Tío Joe ……… Kirk Douglas

Robin …………. Nancy Travis

Molly …………. Olivia d'Abo

Frank …………. Phil Hartman

Carl ………… .. Ed Begley Jr.

Glen ………… .. Jere Burns

Patti …………. Campamento de Colleen

Ed ……………. Bob Balaban

Imagine Entertainment presenta una película dirigida por Jonathan

Lynn. Producida por Brian Grazer. Escrito por Lowell Ganz y Babaloo
Mandel. Fotografiado por Gabriel Beristain. Editado por Tony
Lombardo. Música de Randy Edelman. Duración: 113 minutos. Clasificado:
PG-13 (para idioma).

Esta película no es muy buena, de ninguna manera, pero hay algunas buenas
risas en ella. La idea es que el rico tío Joe, interpretado por Kirk Douglas, tiene
una horrible familia de personas que están totalmente dedicadas a heredar
su vasta riqueza, cueste lo que cueste. La excavación de calaveras es a veces
divertida, la mayoría de las veces tediosa. Cuando los cineastas le piden a la
audiencia que pase un par de horas mirando a personas completamente
desagradables, realmente deberían darnos más a cambio de lo que nos dan
aquí. Las intrigas pueden ser divertidas, en una película como "The
Sting"; pero en éste es torpe y aburrido.

Lo único interesante de la película es su exploración del concepto de

codicia. Daniel, interpretado por Michael J. Fox es, al comienzo de la película,
el único pariente incorrupto. Su padre había abandonado al tío Joe hacía
años, motivado por el disgusto por el comportamiento de los otros parientes
y cierta aversión liberal a la idea misma de la riqueza. Danny es un jugador de
bolos profesional que se atraganta en los grandes juegos y está listo para
tirar su carrera por la borda de todos modos cuando sus parientes intentan
incluirlo en sus planes con respecto al tío Joe. Creen que a Joe siempre le
gustó Danny cuando era niño (aunque ahora odia a sus otros parientes por
razones obvias), y que si le dejaba su dinero a Danny podrían hacer tratos
con Danny al margen.

Danny comienza, sin embargo, como una maravilla de integridad,

prometiendo no dejarse vender a la codicia. Se resiste valientemente a
algunas oportunidades para congraciarse con una recompensa
económica. Sin embargo, eventualmente comienza a quebrarse. Por varias
razones, parece que Joe quiere deshacerse de sus activos antes
de morir. Con el tiempo, Danny llega a sentir que lo mejor para el tío Joe es
dejarle el dinero a él en lugar de a los otros miembros de la familia, ya que
simplemente dejarían a Joe en un hogar de ancianos y se olvidarían de él. Así
que Danny conspira como el resto de ellos, en una ocasión de forma
transparente y vergonzosa, para conseguir el dinero.

Surge la pregunta, ¿hasta qué punto las acciones de Danny están motivadas
por el amor real por el tío Joe y hasta qué punto por la codicia? Lo que la
película parece decirnos (sobre todo a través de los dichos de la sabia amiga
de Danny) es que, en última instancia, el motivo es la codicia, aunque al ver
las acciones de Danny no habría estado tan seguro. En cualquier caso, al
final, los verdaderos (desagradables) colores de Danny brillan.

La película presenta, si no siempre comprende, el hecho de que los motivos

de las personas suelen estar mezclados. Incluso los parientes horribles
pueden alegar cierto grado de altruismo cuando exponen sus propios
casos. Indudablemente, Danny tiene buenas y malas intenciones. Y la joven
"enfermera" británica del tío Joe, que pasa la mayor parte del tiempo casi
desnuda, es el blanco (ejem) de gran parte del odio de la familia, pero al final
tiene la integridad de irse (o al menos eso parece) en lugar de dormir con
Joe. Después de todo esto, uno se pregunta por qué la película parece tan
segura sobre los juicios morales que hace.

La otra pregunta: ¿la gente ha sido corrompida por la búsqueda de dinero o

la búsqueda ha sido corrompida por las personas involucradas? La película
deja abierta la pregunta, pero la trama parece llevarnos a la conclusión de
que ambos son ciertos.
Los cristianos pueden plantear problemas aquí sobre el pecado original. La
búsqueda de la pureza moral en un mundo pecaminoso, sin la gracia divina,
es inútil. El amor al dinero también es la raíz de todo tipo de males. ¿Quién
de nosotros puede pretender estar libre de codicia? La película parece decir
que todos somos codiciosos de corazón. Ya sea intencionalmente o no, han
chocado con un principio bíblico. Ojalá hubieran visto la solución bíblica. El
corazón es engañoso y desesperadamente perverso; pero Jesús puede
limpiarlo con su sangre.

Protegiendo a Tess

Tess Carlisle ……… Shirley MacLaine

Doug Chesnic ………. Nicolas Cage

Earl ……………… Austin Pendleton

Barry Carlisle …… .. Edward Albert

Howard Shaeffer ……. James Rebhorn

Frederick …………. Richard Griffiths

TriStar presenta una película dirigida por Hugh Wilson. Producida por Ned
Tanen y Nancy Graham Tanen. Escrito por Wilson y Peter
Torokvei. Fotografiado por Brian J. Reynolds. Editado por Sidney
Levin. Música de Michael Convertino. Duración: 98 minutos. Clasificado: PG-
13 (para algunos idiomas).

Esta película es enormemente satisfactoria como entretenimiento. Shirley

MacLaine ofrece una actuación maravillosa aquí, creo que es la mejor en una
buena carrera. No estoy loco por su filosofar ocultista, como tampoco estoy
entusiasmado con la política de Jane Fonda; pero ambas damas son actrices
muy importantes. MacLaine ofrece aquí un retrato divertido pero realista de
una mujer difícil y simpática, desagradable pero sorprendentemente
amorosa, aparentemente irracional, pero sumamente racional en el contexto
de la trama. Todas estas paradojas requieren una interpretación de gran
matiz, y MacLaine la proporciona aquí.
Nicholas Cage también ofrece lo que puede ser su actuación más
impresionante hasta la fecha. En el pasado, ha interpretado a muchos
hombres locos y salvajes. Aquí, durante la mayor parte de la película, sus
emociones están estrictamente bajo control mientras interpreta a un agente
del servicio secreto tenso y estricto. Pero es evidente que podría explotar en
cualquier momento, como lo hace en algunos puntos cruciales,
especialmente una vez al final de la película.

El guión está muy bien escrito y el humor es constante, aunque no en lo más

mínimo torpe. Pequeños trozos de malestar en los personajes por razones
conocidas por el público produjeron muchas risas. La película está
notablemente equilibrada en su comedia. Tiene buen ojo para los elementos
ridículos en varios procedimientos gubernamentales, pero al final los respeta,
incluso los reivindica. Satiriza la rigidez del servicio secreto, pero también
muestra que en un agente están sucediendo muchas cosas debajo de la
superficie. A excepción de los villanos de la pieza, todos los personajes, sin
importar cuán tontos sean en algunos momentos, resultan adorables al final.

Cage interpreta a Doug Chesnic, asignado por el servicio secreto para

proteger a Tess Carlisle, una ex primera dama, interpretada por
MacLaine. Tess le hace pasar un buen rato a Doug, lo que le obliga a hacer
recados triviales, rebelarse ante reglas insignificantes, escabullirse de sus
protectores, insultar a Doug de varias maneras, a menudo golpearlo con
ideas verdaderas pero no deseadas sobre sí mismo. Pero cuando él busca una
nueva asignación, ella llama al presidente, quien luego llama a Doug y le dice
que se quede con ella y se ponga en forma. La molestia del presidente como
Clinton por tener que jugar al pacificador entre estos dos es divertidísima.

Cuando toda la verdad está sobre la mesa, las excentricidades de Tess tienen
perfecto sentido, su amor maternal por Doug se hace patente y él rompe
todo tipo de procedimientos estándar para salvar su vida.

No hay Dios en esta película, ninguna referencia a la religión, ningún tema

teológico obvio, excepto, quizás, el efecto de acercarse a la muerte en el
comportamiento. Por lo tanto, fue un verdadero desafío para este crítico
altamente teológico encontrar algo interesante que decir. Pero después de
una cierta reflexión, me resulta evidente que aquí hay una dimensión
teológica muy profunda, sin duda bastante contraria a las intenciones de los
cineastas.
Cornelius Van Til enseñó que todos los pensadores no cristianos caen en una
especie de dialéctica entre el racionalismo (= "mi mente es el estándar final
de la verdad") y el irracionalismo (= "no hay una verdad última"). Estas
posiciones son formalmente contradictorias; sin embargo, los pensadores
naturalistas necesitan atraer a ambos y tienden a mantenerlos en tensión. He
argumentado que el mismo patrón se puede ver en la teoría política no
cristiana: una dialéctica entre el totalitarismo (= racionalismo: la sociedad
debe estar totalmente bajo el control de la élite racional) y la anarquía (=
irracionalismo: nadie tiene la sabiduría para gobernar, entonces no debería
haber ningún gobierno). Sin apelar a la revelación divina, el pensamiento y la
práctica política no cristiana vacila constantemente entre estos dos
extremos. Los que creen en las Escrituras saben que Dios requiere tanto
autoridad como libertad en la sociedad, y saben, en general, dónde deben
trazarse esas líneas. Los incrédulos no lo hacen, por lo que vacilan entre la
creencia en el control total y la defensa de la libertad total.

Ahora bien, si alguna vez una película demostró la dialéctica totalitaria /

anárquica, es esta. La gente del servicio secreto son totalitarios en su mayor
parte. La película ridiculiza su compromiso ciego y serio con el control
total. Tess es la anarquista, el espíritu libre, que no quiere ninguna
restricción, manipula los eventos con humor y con éxito (en su mayor parte)
para controlar a sus controladores. Pero ella sabe (al final, más que nunca)
que debe tener algo de protección, y Doug llega a comprender su necesidad
de libertad. La película señala con perspicacia que el control total es
imposible y que la anarquía conduce al desastre. Pero el equilibrio entre los
dos es tan misterioso al final como al principio. Tengo entendido que la
película quiere decir que el amor es la respuesta, pero es demasiado
inteligente declarar explícitamente una perogrullada. Lo que surge es una
especie de acomodación,

Al final de la película, cuando un asistente de hospital exige que Tess salga

en silla de ruedas y ella se opone, Doug resuelve el problema con una doble
exhortación. Para el ordenanza: "¿Son las reglas realmente tan sagradas?" ya
Tess, "¡súbete a esa silla de ruedas!" Muy divertido, pero también una
excelente ilustración de la tensión que es el tema principal de la película. Él
está diciendo que las reglas no son realmente sagradas, pero que debemos
adaptarnos absolutamente a ellas.

La relación entre Tess y Doug da en el blanco, porque es esencialmente la

relación entre el gobierno y todos nosotros. Amamos a nuestro país y
apreciamos sus protecciones, pero la mayoría de nuestras experiencias
concretas con él son exasperantes.

Si Tess y Doug fueran cristianos, su relación habría sido muy diferente. El

amor habría sido una parte importante de ello, sin duda, y eso habría
contribuido en gran medida a reconciliar sus intereses divergentes, como en
esta película. Pero los cristianos también reconocen reglas, reglas
que son “sagradas” y entre las cuales el amor es el principal. Un Tess
cristiano no se habría escapado sin protección, y un Servicio Secreto
organizado sobre principios cristianos habría sido más flexible, sabiendo que
son siervos: siervos de Dios y del pueblo de Dios ( Mat. 20:26 ).

Se podrían esperar los mismos beneficios, y más, de un gobierno realmente

cristiano.

En cuanto al tema del acercamiento de la muerte: Tess tiene un tumor

cerebral. Su comportamiento extraño, querer jugar al golf y hacer un picnic
junto al lago en pleno invierno, resulta al final ser el resultado del deseo de
tener algunos de sus viejos placeres una vez más antes del final. Difícilmente
se la puede culpar, pero es un poco triste que estas cosas sean tan
importantes para ella, y el cielo de Dios tan poco importante, mientras se
acerca al final. El significado de su vida es la libertad personal, la libertad
anárquica, que la propia película considera en última instancia
decepcionante. Esta comedia cinematográfica la presenta finalmente
triunfante y feliz, pero una mirada más cuidadosa a la historia ofrece a
nuestra meditación una sensación de tragedia.

Cielo y tierra

Le Ly ………………. Hiep Thi Le

Steve Butler ………… Tommy Lee Jones

Mamá ……………… .. Joan Chen

Papá ……………… .. Haing S. Ngor

Eugenia …………… .. Debbie Reynolds

Warner Bros. presenta una película escrita y dirigida por Oliver
Stone. Producida por Stone, Arnon Milchan, Robert Kline y A. Kitman
Ho. Basado en los libros “Cuando el cielo y la tierra cambiaron de lugar” de
Le Ly Hayslip con Jay Wurts y “Child of War, Woman of Peace” de Le Ly
Hayslip con James Hayslip. Fotografiado por Robert Richardson. Editado por
David Brenner y Sally Menke. Música de Kitaro. Duración: 138
minutos. Clasificado: R (por violencia, lenguaje y sexualidad).

Esta es la tercera de las películas de Oliver Stone sobre la guerra de Vietnam

y sus secuelas, las otras son "Platoon" y "Born on the 4 of July". Esta es una
historia real, aunque supongo que se han tomado ciertas libertades, de una
mujer vietnamita. Durante su infancia, los franceses destruyen su
aldea. Luego, en su adolescencia, llegó el Viet Cong, exigiendo la lealtad de
los aldeanos, torturando y violando a cualquiera (incluido Le Ly, sobre la base
de un error) que pareciera brindar ayuda y consuelo al enemigo. Luego
vinieron los estadounidenses, que lo transforman todo. Ahora Vietnam es un
pantano de prostitución, cigarrillos, drogas, corrupción, sospechas, odios. Le
Ly se ve obligada a ir a la ciudad y trabajar para un vietnamita que engendra
a su primer hijo ante la airada respuesta de su esposa. Le Ly se reduce a
mendigar y vender mercancías a los soldados en las calles.

En este punto, aparece Steve Butler, un oficial de la Marina que parece

amarla y comprenderla genuinamente. Él la convierte en su esposa, y la
familia huye de Vietnam con la retirada estadounidense, instalándose en San
Diego, al principio con la familia de Butler. Steve no puede sobrevivir
económicamente, y su amargura se convierte en crueldad y eventualmente
en suicidio. En el curso de los eventos, Le Ly se entera de que su trabajo en
Vietnam fue asesinar a los vietnamitas que colaboraban con el Cong. Lo que
nos dice la película es que, de hecho, era un asesino en serie, que después de
la guerra se siente culpable por ello.

La propia Le Ly prospera en Estados Unidos. Visita a su familia en Vietnam y

encuentra más amargura: los miembros de la familia se resienten de su
riqueza mientras tienen tan poco. Pero hay reconciliación.

Oliver Stone es, por supuesto, uno de los directores más profundamente
ideológicos y, de muchas maneras, expresa aquí su odio por los valores y la
cultura estadounidenses. Para su crédito, él no glamoriza al Viet Cong: es
brutal. Pero su brutalidad es la brutalidad de la autodefensa, se nos dice, la
brutalidad que hace necesaria la gente que quiere la libertad de gobernarse
a sí misma. Los estadounidenses son los verdaderos destructores de la
cultura pacífica. Butler parece tipificar todo el esfuerzo bélico
estadounidense: puro asesinato disfrazado de construcción nacional.

Además, en América, vemos escenas de enormes refrigeradores y estantes

de supermercados llenos de todo tipo de comida, para asombro de Le Ly. Y
vemos que se vacían palas en la unidad de eliminación del fregadero, después
de que las gordas parientes femeninas de Steve hayan consumido cantidades
masivas.

Sin embargo, Stone no oculta el hecho de que Le Ly finalmente encuentra la

felicidad en Estados Unidos y, a través de su prosperidad, puede ayudar a los
pobres de su propio país, sin duda mucho más que si se hubiera quedado
allí. Tampoco oculta el hecho de que el régimen comunista coloca a la familia
de Le Ly en un estado de constante pobreza y sufrimiento. Sin embargo, no
está claro cómo estos hechos inconvenientes han modificado los juicios de
valor de Stone.

Es una película muy bonita. Hiep Thi Le y Tommy Lee Jones ofrecen
actuaciones maravillosas, al igual que los demás miembros del elenco. Las
críticas de Stone al materialismo estadounidense ciertamente no están del
todo equivocadas, aunque me parecen bastante duras.

La película tiene una sensibilidad profundamente budista. El arrepentimiento

y la reconciliación inhiben el mal karma. Pero, ¿no es eso, al final, una forma
de egoísmo tanto como lo que Stone se apresuró a condenar en la cultura
estadounidense? Ojalá se le hubiera permitido a Cristo hablar su Palabra de
paz, para alzar tan verdaderamente las cargas de este pueblo afligido.

En el nombre del padre

Gerry Conlon ………. Daniel Day-Lewis

Guiseppe Conlon ……. Pete Postlethwaite

Gareth Peirce ……… Emma Thompson

Paul Hill …………. John Lynch

Robert Dixon ………. Corin Redgrave

Joe McAndrew ………. Don Baker

Universal presenta una película producida y dirigida por Jim Sheridan. Escrito
por Terry George y Sheridan, basado en la autobiografía "Proved Innocent",
de Gerry Conlon. Fotografiado por Peter Biziou. Editado por Gerry
Hambling. Música de Trevor Jones. Duración: 127 minutos. Clasificado: R
(para lenguaje y violencia generada políticamente).

Esta es una película poderosa sobre un trágico error judicial. En 1974, Gerry
Conlon y algunos amigos fueron arrestados y condenados por el ataque
terrorista del IRA a un pub de Guildford en el que murieron muchas personas
inocentes. El padre de Conlon, Giuseppe, y algunos de sus amigos, también
fueron condenados por apoyar a los terroristas. Giuseppe murió en
prisión. Después de quince años en la cárcel, los miembros restantes del
grupo fueron puestos en libertad sobre la base de pruebas de que fueron
enmarcados por la policía y los fiscales y obligados a confesar mediante
tortura e intimidación.

Gerry era un ladrón, aunque no tenía vínculos políticos. Su padre era aún
menos probable como sospechoso, un católico devoto y trabajador, que
buscaba en vano inspirar a su hijo descarriado con sabiduría hogareña.

La película es bastante fiel a la historia, aunque se toma algunas libertades,

particularmente al agregar algunos personajes cuyo significado en la trama
es crucial. Uno se pregunta si los hechos reales habrían hecho que el tema
de la apelación fuera menos blanco y negro de lo que parece aquí.

La actuación de Day-Lewis es excelente, muy alejada del gentil neoyorquino

de "Age of Innocence" o del hombre de la frontera de "Last of the
Mohicans". Su rango es realmente asombroso. Aquí, como un joven irlandés
tosco, es completamente creíble. Los otros actores también son muy
buenos. Los actores se pierden en los personajes, y esa es la clave de las
grandes actuaciones.

Además del principal drama político / judicial, hay una subtrama de

reconciliación. Gerry y su padre están en la misma prisión (en la misma celda,
según la película, pero al parecer no era así históricamente). Gerry recuerda
toda la ira contra su padre que recuerda de su juventud. Juntos, y de maneras
muy sutiles, los dos hombres crecen hacia una comprensión y aceptación
más profundas el uno del otro. Gerry crece en confianza en sí mismo y en la
madurez de su perspectiva.

El título de la película parece estar basado en el paralelo entre el padre

humano de Gerry y Dios. Gerry asocia el servicio de comunión con su imagen
mental de comerse a su padre. Sin embargo, la religión no es un motivo
poderoso para ninguno de los personajes. El principal impulso de la
imaginería religiosa parece ser que se desarrolla una “comunión” en la prisión
entre Gerry y Giuseppe, y que aunque Giuseppe muere, gran parte de su buen
carácter finalmente se aloja en su hijo.

Da la impresión de que los realizadores pretenden transmitir ciertos

mensajes político-filosóficos: Gran Bretaña simplemente debería haber salido
de Irlanda del Norte; No se puede confiar en la justicia angloestablecida; la
pena de muerte está mal. Sobre ese último punto, un juez les dice a Gerry y
a los demás, tras su convicción, que estaría feliz de condenarlos a muerte si
fuera legalmente posible. Varias referencias a esto a lo largo de la película
nos invitan a considerar cuánto más terrible podría haber sido el error judicial
si la pena de muerte hubiera estado en vigor.

Sin embargo, ninguno de estos mensajes llega de manera muy plausible. La

incriminación de los acusados en Guildford tuvo lugar en un momento en
que la policía y los fiscales estaban aterrorizados ante la perspectiva de un
terrorismo generalizado y estaban bajo una enorme presión para producir
condenas. Eso no excusa lo que hicieron, pero sugiere que se trata de un
caso aislado y no debería convertirse en un modelo de comportamiento
británico o de la justicia occidental en general.

La película tampoco presenta muchos argumentos contra la pena de

muerte. De hecho, en cierto modo, la película muestra algunas de las razones
a favor de la pena de muerte. La mayoría de los opositores a la pena de
muerte opinan que el único propósito legítimo del castigo es la disuasión, y
luego se oponen a la pena de muerte porque las estadísticas indican que no
disuade. Pero esta película presenta un excelente argumento contra la
disuasión como base para el castigo. Cuando la policía y los fiscales
incriminaron a los Guildford Five, lo hicieron por disuasión. Para ellos era
irrelevante si los sospechosos eran realmente culpables. Lo importante era
que alguien sean detenidos y castigados, como un ejemplo disuasorio para
otros posibles terroristas y para asegurar al público que su seguridad está en
buenas manos. La película deja en claro que la mentalidad de disuasión
puede conducir a una injusticia atroz. Uno debe ser arrestado y castigado
solo si es objetivamente culpable de algo y si el castigo está justificado por
esa culpa objetiva. Pero, ¿qué pena aparte de la muerte se merecen
estrictamente los asesinos en masa?

Por supuesto, tergiversaría la película si intentara presentarla como un

tratado político. Uno debería simplemente tomarlo por lo que es, como una
investigación completamente fascinante de eventos y personas.

Intersección

Vincent Eastman ……. Richard Gere

Sally Eastman ……… Sharon Stone

Olivia Marshak …… .. Lolita Davidovich

Neal ……………… Martin Landau

Richard Quarry …… .. David Selby

Meaghan Eastman ……. Jenny Morrison

Charlie …………… Ron White

Paramount presenta una película dirigida por Mark Rydell. Producida por Bud
Yorkin y Mark Rydell. Escrito por David Rayfiel y Marshall
Brickman. Fotografiado por Vilmos Zsigmond. Editado por Mark
Warner. Música de James Newton Howard. Duración: 98
minutos. Clasificado: R (para algún lenguaje y sexualidad).

En estas reseñas trato de centrarme en películas que están bien hechas

técnicamente y / o que pueden atraer la atención del público. Este no es uno
de esos. Las críticas de esta película han sido negativas. Sin embargo, creo
que a veces hay razones teológicas para que una película sea mala, al igual
que existen razones teológicas para las virtudes de una película. (Sin duda,
las películas a veces mezclan una mala teología con una buena calidad
dramática, y viceversa). Creo que eso es cierto en este caso. Necesitamos
algunos ejemplos de este hecho en un libro que trate sobre teología en el
cine. Por lo tanto, debemos lidiar con algunas películas malas, así como con
muchas buenas.

La dirección y la fotografía están bien. Vancouver, BC, el escenario, es un área

hermosa; Me parece que los realizadores podrían haberle hecho más
justicia. La mayoría de las demás funciones no son memorables.

La historia es el principal problema. El personaje central, Vincent Eastman,

interpretado por Richard Gere, es un arquitecto que se casa con Sally (Sharon
Stone) y tiene una hija, Meaghan (interpretada por Jenny Morrison como una
notable parecida a Stone). Eastman está terriblemente ensimismado, de una
forma casi típica de Hollywood. Su matrimonio pierde "chispa", aunque su
esposa es excepcionalmente hermosa e indispensable para él profesional y
socialmente, por lo que simplemente hace lo que Hollywood cree que es lo
más natural: mira hacia otra parte. Se enamora de Olivia, escritora de una
revista. Olivia, interpretada por Lolita Davidovich, es un personaje
potencialmente interesante; pero el guión no le da nada que hacer excepto
proporcionarle a Vincent las "chispas" que faltan. No sabemos casi nada de
ella como escritora.

De todos modos, las cosas evolucionan, y Vince debe decidir entre Olivia,
que le proporciona chispas, por un lado, y su sufrida esposa e hija, por el
otro. Su mente sigue cambiando, que es el colmo de la tensión en esta
película. La conclusión nos presenta un poco de ironía: un trágico accidente
para Vince, las dos mujeres se fueron pensando que él la había elegido a
ella. En retrospectiva, toda la trama parece inventada para llevar a esa ironía
y solo a esa ironía. Nada de eso tiene mucho que ver con el carácter o el
drama real.

El mayor problema aquí, creo, es la moralidad de Hollywood. No las dos o tres

escenas de sexo en particular, aunque eso es parte de ello. El problema es
que estos cineastas asumen que sus audiencias son como ellos: ven el
adulterio y el divorcio no como una tragedia, sino principalmente como una
situación en la que el perpetrador está "tratando de encontrarse". Se supone
que debemos simpatizar con su búsqueda de chispas, mientras que su
esposa e hija quedan colgadas. Francamente, no tenía la más mínima
simpatía por la angustia de Vincent por las dos mujeres, o por el
supuestamente galante intento de Olivia de (como le dice a Meaghan de
todas las personas) "hacerlo feliz". No quería ver a Vincent "feliz". Solo quería
verlo irse a casa, donde pertenece. Simpatizaba con Sally y Meaghan. (Stone
en esta película interpreta a una mujer con cierta dignidad para variar, en
lugar de su ninfómana habitual; Por supuesto, tiene que haber una breve
escena de sexo (vestida) para ella en la película para aquellas personas que
vienen a ver a Sharon hacer lo suyo).

Los realizadores, evidentemente, pensaron que el público espectador sería

muy parecido a ellos: amplio, tolerante, guiñando un ojo ante el adulterio y
el divorcio, maximizando la importancia de la autorrealización
emocional. Este no es siempre el caso, incluso en las películas
seculares. Aunque la mayoría de los cineastas son muy liberales en política y
moral, la mayoría de las películas que se hacen hoy son bastante duras con
el adulterio (aunque no con el divorcio). Al adoptar una actitud dura, se dan
cuenta de que su audiencia responderá mejor a un mundo con algunos
aciertos y errores morales. Por todo lo que dicen los críticos de la cultura, la
mayoría de la gente hoy en los Estados Unidos no es del todo
"poscristiana". Todavía llevan consigo una gran cantidad de “capital
prestado” del cristianismo, y todavía creen en la realidad moral.

Los creadores de “Intersection” traicionaron a su audiencia a este respecto

y por lo tanto perdieron toda esperanza de armar un drama de calidad. El
drama, ya sea comedia, tragedia o historia, requiere un universo moral. Sin
eso, pierde no solo significado, sino también (a menos que intente ser
realmente indignante) el interés del espectador.

En el oeste

Papa Riley ………. Gabriel Byrne

Kathleen ………… Ellen Barkin

Ossie …………… Ciaran Fitzgerald

Tito ……………. Ruaidhri (Rory) Conroy

Abuelo ……… David Kelly

Rastreador …………. Johnny Murphy

Barril ……… .. Colm Meaney

Hartnett ………… John Kavanagh

Miramax presenta una película dirigida por Mike Newell. Producida por
Jonathan Cavendish y Tim Palmer. Escrito por Jim Sheridan. Basado en una
historia de Michael Pearce. Fotografiado por Tom Sigel. Editado por Peter
Boyle. Música de Patrick Doyle. Duración: 91 minutos. Clasificado: PG.

Esta es una película maravillosa, protagonizada por dos excelentes chicos

actores (alrededor de 12 y 10) y Gabriel Byrne como su padre. Son irlandeses,
específicamente "viajeros". Ese es el nombre de una tribu de "gitanos celtas".

El padre perdió a su esposa en el nacimiento del segundo hijo. Anteriormente

el "príncipe de los viajeros", ahora está atormentado por la culpa y borracho
la mayor parte del tiempo. Aunque ama mucho a sus hijos, no tiene el
corazón para darles una educación decente. Su verdadero hogar está en los
campamentos de gitanos, pero cuando comienza la película todos están
fuera de lugar: en la ciudad, en un apartamento mugriento.

El abuelo aparece en escena y les da a los niños un maravilloso caballo blanco,

que el abuelo envuelve en mitología sobre el origen místico del caballo. Los
muchachos llevan el caballo a su apartamento, lo que irrita a los vecinos y a
la ley. Finalmente, el caballo cae en manos de un hombre rico que planea
usarlo como campeón de salto. Pero los chicos secuestran al caballo, que los
lleva a un viaje de descubrimiento. A su espalda, eluden a sus perseguidores
y visitan la tumba de la madre de los niños. Byrne y algunos rastreadores de
viajeros están muy cerca, y la tumba provoca el cierre de las amargas
experiencias del pasado. Eventualmente todos llegan al mar, muchachos,
caballos, rastreadores, el rico opresor, los malos hombres de la ley y un buen
abogado. El caballo entra al agua y el niño más pequeño, casi ahogado, tiene
una visión de la madre que nunca conoció. El caballo desaparece, volviendo
a su origen místico; y la familia está lista para regresar a casa al campamento
de viajeros y comenzar de nuevo.
Los valores de producción son fabulosos: fotografía, diálogo, dirección. La
trama básica (mucha gente persiguiendo niños a caballo) es bastante poco
interesante; pero su manejo es realmente apasionante.

Parece estar basado en la idea psicológica de que es necesario volver atrás y

revivir eventos traumáticos para dejarlos atrás. La experiencia del niño a
punto de ahogarse parece ser una revivificación del trauma del nacimiento
que mató a su madre, y los encuentros en la tumba de la esposa parecen
traerla de regreso a sus seres queridos en un sentido metafórico. El
misticismo, sin embargo, muestra más que una psicología pop: una especie
de mano invisible de la providencia que guía los acontecimientos. Los niños
oran y la oración es respondida.

Es una buena película para familias: sin sexo ni violencia, pero con un
contenido muy profundo. Nos da una vista impresionante de una cultura de
la que nunca antes había sido consciente. En un nivel, los niños pueden
entender la película y sus dimensiones más profundas los desafiarán.

Teológicamente, la película dice que hay momentos en que nuestra total

incapacidad para ayudarnos a nosotros mismos se vuelve obvia y
abrumadora. Su respuesta no llega a la plenitud del evangelio bíblico. Pero la
película asume una creencia ya existente en Dios y en Cristo, o al menos en
la Virgen María (para quien la madre de los niños es una especie de
sustituto); y dice que esa fe puede ayudarnos a dejar atrás el terrible pasado
y alcanzar el futuro. Hay mucha palabrería irlandesa en la película,
mitologización supersticiosa, pero aquí también hay algo genuinamente
bíblico.

Perdido en Yonkers

Louie ………… Richard Dreyfuss

Bella ………… Mercedes Ruehl

Abuela ………. Irene Worth

Jay ………… .. Brad Stoll

Arty …………. Mike Damus

Johnny ……… .. David Strathairn

Columbia Pictures presenta una película dirigida por Martha

Coolidge. Producida por Ray Stark. Escrito por Neil Simon, basado en su
obra. Fotografiado por Johnny E. Jensen. Editado por Steven Cohen. Música
de Elmer Bernstein. Duración: 110 minutos. Clasificado: PG.

La fórmula de Simon es: encontrar representantes de varios estereotipos,

hacer que hagan y digan cosas extravagantes y divertidas. Ponga en medio
de estas personas normalmente heterosexuales y sensatas (que representen
a la audiencia y a Simon) para liderar la risa y proporcionar el comentario
cómico. En el mejor trabajo de Simon, entonces, aprendemos que los
estereotipos son más que eso, y los heterosexuales se enriquecen al obtener
una visión más madura e irónica de la naturaleza humana.

Aquí los estereotipos son: una abuela dura como las uñas que aterrorizaba a
sus hijos hasta convertirlos en una abyecta sumisión y varios problemas de
personalidad; La tía Bella, al borde de la enfermedad mental, especialmente
la depresión maníaca, ingenua, pero astutamente perspicaz; El tío Louie
(Richard Dreyfuss), un "secuaz" preocupado por lo que otros gánsteres se
están preparando para hacerle; Gert (?) Que no puede pronunciar una frase
sin jadear. Los heterosexuales son dos nietos cuya madre (otra hija de la
abuela) ha fallecido y cuyo padre debe realizar un viaje de negocios para
mantener a la familia. La abuela cuida a los niños en su tienda de dulces.

Este es uno de los mejores esfuerzos de Simon. Uno tiene perspectiva de

todos estos personajes. La salvación llega para Bella cuando se arma de valor
para irse a buscar trabajo en Florida. Salvación para los niños: simplemente
no lastimes a las personas como lo hizo la abuela, o de lo contrario esas
personas se convertirán en sus hijos. Aún así, por mi dinero, la abuela es el
personaje más impresionante. Ella sabe lo que cree y no cederá ni un
centímetro.

Malcolm x

Malcolm X ………… Denzel Washington

Betty Shabazz …… .. Angela Bassett

Baines …………… Albert Hall

Elijah Muhammad ...... Al Freeman Jr.

Archie de las Indias Occidentales… Delroy Lindo

Shorty …………… Spike Lee

Warner Bros. presenta una película dirigida por Spike Lee. Producida por
Marvin Worth y Lee. Escrito por Arnold Perl y Lee. Basado en "La
autobiografía de Malcolm X". Fotografiado por Ernest Dickerson. Editado por
Barry Alexander Brown. Música de Terence Blanchard. Duración: 201
minutos. Clasificados: PG-13 (por una escena de violencia, y por drogas y
algo de lenguaje).

“Malcolm X” es una de esas películas biográficas muy largas, muy literales,

casi adorables, como Ghandi. Aún así, es fascinante. El director Spike Lee
realmente conoce el viejo Harlem, evidentemente, y hay mucho baile, música
y acción de gánsteres en la primera parte. El resto es principalmente un
estudio del desarrollo espiritual de Malcolm. Fascinante en sí mismo. No
siento simpatía por la religión musulmana, ni aprecio la charla de Malcolm
sobre los demonios blancos; pero realmente disfruté conocer a Malcolm
como persona.

Realmente era una especie de conservador negro: mantén las razas

separadas, deja de comportarte como una víctima, deja de suplicar
limosnas; compórtate moralmente, trabaja duro, apoya a tus familias,
defiéndete si otros te persiguen. Ese tipo de pensamiento fue bastante
salvaje para los años 60. Todavía suena más a Thomas Sowell, Clarence
Thomas y Walter Williams que a Martin Luther King, Jesse Jackson y el
liderazgo negro más ampliamente reconocido.

Desafortunadamente, el establishment negro de los años 60 no lo

escuchó. Si lo hubieran hecho, no habría habido la enorme ola de
asistencialismo profesional, divorcio, ilegitimidad, la destrucción casi total de
la familia negra, que siguió a la legislación de la Gran Sociedad. ¿Por qué
Spike Lee y otros liberales piensan tan bien de Malcolm? ¿Es simplemente
porque hizo enojar a los blancos? La enseñanza de Malcolm es casi
exactamente la opuesta a la de ellos.

Si yo fuera parte de una raza oprimida, mi respuesta, lo confieso, sería mucho

más parecida a la de Malcolm que a la de Martin Luther King.

Malcolm también tenía una gran sonrisa y un gran sentido del humor. Y en el
área moral, como le dice un espía de la CIA a otro, "comparado con King,
¡este tipo era un monje!" No me sorprende en absoluto que atrajera
seguidores además de enemigos.

Carl Ellis, autor de Free at Last (Inter-Varsity Press, 1996) cree que Malcolm
se estaba acercando a Cristo cuando lo mataron. Bueno, estaba
desilusionado con algunos de sus amigos islámicos y se estaba acercando a
otros grupos. Sin embargo, no sería sorprendente que no llegara a la plena
profesión de Cristo. Aquí hay un hombre que había sido tratado muy mal por
los cristianos, y en el nombre de Jesús. ¿Por qué deberíamos esperar que él,
humanamente hablando, crea en la deidad de Jesús?

Sin embargo, cabría esperar una mayor objetividad por parte de los cineastas,
que afirman presentar una imagen más o menos precisa de los hechos. La
actitud de la película hacia el cristianismo, sin embargo, es puro
desprecio. Hay dos ministros que se muestran con Malcolm durante su
sentencia de cárcel. Uno lo visita en confinamiento solitario, cuando sufre
miserablemente. En una actitud de suprema insensibilidad, nos reunimos, el
ministro le pide a Malcolm que cante "Qué amigo tenemos en Jesús". Sin
duda, Malcolm estaba pensando: "¿Qué clase de amigo me pondría aquí?" El
ministro habría sido más útil si hubiera ofrecido alguna respuesta a esa
pregunta.

El otro ministro dirige un estudio bíblico en la prisión. Malcolm pregunta de

qué color es Dios. El ministro responde (como si hubiera respondido a la
pregunta muchas veces) que, por supuesto, Dios es blanco. Ahora he
conocido a muchos ministros, algunos de ellos bastante faltos de compasión
y / o inteligencia. Pero por mi vida, no puedo imaginarme ni al peor de ellos
diciendo algo como esto. Simplemente no hay base para ello en la teología
de nadie (excepto posiblemente el mormonismo), y dirigido a una audiencia
de hombres negros es simplemente demasiado descortés para
imaginarlo. Siento cierta simpatía por la tendencia de Malcolm a demonizar
a los blancos. Siento muy poca simpatía por la misma tendencia en Spike
Lee. Estoy seguro de que el episodio del ministro diciendo “Dios es blanco”
es una mentira rotunda.

Podemos aprender de la vida de Malcolm y de su muerte. Lo que sea que

Malcolm esperaba hacer al final de su vida, fue sofocado por la violencia. El
movimiento musulmán le había dado a su gente algunos ideales nuevos y
había mejorado sus vidas de manera obvia. Pero en lugar de eliminar su
violencia, al final, el movimiento solo la redirigió. En lugar de asaltar a la gente
en las calles, los musulmanes destruyeron a los otros musulmanes que
preferían los grupos rivales. Uno deja esta película anhelando que en algún
lugar alguien haya presentado a estas personas un cristianismo auténtico,
uno con doctrina bíblica ortodoxa y una calidad de vida a la altura.

Sociedad Amenaza II

Caine …………. Tyrin Turner

O-Perro …………. Larenz Tate

Ronnie ………… Jada Pinkett

A-Wax …………. MC Eiht

Abuela ……… Marilyn Coleman

Abuelo ……… Arnold Johnson

Tat Lawson …… .. Samuel L. Jackson

New Line Cinema presenta una película dirigida por los hermanos
Hughes. Producida por Darin Scott. Escrito por Tyger Williams. Basado en la
historia de Allen Hughes, Albert Hughes y Tyger Williams. Fotografiado por
Lisa Rinzler. Editado por Christopher Koefoed. Música de QD III. Duración: 97
minutos. Clasificado: R (para violencia fuerte, uso de drogas y lenguaje).

Excelentemente dirigido por los creadores de Boyz in the Hood, esta película
cuenta sobre un joven negro de Los Ángeles que, aunque le ofreció
oportunidades para escapar de su terrible entorno, se niega a cambiar hasta
que es demasiado tarde. El idioma es sucio; cualquier otra frase es
profana. Sin embargo, el diálogo y la narrativa suenan verdaderos. Es una
película sobre los horrendos valores de estos jóvenes y lo que esos valores
les hacen. No propone respuestas, no echa culpas. Es un monumento al
fracaso de la iglesia y al poder del pecado para cegar a las personas a la
verdad, de modo que ni siquiera los pequeños restos del evangelio (los
abuelos del niño) sean escuchados. Mi análisis: cuando las personas aceptan
la mentira de que son víctimas y no pueden hacer nada para ayudarse a sí
mismas en una sociedad con prejuicios, cierran su única fuente real de
esperanza, el evangelio de la gracia de Dios. Y la paga del pecado es la
muerte: eso queda patente en toda la película.

SR Jones

SR Jones …………. Richard Gere

Libbie ……………. Lena Olin

Dr. Holland ………… Anne Bancroft

Patrick …………… Tom Irwin

Howard ……………. Delroy Lindo

David …………… .. Bruce Altman

Amanda ……………. Lauren Tom

Susan …………… .. Lisa Malkiewicz

TriStar presenta una película dirigida por Mike Figgis. Producida por Alan
Greisman y Debra Greenfield. Escrito por Eric Roth y Michael
Cristofer. Basado en la historia de Roth. Fotografiado por Juan Ruiz
Anchia. Editado por Tom Rolf. Música de Maurice Jarre. Duración: 114
minutos. Clasificado: R (para idioma).
Esta película está protagonizada por Richard Gere y fue realizada en San
Diego, haciendo un buen uso de la escenografía y el medio. Los habitantes
de San Diego intercambiarán asentimientos de conocimiento, por ejemplo,
cuando la película muestre aviones volando bajo sobre la ciudad. Lindbergh
Field, el aeropuerto de la ciudad, está muy cerca del centro de la ciudad; así
que los aviones frecuentemente vuelan muy bajo sobre los edificios creando
todo tipo de molestias y asombro. Este fenómeno se utiliza de manera muy
inteligente en la película, en la que el personaje principal se sube al techo de
un edificio y casi siente que puede agarrar uno de esos aviones mientras
desciende a su pista.

El personaje principal sufre de depresión maníaca y, como el tratamiento del

autismo en "Rain Man", la película trata su tema de manera
convincente. Evidentemente, los realizadores hicieron sus deberes. Roger
Ebert dice que Gere visitó a pacientes mentales para hacer su actuación más
auténtica. Por supuesto, su tarea fue menos difícil que la de Dustin Hoffman
en "Rain Man", porque la depresión maníaca es más fácil de imitar que el
autismo. De hecho, uno podría pensar que la naturaleza misma de la
actuación es emular la depresión maníaca: el arte fundamental de la
actuación, antes de que entren en escena los matices, es moverse entre la
felicidad, la tristeza y la relativa normalidad.

El Sr. Jones, el personaje de Gere, es enormemente encantador, y sin

presionarla mucho puede ganarse el corazón de una psiquiatra que lo está
tratando. Aunque acepta el tratamiento de vez en cuando, desconfía
profundamente de él. “Esto no es una enfermedad”, les dice a sus posibles
curanderos; "esto es lo que soy." Le encantan sus máximos y está dispuesto
a arriesgarse con los mínimos. Pero a veces se da cuenta de que necesita
ayuda, aunque no está muy seguro de qué forma debe tomar esa ayuda.

No hay mucha religión en esta película, aunque, significativamente, el único

amigo real de Jones es un trabajador de la construcción negro que dirige a su
familia en oración antes de la cena. Ese amigo, en última instancia, no puede
ayudarlo mucho, pero el ministerio de ese amigo presagia la conclusión real
de la película, lo que sugiere que las relaciones humanas son a menudo más
importantes que el tratamiento clínico. En un momento, Jones le estalla a su
amigo, usando algunas expresiones profanas que, según creo, atribuimos a
su condición mental. Pero en ese momento se sorprende a sí mismo,
dándose cuenta de que ha ofendido a un hombre de sincera piedad. En este
punto, los realizadores se dan cuenta de que aunque la "enfermedad" influye
en el comportamiento de Jones, no lo obliga a hacer lo que hace. Y no le quita
la responsabilidad.

El aspecto más controvertido de la película es la relación entre Jones y el

psiquiatra, que se consuma fuera de la pantalla. Ella está llena de culpa por
este motivo: irónicamente, no una culpa ante Dios, sino una culpa secular, la
de haber roto la regla profesional contra las relaciones personales
(especialmente sexuales) con un paciente. Es interesante que en un
momento en que las actitudes "victorianas" hacia el sexo son universalmente
rechazadas, al menos en las películas, un nuevo victorianismo (no digo
"puritanismo") ha entrado en los círculos "profesionales". Los profesionales
son dignos de elogio, supongo, por reconocer el daño que puede hacer el
sexo ilícito en una relación terapéutica; ¿Por qué, me pregunto, no ven el
daño que las relaciones sexuales pre y extramatrimoniales pueden causar en
otras áreas de la vida? La película también deja en claro que el "victorianismo
secular" se aplica de manera rígida y rígida, sin tener en cuenta las personas
involucradas. Debemos reconocer que los cristianos, también, a veces hacen
cumplir sus reglas morales sin amor, sin consideración por las personas. Pero
la película nos muestra que los cristianos no están solos en esto. El
Victorianismo secular es más una esclavitud que cualquier moralismo
religioso.

Roger Ebert ve el romance como un elemento de telenovela innecesario en

una película instructiva sobre enfermedades mentales. Por el contrario, veo
el romance como algo bastante central en el sentido de la película. La película
no es en absoluto un documental, como Ebert parece leer su intención más
profunda, sino un drama. Y aunque Ebert acepta el tabú profesional como un
hecho, la película no lo hace, pero lo cuestiona seriamente. El final de la
película vuelve a unir al psiquiatra (ahora dimitido del hospital) y al paciente
como hombre y mujer y proyecta un futuro de verdadera ayuda mutua y
esperanza. Y es que, no el mero retrato de la maníaco-depresión y su
tratamiento, es el verdadero foco de la película.

Al cristiano no le agradará el sexo extramarital que presenta y aprueba esta

película, ni el lenguaje profano de algunos de los personajes. Pero aquí hay
mucho que pensar. A medida que los cristianos cuestionan cada vez más el
“modelo médico” de la “enfermedad mental”, deben preguntarse qué quiere
Dios que pongan en su lugar. ¿Deberíamos sustituir el profesionalismo
secular por un profesionalismo cristiano para tratar de hacer frente a estas
condiciones? ¿O deberíamos considerar la propuesta implícita de esta
película: que lo que necesitan esas personas, más allá del tratamiento
farmacológico para mejorar la química de su cerebro, es amor real? ¿Es eso
un romanticismo hokey de Hollywood? ¿O es una visión real de las
necesidades de estas personas?

Aunque no soy de ningún modo un experto en maníaco-depresión, sospecho

que la receta de la película es al menos parte de la verdad. La verdad es que
estas personas necesitan sanación física, necesitan a Cristo y necesitan
personas amorosas que las apoyen y discipulen. Después de todo, debemos
ocuparnos no solo de la "enfermedad" de la persona (si es que la llamamos
así), sino también de "lo que es".

Mucho ruido y pocas nueces

Don Pedro, Príncipe de Aragón… Denzel Washington

Benedick, de Padua ………… Kenneth Branagh

Claudio, de Florencia ………. Robert Sean Leonard

Beatrice, huérfana ……… .. Emma Thompson

Héroe …………………… .. Kate Beckinsale

Don Juan …………………. Keanu Reeves

Dogberry …………………. Michael Keaton

Borachio …………………. Gerald Horan

Conrade ………………… .. Richard Clifford

Samuel Goldwyn presenta una película escrita, producida y dirigida por

Kenneth Branagh. También producido por David Parfitt y Stephen
Evans. Fotografiado por Roger Lanser. Editado por Andrew Marcus. Música
de Patrick Doyle. Duración: 111 minutos. Clasificado: PG-13 (para
sensualidad momentánea).
La película de Kenneth Branagh de "Mucho ruido y pocas nueces" de
Shakespeare es un placer maravilloso. Todos los valores de producción,
dirección y actuación fueron geniales. Realmente comunicó la obra a un
espectador moderno. Nunca me había divertido y conmovido tan
maravillosamente (simultáneamente) en mucho tiempo. Recordé el caso de
Jim Jordan de que Shakespeare era un dramaturgo cristiano y vi todo tipo de
paralelismos con el evangelio. Comienza como una fiesta maravillosa y feliz
(edénica) (tan edénica que, en un toque moderno, nadie parece darse cuenta
de que el venerado líder del ejército es negro, interpretado por Denzel
Washington; ¡aunque su hermano es blanco!), salvo el malvado Don Juan,
cuyos celos le llevan a calumniar a una de las dos heroínas. Él es la figura de
Satanás, y como se ve en la película, también me recuerda al hermano mayor
en la parábola del hijo pródigo: incapaz de disfrutar de las festividades,
debido a alguna injusticia imaginada. Él es la única figura severa, el diablo
como fariseo.

La niña calumniada sufre muerte y resurrección simbólicas. Su prometido,

que creyó en las acusaciones falsas y, por lo tanto, es susceptible de muerte
(el personaje de Branagh lo desafía a un duelo), se arrepiente y el perdón
abunda maravillosamente. El pecado no se ignora; el prometido debe pagar
un precio que le parece algo siniestro; pero el precio, aceptado
voluntariamente, resulta ser la consumación del gozo. En los brazos de la
niña “resucitada”, él es elevado simbólicamente con ella a la novedad de vida,
y la fiesta comienza de nuevo. Ella es la figura de Cristo.

Mientras tanto, hay un diálogo cómico maravilloso, burlas afables entre la

otra pareja, Benedick y Beatrice, interpretados por Branagh y su esposa
Emma Thompson. Incluso en sus comentarios más perversos, su buen
corazón se nota. ¿El buen corazón del personaje o el de Thompson? Bueno,
es difícil para mí imaginarme a Thompson interpretando a una persona
realmente malvada. Finalmente, Beatrice y Benedick descubren su amor el
uno por el otro bajo sus cínicas fachadas. Esencialmente, lo que sucede es
que cada uno es engañado por terceros haciéndole creer que es amado por
el otro. Esa hipótesis pone una nueva “perspectiva” sobre los datos,
mediante la cual cada uno es capaz de descubrir su amor por el otro. Cada
uno aprende a amar al ser persuadido de que primero ha sido amado. El
paralelo con la gracia de Dios es notable.

La música es rica, maravillosa y apropiada. Las canciones de Shakespeare

nunca se han arreglado de manera tan hermosa.
La figura de Satanás y sus cohortes obtienen sus merecidos, pero la mayoría
de los demás se regocijan al final, de modo que los malvados simplemente
desaparecen de la imagen. No es una mala representación de la escatología
bíblica: lejos de ser glamorosos como en este mundo, los malvados ni
siquiera son extrañados.

¿La gente reformada realmente entiende “el reino de Dios como una fiesta”,
para citar a Tony Campolo? Creo que no muy a menudo. La descripción que
hace Shakespeare del reino (realmente creo que eso es lo que es) es mucho
más convincente que la habitual imagen amarga reformada de la vida
cristiana. Pienso en el comentario de Jordan sobre las personas que piensan
que Dios se sienta en el cielo esperando abalanzarse sobre nosotros por
cometer un error litúrgico o teológico. Esa parece ser la mentalidad teológica
de muchas personas reformadas.

Tomé cursos de Shakespeare en la universidad. Entonces fue una tarea,

entender el inglés isabelino y clasificar todas las ideas del profesor sobre los
"significados más profundos". Pero ahora, especialmente después de
"Enrique V" de Branagh y éste, he llegado a amar a Shakespeare y encontrar
en él un espíritu afín.

Mi vida

Bob Jones ……… Michael Keaton

Gail Jones …… .. Nicole Kidman

Paul ………… .. Bradley Whitford

Theresa ……… .. Queen Latifah

Bill ………… .. Michael Constantine

Rose ………… .. Rebecca Schull

Dr. Mills ……… Mark Lowenthal

Columbia presenta una película escrita y dirigida por Bruce Joel
Rubin. Producida por Jerry Zucker, Rubin y Hunt Lowry. Fotografiado por
Peter James. Editado por Richard Chew. Música de John Barry. Duración: 112
minutos. Clasificado: PG-13 (para temas para adultos).

Una película como esta puede enseñarnos mucho sobre las actitudes
modernas hacia la religión, ya que trata sobre la muerte y el morir, quizás el
área en la que incluso la gente moderna todavía piensa seriamente.

