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 Un año más llega abril y la pasión por el cine
invade la Ciudad. Desde 1999 el Bafici convo-
ca a estudiantes y actores, jóvenes y grandes,
y a personas de todos lados a recorrer las sa-
las en los distintos barrios de Buenos Aires
para vivir una experiencia única que a lo largo
de los años se ha convertido en cita obligada
para todos los amantes del séptimo arte.
Este Festival fue creciendo con la suma del
talento y el amor por las películas de muchas
personas. Cinco directores artísticos que se
encargaron cada uno de impulsarlo, los equi-
pos de producción que dispusieron los esce-
narios para que la gente que llenara las salas
estuviera cómoda, y fundamentalmente, el
acompañamiento de todo el público que año
a año fue confirmando sus ganas de seguir vi-
viendo y aprendiendo junto a esta propuesta.
Este año, en su edición número 17, el Festival
ofrece una poderosa competencia a nivel in-
ternacional y nuevamente es la plataforma de
despegue para muchos cineastas argentinos
que pueden mostrar todo lo que son capaces
de hacer. Además, Baficito sigue creciendo, y
renueva sus títulos para sorprender a los más
chicos y a toda la familia. La trasnoche es te-
rreno de los films más oscuros, y los ciclos
dedicados al maestro italiano Mario Monicelli
o al español José Val del Omar ofrecen testi-
monio de una época de gloria en esta forma
de producir arte. Y también, la competencia
de Vanguardia y Género desafía los límites
del futuro y busca nuevas expresiones para
los más curiosos y apasionados.
Bafici regresa, como cada año, apostando a
renovar el romance con el público y con la
Ciudad. A sorprender, a revelar, a despertar la
creatividad de todos y a invitarnos a vivir in-
tensamente las nuevas producciones. Empie-
za una maratón de más de mil funciones. Mil
oportunidades para encontrarnos y disfrutar
del momento en que se apagan las luces y
empieza el espectáculo. No se lo pierdan.
Mauricio Macri
Jefe de Gobierno | Chief of Government
Ciudad Autónoma de Buenos Aires | Autonomous City of Buenos Aires
2 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Once again in April the passion for film in-
vades the City. Ever since 1999 Bafici invites
students and actors, the young and the adult,
and people from everywhere to attend the
theaters in the different neighborhoods of
Buenos Aires, in order to live a unique experi-
ence that over the years has become a man-
datory appointment for all the lovers of the
seventh art.
This Festival grew thanks to so many people’s
talent and their love for film. The five artistic
directors who worked to promote it, the pro-
duction teams who organized the stages so
the people filling the theaters would be com-
fortable, and the audience joining every year
and confirming their will to keep on living and
learning together with this venture.
In its 17th edition, this year the Festival offers
a powerful international competition and is
again the takeoff platform for many Argen-
tine filmmakers who are able to show what
they’re capable of. Also, Little Bafici keeps
growing, and renewing its titles to surprise
the little ones and the whole family. Midnight
is for darker films, while the focuses on Ital-
ian master Mario Monicelli or Spain’s José Val
del Omar bare witness to a time of glory in
the way of producing this art form. Also the
Avant-Garde and Genre competition chal-
lenges the boundaries of the future and looks
for new expressions for the most curious and
passionate audiences.
Bafici returns as it does every year, hoping to
renovate its love affair with the audience and
the City. To surprise, reveal, awake everyone’s
creativity, and invite us to experience new
film productions intensely. A new marathon
with more than a thousand screenings be-
gins. These are a thousand opportunities to
meet and enjoy the moment when the lights
turn out and the show starts. Don’t miss it.
Hay muchas definiciones posibles para la pa-
labra “grande”, pero la primera de sus acep-
ciones dice: “Que supera en tamaño, impor-
tancia, dotes, intensidad, etc., a lo común y
regular”. El Bafici es un festival de tamaño
grande: más de 400 títulos de este catálogo
así lo confirman. Este año, por tercera edición,
contará con la figura del “país invitado”, a su
vez un modo de honrar una cinematografía
que merece ser celebrada y ofrecer al públi-
co una posibilidad de recorte. Habrá quienes
sigan las competencias, habrá familias dedi-
cadas al Baficito, estarán como siempre los
fanáticos de los clásicos o de los documen-
tales musicales, y seguramente habrá público
que saque sus entradas pensando en evaluar
los motivos que llevaron a que, después de
Chile (2013) e Israel (2014), sea Francia este
año ese “país invitado”.
Francia es, año a año, uno de los países que
más films aportan al Bafici, y haber podido
en este 2015 concretar la muestra dedicada a
una de las actrices más grandes de nuestros
días, Isabelle Huppert (con films de Jean-Luc
Godard, Claude Chabrol, Maurice Pialat, Mar-
co Ferreri o Raúl Ruiz, entre otros), es un lujo.
Se suma al descubrimiento para el público ar-
gentino de una directora extraordinaria como
es Pascale Ferran, más los films franceses en
las diversas competencias y secciones y has-
ta la publicación de un libro de entrevistas
con nombres clave de ayer y hoy, justifican
largamente la elección.
“La libertad te permite volver a ti mismo, co-
municar con lo que ves”, dice nada menos que
Gérard Depardieu en la larga y sorprendente
entrevista que realizó para el citado libro. Con
Francia en el centro y con cientos de películas
dando la vuelta al mundo a su alrededor, abor-
dando temas y universos y géneros de todo
tipo, y con un conjunto de cine argentino de
los mejores de los últimos años, esa es la idea
de este [17] Bafici, la síntesis perfecta.
Hernán Lombardi
Ministro de Cultura | Minister of Culture
Ciudad Autónoma de Buenos Aires | Autonomous City of Buenos Aires
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
There are many possible definitions for the
word “big”, but the first one in the dictionary
reads: “larger in size, importance, qualities, in-
tensity, etc., than the common and regular”.
Bafici is a big festival: more than 400 films
in this catalogue confirm it. This year, for
the third time, it will have a “guest country”,
which is a way of honoring a film production
that deserves to be celebrated, while offering
a selection to the audience. Some people will
follow the competitions; families will attend
Baficito; there are always fans for the classics,
or the music documentaries; and surely there
will be a paying audience thinking about the
reasons why France is the “guest country”
this year, after Chile (2013) and Israel (2014)
Year after year, France is one of the countries
that provide more films to Bafici, and being
able to hold a focus on one of the greatest
actresses today, Isabelle Huppert (with films
by Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Mau-
rice Pialat, Marco Ferreri, or Raúl Ruiz, among
others), together with the discovery of the
extraordinary filmmaker Pascale Ferran, and
the French films on the different competi-
tions and sections –including the publication
of a book with interviews to key names of the
past and the present–are more than enough
for justifying that choice.
“Freedom allows you to return to yourself, and
communicate with what you see”, says none
other then Gérard Depardieu in the long and
amazing interview he gave for the book we
mentioned above. With France in the center,
hundreds of films circling the world around
it, all kinds of issues and genres, and a group
of Argentine films that stand as the finest in
recent years, that is the idea behind this 17 th
Bafici: the perfect synthesis.
3
 A río revuelto, ganancia de festival de cine. Es
así, no hay vuelta que darle. Los años de cine
más canónico, esas temporadas atestadas de
nombres ante los que se impone la reverencia
antes de que se apaguen las luces de la sala
(y no después), suelen terminar en un world
tour en el que el núcleo de muchos de los fes-
tivales del mundo es el mismo: el que confor-
man las películas que tienen que estar. ¿Por
qué tienen que estar? Nadie se lo pregunta
en voz alta, y el festival-loro repite los títulos
alegre y despreocupadamente.
Esta temporada 2014-2015 parece bastan-
te más difícil de atrapar, al menos desde el
canon: hay cinco, seis, diez películas obvias
(en el mejor y el peor sentido), pero es poca
cosa y hasta se pueden (¡y se deben!) discu-
tir esos títulos; la brújula parece estropeada y
eso, contra todo pronóstico, es lo mejor que
puede suceder. Y no solo es bueno en térmi-
nos estrictamente coyunturales: porque es
mucho más grato, siempre, trabajar al mar-
gen de lo obvio, agrupar películas del modo
menos pensado, establecer diálogos entre tí-
tulos que acaso en otras circunstancias no se
hubiesen cruzado. Es bueno también en tér-
minos de porvenir: quizás se trate de un mo-
mento de transición, una metamorfosis en la
creación que se acople a (o se pelee con) los
cambios en el modo en que vemos cine, en
que circula el cine, en que los festivales orga-
nizan su programación. Un cambio de nom-
bres, de estrategias, de maneras de registrar
el mundo y de hacer que se acerque al cine.
Marcelo Panozzo
Director Artístico [17] Bafici
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
4 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Hay muchas películas dando vueltas (pero
muchas de verdad), cantidad de lugares en
los que posar el estetoscopio, cuantiosas ins-
tancias para detectar la vitalidad de la pro-
ducción. Y el trabajo de un festival de cine,
el primordial, es poner eso en primer plano.
Discutir lo que no se estaba discutiendo, dar-
le su justo lugar a lo que se está agotando, no
hacer reverencias antes de que se apaguen
las luces de la sala. Avanzar sobre el mapa del
cine del mundo con la libertad de la teletrans-
portación y no con la pavorosa pesadez de
un tren suburbano. Un festival de cine no le
debe nada a nadie, salvo al mandato de llegar
a lugares maravillosos siempre que sea posi-
ble; estos pueden ser sitios muy transitados
o prácticamente desérticos, pero deben estar
lo más alejados posible de la devoción ciega
y la obcecación.
Hablábamos en estas mismas páginas, en
años anteriores, de las posibilidades de térmi-
nos como “festival” y “fiesta”: preferimos que
la “solemnidad con que se celebra la memoria
de un santo” quede para otro tipo de evento
(con todo respeto), y nosotros guardarnos la
posibilidad de la “diversión o regocijo”. Por-
que el cine es eso, y aun cuando nos ponga
frente a aquello cuya dureza bordea lo inso-
portable, el hallazgo de un modo de contar,
el alcance de una puesta en escena, siempre
nos dejará un resto de optimismo y felicidad.
In troubled waters, film festival’s gain. That’s
it, there’s no other way around it. The years
of the most canonical films, those seasons
packed with names everyone bows to before
the lights go out (and not afterwards), usu-
ally end with a world tour in which the core of
many festivals is the same: the films that have
to be there. Why do they have to be there?
No one wonders that out loud, and parrot-
festivals repeat titles cheerfully and careless.
This 2014-2015 season seems quite harder to
catch, at least canon-wise –there are five, six,
ten obvious films (in the best and worst sens-
es), but they are just a few, and they can (and
must!) be discussed. The compass seems to
be damaged and that, against all odds, is the
best thing that could happen. And it’s not only
good in strictly circumstantial terms –since
it’s always much more pleasant to work in the
margins of the obvious, grouping films in the
most unexpected way, establishing dialogues
between titles that, in other circumstances,
wouldn’t have crossed paths. It’s also good
in terms of the future: perhaps it’s a time of
change, a metamorphosis in creation that
is coupled with (or fights against) a change
in the way we see films, films circulate, and
festivals organize their programming. It’s a
change in names, strategies, ways of captur-
ing the world and bringing it closer to cinema.
There are lots of films going around (a lot,
really), many places where we can use our
stethoscopes, and numerous instances where
we can detect the vitality of production. And
Marcelo Panozzo
Artistic Director [17] Bafici
Autonomous City of Buenos Aires
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
a film festival’s job, its main task, is to put that
in the foreground. To discuss what wasn’t be-
ing discussed; bringing what is fading back
to the place it deserves, and not taking a
bow when the lights go out; to go through
the world of cinema with the freedom of tele-
portation instead of the dreadful weight of a
suburban train. A film festival owes nothing
to anyone, except the mandate of reaching
wonderful places whenever it’s possible –they
can either be crowded or practically desert-
ed, but they must be as far from blind devo-
tion and obstinacy as possible.
In previous years, and in these pages, we
talked about the possible uses of terms like
“festival” and “celebration”: we prefer to leave
the “solemnity used for celebrating the mem-
ory of a saint” for another kind of event (with
all due respect), and we’ll save the possibil-
ity of “fun or rejoice” for ourselves. Because
that’s what cinema is, and even when it faces
us with something that is almost unbearably
harsh, we will always have an aftertaste of op-
timism and happiness from the finding of a
particular storytelling or the range of a mise
en scène.
5
 Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Jefe de Gobierno
Mauricio Macri
Ministro de Cultura
Hernán Lombardi

Dirección Festivales Gerencia Operativa Interpretación Realización de Videos

de Buenos Aires de Producción en Presentaciones Gabriel Starna - Borde Chino
Vivi Cantoni Silvia Tissembaum Julio Fermepin Fotografía
Marina Lacarta Fernando Dvoskin
Dirección Artística Producción Maria João Machado Diseño de Premios
Bafici Coordinación Mercedes Monié Natalia Elichirigoty
Marcelo Panozzo Luciana Saffores Isabelle Siegrist Martin Laskman
Equipo Diseño de Espacio
Macarena Herrera Bravo Relaciones Lucas Ferrari
Producción General
José Andrukowicz Institucionales
Paula Niklison Edición de Catálogo
Martín Rea Juliana Strappa Rovetto
y Guía de
Producción Ejecutiva Programación
Gerencia Operativa Imagen y Comunicación
Ailén Bressan Agustín Masaedo
de Logística Coordinación
Equipo
Romina Marson Lourdes Lima
Programación Micaela Berguer
Coordinación Asesoramiento
Violeta Bava Montserrat Callao Escalada
Maria Ayelen Decuzzi Carolina Stegmayer
Sol Santoro D´Stefano
Fran Gayo Damián Garcia Administración,
Javier Diz
Leandro Listorti Equipo Logística y Producción
Traducción
Javier Porta Fouz Iara Dvoskin Nicole Goldszmidt Agustín Mango
Jose Antonio Martínez Contenidos y Web Juan Pablo Martinez
Programación Sebastián Monteoliva Pablo Bronstein
Baficito Claudio Rogatti Redes Sociales y Diario Sin Aliento
Juan Manuel Dominguez Jimena Takuhi Berberian Contenidos Audiovisuales Edición
Constanza Zarnitzer Juan Manuel Dominguez
Producción Artística Oficina de Invitados Diseño Gráfico Redacción
Coordinación Coordinación Agustina Periale Javier Diz
Paloma Dema Paz Canessa Luciana Roldán Agustín Masaedo
Equipo Diseño Editorial Corrección
Equipo
Luis García Martelli Verónica Roca Montserrat Callao Escalada
Martina Comerio
Denise Menache Cecilia Loidi Diseño Gráfico
Marcelo Vázquez
Atención al Invitado Diseño Web y Programación Verónica Roca
Julian Duffy Leiva Alejandro Duarte Cecilia Loidi
Cine Argentino
Gabriela Flores Equipo Web
Coordinación Producción Comercial
Camila Godoy Lucía Rial
Nicolás Carnavale Andrés Mozzi
Melisa Belén Vega Ilustraciones
Agostina Fontanille Federico Scagliotti
Atención en Hotel Sebastián Guerrini
Asistencia Juliana Strappa Rovetto
Manouk Van Kuyk Redes Sociales
Cayetano Vicentini
Florencia González Cascio Atención en Aeropuerto Gustavo Lamas
Equipo Agustina Cavagna Guerrero Redacción de Noticias Acreditaciones
Miranda Carrete Christian Krieghoff Guillermo Pintos Julia Marcovich
Tomás Kruse Lucia Osorio Traducción de Noticias Asistencia
Fausto Rigoni Malena Vara Dadone Cecilia Zabaleta Florencia Blanca

6 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 staff

Prensa Federico Orlan Producción Museo Equipo

Marcela Boeris Elisa Sanchez BAFICI Agustina Alvarez
Pablo Medina Daniela Silva Patricia Strappa Rovetto María Sol Aranda
Luciana Zylberberg Chequeo de fílmico Constanza Casares
Victoria Deluca Buenos Aires Lab (BAL) Magdalena Cernadas
Programación Dirección Cristal Colmenarez
Chequeo de DCP y
en Salas Violeta Bava Florencia D´ Antonio
Postproducción
Agustín Masaedo Ilse Hughan Karina Fernandez
Constanza Curia
Asistencia Producción Artística Mayra Ferreyra Basso
Dirección de piso
Mónica Pérez Santiago García Sanchez
Magdalena Arau Martina Giancaterino
Selección Work in Progress Magalí Henke
Geraldina Rauwolf
Área de Proyección (WIP) Emiliano L’iagle
Coordinación
Violeta Bava Anabella Lucorratolo
Coordinación General de técnicos de sala
Agustina Costa Varsi Gelen Marquez
Lucas Iaccarino Szvalb Emiliano Bazzani
Ilse Hughan Leomarys Ñañe
Carolina Rolandi Florencia Marconi
Alejo Moguillansky Victoria Oleaga
Coordinación de Técnicos de sala
Formatos Digitales Mercedes Crimi Andres Passoni
Área Profesional
Lautaro Panelo Pablo Fernandez Nesse Gisella Rios
Michelle Jacques Toriglia
Coordinación de Sonido Catalina Ferrari Renzo Rubio
Arian Frank Malena Gerez Federico Sichel
Informes
Producción Técnica Natasha Zamorano Pozzi
Micaela Gonzalez Masetto Coordinación
Julián Tagle Sol Miraglia María Fernanda Moreira
Premio del Público
Asistencia Albertina Molares Equipo
Xavier Mercado
Miranda Barrón Camila Navas Ailén Buzarquis
Subtitulado Julieta Neumarkt Cecilia Carrizo
Producción Técnica
Diego Martinez Martina Pellechia Milagros Chiara de Festivales
Asistencia Belen Poviña Marcela Cesarini Camacho Cagliero
Raúl Fernandez Técnicos de sala DCP Andrea Cosentino
Tránsito interno Valeria Biglieri Lautaro Nicolás Fernández Gerencia Operativa
Pablo Compagno Florencia Camillieri Camila Levy Gestión de
Asistencia Anabella Etchegaray Riké Maerten Operaciones

Conrado Negrin Georgina Giribaldi Lucia Maestroni Aída Barbara

Jessica James Lucía Martinez Equipo
Postproducción
Andrea Mesa Maritza Lilian Moreno Adriana Alonso
Natalia Bianchi
Quiroga Maximiliano Betti
Proyectoristas
Tránsito Estefanía Muñoz Cecilia Gómez Padilla
Carla Alemañy
Internacional Melisa Noguera Patricia Latorre
Julieta Alsina
de Copias Lucia Osorio Deborah Rapoport
Lucio Arana
Sol Santoro D’ Stefano Lara Persano Jorge Ribezuk
Ezequiel Azambuya
Asistencia Analia Piccoli Paola Romanín
Laura Castro
Lionel Braverman Dafna Szleifer Luca Rosa
Bruno Constancio
Giuliana Vistalli Carina Stanzione
Agustin Demichelli Subtitulado y
Brenda Greco Videoteca Salas Recepción
Dario Koraj Malena Laiño Coordinación Claudia Klappenbach
Wanda Lisi Natalia Colás
Rocio de la Mano Actividades Especiales Asistencia Sistemas
Agustina Marquez Vera Czemerinski Aixa Pannunzio Eduardo Desanze

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 7

 agradecimientos | thanks to

Adam Batty Christine Meyer Fernando Brom

Adrián Iaies Christoph Huber Fernando E. Juan Lima
Adriana Rosenberg Chuck Jones Center for Fernando Ganzo
Agostina Di Pino Creativity Fernando García
Agustín Schang CinemaChile Fernando Martín Peña
Agustina Costa Varsi Corentin Sénéchal Fernando Spiner
Agustina Llambi Campbell Craig Crausen Festival de Roma
Agustina Odella D. W. Mault Florencia Grieco
Alain Maudet Daniel Alaniz Floriano Buono-Palamaro
Aldo Montagno Daniel Chabannes Gonzalo de Pedro Amatria
Alejandro Díaz Castaño Daniela Persi Gonzalo Sáenz de Buruaga
Alejo Moguillansky David Ehrlich Griselda Soriano
Alex Escaleira David Obarrio Guido Segal
Alfredo Allende David Schwartz Guy Maddin
Alice Rohrwacher Dhani Ferron Hanna Bruhin
Amadeo Gandolfo Diego Batlle Helene Kelmachter
Andrea Corno Diego Brodersen Hernán Ferreirós
Andrea Ezquera Diego Lerer Hernán Panessi
Andrés Levinson Diego Maté Hugo Santiago
Andrés Nazarala R. Dolores Scotta IMCINE
Ángel Sala Dorothy Woodend Inge Stache
Annamaria Lodato Dovrat Zilberstein International Film Festival
Antonio Santamarina Edgardo Cozarinsky Rotterdam
Ariana Bouzón Eduardo Machuca Irene Bignardi
Arte France Cinéma Eduardo Stupía J. Hoberman
Bernardo Erlich Eduardo Valente Jaime Pena
Bita Rasoulian Edward Lawrenson James Quandt
Bob Stanley Ekeanor Mannikka Javier Malosetti
Carlo Chatrian Elena Duque Jean-François Guegano
Carlos Losilla Eloísa Solaas Jean-Michel Casa
Carlos Zumbo Emilio Xarrier Jean-Pierre Rehm
Carole Joly Epicentre Jérôme Paillard
Carolina Baitman Eugeni Bonet Joan Pons
Cecilia Chiappano Facundo Oreja Johannes Klein
Christian Tison Federico Ransenberg John Campos

8 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

John DeFore María Marta Antín Piluca Baquero
John Hopewell Maria Mazza Quim Casas
Jorge Lukowski María Valdez Quintín
José Bellas Mariana Marx Raúl Manrupe
José Luis Cienfuegos Mariano Kairuz Rémi Burah
Juan Duarte Cuadrado Mariano Llinás Renato Venturelli
Juan Francisco Gacitúa Marina Ponce Robert Trujillo
Juan José Becerra Marina Yuszczuk Rodrigo Araoz
Juan Pablo Álvarez Mario Santos Roger Koza
Judy Bloch Marisa Murgier Rosana Berlingeri
Julie Bergeron Martin Pawley Rota Vita Pelegrin
Kayla Thornton Martina Arboleya Rüdiger Suchsland
Kenneth Turan Martina Pagnotta Santiago Mitre
Kevin B. Lee Mathilde Caillol Savina Neirotti
Kiko Amat Matías Albornoz Scott Foundas
Lala Toutonian Matías Mosterín Sebastián Aloi
Laura Bruno Mauricio Godoy Sebastián Carreras
Leonardo M. D’Espósito Mauro García Alena Sergio Fant
Leticia Cristi Micaela Garuzzo Sergio Vera
Lucas Garófalo Michael Atkinson Silvina Baum
Luciana Calcagno Nadia Dresti Sofía Madero
Luciano Mariconda Natacha Jensen Stephanie Zacharek
Lucie Haguenauer Nicolás Carrasco Steven Cohen
Maia Debowicz Olaf Möller Theo Lafleur
Malú Mansilla Oliver Lyttelton Thom Powers
Manohla Dargis Pablo Conde Tom Huddleston
Manuel Antín Pablo Marín Universidad de Cine
Marcela Gamberini Pablo Strozza Uwe Mohr
Marcelo Alderete Pablo Trapero Valeria Zamparolo
Marcelo Céspedes Paolo Bertolin Venice International Film
Marcelo Fernández Bitar Pascale Ferran Festival
Marché du Film – Festival de Paul Kelly Vincent Canby
Cannes Paula Astorga Violeta Kovacsics
Marco Marica Paula Vaccaro Will Massa
Maria José Fontesilla Peter Bradshaw

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 9

 índice | index

13 FUNCIÓN DE APERTURA - El cielo del centauro |

Opening Night - The Sky of the Centaur

15 FUNCIÓN DE CLAUSURA - la calle de los pianistas

Closing Night - Pianists Street

17 COMPETENCIA | Competition
18 Jurados | Juries
27 Competencia Oficial Internacional |
International Official Competition

47 Competencia Oficial Argentina |

Argentine Official Competition

65 Competencia de Cortos Argentinos |

Argentine Short Films Competition

75 Muestra de Cortos Argentinos |

Argentine Shorts Films Exhibition

89 Competencia Vanguardia y Género |

Avant-Garde & Genre Competition

113 Selección Oficial - Fuera de Competencia |

Official Selection - Out of Competition

121 BAFICITO | Little Bafici

135 CINE PLANETARIO | Planetarium Cinema

139 PANORAMA
256 Cine Norcoreano | North Korean Cinema
260 Nuevo Documental Suizo | New Swiss Documentary

265 MÚSICA | Music

283 NOCTURNA | Late Night

295 CLÁSICOS RESTAURADOS | Restored Classics

10 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

311 RETROSPECTIVAS Y FOCOS | Retrospectives & Focus
313 Isabelle Huppert
329 Pascale Ferran
337 José Val del Omar
343 Britannia Lado B: Heavenly Films |
Britannia B-side: Heavenly Films

355 Britannia Lado B: Luke Fowler |

Britannia B-side: Luke Fowler

363 Historia Secreta del Cine de Weimar |

A Secret History of Weimar Cinema

371 Mario Monicelli - 100 Años de Cine |

Mario Monicelli - 100 Years of Cinema

379 Perú: Radiografía Fílmica de un País |

Peru: A Country’s Filmic X-ray

391 Talents BA - 10 Años | Talents BA - 10 Years

399 MUSEO BAFICI | Bafici Museum

407 BAL

455 ÍNDICES | Index

456 Índice por película | Index by Film

458 Índice por director | Index by Director
460 Índice por país | Index by Country

Abreviaturas | Abbreviations

D: Dirección | Director P: Producción | Producer

G: Guion | Scriptwriter
F: Fotografía | Cinematography
E: Edición | Editing
DA: Dirección de arte | Production Design
S: Sonido | Sound
M: Música | Music
PE: Producción ejecutiva | Executive Production
CP: Compañía productora | Production Company
I: Intérpretes | Cast
DCP: Paquete de Cine Digital
Digital Cinema Package
DM: Archivo Digital | Digital Media

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 11

 EL [17] BUENOS AIRES
FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
AGRADECE EL APOYO DE LAS SIGUIENTES INSTITUCIONES
 función de apertura | opening night
El cielo del Centauro
The Sky of the Centaur
En Buenos Aires solo filmé una vez: aquel primer largometraje, In-
vasión, que escribí con Jorge Luis Borges. 43 años más tarde, una
necesidad clara se me apareció de repente, la de precipitarme
ya mismo sobre mi ciudad y filmarla otra vez, apasionadamente.
Así fue que escribí, con Mariano Llinás, ¿una fábula?, ¿un cuen-
to sufi?; digamos más bien una trama en la pura tradición del
cuento fantástico argentino (lejos de toda “psicología”, gozando
solo de la simple magia narrativa, con un humor particular que,
aunque escondido, está siempre al acecho). Suerte de homenaje
a cierto tipo de relato que no se parece a ningún otro. Pero si
Invasión, más negra que un tizón del infierno, es una tragedia
espantosa así como todas mis películas posteriores, El cielo del
Centauro (imágenes cristalinas, sonidos diáfanos) es una especie
de celebración, un canto de amor a Buenos Aires, pequeña mú-
sica que, detrás de un juego que no es juego, deberá empaparse
de resonancias singulares en un territorio de lo extraño que nos
pertenece, pero cuya puerta, como la de un molino, está siempre
entreabierta. Hugo Santiago
Argentina / Francia - Argentina / France, 2015
93’ / DCP / Color / Español - Spanish, Francés - French
D: Hugo Santiago G: Hugo Santiago, Mariano Llinás F: Gustavo Biazzi
E: Alejo Moguillansky DA: Juan José Cambre S: Francis Wargnier
M: Edgardo Cantón P, PE: Agustina Llambi Campbell, Edgard Tenembaum
CP: La Unión de los Ríos, Tu Vas Voir
I: Malik Zidi, Romina Paula, Carlos Perciavalle, Roly Serrano
Contacto / Contact
La Unión de los Ríos. Agustina Llambi Campbell
T +54 11 4815 4677
E info@launiondelosrios.com W launiondelosrios.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
I only shot one film Buenos Aires: that first feature-length film, In-
vasion, which I wrote with Jorge Luis Borges. 43 years later, I sud-
denly felt a clear need to plunge immediately into my city and film
it again, with a passion. So, I wrote with Mariano Llinás… a fable?
a Sufi tale?, or let’s rather say a plot within the pure tradition of the
Argentine fantastic short story (far from any “psychology,” and en-
joying only the simple magic of storytelling, with a special humor
that, although hidden, is always lurking.) It’s a sort of tribute to a
certain kind of story unlike any other. But if Invasion, which was
darker than a charred log from hell, is a terrifying nightmare just
like all my later films, The Sky of the Centaur (with its crystal-clear
images and diaphanous sounds) is a kind of celebration, a song
of love for Buenos Aires. A little music that –behind a game that’s
no game at all– must soak with unique resonances in a territory
of strangeness that belongs to us, even if its door –just like in a
mill– is always ajar. HS
Hugo Santiago
Nacido en Buenos Aires en 1939, estudió filosofía y literatura en la UBA,
donde conoció a Jorge Luis Borges. En Francia, fue asistente y discípulo
de Robert Bresson. De vuelta en Argentina, dirigió los cortometrajes Los
contrabandistas (1967) y Los taitas (1968) y, en colaboración con Borges
y Bioy Casares, el largometraje de culto Invasión (1969). | Born in Buenos
Aires in 1939, he studied Philosophy and Literature at the UBA, where he
met Jorge Luis Borges. In France, he was Robert Bresson’s assistant and
disciple. Back in Argentina, he directed the short films Los contrabandistas
(1967) and Los taitas (1968), and, with Borges and Bioy Casares, the cult
feature-length film Invasión (1969).
13
 función de clausura | closing night
La calle de los pianistas
Pianists Street
Una nota en el diario Clarín informaba en mayo de 2003 que Lyl
Tiempo “une a tres generaciones de pianistas: es hija del célebre
Antonio De Raco, amiga de Martha Argerich y maestra de jóvenes
prodigios, entre ellos sus dos hijos”. En aquel momento, la nieta
de Lyl (hija de su hija, Karin Lechner) tenía tres años. Y aunque
quizás Natasha Binder ya tocaba el piano, hubiese sido temerario
adjudicarle la inauguración de la cuarta generación. Los Tiem-
po viven en una casona de Bruselas, pegada a una construcción
gemela, propiedad de Martha Argerich; Natasha tiene 15 años y
es una pianista asombrosa, y los sonidos del instrumento viajan
a toda hora, todos los días, de una casa a la otra. Eso es lo que
retrata esta película luminosa y llena de capas: la historia de dos
casas, de muchos pianos y de tres mujeres que han cumplido con
el mandato familiar de la mejor manera posible, maravillan sen-
tadas frente a las teclas, pero llevan adelante el pase del testigo
como una dulce maldición. Marcelo Panozzo
Argentina, 2015 / 85’ / DM / Color
Español - Spanish, Francés - French, Inglés - English
D: Mariano Nante G: Mariano Nante, Sandra de la Fuente
F: Juan Aguirre E: Alejo Santos S: Gaspar Scheuer, Diego Martínez
Rivero M: Natasha Binder, Karin Lechner, Alan Kwiek, Sergio Tiempo,
Martha Argerich P: Mariano Nante, Daniel Rosenfeld, Sandra
de la Fuente, Gaspar Scheuer, Luciana Corti PE: Daniel Rosenfeld
CP: Piedra Angular, Daniel Rosenfeld Films I: Natasha Binder,
Karin Lechner, Alan Kwiek, Sergio Tiempo, Martha Argerich
Contacto / Contact
Piedra Angular. Mariano Nante
T +54 11 4831 2231 +54 9 11 5410 6711 E marianonante@gmail.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In May 2003, an article in Clarín newspaper reported that Lyl
Tiempo “connects three generations of pianists: she’s the daugh-
ter of the famous Antonio De Raco, a friend of Martha Argerich,
and a teacher for young prodigies, including her two children.”
At that time, Lyl’s granddaughter (the child of her daughter Karin
Lechner) was only three years old, so even if perhaps Natasha
Binder was already playing the piano, it would have been fear-
some to attribute the inauguration of the fourth generation to her.
The Tiempo family lives in a big house in Brussels that is attached
to a twin building owned by Martha Argerich. Natasha is 15 years
old and an amazing pianist, and the sounds from her instrument
travel everyday at any hour, from one house to the other. This is
what this luminous and multi-layered film depicts: the story of two
houses, lots of pianos, and three women –who have followed the
family mandate in the best possible way– make wonders when
sitting in front of the keyboard, but continue with the baton hand-
off like a sweet curse. MP
Mariano Nante
Nacido en Buenos Aires en 1988, estudió dirección en la Universidad del
Cine y filosofía en la Universidad de Buenos Aires. Realizó, entre otros, los
cortometrajes La nieve y tantas cosas, Pringles y Exposición. La calle de
los pianistas es su primer largometraje. | Born in Buenos Aires in 1988, he
studied Filmmaking at Universidad del Cine and Philosophy at the University
of Buenos Aires. He made, among others, the short films La nieve y tantas
cosas, Pringles and Exposición. Pianists Street is his first full-length film.
15
competencia
competition
jurado competencia oficial internacional
Jorge Ayala Blanco
Nacido en la Ciudad de México en 1942, se de-
dica a la crítica de cine desde hace 52 años, “sin
fallar ni una semana”. En la actualidad publica en
la página web del diario El Financiero y en el pe-
riódico cultural La Digna Metáfora. Desde 1964 es
profesor de historia y análisis del cine en el CUEC-
UNAM, y ha publicado más de treinta libros sobre
cine mexicano e internacional, así como sobre la
exhibición cinematográfica en su país. Ha recibido,
entre otros galardones, la Medalla Salvador Tosca-
no al Mérito Cinematográfico y el Premio a la Tra-
yectoria en Investigación Histórica José C. Valadés.
Carlo Chatrian
Periodista, escritor y programador, nació en Turín,
Italia, en 1971 y se graduó en literatura y filosofía
en la universidad local. Desde comienzos de los
noventa, se ha desempeñado como crítico de cine
en las revistas Filmcritica, Duellanti y Cineforum,
además de Panoramiques, la cual dirige. Ha pu-
blicado ensayos sobre cineastas como Wong Kar-
wai, Frederick Wiseman y Errol Morris. En el 2002
comenzó a trabajar en el Festival de Locarno; entre
2006 y 2009 fue miembro del comité de progra-
mación, y desde el 2012 es su director artístico.
También dirige la fundación “Film Commission
Vallée d’Aoste”.
Fernando Martín Peña
Nació en Buenos Aires en 1968. Egresó en 1991
de la escuela de cine del Instituto Nacional de
Cinematografía, donde se especializó en investi-
gación y crítica. Docente y periodista, codirigió la
revista Film y, con Octavio Fabiano, fundó la Filmo-
teca Buenos Aires. Publicó los libros Gag: La come-
dia en el cine y Generaciones 60/90, entre otros.
Fue director artístico del Bafici entre noviembre de
2004 y diciembre de 2007, y desde 2002 es res-
ponsable del área de cine del Malba. Creó, junto a
Fabio Manes, el programa de TV Filmoteca - Temas
de cine y el festival de cine Bazofi.
18 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Born in Mexico City in 1942, he has been a film
critic for 52 years, “without missing one week
of work”. He currently writes for the website of
newspaper El Financiero and the cultural journal
La Digna Metáfora. He’s a Film History and Anal-
ysis professor since 1964 at the CUEC-UNAM,
and has published more than thirty books on
Mexican and foreign cinema, and the exhibi-
tion circuit in his country. He received several
awards, including the la Salvador Toscano Medal
of Cinematographic Merit and the José C. Vala-
dés Achievement in Film Research.
A journalist, writer and programmer, he was born in
Turin, Italy, in 1971 and majored in Literature and
Philocophy at the lcoal university. Since the early
Nineties he has been working as a film critic in the
magazines Filmcritica, Duellanti and Cineforum, as
well as Panoramiques, which he directs. He has
published essays on filmmakers such as Wong
Kar-wai, Frederick Wiseman and Errol Morris. In
2002 he started working in the Locarno Film Festi-
val; between 2006 and 2009 he was a member of
the programming board, and since 2012 he is the
festival’s artistic director. He also runs the founda-
tion “Film Commission Vallée d’Aoste”.
Born in Buenos Aires in 1968, he graduated in
1991 from the National Film Institute’s Film School,
where he specialized in research and criticism. A
teacher and journalist, he co-directed Film maga-
zine and founded the Filmoteca Buenos Aires cin-
ematheque together with Octavio Fabiano. He pub-
lished the books Gag: La comedia en el cine and
Generaciones 60/90, among others. He was the
artistic director of Bafici between November 2004
and December 2007, and since 2002 coordinates
the Film area of Malba museum. Together with
Fabio Manes, he created the TV show Filmoteca -
Temas de cine and the Bazofi film festival.
international official competition jury
Alice Rohrwacher
Nacida en Fiesole, Italia, en 1981, se graduó en li-
teratura y filosofía en la Universidad de Torino y tra-
bajó como música, docente y montajista. Su primer
largometraje, Corpo celeste (2011), se estrenó en
la Quincena de Realizadores de Cannes, fue no-
minado al David di Donatello y galardonado con el
Premio Ingmar Bergman al debut internacional en
Gotemburgo, el Nastri d’Argento de la crítica italiana
y el Ciak d’Oro a la mejor ópera prima. Su segunda
película, Le meraviglie (2014), también estrenada en
Cannes (donde fue premiada, al igual que en Munich
y Abu Dhabi), se exhibe en la sección Panorama.
David Schwartz
Se desempeña como curador en jefe del Museum
of the Moving Image de Nueva York, Estados Uni-
dos, donde ha trabajado desde 1995. Es el res-
ponsable del amplio abanico de proyecciones
organizadas por el Museo, incluido el First Look
Festival –que exhibe lo más innovador del pano-
rama cinematográfico internacional–, además de
miembro clave del equipo de planificación de las
muestras. Fue uno de los curadores de la exhibi-
ción “What’s Up Doc? The Animation Art of Chuck
Jones”, y también es profesor invitado de Estudios
Cinematográficos en el Purchase College de la Uni-
versidad Estatal de Nueva York.
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Born in Fiesole, Italy, in 1981, she majored in Litera-
ture and Philosophy at the University of Turin, and
worked as a musician, teacher, and editor. Her first
feature-length film Corpo celeste (2011) premiered
at the Director’s Fortnight in Cannes, got nominated
for a David di Donatello and won the Ingmar Berg-
man Award for best international debut in Gotem-
burg, the Nastri d’Argento of Italian film critics, and
the Ciak d’Oro for Bets Opera Prima. Her second
film, The Wonders (2014), also premiered in Cannes
(where it was awarded, as it was in Munich and Abu
Dhabi), is programmed in the Panorama section.
David Schwartz is Chief Curator at Museum of the
Moving Image in New York, USA, where he has
worked since 1985. He is responsible for the Mu-
seum’s wide-ranging film screenings, including the
First Look Festival –a showcase of groundbreaking
international cinema– and is a key member of the
exhibition planning team. He was the co-curator of
the exhibition “What’s Up Doc? The Animation Art
of Chuck Jones”. Schwartz is also a visiting profes-
sor in Cinema Studies at Purchase College in the
New York State University.
19
jurado competencia oficial argentina
Inés Bortagaray
Nacida en Salto, Uruguay, en 1975, es coguionista
de los largometrajes Una novia errante, Mi amiga
del parque (ambos de Ana Katz) y La vida útil, de
Federico Veiroj. Colaboró en los guiones de Mujer
conejo, de Verónica Chen, y Otra historia del mundo,
de Guillermo Casanova. Junto a Adrián Biniez escri-
bió la serie de TV El fin del mundo, cuya idea origi-
nal comparte con Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll.
Es autora de los libros Ahora tendré que matarte y
Prontos, listos, ya. Crónicas y relatos suyos integran
antologías y publicaciones de Uruguay, Argentina,
Colombia, Perú, Panamá y Estados Unidos.
Alejandro Díaz Castaño
Nació en Asturias, España, en 1979. Desde el
año 2000, ha colaborado en publicaciones como
Miradas de Cine, Lumière, Transit o La Furia
Umana, y con las revistas Caimán - Cuadernos
de Cine (antes Cahiers du Cinéma - España ) y
Rockdelux. Es miembro de FIPRESCI, y ha apor-
tado textos a los catálogos de los certámenes de
Gijón, Sitges y Buenos Aires. Inició su actividad
como programador en el FICXixón (durante los
años 2010 y 2011), y desde el 2012 dirige el
departamento de programación del Festival de
Cine Europeo de Sevilla.
Gonzalo Maza
Nacido en 1975, es productor y guionista. Estudió
periodismo en la Universidad Católica de Chile, y
trabajó durante una década en diversos medios
como periodista, crítico de cine y editor. Ha sido
productor ejecutivo y guionista de series de tele-
visión, sitcoms y documentales. En el 2009 coes-
cribió el largometraje Navidad, de Sebastián Lelio, y
un año más tarde ambos fundaron Muchas Gracias,
empresa que –en conjunto con Fábula, de Pablo y
Juan de Dios Larraín– ha producido las películas El
año del tigre y Gloria. Actualmente se desempeña
como programador del Festival de Cine de Valdivia.
20 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Born in Salto, Uruguay, in 1975, she’s a co-writer of
the films A Stray Girlfriend, My Friend fom The Park
(both directed by Ana Katz) and Federico Veiroj’s
A Useful Life. She collaborated in the scripts of
Verónica Chen’s Rabbit Woman, and Guillermo
Casanova’s Otra historia del mundo. Together with
Adrián Biniez, she wrote the TV show El fin del
mundo, whose original idea she shares with Juan
Pablo Rebella and Pablo Stoll. She’s the author of
Ahora tendré que matarte and Prontos, listos, ya.
Her chronicles and short stories have been pub-
lished in anthologies and publication in Uruguay,
Argentina, Colombia, Peru, Panama, and the US.
He was born in Asturias, Spain, in 1979. Since
2000, he has collaborated with publications such
as Miradas de Cine, Lumière, Transit or La Furia
Umana, and the magazines Caimán - Cuadernos
de Cine (formerly Cahiers du Cinéma - España)
and Rockdelux. He’s a member of FIPRESCI, and
has written texts for the catalogues of the Gi-
jón, Sitges and Buenos Aires film festivals. He
started his film programmer career in FICXixón
(during 2010 and 2011), and is the head of the
programing department of the Seville European
Film Festival since 2012.
Born in 1975, he’s a producer and scriptwriter. He
studied Journalism at the Cathoilic University of
Chile and worked for a decade in several media
as a journalist, film critic, and editor. He has been
an executive producer and writer for TV shows, sit-
coms, and documentaries. In 2009, he co-wrote
the Sebastian Lelio’s Christmas, and one year later
they both created Muchas Gracias a company that
–together with Pablo and Juan de Dios Larrain’s
Fábula– produced the films The Year of The Tiger
and Gloria. He currently works as a programmer for
the Valdivia Film Festival.
argentine official competition jury
Nathan Silver
Nacido en Estados Unidos, en 2005 se graduó
en escritura dramática de la Escuela de Artes
Tisch de la Universidad de Nueva York. En el
2009 escribió y dirigió su primer largometraje,
The Blind. Los dos siguientes, Exit Elena (2012)
y Soft in the Head (2013), se proyectaron en el
15º Bafici. Los dos últimos, Uncertain Terms
(2014) y Stinking Heaven (2015), se exhiben en
la sección Panorama de esta edición. Recien-
temente, la prestigiosa Filmmaker Magazine lo
nombró como “uno de los directores jóvenes
más interesantes del cine indie americano”.
Rüdiger Suchsland
Nacido en Alemania en 1968, vive en Berlín. Es-
tudió historia, filosofía y ciencias políticas. Trabaja
como periodista y crítico en medios gráficos, radio
e internet, y también es curador y profesor de teo-
ría cinematográfica y cultura popular. Forma parte
del equipo del Festival Internacional de Mannheim-
Heidelberg. El año pasado dirigió su primer largo-
metraje documental, From Caligari to Hitler, que se
estrenó en el Festival de Venecia y forma parte del
foco Historia Secreta del Cine de Weimar en esta
edición del Bafici. Actualmente trabaja en dos nue-
vos proyectos cinematográficos.
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Born in USA, he majored in Creative Writing in
2005 at the Tisch School of the Arts in the Univer-
sity of New York. In 2009 he wrote and directed
his first feature-length film The Blind. His two
following films Exit Elena (2012) and Soft in the
Head (2013), were screened in the 15 th Bafici.
Hos last two, Uncertain Terms (2014) and Stink-
ing Heaven (2015), are screened in this edition’s
Panorama section. Recently, the prestigious Film-
maker Magazine Filmmaker Magazine named him
“one of the most interesting emerging directors
in US indie film.”
Born in Germany in 1968, he lives in Berlin. He
studied History, Philosophy and Political Sci-
ences. He works as a journalist and film critic in
written media, radio and the Internet, and is also
a curator and professor of film theory and popu-
lar culture. He’s part of the Mannheim-Heidelberg
International Festival’s staff. Last year he directed
his first documentary film From Caligari to Hitler,
which premiered in the Venice Film Festival and is
programmed in the focus A Secret History of Wei-
mar Cinema in this edition of Bafici. He’s currently
working in two new film projects.
21
jurado cortos argentinos | argentine short films jury
Camila Gutiérrez
Nacida en 1985, estudió literatura en la Universi-
dad de Chile e hizo un magíster de Periodismo es-
crito en la Universidad Católica. Ha colaborado en
distintos medios de comunicación, como la revista
Sábado, Gatopardo y The Clinic, donde actualmen-
te se desempeña como columnista. Fue coguionis-
ta de Princesita (rodada este año) y Joven y aloca-
da, película de Marialy Rivas inspirada en su vida,
premiada como mejor largometraje de Vanguardia
y Género en el Bafici ‘13. Escribió el libro homó-
nimo, publicado por la editorial Penguin Random
House en 2013 y que ya va por su quinta edición.
Jazmín López
Cineasta y artista visual, nació en Buenos Aires
en 1984 y se graduó en la Universidad del Cine.
También hizo clínica de obra con Jorge Macchi y
Guillermo Kuitca en la Universidad Torcuato Di Tella.
Dirigió los cortos Parece la pierna de una muñeca
(Bafici ‘07), Juego vivo (Bafici ‘08) y Te amo y morite
(Bafici ‘09). Su primer largometraje, Leones, formó
parte de la Competencia Internacional en el Bafici
’13, además de exhibirse en el Festival de Venecia,
la Viennale y el MoMA neoyorquino, entre otros.
Acaba de terminar una residencia en el Instituto de
Arte Contemporáneo KW de Berlín, Alemania.
Jodie Mack
Nació en 1983 en Londres, Inglaterra, y estudió
cine, video y nuevos medios en el Instituto Escuela
de Arte de Chicago, Estados Unidos. Es animadora
experimental, profesora y curadora. Combinando
las técnicas formales y estructuras de la animación
abstracta/absoluta, sus películas hechas a mano
emplean el collage para explorar la relación entre
el cine gráfico y la narración. Sus films en 16mm
han sido exhibidos en festivales internacionales
como los de Rotterdam, Edimburgo y Nueva York;
trece de ellos se presentan, divididos en dos pro-
gramas, en la sección Panorama de este Bafici.
22 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Born in 1985, she studied Literature at the Univer-
sity of Chile and has an MA in Journalism Writing at
the Catholic University. She collaborated in several
media, such as the magazine Sábado, Gatopardo
and The Clinic, where she currently se works as a
columnist. She was a co-writer for Princesita (shot
this year) and Young and Wild, the film by Marialy
Rivas based on her life, and awarded as Best Film
in the Avant-Garde and Genre section of Bafici ‘13.
She wrote the book of the same title, published by
Penguin Random House in 2013, and already on
its fifth edition.
A filmmaker and visual artist, she was born in Bue-
nos Aires in 1984 and graduated from Universidad
del Cine. She also attended a work clinic with Jorge
Macchi and Guillermo Kuitca at Torcuato Di Tella
Univiersity. She directed the short films Parece la
pierna de una muñeca (Bafici ‘07), Juego vivo (Ba-
fici ‘08) and Te amo y morite (Bafici ‘09). Her first
film Lions was part of the International Competition
of Bafici ’13, and was screened in the Venice Film
Festival, the Viennale and the MoMA in New York,
among others. She just finished a residence at the
KW Institute of Contemporary Art in Berlin, Germany.
She was born in 1983 in London, England, and
studied film, video, and new media at the School
of the Art Institute of Chicago. Combining the for-
mal techniques and structures of abstract/absolute
animation with those of cinematic genres, her
handmade films use collage to explore the relation-
ship between graphic cinema and storytelling. Her
16mm films have been exhibited in international
festivals such as Rotterdam, Edinburgh, and New
York. Thirteen of them will be screened in the Pan-
orama section of this Bafici edition, divided into two
different programs.
jurado vanguardia y género | avant-garde & genre jury
Fernando Ganzo
Nacido en Santander, España, estudió periodismo
en Bilbao. Redactor jefe de la revista SoFilm (con
ediciones en francés y en español) y cofundador de
Lumière, colabora regularmente con otras publica-
ciones como Trafic o Comparative Cinema, además
de participar en programas televisivos y radiales.
Director del libro colectivo George Cukor: On/Off
Hollywood, ha escrito recientemente para Filmer,
dit-elle: Le cinéma de Marguerite Duras, y dirige
en este momento un libro sobre Sam Peckinpah.
También ha programado ciclos de cine y enseñado
en cursos universitarios.
Manuela Martelli
Nacida en Chile en 1983, se graduó en teatro y
artes en la Universidad Católica de Chile en 2007
y realizó una maestría en Cine en la Universidad de
Temple, Estados Unidos. Como actriz ha participa-
do en más de quince largometrajes, entre los que
destacan Machuca, Navidad, El futuro, Dos dispa-
ros y El árbol magnético. Dirigió el cortometraje Ap-
nea (2014), que se exhibe en la sección Panorama,
y es la coguionista de Mar, de Dominga Sotomayor,
que participa en la Competencia Argentina. Actual-
mente está escribiendo su primer largometraje,
1976, producido por Cinestación.
Santiago Mitre
Nació en Buenos Aires en 1980. Fue uno de los cua-
tro directores de El amor (primera parte), que parti-
cipó en la Competencia Argentina del Bafici ‘04. Se
desempeñó como guionista en Leonera y Carancho,
de Pablo Trapero, antes de realizar su primer largo-
metraje en solitario, El estudiante (Competencia In-
ternacional en el Bafici ‘11). También codirigió, con
Juan Onofri Barbato, el mediometraje Los posibles,
exhibido en el Bafici ‘13. Socio de la productora in-
dependiente La Unión de los Ríos, actualmente está
terminando la posproducción de su segundo largo
de ficción, La patota, que se estrenará este año.
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Born in Santander, Spain, he studied Journalism
in Bilbao. A chief-writer for the magazine SoFilm
(which is published in French and Spanish) and co-
founder of Lumière, he regularly writes for other
publications, such as Trafic and Comparative Cin-
ema, and participates in TV and radio shows. Coor-
dinator o the collective book George Cukor: On/Off
Hollywood, he recently wrote for Filmer, dit-elle: Le
cinéma de Marguerite Duras, and currently coordi-
nates a book on Sam Peckinpah. He has also pro-
grammed film series and taught college courses.
Born in Chile in 1983, she majored in Theater and
Arts from the Catholic University of Chile in 2007
and has an MA in Filmmaking from the University
of Temple, USA. As an actress, she has participated
in more than fifteen films, including Machuca,
Christman, The Future, Two Shots Fired and The
Magnetic Tree. She directed the short film Apnea
(2014), which is screened in the Panorama section,
and is a co-writer for Dominga Sotomayor’s Mar,
which participates in the Argentine Competition.
She’s currently working on her first feature-length
film 1976, produced by Cinestación.
He was born in Buenos Aires in 1980. He was one
of the four directors of El amor (primera parte),
which participated in the Argentine Competition of
Bafici ‘04. He was a scriptwriter for Pablo Trapero’s
Lion’s Den and Carancho, before directing his first
solo film The Student (International Competition in
Bafici ‘11). He also co-directed, with Juan Onofri
Barbato, the medium-length film Los posibles,
screened in Bafici ‘13. A partner in the independent
production company La Unión de los Ríos, he’s cur-
rently finishing post-production of his second fic-
tion film La patota, which will be released this year.
23
jurado derechos humanos | human rights competition jury
Ramón Lluís Bande
Nació en Gijón, España, en 1972. Entre las múlti-
ples actividades que ha desarrollado en los últimos
años, destacan sus facetas de periodista, narrador
y escritor de canciones. Como cineasta, su traba-
jo está centrado en los lenguajes de la no ficción,
con títulos como El fulgor (2002; Bafici ‘03), De
la fuente (2004), El Paisano, un retratu colectivu
(2005) o Equí y n’otru tiempu, que forma parte de
la competencia Vanguardia y Género en este Bafici.
En la última década desarrolló varias series docu-
mentales para la televisión pública asturiana. Tiene
más de una decena de libros publicados.
Carlos Roberto Rodrigues de Souza
Nacido en Brasil, se graduó en cine en la Escuela
de Comunicación y Arte de la Universidad de San
Pablo, donde también realizó una maestría en Artes
y un doctorado en Ciencias de la Comunicación,
este último con la tesis “La Cinemateca Brasileña y
la preservación de películas en Brasil”. Su tesis de
posdoctorado investiga el impacto de la llegada del
sonido al cine brasileño. Es profesor del posgrado
en Imagen y Sonido de la Universidad Federal de
São Carlos. Ha publicado libros y artículos sobre la
historia del cine, y también dirigió algunos corto-
metrajes documentales.
María Valdez
Docente e investigadora sobre historia, análisis y
teoría cinematográfica, fue jurado, organizadora
y expositora en congresos internacionales sobre
estudios interdisciplinarios de cine, literatura y es-
tudios culturales. Se desempeñó como programa-
dora del Bafici en sus ediciones 2000 y 2001. Ha
sido jurado en tesis, concursos docentes, festivales
cinematográficos y en el Fondo Nacional de las
Artes. Escribe sobre cine en el ámbito académico.
Actualmente dirige la licenciatura en Artes y Tecno-
logías de la Universidad Nacional de Quilmes.
24 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
He was born in Gijón, Spain, in 1972. Among the
many activities he has developed in recent years,
some of the most noted are his work as a journal-
ist, writer, and songwriter. His work as a filmmaker
is focused on non-fiction languages, with titles like
El fulgor (2002; Bafici ‘03), De la fuente (2004),
El Paisano, un retratu colectivu (2005) or Equí y
n’otru tiempu, which was selected for the Avant-
Garde and Genre competition in this Bafici. In the
last decade, he has developed several documen-
tary series for Asturian public television. He has
published over ten books.
Born in Brazil, he majored in Communication at the
School of Communication and Art of the University
of Sao Paulo, where he also got an MA in Arts and
a PhD in Communication Sciences with his thesis
“The Brazilian Cinematheque and Film Preserva-
tion in Brazil”. His post-doctorate thesis addresses
the impact of the arrival of sound in Brazilian cin-
ema. He’s a professor in the Image and Sound
post-graduate program of the Federal University of
São Carlos. He has published books and articles on
film history, and also directed several documentary
short films.
A professor and researcher of film history, theory,
and analysis, she was a juror, organizer, and key-
note speaker in international conferences on in-
terdisciplinary studies about film, literature, and
cultural studies. He worked as a Bafici programmer
in the 2000 and 2001 editions. He has been a jury
for thesis, faculty selections, film festivals, and the
National Art Fund. She writes about cinema in the
academic scene. She is currently the head of the
Arts and Technologies program of the National Uni-
versity of Quilmes.
JURADOS NO OFICIALES | Non Official Jury

ACCA FEISAL
(Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina | (Federación de Escuelas de Imagen y Sonido de Latinoamérica |
Argentine Film Reviewers Association ) Image and Sound Schools Federation of Ibero-America)
Guillermo Alamo - Luis Kramer - Claudio Minghetti Raúl Bertone - Marcelo González Magnasco - Vivián Imar

ADF
(Asociación Argentina de Autores de Fotografía Cinematográfica |
Argentine Association of Cinematographers )
Rogelio Chomnalez - Victoria Panero - Lucas Schiaffi
SAE + EDA
(Sociedad Argentina de Editores Audiovisuales | Argentine
Society of Audiovisual Editors + Asociación Argentina de Editores
Audiovisuales | Argentine Association of Audiovisual Editors )
Guillermo Gatti - Andrea Kleinman - Pablo Barbieri
FIPRESCI
(Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica |
International Federation of Film Critic )
Christian Eugenio Font (Uruguay)
Gerald Peary (Estados Unidos - US )
Paulo Pécora (Argentina)
SIGNIS
(Asociación Católica Mundial para la Comunicación |
World Catholic Association for Communication )
Andrés Habegger - Marcelo Italiano - Alejandra Portela

COMPETENCIA DDHH | Human Rights Competition

L’Abri Jade Miners

Suiza - Alemania | Switzerland - Germany Taiwán - Birmania | Taiwan - Myanmar

El botón de nácar The Look of Silence

Francia - Chile - España | France - Chile - Spain Dinamarca - Indonesia - Noruega - Finlandia -
Reino Unido | Denmark - Indonesia - Norway -
Caricaturistes - Fantassins de Finland - UK
la démocratie
Francia | France Over the Years
Austria
Cinema: A Public Affair
Alemania | Germany Profession: Documentarist
Irán | Iran
Esto es lo que hay
Francia | France El ruido de la memoria
Italia - Argentina | Italy - Argentina
Finding Phong
Vietnam Stories of Our Lives
Kenia | Kenya
Hotline
Israel - Francia | Israel - France Walsh entre todos
Argentina
Iraqi Odyssey
Suiza - Alemania - Emiratos Árabes Unidos |
Switzerland - Germany - United Arab Emirates

