Monografía
Profesorado de Danzas Árabes
Alumna: Ayelen Paganesi
Profesora: Natalia Ferrante
Raks Estudio de Danzas
Año 2020
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En la presente monografía tendremos como objetivo la profundización en la
investigación de diferentes temáticas sobre la música y la danza árabe.
La música árabe
Origen, historia e influencias
Como bien sabemos, cada país posee su música tradicional que lo diferencia
de los demás países. Ritmos y composiciones que desde los orígenes se han
incorporado a todos los eventos de la vida cotidiana. Lo mismo ocurre con la música
árabe.
Para algunos historiadores, esta música se remonta a los orígenes de la poesía
árabe, ya que acostumbraban a recitar estas composiciones con un tono y ritmo
musical característico. Su origen se da en los países del Medio Oriente y parte de
África que tienen en común el idioma árabe. A lo largo de los años se ha ido
fusionando con la música regional de otros países o ciudades como Turquía, India,
Persia, Irak, Andalucía, entre otros.
La música árabe abarca diferentes periodos de la historia, distintos géneros e
instrumentos en cuanto a la música propiamente dicha; filosofías y religiones
relacionadas musicalmente, actividades y contextos sociales dentro del mundo
árabe, etc.
Teniendo en cuenta la historia cultural de los árabes desde los tiempos preislámicos
hasta la época islámica, que da inicio en el siglo VII y continua hasta el siglo XVII,
alcanzando su magnificencia en el siglo XIII, podemos diferenciar diversos puntos
de referencia. Durante la era preislámica, la música estuvo fuertemente conectada
y relacionada con la vida diaria, acompañando tanto el viaje como las celebraciones
o la lucha. También existieron poetas que eran cronistas de cada pueblo y que, a su
vez, eran expertos en problemas de vecindad, en genealogía, acontecimientos de
los antepasados, etc. Estos expresaban sus conocimientos en poesías y los
traspasaban a los miembros de su misma raza y pueblos vecinos. Esta forma
poética fue una gran fuente de información para la indagación de los orígenes del
pueblo árabe y su musicología.
La música árabe ha sufrido transformaciones a lo largo de los años debido a 5
procesos principales culturales, intelectuales y políticos:
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Contacto con las culturas asimiladas
Este proceso se dio durante los primeros siglos de islam, con la aparición de
los centros culturales cosmopolitas en Siria bajo los Omeyas (661-750) y en Iraq
bajo los Abasíes (750-909). La conquista de los países como Siria, Iraq, Persia,
Armenia, Egipto y Libia trajo como consecuencia el contacto con las tradiciones
musicales de aquellos países, y de allí resultó una nueva música árabe, que adoptó
novedosas técnicas de interpretación, aspectos de entonación y técnicas de
interpretación; sin dejar de conservar elementos típicos como lo son los cantos
poéticos de letras árabes.
La gran riqueza de las cortes reales y la familiarización con el esplendor terrenal de
los imperios conquistados produjeron que los gobernantes árabes contraigan
intereses artísticos e intelectuales. El apoyo entre poetas y músicos se convirtió en
algo muy común en un corto lapso. Sin embargo, algunos musulmanes aun tenían
empatía hacia la música y los músicos.
Al-Mahdi y Al-Amín fueron califas abasíes reconocidos por su interés hacia la
música. En tanto los Quynat (cantantes esclavas) de las primeras décadas como los
artistas de las cortes eran refinados y vulgares. Los nativos también llamados
“mukhannathin” no eran bien adoptados por la sociedad. Sus instrumentos
musicales estaban prohibidos y eran perseguidos periódicamente por las
autoridades religiosas.
En el periodo de la Dinastía Omeya, los palacios se encontraban repletos de
cantores hombres y mujeres que daban una calidad cada vez mayor a sus
interpretaciones e improvisaciones, que eran bien remuneradas. El músico más
importante de la época de los Omeyas y el más influyente fue Ibn Misjah. Se lo
recuerda en los escritos como un cantante, laudista y teórico de la música.