Bob Jones, nacido en Detroit como Bob Ivanovich, se está muriendo de

cáncer mientras su esposa espera a su primer hijo. El teólogo residente de la
película, un curandero chino, diagnostica el problema subyacente como ira
reprimida. De hecho, Bob ha estado enojado con su padre desde la infancia,
porque su padre pasaba tan poco tiempo con él. El padre era un comerciante
de chatarra, que Bob piensa que debería describirse más honestamente
como "basura". Bob odiaba Detroit y el negocio de la basura. Se fue a Los
Ángeles a la primera oportunidad y se convirtió en un hombre de relaciones
públicas. (¿Los autores del guión vieron una analogía entre los expertos en
relaciones públicas de Hollywood y los traficantes de chatarra?) Tuvo éxito,
pero tenía pocos amigos reales. En una búsqueda vergonzosa de
testimonios, no encuentra a nadie que pueda decir mucho en su nombre más
allá de elogiar su destreza comercial y sus contribuciones caritativas. Incluso
su esposa Gail, que lo ama profundamente, se queja de que la deja fuera de
sus luchas. Evidentemente, su ira lo ha alejado de cualquier relación humana
profunda.

Él también, evidentemente, está enojado con Dios. Cuando era niño, una vez
oró para que Dios trajera un circo a su patio trasero después de la
escuela. (Su padre había prometido llevarlo al circo, pero no lo había hecho
debido a la presión del trabajo). La película nos abruma con la sincera
sinceridad de la oración. Invita a todos sus compañeros a ver el maravilloso
circo. Pero no hay circo; los niños deben ser enviados a casa. Tanto el padre
terrenal como el padre celestial han defraudado a Bob, insinúa la película.

Entonces Bob está alejado de Dios y de los hombres, y la enfermedad

avanza. Hasta el final de la película, se ve perfectamente sano en su mayor
parte, un elemento bastante incómodo en la representación de la
película. Pero la mente de Bob está preocupada por su destino y por el
futuro. Al principio, esta preocupación aumenta su alejamiento del
mundo. Está tan decidido a llevar un registro de sus últimos días para su hijo
aún no nacido que ve el mundo entero a través de una cámara de video. Es
un espectador, no un participante. Es como si ya hubiera muerto y viera el
mundo desde algún reino fantasmal fuera de él.

Pero cambia. Visita Detroit nuevamente para la boda de su hermano, y de

hecho deja a un lado la cámara de video para unirse a su hermano en algunos
bailes étnicos. (Al principio de la película, habría adivinado que la familia era
judía, pero resulta que son ucranianos). Aún así, los viejos odios resurgen
cuando habla con sus padres. Condenan su falta de respeto: que dejó a su
familia, que cambió el apellido, que casi nunca los llamó. Él, a su vez, plantea
todas sus antiguas quejas.

El curandero chino le ministra. La medicina ortodoxa no puede ayudar, pero

claramente este sanador tiene poderes más allá de los tratamientos
estándar. Ha sanado a otros y mantiene a Bob más allá del tiempo esperado
de su muerte, para que conozca a su nuevo hijo. Las manos del sanador
ponen a Bob en contacto con su yo interior, que, según sabemos, es la fuente
de la plenitud. Bob tiene una visión de la gran luz que es este ego
trascendental. Pero los tumores generados por la ira crecen demasiado
rápido incluso para el sanador chino, quien le aconseja a Bob que se prepare
para la próxima vida, la reencarnación.

La película refuerza el tema de la reencarnación, ya que la vigilancia de la

muerte de Bob es paralela al embarazo y el parto de Gail. En ambos casos,
los cubitos de hielo se limpian en los labios, la respiración es laboriosa y
disciplinada, y el final es una liberación en un alegre abandono.

Todos se reconcilian de alguna manera. Los padres vienen a Los Ángeles. Bob
se disculpa en cierto modo por su crueldad con ellos, pero es una disculpa al
estilo de Hollywood: dice, en efecto, que todo el asunto no es culpa de
nadie; tales problemas simplemente ocurren y nadie tiene la culpa. Así, el
alejamiento se disuelve en el relativismo moral y Bob queda libre para
reencarnarse. ¿También está reconciliado con Dios? No de una manera
obvia. Dios no juega ningún papel en la teología de la Nueva Era que informa
los últimos días de Bob. En un universo moralmente relativista, no hay Dios
con quien reconciliarse.

La película se demora en su muerte durante más tiempo del que me sentía

cómodo; quizás tenía la intención de hacerlo. Supongo que se suponía que
iba a encontrar la muerte de Bob como una experiencia triunfal, pero no fue
así. Si la película es correcta y la realidad es un proceso impersonal sin
distinciones morales, entonces ni la muerte ni la vida ofrecen esperanza.

Filadelfia

Andrew Beckett ……… Tom Hanks

Joe Miller …………. Denzel Washington

Belinda Conine ……… Mary Steenburgen

Charles Wheeler …… .. Jason Robards

Kenneth Killcoyne …… Charles Glenn

Miguel Alvarez ……… Antonio Banderas

Walter Kenton ………. Robert Ridgely

TriStar presenta una película dirigida por Jonathan Demme. Producida por
Edward Saxon y Demme. Escrito por Ron Nyswaner. Fotografiado por Tak
Fujimoto. Editado por Craig McKay. Música de Howard Shore. Duración: 119
minutos. Clasificado: PG-13 (para algún lenguaje gráfico y material
temático).

Esta es la primera gran película sobre el sida de Hollywood, producida con las
mejores estrellas, un director destacado y mucha publicidad. Ha obtenido
críticas favorables. Es una decepción para mí, y no solo porque me opongo a
muchas opiniones de la comunidad gay. Aunque disfruté de las tomas
bastante turísticas de Filadelfia, donde viví durante algunos años, no había
mucho más de la película que fuera interesante.

Andrew Beckett (Tom Hanks), un joven y brillante abogado gay, tiene SIDA. Y
cuando su prestigioso bufete de abogados se entera, alguien roba un
documento importante para que Beckett parezca descuidado, por lo que el
bufete de abogados lo despide, supuestamente por incompetencia. Beckett
cree que lo despidieron por tener SIDA, que es, por supuesto, la
verdad. Demanda a la firma, bajo la representación de Joe Miller (Denzel
Washington). A Miller no le gustan los homosexuales, pero finalmente toma
el caso y gana. Mientras tanto, Beckett muere de SIDA. Eso es.

Si asiste a la película esperando un gran drama de guerra legal, se sentirá

decepcionado. El juicio no contiene sorpresas, ni estrategias particularmente
interesantes. Lo que convence al jurado es un punto que fue evidente desde
el comienzo de la película. Hay muchas miradas ceñudas en ambos lados, y
los abogados de la firma dicen cosas malas sobre los homosexuales y todo
eso. En otras palabras, el proceso legal es aburrido.

La muerte de Beckett, por tanto, tiene que soportar la mayor parte de la

carga de los intereses de suministro. Hay una escena notable, donde Beckett
y Miller están trabajando en el caso en la casa de Beckett. Beckett, que a
estas alturas está cerca de la muerte, toca un disco de ópera, narrando un
hermoso solo de María Callas. Lo traduce y le explica la trama a Miller, que
no es un fanático de la ópera. En la descripción de la situación operística, le
descubre el alma a Miller y, según nos enteramos, por primera vez ayuda a
Miller a verlo como persona.

Pero el resto del sufrimiento de Beckett es tan agotador como el juicio. La

cámara permanece en el hospital mientras cada miembro de su gran familia
(incluido, por supuesto, el amante gay de Beckett) lo abraza y lo besa. Todos
están de su lado, y esta gran familia de "valores tradicionales" simplemente
tira de nuestras fibras del corazón, suplicándonos que amemos a su
Andrew. Toda la película es así: parece que nos grita en voz alta, "solo tienes
que amar a este tipo", sin darnos ninguna razón específica para amarlo. En
realidad, parece ser nada más que otro abogado inteligente que se metió en
una mala situación.

De manera similar, el punto de vista de la película, al igual que los elementos

de la trama, es la corrección política predecible. Beckett es una víctima, pura
y simplemente. Cualquiera que sugiera que tiene alguna responsabilidad por
su condición es denunciado como intolerante. Cualquiera que tenga algunas
dudas sobre la opinión generalizada de que el SIDA no se puede propagar
por "contacto casual" también es intolerante. La acción de la empresa es
simplemente una negación de los derechos civiles. Así que la película es tan
aburrida en interés intelectual como en trama.
Es difícil concebir cómo esta película pudo haber surgido del director de “El
silencio de los corderos”, en la que la audiencia se mantuvo constantemente
al límite por giros en la trama, imágenes fascinantes e intrincadas ironías
morales. Sin embargo, eso sucede a veces cuando un director se pone serio
e ideológico. Hanks, Washington y los actores menores hacen un muy buen
trabajo con sus personajes. El turno de Jason Robards como director del
malvado bufete de abogados fue una mera caricatura, al igual que los otros
miembros del bufete. Me acuerdo de "Adivina quién viene a cenar", la película
de 1967 sobre el matrimonio interracial. Contaba con la dirección de Stanley
Kramer, Sidney Poitier, y la legendaria pareja, Spencer Tracy y Katherine
Hepburn. Pero en mi opinión había poco interés en la película. Era un tratado
liberal, con una trama completamente predecible y gente increíblemente
maravillosa.

Sin duda, el SIDA es algo terrible, y debemos simpatizar con sus

víctimas. Pero no se conquistará mientras nuestra sociedad insista en tratar
la homosexualidad como un estilo de vida alternativo válido y el SIDA como
una condición protegida por un silencio legalmente impuesto y tratada como
una cuestión de derechos civiles. Ese es el tratamiento que defiende esta
película. Como tal, la película hará más daño que bien en la batalla contra el
SIDA.

Grupo

Protagonizada y dirigida por Melvin Van Peebles

Un western con actores negros, que destaca que la mitad de los vaqueros
del viejo oeste eran negros. Van Peebles interpreta a un soldado de guerra
hispanoamericano que, con cinco amigos, se ausenta sin permiso de su
sádico comandante y se dirige al oeste para vengar la muerte de su
padre. Finalmente, el sádico comandante lo alcanza, y el personaje de Van
Peebles también debe enfrentarse al igualmente sádico sheriff
blanco. Mientras tanto, nos enteramos de que su padre había llevado a un
grupo de personas a fundar un pueblo completamente negro llamado
Freemanville y los había instado a que se educaran antes de que lo
lincharan. La ciudad sigue en pie, aunque amenazada por el alguacil blanco y
la corrupción del principal funcionario negro.
La película es ruidosa y de ritmo rápido, vertiendo sangre por cubos. Es una
reminiscencia de "New Jack City" de Van Peebles y películas similares de Spike
Lee y otros. Algunos críticos han pensado que este ritmo era inapropiado
para un western, que oscurecía la historia. Sentí que era, bueno, un western
negro, contado como los propios afroamericanos no cristianos decidieron
contarlo. Nada de Dios aquí. El mensaje principal de la película es que tienes
que tomar el control de las cosas por ti mismo, por la fuerza si es necesario,
y no permitir que nadie te "defraude". Es una película de gueto ambientada
fuera del ghetto, con valores de ghetto.

Por supuesto, también debemos observar a través de esta película que los
valores del gueto no son terriblemente diferentes de los valores de ese “viejo
oeste” que tradicionalmente ha sido glamorizado como parte de la historia
blanca. Eso puede hacernos más comprensivos con la difícil situación de los
negros urbanos de hoy. Quizás, sin condonar su espíritu belicoso, podamos
entenderlos mejor comparándolos con las familias que poblaban las
comunidades occidentales sin ley. Estos habitantes, al igual que los
habitantes del centro de la ciudad moderna, a menudo vivían donde vivían
por necesidad económica y con un valor considerable.

Sentí que aprendí aquí algunos aspectos de la historia negra que no había
escuchado antes. Por eso, en particular, recomiendo la película.

la lista de Schindler

Oskar Schindler …… .. Liam Neeson

Itzhak Stern ……… .. Ben Kingsley

Amon Goeth …………. Ralph Fiennes

Emilie Schindler ……. Caroline Goodall

Poldek Pfefferberg… .. Jonathan Sagalle

Helen Hirsch ……… .. Embeth Davidtz

Universal presenta una película dirigida por Steven Spielberg. Producida por
Spielberg, Gerald R. Molen y Branko Lustig. Escrito por Steven
Zaillian. Basada en la novela de Thomas Keneally. Fotografiado por Janusz
Kaminski. Editado por Michael Kahn. Música de John Williams. Duración: 184
minutos. Clasificado: R (para lenguaje, algo de sexualidad y violencia de
actualidad).

Stephen Spielberg ha dirigido tres o cuatro de las diez películas más

taquilleras de todos los tiempos, incluidas "ET", "Jurassic Park" y "Jaws". Pero
"La lista de Schindler" es, sin duda, su obra maestra, y una película muy
diferente a las demás. Normalmente asociamos a Spielberg con cosas
bastante desenfadadas, por muy hábilmente dirigidas que sean. En una
película típica de Spielberg, hay todo tipo de escenas de tour de force,
escenas que parecen diseñadas principalmente para mostrar las cosas
maravillosas que puede hacer un director si tiene un presupuesto lo
suficientemente grande a su disposición. La presente película, aunque
presenta un desafío de dirección aún mayor que las demás, con escenarios
enormes y un “elenco de miles”, como solían decir, no contiene escenas de
“gee whiz”. La dirección está bastante subordinada a la historia, cuyo poder
es enorme.

Eso no quiere decir que no haya algunos trucos de dirección; pero estos
están subordinados al tema. Por ejemplo, la película está principalmente en
blanco y negro, el medio en el que se almacenan la mayoría de nuestros
recuerdos comunes de la década de 1940. Esto no distrae en
absoluto; parece la forma más natural posible de añadir realismo al
drama. Pero hay manchas de color aquí y allá, por razones importantes para
el propósito de la película. Por ejemplo, en todo el gris y la masacre del gueto
de Varsovia, hay un poco de rojo en el abrigo de una joven. Está huyendo de
los asesinos alemanes. Vemos ese abrigo y lo recordamos cuando más tarde
vemos el cadáver de la niña siendo arrastrado con una carga de otros
cadáveres judíos.

Oskar Schindler es un hombre de negocios alemán que descubre a principios

de la Segunda Guerra Mundial que si uno puede (1) hacer algo útil para el
esfuerzo de guerra (2) contratar trabajadores judíos que se pueden obtener
por salarios de esclavos (3) atraer inversiones de empresarios judíos que
legalmente no puede poseer una propiedad y, por lo tanto, debe hacer todas
sus negociaciones de manera informal, puede ganar una gran cantidad de
dinero. Es interpretado por Liam Neeson, algo en contra de su tipo habitual
de casting. Neeson a menudo interpreta a hombres vulnerables y súper
sensibles; aquí, su vida interior está bastante cerrada para nosotros. En el
exterior, es ajeno al sufrimiento que lo rodea, interesado solo en los
negocios, el dinero y los buenos tiempos. Es miembro del partido nazi y
cultiva amistades entre las SS.

En algún momento, sin embargo, su motivación fundamental sí

cambia. Quizás ese punto sea la destrucción del gueto de Varsovia por parte
de los nazis, que él observa desde una colina, donde él y una amiga (una de
muchas) han venido en un paseo a caballo. La película no nos dice cuándo
está cambiando y por qué. Naturalmente; porque hablar de tales cosas en
ese contexto podría haber significado la muerte. Y en cualquier caso, dejar
abierta esa cuestión es sin duda mejor drama. Schindler muestra sus
convicciones cambiadas en sus actos, no discursos, soliloquios o arrebatos
emocionales. Sin embargo, este cambio tuvo lugar, la segunda mitad de la
película muestra a Schindler usando todos sus poderes para engañar a los
nazis, pagándoles (perdiendo todo su dinero en el proceso), rescatando
judíos y socavando el esfuerzo de guerra alemán. Él e Itzhak Stern, su
contable judío, compile una lista de judíos que de otro modo casi con certeza
serían considerados "prescindibles" y Schindler exige que los judíos de esa
lista sean liberados para trabajar en la fábrica de Schindler. Cuando los judíos
son enviados a Auschwitz por error, Schindler incluso marcha al campo de
exterminio para llevarlos de regreso. Estos son "su pueblo"; la película
presenta este rescate como una confrontación entre Moisés y el Faraón.

Para los nazis, su motivación sigue siendo el negocio. Una leve debilidad
dramática de la película es la estupidez de los nazis y los oficiales, que casi
recuerda al coronel Klink en la vieja comedia de televisión, "Los héroes de
Hogan". ¿Fueron realmente tan crédulos como para caer en las estafas
realmente transparentes de Schindler? Quizás a Spielberg le gustaría creer
que lo eran, pero tengo mis dudas.

Los paralelos entre Schinldler y Moisés abundan en la película, ya sea por

intención de Spielberg o por providencia divina en la historia real. Así como
Moisés fue educado en toda la sabiduría de los egipcios, Schindler fue parte
del sistema opresivo. Así como Moisés se sintió conmovido por una vista
cercana de la opresión, también lo hizo Schindler. Así como Moisés condujo
al pueblo a través del desierto, Schindler lleva a su enorme fuerza de trabajo
a un viaje improbable desde Polonia a Checoslovaquia. Así como Dios guió al
pueblo bajo Moisés, parece que una mano invisible está empujando
obstáculos en el camino de Schindler. Por supuesto, Moisés era
judío; Schindler no lo era, aunque Moisés fue criticado por haberse casado
con una esposa extranjera, y es posible que se sospechara de él por sus
vínculos con la hija del faraón.

Sin embargo, a diferencia de Moisés, Schindler era esencialmente un

showman. Al principio, le dice a Stern que él (Schindler) sabe poco acerca de
cómo administrar fábricas y reclutar trabajadores; ese es el trabajo de
Stern. El trabajo de Schindler es mantener las apariencias. Vino y cena los
nazis y los oficiales militares. Les envía grandes cestas de delicias del
mercado negro, hace felices a todos con sobornos. Dice todo tipo de
mentiras plausibles sobre cómo este o aquel trabajador es enormemente
hábil o cómo este otro hombre es absolutamente esencial para el esfuerzo
bélico. Mientras tanto, hace todo lo posible para asegurarse de que su fábrica
de municiones no produzca ni un solo proyectil utilizable. La historia de
Schindler debe haber atraído a Spielberg en parte porque es una historia de
salvación a través del teatro. Esta idea ya se ha probado antes, por ejemplo,
en la serie de televisión "Misión Imposible". Ahí, Los actores
superprofesionales salvaron el mundo cada semana a través de disfraces,
performances, decorados elaborados y engaños. En MI, fue muy
divertido. Pero en esta película, casi parece que podría haber
sucedido. Quizás lo hizo.

Los judíos de Schindler sobreviven. Ahora hay 6000 de sus

descendientes. Por el contrario, al final de la guerra, solo 4000 judíos seguían
vivos en Polonia. Muchos de los judíos rescatados y sus familias aparecen al
final de la película, colocando piedras conmemorativas en la tumba de
Schindler. Es una conclusión adecuada y conmovedora.

El Holocausto, más que el Éxodo bíblico, es el gran evento histórico que

domina la memoria de la comunidad judía de hoy y une a esa comunidad,
tanto a los teístas como a los ateos entre ellos. Los horrores de esa época
han hecho que algunos judíos renuncien a Dios, otros piensen en él de otra
manera.

Esta película presenta a un salvador de las atrocidades, un salvador de unos

pocos miles entre los seis millones destruidos. (Observo que el verdadero
Moisés salvó a unos cuantos más, pero no a tantos como Jesús.) El salvador
en esta película es un secularista que apenas es consciente de sus propios
motivos y que no tiene un plan maestro, pero improvisa su camino desde una
dificultad a la siguiente. Las iglesias en la película se utilizan solo para
reuniones clandestinas de judíos y, en un momento, como escenario para la
propuesta de matrimonio de Schindler. Los cristianos deben hacer la
pregunta seria, ¿dónde estaba el cuerpo de Cristo? Por supuesto, también
hubo cristianos heroicos durante la guerra. Pero, ¿por qué tantos cristianos
profesantes no hicieron nada, o incluso apoyaron al malvado régimen nazi?

Y, por supuesto, está la pregunta más importante, ¿dónde estaba Dios? No

voy a trivializar estos terribles eventos promulgando alguna teoría de por qué
Dios permitió que sucedieran, aunque tengo fe en que Él tenía propósitos,
incluso en esta historia, que fueron maravillosamente sabios. Pero aquí
también hay un problema de incredulidad. Ciertamente, la situación destruye
tanto el relativismo ético como el sentimentalismo humanista. Después de
ver esta película, pocos podrán negar que es verdadero mal, y está claro que
la infección no sólo un gran número de colaboradores Hitler y sus secuaces,
pero y observadores pasivos, sin excluir el propio Schindler, el especulador
de la guerra describe a sí mismo. ¿Alguno de nosotros lo habría hecho mejor?

Con solo decir la verdad histórica, la película muestra la desesperada

necesidad de la humanidad por el perdón divino en Cristo. Y muestra que
incluso los esfuerzos de un gran hombre solo pueden salvar a unos pocos,
durante unos años más de vida física. Si hay justicia, debe haber una vida
eterna, y el salvador debe ser Dios mismo. La historia bíblica no es la salvación
a través del teatro; es, en ejecución y resultado, la más pura realidad. Esta
historia plantea algunas preguntas que son difíciles de responder para los
cristianos (o cualquier otra persona). Pero también plantea algunos que solo
el cristianismo puede resolver.

Shadowlands

C. S. Lewis ………. Anthony Hopkins

Joy Gresham ……… Debra Winger

Warnie Lewis …… .. Edward Hardwicke

Prof. Riley ……… John Wood

Rev. Harrington… .. Michael Denison

Douglas Gresham… .. Joseph Mazzello

Dr. Craig ……… .. Peter Firth

Savoy Pictures presenta una película dirigida por Richard

Attenborough. Producida por Attenborough y Brian Eastman. Escrito por
William Nicholson, basado en su obra. Fotografiado por Roger Pratt. Editado
por Lesley Walker. Música de George Fenton. Duración: 133
minutos. Clasificado: PG (para elementos temáticos).

“Shadowlands” deberá contarse en la lista muy pequeña de películas

recientes que presentan una visión en gran parte precisa y comprensiva de
los cristianos protestantes que toman en serio su fe. Esa lista es tan pequeña
que casi puedo repetirla de memoria: "Carros de fuego", "Tiernas
misericordias", "Viaje a la abundancia". En ese sentido, esta película quizás
no sea tan contundente como las otras tres, como indicaré a
continuación. Pero es digno de ser incluido en ese pequeño grupo, y ese es
un hecho significativo.

Como las demás, esta es una película excelente, bien interpretada, dirigida,
fotografiada, con guión. Todo se siente auténtico y el diálogo es siempre
inteligente: ingenioso en las primeras réplicas intelectuales, profundo en la
tristeza final. Winger es un poco inconsistente en su acento judío, pero eso
es una objeción. Los actores secundarios son excelentes, una marca
registrada de la industria cinematográfica inglesa.

La historia es de CS Lewis, conocido como "Jack" por sus amigos, profesor de

literatura de Oxford, apologista cristiano y escritor de muchos libros,
incluidas las fantasías infantiles de "Narnia". En 1951, conoce a una mujer
estadounidense llamada Joy Gresham que se ha estado comunicando con
él. Ella es de origen judío, una poeta, convertida al cristianismo de una
historia de ateísmo y comunismo. Ella también está infelizmente casada
(luego divorciada), tratando de criar a su hijo de diez (?) Años Douglas (que
ama los libros de Narnia). Al principio, la relación de Jack y Joy es un duelo
intelectual, con respeto y cariño cada vez mayores.
Después de su divorcio, quiere permanecer en Inglaterra con su hijo, y Lewis
se casa con ella en una ceremonia civil, simplemente para facilitar ese
deseo; aún así, continúan viviendo separados y relacionándose entre sí solo
como amigos. Lewis no le cuenta a nadie de este matrimonio de
conveniencia excepto a su hermano y compañero de casa Warnie.

Pero Joy descubre que se está muriendo de cáncer. Al cuidar de ella, Lewis
descubre el amor real, y en la habitación del hospital se casa con ella de
verdad, ante un clérigo, con un anillo. Finalmente, ella se muda a su casa y
disfrutan breves períodos de felicidad conyugal antes de que llegue el final. El
final es agridulce de una manera que recuerda un poco a "Love Story",
aunque más profundo porque (en mi opinión) la pareja en la presente película
tiene mucha más sustancia espiritual.

Los lectores de Narnia se sentirán conmovidos por las escenas en las que
Douglas descubre un viejo guardarropa en el ático de Lewis y se abre camino
a través de las prendas en busca de la tierra mágica de las Crónicas de
Lewis . Su decepción al encontrar solo una pared sólida en el otro lado
prefigura el triste final de la película.

La película nos muestra a Lewis varias veces dando conferencias sobre "El
problema del mal", la cuestión de por qué un Dios bueno permite el mal en
su creación. En las escenas de las conferencias, la película parece decirnos
que Lewis es demasiado engreído al respecto. Uno de sus colegas al principio
dice medio en serio que Lewis está en el negocio de encontrar respuestas
fáciles a preguntas difíciles, y la película parece validar esa
estimación. Esencialmente, las conferencias de Lewis en la película señalan
que el sufrimiento es el "megáfono" de Dios, para desafiarnos a pasar de
nuestras preocupaciones egoístas a cosas mayores. En realidad, el
tratamiento que hizo Lewis del Problema fue más complicado y matizado
que eso, como puede verse en su Problema del dolor.

Los cineastas intentan dejar claro que cuando el propio Lewis soportó la
tragedia, todas las seguridades de sus conferencias lo abandonaron y él no
vio nada en los sufrimientos de Joy excepto la tragedia y el dolor. Como el
chico del armario, Lewis pierde sus ilusiones. ¿Joy realmente necesitaba una
"llamada de atención divina"? ¿Su hijo? ¿Alguien se benefició de alguna
manera de su sufrimiento?
Probablemente haya algo de verdad en este relato. Se podría comparar El
problema del dolor con el posterior A Grief Observed de Lewis, en el que trata
la muerte de Joy. Tal comparación, más la literatura biográfica sobre Lewis,
sugiere que la muerte de Joy cambió su perspectiva sobre el mal hasta cierto
punto. Ciertamente es legítimo observar que El problema del dolor no es un
libro para regalar a alguien en medio de una tragedia personal. Sin embargo,
su razonamiento no es inútil por todo eso. Incluso la idea del sufrimiento
como "la llamada de atención de Dios" contiene mucha verdad. Me molesta
un poco que la película menosprecie la apologética tanto como lo hace. En
mi opinión, esa evaluación no distingue suficientemente entre la consejería
pastoral y la apologética como disciplina intelectual. Por otro lado, El
problema del dolor sin duda habría sido un libro mejor si hubiera tenido una
visión más clara de la soberanía divina y, por tanto, un mayor reconocimiento
del misterio.

Aunque estoy debidamente agradecido por el trato compasivo de los

cristianos aquí, no puedo dejar de observar que esta película trata sobre
alguien cuya teología cristiana le falla en un punto crucial. Concedo que eso
sucede, y no niego que sea un tema apropiado para el drama. Pero, ¿por qué
no vemos películas sobre cómo la fe de alguien, su teología, lo sostiene a
través de la tentación y la prueba? ¿Qué hay de la conversión de Lewis, tan
dramáticamente descrita en su libro "Surprised by Joy"? (El título del libro,
que presagia irónicamente su romance, fue escrito mucho antes). ¿Por qué
no pudo haber una película sobre eso?, en lugar de un fracaso teológico en
su vida? De hecho, ¿por qué tenemos que volver a “Beckett” y “Man For All
Seasons” para encontrar algún tipo de fe triunfante?

Otro problema que tuve en la película fue el tratamiento de Joy. Aunque se

nos dice que es cristiana, no aprendemos mucho sobre su propia fe
personal. ¿Cómo llegó a Cristo con un trasfondo tan improbable? ¿Cómo
influyó su propia fe en sus sufrimientos? En la película ella es muy inteligente,
ingeniosa, franca, honesta, paciente y, al final, cariñosa; pero no está claro
cómo estas cualidades surgen o interactúan con su compromiso
religioso. Aprendemos mucho de la religión de Jack, pero casi nada de la de
Joy. De hecho, Joy parece presentar con mayor frecuencia una especie de
desafío a la religión de Jack, lo que lo obliga a reconsiderar sus garantías,
reforzando el impulso teológico algo negativo señalado anteriormente.

¿Es concebible que una mujer que había sido conmovida por los escritos de
Lewis lo suficiente como para querer visitarlo, que podía identificar los
pasajes de sus libros palabra por palabra, después de conocerlo nunca
hablaría en absoluto sobre Dios o Jesús? La película parece más bien
secularizar la historia de una manera que es difícilmente plausible para
aquellos de nosotros que conocemos a CS Lewis a través de otros
canales. Un crítico mencionó que cuando Lewis se casó con Joy en el
hospital, se llevó a cabo un rito de curación en la iglesia, y a esto siguió su
larga remisión. La película omite esto por completo. Observa que Lewis oró
por su recuperación; pero cuando alguien comenta que Dios está
respondiendo a sus oraciones, Lewis objeta: no está orando para cambiar a
Dios, sino para cambiarse a sí mismo. ¿Significa eso que en realidad no espera
que Dios le responda, y que no pensó que Dios realmente le estaba
respondiendo? Típico de Hollywood,

En general, sin embargo, la película es excelente, una experiencia

verdaderamente edificante para los creyentes cristianos y un testimonio para
los incrédulos de una auténtica vida cristiana. A pesar de todas mis
objeciones, el verdadero CS Lewis brilla. Cualquiera que piense que el
cristianismo empobrece el intelecto y la profundidad de los sentimientos
debería ver esta película.

Atajos

Gene Shepard ………. Tim Robbins

Sherri Shepard …… .. Madeleine Stowe

Ann Finnigan ………. Andie MacDowell

Howard Finnigan ……. Bruce Davison

Marian Wyman ………. Julianne Moore

Dr. Ralph Wyman ……. Matthew Modine

Paul Finnigan ……… Jack Lemmon

Lois Kaiser ……… .. Jennifer Jason Leigh

Jerry Kaiser ………. Chris Penn

Doreen Piggot ……… Lily Tomlin

Clima tormentoso ……. Peter Gallagher

Fine Line presenta una película dirigida por Robert Altman. Producida por
Cary Brokaw. Escrito por Altman y Frank Barhydt. Basado en las historias de
Raymond Carver. Fotografiado por Walt Lloyd. Editado por Geraldine
Peroni. Música de Mark Isham. Duración: 189 minutos. Clasificado: R (para
lenguaje sexual gráfico y desnudez).

Las películas más conocidas de Robert Altman, particularmente "Nashville" y

"The Player", son grandes y expansivas, y tratan de medir toda una cultura o
subcultura. Tienen muchas subtramas y muchos personajes cuyas vidas se
superponen solo ocasionalmente y en momentos significativos. La
cosmovisión de Altman parece ser que gran parte de la vida pasa sin
planificación ni previsión. Los momentos más importantes de la vida son
momentos que no podemos planificar y en los que a menudo hacemos algo
incorrecto, sin que sea nuestra culpa.

Disfruté de "Short Cuts" y admiré la artesanía de Altman. Sin embargo, me

gustó mucho más “Nashville” y “The Player”, porque esas películas, a pesar
de su diversidad, tenían una mayor unidad y sentido de dirección. Este es
más un "trozo de vida", una serie de miradas a Los Ángeles de los 90 a través
de muchos, muchos ejemplos específicos. Aún así, esta película es un buen
ejemplo de la cosmovisión de Altman.

Doreen (Lily Tomlin) conduce lentamente por la carretera de camino a

casa. Casey, de ocho años, llega tarde a la escuela y sale corriendo a la calle
tratando de adelantarla en la intersección. Ella lo golpea, y en agonía detiene
su auto y se acerca a él. Ella le ofrece llevarlo al hospital oa su casa, pero él
se niega porque su mamá no lo deja viajar ni hablar con extraños. Así que
camina a casa solo. Ella piensa que él se ve bien, así que vuelve a su auto y
maneja a casa, sin duda, con mucha culpa en su conciencia. El niño se va a
casa, le cuenta a su madre lo que pasó y luego se queda dormido en la
cama. Su sueño resulta ser un coma. Algo le ha ocurrido a un vaso en su
cerebro y muere en el hospital.
El octavo cumpleaños del niño habría sido al día siguiente, y los padres
habían contratado a un panadero para que le hiciera un pastel. El panadero
llama a la familia para concertar una recogida, pero no quieren que se
molesten en explicarle la situación. El se enoja. Le costó mucho hacer ese
pastel. Después de algunos tragos, los vuelve a llamar, haciendo comentarios
insultantes y quizás amenazantes sobre su hijo. Los padres luego conjeturan
quién es la persona que llama y lo visitan enojados. Cuando se entera de que
el niño murió, se siente mortificado. De repente se vuelve compasivo y
consuela a los padres afligidos. Tenemos la impresión de que perdonan y
aceptan ese consuelo.

Estos son típicos de los muchos incidentes de la película. Lo que Altman

parece estar diciendo es que las cosas simplemente suceden. Cuando
juzgamos a otros, normalmente no conocemos su historia. Si lo hiciéramos,
no lo culparíamos; preferimos extender la mano para perdonar y
consolar. Todo el mundo tiene buenas intenciones, pero es terriblemente
difícil vivir en este mundo y, a menudo, se vuelve demasiado para nosotros.

Los errores que comete la gente en esta película generalmente se pueden

resumir en términos del título de la película. La gente hace cosas malas,
simplemente porque es demasiado problema hacer lo correcto: demasiado
problema para comprender realmente los sentimientos de otra persona o
para tomar todas las precauciones que dicta la moralidad.

Puedo simpatizar con esa actitud hasta cierto punto. Las Escrituras nos
enseñan a ser lentos para juzgar a los demás, y es cierto que muchos,
posiblemente la mayor parte, de nuestro enojo hacia los demás se debe a la
ignorancia. Y ciertamente a este mundo le vendría bien mucha más
compasión y perdón. Y Eclesiastés tiene mucho que decir acerca de la
aparente aleatoriedad de los eventos en el mundo, y cuántos de nuestros
mejores esfuerzos fracasan.

Pero me temo que Altman está generalizando aquí. Parece querer decir
que todo el mundo es básicamente bueno, incluso los asesinos y adúlteros
entre nosotros. Nuestros problemas son causados por nuestra finitud, por
estar fuera de lugar en el orden social y cósmico de las cosas. Escuche a Jack
Lemmon decirle a su hijo de quien hace mucho tiempo por qué le fue infiel a
su esposa: solo sucedió una cosa, luego otra. Nadie tenía la culpa, y menos
él.
Eso, ciertamente, no es el universo de Dios, sino el de Altman. Altman es un
cineasta persuasivo y su universo casi parece real. Pero hay dimensiones
morales y metafísicas en la creación de las que no sabe nada. Ciertamente,
un cristiano debe criticarlo al menos por su falta de coherencia: si el adulterio
y la crueldad son solo accidentes, entonces la compasión también lo es. Si
no vamos a juzgar al primero, ¿por qué deberíamos admirar al segundo? Pero
cuando Altman pasa de la tragedia al perdón y la compasión, su actitud moral
cambia del relativismo a la predicación. La respuesta cristiana no es el
relativismo moral, ni la predicación infundada, ni nada entre estos
extremos. Es, más bien, un reconocimiento de que hay un Dios vivo que
establece firmemente las normas para la conducta humana, que también ha
mostrado compasión por nosotros en Jesús. Nos encanta,

Señales

Volví a ver Signos de M. Night Shamyalan. Seguramente la recordaré más

tiempo que cualquier otra película que haya visto este año. Las "señales" son,
aparentemente, los círculos de las cosechas, hechos por los extraterrestres
para guiar su navegación. De hecho, los signos son más ampliamente
teológicos.

Mel Gibson es un "padre" Hess, un ex sacerdote episcopal, que perdió su fe

cuando su esposa fue asesinada por un conductor (notablemente
interpretado por el propio Shyalaman) que se quedó dormido al volante. El
conductor dice que nunca se había quedado dormido al volante antes y
nunca lo ha vuelto a hacer desde entonces. Esa noche, no vio a nadie en la
carretera en millas y millas. Sólo encontró a esta pobre mujer. Casi como si
tuviera que ser, dice.

La predestinación es un tema importante. Hess, esforzándose ahora por ser

un incrédulo, le explica a su hermano Merrill que hay dos tipos de personas
en el mundo. Para el único tipo, las cosas simplemente suceden al azar: sin
conexión o con un significado más profundo. Para el otro grupo, hay
conexiones: las cosas pasan como signos de otras cosas. Para el segundo
grupo no hay coincidencias. El ex sacerdote se esfuerza por ser una persona
del primer tipo, pero los acontecimientos lo presionan en la otra dirección.

En una subtrama, nos enteramos de que Merrill era un jugador de béisbol de

ligas menores que anotó muchos récords de jonrones, pero nunca llegó a las
mayores porque también ganó el récord por el número de
ponches. Simplemente atacó a todo; No podía soportar la idea de no
balancearse. (Recuerdo al jugador de Pittsburgh de la década de 1960, Dick
Stuart, una vez conocido como el "Babe Ruth de las ligas de la selva", más
tarde como "Dr. Strangeglove"). Cuando la esposa del sacerdote colgaba
entre la vida y la muerte en el accidente, ella le dijo a su esposo, "Busca", y
ella le pidió que le dijera a su hermano, "sigue balanceándote". Hess intenta
explicarle a Merrill que estas últimas palabras fueron el resultado del delirio,
no tenían ningún significado. Su cerebro estaba desenterrando recuerdos
"aleatorios". Pero en la crisis de la película, es el "swinging" de Merrill lo que
marca la diferencia.

Los dos hijos de Hess juegan un papel importante en el drama y en la red de

signos. Morgan, el mayor, tiene asma y un elemento de tensión en la película
es si sobrevivirá a un ataque sin su medicamento. Pero, en última instancia,
el hecho de que su asma le haya cerrado los pulmones demuestra ser su
salvación. Bo, la hija, tiene predilección por dejar vasos de agua por toda la
casa. Piensa que uno está contaminado, uno demasiado sucio, uno tiene un
pelo, etc. Los vasos de agua también juegan un papel crucial en la resolución
de la batalla.

Entonces la película funciona en varios niveles. En una, es una repetición de

"La guerra de los mundos", pero mucho más aterradora que cualquier otra
película sobre extraterrestres que pueda recordar. Por otro, un estudio de
una familia muy real, respondiendo a sus miedos en medio de problemas
igualmente difíciles de salud, arrepentimientos y pérdidas. En otro nivel (creo
que incluso más profundo), es una película sobre visiones del mundo.

Shyamalan nació en una familia hindú. Más tarde fue a una escuela episcopal
en Filadelfia Main Line. No sé mucho sobre su teología, pero esta película
profundiza en la teología que cualquier otra película de este año. Para los
cristianos, plantea la cuestión de la revelación general. Cuando pensamos en
la revelación general, tendemos a pensar, al estilo tomista, en la causalidad:
Dios se revela a sí mismo en los cielos estrellados, porque ¿quién más podría
ser lo suficientemente grande como para hacerlos realidad? O
teleológicamente: Dios se revela a sí mismo en la intrincada maquinaria del
ojo humano (o ahora, gracias a Michael Behe, la célula viva) porque estas
máquinas requieren un diseño inteligente. Pero Signs sugiere que la
revelación general también se encuentra en el ritmo de la vida humana, la
estructura de la coincidencia, el hecho de que un evento nos prepara para el
siguiente. Eventos aparentemente sin sentido resultan, tal vez años después,
cobrar importancia en nuestras vidas. Y al reflexionar sobre eso, eso también
parece presuponer un diseñador.

Este tipo de teleología no es tanto la de un diseñador de máquinas como la

de un autor que escribe una novela o una obra de teatro, utilizando un
evento para anticipar otro. No nos sorprende encontrar una idea de ese tipo
de teleología de un escritor y director de cine talentoso como Shyalaman,
porque es precisamente su negocio diseñar un mundo con tal estructura de
presagio y recapitulación. Lo interesante es que ese tipo de mundo, según
mi experiencia de todos modos, se parece mucho al mundo real.

Algunas notas breves

24/11/98: Esta tarde vi American History X con Edward Norton y Edward

Furlong. Actuaciones y dirección maravillosas. Sobre los supremacistas
blancos de California. El héroe aprende su lección, pero no lo
suficientemente pronto como para evitar trágicas consecuencias. El
problema es que intelectualmente encontré los argumentos del poder
blanco más convincentes que los del otro lado. Lo que convirtió al héroe fue
que en prisión (1) sus compañeros de poder blancos eran inconsistentes
(uno trató con los mexicanos para vender drogas a su “propia gente”), y se
volvieron contra él cuando objetó, y (2) en la cárcel Su único amigo era un
hombre negro, que lo protegió después de que sus protectores blancos se
volvieran en su contra. Historia conmovedora, pero sin mucho argumento.

Mi conclusión es que, aparte de la Palabra de Dios, es difícil argumentar

contra los racistas. ¿Por qué no debería cada raza competir contra las demás
por sus propios intereses? Las Escrituras nos dicen que Dios nos hizo a todos
de una misma sangre y que envía a su pueblo a través de barreras raciales y
nacionales con el amor de Cristo. La respuesta de Hollywood al racismo, por
el contrario, parece ser puro sentimentalismo.

19/12/98: "Príncipe de Egipto", un largometraje animado de DreamWorks, se

esforzó por no entrar en conflicto con lo que realmente dicen las Escrituras,
pero se centró en una historia que no se encuentra en la Biblia, la relación del
faraón Ramsés con su hermanastro Moisés. Meredith Kline nos enseñó hace
años que Ramsés no fue el faraón del Éxodo y que Moisés vivió unos cien
años antes que él. Pero la mayoría de los eruditos críticos todavía aceptan
una fecha posterior para el Éxodo, si es que creen en el Éxodo.

Dios estuvo muy involucrado en la película, pero solo como una presencia
misteriosa que aparece y sale de vez en cuando. El empuje moral de esto
(como con las versiones de De Mille de Los Diez Mandamientos ) fue que la
esclavitud es mala, y rescatar a la gente de la esclavitud es una gran cosa, el
principal movimiento de la historia. Pero en Romanos 9 , Pablo dice que Dios
levantó a Faraón para glorificarse a sí mismo. Y en esta película no se glorifica
mucho a Dios. Moisés hace muchos llamamientos para tratar de salvar a su
pueblo: la crueldad del padre de Ramsés, Seti, al matar a los bebés hebreos,
los lazos de amistad con Ramsés, las cargas de su pueblo esclavizado. Pero
dice poco o nada sobre la promesa de Dios a Abraham o el honor de Dios en
la situación.

La historia termina con el cruce del mar, aunque la escena final es de Moisés
en la montaña con las tablas de la ley. Ninguna referencia a la adoración del
becerro de oro que encuentra en su descenso, o al tabernáculo-templo-
sacerdocio, los vagabundeos por el desierto o la muerte de M.

La película es algo evasiva sobre la tesis políticamente correcta de que los

egipcios eran negros. Tienen un bronceado intenso y podrían describirse
como africanos, pero eso es algo menos que obvio. Las canciones son
bastante buenas.

Sugar Hill

Roemello Skuggs …… .. Wesley Snipes

Raynathan Skuggs ……. Michael Wright

Melissa ……………. Theresa Randle

AR Skuggs ………… Clarence Williams III

Gus Molino …………. Abe Vigoda

Lolly Jonas ………… Ernie Hudson

20th Century-Fox presenta una película dirigida por Leon Ichaso. Producida
por Rudy Langlais y Gregory Brown. Escrito por Barry Michael
Cooper. Fotografía de Bojan Bazelli. Editado por Gary Karr. Música de
Terence Blanchard. Duración: 123 minutos. Clasificado: R (para violencia
intensa relacionada con las drogas, uso de heroína gráfica y lenguaje fuerte).

En los últimos años ha habido algunas películas maravillosas de directores y

actores negros. Tienden, comprensiblemente, a lidiar con pandillas, drogas y
familias disfuncionales. Este es el mejor que conozco, desde el punto de vista
de la actuación y la dirección. La obra en sí está cerca de la tragedia griega
en su profundidad e impacto.

Hay ecos de la "saga del padrino" a través de aquí: una escena de bautismo,
un hermano menor fuerte y uno mayor débil (Raynathan de Michael Wright
combina rasgos de Sonny impetuoso y Fredo Corleone débil, pero es un
personaje más rico que ambos), rencores intergeneracionales, un personaje
de mujer inteligente que ama a un gángster pero no la vida de pandillas,
mucha violencia (ataques preventivos, venganza y lo que al principio parece
pura exaltación pero se convierte en algo más) y lenguaje soez. Sin embargo,
este es un drama más poderoso que "El Padrino", en mi opinión. Tiene un
poco menos de pizazz; la violencia no es tan explosiva y está bien
coreografiada. Coppola en "El padrino" trataba con villanos profesionales
que llevaban a cabo su oficio con una eficiencia despiadada. Aquí la violencia
es menos eficiente, menos una cuestión de “negocios”. personal .

La película no es perfecta. Por un lado, en medio de todo el caos, la policía

no se encuentra por ningún lado. Los personajes viven en un mundo
totalmente para ellos mismos. Quizás es así como lo perciben, pero para mí
le quita algo de credibilidad a la historia. Por otra parte, está el final, que
discutiré a continuación. Pero en general, la película es un drama
extremadamente poderoso. Uno realmente llega a preocuparse por los
personajes principales, incluso, con el tiempo, el hermano impetuoso, el jefe
de la mafia y el padre inválido. Los personajes menores, como los amigos y
socios de la infancia de Roemello, adquieren color y calidez reales.

Roemello y Raynathan son hijos de un narcotraficante que quedó paralizado

cuando sus jefes de la mafia se volvieron contra él y le dispararon muchas
balas en el cuerpo. Su madre murió de una sobredosis de drogas, retratada
poderosamente al comienzo de la película, con los niños mirando con
horror. Cuando era adolescente, Roemello, el hermano menor, interpretado
por Wesley Snipes, mata al matón de la mafia que le disparó a su padre. Gus,
el jefe de la mafia, en lugar de vengar la muerte de su secuaz, contrata a
Roemello para que trabaje con drogas en Harlem, fingiendo que no sabe lo
que hizo Roemello. Suponemos que admira al joven y siente cierta culpa por
el ataque al padre. Roemello sube la escalera de la mafia hasta que tiene su
propia franquicia de drogas, bajo la organización de Gus, y vive
prósperamente, con su hermano mayor como su asistente principal.

Pero Roemello (como Michael Corleone) quiere desesperadamente salir. Está

lleno de culpa y angustia. Está en el mismo negocio que destruyó a su madre
y arruinó la vida de su padre. Finalmente conoce a Melissa, una mujer
hermosa, amable e inteligente; quiere casarse con ella y dejar toda la
zona. Pero Raynathan, Ray, quiere que se quede; Ray, que desprecia a su
padre, no tiene a nadie que lo ame excepto a su hermano mayor. La mafia de
Gus decide contratar a otro hombre negro para que se haga cargo de parte
del negocio de Harlem, creando sospechas que se cumplen en la violencia.

Las cosas se desarrollan de una manera notable para poner a los dos
hermanos uno contra el otro al final. La película podría haber terminado
después del trágico ataque de Ray a Roemello, tras el cual Ray se suicida. Por
arte de magia, al parecer, Roemello se recupera de sus heridas y se traslada
a Carolina del Norte para criar hijos con Melissa.

Algunos críticos consideran que la escena familiar feliz final es una

evasión. Bueno, hay muchas de estas películas que terminan trágicamente, y
eso lo esperamos. En general, las películas de este género enseñan la lección
de que la tragedia es inevitable en la cultura de las bandas de
narcotraficantes, que une generación tras generación a la maldad y el
terror. Este, de una manera bastante incómoda, sin duda, parece estar
diciendo que eso no es necesariamente así. Es posible "simplemente decir
no".

Ahora bien, esto es ciertamente bastante artificial. Después de todo,

Roemello es un hombre rico; puede darse el lujo de mudarse a un lugar idílico
con su esposa y formar una familia. Otros no son tan afortunados. Sin
embargo, al menos aquí hay un guiño al hecho de que hay más en la vida que
el determinismo ambiental. Desde un punto de vista cristiano, ciertamente
hay para todos los giros en el camino de la vida en los que podemos
"simplemente decir no". Que no lo hagamos es nuestra propia culpa y, por lo
tanto, estamos sujetos al juicio de Dios. No podemos culpar a nuestras
circunstancias, incluso cuando son tan terribles como aquí. Esto está lejos
de ser una película cristiana, pero que al menos presente la posibilidad de tal
alternativa tiene que ser una ventaja. Prefiero ver la película como una
tragedia con una posdata en el cielo. Quiero decir "cielo" simbólicamente,
por supuesto. Roemello nunca confiesa a Cristo en la película.

Aún así, los elementos más poderosos de la película ocurren no al final, sino
en el cuerpo de la película, en la interacción de los personajes. Los
entendimientos, malentendidos, revelaciones son extraordinariamente
complejos y suenan verdaderos una y otra vez. Aquí hay mucha sabiduría
sobre la naturaleza humana.

La edad de la inocencia

Newland Archer ………. Daniel Day-Lewis

Ellen Olenska ……… .. Michelle Pfeiffer

Mayo Welland …………. Winona Ryder

Sra. Welland ………… Geraldine Chaplin

Regina Beaufort ……… Mary Beth Hurt

Sra. Mingott ………… Miriam Margolyes

Larry Lefferts ………. Richard E. Grant

Sillerton Jackson ……. Alec McCowen

Columbia presenta una película dirigida por Martin Scorsese. Producida por
Barbara De Fina. Escrito por Jay Cocks y Martin Scorsese. Basado en la novela
de Edith Wharton. Fotografiado por Michael Ballhaus. Editado por Thelma
Schoonmaker. Música de Elmer Bernstein. Duración: 132
minutos. Clasificado: PG.
Los críticos están entusiasmados con esta película, dirigida por Martin
Scorsese y protagonizada por Daniel Day-Lewis y Michelle Pfeiffer, basada en
una novela de Edith Wharton. Los valores de producción son
maravillosos; Realmente puedes saborear la opulenta sociedad de la Nueva
York de 1870. Su mobiliario, comidas, bailes, fiestas se presentan con
autenticidad y gusto.

La película es un cambio sustancial de ritmo para Scorsese, quien es

conocido por su realismo a sangre y fuego en las calles mezquinas. Esta
película trata sobre la sociedad refinada, donde nadie soñaría con actuar
violentamente y donde la conversación tranquila y cortés es la única arma. El
consenso crítico, sin embargo, es que se trata de una película sobre una
violencia psicológica terrible e intensa, en la que la sociedad refinada
destruye brutalmente a la gente. Un crítico la calificó como la película más
violenta de Scorsese.

Bueno, ciertamente depende de tus presuposiciones. Lo que en realidad

sucede es que un hombre (Daniel Day-Lewis) comprometido con una dulce
joven representante de la conformidad social (Wynona Ryder) se siente
atraído por otra mujer (Michelle Pfeiffer) que por razones injustas es
despreciada por los árbitros de la convención. Naturalmente, el personaje de
Pfeiffer se presenta como una persona mucho más interesante y agradable
que el personaje de Ryder. Pero cuando llega el momento de que los amantes
ilícitos consuman su relación adúltera, la familia y los amigos de la esposa,
aunque exteriormente no admiten ningún conocimiento del asunto, planean
de diversas formas para evitar que suceda el adulterio. Con el tiempo, tanto
los personajes de Pfeiffer como los de Day-Lewis acompañan a sus familias e
incluso se reconcilian con la situación.