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 25

competencia oficial
internacional
international official
competition
 international official competition
Días extraños
Strange Days
Estos días extraños suceden, para esta joven pareja colom-
biana, en Buenos Aires y en blanco y negro. Es aquí donde
conviven, vagabundean, tienen sexo, discuten, se pelean, se
emborrachan, se divierten, van a fiestas, juegan a darse celos,
se enfiestan y se provocan. Sin perder la atracción del uno por
el otro, tratan de seguir adelante con su relación y de llegar a
fin de mes con su precaria economía. Llenos de vitalidad y de
impulsos destructivos, ambos recorren distintos rincones de la
ciudad: calles, puentes, subtes y parques son algunos de los
espacios por los que transitan a lo largo de esta ópera prima
cargada de corporalidad juvenil, nervio y osadía. Un tintorero
chino, a quien putean por no darles la ropa lavada sin el ticket
correspondiente, y una chica uruguaya, a quien empastillan y
meten en su cama para pasar la noche con ella, son los otros
dos extranjeros que conforman el elenco de personajes de
este sorprendente y extraordinario debut. Violeta Bava
Argentina / Colombia, 2015 / 70’ / DCP / B&N / Español - Spanish
D, G: J. S. Quebrada F: M. Reyes Serrano E: M. Caporossi,
J. S. Quebrada DA: C. Onorato S: L. Larriera, M. Canosa M: C. Quebrada
P: J. Villegas, R. Moreno, J. S. Quebrada PE: J. Villegas, R. Moreno,
J. S. Quebrada, M. Figueras Pacheco CP: Montañero Cine, MoVi Cine
I: J. Lugo Quebrada, L. Acosta, M. Nin Ott, C. Weixiang
Contacto / Contact
Montañero Cine. Juan Sebastián Quebrada
T +54 9 11 6204 5354
E sebastianquebrada@hotmail.com - montanerocine@gmail.com
W montanerocine.com
28 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The strange days are the ones a young Colombian couple experi-
ences in a black and white Buenos Aires. This is where they live
together, wander around, have sex, argue, fight, get drunk, have
fun, go to parties, make each other jealous, have sex with other
people, and provoke each other. Without ever losing the attraction
they feel for each other, they try to carry on with their relation-
ship and make ends meet with their precarious finances. Filled
with vitality and destructive impulses, they move through different
corners of the city: streets, bridges, subways, and parks are just
some of the places they pass through in this opera prima charged
with a youthful corporality, nerve, and audacity. A Chinese dry-
cleaner whom they insult because he doesn´t return their clothes
without a ticket and a Uruguayan girl they drug with pills to get
her into bed are the other two foreigners that form the cast of
characters in this surprising and extraordinary debut. VB
Juan Sebastián Quebrada
Nació en 1987 en Medellín, Colombia. Estudió dirección en la Universidad
del Cine de Buenos Aires. Realizó un intercambio en FAMU, Praga, y luego
un posgrado en edición en ESCAC, Barcelona. Editó cortometrajes tales
como Ella la noche, programado en esta edición del Festival, y en 2010
dirigió el corto Hogar. Días extraños es su primer largometraje. | He was
born in 1987 in Medellín, Colombia. He studied Filmmaking at Universidad
del Cine in Buenos Aires. He participated in an exchange in FAMU, Prague,
and later did a Post-graduate on Editing in Barcelona’s ESCAC. He edited
several short films, including Ella la noche, programmed in this edition of
the Festival, and directed the short Hogar in 2010. Strange Days is his first
feature-length film.
 competencia oficial internacional
El incendio
The Fire
Una pareja joven está por mudarse del departamento que alquila
al que tiene planificado comprar en esa jornada que comienza.
Todo está empaquetado: el ambiente es inhóspito. Ya no hay un
hogar en ese lugar, y el nuevo todavía no está disponible. Hay
que comprar un departamento, hay que mover una gran suma
de billetes en efectivo –una práctica del absurdo económico de
la Argentina que hemos naturalizado, como tantas otras aberra-
ciones–. Algo no se organiza del todo bien. Nervios, problemas,
tensión: los golpes físicos, las heridas emocionales, objetos que
se destruyen, todo está en riesgo, todo puede colapsar. En unas
horas, lo que parecía el inicio de un futuro compartido se vuelve
una pesadilla en la que el adentro y el afuera interactúan de forma
lacerante. La primera ficción en solitario de Juan Schnitman es
un sorprendente thriller sobre el amor y el odio de extraordinaria
tensión y confección precisa, que desde su mirada micro devuelve
lógicas sociales en un estado terminal tal que ni siquiera se reco-
nocen de esa forma. Javier Porta Fouz
Argentina, 2015 / 95’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: Juan Schnitman G: Agustina Liendo F: Soledad Rodríguez
E: Andrés P. Estrada DA: Julieta Dolinsky S: Santiago Fumagalli, Federico
Esquerro P: Bárbara Francisco, Fernando Brom, Diego Dubcovsky PE:
Bárbara Francisco, Fernando Brom CP: Pasto, BD Cine
I: Pilar Gamboa, Juan Barberini
Contacto / Contact
Pasto. Bárbara Francisco
T +54 11 4552 4943 +54 9 11 6250 7306
E info@pastocine.com.ar - barbara@pastocine.com.ar
W pastocine.com.ar FB ElIncendio
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A young couple is about to move from the apartment they rent to
the one they plan to buy on the day that begins. Everything is al-
ready packed: the place is deserted. That place is no longer home,
and the next one is still not available. They have to buy an apart-
ment, move a large sum of cash –a practice that is typical of the
economical absurdity we’ve naturalized in Argentina, just like so
many other aberrations. Something is not quite organized. There
are nerves, problems, and tensions: physical blows, emotional
wounds, and objects breaking. Everything is at risk. Everything
can collapse. In only a few hours, what looked like the beginning
of a future together becomes a nightmare in which the indoors
and outdoors interact in a lacerating way. Juan Schnitman’s first
solo fiction film is a surprising thriller about love and hate with ex-
traordinary tension, precise filmmaking, and a micro-perspective
that depicts social logics in such terminal state that we no longer
recognize them as such. JPF
Juan Schnitman
Nació en Buenos Aires en 1980 y se formó como director en la Universidad
del Cine (FUC). Dirigió los largometrajes El amor (primera parte) (Bafici ‘04
y ‘13; junto a Alejandro Fadel, Santiago Mitre y Martín Mauregui) y Grande
para la ciudad (2007; junto a Andrés P. Estrada). El incendio es su primera
ficción dirigida en solitario. | He was born in Buenos Aires in 1980 and
trained as a director at Universidad del Cine (FUC). He directed El amor
(primera parte) (Bafici ‘04 and ‘13; together with Alejandro Fadel, Santiago
Mitre and Martín Mauregui) and Grande para la ciudad (2007; with Andrés
P. Estrada). The Fire is his first solo fiction film.
29
 international official competition
La mujer de los perros
Dog Lady
“Es muy difícil conservar la línea entre el pasado y el presente”,
dice Little Edie Bouvier Beale en Grey Gardens (1975). La Mujer
de los Perros no es Grey Gardens, y acaso no le deba nada: tie-
nen puntos en común, pero, por eso mismo, por la ley de cargas,
ambas películas de algún modo se repelen. Ahora bien, una mujer
rodeada de animales (gatos allá, perros aquí, moscas siempre)
sabe que esa línea difícil de conservar se llama presente y es lo
único que hay a mano, y también es siempre cuesta arriba: queda
lejos lo que hubo y más lejos lo que habrá. La protagonista del
film de Citarella-Llinás sobrevive en los límites de todo, en un
borde salvaje del conurbano, rodeada de perros y poco más. Poco
refugio, pocos humanos, pocas palabras de la piel para afuera. De
la piel para adentro no sabemos, no hay manera. Se puede intuir,
pero la película no trabaja sobre esa posibilidad, sino sobre la de
mostrar los vastos límites de un reino absurdo, mientras entreteje
un relato extremo de soledad ídem, a su modo mayestático, mis-
terioso y triste. Marcelo Panozzo
Argentina, 2015 / 98’ / DCP / Color
Español - Spanish
D: Laura Citarella, Verónica Llinás F: Soledad Rodríguez
E: Ignacio Masllorens DA: Flora Caligiuri, Laura Caligiuri
S: Marcos Canosa M: Juana Molina P: Verónica Llinás
PE: Laura Citarella, Mariano Llinás CP: El Pampero Cine
I: Verónica Llinás, Germán de Silva, Juliana Muras, Juana Zalazar
Contacto / Contact
El Pampero Cine. Laura Citarella
T +54 11 4822 5477 +54 9 11 5909 0818
E lauracitarella@elpamperocine.com.ar
produccion@elpamperocine.com.ar
W elpamperocine.com.ar
30 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
“It’s very difficult to keep the line between the past and the pres-
ent,” says Little Edie Bouvier Beale in Grey Gardens (1975). Dog
Lady is not Grey Gardens and perhaps doesn’t owe a thing to it:
they have common features, but for that reason both films repel
just like equal charges do. Now, a woman who lives surrounded
by animals (dogs instead of cats, but the same flies) knows that
the hard line to keep is called the present day, and that is both the
only thing at hand and always uphill: it’s far from what used to be
and even farther from what it will be. The protagonist of Citarella
and Llinás’ film survives on the limits of everything, in a wild edge
of the outskirts, surrounded by dogs and pretty much nothing else.
Scarce shelter, few humans, and little words exist outside the skin.
Inside the skin, we don’t know, because there is no way of know-
ing. One can sense it, but the film doesn’t work on that possibility,
and instead shows the huge limits of an absurd kingdom as it
interweaves an extreme story of loneliness, in its majestic way,
both mysterious and sad. MP
Laura Citarella
Nació en La Plata en 1981 y estudió en la Universidad del Cine. Desde
2005 forma parte de la productora El Pampero Cine. Dirigió Ostende, (Bafici
‘11). | She was born in La Plata in 1981 and studied at Universidad del
Cine. Since 2005 she’s part of the production company El Pampero Cine.
She directed Ostende (Bafici ‘11).
Verónica Llinás
Nació en Buenos Aires en 1960. Estudió teatro, mimo, acrobacia y canto.
Fue parte del grupo humorístico Gambas al Ajillo, y ha participado en múlti-
ples obras, programas de TV y películas. | She was born in Buenos Aires in
1960. She studied Drama, pantomime, acrobacy, and singing. She was a
part of the comedy group Gambas al Ajillo, and participated in many plays,
TV shows, and films.
 competencia oficial internacional
La obra del siglo
The Project of the Century
Fascinante crónica de un fracaso, o de varios. En los ochenta,
el gobierno de Cuba, con asesoría y capitales de la hoy extin-
ta Unión Soviética, empezó la construcción de unos reactores
nucleares en la región de Juraguá, provincia de Cienfuegos. Y
ocurrió Chernobyl, y luego cayó el Muro de Berlín y se termi-
nó la URSS. Y quedaron los reactores sin terminar, y la Ciudad
Electro-Nuclear (CEN) se convirtió en un gran elefante blanco.
En ese lugar fantasmagórico y deteriorado, en un departamento
fantasmagórico y deteriorado conviven malamente Leo, Rafael y
Otto; hijo, padre y abuelo, cada uno con sus frustraciones: amo-
rosas, laborales, vitales. La obra del siglo combina ficción y do-
cumental –o solo ficción, podríamos decir– y sueño y pesadilla
–o solo pesadilla–. Un presente de escasez (pez en poca agua,
por ejemplo) en estricto blanco y negro, una tipografía antigua
(fundamental notarla) que alguna vez se soñó como moderna,
y un archivo extraordinario que es testimonio, una vez más, de
lo ridícula que puede llegar a ser la propaganda política, sobre
todo con fondo de sintetizadores. Javier Porta Fouz
Argentina / Cuba / Alemania / Suiza - Argentina / Cuba / Germany /
Switzerland, 2014 / 100’ / DCP / Color - B&N / Español - Spanish
D: Carlos M. Quintela G: Abel Arcos, Carlos M. Quintela F: Marcos Attila
E: Yan Vega S: Ezequiel Saralegui M: Vicente Rojas P: Natacha Cervi,
Hernán Musaluppi, Pablo Chernov PE: Pablo Chernov, Luis Abel Miyares
CP: Rizoma I: Mario Balmaseda, Mario Guerra, Leonardo Gascón
Contacto / Contact
Rizoma. Pablo Chernov / Iara Ohanian
T +54 11 4556 1519
E pablochernov@gmail.com - cine@rizomafilms.com.ar
FB rizomafilms
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A fascinating chronicle of one failure, or maybe several. In the
Eighties, the Cuban government –with the assistance and capitals
of the extinct Soviet Union– started to build nuclear reactors in
the Juraguá region, in the province of Cienfuegos. Then Cher-
nobyl happened, and then the Berlin Wall fell, and then the USSR
was gone. And the reactors were left unfinished. And the Electro-
Nuclear City became a huge white elephant. On that ghostly run-
down town, in a ghostly run-down apartment, Leo, Rafael and
Otto live a bad life together. They are son, father and grandfather,
and each one has their own frustrations, related to love, work, and
life. The Project of the Century combines fiction and documentary
–or just fiction, we could say–, with dreams and nightmares –or
maybe just nightmares. A present life of shortages (like fish in a
small pool of water) in strict black and white, an ancient typogra-
phy (noticing that is essential) that once dreamed itself as modern,
and some extraordinary archive footage, once again a testimony
of how ridiculous political propaganda can be, especially when it’s
made with synthesizers. JPF
Carlos M. Quintela
Nació en La Habana en 1984. Estudió artes en el Instituto Superior de Arte
y guion en la EICTV. Su ópera prima, La piscina, tuvo su estreno mundial
en la 63° edición de la Berlinale. A partir de allí, compitió en más de veinte
festivales internacionales de cine. | He was born in Havana in 1984. He
studied Arts at the High Institute of Art and Scriptwriting at EICTV. His opera
prima, The Swimming Pool, premiered at the 63 rd edition of the Berlinale.
From then on, it competed in more than twenty international film festivals.
31
 international official competition
Double Happiness
Doble felicidad
“Abre sus puertas la réplica china del poblado austríaco de Halls-
tatt”, titularon los diarios a mediados de 2012. En efecto, en tiem-
po récord y a una distancia mínima de la explosiva “zona econó-
mica especial” de Shenzhen, en el sur de China, un desarrollo
inmobiliario de alta gama incluyó en su centro no un shopping,
no un parque, no un complejo recreativo, sino la reproducción
1:1 de Hallstatt, encantador pueblo de los Alpes austríacos. Un
pueblo entero, calcado. El hecho ya da mucha tela para cortar,
en cualquier formato, desde la denuncia hasta el chiste (ambos
en su veta fácil: vía la globalización). Pero lo que hace Ella Raidel
es preguntar y preguntarse: en Austria y en China, a orgullosos
y atónitos ciudadanos de las dos Hallstatt. Y también –y sobre
todo– superpone aquello que fue cincelado por el tiempo sobre lo
que levantó rápidamente el dinero, con-funde de modo virtuoso
ambas ciudades, y tienta los límites en los que lo idílico se vuelve
pesadillesco y lo real, pura impostación. Marcelo Panozzo
Austria / China, 2014 / 74’ / DCP / Color
Alemán - German, Mandarín - Mandarin
D, G: Ella Raidel F: Martin Putz E: Karina Ressler
S: Wong Ka Ho M: Rudi Fischerlehner P: Peter Janecek
I: Yansplan, Monika Wenger, Siegwulf Turek, Ma Yansong,
Wu Wenyuan
Contacto / Contact
sixpackfilm. Michaela Grill
T +43 1 526 0990
E office@sixpackfilm.com
W sixpackfilm.com
32 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
“The Chinese replica of the Austrian town of Hallstatt opens its
doors,” read the headlines in mid 2012. Indeed, in record time
and very near the explosive “special economic area” of Shenzhen
in Southern China, a high-end real estate development didn’t in-
clude a mall, a park, or a recreational compound, but a 1:1 repro-
duction of Hallstatt, a charming town in the Austrian Alps. A whole
town, copied. The fact would already be pretty rich material for
any format, either a denunciation or a joke (both in their easiest
versions: globalization). Yet what Ella Raidel does is asking others
and herself: in Austria and China she talks with proud and stunned
citizens from both Hallstatts. And also –and above all– she over-
laps what was carved by time over what money quickly erected,
con-fusing both cities in a virtuous way, and tempting the limits
in which the idyllic turns into a nightmare, and reality becomes
pure simulation. MP
Ella Raidel
Nacida en 1970 en Gmunden, Austria, trabaja con el video como herra-
mienta principal. En 1989 obtuvo su maestría, y en 2009 su doctorado en
la Universidad de Arte de Linz. Participó de residencias artísticas en ciuda-
des como Londres, Nueva York o Pekín; y presentó sus trabajos en exposi-
ciones y festivales de cine y video de todo el mundo. | Born in Gmunden,
Austria, in 1970, video is her primary work tool. She got her MA in 1989
and her PhD in 2009 at the Art University of Linz. She participated in artistic
residences in cities like London, New York, and Beijing; and presented her
work in exhibits and both film and video festivals all over the world.
 competencia oficial internacional
Goodnight Mommy
Ich seh Ich seh
Veo veo
Dos hermanos gemelos, una madre que regresa de una ciru-
gía plástica con la cara completamente vendada, una casa de
diseño glacial hasta los límites del panteón, pero enclavada lo
suficientemente lejos de otras formas de vida. El escenario y sus
protagonistas ya plantean posibilidades aterradoras que se dis-
paran a medida que los gemelos –que se aburren allí, en pleno
verano– comienzan a sospechar que la persona tras las vendas
no es su madre, sino que se trata de una impostora. Y hay que
actuar en consecuencia. Veronika Franz y Severin Fiala (quienes
estuvieron en Bafici 2013 con Kern) juegan a dos puntas: con los
golpes de género y con un fluir atmosférico que va densificándose
secuencia tras secuencia, como resultado lógico del malestar que
arrastra el relato. Se puede hablar de horror psicológico, sí, pero
jamás hay que mencionar el nombre de Haneke a la hora de las
semejanzas: Goodnight Mommy podrá ser el lugar en el que el
director de Funny Games compre sus materias primas cuando se
decida a ser un director en serio. Marcelo Panozzo
Austria, 2014 / 99’ / DCP / Color / Alemán - German
D, G: Veronika Franz, Severin Fiala F: Martin Gschlacht
E: Michael Palm DA: Hannes Salat, Hubert Klausner
S: Klaus Kellerman M: Olga Neuwirth P: Johannes Salat
PE: Louis Oellerer CP: Ulrich Seidl Film Produktion
I: Susanne Wuest, Lukas Schwarz, Elias Schwarz, Hans Escher,
Elfriede Schatz
Contacto / Contact
Films Distribution
T +33 1 5310 3399 E info@filmsdistribution.com
W filmsdistribution.com TW @FilmsDistrib
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Two twin brothers, a mother who returns from plastic surgery
with her face completely bandaged, and a glacial design house
that sits sufficiently away from other forms of life. The setting and
its protagonists already hint some terrifying possibilities that will
erupt as the twins –who are so bored there, in the middle of the
summer– begin to suspect the person behind the bandages is
an impostor and not their mother. And they have to act in conse-
quence. Veronika Franz and Severin Fiala (who were in Bafici in
2013 with Kern) play both sides: they use both strikes of genre
and an atmospherical flow that grows in density sequence after
sequence as the logical result of the unease the story drags. We
can talk about psycological horror, yes, but we should never men-
tion Haneke in the similarities department: Goodnight Mommy
may be the place where the Funny Games director will buy his
materials when he decides to be a real filmmaker. MP
Veronika Franz
Trabaja como periodista en el diario austríaco Kurier. Colaboró en los guio-
nes de películas de Ulrich Seidl, como Import/Export (2007; Bafici ‘08) y
Paradise:Love (2012; Bafici ‘13). | She works as a journalist in the Austrian
newspaper Kurier. She collaborated in the scripts of such Ulrich Seidl’s films
as Import/Export (2007; Bafici ‘08) and Paradise:Love (2012; Bafici ‘13).
Severin Fiala
Se formó en la Academia de Cine de Viena. Dirigió, junto con Ulrike Putzer,
el cortometraje Elephant Skin (2009). | She trained at the Vienna Film
Academy. Together with Ulrike Putzer, she directed the short film Elephant
Skin (2009).
33
 international official competition
Ela volta na quinta
She Comes Back on Thursday
Ella vuelve el jueves
María José y Norberto viven en las afueras de Belo Horizonte, están
casados hace 35 años, compartieron una vida juntos y tuvieron
dos hijos. Uno de ellos es André Novais Olivera, director de esta
película, que descubre a sus padres en situaciones domésticas,
muy simples y cotidianas, a través de las cuales conocemos sus
costumbres, sus rutinas y, también, un trasfondo complejo que in-
cluye, entre otras cuestiones, una aguda crisis de pareja. A través
de cuidados y precisos planos secuencia, Novais Olivera encuentra
el tiempo para hacerle lugar a la ficción y jugar de manera sutil
con los personajes que conforman su familia de procedencia. Sus
padres miran televisión, comen, discuten, se reconcilian –o no– y
se van a dormir. El modo en que suceden todas estas acciones,
aparentemente ordinarias, logra dar cuenta de la especificidad de
esta relación, de la particular forma de vida de la pareja y de sus
problemáticas: allí radica, justamente, uno de los grandes méritos
de este film. Se trata de una ópera prima absolutamente personal
en la que el uso del lenguaje se pone a total disposición de un
ojo sensible y con un gran sentido cinematográfico. Violeta Bava
Brasil - Brazil, 2014 / 108’ / DCP / Color
Portugués - Portuguese
D, G: André Novais Olivera F, E: Gabriel Martins DA: Tati Boaventura
S: Fábio Baldo P: André Novais Oliveira, Gabriel Martins, Maurilio Martins,
Thiago Macêdo Correia PE: Thiago Macêdo Correia CP: Filmes de Plástico
I: Maria José Novais Oliveira, Norberto Novais Oliveira, Renato Novais
Oliveira, André Novais Oliveira, Elida Silpe
Contacto / Contact
Filmes de Plástico. Thiago Macêdo Correia
T +55 31 2511 9820 +55 31 9377 5490
E contato@filmesdeplastico.com.br W filmesdeplastico.com.br
34 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
María José and Norberto live in the outskirts of Belo Horizonte.
They have been married for 35 years, shared a life together, and
have two children. One of them is André Novais Olivera, director
of this film that discovers his parents in very simple and everyday-
like domestic situations through which we’ll learn their habits,
routines, and also a complex background that includes a seri-
ous couple crisis. Through precise and thorough sequence shots,
Novais Olivera finds the time to make room for fiction and play
in a subtle way with the characters that form his family. His par-
ents watch TV, eat, argue, reconcile –or not– and go to sleep. The
way in which all of these apparently ordinary actions take place
documents the specific nature of this relationship, the couple’s
particular way of life and their problems: there, precisely, lies one
of the merits of this film. It’s an absolutely personal opera prima in
which the use of film language is at the disposal of a sensitive eye
with a great sense for cinema. VB
André Novais Olivera
Nacido en Brasil, se licenció en historia en la Universidad Católica de Minas
Gerais y se formó como cineasta en la Escola Livre de Cinema. Es socio
en la productora Filmes de Plástico, y entre sus trabajos como director
se encuentran los cortometrajes Fantasmas (2010) y Pouco Mais de um
Mês (2013). | Born in Brazil, he studied History at the Catholic University
of Minas Gerais and trained as a filmmaker at the Escola Livre de Cinema.
He’s a partner at the production company Filmes de Plástico, and his direc-
torial work includes the short films Fantasmas (2010) and Pouco Mais de
um Mês (2013).
 competencia oficial internacional
Los exiliados románticos
The Romantic Exiles
Le queda a uno tras visionar Los exiliados románticos esa me-
lancolía hermana de la que permanece de los reencuentros va-
cacionales con viejos amigos. Aquí nos cruzamos de vuelta con
Vito y Francesco, los diletantes que en Los ilusos recorrían una
Madrid invernal y sombría. Poco importa que interpreten o no a los
mismos personajes; reconocemos sus gestos en el transcurso del
medio natural para los reencuentros: un verano y un viaje. El resto
es la vida colándose por cada uno de los frames de la película. Y
un desarmante tema de Tulsa en el que parece ocultarse el motor
de esta nueva aventura. Porque el cine de Jonás Trueba se asien-
ta en la generosidad de sus filias, a una canción, a una película,
al sonido único que genera un grupo de amigos cuando ríen al
unísono. Y créanme: construido con esos materiales, aunque de
apariencia frágil, este es un cine sólido y firme como el monolito
de 2001. Fran Gayo
España - Spain, 2015 / 70’ / DCP / Color
Español - Spanish, Francés - French,
Italiano - Italian, Inglés - English
D, G, PE: Jonás Trueba F: Santiago Racaj E: Marta Velasco
DA: Miguel Ángel Rebollo S: Eduardo G. Castro M: Tulsa
P: Javier Lafuente CP: Los Ilusos Films
Contacto / Contact
Los Ilusos Films. Javier Lafuente
T +34 606 818 818
E javilafuen@yahoo.es - losilusosfilm@gmail.com
W losilusosfilms.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
After watching The Romantic Exiles, you get a melancholy feeling
similar to the one you get after vacation reunions with old friends.
Here, we run against Vito and Francesco again, those dilettantes
who moved through a winter and somber Madrid back in The
Wishful Thinkers. Whether they play the same characters or not
is irrelevant: we recognize their gestures in the natural setting for
reunions –a trip in the summer. The rest is life filtering through
each frame of the movie. And a disarming song by Tulsa is where
the engine for this new adventure seems to be hiding behind.
Because Jonás Trueba’s cinema lies on the generous filial con-
nection it establishes with a song, a film, and the unique noise of
a group of friends laughing at unison. And believe me: as it is built
with those seemingly fragile materials, this cinema is as solid and
steady as the monolith in 2001. FG
Jonás Trueba
Nació en Madrid, España, en 1981, y comenzó en el mundo del cine con
un papel en La buena vida (David Trueba; 1996). Dirigió el corto Cero en
conciencia (2000) y los largometrajes Todas las canciones hablan de mí
(2010) y Los ilusos (Bafici ‘13). Fue nominado al Goya por el guion de
El baile de la victoria (Fernando Trueba; 2009). | Born in Madrid, Spain,
in 1981, he started in the film world with a role in La buena vida (David
Trueba; 1996). He directed the short film Cero en conciencia (2000) and
the feature films Every Song Is About Me (2010) and The Wishful Thinkers
(Bafici ‘13). He was nominated for a Goya Award for the screenplay of The
Dancer and the Thief (Fernando Trueba; 2009).
35
 international official competition
Transeúntes
Passers-by
Para llamar la atención sobre un film como Transeúntes sería sen-
cillo recurrir a la data dura y lanzar sobre la mesa información
como que su rodaje tuvo lugar a lo largo de dos décadas en diver-
sos formatos y contó con más de 6500 cortes de montaje. Sin em-
bargo, estos factores palidecen al lado de la experiencia final que
la película supone, una exposición de 100 minutos a un bombeo
de imágenes sincopadas que te conducen a un trance gozoso en
el que, ante tus ojos, pasa la epopeya de Barcelona, una ciudad en
constante y dolorosa transformación. Todo está en Transeúntes, y
todo es recogido y expuesto de modo tal que la sensación inicial de
aturdimiento da paso a una suerte de revelación, una euforia a tra-
vés de la cual, por instantes, percibimos el modo en que nuestras
propias vidas se han ido desfigurando y han pasado de ser un patio
de juegos a un espacio acotado donde el derecho de admisión se
convierte en dogma de fe. Fran Gayo
España - Spain, 2015 / 97’ / DCP / Color - B&N
Español - Spanish
D: Luis Aller G: Luis Aller, María José García F: Emili Llorach, Carles
Gusi, Quique López, Luis Aller E: Luis Aller, Manu López, Emilio Ortiz,
Manu Prats, Olga Elías, Paola Fernández DA: Marina Pozanco, Oriol Roca
S: Dani Zacarías, Marc Bech M: Pepe Rodaller P: María José García
PE: María José García, Luis Aller CP: El Dedo en el Ojo, Grupo Cine Arte
I: María Galiana, Sergi López, Santiago Ramos, Roger Coma, Duna Jové
Contacto / Contact
El Dedo en el Ojo. Uriel Wisnia
T +34 934 447 678 +34 676 821 057
E produccion@eldedoenelojo.com W eldedoenelojo.com
36 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In order to attract attention on a film like Passers-by, it would be
simple to resort to cold hard data and, for example, mention the
fact that its shoot took place over the course of two decades in
diverse formats, and had more than 6,500 cuts. However, these
factors pale in comparison to the final experience the film offers
a 100-minute-long exposure to a bombardment of syncopated
images that drive you into a joyous trance in which the history
of Barcelona, a city in constant, painful transformation, flashes
before your eyes. Everything is contained in Passers-by, and eve-
rything is gathered and exposed in such a way that the initial sen-
sation of bewilderment gives way to some sort of revelation, a
euphoria through which, at times, we perceive the ways in which
our lives have become increasingly disfigured and have gone from
being a playground to being an enclosed space where the right of
admission becomes a dogma of faith. FG
Luis Aller
Nació en Toral de los Vados, León, en 1961. Entre 1982 y 1985 trabajó en
la revista Dirigido por. En 1989 rodó el largometraje Barcelona lamento, con
el que obtuvo el Premio Sant Jordi a la Mejor Ópera Prima. En 2009 fundó
la Escuela de Cine Bande à Part en Barcelona, donde se desempeña como
director y profesor. | He was born in Toral de los Vados, León, in 1961.
Between 1982 and 1985, he worked at the magazine Dirigido por. In 1989
he directed Barcelona, lament, which won a Sant Jordi Award for Best First
Film. In 2009 he founded the Bande à Part Film School in Barcelona, where
he is a director and professor.
 competencia oficial internacional
Songs from the North
Canciones del Norte
Es probable que un film tan frágil como Songs from the North
marque un antes y un después en el modo en que Corea del
Norte y el Pensamiento Juche son representados en el cine.
La figura de Kim Jong-il, entre lo siniestro y la extravagancia,
ha hecho del régimen norcoreano un plato suculento para las
miradas tomadas con la distancia de un cinismo occidental.
Sin embargo, para su ópera prima, la surcoreana Soon-Mi Yoo
elige un particular mix entre la intimidad de un diario de viaje
e imágenes de archivo que responden al retrato consensuado
y más fácilmente reconocible. Del choque de ambos materia-
les surge un film en el que todo lo visto, todo cuanto ha sido
registrado se filtra a través de las emociones de la autora y
sus anotaciones. Una obra compasiva, cercana, contradictoria,
que se ajusta a la idea que Cioran tenía de los pueblos como
objetos de apego y aversión al mismo tiempo. Fran Gayo
Estados Unidos / Corea del Sur / Portugal
US / South Korea / Portugal, 2014
72’ / DCP / Color - B&N
Coreano - Korean, Inglés - English
D, F, E: Soon-Mi Yoo S: Nuno Henrique
P: Haden Guest, Soon-Mi Yoo, Rui Alexandre Santos
CP: Rosa Filmes
Contacto / Contact
Rosa Filmes. Rui Alexandre Santos
T +351 213 031 810 +351 910 013 420
E rui@rosafilmes.pt W rosafilmes.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Probably a film as fragile as Songs from the North will set a turn-
ing point in the way North Korea and the Juche Thinking are
represented in cinema. The figure of Kim Jong-il –between the
sinister and the extravagant– has made the North Korean regime
a succulent dish for interpretations made from a distant Western
cynicism. However, South Korean filmmaker Soon-Mi Yoo chooses
a particular mix between a travel journal’s intimacy and archive
footage that follows the easily recognizable and consensual de-
piction. The clash of such materials sprouts this film, in which
everything we see and was captured by the cameras is filtered
through the director’s emotions and her notes. A compassionate,
familiar, contradictory piece that adjusts to the idea Cioran had
about peoples as objects of both affection and aversion. FG
Soon-Mi Yoo
Nació en Corea del Sur, estudió literatura alemana en la Universidad Yonsei
y fotografía en el Colegio de Artes de Massachusetts. Dirigió cortometrajes
como Dangerous Supplement (2006) y participó en el documental codiri-
gido Far from Afghanistan (2012; Bafici ‘13). | Born in South Korea, she
studied German Literature at the Yonsei University and Photography at
Massachusetts Art School. She directed several short films, like Dangerous
Supplement (2006), and participated in the co-directed documentary Far
from Afghanistan (2012; Bafici ‘13).
37
 international official competition
Une jeunesse allemande
A German Youth
Una juventud alemana
En 1968 Ulrike Meinhof escribía: “La diversión ha terminado: pro-
testa es cuando digo esto y esto no va conmigo. Resistencia es
cuando procuro que lo que no va conmigo no vuelva a suceder”.
Dos años después pasaría a liderar, junto a Andreas Baader, la
Fracción del Ejército Rojo. ¿Cómo se llegó del extremo A, en el que
una joven marxista reivindicaba la autodefensa sin olvidar que “el
valor de un ser humano es algo distinto al de las ventanas rotas”,
al extremo B, que llegaría a dejar un saldo de 34 muertos? Une
jeunesse allemande podría ayudarnos a encontrar una respues-
ta. A lo largo de su filmografía, Jean-Gabriel Périot ha planteado
siempre reflexiones tan lúcidas como incómodas en torno al modo
en que la violencia ha estado presente en los grandes cambios
sufridos por la humanidad. Su primer largometraje es un apa-
bullante ensayo a tempo de thriller, construido con una cantidad
ingente de imágenes de archivo de un momento convulso en la
historia de la Alemania post Segunda Guerra, un recordatorio del
conflicto a veces irresoluble (y vigente hoy día) entre ideales y
acción directa. Fran Gayo
Francia / Suiza / Alemania
France / Switzerland / Germany, 2015
92’ / DCP / Color
Alemán - German, Francés - French
D, G, E: Jean-Gabriel Périot S: Etienne Curchod
M: Alan Mumenthaler P: Nicolas Brevière
CP: Local Films, Alina Film, Blinker Filmproduktion
Contacto / Contact
Films Boutique
T +49 30 6953 7850
E info@filmsboutique.com W filmsboutique.com
38 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In 1968, Ulrike Meinhof wrote: “The fun is over: a protest is when
I say I don’t like this and that. Resistance is when I see to it
that things that I don’t like no longer occur.” Two years later, she
would come to lead the Red Army Fraction along with Andreas
Baader. How did it get from extreme A, in which a young Marxist
woman vindicated self-defense without forgetting that “the value
of a human being is somewhat different to that of broken win-
dows,” to extreme B, which led to a body count of 34? A German
Youth could help us find an answer. Throughout his filmography,
Jean-Gabriel Périot has always laid out reflections as lucid as
they unsettling on the way violence has been present in the great
changes suffered by humanity. His first feature is a crushing es-
say at a thriller tempo, constructed with a huge amount of archive
footage from a period of upheaval in the history of post-WWII
Germany, a reminder of the sometimes unsolvable (and still cur-
rent) conflict between ideals and direct action. FG
Jean-Gabriel Périot
Nació en Francia en 1974. Trabajó como montajista en Lisa (2007), Espe-
rando al mañana (2008) y La Dinde (2008), entre otros. El 12° Festival le
dedicó un foco en el que se exhibieron trabajos como Gay?, Entre chiens
et loups, Nijuman no borei (200.000 fantômes), Eut-elle été criminelle...,
Dies Irae y We Are Winning Don’t Forget. | He was born in France in 1974.
He worked as an editor in Lisa (2007), En attendant demain (2008) and La
Dinde (2008), among others. The 12 th Festival held a Focus on his work
which screened, among others, Gay?, Entre chiens et loups, Nijuman no
borei (200.000 fantômes), Eut-elle été criminelle..., Dies Irae and We Are
Winning Don’t Forget.
 competencia oficial internacional
Court
Corte
Narayan Kamble tiene 65 años, es poeta, músico, profesor y acti-
vista político. Entre sus actividades cotidianas se incluye una serie
de performances itinerantes por los barrios de Mumbai. Durante
uno de sus shows, es arrestado bajo el cargo de incitación al sui-
cidio de un trabajador. Este es el punto de partida del gran debut
del joven realizador Chaitanya Tamhane, ganador del premio a la
Mejor Ópera Prima y a la Mejor Película de la sección Orizzonti en
la última edición del Festival de Venecia. A través del proceso judi-
cial que tiene lugar en distintas cortes, el film no solo da cuenta de
la injusticia de este caso en particular, sino que pone en evidencia
el funcionamiento perverso y burocrático del sistema judicial en
la India, mientras presenta un curioso juego de espejos entre la
puesta en escena artística y la tribunalicia. Con una mirada lúcida,
aguda y humana, y con una apropiación absolutamente personal
del lenguaje cinematográfico, aparece una profunda reflexión so-
cial que tiene la poesía, la política y la libertad de expresión como
ejes del debate. Violeta Bava
India, 2014 / 116’ / DCP / Color
Maratí - Marathi, Hindi, Inglés - English, Guyaratí - Gujarati
D, G: Chaitanya Tamhane F: Mrinal Desai E: Rikhav Desai
DA: Pooja Talreja S: Anita Kushwaha, Amrit Pritam M: Sambhaji Bhagat
P: Vivek Gomber CP: Zoo Entertainment I: Vira Sathidar, Vivek Gomber,
Geetanjali Kulkarni, Pradeep Joshi, Usha Bane
Contacto / Contact
Memento Films International. Sata Cissokho
T +33 1 5334 9020 E festival@memento-films.com
W international.memento-films.com TW @mementofilms
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Narayan Kamble is 65 years old; he’s a poet, musician, professor,
and political activist. His everyday activities include a series of
travelling performances through the neighborhoods of Mumbai.
He gets arrested during one of his shows, under charges of incit-
ing a worker to commit suicide. This is the starting point for young
filmmaker Chaitanya Tamhane’s great debut film, which won the
Best Opera Prima and Best Film in the Orizzonti section awards
at the latest edition of the Venice Film Festival. Through the judi-
cial process that takes place in different courts, the film not only
documents the injustice of this particular case, but also demon-
strates the perverse and bureaucratic workings of India’s judicial
system, while also featuring a curious mirror game between the
artistic and judicial mise en scène. With a lucid, sharp, and human
perspective, and an absolutely personal appropriation of film lan-
guage, the films stands as profound social reflection with poetry,
politics, and freedom of expression as the cores of the debate. VB
Chaitanya Tamhane
Nació en Mumbai, India, en 1987, y estudió literatura inglesa. Fue premiado
por su trabajo como dramaturgo y director teatral. En 2006 escribió y dirigió
su primer largo documental, Four Step Plan, y más tarde realizó el corto-
metraje Six Strands (2010). | Born in Mumbai, India, in 1987, he studied
English Literature. He’s an awarded playwright and stage director. In 2006
he wrote and directed his first documentary film Four Step Plan, and later
made the short film Six Strands (2010).
39
 international official competition
Atomic Heart
Madar-e ghalb atomi
Corazón atómico
Una película iraní que desconcertará a quienes conocen el cine ira-
ní y también a los que no lo conocen y tienen sus fantasías homo-
geneizadoras. Hay un coche que es uno de los protagonistas, y hay
dos mujeres, amigas, que charlan en él. Y hay diálogos sobre po-
lítica, dictadores, Argo y, claro, también hay juegos con los niveles
de la realidad y la representación. Y hay un choque y un misterioso
y atildado señor que aparece y reaparece. También hay zapatos
Camper con cordones distintos, un ascensor forzado a trabajar,
una mujer que tiene que hacer pis en intervalos muy cortos, ideas
sobre los beneficios de caminar y una secuencia automovilística-
musical digna de El mundo según Wayne. Y también una celebra-
ción de y una reflexión sobre los toilettes occidentales. Y todo en
una noche que el director Ali Ahmadzadeh establece, con misterio,
como un viaje personal y seguramente también social hacia terri-
torios llenos de tensión, inestables, incómodos y perturbadores, en
un derrotero –no exento de brillos– que va de la comedia al drama
y pasa por fantasías urbanas nocturnas y diversas represiones y
liberaciones de una ambigüedad resbaladiza. Javier Porta Fouz
Irán - Iran, 2015 / 97’ / DCP / Color
Persa - Persian
D: Ali Ahmadzadeh G: Ali Ahmadzadeh, Mani Baghbani
F: Ashkan Ashkani E: Ali Ahmadzadeh, Ehsan Vaseghi
DA: Melody Esmaeeli S: Hossein Abolsedgh M: Sahand Mehdizadeh
P: Amir Seyedzadeh CP: Afrand Film I: Taraneh Alidoosti,
Pegah Ahangarani, Mehrdad Sedighiyan, Mohammad Reza Golzar
Contacto / Contact
DreamLab Films. Nasrine Médard de Chardon
T +33 4 9338 7561
E nasrine@dreamlabfilms.com W dreamlabfilms.com
40 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
This is an Iranian film that will perplex those who are familiar with
Iranian cinema, and those who aren’t but have homogenizing fan-
tasies. There’s a car owned by one of the protagonists, and two
women friends conversing in it. There’s dialogue about politics,
dictators, Argo, and, of course, a game with the different levels of
reality and representation. And there’s a crash, and a mysterious
and dapper man who keeps reappearing. There are also Camper
shoes with different laces, an elevator that is forced into working,
a woman who needs to pee in very short intervals, ideas about
the benefits of walking, and a car-musical sequence worthy of
Wayne’s World. There’s also a celebration of –and a reflection
on– Western restrooms. And all this takes place in one single
night, which director Ali Ahmadzadeh mysteriously establishes as
a personal and surely social journey into tense, unstable, uncom-
fortable and disturbing grounds, in a glimmering path that goes
from comedy to drama and through nocturnal urban fantasies and
several repressions and liberations of slippery ambiguity. JPF
Ali Ahmadzadeh
Nació en Teherán, Irán, en 1986. Se graduó como arquitecto antes de estu-
diar música en la Universidad Neinava y dirección cinematográfica en la
Young Cinema Society. Entre sus trabajos como realizador se encuentran
los cortos Pinned (2007) y Collage (2011) y el largo Kami’s Party (2013). |
He was born in Tehran, Iran, in 1986. He majored in Architecture before
studying Music at the Neinava Unversity and Filmmaking at the Young Cine-
ma Society. His work as a director includes the short films Pinned (2007)
and Collage (2011) as well as the feature-length film Kami’s Party (2013).
 competencia oficial internacional
Ben Zaken
La familia Ben Zaken está compuesta por los hermanos Shlomi y
Leon, su madre Dina, y la hija de Shlomi, Ruhi. Ruhi tiene once
años y es un torbellino de conflictos. Sí, le falta una madre o una
figura materna, y su padre duda acerca de cuál es la mejor opción
para ella. A Ruhi –la extraordinaria Rom Shoshan– y a su familia
les sobra gris en sus vidas en un departamento de unos mono-
blocks en un suburbio nada glamoroso –por usar un eufemismo–
de Ascalón, ciudad costera del sur de Israel. Hay buenas playas
de arena fina cerca, pero los Ben Zaken no aprovechan eso ni casi
nada. Su vida es dura, áspera, conflictiva. El ambiente que des-
cribe Efrat Corem en su ópera prima no parece ofrecer horizontes
atractivos. Con una destacable madurez, la directora maneja un
estilo de planos fijos, sostenidos, que le permiten establecer una
distancia respetuosa, destacar la sobriedad actoral y enhebrar
una narración clara, apta para mirar de frente las dificultades de
sus personajes sin nunca traicionarlos. Javier Porta Fouz
Israel, 2014 / 90’ / DCP / Color
Hebreo - Hebrew
D, G: Efrat Corem F: Shafir Sarussi E: Nisim Massas
S: Michael Gorevich P: Itai Tamir CP: Laila Films
I: Rom Shoshan, Eliraz Sade, Mekikes (Ronen) Amar
Contacto / Contact
Patra Spanou Film Marketing & Consulting. Patra Spanou
T +49 152 098 7294
E patra.spanou@yahoo.com
W patraspanou.wordpress.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The Ben Zaken family is composed of brothers Shlomi and Leon,
their mother Dina, and Shlomi’s daughter Ruhi. Ruhi is eleven, and
she’s nothing but trouble. Yes, she lacks a mother, or a mother
figure, and her father has doubts about her choices. Ruhi –the ex-
traordinary Rom Shoshan– and her family have plenty of grimness
in their lives, in the projects-like apartment where they live in the
rather unglamorous suburb –to use a euphemism– of Ashkelon, a
coastal city in Southern Israel. There are some fine sand beaches
nearby, but the Ben Zakens practically don’t go there. Their life
is hard, rough, troubled. The environment Efrat Corem describes
in her opera prima doesn’t seem to offer any attractive horizons.
With remarkable maturity, the director’s style of fixed and sus-
tained shots allows her to establish a respectful distance, stress
the actors’ sober performances, and thread a clear narration that
is apt to see the hardships of her characters first hand, without
ever betraying them. JPF
Efrat Corem
Nació en Ascalón, Israel, en 1979. Estudió cine y televisión en el Sapir
College, y en 2006 presentó como tesis el corto Your Younger Daughter
Rachel. Desde 2009 es directora artística del Cinema South Film Festival en
Sederot. Ben Zaken es su primer largometraje. | She was born in Ashkelon,
Israel, in 1979. She studied Film and Television at the Sapir College, and
presented the short film Your Younger Daughter Rachel as his thesis work
in 2006. She’s the artistic director of the Cinema South Film Festival in
Sederot since 2009. Ben Zaken is her first feature-length film.
41
 international official competition
The Kindergarten Teacher
Haganenet
La maestra jardinera
Consultado sobre la dimensión política de su segundo largome-
traje (porque es un director de cine que nació en 1975 en Tel Aviv,
Israel, y se supone que eso es lo que se le debe preguntar), Nadav
Lapid responde: “En la película hay apariciones de una gran can-
tidad de israelíes que ponen el dedo en la llaga del film: ¿a alguien
le siguen interesando hoy la belleza, la poesía y las ideas? Y si la
respuesta es sí, ¿es posible tener el cuidado de expresarse de
un modo que evite directamente la perversión?”. ¿Cómo se hace
una película sobre semejante cuestión, una que es enmarañada
y a la vez es de las pocas que quizás merezcan ser abordadas?
Se hace como en The Kindergarten Teacher : con la historia de
un niño de cinco años que entra en trance y recita poesías, y la
de su maestra de jardín de infantes, poeta frustrada, capaz de
alcanzar límites de (justamente) épica perversidad en su anhelo
de que esa belleza, esa poesía y esas ideas se abran paso a un
mundo que quizás no tenga demasiadas intenciones de recibirlas.
Marcelo Panozzo
Israel / Francia - Israel / France, 2014
120’ / DCP / Color / Hebreo - Hebrew
D, G: Nadav Lapid F: Shai Goldman E: Era Lapid DA: Miguel Merkin
S: Aviv Aldema P: Talia Kleinhendler, Osnat Handelsman-Keren,
Carole Scotta CP: Pie Films, Haut et Court I: Sarit Larry, Avi Shnaidman,
Lior Raz, Hamuchtar, Ester Rada
Contacto / Contact
NDM Ventas Internacionales. Bianca Fontez
T +52 55 5273 9307 E ndm.sales@mantarraya.com
W mantarraya.com TW @mantarrayafilms
42 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Asked about the political dimension of his second feature (be-
cause he’s a film director born in Tel Aviv, Israel, in 1975, and that
is what he must be asked about), Nadav Lapid answers: “In the
film, there’s a great amount of Israelis that rub salt in the film’s
wound: does anyone still care about beauty, poetry and ideas?
And if the answer is yes, is it possible to be careful enough to
express yourself in a way that you directly avoid perversion?” How
can you make a film about such a question, one that is complex
and, at the same time, is one of the few that, perhaps, deserve
to be addressed? You do it like The Kindergarten Teacher, with
the story of a five-year-old who goes into a trance and recites
poetry, and that of his kindergarten teacher, a failed poet capable
of reaching limits of (justly) epic perversity in her hope that that
beauty, that poetry and those ideas make their way through a
world that may not have much intention to receive them. MP
Nadav Lapid
Nacido en Tel Aviv, Israel, en 1975, estudió filosofía en esa ciudad y lite-
ratura en París. Dirigió los cortos Border Project (2004) y Road (2005), el
mediometraje Emile’s Girlfriend (2006) y Policeman (2011, Mejor Película
de la Competencia Internacional en el Bafici ‘12). Su corto Why? se exhibe
en la Selección Oficial - Fuera de Competencia. | Born in Tel Aviv, Israel,
in 1975, he studied Philosophy in that city and Literature in Paris, France.
He directed the short films Border Project (2004) and Road (2005), the
medium-length film Emile’s Girlfriend (2006) and the feature-length Poli-
ceman (2011), Best Film in the International Competition of Bafici ‘12. His
short film Why? screens at the Official Selection - Out of Competition.
 competencia oficial internacional
Theeb
Si creían que las películas de aventuras del estilo de Kim de la
India (1950) o Lawrence de Arabia (1962) eran algo exclusivo
del Technicolor, entonces piensen de nuevo. Porque Theeb pro-
pone una historia de transición hacia la madurez en el desierto
de Hejaz (Arabia Saudita) y en plena Primera Guerra Mundial.
Mientras el mundo se modifica a fuerza de estallidos y masacres
y las estructuras de poder todavía buscan sus nuevas formas, el
pequeño Theeb (“lobo” en árabe) vive con su hermano Hussein en
una aldea beduina a la que llegan un oficial británico y su guía.
Forzado por las costumbres de su cultura de no dejarlos librados
a su suerte, Hussein se une a ellos para acompañarlos hacia su
destino, pero el viaje resultará más peligroso de lo que se imagi-
naban y cambiará sus vidas para siempre. Filmada en escenarios
deslumbrantes y con una mayoría de actores no profesionales,
Theeb es un impresionante debut, una película de aventuras y
de supervivencia como el Bafici nunca antes había presenciado.
Leandro Listorti
Jordania / Reino Unido / Emiratos Árabes Unidos / Qatar - Jordan /
UK / UAE / Qatar, 2014 / 100’ / DCP / Color / Árabe - Arabic
D: Naji Abu Nowar G: Naji Abu Nowar, Bassel Ghandour
F: Wolfgang Thaler E: Rupert Lloyd DA: Anna Lavelle S: Dario Swade
M: Jerry Lane P: Bassel Ghandour, Rupert Lloyd PE: Nadine Toukan
CP: Bayt Al Shawareb, Noor Pictures I: Jacir Eid, Hassan Mutlag,
Hussein Salameh, Marji Audeh, Jack Fox
Contacto / Contact
Fortissimo Films
T +31 20 627 3215 E info@fortissimo.nl
W fortissimo.nl FB TheebFilm TW @TheebFilm
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
If you thought adventure films in the style of Kim (1950) or Law-
rence of Arabia (1962) were Technicolor-exclusive, think again.
Because Theeb tells a coming-of-age tale set in the Hejaz desert
(Saudi Arabia) and during WWI. As the world is modified by means
of explosions and massacres and the power structures still seek
new forms, little Theeb (Arab for “wolf”) lives with his brother Hus-
sein in a Bedouin village to which a British officer and his guide
arrive. Forced by the customs of his culture to not leave them to
their fates, Hussein joins them to their destination, but the trip
becomes more dangerous than they imagined, and changes their
lives forever. Shot in breathtaking locations and with a majority of
non-professional actors, Theeb is a remarkable debut, a film of
adventure and survival unlike any other Bafici has experienced. LL
Naji Abu Nowar
Nacido en Inglaterra, actualmente vive en Amán, Jordania. Dirigió el corto-
metraje Death of a Boxer (2009), exhibido en el Festival de Cine de Dubai.
Theeb es su primer largometraje, y con él ha participado en festivales
como Venecia y El Cairo. | Born in England, he currently resides in Amman,
Jordan. He directed the short film Death of a Boxer (2009), which partici-
pated in the Dubai Film Festival. Theeb is his first feature-length film, which
has traveled to festivals like Venice and Cairo.
43
 international official competition
Prometo um dia deixar
essa cidade
I Swear I’ll Leave This Town
Juro que un día me iré de esta ciudad
Desearía uno que el cine habitual en los festivales fuese así más
veces, sin mesuras, estridente; que pusiese a prueba nuestras
nociones sobre lo que es el buen gusto y la corrección; un cine
colorinche, vanidoso y definitivamente muy sexy. Prometo um
dia deixar essa cidade se adecúa a estos adjetivos que, por
extensión, sirven para describir a la protagonista de la película,
Joi, una joven de una distinguida familia de Recife que abando-
na la clínica en la que ha sido internada por sus adicciones. En
su vuelta a la vida civil, Joi se reencuentra con el peor panora-
ma posible para la reinserción: un novio sumiso, una tentadora
ex cómplice de correrías y un padre sumido en una campaña
electoral. Sorprendente, imprevisible y bendecido por la inter-
pretación de Bianca Joy Porte, el segundo film de Daniel Aragão
es un must para quienes hayan suspirado por el regreso del De
Palma más pasado de vueltas. Fran Gayo
Brasil - Brazil, 2014
90’ / DCP / Color
Portugués - Portuguese
D, G, E: Daniel Aragão F: Pedro Sotero DA: Thales Junqueira
S: Guga S. Rocha, Phelipe Cabeça M: Bernie Worrell
P: Daniel Aragão, Jefferson Cavalcanti PE: Mariana Jacob
CP: Cicatrix Filmes I: Bianca Joy Porte, Zécarlos Machado, Sérgio Marone
Contacto / Contact
FiGa Films. Alex Garcia
T +1 323 309 4856 E alex@figafilms.com
W figafilms.com TW @figafilms
44 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
One would wish today’s festival cinema was more like this, limit-
less and outrageous. One that would test our notions on good
taste and correction. A color-filled, vane, and definitely sexy cin-
ema. I Swear I’ll Leave This Town fits those adjectives, which
are also good to describe the film’s protagonist Joi, a young
woman from a distinguished Recife family who exits the clinic
where she was rehabilitating from her addictions. In her return
to civilian life, Joi finds the worst possible setting for reinser-
tion: a submissive boyfriend, a tempting partner of late night
adventures from the past, and a father absorbed in an electoral
campaign. Surprising, unpredictable, and blessed by Bianca Joy
Porte’s performance, Daniel Aragão’s second film is a must for
anyone who has wished for the return of De Palma in his most
wound up version. FG
Daniel Aragão
Nació en Recife, Brasil, en 1981 y comenzó su carrera como asistente de
dirección. Entre sus trabajos como realizador se encuentran los cortome-
trajes Public Solitude (2008; Festival de Locarno) y Don’t Drop Me Home
(2009), y el largo Good Luck, Sweetheart (2012). | He was born in Recife,
Brazil, in 1981, and started his career working as an assistant director.
Some of his filmmaking works include the short films Public Solitude (2008;
Locarno Festival) and Don’t Drop Me Home (2009), and the feature-length
film Good Luck, Sweetheart (2012).
 competencia oficial internacional
Above and Below
Arriba y abajo
Above and Below es la mejora definitiva (¿la única posible?) del
hombrecito naranja del Google Street View. No solo porque detec-
ta con sus historias de sobrevivientes eso que no se ve a nivel de
la calle (aclaremos: los del extraordinario film de Nicolas Steiner
no son casos de “invisibilización”; sus protagonistas son, en pa-
labras del director, habitantes de “escondites y refugios”), sino
porque la distancia del registro busca siempre la empatía y la
familiaridad antes que la extravagancia, aun cuando se trata de
personas que viven en el alcantarillado de Las Vegas o ensayan
en el rincón más rojo de la Tierra los pasos de una posible Life
on Mars. Maravilla y sufrimiento, gracia y oscuridad, épica e in-
timidad, enrarecimiento seguido del plano que nos golpea con
la severidad de aquello que reconocemos. Pocas veces el cine
llegó a acercarse tanto a la poesía como en Above and Below, o
al menos a la definición alumbrada por W. H. Auden: “La poesía
debe ser definida como la expresión más clara de los sentimien-
tos encontrados”. Marcelo Panozzo
Suiza / Alemania - Switzerland / Germany, 2015
118’ / DCP / Color
Inglés - English, Alemán - German, Francés - French
D, G: Nicolas Steiner F: Markus Nestroy E: Kaya Inan S: Tobias Koch
M: John Gürtler, Jan Miserre P: Brigitte Hofer, Helge Albers, Cornelia Seitler
PE: Brigitte Hofer CP: Maximage, Flying Moon Filmproduktion
Contacto / Contact
Maximage
T +41 44 274 8866 E info@maximage.ch
W maximage.ch - aboveandbelowfilm.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Above and Below is the definitive improvement (probably the only
one possible) of the little orange guy in Google Street View. Not
just because these survivors’ stories detect what you can’t see at
street level (let’s be clear: what Nicolas Steiner’s extraordinary film
shows are not cases of “invisibilization,” because the protagonists
are inhabitants of “hide-outs and refuges”, according to the direc-
tor himself), but also because the documenting distance is always
aiming at empathy and familiarity rather than extravagance –even
if the film deals with people who live in the sewers of Las Vegas
or rehearse in the reddest corner of Earth the dancing steps to a
possible Life on Mars. Wonder and hurt, grace and darkness, epic
and intimacy, and an estrangement followed by the kind of shots
that hit us with the severity of that which we can recognize. Few
times cinema came as close to poetry as in Above and Below.
Or at least closer to W. H. Auden’s illuminating definition: “Poetry
must be defined as the clearest expression of mixed feelings.” MP
Nicolas Steiner
Nació en Sion, Suiza, en 1984 y estudió cine en Luisburgo, Alemania. Se
desempeña como baterista, actor y realizador. Dirigió los cortos Snatch &
Kittie - Love Is in the Air (2006) y Blitz und Donner, Windgefauch (2009),
entre otros. | He was born in Sion, Switzerland, in 1984 and studied Film-
making in Ludwigsburg, Germany. He works as a drummer, actor, and
director. He directed several short films, including Snatch & Kittie - Love Is
in the Air (2006) and Blitz und Donner, Windgefauch (2009).
45
competencia oficial
argentina
argentine official
competition
 argentine official competition
Al centro de la Tierra
To the Center of the Earth
Daniel Rosenfeld regresa a las herramientas que utilizó en La
quimera de los héroes (2003) o, mejor, a cierta idea del uso de
dichas herramientas: sin estrecheces derivadas de ninguna ur-
gencia, con la distancia justa y el tiempo necesario para detectar
ese lugar en el que sucede lo inaudito. Y, a partir de allí, no aborda
lo insólito como tal, sino que lo respeta como parte fundamental
del día a día de la vida de un hombre. Ese hombre es Antonio
Zuleta, un salteño que tiene un hijo, una cámara de video y una
obsesión: los ovnis. No es conveniente adelantar mucho del derro-
tero de Zuleta en la película, pero sí hay que decir que cada vuelta
del camino sorprende y a la vez es la más lógica posible. Esa es
la habilidad de Rosenfeld en el uso de las herramientas del cine:
tratar de poner un estetoscopio en lo que está más allá de lo que
se ve, en los ecos posibles de la búsqueda de Zuleta, en la forma
exacta de esa tabla de la que se agarra para flotar en un mar en el
que todas las costas quedan demasiado lejos. Marcelo Panozzo
Argentina / Francia / Holanda / Alemania - Argentina / France /
Netherlands / Germany, 2015 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: D. Rosenfeld F: R. Civita E: L. Bombicci, A. Santos DA: A. Mordó
S: G. Scheuer M: J. Arriagada P: S. Lalou, C. Uzu, A. Giménez Zapiola,
A. Van Gorp, R. Goossens, H. Deckert PE: J. Leoz, D. Rosenfeld
CP: D. Rosenfeld, Les Films d’Ici, Ma.Ja.De, ArgentinaCine, De Productie,
INCAA I: A. Zuleta, J. Cache, R. Cache
Contacto / Contact
Florencia Nussbaum
T +54 9 11 3944 5803 +54 9 11 5013 3680
E flornuss@hotmail.com - rosenfeldmail@gmail.com
W danielrosenfeld.com FB alcentrodelatierra
48 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Daniel Rosenfeld returns to the tools he already used in The Chi-
mera of Heroes (2003). Better yet, he returns to a particular notion
about the use of such tools: without the narrowness that results
from urgency but with a fair distance and the necessary time to
detect that spot where the incredible takes place. And from then
on, instead of approaching the incredible as such, he respects it
as the essential path in the everyday life of a man. That man is
Antonio Zuleta, who was born in Salta and has a son, a video cam-
era, and an obsession: UFOs. We shouldn’t spoil much of Zuleta’s
path in the film, but we should say that each turn is surprising and
yet also the most logical one. That is Rosenfeld’s ability in the use
of film tools: he tries to place a stethoscope on what lies beyond
what we are able to see, in the possible echoes of Zuleta’s search,
in the exact shape of that table he grabs on in order to float in an
ocean where all shores are too far away. MP
Daniel Rosenfeld
Nació en Buenos Aires en 1973. Estudió comunicación y se formó como
montajista, dramaturgo, actor, productor y guionista. Dirigió Saluzzi: Ensa-
yo para bandoneón y tres hermanos (2001), La quimera de los héroes
(2003), Hamelin (Bafici ‘09; codirigido con Tommaso Vecchio) y Cornelia
frente al espejo (2012). | He was born in Buenos Aires in 1973. He studied
Communication and trained as an editor, playwright, actor, producer and
scriptwriter. He directed Saluzzi: Ensayo para bandoneón y tres hermanos
(2001), The Chimera of Heroes (2003), Hamelin (Bafici ‘09; co-directed
with Tommaso Vecchio) and Cornelia at Her Mirror (2012).
 competencia oficial argentina
Arribeños
A veces puede darse que en un espacio que apenas alcanza el
kilómetro se oculte un universo de periplos interoceánicos y sa-
gas familiares. En las dos cuadras de Arribeños, entre Juramen-
to y Olazábal, se encuentra lo que se ha dado en conocer como
el Barrio Chino, un lugar que entre sus dos extremos esconde
la posibilidad de varios mundos paralelos, el de las distintas ge-
neraciones de taiwaneses y chinos venidos a Argentina, los que
apenas hablan castellano, los que aprenden con esfuerzo man-
darín, los que se sienten porteños hasta la médula y los que,
cuarenta años después, aún sueñan con regresar a su tierra.
Marcos Rodríguez es lo suficientemente generoso e inteligente
como para no luchar contra esta cantidad de relatos e informa-
ción, y prácticamente regala sus imágenes a los testimonios de
quienes viven su cotidianidad en Arribeños. Y lo hace a través
de una estructura en apariencia (y solo en apariencia) sencilla
y una mirada asombrosa para captar el desperezarse diario del
vecindario, esa patria entre dos calles a la que hizo referencia el
poeta Song Lin en su emotivo Barrio Chino. Fran Gayo
Argentina, 2015 / 74’ / DCP / Color
Español - Spanish, Mandarín - Mandarin
D, G: Marcos Rodríguez F: Ada Frontini
E: Federico Mercuri, Matías Mercuri S: Gerardo Kalmar
PE: Rosalía Ortíz de Zárate CP: Rebecca Films
I: Antonio Chang, Ana Kuo, Maximo Lee, Gustavo Ng, Carlitos Lin
Contacto / Contact
Rebecca Films. Marcos Rodríguez
T +54 9 11 5615 5908 +54 9 11 5455 6951
E marcos.g.rodriguez@hotmail.com - rosaliaortizdezarate@gmail.com
FB arribenios
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Sometimes a space of barely one kilometer can hide a universe
of interoceanic adventures and family sagas. In the two blocks
of Arribeños street between Juramento and Olazábal, sits what
is known as Chinatown, a place that hides the possibility of
several parallel universes between its two borders, the ones of
the generations of Taiwanese and Chinese people who came to
Argentina –those who barely speak Spanish, those who work
hard to learn Mandarin, those who feel porteños to the core, and
those who still dream of returning to their homeland, 40 years
later. Marcos Rodríguez is generous and intelligent enough to
avoid struggling against this amount of stories and information,
and basically gives away his images to the testimonies of those
who live their everyday life in Arribeños. And he does so through
a seemingly (and only seemingly) simple structure and an amaz-
ing eye that is able to capture the everyday mornings of the
neighborhood, a nation sitting between two blocks poet Song
Lin evokes in his moving Barrio Chino. FG
Marcos Rodríguez
Nació en 1982, estudió letras en la Universidad del Salvador y trabajó como
profesor de lengua española y literatura alemana. Trabaja como traductor
de inglés, alemán e italiano. Estudió crítica de cine en El Amante/Escuela.
Debutó como realizador con el film La educación gastronómica (2012). |
Born in 1982, he studied Literature at Universidad del Salvador and
worked as a Spanish language and German Literature professor. He
works as an English, Italian and German translator. He studied Film Criti-
cism in El Amante/Escuela. The film La educación gastronómica (2012)
was his directorial debut.
49
 argentine official competition
Cuerpo de letra
Embodied Letters
Un espacio vertical gigante, vacío. Parte del decorado duro que
se ve en una autopista. Podría dejarse así, como ocurre en buena
parte del mundo. Podría tener plantas, podría ser un mural. Pero,
en Buenos Aires y alrededores, una pared de autopista puede
convertirse –y se convierte con demasiada frecuencia– en pro-
paganda política, meramente nombres y apellidos, o solo ape-
llidos o algún sobrenombre en letras gigantescas. La pintada de
estas letras se realiza mediante brigadas que se disputan esos
espacios publicitarios ilegales. La película de D’Angiolillo es una
ficción cargada de documental, o viceversa. Lo que es innegable
es el poder del director de Hacerme feriante de revelar mundos
semiocultos con lógicas propias, con códigos y jerarquías propias,
incluso por fuera de la legalidad que dicen defender los políticos
que usan sus servicios. Eze, Franky y el Narigón son los protago-
nistas de este relato que examina de cerca –con narrativa creíble,
áspera, incómoda– conflictos territoriales, lealtades y traiciones:
micropolítica local. Javier Porta Fouz
Argentina, 2015
76’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Julián d’Angiolillo F: Matías Iaccarino E: Lautaro Colace,
Julián d’Angiolillo S: Pablo Chimenti P, PE: Laura Bruno
CP: Los Andes Cine, El Nuevo Municipio I: Ezequiel Amorelli, Franky,
Facundo Romero, Fredy Marske, Tute Ayala
Contacto / Contact
Los Andes Cine / El Nuevo Municipio. Laura Bruno
T +54 11 4855 3831
E elnuevomunicipio@gmail.com - laurabrunorubio@gmail.com
W elnuevomunicipio.com.ar
50 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A huge empty vertical space. It’s a portion of the rough back-
ground you see in a highway. It could be left alone, just as it
happens all over the world. It could have plants, or it could be a
mural. But in Buenos Aires and its surroundings, a highway wall
can become –and does so, too often– political propaganda, mere
names and last names, or just last names and some nickname,
all in giant letters. Brigades that fight each other over these illegal
advertising spots are the ones who paint the letters. D’Angiolillo’s
film is a fiction charged with a documentary feel, or vice versa.
What’s undeniable is the Hacerme feriante director’s ability to re-
veal semi-hidden universes with their own logic, codes, and ranks,
even beyond the legality the politicians who use their services
claim to defend. Eze, Franky, and Narigón are the protagonists of
this story that takes a close look –with a credible, rough, uncom-
fortable narrative– into territorial conflicts, loyalties, and betrayals.
Local micro-politics. JPF
Julián D’Angiolillo
Nació en Buenos Aires en 1976, y se licenció en artes visuales en el IUNA.
Realizó los storyboards de films como El faro (1998) y Garage Olimpo
(1999), y trabajó como director de arte en Vagón fumador (2000) y Potes-
tad (2001). Su ópera prima, Hacerme feriante, participó de la Competen-
cia Argentina del Bafici ‘10. | Born in Buenos Aires in 1976. A graduate
in Visual Arts from the IUNA, he drew the storyboards for films like The
Lighthouse (1998) and Garage Olimpo (1999), and worked as an art direc-
tor in Smokers Only (2000) and Potestad (2001). His first film, Hacerme
feriante, participated in the Argentine Competition in Bafici ‘10.
 competencia oficial argentina
Generación artificial
Artificial Generation
Bienvenidos a la película más graciosa, libre, afilada y, por qué no,
más seria sobre su asunto que el cine argentino ha producido en
mucho (acaso demasiado) tiempo. Es radical Generación artificial,
y es encantadora, y ya que alguien haya logrado poner esas dos
cosas en el mismo flujo de imágenes es un mérito enorme. Quizás
esto sea así porque el director, Fede Pintos, está interpretado en el
film por otra persona (Rafael Cippolini), y allí se arma una especie
de vaporoso esquema Jekyll y Hyde. O quizás sea porque el tema
del documental dentro de la ficción dentro del documental que
es Generación artificial es el universo de los VJ o Video Jockeys,
ese lenguaje perdido o diluido que supo estar obligado a la radi-
calidad hipnótica y hoy ya no tanto. Los Fede Pintos de la película
despliegan la historia del género a partir de un gimmick perfecto:
la búsqueda de un VJ pionero que busca hackear el cerebro hu-
mano a través de imágenes de video. El gran thriller histórico de
la generación pre-Vine y pre-Vice ya está entre nosotros y es casi
un documental. Aplausos. Marcelo Panozzo
Argentina, 2015 / 62’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: Federico Pintos G: Federico Pintos, Julián Urman F: Leonardo Val
E: Federico Pintos, Ian Kornfeld DA: Marina Azul Fernández Besada
S: Emiliano Biaiñ M: Ian Kornfeld P: Federico Pintos, Julián Urman,
Matías Tamborenea, Martín Maisonave, Iván Granovsky
PE: Federico Pintos, Julián Urman, Matías Tamborenea CP: Kommander
I: Rafael Cippolini, Julián Urman, Lulú Jankilevich, Ailaviu VJ, Fede Lamas
Contacto / Contact
Kommander. Federico Pintos
T +54 11 4776 4321 +54 9 11 5993 7490
E fedepintos@gmail.com - federico@kommander.biz W kommander.biz
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Welcome to the funniest, freest, sharpest, and –why not– more
serious film made about its theme Argentine cinema has delivered
in a long (maybe too long) time. It’s a radical Artificial Generation
and is also enchanting, and the fact that someone has managed
to put those two things into the same image flow is a huge merit.
Maybe it’s because the director Fede Pintos is played by a differ-
ent person (Rafael Cippolini), in a sort of steamy Jekyll and Hyde
scheme. Or maybe it’s because the theme of the documentary
that is inside the fiction that is inside the documentary Artificial
Generation is the world of VJs or Video Jockeys, that lost or diluted
language that was once forced into the radical nature of hypnotic
images –but not so much today. The several Fede Pintos featured
in the film unfold the history of the genre from a perfect gimmick:
the search for a pioneer VJ that intends to hack the human brain
through video images. The great historical thriller of the pre-Vine
and pre-Vice generation is now among us, and it’s almost a docu-
mentary. Cheers. MP
Federico Pintos
Estudió cine y dramaturgia. Fue jefe de redacción de la revista Haciendo
Cine, programador de varios festivales y productor de Ernesto Baca en las
películas Semen (2007) y Vrindavana (Bafici ‘10). Dirigió el cortometraje
Zainichi, el cual participó en el Bafici ‘11. | He studied Film and Playwrit-
ing. He was an editor-in-chief of the magazine Haciendo Cine, a festival
programmer and producer of Ernesto Baca’s films Semen (2007) and Vrin-
davana (Bafici ‘10). He directed the short film Zainichi, which participated
in Bafici ‘11.
51
 argentine official competition
Guido Models
“Lo de anticuchero no era su sueño, así que, tras probar con al-
gunos trabajos y ser despedido en un par de ocasiones, Guido
empezó como ayudante de cortador en un taller textil”. El párrafo
se ubica a la mitad de un espléndido perfil de Guido Fuentes (Tari-
ja, Bolivia, 1974) publicado por la página del Consulado de Bolivia
en Rosario. El dato se ubica, asimismo, en la mitad de la vida de
Guido Fuentes; si no es exactamente en la mitad, se trata del
hecho que la partió en dos: de allí en adelante, Fuentes se dedicó
al mundo de la moda, para terminar abriendo su propio emprendi-
miento, Guido Models, mitad escuela, mitad agencia de modelos,
en la Villa 31 porteña. Otro retrato espléndido es el documental
Guido Models, firmado por la fotógrafa argentina Julieta Sans,
acaso menos edulcorado, pero más agridulce y definitivamente
más pregnante: la directora sigue a Guido y sus models con la
distancia justa, la que permite ver que el mago y las princesas
funcionan muy bien en close-up, pero cuando se abre el cuadro
entra una realidad árida con la que hay que lidiar y que acaso sea
la clave de esta pequeña epopeya. Marcelo Panozzo
Argentina, 2015 / 68’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Julieta Sans F: Juan Guillermo Peña E: Renato Alvarado, Julieta
Sans, Bruno López S: Renato Alvarado M: Patricio Alvarado
P, PE: Mariano Mouriño, Pablo Stigliani, Julieta Sans
CP: Stigliani Mouriño Cine I: Guido Fuentes, Sonia León, Delia Cáceres
Contacto / Contact
Julieta Sans
T +54 9 11 6924 1697
E jotasans@gmail.com - info@julietasans.com
W julietasans.com FB GuidoModelsDoc
52 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
“Selling anticuchos wasn’t his dream, so after trying different jobs
and getting fired a few times, Guido started as an assistant cut-
ter in a textile shop.” The paragraph is located somewhere down
the middle of a splendid profile of Guido Fuentes (Tarija, Bolivia,
1974) that was published on the website of the Bolivian Consulate
in Rosario. That piece of information also lies around the middle
of Guido Fuentes’ actual life. If not right in the middle, it’s never-
theless the fact that splits it in two: from that point on, Fuentes
worked in the fashion world and founded his own company Guido
Models, a school/model agency in Buenos Aires’ shanty town Villa
31. Directed by the Argentine photographer Julieta Sans, Guido
Models is also a splendid portrait, maybe not as sweetened as the
other one but certainly more sour, and definitely more poignant:
the director follows Guido and his models from a fair distance,
which allows her to see how well the magician and princesses
work in close-up. But when the shot gets wider, an arid reality gets
in the frame –one that has to be dealt with and might be the key
to this small epic story. MP
Julieta Sans
Nació en Buenos Aires en 1979. Estudió letras en la UBA y fotografía en
la Escuela de Fotografía Creativa de Andy Goldstein, y realizó un posgrado
en fotografía en Central Saint Martins, Londres. Fue seleccionada para el
Laboratorio de Cine 2013 dictado por Andrés Di Tella y Martín Rejtman,
donde realizó dos cortos documentales y uno de ficción. | She was born in
Buenos Aires in 1979. She studied Literature at the UBA and Photography
at the Andy Goldstein’s School of Creative Photography, and did a postgrad-
uate in Photography at Central Saint Martins, London. She was selected for
the 2013 Film Lab taught by Andrés Di Tella and Martín Rejtman, where she
directed a fiction short and two documentary ones.
 competencia oficial argentina
Idilio
Idyll
Idilio se presenta como una historia de amor. Sí, Camila está ena-
morada, “hecha una tarada”: así comienza la película, ese es su
primer capítulo. Desde que está enamorada ve el mundo con una
sonrisa entusiasta, tal vez demasiado. Sebastián, su amigo y confi-
dente, la escucha, la aguanta. Incluso intenta ser racional con una
amabilidad bastante imperturbable. La relación que tiene enamo-
rada a Camila, bueno, la cuenta la película. ¿Cómo la cuenta? En
blanco y negro, con capítulos separados por canciones, con planos
fijos que mayormente muestran a la protagonista, una actriz llama-
da Paula Carruega que, en su primer protagónico cinematográfico,
sostiene un viaje emocional que a priori parecía imposible en estas
condiciones minimalistas. Pero Carruega deslumbra, y las condi-
ciones de la película –que cuenta con gestos, diálogos, inflexiones,
nervios y reacciones de una precisión notable– se prueban como
adecuadas –hasta justas, como la aparición del contraplano– para
contar esta historia que quizás, más que de amor, sea de madura-
ción, del tipo inseparable del dolor. Javier Porta Fouz
Argentina, 2015 / 86’ / DM / B&N
Español - Spanish
D, G, F, E, DA: Nicolás Aponte A. Gutter S: Guido Deniro
P: Florencia Gasparini Rey I: Paula Carruega, Manuel Novoa
Contacto / Contact
Nicolás Aponte A. Gutter / Florencia Gasparini Rey
T +54 9 11 5733 3587 +54 9 11 6503 3600
E apontinopla@gmail.com - flor.cinema@gmail.com
FB idilio.pelicula
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Idyll presents itself as a love story. Yes, Camila is in love, “stupid
in love”: that’s how the film begins, that’s its first chapter. Since
she’s in love, she sees the word with an enthusiast smile, maybe
too enthusiast. Sebastián, her friend and confidant, listens to and
tolerates her. He even tries to remain rational with a rather com-
posed kindness. The relationship that made Camila so in love,
well, the film will describe that. How? In black and white, with
chapters separated by songs, fixed shots that mostly show the
protagonist, an actress in her first movie lead role named Paula
Carruega, who sustains an emotional journey that at first seemed
impossible in those minimalist conditions. But Carruega dazzles
us, and the conditions in the film –which uses gestures, dia-
logues, inflections, nerves, and reactions with remarkable preci-
sion– are proven adequate, and even the right ones –in the case
of the reverse-shot– in order to tell this story that maybe is not as
much about love as it is about growing up, which is inseparable
from pain. JPF
Nicolás Aponte A. Gutter
Nació en Buenos Aires en 1978. Estudió diseño audiovisual en la UBA,
donde se desempeña como docente. Trabajó como asistente de dirección
en el largo de animación La máquina que hace estrellas (Bafici Animado
‘12) y en La Tigra, Chaco (2009). Codirigió junto a Pablo Acosta el corto
Ahora es nunca (2014). | He was born in Buenos Aires in 1978. He studied
Audiovisual Design at the UBA, where he works as a professor. He was an
assistant director in the animated feature La máquina que hace estrellas
(Bafici Animado ‘12) and La Tigra, Chaco (2009). He co-directed with Pablo
Acosta the short film Ahora es nunca (2014).
53
 argentine official competition
Lulú
Ludmila y Lucas viven en una casucha en una de las zonas más
paquetas de la Ciudad de Buenos Aires. Ludmila anda en una
silla de ruedas (tiene una bala en su cuerpo que parece haberla
llevado a eso), aunque quizás no lo necesite; lo hace porque sí, o
para pedir dinero. Lucas trabaja levantando huesos y desechos de
carnicerías en un camión, y pasa gran parte de su tiempo dando
vueltas por la ciudad, con un arma que de vez en cuando usa
para amenazar, para robar o para tirar unos balines a donde se
le ocurra. Con inmensas actuaciones de Nahuel Pérez Biscayart
y Ailín Salas, Lulú es una suerte de celebración eufórica del amor
que da cuenta de la dificultad que estos dos espíritus libres, apa-
rentemente dispuestos a hacer cualquier cosa, encuentran para
sostenerlo. Las tensiones entre la norma y la libertad, la ley y el
deseo, la enfermedad y la salud aquí aparecen retratadas bajo la
mirada de un director que, evidentemente, ya ha encontrado su
propio pulso cinematográfico. Violeta Bava
Argentina, 2014 / 87’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G: Luis Ortega F: Daniel Hermo E: Rosario Suárez
DA: Juan Giribaldi S: Catriel Vildosola M: Daniel Melingo
P: Ignacio Sarchi, Luis Ortega PE: Ignacio Sarchi
CP: 188s, Luis Ortega I: Ailín Salas, Nahuel Pérez Biscayart,
Daniel Melingo
Contacto / Contact
188s. Ignacio Sarchi
T +54 9 11 6589 5007
E sarchi@188s.com.ar W 188s.com.ar
54 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Ludmila and Lucas live in a shack in one of the richest areas of
Buenos Aires. Ludmila moves around in a wheelchair (she has
a bullet inside of her that apparently put her on the chair), even
when she doesn’t seem to need it –she does it for no reason, or
for begging. Lucas’ job is picking up bones and butcher’s wastes
in a truck, and spends most of his time going around the city with
an air gun he occasionally uses to threaten, steel, or shoot out
some pellets wherever he pleases. Featuring huge performances
by Nahuel Pérez Biscayart and Ailín Salas, Lulú is sort of a eu-
phoric celebration of love that depicts the troubles these two free
spirits –apparently willing to do anything– go through in order to
maintain it. The tensions that exist between regulations and free-
dom, law and desire, and sickness and health, are here portrayed
through the eye of a filmmaker who clearly has found his own
cinematographic pulse. VB
Luis Ortega
Nació en Buenos Aires en 1980. Dirigió los largometrajes Caja negra
(2002), Monobloc (Bafici ‘05), Los santos sucios (Bafici ‘10), Verano maldito
(2011) y Dromómanos (Bafici ‘12). En el 15 Festival presentó su cortome-
traje Ludmila in Cuba (2013). | He was born in Buenos Aires in 1980. He
directed Black Box (2002), Monobloc (Bafici ‘05), The Dirty Saints (Bafici
‘10), Damn Summer (2011) and Dromómanos (Bafici ‘12). The 15 th Festival
screened his short film Ludmila in Cuba (2013)
 competencia oficial argentina
Madres de los dioses
Mothers of the Gods
Pablo Agüero regresa a El Bolsón para narrar en tres movimientos
(Apocalipsis, Iluminación y Génesis) la vida de cuatro mujeres que
en un momento dado deciden abandonar sus vidas y comenzar
de cero, asumir un nuevo credo, construir un templo. Madres de
los dioses es el retrato hipnótico, misterioso y no exento de cierta
sensualidad de Samiha, Humana, María y Maicoño. Todas ellas
han abrazado el entorno enigmático de El Bolsón como último
refugio frente al pasado y la soledad, cada una se compromete
con una espiritualidad diferente y, sin embargo, hay algo que las
une y convoca para que en las noches de luna llena se reúnan en
torno a una hoguera. Ellas (y citamos el bellísimo parlamento final
del film, recitado por Geraldine Chaplin) “han creado cada una su
propio dios, su propia religión, su propio templo, y sin embargo
forman un solo pueblo”. Ellas son las nuevas mujeres. Fran Gayo
Argentina / Francia - Argentina / France, 2015
84’ / DCP / Color
Español - Spanish, Mapuche
D, G, F: Pablo Agüero E: Sebastián Schjaer S: Emiliano Biaiñ
P: Matías Tamborenea, Pablo Agüero PE: Matías Tamborenea
CP: Gora Films, 77 Films I: Geraldine Chaplin, Samiha Aguirre,
Maicoño Guitart, María Merino, Humana Espectral Amarilla
Contacto / Contact
Gora Films. Matías Tamborenea
T +54 9 11 5503 4160
E matias_tamborenea@yahoo.com.ar W gorafilms.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Pablo Agüero returns to El Bolsón to narrate in three movements
(Apocalypse, Illumination, and Genesis) the life of four women who
at one point decide to leave their lives and start from scratch, as-
sume a new religion, and build a temple. Mothers of the Gods is
a hypnotic, mysterious and somewhat sensual portrait of Samiha,
Humana, María, and Maicoño. All of them have embraced their
enigmatic return to El Bolsón as a last refuge against the past and
loneliness. Each one commits to a different spirituality, and yet
there’s something that unites and calls upon them to meet around
a bonfire in the nights of full moon. Quoting the beautiful final line
of the film spoken by Geraldine Chaplin, each one “has created
her own God, her own religion, and her own temple, and yet they
form one single people.” They are the new women. FG
Pablo Agüero
Nació en Mendoza en 1977. Entre sus trabajos como director se encuen-
tran los cortometrajes Lejos del sol (2005) y Primera nieve (2006), y los
largometrajes Salamandra (2008) y 77 Doronship (2009), por el cual
recibió el premio al Mejor Director de la Competencia Argentina del 11°
Festival. | He was born in Mendoza in 1977. His work as director includes
the shorts Lejos del sol (2005) and Primera nieve (2006), and the films
Salamandra (2008) and 77 Doronship (2009), for which he received the
Best Director Award in the 11th Festival’s Argentine Competition.
55
 argentine official competition
Mar
La ruta, un auto y cierta tensión familiar perceptible en el aire pa-
recen ser, una vez más, los elementos básicos que necesita Soto-
mayor para organizar el relato. En este caso se trata de un viaje a
Villa Gesell, y el film comienza con el conflicto ya estallado: encon-
tramos a Martín, que está con su novia Eli, al costado de la ruta,
discutiendo por teléfono con su madre porque esta no le dio los pa-
peles del auto. Rápidamente, la película pone de relieve el agobio
y la dificultad de la relación de pareja durante las vacaciones y sin
una rutina que los contenga. En este contexto, la llegada de la ma-
dre de Martín intensificará los problemas ya instalados. La mirada
atenta y aguda de la directora capta muy bien el cúmulo de detalles
y acciones que forman parte de este veraneo, entre la pileta y la
playa: la entrega de la casa alquilada, los mates, la guitarreada, el
fogón. Si bien, a priori, estos elementos podrían conformar unas
vacaciones agradables, aquí nos van revelando, de manera sutil
y a través de un exquisito uso del lenguaje, el estado de crisis y
desgaste en las relaciones de los personajes. Violeta Bava
Argentina / Chile, 2014 / 60’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: Dominga Sotomayor G: Lisandro Rodríguez, Vanina Montes,
Manuela Martelli, Dominga Sotomayor F: Nicolás Ibieta E: Catalina Marín
DA: Limarí Ascui S: Julia Huberman P: Iván Eibuszyc, Dominga Sotomayor,
Lisandro Rodríguez PE: Iván Eibuszyc CP: Cinestación, Frutacine
I: Lisandro Rodríguez, Vanina Montes, Andrea Strenitz
Contacto / Contact
New Europe Film Sales. Jan Naszewski
T +48 600 173 205 +54 9 11 5727 4275
E jan@neweuropefilmsales.com - frutacine@hotmail.com
W neweuropefilmsales.com
56 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The road, a car, and a certain family tension we feel in the air
seem to be –once again– the basic elements Sotomayor needs
in order to organize the story. In this case, it’s a trip to Villa Ge-
sell, and the film starts with an already triggered conflict: we find
Martín and his girlfriend Eli by the side of the road, arguing over
the phone with his mother because she didn’t give him the car
papers. Quickly, the film stresses the couple’s strain and hard
times during vacations, as they don’t have any routine that would
contain them. In this context, the arrival of Martín’s mother will
intensify the already existing problems. The director’s attentive
and sharp eye really captures the piling of details and actions
that conform this summer spent between the swimming pool and
the beach: the taking over of the rented house, the mates, the
guitar playing, the bonfire. Even when these elements might at
first make up a nice vacation, here they reveal in a subtle way, and
with an exquisite use of film language, the crisis and wear of the
characters’ relationships. VB
Dominga Sotomayor
Nacida en Santiago de Chile en 1985, egresó como directora audiovisual
de la Universidad Católica de Chile y realizó un máster en dirección cine-
matográfica en España. En 2008 creó la productora Cinestación. Su primer
largometraje, De jueves a domingo (Bafici ‘12), obtuvo el Tiger Award a la
Mejor Película en el Festival de Rotterdam. | Born in Santiago de Chile in
1985, she graduated as Audiovisual Director from the Catholic University
of Chile and did an MA in Film Directing in España. In 2008 she founded
the production company Cinestación. Her first feature-length film Thursday
‘Til Sunday (Bafici ‘12), won the Tiger Award for Best Film at the Rotterdam
Film Festival.
 competencia oficial argentina
Miramar
La rutina de un balneario cordobés fuera de temporada se
altera levemente con la aparición de Javier, un joven que llega
a quedarse en la hostería donde trabaja Sofía. No se conoce
mucho de sus razones para estar en ese lugar en ese momen-
to, pero la relación entre ellos se estrecha a partir de una con-
versación que se extenderá por varios días en los que recorren
la ciudad y cada uno relata sus historias. Así, por azar, los
dos destinos se cruzan. El de ella, con un futuro por delante,
lejos de su familia y con una reciente noticia: entre las tareas
cotidianas y un padre enfermo, Sofía debe tomar una difícil
decisión. El de él, empujado desde el pasado, escapando de
una situación envuelta por el misterio que lo obliga a superarla
o a vivir atrapado en ella. El agua se mueve en la orilla del lago,
inunda las ruinas de las zonas devastadas y se escapa por
las cañerías viejas, enfrentando a los personajes con difíciles
decisiones y el inevitable proceso de crecer. Leandro Listorti
Argentina, 2015 / 69’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, M: Fernando Sarquís F: César Aparicio
E: Lucía Torres, José Benassi, Fernando Sarquís DA: Jimena Bustos
S: Emiliano Racino P: Marcelo Romero, Fernando Sarquís, Sofía Castells
PE: Sofía Castells CP: Diez Elefantes, Blackmaría, Vibra, Diagonal
I: Florencia Decall, Maximiliano Gallo, Eva Bianco, Eduardo Rivetto
Contacto / Contact
Diez Elefantes. Sofía Castells
T +54 9 351 389 9068
E sofiacastells@gmail.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The routine life of an out-of-season beach town is slightly altered
by the arrival of Javier, a young man who checks in at the hostel
where Sofía works. We don’t know much about his reasons for
being in that place at that time, but their relationship gets closer
in a conversation that will stretch for several days, as they walk
through town and share their stories. And so, by chance, their
fates meet. She has a future ahead, away from her family and
with some recent news: Sofia needs to make a decision amidst
her everyday chores and a sick father. He is driven by his past and
flees from a mysterious situation that forces him to either get over
it, or live trapped in it forever. The water flows on the ocean shore,
flooding the ruins of devastated area, and escaping through old
water pipes, bringing the characters face to face with tough deci-
sions and the inevitable process of growing up. LL
Fernando Sarquís
Nació en Córdoba en 1987. A los 15 años empezó sus estudios en música,
y más tarde se formó en la Universidad Nacional de Córdoba, donde se
recibió como licenciado en cine y TV. Realizó el cortometraje Amar, temer,
partir, y Miramar es su primer largo. Actualmente está escribiendo La sole-
dad de los elefantes. | He was born in Córdoba in 1987. At the age of 15
he began studying Music and later trained at the National University of
Córdoba, where he majored in Film and TV Direction. He directed the short
film Amar, temer, partir, and Miramar is his first feature-length film. He’s
currently writing La soledad de los elefantes.
57
 argentine official competition
Placer y martirio
Martyrdom and Pleasure
Delfina: mujer casada con marido e hija adolescente, buen pasar
económico, mucama. Una amiga le presenta a Kamil, un señor
mayor que juega a las grandes finanzas y, sobre todo, juega a
representar ese papel de tiburón manipulador y sofisticado. No es
que Kamil finja, es que todo en Placer y martirio está atravesado
por un juego de máscaras, por la peculiar idea que tiene Campu-
sano sobre la actuación y los diálogos, de un nivel de artificio con-
sistente y que carga el relato de una electricidad particular. Cam-
pusano –en una novedosa incursión de su cine en algo así como
las clases altas o media-altas– consigue un melodrama sobre el
ennui, la sumisión y el sexo en el que los personajes secundarios
–la mucama reclamante, intensa y a la vez deadpan– por momen-
tos generan pasos de comedia tan incómodos como inusuales.
Debajo del singular contrato de verosimilitud que puede llegar a
establecerse con ella, Placer y martirio bulle como un relato de una
intensidad poco común en el cine argentino, de un ritmo narrativo
extraordinario, con la vitalidad y el atractivo de quien le tiene poco
miedo al error y construye así un cine cuyos bordes desparejos le
permiten ampliar el espectro, o los fantasmas. Javier Porta Fouz
Argentina, 2015 / 100’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, P: José Celestino Campusano F: Eric Elizondo, Nicolás Pittaluga
E: Martín Basterretche S: Daniel Ibarrart M: Claudio Miño
PE: Leonardo Padín, Mónica Amarilla CP: Cinebruto I: Natacha Mendez,
Rodolfo Ávalos, Paula Napolitano, Aldana Carretino, Myrian Agüero
Contacto / Contact
Cinebruto. José Celestino Campusano
T +54 2229 498 363
E cinebruto@gmail.com W cinebruto.com
58 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Delfina: a married woman with a husband and a teenage daugh-
ter, a solid financial status, and a maid. A friend introduces her to
Kamil, an older man who plays in the big finances but above all
plays the role of manipulating and sophisticated shark. It’s not so
much that Kamil is pretending as the fact that everything in Mar-
tyrdom and Pleasure is crossed by a masquerade game, because
of Campusano’s peculiar notions about the acting and dialogues,
which consistently carry artifice and charge the story with particu-
lar electricity. In a new incursion for his cinema, as it approaches
something the likes of upper or upper-middle class, Campusano
delivers a melodrama about ennui, submission, and sex in which
secondary characters –the demanding maid, who is both intense
and deadpan– occasionally create comedy steps as uncomfort-
able as unusual. Under the singular verisimilitude contract you can
establish with it, Martyrdom and Pleasure boils up a story of rarely
seen intensity in Argentine cinema, with an extraordinary narrative
pace and the vitality and appeal of those who aren’t afraid to fail,
thus building a cinema whose rough edges allow it to widen its
spectrum –or its specters. JPF
José Celestino Campusano
Nacido en Quilmes en 1964, estudió parte de la carrera de realización
cinematográfica en el Instituto de Cine de Avellaneda. Además de cortos
y mediometrajes, dirigió largos como Legión, tribus urbanas motorizadas
(2006), Vil romance (2008), Vikingo (2009), Fango (2012) y Fantasmas
de la ruta (Bafici ‘14). | Born in Quilmes in 1964, he studied part of the
filmmaking program at the Avellaneda Film Institute. He directed short,
medium-length, and feature-length films, including Legión, tribus urbanas
motorizadas (2006), Vil romance (2008), Vikingo (2009), Fango (2012) and
Fantasmas de la ruta (Bafici 14).
 competencia oficial argentina
Poner al rock de moda
Bring Back Rock
El camino del héroe, aquella mitología convertida en dogma que
tanto mal y tanto bien le hizo a la narración clásica, podría, con
sus caballeros munidos de guitarras que enfrentan obstáculos
que parecen insalvables en un mundo de fantasía, encontrar
fácilmente un reflejo en el ambiente del rock. Pero, a diferencia
de la mayoría de las películas sobre bandas de música, Poner
al rock de moda no se trata de un documental de ascenso al
éxito. Banda de Turistas ya es una banda reconocida, con gran
repercusión de público y bendecida por la crítica. ¿Qué sigue,
entonces? Viajes por Argentina y el exterior y la presión de cómo
continuar, y ahí es donde entra Charriere con sus cámaras (por-
que hay de todo: Super 8, 16mm y video) para registrar ensayos,
recitales y esos momentos de tensión y creación tan elusivos
como maravillosos. El tema central de esta ópera prima puede
encontrarse en su título: el arte y su trascendencia, dos términos
problemáticos que, tarde o temprano, entran en conflicto en la
vida de todo artista. Leandro Listorti
Argentina, 2015 / 78’ / DCP / Color - B&N
Español - Spanish
D, G, F, PE: Santiago Charriere E: Sebastián Mega Díaz
S: Pablo Sala M: Banda de Turistas P: Santiago Charriere,
Sofía Camdessus I: Tomás Putruele, Bruno Albano, Luis Balcarce,
Patricio Troncoso, Guido Colzani
Contacto / Contact
Santiago Charriere Films. Santiago Charriere
T +54 9 11 3644 2091
E santiagocharriere@gmail.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The hero’s journey, that mythology turned dogma that both en-
riched and hurt classic narrative, might easily find a reflection on
the rock music world, with its guitar-holding gentlemen facing
obstacles that seem unsalvageable in a fantasy world. But unlike
most films about music bands, Bring Back Rock is not a documen-
tary about a rise to stardom. Banda de Turistas is already a well-
known band with both critical and commercial success. What’s
next, then? Travelling in Argentina and abroad, and the pressure
on how to continue. And that’s where Charriere walks in with his
cameras (there are all kinds: Super 8, 16mm, and video) in order
to record rehearsals, concerts, and the both elusive and wonderful
moments of tension and creation. The main theme in this opera
prima can be found in its title: art and its transcendence, two
problematic terms that sooner or later will come in conflict in any
artist’s life. LL
Santiago Charriere
Nacido en 1986, estudia cine en la FUC. En 2012 estrenó Backyard
Sessions, un mediometraje documental que participó en festivales del
género en República Checa, Polonia, Estados Unidos y Ushuaia. Traba-
ja como director de comerciales. Poner al rock de moda es su primer
largometraje. | Born in 1986, he studies Filmmaking at FUC. In 2012 he
released Backyard Sessions, a medium-length documentary that partici-
pated in genre festivals in Czech Republic, Poland, United States, and
Ushuaia. He works as an advertising director. Bring Back Rock is his first
feature-length film.
59
 argentine official competition
La princesa de Francia
The Princess of France
La secuencia inicial de esta película no solo es memorable y abso-
lutamente genial, sino que además da cuenta de un manejo escé-
nico y coreográfico magistral: en una cancha de fútbol 5, filmada
desde algún balcón porteño y con música de Schumann, se abre
paso la tercera shakesperiada de Matías Piñeiro. Con ayuda del
gran ojo de Fernando Lockett y una impresionante dirección de
actores, la materia prima teatral se transforma en el puro cine al
que el director nos tiene acostumbrados. Piñeiro lleva al extremo
tanto a sus personajes como a la narración, y nos invita a armar el
rompecabezas de la vida amorosa de Víctor, quien recién llega a
Buenos Aires desde México y se ve rodeado por una serie de muje-
res: su novia, su ex novia, su amiga, su amante, etc. El libre trabajo
sobre una serie de comedias shakesperianas, las referencias mu-
sicales y pictóricas –allí está el cuadro de William A. Bouguereau
que da título al film–, los elementos radiales y la lucidez de un gran
orquestador dan como resultado una película que trasciende toda
referencia y asume un sello propio. Violeta Bava
Argentina, 2014 / 70’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G: Matías Piñeiro F: Fernando Lockett E: Sebastián Schjaer
DA: Ana Cambre S: Mercedes Tennina, Daniela Ale, Emilio Iglesias
M: Julián Larquier, Julián Tello, Juan Chacón P, PE: Melanie Schapiro
CP: Trapecio Cine I: Julián Larquier, Agustina Muñoz, María Villar
Contacto / Contact
Trapecio Cine. Melanie Schapiro
T +54 9 11 5756 2690
E melanieschapiro@gmail.com
W trapeciocine.com.ar
60 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The initial sequence of this film is not just memorable and abso-
lutely genius, but it also speaks of a masterful stage and choreo-
graphic ability: Matias Piñeiro’s third Shakespearian feat opens
way through a Soccer 5 field shot from some balcony in Bue-
nos Aires with a score by Schumann. With the help of Fernando
Lockett’s great eye and a remarkable acting direction, the theater
materials turn into the pure cinema the director has got us ac-
customed to. Piñeiro takes both his characters and the narration
to the extreme, and invites us to make up the puzzle of Víctor’s
love life as he returns to Buenos Aires from Mexico and gets sur-
rounded by a series of women: his girlfriend, his ex-girlfriend, his
friend, his lover, etc. The free work on a series of Shakespeare
comedies, together with musical and pictorial references –like the
painting by William A. Bouguereau the film got its title from–, ra-
dial elements, and the lucidness of a great orchestrator, delivers a
film that transcends all references and assumes its own mark. VB
Matías Piñeiro
Nació en Buenos Aires en 1982, estudió en la Universidad del Cine y se
formó luego en la Universidad de Harvard. Dirigió los largometrajes El
hombre robado (2007), Todos mienten (2009) y Viola (2011; ganador
del BAL 2012 y premios a la Mejor Actriz y FIPRESCI en el 15° Festival),
además del mediometraje Rosalinda (2010), todos exhibidos en el Bafici.
| Born in Buenos Aires in 1982, he studied at Universidad del Cine and
later trained in Harvard. He directed El hombre robado (2007), They All Lie
(2009), and Viola (winner of BAL 2012 and the Best Actress and FIPRESCI
awards at the 15 th Festival), as well as the medium length film Rosalinda
(2010), all of them screened at Bafici.
 competencia oficial argentina
La sombra
The Shadow
Aunque tiene un dejo de ironía y otro de innegable amargura, no
es gratuita la cita a El ciudadano que Javier Olivera desliza en La
sombra: su propia historia, la de su padre como joven magnate
del cine nacional, y la de la casona de zona norte en la que su
familia tenía una vida idílica, registrada en regio Super 8, y que
fue una especie de Xanadú arrasada por un tsunami. Únicamente
que esa devastadora fuerza de la naturaleza se llevó consigo no
solo la mansión familiar, sino también la vida en familia, el cine
como contraseña para dar la vuelta al mundo, la exuberancia y la
comodidad. Olivera se anima a mirar de frente los restos (literal-
mente, en este caso: la casona primero se fue vaciando y luego
fue demolida) de un pasado de gloria; pero también construye un
presente hecho de fragmentos, de escombros, de cintas olvidadas
y de cosas nunca antes dichas. La sombra es una película valiente
y hermosa, hecha a sabiendas de que nada de esto puede volver
a poner el mito en su lugar. Marcelo Panozzo
Argentina, 2015 / 72’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, F, E, P: Javier Olivera S, M: Zypce
CP: Walden Productora Audiovisual
Contacto / Contact
Walden Productora Audiovisual. Javier Olivera
T +54 9 11 5485 7316
E javierolivera07@gmail.com
W vimeo.com/waldenproductora
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Even when it carries a hint of irony and another one of undeni-
able bitterness, the Citizen Kane quote Javier Olivera slips in The
Shadow is not gratuitous. His own story, the story of his father as
a young cinema tycoon in Argentina, the story of the northern sub-
urb mansion where his family lived an idyllic life that was recorded
in fine Super 8, is a kind of Xanadú that got wiped out by a tsuna-
mi. But that devastating force of nature didn’t take away only the
family mansion, but also their family life, cinema as a password
that took them around the world, exuberance, and comfort. Olivera
is brave enough to face the remains (in this case, literally: the
house was first emptied and then demolished) of a glorious past,
but he also builds a present that is made of fragments, rumble,
forgotten tapes, and unspoken words. The Shadow is a brave and
beautiful film, made with the knowledge that none of this can put
the myth back in its place. MP
Javier Olivera
Nació en Buenos Aires en 1969. Estudió pintura con Luis Felipe Noé y
Eduardo Stupía, cine en UCLA (EE. UU.) y literatura en la Fundación Orte-
ga y Gasset de España. Dirigió y escribió El visitante (Bafici ‘99), el telefilm
Floresta (2007) y Mika, mi guerra de España (2014). Además, realizó series
documentales y films de ficción, fotografías, videos y video instalaciones. |
He was born in Buenos Aires in 1969. He studied Art with Luis Felipe Noé and
Eduardo Stupía, Film at the UCLA (USA) and Literature at the Ortega y Gasset
Foundation in Spain. He directed and wrote El visitante (Bafici ‘99), the TV
film Floresta (2007) and Mika, mi guerra de España (2014). He also made
documentary series, fiction films, photographs, videos and video installations.
61
 argentine official competition
Todo el tiempo del mundo
All the Time in the World
Una escuela y un director de cine unieron fuerzas para hacer una
película. El realizador (Rosendo Ruiz) aportó lo que un director
de cine debe aportar, claro, pero fue mucho más lejos: se metió
de lleno en una obra coral (en serio), dejó de lado otra parte de
lo que se supone que un director de cine debe aportar, y armó
guion, equipo y elenco con docentes, no docentes y alumnos de
la escuela Dante Alighieri de Córdoba. Los protagonistas son ado-
lescentes que huyen de la ciudad y emprenden un viaje por las
sierras cordobesas en busca de una mítica comunidad libertaria.
Con el Mundial de Brasil como telón de fondo, los chicos buscan
y no encuentran, encuentran lo que no buscan, se acercan, se
alejan, viven aventuras torpemente o las evitan sabiamente, hasta
que quedan al borde de un límite en el que tanto el anhelo de la
experiencia comunitaria como la vieja vida quedan igual de lejos
y es necesario tomar una decisión. El resultado es radiante de
muchas maneras; una de ellas tiene que ver con que deja a la
altura de adagios ridículos varias de las normas con las que se
hace cine en este país. Marcelo Panozzo
Argentina, 2015 / 72’ / DCP / Color
Español - Spanish
D: R. Ruiz G: M. Dalesson, E. Dominguez, F. González Kriegel, P. Ledesma,
F. Raimo, I. Taboada, R. Ruiz F: P. González Galetto E: R. Sonzini, R. Ruiz
DA: I. Riberi S: S. Curado M: I. Croce, A. Navarro, I. Pereyra P: G. Suau,
F. Bastida, G. Oviedo PE: S. Badino, I. Moyano CP: El Carro,
Escuela Dante Alighieri I: J. I. Croce, M. Dalesson, P. Ledesma, M. Muzi
Contacto / Contact
El Carro. Inés Moyano / Rosendo Ruiz
T +54 9 351 387 9201 +54 9 351 683 1205
E elcarroproductora@gmail.com - info@elcarrocine.com.ar
62 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A school and a film director have joined forces in order to make a
film. The filmmaker (Rosendo Ruiz) provided what a film director
must provide, of course, but he went far beyond: he became fully
involved in a collective work, left aside another part of what a
film director is supposed to provide, and put together script, crew
and cast along with teachers, non-teachers and students from the
Dante Alighieri school, in Córdoba. The protagonists are teenagers
who flee the city and embark on a trip across the Cordobese sier-
ras in search of a mythical libertarian community. With the World
Cup in Brazil as backdrop, the kids search and don’t find, find
what they weren’t looking for, approach, retreat, live adventures
clumsily or avoid them wisely, until they are left at the verge of a
limit where the longing for a communal experience and their pre-
vious lives are equally far and it becomes necessary to come to a
decision. The result is splendid in many ways; one of them has to
do with it making many of the norms with which films are made in
this country look like ridiculous adagios. MP
Rosendo Ruiz
Nacido en San Juan en 1967, vive en Córdoba, donde se licenció en Cine y
TV por la UNC. Su ópera prima, De caravana (2010), participó en la Compe-
tencia Internacional del Festival de Mar del Plata y ganó el Premio del Públi-
co. Su segundo largometraje, Tres D, participó en la Competencia Argentina
del 16° Festival. | Born in San Juan in 1967, he lives in Córdoba, where
he majored in Film and TV at the UNC. His first film De caravana (2010),
participated in the International Competition at the Mar del Plata Film Festi-
val and won the Audience Award. His second feature, Tres D, participated in
the Argentine Competition of the 16 th Festival.
 competencia oficial argentina
Victoria
Cuando espera el tren, cuando está en su cocina preparando la
comida, Victoria Morán no parece diferenciarse del resto de los
mortales. Pero cuando entona las primeras notas de un tema
de Omara Portuondo, podemos darnos cuenta de que se trata
de algo especial. Victoria es una cantora dueña de una voz ex-
cepcional. Ha editado discos, se presenta regularmente en vivo
y la crítica la considera una de las intérpretes más destacadas
de la música popular actual. Desde hace casi dos décadas vie-
ne llevando adelante, a puro pulmón, una carrera alejada de los
medios masivos y de las luces del éxito popular. Pero esa vida de
artista debe acoplarse a su otra vida, la de madre, profesora y
ama de casa. Y esos dos mundos, que uno puede imaginar para-
lelos, corren entrelazados y a veces golpeándose uno con otro. Al
igual que lo que sucedía con Reimon, de Rodrigo Moreno, Victoria
encuentra en una figura femenina la representación más clara y
acabada de la lucha diaria arrastrada por las tensiones entre el
arte y el trabajo, la teoría y la práctica, que debe llevarse a cabo
para el encuentro con uno mismo. Leandro Listorti
Argentina, 2015 / 70’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, P, PE: Juan Villegas F: Felipe Sánchez García
E: Manuel Ferrari S: Francisco Pedemonte M: Victoria Morán
CP: Tresmilmundos Cine I: Victoria Morán, Lucía Marmori,
Raimundo Marmori, Ramón Maschio, Alberto Jaime
Contacto / Contact
Tresmilmundos Cine. Juan Villegas
T +54 11 4771 1763 +54 9 11 5476 6916
E juanmaville@gmail.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
When she’s awaiting the train, when she’s in her kitchen fixing
up some food, Victoria Morán doesn’t seem to be any different
from the rest. But when she sings the first notes of an Omara
Portuondo song, we can realize that she’s something special.
Victoria is a singer with an exceptional voice. She has released
albums, does live gigs regularly and critics consider her one of
the most remarkable singers in today’s popular music. For almost
two decades, she has struggled her way through a career away
from the spotlight and mass media. But that life as an artist must
blend with her other life, as a mother, teacher and housewife.
And these two worlds, which one could imagine as parallel, are
interlaced, and sometimes clash with each other. As in Rodrigo
Moreno’s Reimon, Victoria finds in a female figure the most clear
and complete representation of everyday struggle caused by the
tensions between art and work, theory and practice, that must
happen in order to find oneself. LL
Juan Villegas
Nació en Buenos Aires en 1971. Fue coguionista de Modelo 73 (Bafici ‘01)
y Una semana solos (Mención Especial en Bafici ‘08). Dirigió los largome-
trajes Sábado (Bafici ‘01), Los suicidas (Bafici ‘06) y Ocio (Bafici ‘10; junto a
Alejandro Lingenti). | Born in Buenos Aires in 1971. He co-wrote ‘73 Model
(Bafici ‘01) and A Week Alone (Special Mention at Bafici ‘08). He directed
the feature films Saturday (Bafici ‘01), Los suicidas (Bafici ‘06), and Ocio
(Bafici ‘10; co-directed with Alejandro Lingenti).
63
 Competencia de
Cortos argentinos
argentine short films
competition
 argentine short films competition