Contacto con el pasado clásico
Este segundo proceso de modificación se caracterizó por la conexión entre los
eruditos del mundo islámico y los antiguos tratados griegos, de los cuales
recibieron influencias del legado antiguo de Egipto y Mesopotamia. Dicha conexión
se dio durante el siglo IX bajo el reinado del príncipe musulmán abasí Al-Ma’mun, el
cual prevaleció desde el año 813 hasta el año 833; y fundó “la casa de la sabiduría”
(Bayt al-Hikmah), una institución académica encargada de traducir al árabe los
tratados de los clásicos griegos, como lo son las obras de Platón, Aristóteles, etc.
Gracias a esto, la lengua árabe se amplió y progresó con la enorme cantidad de
tratados que incluían extensas nomenclaturas musicales. Estos tratados escritos
entre los siglos IX y XIII inspiraron generaciones posteriores de estudiosos, como
por ejemplo Ibn al Munajjim, que, antes de su muerte en el año 912, dejó un
sistema establecido de ocho modos melódicos y cada uno de ellos, tiene su propia
escala diatónica. Otros de los contribuyentes fundamentales fue Abu Nasr al-Farabi,
quien estableció el “Gran Tratado de la Música” o “Kitab al-Musiqa al Kabir”, que
constaba en diferentes sistemas de afinación diatónica a la que se le añadieron
ciertos microtonos.
Contacto con el Occidente Medieval
Este tercer proceso consistió en el contacto entre el Cercano Oriente Islámico
y Europa en la época de la Cruzadas, entre los siglos XI y XIII, y durante la
ocupación islámica en España, durante los años 713 a 1492. Tanto las tradiciones
islámicas como las europeas fueron afectadas por este acercamiento y gracias a
esto se promovió la traducción de obras árabes.
Estudiosos como Julián Rivera, Henry George, etc.; argumentaron que existe gran
influencia en las diferentes áreas de la música como el ritmo, formas melódicas,
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nomenclaturas o derivaciones en los nombres de los instrumentos musicales y su
forma de escribirlos.
Turcos otomanos
El cuarto proceso fue el predominio de los turcos otomanos en Siria, Palestina,
Iraq, las costas de Arabia y gran parte del norte de África, que duro de 1517 hasta
1917). Durante estos siglos, la música árabe interactuó con la música turca, la cual
ya presentaba elementos musicales de Asia Central, Anatolia, Persia, Siria medieval
islámica e Iraq. A finales del siglo XIX fueron introducidos dos géneros
instrumentales utilizados en la música turca de corte y sufí religiosa: el “Samai” y el
“Bashraf”.
Contacto con el Occidente moderno
Este quinto proceso es el mas reciente y consistió en el contacto de la música
árabe con el occidente moderno luego de la conquista napoleónica de Egipto entre
los años 1798 y 1801, y la interrelación cultural y política que se dio en el siglo XIX.
A mediados de ese mismo siglo, Khedive Isma’il construyó la Opera de El Cairo, la
cual se convirtió en un símbolo histórico de la occidentalización del mundo
musulmán de Oriente Cercano. Este virrey promovió la fama y el estatus social de
los artistas egipcios, como la cantante Almaz y el cantante Abdu al-Hamuli.
En el siglo XX aumentó la presencia de la teoría, notación, instrumentos y actitudes
musicales de Occidente.
En el siglo XIX se desarrolló una manifestación artística que tuvo lugar en Egipto.
Se trata del teatro musical y consistía en combinaciones de actuación, canto y
danza.
Melodía y ritmo
La música árabe se crea a partir del uso de sistemas melódicos y rítmicos no
armónicos. Las melodías provienen de una amplia variedad de modos melódicos
llamados “maqam” o en su forma plural “maqamat” y que su significado en español
es estación. En terminología musical, se puede definir como una escala
determinada y una serie de notas importantes, frases melódicas habituales, un
desarrollo melódico y una modulación determinadas por la tradición. Tanto las
composiciones como las improvisaciones en la música tradicional árabe se basan en
el sistema del maqam. Los maqam pueden interpretarse de varias formas, ya sea
con un instrumento o con la voz.