¿Qué vamos a pensar sobre esto? Según el consenso de los críticos, este
cuadro es psicológicamente violento, porque en él la sociedad horrible e
hipócrita destruye la perspectiva del amor verdadero para esta supuesta
pareja adúltera. Con mis presuposiciones cristianas, lo veo de manera muy
diferente. Aquí hay una sociedad donde, a pesar de sus fallas, se respetan las
normas morales y las familias cierran filas para mantener a sus miembros
alejados de la tentación moral y de la destrucción de sus familias. Lo hacen
sin gritos ni violencia, con sólo las más silenciosas miradas de acusación. Soy
lo suficientemente estético como para creer que es deseable una
confrontación más directa con un pecador. Pero esta sociedad neoyorquina
de la década de 1870 es mucho mejor que la mía, casi desearía poder criar a
mis hijos dentro de ella.

Curiosamente, en la última escena, el personaje de Day-Lewis, tal vez

veinticinco años después de los grandes hechos, su esposa ahora muerta,
renuncia a la posibilidad de renovar su relación con el personaje de
Pfeiffer. ¿Quiere Scorsese que piense que esto es la renuncia de un hombre
roto, empujado al molde de la sociedad? ¿O muestra un crecimiento moral
de su parte? Probablemente Scorsese pretendía lo primero; pero su
honestidad como director no dejará esa conclusión inequívoca. La lógica de
los eventos mismos (a la luz de las Escrituras) me lleva a una conclusión
diferente.

Así que el efecto de la película en mí fue, sospecho, muy diferente de lo que

pretendía Scorsese. Observo que en la década de 1970, el programa de
televisión "Todos en familia" falsificó el conservadurismo a través de la boca
del supuesto Neanderthal Archie Bunker. Pero aunque los discursos de
Bunker hicieron que el conservadurismo pareciera ridículo, creo que en el
análisis final (y contrario a la intención del productor y director Norman Lear),
Bunker era un personaje más comprensivo que los fanáticos liberales que le
hacían la vida miserable. De manera algo herética, creo que "Todos en la
familia" contribuyó a la elección de Ronald Reagan. Ahora bien: ¿es posible
que "La era de la inocencia" contribuya en algo a reavivar los "valores
familiares" en este país? No descarte la idea hasta que la haya pensado un
poco.

A veces sucede que las películas muestran la verdad a pesar de sí

mismas. Scorsese ha creado un mundo, lo ha hecho lógico y
convincentemente real. Pero a veces un mundo así se vuelve tan real,
adquiere tanta vida propia que escapa a los intentos de sus creadores de
presionarlo hacia una interpretación preconcebida. Además, la realidad es
siempre la realidad de Dios y la lógica es la lógica de Dios; por eso, una
película como ésta, que transmite una buena cantidad de realidad y lógica,
reflejará también la verdad de Dios. En esta película, creo que, a pesar de los
mejores esfuerzos de sus autores humanistas, surge una sorprendente
variedad de valores bíblicos.

El apóstol
Esta película, con Robert Duvall como escritor y protagonista, trata sobre un
pastor evangelista. Captura gran parte del sabor auténtico del cristianismo
de “santidad” en el corazón del cinturón bíblico, Texas y Louisiana.

La película toca muchos "puntos calientes" para los espectadores cristianos

reformados. Claramente, el predicador de Duvall no es calvinista. Y estamos,
con razón, horrorizados por la visión ligera de la película sobre el pecado, la
revelación continua, los líderes eclesiásticos autodirigidos, las iglesias sin
disciplina eclesiástica, la predicación superficial, etc. Algunos incluso pueden
objetar la animada música gospel, pero pensé que era maravilloso.

Pero creo que deberíamos estar agradecidos por las pequeñas

bendiciones. Hollywood rara vez trata al cristianismo protestante con
respeto. Los predicadores del cinturón de la Biblia en las películas son casi
inevitablemente charlatanes e hipócritas. Solo ocasionalmente habrá una
imagen positiva de la fe cristiana, por lo que en ocasiones casi se pueden
contar las películas recientes de este tipo con una mano: Tender Mercies
(también protagonizada por Duvall), Chariots of Fire, The Trip to Bountiful,
Shadowlands (una especie de ).

Sonny, el predicador interpretado por Robert Duvall, a pesar de todos sus

otros pecados, no es un charlatán. Realmente cree en Dios. Hacia el principio,
se detiene en un accidente automovilístico y sale al campo para encontrar al
conductor lesionado (tal vez agonizante). Él despierta un poco al conductor
y le habla de Jesús. Este primer momento establece la principal motivación
de Sonny. Su testimonio del moribundo no le aporta ningún beneficio, fama
o placer terrenales. Realmente cree que el hombre necesita a Jesús.

Sin embargo, Sonny es un hombre pecador. Es un adúltero y, al principio de

la película, descubre que su esposa también es adúltera y lo engaña con el
pastor de jóvenes. Luego descubre que ella y el ministro de jóvenes han
movido algunos hilos legales para hacerse cargo de la iglesia y obligarlo,
Sonny, a salir. (No puedo imaginarme ninguna política eclesiástica que lo
permita, pero la película justifica nuestra suspensión de la incredulidad). Él la
confronta, luego confronta a Dios. Admite que está enojado con Dios, pero
también que lo ama. Pide orientación. Su primer instinto es ir al servicio de la
iglesia, ahora dirigido por la pareja adúltera, unirse al culto, abrazarlos y
seguir su camino, devolviendo bien por mal. Pero más tarde, cuando visita el
juego de las ligas menores de su hijo, el ministro de jóvenes entra en el
espacio de Sonny y Sonny primero lo abusa verbalmente. luego lo golpea con
un bate de béisbol. Finalmente, el ministro de jóvenes muere a causa de la
lesión.

En lugar de enfrentarse a la música, Sonny despega. Mientras viaja, habla con

Dios y se convence de que Dios quiere que se bautice (literalmente) como
un "apóstol". Su nueva identidad: “El Apóstol EF” La película nos seduce
sobre el significado de estas iniciales, pero si alguna vez se le dio el
significado, me lo perdí.

En una película típica de Hollywood, la trama se centraría en este punto en

la investigación policial y concluiría en una persecución en coche. Pero en
esta película, ¡la atención se centra en la plantación de iglesias! Sonny se
pone en contacto en un pueblo de Louisiana con un ministro negro jubilado,
y juntos arreglan un antiguo edificio de la iglesia y reúnen una
congregación. Los métodos y la dinámica de la misma son fascinantes y se
sienten completamente auténticos. Sonny predica por la radio, recoge
bolsas de la compra llenas de comida y las deposita como "sorpresa" en las
casas de familias pobres. Arregla un autobús y lo conduce para recoger gente
el domingo por la mañana.

Un personaje, interpretado por Billy Bob Thornton, se describe en la lista del

reparto solo como "alborotador". Aparece en el servicio y hace comentarios
y amenazas racistas. Sonny lo saca atrás y lo golpea. Pero cuando
Troublemaker regresa, para demoler el edificio de la iglesia durante un picnic
congregacional, Sonny pone su Biblia frente a la excavadora y desafía a
Troublemaker a pasar sobre ella. Bueno, este es el cinturón de la Biblia,
después de todo. El alborotador puede odiar a los negros, pero no puede
pasar por alto la Biblia. Finalmente, Sonny y Troublemaker están de rodillas,
orando para que reciba a Cristo como su salvador. Una escena
notable. Nunca he visto una conversión seria al cristianismo en una película
comercial de Hollywood. Y la escena se juega de forma clara, sin burlas.

El final de la película es casi un servicio religioso completo, con otra

conversión significativa. Un amigo de Sonny se ha enterado de sus
problemas legales. Oye a Sonny decir que podría ser engañado por la
ley; pero quiere que se vendan sus objetos de valor en beneficio de la
iglesia. Uno tiene la impresión de que la conversión se basa en parte,
humanamente hablando, en la percepción del amigo de la integridad
desinteresada de Sonny.
De modo que Sonny es una figura notable. Tiene muchos defectos, pero en
cierto sentido siempre es un hombre de Dios y, sí,
desinteresado. Preguntamos, por supuesto, ¿cómo podría Dios usar a
alguien así? Pero luego recordamos que el rey David también fue un adúltero
y, de hecho, un asesino; y Saulo de Tarso fue responsable de la muerte de
cristianos. Lutero era antisemita; Calvino condonó el asesinato de Servet. En
la vida real, hay lo peor en lo mejor de nosotros; esa es la enseñanza realista
de la Biblia sobre la condición del hombre.

Pero encontré más en la película que Sonny. Realmente parece que el

personaje principal aquí es Dios. Dios obra, mediante la necedad y el pecado
del hombre, para edificar su iglesia. Las tres conversiones en la película (el
conductor moribundo, el Alborotador, el amigo de Sonny) me parecieron
completamente creíbles, dado el contexto de la cultura del cinturón bíblico. Y
la película claramente ve la construcción de la iglesia como un gran beneficio
para la comunidad.

Teniendo en cuenta el historial de Hollywood con el cristianismo, es

asombroso encontrar una película como esta que sea tan positiva sobre el
evangelio. Las películas que mencioné anteriormente (enumeradas por un
lado) presentan de manera positiva los beneficios de la fe cristiana para las
personas. Esta película en realidad declara el evangelio claramente y lo
coloca en el contexto de una comunidad de iglesia real. Las películas
antiguas sobre iglesias (como las películas de Bing Crosby de la década de
1940, "Going My Way" y "The Bells of St. Mary's") tendían a presentar la vida
de la iglesia en su mejor momento como una especie de diversión secular
para todos, a pesar de que los malos lo intentaban. para que derriben el
edificio. Pero “El Apóstol” presenta a la iglesia como debe ser, como una
comunidad de creyentes centrada en el evangelio de Jesús. Ciertamente,
entonces, "El Apóstol" marca un gran paso adelante en la comprensión de
Hollywood del cristianismo.

El club de la Alegría y suerte

Las madres:

Suyuan ……. Kieu Chinh

Lindo …… .. Tsai Chin

Ying Ying…. Francia Nuyen

An Mei ……. Lisa Lu

Las hijas:

Junio ……… Ming-Na Wen

Waverly ...... Tamlyn Tomita

Lena ……… Lauren Tom

Rosa ……… Rosalind Chao

Hollywood Pictures presenta una película dirigida por Wayne

Wang. Producida por Wang, Amy Tan, Ronald Bass y Patrick Markey. Escrito
por Tan and Bass. Basado en la novela de Tan. Fotografiado por Amir
Mokri. Editado por Maysie Hoy. Música de Rachel Portman. Duración: 135
minutos. Clasificado: R (para una descripción sólida de material temático).

En esta película larga, la novela de Amy Tan se realiza con destreza. La

actuación, la dirección y la fotografía están bien, y tenemos una buena
introducción a la cultura china y chino-estadounidense, que se remonta a
unos sesenta años atrás. La historia trata sobre cuatro mujeres chinas que
finalmente emigran a Estados Unidos y sus hijas estadounidenses (los
hombres son demonios y figuras de dibujos animados). La película también
escudriña a las madres de las madres. Se trata principalmente de una serie
de viñetas, mediante las cuales entendemos algo de los antecedentes de
cada mujer, sus sacrificios, su vergüenza, sus relaciones con su hija, sus
esperanzas para el futuro.

Hay muchos clichés obligatorios de feminismo, brecha generacional y brecha

comunicativa, pero detrás de todo eso también hay algo más sustancial. La
historia reconoce e ilustra el principio bíblico de que los pecados de los
padres (y madres) recaen sobre las generaciones posteriores. Las madres que
se avergüenzan del abuso y la humillación tempranos buscan redimirse
manteniendo la esperanza para sus hijas: esperanza que las hijas ven como
expectativas imposiblemente altas. Eventualmente, las líneas de
comunicación rotas se reparan y las mujeres llegan a amarse a pesar de la
amargura pasada.

Pero como sugiere el título (basado en una reunión continua de las cuatro
mujeres inmigrantes para Mah Jong y terapia de grupo), gran parte de la
alegría que tiene lugar es solo suerte, atribuida a antepasados, presagios,
revelaciones accidentales. Asesinato, suicidio, lenguaje profano (a menudo
manifiestamente en desacuerdo con la dicción súper educada que suelen
emplear las mujeres) y el divorcio son algunas de las herramientas que estas
mujeres han utilizado para mantener el respeto por sí mismas. La película
trata las prácticas religiosas tradicionales chinas como una especie de
broma: en un par de ocasiones, las protagonistas femeninas utilizan
cínicamente las supersticiones de sus opresores para obtener victorias sobre
ellas. Esencialmente, las mujeres logran sus metas a través de su propia
inteligencia y por pura suerte.

Pero, ¿qué esperanza hay para estas mujeres de que el ciclo no continúe, de
que sus hijas y las hijas de sus hijas no pasen por la misma angustia? La
esperanza es, evidentemente, en la mente de los cineastas, el tema principal
de la película, ya que es el tema principal de algunos discursos cruciales. Pero,
¿qué base para la esperanza hay en un universo de azar? Aunque la película
no transmite ningún sentido de la realidad de un Dios personal, ciertamente
presenta la necesidad de algo más que suerte como base para la alegría.

La pesadilla antes de Navidad

Voz de personaje por

Jack Skellington ……. Chris Sarandon

……. Danny Elfman (música)

Sally ……………… Catherine O'Hara

Alcalde ……………… Glenn Shadix

Oogie Boogie ……… .. Ken Page

Bloquear ………………. Paul Reubens

Conmoción ……………… Catherine O'Hara

Barril …………… .. Danny Elfman

Científico malvado ……… William Hickey

Touchstone presenta una película animada dirigida por Henry

Selick. Producida por Tim Burton y Denise Di Novi. Escrito por Caroline
Thompson; basado en una historia y personajes de Tim Burton. Adaptación
de Michael McDowell. Fotografiado por Pete Kozachik. Editado por Stan
Webb. Música de Danny Elfman. Duración: 76 minutos. Clasificado: PG.

Nunca he sido un gran admirador de Tim Burton, el productor de esta película

y director de películas anteriores como "Edward Scissorhands", "BeetleJuice"
y "Batman" I y II, aunque su visión ha sido aclamada por muchos críticos.
. Ciertamente, es técnicamente capaz y creativo; siempre adopta un enfoque
inesperado de su material. Pero parece deleitarse con la rareza por sí misma,
y su universo parece la mayor parte del tiempo oscuro, repugnante,
descuidado, de mala calidad. Hay humor en sus películas, pero nunca lo
suficiente para redimir toda la tristeza.

Esta nueva película es un largometraje de animación stop-action sobre dos

reinos: Halloween Land y Christmas Land. El héroe es Jack Skellington (es un
esqueleto, ¿entiendes?), El Rey Calabaza, amado por los habitantes de
Halloween Land porque siempre produce los Halloweens más maravillosos y
aterradores. Halloween Land está poblado por brujas, esqueletos, vampiros,
un alcalde de dos caras (¡literalmente!), Monstruos de Frankenstein y otras
monstruosidades de todas las descripciones. Una especie de Familia Addams
ampliada. Se parece un poco a Gotham City de Burton de "Batman". En
Halloween, Jack envía a estas criaturas al mundo real para asustar a todos y
sacarlos de sus calcetines.

Sin embargo, Jack es un alma sensible de corazón y siente que debe haber
más en la vida que asustar a la gente. Estos sentimientos los expresa en
canciones escritas por Danny Elfman, quien también proporciona la voz de
cantante de Jack. Finalmente, Jack se adentra en el bosque y encuentra una
arboleda con varios símbolos navideños: un pavo para Acción de Gracias, un
huevo para Pascua, etc. Toca el que tiene un árbol de Navidad y finalmente
se encuentra en Christmas Land, que es todo colores brillantes, duendes
felices, juguetes y, por supuesto, el viejo Santa. Naturalmente, esta es una
versión de Hollywood de la Navidad; ni un indicio de Cristo ni de ningún
simbolismo religioso. Los valores aquí no son en absoluto teístas, sino los de
la Navidad secular: paz indiscriminada y buena voluntad.

Jack se siente inspirado a regresar a Halloween Land para movilizar a sus

amigos para organizar una celebración navideña. Eso será algo
diferente; pero estas personas han hecho un excelente trabajo produciendo
Halloween, ¿por qué no también la Navidad? Para facilitar el plan, Jack arregla
que Papá Noel sea secuestrado de Christmas Land, para que el equipo de
Halloween pueda reemplazarlo en la distribución de juguetes. (¡Los jóvenes
secuestradores primero secuestran al Conejo de Pascua por error!) Jack tiene
la intención de que sea un secuestro amistoso, una especie de vacaciones
para Santa; pero Santa cae en manos de un tipo realmente malo, Oogie
Boogie, que intenta torturarlo y matarlo.

La Navidad de Jack resulta ser un desastre, como ha profetizado su

admiradora de muñecas de trapo Sally (creada por el Frankenstein local). La
gente de Halloween, con muy buenas intenciones, fabrica juguetes para los
niños que creen que serán divertidos. Estos incluyen cabezas reducidas,
animales de juguete que atacan a los niños, etc. Todo el mundo está muerto
de miedo, tanto que la gente del mundo real dispara a Jack y a su trineo de
renos por los aires. Finalmente se recupera y regresa a Halloween Land en
desgracia. Sin embargo, rescata a Santa, quien tiene tiempo para darles a los
niños algunos juguetes reales antes del amanecer, y todos están felices.

En una película infantil más tradicional, la gente de Halloween se sentiría

movida por el espíritu navideño a abrazar los valores del amor y la buena
voluntad para todos. Este es más, bueno, "realista". Las criaturas de
Halloween deciden dejar que Santa se encargue de la Navidad y restringir sus
propias fiestas a Halloween, que, sin duda, seguirá siendo lo más macabro
posible. La lección para Jack es ceñirse a lo que mejor sabe hacer, gestionar
sus propias vacaciones y dejar la Navidad a Santa y los elfos.

La idea es fascinante, ridícula, indignante, divertida. Quizás eso sea

suficiente para justificar la realización de la película. Pero uno sospecha que
hay un punto más serio detrás de todo esto. Todo el trabajo de Burton parece
decir que en el análisis final, la oscuridad es mejor. Hay que apostar por lo
extraño, lo malo, lo perverso. Para todos los mejores esfuerzos de la gente
buena, las cosas más interesantes las hacen los malvados (por ejemplo,
BeetleJuice, el Joker). Incluso un buen tipo como Jack (o Batman, o Edward
Scissorhands) eventualmente debe capitular. Las personas que crecen en un
entorno sórdido no tienen otra opción, parece decir Burton, que promover
sus valores.

Quizás, de hecho, Europa habría sido prudente, sobre esta base, al conservar
su paganismo de Halloween en lugar de abrazar los valores de la nueva
religión que vino de Palestina. Por supuesto, si encontramos ese tipo de
punto en la película, debemos recordar que lo que presenta como Navidad
está muy lejos del evangelio real del cristianismo.

Por supuesto, la película presenta puntos legítimos sobre cómo los

leopardos no pueden cambiar sus manchas. Ciertamente es cierto que una
persona de Halloween no puede, por pura fuerza de voluntad, transformarse
en una persona de Navidad. Esto ilustra el cuadro bíblico de la antítesis entre
creyentes e incrédulos. El hombre caído a menudo se pone un barniz de
cristianismo sin experimentar una verdadera regeneración del corazón. Los
efectos de este tipo de cristianismo pueden ser realmente horribles de
contemplar, y el intento de los amigos de Jack de combinar Halloween y
Navidad es una buena parábola de ese horror. Por supuesto, no debemos
asumir que ese significado parabólico estaba en la mente de estos
cineastas; su ignorancia del significado real de la Navidad descarta tal
intención homilética. Pero ellos saben, como debemos,

Me divierte pensar que que la gente de Halloween produzca una celebración

navideña es un poco como un equipo de cine de Hollywood tratando de
producir una película sobre la Navidad. Los resultados en ambos casos no
son muy diferentes.

El cristianismo se opone fundamentalmente a las dos visiones del mundo y

de la vida presentadas en esta película. Un cristiano encontrará los valores
de Halloween y Christmas Lands igualmente desagradables: la paz y el amor
románticos, versus la anarquía moral. Si se oponen, como sugiere la película,
juntos se oponen aún más al cristianismo bíblico.

Burton prefiere la ideología de Halloween, el punto de vista de la anarquía

moral. Pero es lo suficientemente relativista como para decir, en efecto, que
la Navidad (como él la entiende) está bien para aquellos que así lo desean. Ni
su preferencia ni su relativismo son particularmente edificantes. Como
tantas películas de Hollywood, esta celebra y apoya las mismas ideas (y la
falta de las mismas) que son más ruinosas para nuestra sociedad. Pero
podemos estar agradecidos de que esta película aclare tanto a los creyentes
como a los no creyentes la necesidad de tomar una decisión. Y nos muestra
que es más difícil de lo que la mayoría de la gente imagina escapar de las
presuposiciones de nuestra cosmovisión una vez que hemos decidido vivir
bajo su autoridad. En otras palabras, a pesar de las intenciones de los
realizadores, la película tiene algo que decir sobre la necesidad de la gracia
divina.

El papel

Henry Hackett… .. Michael Keaton

Bernie White …… Robert Duvall

Alicia Clark …… Glenn Close

Martha Hackett…. Marisa Tomei

McDougal ………. Randy Quaid

Graham Keighley… Jason Robards

Marion Sandusky ... Jason Alexander

Paul Bladden …… Spalding Gray

Universal presenta una película dirigida por Ron Howard. Producida por Brian
Grazer y Frederick Zollo. Escrito por David Koepp y Stephen
Koepp. Fotografiado por John Seale. Editado por Daniel Hanley y Michael
Hill. Música de Randy Newman. Duración: 112 minutos. Clasificado: R (para
lenguaje fuerte).

“The Paper” no es tan rápido como sugirió la vista previa, ni tan rápido y
divertido como “The Front Page”, el clásico drama periodístico de la década
de 1930. Sin embargo, está bien interpretado, escrito y dirigido, y nos da una
buena idea de la agitada vida de los periódicos. Los críticos periodistas le han
dado altas calificaciones por su realismo. Acumula muy lógicamente los
problemas de editores y reporteros que tienen siete u ocho cosas que hacer
a la vez, y que tienen que hacerlas hace una hora.

Esa fecha límite se encuentra detrás de la cuestión moral central de la trama:

si un periódico tiene la intención de publicar una historia, pero tiene razones
para pensar que la historia es incorrecta, ¿están obligados a cambiarla,
incluso cuando ya pasó la fecha límite?

Dos hombres de negocios WASP visitantes son asesinados en un barrio

negro de Nueva York. Los epítetos raciales están pintados en el automóvil. La
policía arresta a dos jóvenes negros, creando temores de disturbios
raciales. El New York Sun , que ha sido descubierto por otros periódicos sobre
la historia, tiene motivos para sospechar que el arresto fue ilegítimo. Pero su
fecha límite de publicación va y viene, y todavía no tienen la confirmación
suficiente de su propia teoría, que es que los empresarios fueron asesinados
por sicarios de la mafia, que hicieron que pareciera un incidente racial.

Henry Hackett, editor asistente del periódico, interpretado por Michael

Keaton, está tratando de hacer lo correcto. Nunca ha publicado una historia
falsa a sabiendas. Pero el consejo editorial ha decidido inclinar el arresto de
los jóvenes con la leyenda "¡Te tengo!" bajo una imagen gigante de portada
de ellos, en la mejor tradición sensacionalista de los tabloides. Pero, ¿y si los
chicos no lo hicieran? “No hay problema”, dice Alicia Clark (Glenn Close), el
“contador de frijoles” a cargo de recortar costos y personal, quien ha salvado
la existencia del periódico a través de varias crisis financieras. “Los
manchamos hoy, los hacemos lucir bien mañana”. Pero eso no es suficiente
para Hackett. Quiere sacar la verdad esta noche.

Por supuesto, Hackett tiene otras cosas en mente. Su esposa Martha (Marisa
Tomei) está lista para dar a luz a un niño, él tiene la oportunidad de aceptar
un nuevo trabajo en el prestigioso New York Sentinel (leer Times), tiene un
compromiso para cenar con su esposa y sus padres esa noche
supuestamente para celebrar eso. nueva oportunidad. Martha, ex reportera,
anhela volver a la acción y teme que la maternidad sea el final de su
carrera. Uno de los columnistas del periódico, McDougal (Randy Quaid), está
durmiendo en la oficina de Henry con una pistola en el cinturón, porque
Marion Sandusky, un funcionario de la ciudad y sujeto de sus columnas
críticas, está “conspirando” contra él. Alicia busca más dinero para sí misma,
mientras se resiste por motivos económicos (y hasta cierto punto) a los
intentos de Henry de mantener la integridad del periódico. El editor Bernie
White (Robert Duvall) tiene agrandamiento de la próstata, dos ex esposas y
una hija que no quiere hablar con él. En otras palabras, aquí tenemos
suficiente trama para al menos cinco películas, y los cruces de las líneas de
la historia hacen un gran teatro. En el clímax, Henry lucha físicamente contra
Alicia para "detener las prensas"; Martha da a luz entre graves
complicaciones; Sandusky y McDougal luchan por un arma, que se dispara y
dispara a otro personaje.

No hay ninguna referencia a Dios en la película, pero eso es solo realista,

dado el estado actual de la profesión periodística. Sin embargo, como de
costumbre, aquí hay asuntos que exigen análisis y evaluación teológicos. El
principal de ellos es el dilema moral que plantea el relato del asesinato en el
periódico: ¿y si los niños son inocentes?

En el mundo de este trabajo, los puntos de vista sobre el incidente se

expresan en términos de posibles titulares. ¿Ejecutan “¡Te tengo!”, Lo que
significa que la policía logró aprehender a los verdaderos perpetradores? O
dirigen "¡No lo hicieron!" como espera hacer Hackett? ¿O relegan la historia
a la página dos y conducen con un "descarrilamiento menor" del
metro? Alicia quiere ejecutar "¡Te tengo!" esta noche y mañana para
revisarlo, si es necesario, a "¡No lo hicieron!" Henry está desesperado por
obtener suficiente confirmación para ejecutar "¡No lo hicieron!" esta noche .

La película aplaude las heroicas medidas de Henry al tratar de hacer la historia

bien la primera vez. Al final, incluso Alicia está de su lado. Supongo que yo
también aplaudí. Pero, ¿qué pasa si obtener la información requiere ocho
horas después de la fecha límite, en lugar de tres? Me inclino a pensar que
hay un punto, una fecha límite después de la fecha límite, en el que tienes
que ejecutar lo que tienes. Después de todo, Hackett no sabía que los
hombres eran inocentes hasta bastante entrada la noche. ¿Por qué no pudo
ejecutar lo que tenía y luego amplificarlo o corregirlo al día siguiente? Solo
puedes ejecutar lo que sabes que es verdad, ¿verdad?

La razón por la que, según la película, era urgente corregir la historia

de hoy era la naturaleza del titular acordado, a saber, "¡Te tengo!". Ese
titular presumía la culpabilidad de los jóvenes. Me sorprende un poco que se
considere siquiera un titular así, ya que los periodistas de hoy son
terriblemente escrupulosos al decir “presunto” esto y aquello, incluso en
casos de culpa evidente, para proteger la presunción legal de inocencia. No
simpatizo del todo con esa escrupulosidad: ¿por qué los periodistas no
pueden expresar sus opiniones sobre cuestiones de culpabilidad como lo
hacen sobre cualquier otra cuestión importante? Pero seguramente es
inconsistente mantener esos escrúpulos y luego formular un titular como
"¡Te tengo!"

La solución obvia, entonces, a ese dilema moral, habría sido eliminar ese
titular, para usar una expresión menos perjudicial sobre la detención. Luego
podrían haber publicado la historia original y luego haber sugerido la
inocencia de los niños, si fuera necesario, cuando se dispusiera de datos
adicionales.

¿Por qué nunca se consideró esa solución? Bueno, ciertamente habría sido
una película más aburrida. Pero dentro de la estructura de la película en sí, la
razón principal, evidentemente, es que el Sol es un cierto tipo de papel. Es
un tabloide sensacionalista. Y, por supuesto, el titular capturador, seguido
de un inevitable signo de exclamación, es la marca registrada del periódico,
un absoluto esencial. Un tratamiento neutral, no perjudicial (y por lo tanto
suave) de una historia es simplemente una imposibilidad.

Entonces, la verdadera cuestión moral aquí es si este tipo de periodismo

sensacionalista es en sí mismo una empresa legítima. Esa pregunta, por
supuesto, nunca surge en la película. Simplemente se asume que este
periódico es una institución maravillosa y que sus empleados se esfuerzan
heroicamente por comunicar la verdad al público. ¡Con qué facilidad nos
engañamos a nosotros mismos! Las convenciones bien aceptadas del
periodismo se encuentran entre los principales problemas que aquejan a la
sociedad contemporánea, y necesitamos dramas y documentales que
enfrenten ese hecho. En ese sentido, The Paper toma el camino más fácil. Es
un buen entretenimiento, pero como estudio del heroísmo carece de
credibilidad.

El piano

Ada …………. Cazador de acebo

Baines ………. Harvey Keitel

Stewart ……… Sam Neill

Flora ……… .. Anna Paquin

Tía Morag …… Kerry Walker

Nessie ………. Limón Genevieve

Hira ………… Tungia Baker

Miramax presenta una película escrita y dirigida por Jane Campion. Producida
por Jan Chapman. Fotografiado por Stuart Dryburgh. Editado por Veronika
Jenet. Música de Michael Nyman. Duración: 121 minutos. Clasificado: R
(para momentos de sexualidad extremadamente gráfica).

Incluso si esta película no gana el Premio de la Academia a la Mejor Película,

ya ha ganado suficientes honores para hacer un reclamo plausible de
"Película más honrada de 1993". Hablando como cristiano, este hecho es un
poco difícil de entender para mí. Aunque los valores de producción y las
actuaciones están bien en esta película, no son mejores que muchas otras
películas recientes. El escenario es un grupo bastante desagradable de casas
primitivas en un mar de barro en algún lugar de Nueva Zelanda. Nueva
Zelanda es un país muy hermoso, pero se ve poco de su belleza en esta
película, excepto, por supuesto, en una playa, que generalmente se presenta
como un presagio más que como algo glorioso. Si el escenario principal está
embarrado, la atmósfera moral es aún más turbia. En conjunto, este no es un
escenario al que tenga muchas ganas de volver. En cuanto a la trama,

La mujer Ada, interpretada por Holly Hunter, ha estado muda desde los seis
años. Por el vestuario, supongo que la acción tiene lugar en algún momento
de finales del siglo XIX. Ha tenido un hijo fuera del matrimonio y,
evidentemente, ahora no sirve para otra cosa que dejar Inglaterra y
convertirse en novia por correo de Stewart, un terrateniente pionero en
Nueva Zelanda. Llega allí con su hijo y sus pertenencias, especialmente el
piano del título. Al principio se deja en la playa, para gran angustia de ella,
porque no hay espaldas lo suficientemente fuertes para llevarlo a la casa de
Stewart. Entonces George Baines, un vecino de Stewart, que ve el gran amor
de Ada por el instrumento, le ofrece a Stewart un cambio por el piano. Baines
lo lleva a su casa e invita a Ada a que se acerque y le dé lecciones. Sin
embargo, está más interesado en Ada que en la música. Ella juega, escucha y
mira. Finalmente, George y Ada llegan a un trato. Puede recomprar el piano
permitiéndole a George ciertos favores sexuales: una tecla negra para una
falda levantada, cinco para darle a George una mirada a sus brazos
descubiertos, diez para que se acueste un rato desnuda en la cama con él.

Antes de que lleguen a la consecuencia lógica, George se da cuenta de que

está convirtiendo a Ada en una puta. Arrepentido, pero sinceramente
enamorado de ella, le entrega el piano y le dice que no regrese. Ella todavía
lo ama, sin embargo, y regresa para consumar su relación. Sin embargo,
Stewart se entera y, en su ira, balancea su hacha y le corta parte de uno de
sus dedos. Sin embargo, tras una reflexión más fría, invita a Ada y a la hija a
irse con George.

Naturalmente, el piano también debe acompañarlos, aunque los canoeros

nativos dicen que es demasiado pesado. “Es un ataúd”, dicen. Cuando están
a cierta distancia de la costa, Ada anuncia que ya no quiere el piano; deberían
tirarlo por la borda. Cuando lo hacen, descubren que ella le ha atado una
pierna. Ella cae con eso. Pero en algún lugar de las profundidades, decide que
quiere vivir después de todo. Se libera quitándose el zapato que está atado
al piano y vuelve a la superficie. Al final de la película, retoma su vida en un
barrio mucho más agradable, con su hija y George. Le hace una prótesis para
el dedo y ella vuelve a tocar el piano. Y aprende a hablar.

Estoy razonablemente segura de que los realizadores ven estos eventos

desde una perspectiva feminista. Aquí hay una mujer atrapada por el doble
rasero y la opresión sexual general de su edad, que sin embargo toma su vida
en sus propias manos. Es ella quien decide autónomamente a los seis años
de no hablar más. (La mayoría de las conversaciones provienen de gente
estúpida, le dice a su hija en lenguaje de señas. ¿O debemos asumir que Ada
fue abusada cuando era niña?) Es ella quien dio a luz a un hijo ilegítimo, ella
quien decidió ir a Nueva Zelanda, ella quien Decidida a recuperar su piano
por cualquier medio, ella que decidió a quién amaría (a pesar del arreglo del
pedido por correo), ella que decidió morir y luego vivir de nuevo.

Su interpretación del piano (que Holly Hunter hace por sí misma con
bastante habilidad) tiene una sensación de improvisación (supongo que en
realidad está escrita por Michael Nyman), aunque en un momento se
sumerge en un preludio de Chopin para evitar las atenciones no deseadas. La
mayor parte de su música suena más a la partitura de una película de los
noventa que a la obra de cualquier compositor del siglo XIX. Creo que este
hecho reitera el énfasis en la autonomía. La música también es de Ada. En la
música, ella, por lo demás muda, se expresa, en particular, sus
pasiones. (Cuando el piano se traslada de la casa de Baines a la de Stewart,
Ada se resiste a tocarlo, deduzco porque para ella en este punto cualquier
interpretación expresaría su sexualidad y no siente nada por Stewart). No hay
Dios en esta película; Ada es el Señor de todo.

La película también prefiere la autonomía en los demás personajes. Los

nativos maoríes, que realizan trabajos de baja categoría en la zona, son
bastante despectivos con los blancos; carecen de "buenos modales", nos
dicen las señoras mayores de la casa de Stewart. George Baines, aunque
blanco, por alguna razón tiene marcas maoríes en la cara. Evidentemente,
como los maoríes, no acepta todas las restricciones de la sociedad de
Stewart. Ada (y la película) lo elige sobre Stewart, trabajador, respetable y
estricto. La propia Ada, al negarse a hablar, rechaza la sociedad de buenos
modales y se comunica por medio de su propia elección.

Tengo poca simpatía por el mensaje de autonomía de la película y sus elogios

a los malos modales. Al mismo tiempo, esta película, como otras que
promueven la cosmovisión secularista moderna, registra involuntariamente
ciertas verdades de la revelación de Dios. ¿Dónde la ha llevado la autonomía
de Ada, después de todo? Debe soportar toda la indignidad de una madre
soltera, llevar a su hijo a una tierra extraña y primitiva totalmente inadecuada
para sus intereses musicales, convertirse en el juguete de dos hombres,
perder su dedo y sus ganas de vivir. Debo decir que el zapato suelto en el
océano me parece un deus ex machina (o tal vez deus ex cinema?). Quería
que ella viviera tanto como cualquiera de la audiencia, pero en este punto
me pareció que la película hacía un poco de trampa. Habiendo mostrado
verdaderamente la paga del pecado, produjo una resurrección poco
convincente.

¿O debería pensar en el zapato suelto como la gracia de Dios y en ella surgir

una novedad de vida espiritual? Me gustaría creer eso. Dudo que los
realizadores tuvieran esa idea en la cabeza pero, de nuevo, tal vez vieron algo
más profundo de lo que se puede explicar en términos de su propio
feminismo autónomo. Ciertamente, el piano, el medio de Ada para
comunicar la lujuria, resultó ser un ataúd para ella, y con toda razón terminó
en el fondo del mar. ¿Puedo ver su liberación de ese piano como una
liberación del pecado?
¿Y qué hay de sus nuevos esfuerzos por aprender a hablar al final de la
película? Eso me dice que ha trascendido su rabia, su odio y, hasta cierto
punto, su rebelión autónoma. En las Escrituras, parte de la redención es que
Dios “abre nuestros labios” ( Sal. 51:15 ) y los purifica ( Sof. 3: 9 ). Quizás los
cineastas quieren que creamos que Ada puede lograr esta redención sin el
Dios bíblico. Como auto-salvación, su descripción de este proceso no es muy
creíble. Sin embargo, entendida como un acto divino, su nueva vida tiene
más sentido. En cualquier caso, los realizadores ven con razón algo del
cambio que debe producirse para que Ada sea verdaderamente libre.

Hay escenas sexuales gráficas en esta película (innecesariamente gráficas,

en mi opinión) que pueden representar un peligro espiritual para algunos
cristianos. Aún más seductor, si creemos a la mayoría de los críticos, es el
mensaje de redención autónoma de la película. Pero si la película hubiera
reconocido a Cristo, habría presentado tanto una redención más creíble
como un mejor drama, un Deus real en lugar de un deus ex machina.

Lo que falta del dia

Stevens …………. Anthony Hopkins

Señorita Kenton ……… Emma Thompson

Lord Darlington ... James Fox

Sr. Lewis ……… .. Christopher Reeve

Padre de Stevens ... Peter Vaughan

Columbia Pictures presenta una película dirigida por James Ivory. Producida
por Mike Nichols, John Calley e Ismail Merchant. Escrito por Ruth Prawer
Jhabvala. Basado en una novela de Kazuo Ishiguro. Fotografiado por Tony
Pierce-Roberts. Editado por Andrew Marcus. Música de Richard
Robbins. Duración: 134 minutos. Clasificado: PG.

Teológicamente, esta película podría entenderse como una crítica al

servicio. Anthony Hopkins interpreta a Stevens, mayordomo de Lord
Darlington, cuyo objetivo final es hacer todo lo posible para prestar servicio
a su empleador. Todo lo demás en la vida se le escapa. Es 1936, y Stevens
ignora el hecho de que su empleador, Lord Darlington, es un simpatizante
alemán. Stevens piensa que no le corresponde mantener opiniones sobre
asuntos políticos o incluso oponerse a la opresión racial. Stevens está
demasiado ocupado sirviendo a su Señor como para atender a su padre
moribundo. Y evita rígidamente responder a las atenciones de la atractiva
ama de llaves, la señorita Kenton, interpretada por Emma Thompson. Años
más tarde, después de que ella ha hecho un matrimonio infeliz, él la visita
con la esperanza de renovar su relación profesional y (evidentemente)
también las antiguas posibilidades de romance.

La película parece decirnos que Stevens no debería haber estado tan

preocupado por el servicio a su empleador; también debería haberse servido
a sí mismo. Al final resultó que, perdió todo lo que valía la pena tener en la
vida.

La película también coloca a Stevens en el contexto de la Europa de los años

30, donde muchos alemanes, como él, sacrificaron sus mentes y corazones
por un régimen impresionante, pero en última instancia perverso. La película
parece querer decirnos que la mentalidad de esos alemanes, ciegos como
estaban ante las atrocidades de Hitler, no estaba ausente en otros países:
incluso una figura tan pintoresca y adorable como el mayordomo inglés
puede haber albergado una ignorancia e indiferencia culpables que dio ayuda
y consuelo al nazismo. Así, la película piensa que Stevens no solo se destruye
a sí mismo, sino que también es una amenaza para la sociedad.

Siento cierta simpatía por el punto de vista de la película. Hay un tipo de

servicio fanático que considera un vicio cualquier tipo de disfrute. Ese tipo
de servicio no es el servicio que se describe en las Escrituras, el servicio del
Dios que “nos da todas las cosas en abundancia para que las disfrutemos”
( I Tim. 6:17 ). Un servicio tan fanático es ciertamente destructivo, tanto
personal como socialmente.

Debo decir, sin embargo, que encontré el personaje de Stevens difícil de

creer, aunque la interpretación de Hopkins (como la de Thompson) es
maravillosamente matizada y efectiva. ¿Era este tipo de visión de túnel
realmente típico de los mayordomos ingleses en la década de 1930? No
tengo conocimiento de primera mano de la institución de la “gran casa
inglesa”, así que no puedo asegurarlo. ("Upstairs, Downstairs", la serie de
televisión de hace algunos años, presentaba una imagen mucho más
comprensiva de un mayordomo doméstico). Pero creo que si yo fuera
mayordomo me escandalizaría un poco, en este día en que se supone que las
películas son evitando los estereotipos. Francamente, todo el asunto me
parece una caricatura. Sin duda, por supuesto, había al menos un
mayordomo en la Inglaterra de los años 30 que estaba tan divorciado de la
realidad como Stevens. Pero la película parece considerarlo más que un caso
extraño individual:

Estos cineastas parecen estar diciéndonos con esta caricatura que el servicio
realmente dedicado es tonto y socialmente destructivo. Parece que piensan
que debemos ser más egocéntricos, más preocupados por nuestro propio
disfrute de la vida, más preocupados por la política y los problemas
sociales. En respuesta, me parece que (1) necesitamos algo más que una
caricatura para mantener ese argumento. (2) Lo que necesitamos en nuestra
propia sociedad (1993) es en
realidad un servicio más devoto, menos egoísta y menos activismo
político, por importantes que sean las dos últimas categorías en el lugar que
les corresponde. Es precisamente el ideal "centrado en mí" el que ha
destruido mucho de lo que es valioso en nuestro mundo.

Como Siervo del Señor ( Isa. 53 ), Jesús está muy lejos de Stevens, el
mayordomo. Defendió la justicia y la vida abundante. Disfrutó de la
comunión con su Padre, el Dios del cielo y la tierra, un Dios que está bastante
ausente en la presente película. Y no era un ético kantiano que opusiera el
deber al placer. Al contrario, prometió las más ricas recompensas a quienes
lo sigan. Pero no consideraba que el servicio estuviera por debajo de él, ni
siquiera el servicio a sus discípulos. Lavó los pies de sus discípulos (mientras
Stevens traía agua caliente para remojar los pies de un visitante francés), y
promete esperar en nuestra mesa en la fiesta de bodas escatológica ( Lucas
12:37 ). Él es el buen mayordomo, como es el buen pastor, que da su vida
por sus ovejas.

Y nos llama a servirle, un servicio que trae perfecta libertad. Somos esclavos,
pero también reyes y sacerdotes. Y amigos de Jesús. El cristianismo,
especialmente el cristianismo reformado, siempre ha enfatizado ese servicio
a Cristo y a otras personas: la familia, la iglesia, el estado, el empleador. De
ahí la prosperidad económica de las naciones más fermentadas por el
evangelio reformado. No hay nada de tonto en tal servicio, y sus
consecuencias sociales han sido universalmente beneficiosas, no
destructivas. El estereotipo de Stevens representa una versión secularizada
de esa ética cristiana de servicio, ya que la sociedad inglesa de la década de
1930 en general sobrevivió de los "restos" de un cristianismo rechazado. La
secularización de esa ética la hace parecer estúpida, como en esta película
(tan estúpida que compromete, para mí, el impacto dramático de la
película). Pero sería lamentable que tales estereotipos alejaran aún más a la
gente de la doctrina cristiana del servicio,

El banquete de bodas

Wai Tung …… Winston Chao

Wei Wei ……. May Chin

Simon ……… Mitchell Lichtenstein

Sr. Gao ……. Sihung Lung

Sra. Gao …… Ah-Leh Gua

Goldwyn presenta una película dirigida por Ang Lee. Producida por Lee, Ted
Hope y James Schamus. Escrito por Lee, Neil Peng y Schamus. Fotografiado
por Jong Lin. Editado por Tim Squyres. Música de Mader. Duración: 112
minutos. Sin clasificación MPAA.

Esta es una película “gay”, clasificada R, que incluye algunos besos de

hombre a hombre (sin sexo explícito) y una escena de coito heterosexual
oculto. Tendrá que decidir si puede ver este tipo de película a pesar de su
clima espiritual. Sin embargo, si desea comprender la cultura moderna a
través del cine (o cualquier otro medio), debe tener algún concepto de su
actitud predominante hacia la homosexualidad.

El personaje principal es un hombre gay chino-estadounidense, Wai, que vive

con Simon, su amante blanco, en Nueva York. Sus padres, que huyeron del
continente a Taiwán con el general Chiang, inundaron a Wang con
perspectivas de matrimonio, sin saber que era gay. El padre de Wang, que
ahora tiene mala salud, quiere un nieto más que cualquier otra cosa, y solo
un matrimonio adecuado para Wang puede lograrlo. Wang naturalmente se
resiste. Cuando su madre le envía una solicitud a un “club de solteros” para
una perspectiva de matrimonio, diligentemente llena el formulario, haciendo
demandas que considera imposibles de cumplir: por ejemplo, la perspectiva
debe tener dos doctorados. El club tiene una perspectiva: una cantante de
ópera profesional con, por desgracia, solo un doctorado. Wang se encuentra
con ella, pero la cena juntos se convierte en un desastre cuando conocen a
personas que conocen sus otras relaciones.

Pero está Wei Wei, una mujer artista que vive en un edificio propiedad de
Wai. Ella sabe que él es gay pero espera, de alguna manera, que él
corresponda con su afecto. Él es amable con ella y acepta su obra de arte
como pago del alquiler, aunque no lo entiende. Intenta, dentro de los límites
económicos, hacer que su situación de vida sea bastante tolerable. Pero ha
perdido su trabajo, no tiene tarjeta verde y teme que la envíen de regreso a
China continental.

Wai muerde la bala. Al casarse con Wei Wei, él puede solucionar su problema
de inmigración y sacar a sus padres de encima. Así que invita a sus padres a
Nueva York para la boda. La boda en sí es superficial, ante un juez de paz, y
los padres están bastante humillados por la falta de ceremonia. Sus espíritus
se levantan cuando un viejo amigo de la familia, ahora un exitoso
restaurador, se ofrece a organizar un elaborado banquete de bodas para la
supuesta pareja feliz.

El banquete es en verdad fastuoso y bullicioso. Se bebe mucho y se prolonga

hasta la noche. Para angustia de Wai, la pareja debe pasar la noche juntos en
el hotel, aunque Wai añora a Simon. Después de que Wai y Wei-Wei suben
a su habitación, sus amigos "invaden" la suite de luna de miel y se divierten
por un tiempo adicional. Prometen irse después de una actuación más: la
pareja debe meterse bajo las mantas juntos y quitarse la ropa prenda por
prenda hasta que los espectadores estén seguros de que ambos están
completamente desnudos. Eso está hecho y los invitados se van.

Wei Wei luego manosea a Wai (que está algo borracho, pero aún
consciente) debajo de las sábanas. Al sentir su respuesta física, ella comenta:
"Pensé que me habías dicho que las mujeres no podían excitarte". No tiene
respuesta. Lo que sucede a continuación se consideraría “violación
conyugal” si se invirtieran los sexos, pero la película lo presenta como una
tierna exploración y afecto. Y se concibe el nieto largamente esperado.
El resto de la película trata sobre la revelación a los padres de la
homosexualidad de Wai, la cuestión de si Wei Wei abortará al bebé y varios
altibajos entre Wang y Simon. Al final, Wei Wei acepta tener el bebé y
entregárselo a los amantes homosexuales que serán sus "dos papás". Luego,
Wai le proporcionará un apartamento gratuito. Los padres se resignan a la
situación y aceptan a Simon como segundo hijo.

La película asume la línea homosexual de que la orientación sexual se da al

nacer y es inevitable, sin ningún elemento de elección. Pero, curiosamente,
reconoce que Wai tuvo intimidad con varias chicas durante sus años de
escuela secundaria y que pudo concebir un hijo de Wei Wei. Seguramente
esas relaciones fueron "elegidas" en cierto sentido, y la posterior evitación
de Wai de tales relaciones también fue una opción. Wai no es físicamente
incapaz de relacionarse con mujeres; simplemente prefiere las relaciones con
su propio sexo. En este ámbito, la película admite una cierta verdad que no
concuerda con su ideología.

Lo mismo ocurre en otro frente. La relación de Wai con Simon está bastante
romantizada como una unión monógama y solidaria. Pero una vez que las
cosas se ponen difíciles, Simon se va y se divierte con otro compañero, y
luego indica que puede que tenga que dejar Wai si la situación no cambia. La
promiscuidad esencial y el carácter transitorio del amor gay interviene en la
ideología oficial. Por lo tanto, hay en esta película más verdad de la que
sugiere su línea de partido. El hecho es que las relaciones homosexuales rara
vez adoptan la forma de uniones "monógamas". La regla es la promiscuidad
y los arreglos de vivienda transitorios.

El final sugiere que todos vivirán felices para siempre. Pero, ¿qué pasa con
Wei Wei, que debe renunciar a su hijo y el amor de su corazón? ¿Qué pasa
con el niño que debe criarse en la cultura gay? ¿Qué pasa con los amantes
homosexuales, que bien pueden traicionarse unos a otros? Como suele
ocurrir, esta película revela algunas verdades inquietantes a pesar de las
aparentes intenciones de sus productores.

Blues encubierto

Supongo que habría sido fanático de los Yankees en los días de Babe
Ruth. Aunque simpatizo con los perdedores, prefiero ver ganadores, cuanto
más dominantes, mejor. Quizás eso esté relacionado con una de mis
fantasías de la infancia: llegar a ser mucho más competente que todos los
demás para poder pasar por la vida bromeando sobre todo. Creo que otros
también han tenido esa fantasía, ya que ha sido un elemento básico de las
películas, desde Superman hasta James Bond.

Undercover Blues retoma el tema de una manera muy divertida. Jeff y Jane
Blue son personas de la CIA / FBI (presumiblemente casadas, aunque no se
puede estar seguro en estos días) que se presentan en Nueva Orleans con
un bebé y con el ánimo de una pareja joven que tiene el mundo como su
ostra. Resulta que están persiguiendo a algunos villanos para disgusto de la
policía local, que en comparación parecen tontos. Ese es el punto de la
película: varias personas de ambos lados de la ley, sin duda muy
competentes, incluso asombrosas, entre sus compañeros, se convierten en
tropezones cuando se enfrentan a los Blues. La orgullosa chapuza de los
rivales de los Blues me recuerda al inspector Clouseau: en esta película hay
unos 20 Clouseaus. La payasada, los tropiezos, el maravilloso diálogo y la
fantasía de la omnicompetencia hacen de esta una película maravillosamente
entretenida.

Por supuesto, no hay lugar para Dios en esta película; todo es

completamente humanista. Pero uno puede sacar una lección teológica
entre ataques de risa. El hecho es que los Blues ilustran a Dios como el todo
competente. Los malvados pueden parecer invencibles en su tiempo, pero
cuando se enfrentan a Dios solo provocan la risa ( Salmo 2: 7 ).

Así que considere sus propias pruebas. Los malvados pueden perseguirte
hasta la tumba, pero con el tiempo el Señor les dará para qué. Di en tu
corazón: "Con el Señor como mi defensor, ¿qué puede hacerme el
hombre?" Y luego reír. Los cristianos a veces se toman demasiado en serio la
vida. No abogaría por la presunción de los Blues; pero Dios tendrá tanto de
qué reírnos en el último día, sería una lástima tomar todo en serio ahora. La
risa es el resultado de un sentido de verdadera proporción, y ese es un gran
regalo que nos da el Evangelio.