Atardecer
Sunset

Una mujer mayor, luego de perder a su marido de toda la vida, sale de vacaciones a un
sitio donde solía veranear con él. Allí, convive con otras huéspedes del hotel, desconec-
tándose por momentos de su duelo.
After losing her long-time husband, an old woman goes on vacations to a place where
she used to spend the summers with him. There, she meets other women who are stay-
ing at the same hotel, and occasionally disconnects from her grief.
Argentina, 2015
14’ / DM / Color
Español - Spanish Violeta Uman
D, G, P, PE: Violeta Uman Nació en Argentina en 1975. Estudió diseño de imagen y sonido, y dirigió los cortos Clarilandia (2002)
F: Inés Copertino, Adriana Laham y Hevalino (2003; Bafici ‘03). Desde 2003, trabaja en las áreas de producción y dirección en diversos
E: Geraldina Rodriguez S: Agustín Casola proyectos audiovisuales. Esta es su vuelta como directora. | She was born in Argentina in 1975. She
I: Tamara Satanowsky, Cora Roca, Elvira Villariño studied Image and Sound Design, and directed the short films Clarilandia (2002) and Hevalino (2003;
Bafici ‘03). Since 2003, she works in the areas of production and direction for several audiovisual
Contacto / Contact projects. This is her return to film directing.
Violeta Uman
T +54 11 4982 9282 +54 9 11 5818 7404
E violetauman@gmail.com

Bajo
Under

Ensayo performático realizado sobre diferentes superficies, un recorrido por lo bajo.

Filmado en Súper 8 anamórfico.
A performatic essay made on different surfaces. A tour through the low. Shot in
anamorphic Super 8.

Argentina, 2015 Ernesto Baca

3’ / DM / B&N
Nació en Buenos Aires en 1969. Estudió dirección en el Cievyc y filmó numerosos cortos, largos de
D, G, F, E, DA, S, M, P, PE: Ernesto Baca ficción, documentales y experimentales. Entre sus largos más sobresalientes se encuentran Cabeza
CP: Kaumodaki Films I: Lucila Ruiz de palo (2002), Samoa (2005), Música para astronautas (2008) y Vrindavana (2010). | He was born in
Buenos Aires in 1969. He studied Filmmaking at Cievyc and directed several fiction short and feature-
Contacto / Contact length films, documentaries, and experimental films. Some of his most renowned films are Cabeza de
Kaumodaki Films palo (2002), Samoa (2005), Música para astronautas (2008), and Vrindavana (2010).
Ernesto Baca
T +54 11 4619 0186
E kaumodakifilms@gmail.com

66 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 Competencia de Cortos argentinos

Cuaderno de ramos generales

Lanz’s Notebook

Un inmigrante español muere en 1931 en Alpachiri, La Pampa. Las anotaciones co-

merciales de un cuaderno encontrado ochenta años después intentan echar luz sobre
sus últimos años.
A Spanish immigrant dies in 1932 in Alpachiri, La Pampa. The commercial notes from a
notebook found eighty years later attempt to shed light on his last years.

Argentina, 2015
7’ / DM / Color Mariano Marcucci
Español - Spanish
Nació en Buenos Aires en 1980 y cursó materias de filosofía y de diseño. Se encuentra finalizando la
D, G, F, E, DA, P, PE: Mariano Marcucci carrera de dirección en la Universidad del Cine. Dirigió los cortos Ha olvidado su paraguas y Relato del
S: Valeria Fernández CP: Universidad del Cine siniestro. | He was born in Buenos Aires in 1980 and studied Philosophy and Design. He’s currently
I: Mariano Marcucci, Vilma Sastre finishing the Filmmaking major at Universidad del Cine. He directed the short films Ha olvidado su
paraguas and Relato del siniestro.
Contacto / Contact
Mariano Marcucci
T +54 11 4546 2276 +54 9 11 6187 0256
E mariano.marcucci@gmail.com
sonata_415@hotmail.com

Despedida
Valediction

Después de veinte años lejos de su país natal, Victor Gourianov reflexiona sobre su
pasado y presente.
After twenty years away from his home country, Victor Gourianov reflects on his past
and present.

Argentina / Bolivia, 2015 Pablo Paniagua

6’ / DM / B&N Nació en Bolivia en 1985. Cursó talleres de fotografía y montaje en la Escuela de Cine y Artes Audio-
Ruso - Russian visuales de La Paz. Estudió fotografía y trabajó en el área de posproducción de la Universidad del Cine
D, F, E: Pablo Paniagua Baptista G: Pablo Paniagua, en Buenos Aires. En 2010 filmó su primer corto, Uno. | He was born in Bolivia in 1985. He taught
Víctor Gourianov DA: Víctor Gourianov S: Kiro Russo Photography and Editing courses at Film and Audiovisual Arts School in La Paz. He studied Photog-
M: Víctor Gourianov, Viktoria Hurianova raphy and worked in the area of post-production of Universidad del Cine in Buenos Aires. In 2010 he
P: Pablo Paniagua, Kiro Russo PE: Pablo Paniagua directed his first short film, Uno.
CP: SocavóncinE, Universidad del Cine I: Víctor Gourianov
Contacto / Contact
SocavóncinE. Pablo Paniagua Baptista
T +591 6717 1720 +591 279 2405
E pablopbap@gmail.com
pablopaniaguabaptista@gmail.com
W sinmotivo.com

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 67

 argentine short films competition

Ella la noche
Agustina

Agustina deambula extasiada en medio de una fiesta electrónica. A la madrugada vuelve

a su casa, duerme un poco y se va a dar una vuelta por el parque. Allí se pone a jugar
con Martín y luego conoce a su padre, Pablo. Agustina logra seducir al padre y al hijo;
juntos pasan la tarde conociéndose y desarrollando con ligereza un romance donde
se pone en juego la idea de que ese día puede ser el momento en que dos extraños
solitarios se encontraron.
Argentina / Colombia, 2015 Agustina wonders through an electronic party in ecstasy. She goes back home early
18’ / DM / Color in the morning, sleeps a bit, and then goes out to the park. There, she starts playing
Español - Spanish with Martín and later meets his father Pablo. Agustina manages to seduce father and
D, G: Hans Dieter Fresen son; they spend the afternoon getting to know each other and slightly developing a
F: Nicolás Gutiérrez, Franco Orocu romance that plays with the notion of that day turning into the moment in which two
E: Juan Sebastián Quebrada DA: Sophie Wolf lonely strangers met.
S: Lucía Mendoza P: Paula Orlando PE: Simón Vélez
CP: Montañero Cine I: Sofía Brito, Esteban Bigliardi
Hans Dieter Fresen
Contacto / Contact
Nació en Bogotá, Colombia, en 1982, y vive en Buenos Aires. Hizo un profesorado en dirección
Montañero Cine. Simón Vélez
cinematográfica en la Universidad del Cine. Actualmente se encuentra terminando un largometraje
T +54 9 11 2305 1626
codirigido con dos compañeros de clase. | He was born in Bogota, Colombia, in 1982, and lives in
E simonvelezlopez@gmail.com
Buenos Aires. He enrolled in a Film Professorship program at Universidad del Cine. He is currently
montanerocine@gmail.com
finishing a feature-length film co-directed with two classmates.
W montanerocine.com

Enfrentar animales salvajes

To Face Wild Animals

Miss Chile ‘85 ha sido secuestrada por Tarzán, rey de la jungla y máximo exponente del
comando patriótico antipinochetista Manuel Rodríguez.
Miss Chile 1985 has been kidnapped by Tarzan, the king of the jungle and highest
exponent of the Patriotic Anti-Pinochet Command Manuel Rodriguez.

Argentina, 2014 Jerónimo Quevedo

7’ / DM / Color
Nació en 1986 y estudió dirección de cine en la Universidad del Cine y en la Universidad Torcuato Di
D, G, E: Jerónimo Quevedo F: Victoria Pereda Tella. Fue asistente de dirección en cortos como Pude ver un puma (Bafici ‘12). Produjo los largos
S: Milton Rodríguez CP: Universidad del Cine Errata, Marea baja y Los tentados. | He was born in 1986 and studied Filmmaking at Universidad del
Cine and the Torcuato Di Tella University. He was an assistant director in several short films, including
Contacto / Contact Pude ver un puma (Bafici ‘12). He produced the films Errata, Marea baja and Los tentados.
Universidad del Cine. Mariángela Martínez Restrepo
T +54 11 4300 1413
E ucine@ucine.edu.ar
W ucine.edu.ar

68 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 Competencia de Cortos argentinos

Huesitos de pollo
Chicken Bones

Madre e hija conviven solas entre el desprecio y la miseria en una casa del suburbano.
El almuerzo las reúne una y otra vez con los mismos sentimientos de odio mutuo. Naty,
la hija travesti, narra lo que siente cada segundo hasta el brutal desenlace.
Mother and daughter live alone amidst contempt and poverty in a house in the suburbs.
Lunch reconnects them with the same feelings of mutual hatred over and over again. Naty,
the transvestite daughter, narrates what she’s feeling every second until the brutal outcome.
Argentina, 2015
10’ / DM / Color
Español - Spanish Juan Manuel Ribelli
D, G: Juan Manuel Ribelli F: Camilo Zamora Nació en Quilmes en 1991. Estudió dirección cinematográfica en la Universidad del Cine y técnica
E: Natalie Ann Feshold, Juan Manuel Ribelli fotográfica en el CAF. Dirigió, entre otros, Mu (2009), Una pelusa el saco (2010), No hay prisión si
DA: Juan Manuel Ribelli, Anabella Ferreyra puedes sonreír (2012) y Pendientes (2014). | He was born in Quilmes in 1991. He studied Filmmaking
S: Fernando Ribero M: Alvar Llusa Damiani, at Universidad del Cine Photo Technique at CAF. He directed several short films, including Mu (2009),
Una pelusa el saco (2010), No hay prisión si puedes sonreír (2012) and Pendientes (2014).
Ezequiel Bonani, Juan Gonzales, Gabriel Herrera
P: Melanie Bray PE: Juan Manuel Ribelli
CP: Panda Lab, Universidad del Cine, Garabatear con Luz
I: Naty Menstrual, Roxana Randon
Contacto / Contact
Garabatear con Luz. Juan Manuel Ribelli
T +54 9 11 3896 3488
E jmribelli@gmail.com W garabatearconluz.com

Incendio/Rescate
Fire/Rescue

Tres bomberos intentan no quedarse dormidos mientras esperan que un incendio los
haga salir del cuartel. Incendio/Rescate observa íntimamente, de una manera casi oní-
rica, a estos personajes que pasan su tiempo esperando la oportunidad de convertirse
en héroes.
Three firemen try to stay awake while waiting for a fire that would make them leave their
station. Fire/Rescue is an intimate observation –almost dreamlike– of these characters,
Argentina, 2015 who spend their time waiting for a chance to become heroes.
19’ / DM / Color
Español - Spanish
D: Juan Renau Juan Renau
F: Juan Renau, Armin Marchesini Weihmüller Nació en Buenos Aires en 1986. Es licenciado en Diseño de Imagen y Sonido por la UBA, dirección
E: Iara Rodríguez Vilardebó S: Sofía Straface de fotografía en el SICA, y en 2012 participó en el Laboratorio de Cine de la Universidad Torcuato Di
PE: Manuel Abramovich I: Sergio Sánchez, Tella. Dirigió el corto Yo y Maru 2012 (Bafici ‘13). | He was born in Buenos Aires in 1986. He majored
Ezequiel Arata, Exequiel Raúl Franco, in Image and Sound Design at the UBA, Cinematography at SICA, and participated in the Torcuato Di
Juan Manuel Ricci Tella University’s Film Lab in 2012. He directed the short films Yo and Maru 2012 (Bafici ‘13).

Contacto / Contact
Juan Renau
T +54 9 11 5840 5031 +54 9 11 5879 5665
E abramanuel@gmail.com
juanrenau@gmail.com

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 69

 argentine short films competition

El infierno de Beatriz
Beatriz’s Inferno

“El teatro es nerviosismo, una tensión monstruosa de nervios. Los instantes previos, la
energía que desborda de los cuerpos, los saludos, los rituales. Se sale algo, como morir
o matar, pienso. Llega el público y entonces los momentos de soledad, la concentración,
la atención feroz a cada detalle... La fiesta del monstruo”. Viaje fantasmal de la drama-
turga y directora teatral Beatriz Catani durante una función de la obra Infierno.
“Theater is nervousness, a monstrous nervous tension. The previous instants, the en-
Argentina, 2015 ergy overflowing the bodies, the salutes, and the rituals. Something comes off, like killing
16’ / DM / Color or dying, I think. The audience arrives and then the moments of loneliness, concentra-
Español - Spanish, Italiano - Italian tion, the ferocious attention to detail… The party of the monster.” The eerie journey
D, E, S: Marcos Migliavacca of playwright and theater director Beatriz Catani during a staging of the play Infierno.
G: Marcos Migliavacca, Beatriz Catani, Nahuel Lahora
F: Luis Migliavacca, Paola Buontempo
P: Nahuel Lahora, Cecilia Guerrero, Carmen Kreiter Marcos Migliavacca
PE: Nahuel Lahora CP: FestiFreak Produce Nació en 1981 en La Plata. Estudió comunicación audiovisual en la UNLP. Codirigió Al cielo (Compe-
I: Beatriz Catani tencia Nacional del Bafici ‘12) y, junto con Nahuel Lahora, el largometraje Rocío Recorder (2013).
Es programador del Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata FestiFreak. | He was
Contacto / Contact born in 1981 in La Plata. He studied audiovisual communication at the UNLP. He co-directed Al Cielo
FestiFreak Produce. Marcos Migliavacca (Argentine Competition in Bafici ‘12), and Rocío Recorder, together with Nahuel Lahora (2013). He’s a
T +54 9 221 589 8669 programmer for the FestiFreak International Independent Film Fest La Plata.
E marmiglia@gmail.com
W festifreakproduce.com.ar

El lado de los oponentes

The Opponents

Argentina, 2015
20’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, S, P: Francisco Pedemonte F: Lucas Gaynor
E: Gonzalo Tobal DA: Estefanía Ríos, Camila Romero
M: Juan Tobal PE: Luciana Civelli CP: Fransound,
Universidad del Cine I: Felipe Grieben Saubidet,
Jorge Bedini, Rocío Bilota, Mauro Vekselman,
Elena Bonora
Basado en la historia real de una familia que realizaba secuestros extorsivos. Alejandro,
el hijo menor, se encuentra ante una importante decisión cuando su padre le exige que
participa en el rapto de uno de sus propios compañeros.
Based on the true story of a family who kidnapped people for ransom. Alejandro, the
youngest son, finds himself before an important decision when his father asks him to
take part in the kidnapping of one of his schoolmates.
Francisco Pedemonte
Nacido en Bahía Blanca en 1982, es egresado de la Universidad del Cine. Realizó varios cortome-
trajes, entre ellos, Árboles y arbustos (Bafici ‘04), Invitados (Bafici ‘08), y el largometraje colectivo A
propósito de Buenos Aires (Competencia Nacional en Bafici ‘06). | Born in Bahía Blanca in 1982, he’s
a graduate from Universidad del Cine. He directed several short films, including Árboles y arbustos
(Bafici ‘04), Invitados (Bafici ‘08), and the collective feature-length film A propósito de Buenos Aires
(Argentine Competitoin in Bafici ‘06).

Contacto / Contact
Fransound. Francisco Pedemonte
T +54 9 11 6481 6882
E franciscopedemonte@gmail.com

70 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE


Argentina / México - Argentina / Mexico, 2015
18’ / DM / Color
Ruso - Russian, Francés - French,
Español - Spanish
D: Edén Bastida Kullick, Celeste Contratti
F: Edén Bastida Kullick E: Celeste Contratti
P: Edén Bastida Kullick I: Felipe Álvarez Hernández,
Sergio Vázquez Díaz, Baltazar Robles Hernández,
Ignacio Del Valle, Adán Espinosa
Contacto / Contact
Edén Bastida Kullick
T +54 9 11 5527 6009 +54 9 11 5607 9305
E edenbastidakullick@gmail.com
celestecontratti@gmail.com
Argentina / República Dominicana -
Argentina / Dominican Republic, 2014
14’ / DM / Color
Inglés - English
D, G, P: Pavel Marcano F: Enric Miranda
E: Gabriela Cevallos DA: Pavel Marcano
S: Gerardo Vélez PE: Micaela Picco
I: Javier Ulises Maestro, Pavel Marcano
Contacto / Contact
FilmsToFestivals. Gisela Chicolino
T +54 9 11 5181 1740 +54 9 11 3599 6441
E info@filmstofestivals.com
pavelmarcano@gmail.com
W filmstofestival.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Competencia de Cortos argentinos
Nexquipayac
Con la excusa de un tractor averiado, entramos en la vida de los pobladores de Nex-
quipayac, México, un pueblo en resistencia ante agresivas políticas de privatización de
la tierra por parte del gobierno nacional. Nos adentramos en su día a día, el entrama-
do de relaciones personales, creencias y lazos de camaradería. Todo esto atravesado
por intertítulos de películas legendarias. Un cruce de ideologías, momentos históricos
y luchas.
With the excuse of a broken down tractor, we enter the lives of the people of Nexquipay-
ac, Mexico, a town that resists the aggressive land privatization policies of the country’s
government. We get inside their daily life, the web of personal relationships, beliefs, and
friendship bonds. All this is crossed by intertitles of legendary films. A mix of ideologies,
historical moments, and struggles.
Las directoras | The directors
Edén Bastida Kullick nació en México en 1981. Realizó una maestría en Artes Visuales en la Univer-
sidad Nacional Autónoma de México y entre sus trabajos se encuentran Watchmen (2012) y to Police
the Police (2013). Celeste Contratti nació en Buenos Aires en 1988. Es diseñadora de imagen y
sonido y dirigió el corto El año pasado en Mardelplá. | Edén Bastida Kullick was born in México in
1981. She has an MA in Visual Arts at the Autonomous University of Mexico, and some of his works
are Watchmen (2012) and to Police the Police (2013). Celeste Contratti was born in Buenos Aires in
1988. She’s an Image and Sound Designer and directed the short film El año pasado en Mardelplá.
Nosotros, ustedes, ellos
We, You, They
Un encuentro por azar. Sin quererlo y sin planearlo, un día entero juntos. Quererse o
creer que se quiere. Repetir la misma acción hasta el cansancio. Quererse, o querer
creerlo. Ahora, simular estar contentos y jugar a evadirse cuantas veces sea necesario.
El deber de separarse, saberlo, no querer, pero tener que hacerlo.
A random encounter. A whole day together, without them wanting or planning it. To love
each other, or believing you do. To repeat the same action endlessly. To love each other,
or wanting to believe you do. Now, to simulate happiness and to playfully avoid each
other as many times as necessary. The need to separate, knowing so, not wanting to,
and having to do it.
Pavel Marcano
Estudió dirección, dramaturgia y actuación en la Escuela Nacional de Arte Dramático de República
Dominicana. Se trasladó a Buenos Aires para estudiar dirección cinematográfica en la Universidad del
Cine. Actualmente se encuentra desarrollando su primer largo documental. | He studied Filmmaking
and Acting at the National Drama School of the Dominican Republic. He moved to Buenos Aires to
study Filmmaking at Universidad del Cine. He’s currently developing his first documentary film.
71
 argentine short films competition

Paseo
A Walk

Inés se baña, tararea una canción. Piensa. Después sale a dar un paseo y se pierde.
Inés hums a song while bathing. She thinks. Then she goes out for a walk and gets lost.

Renzo Cozza
Nació en Buenos Aires en 1991. Estudió actuación y escritura. Además participó como actor en el
Argentina, 2015 cortometraje La novia de Frankenstein. Paseo es su primer cortometraje como director. | He was born
13’ / DM / Color in Buenos Aires in 1991. He studied Acting and Creative Writing. He also participated in the short film
Español - Spanish La novia de Frankenstein with an acting role. Paseo is his first short film as a director.
D, G: Renzo Cozza F: Antonella Casanova
E: Laura Preger DA: Lucía Evangelista
S: María Fernanda Sáenz
P: Renzo Cozza, Mariel Leite Escobar
PE: Renzo Cozza, Miel Bargman
I: Miel Bargman, Martín Fernández,
Guillermina Pico, Débora Dejtiar, Lucas Besasso
Contacto / Contact
Renzo Cozza
T +54 9 11 6576 7084
E renzo-hh@hotmail.com FB renzo.cozza

Presente imperfecto
Imperfect Present

Martín cumple años. Un confuso regalo lo hará reflexionar y plantearse cómo lo ven
los demás.
It’s Martín’s birthday. A confusing present will lead him to reflect and think about how
other people see him.

Argentina, 2015 Iair Said

15’ / DM / Color Nació en Buenos Aires en 1988. Su primer cortometraje, 9 vacunas, fue ganador del 15° Bafici. Como
Español - Spanish actor protagonizó el cortometraje Soy tan feliz, de Vladimir Duran, y participó de Mi primera boda, Acá
D, G: Iair Said F: Julián Ledesma E: Flor Efrón adentro, Sin hijos y Nena saludame al Diego. | He was born in Buenos Aires in 1988. His first short
DA: Josefina Guarracino, Laura Huberman film 9 vacunas, won at the 15 th Bafici. As an actor he starred in Vladimir Duran’s short film Soy tan
S: Jésica Suárez M: Rosario Ortega, Sofía Vitola, feliz, and worked in the films My First Wedding, Acá adentro, Sin hijos, and Nena saludame al Diego.
Joaquín Vitola P: Laura Huberman, Iair Said
PE: Iair Said CP: Gale Cine I: Iair Said, Katia Szechtman,
Agostina López, Vladimir Duran, Marcelo Szechtman
Contacto / Contact
Iair Said
T +54 9 11 6953 5061 +54 11 4432 1539
E saidiair@gmail.com

72 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 Competencia de Cortos argentinos
Argentina, 2015
17’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Mateo Bendesky F: Roman Kasseroller
E: Ana Godoy, Laura Bierbrauer
DA: Mirella Hoijman, Paula Kosoy S: Nahuel Palenque
P, PE: Florencia Clérico, Mateo Bendesky
CP: Sandwich Club, Universidad del Cine
I: Claudio Rangnau, Claudio Kustin, Iván Moschner
Contacto / Contact
Sandwich Club. Mateo Bendesky
T +54 9 11 4939 8810
E mateobendesky@gmail.com
W sandwichclubfilms.com
Argentina, 2015
29’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G: Juan Hendel F: Clara Sarraute Yamada,
Ignacio Leónidas E: Eduardo López López, Juan Hendel
DA: Patricia Lorena Ibarra S: Luis Alberto Corti,
Carolina Pérez Sandoval M: Puntos Suspensivos,
Suicide PE: María Laura Truszkowski, Gisele Amantegui,
Juan Hendel CP: Malaria, Marcos Paz Film TV
I: Elena He, Gisele Amantegui, Lisandro Rodríguez,
Javier De Pietro, Ingrid Mosches
Contacto / Contact
Malaria
Juan Hendel / Gisele Amantegui / María Laura Truszkowski
T +54 9 2227 461 533 +54 11 2070 9754
E info@malariaproductora.com.ar
juanhendel@yahoo.com.ar
FB Malariaproductora
Tosielapelicula
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
El ser magnético
The Magnetic Nature
Aldo tiene 55 años y vive con Pablo, su hermano mayor. Desde su casa, dirigen juntos
una disciplina religiosa que inventó su padre y cuya prédica se desarrolla por Internet.
Aldo está cansado de ser pastor, pero no sabe cómo decirlo.
Aldo is 55 years old and lives with his older brother Pablo. From their home they run
together a religious discipline their father invented and is preached through the Internet.
Aldo is tired of being a pastor, but doesn’t know how to say so.
Mateo Bendesky
Nació en Buenos Aires en 1989. En 2011 completó sus estudios en la Universidad del Cine. Dirigió
Acá adentro (2013; Competencia Internacional del Bafici ‘13), su ópera prima. | He was born in
Buenos Aires in 1989. In 2011 he finished his studies at Universidad del Cine. He directed Acá
adentro (2013; International Competition in Bafici ‘13), his opera prima.
Tosie
Tosie es una adolescente de familia oriental que vive y trabaja con su madre. Son flori-
cultoras. Un día la madre cae en cama sin motivo aparente. Tosie debe hacerse cargo
de todo en soledad, de manera inesperada. Su incipiente búsqueda personal se ve
amenazada. Pero esta situación la lleva a relacionarse con el entorno social, del cual se
encontraba aislada. Este encuentro producirá en ella cambios inesperados.
Tosie is a teenager of Asian origins who lives and works with her mother. They grow
flowers. One day, the mother gets sick for no apparent reason. Tosie unexpectedly has
to take charge of everything on her own. Her incipient personal quest is threaten. But
this situation leads her to connect with the social environment she was isolated from.
This encounter will cause unexpected changes in her.
Juan Hendel
Nacido en 1978 en la ciudad de Marcos Paz, estudió cine en el Observatorio de Cine y en el Labora-
torio de Cine de la Universidad Di Tella. Realizó el largo documental El tramo (Bafici ‘12), y los cortos
Moraga (2009) y Arenal (Bafici ‘14). Actualmente desarrolla su primer largometraje Los piélagos. |
Born in 1978 in the city of Marcos Paz, he studied at Di Tella University’s Film Observatory and Film
Lab. He directed the documentary El tramo (Bafici ‘12), and the short films Moraga (2009) and Arenal
(Bafici ‘14). He’s currently developing his first feature-length film Los piélagos.
73
muestra de Cortos
argentinos
argentine short films
exhibition
 argentine short films exhibition

Al despertar
Waking Up

Argentina / Ecuador, 2015
5’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, S, P, PE: Diana Ojeda Suárez
F: Diana Ojeda Suárez, Franco Maldonado Bisio
E: Diana Ojeda Suárez, Martín Funes
M: Carlos Gardel, Serú Girán, Los Abuelos de la Nada
CP: Universidad del Cine
Después de seis años y seis meses, el despertar no será el mismo. Años de compartir
se condensan en un recorrido desde el amanecer hasta la medianoche por las calles de
San Telmo, mientras se vuelve aún más difícil decir adiós.
After six years and six months, waking up won’t be the same. Years of sharing are
condensed in a walk from dawn till midnight through the streets of San Telmo, making
it even harder to say goodbye.
Diana Ojeda Suárez
Nació en 1989 en Quito, Ecuador. Estudió dirección cinematográfica en la Universidad del Cine de
Buenos Aires, donde también trabajó y realizó tres cortometrajes. Actualmente se desempeña como
montajista y escribe su primer largometraje. | She was born in 1989 in Quito, Ecuador. She studied
Filmmaking at Universidad del Cine in Buenos Aires, where she also worked and directed three short
films. She currently works as an editor and is writing his first feature-length film.

Contacto / Contact
Universidad del Cine. Diana Ojeda Suárez
T +593 98 242 5144 +593 328 0856
E dianaojedasuarez@gmail.com
W ucine.edu.ar

ánima
spirit

Retrato de la flor Epiphyllum oxypetalum. El pimpollo crece durante 25 días, florece

una noche y a la mañana siguiente muere. Registro y percepción subjetiva del flujo
del tiempo.
A portrait of the Epiphyllum Oxypetalum flower. The bud grows through the course of 25
days, it blooms one night and the next morning it dies. A record, as well as a subjective
perception, of the flow of time.
Argentina, 2015
7’ / DM / Color - B&N
D, F, E, P: Clara Frías M: Francisco López Clara Frías
CP: la no forma.zine Nació en 1981 en Buenos Aires. En 2011 participó de la 13° edición de Bafici con Teoría de cuerdas.
Actualmente trabaja como montajista junto a Narcisa Hirsch, dicta talleres de cine en la organización
Contacto / Contact CINE Zap y está preproduciendo su próximo largometraje. | She was born in 1981 in Buenos Aires.
la no forma.zine. Clara Frías In 2011, she participated in the 13 th edition of Bafici with String Theory. She currently works as an
T +54 11 4641 2949 +54 11 5849 3662 editor with Narcisa Hirsch, teaches film courses at the CINE Zap organization, and is pre-producing
E la.noforma@gmail.com her next film.
W clarafrias.com

76 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 muestra de Cortos argentinos

Así camino
This Is How I Walk

Ronaldo no camina solo. Ronaldo sabe que en cada rito una ausencia le da la mano;
sabe que todo lo que hace era de a dos; sabe que los recuerdos miran desde las fotos.
Una taza, un vaso, un plato solo pueden justificarse en su par. Ronaldo lo sabe, sabe
que si la pinta va a aceptar que se fue. Sabe que, con la última pincelada, ella queda
del otro lado de la memoria.
Ronaldo doesn’t walk alone. Rolando knows that, in every rite, an absence holds his
Argentina, 2015 hand; he knows that everything he does used to be done as a couple; he knows that
14’ / DM / Color memories stare from the photographs. A cup, a glass, a plate; they can only be justified
Español - Spanish as a pair. Ronaldo knows it, he knows that if he paints her, he will accept that she’s
D, G, F, E: Noelia de Mena gone. He knows that, with the last stroke, she will remain on the other side of memory.
S: Lucas Galambos, Noelia de Mena
P: Noelia de Mena, Facundo Guedes
I: Ronaldo Manuel González Noelia de Mena
Contacto / Contact Nacida en Quilmes en 1992, estudió dirección en la Universidad del Cine y se especializó en ilumina-
Noelia de Mena ción y cámara. Trabajó en diferentes áreas técnicas en la mayoría de sus proyectos. Este es su primer
T +54 11 4253 1979 +54 9 11 5697 4301 trabajo como directora y guionista. | Born in Quilmes in 1992, she studied Filmmaking at Universidad
E demenanoelia@gmail.com del Cine and specialized in lighting and camera. She worked in different technical areas in most of her
projects. This is her first work as director and scriptwriter.

Cosa de niños
Children’s Issues

Argentina, 2014
13’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Diego Escárate Urrutia F: Milagros Cascallar
E: Santiago Di Gangi, Nicolás Costoya
DA: Lucía Curiantun, Nicolás Costoya
S: Santiago Manuel Mures
M: Tito Escárate P: Nicolás Costoya
PE: Nicolás Costoya, Santiago Di Gangi,
Milagros Cascallar, Diego Escárate Urrutia,
Lucia Curiantun, Santiago Manuel Mures,
Maximiliano Reca, Federico Lorences CP: Grupo Rock
Contacto / Contact
Grupo Rock
T +54 9 11 6185 8483 +54 9 11 3104 1906
E milagroscascallar@gmail.com
diego_e_dfg@hotmail.com
Cote (11) se dirige a la escuela como cualquier día, no sin antes pasar por el kiosco a
comprar un juguito. Pero no tiene plata, y tampoco le quieren fiar. Cote y sus amigos in-
tentarán conseguir dinero, y para eso deberán atravesar desafíos propios de los adultos.
Cote (11) heads for school like any other day, not without stopping at the kiosk to
buy juice. But he has no money, and they won’t sell him on credit. Cote and his friends
will try to get some money, and to do so they will have to go through some challenges
worthy of grown-ups.
Diego Escárate Urrutia
Nacido en Santiago de Chile en 1989, comenzó sus estudios audiovisuales en la Universidad de
Buenos Aires en 2012. Trabajó como camarógrafo y sonidista para producciones independientes.
Dirigió el videoclip La ruleta (2013) y el cortometraje La joya de más valor (2013). | Born in Santiago,
Chile, in 1989, he began his audiovisual studies at the University of Buenos Aires in the year 2012.
He worked as a cameraman and sound engineer for independent productions. He directed the music
video La ruleta (2013) and the short film La joya de más valor (2013).

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 77

 argentine short films exhibition
Argentina, 2015
29’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Leonardo Funes, Francisco Chiapparo, Lucila Brea
F: Rodrigo Isla Treleani E: Leonardo Funes
DA: Lucila Brea S: Martín Scaglia M: Sobrenadar,
El Tronador, Búlgara, Los Hermanos Mckenzie,
Las Ligas Menores P: Leonardo Funes
I: Luciana Grasso, Paula Cancela, Guido Botto Fiora
Contacto / Contact
Leonardo Funes
T +54 9 11 6194 3870
E lezefunes@gmail.com
FB dedialanoche
Argentina, 2014
21’ / DM / Color
Español - Spanish, Inglés - English
D, G: Marcelo Mitnik F: Sol Lopatin
E: Alejandro Brodersohn, Alejandro Carrillo Penovi,
José Manuel Streger DA: Marina di Paola
S: Gaspar Scheuer M: Nicolás Barry, Tomás Jacobi
P: Dave Kajganich, Paula Manzanedo Schmit,
Marcelo Mitnik PE: Pola Zito, Alex Zito
CP: Inclostico Cine I: Valeria Blanc, Martín Piroyansky,
Jeremy Glazer, Verónica Hassan, Javier Drolas
Contacto / Contact
Inclostico Cine. Marcelo Mitnik
T +1 424 208 3347 +54 9 351 399 3772
E info@inclostico.com W enlasnubesfilm.com
78 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
De día la noche
Daynight
María y Paula se juntan con el fin de preparar una fiesta en una casa vacía del Gran
Buenos Aires. Entre charlas y cervezas de por medio esperan a Lucas, la tercera punta
del triángulo, quien al llegar romperá la tranquilidad de esa tarde calurosa.
María and Paula meet in order to prepare a party in an empty house in the suburbs
of Buenos Aires. In between talks and beers, they wait for Lucas, the third side of the
triangle, who, upon arrival, will end the peace of that hot afternoon.
Los directores | The directors
Nacidos en Buenos Aires, Leonardo Funes (1987) estudió diseño de imagen y sonido y codirigió La
prenda (2012); Francisco Chiapparo (1986) estudió diseño de imagen y sonido y dirigió Son ellas
(2013); y Lucila Brea (1986) se formó como actriz en el Estudio de Augusto Fernándes, Nora Mosein-
co y Federico León, y es su primer cortometraje. | Born in Buenos Aires, Leonardo Funes (1987)
studied Image and Sound Design and co-directed La prenda (2012); Francisco Chiapparo (1986)
studied Image and Sound Design and directed Son ellas (2013); and Lucila Brea (1986) trained in
acting with Augusto Fernándes, Nora Moseinco and Federico León, and this is her first short film.
En las nubes
In the Clouds
La diferencia entre cómo pensamos que debería funcionar una historia de amor y cómo
funciona en realidad es el meollo cómico de En las nubes, una exploración de los des-
acuerdos culturales sobre la intimidad, el amor y las propuestas matrimoniales en la
era de YouTube.
The difference between how we think a love story should work and how it actually works
is at the comical heart of In the clouds, an exploration of the cultural disagreements on
intimacy, love and marriage proposal in the YouTube era.
Marcelo Mitnik
Nacido en Córdoba, realizó un máster en guion en la Escuela de Cine, Teatro y TV de la UCLA. Su
trabajo como guionista fue premiado por la British Academy of Film and Television Arts Fellowship,
entre otros. Su labor como director ha sido reconocida en más de veinte festivales de cine inter-
nacionales. | He was born in Córdoba, and has an MA in Scriptwriting from UCLA’s School of Film,
Theater and TV. His work as a scriptwriter was awarded by the British Academy of Film and Television
Arts, Fellowship, among others. His work as a director has been recognized in more than twenty
international film festivals.

Argentina, 2015
13’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, E, P, PE: Lucrecia Kelmansky, Lucía Salas
F: Rocío Barbenza DA: Sol Bolloqui
S: Guido Bruno Texier, Andrés Radulovich
CP: El Círculo Rojo
I: Lucrecia Kelmansky, Leandro Naranjo
Contacto / Contact
El Círculo Rojo. Lucrecia Kelmansky / Lucía Salas
T +54 9 11 3183 6717 +54 9 11 6450 3876
E luciasalasdufour@gmail.com
lucreciakelmansky@gmail.com
Argentina, 2015
15’ / DM / Color
Español - Spanish
D, E, PE: Juan Salvador Ramos G: Juan Ignacio Pollio
F: Soledad Rodríguez DA: María del Rosario Ramos
S: Sergio Korin M: Juan de la Cruz Ramos, Matías Llopis
P: Florencia Caset CP: Pavón Cine
I: Esteban Bigliardi, María Dupláa
Contacto / Contact
Pavón Cine. Juan Salvador Ramos
T +54 9 11 5895 7658 +54 9 11 5953 3568
E jsramos14@gmail.com - fcaset@gmail.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
muestra de Cortos argentinos
Enero
January
Lea, recién llegado de Córdoba, decide pasar a buscar algunas cosas que quedaron en
la casa de su ex novia en Buenos Aires, aprovechando que se fue de viaje. Al entrar se
encuentra con Lucre, una amiga de su ex que está a cargo de la casa y de una gata. La
gata desaparece y ahora ambos deben quedarse hasta encontrarla.
Lea, who has just arrived from the province of Córdoba, decides to go and pick up some
stuff that was left at his ex-girlfriend’s place in Buenos Aires, now that she’s away. When
he goes inside, he finds Lubre, a friend of her ex that is in charge of the house and tak-
ing care of a cat. The cat disappears, and now both of them must stay until they find it.
Las directoras | The directors
Lucrecia Kelmansky nació en Buenos Aires en 1986 y es realizadora y actriz. Lucía Salas nació
en Trelew en 1990 y es crítica de cine y programadora. Diseñadoras de imagen y sonido por la UBA,
dirigieron el cortometraje Diciembre (2014) con su productora El Círculo Rojo. | Lucrecia Kelmansky
was born in Buenos Aires in 1986 and is a director and actress. Lucía Salas was born in Trelew
in 1990 and is a film critic and programmer. Both Image and Sound Design graduated from UBA,
they directed the short film Diciembre (2014) through their own production company El Círculo Rojo.
Escuchá
Listen
Emanuel llega a su departamento apurado. Prepara la cena para su novia. Para su ex
novia. Algunos mensajes en el contestador telefónico cambian sus planes más próxi-
mos y hacen que el mundo del que intenta escapar se le caiga encima, pero el mundo
siempre puede volverse más ligero.
Emanuel arrives in his apartment in a hurry. He fixes some dinner for his girlfriend. For
his ex-girlfriend. Some messages in the answering machine change his most immediate
plans and make the world he’s trying to escape from collapse over him, but the world
can always become lighter.
Juan Salvador Ramos
Nació en Buenos aires en 1987. Comenzó la carrera de dirección de cine en la Universidad del
Cine y continuó con trabajos en el área de posproducción y animación digital. Ha trabajado como
camarógrafo y montajista en diversos cortometrajes y documentales. | He was born in Buenos aires
in 1987. He started the Filmmaking program in Universidad del Cine and continued working in the
areas of digital post-production and animation. He worked as a cameraman an editor for several short
films and documentaries.
79
 argentine short films exhibition

El fuego nace en el agua

Fire Comes from Water

Una mujer escapa junto a su hijo para adentrarse en el bosque, escenario de una llamada
que arrojará más dudas que certezas. Quién escapa, quién persigue y quién está perdido.
A women escapes with her son and goes deep into the forest, the scenery of a call that
will leave more doubts than certainties. Who’s escaping, who’s after who and who is lost.

Argentina, 2015 Julieta Amalric

10’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, E, P, PE: Julieta Amalric F: Sergio Claudio
DA: Julieta Amalric, Melody Tayhana
S: Fernanda Saenz CP: Universidad del Cine
I: Pilar Benítez Vibart, Máximo Silva
Nació en 1986 en Buenos Aires y estudió dirección en la Universidad del Cine. Escribió y dirigió
Verano (2008) y La mujer que usaba esparcidas las ondas del pelo (2009; Bafici ‘10). Actualmente
escribe su primer largometraje, Lo que dicen de ella. | She was born in 1986 in Buenos Aires and
studied filmmaking at Universidad del Cine. She wrote and directed Verano (2008) and La mujer que
usaba esparcidas las ondas del pelo (2009; Bafici ‘10). She is currently writing her first feature-length
film Lo que dicen de ella.

Contacto / Contact
Universidad del Cine. Julieta Amalric / María Marta Antín
T +54 9 11 3564 2213
E amalricjulieta@gmail.com - mmantin@ucine.edu.ar

Function Was Finished

Después de que los turistas terminan de sacarles fotos a los lobos marinos del puerto,
símbolo de la ciudad balnearia más visitada de Argentina, aparece con un pulcro delan-
tal blanco y una especie de látigo en su mano el encargado de que los animales vuelvan
al agua. Dicen que es por una cuestión de higiene, para que no estén donde los barcos
descargan cada día el pescado. Así termina el show.
After the tourists finish taking pictures of the sea lions from the port, the symbol of the
Argentina, 2014 most visited coastal city in Argentina, the man in charge of making the animals go back
8’ / DM / Color in the water appears with a clean white apron and a whip of sorts in his hand. They say
D, F, E, S, P, PE: Patricio Ballesteros Ledesma it’s a matter of hygiene, for them not to be there when the ships unload the fish every
day. That’s the end of the show.
Contacto / Contact
Patricio Ballesteros Ledesma
T +54 9 11 5825 5227 Patricio Ballesteros Ledesma
E patballesterosledesma@gmail.com
Nacido en Buenos Aires en 1969, es realizador audiovisual, periodista y editor web. Estudió comuni-
W youtube.com/user/PatricioMix1969
cación social. Sus obras fueron seleccionadas y exhibidas en festivales en Argentina, Brasil, Estados
Unidos, Japón y España. | Born in Buenos Aires in 1969, he’s an audiovisual director, journalist, and
web editor. He studied social communication. His works were selected and exhibited by festivals in
Argentina, Brazil, USA, Japan and Spain.

80 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 muestra de Cortos argentinos

Las furias

Las causas están ocultas, las furias son visibles. Un hombre y una mujer se reencuen-
tran para acabar con su destino trágico y vengarse.
The causes are hidden, the furies are visible. A man and a woman meet again in order
to end their tragic fate and take revenge.

Argentina, 2015 Tamae Garateguy

12’ / DM / Color
Nacida en Buenos Aires en 1973, estudió letras en la UBA, actuación y pintura. Codirigió Upa! Una
Español - Spanish
película argentina (Ganadora de la Competencia Argentina en Bafici ‘07). En solitario, realizó Pompeya
D: Tamae Garateguy G: Diego Fleischer F: Pigu Gomez (2010) y Mujer lobo (Bafici ‘13). | Born in Buenos Aires in 1973, she studied Literature at the UBA,
E: Paula Bailardo, Sari Thayer DA: Marina Spinelli Acting, and Art. She co-directed Upa! An Argentine Film (Winner of the Argentine Competition at Bafici
M: Sami Bucella PE: Valeria Ordoñez, Victoria Votazzi ‘07), and directed Pompeya (2010) and She Wolf (Bafici ‘13).
CP: Okinawa Cine I: Guadalupe Docampo,
Nicolás Goldschmidt, Valentín Javier Diment
Contacto / Contact
Hasta 30 Minutos. Luciana Abad
T +54 9 11 6455 4130
E hasta30minutos@gmail.com
produccionfobiafilms@gmail.com

Futuros líderes
Future Leaders

Martín y Matías son dos mejores amigos que están a punto de comenzar sus vidas
fuera de la escuela. Martín decide empezar a buscar trabajo, mientras que Matías está
cómodo en su rol de hijo.
Martín and Matías are two best friends who are about to begin their lives out of school.
Martín decides to start looking for a job, while Matías is comfortable in his role as a son.

Argentina, 2015
8’ / DM / Color Nicolás Alejandro Ponieman
Español - Spanish
Nació en Buenos Aires en 1992. Comenzó a estudiar en la Universidad del Cine a principios de 2012
D, G: Nicolás Alejandro Ponieman y actualmente está cursando el cuarto año. Este es su primer cortometraje. | He was born in Buenos
F: Fernanda Montiliengo E: Tomás Maumus Aires in 1992. He started studying at Universidad del Cine in early 2012 and is currently in his fourth
DA: Carlos Luppi S: Ana Laura Mandelbaum year. This is his first short film.
M: Notorious B.I.G. P: Nicolás Alejandro Ponieman,
Micaela Fazio PE: Nicolás Alejandro Ponieman
CP: Universidad del Cine
I: Brian Cocchia, Martín Calderón, Marina Ponieman,
Gerardo Ponieman, Carlos Luppi
Contacto / Contact
Nicolás Alejandro Ponieman
T +54 9 11 6200 7891
E naponieman@gmail.com
FB futuroslideresfilm

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 81

 argentine short films exhibition

La hora del lobo

The Hour of the Wolf

El 3 de diciembre de 2013 la policía de la ciudad de Córdoba, Argentina, abandona

sus servicios a raíz de una protesta salarial. Cae la noche y empieza una ola de robos
y saqueos. En el barrio de Nueva Córdoba, habitado en su mayoría por estudiantes
universitarios, el escenario adquiere una atmósfera diferente cuando los estudiantes
salen a la calle para interceptar a los supuestos asaltantes.
On December 3 rd, 2013, the policemen from the city of Córdoba, Argentina, abandon
Argentina, 2015 service due to a wage protest. Night falls and a series of robberies and loots begin.
30’ / DM / Color In the neighborhood of Nueva Córdoba, inhabited mainly by university students, the
Español - Spanish atmosphere changes when the students go out to the street in order to intercept the
D, G: Natalia Ferreyra F: Facundo Moyano supposed robbers.
E: Gisela Hirschfeld, Natalia Ferreyra
S: Gisela Hirschfeld P: Ana Lucía Frau,
Natalia Ferreyra
Natalia Ferreyra
CP: Posgrado de Documental ECI Licenciada en comunicación social, actualmente coordina equipos de comunicación y prensa en la
Universidad Católica de Córdoba. Es escritora y ha publicado varios de sus cuentos en diferentes
Contacto / Contact medios. Esta es su primera producción en el campo audiovisual. | She’s a Social Communication
Posgrado de Documental ECI / Ideas por Rosca major. She currently coordinates the communication and press teams of the Cathilic Unversity in
Ana Lucía Frau Cordoba. She’s also a writer who has published several short stories in different media. This is her
T +54 9 351 221 5966 +54 9 351 515 4965 first production in the audiovisual field.
E analuciafrau@gmail.com
paranataliaferreyra@gmail.com

La intención de cortar,
cerrar, limpiar
The Intention to Cut, Close, Clean
Frente a decisiones impenetrables, dos chicas transitan hacia la violencia.
In the face of impenetrable decisions, two girls resort to violence.