A pesar de que esta es la base de diversas composiciones musicales, alguno de los
mejores ejemplos del maqam son las improvisaciones como el taksim, un solo
instrumental muy común en Egipto. La estructura rítmica de la música árabe
consiste en ciclos rítmicos que tienen hasta 48 pulsos y engloban varios tiempos
fuertes llamados dums, así como tiempos débiles que reciben el nombre de tacs; y
que también son acompañados de silencios.
Instrumentos
Los instrumentos tradicionales de la música árabe se pueden categorizar en 3 tipos.
A continuación, nombraremos algunos de más relevantes para la ejecución de la
música árabe:
De cuerda:
Laúd: se dice que es el rey de los instrumentos árabes y obviamente,
uno de los más utilizados. El origen de este instrumento se remonta a
las antiguas civilizaciones faraónicas y mesopotámicas. Su nombre
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quiere decir “palo flexible” y está construido en madera de arce o
nogal. Su caja es de forma ovalada, plana por delante y combada por
detrás; y su clavijero esta inclinado hacia atrás. Antiguamente estaba
conformado por 4 cuerdas dobles, pero Zyriab (laudista iraquí) le
agrega una quinta simple. El laúd mide aproximadamente 60 cm.
Kanun: Es el origen de la cítara medieval, muy similar a las arpas
egipcias y está en segundo lugar entre los instrumentos de la música
árabe tradicional. Es un instrumento en forma de trapecio que se
apoya sobre las rodillas para que el músico pueda tocarlo. Posee entre
72 y 90 cuerdas montadas en un puente de cuero y que se tocan con
dedales o uña de metal.
Rabab/e: Es un instrumento típico de la zona del Nilo Alto, en el sur de Egipto y
también típico en la música folclórica Saidi. Posee dos cuerdas y al igual que el
kanun, se apoya sobre las rodillas y se ejecuta con ayuda de un arco. Tiene un
mango largo de madera, rematado con dos clavijas laterales. La caja de
resonancia es pequeña, y está fabricada sobre un armazón de coco, cubierto con
un parche de piel animal.
De viento:
Nay: Es un instrumento de viento utilizado en la música de Oriente
Medio, desde Marruecos hasta Pakistán, y es el precursor de la flauta
moderna. Consta de una pieza de caña hueca con 6 agujeros delante
y uno detrás para el pulgar.
El sonido induce a la calma y tranquilidad; y es utilizado
frecuentemente en las improvisaciones. De los instrumentos árabes,
se dice que el Nay es insustituible.
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Mizmar: El mizmar es un instrumento de doble lengüeta y se
considera un antepasado del oboe. Al igual que el rabab, es también
típico de la música folclórica Saidi, en el sur de Egipto.
Tradicionalmente, se ejecutan tres mizmares juntos, acompañados
del rabab y por supuesto también de percusión. Está hecho en
madera y posee 6 orificios.
De percusión:
Derbake/Darbuka: Es el principal instrumento de percusión y se
encarga de crear el ritmo. Este último es la base sobre la que el resto
de los instrumentos crean luego la melodía. Es un tambor en forma
de copa y con solo parche que puede ser de cuero de cabra o
pescado. Actualmente su cuerpo es de metal y el parche de piel o
plástico.
Daff/Riq: Es un pandero o pandereta de origen árabe y medio oriente. Es
redonda y de aproximadamente 25 cm, formada por un bastidor de
madera cubierto por un parche de cuero de cabra o parche de
plástico y sonajas en su lateral. En la antigüedad era un instrumento
exclusivo de las mujeres y solamente ejecutado en bailes,
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ceremonias religiosas; y en cantos y danzas folclóricos.