Esa risa es profundamente bíblica. En la historia cristiana, el Señor Jesús a

veces ha sido representado como un payaso, el tonto (a los ojos del mundo)
que enloquece la sabiduría del mundo. Satanás se metió en su propia red
cuando dispuso la crucifixión de Jesús. Y los elegidos de Dios se levantaron
con él, sorprendidos de gozo. Dios respondió amablemente a la risa de Sara,
porque sabía que aunque era una risa de incredulidad, había algo sumamente
apropiado en ella, que Sara no podría haber entendido. Ahora la risa de Sarah
resuena a través de los siglos. Que nuestra risa se una a la de ella y a la de
Dios.

Imperdonable

Clint Eastwood protagoniza "Unforgiven", la película más honrada de 1992.

¡Qué película! Bellamente escrito, actuado, dirigido. Una especie de
desacreditación realista de los estereotipos occidentales, que sin embargo
proporciona toda la emoción estándar que esperamos de los westerns: el
tiroteo, los dilemas morales, la batalla del bien y el mal.

El sheriff de Gene Hackman, el "pequeño Bill" Daggett, es un desacreditador

afable de los pistoleros y leyendas occidentales, una especie de humanista
secular. Me recuerda mucho a Bill Clinton. Racional, calculador,
completamente secular. Le encanta la civilización educada, pero no siente
nada por el espíritu mítico de Occidente. No siente la necesidad de
represalias, piensa que todos los males pueden ser atendidos con una
limosna y una sonrisa. Todo el mundo, piensa, debería perdonar y olvidar y
simplemente llevarse bien. No se preocupe por la justicia en ningún sentido
metafísico. Simplemente haga lo que le digan, y especialmente obedezca la
ordenanza de control de armas. Pero este experto en ética de situaciones
agradables resulta ser peor sádico que cualquiera de los pistoleros que
despacha. Complementa su programa de control de armas apagando a
golpes a cualquiera que sospeche que pueda tener la intención de causar
problemas.

Está construyendo una casa para sí mismo, y piensa que ha pacificado la

ciudad y traído la civilización a la zona. Este patrón evoca un tema bíblico: el
gran Rey –Dios en la creación, Moisés, David, Cristo– construye su casa
después de haber sometido a sus enemigos malvados. Pero Little Bill no es
una figura muy buena del Mesías, ni para dominar el mal ni para construir su
casa. Los visitantes siguen notando que hay todo tipo de goteras en el techo
y otras evidencias de incompetencia arquitectónica, pero Bill no acepta las
críticas. ¿Es este un comentario sutil, quizás, sobre las instituciones
burocráticas erigidas por nuestro gobierno humanista secular?
Eastwood, un buen tipo muy imperfecto en esta película, sin embargo atrae
vítores cuando presenta al pequeño Bill. El pistolero casi reformado de
Eastwood resulta ser un puritano de corazón.

La película tiene su parte de actitudes políticamente correctas. La

compañera de Eastwood es afroamericana, cuya esposa es nativa
americana. Van a arreglar la justicia para algunas prostitutas abusadas. Pero
hay una paradoja ahí. Al luchar por los derechos de las mujeres, la película
respalda la pena capital, que no es tan popular hoy en día entre los
políticamente correctos.

El caso es que “Unforgiven” evoca una época anterior, valores anteriores, y

lo hace de manera convincente. La esposa fallecida del personaje de
Eastwood lo había dejado sin alcohol y lo había alejado de la violencia,
convirtiéndolo en un criador de cerdos pacífico (y sucio). Ahora intenta
comunicar los valores de su esposa a sus dos pequeños hijos. Quiere el
dinero de la sangre por el bien de ellos, y no se atreve a disparar contra los
abusadores de prostitutas, por quienes el guión despierta cierta
simpatía. Pero cuando Daggett tortura y asesina al amigo de Eastwood y
muestra públicamente su cuerpo, Eastwood se convierte en el "famoso
pistolero" de antaño. Fortaleciéndose con una botella de whisky, entra en la
sede de Daggett y despacha a los malos con entusiasmo.

En general, sin embargo, la matanza en la película es torpe. Muestra

vívidamente, como dijo una vez Alfred Hitchcock, "lo difícil que es realmente
matar a un ser humano". Por lo tanto, hay una cierta desacreditación del
espíritu de la leyenda occidental en el cuerpo principal de la película; pero al
final se reivindica la leyenda. El personaje de Eastwood se convierte en héroe
(su logro sin duda será embellecido por la leyenda) y el humanista de
Hackman es relegado al cubo de la basura.

El cristianismo, por supuesto, es mucho más que un mito; pero también es

más que una verdad histórica casual. Las personas que tratan de desacreditar
el evangelio están, como Daggett, desacreditando algo más grande de lo que
son. Lo mismo debe decirse de las tradiciones sociales: pena capital, respeto
por la mujer, igualdad de justicia ante la ley, defensa heroica de los
impotentes, que el cristianismo ha defendido en la sociedad occidental. La
interacción de tales tradiciones con la incredulidad moderna (y sus frutos
sociales) es lo que hace que esta película sea teológicamente interesante.
Claramente, concluye la película, debemos tener algo más que el humanismo
de Daggett si queremos construir una casa de civilización
duradera. Necesitamos más que un historicismo mezquino, un optimismo de
llevarnos bien y el control de armas. También necesitamos el coraje épico de
héroes inspirados, aunque imperfectos, que defienden la justicia y la
misericordia divinas.

por John M. Frame

Tabla de contenido

Prefacio, 2005

Introducción
 • Capítulo 1: ¿Deberían los cristianos ir al cine?
• Capítulo 2: Cine y cultura
• Capítulo 3: Preguntas para hacer sobre películas

Reseñas

• Un mundo perfecto
• Un río corre a través de él
• Valores de la familia Addams
• Celebridad
• Aturdido y confuso
• Hombre de demolición
• Diario de una mujer negra loca
• Abril encantada
• Ethan De
• Geronimo y algunas otras películas sobre indios
• Gettysburg
• Codicioso
• Protegiendo a Tess
• Cielo y tierra
• En el nombre del padre
• Intersección
• En el oeste
• Perdido en Yonkers
• Malcolm x
• Sociedad Amenaza II
• SR Jones
• Mucho ruido y pocas nueces
• Mi vida
• Filadelfia
• Grupo
• la lista de Schindler
• Shadowlands
• Atajos
• Señales
• Algunas notas breves
• Sugar Hill
• La edad de la inocencia
• El apóstol
• El club de la Alegría y suerte
 • La pesadilla antes de Navidad
• El papel
• El piano
• Lo que falta del dia
• El banquete de bodas
• Blues encubierto
• Imperdonable

Prefacio, 2005

Los lectores familiarizados solo con mis escritos teológicos pueden

sorprenderse al escuchar que durante un breve tiempo consideré una carrera
vocacional como crítico de películas. Siempre me han gustado las películas y
pensé que algunas de mis observaciones sobre las películas podrían ser
útiles, al menos para mis alumnos que tomaron cursos míos sobre cultura
moderna. También tuve ante mí el ejemplo de mi colega Harvie Conn, quien
reseñó películas para Christianity Today hasta que los editores le dijeron:
"Los lectores de CT no van al cine". (Evidentemente eso ha cambiado en los
años posteriores).

Entonces, alrededor de 1992-93, escribí una serie de reseñas, con algunas

reflexiones introductorias sobre el medio. Mi propósito principal era usarlos
en cursos, pero también los enviaba a editoriales y publicaciones periódicas,
con la esperanza de que tal vez pudiera trabajar en algún lugar como revisor,
siguiendo a Harvie. Las respuestas fueron totalmente negativas. Los editores
no querían publicar libros de películas porque se quedaban obsoletos muy
rápido. Los editores de periódicos pensaron, bueno, que no debería renunciar
a mi trabajo diario.

De ahí la desintegración de un revisor. Pero he utilizado estas reseñas y

piezas analíticas en otros contextos, y las respuestas no han sido totalmente
negativas. Así que los pongo a disposición ahora en la web. Las reseñas
todavía están anticuadas. La mayoría son de alrededor de 1993, aunque he
agregado uno o dos en los años posteriores. Pero con la creciente
popularidad de la cinta y el DVD, todavía puede haber interés en estas
películas en particular. Más importante aún, estas reseñas pueden ser útiles
para los lectores que buscan evaluar películas más contemporáneas.
Debo advertirle que las reseñas contienen "spoilers". Es decir, he revisado las
películas como se revisa la literatura clásica, con libertad para describir el final
y relacionar ese final con la interpretación general. Si alguien no puede
soportar conocer los finales de antemano, le insto a que vea la película antes
de leer la reseña.

Introducción

Después de ir a ver una película, por lo general me "interrogo", preguntando

de qué trata la película, qué disfruté, qué no, etc. A veces mi interrogatorio
ocurre en una conversación con otros, pero a menudo simplemente me
siento en el computadora y escribir mi propia reseña de la película, buscando
poner en palabras mi respuesta a la experiencia.

He reunido algunas de mis reseñas, junto con algunos ensayos

introductorios, para presentárselas a mis estudiantes del Seminario
Teológico de Westminster para nuestro curso llamado “La mente moderna”,
una revisión crítica del pensamiento y la cultura modernos. Para impartir un
curso de este tipo, uno debe tener alguna fuente de exposición regular de
primera mano a las tendencias culturales, y he descubierto que, para mí, las
películas son el mejor medio para obtener esa exposición. Aunque amo la
música, confieso que encuentro la música moderna de vanguardia, tanto
popular como “seria”, muy difícil de escuchar. Tengo poco gusto o
comprensión del arte moderno. Las novelas tardan demasiado en leerse; las
obras son demasiado caras. Solía ver mucha televisión, pero bueno, ahora
tenemos niños pequeños en la casa y no quiero que se vuelvan "adictos". Leo
filosofía y teología modernas, pero también necesito exponerme a algo más
universalmente popular, para ver cómo las ideas académicas, filosóficas y
religiosas se reflejan y anticipan en la cultura general. Para ello, el cine se ha
convertido en mi medio preferido.

Las críticas de películas cuestan diez centavos la docena; ¿Por qué agrego el
mío a la pila? Bueno, los revisores difieren mucho en su énfasis. La mayoría
se ocupa de cuestiones estéticas o técnicas, o de juicios sobre el valor del
entretenimiento. Los críticos cristianos tienden a centrarse también en el
tono moral de las películas, algunos incluso cuentan los casos de sexo,
violencia o lenguaje soez. Algunos revisores ofrecen perspectivas únicas. Jim
Jordan, por ejemplo, aporta a sus reseñas una rica experiencia en simbolismo
literario y sugiere patrones de simbolismo en el cine que tienen una
influencia sutil pero profunda en el contenido de la película. Todos estos
enfoques tienen su utilidad.

No tengo la sensibilidad de Jordan al simbolismo. Tengo pensamientos sobre

valores estéticos, técnicos y de entretenimiento, que expresaré de vez en
cuando en las reseñas. Obviamente, también me interesan los aspectos
morales del cine, aunque no tengo ni la cabeza ni el corazón para contar las
malas palabras.

Aunque no tengo un título en cine o teatro, tengo cierto conocimiento de la

historia del cine, habiendo disfrutado de películas y discusiones sobre
películas desde la infancia. Creo que mi experiencia musical también me
permite apreciar la estructura dramática: reflujo, flujo y clímax. Pero otros
ciertamente tienen calificaciones más fuertes que las mías para expresar
opiniones sobre estos asuntos.

Lo que sí aporto a las reseñas es, en una palabra, teología. Porque la teología
es el principal trabajo de mi vida. También es de Jordan y de Harvie Conn. Pero
quizás porque tengo menos conocimientos que ellos sobre cuestiones de
detalle cinematográfico, tiendo a centrarme más que ellos en el panorama
general. Veo los “mensajes” de las películas menos en el contexto del cine
como tal que en el contexto de la cultura general y de esos grandes debates
culturales que en el fondo son teológicos. Mi enfoque es apartarme de cada
película y preguntar, ¿qué está tratando de decirme? ¿Cuál es su
cosmovisión, su ley, su evangelio?

La visión del mundo es el tema más importante del cine. Ese es el elemento
que tiene más influencia cultural (a menudo de manera destructiva) y, a
menudo, es el más central para el propósito del cineasta.

Uno de los viejos magnates del cine (me viene a la mente el nombre de Sam
Goldwyn, pero puede que haya sido otra persona) suele citarse diciendo "Si
quieres enviar un mensaje, llama a Western Union". Muchos cineastas han
hecho este tipo de afirmaciones, que su trabajo no tiene nada que ver con
mensajes, con teología o filosofía, que no es más que “arte por el arte” o, al
menos, “entretenimiento por el entretenimiento”.

No quisiera afirmar que el arte puede reducirse a teología o filosofía. El arte

tiende a ser particular y concreto, mientras que la filosofía y, en menor
medida, la teología, tienden a ser generales y abstractas. El arte se esfuerza
por entretener; la teología y la filosofía generalmente no lo hacen, aunque la
diferencia aquí también es una cuestión de grado. (Platón, Nietzsche y
Kierkegaard entretienen de una manera que Aristóteles, Kant y Tillich no lo
son. Ese hecho no es irrelevante para la evaluación adecuada de su trabajo).
El arte tiene dimensiones que nos deleitan o perturban, al margen de
cualquier ideología. contenido. Mucho de lo que comunica el arte es el
ingenio de su propio diseño: sus colores, sus armonías musicales, las
yuxtaposiciones de sus escenas. En el cine, gran parte de la calidad del
producto proviene del puro interés de los ángulos de la cámara, el enfoque
duro o suave,

Habiendo dicho todo eso, debo agregar que es simplemente falso afirmar
que el arte no tiene nada que ver con los "mensajes". De hecho, vivimos una
época en la que los mensajes del arte son cada vez más explícitos. Oliver
Stone, por ejemplo, es bastante explícito sobre el contenido político de sus
películas. No le avergüenzan en absoluto las afirmaciones de que tiene un
hacha que afilar. Mucho mejor. En la comunidad cinematográfica, los
directores y actores son elogiados por todas partes por participar en
películas (incluso, a menudo, películas mediocres) que adoptan posiciones
"controvertidas" sobre cuestiones morales / políticas. Es decir, son elogiados
cuando esas posiciones controvertidas son las que gozan de popularidad en
la comunidad cinematográfica y en los medios nacionales.

La retórica del “arte por el arte” tiende a aparecer cuando estos

controvertidos proyectos reciben críticas de espectadores conservadores o
cristianos. A tal crítica, la respuesta estándar es: “El arte no es filosofía y no
debe ser juzgado como tal. El arte está por encima de la política y la
religión. El arte se comunica solo a sí mismo, no la ideología ”. Pero esa
respuesta es falsa. Todo el mundo sabe que simplemente no es cierto.

Incluso conceptos como belleza y forma no son religiosamente neutrales. Lo

que es hermoso para un no cristiano puede muy bien ser feo para un
cristiano: el romance homosexual, por ejemplo, o las simulaciones
demoníacas en "Fantasía" de Disney. Algunas técnicas, por supuesto, como
el uso de cámaras de mano, pueden ser utilizadas por cristianos o no
cristianos. Un nivel tenue de iluminación en una escena no distingue
necesariamente la realización cinematográfica cristiana de la no
cristiana. Por otro lado, tal iluminación tenue se puede utilizar para hacer un
juicio de valor. La elección de un director de utilizar una iluminación tenue
en una habitación para la escena de una reunión podría, en algunos
contextos, transmitir la opinión de ese director de que los personajes en esa
reunión son bastante desagradables. Eso no significa que una iluminación
tenue siempre indique la presencia del mal; pero concedido otros elementos
del drama, puede indicar eso.

El mensaje, entonces, no es todo lo que hay en el arte, pero es un elemento

importante de él, uno que es especialmente importante para los cristianos
que están preocupados por el impacto de las películas en sus familias y en la
sociedad. Desde una "perspectiva", es el todo: porque cuando preguntamos
acerca del "mensaje", simplemente estamos preguntando qué nos está
comunicando el arte como un todo. Es posible que el mensaje no siempre se
exprese fácilmente en palabras o en términos de filosofía o
teología. Pero intentar expresarlo con palabras es un objetivo valioso para
un revisor. Tampoco se obtiene el mensaje de una película de la misma
manera que obtenemos el mensaje de un tratado filosófico. Las películas,
incluso las de Oliver Stone, no se limitan a enseñar o predicar. Pero nadie
debería tener ninguna objeción al análisis de las decisiones artísticas de un
director para ver qué revelan sobre su visión de la vida.

Por lo general, no es difícil responder a la pregunta: "¿Qué quiere el director

que pensemos (sobre los personajes, los eventos, el escenario, la
atmósfera)?" Por lo general, está bastante claro quiénes son los personajes
básicamente simpáticos, quiénes son los villanos. En las películas, como en
la vida real, existe, por supuesto, una ambigüedad moral. Hay bien en lo peor,
mal en lo mejor. Pero incluso para hacer tales comentarios debemos poder
utilizar términos morales; debemos ser capaces de distinguir el bien del
mal. El enfoque principal de mi análisis teológico de las películas será
simplemente preguntar "¿Qué considera la película bueno y qué malo?"

Así que mis reseñas básicamente intentarán resumir el “mensaje” de cada

película: su ideología, sus valores, su visión del mundo, su filosofía, su
teología. Comentaré otros elementos de la película que me parezcan
especialmente relevantes para formular ese mensaje. En el proceso,
intentaré observar las distinciones adecuadas entre arte y filosofía,
especialmente para reconocer el particularismo del enfoque de una
película. Pero el particularismo no tiene interés a menos que sea en alguna
medida universal, a menos que recuerde a sus espectadores lo que ellos
también han observado.
Ese es el programa subyacente a estas revisiones. Espero que los lectores y
espectadores los encuentren edificantes en cierta medida. Que Dios los use
de alguna manera pequeña o grande para fortalecer la presencia cristiana en
el mundo contemporáneo.

Una advertencia: dado que estas revisiones intentan ser un análisis serio en
lugar de "guías de visualización", no evitaré las discusiones sobre los
finales. Obviamente, no se podría hablar de manera significativa sobre
“Hamlet” o “La muerte de un vendedor” sin decir algo sobre los finales de
estos dramas. Lo mismo ocurre con las películas importantes. Aquellos que
no soporten saber el final de una película antes de verla deben proceder con
la debida precaución.

Mi agradecimiento y aprecio para aquellos autores cristianos que han

entrado en este campo antes que yo, que han soportado el desprecio del
mundo al desarrollar una interpretación cristiana del cine y que a menudo
han soportado el desprecio de los cristianos porque han elegido ir al
cine. Especialmente, he aprendido de las contribuciones de Donald Drew,
Harvie Conn, Jim Jordan y Keith Billingsley. Mucho debería decirse también
del trabajo de un judío observador, Michael Medved, quien ha expuesto el
antagonismo moral entre Hollywood y los "valores tradicionales
estadounidenses". Ya sea que lo reconozca o no, esos valores que aprecia
son, en general, los valores que enseña y promueve el evangelio cristiano.

Capítulo 1: ¿Deberían los cristianos ir al cine?

Algunos cristianos pueden preguntarse cómo un hermano en la fe puede

brindar apoyo a la industria del cine, notoria como es por sus prejuicios
anticristianos y su relativismo moral. Me gustaría señalar que también hay
una opinión en el extremo opuesto: algunos críticos cristianos de la cultura
insisten en que todos los cristianos tienen la responsabilidad de ser
culturalmente conscientes, de conocer las tendencias culturales en el arte,
la música, la literatura, el cine, el teatro, etc. .

Rechazo ambos extremos. Una posición más equilibrada, creo, es reconocer

que las Escrituras nos dicen que estemos "en" el mundo, pero no "del"
mundo. Eso significa que no solo podemos, sino que debemos estar
dispuestos a vivir en medio de una influencia secular (= anticristiana) sin
comprometer la fe. En este sentido, no importa si esa influencia secular
proviene del cine o de la participación en los negocios, el trabajo, el
vecindario, la política o lo que sea. Tampoco, dentro del ámbito general del
entretenimiento mediático, importa si estamos hablando de Beethoven o
rock moderno, Jane Austen o William Faulkner, Ernest Hemingway o Jackie
Collins, revistas de noticias o negocios, televisión o cine, películas de Disney
o películas de Martin. Scorsese. Para evitar la influencia no cristiana por
completo, tendríamos que vivir como ermitaños (suponiendo que incluso
pudiéramos encontrar algún lugar en el mundo fuera del alcance de las
comunicaciones y el gobierno modernos). En toda la experiencia moderna
hay un fuerte componente de enseñanza e influencia anti-bíblicas. Pero el
aislamiento completo no es una opción viva para los cristianos
bíblicos. Incluso los ermitaños cristianos de los períodos antiguo y medieval
justificaron su existencia como una vida de oración y, por tanto, una vida que
era, después de todo, en y para el mundo. ¿Cómo podemos orar por un
mundo del que no sabemos nada? No debemos buscar aislarnos del mundo,
sino ser "sal" y "luz" en nuestra cultura caída, para llevar a cabo la Gran
Comisión de nuestro Señor. Pero el aislamiento completo no es una opción
viva para los cristianos bíblicos. Incluso los ermitaños cristianos de los
períodos antiguo y medieval justificaron su existencia como una vida de
oración y, por tanto, una vida que era, después de todo, en y para el
mundo. ¿Cómo podemos orar por un mundo del que no sabemos nada? No
debemos buscar aislarnos del mundo, sino ser "sal" y "luz" en nuestra cultura
caída, para llevar a cabo la Gran Comisión de nuestro Señor. Pero el
aislamiento completo no es una opción viva para los cristianos
bíblicos. Incluso los ermitaños cristianos de los períodos antiguo y medieval
justificaron su existencia como una vida de oración y, por tanto, una vida que
era, después de todo, en y para el mundo. ¿Cómo podemos orar por un
mundo del que no sabemos nada? No debemos buscar aislarnos del mundo,
sino ser "sal" y "luz" en nuestra cultura caída, para llevar a cabo la Gran
Comisión de nuestro Señor.

Ese equilibrio, de estar “en” pero no “de” el mundo, a veces es difícil de

mantener. Las decisiones de uno en esta área deben basarse en parte en su
propia madurez moral y espiritual. Algunas personas, especialmente los
niños o los jóvenes en la fe, o aquellos con problemas especiales como la
adicción al alcohol o una susceptibilidad inusual a la tentación sexual, deben
limitar su exposición a la cultura secular de manera apropiada. Pero al mismo
tiempo deben ser entrenados en la madurez cristiana, para que
eventualmente puedan entrar más plenamente en la arena secular, sin temer
que la cultura los comprometa, pero esperando influir positivamente en la
cultura para Cristo.

No creo, con los “culturalistas” cristianos, que todo cristiano, o incluso todo
cristiano maduro, tenga la obligación de asistir a exposiciones de arte,
conciertos, películas, etc. Los cristianos deberían buscar influir en el mundo
para Cristo de alguna manera: que es la Gran Comisión. Pero la forma
precisa en que se acercan al mundo puede diferir mucho de un creyente a
otro. Mi cuñado es pastor de una iglesia en el centro de la ciudad de
Filadelfia. Normalmente no va a películas, dramas o exhibiciones de
arte. Pero definitivamente está "en" el mundo, el mundo real, y lo ministra
con toda la fuerza que Dios le proporciona. El conocimiento de los medios
de entretenimiento sería de poca utilidad para él en su ministerio, y yo sería
la última persona en instarlo a que se volviera "consciente de la cultura".

Sin embargo, hay otros (como yo, creo) que son llamados por Dios para
dedicar parte de su energía a la crítica cultural cristiana. Muchos pastores,
así como trabajadores juveniles, académicos, maestros, escritores, padres y
otros, están en esta categoría. Creo que para ellos no está mal, dentro de
límites razonables, exponerse al cine moderno u otros medios. El apóstol
Pablo dijo que no ignoraba las maquinaciones de Satanás ( 2 Cor. 2:11 ). Con
ese propósito, si no por otro, se nos puede llamar para saber qué tienen que
decirnos los cineastas.

Algunos argumentos utilizados por los cristianos que se oponen a la

asistencia moderada a las películas son los siguientes:

(1) "Los actos gráficos de violencia degradan a quienes los ven, haciendo que
los espectadores sean más propensos a la violencia". Sobre esta proposición
hay evidencia estadística mixta. Algunas personas, especialmente los niños,
parecen recurrir más rápidamente a la violencia, o al juego de imitación
violento, como resultado de ver violencia simulada en televisión o
películas. Abogo por que los padres limiten y controlen el uso de estos
medios por parte de sus hijos. Pero me cuesta creer que todo el mundo deba,
por esta razón, reducir drásticamente su asistencia al cine. Yo mismo nunca
(ni siquiera en la infancia, según recuerdo) me he sentido en lo más mínimo
inclinado hacia la violencia como resultado de verlo en una película. En su
mayor parte, ver tal violencia aumenta mi determinación de encontrar
soluciones no violentas a los problemas. Creo que muchas otras personas
son similares a mí en este sentido.
Además, si mantenemos una distancia crítica adecuada de las películas que
vemos (una distancia que es necesaria por muchas otras razones), podemos
ver que la violencia cinematográfica es esencialmente coreografía. Nadie sale
realmente herido. Y en la mayor parte de las películas, incluso hoy en día, las
personas injustamente violentas no son recompensadas ni glorificadas.

Es importante mantener la perspectiva: la falta de perspectiva es uno de los

defectos más prevalentes en el pensamiento cristiano hoy, en mi opinión. Y
la perspectiva más amplia es que la violencia nos rodea, es inevitable. Evitarlo
por completo es apartarse del mundo. De hecho, la Escritura misma contiene
descripciones de violencia aterradora, incluso sangrienta; acaba de leer el
Libro de los Jueces. Dado que las Escrituras incluyen tales descripciones,
debemos asumir que hay buenas razones para ello, razones que conducen a
la edificación ( 2 Tim. 3:16 , 17 ). No es difícil imaginar cuáles podrían ser
esas razones. La violencia de los malvados nos muestra lo que nos ha hecho
la Caída; y la violencia del juicio divino nos llama al arrepentimiento. Sobre
esta base, no podemos negar que alguna exposición a representaciones de
violencia puede ser edificante.

(2) "Las escenas sexuales en las películas excitan los deseos

impuros". Nuevamente, creo que esto es cierto para algunos espectadores,
pero no para otros. Si las escenas de sexo en las películas tienen ese efecto
en ti, entonces no vayas al cine hasta que Dios te dé un mayor dominio sobre
la tentación. Pero no creo que esto sea un problema para todos los
cristianos.

Pero algunos podrían ir más allá e insistir en que, incluso para aquellos que
no se sienten tentados al pecado por el sexo en la pantalla, está mal ver a los
actores en el proceso de hacer cosas que son pecaminosas en sí mismas. (Se
ha hecho el mismo punto con respecto al uso de lenguaje malsano o
blasfemo en los guiones de películas). Concedo que algunas escenas de amor
en las películas cruzan esa línea de ser "pecadores en sí mismos". Es cierto
que, para los actores y actrices involucrados, el sexo en la pantalla no es muy
"sexy". El rodaje de estas escenas se realiza poco a poco, con todo tipo de
intrusiones técnicas y, por lo general, sin contacto genital real. Aún así, si
estuviera casado con una actriz que optara por participar públicamente en
besos profundos y relaciones sexuales simuladas con un tercero, me
consideraría violada. En mi opinión, esa es una visión bíblica del asunto.
Así que algunas películas de sexo son ciertamente pecaminosas en sí
mismas. Y uno no puede, ciertamente, justificar observar el pecado por sí
mismo. No iría a una película con el propósito de ver a un actor y una actriz
en una escena de sexo desnudo (por lo tanto, evito las películas “XXX”),
como tampoco saldría a caminar por el parque para espiar a los niños que
hacen el amor detrás de la arbustos. Por otro lado, no me mantendría alejado
del parque por temor a que pudiera observar algún sexo ilícito. Del mismo
modo, si los actores de cine desean cometer un pecado ante la cámara, esa
es su responsabilidad. No creo que cometo pecado cuando yo, en el curso
normal de mis actividades culturales, observo lo que ellos, sin consultarme,
han elegido hacer en público.

(3) "Las películas modernas promueven, de manera muy eficaz, una filosofía
de vida no cristiana". Esto es cierto, y es el más profundo de todos los
argumentos contra la asistencia cristiana al cine. El sexo, el lenguaje soez y
la violencia son elementos incidentales en el cine, pero la visión del mundo y
de la vida no cristiana suele ser la esencia. Esa visión del mundo hace más
daño en la sociedad que cualquier representación cinematográfica de sexo,
violencia y lenguaje impío. De hecho, esa visión del mundo es lo que hace
que el sexo, la violencia y el lenguaje en las películas sean malsanos, en
contraste con las descripciones bíblicas de tales cosas.

Pero nuevamente, la perspectiva está en orden. La filosofía no cristiana ha

dominado las artes y la cultura en general durante los últimos tres
siglos. Para evitar la exposición a valores y visiones del mundo no cristianos,
tendríamos que evitar la exposición a Mozart y Beethoven, Emerson y
Thoreau, Hume y Kant, Paine y Jefferson, DW Griffith y Charlie Chaplin, etc.,
sin mencionar a Platón. , Aristóteles, Sófocles, Eurípides, Cicerón y otros
antiguos. Tendemos a descartar a los exponentes más antiguos de los
valores no cristianos, viéndolos con el halo que viene con una larga
aceptación cultural. Por esa razón, estos pensadores más viejos son a
menudo más peligrosos que los que son más contemporáneos y más
obviamente anticristianos. De hecho, por razones similares, debemos tener
cuidado con las películas con clasificación G tanto como con las películas
con clasificación R y X. Sí, limitemos nuestra exposición a todas estas
influencias;

(4) "No debemos dar nuestro dinero a una industria que fomenta la
inmoralidad y la incredulidad". Las Escrituras no requieren que los creyentes
apoyen solo industrias e instituciones que son moral y religiosamente
puras. Jesús enseñó a sus discípulos a pagar impuestos al César, impuestos
que apoyaban el culto al emperador, entre otras cosas. Pablo les enseñó a
los corintios a comprar comida en el mercado sin preguntar si se la había
ofrecido a los ídolos o no. Las Escrituras son lo suficientemente realistas
como para saber que si tuviéramos que preguntar sobre la religión o la moral
de cada comerciante antes de hacer negocios con él, no podríamos comprar
nada.

No creo que esté mal que los cristianos boicoteen industrias que creen que
están haciendo daño social y / o religioso en el mundo. Ciertamente son
libres de negar su apoyo económico a esas industrias. Por otro lado, no creo
que las Escrituras nos exijan boicotear tales organizaciones. Realmente no
podríamos hacer eso en todos los casos sin aislarnos completamente del
mundo.

Por lo tanto, concluiría que una cantidad moderada de ir al cine es legítima

para la mayoría de los cristianos. No creo que debamos avergonzarnos de
eso o incluso de disfrutarlo. La moderación, por supuesto, requiere una
cuidadosa reflexión sobre las prioridades. Incluso las actividades que son
buenas en sí mismas pueden volverse incorrectas si desplazan de nuestra
vida las cosas que son más importantes. Cada uno de nosotros necesita
hacer un autoexamen en esta área. Las opciones sobre la exposición al
entretenimiento y la cultura no son neutrales desde el punto de vista
religioso. Pero aquellos que son conscientes de agradar a Dios y guardar sus
mandamientos no necesitan sentirse culpables por la asistencia moderada al
cine.

Capítulo 2: Cine y cultura

Harvie Conn ha descrito el cine como un "espejo cultural", un reflejo valioso

de las actitudes, filosofías, valores y estilos de vida contemporáneos. Otros,
como Michael Medved, han puesto más énfasis en la idea del cine
como formador de cultura.

Como yo lo veo, ambos énfasis son ciertos. La relación entre cine y cultura
es la del huevo y la gallina. El cine es, por supuesto, un producto de la cultura,
ya que los creadores de películas son personas de su propio tiempo. Por otro
lado, dentro de su propia cultura, los cineastas suelen ser atípicos. Tienden a
ser más liberales políticamente, menos inclinados a practicar la religión, más
abiertos a actitudes y movimientos sociales radicales, que la población en
general. Por lo tanto, sus películas tienden a apoyar el radicalismo y subvertir
los valores tradicionales, especialmente los cristianos. Cuando esos
cineastas responden a las críticas sobre el contenido de sus películas
diciendo “solo estamos reflejando la cultura más amplia”, están siendo
ingenuos o deshonestos. En la cultura más amplia, hay mucho más interés
en la religión, mucha más integridad familiar,

En cualquier caso, cuando vamos al cine es importante llevarnos algo de

comprensión de lo que está sucediendo en la cultura general: tanto lo que
se considera “tradicional” como lo que se considera “vanguardista”.

No se puede resumir adecuadamente la situación cultural actual en un breve

ensayo, pero ofreceré un resumen aquí simplemente para mostrar al lector
de dónde vengo en mis reseñas. Como yo lo veo, la cultura occidental se ha
movido en los últimos trescientos años de una época de dominio cristiano a
una época de dominio secular anticristiano. Incluso hoy, sin embargo, existe
en la cultura occidental bastante “capital cristiano prestado” y, de vez en
cuando, la enseñanza cristiana se escucha con respeto.

Es posible sobreestimar el papel del liberalismo secular en la sociedad

contemporánea. A partir de las representaciones de la década de 1960 en los
medios de comunicación populares, especialmente en el cine, uno da la
impresión de que todos en los Estados Unidos estaban "abandonando",
tomando drogas, protestando por la guerra, apoyando causas radicales de
izquierda. Quizás eso es lo que estaban haciendo la mayoría de los cineastas
y sus amigos. Pero la mayoría de los estadounidenses estaban hartos de
todas las protestas, las drogas y los pomposos jóvenes
moralizadores. Eligieron presidente a Richard Nixon en 1968, y lo reeligieron
abrumadoramente en 1972, contra George McGovern, quien era la voz de la
izquierda radical. Podría decirse que la población continuó moviéndose hacia
la derecha durante la década de 1970, lo que resultó en la elección de Ronald
Reagan en 1980 y 1984. Durante los últimos treinta años, los únicos
presidentes elegidos por los demócratas fueron hombres que persuadieron
al electorado de su moderación. Los liberales abiertos, McGovern, Mondale y
Dukakis fueron derrotados rotundamente.

Las ideas liberales, por lo tanto, no son tan dominantes dentro de la cultura
general como lo son en la prensa, los medios educativos y de
entretenimiento. Aún así, dejan su huella de manera importante, en gran
parte porque estos medios, junto con la influencia del gobierno, tienen
mucho poder.

Hoy, el enfoque del movimiento liberal se puede resumir en el

término igualdad . Ese movimiento enfatiza especialmente, de manera cuasi
marxista, la igualdad entre hombres y mujeres, entre razas, culturas,
religiones, entre ricos y pobres.

El cristianismo también respalda la igualdad de todas las personas ante la ley

divina y humana. Dios no hace acepción de personas, y la ley humana no
debe dar preferencia a las personas por motivos de riqueza, género o
raza. Pero el consenso liberal respalda formas de igualdad no bíblicas: roles
idénticos para hombres y mujeres, abolición de cualquier “brecha” entre
ricos y pobres, eliminación de cualquier sanción moral contra la
homosexualidad. En última instancia, la igualdad liberal equivale al
relativismo moral. Pero es un relativismo moral que se vuelve muy
dogmático, muy no relativista, al afirmar su propio igualitarismo. Cualquiera
que no esté de acuerdo, que no sea "políticamente correcto", debe ser
difamado y excluido de la sociedad educada.

El Dios de la Biblia trata a las personas por igual en algunos aspectos, pero,
en otros aspectos, es el gran divisor. Separa a los justos de los malvados en
sus terribles juicios. Establece límites morales no relativos para las criaturas
al revelar su ley. No tiene ningún interés en abolir las diferencias económicas
entre las personas de este mundo. Establece instituciones de la familia, el
estado y la iglesia, y otorga a diferentes personas diferentes roles dentro de
estas instituciones: esposo / esposa / hijo, magistrado / ciudadano, anciano /
miembro.

El Dios bíblico puede elegir entre las personas, porque es una persona . Un
distintivo de la personalidad es la elección racional. El problema con el
liberalismo secular es que ha abandonado la fe en el Dios personal de la
Biblia. Desde el punto de vista secular, las características más últimas del
universo son impersonales, no personales. Pero una fuerza impersonal no
puede tomar decisiones. Debe actuar sobre todas las demás realidades por
igual. Una corriente eléctrica descargará cualquier cosa o persona que se
encuentre con ella. Pero una persona puede elegir cómo responderá a otras
personas y objetos en su entorno.
El rechazo del Dios personal de las Escrituras trae inevitablemente el
universalismo: o todos se salvan o todos se pierden. Y trae igualitarismo.

El lado moral relativista del liberalismo secular se deriva del hecho de que,
como señaló Dostoievski, si Dios no existe, todo está permitido. Pero tal
permisividad universal es una receta para el caos, una que incluso los
secularistas no pueden aceptar fácilmente. De esta manera buscan
reemplazar a Dios con otro supuesto absoluto. (Las Escrituras llaman a este
proceso “idolatría”). Ese absoluto es, en la mayoría de los casos, su propio
juicio moral autónomo. De ahí el lado "dogmático" del secularismo. Pero
cuando ese dogmatismo fracasa, cuando el propio juicio de los secularistas
resulta indigno de confianza, vuelven al relativismo: “Oh, bueno; nadie lo
sabe realmente ". Relativismo y dogmatismo: son la Escila y Caribdis del
liberalismo secular. Estrictamente, estos son incompatibles entre sí. Pero se
complementan y se necesitan mutuamente.

Cornelius Van Til llama relativismo y dogmatismo con los términos

“irracionalismo” y “racionalismo” respectivamente, relacionando así estos
temas con las preocupaciones tradicionales de la epistemología filosófica, la
teoría del conocimiento. Os Guinness en El polvo de la muerte los describe
como "pesimismo" y "optimismo", relacionando así estos motivos con
actitudes prácticas. Es importante, especialmente en el contexto del cine,
que no veamos estos temas solo como elementos de una visión teórica del
mundo o un sistema ético, sino que los veamos como actitudes que afectan
a todas las áreas de la vida humana. Porque si alguien ha adoptado una ética
relativista, es probable que esa persona se desespere, “pesimismo” cuando
se trata de tomar decisiones en cualquier área de la vida. Ha rechazado a
Dios, la fuente de todo significado. ¿Qué base puede tener para el
optimismo? Por otro lado, puede convertirse en un secularista dogmático en
lugar de relativista, aunque sean dos caras de la misma moneda. Entonces
bien puede ser optimista; pero será una falsa esperanza.

En las películas, entonces, debemos tener en cuenta la presencia tanto del

relativismo moral como del dogmatismo secular. Pero también podemos
encontrar en las películas huellas, a veces más que huellas, de ideas cristianas
que, a pesar de la resistencia actual tanto de la cultura general como de la
industria cinematográfica, han logrado imponerse. Uno encontrará grandes
elementos de enseñanza y valores cristianos en historias antiguas
ambientadas en películas modernas: obras de Shakespeare, leyendas
medievales, etc. Y también encontrará películas de concepción reciente
donde los valores cristianos son prominentes. “Chariots of Fire”, “Tender
Mercies” y “A Trip to Bountiful” son películas recientes que, si bien no son
distintivamente cristianas en todos los sentidos, presentan sin embargo
ideas distintivamente cristianas bajo una luz favorable. A veces, uno
encuentra temas y simbolismos cristianos en películas, incluso películas que
en sí mismas no apoyan los valores cristianos. Los cristianos deben estar
preparados para sorprenderse cuando asisten a películas, y no solo
negativamente.

A veces es fácil explicar estos elementos auténticamente cristianos de las

películas, por las convicciones cristianas de un escritor, director u otro
miembro (s) del equipo de realizadores. Otras veces no es fácil de explicar. A
veces parece que los cineastas no cristianos no pudieron superar la fuerza
dramática, intelectual y moral de la revelación cristiana y, por una vez,
dejaron que se saliera con la suya.

En mis reseñas, mientras trato de resaltar los “mensajes” de los cineastas,

me enfocaré en los temas de igualdad, relativismo e idolatría dogmática. Y
también destacaré aquellos elementos en los que creo que la palabra de Dios
ha superado la resistencia cultural para pronunciar su pieza cinematográfica.

Capítulo 3: Preguntas para hacer sobre películas

En mi discusión sobre el cine y la cultura, identifiqué el impulso general del

liberalismo secular moderno y su antítesis con el cristianismo. Mis reseñas
tratarán esos temas en general. Aquí deseo ser un poco más específico. Lo
que sigue son algunas preguntas que siempre tengo en mente cuando voy
al cine. Recomendaría que otros espectadores cristianos hagan las mismas
preguntas. No revisaré esta lista completa en cada revisión; Solo hablaré de
los que creo que son más importantes para la película en particular.

1. ¿Quién escribió la película? ¿Quién lo produjo? ¿Quien lo

dirigió? ¿Conocemos a través de los escritos y trabajos previos de estas
personas algo sobre su filosofía de vida? Los trabajos previos de los actores
también son importantes. Los actores contribuyen mucho a la calidad de una
película, poco a su concepción fundamental. Pero los actores tienden a
firmar proyectos con los que tienen cierta afinidad ideológica (asumiendo
que las recompensas financieras no sean determinantes de otra
manera). Mel Gibson casi nunca toma películas con un fuerte componente
sexual; Mickey Rourke casi siempre lo hace. La presencia de ciertos actores,
admitiendo que a veces van “en contra del tipo”, puede decirte algo sobre el
mensaje de una película.

2. ¿Está bien hecho, estéticamente? ¿Son los valores de producción y

actuación de alta calidad? Estos factores pueden tener poco que ver con el
"mensaje". Pero tienden a determinar el alcance del impacto cultural de la
película, y eso es importante para nuestros propósitos. Si una película está
bien hecha, puede tener un gran impacto en la cultura para bien o para
mal. (¡Por supuesto que algunas películas malas también tienen un gran
impacto!)

3. ¿Es honesto, fiel a su propia posición? Esta es otra marca de "calidad". En

términos generales, una película honesta, independientemente de su punto
de vista, tendrá un impacto cultural mayor que una que embute sus puntos.

4. ¿Qué tipo de película es? ¿Fantasía? ¿Biografía? ¿Drama

realista? ¿Comedia? Obviamente, cada película debe ser juzgada según su
propósito y género. No exigimos de una fantasía el tipo de precisión histórica
que exigimos de una biografía supuestamente literal.

5. ¿Cuál es la cosmovisión de la película? ¿Es teísta o ateo? ¿Cristiano o no

cristiano? Si no es cristiano, ¿su principal impulso es relativista o
dogmático? ¿Cómo emplea el tema de la "igualdad"? ¿Hay algún papel para
la providencia, para Dios? ¿Es la película pesimista u optimista? ¿La acción se
mueve de manera determinista o hay un papel significativo para la elección
humana?

6. ¿Cuál es la trama? ¿Qué problemas enfrentan los personajes? ¿Pueden

estos problemas estar correlacionados de alguna manera con la caída de la
humanidad en Adán? ¿La película, en efecto, niega la Caída o la afirma de
alguna manera?

7. ¿Son los problemas solubles? ¿Si es así, cómo? ¿Qué métodos están
disponibles para los personajes para que puedan encontrar las respuestas
que necesitan?

8. ¿Cuál es la postura moral de la película? ¿Es la película relativista,

dogmática o ambas en alguna combinación? ¿Cuáles son sus actitudes hacia
el sexo, la familia, la vida humana, la propiedad, la verdad, las actitudes del
corazón? ¿Cuál es la fuente de las normas morales, si las hay? ¿Prevalece la
justicia?

9. En la comedia, ¿qué es lo gracioso? ¿Cuáles son las incongruencias

típicas? ¿Quién es el blanco de las bromas? (¿Cristianos? ¿Valores
tradicionales? ¿Los malvados? ¿Los justos? ¿Dios? ¿Satanás?) ¿Es el humor
anárquico? ¿Es la racionalidad que salió mal? ¿Es amargo o suave? ¿Se basa
en caricaturas? Si es así, ¿de quién?

10. ¿Hay alusiones a hechos históricos, obras literarias, otras películas,

personajes famosos, Escritura, etc. que nos den una idea de dónde vienen
los realizadores? Debemos recordar, por supuesto, que las alusiones pueden
ser negativas, positivas, irónicas o meramente decorativas. Una alusión
bíblica no necesariamente indica la aceptación de los valores bíblicos.

11. ¿Cuáles son las imágenes principales de la película? ¿Hay algo interesante
sobre la iluminación, los ángulos de la cámara, el sonido, la sincronización
que reforzaría un tema en particular? ¿Hay símbolos significativos?

12. ¿Hay temas religiosos explícitos? ¿Figuras de Cristo? 1 ¿Expresa la

película actitudes significativas hacia Cristo, el clero o la iglesia? ¿Distorsiona
el cristianismo o lo presenta en su peor momento? ¿O lo presenta con cierta
comprensión y / o simpatía? ¿Reconoce el elemento de piedad personal en la
vida de las personas? 2 Hay excepciones. Si es así, ¿lo aprueba o
desaprueba? ¿Qué pasa con Satanás, los demonios, lo oculto? ¿La película
reconoce su actividad de alguna manera? ¿Se toma al diablo en serio? Si es
así, ¿cómo se trata? _

1 El “ET” de Steven Spielberg es, creo, una figura de Cristo genuina: recuerda
los temas de la preexistencia, el crecimiento, la enseñanza, el milagro, la
curación, la muerte, la resurrección, la ascensión. Spielberg negó este
paralelismo, pero en mi opinión está objetivamente ahí, incluso si Spielberg
no era consciente de ello. La razón es que la mente humana necesita un
evangelio como el del Nuevo Testamento. Aquellos que no aceptan ese
evangelio a menudo otorgan instintivamente a sus invenciones idólatras
poderes paralelos a los de Cristo.
2 El personaje de Frank Burns en el M * A * S * H original era un tipo piadoso
que se arrodillaba para orar junto a su cama, ante el desprecio de sus
compañeros soldados. Finalmente, resultó que era un adúltero e
hipócrita. Eso es bastante típico de la forma en que Hollywood retrata la
piedad cristiana.

Un mundo perfecto

Red Garnett ………. Clint Eastwood

Butch Haynes ……… Kevin Costner

Sally Gerber ……… Laura Dern

Phillip Perry …… .. TJ Lowther

Terry Pugh ……… .. Keith Szarabajka

Tom Adler ………… Leo Burmester

Bobby Lee ………… Bradley Whiteford

Warner Bros. presenta una película dirigida por Clint Eastwood. Producida
por Mark Johnson y David Valdes. Escrito por John Lee Hancock. Fotografiado
por Jack N. Green. Editado por Joel Cox. Música de Lennie Niehaus. Duración:
136 minutos. Clasificados: PG-13 (en apelación por violencia, contenido
sexual y lenguaje).

Algunos críticos se han entusiasmado con esta película, el primer proyecto

como director de Clint Eastwood desde "Unforgiven". Como la película
anterior, esta enfatiza la ambigüedad moral: lo bueno en el peor de nosotros
y lo malo en el mejor. Sin embargo, no me impresionó tanto este esfuerzo.

Butch Haynes, interpretado por Kevin Costner, es un tipo que ha tenido una
infancia podrida y ha pasado la mayor parte de sus últimos años en la
cárcel. Se escapa de la cárcel con un compañero de prisión y (principalmente
debido a la locura de su colega) termina con un rehén de ocho años. La madre
del niño es testigo de Jehová, que nunca le ha permitido ir a pedir dulces en
Halloween, celebrar la Navidad o ir a carnavales o ferias. Nunca ha comido
algodón de azúcar. Comprensiblemente se ha desarrollado como un joven
tímido, no muy a gusto en público. Su verdadero padre dejó a la familia años
antes.

Cuando el compañero de fuga de Costner intenta abusar del niño, Costner

lo mata y deja su cuerpo en un campo de maíz. Luego, él y el niño se van
juntos, perseguidos por los Texas Rangers encabezados por el personaje de
Clint Eastwood, Red Garnett. Haynes se convierte en padre sustituto de
"Buzz", como llama al niño. Él le enseña por experiencia todas las cosas de
las que su madre lo protegió: armas, autos, sexo, truco o trato.

Garnett, de Eastwood, siente la culpa de haber enviado al joven Butch a una

prisión para menores hace años, aunque tenía bastante razón para
hacerlo. Butch aprendió allí cómo ser un criminal y nunca pudo ser otra cosa.

La historia llega a su clímax cuando Haynes y Buzz reciben hospitalidad en la

casa de un granjero negro. El granjero abofetea a su propio niño y Haynes se
enoja tanto que casi lo mata. Para evitar que haga esto, Buzz dispara a
Haynes y huye; pero finalmente el niño llega a reconocer lo mucho que ama
a su secuestrador. Con el tiempo, Butch es asesinado por un francotirador
de la policía tonto pero imperioso que piensa erróneamente que Butch está
armado. Buzz vuelve con su mamá pero, imaginamos, nunca volverá a ser el
mismo.

Aquí hay elementos de la trama de rutina: fuga de la cárcel, secuestro,

persecuciones de automóviles, trabajo de detective, amistad creciente entre
el secuestrador y la víctima. Pero la película minimiza estos elementos a favor
de las relaciones personales. Se trata esencialmente de padres (biológicos y
sustitutos) e hijos: Haynes y su padre podrido, Buzz y el suyo, Haynes y Buzz,
Garnett y Haynes, el aparcero negro y su hijo. La crueldad hacia los niños es
lo único que Haynes no puede soportar. Es decir, se nos dice en efecto, lo
que lo provoca a sus actos más violentos. Pero como padre sustituto de
Buzz, gana cierta nobleza, según la película.

Sin embargo, como cristiano, me resistí a los valores de la película. No

comentaré sobre las diferencias teológicas entre el culto de los testigos de
Jehová y la ortodoxia cristiana, aunque hay muchas. Tampoco expondré la
diferencia entre el legalismo evidente de la madre de Buzz y la ética de las
Escrituras, aunque también se podría decir mucho sobre eso. Hollywood no
sabe nada de tales distinciones. Para esta película, los testigos de Jehová son
malos, no porque sean heréticos o legalistas, sino porque defienden valores
“rectos”, en contra de los valores de Hollywood y la cultura moderna. En este
sentido, tendré que ponerme del lado de los Testigos. La madre de Buzz está
tratando de resistir la marea de la decadencia. A pesar de toda su herejía y
legalismo, está tratando de proteger a su hijo del mundo. Haynes está
tratando, esencialmente, de deshacer eso. La película se pone del lado de
Haynes; Yo no.

Por lo tanto, a pesar de todos los intentos de la película de profundidad moral

(es decir, reconocer la ambigüedad moral), la mayoría me dejó frío. Butch
Haynes es un asesino y un ladrón. ¿Debe ser excusado por su mala
educación? ¿Se redime despertando los instintos egoístas de Buzz? No en mi
libro. Por supuesto, es difícil no simpatizar con ningún personaje
interpretado por Kevin Costner. Todos sus movimientos (en todas sus
películas) proclaman que es un buen tipo. Pero la elección de Costner para
este papel es parte de la propaganda de la película. Prácticamente nos
ordena simpatizar con Haynes. ¿Podemos resistir esa orden? Otra razón más
para no dejar tus facultades críticas en casa cuando vas al cine.