Carlos E. Rentería
Nacido en Lima, Perú, en 1985, se graduó como director en la Universidad del Cine de Buenos Aires.
Argentina / Perú - Argentina / Peru, 2014 Su primer trabajo, La intención de cortar, cerrar, limpiar, se estrenó en el Festival Lima Independiente
15’ / DM / B&N y ha sido seleccionado por varios festivales de la región. | Born in Lima, Peru, in 1985, he graduated
D, G: Carlos E. Rentería F: José Gabriel Acosta Alcázar as a director at Buenos Aires’ Universidad del Cine. His first short film, The Intention to Cut, Close,
E: Carlos E. Rentería, Lorenzo Canina Clean, premiered at the Lima Independent Festival and has been selected by several regional festivals.
DA: Melissa Liebenthal S: Rodrigo Sánchez Mariño
P: Victoria Sánchez-Negrette
I: Paloma Marín, Marina Bruno Wolf
Contacto / Contact
Carlos E. Rentería
T +54 11 4300 0452
E carlosrenteria01@gmail.com

82 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE


Argentina, 2014
7’ / DM / B&N
Español - Spanish
D, F: Juan Renau, Manuel Abramovich
G: Manuel Abramovich, Juan Renau
E: Federico Rozas
S: Sofía Straface P: Daniela Raschcovsky
PE: Manuel Abramovich I: Jorge Gervasi,
Jorgito Gervasi
Contacto / Contact
Manuel Abramovich
T +54 9 11 5879 5665 E abramanuel@gmail.com
W cargocollective.com/mabramovich
Argentina, 2015
9’ / DM / Color
Español - Spanish
D: Gerardo “Papu” Curotto G: Andi Nachon
F: Pablo Gonzales Galetto E: Mercedes Oliveira
DA: Verónica Acordaci S: Marcos Soppi
M: Comparsa Carumbé, Comparsa ZumZum
P: Santiago Podestá CP: Hain Cine
I: Rodrigo Coutinho Da Silva, Gabriel Rost
Contacto / Contact
Hasta 30 Minutos. Luciana Abad
T +54 9 11 6455 4130
E hasta30minutos@gmail.com
gerardo.curotto@gmail.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
muestra de Cortos argentinos
Las luces
The Lights
Como todas las navidades, Jorge y Jorgito decoran su casa de una manera especial.
La gente del pueblo la llama “La casa de las luces”.
Like every Christmas holiday, Jorge and Jorgito decorate their house in a special way.
The townspeople call it “The house of lights.”
Los directores | The directors
Juan Renau nació en Buenos Aires en 1986, y es licenciado en diseño de imagen y sonido por la
UBA. Dirigió el corto Yo y Maru 2012 (Bafici ‘13). Manuel Abramovich nació en Buenos Aires en
1987. Estudió dirección de fotografía en la ENERC y realizó el corto ¿Puede usted contar la historia de
su heladera? (2009). | Juan Renau was born in Buenos Aires in 1986, and majored in Art and Sound
Design at the UBA. He directed the short films Yo and Maru 2012 (Bafici ‘13). Manuel Abramovich
was born in Buenos Aires in 1987. He studied Cinematography at the ENERC and directed the short
film ¿Puede usted contar la historia de su heladera? (2009).
Matías y Jerónimo
Matías & Jerónimo
Matías y Jerónimo se conocen desde la infancia. Su amistad, una fuerte alianza, mezcla
de juego y deseo, cambia la noche en que van al carnaval. Juntos presencian cómo un
grupo de jóvenes le da una paliza a un chico gay detrás de las gradas. No dicen nada de
lo que ven, y el silencio da paso a la distancia entre los amigos.
Matías and Jerónimo have known each other since childhood. Their friendship, a strong
alliance that mixes play and desire, changes the night they go to the carnival. They both
see a group of young men beating up a gay boy behind the stands. They say nothing
about what they see, and silence gives way to distance between the friends.
Gerardo “Papu” Curotto
Nacido en Corrientes en 1984, estudió producción en la ENERC y en 2008 egresó en la carrera de
diseño de imagen y sonido de la UBA. En 2012 ganó el premio Raymundo Glayzer a Desarrollo de
Proyectos. Esteros fue su ópera prima como director. | Born in Corrientes in 1984, he studied Film
Production at ENERC and in 2008 graduated from the Image and Sound Design program at the UBA. In
2012 he won the Raymundo Gleyzer award for Project Development. Esteros was his directorial debut.
83
 argentine short films exhibition
Argentina / Reino Unido - Argentina / UK, 2014
3’ / DM / Color
Inglés - English
D, F, E, DA: Marcos Santiago Colombo
G: Marcos Santiago Colombo, LD Bundy
S, M: LD Bundy P: Marcos Santiago Colombo
Contacto / Contact
Marcos Santiago Colombo
T +54 9 221 590 7932 +54 221 424 4334
E santiago.colombo@hotmail.com
Argentina / Estados Unidos - Argentina / US, 2015
12’ / DM / Color
Español - Spanish, Inglés - English
D, G, DA, P, PE: Agostina Gálvez, Francisco Lezama
F: Agostina Gálvez, Francisco Lezama,
Jerónimo Quevedo E: Francisco Lezama
S: Mariano Sosa, Nahuel Palenque CP: Vaivem Cine,
Universidad del Cine I: Miel Bargman, Renzo Cozza,
Mariel Fernández, Claudia Cantero, Jair Jesús Toledo
Contacto / Contact
Vaivem Cine. Francisco Lezama
T +54 9 11 4026 9639 +54 11 4855 8776
E franlezama@gmail.com W vai-ven.com.ar
84 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Meet Me at the Bottom
Videoclip animado de la canción “Meet Me at the Bottom”, del cantante LD Bundy.
Animated music video for the song “Meet Me at the Bottom,” by singer LD Bundy.
Marcos Santiago Colombo
Nació en La Plata en 1992. Actualmente, se encuentra realizando la licenciatura en artes plásticas
en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. Realizó los cortos Bluebird (2012), Té (2013), 222 pasos
(2014) y Humbug Christmas (2014). | He was born in La Plata in 1992. He’s currently majoring in
Plastic Arts at the Fine Arts School of UNLP. He directed the short films Bluebird (2012), Té (2013),
222 Pasos (2014) and Humbug Christmas (2014).
La novia de Frankenstein
Bride of Frankenstein
Durante el verano, Ivana trabaja para una agencia que alquila departamentos a extranje-
ros. Su tarea es simple: recibir inquilinos, traducir de inglés a español y cambiar dólares
por pesos. Ivana, sin embargo, es compleja, y toda esa red de traducciones e intercam-
bios termina construyendo un mundo en el que la realidad y la ficción, los pesos y los
dólares, los amantes y los amores se vuelven indistintos.
During the summer, Ivana works for an agency that rents apartments to foreigners. Her
task is simple: to welcome tenants, translating the Spanish language to English, and
changing dollars for pesos. Ivana, however, is complex, and all that web of translations
and exchanges ends up building a world in which reality and fiction, pesos and dollars,
lovers and loves become indistinct.
Los directores | The directors
Agostina Gálvez nació en Buenos Aires en 1985 y estudió en la Universidad del Cine. Dirigió El traje
(Bafici ‘12). Francisco Lezama nació en Buenos Aires en 1987, estudió en la Universidad del Cine
y dirigió La ilusión te queda. Produjo el film colectivo Sucesos intervenidos (Bafici ‘14). | Agostina
Gálvez was born in Buenos Aires in 1985 and studied at Universidad del Cine. She directed El traje
(Bafici ‘12). Francisco Lezama was born in Buenos Aires in 1987, studied at Universidad del Cine,
directed La ilusión te queda, and produced the collective film Sucesos Intervenidos (Bafici ‘14).
 muestra de Cortos argentinos

Nueva vida
New Life

Misterios, angustias y sueños de una nueva vida.

Mysteries, anxieties and dreams of a new life.

Kiro Russo
Nació en La Paz, Bolivia, en 1984. Es sonidista y estudió dirección en la Universidad del Cine de
Argentina / Bolivia, 2015 Buenos Aires. Realizó los cortometrajes Enterprisse (2010, participó de numerosos festivales alrede-
15’ / DM / Color dor del mundo) y Juku (2011). | He was born in La Paz, Bolivia, in 1984. He’s a sound engineer and
Español - Spanish studied Filmmaking at Universidad del Cine in Buenos Aires. He directed the short films Enterprisse
D, G: Kiro Russo F: Pablo Paniagua E: Eulogio Cuevas (2010, programmed in several festivals around the world) and Juku (2011).
DA: Camila Gallo S: Gilmar Gonzales, Micky Quiroga
M: Frente Migrante P: Kiro Russo
CP: SocavóncinE, Universidad del Cine
I: Warita Guzman, Ana Colque, Teo Guzman
Contacto / Contact
SocavóncinE. Kiro Russo
T +591 6062 8428 +591 2241 1766
E kirorusso@gmail.com

Peregrinación
Pilgrimage

María se cambia, se maquilla, viste a sus dos hijos. Agarra un bolsito donde guarda
comida, el DNI, algunos papeles y cigarrillos. Ella hace una fila junto con sus dos hijos en
brazos. Está por entrar a la cárcel a visitar a su marido. Lo que la película se pregunta es
qué motiva a estas mujeres: el amor, el interés o el simple hecho de que son una pieza
necesaria de un mecanismo como todos nosotros.
María dresses herself, puts on some makeup, dresses her two kids. She grabs a little
Argentina, 2015 bag where she carries some food, her ID, some papers and cigarettes. She stands in
12’ / DM / Color line with her two children in her arms. She’s about to enter prison in order to visit her
Español - Spanish husband. What the film inquires is what is it that motivates these women: love, interest
D, G, E, DA, P, PE: Pedro Speroni or the simple fact that they are a necessary piece of a mechanism, just like everyone.
F: Dorothea Schroeder S: Martín Villola
M: Maxi Trusso I: María Ávila
Pedro Speroni
Contacto / Contact
Nació en 1987 en Argentina. Actualmente está cursando el tercer año de la carrera de diseño de
Pedro Speroni
imagen y sonido. | He was born in 1987 in Argentina. He’s currently on the third year of the Image
T +54 9 11 3176 2920
and Sound program.
E pedrosperoni87@hotmail.com
pedrosperoni87@gmail.com

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 85

 argentine short films exhibition

Por ver la luz en tus pupilas,

decía mordicante el réprobo
The Light in Your Eyes
Un hombre va con una mujer a una isla y la quema. ¿Cuántas veces la ha quemado?
¿Cuántas veces lo ha quemado ella a él? El delta del Tigre es testigo.
A man goes to an island with a woman and burns her. How many times has he burned
her? How many times has she burned him? Tigre’s delta is witness.

Argentina / Colombia, 2015 Simón Vélez López

8’ / DM / Color
Nació en Medellín, Colombia, en 1990. Estudió la carrera de dirección de cine en la Universidad del
D, G, PE: Simón Vélez López F: Mauricio Reyes Serrano Cine. Es también productor ejecutivo del cortometraje en competencia Ella la noche, y se encuentra
E: Juan Sebastián Quebrada DA: Florencia Gemesio trabajando en su largometraje Los mayores ríos se deslizan bajo tierra. | He was born in Medellin,
S: Mercedes Gaviria P: Mauricio Sarmiento Colombia, in 1990. He studied Filmmaking at Universidad del Cine. He’s also an executive producer
CP: Montañero Cine I: Juan Lugo, María Juanita for the competition short film Agustinta, and is currently working on his feature-length film Los mayo-
res ríos se deslizan bajo tierra.
Contacto / Contact
Montañero Cine. Simón Vélez López
T +54 9 11 2305 1626
E simonvelezlopez@gmail.com
montanerocine@gmail.com
W montanerocine.com

Speed Paradise

Un pequeño circuito de carreras de autos a control remoto es el paraíso de la velocidad

para varios aficionados del hobby.
A small track for remote control cars is the speed paradise for many enthusiasts of
the hobby.

Argentina, 2015 José María Avilés

8’ / DM / Color Nació en Ecuador en 1988. Estudió dirección de cine en la Universidad del Cine de Buenos Aires.
D, G, E: José María Avilés F: Cecilia Madorno Cursó el Laboratorio de Cine en 2013, con Andrés Di Tella y Martín Rejtman, en la Universidad
S: Agustín Godoy P: Felipe Solari Yrigoyen Torcuato Di Tella. Realizó Ricchieri (2013) y Conversaciones con el jardín (Bafici ‘14). | He was born in
Ecuador in 1988. He studied Filmmaking at Universidad del Cine in Buenos Aires. In 2013 he attended
Contacto / Contact the Film Lab with Andrés Di Tella and Martín Rejtman at the Torcuato di Tella University. He directed
José María Avilés Ricchieri (2013) and Conversaciones con el jardín (Bafici ‘14).
T +54 9 11 3101 1443
E jmavilese@gmail.com

86 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 muestra de Cortos argentinos

Sueños de héroes
Dreams of Heroes

Sueños de héroes cuenta la historia de Issa, un niño que vive en un pequeño pueblo
de Senegal. Un día a ese lugar remoto llega Lionel Messi. A partir de ese hecho, la vida
de Issa cambia de modo tal que él se sentirá dentro de un sueño. O de una realidad…
Dreams of Heroes tells the story of Issa, a boy who lives in a small town in Senegal. One
day, Lionel Messi arrives in that remote plays. This event changes Issa’s life in such a
way that he will feel like he’s inside a dream. Or a reality...
Argentina, 2015
7’ / DM / Color
Francés - French Luciano Olivera
D: Luciano Olivera, Rafael Veljanovich Nacido en Argentina en 1968, estudió ciencias de la comunicación. Fue director de programación
G: Luciano Olivera F, E: Xavier Barangé de Canal 7, y dirigió programas como MP3 y Mundo Leo. | Born in Argentina in 1968, he studied
DA, S, M: 8Media PE: Pablo Cabello, Luciano Olivera, Communication Sciences. He was a programming director for Canal 7, and directed shows like MP3
Rafael Veljanovich CP: Zoomin, Educar and Mundo Leo.
I: Lionel Messi, Issa Balak, Theodore Balak Rafael Veljanovich
Contacto / Contact Licenciado en ciencias de la comunicación, dirige la compañía Zoomin, con la que produce conte-
Zoomin. Luciano Olivera nidos para televisión. | Majored in Communication Sciences, he’s the head of the company Zoomin,
T +54 9 11 5018 4663 through which he produces TV contents.
E luciano@zoomincontenidos.com
rafael@zoomincontenidos.com
W zoomincontenidos.com

Superfluo
Superfluous

Mercedes y Luciano son una joven pareja casada que aparenta ser perfecta. Pero tras
puertas cerradas, su vínculo se ha tornado oscuro, y están atrapados en una extraña
rutina sexual, la cual afecta incluso a quienes los rodean.
Mercedes and Luciano are a young married couple that pretend to be perfect. But,
behind closed doors, their bond has become dark, and they are trapped inside a strange
sexual routine that affects even those around them.
Argentina, 2015
14’ / DM / Color
Español - Spanish Javier Kaplan
D, G: Javier Kaplan F: Sebastián Videgaray Nacido en Argentina en 1986, estudió dramaturgia y luego cine. Ha dirigido campañas comerciales,
E: Javier Kaplan, Belén Arana fashion films y videoclips. Este es su primer cortometraje, y actualmente se encuentra posproducien-
DA: Romina Gago, Alejandra Kuktosky do su primer largo, Ekduo. | Born in Argentina in 1986, he studied Playwriting and then Filmmak-
S: Lucas Ulecias, Cinestecia M: Ignacio Llobera ing. He directed ad campaigns, fashion films and music videos. This is his first short film, and he’s
P: Ariel Honigman PE: Javier Kaplan, Ariel Honigman currently post-producing his first feature-length film Ekduo.
CP: Wollen Films I: Lara Sol Gaudini,
Santiago Fondevila, Sofia Cantarini, Pablo Peverelli
Contacto / Contact
Wollen Films. Ariel Honigman
T +54 9 11 3756 8572
E javier.kaplan@gmail.com
arielhonigman@hotmail.com
W wollenfilms.com.ar

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 87

 argentine short films exhibition
Argentina, 2015
14’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G: Melina Ahumada F: Alejo Zapico
E, S: Mauro Videla Tissera DA: Victoria Rodríguez Blanco
M: Patricio Díaz P: Melina Ahumada, Alejo Zapico
PE: Melina Ahumada, Alejo Zapico, Mauro Videla Tissera,
Lucía Rivera López, Victoria Rodríguez Blanco,
Agustina Lombardo CP: Deverano Cine
I: Juan Tupac Soler, Greta Guthauser, Eduardo Videla
Contacto / Contact
Melina Ahumada
T +54 9 11 5320 3850
E melimelinamelina@gmail.com
FB volversolo
88 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Volver solo
Coming Back Alone
Al regreso de un viaje, Tomás y Josefina parecen estar en dimensiones diferentes. En
su departamento no hay más que ausencia y desencuentro. El universo deconstruido de
una pareja que todavía no termina de aceptar la distancia que los separa.
Back from a trip, Tomás and Josefina seem to be in different dimensions. In their apart-
ment, there’s nothing but absence and disagreement. The deconstructed universe of a
couple that still don’t fully accept the distance that separates them.
Melina Ahumada
Nació en Los Polvorines, provincia de Buenos Aires, en 1989. Se mudó a Capital Federal y estudió
cine en el Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda. Escribió Volver solo durante el primer año
de la carrera, y ese es su primer corto como directora. | She was born in Los Polvorines, in the Buenos
Aires province, in 1989. She moved to the country’s capital city and studied Filmmaking at the Film
Art Institute in Avellaneda. She wrote Coming Back Alone solo during her first year there, and this is
her first short film as a director.
 competencia
vanguardia y género
avant-garde & genre
competition
 avant-garde & genre competition
35 y soltera
#Single: Girl Behind the Camera
Una versión judía de Bridget Jones es el punto de partida para esta
primera película que nace de un video viralizado en YouTube. “¿Por
qué sigo soltera?”, “¿qué me pasa?”, “¿habré hecho algo mal?” es
el repertorio álgido que dispara la investigación de Schargorodsky
sobre sí misma en un documental en el que las voces de los otros
hacen demasiado ruido. Pero las desventuras de una chica soltera
contadas en clave de comedia americana dan lugar a un viaje en
el tiempo que se abre hacia Montevideo, Roma, India: Paula quiere
entrevistar a sus ex novios y ver si lo que tienen para decir es más
real que lo que dicen su mamá y sus amigas, o las decenas de horas
de video que ella grabó cuando el amor estaba vivo. Frente a ellos la
comedia no se sostiene y el tono se abandona, hay que hacer otra
película: lo que descubre la chica de 35 es mucho más intenso que
un mandato o una cronología. Y Paula-soltera-desesperada sabe
hacerle lugar a Paula-directora para que pueda capturar, en la ca-
lidez inesperada de esas charlas, algo como un testimonio de que
los amores existieron y fueron muchas cosas más que la búsqueda
de algún “felices para siempre”. Marina Yuszczuk
Argentina / Estados Unidos / España - Argentina / US / Spain,
2015 / 75’ / DCP / Color
Español - Spanish, Italiano - Italian, Inglés - English
D: P. Schargorodsky G: P. Schargorodsky, J. Steinberg, R. Suárez
F: P. Schargorodsky, E. Capai, N. Colledani, E. Baca, V. Weil E: R. Suárez
DA: F. Chali, M. Ferrero, E. Irungaray S: M. Grignaschi M: G. Chwojnik
P: P. Schargorodsky, E. Coleman, G. Amdur, J. Steinberg
PE: P. Schargorodsky, J. Goldman CP: Dream Big Pictures,
Motto Pictures, Talatala I: P. Schargorodsky, J. Laso
Contacto / Contact
Dream Big Pictures. Paula Schargorodsky
E 35andsingle@gmail.com FB 35andsingle
90 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A Jewish version of Bridget Jones is the starting point for this first
film that was born out of a viral YouTube video. “Why am I still
single?” “What’s wrong with me?” and “Have I done something
wrong?” form the algid repertoire Schargorodsky’s self-inquiry un-
folds in this documentary in which other people’s voices sound too
strong. But the misfortunes of a single girl –told with the tone of an
American rom-com– lead to a journey back in time to Montevideo,
Rome, and India: Paula wants to interview her ex-boyfriends and
see if what they have to say is more real than what she hears from
her mother, her friends, or the dozens of hours of video footage
she recorded back when love was alive. When faced with them,
the comedy doesn’t hold and the tone is dropped. She needs to
make a different film: what this 35 years-old woman discovers is
way more intense than a mandate or a chronology. And single-
desperate-Paula knows how to make room for director-Paula to
capture, in the unexpected warmth of those conversations, some-
thing more like the testimony of the love affairs that existed and
were much more than just searches for a “happily ever after.” MY
Paula Schargorodsky
Documentalista y productora transmedia nacida en Buenos Aires en 1977.
Licenciada en ciencias políticas, estudió letras y cinematografía. Entre sus
proyectos se destaca Get Over It, desarrollado en la NFB de Canadá y gana-
dor del Arte International Prize (Power to the Pixel). | She’s a documentarist
and transmedia producer born in Buenos Aires in 1977. A Political Science
major, she studied Literature and Cinematography. One of her outstanding
projects was Get Over It, developed at the NFB in Canada and winner of the
Arte International Prize (Power to the Pixel).
 competencia Vanguardia y Género
Victoria
Una –otra– película filmada en un solo plano secuencia. Pero esta
parece ser un solo plano en serio, o eso es lo que se afirma y, sobre
todo, lo que se aprecia al ver Victoria. ¿Las cámaras digitales tenta-
rán a que más directores intenten hacer más películas como esta?
Es probable, y ya está ocurriendo. Pero Victoria es un plato fuerte
incluso puesta en un contexto de desconfianza y de cinismo crítico,
porque su plano único nos lleva con vértigo –y también con pausas
inteligentes– de una noche de borrachera a tensiones tremendas,
porque pasamos de intentos de seducción y tonterías por la calle
a escapes, crímenes, caídas y euforias. Porque durante dos horas
y veinte asistimos al fin de una noche en Berlín, una ciudad que
como escenario cinematográfico ofrece enormes posibilidades (Tom
Tykwer siempre lo supo). Porque el derrotero de esta chica española
más cuatro jóvenes berlineses no del todo brillantes es cambiante,
sorprendente, extenuante y fascinante. Y porque el derrotero del di-
rector Sebastian Schipper y del camarógrafo y DF Sturla Brandth
Grovlen es una proeza de esas que se recuerdan. La elección de Laia
Costa para el rol del título es una de esas decisiones clave, justas,
que marcan una carrera y definen una película. Javier Porta Fouz
Alemania - Germany, 2015
140’ / DCP / Color / Alemán - German, Inglés - English
D: Sebastian Schipper G: Sebastian Schipper, Olivia Neergaard-Holm,
Eike Schulz F: Sturla Brandth Grovlen DA: Uli Friedrichs
S: Magnus Pflüger M: Nils Frahm P: Jan Dressler, Sebastian Schipper,
Anatol Nitschke, Catherine Baikousis CP: MonkeyBoy Production
I: Laia Costa, Frederik Lau, Franz Rogowski
Contacto / Contact
The Match Factory. Sergi Steegmann
T +49 30 4431 9050 E sergi.steegmann@matchfactory.de
W the-match-factory.com TW @thematchfactory
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A(nother) film shot in one continuous take. But this one really
seems to be only one shot, or at least that’s what we’re told and,
above all, what we perceive while watching Victoria. Are digital
cameras the reason more directors try to make more films like
this one? It’s possible, and it’s already happening. But Victoria
is important even if we put it in a context of critical distrust and
cynicism, because its only shot takes us giddily –and also with in-
telligent pauses– through a drunken night of tremendous tension,
because we go from seduction intents and street nonsense to
escapes, crimes, falls and euphoria. Because, through the course
of two hours and twenty minutes, we attend the end of a night in
Berlin, a city that, as a film setting, offers enormous possibilities
(Tom Tykwer has always known that.) Because the path of this
Spanish girl plus four not-so-bright young locals is ever-changing,
surprising, extenuating and fascinating. And because the path of
director Sebastian Schipper and cameraman and cinematogra-
pher Sturla Brandth Grovlen is one prowess everyone will remem-
ber. The choice of Laia Costa for the title role is one of those exact,
key decisions that mark a career and define a film. JPF
Sebastian Schipper
Nació en Hannover, Alemania, en 1968. Comenzó su formación como actor
en la Escuela Otto Flackenberg de Munich. Se desempeñó como intérprete
en films como Corre, Lola, corre (1997) y I Am Here (2013). Escribió y
dirigió Absolute Giganten (1999), Un amigo mío (2004) y Mitte Ende August
(2009). | He was born in Hannover, Germany, in 1968. He began his acting
training at the Otto Flackenberg School in Munich. He worked as an inter-
preter in such films as Run, Lola, Run (1997) and I Am Here (2013). He
wrote and directed Absolute Giganten (1999), A Friend of Mine (2004) and
Mitte Ende August (2009).
91
 avant-garde & genre competition
Nova Dubai
New Dubai
Nueva Dubai
Una película arquitectónica, urbanística y sexual. O una pelícu-
la gay en rebeldía contra cierto tipo de desarrollos inmobiliarios.
Pero cualquiera de las definiciones precedentes no le hacen jus-
ticia a un relato conciso, breve, crudo y explícito y a la vez elu-
sivo, laxo e intrigante. Una película en la que pueden detectarse
influencias de Pasolini y Fassbinder, procesadas y aplicadas a un
Brasil contemporáneo y a la vez extraño, lateral, alejadísimo de
cualquier postal turística. Sexo explícito y cemento, homoerotismo
y reflexiones, especulaciones políticas e inmobiliarias, discursos
que se desarman con violencia y deseo. Nova Dubai opta por re-
sistir entre los escombros y los restos de las ciudades mutantes,
a los que prefiere frente a las nuevas superficies alisadas que ve
como carentes de placer, de pliegues, de los recovecos de las
pulsiones. Una película anómala en el cine brasileño, una película
rebelde que sabe que no necesita las anteojeras de la militancia
para ser política, para ser vanguardia. Javier Porta Fouz
Brasil - Brazil, 2014 / 50’ / DCP / Color
Portugués - Portuguese
D, G: Gustavo Vinagre F: Matheus Rocha E: Rodrigo Carneiro
DA: Fernando Zuccolotto S: Jonathan Macías
P: Max Eluard PE: Max Eluard CP: Avoa Filmes
Contacto / Contact
Avoa Filmes. Max Eluard
T +55 11 4561 2492
E maxeluard@gmail.com - carlos.hcbarbosa@gmail.com
FB AvoaFilmes - Nova-Dubai
92 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
An architectural, urban, sexual film. Or a gay film rebellious
against a certain type of real-estate developments. But none of
the definitions mentioned do justice to a story that is concise,
brief, raw and explicit and, at the same time, elusive, loose and
intriguing. A film in which references to Pasolini and Fassbinder
can be found processed and applied to a contemporary Brazil that
is also strange, lateral, very far from any touristic postcard. Ex-
plicit sex and concrete, homoeroticism and reflections, political
and real-estate speculations, discourses that disarm with violence
and desire. New Dubai chooses to resist among the debris and the
remains of mutant cities, which it prefers next to the new isolated
surfaces it sees as devoid of pleasure, of creases, of the hid-
den corners of impulse. An anomalous film for Brazilian cinema,
a rebel film that knows it doesn’t need the blinders of militancy in
order to be political, in order to be avant garde. JPF
Gustavo Vinagre
Nació en Brasil en 1985. Estudió cine en la EICTV (Cuba) y literatura en la
Universidad de San Pablo. Realizó los cortometrajes Filme para poeta cego
(2009), presentado en Rotterdam y con el cual participó en el Doculab del
Festival de Guadalajara, y La llamada (2014). | Born in Brazil in 1985, he
studied Filmmaking at the EICTV (Cuba) and Literature at the University
of Sao Paulo. He directed the short films Filme para poeta cego (2009),
which premiered in Rotterdam and participated at the Guadalajara Festi-
val’s Doculab, and La llamada (2014).
 competencia Vanguardia y Género
Seth’s Dominion
Los dominios de Seth
Como Wes Anderson, Seth posee un sentido caligráfico de la be-
lleza y uno humedecido, como madera abandonada, del tiempo
pasado. Pero Seth y sus historietas, que desde Canadá le dieron
al término “nostalgia” un significado menos andersoniano y más
poderoso en sus preguntas (y simpleza visual), adquieren en
este híbrido animado-documental una nueva capa. Una primera
persona del autor, animaciones que capturan aquello que vuelve
su estilo excepcional y postales de su día a día (ahora sí, ander-
sonianas) permiten entender que el arte que provenga de este
elegante hombre será algo único en el planeta. Seth’s Dominion
escucha y expone las ideas de Seth sobre el arte, sobre su arte y
sobre la memoria: el historietista y creador del pueblo-maqueta
Dominion no es fundamentalista de la melancolía. Su oficio y
su vida implican construir pasados donde y como pueda, para
descubrir la palpable perfección de aquello que nadie nunca
recordó. Juan Manuel Domínguez
Canadá - Canada, 2014 / 42’ / DM / Color
Inglés - English
D, G: Luc Chamberland F: John Minh Tran E: Oana Suteu
S, M: Luigi Allemano P: Marcy Page, Gerry Flahive PE: David Verrall,
Roddy McManus, Michael Fukushima CP: National Film Board of Canada
Contacto / Contact
National Film Board of Canada. Élise Labbé
T +1 514 283 9133 E festivals@nfb.ca
W nfb.ca TW @thenfb
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Like Wes Anderson, Seth possesses a calligraphic sense of
beauty, as well as one dampened like an abandoned piece of
wood. But Seth and his comics, which, hailing from Canada,
gave the term “nostalgia” a less Andersonian and more power-
ful meaning in its questions (and visual simplicity) acquire a
new layer in this animated-documentary hybrid. A first per-
son account of the author, animations that capture that which
makes his style exceptional, and postcards of his day-to-day
(Andersonian, in this case) allow to understand that all the art
that comes from this elegant man will be something unique.
Seth’s Dominion listens to and exposes Seth’s ideas on art, on
his art, and on memory: the comic book artist and creator of
the town-model Dominion is not a melancholy fundamentalist.
His life and craft are all about building pasts wherever and
however he can, in order to discover the palpable perfection of
that which no one remembered. JMD
Luc Chamberland
Animador y realizador instalado en Montreal. Se formó en la Universidad
Concordia, trabajó en diferentes países en la animación de múltiples films,
y dirigió la película para TV Echoes of the Past (2001) y los cortos Mr. Rivet
(2004) y Saga City (2011). | He’s an animation artist and director based in
Montreal. He trained at the Concordia University, worked in different coun-
tries in the animation of several films, and directed the TV film Echoes of
the Past (2001) and the short films Mr. Rivet (2004) and Saga City (2011).
93
 avant-garde & genre competition
Muerte blanca
White Death
¿Cómo dar cuenta de la trágica muerte de un sargento y de 44
soldados conscriptos en la cordillera chilena, durante la marcha
con la que concluían su entrenamiento en 2005? Roberto Collío
encuentra los recursos justos e indicados: filma en blanco y negro
a partir de una refinada labor plástica, incluye el uso de animación
y de imágenes reales de las distintas locaciones alrededor del
sector cordillerano de Antuco, hace un muy inteligente y agudo
uso del sonido con voces evocativas, y realiza un trabajo sobre
el material fílmico en 16mm que pareciera verse atravesado por
el dramatismo del caso. Con un acercamiento al tema de quien
sabe que no es posible la reconstrucción ni la reproducción de
semejante acontecimiento, el joven director no solo nos trans-
porta a otra dimensión e instala la reflexión acerca de la pérdida
irreparable, sino que también construye un presente desde el cual
pensar, imaginar y añorar a esos hombres a los que una tormenta,
conocida como el Viento Blanco, les arrancó la vida. Violeta Bava
Chile, 2014 / 17’ / DCP / B&N
Español - Spanish
D, G, E, S, M: Roberto Collío F: Matías Illanes
DA: Juan Pablo Sandoval
P, PE: Isabel Orellana Guarello CP: Araucaria Cine
Contacto / Contact
Araucaria Cine. Isabel Orellana Guarello
T +56 9 5639 5746
E isa.orellanag@gmail.com
94 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
How should one portray the tragic death of a sergeant and 44
drafted soldiers in the Chilean Andes during a march that conclud-
ed their training in 2005? Roberto Collío finds the right and fair
resources: he shoots in black and white with a refined plastic work
that includes animation and live action footage from different loca-
tions around the Antuco mountain area, he does an intelligent and
sharp use of sound with evocative voices, and works on the 16mm
film material that looks as if crossed by the dramatic nature of the
case. As he approaches the subject knowing that reconstructing
or reenacting that event is impossible, the young director not only
transports us to another dimension establishing a reflection on
irreparable loss, but he also builds up a present day from which
we can think, imagine, and long for those men whose lives were
swept away by a storm known as White Wind. VB
Roberto Collío
Nació en Santiago de Chile en 1986 y estudió realización integral de cine
y televisión en el Centro de Investigacion Cinematografica de Argentina.
Durante su período de formación realizó el cortometraje de ficción El
hombre muerto. Actualmente prepara Petit Frêre. | He was born in Santiago
de Chile in 1986 and studied Film and TV Directing at the Film Research
Center in Argentina. While a student, he directed the fiction short film El
hombre muerto. He’s currently developing Petit Frêre.
 competencia Vanguardia y Género
Amor eterno
Everlasting Love
Si ya en Animals (vista en el Bafici ‘13), quizá la mejor ópera prima
española de los últimos años, había un apasionado y contenido
estudio de las pulsiones adolescentes desde una dinámica íntima
no exenta de palpitación visual y sonora, Amor eterno lleva a sus
últimas consecuencias esa visión de la textura juvenil, su choque
con un mundo en tinieblas, donde lo adulto se configura desde la
extrañeza. Relato vampírico, con bordes que nos recuerdan a las
odiseas íntimas de Claire Denis, pero sin caer en su visceralidad
sangrienta o sentimental, Amor eterno es una película que crea
adicción, provoca estremecimiento, crea sensaciones desde una
perspectiva extrañamente telúrica, donde los sentimientos y las
pasiones se confunden con un paisaje en la niebla tanto geográfi-
co como emocional para conformar una historia de amor más allá
del tiempo y lo convencional. Con esta película, Forés se alinea en
la vía de ese cine europeo alejado del cliché cuyos mejores repre-
sentantes pueden estar en la citada Denis, Noé, Hadzihailovic o
Guiraudie. Un cine joven, de textura innovadora, liberado de todo
estigma. Ángel Sala
España - Spain, 2014 / 69’ / DM / Color / Español - Spanish
D: Marçal Forés G: Marçal Forés, Vicente de la Torre F: Elías M. Félix
E: Nahuel G. Rebollar DA: Marta Salazar S: Jordi Ribas
M: Don The Tiger, Sonny & The Sunsets, Miedo
P: Jorge Llama, Alba Barneda PE: Oscar Romagosa, Pablo Maqueda,
Haizea Sandra Giménez CP: Canada I: Aimar Vega, Joan Bentallé
Contacto / Contact
Canada. Diana Milesi
T +34 663 092 191 +34 93 356 8483
E diana@lawebdecanada.com - alba@lawebdecanada.com
W lawebdecanada.com TW @lawebdecanada
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
If Animals, maybe the finest Spanish opera prima in recent years
(screened in Bafici ‘13), featured a passionate and contained
study of teenage urges from an intimate dynamics that didn’t lack
visual and sonic palpitation, Everelasting Love takes that vision of
juvenile textures and its clash with a dark world where adulthood
is formed through strangeness and pushes it to the last conse-
quences. A vampire story with edges that reminds us of Claire
Denis’ intimate odysseys without falling into her visceral depiction
of blood and sentiments, Everlasting Love is a film that creates
addiction, stirs you up, and triggers sensations from a strangely
telluric perspective in which feelings and passions blur together
with a foggy landscape –as geographical as emotional– in or-
der to build a love story beyond time and conventions. With this
film, Forés lines up with the kind of European cinema that moves
away from clichés, and is best represented by the aforementioned
Denis, Noé, Hadzihailovic, or Guiraudie. It’s young cinema, with
innovative textures, and freed from any stigmas. AS
Marçal Forés
Nacido en Barcelona, España, en 1981, estudió en la ESCAC y luego en la
NFTS inglesa. Dirigió los cortometrajes Yeah! Yeah! Yeah! (2005) y Friends
Forever (2007), el film para TV The Things I Haven’t Told You (2008), y
el largometraje Animals (2012; Bafici ‘13). | Born in Barcelona, Spain, in
1981, he studied at the ESCAC and later at the British NFTS. He directed
the short films Yeah! Yeah! Yeah! (2005), Friends Forever (2007), the TV
film The Things I Haven’t Told You (2008), and Animals (2012; Bafici ‘13).
95
 avant-garde & genre competition
Equí y n’otru tiempu
Here and in Other Time
Aquí y en otro tiempo
Intensa, conmovedora elegía por los fugaos o maquis asturianos
que fueron asesinados en la posguerra civil española a manos de
las fuerzas represoras franquistas, Equí y n’otru tiempu no solo
pretende ser una película política, sino también trabajar con las
formas del cine de manera radicalmente política. Tras un prólo-
go en el que se evocan los fantasmas de algunos de aquellos
hombres que se tiraron al monte (esta es también una película
de terror) y un epílogo que consta únicamente de una canción
popular, el grueso del film está dedicado a glosar uno por uno a
los guerrilleros asesinados, como si se tratara de pasar lista a los
muertos. Carreteras, casas, bosques se muestran vacíos o aban-
donados, filmados en su apariencia actual, con escuetos carteles
que informan del nombre y las circunstancias de los hombres
que allí murieron. Y la sucesión de lugares de la ausencia, de
espectros de la memoria, cobra poco a poco una gran emoción,
como si el pasado invadiera el presente para pedirle cuentas. Ese
gran cementerio de la ignominia se convierte entonces en un mo-
numento a la libertad cercenada, y la película de Bande en una
de las más importantes del cine español reciente. Carlos Losilla
España - Spain, 2014 / 71’ / DCP / Color - B&N
Asturiano - Asturian, Español - Spanish
D, G: Ramón Lluís Bande F: Juan A. García E: Daniel Álvarez
S: Antonio De Benito PE: Vera Robert CP: De la Piedra Producciones
Contacto / Contact
De la Piedra Producciones. Vera Robert
T +34 615 022 976 E vera.robert.r@gmail.com
W delapiedraproducciones.com
equiynotrutiempu.wix.com/equiynotrutiempu
96 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
An intense and moving elegy for the fugaos or Asturian Maquis
who were murdered in the Spanish Civil Post-war at the hands
of Franco’s repressive forces, Here and in Other Time not only
intends to be a political film, but also to work with the forms of
cinema in a radically political way. After a prologue that conjures
the ghosts of some of those men who went deep into the forests
to fight (this is also a horror film), and an epilogue that only con-
sists in a popular song, the core of the film is dedicated to gloss
the murdered guerrillas one by one, as if it were calling roll on the
dead. The roads, houses, and forests are deserted or abandoned,
shot as they look today with only a few signs informing the names
and circumstances of the men they died there. And the series of
places of absence, of specters of memory, slowly gains in emo-
tion, as if the past invaded the present to settle a score. That big
graveyard of dishonor becomes then a monument to interrupted
freedom, and Bande’s film turns into one of the most important
ones in recent Spanish cinema. CL
Ramón Lluís Bande
Nació en Gijón, España, en 1972. Dirigió, entre otros films, El fulgor (2002),
Estratexa, Divina lluz (ambas 2003), De la fuente (2004), El paisano, un
retratu colectivu (2005), La carta de Bárbara (2007) y Llar (2014; junto a
Elisa Cepedal). | He was born in Gijón, Spain, in 1972. He directed several
films, including El fulgor (2002), Estratexa, Divina lluz (both in 2003), De la
fuente (2004), El paisano, un retratu colectivu (2005), La carta de Bárbara
(2007) and Llar (2014; alongside Elisa Cepedal).
 competencia Vanguardia y Género
A Girl Walks Home Alone
at Night
Una chica camina a casa sola de noche
Esta es una película engañosa. Estrenada en Sundance y con pro-
ducción ejecutiva del actor Elijah Wood, A Girl Walks Home Alone
at Night es una película estadounidense que se presenta como “el
primer western iraní de vampiros”. Un cine de mezcla, una cruza
de Jim Jarmusch con David Lynch con una chica vampira vestida
como la protagonista de El círculo, de Jafar Panahi. Y está hablada
en persa y transcurre en Irán. Claro, “transcurrir en” no es igual
a “estar filmada en”. A Girl… es, desde muchos ángulos, una
película corrosiva que, mediante atmósfera, sobrada imaginación
para los detalles y personajes singulares, supera toda posible
sospecha de pose indie. La directora Ana Lily Amirpour, nacida
en Inglaterra y criada en Estados Unidos, tiene varios cortos pre-
vios; uno de ellos, animado y de producción alemana, es A Little
Suicide (Bafici 2013). Con su primer largo, Amirpour demuestra
que sus variaciones, sus ingredientes y sus mezclas son una base
fascinante para mutar posibles engaños en verdades de cine y
verdades de género. Javier Porta Fouz
Estados Unidos - US, 2014 / 100’ / DCP / B&N / Persa - Persian
D, G: A. L. Amirpour F: L. Vincent E: A. O’Flinn DA: S. De La Vega
S: G. Day M: Federale, Radio Tehran, Bei Ru, Farah, White Lies, Kiosk,
Free Electric Band, Darush P: S. Sayyah, J. Begnaud, A. L. Amirpour
PE: E. Wood, D. Noah, J. C. Waller, N. Moceri, B. Conrad, A. Tylevich,
R. Sixo Safai, D. Grove, P. Grove CP: Shahre Bad Picture, Black Light District,
Logan Pictures, Say Ahh Productions, SpectreVision
I: S. Vand, A. Marandi, M. Manesh, M. Marnò, D. Rains
Contacto / Contact
Kinology. Grégroire Graesslin
T +33 9 5147 4344 E festivals@kinology.eu
W kinology.eu - analilyamirpour.com TW @AGirlWalksHome
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
This is a tricky film. Premiered in Sundance and exec produced by
actor Elijah Wood, A Girl Walks Home Alone at Night is a US film
that presents itself as “the first Iranian vampire western.” It’s a
cinema-mix, a cross between Jim Jarmusch, David Lynch, and a
vampire girl dressed as the lead character in Jafar Panahi’s The
Circle. And it’s spoken in Persian, and set in Iran –sure, “set” is
not exactly the same as “was shot in.” From many perspectives,
A Girl… is a corrosive film that transcends any possible suspicion
of indie-posing thanks to its atmosphere and wide imagination
for details and unique characters. Born in England and raised in
the US, director Ana Lily Amirpour had made several shorts be-
forehand, one of them is animated and German-produced A Little
Suicide (Bafici 2013). With her first feature-length film, Amirpour
proves that her variations, ingredients, and mixtures, are a fasci-
nating base for transforming possible deceptions into cinema and
genre truths. JPF
Ana Lily Amirpour
Nacida en Inglaterra, creció en Estados Unidos, donde estudió en la Escue-
la de Cine de la UCLA. Dirigió, entre otros, los cortos True Love, Ana Lily
Amirpour Likes This (ambos de 2010), Pashmaloo (2011) y A Little Suicide
(2012; Bafici ‘13). | Born in England, she grew up in the US, where she
studied at the UCLA Film School. She directed several short films, including
True Love, Ana Lily Amirpour Likes This (both in 2010), Pashmaloo (2011),
and A Little Suicide (2012; Bafici ‘13).
97
 avant-garde & genre competition
The Iron Ministry
El ministerio de hierro
Un tren recorre China. En cada uno de sus numerosos vagones,
cientos de personas con sus historias y sus puntos de vista se
desplazan diariamente cubriendo distancias enormes. El sistema
ferroviario chino es de una complejidad imaginable si se tienen
en cuenta la superficie del país, su densidad poblacional y su
desarrollo técnico. El tendido de las vías, que penetran el territorio
y se dispersan como las venas en el interior de un ser vivo, no
solo comunican, sino que ofrecen una de las ilustraciones más
complejas de una sociedad. Por eso, al detenerse en la variedad
de personas que habitan ese mundo en movimiento, en sus mi-
radas, en sus conversaciones triviales, J. P. Sniadecki examina
la sangre de un país. Como un especialista en esta cultura, sus
películas previas, Chaiqian, People’s Park y Yumen, recorren los
mismos intereses. Con The Iron Ministry, la mirada del realizador
y del antropólogo se unen para lograr una de las más interesantes
experiencias surgidas del SEL (Sensory Ethnography Lab de la
Universidad de Harvard), uno de los centros de antropología visual
más importantes del cine actual (y del cual surgieron películas
como Leviathan y Manakamana). Leandro Listorti
Estados Unidos / China - US / China, 2014
83’ / DCP / Color
Mandarín - Mandarin
D, F, E, DA, PE: J. P. Sniadecki
S: J. P. Sniadecki, Ernst Karel
P: J. P. Sniadecki, Joshua Neves
Contacto / Contact
J. P. Sniadecki
T +1 269 267 2335 E jpsniadecki@gmail.com
W theironministry.com
98 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A train goes across China. In each one of its many wagons, hun-
dreds of persons with their own stories and points of view travel
every day, covering huge distances. China’s railway system is
imaginably complex if you take into account the country’s area,
its population density and its technical development. The laying of
the tracks, which penetrate the territory and scatter like the veins
inside a living being, not only communicate, but also offer one of
the most complex paintings of a society. That’s why, by focus-
ing on the variety of persons who inhabit that world in motion, in
their gazes, in their trivial conversations, J. P. Sniadecki examines
the blood of a country. As a specialist in that culture, his previ-
ous films, Chaiqian, People’s Park and Yumen, are interested in
the same. With The Iron Ministry, the viewpoints of the filmmaker
and the anthropologist come together in order to achieve one of
the most interesting experiences born from the SEL (Harvard Uni-
versity’s Sensory Ethnography Lab), one of the most important
centers of visual anthropology in current cinema, which was also
responsible for such films as Leviathan and Manakamana. LL
J. P. Sniadecki
Nació en Michigan, EE. UU., en 1979 y estudió antropología en Harvard. Ha
realizado los documentales Songhua (2007), Demolition (2008), The Yellow
Bank, Sichuan Triptych (ambos 2010) y, junto a Véréna Paravel, Foreign
Parts (2010; Bafici ‘11). Es miembro del Sensory Ethnography Lab y dicta
clases de cine en la Universidad Cornell. | He was born in Michigan, USA,
in 1979, and studied Anthropology at Harvard. He directed the documenta-
ries Songhua (2007), Demolition (2008), The Yellow Bank, Sichuan Triptych
(both in 2010) and Foreign Parts (2010; Bafici ‘11) together with Véréna
Paravel. He’s a member of the Sensory Ethnography Lab and teaches a film
class at Cornell University.
 competencia Vanguardia y Género
Queen of Earth
Reina de la Tierra
Hay una clave cuando se presenta el título: la línea de abajo, la del
año y copyright, se muestra como si fuera de una película de los
sesenta o setenta, una de esas de encierro emocional tortuoso,
como podría serlo, por ejemplo, Repulsión, de Roman Polanski.
Si la cuarta película de Alex Ross Perry es cine psicológico, lo es
por convicción y no por exceso, descuido o inconsciencia. Dos
amigas, Catherine y Ginny (Elisabeth Moss y Katherine Waterston),
se reúnen a orillas de un lago –en la cabaña de Ginny– a sanar
heridas, a hacer duelos, sobre todo Catherine. Hay una clave en
el reencuentro: Catherine no reconoce inmediatamente la voz de
Ginny cuando esta le habla desde el auto. Una señal: las cosas
ya no son como fueron en el pasado. Y esta amistad puede dete-
riorarse, dañarse, volverse oscura ante la progresiva caída emo-
cional de Catherine y las actitudes y reacciones comprensivas/
agresivas de Ginny. Un thriller psicológico alejado de cualquier
moda, rodado en 16mm y con un montaje cortante, que introduce
flashbacks como elementos que se incrustan en el alma de las
protagonistas. Javier Porta Fouz
Estados Unidos - US, 2015
90’ / DCP / Color / Inglés - English
D, G: Alex Ross Perry F: Sean Price Williams E: Robert Greene
DA: Anna Bak-Kvapil S: Clayton Castellanos M: Keegan DeWitt
P: Joe Swanberg, Elizabeth Moss, Adam Piotrowicz, Alex Ross Perry
PE: Peter Gilber, Christos Konstantakopoulos, Eddie Linker I: Elizabeth Moss,
Katherine Waterston, Patrick Fugit, Kentucker Audley, Keith Poulson
Contacto / Contact
The Match Factory. Sergi Steegmann
T +49 30 4431 9050 E sergi.steegmann@matchfactory.de
W the-match-factory.com TW @thematchfactory
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
There is a key element that can be seen when the title of the film
is presented: the line below the title, with the year and copyright,
makes it seem as if it were a film from the sixties or seventies,
of those that show tortuous emotional confinement like, for ex-
ample, Roman Polanski’s Repulsion. If Alex Ross Perry’s fourth
film is psychological cinema, it is so out of conviction and not
excess, carelessness or thoughtlessness. Two friends, Catherine
and Ginny (Elisabeth Moss and Katherine Waterston), meet up at
the edge of a lake –at Ginny’s family’s cabin– in order to heal
some wounds and mourn, especially Catherine. There’s a key ele-
ment to this reunion –Catherine doesn’t immediately recognize
Ginny’s voice when she talks to her from the car. A sign –things
aren’t what they used to be anymore. And this friendship could
deteriorate, damage itself, become dark in the face of Catherine’s
gradual emotional fall and Ginny’s understanding/aggressive re-
actions. A psychological thriller far from any trend, shot in 16mm
and with some sharp editing that introduces flashbacks as ele-
ments embedding in the main characters’ soul. JPF
Alex Ross Perry
Nació en Pensilvania, EE. UU., en 1984. Se formó en la Escuela Tisch
de Artes de la Universidad de Nueva York y trabajó en el Kim’s Video de
Manhattan. Entre sus trabajos como director se encuentran Impolex, The
Color Wheel y Listen Up Philip. | He was born in Pennsylvania, USA, in
1984. He trained at the Tisch School of the Arts in the University of New
York and worked at Kim’s Video in Manhattan. His work as a director
includes Impolex, The Color Wheel and Listen Up Philip.
99
 avant-garde & genre competition
The Royal Road
El Camino Real
Como lo hizo en su ópera prima, The Joy of Life, Jenni Olson vuel-
ve a combinar magistralmente la intimidad de una historia perso-
nal con la grandeza de la Historia con mayúsculas. El camino real
al que alude el título, en la costa oeste de los Estados Unidos, es
el trayecto que en el pasado unía las misiones religiosas entre
México y San Francisco, y que en el presente distancia y se inter-
pone en el romance de la protagonista. La traducción al castellano
revela una de las piezas clave de la película: lo Real y lo real
también se funden en la existencia de una chica lesbiana excluida
que encuentra un paraíso donde verse reflejada, en el mundo de
fantasía que le ofrece una pantalla de cine, obsesionada por esas
historias de otros y buscando en ellas las claves de su propia
vida. La ciudad de Vértigo, de Alfred Hitchcock, con sus juegos de
dobles y sus amores imposibles, es el paisaje perfecto para una
película construida sobre la base de la nostalgia, pero que mira
hacia el futuro sin rastros de melancolía. Leandro Listorti
Estados Unidos - US, 2015
65’ / DM / Color
Inglés - English
D, G, I: Jenni Olson F: Sophie Constantinou E: Dawn Logsdon
S: Jim Lively P: Julie Dorf PE: Paul Marcarelli
Contacto / Contact
The Film Collaborative. Jeffrey Winter
T +1 323 207 8321
E jeffrey@thefilmcollaborative.org
W royalroadmovie.com TW @RoyalRoadMovie
100 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Just as she did in her opera prima The Joy of Life, Jenni Olson
again performs a masterful combination of an intimate personal
story with the greatness of History in capital letters. The Royal
Road the title refers to, in the US West Coast, is the actual route
that used to connect religious missions between Mexico and San
Francisco, and is now the distance imposed on the main charac-
ter’s romance. Its Spanish translation (Camino Real) reveals one
of the keys in the film: both the Real and the real fuse together in
the existence of a cast-off lesbian girl who finds a paradise she
can see herself reflected on in the fantasy world offered by a film
screen, obsessing with these stories of other people, and looking
for the keys to her own life in them. The city of Alfred Hitchcock’s
Vertigo –with its double games and impossible loves– is the per-
fect setting for a film that is built on nostalgia but nevertheless
stares at the future with no sign of melancholy. LL
Jenni Olson
Es experta en cine LGBT y actual vicepresidente de e-commerce en
WolfeVideo. Su primer largometraje The Joy of Life (2005) tuvo su estreno
mundial en el festival de Sundance, donde también estrenó su cortome-
traje 575 Castro St. (2009; Panorama en Berlín). Autora de los libros The
Queer Movie Poster Book y The Ultimate Guide to Lesbians Gay Film and
Video. | She’s an expert in LGBT cinema and currently a Vice President of
e-commerce in WolfeVideo. Her first feature-length film The Joy of Life
(2005) premiered in Sundance, where she also premiered her short film
575 Castro St. (2009; Panorama in Berlin). She wrote the books The Queer
Movie Poster Book and The Ultimate Guide to Lesbians Gay Film and Video.
 competencia Vanguardia y Género
Single Stream
Corriente única
La belleza de la basura es innegable. Ahí están las huellas, las
historias y las preferencias de miles de personas anónimas, y eso
sin siquiera empezar a considerar la parte estética. La corriente
única a la que se refiere el título es la denominación que recibe
un sistema de reciclaje de residuos en el que los papeles, metales
y plásticos son separados no en la recolección, sino en una etapa
posterior, a medida que recorren una larga cinta transportadora.
Single Stream sigue con atención el proceso (repleto de giros,
saltos y velocidades variables), desde el arribo de la basura hasta
un sublime final en una planta en Massachusetts, Estados Unidos.
Con un sugestivo diseño sonoro de Ernst Karel –responsable tam-
bién del sonido de The Iron Ministry, Manakamana y Leviathan,
entre otras producciones surgidas recientemente del SEL–, Single
Stream convierte la basura y el trabajo mecánico sobre ella en
una amalgama de colores, formas y sonidos en el límite de la
abstracción y de lo hipnótico. Leandro Listorti
Estados Unidos - US, 2014
23’ / DCP / Color
D: Toby Lee, Pawel Wojtasik, Ernst Karel
F: Sergei Franklin E: Pawel Wojtasik, Toby Lee
S: Ernst Karel P: Toby Lee, Pawel Wojtasik
PE: Jesse Eidsness, Jonathan Hogg
Contacto / Contact
Toby Lee
T +1 212 203 7793
E singlestream2014@gmail.com
W single-stream.net
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The beauty of trash is undeniable. There are the traces, the stories
and the preferences of thousands of anonymous persons, and that
is if you don’t even start considering the aesthetic part. The single
stream the title refers to is the denomination given to a system of
waste recycling in which paper, metal and plastic are separated
not during collection, but at a later stage, while they go through
a long conveyor belt. Single Stream closely follows the process
(filled with turns, jumps and varying speeds), from the moment
the garbage arrives to a sublime showdown at a plant in Mas-
sachusetts, USA. With a suggestive sound design by Ernst Karel
–also responsible for the sound in The Iron Ministry, Manakamana
and Leviathan, among other recent productions from the SEL–,
Single Stream turns trash and the mechanical work on it into an
amalgam of colors, shapes and sound on the edge of abstraction
and the hypnotic. LL
Pawel Wojtasik
Nació en Lodz, Polonia, en 1952. Exhibió sus trabajos en el MoMA, en el
museo Reina Sofía y en la Berlinale. | She was born in Lodz, Poland, in 1952.
He exhibited his work at the MoMA, the Reina Sofía Museum and the Berlinale.
Toby Lee
Nació en Los Ángeles en 1980. Estudió antropología y cine en Harvard. |
She was born in Los Angeles in 1980. He studied Anthropology and Film-
making at Harvard.
Ernst Karel
Nació en Palo Alto en 1970. Además de ser profesor en Harvard, compone
y realiza distintas performances. | He was born in Palo Alto in 1970. Apart
from his work as Harvard professor, he composes and takes part in differ-
ent performances.
101
 avant-garde & genre competition
Starry Eyes
Ojos estrellados
“Únete a mí. Durante estos días verás con placer cuáles son mis
artes. Te daré lo que nunca ha visto hombre alguno”. La misma
sentencia que Mefistófeles utilizó para seducir al anciano Faus-
to es aplicable a Sarah Walker, una joven actriz dispuesta a todo
con tal de abandonar el microuniverso de hipsters y aspirantes a
cineastas independientes en el que parece varada. La oportunidad
llega, y es terrorífica y dolorosa, lo que la transforma en un ser dis-
puesto a arrasar con cualquier rastro de su pasado. Sería un error
tomar a Starry Eyes como otro ajuste de cuentas con el lado oscu-
ro de la Meca del cine: su retrato despiadado de una comunidad
de mumblecores incapaces, su vuelta de tuerca del mito del Ho-
llywood satánico, la abrumadora interpretación de Alex Essoe y un
alucinado tramo final no apto para públicos impresionables hacen
del film una experiencia atípica, trepidante y divertida. Fran Gayo
Estados Unidos - US, 2014
96’ / DCP / Color / Inglés - English
D: Kevin Kolsch, Dennis Widmyer G: Dennis Widmyer, Kevin Kolsch
F: Adam Bricker E: Brody Guser M: Jonathan Snipes
P: Travis Stevens CP: MPI Media Group, Snowfort Pictures
I: Alex Essoe, Noah Segan, Pat Healy
Contacto / Contact
MPI Media Group. Todd Wienecke
T +1 708 873 3121 E twienecke@mpimedia.com
W mpimediagroup.com - starryeyesfilm.com
TW @starryeyesfilm
102 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
“Join me. During these days you will see, with pleasure, what
my arts are. I will give you what no man has seen.” The same
precept Mephistopheles used to seduce the elderly Faust applies
to Sarah Walker, a young actress who will do anything in order to
abandon the micro-universe of hipsters and aspiring indie film-
makers she seems to be stuck in. The opportunity arrives, and
it’s horrifying and painful, which turns her into someone willing
to lay waste to any kind of trace from her past. It would be a
mistake to take Starry Eyes as just another score-settling with
the dark side of Hollywood –its ruthless portrait of a community
of incapable mumblecores, its twist on the myth of the satanic
Hollywood, the overwhelming performance by Alex Essoe and a
deluded showdown not suitable for sensitive audiences make the
film an atypical, frantic, fun experience. FG
Los directores | the directors
Kevin Kolsch y Dennis Widmyer han trabajado juntos como directores
en el documental Absence (2009) y en el cortometraje Curtain, exhi-
bido en múltiples festivales, incluyendo el Fantastic Fest, Cinequest y
Telluride. | Kevin Kolsch and Dennis Widmyer have worked together
as directors of the documentary Absence (2009) and the short film
Curtain, which was screened in several festivals, including Fantastic
Fest, Cinequest, and Telluride.
 competencia Vanguardia y Género
World of Tomorrow
Mundo del mañana
La pequeña Emily Prime recibe una visita del futuro: se trata de
una clonación suya de tercera generación venida del mundo tal y
como será dentro de 227 años, un mundo al borde de la destruc-
ción donde las conciencias de los difuntos se conservan digitali-
zadas, los viajes en el tiempo son posibles (aunque arriesgados)
y las capturas de recuerdos anónimos son expuestas en galerías
de arte. World of Tomorrow posiblemente supone el trabajo más
ambicioso y funambulista en la filmografía de Don Hertzfeldt, un
arrebatador y emotivo salto a la ciencia ficción que de algún modo
venía ya anticipado en el couch gag que el director hizo para Los
Simpson el pasado año. De una imaginería futurista deslumbrante
y abigarrada, World of Tomorrow no oculta, en el fondo, la desazón
existencial común a todos los trabajos de Hertzfeldt y la pregunta
eterna y terrible que nadie se atreve a responder: ¿es esto todo lo
que hay? Fran Gayo
Estados Unidos - US, 2015
17’ / DCP / Color
Inglés - English
D, G, F, E, DA, S, P: Don Hertzfeldt
I: Julia Pott, Winona Mae
Contacto / Contact
Don Hertzfeldt
E bitterfilms@hotmail.com
W bitterfilms.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Little Emily Prime receives a visit from the future: it’s a third-
generation clone of herself coming from the world as it will be
227 years from now, a world on the verge of destruction where
the conscience of the deceased are digitally preserved, time travel
is possible (although risky) and captures of anonymous memories
are exhibited at art galleries. World of Tomorrow is perhaps the
most ambitious and funambulist work in Don Hertzfeldt’s filmog-
raphy, an arresting, emotional leap towards science-fiction that,
in some way, had already been anticipated in the couch gag the
director made last year for The Simpsons. With a dazzling, dis-
jointed futuristic imagery, World of Tomorrow, doesn’t hide, deep
down, the existential unease that is common to all of Hertzfeldt’s
works and the endless, terrible question no one dares to answer:
is this all there is? FG
Don Hertzfeldt
Nació en California, EE. UU., en 1976. Entre sus films animados se encuen-
tran It’s Such a Beautiful Day, Billy’s Balloon, The Meaning of Life y Rejec-
ted. Siete de sus trabajos han sido exhibidos en el Festival de Sundance,
donde ha sido el único director en ganar dos veces el Gran Premio del
Jurado para Cortometrajes. | He was born in California, USA, in 1976.
Some of his animated films are It’s Such a Beautiful Day, Billy’s Balloon,
The Meaning of Life and Rejected. Seven of his works have been screened
at the Sundance Festival, where he has been the only director to ever win
the Jury’s Grand Prize for Short Film twice.
103
 avant-garde & genre competition
Crumbs
En 2013, The Mysterious Fanta Ananas, una ignota directora so-
malí, sorprendía a la fauna festivalera con Chigger Ale, cortome-
traje bizarro sobre un clon de Hitler llegado del espacio exterior.
Todo indica que tras la identidad novelesca de Fanta se esconde
Miguel Llansó, cineasta visionario, aventurero, madrileño y etíope
por adopción. Crumbs, su primer largo, es una aventura apocalíp-
tica que bebe por igual de Franklin Schaffner, He-man, el Zardoz
de Boorman, Herzog y los Monty Python. Y su universo es un mun-
do asombroso donde los materiales de derribo de la sociedad tal y
como era en los años anteriores a la Gran Guerra han servido para
construir un nuevo sistema de creencias, una nueva mística en la
que la imagen de Michael Jordan es venerada como si se tratase
de la de la Virgen de Luján, donde Papá Noel es un respetado
oráculo y una bolera abandonada esconde la puerta que da paso
a otro mundo. Fran Gayo
Etiopía / España / Finlandia - Ethiopia / Spain / Finland, 2015
69’ / DCP / Color / Amárico - Amharic
D, G: M. Llansó F: I. Seoane E: V. Broca S: Q. Piñero M: Atomizador
P: M. Llansó, D. Taye Workou, M. Argaw, Y. Feleke PE: S. Uguet de Resayre
CP: BiraBiro Films, Lanzadera Films, S. Uguet de Resayre
I: D. Tadesse, Selam Tesafaye
Contacto / Contact
Lanzadera Films. Miguel Llansó
T +34 667 979 620 +34 851 3096 E miguel@lanzaderafilms.com
sergioguet@gmail.com W lanzaderafilms.com
FB crumbsthemovie TW @lanzaderafilms
104 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In 2013, The Mysterious Fanta Ananas, an unknown Somalian
filmmaker, surprised the festival fauna with Chigger Ale, a bizarre
short film about a Hitler clone from outer space. Everything seems
to indicate that behind Fanta’s novelesque identity sits Miguel
Llansó, a visionary filmmaker and adventurer who was born in
Madrid but is an Ethiopian by choice. Crumbs, his first feature-
length film, is an apocalyptic adventure that equally draws from
Franklin Schaffner, He-man, Boorman’s Zardoz, Herzog, and the
Monty Python. And his universe is an amazing world where the
materials that brought down society as it was in the years before
the Great War, have now served to build a new system of belief,
a new mystic spirit in which the image of Michael Jordan is as
venerated as if it was the Virgin Mary, where Santa Claus is a
respected oracle and an abandoned bowling alley hides the door
that leads to another world. FG
Miguel Llansó
Nació en Madrid, España, en 1979. Estudió filosofía y cine, y actualmen-
te vive seis meses al año en Etiopía. Dirigió los cortometrajes Where Is
My Dog? (2010; exhibida en Rotterdam) y Chigger Ale (2013), exhibido
en Locarno y Bafici, entre otros. | He was born in Madrid, Spain, in 1979.
He studied Philosophy and Filmmaking and currently lives six months of
the year in Ethiopia. He directed the short films Where Is My Dog? (2010;
screened in Rotterdam) and Chigger Ale (2013), screened in Locarno and
Bafici, among others.
 competencia Vanguardia y Género
Léone, mère & fils
Léone, Mother & Son
Léone, madre e hijo
Léone parece salida de una imaginación compartida entre Fe-
llini y Robert Crumb: segura, enorme, con una rubia cabellera y
una vitalidad que hace que uno no pueda más que rendirse ante
ella. Eso es lo que hace su hijo, cuando la observa todos los días
con ojos de Edipo mientras atiende las mesas de un pequeño
restaurante en las afueras de París. La relación entre ellos es
única, llena de amor recíproco, inequívoca, de esas que se dan
de tanto en tanto en la vida. Todas esas certezas se oponen a
las imprecisiones temporales con las que juega la directora Lu-
cile Chaufour: imágenes en blanco y negro, una textura de video
familiar y un arriesgado giro en la historia hacen que el paso del
tiempo adquiera una importancia fundamental en el desarrollo de
ese vínculo y de sus protagonistas. Una relación difícil de ubicar
con fechas, pero tan intensa que se sobrepone a eso y se con-
vierte en una historia universal. Y, al mismo tiempo, en una de las
revelaciones de este año. Leandro Listorti
Francia - France, 2014
40’ / DCP / B&N
Francés - French
D, F, E, S: Lucile Chaufour CP: Supersonicglide
I: Léone Crombez, Patrick Crombez, Michel Crombez
Contacto / Contact
Supersonicglide
T +33 6 2076 3973 E cecile@supersonicglide.com
W supersonicglide.com - leone-mere-et-fils.blogspot.fr
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Leóne looks like she came from the shared imagination of Fellini
and Robert Crumb: she’s confident, huge, with blonde hair, and a
vitality that makes you unable to resist being infatuated with her.
That’s what her son does everyday when he watches her with
Oedipus’ eyes as she waits tables in a little restaurant outside of
Paris. The relationship between them is unique, filled with recipro-
cal love, and unequivocal, the kind that only happens from time to
time. All those certainties conflict with the temporary imprecisions
director Lucile Chaufour plays with: black and white cinematog-
raphy, home video textures, and a risky plot turn, they all make
the passage of time acquire a fundamental importance in the de-
velopment of this relationship and those ones involved in it. It’s a
relationship that is hard to pinpoint with time dates, but so intense
that it overcomes that and becomes a universal story –and, at the
same time, one of this year’s revelations. LL
Lucile Chaufour
Luego de formarse como música, conformó varias bandas y fundó las
compañías Le Cru de Tamarin y Makhno Records. Dirigió Violent Days
(2004), los cortos L’Amertume du chocolat (2008; Cannes) y Sleeping
Image (2013) y el documental East Punk Memories (2012; premiado en
Cinéma du Réel). | Following her music training, she formed several bands
and founded the companies Le Cru de Tamarin and Makhno Records.
She directed Violent Days (2004), the short films L’Amertume du choco-
lat (2008; Cannes) and Sleeping Image (2013), and the documentary East
Punk Memories (2012; awarded at Cinéma du Réel).
105
 avant-garde & genre competition
Letters to Max
Cartas a Max
La República de Abjasia es un país nuevo, ubicado en la vertiente
suroccidental de la cordillera del Cáucaso. Un país que para mu-
chos otros estados no existe. Cuando Eric Baudelaire le envió por
primera vez una carta a Maxim Gvinjia, ni él mismo estaba seguro
de lo que podía suceder. Pero la respuesta llegó después de varias
semanas, y dio comienzo a un amable diálogo epistolar entre el
realizador y Max, ex Viceministro de Relaciones Exteriores de ese
país. Una correspondencia que es, según sus palabras, “recordar el
pasado hablando desde el presente”. Uno de los puntos sobresa-
lientes de este genial film-ensayo reside en que los elementos con
los que trabaja Baudelaire son mínimos: cartas e imágenes regis-
tradas en un país desconocido. Y muchos de los temas discutidos
son abstractos: fronteras, identidades, nacionalidades. Así como
esa república se acomoda en la grieta de dos realidades, la exis-
tencia y la no existencia, entre Oriente y Occidente, el espectador
se descubre en algún momento en la misma posición: en el medio
de un diálogo entre dos mentes lúcidas que intentan confirmar la
existencia de uno mismo y del lugar donde viven. Leandro Listorti
Francia - France, 2014
103’ / DCP / Color
Inglés - English, Ruso - Russian
D, F: Eric Baudelaire E: Eric Baudelaire, Laure Vermeersch
S: Juliette Navis, Jean Holtzmann, Julien Bonvicini
CP: Poulet-Malassis I: Maxim Gvinjia, Sergueï Agumaa, Sipa Labakhua,
Bagrat Gvinjia, Ludmila Gvinjia
Contacto / Contact
Lux. Matt Carter
T +44 207 503 3980 E distribution@lux.org.uk
W lux.org.uk TW @LUXmovingimage
106 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The Republic of Abjasia is a new country located in the South
Western side of the Caucasus mountain chain. Many states con-
sider that this nation doesn’t really exist. When Eric Baudelaire
sent his first letter to Maxim Gvinja, even he wasn’t sure what
could happen. But the answer came along after several weeks,
and kicked off a kind written dialogue between the filmmaker and
Max, the country’s former Vice Minister of Foreign Affairs. Accord-
ing to his words, the correspondence between them was “remem-
bering the past by talking from present day”. One of the outstand-
ing pints of this great essay-film resides in the fact that Baudelaire
works with minimum elements: letters and images from an un-
known country. And many of the issues they discuss are abstract:
borders, identities, and nationalities. Just like that country slips in
the crack between two realities –existence and non-existence, the
East and the West– spectators will find themselves in the same
position: right in the middle of a dialogue between two lucid minds
who try to confirm the existence of themselves and the place
where they live. LL
Eric Baudelaire
Nació en Salt Lake City, Utah, en 1973 y estudió en la Universidad Brown. Sus
videos, fotografías, instalaciones y pinturas han sido exhibidos en galerías
como Elizabeth Dee, en Nueva York, y Juana de Aizpuru, en Madrid, entre
otras. Realizó los cortometrajes The Makes (2001) y [sic] (2009), y el largo
L’Anabase de May et Fusako Shigenobu, Masao Adachi et 27 années sans
images (2011; Bafici ‘12). | He was born in Salt Lake City, Utah, in 1973 and
studied at Brown University. His videos, photos, installations, and paintings
have been exhibited in galleries such as Elizabeth Dee in New York and Juana
de Aizpuru in Madrid, among others. He directed the shorts The Makes (2001)
and [sic] (2009), and the feature-length film L’Anabase de May et Fusako
Shigenobu, Masao Adachi et 27 années sans images (2011; Bafici ‘12).
 competencia Vanguardia y Género
Madeleine et les deux apaches
Madeleine and the Two Apaches
Madeleine y los dos apaches
El amor de una abuela es más poderoso que cualquier otra forma
de amor. Por eso la pérdida de ese afecto puede provocar un
vacío tan grande. Así como Banana Yoshimoto escribió sobre la
ausencia de su abuela en su libro Kitchen, Christelle Lheureux le
rinde homenaje a esa relación a través de una película. Una pelí-
cula que se compone de dos partes: los videos caseros que filmó
Madeleine sobre su nieta, y la construcción del recuerdo que tiene
esa nieta sobre esa abuela que tanto extraña. Las miradas de las
dos generaciones se mezclan, al igual que se funden la ficción
y el documental. El espectador también construye la imagen de
Madeleine a través de un recuerdo inventado, porque la jubilada
de sesenta años se esconde detrás de la cámara para observar,
con ojos de abuela enamorada, los bailes y las piruetas de su
nieta. La niña ya adulta sueña despierta con cada espacio de la
casa de Madeleine, los recorre como si volviera a ser chiquita,
mientras nos presenta a su abuela para reencontrarse con ella.
Porque, como dijo Stephen King, ¿para qué va la gente al cine si
no es para soñar con los ojos abiertos? Maia Debowicz
Francia - France, 2014
30’ / DCP / Color / Francés - French
D, G: Christelle Lheureux F: Michaël Capron, Christelle Lheureux,
Michele Gurrieri E: Laurent Sénéchal S: Damien Guillaume,
Thomas François P: Nicolas Anthomé CP: Bathysphere Productions
I: Clémentine Beaugrand, Thomas Blanchard, Myrtille Bonnenfant,
Marie Rivière, Sakda Kaewbuadee
Contacto / Contact
Bathysphere Productions. Nicolas Anthomé
T +33 1 4021 3702
E diffusion@bathysphere.fr W bathysphere.fr
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A grandmother’s love is more powerful than any other form of
love. Hence, losing that affection can provoke some huge empti-
ness. Just as Banana Yoshimoto wrote about her grandmother’s
absence in her book Kitchen, Christelle Lhereux pays homage to
that relationship through a film. A film composed of two parts: the
home videos Madeleine made about her granddaughter, and the
construction of the memory that this granddaughter has of the
grandmother she misses so much. The views of both generations
get mixed up as fiction and documentary also blur together. Spec-
tators can also build the image of Madeleine through an invented
memory, because the 60 year-old retired woman hides behind the
camera to observe, with the eyes of an infatuated grandmother,
her granddaughter’s dances and pirouettes. The grown-up girl
dreams awake with every nook in Madeleine’s house, she goes
through them as if she was still a child, while presenting her
grandmother to us in order to reunite with her. Because, like Ste-
phen King said, why do people go to the cinema if not to dream
with their eyes open? MD
Christelle Lheureux
Nacida en Francia en 1972, estudió arte en la Universidad París VIII. Realizó
los cortos Ghost of Asia (2005; codirigido con A. Weerasethakul) y Water
Buffalo (2005), exhibidos en el Bafici ‘10, año en que fue jurado de cortome-
trajes; y los largometrajes Non ricordo il titolo (2008), Un sourire malicieux
éclaire son visage (2009; ambos Bafici ‘10) y La Maladie blanche (Bafici
‘12). | Born in France in 1972, she studied Art at Paris VIII. She directed the
shorts Ghost of Asia (2005; co-directed with A. Weerasethakul) and Water
Buffalo (2005) –screened in Bafici ‘10, the year she sat as short film juror–,
as well as the full-length features Non ricordo il titolo (2008) and Un sourire
malicieux éclaire son visage (2009) –both screened at Bafici ‘10– and La
Maladie blanche (Bafici ‘12).
107
 avant-garde & genre competition
Near Death Experience
Experiencia cercana a la muerte
Un tiempo después de haber transformado la (enorme) humani-
dad de Gérard Depardieu en un valor cinematográfico en la pe-
lícula Mammuth (mucho antes de que Abel Ferrara hiciera algo
similar en Welcome to New York), la dupla compuesta por Benoît
Delépine y Gustave Kervern lleva a la pantalla otro cuerpo extraño
(en todo sentido) como lo es el de Michel Houellebecq. Si redu-
jéramos la película a su simple trama, nadie podría pensar en el
polémico escritor como intérprete de un personaje que es padre
de familia y que, aburrido de su rutina, un día (viernes 13, para
más datos) decide poner fin a su vida. Filmando con un equipo
reducido y en video de dudosa calidad, los directores acompañan
al héroe de la historia mientras este recorre, primero en bicicleta
y luego a pie, un rupestre paisaje. Amparado por la soledad del
entorno (interrumpida por algún que otro personaje), sus nihilistas
y desencantados monólogos lo llevarán a decir (entre otras co-
sas): “Muchas palabras y poco suicidio”. Una película extraña y
pequeña como el cuerpo de su protagonista. Marcelo Alderete
Francia - France, 2014 / 90’ / DCP / Color
Francés - French
D, G: Benoît Delépine, Gustave Kervern F: Hugues Poulain
E: Stéphane Elmadjian S: Guillaume Lebraz
P: Benoît Delépine, Gustave Kervern CP: No Money Productions
I: Michel Houellebecq, Bertram Marius, Manon Chancé
Contacto / Contact
Funny Balloons
T +33 1 4013 0586
E contact@funny-balloons.com
W funny-balloons.com
108 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Some time after having transformed Gérard Depardieu’s (enor-
mous) humanity into a cinematic value in the film Mammuth (long
before Abel Ferrara did something similar in Welcome to New
York), the duo formed by Benoît Delépine and Gustave Kervern
takes another strange body (in every sense of the world) like Mi-
chel Houellebecq’s to the screen. If we reduced the film to its
simple plot, nobody could imagine the controversial writer playing
a character who’s a family man and who, one day (a Friday the
13th, to be exact), decides to put an end to his life, bored of his
routine. Shot with a small crew and on video of dubious quality, the
directors follow the hero of the story as he crosses a rocky land-
scape, first on a bike and later on foot. Sheltered by the solitude
of his surroundings (which is interrupted by a few characters),
his nihilistic and disenchanted monologues will lead them to say
(among other things): “So many words and so little suicide.” A film
as strange and small as the body of its star. MA
Benoît Delépine
Nació en 1958 en San Quintín, Francia. Fue actor y guionista en programas
de TV, editó la revista Création, y es el autor de historietas como L’Imposteur
(2000) y God Killer (2003). | He was born in 1958 in Saint-Quentin, France.
He was a TV actor and writer, an editor for the magazine Création and the
author of comic books such as L’Imposteur (2000) and God Killer (2003).
Gustave Kervern
Nació en 1962 en la Isla Mauricio. Codirigió los largometrajes Aaltra (Bafici
‘04), Avida (Bafici ‘07), Louise-Michel (2008), Mammuth (Bafici ’11) y Le
Grandsoir (2012), todos con Delépine. | He was born in 1962 in Mauritius
Island. He co-directed the features Aaltra (Bafici ‘04), Avida (Bafici ‘07),
Louise-Michel (2008), Mammuth (Bafici ‘11), and Le Grandsoir (2012), all
of them with Delépine.
 competencia Vanguardia y Género
Wonderful World End
Fantástico fin del mundo
Shiori, de 17, se viste de Lolita Gótica. Sueña con su carrera como
actriz, como modelo, vive con su novio cool, artista de vanguardia
y seguro de sí mismo. Shiori tiene un blogcast. Interactúa en vivo
con sus seguidores, los cuida, está pendiente de su performance.
Conoce a otra chica, Ayumi, menor, más retraída, que la idolatra,
la copia, la sigue, se instala en su casa. Adolescencia japone-
sa, artificios, amistad, sorpresas, amores, seguidores, mensaji-
tos, teléfonos, apps, emoticones, cómics, colores, la pantalla de
cine invadida por segundas pantallas. Wonderful World End es
una película pop amorosa, que se permite los cambios de humor
repentinos, nos regala canciones y la presencia de la cantante
Seiko Oomori. Su director, Daigo Matsui, sabe acercarse al artifi-
cio pop adolescente con las mejores armas, esas que se suman
convencidas a las explosiones de energía, de cólera, de alegría y
de ilusión. Y nos instala en ese mundo de peluche que supimos
conocer en películas como Take Care of My Cat o Linda Linda
Linda. Javier Porta Fouz
Japón - Japan, 2015 / 82’ / DM / Color
Japonés - Japanese
D, G, E: Daigo Matsui F: Hiroki Shioya DA: Keiko Katahira
S: Takaomi Tomura M: Seiko Oomori
P: Manabu Katahira, Takeshi Hayashi CP: Avex Music Creative, Connects
I: Ai Hashimoto, Jun Aonami, Yû Inaba, Seiko Oomori, Gô Rijû
Contacto / Contact
Avex Pictures. Kana Aida
T +81 3 5545 9277 E aida-kana@av.avex.co.jp
W avex-pictures.co.jp - ww-end.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Shiori, who’s 17, dresses as a Gothic Lolita. She dreams of her
career as an actress, as a model, and lives with her boyfriend, a
cool avant garde artist who’s sure of himself. Shiori has a blog-
cast. She interacts live with her followers, takes care of them,
and keeps an eye on her performance. She meets another girl,
Ayumi, who’s younger, more withdrawn, and worships her, copies
her, follows her, settles in her place. Japanese adolescence, arti-
fice, friendship, surprise, love, followers, messages, phones, apps,
emoji, comic books, colors, the cinema screen invaded by second
screens. Wonderful World End is a lovable pop movie that allows
itself some sudden shifts in tone, gives us songs and the presence
of singer Seiko Oomori. Its director, Daigo Matsui, knows how to
approach teenage pop artifice with the best elements, those that
add, with conviction, to the explosions of energy, rage, joy, and
illusion. And it puts us in that world of plush we visited in films like
Take Care of My Cat or Linda Linda Linda. JPF
Daigo Matsui
Nació en la Prefectura de Fukuoka, Japón, en 1985 y estudió en Tokio.
Dirige el grupo de teatro 5-Jigen y ha realizado múltiples videos musicales
y cortos. Entre sus trabajos como director cinematográfico se encuentran
Afro Tanaka (2012), How Selfish I Am y Sweet Poolside (ambas 2013). | He
was born in Fukuoka Prefecture, Japan, in 1985 and studied in Tokyo. He
directes the theater group 5-Jigen and has directed many music videos and
shorts. His work as a film director includes Afro Tanaka (2012), How Selfish
I Am and Sweet Poolside (both in 2013).
109
 avant-garde & genre competition
Ming of Harlem: Twenty One
Storeys in the Air
Ming de Harlem: Veintiún pisos en el aire
Esta historia familiar de un hombre que vivió en un departamento de
Harlem por un largo tiempo junto con un tigre de Bengala llamado
Ming, que dormía a su lado y con el que veía películas los fines
de semana –vínculo heterodoxo e inhumanamente amoroso entre
especies, al que se sumó luego un cocodrilo llamado Al–, constituye
un ensayo poético sobre zonas de intercambio que a menudo pue-
den ocurrir entre las bestias y los hombres y nada tienen que ver
con la domesticación. El punto de vista de Warnell, explicitado por
una cita inicial de Jacques Derrida y un texto breve de Jean-Luc
Nancy –el cual excede la antropomorfización–, entra en consonan-
cia con el propio relato de Antoine Yates. El material de archivo inicial
en el que se ve a una famosa domadora y a un tigre, así como aquel
que recupera instancias del escándalo jurídico vivido por Yates y un
breve testimonio suyo, son el preámbulo para un encuentro directo
con un intérprete felino y otro reptil que se pasean por un departa-
mento similar al de Yates. Los ojos de los animales evidencian aún
más el misterioso triángulo afectivo ajeno a la lógica de la etología y
a las cómodas definiciones de la antropología. Roger Koza
Reino Unido / Bélgica / Estados Unidos - UK / Belgium / US, 2014
71’ / DM / Color - B&N
Inglés - English
D: Phillip Warnell F: David Raedeker E: Phillip Warnell, Chiara Armentano
DA: Phillip Warnell, Tomas Klassnik S: Emmet O’Donnell
M: Hildur Gudnadottir P: Phillip Warnell, Madeleine Molyneaux
CP: Big Other Films, Michigan Films, Picture Palace Pictures I: Antoine Yates
Contacto / Contact
Big Other Films. Phillip Warnell
T +44 794 114 3775
E info@phillipwarnell.com W phillipwarnell.com
110 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
This is the family story of a man who lived for a long time in a
Harlem apartment together with a Bengal tiger named Ming, who
slept at his side and watched films with him on the weekends
–a heterodox, inhumanly loving bond between the species that
later extended to a crocodile named Al. It constitutes a poetic es-
say about certain connection areas that can often occur between
beasts and men and have nothing to do with domestication. War-
nell’s point of view is explained by a quote from Jacques Derrida
and a short text by Jean-Luc Nancy –which exceeds anthropo-
morphism– and it combines with Antoine Yates’ own story. Both
the beginning’s archive footage, featuring a female tamer and a
tiger, and another excerpt showing moments of the judicial scan-
dal Yates faced and his own testimony, work as the preamble to
a direct meeting with both feline and a reptile interpreters who
wander around an apartment that is similar to Yates’. The animals’
eyes are even greater prove of that mysterious love triangle that
escapes the logics of ethology and anthropology’s too comfortable
definitions. RK
Phillip Warnell
Estudió en el Chelsea College de Arte y Diseño, en FAMU (Praga), en la Univer-
sidad Middlesex (Londres) y en la Academia AVU de Bellas Artes (Praga).
Entre sus films se encuentran The Girl with X-ray Eyes (2008) y Outlandish:
Strange Foreign Bodies (2009). Vive y trabaja en Londres. | He studied at the
Chelsea College of Art and Design, FAMU (Prague), the Middlesex University
(London) and the en la AVU Academy of Fine Arts (Prague). The Girl with X-ray
Eyes (2008) and Outlandish: Strange Foreign Bodies (2009), are some of his
films. He lives and works in London.
 competencia Vanguardia y Género
Prose du Transsibérien
Prose of the Trans-Siberian
Prosa del Transiberiano
Un viaje en tren: la ventana en movimiento como pantalla de un
paisaje que es tan exterior como interior. Las palabras de un poeta
que se mezclan hasta disolverse, difuminando los bordes de lo
íntimo y lo universal, jugando a fundirse y separarse de un paisaje
nevado que es siempre el mismo y siempre distinto. La ventana
como vínculo y frontera, como unión y separación. Basándose li-
bremente en La prose du Transsibérien et de la Petite Jehanne de
France, uno de los libros más bellos jamás creados, y publicado
a cuatros manos por el escritor Blaise Cendrars y la artista So-
nia Delaunay-Terk en 1913, David Epiney despliega un trabajo
de animación, entre lo abstracto y lo orgánico, entre lo figurativo
y lo onírico, que dinamita el concepto de adaptación (y quizás
también el de animación), y convierte el escenario del paisaje
en movimiento en un lienzo sobre el cual pintar la vida al pasar.
Gonzalo de Pedro Amatria
Suiza - Switzerland, 2014
11’ / DCP / Color - B&N
Francés - French
D, G, E, DA: David Epiney F: David Epiney, Gilles Dusabe
S: Alejandro Castillo, Denis Séchaud
M: Alan Mumenthaler
P: Eugenia Mumenthaler, David Epiney CP: Alina Film
Contacto / Contact
Alina Film. David Epiney
T +41 76 372 2196
E info@alinafilm.com W alinafilm.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A journey by train: the moving window like the screen of a land-
scape that is exterior as well as interior. The words of a poet that
blend until they dissolve, blurring the borders of the intimate and
the universal, merging with and separating from a snowed land-
scape that is always the same and always different. The window
as link and frontier, as union and separation. Freely adapting La
prose du Transsibérien et de la Petite Jehanne de France, pub-
lished in 1913 by writer Blaise Cendrars and artist Sonia Delau-
nay-Terk and one of the most beautiful books ever created, David
Epiney deploys an animated work between the abstract and the
organic, between the figurative and dreamlike, that dynamites the
concept of adaptation (and perhaps also that of animation), and
turns the scenery of the moving landscape into a canvas over
which to paint life as it goes by. GdPA
David Epiney
Nació en Ginebra en 1976, y es animador y productor. Junto con Eugenia
Mumenthaler dirigió Le Printemps de Sant Ponç (2007; Bafici ‘08) y fundó
Alina Film. Su primera película como productor, Abrir puertas y ventanas
(Milagros Mumenthaler), ganó el Leopardo de Oro del Festival de Locarno
2011, entre otros premios. | Born in Geneva in 1976, he’s an animation
artist and producer. Together with Eugenia Mumenthaler he directed Le
Printemps de Sant Ponç (2007; Bafici ‘08) and founded Alina Film. His first
film as a producer, Back to Stay (Milagros Mumenthaler), won the Golden
Leopard at the 2011 Locarno Film festival, among other awards.
111
 selección oficial
fuera de competencia
official selection
out of competition
 official selection - out of competition
Invierno
Winter
Invierno empieza en verano; un verano chileno de calor intenso y
actividad intensa para Alejo Cortés, que escribe sin parar la que
será su segunda novela. Caída libre tiene fecha de lanzamiento
dentro de seis meses, y el mundillo literario la espera con dosis
parejas de expectativa y morbo. Un poco por la contención que
puedan darle, pero sobre todo porque la novela trata sobre ellos.
Alejo busca la compañía de sus amigos, una tribu urbana que se
relaciona de diversas maneras con “la cultura” y aún más diver-
samente entre sí. Hasta que llega el invierno y aparece Caída libre,
con la potencia y el efecto de una gigantesca bomba de hielo:
todo se enfría, los vínculos se resquebrajan y, en suma, nada vuel-
ve a ser como antes. Estreno mundial de este Bafici, las casi cinco
horas (divididas en tres capítulos) de la nueva película de Fuguet
atraviesan con ejemplar precisión narrativa y una notable banda
sonora rockera ese paisaje de corazones entumecidos en el que
todos parecen estar buscando algo: amor, respeto, amistad, una
voz propia, razones para lo inexplicable o, apenas, que todo siga
más o menos bien. Agustín Masaedo
Chile, 2015 / 291’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Alberto Fuguet F: Jorge González E: Sebastián Arriagada
DA: Camila Manns S: Cristián Mascaró M: Cristián Heyne, José Biggs,
Él Mató a un Policía Motorizado, Marineros P: Silvio Canihuante,
Mauricio Varela, Alberto Fuguet PE: Mauricio Contreras, Ezequiel Acuña
CP: Cinépata I: Matías Oviedo, Pablo Cerda, Katherine Salosny,
Tomás Verdejo, Nicolás Bosman
Contacto / Contact
Cinépata. Silvio Canihuante / Alberto Fuguet
T +56 9 8419 6417 E fuguet@cinepata.com - silvio@cinepata.com
W cinepata.com - inviernolapelicula.com TW @_cinepata
114 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Winter starts during the summer –a Chilean summer of intense
heat and intense activity for Alejo Cortés, who writes nonstop what
will become his second novel. The publishing date for Caída libre
(“Free Fall”) is six months away, and the literary world is expect-
ing it with equal amounts of expectation and morbidity. In part,
because of the support they can give him, but, above all, because
the novel is about them, Alejo seeks the company of his friends,
an urban tribe that relates with “culture” in diverse ways and, even
more diversely, with each other. Until winter arrives and Caída libre
appears with the potency and the effect of a giant ice ball: every-
thing cools down, bonds break and, in short, everything changes.
With a remarkably precise narrative and a great rock soundtrack,
the nearly five hours (divided into three chapters) of Fuguet’s new
film, which premieres at this Bafici, pierce through that landscape
of numb hearts where everyone seems to be searching for some-
thing: love, respect, friendship, their own voice, reasons of the
unexplainable or, at least, for everything to go on ok-ish. AM
Alberto Fuguet
Nació en Santiago de Chile en 1964. Ha publicado varios libros, entre los
que se destacan las novelas Mala onda (1991), Tinta roja (1996) y Las
películas de mi vida (2002). Dirigió cortos, videoclips y los largometrajes
Se arrienda (2005), Velódromo (Bafici ‘10), Música campesina (Bafici ‘11) y
Locaciones: Buscando a Rusty James (Bafici ‘13). | He was born in Santiago
de Chile in 1964. He published several books, including the novels Mala
onda (1991), Tinta roja (1996) and Las películas de mi vida (2002). He
directed short films, music videos, and the feature-length films For Rent
(2005), Velódromo (Bafici ‘10), Country Music (Bafici ‘11) and Locaciones:
Buscando a Rusty James (Bafici ‘13).
 selección oficial - fuera de competencia
Jaco
Este documental explora la casi mítica historia de Jaco Pastorius,
un pionero del bajo eléctrico e ícono invisible que fue una dura-
dera inspiración para artistas como Robert Trujillo, el productor
del film, pero también para Herbie Hancock, Joni Mitchell, Flea,
Bootsy Collins y tantos más. Si usted ya conoce el nombre proba-
blemente sea o bajista eléctrico o el tipo de persona que cuelga
vinilos en lugar de fotos familiares. Toda generación tiene músicos
como él, que cambian el juego categóricamente pero que nunca
son realmente reconocidos como leyendas en su momento, y este
documental será un nuevo miembro del canon de proyectos que
intentan atribuir un reconocimiento largamente merecido a este
tipo de figuras. Como compositor, extendió el potencial del bajo
como un hechicero con dedos de acero estirando la tela mis-
ma del tiempo, y experimentando con armonías e improvisación
fretless de manera tal que lograba ser altamente técnico y ab-
solutamente funky al mismo tiempo. Pero conoció a su Creador
demasiado pronto, una mala noche de 1987, y gran parte de su
historia nunca fue contada. Angus Harrison
Estados Unidos - US, 2014 / 110’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Stephen Kijak, Paul Marchand G: Stephen Kijak, Paul Marchand,
Robert Trujillo F: Roger de Giacomi E: Paul Marchand S: Theresa Radka
P: Robert Trujillo, John Battsek CP: Passion Pictures
I: Alex Acuna, Randy Brecker, Bootsy Collins, Bobby Colomby, Al Di Meola
Contacto / Contact
Skyrocket. Kevin Day
E kevin.day@skyrocketent.com
W skyrocketent.com - jacothefilm.com
TW @JACOFilm
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
This documentary explores the almost mythical story of Jaco
Pastorius, an electric bass pioneer, an invisible icon who was an
enduring inspiration for artists like Robert Trujillo, producer of the
film, but also Herbie Hancock, Joni Mitchell, Flea, Bootsy Collins
and so many more. If you already know his name you are probably
either also a bass player, or the type of muso that hangs framed
vinyls instead of family photos. Every generation has musicians
like him, categorically changing the game but never really hav-
ing their legend realized in the moment, and the documentary
will be another addition to the canon of projects that attempt to
attribute long deserved recognition to these sorts of figures. As
a composer he went on to stretch the potential of the bass like
a steel-thumbed sorcerer pulling on the very fabric of time; ex-
perimenting with harmonics and fretless improvisation in such a
way that managed to be both highly technical and totally funky all
at once. But he met his maker far too soon, on one bad night in
1987, and his story was left largely untold. AH
Paul Marchand
Documentalista experimentado, trabajó como montajista para Scorsese y
Chris Rock, y fue director de fotografía en Big River Man, de John Marin-
gouin. | An experienced documentary filmmaker, he worked as an editor for
Scorsese and Chris Rock, and he was the director of photography on John
Maringouin’s Big River Man.
Stephen Kijak
Dirigió documentales musicales como Scott Walker: 30 Century Man (2006)
y Stones in Exile (2010). | He directed such music documentaries as Scott
Walker: 30 Century Man (2006) and Stones in Exile (2010).
115
 official selection - out of competition
No somos animales
We’re Not Animals
¿Perdón? ¿Que “no somos animales”? Sí que lo somos, y el di-
rector Alejandro Agresti es el más animal de todos. Un perro, pon-
gamos, que puede ser fiero o compañero según la ocasión, pero
cuya visión periférica todo lo abarca. Porque de esa manera, a lo
bestia, hizo esta película que es una patada a la mesa de todo lo
que hoy se usa en el cine y en las ideas. Cuatro amigos (John Cu-
sack y el propio Agresti entre ellos), reunidos de modo misterioso
por un quinto (Al Pacino), llegan a Buenos Aires desde Estados
Unidos para prolongar un experimento que vienen llevando a cabo
desde hace varios años: Agresti habla de un film roussoniano, y es
verdad que el grupo va por la vida tentando los límites del contrato
social. En Argentina, está claro, podrían encontrarse en un territo-
rio nuevo, más allá de dichos límites, y la película en ese punto se
transforma en una buddy movie que rebota entre la ilustración y
la oscuridad, entre el día y la noche, entre la ternura y el disparate.
Entre mover la cola y tirar el tarascón. Marcelo Panozzo
Argentina / Estados Unidos - Argentina / US, 2015
97’ / DM / Color - B&N
Inglés - English, Español - Spanish
D: Alejandro Agresti G: Alejandro Agresti, John Cusack F: Hans Bonato
E: Pablo Barbieri DA: Julián Romera S: Fernando Soldevila
M: Philippe Sarde P: Pablo Bossi CP: Pampa Films
I: John Cusack, Al Pacino, Paul Hipp, Romina Ricci, Juana Viale
116 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Excuse me? Are you saying “we’re not animals”? Yes, we are, and
Alejandro Agresti is the king of animals. A dog, let’s say, that can
be fierce or a companion depending on the occasion, but whose
peripheral vision encompasses everything. Because that way, like
a beast, he made this film that is a kick in the table to everything
that is trendy in cinema and ideas. Four friends (John Cusack and
Agresti himself among them), summoned in some mysterious way
by a fifth (Al Pacino), arrive in Buenos Aires from the US in order
to prolong an experiment they have been working on for some
years: Agresti talks about a roussonian film, and it’s true that the
group goes through life defying the limits of the social contract.
In Argentina, it’s clear, they could find themselves in new territory,
one beyond those limits, and at that point, the film turns into a
buddy movie that bounces between enlightenment and darkness,
between day and night, between tenderness and nonsense. Be-
tween wagging its tail and biting. MP
Alejandro Agresti
Nacido en Buenos Aires en 1961, entre sus películas se encuentran El
amor es una mujer gorda (1987), Buenos Aires viceversa (1996; Cóndor
de Plata al Mejor Director), El viento se llevó lo qué (1998; Concha de Oro
en San Sebastián), Una noche con Sabrina Love (2000), Valentín (2002;
Cóndor de Plata al Mejor Guion) y La casa del lago (2006). | Born in Buenos
Aires in 1961, some of his films are El amor es una mujer gorda (1987),
Buenos Aires viceversa (1996; Silver Condor for Best Director), El viento se
llevó lo qué (1998; Golden Shell in San Sebastián), Una noche con Sabrina
Love (2000), Valentín (2002; Silver Condor for Best Script) and The Lake
House (2006).
 selección oficial - fuera de competencia
Ragazzi
¿Cómo se integra una película como Ragazzi a la filmografía de
Raúl Perrone? ¿Cómo se abarca la figura y la obra de Pasolini
en el juego de fantasmas de esta nueva etapa del cineasta de
Ituzaingó? Ragazzi es una obra en dos movimientos. El primero,
inspirado libremente en la muerte/asesinato de Pasolini, narra
un día en la vida de un adolescente que terminará involucrado
con una figura que responde al perfil del autor, poeta y cineasta
italiano. Claro que todo esto transcurre en Ituzaingó y a Pasolini
nunca se lo nombra. La segunda parte cambia el tono y lo vuelve
solar: rodada en Córdoba, en un arroyo habitado por otro grupo de
ragazzi, sigue las actividades cotidianas de estos chicos (tirarse al
río, nadar, fumar, volver a tirarse al río, y así) como si el entorno se
tratara de un paraíso abandonado, entre la posible salvación y el
hundimiento absoluto. Hay un par de bellas mujeres que surgen
como apariciones, espíritus que convocan a esos pibes desde al-
gún más allá erótico. Y todo esto es pasado por una licuadora de
imágenes y sonidos que toma características casi apoteósicas. El
final de Ragazzi es posiblemente el momento más bello de toda la
filmografía de Perrone. Diego Lerer
Argentina, 2014 / 83’ / DCP / B&N / Español - Spanish
D, G, E, DA, S: Raúl Perrone F: Raúl Perrone, Alejandro González,
Elías Gismondi M: DJ Negro Dub, Che Cumbé P: Raúl Perrone, Pablo Ratto
PE: Pablo Ratto CP: Les envies que je te désire, Las ganas que te deseo,
Trivial Media I: Franco Robledo, José J. Maldonado, Ornella Ruiz Días,
Walter Giordano, Mauricio Argüello
Contacto / Contact
Trivial Media. Pablo Ratto
T +54 9 11 5117 1969 E pablo@trivialmedia.com.ar
W trivialmedia.com.ar FB raulperroneperro
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
How does a film like Ragazzi fit in Raúl Perrone’s filmography?
How is the figure and work of Pasolini encompassed in the play
of ghosts from this new stage in the career of the filmmaker from
the locality of Ituzangó? Ragazzi is a film in two movements. The
first one, freely inspired in Pasolini’s death/murder, narrates a day
in the life of a teenager who ends up becoming involved with a
figure that fits the profile of the Italian author, poet and filmmaker.
Of course, all of this takes place in Ituzaingó and Pasolini is never
mentioned. The second part has a shift in tone, rendering it solar:
shot in the province of Córdoba, in a stream inhabited by another
group of ragazzi, it follows the everyday activities of these kids
(jumping in the river, swimming, smoking, jumping again, and so
on) as though the surroundings were an abandoned paradise, be-
tween possible salvation and absolute collapse. There is a couple
of beautiful women that seem like apparitions, spirits that sum-
mon these kids from some erotic beyond. And all of this goes into
a blender of images and sound almost becomes an apotheosis.
The ending of Ragazzi is probably the most beautiful moment in
Perrone’s entire filmography. DL
Raúl Perrone
Nació en Ituzaingó, provincia de Buenos Aires, en 1952. Gran parte de
su vasta filmografía se exhibió en el Bafici, como Tarde de verano (‘06),
La Navidad de Ofelia y Galván y Canadá (‘07; premio a Mejor Director en
la Competencia Argentina), 180 grados (‘09), Los actos cotidianos (‘10) y
P3nd3jo5 (’13). | He was born in Ituzaingó, in the Buenos Aires province,
in 1952. A large part of his filmography was screened in Bafici, including
Tarde de verano (‘06), La Navidad de Ofelia y Galván and Canada (‘07; Best
Director award in the Argentine Competition), 180 grados (‘09), Los actos
cotidianos (‘10), and P3nd3jo5 (’13).
117
 official selection - out of competition
Un importante preestreno
An Important Premiere
Cuando se escucha la voz del farsesco Miguel Paulino Tato des-
granando su credo, o cuando algunos célebres distribuidores ver-
náculos cuentan los desopilantes cambios de títulos originales de
las películas para su estreno local, se comprende que la película
de Calori excede saludable y largamente su propósito explícito de
ser una historia oral e improbable de la cinefilia, y que esboza,
de paso, una suerte de arqueología de lo que hoy es el Bafici.
Si es cierto que, tanto en lo que hace a los espectadores como
a los cineastas y a los especialistas, hay un antes y un después
del Bafici y que este ha contribuido decisivamente a la paulatina
irrupción de un nuevo público especializado, Un importante pre-
estreno podría ser vista como una indagación de las evoluciones,
crisis y transformaciones culturales y políticas que hicieron del
cine de exhibición pública un fenómeno cuya posible extinción, o
eventual supervivencia, la película también se encarga de exami-
nar. Eduardo Stupía
Argentina, 2015
72’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Santiago Calori F: Santiago Martí E: Wenchi Bonelli, Laureano Rizzo
DA: Rafael Di Véroli S: Santiago Fumagalli M: Simón Fuga
P: Martín Feldman PE: Martín Feldman, Santiago Calori
CP: Tiratruenos I: Bernardo Zupnik, Fernando Martín Peña, Fabio Manes,
Daniel Melero, Bobby Flores
Contacto / Contact
Tiratruenos. Santiago Calori
T +54 11 4544 1114 E santiago@tiratruenos.info
W tiratruenos.info - preestreno.info TW @sancalori
118 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
When we hear the voice of the farcical Miguel Paulino Tato un-
raveling his creed, or when many famous local distributors tell
of the hilarious title changes of films for their local release, one
understands that Calori’s film far surpasses its explicit purpose of
being an oral and unlikely history of cinephilia, and that, while it’s
at it, sketches some sort of archeology of what Bafici is today. If
it’s true that Bafici marked a milestone regarding audience, film-
makers and specialists, and that it has decisively contributed to
the gradual emergence of a new specialized audience, An Im-
portant Premiere could be seen as an inquiry on the cultural and
political evolutions, crises and transformations that turned cinema
of public exhibition into a phenomenon whose possible extinction,
or occasional survival, the film also examines. ES
Santiago Calori
Nacido en Buenos Aires en 1977, es línea fundadora de la revista La Cosa.
Escribió algunas películas y demasiadas comedias para televisión. Actual-
mente hace Gente sexy junto a Clemente Cancela por FM Rock & Pop,
además de ser asesor de formato televisivo freelance. Dirigió el corto Plan
(1999) y el largometraje inconcluso Ceibo y Taba (2001). | Born in Buenos
Aires in 1977, he’s one of the founders of the magazine La Cosa. He
wrote some movies and too many TV comedies. He currently hosts Gente
sexy at Rock & Pop FM, and he’s also a freelance TV formats’ advisor. He
directed the short film Plan (1999), and the unconcluded feature Ceibo y
Taba (2001).
 selección oficial - fuera de competencia
UPA 2! El regreso
UPA 2!, the Return
Las películas de “los chicos del cine independiente” no suelen
tener secuelas, pero UPA 2! tiene el suficiente nivel de excentri-
cidad y desparpajo como para animarse a la tarea. Los chicos de
la primera UPA! habían obtenido el premio principal en la Com-
petencia Argentina del Bafici 2007; en 2015 siguen la osadía y
la capacidad de observación para poner un espejo deforme frente
al habla, los gestos, las taras de un sector del cine argentino, y
mantienen los pocos frenos a la hora de reírse de las módicas
ambiciones y las luchas de poder y los egos. UPA 2! profundiza
el camino: la corrosión cómica del pequeño mundo elegido para
deformar y satirizar. En esta segunda entrega, el propio Bafici es
el punto de partida del relato, y también es objeto de la mirada
ácida, autocrítica y autoconsciente de Giralt, Toker y Garateguy.
UPA 2! se permite ir más allá de su antecesora, y los personajes
se definen con más profundidad, con menos saña y mayor em-
patía, en secuencias con la ambición y el ritmo suficientes como
para que la comedia respire independientemente, más allá del
referente parodiado. Javier Porta Fouz
Argentina, 2015 / 80’ / DCP / Color - B&N
Español - Spanish
D, G: T. Garateguy, S. Giralt, C. Toker F: C. Martin, N. Aveillé E: A. Quaranta,
W. Bonelli DA: L. Felgueras S: G. Picco, P. Gamberg M: Emisor
P: T. Garateguy, S. Giralt, C. Toker PE: F. Carol CP: Los Griegos Films,
Universidad del Cine I: T. Garateguy, S. Giralt, C. Toker, M. Slipak, N. Dupláa
Contacto / Contact
Los Griegos Films. Federico Carol
T +54 9 11 6680 5071 +54 9 11 6155 2702
E federico@losgriegosfilms.com - camilatoker@hotmail.com
W losgriegosfilms.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The films by “the kids from independent cinema” don’t usually
have sequels, but UPA 2! has enough eccentricity and self-con-
fidence to embark on such task. The kids from the first UPA! had
received the Argentine Competition’s main award at Bafici 2007
–in 2015, they maintain their boldness and their ability to ob-
serve while they place a deformed mirror in front of the language,
the gestures, the blemishes of one sector of Argentine cinema.
Also back is the lack of restrain when laughing at the modest
ambitions, power struggles, and egos. UPA 2! digs deeper still:
the comical corrosion of the small world they chose to deform
and satirize. In this second installment, Bafici itself is the film’s
kick-off point, and is also the object of the acid, self-critical, self-
aware point of view of directors Giralt, Toker and Garateguy. UPA
2! allows itself to go beyond its predecessor, and the characters
are more deeply defined, with less malice and more empathy, in
sequences with enough ambition and pace for comedy to breathe
independently, beyond the object of parody. JPF
Los directores | The directors
Tamae Garateguy (1973) realizó Pompeya (2010) y Mujer lobo (2013);
Santiago Giralt (1977) dirigió Toda la gente sola (2009), Antes del estre-
no (2010) y Anagramas (2014); y Camila Toker (1975) se desempeñó
como directora en Rama negra (2010). Juntos presentaron Upa! Una
película argentina (Mejor Película de la Competencia Argentina en Bafici
‘07). | Tamae Garateguy (1973) directed Pompeya (2010) and She Wolf
(2013); Santiago Giralt (1977) directed All the Lonely People (2009),
Before Opening Night (2010) and Anagrams (2014); and Camila Toker
(1975) directed Rama negra (2010). Together they presented Upa! An
Argentinian Movie (Best Film of the Argentine Competition in Bafici ‘07).
119
 official selection - out of competition
Chile, 2015
6’ / DCP / Color
Español - Spanish
D: Marialy Rivas F: Rodrigo Núñez, Víctor Rojas
E: Andrea Chignoli S: Roberto Espinoza,
Christian Cosgrove, Pablo Bahamondes
P: Marialy Rivas, Juan de Dios Larraín I: Melody Jerez
Contacto / Contact
Sundance Institute. Joseph Beyer
E joseph_beyer@sundance.org W sundance.org
Israel, 2014
5’ / DCP / Color
Hebreo - Hebrew, Francés - French
D, G: Nadav Lapid F: Shai Goldman E: Era Lapid
S: Nimrod Eldar P: Alona Refua, Stav Meron
CP: The Sam Spiegel Film & TV School
I: Daniel Moreshet, Tomer Sharon, David Shaul
Contacto / Contact
The Sam Spiegel Film & TV School
T +972 732 007 300
E festivals@jsfs.co.il
W jsfs.co.il
120 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Melody
Mientras preparaba el rodaje de Princesita, su nueva película, Marialy Rivas (mejor largo
VyG en Bafici 2013 con Joven y alocada) realizó este pequeño-inmenso documental
para el Short Film Challenge de Sundance. Cuenta la historia de dos princesitas que no
estaban llamadas a serlo: Melody y Georgina, una joven y una niña cuyos caminos se
cruzan en las cuerdas de un violín y una viola, en parajes inhóspitos e indelebles pero
siempre periféricos, y en el modo en que la música sirve (siempre: hay que saber escu-
char) para reducir los alcances de la palabra ‘pobreza’. Marcelo Panozzo
While she was preparing to shoot Princesita, her new feature, Marialy Rivas (best Avant
Garde and Genre Feature at Bafici 2013 with Joven y alocada) made this small-im-
mense documentary for Sundance’s Short Film Challenge. It tells the story of two little
princesses that weren’t destined to be so: Melody and Georgina, a young woman and
a little girl whose paths cross in the strings of a violin and a viola, in inhospitable and
indelible, but always peripheral, places, and in the way in which music is useful (always:
one has to know how to listen) in order to shorten the reaches of the word “poverty.” MP
Marialy Rivas
Nacida en Talcahuano, Chile, en 1976, realizó más de doscientos comerciales y videos institucionales,
además de numerosos videoclips para artistas chilenos. Dirigió los cortos Blokes (2010) y There Is a
Hope (2014), además de Joven y alocada, premio al Mejor Largometraje de Vanguardia y Género en
el Bafici ‘13. | Born in Talcahuano, Chile, in 1976, she made more than two hundred commercials
and institutional videos, as well as several music videos for Chilean artists. She directed the short
films Blokes (2010) and There Is a Hope (2014), as well as Young & Wild, Best Avant Garde & Genre
Feature Film award at Bafici ’13.
Why?
Lama?
¿Por qué?
Una serie israelí de “cartas de amor al cine” impulsa este corto, preciso y sintético a
más no poder. Preguntado por un plano que haya transformado su vida, un cineasta se
remonta veinte años atrás para recordar un episodio de su paso por el ejército: el visio-
nado de Teorema. La fascinación por lo militar, la noción tribal de virilidad, la necesidad
de formar parte (obediente) de un grupo, y aspectos esenciales del cine de Lapid que-
dan cuestionados por la perturbadora fuerza de las imágenes pasolinianas. El colapso
final de Massimo Girotti en el film es también el del joven soldado, futuro director. Por
suerte para nosotros, espectadores fascinados. Martin Pawley
An Israeli series of “love letters to cinema” drives this short that is precise and concise as
possible. After being asked about a shot that changed his life, a filmmaker goes twenty
years back in order to remember an episode of his time in the army: seeing Teorema.
The fascination for the military, the tribal notion of virility, the need to become (an obedi-
ent) part of a group, and some of Lapid’s work’s essential aspects are questioned by
the disturbing beauty of Pasolinian images. Massimo Girotti’s final collapse in the film
is also that of a young soldier and future director. Luckily for us, fascinated viewers. MP
Nadav Lapid
Nacido en Tel Aviv, Israel, en 1975, estudió filosofía en esa ciudad y literatura en París. Dirigió los
cortos Border Project (2004) y Road (2005), el mediometraje Emile’s Girlfriend (2006), la premiada
Policeman (2011), distinguida como Mejor Película de la Competencia Internacional en el Bafici ‘12, y
The Kindergarten Teacher (2014). | Born in Tel Aviv, Israel, in 1975, he studied Philosophy in that city
and Literature in Paris, France. He directed the short films Border Project (2004) and Road (2005),
the medium-length film Emile’s Girlfriend (2006), the feature-length Policeman (2011), winner of Best
Film in the International Competition of Bafici ‘12 and The Kindergarten Teacher (2014).
 baficito
little bafici
 little bafici
Astérix et le domaine des dieux
Asterix: The Mansions of the Gods
Astérix y la residencia de los dioses
Es el año 2015 después de Jesucristo. Todas las películas in-
fantiles están atravesadas por franquicias americanas un poco
solemnes y con complejo de Cajita Feliz y Edipo (ay, la culpa).
¿Todas? ¡No! La primera película animada en 3D de Astérix y su
amigacho Obélix (y, obvio, Ideafix) adapta la irreductible La resi-
dencia de los dioses a ese medio que bastante torpe ha sido con
nuestros galos. Pero el cariño de dos directores enamorados de
las travesuras del original hace que la maldición cinematográfica
de Astérix se termine en este relato en el que Julio César inunda
de esnobismos y turistas cinco estrellas nuestra preciada aldea.
¿Hay algo más feliz que ver a Astérix y compañía enseñando a los
más niños (y recordándonos a los que soñamos con comer jabalí
con nuestras manos), a pasos de screwball y de mamporros con
timing capaz de resistir eones, qué es aquello que define a la
comedia como la pócima mágica frente a este romano día a día?
Por Tutatis que no. Juan Manuel Domínguez
Francia - France, 2015 / 82’ / DCP 3D / Color / Francés - French
D: Alexandre Astier, Louis Clichy G: Alexandre Astier E: Soline Guyonneau
DA: Thierry Fournier S: Raphaël Seydoux M: Philippe Rombi
P: Natalie Altmann CP: SND I: Roger Carel, Lorànt Deutsch,
Laurent Lafitte, Alexandre Astier, Alain Chabat
Contacto / Contact
The Festival Agency. Alexandre Cheung
T +33 9 5490 4863 E info@thefestivalagency.com
W thefestivalagency.com
asterix.com/asterix-et-le-domaine-des-dieux-le-film
TW @festivalagency
122 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
It’s the year 2015 A.D. Every kid film is crossed by somewhat sol-
emn American franchises and both Happy Meal and Oedipus com-
plexes (ah, the guilt.) All of them? No! The first 3D animated film of
Asterix and his friend Obelix (and Dogmatix, of course) adapts the
irreducible The Mansions of the Gods to that medium, which has
been rather clumsy with our Gallics. But the love these two infatu-
ated directors have for the original’s adventures brings the Asterix
film curse to an end with this story in which Julius Caesar floods
our beloved village with snobbism and five-star tourists. Is there
anything happier that watching Asterix and his friends teach kids
(while reminding us who dreamt of eating bore with our hands) at
the pace of screwball feats and clouts with a timing that can resist
for eons, as that is precisely what defines comedy as the magical
potion to face this Roman everyday life? By Toutatis no. JMD
Alexandre Astier
Nacido en 1974 en Lyon, Francia, es escritor, humorista, actor y músico,
muy conocido en su país por su serie televisiva Kaamelott. | Born in 1974
in Lyon, France, he’s a writer, humorist, actor and composer most known in
his country for his television series Kaamelott.
Louis Clichy
Tras graduarse en la Escuela de la Imagen Gobelins, se unió al estudio
Cube. Trabajó dos años como animador en Pixar antes de regresar a Fran-
cia. | After graduating from the Gobelins School of Image, he joined Cube
studio. He worked as an animator at Pixar for two years before returning
to France.