Mazzar: Es un pandero de origen árabe similar al daff pero de un
mayor tamaño. Tiene un diámetro de aproximadamente 30 cm y un
grosor de 12 cm. Tiene un parche de cuero de cabra sobre un marco
de madera. Contiene 8 o 10 pares de sonajas de aproximadamente 9
cm de diámetro distribuidos uniformemente en su lateral. Es
ejecutado en todos los países del medio oriente pero principalmente
en Egipto, Siria y Líbano. Es el encargado de marcar el ritmo base para
acompañar al derbake.
Los clásicos orientales
Los clásicos orientales son composiciones musicales creadas entre finales del
siglo XIX y mediados del siglo XX. Son canciones pensadas para que sean
interpretadas por una orquesta árabe. Las antiguas orquestas árabes estaban
compuestas por numerosos instrumentos propios de la época, que ya hemos
mencionado anteriormente. Décadas después fue introducida la guitarra eléctrica y
mas tarde el teclado.
Los clásicos orientales son reconocidos por presentar ciertos elementos,
matices y formas musicales que los vuelven únicos y espectaculares. Por esta
razón, la bailarina debe tener bien en claro cómo es que debe interpretar estas
piezas y también, identificarlas correctamente. Es fundamental que la bailarina
interprete estos clásicos respetando la danza árabe inicial y no abusar de la
destreza fisca que pueda poseer. Esta interpretación debe transmitirse y, de alguna
manera, llegar al público.
Cantantes, compositores y composiciones clásicas orientales
Oum Kalthoum (1904-1975): Cantante, compositora y actriz egipcia,
conocida como Kawkab al-Sharq o “Estrella del Oriente”. Más de tres
décadas después de su muerte, sigue siendo reconocida como una de
las cantantes más famosas e ilustres del mundo árabe del siglo XX.
Abdel Halim Hafez (1929-1977): Compositor considerado como uno de
los mayores artistas de Egipto y del mundo árabe, también era
conocido como al-Andaleeb el-Asmar o “el Ruiseñor Moreno”. Es uno
de los mayores iconos de la música árabe moderna, influyendo artistas
hasta hoy.
Mohammad Abdel Wahab (1907-1991): Fue el compositor de muchas
de las piezas que interpretó Oum Kalthoum, así como laudista en su
banda.
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Farid Al-Trash (1910- 1974): Fue laudista, cantante, compositor y
actor. Su estilo fue denominado “farido”, debido a que era totalmente
nuevo y único. Son famosos sus taqsims (improvisaciones
instrumentales) y sus mawal (improvisaciones cantadas), que llegaban
a durar 15 minutos.
Algunas de los clásicos orientales más importantes son:
Inta Omri
Alf Lela U Lela
Entel Hob
Lissa Faker
Ana Fi Entizarak
Amal Hayati
Baid Annak
La danza del velo
El velo es un elemento muy utilizado en la danza árabe. Aunque no se
tengan datos muy precisos sobre su origen, se dice que nació en Alejandría a partir
del siglo XIX. Muchos pintores, poetas y oportunistas del pasado, así como del
presente, lo utilizaron en sus fantasías y de esa manera también lo plasmaron en
sus obras. Hubo muchas fotografías tomadas a bailarinas danzando con velos y
pañuelos. Sin embargo, en muchas de estas fotografías las mujeres están en pose
y a veces semidesnudas, por lo que resulta difícil adivinar si una danza con velo
realmente existía o se trataba de unas simples fotografías.
La danza del velo tal como la conocemos en la actualidad surge en 1940 con
la bailarina rusa Ivanova, quien adoptó esta práctica de las danzas caucasianas de
Azerbaiyán ubicado en Europa y Asia. Ivanova enseño a la prestigiosa bailarina
Samia Gamal y otras famosas como utilizar este elemento en el escenario. Samia
Gamal hizo popular esta danza en los teatros egipcios y en los Estados Unidos para
la película "Alí Babá y los cuarenta Ladrones" que fue exportada a otros países. Y
así es como las bailarinas de danza Oriental introdujeron el trabajo con velo en su
repertorio.