Un río corre a través de él

Este es un guión de Horton Foote de una novela sobre un ministro

presbiteriano y sus dos hijos que vivían en Montana a principios del siglo
XX. Foote también escribió “Tender Mercies” y “A Trip to Bountiful”, dos
películas alabadas en los círculos cristianos por su tratamiento comprensivo
de las convicciones cristianas (un bien escaso en películas
recientes). También aquí la familia religiosa es vista con simpatía. Pero en
esta película el padre es un pastor bastante liberal, o eso indican sus
sermones. Aunque el pastor habló con cierta elocuencia sobre la vida
humana, no escuché nada en su predicación ni en ningún otro lugar que me
recordara el evangelio bíblico. Debemos recordar el argumento de J. Gresham
Machen de que el liberalismo y el cristianismo son dos religiones diferentes
y antitéticas.

En cualquier caso, el pastor también es un experto pescador con mosca y, se

nos dice en la introducción, en su familia era difícil trazar la línea divisoria
entre la teología y la pesca. También era un alumno en casa. Lo vemos
contando a sus muchachos los matices de la escritura. (“Ahora inténtelo de
nuevo, pero hágalo la mitad de largo”). Y les enseñó a pescar.

El hijo mayor fue a la universidad y finalmente se convirtió en profesor de

inglés. El más joven se quedó en casa y se convirtió en periodista. Como la
literatura actual sobre el orden de nacimiento le haría creer, el hijo menor es
algo menos “responsable” que el mayor. (Escribo como primer hermano.) Se
emborracha mucho, juega, sale con una mujer de la raza equivocada, y
finalmente se mata.

Pero poco antes de su muerte, vuelve a pescar, con su papá y su hermano

mayor. Mientras los mayores lo miran, asombrados, interpreta a un pez con
una habilidad que saca del guión el lenguaje de la inspiración divina. Para los
tres, es un momento de inexplicable belleza y asombro.

El misticismo del momento se queda con el hijo mayor, y al final de la película,

después de muchos años, se para junto al río y recuerda aquellos tiempos. Ve
a toda la gente, todos los tiempos y lugares reunidos en un solo flujo, "y un
río lo atraviesa".

La teología de la película, por lo tanto, se revela monista: todo es uno. El

hermano está muerto, pero está vivo en la memoria. En su momento de
gloria, ascendió a un nivel superior de ser, y con el tiempo todos seremos
parte de él y él parte de nosotros. La disipación y muerte del niño, en última
instancia, no tienen importancia.

Bueno, eso es lo que a mucha gente le gustaría creer hoy. Está muy lejos del
cristianismo; de hecho, es la némesis misma del cristianismo, que mantiene
distinciones entre Dios y el hombre, entre un ser humano y otro, entre el bien
y el mal, entre la pesca y la teología, entre la muerte y la vida. ¿Realmente
queremos creer que una vida de disipación puede compensarse con una hábil
pesca? Me doy cuenta de que esa pregunta trivializa bastante la película, que
en muchos sentidos es hermosa y reflexiva. Pero no aceptemos simplemente
el efecto fascinante que esta película busca producir en
nosotros. Preguntémonos qué es lo que se nos está enseñando y
escuchémoslo, no como parte del “fluir”, sino con una consideración
cristiana que no teme cuestionar un drama tan seductor como este.

Valores de la familia Addams

Morticia ………. Anjelica Huston

Gómez …………. Raúl Julia

Fester ………… Christopher Lloyd

Abuela ………… Carol Kane

Miércoles ……… Christina Ricci

Pugsley ……… .. Jimmy Workman

Debbie Jelinsky… Joan Cusack

Traqueteo …………. Carel Struycken

Paramount presenta una película dirigida por Barry Sonnenfeld. Producida

por Scott Rudin. Escrito por Paul Rudnick. Basado en personajes creados por
Charles Addams. Fotografiado por Donald Peterman. Editado por Arthur
Schmidt. Música de Mark Shaiman. Duración: 88 minutos. Clasificado: PG-13
(por humor macabro).

Esta es una película sobre asesinatos y lo oculto, que no se juega por el

horror, sino por las risas. Como comedia, esto es un tapón de corcho. El
guión y los gags visuales son tremendamente divertidos. Se mueve rápido,
sin cometer el error de muchas comedias que tardan una eternidad en armar
una mordaza solo para que se caiga. En esta película, las frases clave son
rápidas, a menudo en una sola palabra. Chica en el campamento de verano
al miércoles Addams: "¿Por qué estás vestida como si alguien hubiera
muerto?" Miércoles: "Espera". Observe las escenas con atención para
conocer los detalles, como el brebaje de las brujas hirviendo y humeando en
las bebidas del cóctel.

Las actuaciones son geniales: Raúl Julia como el nuevo Fernando Lamas /
Ricardo Montalbán / Cesar Romero, el estereotipado latin lover. Anjelica
Huston como Morticia, comunicando volúmenes con sus cejas. La química
entre ellos, especialmente su increíble número de baile, trascendió
el género . Disfruté especialmente de Christina Ricci, la joven actriz que
interpretó a su hija Wednesday. Interpretó el papel de manera tan directa,
tan sombría, que cada vez que rompía una sonrisa era muy graciosa.

La trama se desarrolla en tres direcciones: (1) el nuevo bebé de los Addams

y la rivalidad entre hermanos cómico-asesino de su hermana y su hermano,
(2) la experiencia de los niños mayores en el campamento de verano que
conduce a un Armageddon ardiente, (3) tío Fester (un Christopher Lloyd
irreconocible) se casa con una "viuda negra", una supuesta institutriz que se
casa con hombres ricos y luego se deshace de ellos en su luna de miel. (Su
descontento por no haber asesinado a Fester es maravilloso de contemplar).

Los cristianos bien pueden preguntarse si es legítimo que se rían de este tipo
de cosas. Después de todo, nos tomamos muy en serio cosas como los
asesinatos en masa y la brujería.

Algunos también han citado Proverbios 14: 9 en la traducción “Los necios se

burlan del pecado” para indicar que los cristianos nunca deben reírse de nada
malo. Sin embargo, la traducción de la NVI, "Los necios se burlan de
enmendar el pecado, pero la buena voluntad se encuentra entre los rectos"
es una posibilidad legítima y parece encajar mejor en el contexto. ¿Y
podemos olvidarnos por completo de los chistes que cuenta Jesús sobre los
ricos necios, los que cuelan mosquitos y cosas por el estilo?

Ahora bien, en un nivel, la risa sobre tales cosas no es difícil de justificar. Dios
se ríe de los malvados ( Salmo 2: 7 ), y una “perspectiva” de las Escrituras es
que el plan redentor de Dios es una gran broma sobre los malvados. La
sabiduría de Dios, necia para el mundo, hace que el mundo parezca necio ( I
Cor. 1 , 2 ). Pero en esta película en particular, los malvados ganan. De
hecho, los monstruos, asesinos y ghouls de Addams atraen la mayor parte
de la simpatía de la audiencia. (Las personas "heterosexuales" de la película
son horriblemente poco atractivas). ¿Deberíamos sentirnos avergonzados de
reírnos, por no hablar de animarlos?

La risa aquí se basa en la vieja premisa, común a

muchos dibujantes neoyorquinos , no solo al fallecido Charles Addams, de
que las personas famosas e infames deben tener algún tipo de vida hogareña
ordinaria: Napoleón sacando la basura, etc. Recuerdo una Nueva Caricatura
de Yorker en la que un rey con todo su atuendo entra en una sala de estar,
arroja su corona bellamente adornada con joyas en un perchero y dice
"cariño, estoy en casa". La yuxtaposición irónica entre su dignidad política y
su vida hogareña "típica" provoca risas. Los Addams son así: monstruos, sin
duda, pero con "valores familiares" que de alguna manera son "como tú y
yo".

Pero los cristianos saben mejor que la mayoría de las personas que la maldad
destruye la "vida familiar típica". La mayoría de los asesinos en masa son
"solitarios", como se nos dice una y otra vez en la prensa. Las brujas y los
demonios no suelen ser personas de "familia". Ir en contra del orden de Dios
en un área de la vida tiende a producir dislocaciones en otras áreas, y la
familia suele ser la primera en sufrir distorsiones. La familia es una institución
delicada. Su preservación requiere mucha atención a las leyes de Dios.

De modo que la idea de que los asesinos y las brujas tengan una vida familiar
típica estadounidense es aún más absurda para quienes conocen a
Cristo. Sabemos que no puede ser así. Así podemos divertirnos con la
fantasía. Es como un cerdo bailando tango. Es gracioso, porque simplemente
no sucede. Cuando los hijos mayores de Addams intentan varias veces matar
a su hermano pequeño, sabemos perfectamente bien que ninguna familia
real podría sobrevivir a la crisis. (Realza mi diversión al notar que si los
eventos de la película hubieran tenido lugar en California, los Servicios de
Protección Infantil habrían destrozado a la familia Addams diez minutos
después del primer carrete). Que la familia permanece unida y resuelve todo
el asunto con algo extraño. la racionalidad y los buenos sentimientos
satirizan nítidamente no sólo a los malvados, sino también al
establecimiento psiquiátrico, que exige la "aceptación" como
terapia. Cuando los niños de Addams queman su campamento de verano,
evidentemente destruyendo a la mayoría de los niños y consejeros en el
proceso, sabemos que en el mundo real serían enviados a un centro de
detención de menores. Pero ahí están en la siguiente escena, de vuelta en
casa, pasándola en grande.

El humor a menudo se basa en la discrepancia y el buen humor revela

importantes discrepancias en el mundo. La mayor discrepancia es entre el
orden creado por Dios (la familia) y el pecado humano (el estilo de vida de
los Addams). El humor que subraya esa discrepancia dice mucho de lo que
hay que decir en nuestro tiempo. “Los valores de la familia Addams”, aunque
no está informado por las Escrituras, reconoce lo absurdo de que la familia
coexista con la monstruosidad; por lo tanto, en cierto sentido, es una
película edificante. Creo que a Dios le agrada vernos reírnos de ello.
Pero no para vernos animarlos. Desafortunadamente, la gran comedia de
esta película es una especie de señuelo. Nos ofrece la risa apropiada según
las Escrituras para guiarnos hacia actitudes incorrectas según las
escrituras. Si bien un cristiano encontraría (o debería) la situación
completamente ridícula, los cineastas en realidad parecen tomarla en serio,
en cierto nivel. Para ellos, la "vida hogareña ordinaria" de los asesinos, ghouls
y vampiros no es solo una tontería irónica. Más bien, los Addams parecen ser
una especie de símbolo de todos esos grupos de la sociedad que son
incomprendidos y oprimidos. Esto es especialmente evidente en la aventura
del campamento de verano. El establecimiento del campo es la pesadilla de
un político liberal: ricos fanáticos de la WASP que exigen a todos los demás
rostros felices, disneyescos y sonrientes. Wednesday y Pugsley Addams, sin
embargo, se hacen amigos de judíos, negros y discapacitados, y vienen con
una "actitud". Por supuesto, según la película, son los únicos en el
campamento que tienen cerebro. Cuando el director del campamento
organiza un sensiblero desfile de Acción de Gracias, los Addams y sus amigos,
obligados a participar con trajes indígenas, lo convierten en una
manifestación por los derechos de los nativos americanos y, por lo tanto, en
una masacre. La película parece decir que todos los campistas de WASP
merecen morir porque no son políticamente correctos.

También hay al menos un indicio de apoyo a los derechos de los animales. En

el certamen, Pugsley aparece vestido como un pavo, cantando "cómeme",
"cómeme". A diferencia de los indios del miércoles, Pugsley sigue el guión del
director del campo WASP, que odia a todas las minorías y que, al escribir esta
canción, nos reunimos, también oprime a la población de pavos.

Entonces, por analogía, los Addams son solo otro grupo de víctimas. Son
como tú y yo, excepto que la sociedad los ha entendido mal. Seguro, los
niños intentan varias veces asesinar a su hermanito; pero en el fondo, sus
corazones son puros, porque defienden los reclamos de los nativos
americanos sobre el continente. De hecho: ¿quiénes se creen los
"heterosexuales" que le dicen a otras personas lo que debería ser una
"familia"? ¿No constituye una familia, en cierto modo, un grupo que convive
en el amor? (¿Dónde hemos oído eso antes?) ¿No tienen los Addams, después
de todo, “valores familiares” en el mejor sentido?

Supongo que los realizadores podrían reprendernos en este punto por

tomarnos todo demasiado en serio. Quizás incluso podrían argumentar que
la película es una sátira sobre la corrección política. Quizás sea así, hasta
cierto punto. De hecho, prefiero tomarlo así, porque como tal hace mejor
comedia. Pero no hay duda de que esta película está del lado de las brujas. En
las mejores comedias, los personajes principales de los cómics nunca son
escoria, nunca meros tontos, aunque algunos de los personajes secundarios
pueden serlo. De alguna manera, las figuras principales evocan la simpatía
del público. Piense en Chaplin, en el inspector Clouseau de Peter Sellers o en
Mickey Mouse. (Hay excepciones, como Frank Drebin de Leslie Nielsen en la
serie "Naked Gun". Pero si bien esa serie es bastante divertida, la mayoría de
nosotros no la incluiría entre las "grandes" comedias). Los realizadores
quieren que no solo nos reímos de los Addams, de hecho, no solo para
amarlos, sino también para admirarlos en algunos aspectos. Pero estos no
son, en general, candidatos a la admiración cristiana. Admito que defienden
sus convicciones y apoyan a sus electores, que consideran oprimidos; pero,
después de todo, Hitler también. Así que ten cuidado. Ríase, pero no deje sus
facultades críticas en la puerta.

Celebridad

Escrito y dirigido por Woody Allen

Vi Celebrity de Woody Allen , una película bastante lúgubre en cierto

nivel. Presentaba la línea habitual de Allen acerca de cómo todo pensamiento
intelectual, relaciones sociales, etc. es simplemente una búsqueda de todos
para obtener la mayor fama, dinero, emociones y sexo. Kenneth Branagh
interpreta a Woody Allen (evidentemente a Woody, el director, no le gustó
el intento de Branagh de imitar a su director; pero ¿quién más que un tipo
Woody podría decir las líneas escritas por Woody, el escritor?) Y pasa de una
mujer a otra. traicionando y siendo traicionado, absurdamente transparente
en sus motivaciones y tonto en sus halagos y racionalizaciones.

Pero también está la esposa del personaje de Branagh, a quien desecha al

comienzo de la película y que va en busca de ayuda de diversos tipos. Está la
Iglesia Católica Romana, pero los sacerdotes son tan banales como la
sociedad de Nueva York, a su manera. Ella también acude a un famoso
experto en cambios de imagen y finalmente se renueva. Uno espera que ella
termine en el mismo tipo de desesperación que el personaje de
Branagh. Pero a ella le va mejor. La diferencia es la gracia.
Un hombre, interpretado por Joe Mantegna, aparece en el consultorio de su
médico mientras ella hace planes para la transformación física. Pero
Mantegna dice que está bien tal como está. En contexto, parece una mentira
descarada. Ella no es atractiva en absoluto. Pero a medida que se involucra
con este hombre, notamos cambios, y no solo por el cambio de imagen.

Ella duda sobre el matrimonio, en un momento dejando a Mantegna en el

altar. Porque ella está "esperando que caiga el otro zapato". Este hombre
parece demasiado perfecto. Debe ser un asesino con hacha o algo así. Pero
ella habla con un adivino (!) Que le dice simplemente que confíe. Ella lo hace,
se casa y encuentra la felicidad. En retrospectiva, el personaje de Mantegna
parece ser un sustituto de Cristo. No le exige nada, le cambia la vida dándole
un respeto y un amor inmerecidos.

Jesús nos toma como somos, pero no nos dice que estemos perfectamente
bien, como somos. Más bien, nos muestra nuestros pecados y nos lleva por
el camino del arrepentimiento. No hay arrepentimiento en esta película, pero
hay algo como la gracia. Pero, ¿cómo puede funcionar la gracia sin
normas? Ésta es una cuestión teológica importante y también es una
cuestión en nuestras relaciones interpersonales.

Pero al menos la película admite que necesitamos ayuda, y que la ayuda debe
ser bastante fuera de lo común para satisfacer nuestra necesidad. La película
comienza y termina con un skywriter que escribe "AYUDA". Al final, el
personaje de Branagh observa la escritura (como parte de una película) y se
sienta aturdido. Solo su exmujer ha encontrado la ayuda por la que la película
clama al cielo.

Aturdido y confuso

Rosa ………… .. Jason London

Simone ………… Joey Lauren Adams

Michelle ………. milla Jovovich

Pickford ………. Shawn Andrews

Slater ………… Rory Cochrane

Mike ………… .. Adam Goldberg

Gramercy presenta una película escrita y dirigida por Richard

Linklater. Producida por James Jacks, Sean Daniel y Richard
Linklater. Fotografiado por Lee Daniel. Editado por Sandra Adair. Duración:
97 minutos. Clasificado: R (para uso generalizado y continuo de drogas y
alcohol entre adolescentes y lenguaje muy fuerte).

Esta película es una versión algo más oscura de "American Graffiti",

ambientada unos diez años después de esa película, en 1975. Una vez más,
es el último día de la escuela secundaria, y los niños lo están viviendo antes
de ir al mundo o al mundo. el próximo año escolar. Al igual que con "Graffiti",
hay mucho sexo, bebida y sexo. No recuerdo si los niños de "Graffiti"
fumaban marihuana, pero estos niños sí. Además, al igual que con "Graffiti",
hay muchas subtramas que se entretejen entre sí.

Quizás el más dominante (entre iguales) es la historia del mariscal de campo

del equipo de fútbol (potencialmente poderoso) del próximo año. Su
entrenador, presentado con cincuenta años de retraso, quiere que todo el
equipo firme la promesa de que no beberán, fumarán ni consumirán drogas
en todo el verano, por el bien del equipo. El gran momento, supuestamente,
es cuando el chico le devuelve la promesa a la cara del entrenador sin firmar
y le dice que aunque le gustaría jugar al fútbol, nunca firmará un documento
así. La película ve esto como su gran rito de iniciación, la afirmación de
autonomía del mariscal de campo.

La escuela tiene una tradición en la que los estudiantes de último año

golpean a los estudiantes de primer año que ingresan (niñas con niñas, niños
con niños). Se supone que hay mucha diversión con los mayores
persiguiendo el frosh y el frosh poniéndose a la par. Como alguien que solía
ser golpeado por niños más grandes cuando regresaba a casa de la escuela,
no encontré todo ese tema muy divertido, pero otros pueden verlo de
manera diferente. El proceso de "iniciación", sin embargo, es para estos niños
otro rito de iniciación. Después de que los chicos de último año remar a los
chicos de primer año a una pulgada de sus vidas, les presentan su mundo de
alcohol, chicas, marihuana, vandalismo, maldiciones, etc.
La película parece estar diciendo que este es el mundo correcto del que ser
parte. Los adultos que intentan restringir el acceso a él, especialmente el
entrenador, se presentan como demonios y reaccionarios imposibles. Los
niños que se unen a esa sociedad simplemente están haciendo lo que deben
hacer y nadie tiene derecho a decirles lo contrario. De hecho, lo heroico es
desafiar o engañar a los adultos heterosexuales tanto como sea posible.

No hay tragedias en esta película. Nadie muere de una sobredosis o un

accidente automovilístico. De hecho, hay muy poca trama. Es solo una parte
de la vida, bien dirigida y convincente en sus representaciones.

Pero el mensaje de la película es espantoso. Aparentemente, a los cineastas

nunca se les ocurre que los valores de autonomía y aceptación entre pares
que ellos idealizan aquí son los valores que han puesto en peligro nuestra
propia civilización. Tampoco ven nada malo en la sociedad adolescente que
racionaliza las drogas, la embriaguez, las peleas, el sexo libre y el odio al
mundo "heterosexual". Muchas películas de hoy han progresado más allá de
este punto de vista moral, aunque sin duda fue la dominante en los años
sesenta y setenta. Porque ahora es dolorosamente evidente que hay una
gran desventaja en este tipo de diversión para adolescentes. Pero esta
película es bastante complaciente con su sensibilidad de los sesenta con
respecto a los setenta. Alguien debería decirles a los realizadores de esta
película que ellos son los reaccionarios.

Hombre de demolición

Esta película, protagonizada por Sylvester Stallone, es algo más de lo que

sugiere su título (y los avances). Ciertamente es una película muy violenta,
con Stallone y Wesley Snipes derramando sangre y cuerpos por todo el
lugar. Pero también es una mirada bastante irónica a los posibles resultados
de las tendencias actuales.

La premisa es que a mediados de los 90, el nivel de violencia en Los Ángeles

supera incluso la tolerancia de los californianos relajados, y sucumben a los
planes de un aspirante a Mesías llamado Cocteau. Para la década de 2030,
ha establecido una sociedad donde se conoce el paradero de todos
(mediante un dispositivo electrónico implantado quirúrgicamente en sus
manos) y donde el comportamiento es monitoreado cuidadosamente. No
hay colesterol, grasa, carne, tóxicos, contaminación del aire, contaminación
acústica, fumar, armas. Debido al SIDA y otras enfermedades, no hay
relaciones sexuales, al menos no hay "intercambio de fluidos corporales". Te
dejo a ti que averigües qué hacen Stallone y su linda amiga policía en su
primera cita.

Cualquier cosa "mala para ti" es ilegal. El lenguaje inapropiado está

prohibido: cuando alguien dice blasfemias, una multa sale de una máquina
cercana quitando un "crédito". Por supuesto, no hay dinero; solo
transacciones electrónicas de “créditos” monitoreadas por el gobierno. Los
criminales son congelados y programados (mientras están congelados,
deduzco, aunque me parece difícil de creer) a través de electrodos colocados
en la cabeza, para aprender nuevas habilidades y hábitos. Todo el mundo
anda con disposiciones polyanés, al menos por fuera. Este es el estado niñera
definitivo.

Su esterilidad cultural está simbolizada por su música popular, que consiste

en jingles comerciales de los años 50 y 60, lo crea o no. Y debido a las
“guerras de franquicias”, ¡todos los restaurantes de la zona son Taco Bells!

Es comprensible que cuando Simon Phoenix, el personaje de Snipes, escapa

de su prisión de hielo y corre matando gente, la policía es incapaz de lidiar
con él. Nunca han visto violencia real y no tienen idea de cómo lidiar con
alguien tan bárbaro. Así liberan al personaje de Stallone, John Spartan, quien
detuvo a Phoenix en la década de 1990. Sly muestra a la policía cobarde
cómo luchar.

Resulta que la fuga de Phoenix en realidad fue organizada por Cocteau, quien
quiere que se oculte y mate al líder de lo que él considera un grupo
rebelde. En realidad, los rebeldes son gente sencilla, que atesoran sus
libertades y no quieren vivir en el Nuevo Orden de Cocteau. Les gustan sus
armas y su comida chatarra; les gusta maldecir. Desafortunadamente, tienen
dificultades para conseguir comida; la mayoría de las veces "tienen que"
robarlo del mundo de arriba. Así que de vez en cuando organizan redadas en
el Nuevo Orden. Esto irrita muchísimo a Cocteau, que envía a Phoenix a
deshacerse de ellos. Desafortunadamente para el plan, Phoenix mata a
Cocteau (entre muchos otros) y se pone a sí mismo en control de las cosas,
brevemente, hasta que Stallone lo alcanza. ¿Cómo pudo Cocteau haber sido
tan estúpido como para creer que podía controlar a ese perro rabioso
Phoenix? ¿Especialmente después de que programó a Phoenix en su cubo de
hielo para que fuera aún más malo que en 1995? Pero en este tipo de
películas, la lógica es un lujo.

Ya que estamos en el tema de la lógica, ¿qué pasó con la hija que Spartan
tenía que encontrar? Después del comienzo de la película, nunca volvemos a
saber de ella. Quizás decidieron salvarla para Demolition Man II.

Las persecuciones y la violencia son bastante largas y tediosas. No los tomo

muy en serio, ya que es principalmente coreografía, pero sospecho que
algunas personas pueden sentir náuseas.

Lo interesante, por supuesto, ya menudo muy divertido, es la sátira social. La

película toma como objetivos, como pocos lo han hecho, muchas nociones
liberales: "corrección política" y sus intentos de control del pensamiento,
ambientalismo extremo, activismo gubernamental, la tendencia de los
gobiernos liberales a "protegernos de nosotros mismos". La película se pone
en contra de todo esto y está a favor de la gente sencilla que ama la libertad.

Pero en mi opinión, la gente sencilla, aunque se presenta como gente mucho

más atractiva, no es mucho mejor que la pandilla New Order. Su objetivo es
la autonomía. No quieren recibir órdenes de nadie, y la libertad que quieren
es disparar armas, maldecir, fumar, escuchar música rock y robar. Creo que
si viviera entre ellos, el Nuevo Orden me parecería bastante atractivo.

Así que la película presenta dos alternativas: liberalismo extremo y

libertarismo secular. Más o menos. Los “liberales” extremos también
prohíben el aborto; pero ¿no sabían los realizadores que existe una gran
diferencia entre la mentalidad anti-aborto y la mentalidad que dice "lo que es
malo para ti es ilegal?"

Al final, con Cocteau y Phoenix fuera de escena, Stallone reúne a

representantes de los dos grupos y les dice que encuentren un término
medio feliz en alguna parte. ¿Pero es esa la respuesta para la sociedad? ¿Un
medio feliz entre el totalitarismo y la anarquía? Esas parecen ser las
alternativas aparte de los estándares cristianos. El valor de la película es
dejarlo claro.

Aparte de la revelación bíblica, ¿cómo puede alguien determinar dónde

terminan las prerrogativas del gobierno y comienzan los derechos del
individuo? La dificultad de esta pregunta presiona a los teóricos políticos
seculares hacia los extremos del totalitarismo y la anarquía. Sin embargo, la
Escritura coloca tanto al gobierno como al individuo bajo Dios y establece
los límites para ambos. Sin él, la feliz sociedad de Stallone parece destinada
a caer nuevamente en el caos o la tiranía. Y eso sin duda preparará el
escenario para la secuela.

Diario de una mujer negra loca

Fui a ver El diario de una mujer negra loca, que era una película
profundamente cristiana. No habría tenido esa impresión de ninguno de los
críticos. No fue realmente fácil, y me encogí ante algunas cosas que la
película parece aprobar. Pero en general, fue un sabor memorable del
cristianismo afroamericano.

La heroína, interpretada por Kimberly Elise, es tratada muy mal por su esposo
abogado, echada de la casa sin nada, viendo a su rival desplazarla. Por
supuesto que está enojada con el mundo, le resulta difícil confiar en nadie,
especialmente en los hombres. Pero un hombre entra en su vida, un hombre
que es tan absolutamente perfecto que me estremecí; pero quizás,
pensándolo bien, sea una figura de Cristo. La corteja con total gentileza y
comprensión, y cuando comienzan a besarse y acostarse juntos, no hay sexo,
solo "intimidad". En este punto, ella renuncia a su antigua vida, le permite a
su esposo tomar todo en el acuerdo de divorcio.

Pero luego el marido es paralizado por uno de sus clientes, y la heroína vuelve
con él, lo atormenta un poco (después de que su novia lo ha dejado), pero
finalmente lo nutre hasta que recupera la salud. Hay una escena notable en
un servicio de la iglesia en la que el marido deja las muletas y se resuelve otra
trama secundaria. Todos cantan alabanzas a Jesús y luego van a cenar a casa
de la abuela. (La abuela es un personaje cómico, interpretado por el director
Tyler Perry en drag.) Luego, la heroína presenta los papeles del divorcio a su
esposo y corre para reunirse con el pretendiente de la figura de Cristo.

Para un cristiano, debería haber problemas con la actitud de la película hacia

el divorcio y con parte del lenguaje. Pero el nombre del Señor se usa muy a
menudo, no en vano. Todos en la película (excepto la abuela profana y su
hermano) profesan ser cristianos, y eventualmente todos se reconcilian
tanto como uno pueda imaginar.

Abril encantada

Es una película inglesa maravillosa. Los ingleses suelen tener una gran
facilidad para presentar relatos de lo absolutamente inesperado, con total
credibilidad. “Abril encantado” es un buen ejemplo.

Dos mujeres de matrimonios disfuncionales deciden ir de vacaciones juntas

a una villa italiana. Allí conocen a dos mujeres más: una hermosa modelo, que
huye de su celebridad, y una mujer mayor cascarrabias que recuerda su
juventud entre la gente de la cultura.

Finalmente, llegan los maridos de las dos primeras mujeres y estamos

preparados para lo habitual de las películas: peleas furiosas entre cónyuges
y juegos sexuales. De hecho, la película prepara a la audiencia con todas las
premisas de la farsa sexual: ambos hombres se sienten atraídos por el modelo
glamoroso y hay mucha discusión sobre quién dormirá dónde. Esperamos
que haya mucha farsa en la noche, mientras los hombres persiguen a la mujer
bonita.

Sin embargo, lo que sucede es completamente diferente y

sorprendentemente maravilloso. Ambos matrimonios se reparan y las
mujeres solteras renacen, por así decirlo. Con la ayuda de su esposa, uno de
los hombres establece un valioso contacto comercial, de tal manera que llega
a apreciar nuevamente lo que su esposa significa para él. Al final, todos están
felices; todos han aprendido a ver la vida de manera diferente. Tampoco
sucede de formas obviamente "inventadas" por cineastas sensibles. Más
bien, el desarrollo es completamente creíble tanto en el guión como en la
interpretación.

No es una película cristiana, en particular. Pero honra muchas cosas

importantes para los cristianos: el matrimonio, las bellezas de la creación, la
reconciliación, el amor, la compasión intergeneracional. Torce, quizás incluso
satiriza, las convenciones de la farsa sexual de Hollywood. Uno espera en las
películas ver a los libertinos riéndose de los "heterosexuales". Aquí son los
heterosexuales los que ríen por última vez.
Ethan Frome

Protagonizada por Liam Neeson

Basada en la novela de Edith Wharton. Ethan es un joven de Nueva Inglaterra

robusto y prometedor, cuyas ambiciones se ven frustradas por la enfermedad
y la muerte de su madre. Después de la muerte de su madre, se casa con una
prima lejana que ha estado atendiendo las necesidades de su madre. Luego,
ella misma se enferma y llama a otro primo lejano para que la cuide. La
segunda mujer parece enferma al principio, pero finalmente se recupera y se
vuelve fuerte y vivaz, lo suficiente como para seducir a Ethan mientras su
esposa visita a un médico en un pueblo lejano. Ya sea que la esposa sepa o
no esto, despide al cuidador sobre la base de pequeñas críticas, con la
intención de contratar a otro cuidador. Ethan, muy enamorado, la lleva al
tren, tratando de persuadirla de que se vaya con él a Florida, que representa
el paraíso en el simbolismo de la película. En el transcurso de la tarde, Ethan
le pide que le cuente el deseo de su corazón: ir en trineo por la alta montaña
cerca de la ciudad. Ethan consigue un trineo y se divierten juntos hasta que
un terrible accidente deja a Ethan con una pierna coja y la niña… bueno,
enfermiza. Vemos al viejo Ethan, ahora un recluso, haciendo trabajo manual
para apoyar al dos mujeres enfermizas que ahora viven con él en casa.

Todo se dice muy inexpresivo, pero las ironías son geniales: un hombre
frustrado por tres mujeres enfermizas. Dios conspira contra él, o eso parece.

GERONIMO y algunas otras películas sobre indios

Teniente Charles Gatewood ……. Jason Patric

Bergantín. Gen. George Crook…. Gene Hackman

Al Sieber ……………… Robert Duvall

Gerónimo ………………. Wes Studi

Teniente Britton Davis ………. Matt Damon

Mangas ………………… Rodney A. Grant

Bergantín. General Nelson Miles…. Kevin Tighe

Columbia presenta una película dirigida por Walter Hill. Producida por Hill y
Neil Canton. Escrito por John Milius y Larry Gross. Basado en una historia de
Milius. Fotografiado por Lloyd Ahern. Editado por Freeman Davies, Carmel
Davies y Donn Aron. Música de Ry Cooder. Duración: 115
minutos. Clasificado: PG-13 (por violencia fronteriza).

"Geronimo" presenta de nuevo la visión revisionista de los nativos

americanos que se vio anteriormente en películas como "Dances with
Wolves", "Last of the Mohicans". Las tres películas están bellamente dirigidas
y fotografiadas, con representaciones comprensivas del punto de vista
indio. En términos generales, tiendo a ser crítico con la “corrección política”,
pero me gustaron mucho estas películas y su presentación del caso de los
indios es realmente convincente, un equilibrio necesario para el estereotipo
de los “pieles rojas asesinas”.

"Dances" demonizaba a los blancos, a excepción del personaje principal,

interpretado por Kevin Costner. (¿Cómo llegó a ser tan maravillosamente
liberal después de crecer en una cultura tan depravada?) También demonizó
a los pawnee, porque ayudaron a los blancos. Pero su descripción de la vida
de los indios fue soberbia. Todo estaba hecho en idioma sioux, con
subtítulos, y eso lo hacía aún más efectivo. Graham Greene dio una
maravillosa actuación como el personaje principal indio.

Los “mohicanos” en realidad estaban algo sesgados hacia los

blancos. Magua, la voz de los agravios indios, se presentó (por supuesto,
como lo hizo James Fenimore Cooper en el volumen original) como algo
irrazonable en sus odios. Pero consiguió exponer su caso y, teniendo en
cuenta las exageraciones, fue convincente.

“Geronimo” es también una película impresionante, con una excelente

interpretación de Wes Studi como personaje principal. (También interpretó
a Magua en "Mohicans"). La acción se desarrolla principalmente entre colinas
tipo Monument-Valley (como cientos de otros westerns, al parecer), pero en
esta imagen, las colinas a menudo se ven eclipsadas por las Montañas
Rocosas cubiertas de nieve. Al principio pensé que era demasiado, pero la
película parece centrarse en la grandeza de la tierra y la importancia de una
distribución justa de la misma. ¿Por qué, dice Gerónimo, los blancos tienen
que tenerlo todo ? Buena pregunta.

Su argumento esencialmente es que no es un asesino, sino un guerrero. Y

eso es simplemente cierto. Hubo una guerra entre los blancos y los indios y,
al final, los blancos ganaron. Podemos pensar lo que queremos sobre eso,
pero debemos ponerlo en perspectiva. Durante miles de años, las naciones
han conquistado naciones. No es una experiencia agradable, especialmente
para los conquistados, y a menudo nos gustaría creer que nunca
permitiríamos que eso suceda hoy. Pero todavía está sucediendo en nuestros
días, incluso en la Europa supuestamente civilizada. Los indios pueden tener
un agravio, pero no más que cualquier otro pueblo conquistado. Y, para ser
justos, la mayoría de las naciones, incluidos los blancos y los indios, han sido
conquistadores y conquistados en algún momento de su historia.

La historia es, por supuesto, más complicada que cualquiera de estas

películas presentes. Uno tiene la impresión de que los indios tenían algún
título legal sobre todas las tierras de América del Norte, y los blancos
entraron completamente en contra de la voluntad de los terratenientes. En
realidad, la "propiedad de la tierra" no era una gran cosa para los indios; por
eso a menudo son elogiados. (Por cierto, no se puede elogiar
simultáneamente a los indígenas por su falta de preocupación por la
propiedad de la tierra y luego dar la vuelta y decir que se violaron los derechos
de sus propietarios). Y la llegada de los blancos fue bienvenida por algunos
de los indígenas. Estaban felices de entrar en el comercio de pieles y
similares, lo que les proporcionó recursos adicionales, sin mencionar la nueva
tecnología de armas y caballos. De hecho, la expansión del comercio mejoró
considerablemente el nivel de vida de algunos indios.

Por supuesto, algunos indios resistieron a los blancos desde el principio. Pero
el continente era ciertamente lo suficientemente grande para que tanto los
inmigrantes como los primeros habitantes (también eran inmigrantes)
vivieran juntos en paz. Al final, sin embargo, eso resultó imposible. ¿Qué
debería haber pasado? Como creyente en la inmigración relativamente libre,
no creo que los blancos simplemente deberían haberse quedado fuera, o que
los indios deberían haberlos dejado fuera. Lo mejor que pudo haber sucedido
(digo en retrospectiva) fue una división legal del continente en algún
momento temprano en el proceso, en el que una parte del continente se
desarrollaría como parte de la civilización occidental, y los indios serían
bienvenidos a ser parte. de eso si quisieran. La otra parte, quizás la mayor
parte, se dejaría a los indios para que observaran su forma de vida
tradicional. Las dos naciones comerciarían libremente entre sí. (Todavía me
pregunto si sería posible darles a los indios algunas de las enormes
extensiones de tierras federales en el oeste, no como reservas, que son una
atrocidad, sino como el propio territorio soberano de los indios). No sucedió,
y no podría haberlo hecho, dados los hechos y la mentalidad de las personas
involucradas.

“Geronimo” tiene una perspectiva algo más equilibrada que cualquiera de las
otras películas que he mencionado. Los guerreros de ambos bandos son
simplemente eso: hombres en guerra. No son ni glorificados ni demonizados,
y la película deja en claro que ninguna de las partes es monolítica en sus
actitudes. Hay “halcones” y “palomas” en ambos ejércitos, algunos que son
crueles, otros que buscan justicia. Hay poca moralización aquí, pero la
película, en última instancia, se pone del lado de los indios, diría yo. Los
soldados estadounidenses no son malas personas, excepto, quizás, por el
general Miles, que se hace cargo del ejército al final de la película. Pero la
situación política cobra vida propia, y a los indígenas les resulta imposible
siquiera salvar la cara, y mucho menos obtener justicia.

Hay algunos temas religiosos bastante sutiles en la imagen. La partitura

musical exquisitamente hermosa, de Ry Cooder, se basa en los himnos de
"nota de forma" del siglo XIX, que se encuentran en volúmenes como "Sacred
Harp" y "Southern Harmony". Puede reconocer "Venid, pecadores, pobres y
desdichados" y "Pobre, forastero caminante". Esta literatura era en gran
parte bíblica, pero con una tendencia al escapismo religioso: anhelo del cielo
sin mucho sentido de nada que hacer en la tierra. Es un poco difícil ver por
qué la película hace tanto uso de esta música, excepto por la atmósfera de
época. Ciertamente, al menos transmite algo de la dureza de la vida en
ambos lados, la imposibilidad de cualquier felicidad de este lado de la
tumba. Quizás también haya alguna burla sutil de la irrelevancia de la religión
de los hombres blancos para el logro de la justicia concreta.

Tanto Geronimo como Gatewood (el soldado blanco más comprensivo)

creen en los dioses del amor, dicen. Pero para Gerónimo, el amor por su
gente requiere que mate a los blancos. Geronimo le da a Gatewood una pieza
de turquesa valiosa (¿quizás religiosamente?) Para los Apache. Más tarde,
Gatewood le da a Geronimo una cruz, que dice que le ha traído buena
suerte. La cruz no hace mucho por Gerónimo y su gente. Quizás el evento
religioso más significativo es que antes de que se ahorque a tres indios, uno
de ellos le dice a los espectadores en el idioma apache que no crean nada de
lo que el clero blanco les dice.

La película no lo muestra, pero tengo entendido que al final de su vida,

Gerónimo se convirtió al cristianismo y se reconcilió con el gobierno de los
Estados Unidos, incluso participando en el desfile inaugural de Theodore
Roosevelt. Hubiera sido interesante ver cómo sucedió todo eso. Por
supuesto, concentrarse en esos eventos probablemente habría sido
incompatible con los propósitos de estos cineastas. Por supuesto, no están
obligados a contarlo todo. Pero deberíamos objetar un poco desde el punto
de vista de una película en la que los hechos reales, incluso los hechos muy
interesantes, se omiten por inconvenientes para el "mensaje" de la película.

Gettysburg

Reparto Confederado:

Longstreet …………… .. Tom Berenger

Robert E. Lee ………… .. Martin Sheen

George E. Pickett ………. Stephen Lang

Armistead ……………… Richard Jordan

Reparto federal:

Coronel Chamberlain ……… .. Jeff Daniels

Buford ………………… Sam Elliott

Tom Chamberlain ………… C. Thomas Howell

Kilrain ……………… .. Kevin Conway

New Line presenta una película escrita y dirigida por Ronald F.
Maxwell. Producida por Robert Katz y Moctesuma Esparza. Basada en la
novela de Michael Shaara. Fotografiado por Kees Van Oostrum. Editado por
Corky Ehlers. Música de Randy Edelman. Duración: 4 horas y 18 minutos,
incluido un intermedio de 20 minutos. Clasificado: PG.

Esta es una película muy informativa sobre la batalla fundamental en la

Guerra Civil. Es un drama, pero también tiene todos los elementos de un
buen documental. Es como si estuviéramos mirando por encima de los
hombros de quienes planifican y ejecutan la estrategia. Crecí en Pensilvania
y he visitado el campo de batalla varias veces, pero nunca antes supe lo que
sucedió realmente. Ahora siento que tengo una idea general de eso, y es toda
una historia. Es un tema apropiado para el documental y también para el
drama.

El punto dramático fundamental fue el exceso de confianza del general Lee

y su génesis: mala inteligencia, luego desesperación, luego una fe
mística. Lee había llegado a Pensilvania fresco de algunas victorias
importantes, con la esperanza de terminar la guerra en unos
días. Irónicamente, se acercaba el 4 de julio. Lee sintió la ironía: tal vez podría
lograr la independencia del sur ese mismo día. Esperaba destruir al Ejército
del Potomac, encabezado por el ineficaz general Meade, y luego marchar
triunfante hacia Washington, ofreciendo la paz al presidente Lincoln.

Pero surgieron varios problemas. El general JEB Stuart, encargado de rastrear

los ejércitos de la unión con su caballería, de alguna manera se perdió
durante algunos días y no logró su tarea. (Si la película me dijo por qué, me
lo perdí). El sur tuvo que luchar, por lo tanto, sin su conocimiento habitual
de las posiciones y la fuerza del enemigo. Luego, otro general no obedeció
las órdenes que le habían dado de tomar una pequeña colina que le habría
dado a Lee la ventaja de su posición. Finalmente, el ejército de la unión se
apoderó de ese cerro y derrotó a los soldados del sur que intentaron
quitárselo. Después de esto, las municiones y los suministros quedaron muy
bajos. Las tropas de Lee tuvieron que luchar o retirarse. Lee vio una retirada
como una traición a los valientes hombres que habían dado su vida para
llegar tan lejos, y sus victorias pasadas le dieron la confianza de que sus
hombres podrían ganar otra batalla. incluso contra adversidades
sustanciales. Con la fe mística antes mencionada, Lee envió a sus tropas en
una marcha suicida de una milla a través de un campo abierto frente a los
cañones sindicales. La derrota fue devastadora y Lee se sintió humillado,
pero esperaba luchar otro día.

Esta no es una película de predicación. Sin embargo, se necesita cierta

licencia dramática, especular sobre actitudes y conversaciones entre
personajes. Como tal, ciertamente hace más que simplemente narrar los
hechos; tiene un punto de vista. Hay muchas conversaciones sobre el
significado de la vida y la muerte.

Los sureños, los filosóficos, de todos modos, parecen ser cristianos que
creen en la Biblia en su mayor parte. Tenemos la impresión de que algunos
de sus problemas son causados por una fe desmesurada en Dios, o al menos
una orgullosa confianza de que Dios estaba de su lado. Los norteños también
son cristianos, pero de alguna manera parecen más modernos. El personaje
de Chamberlain, interpretado por Jeff Daniels, es profesor de retórica y
teología en Bowdoin College. Él es el verdadero héroe de la película,
increíblemente valiente, ingenioso, elocuente, sabio, compasivo. La teología
de los soldados del norte es principalmente una teología de la igualdad racial,
presentada en términos que sugieren el movimiento de "corrección política"
de los años noventa. De hecho, Chamberlain es un hombre muy sensible de
los noventa que, sin embargo, puede luchar con los mejores cuando debe
hacerlo.

Al final, Lee (en su decepción, sin duda) suena menos a cristiano que a
nihilista: observa que realmente no importa quién gane o pierda, que todos
desempeñamos nuestro papel en la vida, pero sin Espero que haga mucha
diferencia. Dudo que el Lee histórico estuviera tan cerca en su filosofía del
existencialismo moderno.

Así que hay indicios de ideologías modernas, tanto de igualdad como de

nihilismo, sin mucha reflexión sobre la coherencia entre estas dos ideas.

Sin embargo, en general, la película es una experiencia de aprendizaje. Hay

algo de violencia gráfica, pero eso no es exagerado considerando el tema de
la película. Cuatro horas es un poco demasiado, pero encontré que el tiempo
invertido valió la pena.

Codicioso
Daniel ………… Michael J. Fox

Tío Joe ……… Kirk Douglas

Robin …………. Nancy Travis

Molly …………. Olivia d'Abo

Frank …………. Phil Hartman

Carl ………… .. Ed Begley Jr.

Glen ………… .. Jere Burns

Patti …………. Campamento de Colleen

Ed ……………. Bob Balaban

Imagine Entertainment presenta una película dirigida por Jonathan

Lynn. Producida por Brian Grazer. Escrito por Lowell Ganz y Babaloo
Mandel. Fotografiado por Gabriel Beristain. Editado por Tony
Lombardo. Música de Randy Edelman. Duración: 113 minutos. Clasificado:
PG-13 (para idioma).

Esta película no es muy buena, de ninguna manera, pero hay algunas buenas
risas en ella. La idea es que el rico tío Joe, interpretado por Kirk Douglas, tiene
una horrible familia de personas que están totalmente dedicadas a heredar
su vasta riqueza, cueste lo que cueste. La excavación de calaveras es a veces
divertida, la mayoría de las veces tediosa. Cuando los cineastas le piden a la
audiencia que pase un par de horas mirando a personas completamente
desagradables, realmente deberían darnos más a cambio de lo que nos dan
aquí. Las intrigas pueden ser divertidas, en una película como "The
Sting"; pero en éste es torpe y aburrido.

Lo único interesante de la película es su exploración del concepto de

codicia. Daniel, interpretado por Michael J. Fox es, al comienzo de la película,
el único pariente incorrupto. Su padre había abandonado al tío Joe hacía
años, motivado por el disgusto por el comportamiento de los otros parientes
y cierta aversión liberal a la idea misma de la riqueza. Danny es un jugador de
bolos profesional que se atraganta en los grandes juegos y está listo para
tirar su carrera por la borda de todos modos cuando sus parientes intentan
incluirlo en sus planes con respecto al tío Joe. Creen que a Joe siempre le
gustó Danny cuando era niño (aunque ahora odia a sus otros parientes por
razones obvias), y que si le dejaba su dinero a Danny podrían hacer tratos
con Danny al margen.

Danny comienza, sin embargo, como una maravilla de integridad,

prometiendo no dejarse vender a la codicia. Se resiste valientemente a
algunas oportunidades para congraciarse con una recompensa
económica. Sin embargo, eventualmente comienza a quebrarse. Por varias
razones, parece que Joe quiere deshacerse de sus activos antes
de morir. Con el tiempo, Danny llega a sentir que lo mejor para el tío Joe es
dejarle el dinero a él en lugar de a los otros miembros de la familia, ya que
simplemente dejarían a Joe en un hogar de ancianos y se olvidarían de él. Así
que Danny conspira como el resto de ellos, en una ocasión de forma
transparente y vergonzosa, para conseguir el dinero.

Surge la pregunta, ¿hasta qué punto las acciones de Danny están motivadas
por el amor real por el tío Joe y hasta qué punto por la codicia? Lo que la
película parece decirnos (sobre todo a través de los dichos de la sabia amiga
de Danny) es que, en última instancia, el motivo es la codicia, aunque al ver
las acciones de Danny no habría estado tan seguro. En cualquier caso, al
final, los verdaderos (desagradables) colores de Danny brillan.

La película presenta, si no siempre comprende, el hecho de que los motivos

de las personas suelen estar mezclados. Incluso los parientes horribles
pueden alegar cierto grado de altruismo cuando exponen sus propios
casos. Indudablemente, Danny tiene buenas y malas intenciones. Y la joven
"enfermera" británica del tío Joe, que pasa la mayor parte del tiempo casi
desnuda, es el blanco (ejem) de gran parte del odio de la familia, pero al final
tiene la integridad de irse (o al menos eso parece) en lugar de dormir con
Joe. Después de todo esto, uno se pregunta por qué la película parece tan
segura sobre los juicios morales que hace.

La otra pregunta: ¿la gente ha sido corrompida por la búsqueda de dinero o

la búsqueda ha sido corrompida por las personas involucradas? La película
deja abierta la pregunta, pero la trama parece llevarnos a la conclusión de
que ambos son ciertos.
Los cristianos pueden plantear problemas aquí sobre el pecado original. La
búsqueda de la pureza moral en un mundo pecaminoso, sin la gracia divina,
es inútil. El amor al dinero también es la raíz de todo tipo de males. ¿Quién
de nosotros puede pretender estar libre de codicia? La película parece decir
que todos somos codiciosos de corazón. Ya sea intencionalmente o no, han
chocado con un principio bíblico. Ojalá hubieran visto la solución bíblica. El
corazón es engañoso y desesperadamente perverso; pero Jesús puede
limpiarlo con su sangre.

Protegiendo a Tess

Tess Carlisle ……… Shirley MacLaine

Doug Chesnic ………. Nicolas Cage

Earl ……………… Austin Pendleton

Barry Carlisle …… .. Edward Albert

Howard Shaeffer ……. James Rebhorn

Frederick …………. Richard Griffiths

TriStar presenta una película dirigida por Hugh Wilson. Producida por Ned
Tanen y Nancy Graham Tanen. Escrito por Wilson y Peter
Torokvei. Fotografiado por Brian J. Reynolds. Editado por Sidney
Levin. Música de Michael Convertino. Duración: 98 minutos. Clasificado: PG-
13 (para algunos idiomas).

Esta película es enormemente satisfactoria como entretenimiento. Shirley

MacLaine ofrece una actuación maravillosa aquí, creo que es la mejor en una
buena carrera. No estoy loco por su filosofar ocultista, como tampoco estoy
entusiasmado con la política de Jane Fonda; pero ambas damas son actrices
muy importantes. MacLaine ofrece aquí un retrato divertido pero realista de
una mujer difícil y simpática, desagradable pero sorprendentemente
amorosa, aparentemente irracional, pero sumamente racional en el contexto
de la trama. Todas estas paradojas requieren una interpretación de gran
matiz, y MacLaine la proporciona aquí.
Nicholas Cage también ofrece lo que puede ser su actuación más
impresionante hasta la fecha. En el pasado, ha interpretado a muchos
hombres locos y salvajes. Aquí, durante la mayor parte de la película, sus
emociones están estrictamente bajo control mientras interpreta a un agente
del servicio secreto tenso y estricto. Pero es evidente que podría explotar en
cualquier momento, como lo hace en algunos puntos cruciales,
especialmente una vez al final de la película.

El guión está muy bien escrito y el humor es constante, aunque no en lo más

mínimo torpe. Pequeños trozos de malestar en los personajes por razones
conocidas por el público produjeron muchas risas. La película está
notablemente equilibrada en su comedia. Tiene buen ojo para los elementos
ridículos en varios procedimientos gubernamentales, pero al final los respeta,
incluso los reivindica. Satiriza la rigidez del servicio secreto, pero también
muestra que en un agente están sucediendo muchas cosas debajo de la
superficie. A excepción de los villanos de la pieza, todos los personajes, sin
importar cuán tontos sean en algunos momentos, resultan adorables al final.

Cage interpreta a Doug Chesnic, asignado por el servicio secreto para

proteger a Tess Carlisle, una ex primera dama, interpretada por
MacLaine. Tess le hace pasar un buen rato a Doug, lo que le obliga a hacer
recados triviales, rebelarse ante reglas insignificantes, escabullirse de sus
protectores, insultar a Doug de varias maneras, a menudo golpearlo con
ideas verdaderas pero no deseadas sobre sí mismo. Pero cuando él busca una
nueva asignación, ella llama al presidente, quien luego llama a Doug y le dice
que se quede con ella y se ponga en forma. La molestia del presidente como
Clinton por tener que jugar al pacificador entre estos dos es divertidísima.