Beyond Beyond
Resan till Fjäderkungens Rike
Más allá del más allá
Es posible que Dante, Hades e incluso Orfeo poco y nada tengan
que ver con la vida de una familia de conejos. Pero como alguna
explicación sobre sus vidas tiene que haber, Esben Toft Jacobsen
se encarga de indagar acerca del tránsito vital de estos dulces
seres de orejas largas y ojos llenos de ternura. Un rey alado y con
plumas irrumpe en la armonía familiar y se lleva para siempre a la
madre. Mientras los adultos parecen aceptar con naturalidad esta
situación, a Johan, el chiquilín de la familia, le parece inentendible
y, por lo tanto, inaceptable. ¿Cómo explicarle a un pequeño que un
ser querido ya no volverá? Ver impedido cualquier tipo de comu-
nicación con un ser querido es algo tan arbitrario que merece, al
menos, una buena explicación con su necesaria peripecia. Un re-
corrido de halo iniciático y mitológico lleva al pequeño a espiar un
mundo que no le toca ver aún, ese que viene después de todo, con
un orden tan estricto como equilibrado. Beyond Beyond es, en defi-
nitiva, una historia de amor en el cielo de los conejos. Sol Santoro
Suecia / Dinamarca - Sweden / Denmark, 2014
78’ / DCP / Color / Sueco - Swedish
D: Esben Toft Jacobsen G: Esben Toft Jacobsen, Jannik Tai Mosholt
E: Elin Pröjts DA: Jonas Springborg S: Niklas Skarp
M: Nicklas Schmidt P: Petter Lindblad PE: Sarita Christensen
CP: Copenhagen Bombay I: Edvin Ryding, Tuva Novotny,
Gustaf Hammarsten, Lennart Jähkel, Leif Andrée
Contacto / Contact
Copenhagen Bombay. Malene Iversen
T +45 7242 0800 E info@copenhagenbombay.com
W copenhagenbombay.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
baficito
It’s quite possible that neither Dante, nor Hades, nor Orpheus, are
connected at all with the life of a bunny family. But since there
must be some explanation about their lives, Esben Toft Jacob-
sen manages to inquire about the vital transit of these sweet
animals that have long ears and eyes filled with tenderness. A
winged and feathered king bursts into the family’s peaceful life
and takes away the mother, for good. While adults seem to accept
this situation, little Johan finds it incomprehensible and, therefore,
unacceptable. How do you explain a kid that someone he loves is
gone? Having your communication with a loved one hindered is
something so arbitrary that it deserves, at least, a good explana-
tion and, its necessary adventure. A journey spiced with a coming-
of-age, mythological halo allows the kid to peek into a world he’s
not apt to see yet: the one that comes next after everything is
over, following a both strict and balanced order of things. Beyond
Beyond is, in the end, a love story set in bunny heaven. SS
Esben Toft Jacobsen
Egresó como director de animación en la Escuela Nacional de Cine de Dina-
marca en 2006, con el film de graduación Having a Brother. Trabaja desde
2008 con la productora Copenhagen Bombay, donde ha dirigido cortos
como Kiwi & Strit y el largo The Great Bear (2011). | He graduated from the
National Film School of Denmark as animation director in 2006, with the
graduation film Having a Brother. Since 2008, he works with the production
company Copenhagen Bombay, directing such shorts as Kiwi & Strit, and
the feature The Great Bear (2011).
123
 little bafici
Brujerías
Witchcrafts
Si el tironeo entre novedad y tradición marca la relación entre ge-
neraciones en cualquier familia, este se ha vuelto particularmente
intenso en el caso de la joven Malva, tan al día en cuestión de redes
sociales y cachivaches tecno, y su abuela Lalilas, quien sabe mejor
que nadie que compartir con su nieta los conocimientos heredados
de sus predecesoras, así como sus códigos de comunicación, es
fundamental para proteger su secreto legado. Las cosas se com-
plican para ambas cuando entra en escena la inescrupulosa pro-
pietaria de una fábrica de cosméticos, quien pretende hacerse de
las fórmulas mágicas de la abuela. Casi sin darse cuenta, Malva se
habrá embarcado en una aventura on the road, a bordo de la casa
rodante en la que, junto con Lalilas –y su comadreja Mus y un trío
de caracoles musicales que comentan la acción al modo de un
coro griego–, recorren los pueblos con sus hierbas naturales. Un
viaje que acercará a la protagonista a los saberes ancestrales de su
abuela, y que busca hacerle a la niña un lugar en la dinastía de bru-
jitas de dibujo animado, que no serán tantas pero, de Cachavacha a
la Kiki de Miyazaki, que las hay, las hay. Mariano Kairuz
España / Brasil - Spain / Brazil, 2014
78’ / DM / Color
Español - Spanish
D: Virginia Curiá G: Ánxela Loureiro P: Pancho Casal PE: Chelo Loureiro
CP: Arrayás, Continental Producciones, Otto Desenhos Animados
Contacto / Contact
Latido Films. Oscar Alonso
T +34 91 548 8877
E oalonso@latidofilms.com - latido@latidofilms.com
W latidofilms.com
124 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
If the struggle between novelty and tradition marks the relation-
ship between a family’s generations, it has turned particularly
intense in the case of young Malva –as up to date as she is with
social networks and techno gadgets– and her grandmother Lali-
las, who knows better than anyone that sharing with her grand-
daughter the knowledge she inherited from her predecessors and
their communication codes is essential in order to protect their
secret legacy. Things get complicated for both when the unscru-
pulous owner of a cosmetics factory enters the scene intending
to get a hold of granny’s magical formulas. Almost without notic-
ing, Malva boards an adventure on the road on a Winnebago in
which Lalilas, her weasel Mus, and a trio of musical snails who
behave like a Greek choir, parade through towns with their natural
herbs. It’s a trip that will bring the protagonist closer to her grand-
daughter’s ancestral knowledge and aims to make room for her in
the dynasty of cartoon witches, which, granted, aren’t many, but
nevertheless –from Cachavacha to Miyazaki’s Kiki– do exist. MK
Virginia Curiá
Estudió en la Escuela de Imagen y Sonido de La Coruña, España, y junto a
Tomás Conde cofundó Algarabía Animación en 1993. Desde entonces han
creado más de diez cortometrajes de animación en stop motion y nume-
rosas publicidades, además de producir el largometraje Pica Pica Circus. |
She studied at the Image & Sound School of A Coruña, Spain, and in 1993
she co-founded, with Tomás Conde, the studio Algarabía Animación. Since
then, they’ve created more than ten stop-motion short films and a number
of ads. They’ve also produced the feature-length film Pica Pica Circus.

Jellyfish Eyes
Mememe no kurage
Ojos de medusa
El excéntrico artista pop Takashi Murakami, conocido por vender
a precios millonarios estatuas de estética hentai, se ha lanzado
al cine con esta adorable, alucinógena y trepidante mezcla de
animación e imagen real. Masashi, que acaba de perder a su
padre en Fukushima, se muda con su madre y se convierte así en
el niño nuevo de la escuela. El suceso coincide con la aparición en
su vida de un peculiar amigo al que llamará Jellyfish Boy (Kurage-
bo), epítome del kawaii y de la fuerza sobrenatural. Cuál no será
su sorpresa al descubrir que todos los niños allí tienen una de
esas criaturas-pokemón surtidas a las que llaman F.R.I.E.N.D.,
dirigidas y alimentadas por sus miedos y angustias a modo de
un Tamagotchi neurótico del siglo XXI. Son la creación de una
especie de secta científica que usa a los niños como conejillos de
indias para eliminar el mal del mundo. Entre vitaminadas secuen-
cias de acción y luchas épicas, Masashi y su nuevo amigo inten-
tarán neutralizar a los matones que lo acosan con sus F.R.I.E.N.D.
y, ya de paso, unirán fuerzas para destruir al verdadero –y godzi-
llesco– mal que está a punto de azotarlos. Elena Duque
Japón - Japan, 2013
100’ / DCP / Color
Japonés - Japanese
D: Takashi Murakami G: Jun Tsugita F: Yasutaka Nagano
M: kz (livetune) P: Chiaki Kasahara CP: Kaikai Kiki
I: Takuto Sueoka, Himeka Asami, Masataka Kubota, Shota Sometani
Contacto / Contact
Gaga Corporation. Yuki Oguriyama
T +81 3 5786 7135 E oguriymy@gaga.co.jp
W gaga.co.jp - en.jellyfisheyes.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
baficito
Eccentric pop artist Takashi Murakami, who is known for selling
hentai statues at millionaire prizes, has plunged into cinema with
this adorable, hallucinatory, and frenetic mix of animation and
live action. Masashi, who has just lost his father in Fukushima,
moves in with his mother, thus becoming the new kid in school.
The event coincides with the arrival into his life of a peculiar friend
he will name Jellyfish Boy (Kurage-bo), an epitome of kawaii and
supernatural strength. He’ll be quite surprised to find out all the
kids there have one of these Pokemon-like creatures they all call
F.R.I.E.N.D. and are controlled and fed by their fears and anguish
in the way of a neurotic 21st century Tamagotchi. These were the
creation of a sort of scientific cult that uses children as guinea
pigs in order to free the world from evil. Amidst vitamin-filled ac-
tion scenes and epic fights, Masashi and his new friend will try
to neutralize the thugs that bully him with their F.R.I.E.N.D.s, and
they will join forces to destroy the true –and Godzilla-like– evil that
is about to unleash on them. ED
Takashi Murakami
Nacido en Tokio, Japón, en 1962, estudió en la Universidad Nacional de
Bellas Artes y Música de esa ciudad. En 1991 realizó la primera de numero-
sas exhibiciones como artista plástico, en la Galería Aoi de Osaka. Jellyfish
Eyes es su debut en el cine. | Born in Tokyo, Japan, in 1962, he studied
at that city’s National University of Fine Arts and Music. He had the first of
many solo exhibitions as an artist at Aoi Gallery, Osaka, in 1991. Jellyfish
Eyes is his directorial debut film.
125
 little bafici
Moomins on the Riviera
Moomins en la Riviera
Festejando la reedición de Moomin, Neil Gaiman la definió como
“un tesoro perdido que por fin aparece: una de las tiras de his-
torietas más dulces y extrañas que jamás se han escrito o di-
bujado. Una obra maestra surrealista. De verdad”. Los moomins
son unos cosos hermosos (sí, cosos), una especie hiperblanca
de hipopótamos bípedos que en su día a día familiar mezclan la
ternura incisiva de Charlie Brown con un optimismo sabio pero
travieso. Basada en las tiras de Tove y Lars Jansson, Moomins
on the Riviera es la primera película sobre este hito infantil en
sesenta años. El film preserva no solo el juguetón sentido vi-
sual de una estética cercana al diseño de los años cincuenta,
sino también esa forma alterativa de los moomins de erigirse en
una fuerza (cariñosa) liberadora. Algo que en películas o viñetas
comprende que ser niño es, también, ser un “coso” que sabe
observar, sonreír, invadir y destruir cuando corresponde, sin per-
der nunca la ternura. Juan Manuel Domínguez
Finlandia / Francia - Finland / France, 2014
77’ / DCP / Color / Inglés - English
D: Xavier Picard G: Leslie Stewart, Annina Enckell, Beata Harju,
Hanna Hemilä, Xavier Picard E: Thomas Belair M: Milja Viljamaa,
Anna-Karin Korhonen, Panu Aaltio, Timo Lassy P: Hanna Hemilä
CP: Handle Production, Pictak I: Russell Tovey, Nathaniel Parker,
Tracy Ann Oberman, Stephanie Winiecki
Contacto / Contact
Indie Sales. Martin Gondre
T +33 1 4483 0227 E festival@indiesales.eu
W indiesales.eu -moominsontheriviera.com TW @MoominsRiviera
126 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Celebrating the re-release of Moomin, Neil Gaiman defined it as “a
lost treasure that finally surfaces: one of the sweetest and strang-
est comic books that have ever been written or drawn. A surreal
masterpiece. Truthfully.” The moomins are a bunch of beautiful
things (yes, things), a hyper-white species of biped hippos that mix
the incisive tenderness of Charlie Brown with a wise but naughty
optimism in their everyday life. Based on Tove and Lars Jansson’
strips, Moomins on the Riviera is the first film about this childhood
landmark in sixty years. The film maintains not only the playful vi-
sual sense of an aesthetics that resembles 1950s design, but also
the moomin’s alterative way of rising as a liberating (loving) force.
It’s something that, either in its film or vignette form, understands
that being a child is also being a “thing” that knows how to watch
smile, invade, and destroy when the time is right –without ever
losing its tenderness. JMD
Xavier Picard
Escritor y productor nacido en Francia. Su prolífica carrera internacional
como animador incluye trabajos para Hanna Barbera, Luc Besson y Mamo-
ru Oshii. En el año 2000, cofundó la compañía de animación Pictak, con
la que ha coproducido películas como Marcelino, Odd Family y Valerian.
| French born writer and producer, his prolific international career as an
animator includes works for Hanna Barbera, Luc Besson and Mamoru Oshii.
In 2000, he co-founded the animation company Pictak, with which he has
co-produced such films as Marcelino, Odd Family and Valerian.

Mortadelo y Filemón contra
Jimmy El Cachondo
Mortadelo & Filemon: Mission Implausible
Un gigantón ultraviolento dispuesto a hacerle “el aquello” (no pre-
gunten) al hombre que lo encarceló... hasta que una dosis de
Reversicina lo predisponga a hacerle la limpieza y las compras.
Un supervillano a quien lo que le falta de salud mental le sobra
de bombas neutrónicas; que habla con acento argentino y vuelve
palíndromas hasta las frases más simples, las más simples fra-
ses hasta vuelve palíndromas. Un Mr. Magoo castizo y gritón que
provoca más caos del que ya hay. Y en el medio de todos, claro,
los superagentes más subnormales y más calvos de la historia de
las historietas. Sí, sí, señores: Javier Fesser retoma la saga que
inició doce años atrás (¡ahora animada y en 3D!), y con él vuelven
los gags visuales y los chistes a velocidad demencial, propulsados
por el amor infinito hacia Tex Avery y por el fuego sagrado que
sale de dos garrafas color naranja. Si usted, lector o lectora, es de
esos padres o madres que se impresionan cuando alguien putea
en presencia de menores, ni se le ocurra teletransportarlos a este
auténtico festival del insulto creativo bien puesto. ¡Ustedes se lo
pierden, cachooondos! Agustín Masaedo
España - Spain, 2014 / 91’ / DCP 3D / Color
Español - Spanish
D: Javier Fesser G: Javier Fesser, Claro García, Cristóbal Ruiz
F: Miguel Pablos DA: Víctor Monigote S: Nicolas de Poulpiquet
M: Rafael Arnau P: Luis Manso, Francisco Ramos CP: Zeta Audiovisual
I: Karra Elejalde, Janfri Topera, Gabriel Chame, Ramón Langa, Víctor Monigote
Contacto / Contact
Film Factory
T +34 933 684 608
E info@filmfactory.es W filmfactoryentertainment.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
baficito
An ultra-violent giant willing to do “that” (don’t ask) to the man
who sent him to jail... until a dose of Reversicine persuades him
to do his cleaning and shopping. A super villain with little mental
health but neutron bombs to spare; who speaks in an Argentine
accent and turns even the most simple phrases into palindromes,
the most simple phrases even turns into palindromes. A Spanish,
loud-mouthed Mr. Magoo that causes more chaos than there al-
ready is. And, in the middle, of course, we have the baldest, most
retarded super agents in the history of comic strips. Yes, sir: Javier
Fesser resumes the saga he began twelve years ago (no animated
and in 3D!) and, with it, return the visual gags and the jokes at a
demented speed, propelled by the infinite love for Tex Avery and
for the holy fire that spits out of two orange-colored gas cylinders.
If you, reader, are one of those fathers of mothers who become
shocked when someone curses in the presence of minors, don’t
even think of teleport them to this authentic festival of the well-
placed inventive insult. It’s your loss, you freeeeeeeeaks! AM
Javier Fesser
Nacido en Madrid, España, en 1964, se graduó en ciencias de la imagen en
la Universidad Complutense. En 1992 cofundó, con Luis Manso, la produc-
tora de cine y publicidad Películas Pendelton. Dirigió los largos El milagro
de P. Tinto (1998), La gran aventura de Mortadelo y Filemón (2003) y Cami-
no (2008). | Born in Madrid, Spain, in 1964, he graduated in Film at the
Complutense University. In 1992, he co-founded with Luis Manso the film
and advertising production company Películas Pendelton. He directed the
feature-length films The Miracle of P. Tinto (1998), Mortadelo & Filemon:
The Big Adventure (2003), and Camino (2008).
127
 little bafici
The Satellite Girl and Milk Cow
Woo-ri-byul Il-ho-wa Ul-ruk-so
La Chica Satélite y Vaca Lechera
En este encantador y fantasioso cuento animado del director sur-
coreano Chang Hyung-yun, Kyung-Chun es un músico descora-
zonado que ha sido transformado en vaca lechera. Eso por sí solo
ya es bastante malo, pero también tendrá que correr más rápido
que el nefasto Sr. Oh, quien está decidido a robarle el hígado para
venderlo. Y en un giro aún más confuso, Kyung-Chun podría estar
enamorándose de Il-ho, un satélite que ha tomado la forma de
una chica para poder estudiar el comportamiento de los huma-
nos. Como se lamenta Kyung-Chun, “un satélite con una vaca
lechera... ¡eso no va a suceder nunca!”. ¿O quizás sí? Salvaje,
dulce y encantadoramente trastornada, The Satellite Girl and Milk
Cow quizás sea la única historia de amor en la que un rollo de
papel higiénico mágico resulta funcional para hacer que un chico
solitario y una chica –¿o una vaca y un satélite?– terminen juntos
para siempre. De cualquier manera, son una pareja tan perfecta
como la Vía Láctea. Stephanie Zacharek
Corea del Sur - South Korea, 2014
81’ / DCP / Color
Coreano - Korean
D, G: Chang Hyung-yun DA: Kim Young-jae S: Pyo Yong-soo,
Koh Eun-ha M: Ko Kyung-chun P: Cho Young-kag
PE: Goh Young-jae, Bryan Kim CP: Animation Studio Nowornever
I: Yoo Ah-in, Jung Yu-mi, Lee Don-yong
Contacto / Contact
Indiestory. Choi Hyo-ju
T +82 2 722 6051 E indiestory@indiestory.com
W indiestory.com
128 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In this charming and fanciful animated tale from South Korean
director Chang Hyung-yun, a broken-hearted musician, Kyung-
Chun, has been turned into a milk cow. That by itself would be bad
enough: He’s also forced to outrun the nefarious Mr. Oh, who’s
determined to steal and sell his liver. And in an even more confus-
ing turn of events, Kyung-Chun may be falling in love with Il-ho,
a satellite who has taken the form of a girl in order to study the
behavior of humans. As Kyung-Chun laments, “A satellite and a
milk cow –it can never work!” Or can it? Wild, sweet, and de-
lightfully unhinged, The Satellite Girl and Milk Cow may be the
only love story ever told in which a magical roll of toilet paper is
instrumental in bringing a lonely boy and girl –or is that a cow
and a satellite?– together forever. Either way, it’s a match made in
Milky Way heaven. SZ
Chang Hyung-yun
Nacido en 1975 en Corea del Sur, estudió ciencias políticas y diplomacia
en la Universidad Hankuk, y cine en la Academia Coreana de Animación.
Algunos de sus films son Maybe I Am Blind (2002), The Wolf Daddy (2005),
A Coffee Vending Machine and Its Sword (2007) y My Friend Go-ra-ni
(2009). | Born in South Korea in 1975, he studied Political Science and
Diplomacy at the Hankuk University, and Film at the Korean Academy of
Animation Arts. Some of his films are Maybe I Am Blind (2002), The Wolf
Daddy (2005), A Coffee Vending Machine and Its Sword (2007), and My
Friend Go-ra-ni (2009).
 selección oficial fuera de competencia | baficito
The Tale of the
Princess Kaguya
Kaguya-hime no Monogatari
El cuento de la princesa Kaguya
La ausencia de Hayao Miyazaki como realizador y mentor artístico
del Estudio Ghibli –que supo fundar hace ya treinta años– se la-
mentará un poco menos si esa usina creativa continúa gestando
proyectos como The Tale of the Princess Kaguya. Fascinante, de-
licado, radiante y potentísimo sincretismo de técnicas de dibujo,
coloreado y animación, el milenario relato de la princesa nacida
en un brote de bambú es transformado por Isao Takahata y equipo
en una película que parece ir en contra de varias corrientes. La
serenidad del relato, la fuerza de la anécdota y los personajes, la
confianza en la perfección del trazo desigual –cruza de dibujo en
lápiz y acuarelas pastel, recreados en la era digital– hacen de Ka-
guya una regia heredera del clasicismo nipón (cinematográfico y
pictórico), al tiempo que abren nuevos y poco explorados caminos
en el cine de animación de largometraje para todo público. Como
en un viejo emakimono, la historia de ascensos y caídas metafóri-
cas y literales de “Pequeño bambú” se despliega ante los ojos del
espectador con la enceguecedora belleza de lo aparentemente
simple. Diego Brodersen
Japón - Japan, 2013 / 137’ / DM / Color
Japonés - Japanese
D: Isao Takahata G: Isao Takahata, Riko Sakaguchi
M: Joe Hisaishi P: Yoshiaki Nishimura, Toshio Suzuki,
Seiichiro Ujiie CP: Studio Ghibli
Contacto / Contact
California Filmes
T +55 11 2899 9000
W californiafilmes.com.br
TW @CaliforniaFilme
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The absence of Hayao Miyazaki as filmmaker and artistic mentor
at Studio Ghibli –that he founded thirty years ago– will be a little
less regretted if that creative factory keeps developing projects
like The Tale of the Princess Kaguya. A fascinating, delicate, splen-
did, and very powerful syncretism of drawing, color and animation
techniques, the millennial tale of the princess born from a bamboo
sprout is transformed by Isao Tkahata and his team into a film that
seems to go against many currents. The serenity of the storytell-
ing, the strength of its plot and characters, the confidence in the
perfection of the irregular trace –a cross between pencil drawing
and pastel watercolors, recreated in the digital age– make Kaguya
a regal heir of Japanese classicism (both cinematic and pictorial)
and, at the time, open new, unexplored paths for animated family
features. Like an old emakimono, the story of metaphorical and
literal rises and falls of “Little Bamboo” unfolds before the viewer’s
eyes with the blinding beauty of the apparently simple. DB
Isao Takahata
Nacido en 1935 en Ise, Japón, cofundó el Estudio Ghibli junto a Hayao
Miyazaki. Algunas de las películas que dirigió son Aventuras del osito panda
(1972), La historia de Heidi (1974), Tumba de luciérnagas (1988), Only
Yesterday (1991), Pom Poko (1991) y My Neighbors the Yamadas (1999). |
Born in 1935 in Ise, Japan, he co-founded Studio Ghibli with Hayao Miyaza-
ki. His director credits include Panda! Go Panda! (1972), Heidi, Girl of the
Alps (1974), Grave of the Fireflies (1988), Only Yesterday (1991), Pom Poko
(1991), and My Neighbors the Yamadas (1999).
129
 BAFICITO | little bafici
chuck jones
Durante más de 70 años, Chuck Jones creó obras de arte
que intrigaron, entretuvieron y dejaron recuerdos eternos
generación tras generación. Su arte continúa capturando la
imaginación de los espectadores en cientos de países, do-
cenas de lenguajes, y a través de cualquier paisaje político
y económico.
El gran talento artístico de Chuck Jones continúa en la forma
de más de 300 films animados memorables.
Es con un gran honor que el Chuck Jones Center for Creativity
comparte algunos de estos recuerdos con el Bafici.
Esperamos que disfruten las películas, los talleres y los
recuerdos.
Craig Kausen
Nieto de Chuck Jones
130 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
For over 70 years, Chuck Jones created works of art that
have intrigued, entertained, and left lasting memories
with audiences after audiences. His artwork continues to
capture the imaginations of audiences in 100s of coun-
tries, dozens of languages, and across every economic
and political landscape.
Chuck Jones’ great gift of art comes in the form of over 300
memorable animated films.
It is with great honor that the Chuck Jones Center for Creativity
shares some of these memories with Bafici.
We hope you will enjoy the films, the workshops, and the
memories.
Craig Kausen
Chuck Jones’ Grandson

programa 1 | program 1
“Las reglas son simples. Tomá en serio tu trabajo, pero nunca lo
hagas con vos mismo. Depositá tu amor y las habilidades que
tengas y todo surgirá”. Uno de los axiomas de Chuck Jones lo
pinta de cuerpo entero (como él mismo lo hace con Daffy en Duck
Amuck). No importa bramar el talento para la comedia de Jones:
surge en cada amable fotograma, en cada abrir y cerrar de ojos
literal, y lo hace con tanta amabilidad como el oxígeno. Amamos
la comedia porque un día Jones dibujó a este Coyote Superman,
a ese gatito supratierno, a la rana cantante, a Bugs en la ópera, a
ese papá oso. Respiramos Jones. Su amor es el lugar de donde
viene la comedia moderna. Juan Manuel Domínguez
Feed the Kitty
Estados Unidos - US, 1952 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
Rabbit Seasoning
Estados Unidos - US, 1952 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
Fast and Furry-ous
Estados Unidos - US, 1949 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
Duck Amuck
Estados Unidos - US, 1953 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
Rabbit of Seville
Estados Unidos - US, 1950 / 8’ / DM / Color / Español - Spanish
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
baficito | chuck jones
“The rules are simple. Take your job seriously, but never do that
with yourself. Deposit your love and any abilities you might have
and it will all happen.” One of Chuck Jones’ axioms paints a
good portrait of him –just like he does with Daffy in Duck Amuck.
There’s no point in wailing about Jones’ talent for comedy: it oozes
from every film frame, every literal blink of the eye, and it does so
as kindly as oxygen does. We love comedy because one day Jones
drew this Superman Coyote, that tender little kitten, the singing
frog, Bugs at the opera, and that papa bear. We breathe Jones. His
love is the place modern comedy comes from. JMD
For Scent-imental Reasons
Estados Unidos - US, 1949 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
One Froggy Evening
Estados Unidos - US, 1955 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
What’s Opera, Doc?
Estados Unidos - US, 1957 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
Bunny Hugged
Estados Unidos - US, 1951 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
A Bear for Punishment
Estados Unidos - US, 1951 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
131
 little bafici | chuck jones
programa 2 | program 2
Ford tiene la trilogía de la caballería; Hawks, la de los ríos. Jo-
nes tiene la de la cacería porque está a la altura de Ford y de
Hawks. Como prueba de que puede hacerse mucho con nada,
mete a Elmer, Daffy y Bugs en una rutina de vaudeville violen-
ta en la que el lenguaje se desarma totalmente. Con Daffy, de
paso, hizo al personaje del que tiene aspiraciones por encima
de su capacidad: eso es Duck Dodgers. Y siempre están los per-
sonajes que no se sienten cómodos con lo que son (o lo niegan
totalmente): desde el nene de From A to Z-z-z-z hasta el oso de
The Bear That Wasn’t, esa genialidad con guion de Frank Tashlin.
Leonardo M. D’Espósito
Rabbit Fire
Estados Unidos - US, 1951 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
Duck! Rabbit, Duck!
Estados Unidos - US, 1953 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
8 Ball Bunny
Estados Unidos - US, 1950 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
Duck Dogders in the 24th
Century
Estados Unidos - US, 1953 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
Bewitched Bunny
Estados Unidos - US, 1954 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
From A to Z-Z-Z-Z
Estados Unidos - US, 1954 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
132 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Ford has the cavalry trilogy; Hawks, the river trilogy. Jones has the
hunting trilogy because he’s just as great as Ford and Hawks. As
proof that you can do a lot with nothing, he places Elmer, Daffy
and Bugs in a violent vaudeville routine in which language be-
comes completely dismantled. With Daffy, while we’re at it, he
made the kind of character whose aspirations are above their ca-
pabilities: that’s Duck Dodgers. And there are always characters
that don’t feel comfortable with who they are (or completely reject
it): from the kid in From A to Z-z-z to the bear in The Bear that
Wasn’t, that piece of genius written by Frank Tashlin. LMD’E
Hair-raising Hare
Estados Unidos - US, 1946 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
The Scarlet Pumpernickel
Estados Unidos - US, 1950 / 7’ / DM / Color / Español - Spanish
The Dover Boys at Pimento
University or The Rivals
of Roquefort Hall
Estados Unidos - US, 1942 / 9’ / DM / Color / Inglés - English
The Dot and The Line:
A Romance in Lower
Mathematics
Estados Unidos - US, 1965 / 10’ / DM / Color / Inglés - English
The Bear That Wasn’t
Estados Unidos - US, 1967 / 10’ / DM / Color / Inglés - English
 baficito | chuck jones

The Phantom Tollbooth

La caseta fantasma

The Phantom Tollbooth es el único largometraje que Chuck Jones
dirigió. Basado en el recordado libro infantil de Norton Juster de
1961, contiene algunas de las imágenes más hermosas que Jo-
nes haya logrado jamás. En la película, Milo descubre una cabina
de peaje con un portal mágico que lo catapulta al Reino del Saber,
dejando atrás su monótona vida en el mundo “real”. Saltando de
la acción en vivo a un mundo salvajemente animado y vívida-
mente colorido, la película ilustra la declaración de Chuck Jones
de que “[…] la animación es una extensión de las películas, no
una imitación. Debería ir hacia donde la acción en vivo no puede
llegar”. David Schwartz
The Phantom Tollbooth is the only feature-length film that Chuck
Jones directed. Based on Norton Juster’s beloved 1961 children’s
book, it contains some of Jones’s most beautiful artwork. In the
film, Milo’s discovery of a tollbooth with a magical portal cata-
pults him into the Kingdom of Wisdom, leaving behind his dreary
lonely life in the ‘real’ world. Springing from live action into a wildly
animated and vividly colored world, the film is an illustration of
Chuck Jones’s statement that “[...] animation is an extension of
motion pictures, not an imitation. It should go where live action
can’t go.” DS

Estados Unidos - US, 1970

90’ / DM / Color
Inglés - English
D: Chuck Jones, Abe Levitow, Dave Monahan G: Chuck Jones,
Sam Rosen, Norton Juster F: Lester Shorr E: William Faris
DA: Maurice Noble S: Franklin Milton M: Dean Elliott
P: Chuck Jones CP: Metro-Goldwyn-Mayer I: Butch Patrick,
Mel Blanc, Daws Butler, Candy Candido, Hans Conried
Contacto / Contact
Chuck Jones Center for Creativity. Craig Kausen
T +1 800 660 7791 +1 949 510 0995
W chuckjonescenter.org - chuckjonesnow.com

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 133

 cine planetario
planetarium cinema

presentado por
presented by
 planetarium cinema

Este año la cada vez más consolidada sede de Bafici ubicada
en el Planetario Galileo Galilei de los bosques de Palermo,
con su sistema de proyección Fulldome, presenta dos acon-
tecimientos extraordinarios. Además de contar con la repo-
sición de Tango 360, Buenos Aires y el amor como nunca
se vieron, allí en el Planetario se producirá un festín con el
estreno de la versión definitiva de Contraluz, película creada
para el sistema Fulldome por el enorme diseñador argentino
Juan Gatti (cuya obra va desde la portada mítica del disco
Artaud hasta los afiches de buena parte de las películas de
Pedro Almodóvar), obra en la que retoma y amplía aquella
Contraluz, Sound + Vision que mostrara en 2011. Además,
mezclando luz y sonido (¡en vivo!), el grupo tecno-pop ar-
gentino Entre Ríos estrena en el Planetario su obra Saga:
Cuadro, construcciones y deconstrucciones de la canción y
la imagen que reproducen con perfección hipnótica los cla-
roscuros del pop.
Located in the Galileo Galilei Planetarium in the Palermo
woods, the consolidating venue of Bafici and its Fulldome
projection system present two extraordinary events. To-
gether with the revival of Tango 360, Buenos Aires y el amor
como nunca se vieron, the Planetarium will host a feast with
the premiere of the definitive version of Contraluz, a film cre-
ated specifically for the Fulldome system by the enormous
Argentine designer Juan Gatti (whose work expands from
the record cover of Artaud to many of Pedro Almodóvar’s
films) In this piece, he goes back to and expands his 2011
release Contraluz, Sound + Vision. Also the tecno-pop band
Entre Ríos wil mix light and sound (live!) with their work
Saga: Cuadro, featuring constructions and deconstructions
of song and image that reproduce with hypnotical perfection
the chiaroscuro of pop.

selección oficial fuera de competencia

Contraluz

Si Juan Gatti no es una leyenda, algo en el mundo de la creación de leyendas está

España - Spain, 2014 / 29’
D, G, F, DA, S, PE: Juan Gatti E: Jorge Calvo
P: Juan Sánchez, Patricio Binaghi CP: Studiogatti
Contacto / Contact
Studiogatti. Patricio Binaghi
T +54 9 11 6665 4082
E patricio@p-prod.com
patricio@atelierdesjeunes.com
funcionando muy mal. Partiendo del diseño gráfico y desplegando su talento en todos
los sentidos posibles, su obra incluye la creación de una cantidad de íconos que por
falta de espacio sería imposible enumerar en estas páginas. Ahora Gatti se pasa al cine,
y en especial al Fulldome, con una película nacida para habitar cúpulas en la que, a
partir de la estética del fotograma, las imágenes aparecen nítidamente recortadas sobre
un fondo negro, configurando un universo unitario en el que la luz aparece y da sentido
a las formas.
If Juan Gatti isn’t a legend, something in the world of the creation of legends isn’t going
very well. Starting off from graphic design and expanding his talent in every possible
sense, his work includes the creation of some icons which, due to lack of space, would
be impossible to list in these pages. Now Gatti makes his film, and especially Fulldome,
debut with a work born to be on top and in which, using the aesthetics of film stills, the
images appear sharply trimmed over a black background, configuring a unitary universe
in which light appears and gives sense to shapes.