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El velo tiene un lugar privilegiado en la reciente evolución de la danza
oriental. Pero definimos este baile contemporáneo como la técnica de manipular y
crear figuras. Por este motivo, todo baile realizado con velo recibe el nombre de
fantasía oriental. La gente en el Medio Oriente no entiende esta danza. Lo primero
que piensan es en una especie de Striptease, especialmente cuando la bailarina
lleva el velo puesto y luego se lo saca para maniobrar con él, ya que recordemos
que allí las mujeres ocupan un velo en sus rostros que simboliza religiosidad y
modestia. En el Medio Oriente, las bailarinas ocupan el velo solo para hacer su
entrada, juegan un poco con él y rápidamente lo descartan para bailar con su
herramienta más importante: sus propios cuerpos. En Egipto casi no vemos
bailarinas que siquiera entren con velo, es mucho más visto en Turquía y el Líbano.
En cuanto a la puesta escénica, las bailarinas pueden ejecutar este elemento
de diversas maneras. Pueden envolver su velo alrededor de su cuerpo dejando un
poco al descubierto, para entrar así al escenario y luego realizar figuras atractivas
con él, por ejemplo. Es un elemento que puede ejecutarse con movimientos suaves
y delicados; y así mismo con fuerza y dinamismo, para un efecto más enérgico.
Esto movimientos pueden interpretarse según la pieza musical escogida.
Existen diferentes variantes de la danza del velo. Una de ellas puede ser la
danza de los 7 velos, que resulta ser la que más despierta curiosidad en la gente,
pues como su nombre lo indica, se utilizan hasta 7 velos para danzar y de acuerdo
con la cantidad de velos que se ejecuten en una presentación, le corresponde un
significado.
Fan Veils
Los abanicos o también llamados Fan Veils fueron una de las incorporaciones
más recientes de la danza oriental. Se trata de un abanico tradicional que lleva
adherido un trozo largo de seda o tela similar. No son un elemento tradicional, si no
que procede de las danzas asiáticas y del flamenco, cuyo elemento es utilizado
desde mucho antes, inspirando así a las bailarinas atraídas por los estilos fantasía y
fusión. Estas realizan coreografías de danza oriental fusionadas con pasos de otros
estilos, incorporando este elemento como complemento en sus presentaciones.
Los Fan Veils causan un efecto óptico impactante y espectacular cuando son
utilizados y aprovechados de manera correcta. Pueden ser de colores varios o
diferentes tonalidades de un mismo color. Se pueden utilizar tanto abiertos como
cerrados creando así diferentes figuras, posturas y movimientos fluidos. Al ser este
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elemento el protagonista de la presentación se deja un poco de lado la técnica
corporal que se suele utilizar en una coreografía sin elemento.
Gypsy Romani/ Roman Havasi
El Gypsy Dance, también llamada Gypsy Romaní, Roman Havasi, Danza
Romaní, Ghawazee o Danza Zíngara, es el baile popular y social propio de los
gitanos de todo el mundo donde se destacan los sentimientos del pueblo Rom
(gitanos). Se denominan Gitanos, Romaníes, Zíngaros, Rom, Sinti o Pueblo Gitano,
a una comunidad o etnia originaria del noroeste de la India en el siglo VI, con
rasgos culturales comunes, aunque con enormes diferencias entre sus subgrupos.
El estilo de la danza Romaní agrupa la cultura de varios países ya que, a lo largo de
la historia, ha sido un pueblo nómada que ha llevado sus costumbres y danza por
diversos países como Egipto, Grecia, Turquía, Rumanía, Rusia, Hungría y España.
Los gitanos nacidos en Rajastán (una zona muy desértica), comenzaron a migrar
gracias a las primeras invasiones islámicas ya que los monarcas, o también
llamados “Sah”, de Persia los tomaban como trabajadores o esclavos para la
construcción, y a las mujeres y bailarines como encargados de entretenimientos,
como ocurrió con la tribu de los Manganiyars. Las tribus Bopa (hoy músicos) y los
Kalbelia (bailarines), se mezclaron conformando lo que serán los Rom que llegaron
hasta Turquía, donde se dividieron en dos corrientes migratorias, una que se dirigía
hacia Europa en dirección a España y otra hacia el Magreb llegando hasta
Andalucía. Las danzas gitanas se fueron desarrollando en ese período durante todo
el proceso migratorio.