Cuando toda la verdad está sobre la mesa, las excentricidades de Tess tienen
perfecto sentido, su amor maternal por Doug se hace patente y él rompe
todo tipo de procedimientos estándar para salvar su vida.

No hay Dios en esta película, ninguna referencia a la religión, ningún tema

teológico obvio, excepto, quizás, el efecto de acercarse a la muerte en el
comportamiento. Por lo tanto, fue un verdadero desafío para este crítico
altamente teológico encontrar algo interesante que decir. Pero después de
una cierta reflexión, me resulta evidente que aquí hay una dimensión
teológica muy profunda, sin duda bastante contraria a las intenciones de los
cineastas.
Cornelius Van Til enseñó que todos los pensadores no cristianos caen en una
especie de dialéctica entre el racionalismo (= "mi mente es el estándar final
de la verdad") y el irracionalismo (= "no hay una verdad última"). Estas
posiciones son formalmente contradictorias; sin embargo, los pensadores
naturalistas necesitan atraer a ambos y tienden a mantenerlos en tensión. He
argumentado que el mismo patrón se puede ver en la teoría política no
cristiana: una dialéctica entre el totalitarismo (= racionalismo: la sociedad
debe estar totalmente bajo el control de la élite racional) y la anarquía (=
irracionalismo: nadie tiene la sabiduría para gobernar, entonces no debería
haber ningún gobierno). Sin apelar a la revelación divina, el pensamiento y la
práctica política no cristiana vacila constantemente entre estos dos
extremos. Los que creen en las Escrituras saben que Dios requiere tanto
autoridad como libertad en la sociedad, y saben, en general, dónde deben
trazarse esas líneas. Los incrédulos no lo hacen, por lo que vacilan entre la
creencia en el control total y la defensa de la libertad total.

Ahora bien, si alguna vez una película demostró la dialéctica totalitaria /

anárquica, es esta. La gente del servicio secreto son totalitarios en su mayor
parte. La película ridiculiza su compromiso ciego y serio con el control
total. Tess es la anarquista, el espíritu libre, que no quiere ninguna
restricción, manipula los eventos con humor y con éxito (en su mayor parte)
para controlar a sus controladores. Pero ella sabe (al final, más que nunca)
que debe tener algo de protección, y Doug llega a comprender su necesidad
de libertad. La película señala con perspicacia que el control total es
imposible y que la anarquía conduce al desastre. Pero el equilibrio entre los
dos es tan misterioso al final como al principio. Tengo entendido que la
película quiere decir que el amor es la respuesta, pero es demasiado
inteligente declarar explícitamente una perogrullada. Lo que surge es una
especie de acomodación,

Al final de la película, cuando un asistente de hospital exige que Tess salga

en silla de ruedas y ella se opone, Doug resuelve el problema con una doble
exhortación. Para el ordenanza: "¿Son las reglas realmente tan sagradas?" ya
Tess, "¡súbete a esa silla de ruedas!" Muy divertido, pero también una
excelente ilustración de la tensión que es el tema principal de la película. Él
está diciendo que las reglas no son realmente sagradas, pero que debemos
adaptarnos absolutamente a ellas.

La relación entre Tess y Doug da en el blanco, porque es esencialmente la

relación entre el gobierno y todos nosotros. Amamos a nuestro país y
apreciamos sus protecciones, pero la mayoría de nuestras experiencias
concretas con él son exasperantes.

Si Tess y Doug fueran cristianos, su relación habría sido muy diferente. El

amor habría sido una parte importante de ello, sin duda, y eso habría
contribuido en gran medida a reconciliar sus intereses divergentes, como en
esta película. Pero los cristianos también reconocen reglas, reglas
que son “sagradas” y entre las cuales el amor es el principal. Un Tess
cristiano no se habría escapado sin protección, y un Servicio Secreto
organizado sobre principios cristianos habría sido más flexible, sabiendo que
son siervos: siervos de Dios y del pueblo de Dios ( Mat. 20:26 ).

Se podrían esperar los mismos beneficios, y más, de un gobierno realmente

cristiano.

En cuanto al tema del acercamiento de la muerte: Tess tiene un tumor

cerebral. Su comportamiento extraño, querer jugar al golf y hacer un picnic
junto al lago en pleno invierno, resulta al final ser el resultado del deseo de
tener algunos de sus viejos placeres una vez más antes del final. Difícilmente
se la puede culpar, pero es un poco triste que estas cosas sean tan
importantes para ella, y el cielo de Dios tan poco importante, mientras se
acerca al final. El significado de su vida es la libertad personal, la libertad
anárquica, que la propia película considera en última instancia
decepcionante. Esta comedia cinematográfica la presenta finalmente
triunfante y feliz, pero una mirada más cuidadosa a la historia ofrece a
nuestra meditación una sensación de tragedia.

Cielo y tierra

Le Ly ………………. Hiep Thi Le

Steve Butler ………… Tommy Lee Jones

Mamá ……………… .. Joan Chen

Papá ……………… .. Haing S. Ngor

Eugenia …………… .. Debbie Reynolds

Warner Bros. presenta una película escrita y dirigida por Oliver
Stone. Producida por Stone, Arnon Milchan, Robert Kline y A. Kitman
Ho. Basado en los libros “Cuando el cielo y la tierra cambiaron de lugar” de
Le Ly Hayslip con Jay Wurts y “Child of War, Woman of Peace” de Le Ly
Hayslip con James Hayslip. Fotografiado por Robert Richardson. Editado por
David Brenner y Sally Menke. Música de Kitaro. Duración: 138
minutos. Clasificado: R (por violencia, lenguaje y sexualidad).

Esta es la tercera de las películas de Oliver Stone sobre la guerra de Vietnam

y sus secuelas, las otras son "Platoon" y "Born on the 4 of July". Esta es una
historia real, aunque supongo que se han tomado ciertas libertades, de una
mujer vietnamita. Durante su infancia, los franceses destruyen su
aldea. Luego, en su adolescencia, llegó el Viet Cong, exigiendo la lealtad de
los aldeanos, torturando y violando a cualquiera (incluido Le Ly, sobre la base
de un error) que pareciera brindar ayuda y consuelo al enemigo. Luego
vinieron los estadounidenses, que lo transforman todo. Ahora Vietnam es un
pantano de prostitución, cigarrillos, drogas, corrupción, sospechas, odios. Le
Ly se ve obligada a ir a la ciudad y trabajar para un vietnamita que engendra
a su primer hijo ante la airada respuesta de su esposa. Le Ly se reduce a
mendigar y vender mercancías a los soldados en las calles.

En este punto, aparece Steve Butler, un oficial de la Marina que parece

amarla y comprenderla genuinamente. Él la convierte en su esposa, y la
familia huye de Vietnam con la retirada estadounidense, instalándose en San
Diego, al principio con la familia de Butler. Steve no puede sobrevivir
económicamente, y su amargura se convierte en crueldad y eventualmente
en suicidio. En el curso de los eventos, Le Ly se entera de que su trabajo en
Vietnam fue asesinar a los vietnamitas que colaboraban con el Cong. Lo que
nos dice la película es que, de hecho, era un asesino en serie, que después de
la guerra se siente culpable por ello.

La propia Le Ly prospera en Estados Unidos. Visita a su familia en Vietnam y

encuentra más amargura: los miembros de la familia se resienten de su
riqueza mientras tienen tan poco. Pero hay reconciliación.

Oliver Stone es, por supuesto, uno de los directores más profundamente
ideológicos y, de muchas maneras, expresa aquí su odio por los valores y la
cultura estadounidenses. Para su crédito, él no glamoriza al Viet Cong: es
brutal. Pero su brutalidad es la brutalidad de la autodefensa, se nos dice, la
brutalidad que hace necesaria la gente que quiere la libertad de gobernarse
a sí misma. Los estadounidenses son los verdaderos destructores de la
cultura pacífica. Butler parece tipificar todo el esfuerzo bélico
estadounidense: puro asesinato disfrazado de construcción nacional.

Además, en América, vemos escenas de enormes refrigeradores y estantes

de supermercados llenos de todo tipo de comida, para asombro de Le Ly. Y
vemos que se vacían palas en la unidad de eliminación del fregadero, después
de que las gordas parientes femeninas de Steve hayan consumido cantidades
masivas.

Sin embargo, Stone no oculta el hecho de que Le Ly finalmente encuentra la

felicidad en Estados Unidos y, a través de su prosperidad, puede ayudar a los
pobres de su propio país, sin duda mucho más que si se hubiera quedado
allí. Tampoco oculta el hecho de que el régimen comunista coloca a la familia
de Le Ly en un estado de constante pobreza y sufrimiento. Sin embargo, no
está claro cómo estos hechos inconvenientes han modificado los juicios de
valor de Stone.

Es una película muy bonita. Hiep Thi Le y Tommy Lee Jones ofrecen
actuaciones maravillosas, al igual que los demás miembros del elenco. Las
críticas de Stone al materialismo estadounidense ciertamente no están del
todo equivocadas, aunque me parecen bastante duras.

La película tiene una sensibilidad profundamente budista. El arrepentimiento

y la reconciliación inhiben el mal karma. Pero, ¿no es eso, al final, una forma
de egoísmo tanto como lo que Stone se apresuró a condenar en la cultura
estadounidense? Ojalá se le hubiera permitido a Cristo hablar su Palabra de
paz, para alzar tan verdaderamente las cargas de este pueblo afligido.

En el nombre del padre

Gerry Conlon ………. Daniel Day-Lewis

Guiseppe Conlon ……. Pete Postlethwaite

Gareth Peirce ……… Emma Thompson

Paul Hill …………. John Lynch

Robert Dixon ………. Corin Redgrave

Joe McAndrew ………. Don Baker

Universal presenta una película producida y dirigida por Jim Sheridan. Escrito
por Terry George y Sheridan, basado en la autobiografía "Proved Innocent",
de Gerry Conlon. Fotografiado por Peter Biziou. Editado por Gerry
Hambling. Música de Trevor Jones. Duración: 127 minutos. Clasificado: R
(para lenguaje y violencia generada políticamente).

Esta es una película poderosa sobre un trágico error judicial. En 1974, Gerry
Conlon y algunos amigos fueron arrestados y condenados por el ataque
terrorista del IRA a un pub de Guildford en el que murieron muchas personas
inocentes. El padre de Conlon, Giuseppe, y algunos de sus amigos, también
fueron condenados por apoyar a los terroristas. Giuseppe murió en
prisión. Después de quince años en la cárcel, los miembros restantes del
grupo fueron puestos en libertad sobre la base de pruebas de que fueron
enmarcados por la policía y los fiscales y obligados a confesar mediante
tortura e intimidación.

Gerry era un ladrón, aunque no tenía vínculos políticos. Su padre era aún
menos probable como sospechoso, un católico devoto y trabajador, que
buscaba en vano inspirar a su hijo descarriado con sabiduría hogareña.

La película es bastante fiel a la historia, aunque se toma algunas libertades,

particularmente al agregar algunos personajes cuyo significado en la trama
es crucial. Uno se pregunta si los hechos reales habrían hecho que el tema
de la apelación fuera menos blanco y negro de lo que parece aquí.

La actuación de Day-Lewis es excelente, muy alejada del gentil neoyorquino

de "Age of Innocence" o del hombre de la frontera de "Last of the
Mohicans". Su rango es realmente asombroso. Aquí, como un joven irlandés
tosco, es completamente creíble. Los otros actores también son muy
buenos. Los actores se pierden en los personajes, y esa es la clave de las
grandes actuaciones.

Además del principal drama político / judicial, hay una subtrama de

reconciliación. Gerry y su padre están en la misma prisión (en la misma celda,
según la película, pero al parecer no era así históricamente). Gerry recuerda
toda la ira contra su padre que recuerda de su juventud. Juntos, y de maneras
muy sutiles, los dos hombres crecen hacia una comprensión y aceptación
más profundas el uno del otro. Gerry crece en confianza en sí mismo y en la
madurez de su perspectiva.

El título de la película parece estar basado en el paralelo entre el padre

humano de Gerry y Dios. Gerry asocia el servicio de comunión con su imagen
mental de comerse a su padre. Sin embargo, la religión no es un motivo
poderoso para ninguno de los personajes. El principal impulso de la
imaginería religiosa parece ser que se desarrolla una “comunión” en la prisión
entre Gerry y Giuseppe, y que aunque Giuseppe muere, gran parte de su buen
carácter finalmente se aloja en su hijo.

Da la impresión de que los realizadores pretenden transmitir ciertos

mensajes político-filosóficos: Gran Bretaña simplemente debería haber salido
de Irlanda del Norte; No se puede confiar en la justicia angloestablecida; la
pena de muerte está mal. Sobre ese último punto, un juez les dice a Gerry y
a los demás, tras su convicción, que estaría feliz de condenarlos a muerte si
fuera legalmente posible. Varias referencias a esto a lo largo de la película
nos invitan a considerar cuánto más terrible podría haber sido el error judicial
si la pena de muerte hubiera estado en vigor.

Sin embargo, ninguno de estos mensajes llega de manera muy plausible. La

incriminación de los acusados en Guildford tuvo lugar en un momento en
que la policía y los fiscales estaban aterrorizados ante la perspectiva de un
terrorismo generalizado y estaban bajo una enorme presión para producir
condenas. Eso no excusa lo que hicieron, pero sugiere que se trata de un
caso aislado y no debería convertirse en un modelo de comportamiento
británico o de la justicia occidental en general.

La película tampoco presenta muchos argumentos contra la pena de

muerte. De hecho, en cierto modo, la película muestra algunas de las razones
a favor de la pena de muerte. La mayoría de los opositores a la pena de
muerte opinan que el único propósito legítimo del castigo es la disuasión, y
luego se oponen a la pena de muerte porque las estadísticas indican que no
disuade. Pero esta película presenta un excelente argumento contra la
disuasión como base para el castigo. Cuando la policía y los fiscales
incriminaron a los Guildford Five, lo hicieron por disuasión. Para ellos era
irrelevante si los sospechosos eran realmente culpables. Lo importante era
que alguien sean detenidos y castigados, como un ejemplo disuasorio para
otros posibles terroristas y para asegurar al público que su seguridad está en
buenas manos. La película deja en claro que la mentalidad de disuasión
puede conducir a una injusticia atroz. Uno debe ser arrestado y castigado
solo si es objetivamente culpable de algo y si el castigo está justificado por
esa culpa objetiva. Pero, ¿qué pena aparte de la muerte se merecen
estrictamente los asesinos en masa?

Por supuesto, tergiversaría la película si intentara presentarla como un

tratado político. Uno debería simplemente tomarlo por lo que es, como una
investigación completamente fascinante de eventos y personas.

Intersección

Vincent Eastman ……. Richard Gere

Sally Eastman ……… Sharon Stone

Olivia Marshak …… .. Lolita Davidovich

Neal ……………… Martin Landau

Richard Quarry …… .. David Selby

Meaghan Eastman ……. Jenny Morrison

Charlie …………… Ron White

Paramount presenta una película dirigida por Mark Rydell. Producida por Bud
Yorkin y Mark Rydell. Escrito por David Rayfiel y Marshall
Brickman. Fotografiado por Vilmos Zsigmond. Editado por Mark
Warner. Música de James Newton Howard. Duración: 98
minutos. Clasificado: R (para algún lenguaje y sexualidad).

En estas reseñas trato de centrarme en películas que están bien hechas

técnicamente y / o que pueden atraer la atención del público. Este no es uno
de esos. Las críticas de esta película han sido negativas. Sin embargo, creo
que a veces hay razones teológicas para que una película sea mala, al igual
que existen razones teológicas para las virtudes de una película. (Sin duda,
las películas a veces mezclan una mala teología con una buena calidad
dramática, y viceversa). Creo que eso es cierto en este caso. Necesitamos
algunos ejemplos de este hecho en un libro que trate sobre teología en el
cine. Por lo tanto, debemos lidiar con algunas películas malas, así como con
muchas buenas.

La dirección y la fotografía están bien. Vancouver, BC, el escenario, es un área

hermosa; Me parece que los realizadores podrían haberle hecho más
justicia. La mayoría de las demás funciones no son memorables.

La historia es el principal problema. El personaje central, Vincent Eastman,

interpretado por Richard Gere, es un arquitecto que se casa con Sally (Sharon
Stone) y tiene una hija, Meaghan (interpretada por Jenny Morrison como una
notable parecida a Stone). Eastman está terriblemente ensimismado, de una
forma casi típica de Hollywood. Su matrimonio pierde "chispa", aunque su
esposa es excepcionalmente hermosa e indispensable para él profesional y
socialmente, por lo que simplemente hace lo que Hollywood cree que es lo
más natural: mira hacia otra parte. Se enamora de Olivia, escritora de una
revista. Olivia, interpretada por Lolita Davidovich, es un personaje
potencialmente interesante; pero el guión no le da nada que hacer excepto
proporcionarle a Vincent las "chispas" que faltan. No sabemos casi nada de
ella como escritora.

De todos modos, las cosas evolucionan, y Vince debe decidir entre Olivia,
que le proporciona chispas, por un lado, y su sufrida esposa e hija, por el
otro. Su mente sigue cambiando, que es el colmo de la tensión en esta
película. La conclusión nos presenta un poco de ironía: un trágico accidente
para Vince, las dos mujeres se fueron pensando que él la había elegido a
ella. En retrospectiva, toda la trama parece inventada para llevar a esa ironía
y solo a esa ironía. Nada de eso tiene mucho que ver con el carácter o el
drama real.

El mayor problema aquí, creo, es la moralidad de Hollywood. No las dos o tres

escenas de sexo en particular, aunque eso es parte de ello. El problema es
que estos cineastas asumen que sus audiencias son como ellos: ven el
adulterio y el divorcio no como una tragedia, sino principalmente como una
situación en la que el perpetrador está "tratando de encontrarse". Se supone
que debemos simpatizar con su búsqueda de chispas, mientras que su
esposa e hija quedan colgadas. Francamente, no tenía la más mínima
simpatía por la angustia de Vincent por las dos mujeres, o por el
supuestamente galante intento de Olivia de (como le dice a Meaghan de
todas las personas) "hacerlo feliz". No quería ver a Vincent "feliz". Solo quería
verlo irse a casa, donde pertenece. Simpatizaba con Sally y Meaghan. (Stone
en esta película interpreta a una mujer con cierta dignidad para variar, en
lugar de su ninfómana habitual; Por supuesto, tiene que haber una breve
escena de sexo (vestida) para ella en la película para aquellas personas que
vienen a ver a Sharon hacer lo suyo).

Los realizadores, evidentemente, pensaron que el público espectador sería

muy parecido a ellos: amplio, tolerante, guiñando un ojo ante el adulterio y
el divorcio, maximizando la importancia de la autorrealización
emocional. Este no es siempre el caso, incluso en las películas
seculares. Aunque la mayoría de los cineastas son muy liberales en política y
moral, la mayoría de las películas que se hacen hoy son bastante duras con
el adulterio (aunque no con el divorcio). Al adoptar una actitud dura, se dan
cuenta de que su audiencia responderá mejor a un mundo con algunos
aciertos y errores morales. Por todo lo que dicen los críticos de la cultura, la
mayoría de la gente hoy en los Estados Unidos no es del todo
"poscristiana". Todavía llevan consigo una gran cantidad de “capital
prestado” del cristianismo, y todavía creen en la realidad moral.

Los creadores de “Intersection” traicionaron a su audiencia a este respecto

y por lo tanto perdieron toda esperanza de armar un drama de calidad. El
drama, ya sea comedia, tragedia o historia, requiere un universo moral. Sin
eso, pierde no solo significado, sino también (a menos que intente ser
realmente indignante) el interés del espectador.

En el oeste

Papa Riley ………. Gabriel Byrne

Kathleen ………… Ellen Barkin

Ossie …………… Ciaran Fitzgerald

Tito ……………. Ruaidhri (Rory) Conroy

Abuelo ……… David Kelly

Rastreador …………. Johnny Murphy

Barril ……… .. Colm Meaney

Hartnett ………… John Kavanagh

Miramax presenta una película dirigida por Mike Newell. Producida por
Jonathan Cavendish y Tim Palmer. Escrito por Jim Sheridan. Basado en una
historia de Michael Pearce. Fotografiado por Tom Sigel. Editado por Peter
Boyle. Música de Patrick Doyle. Duración: 91 minutos. Clasificado: PG.

Esta es una película maravillosa, protagonizada por dos excelentes chicos

actores (alrededor de 12 y 10) y Gabriel Byrne como su padre. Son irlandeses,
específicamente "viajeros". Ese es el nombre de una tribu de "gitanos celtas".

El padre perdió a su esposa en el nacimiento del segundo hijo. Anteriormente

el "príncipe de los viajeros", ahora está atormentado por la culpa y borracho
la mayor parte del tiempo. Aunque ama mucho a sus hijos, no tiene el
corazón para darles una educación decente. Su verdadero hogar está en los
campamentos de gitanos, pero cuando comienza la película todos están
fuera de lugar: en la ciudad, en un apartamento mugriento.

El abuelo aparece en escena y les da a los niños un maravilloso caballo blanco,

que el abuelo envuelve en mitología sobre el origen místico del caballo. Los
muchachos llevan el caballo a su apartamento, lo que irrita a los vecinos y a
la ley. Finalmente, el caballo cae en manos de un hombre rico que planea
usarlo como campeón de salto. Pero los chicos secuestran al caballo, que los
lleva a un viaje de descubrimiento. A su espalda, eluden a sus perseguidores
y visitan la tumba de la madre de los niños. Byrne y algunos rastreadores de
viajeros están muy cerca, y la tumba provoca el cierre de las amargas
experiencias del pasado. Eventualmente todos llegan al mar, muchachos,
caballos, rastreadores, el rico opresor, los malos hombres de la ley y un buen
abogado. El caballo entra al agua y el niño más pequeño, casi ahogado, tiene
una visión de la madre que nunca conoció. El caballo desaparece, volviendo
a su origen místico; y la familia está lista para regresar a casa al campamento
de viajeros y comenzar de nuevo.
Los valores de producción son fabulosos: fotografía, diálogo, dirección. La
trama básica (mucha gente persiguiendo niños a caballo) es bastante poco
interesante; pero su manejo es realmente apasionante.

Parece estar basado en la idea psicológica de que es necesario volver atrás y

revivir eventos traumáticos para dejarlos atrás. La experiencia del niño a
punto de ahogarse parece ser una revivificación del trauma del nacimiento
que mató a su madre, y los encuentros en la tumba de la esposa parecen
traerla de regreso a sus seres queridos en un sentido metafórico. El
misticismo, sin embargo, muestra más que una psicología pop: una especie
de mano invisible de la providencia que guía los acontecimientos. Los niños
oran y la oración es respondida.

Es una buena película para familias: sin sexo ni violencia, pero con un
contenido muy profundo. Nos da una vista impresionante de una cultura de
la que nunca antes había sido consciente. En un nivel, los niños pueden
entender la película y sus dimensiones más profundas los desafiarán.

Teológicamente, la película dice que hay momentos en que nuestra total

incapacidad para ayudarnos a nosotros mismos se vuelve obvia y
abrumadora. Su respuesta no llega a la plenitud del evangelio bíblico. Pero la
película asume una creencia ya existente en Dios y en Cristo, o al menos en
la Virgen María (para quien la madre de los niños es una especie de
sustituto); y dice que esa fe puede ayudarnos a dejar atrás el terrible pasado
y alcanzar el futuro. Hay mucha palabrería irlandesa en la película,
mitologización supersticiosa, pero aquí también hay algo genuinamente
bíblico.

Perdido en Yonkers

Louie ………… Richard Dreyfuss

Bella ………… Mercedes Ruehl

Abuela ………. Irene Worth

Jay ………… .. Brad Stoll

Arty …………. Mike Damus

Johnny ……… .. David Strathairn

Columbia Pictures presenta una película dirigida por Martha

Coolidge. Producida por Ray Stark. Escrito por Neil Simon, basado en su
obra. Fotografiado por Johnny E. Jensen. Editado por Steven Cohen. Música
de Elmer Bernstein. Duración: 110 minutos. Clasificado: PG.

La fórmula de Simon es: encontrar representantes de varios estereotipos,

hacer que hagan y digan cosas extravagantes y divertidas. Ponga en medio
de estas personas normalmente heterosexuales y sensatas (que representen
a la audiencia y a Simon) para liderar la risa y proporcionar el comentario
cómico. En el mejor trabajo de Simon, entonces, aprendemos que los
estereotipos son más que eso, y los heterosexuales se enriquecen al obtener
una visión más madura e irónica de la naturaleza humana.

Aquí los estereotipos son: una abuela dura como las uñas que aterrorizaba a
sus hijos hasta convertirlos en una abyecta sumisión y varios problemas de
personalidad; La tía Bella, al borde de la enfermedad mental, especialmente
la depresión maníaca, ingenua, pero astutamente perspicaz; El tío Louie
(Richard Dreyfuss), un "secuaz" preocupado por lo que otros gánsteres se
están preparando para hacerle; Gert (?) Que no puede pronunciar una frase
sin jadear. Los heterosexuales son dos nietos cuya madre (otra hija de la
abuela) ha fallecido y cuyo padre debe realizar un viaje de negocios para
mantener a la familia. La abuela cuida a los niños en su tienda de dulces.

Este es uno de los mejores esfuerzos de Simon. Uno tiene perspectiva de

todos estos personajes. La salvación llega para Bella cuando se arma de valor
para irse a buscar trabajo en Florida. Salvación para los niños: simplemente
no lastimes a las personas como lo hizo la abuela, o de lo contrario esas
personas se convertirán en sus hijos. Aún así, por mi dinero, la abuela es el
personaje más impresionante. Ella sabe lo que cree y no cederá ni un
centímetro.

Malcolm x

Malcolm X ………… Denzel Washington

Betty Shabazz …… .. Angela Bassett

Baines …………… Albert Hall

Elijah Muhammad ...... Al Freeman Jr.

Archie de las Indias Occidentales… Delroy Lindo

Shorty …………… Spike Lee

Warner Bros. presenta una película dirigida por Spike Lee. Producida por
Marvin Worth y Lee. Escrito por Arnold Perl y Lee. Basado en "La
autobiografía de Malcolm X". Fotografiado por Ernest Dickerson. Editado por
Barry Alexander Brown. Música de Terence Blanchard. Duración: 201
minutos. Clasificados: PG-13 (por una escena de violencia, y por drogas y
algo de lenguaje).

“Malcolm X” es una de esas películas biográficas muy largas, muy literales,

casi adorables, como Ghandi. Aún así, es fascinante. El director Spike Lee
realmente conoce el viejo Harlem, evidentemente, y hay mucho baile, música
y acción de gánsteres en la primera parte. El resto es principalmente un
estudio del desarrollo espiritual de Malcolm. Fascinante en sí mismo. No
siento simpatía por la religión musulmana, ni aprecio la charla de Malcolm
sobre los demonios blancos; pero realmente disfruté conocer a Malcolm
como persona.

Realmente era una especie de conservador negro: mantén las razas

separadas, deja de comportarte como una víctima, deja de suplicar
limosnas; compórtate moralmente, trabaja duro, apoya a tus familias,
defiéndete si otros te persiguen. Ese tipo de pensamiento fue bastante
salvaje para los años 60. Todavía suena más a Thomas Sowell, Clarence
Thomas y Walter Williams que a Martin Luther King, Jesse Jackson y el
liderazgo negro más ampliamente reconocido.

Desafortunadamente, el establishment negro de los años 60 no lo

escuchó. Si lo hubieran hecho, no habría habido la enorme ola de
asistencialismo profesional, divorcio, ilegitimidad, la destrucción casi total de
la familia negra, que siguió a la legislación de la Gran Sociedad. ¿Por qué
Spike Lee y otros liberales piensan tan bien de Malcolm? ¿Es simplemente
porque hizo enojar a los blancos? La enseñanza de Malcolm es casi
exactamente la opuesta a la de ellos.

Si yo fuera parte de una raza oprimida, mi respuesta, lo confieso, sería mucho

más parecida a la de Malcolm que a la de Martin Luther King.

Malcolm también tenía una gran sonrisa y un gran sentido del humor. Y en el
área moral, como le dice un espía de la CIA a otro, "comparado con King,
¡este tipo era un monje!" No me sorprende en absoluto que atrajera
seguidores además de enemigos.

Carl Ellis, autor de Free at Last (Inter-Varsity Press, 1996) cree que Malcolm
se estaba acercando a Cristo cuando lo mataron. Bueno, estaba
desilusionado con algunos de sus amigos islámicos y se estaba acercando a
otros grupos. Sin embargo, no sería sorprendente que no llegara a la plena
profesión de Cristo. Aquí hay un hombre que había sido tratado muy mal por
los cristianos, y en el nombre de Jesús. ¿Por qué deberíamos esperar que él,
humanamente hablando, crea en la deidad de Jesús?

Sin embargo, cabría esperar una mayor objetividad por parte de los cineastas,
que afirman presentar una imagen más o menos precisa de los hechos. La
actitud de la película hacia el cristianismo, sin embargo, es puro
desprecio. Hay dos ministros que se muestran con Malcolm durante su
sentencia de cárcel. Uno lo visita en confinamiento solitario, cuando sufre
miserablemente. En una actitud de suprema insensibilidad, nos reunimos, el
ministro le pide a Malcolm que cante "Qué amigo tenemos en Jesús". Sin
duda, Malcolm estaba pensando: "¿Qué clase de amigo me pondría aquí?" El
ministro habría sido más útil si hubiera ofrecido alguna respuesta a esa
pregunta.

El otro ministro dirige un estudio bíblico en la prisión. Malcolm pregunta de

qué color es Dios. El ministro responde (como si hubiera respondido a la
pregunta muchas veces) que, por supuesto, Dios es blanco. Ahora he
conocido a muchos ministros, algunos de ellos bastante faltos de compasión
y / o inteligencia. Pero por mi vida, no puedo imaginarme ni al peor de ellos
diciendo algo como esto. Simplemente no hay base para ello en la teología
de nadie (excepto posiblemente el mormonismo), y dirigido a una audiencia
de hombres negros es simplemente demasiado descortés para
imaginarlo. Siento cierta simpatía por la tendencia de Malcolm a demonizar
a los blancos. Siento muy poca simpatía por la misma tendencia en Spike
Lee. Estoy seguro de que el episodio del ministro diciendo “Dios es blanco”
es una mentira rotunda.

Podemos aprender de la vida de Malcolm y de su muerte. Lo que sea que

Malcolm esperaba hacer al final de su vida, fue sofocado por la violencia. El
movimiento musulmán le había dado a su gente algunos ideales nuevos y
había mejorado sus vidas de manera obvia. Pero en lugar de eliminar su
violencia, al final, el movimiento solo la redirigió. En lugar de asaltar a la gente
en las calles, los musulmanes destruyeron a los otros musulmanes que
preferían los grupos rivales. Uno deja esta película anhelando que en algún
lugar alguien haya presentado a estas personas un cristianismo auténtico,
uno con doctrina bíblica ortodoxa y una calidad de vida a la altura.

Sociedad Amenaza II

Caine …………. Tyrin Turner

O-Perro …………. Larenz Tate

Ronnie ………… Jada Pinkett

A-Wax …………. MC Eiht

Abuela ……… Marilyn Coleman

Abuelo ……… Arnold Johnson

Tat Lawson …… .. Samuel L. Jackson

New Line Cinema presenta una película dirigida por los hermanos
Hughes. Producida por Darin Scott. Escrito por Tyger Williams. Basado en la
historia de Allen Hughes, Albert Hughes y Tyger Williams. Fotografiado por
Lisa Rinzler. Editado por Christopher Koefoed. Música de QD III. Duración: 97
minutos. Clasificado: R (para violencia fuerte, uso de drogas y lenguaje).

Excelentemente dirigido por los creadores de Boyz in the Hood, esta película
cuenta sobre un joven negro de Los Ángeles que, aunque le ofreció
oportunidades para escapar de su terrible entorno, se niega a cambiar hasta
que es demasiado tarde. El idioma es sucio; cualquier otra frase es
profana. Sin embargo, el diálogo y la narrativa suenan verdaderos. Es una
película sobre los horrendos valores de estos jóvenes y lo que esos valores
les hacen. No propone respuestas, no echa culpas. Es un monumento al
fracaso de la iglesia y al poder del pecado para cegar a las personas a la
verdad, de modo que ni siquiera los pequeños restos del evangelio (los
abuelos del niño) sean escuchados. Mi análisis: cuando las personas aceptan
la mentira de que son víctimas y no pueden hacer nada para ayudarse a sí
mismas en una sociedad con prejuicios, cierran su única fuente real de
esperanza, el evangelio de la gracia de Dios. Y la paga del pecado es la
muerte: eso queda patente en toda la película.

SR Jones

SR Jones …………. Richard Gere

Libbie ……………. Lena Olin

Dr. Holland ………… Anne Bancroft

Patrick …………… Tom Irwin

Howard ……………. Delroy Lindo

David …………… .. Bruce Altman

Amanda ……………. Lauren Tom

Susan …………… .. Lisa Malkiewicz

TriStar presenta una película dirigida por Mike Figgis. Producida por Alan
Greisman y Debra Greenfield. Escrito por Eric Roth y Michael
Cristofer. Basado en la historia de Roth. Fotografiado por Juan Ruiz
Anchia. Editado por Tom Rolf. Música de Maurice Jarre. Duración: 114
minutos. Clasificado: R (para idioma).
Esta película está protagonizada por Richard Gere y fue realizada en San
Diego, haciendo un buen uso de la escenografía y el medio. Los habitantes
de San Diego intercambiarán asentimientos de conocimiento, por ejemplo,
cuando la película muestre aviones volando bajo sobre la ciudad. Lindbergh
Field, el aeropuerto de la ciudad, está muy cerca del centro de la ciudad; así
que los aviones frecuentemente vuelan muy bajo sobre los edificios creando
todo tipo de molestias y asombro. Este fenómeno se utiliza de manera muy
inteligente en la película, en la que el personaje principal se sube al techo de
un edificio y casi siente que puede agarrar uno de esos aviones mientras
desciende a su pista.

El personaje principal sufre de depresión maníaca y, como el tratamiento del

autismo en "Rain Man", la película trata su tema de manera
convincente. Evidentemente, los realizadores hicieron sus deberes. Roger
Ebert dice que Gere visitó a pacientes mentales para hacer su actuación más
auténtica. Por supuesto, su tarea fue menos difícil que la de Dustin Hoffman
en "Rain Man", porque la depresión maníaca es más fácil de imitar que el
autismo. De hecho, uno podría pensar que la naturaleza misma de la
actuación es emular la depresión maníaca: el arte fundamental de la
actuación, antes de que entren en escena los matices, es moverse entre la
felicidad, la tristeza y la relativa normalidad.

El Sr. Jones, el personaje de Gere, es enormemente encantador, y sin

presionarla mucho puede ganarse el corazón de una psiquiatra que lo está
tratando. Aunque acepta el tratamiento de vez en cuando, desconfía
profundamente de él. “Esto no es una enfermedad”, les dice a sus posibles
curanderos; "esto es lo que soy." Le encantan sus máximos y está dispuesto
a arriesgarse con los mínimos. Pero a veces se da cuenta de que necesita
ayuda, aunque no está muy seguro de qué forma debe tomar esa ayuda.

No hay mucha religión en esta película, aunque, significativamente, el único

amigo real de Jones es un trabajador de la construcción negro que dirige a su
familia en oración antes de la cena. Ese amigo, en última instancia, no puede
ayudarlo mucho, pero el ministerio de ese amigo presagia la conclusión real
de la película, lo que sugiere que las relaciones humanas son a menudo más
importantes que el tratamiento clínico. En un momento, Jones le estalla a su
amigo, usando algunas expresiones profanas que, según creo, atribuimos a
su condición mental. Pero en ese momento se sorprende a sí mismo,
dándose cuenta de que ha ofendido a un hombre de sincera piedad. En este
punto, los realizadores se dan cuenta de que aunque la "enfermedad" influye
en el comportamiento de Jones, no lo obliga a hacer lo que hace. Y no le quita
la responsabilidad.

El aspecto más controvertido de la película es la relación entre Jones y el

psiquiatra, que se consuma fuera de la pantalla. Ella está llena de culpa por
este motivo: irónicamente, no una culpa ante Dios, sino una culpa secular, la
de haber roto la regla profesional contra las relaciones personales
(especialmente sexuales) con un paciente. Es interesante que en un
momento en que las actitudes "victorianas" hacia el sexo son universalmente
rechazadas, al menos en las películas, un nuevo victorianismo (no digo
"puritanismo") ha entrado en los círculos "profesionales". Los profesionales
son dignos de elogio, supongo, por reconocer el daño que puede hacer el
sexo ilícito en una relación terapéutica; ¿Por qué, me pregunto, no ven el
daño que las relaciones sexuales pre y extramatrimoniales pueden causar en
otras áreas de la vida? La película también deja en claro que el "victorianismo
secular" se aplica de manera rígida y rígida, sin tener en cuenta las personas
involucradas. Debemos reconocer que los cristianos, también, a veces hacen
cumplir sus reglas morales sin amor, sin consideración por las personas. Pero
la película nos muestra que los cristianos no están solos en esto. El
Victorianismo secular es más una esclavitud que cualquier moralismo
religioso.

Roger Ebert ve el romance como un elemento de telenovela innecesario en

una película instructiva sobre enfermedades mentales. Por el contrario, veo
el romance como algo bastante central en el sentido de la película. La película
no es en absoluto un documental, como Ebert parece leer su intención más
profunda, sino un drama. Y aunque Ebert acepta el tabú profesional como un
hecho, la película no lo hace, pero lo cuestiona seriamente. El final de la
película vuelve a unir al psiquiatra (ahora dimitido del hospital) y al paciente
como hombre y mujer y proyecta un futuro de verdadera ayuda mutua y
esperanza. Y es que, no el mero retrato de la maníaco-depresión y su
tratamiento, es el verdadero foco de la película.

Al cristiano no le agradará el sexo extramarital que presenta y aprueba esta

película, ni el lenguaje profano de algunos de los personajes. Pero aquí hay
mucho que pensar. A medida que los cristianos cuestionan cada vez más el
“modelo médico” de la “enfermedad mental”, deben preguntarse qué quiere
Dios que pongan en su lugar. ¿Deberíamos sustituir el profesionalismo
secular por un profesionalismo cristiano para tratar de hacer frente a estas
condiciones? ¿O deberíamos considerar la propuesta implícita de esta
película: que lo que necesitan esas personas, más allá del tratamiento
farmacológico para mejorar la química de su cerebro, es amor real? ¿Es eso
un romanticismo hokey de Hollywood? ¿O es una visión real de las
necesidades de estas personas?

Aunque no soy de ningún modo un experto en maníaco-depresión, sospecho

que la receta de la película es al menos parte de la verdad. La verdad es que
estas personas necesitan sanación física, necesitan a Cristo y necesitan
personas amorosas que las apoyen y discipulen. Después de todo, debemos
ocuparnos no solo de la "enfermedad" de la persona (si es que la llamamos
así), sino también de "lo que es".

Mucho ruido y pocas nueces

Don Pedro, Príncipe de Aragón… Denzel Washington

Benedick, de Padua ………… Kenneth Branagh

Claudio, de Florencia ………. Robert Sean Leonard

Beatrice, huérfana ……… .. Emma Thompson

Héroe …………………… .. Kate Beckinsale

Don Juan …………………. Keanu Reeves

Dogberry …………………. Michael Keaton

Borachio …………………. Gerald Horan

Conrade ………………… .. Richard Clifford

Samuel Goldwyn presenta una película escrita, producida y dirigida por

Kenneth Branagh. También producido por David Parfitt y Stephen
Evans. Fotografiado por Roger Lanser. Editado por Andrew Marcus. Música
de Patrick Doyle. Duración: 111 minutos. Clasificado: PG-13 (para
sensualidad momentánea).
La película de Kenneth Branagh de "Mucho ruido y pocas nueces" de
Shakespeare es un placer maravilloso. Todos los valores de producción,
dirección y actuación fueron geniales. Realmente comunicó la obra a un
espectador moderno. Nunca me había divertido y conmovido tan
maravillosamente (simultáneamente) en mucho tiempo. Recordé el caso de
Jim Jordan de que Shakespeare era un dramaturgo cristiano y vi todo tipo de
paralelismos con el evangelio. Comienza como una fiesta maravillosa y feliz
(edénica) (tan edénica que, en un toque moderno, nadie parece darse cuenta
de que el venerado líder del ejército es negro, interpretado por Denzel
Washington; ¡aunque su hermano es blanco!), salvo el malvado Don Juan,
cuyos celos le llevan a calumniar a una de las dos heroínas. Él es la figura de
Satanás, y como se ve en la película, también me recuerda al hermano mayor
en la parábola del hijo pródigo: incapaz de disfrutar de las festividades,
debido a alguna injusticia imaginada. Él es la única figura severa, el diablo
como fariseo.

La niña calumniada sufre muerte y resurrección simbólicas. Su prometido,

que creyó en las acusaciones falsas y, por lo tanto, es susceptible de muerte
(el personaje de Branagh lo desafía a un duelo), se arrepiente y el perdón
abunda maravillosamente. El pecado no se ignora; el prometido debe pagar
un precio que le parece algo siniestro; pero el precio, aceptado
voluntariamente, resulta ser la consumación del gozo. En los brazos de la
niña “resucitada”, él es elevado simbólicamente con ella a la novedad de vida,
y la fiesta comienza de nuevo. Ella es la figura de Cristo.

Mientras tanto, hay un diálogo cómico maravilloso, burlas afables entre la

otra pareja, Benedick y Beatrice, interpretados por Branagh y su esposa
Emma Thompson. Incluso en sus comentarios más perversos, su buen
corazón se nota. ¿El buen corazón del personaje o el de Thompson? Bueno,
es difícil para mí imaginarme a Thompson interpretando a una persona
realmente malvada. Finalmente, Beatrice y Benedick descubren su amor el
uno por el otro bajo sus cínicas fachadas. Esencialmente, lo que sucede es
que cada uno es engañado por terceros haciéndole creer que es amado por
el otro. Esa hipótesis pone una nueva “perspectiva” sobre los datos,
mediante la cual cada uno es capaz de descubrir su amor por el otro. Cada
uno aprende a amar al ser persuadido de que primero ha sido amado. El
paralelo con la gracia de Dios es notable.

La música es rica, maravillosa y apropiada. Las canciones de Shakespeare

nunca se han arreglado de manera tan hermosa.
La figura de Satanás y sus cohortes obtienen sus merecidos, pero la mayoría
de los demás se regocijan al final, de modo que los malvados simplemente
desaparecen de la imagen. No es una mala representación de la escatología
bíblica: lejos de ser glamorosos como en este mundo, los malvados ni
siquiera son extrañados.

¿La gente reformada realmente entiende “el reino de Dios como una fiesta”,
para citar a Tony Campolo? Creo que no muy a menudo. La descripción que
hace Shakespeare del reino (realmente creo que eso es lo que es) es mucho
más convincente que la habitual imagen amarga reformada de la vida
cristiana. Pienso en el comentario de Jordan sobre las personas que piensan
que Dios se sienta en el cielo esperando abalanzarse sobre nosotros por
cometer un error litúrgico o teológico. Esa parece ser la mentalidad teológica
de muchas personas reformadas.

Tomé cursos de Shakespeare en la universidad. Entonces fue una tarea,

entender el inglés isabelino y clasificar todas las ideas del profesor sobre los
"significados más profundos". Pero ahora, especialmente después de
"Enrique V" de Branagh y éste, he llegado a amar a Shakespeare y encontrar
en él un espíritu afín.

Mi vida

Bob Jones ……… Michael Keaton

Gail Jones …… .. Nicole Kidman

Paul ………… .. Bradley Whitford

Theresa ……… .. Queen Latifah

Bill ………… .. Michael Constantine

Rose ………… .. Rebecca Schull

Dr. Mills ……… Mark Lowenthal

Columbia presenta una película escrita y dirigida por Bruce Joel
Rubin. Producida por Jerry Zucker, Rubin y Hunt Lowry. Fotografiado por
Peter James. Editado por Richard Chew. Música de John Barry. Duración: 112
minutos. Clasificado: PG-13 (para temas para adultos).

Una película como esta puede enseñarnos mucho sobre las actitudes
modernas hacia la religión, ya que trata sobre la muerte y el morir, quizás el
área en la que incluso la gente moderna todavía piensa seriamente.

Bob Jones, nacido en Detroit como Bob Ivanovich, se está muriendo de

cáncer mientras su esposa espera a su primer hijo. El teólogo residente de la
película, un curandero chino, diagnostica el problema subyacente como ira
reprimida. De hecho, Bob ha estado enojado con su padre desde la infancia,
porque su padre pasaba tan poco tiempo con él. El padre era un comerciante
de chatarra, que Bob piensa que debería describirse más honestamente
como "basura". Bob odiaba Detroit y el negocio de la basura. Se fue a Los
Ángeles a la primera oportunidad y se convirtió en un hombre de relaciones
públicas. (¿Los autores del guión vieron una analogía entre los expertos en
relaciones públicas de Hollywood y los traficantes de chatarra?) Tuvo éxito,
pero tenía pocos amigos reales. En una búsqueda vergonzosa de
testimonios, no encuentra a nadie que pueda decir mucho en su nombre más
allá de elogiar su destreza comercial y sus contribuciones caritativas. Incluso
su esposa Gail, que lo ama profundamente, se queja de que la deja fuera de
sus luchas. Evidentemente, su ira lo ha alejado de cualquier relación humana
profunda.

Él también, evidentemente, está enojado con Dios. Cuando era niño, una vez
oró para que Dios trajera un circo a su patio trasero después de la
escuela. (Su padre había prometido llevarlo al circo, pero no lo había hecho
debido a la presión del trabajo). La película nos abruma con la sincera
sinceridad de la oración. Invita a todos sus compañeros a ver el maravilloso
circo. Pero no hay circo; los niños deben ser enviados a casa. Tanto el padre
terrenal como el padre celestial han defraudado a Bob, insinúa la película.

Entonces Bob está alejado de Dios y de los hombres, y la enfermedad

avanza. Hasta el final de la película, se ve perfectamente sano en su mayor
parte, un elemento bastante incómodo en la representación de la
película. Pero la mente de Bob está preocupada por su destino y por el
futuro. Al principio, esta preocupación aumenta su alejamiento del
mundo. Está tan decidido a llevar un registro de sus últimos días para su hijo
aún no nacido que ve el mundo entero a través de una cámara de video. Es
un espectador, no un participante. Es como si ya hubiera muerto y viera el
mundo desde algún reino fantasmal fuera de él.

Pero cambia. Visita Detroit nuevamente para la boda de su hermano, y de

hecho deja a un lado la cámara de video para unirse a su hermano en algunos
bailes étnicos. (Al principio de la película, habría adivinado que la familia era
judía, pero resulta que son ucranianos). Aún así, los viejos odios resurgen
cuando habla con sus padres. Condenan su falta de respeto: que dejó a su
familia, que cambió el apellido, que casi nunca los llamó. Él, a su vez, plantea
todas sus antiguas quejas.

El curandero chino le ministra. La medicina ortodoxa no puede ayudar, pero

claramente este sanador tiene poderes más allá de los tratamientos
estándar. Ha sanado a otros y mantiene a Bob más allá del tiempo esperado
de su muerte, para que conozca a su nuevo hijo. Las manos del sanador
ponen a Bob en contacto con su yo interior, que, según sabemos, es la fuente
de la plenitud. Bob tiene una visión de la gran luz que es este ego
trascendental. Pero los tumores generados por la ira crecen demasiado
rápido incluso para el sanador chino, quien le aconseja a Bob que se prepare
para la próxima vida, la reencarnación.

La película refuerza el tema de la reencarnación, ya que la vigilancia de la

muerte de Bob es paralela al embarazo y el parto de Gail. En ambos casos,
los cubitos de hielo se limpian en los labios, la respiración es laboriosa y
disciplinada, y el final es una liberación en un alegre abandono.

Todos se reconcilian de alguna manera. Los padres vienen a Los Ángeles. Bob
se disculpa en cierto modo por su crueldad con ellos, pero es una disculpa al
estilo de Hollywood: dice, en efecto, que todo el asunto no es culpa de
nadie; tales problemas simplemente ocurren y nadie tiene la culpa. Así, el
alejamiento se disuelve en el relativismo moral y Bob queda libre para
reencarnarse. ¿También está reconciliado con Dios? No de una manera
obvia. Dios no juega ningún papel en la teología de la Nueva Era que informa
los últimos días de Bob. En un universo moralmente relativista, no hay Dios
con quien reconciliarse.

La película se demora en su muerte durante más tiempo del que me sentía

cómodo; quizás tenía la intención de hacerlo. Supongo que se suponía que
iba a encontrar la muerte de Bob como una experiencia triunfal, pero no fue
así. Si la película es correcta y la realidad es un proceso impersonal sin
distinciones morales, entonces ni la muerte ni la vida ofrecen esperanza.

Filadelfia

Andrew Beckett ……… Tom Hanks

Joe Miller …………. Denzel Washington

Belinda Conine ……… Mary Steenburgen

Charles Wheeler …… .. Jason Robards

Kenneth Killcoyne …… Charles Glenn

Miguel Alvarez ……… Antonio Banderas

Walter Kenton ………. Robert Ridgely

TriStar presenta una película dirigida por Jonathan Demme. Producida por
Edward Saxon y Demme. Escrito por Ron Nyswaner. Fotografiado por Tak
Fujimoto. Editado por Craig McKay. Música de Howard Shore. Duración: 119
minutos. Clasificado: PG-13 (para algún lenguaje gráfico y material
temático).

Esta es la primera gran película sobre el sida de Hollywood, producida con las
mejores estrellas, un director destacado y mucha publicidad. Ha obtenido
críticas favorables. Es una decepción para mí, y no solo porque me opongo a
muchas opiniones de la comunidad gay. Aunque disfruté de las tomas
bastante turísticas de Filadelfia, donde viví durante algunos años, no había
mucho más de la película que fuera interesante.

Andrew Beckett (Tom Hanks), un joven y brillante abogado gay, tiene SIDA. Y
cuando su prestigioso bufete de abogados se entera, alguien roba un
documento importante para que Beckett parezca descuidado, por lo que el
bufete de abogados lo despide, supuestamente por incompetencia. Beckett
cree que lo despidieron por tener SIDA, que es, por supuesto, la
verdad. Demanda a la firma, bajo la representación de Joe Miller (Denzel
Washington). A Miller no le gustan los homosexuales, pero finalmente toma
el caso y gana. Mientras tanto, Beckett muere de SIDA. Eso es.

Si asiste a la película esperando un gran drama de guerra legal, se sentirá

decepcionado. El juicio no contiene sorpresas, ni estrategias particularmente
interesantes. Lo que convence al jurado es un punto que fue evidente desde
el comienzo de la película. Hay muchas miradas ceñudas en ambos lados, y
los abogados de la firma dicen cosas malas sobre los homosexuales y todo
eso. En otras palabras, el proceso legal es aburrido.

La muerte de Beckett, por tanto, tiene que soportar la mayor parte de la

carga de los intereses de suministro. Hay una escena notable, donde Beckett
y Miller están trabajando en el caso en la casa de Beckett. Beckett, que a
estas alturas está cerca de la muerte, toca un disco de ópera, narrando un
hermoso solo de María Callas. Lo traduce y le explica la trama a Miller, que
no es un fanático de la ópera. En la descripción de la situación operística, le
descubre el alma a Miller y, según nos enteramos, por primera vez ayuda a
Miller a verlo como persona.