136 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 cine planetario

Saga: Cuadro

Entre Ríos es el proyecto que el músico argentino Sebastián Carreras viene revi-
talizando obstinadamente desde hace quince años, contra todos los facilismos y
fatalismos de la escena musical, pero sin perder un ápice de encanto pop. El título
Cuadro (“frame”) refiere a la unidad mínima de asimilación de la información au-
diovisual. Y esta obra que incluye una performance en vivo de Entre Ríos propone, a
partir del desarrollo de los elementos de la composición sonora y visual, diferentes
Argentina, 2015 / 30’ movimientos, construcciones y deconstrucciones del sonido y la imagen. Tomando
Español - Spanish como punto de partida una canción, el trabajo es el de rescatar el instante, lo fugaz
entre el caos, y hacer de ello un recuerdo imborrable.
D, DA: Lucas De Marziani, Rosario Alessandro
F: Marina Busteros Entre Ríos is the project that Argentine musician Sebastián Carreras has been obsti-
S, M: Sebastián Carreras CP: Entre Ríos nately revitalizing for the past fifteen years, against all simplistic considerations and
I: Loló Gasparini, Francisco Álvarez, Sebastián Carreras fatalisms of the music scene but without losing an ounce of pop charm. The title Cuadro
(“frame”) refers to the minimum level of assimilation of audiovisual information. And this
Contacto / Contact work, which includes a live performance from Entre Ríos, proposes different movements,
Entre Ríos. Sebastián Carreras constructions and deconstructions of sound and image that come from the arrangement
T +54 11 4171 3388 +54 11 5596 2255 of visuals and sound. Taking a song as a starting point, the aim is to rescue the instant,
E sebastian@indicevirgen.com the fleeting among the chaos, and turning it into an indelible memory.
lucas.lucas@gmail.com
W sagainstalacion.com.ar

Tango 360, Buenos Aires y el

amor como nunca se vieron

Argentina, 2013 / 28’
Español - Spanish
D: Gustavo Mozzi, Pablo Agromayor G: Rodolfo Rabanal
E: Diego Agromayor DA: Facundo Colantonio
M: Astor Piazzolla P, PE: Lisandro Lanzón
I: Pipi Piazzolla, Escalandrum
Una historia de pasión y baile con la ciudad como marco. La cultura del tango nos lleva
a visitar cada rincón de Buenos Aires –sus calles, monumentos, edificios y costumbres–
en un espectáculo audiovisual impresionante: la animación, el video y la fotografía en
360º se combinan para entregar postales increíbles, mientras suena “Las cuatro esta-
ciones”, de Astor Piazzolla, interpretada por el grupo Escalandrum e invitados en una
orquesta encabezada por Pipi Piazzolla, ganador del Premio Gardel de Oro.
A story of passion and dance with the city as its backdrop. The tango culture takes us for
a ride through every corner of Buenos Aires -its streets, its buildings, its customs- in an
impressive audiovisual spectacle: the 360-degree animation, video and cinematography
combine in order to deliver some amazing postcards, while we hear Astor Piazzolla’s
“Four seasons” in a rendition by the Escalandrum group and guests in an orchestra led
by Pipi Piazzolla, winner of the Golden Gardel Award.

Contacto / Contact
Lisandro Lanzón
T +54 9 11 5008 3422
E llanzon@gmail.com

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 137

panorama
panorama
 panorama
6 Desires: D. H. Lawrence
and Sardinia
6 deseos: D. H. Lawrence y Cerdeña
En 1921, D. H. Lawrence y su esposa Frieda von Richthofen lle-
garon a Cerdeña, donde pasaron el invierno viajando. Él escribió
un libro sobre sus experiencias, Cerdeña y el mar, y ahora Mark
Cousins vuelve a recorrer sus pasos armado con una cámara de
video y una inagotable reserva de curiosidad. La película está
concebida en parte como una carta a Lawrence; o “Bert”, como
Cousins llama al escritor, en un detalle característico del acogedor
sentido de conversación íntima que tiene el film. Crónica vital del
viaje del propio Cousins por Cerdeña, la película es una reflexión
potente acerca de una vertiginosa cantidad de temas, incluidos
(aunque no exclusivamente) los impulsos creativos de Lawrence,
el fascismo, los rituales católicos de la isla y los escritos de pensa-
dores como Hélène Cixous y Antonio Gramsci. Los resultados son
ingeniosos, inteligentes, sensacionalmente creativos, y confirman
al prolífico Cousins como uno de los cineastas más singulares del
Reino Unido. Ah, y también está Jarvis Cocker para ponerle voz a
D. H. Lawrence. Edward Lawrenson
Reino Unido / Italia - UK / Italy, 2014
85’ / DM / Color
Inglés - English
D, F: Mark Cousins G: Mark Cousins, Laura Marcellino E: Timo Langer
S: Gillian Moreton M: Aaron Kelly P: Samm Haillay, Laura Marcelino,
Don Boyd, Duane Hopkins CP: Third Films, Hibrow Productions
I: Mark Cousins, Jarvis Cocker, Gillian Moreton
Contacto / Contact
The Festival Agency. Alexandre Cheung
T +33 9 5490 4863 E info@thefestivalagency.com
W thefestivalagency.com
140 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In 1921, D. H. Lawrence and his wife Frieda von Richthofen jour-
neyed to Sardinia, where they spent the winter travelling. He wrote
a book about his experiences, Sea and Sardinia, and now Mark
Cousins retraces his footsteps, armed with a camcorder and an
inexhaustible reserve of curiosity. The film is conceived partly as a
letter to Lawrence –or ‘Bert’, as Cousins calls the writer, a detail
that’s typical of the film’s inviting sense of conversational intimacy.
A lively chronicle of Cousin’s own trip through Sardinia, the film
is a bracing reflection on a dizzying range of subjects, includ-
ing (but not exhausting) Lawrence’s creative impulses, fascism,
the island’s Catholic rituals and the writings of such thinkers as
Hélène Cixous and Antonio Gramsci. The results are witty, intelli-
gent, thrillingly inventive and confirm the prolific Cousins as one of
the United Kingdom’s most distinctive filmmakers. Oh, and Jarvis
Cocker’s on hand to provide the voice for D. H. Lawrence. EL
Mark Cousins
Cineasta, escritor y curador británico. Entre sus films se encuentran The
First Movie (2009), What Is This Film Called Love? (2012), A Story of
Children and Film (2013; Selección Oficial en Cannes) y Here Be Dragons
(2013). Fundó, junto con Tilda Swinton, la fundación 8 y ½. | He’s a British
filmmaker, writer, curator. Some of his films are The First Movie (2009),
What Is This Film Called Love? (2012), A Story of Children and Film (2013;
Official Selection at Cannes) and Here Be Dragons (2013). Together with
Tilda Swinton he created the 8 ½ Foundation.

A Pigeon Sat on a Branch
Reflecting on Existence
En duva satt på en gren och funderade på tillvaron
Una paloma se sentó en una rama a reflexionar sobre la existencia
De verdad hay una paloma aquí, al comienzo: una embalsamada,
con ese asombro antiguo; un humano que parece zombi la mira
boquiabierto, como si no entendiera o estuviese aburrido. Los an-
tihéroes del film, un dúo de vendedores de chucherías divertidas
como dientes de vampiro (¡con colmillos extralargos!), se encuen-
tran con miradas parecidas dondequiera que vayan... El título de
la última obra maestra de Roy Andersson está inspirado por Los
cazadores en la nieve (1556), de Pieter Brueghel el Viejo: el maes-
tro se preguntó qué verían los pájaros de la pintura, qué pensarían
de esas extrañas criaturas que llamamos humanos, sus aventuras
y desventuras. Léase: Andersson trata de mirar la vida en la Tierra
como si fuera la de una civilización a tres sistemas solares de
distancia. Y, para hacerlo, vuelve a construir espeluznantes, hi-
perrealistas reproducciones de estudio de nuestro mundo que se
ven y se sienten alienígenas: una tierra de zombis explorada un
tableau vagamente vivant tras otro. El final ofrece algunas de las
verdades más deprimentes que el cine actual tiene para ofrecer.
Solo los bondadosos y esperanzados sobrevivirán. Olaf Möller
Suecia / Noruega / Francia / Alemania
Sweden / Norway / France / Germany, 2014
100’ / DCP / Color / Sueco - Swedish
D, G: R. Andersson F: I. Borbás, G. Pálos E: A. Strauss DA: U. Jonsson,
J. Tegström, N. Nilsson, S. Parment, I. Sjöstrand S: E. Baumung
M: H. Jazzar, G. Sundberg P: P. Sandström PE: S. Nagel, I. Wiegand
CP: Roy Andersson Filmproduktion I: H. Andersson, N. Westblom,
C. Larsson, V. Gyllenberg, L. Törnros
Contacto / Contact
Coproduction Office. Philippe Bober T +33 1 5602 6000
E info@coproductionoffice.eu W coproductionoffice.eu
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
There actually is a pigeon here, in the beginning: a stuffed
one, therewith past wondering; some zombie-like-looking hu-
man gawks at it in seemingly dull incomprehension. The film’s
anti-heroes, a pair of salesmen specialized in fun novelties like
vampire teeth (with extra-long fangs!) are met by similar gazes
wherever they go... The title of Roy Andersson’s latest master-
piece is inspired by Pieter Breughel the Elder’s 1556 The Hunters
in the Snow: The maestro wondered what the birds in the painting
see, might make of those strange creatures we call humans, their
(mis)deeds and (mis)adventures. Read: Andersson tries to look at
life on Earth as if it were a civilization three solar systems away.
To best do this, he once again build himself eerie, hyperrealist
studio-reproductions of our world that looks and feels alien –a
zombie-land explored one tableau barely vivant after the other.
The end offers some of the most depressingly true sights con-
temporary cinema has on offer. Only the kindhearted and hopeful
will survive. OM
Roy Andersson
Nació en Gotemburgo, Suecia, en 1967. Entre sus trabajos se encuentran
los cortometrajes Something Happened (1987) y World of Glory (1991),
y los largos A Swedish Love Story (1970), Giliap (1975), Songs from the
Second Floor (2000) y La comedia de la vida (2007); todas exhibidas en
la retrospectiva que le dedicó el 10º Bafici. | He was born in Gothenburg,
Sweden, in 1967. His filmography includes the shorts Something Happened
(1987) and World of Glory (1991), as well as the features A Swedish Love
Story (1970), Giliap (1975), Songs from the Second Floor (2000) and You,
the Living (2007), all of which were screened in a retrospective of his work
at the 10 th Bafici.
141
 panorama
Altman
Considerando el quién-es-quién de colaboradores y acólitos del
difunto Robert Altman reunidos en este largometraje tributo, ha-
bría sido demasiado fácil para Ron Mann convertir al film en un
jolgorio impreciso y digresivo –altmanesco, de hecho– de anéc-
dotas bélicas y sabiduría portátil. Pero Altman sigue un curso dis-
tinto, y aprovecha una cantidad de material previo para contar la
historia del cineasta en gran medida en sus propias (descaradas,
elocuentes) palabras, así como a través de generosos fragmen-
tos de su enorme filmografía, ciertamente desigual pero siempre
intransigente. El resultado captura tanto al Altman artista como al
hombre, inseparables uno del otro, casi tan bien como cualquier
film de dos horas podría aspirar a hacerlo. Altman solía comparar
hacer películas con construir castillos de arena (e incluso bautizó
a su compañía productora Sandcastle 5). Las olas del tiempo, sin
embargo, no han erosionado mucho a sus films, y el principal
logro de Altman es simplemente ponerlos frente a nosotros una
vez más, lado a lado y sólidos como roca. Scott Foundas
Canadá - Canada, 2014 / 95’ / DCP / Color - B&N
Inglés - English
D: Ron Mann G: Len Blum F: Simon Ennis E: Robert Kennedy
DA: Craig Small, Matthew Badiali S: John Laing M: Guido Luciani,
Phil Dwyer P: Ron Mann PE: Ron Mann CP: Sphinx Productions
I: Paul Thomas Anderson, James Caan, Robin Williams, Bruce Willis,
Lily Tomlin
Contacto / Contact
The Match Factory. Sergi Steegmann
T +49 30 4431 9050 E sergi.steegmann@matchfactory.de
W the-match-factory.com - sphinxproductions.com TW @filmswelike
142 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Given the who’s-who of collaborators and acolytes of the late Rob-
ert Altman assembled for this feature-length tribute, it would have
been all too easy for Ron Mann to let the film turn into a loose,
digressive –indeed, Altmanesque– jamboree of war stories and
portable wisdom. But Altman charts a different course, drawing
on a wealth of existing material to tell the filmmaker’s story largely
in his own, brashly eloquent words, and through generous clips
from his massive, admittedly uneven, always uncompromising
filmography. The result captures Altman the artist and the man,
the one inseparable from the other, about as well as any two-
hour film could hope to do. Altman famously likened making films
to building castles in the sand (and even named his production
company Sandcastle 5). The waves of time, though, have little
eroded Altman’s films, and it is the primary accomplishment of
Altman to simply set them before us once again, side by side and
rock solid. SF
Ron Mann
Nació en Toronto, Canadá, en 1959 y estudió en la universidad de esa
ciudad. Dirigió, entre otras películas, Flak (1976; Bafici ‘10), Imagine the
Sound (1981), Twist (1992), Grass (1999; Bafici ‘00), Go Further (2003;
Bafici ‘04), Tales of the Rat Fink (2006; Bafici ‘07) y Know Your Mushro-
oms (2008; Bafici ‘09). | He was born in Toronto, Canada, in 1959, and
attended college in that city. He directed, among others, Flak (1976; Bafici
‘10), Imagine the Sound (1981), Twist (1992), Grass (1999; Bafici ‘00), Go
Further (2003; Bafici ‘04), Tales of the Rat Fink (2006; Bafici ‘07) and Know
Your Mushrooms (2008; Bafici ‘09).

Angels of Revolution
Angely revoljutsii
Ángeles de la revolución
Como Under Electric Clouds, de Aleksei German Jr. –exhibida en
la última edición de Berlín y también presente en este Bafici–,
Angels of Revolution se mete con la historia rusa o, en este caso,
con mayor precisión, soviética. Si para German todo tiempo ruso
observado ofrece un paisaje postapocalíptico, para Fedorchenko
los años de mayor expansión y evangelización cultural de la expe-
riencia comunista dan lugar a un relato cargado de humor acerca
de la “educación soviética” de una tribu del norte de la URSS en
los años treinta. Fedorchenko se aproxima a su tema con rodeos
varios, de forma caleidoscópica al principio, con historias que
se pausan y se disparan hasta remitir incluso a la filmación de
¡Que viva México!, de Sergei Eisenstein. Entre los ingredientes
del osado realizador están los planos como tableaux vivants, una
actriz de belleza refulgente como Daria Ekamasova, encuadres
y utilización del color en modo Wes Anderson, y un sentido del
humor de notoria capacidad para el absurdo que deja al desnudo
la estupidez política –o estupidez a secas– de las “reeducaciones
en modo intensivo” del pueblo. Javier Porta Fouz
Rusia - Russia, 2014 / 113’ / DCP / Color / Ruso - Russian
D: Aleksei Fedorchenko G: Aleksei Fedorchenko, Denis Osokin,
Oleg Loevsky F: Shandor Berkeshi E: Roman Vazhenin DA: Artem
Khabibulin, Aleksei Fedorchenko S: Timofei Shestakov M: Andrei Karasev
P: Dmitri Vorobiev, Aleksei Fedorchenko, Leonid Lebedev
I: Daria Ekamasova, Oleg Yagodin, Pavel Basov, Georgi Iobadze,
Konstantin Balakirev
Contacto / Contact
ANT!PODE Sales & Distribution. Elena Podolskaya
T +7 916 604 5884 E elena@antipode-sales.biz W antipode-sales.biz
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Like in Aleksei German Jr.’s Under Electric Clouds –screened in
the last edition of the Berlin Film Festival and also programmed in
this Bafici–, Angels of Revolution deals with Russian history –or in
this case Soviet, to be more precise. If German believes any Rus-
sian period we observe will offer a post-apocalyptic landscape, for
Fedorchenko the years of expansion and cultural evangelization
of communist culture triggers a comedy-charged story about the
Soviet education of a Northern tribe of the USSR in the Thirties.
Fedorchenko addresses the subject with several turns, first in a
kaleidoscope way with stories that pause and spike to the point
of referring to the shoot of Sergei Eisenstein’s Que viva Mexico.
This audacious filmmaker’s ingredients include tableaux vivants,
an actress of such brilliant beauty as Daria Ekamasova, a Wes
Anderson-like use of framings and colors, and a sense of humor
with a remarkable capability for the absurd that reveals the politi-
cal stupidity –or just plain stupid– behind the “intensive reeduca-
tions” of the people. JPF
Aleksei Fedorchenko
Nació en Siberia, Rusia, en 1966. Estudió ingeniería, y se desempeñó como
subdirector del Sverdlovsk State Studio, donde participó de la producción
de más de 80 films. Estudió dramaturgia en el Instituto de Cine Nacional
de Rusia. Entre sus trabajos como director se destaca First on the Moon
(2005; Bafici ‘06). | He was born in Siberia, Russia, in 1966. He studied
Engineering and worked as a deputy director of the Sverdlovsk State Studio,
where he participated in the production of more than 80 films. He studied
Playwriting at Russia’s National Film Institute. He directed several films,
including First on the Moon (2005; Bafici ‘06).
143
 panorama
Archie’s Betty
La Betty de Archie
Es fácil burlarse de una historieta tan inofensiva como Archie,
incluso si su humor de tono medio, entre el absurdo y el lugar
común, fue para muchos un puente entre lo pueril y lo adulto.
Más difícil es comprender por qué ha sido un éxito tan enorme
en Estados Unidos. Gerald Peary es crítico de cine, documenta-
lista, y fue –sigue siendo– un fanático del pelirrojo y sus com-
pañeros en cuasi eterna high school. El film narra cómo logró
descubrir cuál era el modelo real para el pueblito de Riverdale y
sus habitantes, pero también cuenta otra cosa mucho más inte-
resante: cómo esos modelos no son más que una pantalla para
otra historia. En el camino encontrará a la verdadera Betty (¿se
acuerdan? Archie ama a la morocha y rica Verónica y es amado
por la rubia y vecina Betty) y aparecerá otro cuento, uno de un
romanticismo casi imposible en el vertiginoso siglo XX. De paso,
quizás sin advertirlo, la película muestra cómo un mito toma
vida, y cómo la vieja idea de “encontrarle la referencia real” es
una soberana pavada. Leonardo M. D’Espósito
Estados Unidos - US, 2015
70’ / DCP / Color - B&N / Inglés - English
D, G: Gerald Peary F: Allie Humenuck, Alexsandar Sasha Lekic
E: Alexsandar Sasha Lekic, David Reeder S: David Lefkowitz
M: David Lefkowitz, Kevin MacLeod P: Gerald Peary, Shaun Clancy,
Ellen Poss I: Shaun Clancy, Jeet Heer, Betty Tokar Jankovitch,
Tom Moore, Natalie Pendergast
Contacto / Contact
Big Sleep Films. Gerald Peary
E gpeary@geraldpeary.com - kelly.smart.ribera@gmail.com
W bigsleepfilms.com
144 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A comic strip as harmless as Archie is easy to mock, even if its
middle tone humor, between the absurd and the commonplace,
was, to many, a bridge between the puerile and the adult. It’s
harder to understand why it was such a huge hit in the US. Gerald
Peary is a film critic, a documentarian, and was –and still is– a
fan of the redhead teen and his friends in a semi-eternal high
school. The film narrates how he came to discover what the real
model for the small town of Riverdale and its inhabitants was, but
also tells of something much more interesting: how those models
are no more than a cover-up for another story. On his way, he will
find the real Betty (remember? Archie loves rich girl Veronica and
is loved by her blonde neighbor Betty) and another story will arise,
one of a romanticism that is almost impossible in the vertiginous
20 th century. Incidentally, perhaps without even noticing, the film
shows how a myth comes to life, and how the old idea of “finding
the real reference” is just stupid. LMD’E
Gerald Peary
Nació en Nueva Jersey, EE. UU., en 1944. Se formó en la universidad Rider,
obtuvo una maestría en drama en la Universidad de Nueva York y un docto-
rado en comunicaciones en la Universidad de Wisconsin-Madison. Con una
amplia carrera como crítico, dirigió el documental For the Love of Movies:
The Story of American Film Criticism (2009), entre otros. | He was born in
New Jersey, USA, in 1944. He trained at the Rider University, got an MA in
Drama from the University of New York and a PhD in Communications at
the University of Wisconsin-Madison. With an extensive career as a critic,
he directed the documentary For the Love of Movies: The Story of American
Film Criticism (2009), among others.

El aula vacía
The Empty Classroom
El aula vacía es un caleidoscopio de historias, una película ómni-
bus compuesta por cortos interesantes y precisos de países como
Argentina, de la mano de Fendrik y Martel; México, con Pereda
y Chenillo; Brasil, con Castro y Rocha; Perú, con Vera; Uruguay,
con Stoll; Colombia, con Gaviria Pérez; y El Salvador, con Huezo
Sánchez. Todos comparten el mismo tema: el difícil acceso a la
educación. La pobreza, la violencia social, la incomprensión, el
desajuste de generaciones, el poder de la tradición, la fuerza de
la naturaleza: todos factores que impiden el libre derecho a la
educación por parte de los adolescentes. Los cortos, coordinados
por Gael García Bernal, apuestan en su mayoría a signos visibles
comunes: mochilas colgadas, en el piso, en las espaldas de los jó-
venes; las rejas que separan, dividen, limitan territorios; el adentro
con sus laberínticos pasillos escolares y el afuera con su naturale-
za y su urbana ferocidad; paredes descascaradas que delinean la
deficiencia del sistema educativo. El aula vacía es un documental
valioso, sobre todo porque nos implica desde la desesperanza, el
miedo y la impotencia. Marcela Gamberini
Argentina / Brasil / Colombia / El Salvador / México / Perú /
Uruguay - Argentina / Brazil / Colombia / El Salvador / Mexico /
Peru / Uruguay, 2015 / 111’ / DCP / Color
Español - Spanish, Portugués - Portuguese
Director artístico: G. García Bernal D: F. Castro, M. Chenillo, P. Fendrik,
C. Gaviria, T. Huezo, L. Martel, N. Pereda, E. Rocha, P. Stoll, D. Vega Vidal,
D. Vega Vidal E: F. Gómez S: O. Juárez Espino, M. Aceves M: Lucio,
L. Heiblum P: L. Conn, M. Núñez Puerto PE: M. Cabrol, G. Manzano,
G. García Bernal CP: Banco Interamericano de Desarrollo, Canana
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
The Empty Classroom is a kaleidoscope of stories, a collective
film made of precise and smart short films from countries such
as Argentina, by the hand of Fendrik and Martel; Mexico, with
Pereda and Chenillo; Brazil, with Castro and Rocha; Peru, with
Vera; Uruguay, with Stoll; Colombia with Gaviria Pérez; and El
Salvador, with Huezo Sánchez. They all share the same subject:
the difficult access to education. Poverty, social violence, misun-
derstanding, the gap between generations, the power of tradition,
and the force of nature, are all factors that prevent teenagers from
exercising their free right to an education. The short films, coordi-
nated by Gael García Bernal, bet mostly on visible common signs:
the backpacks –hanging, carried on young people’s backs, laid on
the floor–, the gates –which separate, divide, and limit territories–
the indoors with its labyrinth school hallways and the outdoors,
with its nature and urban ferocity, the chipped walls that draw
the educational system’s deficiency. The Empty Classroom is a
valuable documentary, mostly because it involves us from despair,
fear, and impotence. MG
Contacto / Contact
Gádor Manzano / Lauren Conn
T +1 202 623 1612 +1 202 623 3728
E gadorm@iadb.org - laurenc@iadb.org
145
 panorama
Beltracchi - The Art
of Forgery
Beltracchi - Die Kunst der Fälschung
Beltracchi - El arte de la falsificación
En un recorrido muy disfrutable por una carrera dedicada a en-
gañar al mundo del arte, Beltracchi presenta a un artista que hizo
millones vendiendo pinturas falsas, las cuales llegaron a museos,
libros de arte serios y colecciones como la de Steve Martin. El
pelilargo sexagenario dice que no pretendía ser un impostor.
Atraído por la pintura desde niño, comenzó por “mejorar” obras
anónimas y pasó luego a la falsificación más convencional. Pron-
to estudiaba las carreras de pintores reconocidos (pero no súper
famosos), creando obras citadas en las biografías pero perdidas;
en el caso de artistas como Heinrich Campendonk, algunos co-
leccionistas dijeron que las falsificaciones estaban entre lo mejor
de su producción. (El cuadro de Martin era un paisaje trucho de
Campendonk). Como en la reciente Art and Craft, el falsificador
nos enseña los secretos de su oficio, comprando una vieja pin-
tura, genuina pero sin valor, en un mercado de pulgas y usando
los signos de autenticidad del lienzo para reforzar su ilusión. El
proceso es fascinante; y uno de los pasos finales, que involucra
suciedad vintage, provoca una gran carcajada. John DeFore
Alemania - Germany, 2014 / 102’ / DCP / Color - B&N
Alemán - German, Francés - French, Inglés - English
D, G: Arne Birkenstock F: Marcus Winterbauer E: Katja Dringenberg
S: Patrick Veigel, Ludwig Bestehorn M: Duerbeck & Dohmen
P: Arne Birkenstock, Helmut G. Weber, Thomas Springer
PE: Helmut G. Weber, Arne Birkenstock CP: Fruitmarket Kultur und Medien
I: Wolfgang Beltracchi, Helene Beltracchi
Contacto / Contact
Global Screen. Gisela Wiltschek
T +49 89 244 1295 -563 E gisela.wiltschek@globalscreen.de
W globalscreen.de - beltracchi.senator.de
146 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A highly enjoyable look at a career spent duping the art world,
Beltracchi introduces an artist who made millions selling fake
paintings that allegedly made their way into museums, definitive
art books, and collections including that of Steve Martin. The long-
haired sexagenarian says he didn’t intend to be a fraudster. Drawn
to painting from childhood, he began to “improve” on anonymous
works, and segued into more conventional forgery. Soon, he was
studying the careers of established (but not super-famous) artists,
creating work that was mentioned in biographies but had been
lost; in the case of artists like Heinrich Campendonk, some collec-
tors proclaimed his fakes among the finest examples of a painter’s
output. (Martin’s painting was a bogus Campendonk landscape.)
As in the recent Art and Craft, the forger walks us through the
tricks of his trade, buying a genuine but worthless old painting at
a flea market and using the signs of authenticity on the canvas
to bolster his illusion. This process is fascinating –and one of the
final steps, involving vintage dirt, earns a huge laugh. JDF
Arne Birkenstock
Nació en Siegen, Alemania, en 1967. Estudió economía, ciencias políticas,
historia de Latinoamérica y lenguas romances en Alemania y Argentina.
Entre sus documentales se encuentran 12 tangos - Pasaje de regreso a
Buenos Aires (2005) y Chandani: The Daughter of the Elephant Whisperer
(2010). | He was born in Siegen, Germany, in 1967. He studied Econom-
ics, Political Sciences, Latin American History, and Romance Languages
in Germany and Argentina. 12 tangos - Pasaje de regreso a Buenos Aires
(2005) and Chandani: The Daughter of the Elephant Whisperer (2010) are
some of his documentaries.
 panorama | competencia DDHH
El botón de nácar
The Pearl Button
Luego de su aclamado documental de 2010 Nostalgia de la luz,
el legendario Patricio Guzmán nos otorga un logro igualmente
impresionante con El botón de nácar. Si Nostalgia… exploraba
vívidamente la herencia nacional de Chile a través de sus tan dis-
tintivos cielos y desiertos, El botón de nácar usa el agua como
metáfora central en la que fluye un arroyo de recuerdos histó-
ricos y reflexiones poéticas, plasmadas con una claridad visual
impresionante. Chile es un país expuesto al agua, con una de las
costas oceánicas más largas del mundo, pero sus tragedias a
menudo han involucrado conflictos en torno a la poca tierra arable
que existe entre sus desiertos y cadenas montañosas. Como si
fuera una lección sobre a dónde debería dirigir su atención Chile,
Guzmán se zambulle en una investigación sobre el significado del
agua, y emerge con un lúcido flujo de lamentos y cuestionamien-
tos acerca de la trágica historia de su país. Su inimitable don es
su habilidad para entretejer múltiples modos del documental: el
pintoresco, el político y el poético. Kevin B. Lee
Francia / Chile / España - France / Chile / Spain, 2015
82’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Patricio Guzmán F: Katell Djian E: Emmanuelle Joly
S: Álvaro Silva Wuth M: Miranda & Tobar, Hugues Maréchal
P: Renate Sachse, Bruno Bettati, Fernando Lataste, Jaume Roures Llop
CP: Atacama Productions, Valdivia Film, Mediapro, France 3 Cinéma
Contacto / Contact
Pyramide International. Ilaria Gomarasca / Barbara Giorza
T +33 1 4296 0220
E ilaria@pyramidefilms.com - bgiorza@pyramidefilms.com
W pyramidefilms.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Following his acclaimed 2010 documentary Nostalgia for the
Light, legendary Patricio Guzmán delivers an equally stunning
achievement with The Pearl Button. Whereas Nostalgia… vividly
explored Chile’s national heritage through its distinctive skies and
deserts, The Pearl Button takes water as its central metaphor
through which flows a stream of historical recollections and po-
etic reflections, rendered with breathtaking visual clarity. Chile is a
country exposed to water, with one of the longest oceanic coast-
lines of any nation; but its tragedies have often involved conflicts
over what little arable land it has amidst its deserts and mountain
ranges. As if to provide an object lesson in how his nation should
direct its attention, Guzman dives into a deep investigation of the
significance of water, and emerges with a lucid stream of lamen-
tations and questions concerning his nation’s tragic history. His
unique gift lies in his ability to weave together multiple modes of
documentary: the picturesque, the political and the poetic. KBL
Patricio Guzmán
Nacido en Santiago de Chile en 1941, reside en Francia desde 1998. Es
fundador y presidente del Festival Documental de Santiago de Chile. El
Bafici ’11 le dedicó un foco que incluyó las tres partes de La batalla de
Chile (1975), La cruz del sur (1992) y Nostalgia de la luz (2010). | Born in
Santiago, Chile, in 1941, he lives in France since 1998. He’s the founder
and president of Santiago’s Documentary Film Festival. Bafici ‘11 showed
a focus on his work, which included the three parts of La batalla de Chile
(1975), The Southern Cross (1992), and Nostalgia for the Light (2010).
147
 panorama
Buscando a Gastón
Finding Gastón
“Está claro que la cocina ya no es, para los peruanos, un acto me-
ramente de placer, lúdico. La cocina es, quizás, el nuevo escudo
nacional”. Así se presenta el chef Gastón Acurio, militante de peso
de las artes culinarias, paladín del paladar del país hermano. Entre
ceviches, papas a la huancaína y anticuchos, Gastón despliega su
proverbial verborragia para unir su arte con las raíces, la identi-
dad, la cultura, pero sobre todo la herencia, hacia arriba y hacia
abajo, con la certeza de que la cocina es el pueblo. Recorriendo
las distintas sucursales de los restaurantes de Gastón, registran-
do un mini Master Chef de evaluación a sus cocineros, y siguién-
dolo a comprar especias y a dialogar con emocionadas amas de
casa, este documental pone el ojo (las papilas gustativas) al ser-
vicio de los colores, formas, texturas y recetas de un incansable y
exigente chef cuya vida –sus palabras– gira alrededor del sabor.
Lo acompañan Ferran Adriá, Joan Roca, Mássimo Bottura, Alex
Atala y otros chefs reconocidos mundialmente. Un viaje de ida al
sibaritismo. Pablo Conde
Perú - Peru, 2014
78’ / DCP / Color - B&N / Español - Spanish, Quechua, Francés -
French, Italiano - Italian, Sueco - Swedish
D, G, E, P: Patricia Pérez F: Ed Talavera S: Alejandro Rodríguez
CP: Chiwake Films I: Gastón Acurio
Contacto / Contact
Wide House. Anaïs Clanet
T +33 1 5395 0464
E festivals@widemanagement.com - infos@widehouse.org
W widehouse.org - gastondoc.com
148 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Clearly, for Peruvian people cooking is no longer a merely pleas-
ant, playful act. Cooking is perhaps the new national seal.” That’s
the introduction of chef Gastón Acurio, a significant militant of cu-
linary arts, a pallet hero in our neighbor country. Amidst ceviches,
huancaína potatoes, and anticuchos, Gastón reveals his proverbial
talkative nature and unites his art with his roots, identity, culture,
but mostly his inheritance, upward and downward, knowing with
certainty that the kitchen is where people is. Going over the dif-
ferent branches of Gastón’s restaurants, recording a mini Master
Chef stunt to evaluate his cooks, and following him as he buys
spices and chats with excited housewives, this documentary puts
an eye (and taste buds) at the service of colors, forms, textures,
and recipes for a relentless demanding chef whose life –and
words– spins around flavor. He is joined by Ferran Adriá, Joan
Roca, Mássimo Bottura, Alex Atala, and other world-renowned
chefs. A one-way ticket to gourmet world. PC
Patricia Pérez
Realizadora peruana, becada por la Comisión Fulbright para realizar un
máster en cine en Estados Unidos después de casi diez años de experiencia
en televisión y producción de cine. Vive en Los Ángeles y trabaja como asis-
tente de dirección en diversas producciones de Hollywood. Debutó como
directora con el film Mistura. El poder de la cocina (2011). | A Peruvian
filmmaker, she got a scholarship from the Fulbright Commission for an MA
in Film at the US after spending almost ten years working in TV and film
production. She lives in Los Angeles and works as an assistant director
in several Hollywood productions. She debuted as director with the film
Mistura: The Power of Food (2011).

Cábala caníbal
Villamediana revisa un paisaje por el que todos hemos pasado
alguna vez: se trata de la memoria, pero concebida como un
misterio, una madeja de imágenes, un laberinto. En medio del
laberinto habita una especie rara de toro: es el minotauro. El di-
rector, armado con toda la premura y la desesperanza del mundo,
reinventa un modo de la memoria en el que las imágenes parecen
destinadas a chocar entre sí, a devorarse, a deslizarse una junto a
la otra, acaso sin comprenderse nunca del todo. La película hace
convivir todo el tiempo dos series de planos diferentes que se
disputan a ambos lados de la pantalla. Viejas filmaciones, graba-
ciones impersonales, video, película, fotos fijas, dibujos, grabados:
modulaciones diversas del mundo que encuentran en la voz en
off el elemento biográfico capaz de sostener a pulso ese sistema
disparatado, como un detective o un fantasma que rueda perple-
jo sobre un cúmulo infinito de fragmentos dispersos. Detrás de
cierto relumbre lúdico, Cábala caníbal exhibe el distanciamiento
descarnado propio de los que renunciaron a que las imágenes
constituyan una garantía de alguna clase de verdad inapelable.
David Obarrio
España / Suiza - Spain / Switzerland, 2014
63’ / DCP / Color - B&N
D, F, E: Daniel V. Villamediana G: Daniel V. Villamediana, Madalina Stefan
S: Alejandro Castillo M: La Reverencia P: David Epiney, Luis Miñarro
CP: Eddie Saeta, Alina Film
Contacto / Contact
Eddie Saeta. Luis Miñarro
T +34 934 677 040 +34 0 616 122 608
E eddie@eddiesaeta.com - villamediana@gmail.com
W eddiesaeta.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Villamediana revises a landscape we all have been through once:
memory –only here it is conceived as a mystery, a skein of im-
ages, a labyrinth. A strange kind of bull lives in the labyrinth: it’s
the Minotaur. Armed with all the haste and despair in the world,
the director reinvents a form of memory in which all images seem
destined to clash against each other, devour each other, one slip-
ping into the other, maybe without ever been completely under-
stood. The film forces the coexistence of two different series of
shots that constantly fight from each side of the screen. Old film
footage, impersonal recordings, video, film, still pictures, draw-
ings, engravings: diverse modulations on the world use voice over
as a biographical element capable of sustaining that deranged
system –like a detective, or a baffled ghost who rolls on an in-
finite cumulus of dispersed fragments. Behind a certain playful
shine, Cábala caníbal features the brutal estrangement of those
who gave up on images as guarantees of any kind of undisputable
truth. DO
Daniel V. Villamediana
Nacido en Valladolid en 1975, se licenció en historia y fundó la revista
Letras de Cine. Dirigió los cortos Espacio público (2006) y El Evangelio
(2009, Bafici ‘10), y los largos El brau blau (2008, Bafici ‘09), La vida subli-
me (2010; Bafici ‘11) y De Occulta Philosophia (2013; Fid Marseille). |
Born in Valladolid in 1975, he majored in History and founded the maga-
zine Letras de Cine. He directed the short films Espacio público (2006)
and El Evangelio (2009, Bafici ‘10), and the feature-length films The Blue
Bull (2008, Bafici ‘09), The Life Sublime (2010; Bafici ‘11) and De Occulta
Philosophia (2013; Fid Marseille).
149
 panorama
Cáncer de máquina
Machine Cancer
Cáncer de máquina es una película tan intrigante como su título
permite suponer. Los directores tienen la audacia suficiente para
pasar del retrato diseñado y moldeado a escala humana –en el
que se observa impasiblemente a los pobladores de Médanos,
una localidad ubicada al sur de la provincia de Buenos Aires– a
los enigmáticos planos detalle de sapos que cazan insectos en la
oscuridad. Los primeros minutos no tienen diálogos; los habitantes
de una ciudad tranquila, los anuncios callejeros y los camiones que
recorren el camino que conduce a una salina, sobre la que gira
con perseverancia lo que parece ser la principal actividad del lugar,
tienen un mismo estatus de importancia y, por lo tanto, de interés:
la cámara puede demorarse encuadrando el frente de un camino
desde adentro de un auto en movimiento, o los trabajadores que
marcan tarjeta con música electrónica de fondo. La película alcan-
za picos casi hipnóticos mientras sugiere el vórtice de un mundo
que espera ser mirado como si fuera la primera vez. David Obarrio
Argentina, 2015 / 90’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Alejandro Cohen Arazi, José Binetti F, P: Alejandro Cohen Arazi
E: Alejandro Cohen Arazi, Gabriela Jaime, Iván Asnicar S: José Binetti,
Santiago Pafundi M: José Binetti CP: Biafra Films I: Miguel Rinaldi,
Chepo Castillo, Roberto Binetti, Andrés Fernández, Dalila Ramos
Contacto / Contact
Biafra Films. Alejandro Cohen Arazi
T +54 9 11 2348 1294
E biafrafilms@gmail.com - alejandroarazi@gmail.com
150 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Machine Cancer is a film as intriguing as its title leads us to as-
sume. The directors are bold enough to go from a human-scale
shaped and designed portrait –which stonily observes the people
from Médanos, a town in the south of the Buenos Aires province–
to the enigmatic detail shots of frogs catching insects in the dark.
The first minutes have no dialogue; people in a quiet city, street
announcements, trucks on the road to a saline where what seems
to be the town’s main activity revolves insistently, are all elements
of the same importance, and thus the same interest: the camera
can take some time framing a road as seen from a moving car, or
the workers that punch their cards with a merry electronic music
in the background. The film reaches almost hypnotic peaks while
suggesting the vortex of a world that hopes to be looked at as if it
was the first time. DO
Los directores | the directors
Alejandro Cohen Arazi (Buenos Aires, 1981) estudió en el Instituto de
Arte Cinematográfico de Avellaneda. Dirigió el largometraje Córtenla, una
peli sobre call centers (2012). José Binetti (La Pampa, 1982) es sonidista,
músico e iluminador, y estudió guion en ISER. Juntos realizaron el corto
Insectos (2012), y los videodanza La aurora y Centinela (2011). | Alejandro
Cohen Arazi (Buenos Aires, 1981) studied at the Avellaneda Institute of
Film Art. He directed Córtenla, una peli sobre call centers (2012). José
Binetti (La Pampa, 1982) is a sound engineer, musician, and lighting artist,
and studied Scriptwriting at ISER. Together, they made the short film Insec-
tos (2012), and the dance-videos La aurora and Centinela (2011).

Canción perdida en la nieve
Song Lost in the Snow
El bergfilm o cine de montaña, de origen alemán y filmado durante
la Primera y Segunda Guerra Mundial, tiene un exponente argen-
tino: Canción de la nieve (1954), de Gustav Lantschner. Como
consecuencia del conflicto bélico, la comunidad alemana radicada
en Bariloche recibió a compatriotas a fines de los años cuarenta.
Lantschner es uno de ellos, y su experiencia cinematográfica en
situaciones extremas produjo los primeros registros de paisajes
inhóspitos de nuestra Patagonia. Francisco D’Eufemia plantea
en este documental una revaloración del material fílmico, y para
ello explora, desde el Archivo General de la Nación, los orígenes
mismos del cine de montaña alemán. Su llegada a la Argentina,
el reflejo de ciertas concepciones ideológicas elitistas y el desa-
rrollo estético a través de los planos y el montaje son algunos de
los puntos de análisis de este film. Sin dejar de lado el contexto
histórico y conversando con los protagonistas, D’Eufemia no deja
de preguntarse cuál es la fascinación del hombre por la montaña,
algo tan antiguo como la propia humanidad. Micaela Garuzzo
Argentina, 2015 / 72’ / DM / Color - B&N
Español - Spanish, Alemán - German
D: Francisco D’Eufemia G: Javier Zevallos F: Pablo Bernst
E: Pedro Barandiaran, Francisco D’Eufemia S: Natalia Toussaint
M: Germán Suane P: Nadia Martínez PE: Nadia Martínez
CP: Ponchocine I: Dinko Bertoncelj, Carlos Echeverría,
Fernando Martín Peña, Paula Félix-Didier, Guzzi Lantschner
Contacto / Contact
Ponchocine. Nadia Martínez
T +54 9 11 5892 3018
E nmproduccion@gmail.com W ponchocine.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Originally German and made during the First and Second World
Wars, Bergfilms –or mountain films– have an Argentine exponent:
Gustav Lantschner’s Canción de la nieve (1954). As a conse-
quence of the war, the German community in Bariloche welcomed
their fellow countrymen in the late 1940s. Lantschner was one of
them, and his cinematographic experience in extreme situations
produced the very first recordings of deserted landscapes in our
Patagonia. With this documentary, Francisco D’Eufemia proposes
a revaluation of that film material, thus exploring the origins of
German mountain films through our country’s General Archives.
Its arrival to Argentina, its reflection of elitist ideological notions,
and its aesthetic development through its framings and editing are
some of the objects the film analyses. Without leaving aside the
historical context and conversing with the protagonists, D’Eufemia
continues to inquire about man’s fascination with mountains,
something as ancient as man himself. MG
Francisco D’Eufemia
Nació en Berazategui en 1982. Al finalizar el secundario, vagó por varias
instituciones educativas ligadas al cine hasta que ingresó a la ENERC,
donde se recibió en la especialidad de montaje. Fundó, junto a sus socios
Javier Zevallos y Nadia Martínez, la productora Ponchocine. Canción perdi-
da en la nieve es su primera película como director. | He was born in
Berazategui in 1982. When he finished high school, he wandered through
several film-related educational institutions until he enrolled in ENERC,
where he majored in Editing. Together with his partners Javier Zevallos and
Nadia Martínez, he founded the production company Ponchocine. Song
Lost in the Snow is his first film as director.
151
 panorama | competencia DDHH
Caricaturistes - Fantassins de
la démocratie
Cartoonists - Foot Soldiers of Democracy
Caricaturistas - Soldados de la democracia
Es este un documental sobre caricaturistas, hablado en primera
persona por ellos mismos. La lista impresiona: desde Plantu, dibu-
jante de Le Monde, hasta Damien Glez, de Burkina Faso, la película
muestra a profesionales de la caricatura en sus distintos ambientes
de trabajo, la mayoría en zonas de riesgo. Al comienzo escuchamos
la voz de Plantu mientras camina a la vera del Sena, sentando el
tono del relato: “El mundo está hoy envuelto en tinieblas, y dibujar es
una forma de escapar de eso. La democracia es una batalla que se
libra paso a paso: todavía no hemos llegado allí”. Y de inmediato, a la
vez que dibuja en un ágora política, confiesa: “Nunca pensé que me
convertiría en caricaturista. Mis padres creían que era mudo; siem-
pre estaba dibujando. No necesitaba hablar, los dibujos lo hacían por
mí”. Y son esos dos caminos que a veces se cruzan los que recorre
este extraordinario documental: la dimensión política que toma la
caricatura cuando se enfrenta al poder en regímenes totalitarios, y la
íntima relación de esa rara ave que es el adulto que dibuja. Además
de eso, Caricaturistes muestra a los dibujantes dibujando. ¿Hay algo
más hipnótico que ver a un dibujante sacando personajes de la hoja
en blanco? Sí: verlo haciendo eso en el cine. Bernardo Erlich
105’ / DCP / Color / Francés - French, Inglés - English, Árabe -
Arabic, Español - Spanish, Mandarín - Mandarin, Ruso - Russian
D: Stéphanie Valloatto G: Stéphanie Valloatto, Radu Mihaileanu
F: Cyrille Blanc E: Marie-Jo Audiard S: Gilles Laurent, Aline Gavroy
M: Armand Amard P: Radu Mihaileanu, Cyrille Blanc
CP: Oï Oï Oï Productions, Cinextra Productions
I: Plantu, Nadia Khiari, Michel Kichka, Baha Boukhari, Rayma Suprani
Contacto / Contact
Kinology. Grégoire Graesslin
T +33 9 5147 4344 E festivals@kinology.eu W kinology.eu
152 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
This is a documentary about cartoon artists spoken in the first
person by the artists themselves. The list is impressive: from Le
Monde’s cartoonist Plantu to Damien Glez from Burkina Faso, the
film features professionals of cartoon art in their different work
environments, mostly dangerous areas. In the beginning, we hear
Plantu’s voice as he walks by the Seine and sets the tone for the
film: “The world today is covered in darkness, and drawing is a way
to escape from that. Democracy is a battle that is fought one step at
a time: we haven’t got there yet.” And immediately, while he draws
in a political meeting, he confesses: “I never thought I would become
a cartoonist. My parents thought I was mute –I was always drawing.
I didn’t need to speak, the drawings did it for me.” And those two
paths that occasionally cross are the ones this extraordinary docu-
mentary walks on: the political dimension cartoons take when they
challenge power in totalitarian regimes, and the intimate connection
of that strange bird that is an adult person drawing. Also, Cartoonists
shows drawing artists while drawing. Is there anything more hypnot-
ic than to watch a drawing artist delivering characters out of a white
sheet of paper? Yes there is: to watch him doing that in a film. BE
Stéphanie Valloatto
Estudió derecho y ciencias políticas durante años antes de dedicarse a la
dirección cinematográfica. Por más de quince años dirigió y escribió cortos
y mediometrajes documentales para canales de televisión como France 3,
France 5 y TV5. Caricaturistes - Fantassins de la démocratie es su primer
largo documental. | She studied Law and Political Sciences for years before
working in film direction. For over fifteen years, she wrote and directed
short and medium-length documentaries for TV channels like France 3,
France 5 and TV5. Cartoonists - Foot Soldiers of Democracy is her first
documentary feature.

Cavalo Dinheiro
Horse Money
Caballo Dinero
En un documental sobre su obra, Pedro Costa explicaba que
hacer cine es muy sencillo: uno se levanta, va a la locación co-
rrespondiente, filma hasta que se hace tarde, se edita el material
rodado y se vuelve a preparar todo para el día siguiente. Con
esta cándida declaración, el autor portugués dejaba en claro una
ética que lo llevaría a realizar, entre otros títulos, Ossos (1997),
No quarto da Vanda (2000) y, más tarde, Juventude em marcha
(2006); películas que mostraban a los personajes del ya desapa-
recido barrio de Fontaínhas en sus vidas diarias y pesares. En
Cavalo Dinheiro, Costa retoma la figura de Ventura, aquel albañil
inmigrante que en Juventude… deambulaba como un fantasma
por un mundo que ya no era el suyo. Esta vez, los fantasmas son
otros y provienen de un pasado que dejó heridas ya imposibles de
borrar. Así como John Ford mostraba la historia de todo un pueblo
a través de un personaje, Costa, junto con Ventura (y también
Vitalina y Tito), hace algo similar: retrata una forma de vida (y, a la
vez, de hacer cine) que parece extinguirse o desaparecer entre las
sombras. Marcelo Alderete
Portugal, 2014 / 104’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese,
Criollo de Cabo Verde - Cape Verdean Creole
D: P. Costa F: L. Simões, P. Costa E: J. Dias S: O. Blanc, H. Leitão,
V. Pedroso M: Os Tubarões P: A. Ribeiro Chaves PE: R. Dâmaso
CP: Sociedade Óptica Técnica (OPTEC) I: Ventura, V. Varela, T. Furtado
Contacto / Contact
Sociedade Óptica Técnica (OPTEC). Carolina Santos
T +351 967 145 298 +351 917 228 992
E filmes@optec.pt W filmes.optec.pt
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
In a documentary about his work, Pedro Costa explained how sim-
ple is to make films: you get up, go to the corresponding location,
shoot until it’s late, edit the footage, and go back to prepare every-
thing for the next day. With this candid statement, the Portuguese
auteur clarified the ethics that would later drive him to make,
among others, Ossos (1997), In Vanda’s Room (2000), and later
Colossal Youth (2006) –all films featuring characters from the dis-
appeared neighborhood of Fontainhas in their everyday lives and
grieves. In Horse Money, Costa takes again the figure of Ventura,
that immigrant construction worker that back in Youth wandered
like a ghost through a world that wasn’t his anymore. This time,
the ghosts are others, and they come from a past time that left
inerasable wounds. Just like John Ford used to show a people’s
history through a character, Costa –together with Ventura, and
also Vitalina and Tito– does a similar thing: he portrays a way of
life (and a way of making films) that seems to be extinguishing or
disappearing in the shadows. MA
Pedro Costa
Nació en Lisboa, Portugal, en 1959. Varios de sus films, como Ossos
(1997), Juventude em marcha (2006) y Centro histórico (2012; codirigido
con Manoel de Oliveira, Aki Kaurismäki y Víctor Erice), fueron exhibidos
en el Bafici. | He was born in Lisbon, Portugal, in 1959. Several of his
films, like Ossos (1997), Colossal Youth (2006) and Centro histórico (2012;
co-directed with Manoel de Oliveira, Aki Kaurismäki and Víctor Erice), were
screened in Bafici.
153
 panorama
Cine de pueblo, una historia
itinerante
Small Town Cinema
La reapertura de una sala de cine en Villa Cañás es la situación
perfecta para que un personaje único vuelva a las calles que
lo vieron crecer. José Martínez Suarez llega para presentar y
explicar las maravillas de la pantalla grande a un montón de
niños que lo esperan expectantes, aplauden y se sumergen
en una novedad que los cautiva. Sin embargo, esta historia es
recibida por Sebastián Hermida como un puntapié ideal para
recorrer la vida de un sujeto espectacular (en toda la amplitud
de la palabra). Cada rincón, calle o esquina son locaciones
especiales para escenas de su extensa carrera. Recuerdos
picarescos se hacen lugar ante el encuentro con conocidos,
anécdotas de películas, aventuras inolvidables que lo retratan
como un director que pertenece a una gran generación. Entre
risas y complicidades aparece un relato de una lucidez impe-
cable y abrumadora que se convierte, de a poco, en algo que
no es ni más ni menos que la historia del cine. Sol Santoro
Argentina, 2015 / 63’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, P: Sebastián Hermida E: Karina Kracoff S: Santiago Rodríguez
CP: HermidaMovies I: José Martínez Suárez, Mario Sábato,
Cristian Bernard, Facio Asenjo, Roberto Sales
Contacto / Contact
HermidaMovies. Sebastián Hermida
T +54 11 4481 7920 +54 9 11 5581 3040
E shermida@hermidamovies.com.ar
W hermidamovies.com.ar - cinedepueblo.com
154 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The reopening of a movie theater in Villa Cañás is the perfect situ-
ation for a unique character to return to the streets where he grew
up. Jose Martínez Suarez comes to present and explain the won-
ders of the big screen to a big group of kids who wait anxiously,
applaud, and submerge into a captivating novelty. However, this
story is used by Sebastián Hermida as an ideal jumpstart for a
tour through the life of a spectacular –in every sense of the word–
subject. Every corner, street, or intersection, are special locations
for scenes of his extensive career. Spicy memories make their way
in his encounters with people and film anecdotes, all unforgettable
adventures that picture him as a director from a great generation.
A story emerges through the laughs and collusions, one of impec-
cable and overwhelming lucidness that slowly turns into something
that is actually nothing less than film history. SS
Sebastián Hermida
Nació en Buenos Aires en 1977. Se formó como redactor publicitario y
realizó más de trescientas piezas para marcas nacionales e internaciona-
les. Estudió producción, dirección de actores, realización y guion. Dirigió
cortos como Ring-raje (2001) y Día de felicidad (2012), y participó como
actor en el film Las manos, de Alejandro Doria. | He was born in Buenos
Aires in 1977. He trained as an ad copywriter and made wrote more than
three hundred pieces for local and foreign brands. He studied Production,
Acting Direction, Filmmaking and Scriptwriting. He directed several short
films, including Ring-raje (2001) and Día de felicidad (2012), and worked
as an actor in Alejandro Doria’s film Las manos.
 panorama | competencia DDHH
Cinema: A Public Affair
Cine: Un asunto público
Una historia de resistencia, cinefilia –lúcida, de combate, cero pla-
ñidera– y civismo. Naum Kleiman es historiador, curador del Archi-
vo Eisenstein y director del Museo de Moscú, que fue cerrado en
2005. Kleiman es un señor encantador, de una locuacidad elegante,
pausada, que expone sus razones frente al autoritarismo con un
desprecio brillante, de esos que apenas se notan pero son pro-
fundos. Erika y Ulrich Gregor, amigos de Kleiman, vienen del cine
Arsenal de Berlín y son los creadores del Forum de la Berlinale.
Y también hay otros aliados, entre ellos, una periodista valiente,
admirable, y gente del Museo y la Cinemateca que siguieron traba-
jando, ya por fuera del edificio original. En el verano boreal de 2014,
Kleiman fue echado. La historia que Tatiana Brandrup cuenta en
Cinema: A Public Affair es otra de civilización versus el señor Putin
y los poderes rusos; aparece por ahí también, poderoso y sinuoso,
Nikita Mijalkov. Este es un documental de resistencia contado a la
perfección, con entrevistas potentes y pertinentes y las invaluables
armas del humor y el understatement. Y con una canción maravillo-
sa en dos versiones distintas. Javier Porta Fouz
Alemania - Germany, 2015 / 99’ / DCP / Color - B&N
Ruso - Russian, Alemán - German
D, G: Tatiana Brandrup F: Martin Farkas, Tatiana Brandrup
E: Tatiana Brandrup, Arsen Yagdjyan S: Michal Gideon, Ariel Orshansky
M: Jonathan Bar Giora P: Katrin Springer, Tatiana Brandrup
CP: Filmkantine I: Naum Kleiman
Contacto / Contact
Filmkantine. Katrin Springer
T +49 30 6920 5469 +49 172 314 7683
E info@filmkantine.de W filmkantine.de
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
This is a story of resistance, cinephilia –lucid, combative, and not
at all mournful– and civism. Naum Kleiman is a historian, curator of
the Eisenstein Archive, and director of the Moscow Museum, which
was closed in 2005. Kleiman is a charming man with an elegant
and paused loquacity, who states his case before authoritarianism
with brilliant despise, the kind you can barely notice but is actually
really profound. Erika and Ulrich Gregor, friends of Kleiman, come
from the Arsenal cinema in Berlin and created the Berlinale Forum.
And there are more allies, including a brave and admirable journal-
ist and people from the Museum and the Cinematheque who kept
on working outside the original building. In the northern summer of
2014 Kleiman was fired. The story Tatiana Brandup tells in Cinema:
A Public Affair is yet another one about civilization versus Mr. Putin
and the Russian powers –Nikita Mijalkov also appears at some
point, all powerful and devious. This is a documentary of resistance
with perfect storytelling, powerful and pertinent interviews, and the
invaluable weapons of comedy and understatement. And two dif-
ferent versions of a wonderful song. JPF
Tatiana Brandrup
Nació en Carolina de Norte, EE. UU., en 1965. Estudió antropología visual
en París y dirección cinematográfica en la Universidad de Nueva York y
en la Universidad de Cine y Televisión de Munich. Dirigió, entre otros, The
House with the Banana Tree (1991) y Georgian Lovesong (2004). | She was
born in Carolina de Norte, USA, in 1965. She studied Visual Anthropology in
Paris and Film Direction at the University of New York and the Film and TV
University of Munich. She directed several films, including The House with
the Banana Tree (1991) and Georgian Lovesong (2004).
155
 panorama
Citizenfour
Resulta difícil un abordaje crítico de Citizenfour, ya que el hito
documental de Poitras sobre Edward Snowden es menos una
película que un asunto del carajo. Crónica esencial sobre cómo
el mundo se enteró de que la NSA ha estado espiando a los ciu-
dadanos de Estados Unidos, y también metatexto que valida de
forma implícita la información revelada, Citizenfour ofrece una
mirada notablemente íntima a la historia tal como sucedió. A co-
mienzos de 2013, Poitras recibió un email encriptado. Menos de
seis meses después, volaba a Hong Kong para conocer a la fuen-
te, hasta entonces solo identificada por su nick de internet: “Citi-
zenfour”. Ese intercambio críptico serpentea a lo largo del primer
acto del film, desarrollado con la tensión paranoica espesa de La
conversación. Con gran habilidad, Citizenfour eventualmente se
convierte más en una ventana a la violación de las libertades civi-
les que en un espejo de las personas que la sacaron a la luz, pero
el fenomenalmente rico drama humano real ayuda a catalizar las
polémicas denuncias del film, que incluyen un anuncio “bomba”
en la última escena. David Ehrlich
Estados Unidos / Alemania - US / Germany, 2014
114’ / DM / Color
Inglés - English, Portugués - Portuguese, Alemán - German
D: Laura Poitras F: Laura Poitras, Kirsten Johnson, Katy Scoggin,
Trevor Paglen E: Mathilde Bonnefoy P: Laura Poitras, Mathilde Bonnefoy,
Dirk Wilutzky CP: Praxis Films Berlin, Praxis Films
Contacto / Contact
CAT&Docs. Maëlle Guenegues
T +33 1 4461 7748 E maelle@catndocs.com
W catndocs.com - citizenfourfilm.com TW @citizenfour
156 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
It’s difficult to critically engage with Citizenfour, as Poitras’ land-
mark documentary about Edward Snowden isn’t a film so much
as a big fucking deal. A primary account of how the world learned
that the NSA has been spying on United States citizens, and also
a meta-text that implicitly validates the information it uncovers,
Citizenfour offers a remarkably intimate look at history as it hap-
pened. One day in early 2013, Poitras received an encrypted
email. Less than six months later, she flew to Hong Kong to meet
the source, who until that point had identified himself only by his
web handle: ‘Citizenfour.’ This cryptic exchange snakes its way
through the first act of the film, which plays out with the thick
paranoid tension of The Conversation. With great skill, Citizen-
four eventually becomes more of a window into the violation of
civil liberties than it does a mirror of the people who helped bring
them to light, but the real and phenomenally rich human drama
helps catalyze the film’s whistleblowing polemic, which includes a
‘bombshell’ announcement nested in its final scene. DE
Laura Poitras
Artista y periodista nacida en Boston, EE. UU., en 1964. Entre sus docu-
mentales se encuentran My Country, My Country (2006) y The Oath (2010).
En 2014 ganó el Premio Pulitzer por Servicio Público y en 2015 recibió el
Oscar a mejor documental por Citizenfour. | She’s an artist and journalist
born in Boston, USA, in 1964. She directed several documentaries, includ-
ing My Country, My Country (2006) and The Oath (2010). In 2014 she
received the Pulitzer Prize for Public Service and in 2015 she won an Oscar
for Best Documentary with Citizenfour.

Cómo ganar enemigos
How to Win Enemies
Bienvenida la película de tamaño medio y pretensiones grandes.
¿Qué pretensiones? ¡Encontrar un público! Sin renunciar a una
idea original, sin bajezas ni cálculos mal hechos, y sin resignar
identidad, Cómo ganar enemigos suma características que el cine
nacional no está utilizando demasiado: un guion bien escrito y
mejor ejecutado, superposición de géneros, actuaciones en su
punto justo, tensiones de todo tipo y hasta esas risas que parecen
estar prohibidas. Se puede hablar de comedia negra como géne-
ro, aunque por momentos la oscuridad, dentro y fuera de campo,
le gana a la gracia. La historia que cuenta Gabriel Lichtmann en
su segundo largo (después de Judíos en el espacio, de 2005) es
la de un romance que enmascara una estafa, trama que se com-
plica con amigos y familia, o la eterna relación entre un hombre y
su paranoia. Si nos tocó vivir en el país del “sálvese quien pueda”,
entonces que sean películas como esta las que se ocupen de
contarlo. Marcelo Panozzo
Argentina, 2015 / 78’ / DCP / Color
Español - Spanish
D: Gabriel Lichtmann G: Gabriel Lichtmann, Viviana Vexlir
F: Nicolás Trovato E: Agustín Rolandelli DA: Yamila Fontán
S: Federico Esquerro M: Diego Voloschin
PE: Pepe Salvia, Laura Mara Tablón
CP: Domenica Films, La Lechuza Cine, MC Producciones
I: Martín Slipak, Javier Drolás, Inés Palombo
Contacto / Contact
Domenica Films. Laura Mara Tablón
T +54 9 11 5936 5753 E lautablon@gmail.com W domenicafilms.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Mid-size films without any grand pretensions are very welcomed.
What pretensions are those? To find an audience! Without giving
up its original idea, no low punches or miscalculations, and with-
out resigning its identity, How to Win Enemies features character-
istics local cinema are not really used to: a well-written and better
executed script, overlapping genres, precise acting performances,
tensions of all kinds, and even those laughs that seem to be for-
bidden. We can talk about black comedy as a genre, although at
times darkness –both in and out of the frame– beats the comedy.
The story Gabriel Lichtman tells in his second feature-length film
(after Jews in Space, from 2005) is a love story that covers up a
scam –a plot that thickens with friends and family– or the one of
a man’s eternal relationship with his own paranoia. If we’re living
the country of “save your self”, then films like these should be the
ones depicting it. MP
Gabriel Lichtmann
Nació en Buenos Aires y se formó como director cinematográfico en la
Universidad del Cine. Escribió el guion de El séptimo día (Historias breves
1998; Festival de Berlín 2000). Su largometraje Judíos en el espacio obtu-
vo el Premio al Desarrollo de Proyecto del Hubert Bals Fund (Rotterdam Film
Festival) y participó en Bafici ‘05. | He was born in Buenos Aires and trained
as a film director at Universidad del Cine. He wrote the script for El séptimo
día ( Historias breves 1998; 2000 Berlin Film Festival). His feature-length
film Jews in Space won a Project Development Award from the Hubert Bals
Fund (Rotterdam Film Festival) and was screened in Bafici ‘05.
157
 panorama
El Crazy Che
The Crazy Che
No es fácil distinguir un documental de un falso documental, e
inventar un personaje no es demasiado distinto de retratarlo. Este
es el caso de Guillermo Gaede, un empleado estatal devenido
músico, ingeniero, espía para cinco países y físico teórico disi-
dente, cuya extraordinaria vida está fuera del alcance de toda
interpretación. A tal punto que, al salir de la sala, el espectador
correrá hacia Google para averiguar si él es uno más entre los
múltiples engañados que aparecen en la película; porque si el
film es una ficción, parece basado en la realidad, pero si es un
documental parece apoyarse en una fantasía, que puede ser tanto
del personaje como de los realizadores o del propio público. Si
la película tiene una moraleja, es que dejarse engañar es una
vocación universal que alcanza tanto a quienes van al cine como
a los espías profesionales. Recíprocamente, El Crazy Che muestra
que la inocencia es el arma más poderosa de la manipulación. El
mundo es un lugar incomprensible, y esta es la prueba. Quintín
Argentina, 2015 / 83’ / DCP / Color - B&N
Español - Spanish
D, G, E, P: Pablo Chehebar, Nicolás Iacouzzi F: Alan Badan
DA: Lucía Carnicero S: Diego Colombo M: León Leonhardt
PE: Rocío Furmento CP: Metiche Films I: Guillermo “Bill” Gaede,
Ricardo Saenz, Lilian Fraigli, Bob Coiteaux, Enrique Rubinstein
Contacto / Contact
Metiche Films. Rocío Furmento
T +54 9 11 5730 9518
E rocio.furmento@gmail.com - rocio@metichefilms.com.ar
W metichefilms.com.ar
158 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
It’s not easy to tell a documentary from a false documentary, and
inventing a character is not that different from describing it. This
is the case of Guillermo Gaede, a government employee turned
musician, engineer, spy employed by five countries, and a dis-
sident theoretical physic whose extraordinary life is beyond the
reach of any possible interpretation. So much so that spectators
leaving the theater will run up to Google to check if they’re among
the many deceived people featured in the film. Because if the
film is a fiction, it seems to be based on true events, but if it’s a
documentary, it looks like it’s supported on a fantasy –which may
be imagined by the character, or the filmmakers, or the audience.
If the film has a message, it’s that letting yourself be deceived
is a universal calling that affects both filmgoers and professional
spies. Reciprocally, The Crazy Che demonstrates that innocence
is the most powerful weapon of manipulation. The world is an
incomprehensible place, and this is the proof. Q
Los directores | the directors
Estudiaron diseño de imagen y sonido en la UBA. Pablo Chehebar realizó
uno de los primeros cortometrajes 3D de Argentina, y Nicolás Iacouzzi se
especializó en la dirección de actores en EICTV, Cuba. Tras desempeñar-
se como asistentes de dirección por más de diez años, fundaron Metiche
Films y realizaron el documental Castores. La invasión del fin del mundo
(Rencontres de Toulouse, 2015). | They studied Image and Sound Design
at the UBA. Pablo Chehebar directed one of the first Argentine 3D short
films, and Nicolás Iacouzzi specialized in actor directing at the EICTV in
Cuba. They worked as assistant directors for more than ten years, founded
Metiche Films and directed the documentary Castores. La invasión del fin
del mundo (Rencontres de Toulouse, 2015).

The Cut
El corte
El asesinato en masa de la población minoritaria armenia en ma-
nos de los otomanos en 1915 sigue siendo un asunto altamente
controvertido, especialmente en Turquía, donde existe una resis-
tencia a asumir un remordimiento retrospectivo por aquel genoci-
dio. Fatih Akin ha hecho de esto el punto de partida para su prime-
ra película hablada en inglés. Es una obra grande y ambiciosa que
atraviesa continentes y se ocupa de mostrar que el horror armenio
está en las venas de la población de Estados Unidos descendien-
te de inmigrantes. Las autoridades otomanas separan a nuestro
héroe Nazareth de su mujer y sus hijas gemelas para formar par-
te de un supuesto reclutamiento militar que no es más que una
marcha forzada hacia la aniquilación racial. Pero se encuentra con
turcos decentes: un prisionero civil simula cortarle la garganta por
orden de un soldado pero solo lo apuñala en la espalda, dejando a
Nazareth vivo pero mudo. Nazareth logra escapar y convertirse en
un fugitivo no-muerto de la historia, y se obsesiona con una sola
cosa: encontrar a sus hijas, una misión que lo llevará a emprender
un viaje de miles de kilómetros. Peter Bradshaw
Alemania - Germany, 2014 / 138’ / DCP / Color / Inglés - English,
Árabe - Arabic, Turco - Turkish, Kurdo - Kurdish, Español - Spanish
D: Fatih Akin G: Fatih Akin, Mardik Martin F: Rainer Klausmann
E: Andrew Bird DA: Allan Starski S: Jean-Paul Mugel
M: Alexander Hacke P: Fatih Akin, Karl Baumgartner, Reinhard Brundig
CP: Bombero International I: Tahar Rahim, Simon Abkarian,
Makram J. Khoury, Hindi Zahra, Kevork Malikian
Contacto / Contact
The Match Factory. Sergi Steegmann T +49 30 4431 9050
E sergi.steegmann@matchfactory.de W the-match-factory.com
FB TheCutDerFilm TW @thematchfactory
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
The mass murder in 1915 by the Ottomans of the minority Arme-
nian population is still a hugely controversial subject, especially
in Turkey where there is resistance to assuming a retrospective
burden of genocidal shame. Fatih Akin has made it the starting-
point for his first English-language movie. It’s a big, ambitious,
continent-spanning piece of work, concerned to show the Ar-
menian horror was absorbed into the bloodstream of immigrant-
descended population in the United States. The embattled hero
Nazareth is torn from his wife and twin daughters by the Ottoman
authorities for a supposed military conscription which is nothing
more than a forced march heading to racial annihilation. But he
encounters decent Turks: a civilian prisoner who pretends to cut
his throat at the orders of a soldier, but merely stabs him in the
neck, leaving Nazareth alive but mute. Nazareth scrambles away,
an undead fugitive from history, and becomes obsessed with one
thing: finding his daughters, a mission which will take him on a
journey of thousands of miles. PB
Fatih Akin
Hijo de turcos, nació en 1973 en Hamburgo. Estudió comunicación visual
en la Facultad de Bellas Artes de Hamburgo. Recibió el Oso de Oro por
Head On en 2004 y fue premiado en Cannes por el largometraje The Edge
of Heaven (2007; Bafici ‘08). En 2009 estrenó Soul Kitchen y fue galardo-
nado con el Premio Especial en el Festival de Cine de Venecia. | The son
of Turkish parents, he was born in 1973 in Hamburg. He studied Visual
Communication at the Hamburg School of Fine Arts. He won a Golden Bear
for Head On in 2004 and was awarded at Cannes for the film The Edge of
Heaven (2007; Bafici ‘08). In 2009 he released Soul Kitchen and won the
Special Prize at the Venice Film Festival.
159
 panorama
Eisenstein in Guanajuato
Eisenstein en Guanajuato
Peter Greenaway, eterno adalid de los enamorados de lo pictó-
rico y de la elegancia en pantalla, busca capturar su Santo Grial
cinéfilo: los días en México que cambiaron la vida del más mítico
y refractario de los cineastas del cine mudo, Sergei Eisenstein.
Como un adorador fundamentalista del ruso, y encandilado de
forma casi intencional, Greenaway quiere ver de cerca el instante
en que el director de El acorazado Potemkin fue a filmar ¡Que viva
México! y, en tierra mexicana, le tocó desde ser encarcelado hasta
devenir huésped de honor. La frustración profesional más grande
de Eisenstein es puesta en contraste con un definitivo descubri-
miento de su vida personal (lejos de la opresiva Rusia comunista,
perdió la virginidad a los 33 años). El mismo Greenaway ha dicho
que, desde el cine de Einsenstein, pocos han logrado crear no-
vedades reales, y aquí su inspiración lo lleva a realizar un biopic
profano, elusivo, hipnotizado. Una obra alterativa de aquello que
Greenaway dice amar. Jonás Zabala
Holanda / México / Finlandia / Bélgica -
Netherlands / Mexico / Finland / Belgium, 2015
105’ / DCP / Color / Inglés - English
D, G: Peter Greenaway F: Reinier van Brummelen
E: Elmer Leupen DA: Ana Solares S: Raúl Locatelli
P: Bruno Felix, Femke Wolting, San Fu Maltha, Christina Velasco L.
CP: Submarine, Fu Works Production, Paloma Negra Films
I: Elmer Bäck, Luis Alberti, Rasmus Slatis, Jakob Öhrman, Maya Zapata
Contacto / Contact
Films Boutique
T +49 30 6953 7850 E info@filmsboutique.com W filmsboutique.com
160 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
An eternal advocate of the love for the pictorial and elegance on
the screen, is now trying to capture his cinephile Holy Grail: the
Mexican period that changed the life of Sergei Eisenstein, one of
the most mythical and refractory silent film directors. As a funda-
mentalist worshiper of the Russian director who is dazzled in an
almost intentional way, Greenaway wants to pay close attention to
the time when the director of Battleship Potemkin went to shoot
¡Que viva Mexico!, and, once in Mexican territory, experience ev-
erything from being incarcerated to becoming an honorary guest.
Eisenstein’s deepest professional frustration is contrasted against
a definitive finding about his personal life (he lost his virginity at
the age of 33, far from the oppressive Russia). Greenaway himself
has said that ever since Eisenstein, few directors have managed
to create real novelties, and now his inspiration on him results in
a profane, elusive, and hypnotized biopic. A piece that is alterative
to what Greenaway claims to love. JZ
Peter Greenaway
Nació en Gales en 1942 y se formó como artista plástico en el Walthams-
tow College of Art. Dirigió, entre otros, los films Zoo (1985), La tempestad
(1991), Rembrandt’s J’accuse (2008) y 3x3D (junto a Jean-Luc Godard y
Edgar Pera; Bafici ‘14). | He was born in Wales in 1942 and trained as a
plastic artist at the Walthamstow College of Art. He directed many films,
including Zoo (1985), La tempestad (1991), Rembrandt’s J’accuse (2008)
and 3x3D (together with Jean-Luc Godard and Edgar Pera; Bafici ‘14).