Si nos centramos en las características del Gypsy Dance, podemos decir que
es de carácter festivo y se trata de una improvisación, espontánea, creativa y
terrenal, que emite energía y alegría. Pretende transmitir una profunda
interiorización, conexión e interpretación de la música. La danza gitana es
dinámica, llena de pasión y sentimiento; refleja las tradiciones étnico-culturales, e
intentan representar escenas de la vida cotidiana, el estilo de vida y la libertad del
pueblo gitano. Se caracteriza por sus shimmies, giros, twists de caderas paralelos
al suelo, algunos pasos en el piso, inclinaciones de espalda y agregan
deslizamientos horizontales de cuello.
Los instrumentos que predominan en esta danza son el acordeón, el violín y el
trombón.
En cuanto a la vestimenta, las bailarinas de esta danza también llamadas
Gawhazee llevan amplias faldas con volados de múltiples colores, blusas de colores
vivos y llamativos y zapatos. Incluían panderetas y crótalos como elementos y sus
gestos tratan de hacer participar al público y ganar su aplauso. También forman
parte de su vestimenta diversos adornos de monedas y joyas cuyo significado era
“llevar su riqueza”. Y esto se debe a que, al no tener un hogar o lugar seguro para
atesorarla, buscaban formas creativas de vestirla y llevarla consigo.
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Tanoura
El Tanoura es la representación de la danza Sufi o danza de los derviches en
Egipto. Es una danza folklórica tradicional de origen turco, que se introdujo en
Egipto durante la ocupación del Imperio Otomano. Algunos historiadores también
dicen que fue introducido por los sirios en la época fatimita. Proviene de las
tradiciones sufíes, es decir, la rama mística del islam. Este baile no solo se practica
en Egipto, también es famoso en otros países como Turquía o Irán.
El baile consiste en girar y girar sobre su propio eje hasta entrar en una especie de
éxtasis; y esto está relacionado estrechamente con el movimiento giratorio de los
planetas y la conexión con Dios. Esta danza la lleva a cabo el derviche (bailarín).
Tradicionalmente la ceremonia o ritual recibe el nombre de Sema y comienza con la
recitación del Corán y luego un coro entona la “Faitha”, versos persas del gran
místico y poeta sufí Rumi.
Antes de empezar el baile, los derviches llevan una capa negra que tiene como
significado la muerte. Cuando se la quitan, justo antes de empezar, quedan
vestidos de blanco, que representa la pureza conseguida tras la muerte del ego.
Una vez que comienzan a girar, posicionan sus brazos de manera tal que el derecho
se eleva un poco hacia arriba percibiendo la ascendencia espiritual hacia la verdad y
el izquierdo lo dirigen hacia la tierra, transmitiendo esa verdad hacia la humanidad.
Luego levantan las manos al cielo para conectar con Dios.
Esta danza es acompañada por instrumentos tradicionales como flautas,
atabales, tambores, violines llamados kamanché, y laúdes de mástil largo como el
saz turco.
Ahora bien, el Tanoura es una adaptación egipcia del Sufi, por lo tanto, la
actuación tiene tres partes: empezando con la “tahmila musical”, en la cual los
intérpretes demuestran su habilidad con el rabab, el mizmar y el sagat, entre otros
instrumentos tradicionales.
Una vez se producen los solos musicales, llega el momento en que entran los
bailarines con sus pesadas faldas. En este caso, hubo un cambio en los vestuarios
ya que quisieron hacer de esta danza, una representación más alegre. Por esta
razón, los egipcios llevan puesto tres faldas coloridas: una doble y otra sencilla,
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representando con su danza el sistema solar y dando paso a un baile más moderno
donde todos son protagonistas de este espectáculo.
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Bibliografía:
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https://okdiario.com/curiosidades/que-danza-sufi-3201553
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