Pero el resto del sufrimiento de Beckett es tan agotador como el juicio. La

cámara permanece en el hospital mientras cada miembro de su gran familia
(incluido, por supuesto, el amante gay de Beckett) lo abraza y lo besa. Todos
están de su lado, y esta gran familia de "valores tradicionales" simplemente
tira de nuestras fibras del corazón, suplicándonos que amemos a su
Andrew. Toda la película es así: parece que nos grita en voz alta, "solo tienes
que amar a este tipo", sin darnos ninguna razón específica para amarlo. En
realidad, parece ser nada más que otro abogado inteligente que se metió en
una mala situación.

De manera similar, el punto de vista de la película, al igual que los elementos

de la trama, es la corrección política predecible. Beckett es una víctima, pura
y simplemente. Cualquiera que sugiera que tiene alguna responsabilidad por
su condición es denunciado como intolerante. Cualquiera que tenga algunas
dudas sobre la opinión generalizada de que el SIDA no se puede propagar
por "contacto casual" también es intolerante. La acción de la empresa es
simplemente una negación de los derechos civiles. Así que la película es tan
aburrida en interés intelectual como en trama.
Es difícil concebir cómo esta película pudo haber surgido del director de “El
silencio de los corderos”, en la que la audiencia se mantuvo constantemente
al límite por giros en la trama, imágenes fascinantes e intrincadas ironías
morales. Sin embargo, eso sucede a veces cuando un director se pone serio
e ideológico. Hanks, Washington y los actores menores hacen un muy buen
trabajo con sus personajes. El turno de Jason Robards como director del
malvado bufete de abogados fue una mera caricatura, al igual que los otros
miembros del bufete. Me acuerdo de "Adivina quién viene a cenar", la película
de 1967 sobre el matrimonio interracial. Contaba con la dirección de Stanley
Kramer, Sidney Poitier, y la legendaria pareja, Spencer Tracy y Katherine
Hepburn. Pero en mi opinión había poco interés en la película. Era un tratado
liberal, con una trama completamente predecible y gente increíblemente
maravillosa.

Sin duda, el SIDA es algo terrible, y debemos simpatizar con sus

víctimas. Pero no se conquistará mientras nuestra sociedad insista en tratar
la homosexualidad como un estilo de vida alternativo válido y el SIDA como
una condición protegida por un silencio legalmente impuesto y tratada como
una cuestión de derechos civiles. Ese es el tratamiento que defiende esta
película. Como tal, la película hará más daño que bien en la batalla contra el
SIDA.

Grupo

Protagonizada y dirigida por Melvin Van Peebles

Un western con actores negros, que destaca que la mitad de los vaqueros
del viejo oeste eran negros. Van Peebles interpreta a un soldado de guerra
hispanoamericano que, con cinco amigos, se ausenta sin permiso de su
sádico comandante y se dirige al oeste para vengar la muerte de su
padre. Finalmente, el sádico comandante lo alcanza, y el personaje de Van
Peebles también debe enfrentarse al igualmente sádico sheriff
blanco. Mientras tanto, nos enteramos de que su padre había llevado a un
grupo de personas a fundar un pueblo completamente negro llamado
Freemanville y los había instado a que se educaran antes de que lo
lincharan. La ciudad sigue en pie, aunque amenazada por el alguacil blanco y
la corrupción del principal funcionario negro.
La película es ruidosa y de ritmo rápido, vertiendo sangre por cubos. Es una
reminiscencia de "New Jack City" de Van Peebles y películas similares de Spike
Lee y otros. Algunos críticos han pensado que este ritmo era inapropiado
para un western, que oscurecía la historia. Sentí que era, bueno, un western
negro, contado como los propios afroamericanos no cristianos decidieron
contarlo. Nada de Dios aquí. El mensaje principal de la película es que tienes
que tomar el control de las cosas por ti mismo, por la fuerza si es necesario,
y no permitir que nadie te "defraude". Es una película de gueto ambientada
fuera del ghetto, con valores de ghetto.

Por supuesto, también debemos observar a través de esta película que los
valores del gueto no son terriblemente diferentes de los valores de ese “viejo
oeste” que tradicionalmente ha sido glamorizado como parte de la historia
blanca. Eso puede hacernos más comprensivos con la difícil situación de los
negros urbanos de hoy. Quizás, sin condonar su espíritu belicoso, podamos
entenderlos mejor comparándolos con las familias que poblaban las
comunidades occidentales sin ley. Estos habitantes, al igual que los
habitantes del centro de la ciudad moderna, a menudo vivían donde vivían
por necesidad económica y con un valor considerable.

Sentí que aprendí aquí algunos aspectos de la historia negra que no había
escuchado antes. Por eso, en particular, recomiendo la película.

la lista de Schindler

Oskar Schindler …… .. Liam Neeson

Itzhak Stern ……… .. Ben Kingsley

Amon Goeth …………. Ralph Fiennes

Emilie Schindler ……. Caroline Goodall

Poldek Pfefferberg… .. Jonathan Sagalle

Helen Hirsch ……… .. Embeth Davidtz

Universal presenta una película dirigida por Steven Spielberg. Producida por
Spielberg, Gerald R. Molen y Branko Lustig. Escrito por Steven
Zaillian. Basada en la novela de Thomas Keneally. Fotografiado por Janusz
Kaminski. Editado por Michael Kahn. Música de John Williams. Duración: 184
minutos. Clasificado: R (para lenguaje, algo de sexualidad y violencia de
actualidad).

Stephen Spielberg ha dirigido tres o cuatro de las diez películas más

taquilleras de todos los tiempos, incluidas "ET", "Jurassic Park" y "Jaws". Pero
"La lista de Schindler" es, sin duda, su obra maestra, y una película muy
diferente a las demás. Normalmente asociamos a Spielberg con cosas
bastante desenfadadas, por muy hábilmente dirigidas que sean. En una
película típica de Spielberg, hay todo tipo de escenas de tour de force,
escenas que parecen diseñadas principalmente para mostrar las cosas
maravillosas que puede hacer un director si tiene un presupuesto lo
suficientemente grande a su disposición. La presente película, aunque
presenta un desafío de dirección aún mayor que las demás, con escenarios
enormes y un “elenco de miles”, como solían decir, no contiene escenas de
“gee whiz”. La dirección está bastante subordinada a la historia, cuyo poder
es enorme.

Eso no quiere decir que no haya algunos trucos de dirección; pero estos
están subordinados al tema. Por ejemplo, la película está principalmente en
blanco y negro, el medio en el que se almacenan la mayoría de nuestros
recuerdos comunes de la década de 1940. Esto no distrae en
absoluto; parece la forma más natural posible de añadir realismo al
drama. Pero hay manchas de color aquí y allá, por razones importantes para
el propósito de la película. Por ejemplo, en todo el gris y la masacre del gueto
de Varsovia, hay un poco de rojo en el abrigo de una joven. Está huyendo de
los asesinos alemanes. Vemos ese abrigo y lo recordamos cuando más tarde
vemos el cadáver de la niña siendo arrastrado con una carga de otros
cadáveres judíos.

Oskar Schindler es un hombre de negocios alemán que descubre a principios

de la Segunda Guerra Mundial que si uno puede (1) hacer algo útil para el
esfuerzo de guerra (2) contratar trabajadores judíos que se pueden obtener
por salarios de esclavos (3) atraer inversiones de empresarios judíos que
legalmente no puede poseer una propiedad y, por lo tanto, debe hacer todas
sus negociaciones de manera informal, puede ganar una gran cantidad de
dinero. Es interpretado por Liam Neeson, algo en contra de su tipo habitual
de casting. Neeson a menudo interpreta a hombres vulnerables y súper
sensibles; aquí, su vida interior está bastante cerrada para nosotros. En el
exterior, es ajeno al sufrimiento que lo rodea, interesado solo en los
negocios, el dinero y los buenos tiempos. Es miembro del partido nazi y
cultiva amistades entre las SS.

En algún momento, sin embargo, su motivación fundamental sí

cambia. Quizás ese punto sea la destrucción del gueto de Varsovia por parte
de los nazis, que él observa desde una colina, donde él y una amiga (una de
muchas) han venido en un paseo a caballo. La película no nos dice cuándo
está cambiando y por qué. Naturalmente; porque hablar de tales cosas en
ese contexto podría haber significado la muerte. Y en cualquier caso, dejar
abierta esa cuestión es sin duda mejor drama. Schindler muestra sus
convicciones cambiadas en sus actos, no discursos, soliloquios o arrebatos
emocionales. Sin embargo, este cambio tuvo lugar, la segunda mitad de la
película muestra a Schindler usando todos sus poderes para engañar a los
nazis, pagándoles (perdiendo todo su dinero en el proceso), rescatando
judíos y socavando el esfuerzo de guerra alemán. Él e Itzhak Stern, su
contable judío, compile una lista de judíos que de otro modo casi con certeza
serían considerados "prescindibles" y Schindler exige que los judíos de esa
lista sean liberados para trabajar en la fábrica de Schindler. Cuando los judíos
son enviados a Auschwitz por error, Schindler incluso marcha al campo de
exterminio para llevarlos de regreso. Estos son "su pueblo"; la película
presenta este rescate como una confrontación entre Moisés y el Faraón.

Para los nazis, su motivación sigue siendo el negocio. Una leve debilidad
dramática de la película es la estupidez de los nazis y los oficiales, que casi
recuerda al coronel Klink en la vieja comedia de televisión, "Los héroes de
Hogan". ¿Fueron realmente tan crédulos como para caer en las estafas
realmente transparentes de Schindler? Quizás a Spielberg le gustaría creer
que lo eran, pero tengo mis dudas.

Los paralelos entre Schinldler y Moisés abundan en la película, ya sea por

intención de Spielberg o por providencia divina en la historia real. Así como
Moisés fue educado en toda la sabiduría de los egipcios, Schindler fue parte
del sistema opresivo. Así como Moisés se sintió conmovido por una vista
cercana de la opresión, también lo hizo Schindler. Así como Moisés condujo
al pueblo a través del desierto, Schindler lleva a su enorme fuerza de trabajo
a un viaje improbable desde Polonia a Checoslovaquia. Así como Dios guió al
pueblo bajo Moisés, parece que una mano invisible está empujando
obstáculos en el camino de Schindler. Por supuesto, Moisés era
judío; Schindler no lo era, aunque Moisés fue criticado por haberse casado
con una esposa extranjera, y es posible que se sospechara de él por sus
vínculos con la hija del faraón.

Sin embargo, a diferencia de Moisés, Schindler era esencialmente un

showman. Al principio, le dice a Stern que él (Schindler) sabe poco acerca de
cómo administrar fábricas y reclutar trabajadores; ese es el trabajo de
Stern. El trabajo de Schindler es mantener las apariencias. Vino y cena los
nazis y los oficiales militares. Les envía grandes cestas de delicias del
mercado negro, hace felices a todos con sobornos. Dice todo tipo de
mentiras plausibles sobre cómo este o aquel trabajador es enormemente
hábil o cómo este otro hombre es absolutamente esencial para el esfuerzo
bélico. Mientras tanto, hace todo lo posible para asegurarse de que su fábrica
de municiones no produzca ni un solo proyectil utilizable. La historia de
Schindler debe haber atraído a Spielberg en parte porque es una historia de
salvación a través del teatro. Esta idea ya se ha probado antes, por ejemplo,
en la serie de televisión "Misión Imposible". Ahí, Los actores
superprofesionales salvaron el mundo cada semana a través de disfraces,
performances, decorados elaborados y engaños. En MI, fue muy
divertido. Pero en esta película, casi parece que podría haber
sucedido. Quizás lo hizo.

Los judíos de Schindler sobreviven. Ahora hay 6000 de sus

descendientes. Por el contrario, al final de la guerra, solo 4000 judíos seguían
vivos en Polonia. Muchos de los judíos rescatados y sus familias aparecen al
final de la película, colocando piedras conmemorativas en la tumba de
Schindler. Es una conclusión adecuada y conmovedora.

El Holocausto, más que el Éxodo bíblico, es el gran evento histórico que

domina la memoria de la comunidad judía de hoy y une a esa comunidad,
tanto a los teístas como a los ateos entre ellos. Los horrores de esa época
han hecho que algunos judíos renuncien a Dios, otros piensen en él de otra
manera.

Esta película presenta a un salvador de las atrocidades, un salvador de unos

pocos miles entre los seis millones destruidos. (Observo que el verdadero
Moisés salvó a unos cuantos más, pero no a tantos como Jesús.) El salvador
en esta película es un secularista que apenas es consciente de sus propios
motivos y que no tiene un plan maestro, pero improvisa su camino desde una
dificultad a la siguiente. Las iglesias en la película se utilizan solo para
reuniones clandestinas de judíos y, en un momento, como escenario para la
propuesta de matrimonio de Schindler. Los cristianos deben hacer la
pregunta seria, ¿dónde estaba el cuerpo de Cristo? Por supuesto, también
hubo cristianos heroicos durante la guerra. Pero, ¿por qué tantos cristianos
profesantes no hicieron nada, o incluso apoyaron al malvado régimen nazi?

Y, por supuesto, está la pregunta más importante, ¿dónde estaba Dios? No

voy a trivializar estos terribles eventos promulgando alguna teoría de por qué
Dios permitió que sucedieran, aunque tengo fe en que Él tenía propósitos,
incluso en esta historia, que fueron maravillosamente sabios. Pero aquí
también hay un problema de incredulidad. Ciertamente, la situación destruye
tanto el relativismo ético como el sentimentalismo humanista. Después de
ver esta película, pocos podrán negar que es verdadero mal, y está claro que
la infección no sólo un gran número de colaboradores Hitler y sus secuaces,
pero y observadores pasivos, sin excluir el propio Schindler, el especulador
de la guerra describe a sí mismo. ¿Alguno de nosotros lo habría hecho mejor?

Con solo decir la verdad histórica, la película muestra la desesperada

necesidad de la humanidad por el perdón divino en Cristo. Y muestra que
incluso los esfuerzos de un gran hombre solo pueden salvar a unos pocos,
durante unos años más de vida física. Si hay justicia, debe haber una vida
eterna, y el salvador debe ser Dios mismo. La historia bíblica no es la salvación
a través del teatro; es, en ejecución y resultado, la más pura realidad. Esta
historia plantea algunas preguntas que son difíciles de responder para los
cristianos (o cualquier otra persona). Pero también plantea algunos que solo
el cristianismo puede resolver.

Shadowlands

C. S. Lewis ………. Anthony Hopkins

Joy Gresham ……… Debra Winger

Warnie Lewis …… .. Edward Hardwicke

Prof. Riley ……… John Wood

Rev. Harrington… .. Michael Denison

Douglas Gresham… .. Joseph Mazzello

Dr. Craig ……… .. Peter Firth

Savoy Pictures presenta una película dirigida por Richard

Attenborough. Producida por Attenborough y Brian Eastman. Escrito por
William Nicholson, basado en su obra. Fotografiado por Roger Pratt. Editado
por Lesley Walker. Música de George Fenton. Duración: 133
minutos. Clasificado: PG (para elementos temáticos).

“Shadowlands” deberá contarse en la lista muy pequeña de películas

recientes que presentan una visión en gran parte precisa y comprensiva de
los cristianos protestantes que toman en serio su fe. Esa lista es tan pequeña
que casi puedo repetirla de memoria: "Carros de fuego", "Tiernas
misericordias", "Viaje a la abundancia". En ese sentido, esta película quizás
no sea tan contundente como las otras tres, como indicaré a
continuación. Pero es digno de ser incluido en ese pequeño grupo, y ese es
un hecho significativo.

Como las demás, esta es una película excelente, bien interpretada, dirigida,
fotografiada, con guión. Todo se siente auténtico y el diálogo es siempre
inteligente: ingenioso en las primeras réplicas intelectuales, profundo en la
tristeza final. Winger es un poco inconsistente en su acento judío, pero eso
es una objeción. Los actores secundarios son excelentes, una marca
registrada de la industria cinematográfica inglesa.

La historia es de CS Lewis, conocido como "Jack" por sus amigos, profesor de

literatura de Oxford, apologista cristiano y escritor de muchos libros,
incluidas las fantasías infantiles de "Narnia". En 1951, conoce a una mujer
estadounidense llamada Joy Gresham que se ha estado comunicando con
él. Ella es de origen judío, una poeta, convertida al cristianismo de una
historia de ateísmo y comunismo. Ella también está infelizmente casada
(luego divorciada), tratando de criar a su hijo de diez (?) Años Douglas (que
ama los libros de Narnia). Al principio, la relación de Jack y Joy es un duelo
intelectual, con respeto y cariño cada vez mayores.
Después de su divorcio, quiere permanecer en Inglaterra con su hijo, y Lewis
se casa con ella en una ceremonia civil, simplemente para facilitar ese
deseo; aún así, continúan viviendo separados y relacionándose entre sí solo
como amigos. Lewis no le cuenta a nadie de este matrimonio de
conveniencia excepto a su hermano y compañero de casa Warnie.

Pero Joy descubre que se está muriendo de cáncer. Al cuidar de ella, Lewis
descubre el amor real, y en la habitación del hospital se casa con ella de
verdad, ante un clérigo, con un anillo. Finalmente, ella se muda a su casa y
disfrutan breves períodos de felicidad conyugal antes de que llegue el final. El
final es agridulce de una manera que recuerda un poco a "Love Story",
aunque más profundo porque (en mi opinión) la pareja en la presente película
tiene mucha más sustancia espiritual.

Los lectores de Narnia se sentirán conmovidos por las escenas en las que
Douglas descubre un viejo guardarropa en el ático de Lewis y se abre camino
a través de las prendas en busca de la tierra mágica de las Crónicas de
Lewis . Su decepción al encontrar solo una pared sólida en el otro lado
prefigura el triste final de la película.

La película nos muestra a Lewis varias veces dando conferencias sobre "El
problema del mal", la cuestión de por qué un Dios bueno permite el mal en
su creación. En las escenas de las conferencias, la película parece decirnos
que Lewis es demasiado engreído al respecto. Uno de sus colegas al principio
dice medio en serio que Lewis está en el negocio de encontrar respuestas
fáciles a preguntas difíciles, y la película parece validar esa
estimación. Esencialmente, las conferencias de Lewis en la película señalan
que el sufrimiento es el "megáfono" de Dios, para desafiarnos a pasar de
nuestras preocupaciones egoístas a cosas mayores. En realidad, el
tratamiento que hizo Lewis del Problema fue más complicado y matizado
que eso, como puede verse en su Problema del dolor.

Los cineastas intentan dejar claro que cuando el propio Lewis soportó la
tragedia, todas las seguridades de sus conferencias lo abandonaron y él no
vio nada en los sufrimientos de Joy excepto la tragedia y el dolor. Como el
chico del armario, Lewis pierde sus ilusiones. ¿Joy realmente necesitaba una
"llamada de atención divina"? ¿Su hijo? ¿Alguien se benefició de alguna
manera de su sufrimiento?
Probablemente haya algo de verdad en este relato. Se podría comparar El
problema del dolor con el posterior A Grief Observed de Lewis, en el que trata
la muerte de Joy. Tal comparación, más la literatura biográfica sobre Lewis,
sugiere que la muerte de Joy cambió su perspectiva sobre el mal hasta cierto
punto. Ciertamente es legítimo observar que El problema del dolor no es un
libro para regalar a alguien en medio de una tragedia personal. Sin embargo,
su razonamiento no es inútil por todo eso. Incluso la idea del sufrimiento
como "la llamada de atención de Dios" contiene mucha verdad. Me molesta
un poco que la película menosprecie la apologética tanto como lo hace. En
mi opinión, esa evaluación no distingue suficientemente entre la consejería
pastoral y la apologética como disciplina intelectual. Por otro lado, El
problema del dolor sin duda habría sido un libro mejor si hubiera tenido una
visión más clara de la soberanía divina y, por tanto, un mayor reconocimiento
del misterio.

Aunque estoy debidamente agradecido por el trato compasivo de los

cristianos aquí, no puedo dejar de observar que esta película trata sobre
alguien cuya teología cristiana le falla en un punto crucial. Concedo que eso
sucede, y no niego que sea un tema apropiado para el drama. Pero, ¿por qué
no vemos películas sobre cómo la fe de alguien, su teología, lo sostiene a
través de la tentación y la prueba? ¿Qué hay de la conversión de Lewis, tan
dramáticamente descrita en su libro "Surprised by Joy"? (El título del libro,
que presagia irónicamente su romance, fue escrito mucho antes). ¿Por qué
no pudo haber una película sobre eso?, en lugar de un fracaso teológico en
su vida? De hecho, ¿por qué tenemos que volver a “Beckett” y “Man For All
Seasons” para encontrar algún tipo de fe triunfante?

Otro problema que tuve en la película fue el tratamiento de Joy. Aunque se

nos dice que es cristiana, no aprendemos mucho sobre su propia fe
personal. ¿Cómo llegó a Cristo con un trasfondo tan improbable? ¿Cómo
influyó su propia fe en sus sufrimientos? En la película ella es muy inteligente,
ingeniosa, franca, honesta, paciente y, al final, cariñosa; pero no está claro
cómo estas cualidades surgen o interactúan con su compromiso
religioso. Aprendemos mucho de la religión de Jack, pero casi nada de la de
Joy. De hecho, Joy parece presentar con mayor frecuencia una especie de
desafío a la religión de Jack, lo que lo obliga a reconsiderar sus garantías,
reforzando el impulso teológico algo negativo señalado anteriormente.

¿Es concebible que una mujer que había sido conmovida por los escritos de
Lewis lo suficiente como para querer visitarlo, que podía identificar los
pasajes de sus libros palabra por palabra, después de conocerlo nunca
hablaría en absoluto sobre Dios o Jesús? La película parece más bien
secularizar la historia de una manera que es difícilmente plausible para
aquellos de nosotros que conocemos a CS Lewis a través de otros
canales. Un crítico mencionó que cuando Lewis se casó con Joy en el
hospital, se llevó a cabo un rito de curación en la iglesia, y a esto siguió su
larga remisión. La película omite esto por completo. Observa que Lewis oró
por su recuperación; pero cuando alguien comenta que Dios está
respondiendo a sus oraciones, Lewis objeta: no está orando para cambiar a
Dios, sino para cambiarse a sí mismo. ¿Significa eso que en realidad no espera
que Dios le responda, y que no pensó que Dios realmente le estaba
respondiendo? Típico de Hollywood,

En general, sin embargo, la película es excelente, una experiencia

verdaderamente edificante para los creyentes cristianos y un testimonio para
los incrédulos de una auténtica vida cristiana. A pesar de todas mis
objeciones, el verdadero CS Lewis brilla. Cualquiera que piense que el
cristianismo empobrece el intelecto y la profundidad de los sentimientos
debería ver esta película.

Atajos

Gene Shepard ………. Tim Robbins

Sherri Shepard …… .. Madeleine Stowe

Ann Finnigan ………. Andie MacDowell

Howard Finnigan ……. Bruce Davison

Marian Wyman ………. Julianne Moore

Dr. Ralph Wyman ……. Matthew Modine

Paul Finnigan ……… Jack Lemmon

Lois Kaiser ……… .. Jennifer Jason Leigh

Jerry Kaiser ………. Chris Penn

Doreen Piggot ……… Lily Tomlin

Clima tormentoso ……. Peter Gallagher

Fine Line presenta una película dirigida por Robert Altman. Producida por
Cary Brokaw. Escrito por Altman y Frank Barhydt. Basado en las historias de
Raymond Carver. Fotografiado por Walt Lloyd. Editado por Geraldine
Peroni. Música de Mark Isham. Duración: 189 minutos. Clasificado: R (para
lenguaje sexual gráfico y desnudez).

Las películas más conocidas de Robert Altman, particularmente "Nashville" y

"The Player", son grandes y expansivas, y tratan de medir toda una cultura o
subcultura. Tienen muchas subtramas y muchos personajes cuyas vidas se
superponen solo ocasionalmente y en momentos significativos. La
cosmovisión de Altman parece ser que gran parte de la vida pasa sin
planificación ni previsión. Los momentos más importantes de la vida son
momentos que no podemos planificar y en los que a menudo hacemos algo
incorrecto, sin que sea nuestra culpa.

Disfruté de "Short Cuts" y admiré la artesanía de Altman. Sin embargo, me

gustó mucho más “Nashville” y “The Player”, porque esas películas, a pesar
de su diversidad, tenían una mayor unidad y sentido de dirección. Este es
más un "trozo de vida", una serie de miradas a Los Ángeles de los 90 a través
de muchos, muchos ejemplos específicos. Aún así, esta película es un buen
ejemplo de la cosmovisión de Altman.

Doreen (Lily Tomlin) conduce lentamente por la carretera de camino a

casa. Casey, de ocho años, llega tarde a la escuela y sale corriendo a la calle
tratando de adelantarla en la intersección. Ella lo golpea, y en agonía detiene
su auto y se acerca a él. Ella le ofrece llevarlo al hospital oa su casa, pero él
se niega porque su mamá no lo deja viajar ni hablar con extraños. Así que
camina a casa solo. Ella piensa que él se ve bien, así que vuelve a su auto y
maneja a casa, sin duda, con mucha culpa en su conciencia. El niño se va a
casa, le cuenta a su madre lo que pasó y luego se queda dormido en la
cama. Su sueño resulta ser un coma. Algo le ha ocurrido a un vaso en su
cerebro y muere en el hospital.
El octavo cumpleaños del niño habría sido al día siguiente, y los padres
habían contratado a un panadero para que le hiciera un pastel. El panadero
llama a la familia para concertar una recogida, pero no quieren que se
molesten en explicarle la situación. El se enoja. Le costó mucho hacer ese
pastel. Después de algunos tragos, los vuelve a llamar, haciendo comentarios
insultantes y quizás amenazantes sobre su hijo. Los padres luego conjeturan
quién es la persona que llama y lo visitan enojados. Cuando se entera de que
el niño murió, se siente mortificado. De repente se vuelve compasivo y
consuela a los padres afligidos. Tenemos la impresión de que perdonan y
aceptan ese consuelo.

Estos son típicos de los muchos incidentes de la película. Lo que Altman

parece estar diciendo es que las cosas simplemente suceden. Cuando
juzgamos a otros, normalmente no conocemos su historia. Si lo hiciéramos,
no lo culparíamos; preferimos extender la mano para perdonar y
consolar. Todo el mundo tiene buenas intenciones, pero es terriblemente
difícil vivir en este mundo y, a menudo, se vuelve demasiado para nosotros.

Los errores que comete la gente en esta película generalmente se pueden

resumir en términos del título de la película. La gente hace cosas malas,
simplemente porque es demasiado problema hacer lo correcto: demasiado
problema para comprender realmente los sentimientos de otra persona o
para tomar todas las precauciones que dicta la moralidad.

Puedo simpatizar con esa actitud hasta cierto punto. Las Escrituras nos
enseñan a ser lentos para juzgar a los demás, y es cierto que muchos,
posiblemente la mayor parte, de nuestro enojo hacia los demás se debe a la
ignorancia. Y ciertamente a este mundo le vendría bien mucha más
compasión y perdón. Y Eclesiastés tiene mucho que decir acerca de la
aparente aleatoriedad de los eventos en el mundo, y cuántos de nuestros
mejores esfuerzos fracasan.

Pero me temo que Altman está generalizando aquí. Parece querer decir
que todo el mundo es básicamente bueno, incluso los asesinos y adúlteros
entre nosotros. Nuestros problemas son causados por nuestra finitud, por
estar fuera de lugar en el orden social y cósmico de las cosas. Escuche a Jack
Lemmon decirle a su hijo de quien hace mucho tiempo por qué le fue infiel a
su esposa: solo sucedió una cosa, luego otra. Nadie tenía la culpa, y menos
él.
Eso, ciertamente, no es el universo de Dios, sino el de Altman. Altman es un
cineasta persuasivo y su universo casi parece real. Pero hay dimensiones
morales y metafísicas en la creación de las que no sabe nada. Ciertamente,
un cristiano debe criticarlo al menos por su falta de coherencia: si el adulterio
y la crueldad son solo accidentes, entonces la compasión también lo es. Si
no vamos a juzgar al primero, ¿por qué deberíamos admirar al segundo? Pero
cuando Altman pasa de la tragedia al perdón y la compasión, su actitud moral
cambia del relativismo a la predicación. La respuesta cristiana no es el
relativismo moral, ni la predicación infundada, ni nada entre estos
extremos. Es, más bien, un reconocimiento de que hay un Dios vivo que
establece firmemente las normas para la conducta humana, que también ha
mostrado compasión por nosotros en Jesús. Nos encanta,

Señales

Volví a ver Signos de M. Night Shamyalan. Seguramente la recordaré más

tiempo que cualquier otra película que haya visto este año. Las "señales" son,
aparentemente, los círculos de las cosechas, hechos por los extraterrestres
para guiar su navegación. De hecho, los signos son más ampliamente
teológicos.

Mel Gibson es un "padre" Hess, un ex sacerdote episcopal, que perdió su fe

cuando su esposa fue asesinada por un conductor (notablemente
interpretado por el propio Shyalaman) que se quedó dormido al volante. El
conductor dice que nunca se había quedado dormido al volante antes y
nunca lo ha vuelto a hacer desde entonces. Esa noche, no vio a nadie en la
carretera en millas y millas. Sólo encontró a esta pobre mujer. Casi como si
tuviera que ser, dice.

La predestinación es un tema importante. Hess, esforzándose ahora por ser

un incrédulo, le explica a su hermano Merrill que hay dos tipos de personas
en el mundo. Para el único tipo, las cosas simplemente suceden al azar: sin
conexión o con un significado más profundo. Para el otro grupo, hay
conexiones: las cosas pasan como signos de otras cosas. Para el segundo
grupo no hay coincidencias. El ex sacerdote se esfuerza por ser una persona
del primer tipo, pero los acontecimientos lo presionan en la otra dirección.

En una subtrama, nos enteramos de que Merrill era un jugador de béisbol de

ligas menores que anotó muchos récords de jonrones, pero nunca llegó a las
mayores porque también ganó el récord por el número de
ponches. Simplemente atacó a todo; No podía soportar la idea de no
balancearse. (Recuerdo al jugador de Pittsburgh de la década de 1960, Dick
Stuart, una vez conocido como el "Babe Ruth de las ligas de la selva", más
tarde como "Dr. Strangeglove"). Cuando la esposa del sacerdote colgaba
entre la vida y la muerte en el accidente, ella le dijo a su esposo, "Busca", y
ella le pidió que le dijera a su hermano, "sigue balanceándote". Hess intenta
explicarle a Merrill que estas últimas palabras fueron el resultado del delirio,
no tenían ningún significado. Su cerebro estaba desenterrando recuerdos
"aleatorios". Pero en la crisis de la película, es el "swinging" de Merrill lo que
marca la diferencia.

Los dos hijos de Hess juegan un papel importante en el drama y en la red de

signos. Morgan, el mayor, tiene asma y un elemento de tensión en la película
es si sobrevivirá a un ataque sin su medicamento. Pero, en última instancia,
el hecho de que su asma le haya cerrado los pulmones demuestra ser su
salvación. Bo, la hija, tiene predilección por dejar vasos de agua por toda la
casa. Piensa que uno está contaminado, uno demasiado sucio, uno tiene un
pelo, etc. Los vasos de agua también juegan un papel crucial en la resolución
de la batalla.

Entonces la película funciona en varios niveles. En una, es una repetición de

"La guerra de los mundos", pero mucho más aterradora que cualquier otra
película sobre extraterrestres que pueda recordar. Por otro, un estudio de
una familia muy real, respondiendo a sus miedos en medio de problemas
igualmente difíciles de salud, arrepentimientos y pérdidas. En otro nivel (creo
que incluso más profundo), es una película sobre visiones del mundo.

Shyamalan nació en una familia hindú. Más tarde fue a una escuela episcopal
en Filadelfia Main Line. No sé mucho sobre su teología, pero esta película
profundiza en la teología que cualquier otra película de este año. Para los
cristianos, plantea la cuestión de la revelación general. Cuando pensamos en
la revelación general, tendemos a pensar, al estilo tomista, en la causalidad:
Dios se revela a sí mismo en los cielos estrellados, porque ¿quién más podría
ser lo suficientemente grande como para hacerlos realidad? O
teleológicamente: Dios se revela a sí mismo en la intrincada maquinaria del
ojo humano (o ahora, gracias a Michael Behe, la célula viva) porque estas
máquinas requieren un diseño inteligente. Pero Signs sugiere que la
revelación general también se encuentra en el ritmo de la vida humana, la
estructura de la coincidencia, el hecho de que un evento nos prepara para el
siguiente. Eventos aparentemente sin sentido resultan, tal vez años después,
cobrar importancia en nuestras vidas. Y al reflexionar sobre eso, eso también
parece presuponer un diseñador.

Este tipo de teleología no es tanto la de un diseñador de máquinas como la

de un autor que escribe una novela o una obra de teatro, utilizando un
evento para anticipar otro. No nos sorprende encontrar una idea de ese tipo
de teleología de un escritor y director de cine talentoso como Shyalaman,
porque es precisamente su negocio diseñar un mundo con tal estructura de
presagio y recapitulación. Lo interesante es que ese tipo de mundo, según
mi experiencia de todos modos, se parece mucho al mundo real.

Algunas notas breves

24/11/98: Esta tarde vi American History X con Edward Norton y Edward

Furlong. Actuaciones y dirección maravillosas. Sobre los supremacistas
blancos de California. El héroe aprende su lección, pero no lo
suficientemente pronto como para evitar trágicas consecuencias. El
problema es que intelectualmente encontré los argumentos del poder
blanco más convincentes que los del otro lado. Lo que convirtió al héroe fue
que en prisión (1) sus compañeros de poder blancos eran inconsistentes
(uno trató con los mexicanos para vender drogas a su “propia gente”), y se
volvieron contra él cuando objetó, y (2) en la cárcel Su único amigo era un
hombre negro, que lo protegió después de que sus protectores blancos se
volvieran en su contra. Historia conmovedora, pero sin mucho argumento.

Mi conclusión es que, aparte de la Palabra de Dios, es difícil argumentar

contra los racistas. ¿Por qué no debería cada raza competir contra las demás
por sus propios intereses? Las Escrituras nos dicen que Dios nos hizo a todos
de una misma sangre y que envía a su pueblo a través de barreras raciales y
nacionales con el amor de Cristo. La respuesta de Hollywood al racismo, por
el contrario, parece ser puro sentimentalismo.

19/12/98: "Príncipe de Egipto", un largometraje animado de DreamWorks, se

esforzó por no entrar en conflicto con lo que realmente dicen las Escrituras,
pero se centró en una historia que no se encuentra en la Biblia, la relación del
faraón Ramsés con su hermanastro Moisés. Meredith Kline nos enseñó hace
años que Ramsés no fue el faraón del Éxodo y que Moisés vivió unos cien
años antes que él. Pero la mayoría de los eruditos críticos todavía aceptan
una fecha posterior para el Éxodo, si es que creen en el Éxodo.

Dios estuvo muy involucrado en la película, pero solo como una presencia
misteriosa que aparece y sale de vez en cuando. El empuje moral de esto
(como con las versiones de De Mille de Los Diez Mandamientos ) fue que la
esclavitud es mala, y rescatar a la gente de la esclavitud es una gran cosa, el
principal movimiento de la historia. Pero en Romanos 9 , Pablo dice que Dios
levantó a Faraón para glorificarse a sí mismo. Y en esta película no se glorifica
mucho a Dios. Moisés hace muchos llamamientos para tratar de salvar a su
pueblo: la crueldad del padre de Ramsés, Seti, al matar a los bebés hebreos,
los lazos de amistad con Ramsés, las cargas de su pueblo esclavizado. Pero
dice poco o nada sobre la promesa de Dios a Abraham o el honor de Dios en
la situación.

La historia termina con el cruce del mar, aunque la escena final es de Moisés
en la montaña con las tablas de la ley. Ninguna referencia a la adoración del
becerro de oro que encuentra en su descenso, o al tabernáculo-templo-
sacerdocio, los vagabundeos por el desierto o la muerte de M.

La película es algo evasiva sobre la tesis políticamente correcta de que los

egipcios eran negros. Tienen un bronceado intenso y podrían describirse
como africanos, pero eso es algo menos que obvio. Las canciones son
bastante buenas.

Sugar Hill

Roemello Skuggs …… .. Wesley Snipes

Raynathan Skuggs ……. Michael Wright

Melissa ……………. Theresa Randle

AR Skuggs ………… Clarence Williams III

Gus Molino …………. Abe Vigoda

Lolly Jonas ………… Ernie Hudson

20th Century-Fox presenta una película dirigida por Leon Ichaso. Producida
por Rudy Langlais y Gregory Brown. Escrito por Barry Michael
Cooper. Fotografía de Bojan Bazelli. Editado por Gary Karr. Música de
Terence Blanchard. Duración: 123 minutos. Clasificado: R (para violencia
intensa relacionada con las drogas, uso de heroína gráfica y lenguaje fuerte).

En los últimos años ha habido algunas películas maravillosas de directores y

actores negros. Tienden, comprensiblemente, a lidiar con pandillas, drogas y
familias disfuncionales. Este es el mejor que conozco, desde el punto de vista
de la actuación y la dirección. La obra en sí está cerca de la tragedia griega
en su profundidad e impacto.

Hay ecos de la "saga del padrino" a través de aquí: una escena de bautismo,
un hermano menor fuerte y uno mayor débil (Raynathan de Michael Wright
combina rasgos de Sonny impetuoso y Fredo Corleone débil, pero es un
personaje más rico que ambos), rencores intergeneracionales, un personaje
de mujer inteligente que ama a un gángster pero no la vida de pandillas,
mucha violencia (ataques preventivos, venganza y lo que al principio parece
pura exaltación pero se convierte en algo más) y lenguaje soez. Sin embargo,
este es un drama más poderoso que "El Padrino", en mi opinión. Tiene un
poco menos de pizazz; la violencia no es tan explosiva y está bien
coreografiada. Coppola en "El padrino" trataba con villanos profesionales
que llevaban a cabo su oficio con una eficiencia despiadada. Aquí la violencia
es menos eficiente, menos una cuestión de “negocios”. personal .

La película no es perfecta. Por un lado, en medio de todo el caos, la policía

no se encuentra por ningún lado. Los personajes viven en un mundo
totalmente para ellos mismos. Quizás es así como lo perciben, pero para mí
le quita algo de credibilidad a la historia. Por otra parte, está el final, que
discutiré a continuación. Pero en general, la película es un drama
extremadamente poderoso. Uno realmente llega a preocuparse por los
personajes principales, incluso, con el tiempo, el hermano impetuoso, el jefe
de la mafia y el padre inválido. Los personajes menores, como los amigos y
socios de la infancia de Roemello, adquieren color y calidez reales.

Roemello y Raynathan son hijos de un narcotraficante que quedó paralizado

cuando sus jefes de la mafia se volvieron contra él y le dispararon muchas
balas en el cuerpo. Su madre murió de una sobredosis de drogas, retratada
poderosamente al comienzo de la película, con los niños mirando con
horror. Cuando era adolescente, Roemello, el hermano menor, interpretado
por Wesley Snipes, mata al matón de la mafia que le disparó a su padre. Gus,
el jefe de la mafia, en lugar de vengar la muerte de su secuaz, contrata a
Roemello para que trabaje con drogas en Harlem, fingiendo que no sabe lo
que hizo Roemello. Suponemos que admira al joven y siente cierta culpa por
el ataque al padre. Roemello sube la escalera de la mafia hasta que tiene su
propia franquicia de drogas, bajo la organización de Gus, y vive
prósperamente, con su hermano mayor como su asistente principal.

Pero Roemello (como Michael Corleone) quiere desesperadamente salir. Está

lleno de culpa y angustia. Está en el mismo negocio que destruyó a su madre
y arruinó la vida de su padre. Finalmente conoce a Melissa, una mujer
hermosa, amable e inteligente; quiere casarse con ella y dejar toda la
zona. Pero Raynathan, Ray, quiere que se quede; Ray, que desprecia a su
padre, no tiene a nadie que lo ame excepto a su hermano mayor. La mafia de
Gus decide contratar a otro hombre negro para que se haga cargo de parte
del negocio de Harlem, creando sospechas que se cumplen en la violencia.

Las cosas se desarrollan de una manera notable para poner a los dos
hermanos uno contra el otro al final. La película podría haber terminado
después del trágico ataque de Ray a Roemello, tras el cual Ray se suicida. Por
arte de magia, al parecer, Roemello se recupera de sus heridas y se traslada
a Carolina del Norte para criar hijos con Melissa.

Algunos críticos consideran que la escena familiar feliz final es una

evasión. Bueno, hay muchas de estas películas que terminan trágicamente, y
eso lo esperamos. En general, las películas de este género enseñan la lección
de que la tragedia es inevitable en la cultura de las bandas de
narcotraficantes, que une generación tras generación a la maldad y el
terror. Este, de una manera bastante incómoda, sin duda, parece estar
diciendo que eso no es necesariamente así. Es posible "simplemente decir
no".

Ahora bien, esto es ciertamente bastante artificial. Después de todo,

Roemello es un hombre rico; puede darse el lujo de mudarse a un lugar idílico
con su esposa y formar una familia. Otros no son tan afortunados. Sin
embargo, al menos aquí hay un guiño al hecho de que hay más en la vida que
el determinismo ambiental. Desde un punto de vista cristiano, ciertamente
hay para todos los giros en el camino de la vida en los que podemos
"simplemente decir no". Que no lo hagamos es nuestra propia culpa y, por lo
tanto, estamos sujetos al juicio de Dios. No podemos culpar a nuestras
circunstancias, incluso cuando son tan terribles como aquí. Esto está lejos
de ser una película cristiana, pero que al menos presente la posibilidad de tal
alternativa tiene que ser una ventaja. Prefiero ver la película como una
tragedia con una posdata en el cielo. Quiero decir "cielo" simbólicamente,
por supuesto. Roemello nunca confiesa a Cristo en la película.

Aún así, los elementos más poderosos de la película ocurren no al final, sino
en el cuerpo de la película, en la interacción de los personajes. Los
entendimientos, malentendidos, revelaciones son extraordinariamente
complejos y suenan verdaderos una y otra vez. Aquí hay mucha sabiduría
sobre la naturaleza humana.

La edad de la inocencia

Newland Archer ………. Daniel Day-Lewis

Ellen Olenska ……… .. Michelle Pfeiffer

Mayo Welland …………. Winona Ryder

Sra. Welland ………… Geraldine Chaplin

Regina Beaufort ……… Mary Beth Hurt

Sra. Mingott ………… Miriam Margolyes

Larry Lefferts ………. Richard E. Grant

Sillerton Jackson ……. Alec McCowen

Columbia presenta una película dirigida por Martin Scorsese. Producida por
Barbara De Fina. Escrito por Jay Cocks y Martin Scorsese. Basado en la novela
de Edith Wharton. Fotografiado por Michael Ballhaus. Editado por Thelma
Schoonmaker. Música de Elmer Bernstein. Duración: 132
minutos. Clasificado: PG.
Los críticos están entusiasmados con esta película, dirigida por Martin
Scorsese y protagonizada por Daniel Day-Lewis y Michelle Pfeiffer, basada en
una novela de Edith Wharton. Los valores de producción son
maravillosos; Realmente puedes saborear la opulenta sociedad de la Nueva
York de 1870. Su mobiliario, comidas, bailes, fiestas se presentan con
autenticidad y gusto.

La película es un cambio sustancial de ritmo para Scorsese, quien es

conocido por su realismo a sangre y fuego en las calles mezquinas. Esta
película trata sobre la sociedad refinada, donde nadie soñaría con actuar
violentamente y donde la conversación tranquila y cortés es la única arma. El
consenso crítico, sin embargo, es que se trata de una película sobre una
violencia psicológica terrible e intensa, en la que la sociedad refinada
destruye brutalmente a la gente. Un crítico la calificó como la película más
violenta de Scorsese.

Bueno, ciertamente depende de tus presuposiciones. Lo que en realidad

sucede es que un hombre (Daniel Day-Lewis) comprometido con una dulce
joven representante de la conformidad social (Wynona Ryder) se siente
atraído por otra mujer (Michelle Pfeiffer) que por razones injustas es
despreciada por los árbitros de la convención. Naturalmente, el personaje de
Pfeiffer se presenta como una persona mucho más interesante y agradable
que el personaje de Ryder. Pero cuando llega el momento de que los amantes
ilícitos consuman su relación adúltera, la familia y los amigos de la esposa,
aunque exteriormente no admiten ningún conocimiento del asunto, planean
de diversas formas para evitar que suceda el adulterio. Con el tiempo, tanto
los personajes de Pfeiffer como los de Day-Lewis acompañan a sus familias e
incluso se reconcilian con la situación.

¿Qué vamos a pensar sobre esto? Según el consenso de los críticos, este
cuadro es psicológicamente violento, porque en él la sociedad horrible e
hipócrita destruye la perspectiva del amor verdadero para esta supuesta
pareja adúltera. Con mis presuposiciones cristianas, lo veo de manera muy
diferente. Aquí hay una sociedad donde, a pesar de sus fallas, se respetan las
normas morales y las familias cierran filas para mantener a sus miembros
alejados de la tentación moral y de la destrucción de sus familias. Lo hacen
sin gritos ni violencia, con sólo las más silenciosas miradas de acusación. Soy
lo suficientemente estético como para creer que es deseable una
confrontación más directa con un pecador. Pero esta sociedad neoyorquina
de la década de 1870 es mucho mejor que la mía, casi desearía poder criar a
mis hijos dentro de ella.

Curiosamente, en la última escena, el personaje de Day-Lewis, tal vez

veinticinco años después de los grandes hechos, su esposa ahora muerta,
renuncia a la posibilidad de renovar su relación con el personaje de
Pfeiffer. ¿Quiere Scorsese que piense que esto es la renuncia de un hombre
roto, empujado al molde de la sociedad? ¿O muestra un crecimiento moral
de su parte? Probablemente Scorsese pretendía lo primero; pero su
honestidad como director no dejará esa conclusión inequívoca. La lógica de
los eventos mismos (a la luz de las Escrituras) me lleva a una conclusión
diferente.

Así que el efecto de la película en mí fue, sospecho, muy diferente de lo que

pretendía Scorsese. Observo que en la década de 1970, el programa de
televisión "Todos en familia" falsificó el conservadurismo a través de la boca
del supuesto Neanderthal Archie Bunker. Pero aunque los discursos de
Bunker hicieron que el conservadurismo pareciera ridículo, creo que en el
análisis final (y contrario a la intención del productor y director Norman Lear),
Bunker era un personaje más comprensivo que los fanáticos liberales que le
hacían la vida miserable. De manera algo herética, creo que "Todos en la
familia" contribuyó a la elección de Ronald Reagan. Ahora bien: ¿es posible
que "La era de la inocencia" contribuya en algo a reavivar los "valores
familiares" en este país? No descarte la idea hasta que la haya pensado un
poco.

A veces sucede que las películas muestran la verdad a pesar de sí

mismas. Scorsese ha creado un mundo, lo ha hecho lógico y
convincentemente real. Pero a veces un mundo así se vuelve tan real,
adquiere tanta vida propia que escapa a los intentos de sus creadores de
presionarlo hacia una interpretación preconcebida. Además, la realidad es
siempre la realidad de Dios y la lógica es la lógica de Dios; por eso, una
película como ésta, que transmite una buena cantidad de realidad y lógica,
reflejará también la verdad de Dios. En esta película, creo que, a pesar de los
mejores esfuerzos de sus autores humanistas, surge una sorprendente
variedad de valores bíblicos.

El apóstol
Esta película, con Robert Duvall como escritor y protagonista, trata sobre un
pastor evangelista. Captura gran parte del sabor auténtico del cristianismo
de “santidad” en el corazón del cinturón bíblico, Texas y Louisiana.

La película toca muchos "puntos calientes" para los espectadores cristianos

reformados. Claramente, el predicador de Duvall no es calvinista. Y estamos,
con razón, horrorizados por la visión ligera de la película sobre el pecado, la
revelación continua, los líderes eclesiásticos autodirigidos, las iglesias sin
disciplina eclesiástica, la predicación superficial, etc. Algunos incluso pueden
objetar la animada música gospel, pero pensé que era maravilloso.

Pero creo que deberíamos estar agradecidos por las pequeñas

bendiciones. Hollywood rara vez trata al cristianismo protestante con
respeto. Los predicadores del cinturón de la Biblia en las películas son casi
inevitablemente charlatanes e hipócritas. Solo ocasionalmente habrá una
imagen positiva de la fe cristiana, por lo que en ocasiones casi se pueden
contar las películas recientes de este tipo con una mano: Tender Mercies
(también protagonizada por Duvall), Chariots of Fire, The Trip to Bountiful,
Shadowlands (una especie de ).

Sonny, el predicador interpretado por Robert Duvall, a pesar de todos sus

otros pecados, no es un charlatán. Realmente cree en Dios. Hacia el principio,
se detiene en un accidente automovilístico y sale al campo para encontrar al
conductor lesionado (tal vez agonizante). Él despierta un poco al conductor
y le habla de Jesús. Este primer momento establece la principal motivación
de Sonny. Su testimonio del moribundo no le aporta ningún beneficio, fama
o placer terrenales. Realmente cree que el hombre necesita a Jesús.

Sin embargo, Sonny es un hombre pecador. Es un adúltero y, al principio de

la película, descubre que su esposa también es adúltera y lo engaña con el
pastor de jóvenes. Luego descubre que ella y el ministro de jóvenes han
movido algunos hilos legales para hacerse cargo de la iglesia y obligarlo,
Sonny, a salir. (No puedo imaginarme ninguna política eclesiástica que lo
permita, pero la película justifica nuestra suspensión de la incredulidad). Él la
confronta, luego confronta a Dios. Admite que está enojado con Dios, pero
también que lo ama. Pide orientación. Su primer instinto es ir al servicio de la
iglesia, ahora dirigido por la pareja adúltera, unirse al culto, abrazarlos y
seguir su camino, devolviendo bien por mal. Pero más tarde, cuando visita el
juego de las ligas menores de su hijo, el ministro de jóvenes entra en el
espacio de Sonny y Sonny primero lo abusa verbalmente. luego lo golpea con
un bate de béisbol. Finalmente, el ministro de jóvenes muere a causa de la
lesión.

En lugar de enfrentarse a la música, Sonny despega. Mientras viaja, habla con

Dios y se convence de que Dios quiere que se bautice (literalmente) como
un "apóstol". Su nueva identidad: “El Apóstol EF” La película nos seduce
sobre el significado de estas iniciales, pero si alguna vez se le dio el
significado, me lo perdí.

En una película típica de Hollywood, la trama se centraría en este punto en

la investigación policial y concluiría en una persecución en coche. Pero en
esta película, ¡la atención se centra en la plantación de iglesias! Sonny se
pone en contacto en un pueblo de Louisiana con un ministro negro jubilado,
y juntos arreglan un antiguo edificio de la iglesia y reúnen una
congregación. Los métodos y la dinámica de la misma son fascinantes y se
sienten completamente auténticos. Sonny predica por la radio, recoge
bolsas de la compra llenas de comida y las deposita como "sorpresa" en las
casas de familias pobres. Arregla un autobús y lo conduce para recoger gente
el domingo por la mañana.

Un personaje, interpretado por Billy Bob Thornton, se describe en la lista del

reparto solo como "alborotador". Aparece en el servicio y hace comentarios
y amenazas racistas. Sonny lo saca atrás y lo golpea. Pero cuando
Troublemaker regresa, para demoler el edificio de la iglesia durante un picnic
congregacional, Sonny pone su Biblia frente a la excavadora y desafía a
Troublemaker a pasar sobre ella. Bueno, este es el cinturón de la Biblia,
después de todo. El alborotador puede odiar a los negros, pero no puede
pasar por alto la Biblia. Finalmente, Sonny y Troublemaker están de rodillas,
orando para que reciba a Cristo como su salvador. Una escena
notable. Nunca he visto una conversión seria al cristianismo en una película
comercial de Hollywood. Y la escena se juega de forma clara, sin burlas.