L’Enlèvement de
Michel Houellebecq
The Kidnapping of Michel Houellebecq
El secuestro de Michel Houellebecq
Una grata sorpresa es esta película centrada en el famoso y
controvertido escritor francés Michel Houellebecq, quien es se-
cuestrado por un trío de losers, y en lo que pasa en su particular
cautiverio en una casa ubicada en un lugar alejado de todo centro
urbano. El frágil y peculiar escritor de Las partículas elementales,
cuyo aspecto y forma de moverse lo vuelven similar a un perso-
naje de una película de terror, demostró que tiene un gran sentido
del humor al haber aceptado este proyecto de bajo perfil y en tono
de comedia negra, en el cual un ex soldado del ejército israelí,
un fisicoculturista y un hombre que se dedica a la lucha libre
encierran al autor en una casa con intenciones de extorsionarlo,
y allí van formando una curiosa relación que se vuelve aún más
extravagante con la llegada de otros personajes inesperados a la
“cita”. L’Enlèvement de Michel Houellebecq es una película muy
pequeña y simpática, que parte de una noticia real (durante 2011,
luego de que el escritor se hubiese ausentado de varios compro-
misos, se dijo que lo habían secuestrado, algo que él siempre
negó) y apuesta por construir algo a mitad de camino entre la
comedia absurda y el relato melancólico. Diego Lerer
Francia - France, 2014
92’ / DCP / Color / Francés - French
D, G: Guillaume Nicloux F: Christophe Offenstein E: Guy Lecorne
DA: Olivier Radot S: Olivier Dô-Hùu, Fanny Weinzaepflen P: Sylvie Pialat,
Marco Cherqui CP: Les Films du Worso, Chic Films I: Michel Houellebecq,
Maria Bourjala, Luc Schwarz, Mathieu Nicourt, Maxime Lefrançois
Contacto / Contact
Le Pacte. Ioana Dragomirescu
T +33 1 4469 5959
E i.dragomirescu@le-pacte.com W le-pacte.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
This film that centers on the famous and controversial French
writer Michel Houellebecq, who is kidnapped by a trio of losers,
and on what happens during his peculiar captivity in a house far
from any kind of urban center is a pleasant surprise. The fragile,
odd author of The Elementary Particles, whose aspect and the
way he moves make him look like a character in a horror movie,
shows that he has a great sense of humor by having accepted
this low-profile project with a black comedy tone in which a for-
mer soldier from the Israeli army, a bodybuilder and a wrestler
lock the author in a house with the intention of extorting him and
start developing a curious relationship that becomes increasingly
extravagant with the arrival of other unexpected characters to the
“appointment.” The Kidnapping of Michel Houellebecq is a very
small, very nice film that kicks off from a real piece of news (in
2011, after the writer missed many commitments, it was said
that he had been kidnapped, something he has always denied)
and chooses to build something halfway between an absurdist
comedy and a melancholy tale. DL
Guillaume Nicloux
Guionista, cineasta y actor nacido en Francia en 1966. Dentro de su
filmografía como director se encuentran Holiday (2010) y The Nun (2012),
además de episodios de series y películas para televisión. | He’s a script-
writer, filmmaker, and actor born in France in 1966. His filmography as
director includes Holiday (2010) and The Nun (2012), as well as episodes
of TV shows and films.
161
 panorama | competencia DDHH
Esto es lo que hay
This Is What It Is
En una de sus muchas canciones, aquella titulada “Lo que es de
todos no es de nadie”, Los Aldeanos dicen, entre muchas otras
cosas: “Máquina de justificarlo to’o con el bloqueo / aquí hay que
sacar licencia hasta pa’ tirarse un prrrr / veo veo, qué feo esto se
está poniendo (...) / no hay mal que dure cien años, ajá, pero sí
la mitad”. Los Aldeanos son el grupo de hip hop más famoso de
Cuba. Y son opositores al gobierno que ya cumplió más de medio
siglo. Las letras de Los Aldeanos están llenas de inventiva y críti-
ca, y la película de la francesa Léa Rinaldi se diferencia con nitidez
de tantos y tantos documentales que van a Cuba a buscar pin-
toresquismo musical y a hacer la vista gorda frente a la realidad
de la isla. Esto es lo que hay es un vital y atractivo documento de
conflictos, de música, de arte, de opiniones, de contradicciones.
Los Aldeanos y Silvito el Libre (el hijo de Silvio Rodríguez) cantan,
cuentan, problematizan. Y en Cuba son acusados de criticar el
régimen, mientras que en Miami les reprochan que no critican lo
suficiente al señor Castro. Javier Porta Fouz
Francia - France, 2015 / 100’ / DM / Color
Español - Spanish
D, F: Léa Rinaldi E: Coralie Van Rietschoten S: Raymi Morales
M: Al2 El Aldeano, Silvito el Libre CP: Aléa Films
I: Aldo Rodríguez Baquero, Silvito Liam Rodríguez
Contacto / Contact
Aléa Films
T +33 6 6695 3882 +33 6 1656 4553
E aleafilms@gmail.com
W aleafilms.com - estoesloquehay.fr
162 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In one of their many songs –the one entitled “What Belongs to Ev-
eryone Belongs to No One”, Los Aldeanos say, among many other
things: “Justifying all with the blockade / you need to get a license
to fart / I see, I see, how ugly this is getting (…) / no evil lasts a
hundred years, yup, but half, yes.” Los Aldeanos are Cuba’s most
famous hip-hop band. And they’re against the government that is
more than half a century-old. The lyrics in Los Aldeanos’ songs
are filled with creativity and criticism, and this film by French di-
rector Léa Rinaldi clearly differs from all the documentaries that
go up to Cuba in search of typical music footage but look the other
way when it comes to the island’s reality. This Is What It Is is a vital
and appealing document of conflicts, music, art, opinions, and
contradictions. Los Aldeanos and Little Free Silvio (Silvio Rodrí-
guez’s son) sing, talk, and question. In Cuba, they are accused of
criticizing the regime, while in Miami people reproach they don’t
criticize Mr. Castro enough. JPF
Léa Rinaldi
Nació en París en 1982. Se formó en artes audiovisuales y literatura en
la Sorbona y creó la compañía Alea Films en 2011. Entre sus documen-
tales se encuentran Behind Jim Jarmusch y Travelling at Night with Jim
Jarmusch, programados en esta sección del Festival. | She was born in
Paris in 1982. She trained in Visual Arts and Literature at the Sorbonne
and created the company Alea Films in 2011. She directed several docu-
mentaries, including Behind Jim Jarmusch and Travelling at Night with Jim
Jarmusch, which are programmed in this section of the Festival.

Fassbinder - To Love
Without Demands
Fassbinder - Lieben lohne zu fordern
Fassbinder - Amar sin demandas
Este no es simplemente otro documental sobre el cada vez más fun-
damental Rainer Werner Fassbinder. Es un documental con entrevis-
tas a Fassbinder que nunca se habían visto; entrevistas-encuentros
filmados por el director danés Christian Braad Thomsen. Es un re-
trato, es el relato de una amistad y de una admiración, y un acerca-
miento múltiple al prolífico e ígneo R. W. F. Sus actrices, sus actores,
su madre y su propia voz, la voz polémica y singularmente lúcida
de un director impar. El arco temporal del documental, que abarca
desde la polémica e histórica presentación de El amor es más frío
que la muerte en la Berlinale de 1969 hasta la mirada de Thomsen
desde el presente, permite combinar ángulos y no quedarse quieto
ante un director que nos legó, entre muchas otras cosas, una idea
de trabajo y creación que solo entendía la pausa como colapso. Por
otra parte, Fassbinder - To Love Without Demands consigue rodear
a R. W. F., disponer de parte de su fundamental “familia sustituta”.
Hay declaraciones –como las de Irm Hermann– que nos transportan
no solo a otro tiempo, sino también a una emoción especial, a una
sensación de intimidad que se logra, en este caso, mediante mucho
cariño y criterio cinematográfico. Javier Porta Fouz
Dinamarca - Denmark, 2015
105’ / DCP / Color / Alemán - German
D, G, P: Christian Braad Thomsen
F: Bente Petersen, Dirk Brüel, Gregers Nielsen E: Grete Moeldrup
S: Jan Juhler M: Peer Raben CP: Kollektiv Film I: Rainer Werner
Fassbinder, Irm Hermann, Harry Baer, Andrea Schober, Margit Carstensen
Contacto / Contact
Kollektiv Film. Christian Braad Thomsen
T +45 2178 0478 E braadthomsen@gmail.com
W braadthomsen.com - fassbindermovie.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
This is not just another documentary on the increasingly fun-
damental Rainer Werner Fassbinder. It’s a documentary that in-
cludes never-seen-before interviews with Fassbinder –meeting-
interviews shot by Danish director Christian Braad Thomsen. It’s a
portrait, the story of a friendship and an admiration, and a multiple
approach to the prolific and igneous R. W. F. Featuring his ac-
tresses, actors, mother, and his own voice –the controversial and
particularly lucid voice of an unequaled filmmaker. The documen-
tary’s timeframe, which ranges from the controversial and histori-
cal premiere of Love Is Colder than Death at the 1969 Berlinale
up to Thomsen’s present-day view, allows us to combine angles
and keep processing a director who left us –among many other
things– a certain notion of work and creation for which collapsing
was the only possible pause. Also, Fassbinder - To Love Without
Demands manages to move around R. W. F., featuring part of his
essential “surrogate family.” Some statements –such as Irm Her-
mann’s– transport us not only to a different time, but also to a
special emotion, a feeling of intimacy that in this case is achieved
through lots of love and cinematographic criterion. JPF
Christian Braad Thomsen
Nació en Jutlandia, Dinamarca, en 1940. Además de haber hecho algunas
apariciones actorales, se desempeñó como guionista y productor, y dirigió
Karen Blixen - Storyteller (1995), The Voice of Iran: Mohammad Reza Shaja-
rian - The Copenhagen Concert 2002 (2003) y Marilyn Mazur: Queen of
Percussion (2006), entre otros. | He was born in Jutland, Denmark, in 1940.
Apart from some appearances as an actor, he has worked as a screenwriter
and producer, and directed Karen Blixen - Storyteller (1995), The Voice of
Iran: Mohammad Reza Shajarian - The Copenhagen Concert 2002 (2003),
and Marilyn Mazur: Queen of Percussion (2006), among other films.
163
 panorama
Filmer obstinément, rencontre
avec Patricio Guzmán
Filming Obstinately, Meeting Patricio Guzmán
Filmar obstinadamente, encuentro con Patricio Guzmán
Un retrato del cineasta Patricio Guzmán. La película propone un
viaje a través de su obra, marcada por la historia reciente de su
país, Chile. Desde La batalla de Chile, un monumento del cine
directo que describe los últimos meses de Salvador Allende y de
la Unidad Popular Chilena, hasta Botón de nácar, proyecto en
construcción, filmado aquí en su génesis, Patricio Guzmán se
descubre y descubre su visión del cine: “Puedo contar Nostalgia
de la luz en cuatro frases. Pero la película dura 90 minutos. Hay
momentos largos en los que es necesario describir, y describir
es hacer surgir algo a partir de nada. Extraerlo de la realidad. A
veces es extraer de una realidad sin belleza algo interesante, algo
que esté vivo. Es lo más difícil. Desde siempre estoy tratando de
encontrar la fórmula, de tomar conciencia de lo que es describir.
Si no hubiera conocido un golpe de Estado y una tragedia nacional
que duró un siglo, tal vez habría hecho películas… ligeras. Habría
sido un director muy diferente”. Catálogo DocBuenosAires
Francia - France, 2014 / 98’ / DM / Color
Español - Spanish, Francés - French
D, G, E: Boris Nicot S: Mathieu Descames,
Laurent Thomas P: Gérald Collas CP: INA
Contacto / Contact
INA. Michèle Gautard
T +33 1 4983 2992 E mgautard@ina.fr
W ina.fr
164 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A portrait of the filmmaker Patricio Guzmán. The film proposes a
journey through his cinema marked by the recent history of Chile.
From The Battle of Chile, a masterpiece of direct cinema recount-
ing the last months of Salvador Allende and the Chilean Popular
Unity to Nacre Button, still a project but filmed as it is coming
into being, Patricio Guzmán discloses what he is and what his
vision of the cinema is: “I can summarize Nostalgia for the Light
in four sentences. But the film lasts 90 minutes. There are long
moments during which I have to describe, and to describe is to
pull something out of thin air. From reality. Sometimes you have to
pull out something interesting, something alive, from a reality that
has no beauty at all. That’s the hardest thing. I’ve always tried to
find the formula, or to understand what is ‘describing.’ If I hadn’t
experienced a coup d’état and a national tragedy that would last a
century, perhaps I would have made films that were... lightheart-
ed. I would have been a very different director.” DBA’s catalogue
Boris Nicot
Nacido en 1974, vive y trabaja en el sur de Francia. Estudió en la Escuela
de Bellas Artes y participó de numerosos colectivos artísticos. Realizó los
cortos experimentales documentales Asile (2005) y D’assez courtes unités
de temps (2008) y el largo documental Un étrange équipage (2010). | Born
in 1974, he lives and works in Southern France. He studied at the School
of Fine Arts and participated in several artist collectives. He directed the
experimental documentary shorts Asile (2005) and D’assez courtes unités
de temps (2008) as well as the feature-length documentary Un étrange
équipage (2010).
 panorama | competencia DDHH
Finding Phong
Tim Phong
Buscando a Phong
El joven y atormentado Le Quoc Phong vive en una aldea de Viet-
nam con una sola idea: viajar a Hanoi y cambiar de sexo. Con la
archiredundante modalidad selfie, da fe de su angustia explayán-
dose entre lágrimas (aunque también con un curioso llanto seco)
sobre los terrores que afronta. La destinataria de la confesión, y
del llanto que intenta licuar los alcances morales en el interior de
una familia conservadora, es su madre. Difícil ver un drama más
edípico que el de Phong. Sin embargo, como deseoso es quien
huye de su madre, Phong se anima al cruento cambio de sexo
en una clínica de Hanoi, acompañado a prudente distancia por
su hermano, representante blando de la familia, que se endurece
en la reticencia. Finding Phong no es ni más ni menos que una
experiencia clínica con fondo sentimental, en la que se hace muy
presente lo que falta: esa naturaleza interior (de mujer) que arras-
tra a Phong al quirófano. Su hermano lo entiende mejor que nadie
al renunciar a la comprensión y entregarse a la “tolerancia total”.
Juan José Becerra
Vietnam, 2015 / 92’ / DM / Color
Vietnamita - Vietnamese, Inglés - English
D: Tran Phuong Thao, Swann Dubus F: Le Quoc Phong, Tran Phuong
Thao, Swann Dubus E: Aurelie Ricard S: Hoang Thu Thuy
M: Piotr Ilich Tchaikovski P: Nicole Pham PE: Gerald Herman
CP: Discovery Communications, Varan Vietnam I: Le Cuoq Phong
Contacto / Contact
Discovery Communications. Nicole Pham, Gerald Herman
T +65 8624 6151 +84 914 884 491
E nicolpham@gmail.com - ghlotus@aol.com
W findingphon.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Young and troubled Le Quoc Phong lives in a village in Vietnam with
one single thought: travelling to Hanoi to have a sex-change opera-
tion. In an über-redundant selfie-mode, he proves his anguish by
elaborating in tears –and yet also a curious dry crying– on the hor-
rors he is facing. The recipient of this confession as well as the cry-
ing –which aims to liquefy moral implications within a conservative
family– is his mother. It’s hard to see a more Oedipus-like drama
than the one Phong is living. However, since the true willing are
those who flee from their mothers, Phong bravely goes through the
cruel sex-change procedure in a Hanoi clinic, accompanied from
a prudent distance by his brother, the softer representative of his
family, which hardens in reticence. Finding Phong is no more and
no less than a clinical experience with a sentimental background,
in which the element that is missing becomes very present: that
inner (female) nature that drags Phong up to the OR. His brother
gets him better than anyone when he renounces understanding
and delivers himself to “full tolerance.” JJB
Swann Dubus
Nació en Francia en 1977, estudió cine en la Universidad Sorbona Nueva
París 3. Entre sus documentales se encuentran L Ville (2007) y With or
Without Me (2011; junto a Tran Phuong Thao). | Born in France in 1977, he
studied film at New Sorbonne University Paris 3. His documentaries include
L Ville (2007) and With or Without Me (2011; with Tran Phuong Thao).
Tran Phuong Thao
Nació en Vietnam en 1977, se mudó a Francia en 2001. Se formó como
documentalista en la Universidad de Poitiers y realizó Worker’s Dream (2007).
| Born in Vietnam in 1977, she moved to France in 2001. She trained as a
documentarian at Poitiers University and made Worker’s Dream (2007).
165
 panorama
Fires on the Plain
Nobi
Hogueras en la llanura
Shōhei ōoka, uno de los mayores literatos japoneses de la pos-
guerra, había sido llamado a las armas en el 1944 en las Filipinas.
Eso que describió en su obra maestra de 1951, Nobi, lo conocía
bien: algunos de los actos inconfesables que demasiados solda-
dos cometieron durante las últimas semanas del Japón imperial
(la mayoría para sobrevivir, algunos solo porque podían) los había
presenciado o quizá cometido él mismo, de otros oyó hablar en el
campo para prisioneros de guerra. Al igual que Kon Ichikawa en
1959, Tsukamoto se mantiene sorprendentemente fiel a la esen-
cia de la novela, aunque en un registro muy diferente: la Nobi de
2014 es una pastoral envenenada donde los cuerpos se pudren,
los miembros vuelan bajo, a los hombres se los acribilla en masa y
los camaradas se vuelven cena en un pestañeo. Y también es una
pintura del infierno budista en colores chillones, hecha con pince-
ladas ágiles y amplias. Y también es una retorcida sátira surrea-
lista sobre las debilidades humanas, servida en estridentes tonos
camp. Pero más allá de su salvajismo gore, Fires on the Plain es
un ensayo muy sagaz acerca de la condición humana. Olaf Möller
Japón - Japan, 2014 / 87’ / DCP / Color
Japonés - Japanese, Filipino
D, G, E, P: Shinya Tsukamoto F: Shinya Tsukamoto, Satoshi Hayashi
S: Masaya Kitada M: Chu Ishikawa CP: Kaijyu Theater
I: Shinya Tsukamoto, Lily Franky, Tatsuya Nakamura, Yusaku Mori,
Yuko Nakamura
Contacto / Contact
Coproduction Office
T +33 1 5602 2600
E sales@coproductionoffice.eu
W coproductionoffice.eu
166 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
ōoka Shōhei, one of post-war Japanese literature’s greatest, had
been called up to serve in ‘44, on the Philippines. What he de-
scribes in his 1951 masterpiece, Nobi, he knew –some of the
unspeakable deeds too many soldiers committed during the final
weeks of Imperial Japan (most merely to stay alive, some simply
because they could) he had seen, maybe done himself, some he
only heard about in a POW camp. Just like Ichikawa Kon before in
1959, Tsukamoto stays surprisingly true to the novel’s essence,
if in a very different register: Nobi 2014 is a poisoned pastoral
where bodies rot, limbs fly low, men get mowed down en masse
and comrades turn dinner in the blink of an eye; as well as a paint-
ing of Buddhist hell in garish colors laid on with deft and broad
brush strokes; as well as a gnarling Surrealist satire on human
foible delivered in campy tones, shrill and grating. For all its gore
and outrage, Fires on the Plain is above all a very wise essay on
the human condition. OM
Shinya Tsukamoto
Nació en Tokio, Japón, en 1960. Entre sus trabajos se encuentran Tetsuo:
The Iron Man (1989), Hiruko the Goblin (1991), Tetsuo II: Body Hammer
(1992), Tokyo Fist (1995), Bullet Ballet (1998), A Snake of June (2002),
Nightmare Detective (2006; Bafici ‘07), Tetsuo: The Bullet Man (2009) y
Kotoko (2011). | He was born in Tokyo, Japan, in 1960. Some of his films
are: Tetsuo: The Iron Man (1989), Hiruko the Goblin (1991), Tetsuo II: Body
Hammer (1992), Tokyo Fist (1995), Bullet Ballet (1998), A Snake of June
(2002), Nightmare Detective (2006; Bafici ‘07), Tetsuo: The Bullet Man
(2009) and Kotoko (2011).

Forastero
Foreigner
La costa argentina tiene rasgos que son complejos de tradu-
cir: las atracciones turísticas, el ritmo cotidiano, el carácter de
los habitantes y la identidad urbana. La ópera prima de Lucía
Ferreyra, un largometraje que proviene de un corto, dibuja línea
por línea el esqueleto de una de esas playas: Mar del Sur. La
mirada introspectiva y sensible de la joven directora logra que
sintamos la arena mojada en la planta de los pies, el olor a aceite
saturado del cono de papas fritas y el frizz que provoca el aire de
mar en el pelo. Una nostálgica carta de amor a un lugar que se
parece a muchos y a ninguno. Los panqueques, los videojuegos y
las aguas vivas reflotan imágenes vencidas en la saliva de los per-
sonajes, mientras nacen futuros recuerdos. Forastero no necesita
de conflictos altisonantes para enamorar al espectador, porque, a
pesar de ser una historia chiquita, contiene esos detalles pode-
rosos que hacen que una película sea grande. Maia Debowicz
Argentina, 2015 / 60’ / DCP / Color - B&N
Español - Spanish
D, P: Lucía Ferreyra G: Lucía Ferreyra, Valeria Márquez
F: Tebbe Schönningh, Manuel Bascoy E: Santiago Guidi
DA: Lola Iommi, Pablo Lakatos S: Andrés Polonsky
M: El Príncipe Idiota CP: Médano Cine I: Julián Larquier Tellarini,
Pablo Sigal, Denise Groesman
Contacto / Contact
Médano Cine. Lucía Ferreyra
T +54 9 11 6944 3867 E medanocine@gmail.com
FB forasterolapelicula
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
The Argentine coast has some characteristics that are hard to
translate: tourist attractions, the everyday pace, the personality
of its inhabitants and urban identity. Lucía Ferreyra’s first film, a
feature based on a short, traces line after line the skeleton of one
of those coastal towns: Mar del Sur. The introspective, sensitive
point of view of the young director makes us feel the wet sand
in the soles of our feet, the smell of saturated oil from a cone of
french fries and the frizz the sea air causes in the hair. A nostalgic
love letter to a place that looks like many others and no other.
Pancakes, video games and jellyfish bring back expired images in
the characters’ saliva, while future memories are born. Foreigner
doesn’t need any overblown conflicts in order for the audience to
fall in love, because, in spite of being a simple story, it contains
those powerful details that make a film great. MD
Lucía Ferreyra
Nació en Santiago del Estero, Argentina, en 1987. Estudió dirección cine-
matográfica en la Universidad del Cine y realizó varios cortometrajes, entre
ellos Forastero (Bafici ‘14), en el que se basa el largometraje homónimo.
Participó del Laboratorio de Cine 2013 de la Universidad Torcuato Di Tella,
a cargo de Martín Rejtman y Andrés Di Tella. | She was born in Santiago
del Estero, Argentina, in 1987. She studied Filmmaking at Universidad del
Cine and directed several short films, including Forastero (Bafici ‘14), in
which the same-titled feature-length film is based on. She participated in
the 2013 Film Lab of the Torcuato Di Tella University, under Martín Rejtman
and Andrés Di Tella.
167
 panorama
The Great Flood
La gran inundación
Incansable rastreador de archivos, Bill Morrison ha practicado
fórmulas diversas de reelaboración de imágenes primitivas. Junto
con el trabajo sistemático sobre el carácter material del cine, que
sublimó en la colosal Decasia o en cortos como Light Is Calling,
en los últimos años ha ensayado contenidos más narrativos, ya
sea la inteligente relectura del Frankenstein, de Mary Shelley, que
hizo en Spark of Being o el registro canónicamente documental
de The Great Flood. Este último es un fascinante acercamiento,
con música del jazzman Bill Frisell y ecos del “Ol’ Man River”, a la
inundación del Mississippi de 1927 que obligó a más de 600 mil
personas a desplazarse. Aunque las excelentes imágenes compi-
ladas por Morrison aluden a una catástrofe muy concreta, en ellas
resuenan otros hechos, desde el desastre reciente del Katrina en
Nueva Orleans hasta la herida histórica de la discriminación y ex-
plotación laboral de la población negra. Que el capítulo titulado
“Migración” se abra con la alegría de un baile es, en ese sentido,
suficientemente elocuente. Martin Pawley
Estados Unidos - US, 2013
78’ / DCP / B&N
D, E, DA: Bill Morrison G: Bill Morrison, Bill Frisell DA: Bill Morrison
S: Claudia Englehart M: Bill Frisell P: Phyllis Oyama, Bill Morrison
Contacto / Contact
Hypnotic Pictures. Bill Morrison
T +1 917 445 8529 E bill@billmorrisonfilm.com
W billmorrisonfilm.com - icarusfilms.com
168 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A tireless archive tracer, Bill Morrison has practiced diverse formu-
las for redoing primitive images. Along with the systematic work
on the material nature of film, which he ennoble in the colossal
Decasia or in shorts like Light Is Calling, in the last few years he’s
been trying out some content with more narrative, such as the
intelligent re-imagining of Mary Shelley’s Frankenstein he did in
Spark of Being or the canonically documentary record that is The
Great Flood. The latter is a fascinating approach, with music by
jazzman Bill Frisell and echoes of the “Ol’ Man River,” to the Mis-
sissippi flood of 1927 that forced more than 600 thousand people
to leave their homes. Even though the excellent images compiled
by Morrison refer to a very concrete catastrophe, other events
reverberate, from the recent Katrina disaster in New Orleans to the
historical wound caused by the discrimination and exploitation of
the black population. The fact that the chapter entitled “Migration”
opens with the joy of dance is, in that sense, eloquent enough. MP
Bill Morrison
Nació en Chicago, EE. UU., en 1965, y actualmente se encuentra radica-
do en Nueva York. Es miembro del Teatro Ridge y fundador de Hypnotic
Pictures. Entre otros largos, dirigió Decasia (2002), Spark of Being (2010)
y Tributes: Pulse (2011). | He was born in Chicago, US, in 1965, and is
currently based in New York. He is a member of the Ridge Theater and
founder of Hypnotic Pictures. Among other features, he directed Decasia
(2002), Dspark of Being (2010) and Tributes: Pulse (2011).

Hermosa juventud
Beautiful Youth
La crisis económica española y su impacto en los jóvenes es el
centro de este film sobre una pareja que trata de sobrevivir en Ma-
drid casi sin dinero. Natalia vive con su madre divorciada y con sus
hermanos menores, y no parece tener más que hacer en su vida
que verse con su novio, Carlos, quien trabaja para una empresa
constructora en la que le pagan una miseria. Él vive con una madre
obesa y enferma a la que debe cuidar, mientras que Natalia y su her-
mano tienen una relación muy crispada con su madre y casi no ven
a su padre. La historia sigue a la pareja en su cotidianidad: fiestas,
amigos, pero más que nada aburrimiento, desmotivación y falta de
horizontes. Un trabajo para un video porno propone un momento di-
vertido y rentable, pero pronto Natalia se embaraza y ninguno parece
tener soluciones para su problema principal: la falta de dinero y de
trabajo. Más allá de algunas elecciones formales audaces, Hermosa
juventud avanza de forma fluida, con dos personajes atractivos y un
planteo realista acerca de sus situaciones personales y familiares en
lo que es, finalmente, una mirada desesperada y desesperante de la
realidad económica española. Diego Lerer
España / Francia - Spain / France, 2014
102’ / DCP / Color / Español - Spanish, Alemán - German
D: J. Rosales G: J. Rosales, E. Rufas F: P. Esteve Birba E: L. Casal
DA: V. P. Álvarez S: N. Tsabertidis P: J. Rosales, J. M. Morales, J. Dopffer
PE: B. Díez CP: Fresdeval Films, Wanda Visión, Les Productions Balthazar
I: I. García-Jonsson, C. Rodríguez, I. Nieto, F. Barona, J. Calderón
Contacto / Contact
NDM Ventas Internacionales. Bianca Fontez
T +52 55 5273 9307 E ndm.sales@mantarraya.com
W mantarraya.com TW @mantarrayafilms
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
The economic crisis in Spain and its impact on young people is
the center of this film about a couple that tries to survive in Madrid
with almost no money. Natalia lives with her divorced mother and
her younger siblings, and there doesn’t seem to be much more to
life than seeing her boyfriend, Carlos, who works for a construc-
tion company where he gets paid next to nothing. He lives with an
obese, sick mother he must take care of, while Natalia and her
brother have a very tense relationship with their own mother, and
hardly ever see their father. The story follows the couple in their
everydayness: parties, friends, but, above all, boredom and lack of
motivation and goals. A gig in a porno video provides a fun, profit-
able moment, but soon enough, Natalia gets pregnant and no one
seems to have solutions for their main problem: the lack of money
and a job. Apart from some audacious formal choices, Beautiful
Youth flows by with two attractive main characters and a realistic
approach on its personal and family situations, in what is, at last, a
distressed, distressing view on Spain’s economic reality. DL
Jaime Rosales
Nació en Barcelona, España, en 1970. Estudió ciencias empresariales, luego
se formó en la EICTV de La Habana y en la AFTRSBE de Sydney. Dirigió,
entre otras, Las horas del día (2003; Premio de la Crítica en la Quincena
de Realizadores de Cannes), La soledad (2007, premios Goya a Mejor Pelí-
cula y Director) y Tiro en la cabeza (2008; premiada por FIPRESCI en San
Sebastián). | He was born in Barcelona, Spain, in 1970. He studied business
science and, later, trained at Havana’s EICTV and Sydney’s AFTRSBE. He
directed The Hours of the Day (2003; Critics’ award at Cannes’ Directors’
Fortnight), Solitary Fragments (2007; Goya awards for Best Film and Best
Director) and Bullet in the Head (2008; FIPRESCI award at San Sebastian).
169
 panorama
Hide and Seek
Escondida
“Esto es bastante civilizado”, dice Simon mientras le sirven la co-
mida, como si hubiera estado esperando que sus anfitriones no
fueran ya otra cosa que un clan de salvajes a lo Charles Manson.
La reacción desconfiada de Simon en su breve visita es proba-
blemente la misma de cualquier espectador que observe desde
afuera a estos cuatro jóvenes, dos chicos y dos chicas que, pro-
venientes de Londres, se han instalado en una casa rural para
alejarse del mundanal ruido, vivir bajo sus propias reglas y en-
tregarse a un juego (o un experimento) infantil, autoindulgente.
Mientras parodian las rutinas de la sociedad y sus instituciones,
aseguran que las cosas del mundo exterior no les interesan, y
mantienen relaciones sexuales muy activas (aunque rigurosa-
mente reguladas), todos con todos. No sabemos exactamente de
qué se esconden los alternativamente irritantes y envidiables pro-
tagonistas de la ópera prima de Coates ni hasta cuándo o cómo
planean hacerlo; pero tampoco es de esperar que estas pregun-
tas encuentren respuestas, sino que apenas surjan una, atrás de
otras, como un espejo para el espectador. Mariano Kairuz
Reino Unido - UK, 2014 / 80’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Joanna Coates G: Daniel Metz, Joanna Coates F: Ben Hecking
E: Maya Maffioli S: Gunnar Oskarsson M: Paul Wallfisch
P: Daniel Metz PE: Matt Holt, David Grant CP: ShowBusiness Film
I: Josh O’Connor, Hannah Arterton, Rea Mole, Daniel Metz, Joe Banks
Contacto / Contact
ShowBusiness Film. Daniel Metz
T +44 7806 887 030 E daniel@hideandseekthefilm.com
W hideandseekthefilm.com TW @hideandseekuk
170 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
“This is pretty civilized,” says Simon while someone serves food
on his plate, as if he was expecting his hosts to be anything other
than a Charles Manson-like clan of savages. Simon’s untrusting
reaction during his short visit is probably the same one spectators
would have if they would have look closely at these four young-
sters. They are two boys and two girls from London, who moved
into a country house in order to get away from the noises of the
world, live under their own rules, and play a childish, self-indul-
gent game (or experiment). While they mock society’s routines
and its institutions, they claim to have no interest in the outside
world and maintain very active (although rigorously regulated)
sexual relations with each other. We don’t know exactly what the
alternately irritating and enviable protagonists of this opera prima
are hiding from. But we shouldn’t expect these questions to find
their answers, only to come up one after the other like a mirror for
the spectators. MK
Joanna Coates
Fue nominada a los premios BAFTA, y entre sus trabajos se encuentran
los cortometrajes Where Are They Now? (2011) y Little Ones (2013).
Dirigió documentales para Channel 4, The National Theatre, Royal Opera
House y The Guardian, entre otras organizaciones. | She was nominated
for the BAFTA awards, and his work includes the short films Where Are
They Now? (2011) and Little Ones (2013). She directed documentaries for
Channel 4, The National Theatre, Royal Opera House and The Guardian,
among other organizations.

Hill of Freedom
Ja-yu-ui eon-deok
La colina de la libertad
Como el paso del tiempo, el cine de Hong Sangsoo no detiene su
marcha. Hill of Freedom se suma a una filmografía sin par en el
cine actual que, a medida que crece, parece destilarse en pelícu-
las cada vez más perfectas y sobrias. En un mundo cinematográ-
fico que solo parece atento a las proezas técnicas y a las exage-
raciones formales, el universo de Hong continúa desarrollándose
en la utilización de elementos mínimos, con los cuales el director
logra siempre una variación; como un músico obsesionado con
una misma melodía que, al ser escuchada (vista) por nosotros,
los espectadores, siempre es diferente. Esta vez la trama narra la
historia de Mori (Ryo Kase), un profesor japonés que viaja a Corea
en busca de su amada y elusiva Kwon. Allí se encontrará con
Young-sun, la enamoradiza dueña de un hotel, y con una serie de
particulares personajes unidos por, entre otras cosas, las confu-
siones idiomáticas. La forma narrativa de la película responde a
una serie de cartas, mezcladas accidentalmente, que nos hablan
de un tiempo pasado; un tiempo que el cine de Hong se encarga
de recuperar. Marcelo Alderete
Corea del Sur - South Korea, 2014 / 66’ / DCP / Color
Coreano - Korean
D, G: Hong Sangsoo F: Park Hongyeol E: Hahm Sungwon
S: Kim Mir M: Jeong Yongjin P: Kim Kyounghee
CP: Jeonwonsa Film Co. I: Kase Ryo, Moon Sori, Seo Younghwa,
Kim Euisung
Contacto / Contact
Finecut. Kim Namyoung
T +82 2 569 8777 E ny@finecut.co.kr
W finecut.co.kr
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Like the passage of time, Hong Sangsoo’s cinema keeps going.
Hill of Freedom adds to an unequaled filmography in current
cinema that seems to distill into films that are more and more
perfect and sober as it grows. In a film world that seems to only
pay attention to technical feats and formal exaggerations, Hong’s
universe continues to develop in its use of minimum elements the
director uses to always achieve a variation –he’s like an musician
obsessed by the same melody that is always different when heard
(watched) by us spectators. This time the plot features the story
of Mori (Ryo Kase), a Japanese professor who travels to Korea
in search of her beloved and elusive Kwon. There she will find
Young-sun, the romantic hotel owner, and a series of unique char-
acters united by, among other things, idiomatic confusions. The
film’s storytelling responds to a series of letters that got acciden-
tally mixed-up, and they talk to us about a past era; an era Hong’s
cinema is trying to recuperate. MA
Hong Sangsoo
Nacido en Seúl, Corea del Sur, en 1960, estudió cine en la Universidad
de Chung-Ang. Debutó como director con The Day a Pig Fell into the Well
(1996), a la que siguieron, entre otras, Turning Gate (2002), Tale of Cinema
(2005), Woman on the Beach (2006), Night and Day (2008), Like You Know
It All, Hahaha (ambas 2009) y Oki’s Movie (2010), todas exhibidas en el
Bafici. | Born in Seoul, South Korea, in 1960 he studied Film at the Chung-
Ang University. He made his directorial debut with The Day a Pig Fell Into
the Well (1996), followed by Turning Gate (2002), Tale of Cinema (2005),
Woman on the Beach (2006), Night and Day (2008), Like You Know It All,
Hahaha (both 2009), and Oki’s Movie (2010), all of them screened at Bafici.
171
 panorama
Hockney
A través de un maravilloso material de archivo que incluye las
películas caseras de los Hockney y entrevistas con familiares,
amigos y el propio artista, Wright desarrolla un extraordinario re-
trato de un hombre que creció entre las carencias de la posguerra
británica para luego aferrarse, tanto en su arte como en su vida,
a los sueños y fantasías de lugares legendarios: Londres, Nueva
York, Los Ángeles. Con sus anteojos de nerd, negros y grandes, y
su pelo teñido de rubio, David Hockney no fue solo la epítome del
mod cool de los sesenta; también ayudó a inventar esto mediante
su personalidad altamente pública, haciendo dibujos a la moda
que exploraban lo que significaba ser gay en una época anterior
a aquella en la que estar fuera del clóset, como él lo estaba, tenía
aceptación más allá de la comunidad bohemia tolerante de la que
él formaba parte. Con casi 80 años, Hockney sigue realizando
obras fascinantes, aprovechando las nuevas tecnologías de ma-
neras que uno no esperaría en alguien que pertenece, como él
mismo observa, a la última generación que creció sin televisión.
Reino Unido - UK, 2014 / 112’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Randall Wright F: Patrick Duval E: Paul Binns S: Molinare
M: John Harle P: Kate Ogborn, Randall Wright CP: HanWay Films
I: David Hockney
Contacto / Contact
The Festival Agency. Alexandre Cheung
T +33 9 5490 4863 E info@thefestivalagency.com
W thefestivalagency.com - hanwayfilms.com
172 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Through wonderful archival footage, including the Hockney fam-
ily’s own home movies, and interviews with family, friends, and
the artist himself, Wright develops an extraordinary portrait of
a man who grew up among the privations of postwar Britain to
embrace, in his art and in his life, the dreams and fantasies of
legendary places: London, New York, Los Angeles. With his big
black nerd glasses and dyed blond hair, David Hockney wasn’t just
the epitome of Mod cool in the 1960s; he helped invent it via his
very public personality, and making funky paintings and drawings
that explored what it meant to be gay at a time before being out,
as he was, was much accepted beyond the tolerant bohemian
community he was part of. At nearly 80, Hockney is still making
intriguing work, taking advantage of new technologies in ways
that you might not expect from someone who is, as he notes, from
the last generation to grow up without television.
Randall Wright
Realizador y productor instalado en Londres. Dirigió más de veinte docu-
mentales, entre los que se encuentran Jack.The Lad (1997; nominado a los
premios Bafta), John Le Carré: The Secret Centre (2000) y Lucian Freud: A
Painted Life (2012; premiado por la Royal Television Society). | Filmmaker
and producer based in London. He directed more than twenty documenta-
ries including Jack.The Lad (1997; a Bafta award nominee), John Le Carré:
The Secret Centre (2000) and Lucian Freud: A Painted Life (2012; awarded
by the Royal Television Society).

El hombre de Paso Piedra
Mudmen
Si el documental es un género inagotable no es solo porque pue-
de servirse de cualquier elemento del mundo (una persona, una
ciudad, un objeto) para volverlo su tema, sino más bien por las
infinitas maneras mediante las cuales puede retratarlo y proble-
matizarlo. En el caso de El hombre de Paso Piedra, el seguimiento
es hacia un hombre mayor que vive en Río Negro y se dedica a
hacer ladrillos de barro. Un joven entrevistador dialoga con este
trabajador ermitaño: cuestiona cómo maneja sus negocios, escu-
cha su visión del mundo. Al mismo tiempo, como un cielo que se
nubla, sobre ese relato se interponen las imágenes de una mujer
sensual y abúlica que, en el departamento del que partió el mucha-
cho, hace lo que puede para pasar el tiempo: se masturba, dibuja,
duerme. El hombre de Paso Piedra evita la comodidad de aclararle
sus intenciones al espectador, y recorre dos mundos paralelos que
terminan encontrándose al ritmo de una canción de Coiffeur que
parece pedirle a cada uno “que abandone su guarida / que ocupe
su lugar / en otro espacio”. Aldo Montaño
Argentina, 2015 / 78’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, F, E, DA, S, P, PE: Martín Farina M: Guillermo Alonso, Jorge Barilari
CP: Cinemilagroso I: Mariano Carranza, Martín Farina, Cecilia Nai Oleari
Contacto / Contact
Cinemilagroso. Martín Farina
T +54 11 4627 6002 +54 9 11 3004 2444
E farinamartin@gmail.com
W martinfarina.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
If documentary is an endless genre is not just because it can take
any element in the world (a person, a city, or an object) and turn
it into its subject, but rather because of the endless ways it can
portray and question that element. In the case of Mudmen, the
eye is on an old man who lives in Rio Negro and makes bricks out
of mud. A young interviewer dialogues with this hermit worker: he
inquires about his business and listens to him deliver his view of
life. At the same time, and like a sky that gets darker, the man’s
story is hovered by images of a sensual and apathetic woman in
the apartment from where the young man left from: she mas-
turbates, draws, and sleeps. Mudmen avoids the comfort zone
of clarifying its intentions to spectators, and moves through two
parallel universes that end up connecting by the rhythm of a song
by Coiffeur that seems to ask each one of them to “abandon his
lair / occupy his place / in a different space”. AM
Martín Farina
Nació en Buenos Aires en 1982. Es licenciado en comunicación por la
Universidad de La Matanza. Estudió música y filosofía, y desde 2008 forma
parte del equipo periodístico de La Otra. Dirigió varios largometrajes, entre
ellos, La generación de las maestras (2007) y Fulboy, presentada en Bafici
‘14. | He was born in Buenos Aires in 1982. He has a bachelor’s degree in
communication from the University of La Matanza. He studied music and
philosophy, and has been part of La otra’s journalistic team since 2008. He
directed many features, including La generación de las maestras (2007)
and Fulboy, which premiered at Bafici ‘14.
173
 panorama | competencia DDHH
Hotline
Hotline se inmiscuye en el trabajo cotidiano de una ONG israelí
que libra una batalla contra dos fuerzas casi inquebrantables: la
xenofobia y la burocracia. Los voluntarios asisten a los inmigrantes
ilegales africanos que llegan a Israel escapando de represiones
y torturas y quedan atrapados en un limbo atroz, categorizados
como “infiltrados”, presos en centros de detención cada vez más
grandes y sin posibilidad de reclamar el estatuto de refugiados. La
cámara de Silvina Landsmann acompaña su lucha desde la dis-
tancia justa, sin acusar ni juzgar, llevando a cabo un trabajo que
es a la vez microscópico y global. “Al extranjero no maltratarás ni
oprimirás, porque ustedes fueron extranjeros en la tierra de Egip-
to”, se alcanza a leer en la remera de uno de los voluntarios que
visita el centro de detención Saharonim. Y esa frase del Éxodo,
que en ese contexto puede parecer una provocación, es también
la condensación de una larga historia de conflictos que hasta el
día de hoy nadie parece poder desenmarañar. Griselda Soriano
Israel / Francia - Israel / France, 2015
99’ / DCP / Color
Hebreo - Hebrew, Inglés - English, Francés - French
D, G, F: Silvina Landsmann E: Silvina Landsmann, Gil Schnaiderovich
S: Yoss Apelbaum P: Silvina Landsmann, Pierre-Olivier Bardet
CP: Comino Films, Idéale Audience
Contacto / Contact
Go2Films. Hedva Goldschmidt
T +972 2 583 1371 E hedva@go2films.com W go2films.com
174 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Hotline inquires into the everyday work of an Israeli NGO that
fights against two almost unbreakable forces: xenophobia and
bureaucracy. Volunteers assist illegal African immigrants who ar-
rive in Israel escaping repression and torture but end up trapped
in an atrocious limbo, labeled as “infiltrators” and imprisoned in
growing detention centers without any chance to claim a refugee
status. Silvina Landsmann joins their struggle from a fair distance,
without accusing or judging, carrying out a both microscopic and
digital work. “Thou shall not mistreat or oppress the foreigner, be-
cause you were once foreigners in the land of Egypt,” can be read
on the t-shirt worn by one of the volunteers visiting the Saharonim
detention center. And that quote from the Exodus, which in that
context can seem a provocation, is also the condensation of a
long history of conflicts that until today no one seems able to
untangle. GS
Silvina Landsmann
Nació en Argentina en 1965 y emigró a Israel a los once años. Estudió
psicología en París y matemática en Tel Aviv antes de formarse como reali-
zadora en la Universidad de Tel Aviv. Dirigió Collège (1998), Post Partum
(2004), Unto Thy Land (2007) y Soldier/Citizen (2012). Fundó la compañía
Comino Films, en la que produce sus propios proyectos. | She was born
in Argentina in 1965 and migrated to Israel at 11. She studied studied
psychology in Paris and mathematics in Tel Aviv. She directed Collège
(1998), Post Partum (2004), Unto Thy Land (2007) and Soldier/Citizen
(2012). She founded the company Comino Films, with which she produces
her own projects.

In the Basement
Im Keller
En el sótano
¿Qué está pasando en los sótanos de Austria? A raíz del infame
caso Fritzl de 2009, incluso la prensa mundial se hizo esa pregun-
ta, pero Ulrich Seidl la había abordado mucho antes (y luego tuvo
que poner varios años en pausa In the Basement para terminar
su épica trilogía Paradise, vista en el Bafici ‘13). Resultó ser para
mejor, ya que –típico, tratándose de Seidl– este film tiene poco
que ver con titulares recientes y mucho con la mentalidad general
que da a luz esos extremos. En los sótanos, la gente se entrega
a sus fantasías; sea una pareja sadomasoquista o un hombrecito
entusiasmado con los poderes de proyectil orgásmico que tiene
su enorme carga espermática; sea un loco de las armas que can-
ta ópera o un grupo de bronces tradicional que toca y bebe entre
su amada memorabilia histórica, especialmente del tipo nazi... Un
montaje compacto pero asociativo, de cuadros típicos de Seidl,
donde lo humano y lo grotesco, lo cómico y lo perturbador son
como pequeñas melodías subversivas. Podría decirse que se trata
del primer musical en toda regla de Seidl... Pasado de vueltas,
claro. Christoph Huber
Austria, 2014 / 81’ / DCP / Color
Alemán - German
D, P: Ulrich Seidl G: Ulrich Seidl, Veronika Franz
F: Martin Gschlacht E: Christoph Brunner
S: Ekkehart Baumung CP: Ulrich Seidl Film Produktion
Contacto / Contact
Coproduction Office / Katapult Film Sales. Olimpia Pont Cháfer
T +33 1 5602 2600 +49 30 3277 7879
E info@coproductionoffice.eu
W coproductionoffice.eu - im-keller.at
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
What is happening in the basements of Austria? In the wake of
2009’s infamous Fritzl case, even international media have been
asking the question, but Ulrich Seidl tackled it way before –then
had to put In the Basement on hold for several years to finish
his epic Paradise trilogy (shown at Bafici ‘13). All for the better,
since in typical Seidl fashion, this film has little to do with recent
headlines, but a lot with the general mindset giving birth to such
extremes. Down in the cellar, people indulge their fantasies, be it
an S/M-couple or a little man rhapsodizing about the orgasmic
projectile powers of his huge sperm load, a gun nut who loves to
sing opera or a traditional brass group playing and drinking amidst
their beloved historical devotionalia, especially of the Nazi sort... A
tight, but associative montage of typical Seidl tableaux, in which
the human and the grotesque, the comical and the troubling play
out in subversive little melodies: You could call it the first full-
fledged Seidl musical... with a vengeance, of course. CH
Ulrich Seidl
Nació en Viena, Austria, en 1952, y comenzó su carrera trabajando para la
televisión. Dirigió documentales como State of the Nation (2001) y Jesus,
You Know (2003; Bafici ‘04); los largometrajes de ficción Días de perro
(2001), Import/Export (2007; Bafici ‘08); y la trilogía compuesta por Paradi-
se: Love, Paradise: Faith y Paradise: Hope (2012), exhibida en el 15° Bafici.
| He was born in Vienna, Austria, in 1952, and began his career working for
TV. He directed several documentaries, including State of the Nation (2001)
and Jesus, You Know (2003), the fiction films Dog Days (2001) and Import/
Export (2007; Bafici ‘08), and the trilogy composed of Paradise: Love, Para-
dise: Faith and Paradise: Hope (2012), screened at the 15 th Bafici.
175
 panorama
Incompresa
Misunderstood
Incomprendida
A medida que avanza en su aún breve pero explosiva filmogra-
fía como directora, Asia Argento parece ir armando una suerte
de (falsa) autobiografía, tanto personal como artística: desde los
pesadillescos sueños de la actriz protagonista de Scarlet Diva
(2000), pasando por la terrible madre de El corazón es engaño-
so por sobre todas las cosas (2004), hasta la siempre optimista
–pero sufrida– niña heroína de Incompresa. Esta vez, Asia vuelve
a describir la niñez como un campo de batalla: allí la pequeña Aria
(sorprendente actuación de Giulia Salerno) pasa sus días sopor-
tando no solo a sus terribles padres, sino también a una serie de
personas siempre más interesadas en sus vidas bohemias que en
lo que realmente ocurre a su alrededor. Con sus colores saturados
y sus personajes siempre al borde del quiebre emocional, Incom-
presa se inscribe en las zonas del melodrama, pero lo hace con
aires desprolijos y veloces, como si se tratara de una versión punk
del género. Hablando de influencias, vale la pena recordar a Abel
Ferrara, quien supo decir “Todos amamos a Asia”, y, después de
ver esta película, darle la razón. Marcelo Alderete
Italia / Francia - Italy / France, 2014 / 103’ / DCP / Color
Italiano - Italian, Francés - French, Inglés - English
D: A. Argento G: A. Argento, B. Alberti F: N. Pecorini
E: F. Barbieri DA: E. F. di Napoli S: T. Morganti M: B. Molko,
A. Argento, J. Marlon Magas, G. Weinzaepflen, J. Pearson, L. Henshaw,
G. Serbian P: L. Mieli, M. Gianani, E. Heumann, M. Kantor
PE: G. De Laurentiis CP: Wilside, Paradis Films, Orange Studio
I: G. Salerno, C. Gainsbourg, G. Garko, C. Poccioni, A. Lou Castoldi
Contacto / Contact
Zeta Films. Carlos Pascual Zumbo T +54 11 4371 4801
E info@zetafilms.com W zetafilms.com TW @zeta_films
176 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
As her brief but explosive filmography as a director keeps grow-
ing, Asia Argento seems to be setting up a sort of (false) autobi-
ography, both personal and artistic: from the nightmares of the
lead actress in Scarlet Diva (2000) to the terrible mother of The
Heart Is Deceitful Above All Things (2004), including the always
optimist –but suffered– little heroine girl of Misunderstood. This
time, Asia again describes childhood as a battle field: little Aria (a
surprising performance by Giulia Salerno) spends her days putting
up with her terrible parents but also a series a people more inter-
ested in their bohemian lives rather than what actually happens
around them. With saturated colors and characters constantly on
the verge of an nervous breakdown, Misunderstood is inscribed
within the area of melodrama, but it does so with a sloppy, fast
tone, as if it was a punk version of the genre. Speaking of influ-
ences, we should remember Abel Ferrara –who once said: “We all
love Asia”–and agree with him after watching this film. MA
Asia Argento
Nació en Roma, Italia, en 1975. Es hija de la actriz Daria Nicoldi y del direc-
tor, productor y guionista Dario Argento, con quien trabajó al comenzar su
carrera actoral en Trauma (1993). Recibió dos veces el David di Donatello
como Mejor Actriz. Entre sus trabajos como realizadora se destacan Scarlet
Diva (2000) y El corazón es engañoso por sobre todas las cosas (2004;
Bafici ‘05). | She was born in Rome, Italy, in 1975. She is the daughter
of actress Daria Nicolodi and director, producer and screenwriter Dario
Argento, with whom she worked at the start of her acting career in Trauma
(1993). She won the David di Donatello award for Best Actress twice. Her
works as a director include Scarlett Diva (2000) and The Heart Is Deceitful
Above All Things (2004; Bafici ‘05).

Intemperie
Outdoor
Empieza el día y la luz sacude las sombras que cuelgan en el es-
tudio de Eduardo Stupía. La cámara de Miguel Baratta no muestra
a un genio creador, sino a un artesano que modela pacientemente
sus materiales. Cuando observa el armado de un collage, Intem-
perie parece adherir a la tesis de que no hay nada parecido a la
inspiración o a la pureza estética; solo reformulación y ensamblaje
de cosas ya existentes. Los planos se entretienen persiguiendo
los sinuosos trazos de grafito: en el papel no se ve ninguna figura
reconocible, pero la mano de Stupía ataca segura y sin dudas, di-
buja y sombrea como si estuviera siguiendo algún plan de acción
secreto, inaccesible para los demás. Cuando es entrevistado, Stu-
pía habla con claridad y sin enredar las palabras, con la serenidad
del artista seguro de su lugar y de su búsqueda. Mientras tanto,
la cámara recorre el estudio atestado de objetos y herramientas;
ese espacio de trabajo, casi como un personaje silencioso y om-
nipresente, parece informar sobre el dibujante tanto como lo hace
su propio testimonio. Diego Maté
Argentina, 2015 / 65’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Miguel Baratta F: Cecilia Brück E: Nicolás Aponte, Cecilia Brück
S, M: Aylu Grad P: Cecilia Brück, Miguel Baratta CP: El Encanto
I: Eduardo Stupía
Contacto / Contact
El Encanto. Miguel Baratta
T +54 9 11 3182 2121
E miguelbaratta@gmail.com
elencantoproducciones@gmail.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
The day begins and the light shakes the shadows hanging from
Eduardo Stupía’s studio. Miguel Baratta’s camera doesn’t show a
creative genius, but a craftsman who patiently models his mate-
rial. When observing the layout of a collage, Intemperie seems to
adhere to the thesis that there is no such thing as inspiration or
aesthetic purity –just the reformulation and assembly of preexist-
ing things. The shots linger and follow the winding graphite traces
–there are no recognizable figures on the paper, but Stupía’s hand
attacks steadily and with no doubt, it draws and shades as if it
were following some secret action plan, inaccessible to others.
When interviewed, Stupía speaks clearly and doesn’t mangle his
words, with the serenity of the artist who is sure of their place and
search. Meanwhile, the camera travels around the studio, which is
crammed with objects and tools –that workspace, almost a silent,
omnipresent character, seems to talk about the artist as much as
his own testimony does. DM
Miguel Baratta
Director argentino graduado en la carrera de diseño de imagen y sonido
de la UBA. Realizó cortos y escribió y dirigió El fruto, su primer largome-
traje, estrenado en la Competencia Oficial del Festival de Valencia 2010.
Su cortometraje La pesca del cangrejo fue exhibido en el Bafici ‘11. | An
Argentine director who graduated from the UBA’s Image and Sound Design
major. He made short films and wrote and directed El fruto, his first feature,
which premiered in the Official Competition at 2010’s Valencia Film Festi-
val. His short La pesca del cangrejo was screened at Bafici ‘11.
177
 panorama | competencia DDHH
Jade Miners
Wa yu shi de ren
Mineros del jade
Pese a que en algún momento las industrias extractivas fueron
una parte importante de la economía de Birmania, en la actuali-
dad esa actividad se ve relegada por otras, principalmente por la
agricultura. Más allá de eso, en la zona más septentrional del país,
en el estado de Kachin, un grupo de hombres enfrenta condicio-
nes de vida y de trabajo miserables, con la esperanza de encon-
trar entre el barro un pequeño trozo de mineral que les cambie
la vida por completo. En el inestable contexto social y económico
del que no puede deshacerse este país (con guerras civiles y dic-
taduras), y especialmente en esas zonas montañosas del norte
de Burma, estos hombres, al igual que aquellos que iban tras el
oro en el siglo XIX, enfrentan la dura realidad de todos los días
mientras ofrecen el fascinante espectáculo del trabajo manual.
Sin mayores explicaciones que voces en off o textos en pantalla y
con solo un par de planos que contribuyen a representar lo íntimo
e hipnótico de esta tarea, Midi Z construye una obra que es a la
vez un registro cotidiano de una realidad y un futuro recuerdo de
una actividad en vías de extinción. Leandro Listorti
Taiwán / Birmania - Taiwan / Myanmar, 2015
104’ / DCP / Color
Birmano - Burmese
D: Midi Z G: Midi Z, Wu Pei-Chi F: Midi Z, Wang Shing-Hong, Zaw Moe
E: Midi Z, Lin Sheng-Wen S: Chou Chen P: Wang Shin-Hong, Isabella Ho
PE: Lin Leh-Chyun CP: Seashore Image Productions,
Myanmar Montage Films
Contacto / Contact
Seashore Image Productions. Isabella Ho
T +886 963 094 221 E isabellaho@seashore-image.com
178 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
While extraction industries were once an important part of Bur-
ma’s economy, today others, mainly agriculture, have relegated
the activity. Despite that, in the northern part of the country, in
the state of Kachin, a group of men endures miserable living and
working conditions in the hopes of finding in the mud a small
piece of mineral that could change their lives completely. In the
unstable social and economic context the country can’t get rid
off (including civil wars and dictatorships,) and especially in those
mountain areas in northern Burma, those men equal the ones
searching for gold in the 19 th century, as they face the harsh real-
ity of everyday life while offering the fascinating spectacle of their
manual labor. Without much explanation other than voice overs or
texts on screen, and using just a couple of shots that help rep-
resenting the intimate, hypnotic nature of this task, Midi Z builds
a work that is both an everyday record of reality and the future
memory of an activity that’s on its way to extinction. LL
Midi Z
Nacido en Birmania en 1982, estudió realización cinematográfica en
Taiwán. Dirigió los largometrajes Return to Burma (2011), Poor Folk (2012)
y Ice Poison (Bafici ‘14), además de cortometrajes como Paloma blanca
(2006), Motorcycle Driver (2008) y The Palace on the Sea (2013). | Born in
Burma in 1982, he studied filmmaking in Taiwan. He directed the features
Return to Burma (2011), Poor Folk (2012) and Ice Poison (Bafici ‘14), as
well as such short films as Paloma blanca (2006), Motorcycle Driver (2008)
and The Palace on the Sea (2013).

Jerez & el misterio del
Palo Cortado
Sherry & the Mystery of Palo Cortado
En los alrededores de Jerez de la Frontera se dan las condicio-
nes climáticas ideales para que una uva (la palomino) madure
espléndidamente, aun si crece prácticamente en la roca. De ella
se obtiene el vino más distintivo de España y uno de los de mayor
presencia en la cultura popular mundial: el jerez. Pero claro que
esa fama no podría haberse logrado solo con la geografía y la
biología: también fue necesaria una gran dedicación por parte de
gente consagrada a la vinicultura durante siglos y toda una cul-
tura asociada a la vendimia que incluye, entre otros aspectos, su
histórica y fluctuante relación con Inglaterra, la fascinante arqui-
tectura de las bodegas, y su histórico maridaje con el flamenco.
Una herencia tan rica como pesada, que parece entrar en un con-
flicto irresoluble en su búsqueda de un nuevo camino dentro de
las tendencias de consumo y marketing del mundo actual. Como
ejemplo basta la inefable mística de la variedad “palo cortado”, un
vino del cual la leyenda dice que no se lo puede buscar: tan solo
sucede. Rodrigo Aráoz
España - Spain, 2015 / 87’ / DM / Color
Español - Spanish
D: José Luis López Linares G: José Luis López Linares, Antonio Saura,
Juan Fernández Castaldi F: Rafael Reparaz, David Escobar, Daniel Mauri
E: Pablo Blanco, Cristina Otero S: Juan Carlos Cid Torrejón
M: Jorge Magaz P: Antonio Saura, José Luis López Linares
PE: Antonio Saura Medrano CP: Zampa Audiovisual, López-Li Films
Contacto / Contact
Latido Films. Oscar Alonso
T +34 91 548 8877
E oalonso@latidofilms.com - latido@latidofilms.com W latidofilms.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
In the nearby areas of Jerez de la Frontera there are ideal climate
conditions for grapes (the palomino kind) grows splendidly, even
if they basically grow on rocks. From that you get Spain’s most
distinctive wine, and the one with a larger presence in the world’s
popular culture: sherry. Yet, obviously, this fame could not have
been achieved merely because of geography and biology: it was
also necessary a huge dedication by people who worked on wine
production for centuries, as well as a whole culture associated to
the grape harvest that includes its historic and fluctuating connec-
tion with England, the fascinating architecture of its cellars, and
its long time partnering with flamenco music. It’s a both rich and
heavy inheritance that seems to come into an unsalvageable con-
flict when searching for a new path within today’s consumption
and marketing trends. A simple example is the ineffable mystique
of the “palo cortado” variety, a wine that, according to the legend,
cannot be tried for: it just happens. RA
José Luis López Linares
Director de fotografía en películas de C. Saura, F. Trueba, J. Chávarri, A.
Tanner y V. Erice. Desde 1994, produjo y dirigió más de 40 documenta-
les, entre los que se destacan Asaltar los cielos (Premio Ondas 1997),
Un instante en la vida ajena (Goya al Mejor Documental en 2004) y Extras
(Goya al Mejor Cortometraje Documental en 2005). | The director of
photography in films by C. Saura, F. Trueba, J. Chávarri, A. Tanner, and V.
Erice. Since 1994, he has produced and directed more than 40 documen-
taries including Asaltar los cielos (Ondas Award 1997), Un instante en la
vida ajena (Goya Award for Best Documentary in 2004), and Extras (Goya
for Best Short Film in 2005).
179
 panorama
Jia Zhang-ke, um homem
de Fenyang
Jia Zhang-ke, a Guy from Fenyang
Jia Zhang-ke, un hombre de Fenyang
Un retrato: Jia Zhang-ke por Walter Salles, que lo admira genui-
namente. Esa admiración no origina un documental “de fan”, sino
uno con la sabiduría de quien conoce la obra y la vida del retratado.
Y que quiere saber más: ese deseo de saber, o la puesta en escena
de ese deseo de saber, es clave. Salles plantea un recorrido ma-
yormente cronológico para repasar la filmografía de Jia e ilumina
su biografía también en aspectos no estrictamente cinematográfi-
cos: una infancia en la que no era fácil conseguir comida, las difi-
cultades, las represiones comunistas y la relación con su familia,
principalmente con el padre. Empezamos en las calles de Fenyang,
las de Xiao Wu. Salles filma a Jia y a su actor Wang Hongwei, el
inolvidable protagonista de Xiao Wu (y de otras de Jia); recorren las
calles del film y relatan con la precisión y la tranquilidad de quienes
perseveraron en el trabajo en el que creían. Ese recorrido por las
calles de la infancia, la adolescencia y la juventud de Jia no puede
evitar describir y narrar –por comparación– los cambios ocurridos
en China en general y en ese lugar en particular en las últimas
décadas. Jia, cronista de tantos cambios, ha puesto al servicio de
su cine su propio asombro crítico ante ellos. Javier Porta Fouz
Brasil - Brazil, 2015 / 100’ / DCP / Color
Mandarín - Mandarin
D: Walter Salles F: Inti Briones E: Joana Collier S: Dan-Feng Li
P: Zhang Dong PE: Maria Carlota Bruno CP: Videofilmes
I: Jia Zhang-ke, Zhao Tao, Wang Hongwei, Sanming
Contacto / Contact
MK2. Anne-Laure Barbarit
T +33 1 4467 3111
E anne-laure.barbarit@mk2.com
W mk2pro.com
180 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A portrait: Jia Zhang-ke by Walter Salles, who genuinely admires
him. That admiration doesn’t create a “fan” documentary, but one
that carries the wisdom of someone who knows the work and life
of the person he portrays –and wants to know more: that will to
learn, or the film version of that will to learn, is crucial. Salles builds
a mostly chronological path in order to go through Jia’s filmography,
and sheds light on his biography also in aspects that aren’t strictly
film-related –the way food was hard to come by in his childhood,
the hardships, the communist repressions, and his relationship with
his family, particularly his father. We start in streets of Fenyand, from
Xiao Wu. Salles films Jia and his actor Wang Hongwei, the unforget-
table lead in Xiao Wu (and other films by Jia.) They go through the
streets featured in the film and talk with the precision and calm of
those who have persevered in the work they believed in. That walk
through the streets of Jia’s childhood, adolescence, and youth can’t
help but describe and narrate –by comparison– the changes that
took place in the last decades in China in general and that place in
particular. Jia, a chronicler of so many changes, has placed his cine-
ma at the service of his own critical astonishment before them. JPF
Walter Salles
Nació en Rio de Janeiro, Brasil, en 1956. Entre sus trabajos como director
se encuentran Tierra extranjera (premiado como Mejor Film Brasilero de
1995), Estación central (ganador del Oso de Oro en Berlín en 1998, del
Bafta y del Golden Globe) y Diarios de motocicleta (2004; premiado en
los Bafta y por el Círculo de Críticos de Londres). | He was born in Rio de
Janeiro, Brazil, in 1956. His works as a director include Foreign Land (which
won an award as the best Brazilian film of 1995), Central Station (winner
of the Golden Bear at Berlin in 1998 as well as the Bafta and Golden Globe
awards), and The Motorcycle Diaries (2004; awarded at the Baftas and by
the London Critics’ Circle).

João Bénard da Costa - Outros
amarão as coisas que eu amei
Others Will Love the Things I Have Loved
Otros amarán las cosas que yo amé
No hay mayor tributo para un amante de los espectros que ser
convertido en un venerable fantasma. Pero este espectral recuen-
to de la vida del Henri Langlois portugués –que fue además un
hombre del Renacimiento, a la vez poeta, profesor, teórico, direc-
tor de la Cinemateca Portuguesa y actor de películas de Manoel
de Oliveira y João César Monteiro– no se pierde en la melancolía,
sino que flota constantemente en un estado de gracia y destila
una calidez que nos devuelve a este hombre extraordinario en
toda su dimensión. Manuel Mozos trae a la vida a Da Costa como
Dreyer lo hacía con Inga en el final de Ordet, obra de cabecera
de este gran cinéfilo lusitano. Apelando a los espacios centra-
les de su vida, como la extraordinaria Sintra, cuna de pasados
principescos; a montajes fotográficos y memorabilia en prístina
conservación; a fragmentos de películas que el hombre adoraba,
como Johnny Guitar; y a la voz narradora de su hijo, de timbre y
textura tan similares a los de su padre, el pasado vuelve, se ilumi-
na. Hablar de la muerte es hablar de la vida, nos repite el film sin
cesar, y logra en el proceso que la ausencia se vuelva presencia,
como ocurre en una sala de cine. Guido Segal
Portugal, 2014 / 76’ / DCP / Color - B&N
Portugués - Portuguese, Inglés - English
D: Manuel Mozos F: Inês Duarte E: Luís Nunes
S, M: Nuno Henrique
P: Rui Alexandre Santos CP: Rosa Filmes
Contacto / Contact
Rosa Filmes. Rui Alexandre Santos
T +351 213 031 810 +351 910 013 420
E rui@rosafilmes.pt W rosafilmes.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
There’s no greater tribute to a specter lover than to be converted
into a venerable ghost. But this spectral account of the life of a
man who was a Portuguese version of Henri Langlois –also a
Renaissance man: poet, professor, theorist, director of the Portu-
guese Cinematheque, and actor in films by Manoel de Oliveira and
João César Monteiro– doesn’t get lost in melancholy, but rather
floats constantly in a state of grace, distilling warmth as it pres-
ents to us this extraordinary man in all of his dimensions. Manuel
Mozos brings Da Costa back like Dreyer did with Inga in the end-
ing of Ordet, the greatest masterpiece according to this great
Lusitanian cinephile. The past returns and illuminates as the film
draws from key areas of his life –the wonderful Sintra, cradle of
princely pasts–, photo montages, pristine condition memorabilia,
film fragments he loved –like Johnny Guitar–, and the narration
of his son, whose tone and texture are so similar to his father’s.
Speaking of death becomes speaking of life, and in the process,
manages to turn absence into presence, just as it happens in a
film theater. GS
Manuel Mozos
Nació en Lisboa, Portugal, en 1959. Antes de ingresar en la Escuela Superior
de Teatro y Cine, donde se especializó en montaje, estudió historia y filoso-
fía. Ha dirigido ficciones como ...Quando troveja (1998) y 4 copas (2008), y
documentales como Lisboa no cinema - Um ponto de vista (1994), Aldina
Duarte: Princesa prometida (2008) y Ruinas (2009; Bafici ‘10). | He was born
in Lisbon, Portugal, in 1959. He studied Philosophy and History before enter-
ing the Theater and Film School, where he specialized in editing. He directed
fiction films like ...When It Thunders (1998) and 4 copas (2008) as well as
documentaries, including Lisboa no cinema - Um ponto de vista (1994) and
Aldina Duarte: Princesa prometida (2008), and Tuinas (2009; Bafici ‘10).
181
 panorama
Las Vegas Meditation
Meditación sobre Las Vegas
Puede que Leonard Cohen no tuviera a Las Vegas en mente
cuando escribió su himno apocalíptico “The Future”, pero encaja
perfectamente con este film. Florent Tillon pone una lupa antro-
pológica sobre Las Vegas, Nevada, y lo que encuentra es una
suerte de curiosa nueva especie de americana. La onda Mad Max
arranca con el rugido de una pandilla motoquera que surca las
autopistas, haciendo willy frente a enormes edificios en ruinas.
A la vista de esas imágenes tan fin-del-imperio, resultaría fácil
deprimirse un poco, pero una festiva corriente de fatalismo punk
ha disparado la escena literaria y musical under. “Las personas no
pertenecen aquí, la tierra quiere echarlas”, opina un filósofo ur-
bano. Quizás esté en lo cierto. Las tasas de suicidio de Las Vegas
están entre las mayores de EE. UU.). Con la sequía californiana
llegando a niveles catastróficos, la cuestión del agua puede ser la
que incline la balanza. El plan de construir una tubería gigante es
“la peor idea de la historia de la humanidad”, según el historiador
Michael Green. Pero eso no significa que no vaya a suceder. Esto
es Las Vegas, después de todo: la meca de las ideas espantosas.
Dorothy Woodend
Francia - France, 2014 / 91’ / DCP / Color Francés - French
D, G: Florent Tillon E: Florent Tillon, François Jacob,
Enrica Ordonneau Gattolini S: Hélène Magne M: Hélène Magne,
Sylvaine Arnaud P: Thomas Ordonneau CP: Shellac Sud
I: Jarret Keene, David Parker, Jennifer Keene, Matthiew O’Brien,
Dead Neon
Contacto / Contact
The Festival Agency. Alexandre Cheung
T +33 9 5490 4863 E info@thefestivalagency.com
W thefestivalagency.com
182 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Leonard Cohen may not have had Las Vegas in mind when he
wrote his apocalyptic anthem, “The Future,” but it fits nicely with
this film. Florent Tillon takes an anthropological lens to Las Vegas,
Nevada, and what he finds is some curious new species of Ameri-
cana. The Road Warrior vibe gets off to a roaring start as a gang
of motorcyclists buzz through the freeways, popping wheelies past
huge derelict developments. In the face of such end-of-empire
imagery, it might be easy to get a little depressed, but a cheerful
brand of punk fatalism has sparked an underground literary and
music scene. “People don’t belong, the land wants them gone,”
opines one urban philosopher. He may not be wrong. (Suicide
rates in Las Vegas are amongst the highest in the US.) With the
California drought reaching catastrophic levels, the question of
water may be the thing that tips the scales. The idea to build
a pipeline to bring in water is ‘the worst idea in the history of
humanity,’ according to historian Michael Green. But that doesn’t
mean it won’t happen. This is Las Vegas, after all, the Mecca of
truly terrible ideas. DW
Florent Tillon
Nació en Nueva Caledonia, en el Pacífico Sur, y se formó como cineas-
ta de manera autodidacta. Debutó como director con el corto documental
L’Observatoire (2007), al cual siguieron los mediometrajes Rond-point de la
Porte Maillot (2007) y Gran Scala (2009). Su primer largometraje Détroit:
Ville sauvage fue exhibido en Bafici ‘11. | He was born in New Caledonia,
in the South Pacific, and is a self-taught filmmaker. He made his directorial
debut with the documentary short L’Observatoire (2007), followed by the mid-
length Rond-point de la Porte Maillot (2007) and Grand Scala (2009). His first
feature, Détroit: Ville sauvage was shown at Bafici ‘11.