El final de la película es casi un servicio religioso completo, con otra

conversión significativa. Un amigo de Sonny se ha enterado de sus
problemas legales. Oye a Sonny decir que podría ser engañado por la
ley; pero quiere que se vendan sus objetos de valor en beneficio de la
iglesia. Uno tiene la impresión de que la conversión se basa en parte,
humanamente hablando, en la percepción del amigo de la integridad
desinteresada de Sonny.
De modo que Sonny es una figura notable. Tiene muchos defectos, pero en
cierto sentido siempre es un hombre de Dios y, sí,
desinteresado. Preguntamos, por supuesto, ¿cómo podría Dios usar a
alguien así? Pero luego recordamos que el rey David también fue un adúltero
y, de hecho, un asesino; y Saulo de Tarso fue responsable de la muerte de
cristianos. Lutero era antisemita; Calvino condonó el asesinato de Servet. En
la vida real, hay lo peor en lo mejor de nosotros; esa es la enseñanza realista
de la Biblia sobre la condición del hombre.

Pero encontré más en la película que Sonny. Realmente parece que el

personaje principal aquí es Dios. Dios obra, mediante la necedad y el pecado
del hombre, para edificar su iglesia. Las tres conversiones en la película (el
conductor moribundo, el Alborotador, el amigo de Sonny) me parecieron
completamente creíbles, dado el contexto de la cultura del cinturón bíblico. Y
la película claramente ve la construcción de la iglesia como un gran beneficio
para la comunidad.

Teniendo en cuenta el historial de Hollywood con el cristianismo, es

asombroso encontrar una película como esta que sea tan positiva sobre el
evangelio. Las películas que mencioné anteriormente (enumeradas por un
lado) presentan de manera positiva los beneficios de la fe cristiana para las
personas. Esta película en realidad declara el evangelio claramente y lo
coloca en el contexto de una comunidad de iglesia real. Las películas
antiguas sobre iglesias (como las películas de Bing Crosby de la década de
1940, "Going My Way" y "The Bells of St. Mary's") tendían a presentar la vida
de la iglesia en su mejor momento como una especie de diversión secular
para todos, a pesar de que los malos lo intentaban. para que derriben el
edificio. Pero “El Apóstol” presenta a la iglesia como debe ser, como una
comunidad de creyentes centrada en el evangelio de Jesús. Ciertamente,
entonces, "El Apóstol" marca un gran paso adelante en la comprensión de
Hollywood del cristianismo.

El club de la Alegría y suerte

Las madres:

Suyuan ……. Kieu Chinh

Lindo …… .. Tsai Chin

Ying Ying…. Francia Nuyen

An Mei ……. Lisa Lu

Las hijas:

Junio ……… Ming-Na Wen

Waverly ...... Tamlyn Tomita

Lena ……… Lauren Tom

Rosa ……… Rosalind Chao

Hollywood Pictures presenta una película dirigida por Wayne

Wang. Producida por Wang, Amy Tan, Ronald Bass y Patrick Markey. Escrito
por Tan and Bass. Basado en la novela de Tan. Fotografiado por Amir
Mokri. Editado por Maysie Hoy. Música de Rachel Portman. Duración: 135
minutos. Clasificado: R (para una descripción sólida de material temático).

En esta película larga, la novela de Amy Tan se realiza con destreza. La

actuación, la dirección y la fotografía están bien, y tenemos una buena
introducción a la cultura china y chino-estadounidense, que se remonta a
unos sesenta años atrás. La historia trata sobre cuatro mujeres chinas que
finalmente emigran a Estados Unidos y sus hijas estadounidenses (los
hombres son demonios y figuras de dibujos animados). La película también
escudriña a las madres de las madres. Se trata principalmente de una serie
de viñetas, mediante las cuales entendemos algo de los antecedentes de
cada mujer, sus sacrificios, su vergüenza, sus relaciones con su hija, sus
esperanzas para el futuro.

Hay muchos clichés obligatorios de feminismo, brecha generacional y brecha

comunicativa, pero detrás de todo eso también hay algo más sustancial. La
historia reconoce e ilustra el principio bíblico de que los pecados de los
padres (y madres) recaen sobre las generaciones posteriores. Las madres que
se avergüenzan del abuso y la humillación tempranos buscan redimirse
manteniendo la esperanza para sus hijas: esperanza que las hijas ven como
expectativas imposiblemente altas. Eventualmente, las líneas de
comunicación rotas se reparan y las mujeres llegan a amarse a pesar de la
amargura pasada.

Pero como sugiere el título (basado en una reunión continua de las cuatro
mujeres inmigrantes para Mah Jong y terapia de grupo), gran parte de la
alegría que tiene lugar es solo suerte, atribuida a antepasados, presagios,
revelaciones accidentales. Asesinato, suicidio, lenguaje profano (a menudo
manifiestamente en desacuerdo con la dicción súper educada que suelen
emplear las mujeres) y el divorcio son algunas de las herramientas que estas
mujeres han utilizado para mantener el respeto por sí mismas. La película
trata las prácticas religiosas tradicionales chinas como una especie de
broma: en un par de ocasiones, las protagonistas femeninas utilizan
cínicamente las supersticiones de sus opresores para obtener victorias sobre
ellas. Esencialmente, las mujeres logran sus metas a través de su propia
inteligencia y por pura suerte.

Pero, ¿qué esperanza hay para estas mujeres de que el ciclo no continúe, de
que sus hijas y las hijas de sus hijas no pasen por la misma angustia? La
esperanza es, evidentemente, en la mente de los cineastas, el tema principal
de la película, ya que es el tema principal de algunos discursos cruciales. Pero,
¿qué base para la esperanza hay en un universo de azar? Aunque la película
no transmite ningún sentido de la realidad de un Dios personal, ciertamente
presenta la necesidad de algo más que suerte como base para la alegría.

La pesadilla antes de Navidad

Voz de personaje por

Jack Skellington ……. Chris Sarandon

……. Danny Elfman (música)

Sally ……………… Catherine O'Hara

Alcalde ……………… Glenn Shadix

Oogie Boogie ……… .. Ken Page

Bloquear ………………. Paul Reubens

Conmoción ……………… Catherine O'Hara

Barril …………… .. Danny Elfman

Científico malvado ……… William Hickey

Touchstone presenta una película animada dirigida por Henry

Selick. Producida por Tim Burton y Denise Di Novi. Escrito por Caroline
Thompson; basado en una historia y personajes de Tim Burton. Adaptación
de Michael McDowell. Fotografiado por Pete Kozachik. Editado por Stan
Webb. Música de Danny Elfman. Duración: 76 minutos. Clasificado: PG.

Nunca he sido un gran admirador de Tim Burton, el productor de esta película

y director de películas anteriores como "Edward Scissorhands", "BeetleJuice"
y "Batman" I y II, aunque su visión ha sido aclamada por muchos críticos.
. Ciertamente, es técnicamente capaz y creativo; siempre adopta un enfoque
inesperado de su material. Pero parece deleitarse con la rareza por sí misma,
y su universo parece la mayor parte del tiempo oscuro, repugnante,
descuidado, de mala calidad. Hay humor en sus películas, pero nunca lo
suficiente para redimir toda la tristeza.

Esta nueva película es un largometraje de animación stop-action sobre dos

reinos: Halloween Land y Christmas Land. El héroe es Jack Skellington (es un
esqueleto, ¿entiendes?), El Rey Calabaza, amado por los habitantes de
Halloween Land porque siempre produce los Halloweens más maravillosos y
aterradores. Halloween Land está poblado por brujas, esqueletos, vampiros,
un alcalde de dos caras (¡literalmente!), Monstruos de Frankenstein y otras
monstruosidades de todas las descripciones. Una especie de Familia Addams
ampliada. Se parece un poco a Gotham City de Burton de "Batman". En
Halloween, Jack envía a estas criaturas al mundo real para asustar a todos y
sacarlos de sus calcetines.

Sin embargo, Jack es un alma sensible de corazón y siente que debe haber
más en la vida que asustar a la gente. Estos sentimientos los expresa en
canciones escritas por Danny Elfman, quien también proporciona la voz de
cantante de Jack. Finalmente, Jack se adentra en el bosque y encuentra una
arboleda con varios símbolos navideños: un pavo para Acción de Gracias, un
huevo para Pascua, etc. Toca el que tiene un árbol de Navidad y finalmente
se encuentra en Christmas Land, que es todo colores brillantes, duendes
felices, juguetes y, por supuesto, el viejo Santa. Naturalmente, esta es una
versión de Hollywood de la Navidad; ni un indicio de Cristo ni de ningún
simbolismo religioso. Los valores aquí no son en absoluto teístas, sino los de
la Navidad secular: paz indiscriminada y buena voluntad.

Jack se siente inspirado a regresar a Halloween Land para movilizar a sus

amigos para organizar una celebración navideña. Eso será algo
diferente; pero estas personas han hecho un excelente trabajo produciendo
Halloween, ¿por qué no también la Navidad? Para facilitar el plan, Jack arregla
que Papá Noel sea secuestrado de Christmas Land, para que el equipo de
Halloween pueda reemplazarlo en la distribución de juguetes. (¡Los jóvenes
secuestradores primero secuestran al Conejo de Pascua por error!) Jack tiene
la intención de que sea un secuestro amistoso, una especie de vacaciones
para Santa; pero Santa cae en manos de un tipo realmente malo, Oogie
Boogie, que intenta torturarlo y matarlo.

La Navidad de Jack resulta ser un desastre, como ha profetizado su

admiradora de muñecas de trapo Sally (creada por el Frankenstein local). La
gente de Halloween, con muy buenas intenciones, fabrica juguetes para los
niños que creen que serán divertidos. Estos incluyen cabezas reducidas,
animales de juguete que atacan a los niños, etc. Todo el mundo está muerto
de miedo, tanto que la gente del mundo real dispara a Jack y a su trineo de
renos por los aires. Finalmente se recupera y regresa a Halloween Land en
desgracia. Sin embargo, rescata a Santa, quien tiene tiempo para darles a los
niños algunos juguetes reales antes del amanecer, y todos están felices.

En una película infantil más tradicional, la gente de Halloween se sentiría

movida por el espíritu navideño a abrazar los valores del amor y la buena
voluntad para todos. Este es más, bueno, "realista". Las criaturas de
Halloween deciden dejar que Santa se encargue de la Navidad y restringir sus
propias fiestas a Halloween, que, sin duda, seguirá siendo lo más macabro
posible. La lección para Jack es ceñirse a lo que mejor sabe hacer, gestionar
sus propias vacaciones y dejar la Navidad a Santa y los elfos.

La idea es fascinante, ridícula, indignante, divertida. Quizás eso sea

suficiente para justificar la realización de la película. Pero uno sospecha que
hay un punto más serio detrás de todo esto. Todo el trabajo de Burton parece
decir que en el análisis final, la oscuridad es mejor. Hay que apostar por lo
extraño, lo malo, lo perverso. Para todos los mejores esfuerzos de la gente
buena, las cosas más interesantes las hacen los malvados (por ejemplo,
BeetleJuice, el Joker). Incluso un buen tipo como Jack (o Batman, o Edward
Scissorhands) eventualmente debe capitular. Las personas que crecen en un
entorno sórdido no tienen otra opción, parece decir Burton, que promover
sus valores.

Quizás, de hecho, Europa habría sido prudente, sobre esta base, al conservar
su paganismo de Halloween en lugar de abrazar los valores de la nueva
religión que vino de Palestina. Por supuesto, si encontramos ese tipo de
punto en la película, debemos recordar que lo que presenta como Navidad
está muy lejos del evangelio real del cristianismo.

Por supuesto, la película presenta puntos legítimos sobre cómo los

leopardos no pueden cambiar sus manchas. Ciertamente es cierto que una
persona de Halloween no puede, por pura fuerza de voluntad, transformarse
en una persona de Navidad. Esto ilustra el cuadro bíblico de la antítesis entre
creyentes e incrédulos. El hombre caído a menudo se pone un barniz de
cristianismo sin experimentar una verdadera regeneración del corazón. Los
efectos de este tipo de cristianismo pueden ser realmente horribles de
contemplar, y el intento de los amigos de Jack de combinar Halloween y
Navidad es una buena parábola de ese horror. Por supuesto, no debemos
asumir que ese significado parabólico estaba en la mente de estos
cineastas; su ignorancia del significado real de la Navidad descarta tal
intención homilética. Pero ellos saben, como debemos,

Me divierte pensar que que la gente de Halloween produzca una celebración

navideña es un poco como un equipo de cine de Hollywood tratando de
producir una película sobre la Navidad. Los resultados en ambos casos no
son muy diferentes.

El cristianismo se opone fundamentalmente a las dos visiones del mundo y

de la vida presentadas en esta película. Un cristiano encontrará los valores
de Halloween y Christmas Lands igualmente desagradables: la paz y el amor
románticos, versus la anarquía moral. Si se oponen, como sugiere la película,
juntos se oponen aún más al cristianismo bíblico.

Burton prefiere la ideología de Halloween, el punto de vista de la anarquía

moral. Pero es lo suficientemente relativista como para decir, en efecto, que
la Navidad (como él la entiende) está bien para aquellos que así lo desean. Ni
su preferencia ni su relativismo son particularmente edificantes. Como
tantas películas de Hollywood, esta celebra y apoya las mismas ideas (y la
falta de las mismas) que son más ruinosas para nuestra sociedad. Pero
podemos estar agradecidos de que esta película aclare tanto a los creyentes
como a los no creyentes la necesidad de tomar una decisión. Y nos muestra
que es más difícil de lo que la mayoría de la gente imagina escapar de las
presuposiciones de nuestra cosmovisión una vez que hemos decidido vivir
bajo su autoridad. En otras palabras, a pesar de las intenciones de los
realizadores, la película tiene algo que decir sobre la necesidad de la gracia
divina.

El papel

Henry Hackett… .. Michael Keaton

Bernie White …… Robert Duvall

Alicia Clark …… Glenn Close

Martha Hackett…. Marisa Tomei

McDougal ………. Randy Quaid

Graham Keighley… Jason Robards

Marion Sandusky ... Jason Alexander

Paul Bladden …… Spalding Gray

Universal presenta una película dirigida por Ron Howard. Producida por Brian
Grazer y Frederick Zollo. Escrito por David Koepp y Stephen
Koepp. Fotografiado por John Seale. Editado por Daniel Hanley y Michael
Hill. Música de Randy Newman. Duración: 112 minutos. Clasificado: R (para
lenguaje fuerte).

“The Paper” no es tan rápido como sugirió la vista previa, ni tan rápido y
divertido como “The Front Page”, el clásico drama periodístico de la década
de 1930. Sin embargo, está bien interpretado, escrito y dirigido, y nos da una
buena idea de la agitada vida de los periódicos. Los críticos periodistas le han
dado altas calificaciones por su realismo. Acumula muy lógicamente los
problemas de editores y reporteros que tienen siete u ocho cosas que hacer
a la vez, y que tienen que hacerlas hace una hora.

Esa fecha límite se encuentra detrás de la cuestión moral central de la trama:

si un periódico tiene la intención de publicar una historia, pero tiene razones
para pensar que la historia es incorrecta, ¿están obligados a cambiarla,
incluso cuando ya pasó la fecha límite?

Dos hombres de negocios WASP visitantes son asesinados en un barrio

negro de Nueva York. Los epítetos raciales están pintados en el automóvil. La
policía arresta a dos jóvenes negros, creando temores de disturbios
raciales. El New York Sun , que ha sido descubierto por otros periódicos sobre
la historia, tiene motivos para sospechar que el arresto fue ilegítimo. Pero su
fecha límite de publicación va y viene, y todavía no tienen la confirmación
suficiente de su propia teoría, que es que los empresarios fueron asesinados
por sicarios de la mafia, que hicieron que pareciera un incidente racial.

Henry Hackett, editor asistente del periódico, interpretado por Michael

Keaton, está tratando de hacer lo correcto. Nunca ha publicado una historia
falsa a sabiendas. Pero el consejo editorial ha decidido inclinar el arresto de
los jóvenes con la leyenda "¡Te tengo!" bajo una imagen gigante de portada
de ellos, en la mejor tradición sensacionalista de los tabloides. Pero, ¿y si los
chicos no lo hicieran? “No hay problema”, dice Alicia Clark (Glenn Close), el
“contador de frijoles” a cargo de recortar costos y personal, quien ha salvado
la existencia del periódico a través de varias crisis financieras. “Los
manchamos hoy, los hacemos lucir bien mañana”. Pero eso no es suficiente
para Hackett. Quiere sacar la verdad esta noche.

Por supuesto, Hackett tiene otras cosas en mente. Su esposa Martha (Marisa
Tomei) está lista para dar a luz a un niño, él tiene la oportunidad de aceptar
un nuevo trabajo en el prestigioso New York Sentinel (leer Times), tiene un
compromiso para cenar con su esposa y sus padres esa noche
supuestamente para celebrar eso. nueva oportunidad. Martha, ex reportera,
anhela volver a la acción y teme que la maternidad sea el final de su
carrera. Uno de los columnistas del periódico, McDougal (Randy Quaid), está
durmiendo en la oficina de Henry con una pistola en el cinturón, porque
Marion Sandusky, un funcionario de la ciudad y sujeto de sus columnas
críticas, está “conspirando” contra él. Alicia busca más dinero para sí misma,
mientras se resiste por motivos económicos (y hasta cierto punto) a los
intentos de Henry de mantener la integridad del periódico. El editor Bernie
White (Robert Duvall) tiene agrandamiento de la próstata, dos ex esposas y
una hija que no quiere hablar con él. En otras palabras, aquí tenemos
suficiente trama para al menos cinco películas, y los cruces de las líneas de
la historia hacen un gran teatro. En el clímax, Henry lucha físicamente contra
Alicia para "detener las prensas"; Martha da a luz entre graves
complicaciones; Sandusky y McDougal luchan por un arma, que se dispara y
dispara a otro personaje.

No hay ninguna referencia a Dios en la película, pero eso es solo realista,

dado el estado actual de la profesión periodística. Sin embargo, como de
costumbre, aquí hay asuntos que exigen análisis y evaluación teológicos. El
principal de ellos es el dilema moral que plantea el relato del asesinato en el
periódico: ¿y si los niños son inocentes?

En el mundo de este trabajo, los puntos de vista sobre el incidente se

expresan en términos de posibles titulares. ¿Ejecutan “¡Te tengo!”, Lo que
significa que la policía logró aprehender a los verdaderos perpetradores? O
dirigen "¡No lo hicieron!" como espera hacer Hackett? ¿O relegan la historia
a la página dos y conducen con un "descarrilamiento menor" del
metro? Alicia quiere ejecutar "¡Te tengo!" esta noche y mañana para
revisarlo, si es necesario, a "¡No lo hicieron!" Henry está desesperado por
obtener suficiente confirmación para ejecutar "¡No lo hicieron!" esta noche .

La película aplaude las heroicas medidas de Henry al tratar de hacer la historia

bien la primera vez. Al final, incluso Alicia está de su lado. Supongo que yo
también aplaudí. Pero, ¿qué pasa si obtener la información requiere ocho
horas después de la fecha límite, en lugar de tres? Me inclino a pensar que
hay un punto, una fecha límite después de la fecha límite, en el que tienes
que ejecutar lo que tienes. Después de todo, Hackett no sabía que los
hombres eran inocentes hasta bastante entrada la noche. ¿Por qué no pudo
ejecutar lo que tenía y luego amplificarlo o corregirlo al día siguiente? Solo
puedes ejecutar lo que sabes que es verdad, ¿verdad?

La razón por la que, según la película, era urgente corregir la historia

de hoy era la naturaleza del titular acordado, a saber, "¡Te tengo!". Ese
titular presumía la culpabilidad de los jóvenes. Me sorprende un poco que se
considere siquiera un titular así, ya que los periodistas de hoy son
terriblemente escrupulosos al decir “presunto” esto y aquello, incluso en
casos de culpa evidente, para proteger la presunción legal de inocencia. No
simpatizo del todo con esa escrupulosidad: ¿por qué los periodistas no
pueden expresar sus opiniones sobre cuestiones de culpabilidad como lo
hacen sobre cualquier otra cuestión importante? Pero seguramente es
inconsistente mantener esos escrúpulos y luego formular un titular como
"¡Te tengo!"

La solución obvia, entonces, a ese dilema moral, habría sido eliminar ese
titular, para usar una expresión menos perjudicial sobre la detención. Luego
podrían haber publicado la historia original y luego haber sugerido la
inocencia de los niños, si fuera necesario, cuando se dispusiera de datos
adicionales.

¿Por qué nunca se consideró esa solución? Bueno, ciertamente habría sido
una película más aburrida. Pero dentro de la estructura de la película en sí, la
razón principal, evidentemente, es que el Sol es un cierto tipo de papel. Es
un tabloide sensacionalista. Y, por supuesto, el titular capturador, seguido
de un inevitable signo de exclamación, es la marca registrada del periódico,
un absoluto esencial. Un tratamiento neutral, no perjudicial (y por lo tanto
suave) de una historia es simplemente una imposibilidad.

Entonces, la verdadera cuestión moral aquí es si este tipo de periodismo

sensacionalista es en sí mismo una empresa legítima. Esa pregunta, por
supuesto, nunca surge en la película. Simplemente se asume que este
periódico es una institución maravillosa y que sus empleados se esfuerzan
heroicamente por comunicar la verdad al público. ¡Con qué facilidad nos
engañamos a nosotros mismos! Las convenciones bien aceptadas del
periodismo se encuentran entre los principales problemas que aquejan a la
sociedad contemporánea, y necesitamos dramas y documentales que
enfrenten ese hecho. En ese sentido, The Paper toma el camino más fácil. Es
un buen entretenimiento, pero como estudio del heroísmo carece de
credibilidad.

El piano

Ada …………. Cazador de acebo

Baines ………. Harvey Keitel

Stewart ……… Sam Neill

Flora ……… .. Anna Paquin

Tía Morag …… Kerry Walker

Nessie ………. Limón Genevieve

Hira ………… Tungia Baker

Miramax presenta una película escrita y dirigida por Jane Campion. Producida
por Jan Chapman. Fotografiado por Stuart Dryburgh. Editado por Veronika
Jenet. Música de Michael Nyman. Duración: 121 minutos. Clasificado: R
(para momentos de sexualidad extremadamente gráfica).

Incluso si esta película no gana el Premio de la Academia a la Mejor Película,

ya ha ganado suficientes honores para hacer un reclamo plausible de
"Película más honrada de 1993". Hablando como cristiano, este hecho es un
poco difícil de entender para mí. Aunque los valores de producción y las
actuaciones están bien en esta película, no son mejores que muchas otras
películas recientes. El escenario es un grupo bastante desagradable de casas
primitivas en un mar de barro en algún lugar de Nueva Zelanda. Nueva
Zelanda es un país muy hermoso, pero se ve poco de su belleza en esta
película, excepto, por supuesto, en una playa, que generalmente se presenta
como un presagio más que como algo glorioso. Si el escenario principal está
embarrado, la atmósfera moral es aún más turbia. En conjunto, este no es un
escenario al que tenga muchas ganas de volver. En cuanto a la trama,

La mujer Ada, interpretada por Holly Hunter, ha estado muda desde los seis
años. Por el vestuario, supongo que la acción tiene lugar en algún momento
de finales del siglo XIX. Ha tenido un hijo fuera del matrimonio y,
evidentemente, ahora no sirve para otra cosa que dejar Inglaterra y
convertirse en novia por correo de Stewart, un terrateniente pionero en
Nueva Zelanda. Llega allí con su hijo y sus pertenencias, especialmente el
piano del título. Al principio se deja en la playa, para gran angustia de ella,
porque no hay espaldas lo suficientemente fuertes para llevarlo a la casa de
Stewart. Entonces George Baines, un vecino de Stewart, que ve el gran amor
de Ada por el instrumento, le ofrece a Stewart un cambio por el piano. Baines
lo lleva a su casa e invita a Ada a que se acerque y le dé lecciones. Sin
embargo, está más interesado en Ada que en la música. Ella juega, escucha y
mira. Finalmente, George y Ada llegan a un trato. Puede recomprar el piano
permitiéndole a George ciertos favores sexuales: una tecla negra para una
falda levantada, cinco para darle a George una mirada a sus brazos
descubiertos, diez para que se acueste un rato desnuda en la cama con él.

Antes de que lleguen a la consecuencia lógica, George se da cuenta de que

está convirtiendo a Ada en una puta. Arrepentido, pero sinceramente
enamorado de ella, le entrega el piano y le dice que no regrese. Ella todavía
lo ama, sin embargo, y regresa para consumar su relación. Sin embargo,
Stewart se entera y, en su ira, balancea su hacha y le corta parte de uno de
sus dedos. Sin embargo, tras una reflexión más fría, invita a Ada y a la hija a
irse con George.

Naturalmente, el piano también debe acompañarlos, aunque los canoeros

nativos dicen que es demasiado pesado. “Es un ataúd”, dicen. Cuando están
a cierta distancia de la costa, Ada anuncia que ya no quiere el piano; deberían
tirarlo por la borda. Cuando lo hacen, descubren que ella le ha atado una
pierna. Ella cae con eso. Pero en algún lugar de las profundidades, decide que
quiere vivir después de todo. Se libera quitándose el zapato que está atado
al piano y vuelve a la superficie. Al final de la película, retoma su vida en un
barrio mucho más agradable, con su hija y George. Le hace una prótesis para
el dedo y ella vuelve a tocar el piano. Y aprende a hablar.

Estoy razonablemente segura de que los realizadores ven estos eventos

desde una perspectiva feminista. Aquí hay una mujer atrapada por el doble
rasero y la opresión sexual general de su edad, que sin embargo toma su vida
en sus propias manos. Es ella quien decide autónomamente a los seis años
de no hablar más. (La mayoría de las conversaciones provienen de gente
estúpida, le dice a su hija en lenguaje de señas. ¿O debemos asumir que Ada
fue abusada cuando era niña?) Es ella quien dio a luz a un hijo ilegítimo, ella
quien decidió ir a Nueva Zelanda, ella quien Decidida a recuperar su piano
por cualquier medio, ella que decidió a quién amaría (a pesar del arreglo del
pedido por correo), ella que decidió morir y luego vivir de nuevo.

Su interpretación del piano (que Holly Hunter hace por sí misma con
bastante habilidad) tiene una sensación de improvisación (supongo que en
realidad está escrita por Michael Nyman), aunque en un momento se
sumerge en un preludio de Chopin para evitar las atenciones no deseadas. La
mayor parte de su música suena más a la partitura de una película de los
noventa que a la obra de cualquier compositor del siglo XIX. Creo que este
hecho reitera el énfasis en la autonomía. La música también es de Ada. En la
música, ella, por lo demás muda, se expresa, en particular, sus
pasiones. (Cuando el piano se traslada de la casa de Baines a la de Stewart,
Ada se resiste a tocarlo, deduzco porque para ella en este punto cualquier
interpretación expresaría su sexualidad y no siente nada por Stewart). No hay
Dios en esta película; Ada es el Señor de todo.

La película también prefiere la autonomía en los demás personajes. Los

nativos maoríes, que realizan trabajos de baja categoría en la zona, son
bastante despectivos con los blancos; carecen de "buenos modales", nos
dicen las señoras mayores de la casa de Stewart. George Baines, aunque
blanco, por alguna razón tiene marcas maoríes en la cara. Evidentemente,
como los maoríes, no acepta todas las restricciones de la sociedad de
Stewart. Ada (y la película) lo elige sobre Stewart, trabajador, respetable y
estricto. La propia Ada, al negarse a hablar, rechaza la sociedad de buenos
modales y se comunica por medio de su propia elección.

Tengo poca simpatía por el mensaje de autonomía de la película y sus elogios

a los malos modales. Al mismo tiempo, esta película, como otras que
promueven la cosmovisión secularista moderna, registra involuntariamente
ciertas verdades de la revelación de Dios. ¿Dónde la ha llevado la autonomía
de Ada, después de todo? Debe soportar toda la indignidad de una madre
soltera, llevar a su hijo a una tierra extraña y primitiva totalmente inadecuada
para sus intereses musicales, convertirse en el juguete de dos hombres,
perder su dedo y sus ganas de vivir. Debo decir que el zapato suelto en el
océano me parece un deus ex machina (o tal vez deus ex cinema?). Quería
que ella viviera tanto como cualquiera de la audiencia, pero en este punto
me pareció que la película hacía un poco de trampa. Habiendo mostrado
verdaderamente la paga del pecado, produjo una resurrección poco
convincente.

¿O debería pensar en el zapato suelto como la gracia de Dios y en ella surgir

una novedad de vida espiritual? Me gustaría creer eso. Dudo que los
realizadores tuvieran esa idea en la cabeza pero, de nuevo, tal vez vieron algo
más profundo de lo que se puede explicar en términos de su propio
feminismo autónomo. Ciertamente, el piano, el medio de Ada para
comunicar la lujuria, resultó ser un ataúd para ella, y con toda razón terminó
en el fondo del mar. ¿Puedo ver su liberación de ese piano como una
liberación del pecado?
¿Y qué hay de sus nuevos esfuerzos por aprender a hablar al final de la
película? Eso me dice que ha trascendido su rabia, su odio y, hasta cierto
punto, su rebelión autónoma. En las Escrituras, parte de la redención es que
Dios “abre nuestros labios” ( Sal. 51:15 ) y los purifica ( Sof. 3: 9 ). Quizás los
cineastas quieren que creamos que Ada puede lograr esta redención sin el
Dios bíblico. Como auto-salvación, su descripción de este proceso no es muy
creíble. Sin embargo, entendida como un acto divino, su nueva vida tiene
más sentido. En cualquier caso, los realizadores ven con razón algo del
cambio que debe producirse para que Ada sea verdaderamente libre.

Hay escenas sexuales gráficas en esta película (innecesariamente gráficas,

en mi opinión) que pueden representar un peligro espiritual para algunos
cristianos. Aún más seductor, si creemos a la mayoría de los críticos, es el
mensaje de redención autónoma de la película. Pero si la película hubiera
reconocido a Cristo, habría presentado tanto una redención más creíble
como un mejor drama, un Deus real en lugar de un deus ex machina.

Lo que falta del dia

Stevens …………. Anthony Hopkins

Señorita Kenton ……… Emma Thompson

Lord Darlington ... James Fox

Sr. Lewis ……… .. Christopher Reeve

Padre de Stevens ... Peter Vaughan

Columbia Pictures presenta una película dirigida por James Ivory. Producida
por Mike Nichols, John Calley e Ismail Merchant. Escrito por Ruth Prawer
Jhabvala. Basado en una novela de Kazuo Ishiguro. Fotografiado por Tony
Pierce-Roberts. Editado por Andrew Marcus. Música de Richard
Robbins. Duración: 134 minutos. Clasificado: PG.

Teológicamente, esta película podría entenderse como una crítica al

servicio. Anthony Hopkins interpreta a Stevens, mayordomo de Lord
Darlington, cuyo objetivo final es hacer todo lo posible para prestar servicio
a su empleador. Todo lo demás en la vida se le escapa. Es 1936, y Stevens
ignora el hecho de que su empleador, Lord Darlington, es un simpatizante
alemán. Stevens piensa que no le corresponde mantener opiniones sobre
asuntos políticos o incluso oponerse a la opresión racial. Stevens está
demasiado ocupado sirviendo a su Señor como para atender a su padre
moribundo. Y evita rígidamente responder a las atenciones de la atractiva
ama de llaves, la señorita Kenton, interpretada por Emma Thompson. Años
más tarde, después de que ella ha hecho un matrimonio infeliz, él la visita
con la esperanza de renovar su relación profesional y (evidentemente)
también las antiguas posibilidades de romance.

La película parece decirnos que Stevens no debería haber estado tan

preocupado por el servicio a su empleador; también debería haberse servido
a sí mismo. Al final resultó que, perdió todo lo que valía la pena tener en la
vida.

La película también coloca a Stevens en el contexto de la Europa de los años

30, donde muchos alemanes, como él, sacrificaron sus mentes y corazones
por un régimen impresionante, pero en última instancia perverso. La película
parece querer decirnos que la mentalidad de esos alemanes, ciegos como
estaban ante las atrocidades de Hitler, no estaba ausente en otros países:
incluso una figura tan pintoresca y adorable como el mayordomo inglés
puede haber albergado una ignorancia e indiferencia culpables que dio ayuda
y consuelo al nazismo. Así, la película piensa que Stevens no solo se destruye
a sí mismo, sino que también es una amenaza para la sociedad.

Siento cierta simpatía por el punto de vista de la película. Hay un tipo de

servicio fanático que considera un vicio cualquier tipo de disfrute. Ese tipo
de servicio no es el servicio que se describe en las Escrituras, el servicio del
Dios que “nos da todas las cosas en abundancia para que las disfrutemos”
( I Tim. 6:17 ). Un servicio tan fanático es ciertamente destructivo, tanto
personal como socialmente.

Debo decir, sin embargo, que encontré el personaje de Stevens difícil de

creer, aunque la interpretación de Hopkins (como la de Thompson) es
maravillosamente matizada y efectiva. ¿Era este tipo de visión de túnel
realmente típico de los mayordomos ingleses en la década de 1930? No
tengo conocimiento de primera mano de la institución de la “gran casa
inglesa”, así que no puedo asegurarlo. ("Upstairs, Downstairs", la serie de
televisión de hace algunos años, presentaba una imagen mucho más
comprensiva de un mayordomo doméstico). Pero creo que si yo fuera
mayordomo me escandalizaría un poco, en este día en que se supone que las
películas son evitando los estereotipos. Francamente, todo el asunto me
parece una caricatura. Sin duda, por supuesto, había al menos un
mayordomo en la Inglaterra de los años 30 que estaba tan divorciado de la
realidad como Stevens. Pero la película parece considerarlo más que un caso
extraño individual:

Estos cineastas parecen estar diciéndonos con esta caricatura que el servicio
realmente dedicado es tonto y socialmente destructivo. Parece que piensan
que debemos ser más egocéntricos, más preocupados por nuestro propio
disfrute de la vida, más preocupados por la política y los problemas
sociales. En respuesta, me parece que (1) necesitamos algo más que una
caricatura para mantener ese argumento. (2) Lo que necesitamos en nuestra
propia sociedad (1993) es en
realidad un servicio más devoto, menos egoísta y menos activismo
político, por importantes que sean las dos últimas categorías en el lugar que
les corresponde. Es precisamente el ideal "centrado en mí" el que ha
destruido mucho de lo que es valioso en nuestro mundo.

Como Siervo del Señor ( Isa. 53 ), Jesús está muy lejos de Stevens, el
mayordomo. Defendió la justicia y la vida abundante. Disfrutó de la
comunión con su Padre, el Dios del cielo y la tierra, un Dios que está bastante
ausente en la presente película. Y no era un ético kantiano que opusiera el
deber al placer. Al contrario, prometió las más ricas recompensas a quienes
lo sigan. Pero no consideraba que el servicio estuviera por debajo de él, ni
siquiera el servicio a sus discípulos. Lavó los pies de sus discípulos (mientras
Stevens traía agua caliente para remojar los pies de un visitante francés), y
promete esperar en nuestra mesa en la fiesta de bodas escatológica ( Lucas
12:37 ). Él es el buen mayordomo, como es el buen pastor, que da su vida
por sus ovejas.

Y nos llama a servirle, un servicio que trae perfecta libertad. Somos esclavos,
pero también reyes y sacerdotes. Y amigos de Jesús. El cristianismo,
especialmente el cristianismo reformado, siempre ha enfatizado ese servicio
a Cristo y a otras personas: la familia, la iglesia, el estado, el empleador. De
ahí la prosperidad económica de las naciones más fermentadas por el
evangelio reformado. No hay nada de tonto en tal servicio, y sus
consecuencias sociales han sido universalmente beneficiosas, no
destructivas. El estereotipo de Stevens representa una versión secularizada
de esa ética cristiana de servicio, ya que la sociedad inglesa de la década de
1930 en general sobrevivió de los "restos" de un cristianismo rechazado. La
secularización de esa ética la hace parecer estúpida, como en esta película
(tan estúpida que compromete, para mí, el impacto dramático de la
película). Pero sería lamentable que tales estereotipos alejaran aún más a la
gente de la doctrina cristiana del servicio,

El banquete de bodas

Wai Tung …… Winston Chao

Wei Wei ……. May Chin

Simon ……… Mitchell Lichtenstein

Sr. Gao ……. Sihung Lung

Sra. Gao …… Ah-Leh Gua

Goldwyn presenta una película dirigida por Ang Lee. Producida por Lee, Ted
Hope y James Schamus. Escrito por Lee, Neil Peng y Schamus. Fotografiado
por Jong Lin. Editado por Tim Squyres. Música de Mader. Duración: 112
minutos. Sin clasificación MPAA.

Esta es una película “gay”, clasificada R, que incluye algunos besos de

hombre a hombre (sin sexo explícito) y una escena de coito heterosexual
oculto. Tendrá que decidir si puede ver este tipo de película a pesar de su
clima espiritual. Sin embargo, si desea comprender la cultura moderna a
través del cine (o cualquier otro medio), debe tener algún concepto de su
actitud predominante hacia la homosexualidad.

El personaje principal es un hombre gay chino-estadounidense, Wai, que vive

con Simon, su amante blanco, en Nueva York. Sus padres, que huyeron del
continente a Taiwán con el general Chiang, inundaron a Wang con
perspectivas de matrimonio, sin saber que era gay. El padre de Wang, que
ahora tiene mala salud, quiere un nieto más que cualquier otra cosa, y solo
un matrimonio adecuado para Wang puede lograrlo. Wang naturalmente se
resiste. Cuando su madre le envía una solicitud a un “club de solteros” para
una perspectiva de matrimonio, diligentemente llena el formulario, haciendo
demandas que considera imposibles de cumplir: por ejemplo, la perspectiva
debe tener dos doctorados. El club tiene una perspectiva: una cantante de
ópera profesional con, por desgracia, solo un doctorado. Wang se encuentra
con ella, pero la cena juntos se convierte en un desastre cuando conocen a
personas que conocen sus otras relaciones.

Pero está Wei Wei, una mujer artista que vive en un edificio propiedad de
Wai. Ella sabe que él es gay pero espera, de alguna manera, que él
corresponda con su afecto. Él es amable con ella y acepta su obra de arte
como pago del alquiler, aunque no lo entiende. Intenta, dentro de los límites
económicos, hacer que su situación de vida sea bastante tolerable. Pero ha
perdido su trabajo, no tiene tarjeta verde y teme que la envíen de regreso a
China continental.

Wai muerde la bala. Al casarse con Wei Wei, él puede solucionar su problema
de inmigración y sacar a sus padres de encima. Así que invita a sus padres a
Nueva York para la boda. La boda en sí es superficial, ante un juez de paz, y
los padres están bastante humillados por la falta de ceremonia. Sus espíritus
se levantan cuando un viejo amigo de la familia, ahora un exitoso
restaurador, se ofrece a organizar un elaborado banquete de bodas para la
supuesta pareja feliz.

El banquete es en verdad fastuoso y bullicioso. Se bebe mucho y se prolonga

hasta la noche. Para angustia de Wai, la pareja debe pasar la noche juntos en
el hotel, aunque Wai añora a Simon. Después de que Wai y Wei-Wei suben
a su habitación, sus amigos "invaden" la suite de luna de miel y se divierten
por un tiempo adicional. Prometen irse después de una actuación más: la
pareja debe meterse bajo las mantas juntos y quitarse la ropa prenda por
prenda hasta que los espectadores estén seguros de que ambos están
completamente desnudos. Eso está hecho y los invitados se van.

Wei Wei luego manosea a Wai (que está algo borracho, pero aún
consciente) debajo de las sábanas. Al sentir su respuesta física, ella comenta:
"Pensé que me habías dicho que las mujeres no podían excitarte". No tiene
respuesta. Lo que sucede a continuación se consideraría “violación
conyugal” si se invirtieran los sexos, pero la película lo presenta como una
tierna exploración y afecto. Y se concibe el nieto largamente esperado.
El resto de la película trata sobre la revelación a los padres de la
homosexualidad de Wai, la cuestión de si Wei Wei abortará al bebé y varios
altibajos entre Wang y Simon. Al final, Wei Wei acepta tener el bebé y
entregárselo a los amantes homosexuales que serán sus "dos papás". Luego,
Wai le proporcionará un apartamento gratuito. Los padres se resignan a la
situación y aceptan a Simon como segundo hijo.

La película asume la línea homosexual de que la orientación sexual se da al

nacer y es inevitable, sin ningún elemento de elección. Pero, curiosamente,
reconoce que Wai tuvo intimidad con varias chicas durante sus años de
escuela secundaria y que pudo concebir un hijo de Wei Wei. Seguramente
esas relaciones fueron "elegidas" en cierto sentido, y la posterior evitación
de Wai de tales relaciones también fue una opción. Wai no es físicamente
incapaz de relacionarse con mujeres; simplemente prefiere las relaciones con
su propio sexo. En este ámbito, la película admite una cierta verdad que no
concuerda con su ideología.

Lo mismo ocurre en otro frente. La relación de Wai con Simon está bastante
romantizada como una unión monógama y solidaria. Pero una vez que las
cosas se ponen difíciles, Simon se va y se divierte con otro compañero, y
luego indica que puede que tenga que dejar Wai si la situación no cambia. La
promiscuidad esencial y el carácter transitorio del amor gay interviene en la
ideología oficial. Por lo tanto, hay en esta película más verdad de la que
sugiere su línea de partido. El hecho es que las relaciones homosexuales rara
vez adoptan la forma de uniones "monógamas". La regla es la promiscuidad
y los arreglos de vivienda transitorios.

El final sugiere que todos vivirán felices para siempre. Pero, ¿qué pasa con
Wei Wei, que debe renunciar a su hijo y el amor de su corazón? ¿Qué pasa
con el niño que debe criarse en la cultura gay? ¿Qué pasa con los amantes
homosexuales, que bien pueden traicionarse unos a otros? Como suele
ocurrir, esta película revela algunas verdades inquietantes a pesar de las
aparentes intenciones de sus productores.

Blues encubierto

Supongo que habría sido fanático de los Yankees en los días de Babe
Ruth. Aunque simpatizo con los perdedores, prefiero ver ganadores, cuanto
más dominantes, mejor. Quizás eso esté relacionado con una de mis
fantasías de la infancia: llegar a ser mucho más competente que todos los
demás para poder pasar por la vida bromeando sobre todo. Creo que otros
también han tenido esa fantasía, ya que ha sido un elemento básico de las
películas, desde Superman hasta James Bond.

Undercover Blues retoma el tema de una manera muy divertida. Jeff y Jane
Blue son personas de la CIA / FBI (presumiblemente casadas, aunque no se
puede estar seguro en estos días) que se presentan en Nueva Orleans con
un bebé y con el ánimo de una pareja joven que tiene el mundo como su
ostra. Resulta que están persiguiendo a algunos villanos para disgusto de la
policía local, que en comparación parecen tontos. Ese es el punto de la
película: varias personas de ambos lados de la ley, sin duda muy
competentes, incluso asombrosas, entre sus compañeros, se convierten en
tropezones cuando se enfrentan a los Blues. La orgullosa chapuza de los
rivales de los Blues me recuerda al inspector Clouseau: en esta película hay
unos 20 Clouseaus. La payasada, los tropiezos, el maravilloso diálogo y la
fantasía de la omnicompetencia hacen de esta una película maravillosamente
entretenida.

Por supuesto, no hay lugar para Dios en esta película; todo es

completamente humanista. Pero uno puede sacar una lección teológica
entre ataques de risa. El hecho es que los Blues ilustran a Dios como el todo
competente. Los malvados pueden parecer invencibles en su tiempo, pero
cuando se enfrentan a Dios solo provocan la risa ( Salmo 2: 7 ).

Así que considere sus propias pruebas. Los malvados pueden perseguirte
hasta la tumba, pero con el tiempo el Señor les dará para qué. Di en tu
corazón: "Con el Señor como mi defensor, ¿qué puede hacerme el
hombre?" Y luego reír. Los cristianos a veces se toman demasiado en serio la
vida. No abogaría por la presunción de los Blues; pero Dios tendrá tanto de
qué reírnos en el último día, sería una lástima tomar todo en serio ahora. La
risa es el resultado de un sentido de verdadera proporción, y ese es un gran
regalo que nos da el Evangelio.

Esa risa es profundamente bíblica. En la historia cristiana, el Señor Jesús a

veces ha sido representado como un payaso, el tonto (a los ojos del mundo)
que enloquece la sabiduría del mundo. Satanás se metió en su propia red
cuando dispuso la crucifixión de Jesús. Y los elegidos de Dios se levantaron
con él, sorprendidos de gozo. Dios respondió amablemente a la risa de Sara,
porque sabía que aunque era una risa de incredulidad, había algo sumamente
apropiado en ella, que Sara no podría haber entendido. Ahora la risa de Sarah
resuena a través de los siglos. Que nuestra risa se una a la de ella y a la de
Dios.

Imperdonable

Clint Eastwood protagoniza "Unforgiven", la película más honrada de 1992.

¡Qué película! Bellamente escrito, actuado, dirigido. Una especie de
desacreditación realista de los estereotipos occidentales, que sin embargo
proporciona toda la emoción estándar que esperamos de los westerns: el
tiroteo, los dilemas morales, la batalla del bien y el mal.

El sheriff de Gene Hackman, el "pequeño Bill" Daggett, es un desacreditador

afable de los pistoleros y leyendas occidentales, una especie de humanista
secular. Me recuerda mucho a Bill Clinton. Racional, calculador,
completamente secular. Le encanta la civilización educada, pero no siente
nada por el espíritu mítico de Occidente. No siente la necesidad de
represalias, piensa que todos los males pueden ser atendidos con una
limosna y una sonrisa. Todo el mundo, piensa, debería perdonar y olvidar y
simplemente llevarse bien. No se preocupe por la justicia en ningún sentido
metafísico. Simplemente haga lo que le digan, y especialmente obedezca la
ordenanza de control de armas. Pero este experto en ética de situaciones
agradables resulta ser peor sádico que cualquiera de los pistoleros que
despacha. Complementa su programa de control de armas apagando a
golpes a cualquiera que sospeche que pueda tener la intención de causar
problemas.

Está construyendo una casa para sí mismo, y piensa que ha pacificado la

ciudad y traído la civilización a la zona. Este patrón evoca un tema bíblico: el
gran Rey –Dios en la creación, Moisés, David, Cristo– construye su casa
después de haber sometido a sus enemigos malvados. Pero Little Bill no es
una figura muy buena del Mesías, ni para dominar el mal ni para construir su
casa. Los visitantes siguen notando que hay todo tipo de goteras en el techo
y otras evidencias de incompetencia arquitectónica, pero Bill no acepta las
críticas. ¿Es este un comentario sutil, quizás, sobre las instituciones
burocráticas erigidas por nuestro gobierno humanista secular?
Eastwood, un buen tipo muy imperfecto en esta película, sin embargo atrae
vítores cuando presenta al pequeño Bill. El pistolero casi reformado de
Eastwood resulta ser un puritano de corazón.

La película tiene su parte de actitudes políticamente correctas. La

compañera de Eastwood es afroamericana, cuya esposa es nativa
americana. Van a arreglar la justicia para algunas prostitutas abusadas. Pero
hay una paradoja ahí. Al luchar por los derechos de las mujeres, la película
respalda la pena capital, que no es tan popular hoy en día entre los
políticamente correctos.

El caso es que “Unforgiven” evoca una época anterior, valores anteriores, y

lo hace de manera convincente. La esposa fallecida del personaje de
Eastwood lo había dejado sin alcohol y lo había alejado de la violencia,
convirtiéndolo en un criador de cerdos pacífico (y sucio). Ahora intenta
comunicar los valores de su esposa a sus dos pequeños hijos. Quiere el
dinero de la sangre por el bien de ellos, y no se atreve a disparar contra los
abusadores de prostitutas, por quienes el guión despierta cierta
simpatía. Pero cuando Daggett tortura y asesina al amigo de Eastwood y
muestra públicamente su cuerpo, Eastwood se convierte en el "famoso
pistolero" de antaño. Fortaleciéndose con una botella de whisky, entra en la
sede de Daggett y despacha a los malos con entusiasmo.

En general, sin embargo, la matanza en la película es torpe. Muestra

vívidamente, como dijo una vez Alfred Hitchcock, "lo difícil que es realmente
matar a un ser humano". Por lo tanto, hay una cierta desacreditación del
espíritu de la leyenda occidental en el cuerpo principal de la película; pero al
final se reivindica la leyenda. El personaje de Eastwood se convierte en héroe
(su logro sin duda será embellecido por la leyenda) y el humanista de
Hackman es relegado al cubo de la basura.

El cristianismo, por supuesto, es mucho más que un mito; pero también es

más que una verdad histórica casual. Las personas que tratan de desacreditar
el evangelio están, como Daggett, desacreditando algo más grande de lo que
son. Lo mismo debe decirse de las tradiciones sociales: pena capital, respeto
por la mujer, igualdad de justicia ante la ley, defensa heroica de los
impotentes, que el cristianismo ha defendido en la sociedad occidental. La
interacción de tales tradiciones con la incredulidad moderna (y sus frutos
sociales) es lo que hace que esta película sea teológicamente interesante.
 Claramente, concluye la película, debemos tener algo más que el humanismo
de Daggett si queremos construir una casa de civilización
duradera. Necesitamos más que un historicismo mezquino, un optimismo de
llevarnos bien y el control de armas. También necesitamos el coraje épico de
héroes inspirados, aunque imperfectos, que defienden la justicia y la
misericordia divinas.

Interacciones del lector

Trackbacks

1. EN CONSTRUCCIÓN: TEOLOGÍA EN EL CINE | LA SEDUCTORA

CORRIENTE SUBYACENTE DE LA TEORÍA DEL CINE dice:

7 DE MARZO DE 2013 A LAS 12:07 AM

[…] Ambientada en 1975, "es el último día de la escuela secundaria, y los

niños lo están viviendo antes de ir al mundo o al próximo año
escolar". - http://frame-poythress.org/ebooks/theology-at-the-
movies/#dazed […]

2. ¿CÓMO DEBERÍAN LOS CRISTIANOS CRITICAR EL

ENTRETENIMIENTO? | LA FAMILIA DEL SENTIDO COMÚN dice:

25 DE MARZO DE 2013 A LAS 1:53 PM

[…] Con y crítica de la cultura artística. El título es Theology at the Movies y

está disponible gratis aquí. Estas son algunas de las preguntas que Frame
nos hace […]

3. VIERNES DE LIBROS GRATIS: BIBLIA ESV, EL SANTO Y SU

SALVADOR Y MÁS - SABC (SEMINARIOS Y UNIVERSIDADES
BÍBLICAS) dice:

21 DE JUNIO DE 2013 A LAS 10:18 AM

[…] Teología en el cine, John Frame analiza cómo interactúan el cine, la

cultura y los cristianos. El capítulo de apertura se titula […]
4. # 003 - MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES SOBR E WHEDON | REEL
WORLD THEOLOGY dice:

17 DE JULIO DE 2013 A LAS 8:47 AM

[…] “Teología en el cine: mucho ruido y pocas nueces” […]

5. LIBROS ELECTRÓNICOS GRATUITOS DE JOHN FRAME Y VERN

POYTHRESS (PDF): RECURSOS Y LIBROS ELECTRÓNICOS DE
CROSS-POINTS .

24 DE SEPTIEMBRE DE 2015 A LAS 8:53 AM

[…] Teología en el cine […]

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