León, reflejos de una pasión
León, Reflections of a Passion
Hubo un tiempo en que el básquet argentino era semiprofesional,
desorganizado y no muy competitivo. Aquel tiempo parece muy le-
jano, pero estamos hablando de solo 20 años antes de la explosiva
aparición de la Generación Dorada y su subcampeonato mundial
en Indianápolis 2002. León Najnudel fue quien comprendió, an-
tes que nadie, que la organización de un torneo nacional regular
era la única manera de desarrollar un deporte que siempre había
sido una pasión en estas tierras, pero cuya evolución se había
atascado. Se propuso dejar a un lado, entonces, su tarea como
entrenador para dedicarse intensivamente a impulsar lo que hoy
conocemos como la Liga Nacional de Básquet, piedra fundamental
de todo lo bueno que llegó después. León habla sobre León no
solo a través de su propio discurso y de imágenes de archivo, sino
mediante la palabra de jugadores, entrenadores y todos los que
se acercaron a su figura, atraídos por su bohemia y su inagotable
generosidad. León es el retrato de una leyenda del deporte argen-
tino, pero, especialmente, de alguien que entendió que la única
vía hacia el desarrollo es el trabajo colectivo. Juan Pablo Álvarez
Argentina, 2015 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: José Glusman F: Osvaldo Ponce E: Emiliano Serra
S: Control Z M: Cristiano Martino, Fernando Iguacel
P: José Glusman PE: Alberto Masliah, José Glusman
CP: Grupo S.U.AR. Emprendimientos I: Luis Scola, Andrés Nocioni,
Emmanuel Ginóbili, Adrián Paenza, Julio Lamas
Contacto / Contact
Grupo S.U.AR. José Glusman
T +54 11 4866 3543 +54 9 11 5759 2234
E glusman@cienaniosdeperdon.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
There was a time when Argentine basketball was semi-profes-
sional, disorganized, and not really competitive. That time now
seems long gone, but we’re talking about only 20 years before
the explosive emergence of the Golden Generation and the sub-
champion title they won in Indianapolis 2002. León Najnudel
understood before anyone else did that organizing a regular, na-
tionwide tournament was the only way to develop a sport that
had always been a passion for people in these parts of the world,
but whose evolution had been stuck. He decided then to leave
aside his job as a coach and dedicate intensely to promote what
today we know to be the National Basketball League, a corner-
stone for all the good things that came along afterwards. León
speaks about León no only through his own testimony and archive
footage, but through the words of players, coaches, and everyone
who came close to him attracted by his bohemian style and end-
less generosity. León is the portrait of an Argentine sport legend,
but mostly of someone who understood the only way to grow is
through collective work. JPA
José Glusman
Nació en la Ciudad de Buenos Aires en el siglo pasado. Cursó estudios
de actuación y dirección de teatro, y se formó como director de cine con
Werner Schroeter. Dentro de su filmografía se encuentran Cien años de
perdón (2000), Solos (2006), Final de obra (2006) y Domingo de ramos
(2010). | He was born in the City of Buenos Aires in the last century. He
studied theater acting and directing, and also trained as a film director with
Wener Schroeter. Hi s filmography includes Cien años de perdón (2000),
Solos (2006), Final de obra (2006) and Domingo de ramos (2010).
183
 panorama
The Lies of the Victors
Die Lügen der Sieger
Las mentiras de los vencedores
Complejo militar-industrial, muertes dudosas, enfermedades, se-
cretos, conspiraciones, y una investigación que recuerda a la de
Los secretos del poder. The Lies of the Victors es un thriller políti-
co-periodístico alemán sobre el engaño, los poderes y el fracaso
que funciona –en términos rítmicos– como una buena película de
Hollywood. Hochhäusler demuestra que, mediante una narrativa
segura, puede sustentar ese ritmo y sumarle un despliegue de
notable personalidad, con mucha decisión para seducir con an-
gulares, con un montaje especialmente elaborado, con lens flares
y otros recursos que nunca se convierten en meros adornos, sino
en atractivos genuinos. De esta manera, la película logra alejarse
de las imitaciones europeas a la industria estadounidense y tam-
bién logra separarse de los rigores de la denominada Escuela de
Berlín. Y Hochhäusler prueba que es un director con el coraje esti-
lístico necesario para diferenciarse de las fórmulas más probadas
del circuito de festivales. Javier Porta Fouz
Alemania / Francia - Germany / France, 2014
112’ / DCP / Color / Alemán - German
D: Christoph Hochhäusler G: Ulrich Peltzer, Christoph Hochhäusler
F: Reinhold Vorschneider E: Stefan Stabenow DA: Renate Schmaderer
S: Jörg Kidrowski M: Benedikt Schiefer P: Bettina Brokemper
CP: Heimatfilm, CO KG I: Florian David Fitz, Lilith Stangenberg,
Horst Kotterba, Ursina Lardi, Avred Birnbaum
Contacto / Contact
The Match Factory. Sergi Steegmann
T +49 30 4431 9050 E sergi.steegmann@matchfactory.de
W the-match-factory.com TW @thematchfactory
184 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A military-industrial complex, dubious deaths, sickness, secrets,
conspiracies, and an investigation that reminds us of State of Play.
The Lies of Victors is a German political-journalist thriller about
deception, power, and failure, which works, in rhythmic terms, just
like a good Hollywood movie. Hochhäusler proves that through a
solid storytelling, he can sustain that rhythm and unfold it with
a remarkable personality, showing great resolve in seducing us
with angular shots, a highly elaborated editing, lens flares, and
other resources that stand as genuine attractions instead of mere
ornaments. This way, the film manages to stay away from both
European imitations of the American mainstream and the rigors
of the so-called School of Berlin. Hochhäusler also proves he’s
a filmmaker with the necessary stylistic courage to differentiate
himself from the tested formulas of the festival circuit. JPF
Christoph Hochhäusler
Nació en 1972 en Munich, Alemania. Estudió arquitectura en Berlín y direc-
ción cinematográfica en la Universidad de Televisión y Cine de Munich. Es
fundador y coeditor de la revista de cine Revolver. Sus largos The City Below
(2010) y Dreileben: One Minute of Darkness (2011) fueron exhibidos en el
Bafici ‘13, donde se desempeñó además como jurado de la Competencia
Argentina. | He was born in 1972 in Munich, Germany. He studied Archi-
tecture in Berlin and Filmmaking in Film and TV University of Munich. He’s
the founder and co-editor of the film magazine Revolver. His films The City
Below (2010) and Dreileben: One Minute of Darkness (2011) were screened
in Bafici ‘13, where he also sat in the jury of the Argentine Competition.

Life May Be
La vida podría ser
Con Life May Be, Cousins y Akbari reviven un medio reformula-
do sumando poesía, con una combinación de lenguaje y oratoria
visual que persuade con sus cadencias en loop y elementales
afirmaciones sobre el exilio, desnudez, Irán, la existencia, y pre-
guntas afirmativas. La película llegó a buen puerto luego de que
Cousins le escribiera una carta a Akbari; para su sorpresa, ella le
respondió. Luego, un crítico iraní sugirió que se mandaran cartas
visuales. Dos cineastas diferentes. Dos humanos. Dos culturas.
Dos lenguajes distintos, pero sin ningún límite, que muestran que
el cine y la imagen pueden ser usados para comunicar emocio-
nes además de acciones. Esta es una película que supera los
problemas babelescos; escucha, observa, y existe en una quietud
que es encapsulada en el primer plano de Cousins, que mira la
niebla que asciende por las montañas en las alturas de Escocia.
Una película que se deleita en su sutileza: en una era de anti-
intelectualismo, repite la proclama de Walt Whitman del arte por
el arte mismo, por la gloria y la luz de las cartas, que en definitiva
es la simplicidad en sí misma. D. W. Mault
Reino Unido / Irán / Reino Unido - Iran / UK, 2014
80’ / DM / Color
Inglés - English, Persa - Persian
D: Mark Cousins, Mania Akbari G, F: Mania Akbari, Mark Cousins
E: Paria Kamyab, Timo Langer P: Don Boyd PE: Dominic Dowbekin
CP: Hibrow Productions I: Mania Akbari, Mark Cousins
Contacto / Contact
The Festival Agency. Alexandre Cheung
T +33 9 5490 4863 E info@thefestivalagency.com
W thefestivalagency.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
With Life May Be, Cousins and Akbari revive a reformulated me-
dium with added poetry, with the combination of language and
visual oratory that persuades with its looping cadences and ele-
mentary statements of exile, nudity, Iran, existence and affirmative
questioning. The film came to fruition after Cousins wrote a letter
to Akbari and to his surprise she replied to him. After that an Ira-
nian critic suggested they exchange visual letters with each other.
So two different cineastes. Two humans. Two cultures. Two differ-
ent languages; but with a lack of boundaries and showing that
we can use cinema and image to communicate feeling as well as
doings. This is a film that surpasses Babelesque conundrums; it
listens, watches and exists in stillness, which is encapsulated in
Cousins’ first shot that stops and watches the mist rise against the
hills of the highlands of Scotland. A film that revels in its subtlety:
in a time of anti-intellectualism, it repeats Walt Whitman’s proc-
lamation of arts for art sake, for the glory and the sunshine of
letters, which ultimately is simplicity in itself. DWM
Mark Cousins
Cineasta, escritor y curador británico. Entre sus films se encuentra 6 Desires:
D. H. Lawrence and Sardinia, programado en esta sección del Festival. | Brit-
ish filmmaker, writer and curator. His films include 6 Desires: D.H. Lawrence
and Sardinia, programmed in this section of the festival.
Mania Akbari
Nació en Teherán, Irán, en 1974. Comenzó su carrera artística como pinto-
ra, antes de desempeñarse como directora de fotografía y asistente de
dirección en diversos films. | She was born in Tehran, Iran, in 1974. He
started his artistic career as a painter, and then worked as director photog-
raphy and assistant director in various films.
185
 panorama
Llamas de nitrato
Nitrate Flames
Cuando Anna Karina rompía en lágrimas viendo La pasión de
Juana de Arco (en Vivir su vida en 1962), dieciséis años habían
pasado de la muerte de Maria Falconetti. Los paralelismos que se
pueden trazar a partir de aquella escena apenas nos dan una idea
de las consecuencias que tuvo el clásico de 1928 sobre las vidas
del director Carl Theodor Dreyer y de la misma Falconetti: fue
una obra que representó de tal manera los fantasmas del pasado
de ambos que terminó marcando irremediablemente todo lo que
vivirían después. Llamas de nitrato examina, con lujo de detalles
y fieles recreaciones, la intimidad de la filmación de la película
más famosa (y marcada por los infortunios) de Dreyer y las tor-
mentosas jornadas de filmación que provocaron la performance
desgarradora de Falconetti y el derrotero posterior de la actriz,
que pasó sus últimos años en Buenos Aires escapando de deudas
y penurias, mientras el director danés sobrevivía realizando traba-
jos por encargo y las versiones originales de la película se perdían
en incendios. Juan Francisco Gacitúa
Argentina / Noruega - Argentina / Norway, 2015
65’ / DM / Color - B&N
Español - Spanish, Inglés - English, Francés - French
D, G: M. Stopar F: D. Poleri E: T. Gjørv DA: Y. Fontán S: H. Lammetun
M: S. Pedroncini P: T. Buvarp, P. Bøe, M. Dubois, B. Avila, L. Muñoz,
M. Stopar PE: M. Dubois CP: Habitación 1520 Producciones, Fenris Film,
Ferryman Film I: I. Molnar, G. Baudino, L. Marangón, C. A. Bozzo
Contacto / Contact
Habitación 1520 Producciones. Maxi Dubois
T +54 11 4878 0345 +54 11 4878 0346
E info@habitacion1520.com - maxi@habitacion1520.com
W habitación 1520.com
186 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
When Anna Karina broke in tears watching The Passion of Joan
of Arc (in 1962’s My Life to Live), sixteen years had passed af-
ter Maria Falconetti’s death. The parallelisms that can be traced
from that scene give us a small hint of the consequences the
1928 classic had on the lives of director Carl Theodor Dreyer and
Falconetti herself: it stood as a ghost from the past to the point
that it ended up affecting everything they experienced afterwards.
Nitrate Flames examines in full detail and with faithful reenact-
ments the shooting of Dreyer’s most famous (and unfortunate)
film and the tormented shooting sessions that caused Falconetti’s
heartbreaking performance. Also, the path she took later, in which
she spent her last days in Buenos Aires escaping debts and hard-
ships, while the Danish filmmaker survived doing films for hire and
the original prints of his film were lost in fires. JFG
Mirko Stopar
Nació en Buenos Aires en 1974, donde estudió cine y realizó algunos corto-
metrajes, videos musicales, trabajos en TV y publicidad. Desde 2001 reside
parte de su tiempo en Noruega, donde trabajó como director y guionista
para cine y TV con su productora Ferryman Film. Actualmente prepara los
guiones de dos proyectos de largometraje. | He was born in Buenos Aires in
1974, where he studied film and made some shorts, music videos, TV work
and advertisements. Since 2001, he is partially based in Norway, where he
has worked as director and screenwriter for film and TV with his produc-
tion company: Ferryman Film. He is currently preparing the scripts for two
feature-film projects.
 panorama | competencia DDHH
The Look of Silence
La mirada del silencio
Hacen falta sabiduría y templanza para poder retratar la huma-
nidad de un genocida, para poder encontrar belleza en lo más
horrible, para perdonar y abrazar contradicciones tan profundas.
Oppenheimer no hace una secuela de su extraordinaria The Act of
Killing, sino una “intra-cuela”: se mete dentro de su película ante-
rior y va aún más profundo, hurgando valientemente en el asesi-
nato masivo de comunistas en la Indonesia de los sesenta. Y ya no
solo observando: aquí opina y toma partido, porque su búsqueda
es transformar el mismísimo presente. La sutil subversión del film
anterior da paso a la desgarrada denuncia; Adi, el oftalmólogo que
conduce el relato, enfrenta a los asesinos y les revela su propia
monstruosidad. En este enfrentamiento no hay ni justicia ni duelo
para los involucrados: solo un inmenso patetismo, una sociedad
partida al medio por sangre. Apadrinado por Werner Herzog y Errol
Morris, Oppenheimer conjuga nuevamente inteligencia, belleza y
una empatía inmensa por sus retratados, que beben la sangre
de sus víctimas como conjuro mágico para poder mirarse en el
espejo. Guido Segal
Dinamarca / Indonesia / Noruega / Finlandia / Reino Unido -
Denmark / Indonesia / Norway / Finland / UK, 2014
99’ / DCP / Color
Indonesio - Indonesian
D: Joshua Oppenheimer F: Lars Skree E: Niels Pagh Andersen
S: Henrik Gamov P: Signe Byrge Sørensen
PE: Werner Herzog, Errol Morris, André Singer CP: Final Cut for Real
Contacto / Contact
The Danish Film Institute. Anne Marie Kurstein
T +45 3374 3573 E festivalkd@dfi.dk
W dfi.dk - thelookofsilence.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
It takes wisdom and character to be able to portray the humanity
of a mass-murderer, to find beauty in absolute horror, and to for-
give and embrace such deep contradictions. Oppenheimer is not
making a sequel of his extraordinary The Act of Killing, but an “in-
quel”: he gets inside his previous film and goes deeper, digging
bravely in the mass murdering of communists in 1960s Indone-
sia. And he’s not just observing now: here, he states his opinions
and takes sides, because he aims to transform the very present.
The subtle subversion of his previous film now gives room to a
heartbreaking denunciation: Adi, the ophthalmologist who leads
the story, faces the murderers and reveals their own monstros-
ity to them. This confrontation features no justice or mourning,
only an immensely pathetic feeling, a society split in half through
bloodshed. Sponsored by Herzog and Errol Morris, Oppenheimer
again conjugates intelligence, beauty, and a huge empathy with
the people he portrays, who drink the blood of their victims as a
magic spell so they can look at themselves in the mirror. GS
Joshua Oppenheimer
Nació en Texas, EE. UU., en 1974, y estudió cine en Harvard y en Londres.
Trabajó como investigador para el proyecto Genocidio y Género del AHRC
británico, y dirigió los documentales The Entire History of the Louisiana
Purchase (1998), The Globalization Tapes (2003; con Christine Cynn) y The
Act of Killing (2012; Bafici ‘13). | Born in Texas, USA, in 1974, he studied
at Harvard and London. He works as a researcher for the project Genocide
and gender of the British AHRC, and directed the documentaries The Entire
History of the Louisiana Purchase (1998), The Globalization Tapes (2003;
with Christine Cynn) and The Act of Killing (2012; Bafici ‘13).
187
 panorama
Maidan
Los 130 minutos que consigue Loznitsa con los tres meses de re-
sistencia y combate con que la población de Kiev sostuvo la toma de
la plaza de Maidan son fascinantes, porque, contra lo que hubiera
hecho cualquier otro documentalista, el director ucraniano no rea-
lizó el habitual, chapucero reportaje de urgencia con que se suele
dar cuenta de estos acontecimientos, sino que empleó un rigurosí-
simo dispositivo de puesta en escena. A pesar de que –por primera
vez en su obra– tuvo que trabajar con la realidad inmediata, sin una
minuciosa planificación previa, como es su costumbre, Loznitsa
aplicó su genio de cineasta al problema. Descartó cualquier tipo de
entrevistas, narradores o cabezas parlantes, utilizó grandes planos
generales fijos y largas tomas sin cortes. Pero, por sobre todas las
cosas, evitó sistemáticamente el gran angular y la cámara en mano,
tan televisiva y trillada en estos casos. El resultado es simplemente
asombroso, una rara obra de arte que da cuenta cabal de esos
acontecimientos pero, al mismo tiempo, los trasciende, como si con
una revolución pudiera contarlos todos, de la mejor manera posible.
Luciano Monteagudo (Catálogo DocBuenosAires)
Holanda / Ucrania - Netherlands / Ukraine, 2014
130’ / DCP / Color
Ucraniano - Ukrainian
D: Sergei Loznitsa F: Sergei Loznitsa, Serhiy Stetsenko, Mykhailo Yelchev
E: Sergei Loznitsa, Danielius Kokanauskis S: Vladimir Golovnitski
P: Sergei Loznitsa, Maria Choustova-Baker CP: Atoms & Void
Contacto / Contact
Atoms & Void. Maria Choustova-Baker
T +31 6 1100 6099 E atomypustota.info@gmail.com
W maidanfilm.co.uk
188 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The 130 minutes that Loznitsa gets from three months of resis-
tance and combat as the population of Kiev take Maidan Square
are fascinating. Unlike what any other documentary maker might
have done, Loznitsa did not pull off the usual slapdash, urgent
report as these events are so often treated, but rather put into
practice a highly rigorous mise en scene device. Despite the fact
that, for the first time in his career, he had to work with immediate
reality, without his customary meticulous prior planning, Loznitsa
applied his genius as a filmmaker to the problem. He ruled out
any kind of interview, narrators or talking heads, used large gen-
eral fixed shots and long takes without cuts. But, above all, he
systematically avoided the wide angle and handheld camera, so
televisual and trite in these cases. The result is simply breathtak-
ing, a rare work of art that depicts these events clearly but at the
same time transcends them, as if a revolution could tell it all, in
the best possible way. LM (DBA’s catalogue)
Sergei Loznitsa
Nacido en Bielorrusia en 1964, creció en Kiev, Ucrania, donde se graduó
como matemático, y donde trabajó como científico especializado en inte-
ligencia artificial. Luego estudió cine en el VGIK de Rusia y dirigió, entre
otros, los largometrajes Life, Autumn (1999), Blockade (2006), The Revue
(2008), My Joy (2010) e In the Fog (2012). | Born in Belarus in 1964, he
grew up in Kiev, Ukraine, where he graduated as a mathematician and
worked as a scientist specializing in artificial intelligence. Later he studied
Filmmaking at the VGIK in Rusia and directed several films, including Life,
Autumn (1999), Blockade (2006), The Revue (2008), My Joy (2010) and
In the Fog (2012).

Le meraviglie
The Wonders
Las maravillas
El segundo largometraje de la joven cineasta italiana Alice
Rohrwacher, tras la apreciable Corpo celeste (2011), permi-
te constatar su meteórico crecimiento como cineasta. Creci-
miento que no implica en este caso la aparición de un estilo
visual constreñido por características férreas, sino que, por
el contrario, se cimenta en su capacidad para estar abierto
a que, como quería Jean Renoir, la vida pueda colarse en el
rodaje. En su cautivador retrato del verano de una niña de
doce años, Gelsomina, de sus hermanas y del resto de su
entorno, Rohrwacher consigue, por más que pueda sonar a
tópico, capturar instantes de pura vida que fluyen ante los ojos
del espectador con una naturalidad asombrosa, protagoniza-
dos por portentosos intérpretes que no lo parecen. Una oda a
la Italia rural y a sus tradiciones que, sin embargo, no cae en la
simplificación ni la idealización, sino que participa de elemen-
tos heterodoxos y oscuros, e incluso da pie a ensoñaciones de
raigambre felliniana. Alejandro Díaz Castaño
Italia / Suiza / Alemania - Italy / Switzerland / Germany, 2014 / 111’
DCP / Color / Italiano - Italian, Francés - French, Alemán - German
D, G: Alice Rohrwacher F: Hélène Louvart E: Marco Spoletini
DA: Emita Frigato S: Christophe Giovannoni M: Piero Crucitti
P: Carlo Cresto-Dina, Karl Baumgartner, Tiziana Soudani, Michael Weber
CP: Tempesta, Carlo Cresto-Dina Production I: Alexandra Lungu,
Sam Louwyck, Alba Rohrwacher, Sabine Timoteo, Monica Bellucci
Contacto / Contact
The Match Factory. Sergi Steegmann
T +49 30 4431 9050 E sergi.steegmann@matchfactory.de
W the-match-factory.com - lemeraviglie.mymovies.it
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Young Italian director Alice Rohrwacher’s second film after the ap-
preciable Corpo celeste (2011) confirms her meteoric growth as
a filmmaker. In this case, such growth doesn’t imply a visual style
constrained by rigid characteristics; on the contrary, it is based
on her ability to remain open to the possibility of life sneaking
into the shooting, just like Jean Renoir wanted. In her captivating
summer portrait of twelve year-old Gelsomina, her sisters, and
her entourage, Rohrwacher manages to capture –even if it may
sound like a topic– moments of pure life that flow before our eyes
with an amazingly natural feel, starred by portentous actors who
doesn’t seem to be so. It’s an ode to rural Italy and its traditions
that yet doesn’t fall into simplification or idealization, but rather
participates on heterodox and dark elements, and even gives way
to Fellini-like dreams. ADC
Alice Rohrwacher
Nacida en 1981 en Fiesole, Italia, estudió en Torino y en Lisboa, Portugal.
Ha trabajado principalmente como montajista de documentales y como
intérprete de música para obras teatrales. Dirigió el episodio “La fiumara”,
del documental colectivo Che cosa manca (2006), antes de Corpo celeste
(2011), su primer largometraje. | Born in 1981 in Fiesole, Italy, she studied
in Turin and Lisbon, Portugal. She worked mainly as a documentary editor
and music interpreter in theater plays. She directed the episode “La fiuma-
ra” of the collective documentary Checosamanca (2006) before making
Corpo celeste (2011), her first feature-length film.
189
 panorama
Merchants of Doubt
Mercaderes de la duda
En el documental Food Inc. (Bafici 2009), Robert Kenner había
logrado exponer de forma abrasiva, minuciosa, inteligente, ate-
rradora e informada la industria alimenticia en Estados Unidos y
sus pliegos. Ahora aplica la misma operación: toma como base un
libro de no ficción (Merchants of Doubt: How a Handful of Scien-
tists Obscured the Truth on Issues from Tobacco Smoke to Global
Warming ) y lo utiliza como el catalizador de un film incisivo, que
genera una historia ilustrada del lobbismo y sus grandes valores
(desde el tabaco hasta la actual negación del calentamiento glo-
bal, pasando por las petroleras y los materiales ignífugos). Kenner
insiste en buscar agujas en pajares, y lo logra sin dejar de oír
ambos lados: su sabiduría radica en que su denuncia no necesita
convencer a nadie, pero no por ello pierde potencia. O reflejos.
Kenner exhibe los juegos de humo y espejos no solo buscando
la superficie obvia de la mentira, sino también cuestionando, mi-
croscópicamente, por qué esta seduce tan fácilmente a billones
de consumidores. Juan Manuel Domínguez
Estados Unidos - US, 2014 / 96’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Robert Kenner G: Robert Kenner, Kim Roberts F: Barry Berona,
Don Lenzer, Jay Redmond E: Kim Roberts S: Jack Levy M: Mark Adler
P: Robert Kenner, Melissa Robledo PE: Jeff Skoll, Pierre Omidyar,
Diane Weyermann CP: Participant Media I: Naomi Oreskes,
Bob Inglis, James Hansen, Stan Glantz, Marc Morano
Contacto / Contact
Sony Pictures / UIP. Cecilia Chiappano
T +54 11 4373 0261 -253 E cecilia_chiappano@uip.com
W uip.com.ar
190 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
With his documentary Food Inc. (Bafici, 2009), Robert Kenner had
exposed the US food industry and its pleats in an abrasive, thor-
ough, intelligent, terrifying and informed manner. Now, he repeats
the operation: he takes a non-fiction book (Merchants of Doubt:
How a Handful of Scientists Obscured the Truth on Issues from
Tobacco Smoke to Global Warming) as a base and uses it as the
catalyzer for an incisive film that delivers an illustrated story of
lobbyism and its greatest hits –from tobacco to the current denial
of global warming, including oil companies and fireproof materi-
als. Kenner insists on looking for needles in haystacks, and man-
ages to do so without being indifferent to both sides: his wisdom
lies on the fact that his denunciation doesn’t need to convince
anyone, and yet that doesn’t diminish his power –or his reflexes.
Kenner exhibits the pretense and mirror games looking for the ob-
vious surface of the lie, but also questions –microscopically– why
it seduces billions of consumers so easily. JMD
Robert Kenner
Nació en Nueva York, EE. UU., y se ha desempeñado como guionista,
productor y realizador. Entre sus trabajos como director, se encuentran
Russia’s Last Tsar (1994), America’s Endangered Species: Don’t Say Good-
bye (1998), The American Experience (2005) y Food Inc (2008; Bafici ‘09
y nominada al Oscar como Mejor Documental). | He was born in New York,
USA, and worked as a scriptwriter, producer and filmmaker. Some of his
works as as director are Russia’s Last Tsar (1994), America’s Endangered
Species: Don’t Say Good-bye (1998), The American Experience (2005) and
Food Inc (2008; Bafici ‘09 and nominated for an Oscar in the Best Docu-
mentary Film category).

O mercado de notícias
The Staple of News
El mercado de noticias
En 1625, el dramaturgo inglés Ben Jonson estrenó una obra
teatral que satirizaba la novedad de su tiempo en Londres: el
periodismo. Suerte de Primera plana adelantada tres siglos no
solo a Ben Hecht y Charles MacArthur, sino a casi todo dilema
práctico, filosófico y moral del oficio –que, a pesar de su juventud,
Jonson ya entendía cabalmente como negocio y poder fáctico–,
The Staple of News no había sido traducida nunca al portugués
(ni, por lo que sabemos, al español) hasta que Jorge Furtado de-
cidió convertirla en la columna vertebral de este documental. Las
costillas, jugosísimas, son una breve historia de la prensa y trece
entrevistas con otros tantos grandes periodistas brasileños, en
las que se dedican a conjugar su profesión en pasado, presente
y futuro. Si les parece imposible que de esa mezcla rara Furtado
logre obtener uno de los aportes más lúcidos, esclarecedores y
necesarios a un debate de rabiosa actualidad –y sí–, es porque
nunca se cruzaron con su Ilha das Flores, donde solo necesitaba
trece minutos y un tomate para explicar la historia completa del
capitalismo. Agustín Masaedo
Brasil - Brazil, 2014
94’ / DM / Color
Portugués - Portuguese
D, G: Jorge Furtado F: Alex Sernambi, Jacob Solitrenick
E: Giba Assis Brasil DA: Fiapo Barth S: Kiko Ferraz M: Leo Henkin
P, PE: Nora Goulart CP: Casa de Cinema de Porto Alegre
Contacto / Contact
Casa de Cinema de Porto Alegre. Bibiana Osório
T +55 51 3316 9200 E distribuidora@casacinepoa.com.br
W casacinepoa.com.br - omercadodenoticias.com.br
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
In 1625, British playwright Ben Jonson premiered a stage play
that satirized the novelty of London at the time: journalism. Some
sort of The Front Page three centuries ahead not only of Ben
Hecht and Charles MacArthur, but also of almost every practi-
cal, philosophical and moral dilemma of the profession –which, in
spite of being still young, Jonson already saw as a business and
as factual power–, The Staple of News had never been translated
to Portuguese (nor to Spanish, as far as we know) until Jorge
Furtado decided to turn it into the backbone of this documen-
tary. The ribs, which are succulent, are a brief history of the press
and thirteen interviews with as much great Brazilian journalists,
in which they devote themselves to conjugate their profession in
the past, present and future. If it seems impossible that, from this
mixture, Furtado could have come up with one of the most lucid,
illuminating and necessary contributions to a debate of rabid topi-
cality –and it does–, it’s because you have never bumped into his
Island of Flowers, where he only needed thirteen minutes and a
tomato in order to explain the complete history of capitalism. AM
Jorge Furtado
Nació en Porto Alegre, Brasil, en 1959. Comenzó su carrera como asistente
de producción en la TV y luego se desempeñó como guionista. Dirigió, entre
otros, los cortos O día em que Doríval encarou a guarda (1986), Barbosa
(1988) y A matadeira (1994), el documental Ilha das Flores (1989; Oso de
Plata en la Berlinale) y los largos Houve uma vez dois verões (2002) y El
hombre que copiaba (2003). | He was born in Porto Alegre, Brazil, in 1959.
He started out as a production assistant in TV and later worked as a script-
writer. He directed several short films, including O día em que Doríval encarou
a guarda (1986), Barbosa (1988) and A matadeira (1994), the documentary
Island of Flowers (1989; Silver Bear winner at the Berlinale) and the feature-
length films Two Summers (2002) and The Man Who Copied (2003).
191
 panorama
Merello x Carreras
En un momento del cine en que se abren, se desclasifican y se
ponen a consideración muchos archivos, Victoria Carreras com-
parte con el espectador sus home movies. Resultan ser las úl-
timas imágenes en movimiento registradas de una Tita Merello
que comparte un domingo con la familia de Enrique y Mercedes
Carreras y, poco antes, su última aparición sobre un escenario
en Mar del Plata. Un par de pases mágicos nos llevan de aquel
momento a este en la misma cocina y el mismo camarín, en un
documental que comprende cuatro generaciones a las que la diva
se integró en sus últimos años. Jacinto Pérez Heredia, Ben Molar
y algún músico callan y otorgan sus secretos. Mientras, la delica-
deza de la directora, actriz ella, sobrina postiza de Tita, abre su
caja de secretos y los hace piel y vestidura propios. Las medias.
Las ligas. Un anillo. Un bretel. Todo un momento de misticismo
sincero al que asistimos. La Merello, que ya tiene estatua, un par
de musicales y un par de libros, está lista para salir a escena y
recibir este homenaje íntimo al son de “Gran Hotel Victoria” (Ca-
rreras). Raúl Manrupe
Argentina, 2015 / 61’ / DCP / Color - B&N
Español - Spanish
D, G, P: Victoria Carreras F: Mariana Russo E: Anabela Lattanzio
DA: Lupe Jorge, Celeste González Castro S: Gino Gelsi, Jorge Gentile
PE: Juan Iribas I: Tita Merello, Enrique Carreras, Mercedes Carreras,
Ben Molar, Carolina Carreras
Contacto / Contact
Victoria Carreras
T +54 9 11 6593 7962 +54 11 4772 5818
E vcarreras03@yahoo.com.ar
192 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
At a time in cinema when many archives are opened, declassi-
fied and put into consideration, Victoria Carreras shares her home
movies. They are the last moving images ever captured to feature
Tita Merello as she shares a Sunday with the family of Enrique
and Mercedes Carreras and, shortly before, in her last onstage
appearance in Mar del Plata. A few magic touches take us from
that moment to this one, in the same kitchen and the same dress-
ing room, in a documentary that covers four generations the diva
blended with during her last years. Through silence, Jacinto Pérez
Heredia, Ben Molar and some musician share their secrets. Mean-
while, the delicacy of the director, who’s also an actress and for
whom Tita was like an aunt, opens her box of secrets and makes
them her own skin and clothes. The stockings. The garters. A ring.
A strap. A great moment of mysticism that we witness. Merello,
who already has a statue, a couple of musicals and some books
written about her, is ready to go out on stage and receive this in-
timate homage to the tune of “Gran Hotel Victoria” (Carreras). RM
Victoria Carreras
Nacida en Buenos Aires en 1966, dirigió los documentales Puerto nuevo,
Academia Nacional del Tango y Llamas. Se desempeñó como guionista,
productora y actriz del largometraje Después del mar y actuó en Eva y Lola
y El sexo de las madres, entre otras. | Born in Buenos Aires in 1966, she
directed the documentaries Puerto nuevo, Academia Nacional del Tango
and Llamas. She worked as a scriptwriter, producer and actress in the films
Después del mar, Eva y Lola, and El sexo de las madres, among others.

Microbús
Public Transport
El joven peruano Alejandro Small retrata el mundo de los adoles-
centes con una mirada amorosa y cercana. Cinco jóvenes pasean
por la ciudad mientras conversan y escuchan música. El transitar
la ciudad es también el tránsito por la adolescencia; los puentes,
las calesitas, los juegos de la infancia, las calles son también pro-
tagonistas. El presente de estos jóvenes es el presente limeño,
con su deambular y su transcurrir. Filmada sin un guion previo,
Microbus destila naturalidad en sus diálogos, en la manera en
que los cuerpos se desplazan por la ciudad, en la espontaneidad
de alguna pelea ocasional. La cámara en mano, que nunca deja
de moverse, acompaña a esos cuerpos en constante movimiento;
son cuerpos jóvenes, deseantes y deseosos, charlatanes, pelea-
dores, siempre con los auriculares puestos, signo inequívoco de
la adolescencia contemporánea. El trabajo con el sonido es ex-
cepcional: las voces no concuerdan con las imágenes, los rostros
hablan fuera de campo. Y la secuencia final brilla, como brillan la
música de la película y los cuerpos de esos chicos que se suben a
ese microbús imaginario y personal. Marcela Gamberini
Perú - Peru, 2014 / 44’ / DM / Color / Español - Spanish
D, E, DA: Alejandro Small G: Alejandro Small, Jorge Ossio Seminario,
Paulo Pereyra F: César Fe S: Tomás Gistau Soldi M: Turbopótamos
P: Cynthia Castillo PE: Alejandro Small CP: Gallinazos Cine
I: Raúl Saco, Luciana Blomberg, Bruno Espejo, Cecilia Silva Remy,
Sebastián De Los Heros
Contacto / Contact
Gallinazos Cine. Alejandro Small
T +51 1 981 549 466
E gallinazoscine@gmail.com - alejandro.smallr@gmail.com
FB gallinazoscine - MicrobusFilm
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Young Peruvian Alejandro Small depicts the world of teenagers
with a loving and intimate eye. Five teenagers wander around
town while conversing and listening to music. Moving through the
city is also moving through adolescence: the bridges, the merry-
go-rounds, the childhood games, and the streets are also protag-
onists. These young people’s current situation is the one of Lima,
with its wandering and passage of time. Shot without a previously
written script, Microbus distills a natural feel in its dialogues, in
the way bodies displace through the city, and in the spontaneity
of an occasional fight. The constantly moving hand-held camera
accompanies these constantly moving bodies –these bodies are
young, desirous and desirable, talkative, contentious, and always
have headphones on, an unequivocal sign of contemporary ado-
lescence. The sound design is exceptional: the voices doesn’t
match the pictures, the faces speak off-frame. And the final se-
quence glitters, as does the film’s score and the bodies of those
kids, who climb on that imaginary and personal microbus. MG
Alejandro Small
Nacido en Arequipa, Perú, en 1991, estudió ciencias de la comunicación
en la Universidad de Lima. Sus cortometrajes Lisandro y el amor (2011),
Microbús (2013) y SOPLA! (2014) fueron premiados en el Concurso Nacio-
nal de Cortometrajes de Perú. Actualmente desarrolla el guion de su primer
largometraje. | Born in Arequipa, Peru, in 1991, he studied Communica-
tion Sciences at the University of Lima. His short films Lisandro y el amor
(2011), Microbús (2013) and SOPLA! (2014) were awarded at Peru’s
National Short Film Contest. He’s currently developing the script for his
first feature-length film.
193
 panorama
Narcisa
Narcisa Hirsch elaboró una obra en Argentina que, desde fines
de los sesenta, tiene una amplitud estética, conceptual y cine-
mática que pocos realizadores experimentales pudieron lograr.
A veces tensando la relación entre lo visual y lo verbal, otras
como una paisajista alucinada de pura iconicidad, y otras ve-
ces desde una concepción musical de la imagen, en la que el
ojo sin límite de Hirsch busca ese aleph borgeano que una de
sus últimas obras evoca desde el título, ese punto de “intole-
rable fulgor” donde confluyen el universo real y el imaginado,
es decir, la vigilia y el sueño. Nacida en 1928, su vida es tan
fascinante como su obra, por eso era necesario este recorrido
por su trayectoria que ilumina parte de la historia del cine muy
desconocida como la gesta de un grupo pionero de cineastas
experimentales en Argentina. Y lo que consigue Daniela Muttis,
quien trabajó durante doce años con Hirsch, es un retrato tan
expositivo y erudito como cercano e íntimo, porque conjuga dos
virtudes: la admiración de una alumna y la complicidad de una
amiga. Catálogo 29º Festival de Mar del Plata
Argentina, 2014 / 61’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, E, P: Daniela Muttis F: Daniela Muttis, Rubén Guzmán
S, M: Nicolás Diab CP: ojosbienabiertos
I: Narcisa Hirsch, Marie Louise Alemann, Horacio Maira
Contacto / Contact
ojosbienabiertos producciones audiovisuales
Daniela Muttis
T +54 9 11 5021 1372
E danielamuttis@gmail.com - ojosbienabiertos@gmail.com
194 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Ever since the late Sixties, Narcisa Hirsch elaborated a body of
work in Argentina with a wide aesthetic, conceptual, and cine-
matic range, which very few experimental filmmakers were able
to match. She did so at times stretching the relation between the
visual and the verbal, at times like a landscape artist hallucinated
by pure iconicity, and at other times from a musical notion of the
image, in which the Hirsch’s unlimited, industrious eye searches
for that Borgean aleph referenced by the titles of one of her latest
works. It’s the point of “unbearable shine” where the real and the
imagined universes meet –wakefulness and dreaming, (that is).
Born in 1928, her life is as fascinating as her work, hence the
need for this tour through her career, which sheds light on a rather
unknown portion of film history such as the origins of a pioneering
group of experimental filmmakers in Argentina. And what Daniela
Muttis, who worked with Hirsch for twelve years, manages to ac-
complish is an explosive and erudite portrait that also feels close
and intimate because it mixes two virtues: a student’s admiration,
and a friend’s complicity. 29th MDP Film Fest’s catalogue
Daniela Muttis
Nacida en Mar del Plata, se graduó en diseño de imagen y sonido en la
UBA. Se inició como montajista en productoras de cine, TV y publicidad.
Integró el programa de Arte Interactivo 2007 de Telefónica de Argentina
y expuso sus obras tanto en el interior del país como en el exterior. Como
docente dicta talleres de creatividad, video y montaje. | Born in Mar del
Plata, she majored in Image and Sound Design at the UBA. She started as
an editor in production companies for film, TV, and advertising. She was
a member of Telefónica de Argentina’s 2007 Interactive Art program and
exhibited her work both in the country’s interior and abroad. She teaches
creativity, video, and editing workshops.

National Gallery
Galería Nacional
Hay dos constantes en el cine de Wiseman: el mundo está orga-
nizado por instituciones –públicas, privadas, excitantes, repug-
nantes– y, a su vez, dichas instituciones están organizadas por
grupos de personas congregadas periódica e interminablemente
para mantenerlas a flote (difícil pensar en un cineasta con mejor
ojo para registrar las reuniones de personal, acaso el más inani-
mado de los objetos filmables). Exagerando, se podría decir que la
suya es una visión del mundo exenta de todo orden superior que
hace pensar en el Tlön borgiano. Así, el mundo cinematográfico
wisemaniano “será un laberinto, pero es un laberinto urdido por
hombres, un laberinto destinado a que lo descifren los hombres”.
Sí, es muy probable que el mayor logro documental de National
Gallery, una cálidamente fría observación de un museo-hospital
donde las pinturas son sometidas diariamente a la observación
implacable y a ridículas cirugías estéticas (plásticas, de hecho),
sea justamente ese. Presentar un mundo cerrado a la influencia
caprichosa de la naturaleza, enteramente humano. Pablo Marín
Francia - France, 2014 / 174’ / DCP / Color
Inglés - English
D, G, E: Frederick Wiseman F: John Davey DA: Gilles Granier
S: Emmanuel Croset P: Frederick Wiseman, Pierre-Oliver Bardet
CP: Gallery Film, Idéale Audience
Contacto / Contact
Doc & Film International. Hannah Horner
T +33 1 4277 5687
E h.horner@docandfilm.com
W docandfilm.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
There are two constants in Wiseman’s films: the world is orga-
nized by institutions –public, private, exciting, repugnant– and,
at the same time, said institutions organized by groups of people
congregated periodically and interminably in order to keep them
afloat (it’s hard to think of a filmmaker with a better eye for re-
cording staff meetings, perhaps the most inanimate of shootable
object). Exaggerating, we could say that his is a worldview devoid
of any higher orders that makes us thing of the Borgian Tlön. Thus,
Wiseman’s film world “will be a labyrinth, but a labyrinth built by
man, a labyrinth destined to be deciphered by man.” Yes, it’s very
likely that the greatest documentary achievement in Nation Gal-
lery, a warmly cold look on a museum-hospital where the paint-
ings are submitted daily to implacable observing and ridiculous
aesthetic surgeries (plastic, in fact), is precisely that. Presenting
a world that lacks the capricious influence of nature, one that is
entirely human. PM
Frederick Wiseman
Nació en Boston, EE. UU., en 1930. Estudió abogacía antes de dedicarse al
cine. Su primer largo documental fue The Cool World (1963), y luego realizó
Titicut Follies (1967; Bafici ‘06), High School (1968), Hospital (1970), Missile
(1987), Ballet (1995), State Legislature (2006), Boxing Gym (2010; Bafici ‘14),
Crazy Horse (2011) y At Berkeley (2013), entre otros. | He was born in Boston,
USA, in 1930. He studied Law before beginning a career in film. His first docu-
mentary feature was The Cool World (1963), and later directed Titicut Follies
(1967; Bafici ‘06), High School (1968), Hospital (1970), Missile (1987), Ballet
(1995), State Legislature (2006), Boxing Gym (2010; Bafici ‘14), Crazy Horse
(2011) and At Berkeley (2013), among others.
195
 panorama
Natural Resistance
Resistencia natural
En Natural Resistance, el director Jonathan Nossiter combina su
amor por el vino, el cine e Italia. Nossiter, quien supo ser som-
melier, había hecho antes Mondovino, que documentaba cómo
las tendencias globalizantes amenazan con acabar con los vinos
más distintivos. Nossiter no había pensado en retomar el tema
hasta el verano pasado, cuando, en Toscana, se sentó junto a
unos enólogos italianos que se resistían al uso prevalente de quí-
micos. También estaba con ellos Gian Luca Farinelli, activista por
la preservación del cine y director de la Cineteca di Bologna. En
palabras de Nossiter, su conversación fue “alegremente anárquica
y personal” –podría decirse: italiana–, y se habló de las conexio-
nes entre la cultura del cine y la agricultura. Instintivamente, Nos-
siter encendió su cámara y continuó siguiendo a estos personajes
con el soleado fondo de los viñedos italianos. También hay un
hilo de discusión complementario con Farinelli, el director de la
Cineteca, quien lucha en contra del borrado de la historia del cine.
Thom Powers
Francia / Italia - France / Italy, 2014
85’ / DCP / Color / Italiano - Italian
D, E: Jonathan Nossiter F: Jonathan Nossiter, Paula Prandini
S: Marcos Molina, Rec’n’Play P: Jonathan Nossiter, Paula Prandini,
Santiago Amigorena, Giacomo Claudio Rossi CP: Les Films du Rat,
Prodigy, Goatworks Films, Cineteca di Bologna I: Stefano Bellotti,
Elena Pantaleoni, Corrado Dottori, Giovanna Tiezzi, Stefano Borsa
Contacto / Contact
Coproduction Office. Philippe Bober
T +33 1 5602 6000 E info@coproductionoffice.eu
W coproductionoffice.eu
196 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In Natural Resistance, director Jonathan Nossiter combines his
love for wine, cinema and Italy. A former sommelier, Nossiter pre-
viously made Mondovino, documenting how globalizing trends
threaten to drive out distinctive wines. He didn’t foresee returning
to the topic until last summer when he found himself in Tuscany,
seated with Italian winemakers dedicated to resisting the preva-
lent use of chemicals. Joining them was Gian Luca Farinelli, a
crusader for film preservation and the director of Cineteca di Bo-
logna. Their conversation, in Nossiter’s words, was “joyously anar-
chic and personal” –one might say: Italian–, drawing connections
between film culture and agriculture. Nossiter instinctively turned
on his camera and continued to follow these subjects against
the sun-kissed backdrop of Italian vineyards. And there’s also a
complementary thread of discussion with the Cineteca director
Farinelli, who struggles against the erasure of film history. TP
Jonathan Nossiter
De nacionalidad norteamericana y brasileña, nació en Washington D. C. y
actualmente está establecido en Roma. Entre sus trabajos como director
se encuentran Resident Alien (1991; Berlín), Searching for Arthur (1998;
Locarno), Making Mischief, Losing the Thread (ambas 2001 y proyectadas
en Rotterdam) y Mondovino (2004; Cannes). | An American and Brazil-
ian citizen, he was born in Washington D. Cans currently resides in Rome.
Some of his works as director are Resident Alien (1991; Berlín), Searching
for Arthur (1998; Locarno), Making Mischief, Losing the Thread (botf in
2001 and screened in Rotterdam),and Mondovino (2004; Cannes).

La niña de tacones amarillos
The Girl in Yellow Heels
He aquí un film inclasificable, un objeto que (afortunadamente) lo-
gra zafarse de los cánones del supuesto buen gusto y el consenso
para encontrar un espacio propio, una novela de educación sen-
timental ambientada en Tumbayá, Jujuy, lugar idílico que ve cómo
su cotidianidad se ve alterada ante la construcción de un gran
hotel. Isabel es una muchacha del pueblo, una joven princesa de
pestañas malvas que comienza a verse con uno de los trabajado-
res llegados de la ciudad. De algún modo, en ella se hace carne
la ambigüedad de la relación entre el propio Tumbayá y los recién
llegados, un juego de necesidades e utilización mutua, un espacio
incierto en el que se chocan las ganas de romper con el tedio del
aislamiento y la irremediable pérdida de la inocencia. Luminosa,
sensual y de una belleza indomable como su propia protagonista,
La niña de los tacones amarillos es la obra de una cineasta que
hay que seguir de cerca. Fran Gayo
Argentina, 2015 / 74’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G: Luján Loioco F: Martín Frías E: Ana Remon DA: Alicia Vazquez
S: Nahuel Palenque M: Eric Kuschevatzky, Chato Cruz
P: Luján Loioco, Daniel Werner PE: Daniel Werner
CP: Werner Cine I: Mercedes Burgos, Manuel Vignau,
María Fernanda Domínguez, Emiliana Di Pasquo, Lucas Gauna
Contacto / Contact
Werner Cine. Daniel Werner
T +54 11 4856 1976 +54 9 11 5023 5314
E daniel@wernercine.com W wernercine.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Here lies an unclassifiable film, an object that (fortunately) man-
ages to slip away from the canons of supposed good taste and
consensus, and finds its own space as a novel of sentimental edu-
cation set in Tumbayá, Jujuy, an idyllic place whose everyday life
altered by the construction of a big hotel. Isabel is a young local
girl, a young princess with mauve eyelashes who that starts a re-
lationship with one of the workers who arrived to town. Somehow,
she incarnates the ambiguity of the relation between Tumbayá it-
self and the newcomers, in a game of mutual need and utilization,
an uncertain area in which the will to break away with a boring
isolation and the irreparable loss of innocence clash against each
other. Luminous, sensual, and featuring a beauty as untamable as
the lead character herself, The Girl in Yellow Heels is the work of a
filmmaker we should keep a close eye on. FG
Luján Loioco
Se recibió como directora cinematográfica en la Universidad del Cine. Diri-
gió el cortometraje Sangra (2008), y en 2010 quedó seleccionada para una
beca Ibermedia para realizar un Taller de Escritura de Guion de Largometra-
je en Tenerife. Se desempeñó como productora y guionista para cine y TV.
| She graduated as a Film Director from Universidad del Cine. She directed
the short film Sangra (2008), and in 2010 was selected for an Ibermedia
scholarship to attend a Film Scriptwriting Workshop in Tenerife. She worked
as a producer and writer for film and TV.
197
 panorama
Noche de perros
Dog’s Night
Los chicos solo quieren divertirse: el plan es dar algunas vueltas
en auto, tomarse unas cervezas; quizás levantar alguna chica o
distraerse lo suficiente como para olvidar otras, las que se tienen
o las que se quieren tener. Todo en la misma noche. Claro que las
cosas no les salen bien. Los protagonistas son tres patanes sim-
páticos, armados con la urgencia que viene con la juventud y una
perseverancia de otro mundo para verse enredados en situaciones
a cual más disparatada y peligrosa. Noche de perros es una come-
dia argentina inusual, construida con sostenidos golpes de gracia,
con factura impecable y con un tono leve de amargura, que des-
deña elegantemente la sordidez automática de una Después de
hora hecha en Buenos Aires para destilar, en cambio, una galería
equivalente de personajes que parecen habitar impasibles el lado
B de la ciudad. Nocturna pero amigable, confiada en su velocidad
pero sin perder lucidez, la película rodea los lugares comunes y
arriba a la felicidad del modo menos pensado. David Obarrio
Argentina, 2015 / 85’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Ignacio Sesma F: Manuel Bascoy E: Ignacio Sesma
DA: Leslie Truyenque S: Pablo Sala
M: Ignacio Sesma, Julián Rodriguez Tunni
P: Néstor Sánchez Sotelo, Damián Moon, Ignacio Sesma
PE: Néstor Sánchez Sotelo, Damián Moon, Ignacio Sesma
CP: Del Toro Films, Bunker In, Digital in Motion I: Ignacio Sesma
Contacto / Contact
Bunker In. Ignacio Sesma
T +54 9 11 6782 8942 +54 11 4544 3205
E info@bunkerin.com - llueveagua@hotmail.com W bunkerin.com
198 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Boys just want to have fun: the plan is to go for a ride, grab a few
beers; maybe pick up some girl or getting distracted enough in
order to forget other girls, the ones they have or those they want
to have. All of this in the same night. Of course, things don’t go
as planned. The main characters are two likable troublemakers,
armed with the urgency that comes with being young and an oth-
erworldly perseverance to become involved in insane and danger-
ous situations. Dog’s Night is an unusual Argentine comedy, built
up with steady strokes of grace, remarkably executed and a slight
bitter tone, that elegantly dismisses the automatic sleaziness of an
After Hours made in Buenos Aires in order to display, instead, an
equivalent gallery of characters that seem to unaffectedly inhabit
the B-side of the city. Nocturnal but amiable, confident of its pace
but without losing any lucidness, the film dodges cliché and ar-
rives to happiness in the most unexpected of ways. DO
Ignacio Sesma
Nació en 1989 en Buenos Aires. Tras haber brillado en las ligas de fútbol
amateur, estudió cine en la Fundación Universidad del Cine. Trabajó en el
montaje de numerosos cortometrajes y, luego de egresar de la universidad,
estudió con el montajista Miguel Pérez y decidió escribir, filmar y producir
su primer largometraje Noche de perros. | He was born in 1989 in Buenos
Aires. After a brilliant stint in amateur soccer leagues, he studied Filmmak-
ing at the Universidad del Cine Foundation. He worked in the editing of
several short films and following his graduation studied with editor Miguel
Pérez and decided to write, shoot, and produce his first feature-length film
Dog’s Night.

nosotros, ellos y yo
Us, Them, and Me
Se dice que hace 2000 años los romanos echaron a los judíos de
Israel. Persecuciones, diásporas, el regreso a la tierra prometida.
En ese complejo entramado, más adelante, asomaba una Argenti-
na que dio cobijo a miles de historias. Así las cosas, es 1999 y un
pibe grita: “¡Descontrol!”. Sale en un primer viaje a Israel y todo es
joda. Sin embargo, el paso del tiempo otorga un peso y un norte:
Nosotros, ellos y yo se erige como un rompecabezas. Va y viene
al corazón de una cultura milenaria, e ilumina un conflicto geopo-
lítico que ensombrece la región desde hace tiempo. Ciudades
vigiladas, bombas que explotan, rezos multitudinarios, devenires
ásperos, tierra ensangrentada y una Franja de Gaza donde, pese
a todo, el sol se resiste a dejar de salir. Casi sin proponérselo, la
cámara de Nicolás Avruj se vuelve testigo de enfrentamientos y
levantadas: el dolor de la otredad, la opresión por un estado de
guerra que flota amenazante, la vida con miedo. Y que ese miedo
se haga uña, piel, carne y cotidianidad. Hernán Panessi
Argentina, 2015 / 88’ / DM / Color / Español - Spanish, Inglés -
English, Hebreo - Hebrew, Árabe - Arabic
D, F: Nicolás Avruj G: Nicolás Avruj, Alejandro Dujovne, Andrea Kleinman
E: Andrea Kleinman DA: Giorgina Mesiano S: Leandro De Loredo
M: Simja Dujov P: Diego Lerman, Nicolás Avruj PE: Diego Lerman
CP: Campo Cine I: Sebastián Muller, Frieda Geffner, Nur Levi,
Iosef Shai, Abu Harbed
Contacto / Contact
Campo Cine. Nicolás Avruj
T +54 11 4554 9036 +54 9 11 4948 4812
E produccion@elcampocine.com.ar - nicolas.avruj@gmail.com
W elcampocine.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Some people say that 2000 years ago the Romans kicked the Jews
out of Israel. Persecutions, diasporas, and a return to the promised
land. In that complex web, Argentina emerged later, accomodating
thousands of life stories. And so, now it’s 1999 and a kid yells:
“Party on!”. He sets out on his first trip to Israel, and it’s all about
partying. However, the passage of time provides weight and an
orientation: Us, Them, and Me emerges like a puzzle. It comes and
goes up to the heart of a millenary culture, and sheds light on a
geopolitical conflict casts a shadow on the region since forever.
Guarded cities, exploding bombs, massive praying, rough fates,
blood-spilled lands, and a Gaza Strip where the sun still shines
inspite of everything. Almost unintentionally, Nicolas Avruj’s cam-
era becomes a witness of confrontations and risings: the pain of
otherness, the opression of a lurking state of war, and living in fear.
And having that fear incarnating into everyday life. HP
Nicolás Avruj
Nació en Buenos Aires en 1975. Se desempeñó como productor en films
como La mirada invisible (2010), Soi Cumbio (Bafici ‘11) y Refugiado
(2014). Dirigió el cortometraje Al dedos frente (1998). Nosotros, ellos y yo
es su primer largometraje como director. | He was born in Buenos Aires
in 1975. He worked as a producer in films like The Invisible Eye (2010),
Soi Cumbio (Bafici ‘11) and Refugiado (2014). He directed the short film
Al dedos frente (1998). Us, Them, and Me is the first feature-length film
he directs.
199
 panorama
Nymphomaniac
Ninfómana
Como sucede habitualmente con la obra de Lars von Trier, Nym-
phomaniac habla más de él, de su visión del cine y del mundo que
de Joe, la protagonista (interpretada por Charlotte Gainsbourg y
Stacy Martin). Estructurada a través del relato de una ninfóma-
na autodiagnosticada, esta especie de Las mil y una noches que
recorre gran parte del abanico de prácticas sexuales conocidas
se divide en capítulos casi autónomos en los que abunda la ex-
plicitud, así como las constancias de la habilidad para la puesta
en escena del director que inventó el Dogma 95. Para eso y para
la publicidad, claro está, ya que es imposible ignorar la colosal
movida extracinematográfica que apunta y acierta al blanco de
nuestro morbo e intriga para que no dejemos de verla. Y esto se
aplica a quienes aman pero también a quienes odian a Von Trier.
Esta intenta ser su obra magna, así que los niveles de pretensión,
cinismo, frialdad y misantropía superan incluso a los de su pro-
ducción anterior. ¿Será un exceso creer advertir que las escenas
sexuales que más parecen excitar al director son las de las prác-
ticas sadomasoquistas? Fernando E. Juan Lima
Dinamarca / Alemania / Francia / Bélgica - Denmark / Germany /
France / Belgium, 2014 / 325’ / DCP / Color / Inglés - English
D, G: Lars von Trier F: Manuel Alberto Claro E: Molly Malene Stensgaard
S: Kristian Eidnes Andersen P: Louise Vesth
PE: Peter Aalbaek Jensen, Marie Gade Denessen, Peter Garde
CP: Zentropa Entertainments, Heimatfilm, Film i Väst, Artificial Eye,
Les Films du Losange I: Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård,
Stacy Martin, Shia LaBeouf, Christian Slater
Contacto / Contact
Danish Film Institute
T +45 3374 3400 E dfi@dfi.dk W dfi.dk - nymphomaniacthemovie.com
200 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
As usual in Lars von Trier’s work Nymphomaniac is more about
him, his views on cinema and the world than Joe, the protagonist
(played by Charlotte Gainsbourg and Stacy Martin.) Structured
through the account of a self-diagnosed nymphomaniac, this sort
of Arabian Nights that covers a wide variety of sexual practices
is divided into almost autonomous chapters in which explicitness
abounds, as well as evidence of the mise en scène skills of the
director who invented the Dogma 95. And also his publicity skills,
of course, because it’s impossible to ignore the colossal extra-
cinematic stunt that points and hits the target of our morbidity and
curiosity so that we don’t miss it. And this can be applied to those
who love Von Trier, but also those who hate him. This tries to be
his magnum opus, so the levels of pretension, cynicism, coldness
and misanthropy exceed even those of his earlier work. Would it
be too much to point out that the sex scenes that seem to arouse
the director the most are those of S&M practices? FEJL
Lars von Trier
Nacido en Copenhague, Dinamarca, en 1956, estudió en la Escuela Nacio-
nal de Cine. Fue uno de los creadores del Dogma 95 y dirigió Contra viento
y marea (1996), Los idiotas (1998), Bailarina en la oscuridad (2000; Palma
de Oro en Cannes), Dogville (2003), Manderlay (2005; Bafici ‘06) y Anticris-
to (2009), entre otros films. | Born in Copenhagen, Denmark, in 1956, he
studied at the National Film School. He was one of the creators of Dogma
95, and directed Breaking the Waves (1996), The Idiots (1998), Dancer in
the Dark (2000; Golden Palm at Cannes), Dogville (2003) and Antichrist
(2009; 24th Festival), among other films.

O que vai ao lume?
En junio de 2008, Pedro desaparece sin dejar rastro, después de
haber vivido con Stefan Libiot por trece años. La búsqueda por su
paradero comienza en vano. En 2013 Stefan cumple cincuenta
años y comienza a llevar adelante un diario íntimo en la forma de
una película. En él, Portugal, filmada, expone sus lugares recu-
rrentes: Pessoa, el Fado, la crisis. Pero también revela sus carac-
terísticas ocultas: calles que conducen inexorablemente hacia el
mar, habitantes desaparecidos, el Fuerte de Peniche y una suce-
sión de personas que, enfrentadas a sus recuerdos, relatan sus
historias y lo que saben de Pedro. ¿Fue suicidio? ¿Está en reali-
dad vivo y escondido en algún lugar ignoto? ¿Existe? La búsqueda
que lleva adelante Stefan (con su perfil pensativo a lo Pasolini)
revuelve en la memoria de un país. A veces con ritmo frenético,
ese que se necesita para correr detrás de la verdad, y otras con
tono pausado y contemplativo, el que demanda toda investigación
para analizar las pistas y obtener respuestas. Leandro Listorti
Francia - France, 2014 / 82’ / DM / Color
Francés - French, Portugués - Portuguese, Inglés - English
D, G, F, E: Stefan Libiot S: Yves Capus M: Dimitri Tchesnokov,
Madredeus P: Gaëlle Jones CP: Perspective Films I: Rui Neto,
Pedro Cabral, Luis Costa, Antonio Pedro Ribeiro, Alina Maria Sousa
Contacto / Contact
Perspective Films. Yasmina Tamer
T +33 6 6074 7921
E contact@perspectivefilms.fr
W perspectivefilms.fr
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
In June, 2008, Pedro disappeared without a trace, after hav-
ing lived with Stefan Libiot for thirteen years. The search for his
whereabouts starts, in vain. In 2013, Stefan turns fifty and starts
a journal in the shape of a film. In it, Portugal, as shot by him,
exposes its recurring places: Pessoa, the Fado, crisis. But it also
reveals its hidden features: streets that inexorably lead to the sea,
missing inhabitants, the Peniche Fort and a series of people who,
faced by their memories, tell their stories and what they know
about Pedro. Was it suicide? Is he really alive and hiding in some
unknown place? Does he exist? The search Stefan carries out
(with his Pasolini-like pensive profile) examines the memory of a
country. Sometimes with a frantic pace, that which is needed in
order to go after the truth, and others with a paused, contempla-
tive tone, required by every investigation in order to analyze the
clues and finding answers. LL
Stefan Libiot
Estudió filosofía y se desempeñó como asistente de dirección en films
como Three Colours, de Krzysztof Kieslowski. Dirigió los largometrajes
Madre Mia - Conversations avec la mère (2009) y Si les papillons chan-
taient. | She studied Philosophy and worked as an assistant director in
films like Three Colours, by Krzysztof Kieslowski. She directed Madre
Mia - Conversations avec la mère (2009) and Si les papillons chantaient.
201
 panorama
La Once
Tea Time
“Es mucho más fácil hablar sobre los jóvenes que sobre la gente
vieja”, decía John Cassavetes. Porque la tercera edad no se ca-
racteriza por las grandes aventuras, sino por el aburrimiento que
provoca el sedentarismo, como una sala de espera de un dentista
que viste túnica negra y sostiene una guadaña. Maite Alberdi hace
oídos sordos a las palabras del director de Shadows y demuestra
con su segundo largometraje que no importa el tema, sino la ma-
nera de abordarlo. La joven cineasta registra durante cuatro años
las reuniones mensuales de cinco ancianas que se juntan a tomar
el té desde hace sesenta años. La cámara es testigo de tensos
debates, en los que las distintas voces se trompean con elegancia
como en una película de acción filosófica. Infusiones de reproches
y críticas que se mezclan con el relleno de las masitas transfor-
man a un evento ordinario en uno extraordinario, porque la mirada
filosa de quien todo lo filma halla el suspiro de temor silencioso
o el revoloteo de ojos que le otorgan al documental la parábola
dramática de un melodrama de John M. Stahl. Maia Debowicz
Chile, 2014 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: Maite Alberdi G: Maite Alberdi, Sebastián Brahm, Juan Eduardo Murillo
F: Pablo Valdés E: Juan Eduardo Murillo S: Roberto Espinoza
M: Miranda & Tobar P: Clara Taricco PE: Clara Taricco
CP: Micromundo Producciones I: María Teresa Muñoz, Ximena Calderón,
Alicia Pérez, Angélica Charpentier, Gema Droguett
Contacto / Contact
Micromundo. Clara Taricco / Maite Alberdi
T +56 9 9820 5255
E clara.taricco@malparte.cl - maitealberdi.s@gmail.com
W teatimethemovie.com TW @teatimethemovie
202 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
It’s much easier to talk about young people than about old people,”
John Cassavetes used to say. Because old age is not character-
ized by great adventures, but by the boredom caused by a seden-
tary life, like a waiting room for a dentist that wears a black tunic
and holds a scythe. Maite Alberdi pays no attention to the words of
the director of Shadows, and with her second film proves that the
subject is not as important as the way you approach it. The young
filmmaker spent four years documenting the tea meetings of five
old women who have been gathering for sixty years. The camera
witnesses tense debates in which the different voices punch each
other with elegance like in a philosophical action film. Infusions
of reproach and criticism that mix with pastry filling transform an
ordinary event into an extraordinary one, because the sharp eye of
someone who films everything is able to capture a silent whisper
of fear or a rolling of the eyes, which provides the documentary
with the dramatic parable of a John M. Stahl melodrama. MD
Maite Alberdi
Nació en Santiago de Chile en 1983. Es licenciada en estética y en comu-
nicación social y directora audiovisual por la Universidad Católica de Chile.
Dirigió los documentales Los trapecistas, galardonado en distintos festi-
vales de cine, y El salvavidas (2011; Bafici ‘12). Trabaja como crítica de
cine en el sitio La fuga. | She was born in Santiago de Chile en 1983.
She majors in Aesthetics and Social Communication, and is an Audiovisual
Director graduate from Chile’s Catholic University. He directed the docu-
mentary Los trapecistas, awarded in several film festivals, and El salvavidas
(2011; Bafici ‘12). She writes film reviews for the website La fuga.

Out of the Forest
Me’kivun ha’yaar
Desde el bosque
Un complemento perfecto de Shoah, hasta el punto en que Out of
the Forest se diría firmada por Claude Lanzmann. A partir del diario
que dejó escrito Kazimierz Sakowicz, testigo de las matanzas de los
einsatzgruppen en Ponary, cerca de Vilna (Lituania), Limor Pinhasov
y Yaron Kaftori filman en presente los escenarios de aquellas ma-
sacres en las que perecieron cerca de 70.000 judíos entre 1941
y 1943. En esos mismos no lugares de la memoria, entrevistan a
varios supervivientes, niños que habían sido dados por muertos en
aquel entonces. Sus testimonios chocan con los de algunos litua-
nos, reacios a aceptar la responsabilidad de sus compatriotas. A la
altura de 1941, Vilna era una ciudad de mayoría judía y polaca, y se
ve que, a la altura de 2003, la brecha entre estos y la comunidad
lituana todavía no había cicatrizado (como ocurría con la Polonia
de Shoah). Cuesta creer que un documental tan magistral no haya
gozado de más reconocimiento y difusión. Jaime Pena
Out of the Forest fue digitalizado en el marco del proyecto “Documentales
Asincrónicos y Films Experimentales sobre el Holocausto. De la Colección de
Arsenal - Instituto de Cine y Videoarte (Berlín)”. El proyecto fue financiado por
Lotto Stiftung Berlín, Alemania.
Israel, 2002 / 90’ / DCP / Color
Ruso - Russian, Hebreo - Hebrew, Inglés - English
D, G: Limor Pinhasov, Yaron Kaftori F: Eytan Haris E: Limor Pinhasov
S: Maxim Segal M: Misterya Group P: Yaron Kaftori CP: Cicero Films
Contacto / Contact
Cicero Films. Yaron Kaftori
T +972 522 404 440 E limorp1@gmail.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
A perfect complement to Shoah, to the point that Out of the Forest
could have well been made by Claude Lanzmann. Through the di-
ary left by Kazimierz Sakowicz, a witness to the killings of the ein-
satzgruppen in Ponary, near Vilna (Lithuania), Limor Pinhasov, and
Yaron Kaftori film in present day the sceneries from those massacre
in which more than 70,000 Jewish people died between 1941 and
1943. In those very non-places of memory, they interview various
survivors, children who had been left for dead back then. Their tes-
timonies clash with those of some Lithuanians, who are reluctant in
accepting responsibilities for their compatriots. By 1941, Vilna was
a majorly Jewish and Polish city, and one can see that, by 2003, the
gap between them and the Lithuanian community hadn’t healed yet
(the same thing that happened with Poland in Shoah.) It’s hard to
believe that a documentary as masterful as this one hasn’t enjoyed
more recognition and hasn’t been screened more. JP
Out of the Forest was digitized in the framework of the project “Asynchronous.
Documentaries and Experimental Films on the Holocaust. From the Collection of
the Arsenal - Institute for Film and Video Art (Berlin)”. The project was funded by
the Lotto Stiftung Berlin, Germany.
Limor Pinhasov
Nació en 1972 en Tel Aviv, Israel. Estudió historia, filosofía y francés, y
trabaja como editora. | She was born in 1972 in Tel Aviv, Israel. She studied
History, Philosophy, and French, and works as an editor.
Yaron Kaftori
Nació en Haifa, Israel, en 1963. Estudió cine e historia, y trabaja como
productora. | She was born in Haifa, Israel, in 1963. She studied Film and
History, and works as a producer.
203
 panorama | competencia DDHH
Over the Years
Über die Jahre
A través de los años
Como si fuera una Boyhood documental, sin blanduras ni énfa-
sis innecesarios y centrada en el mundo del trabajo –una “work-
hood”–, Over the Years encuentra y reencuentra a sus personajes
durante diez años. Empezamos en una empresa textil en funcio-
namiento en la región de Waldviertel, Austria, con la rutina de los
empleados y el dueño. Imágenes y situaciones que parecen de otra
época, incluso casi de otro siglo. Pañales de tela, agendas escritas
a mano. Esa empresa está destinada a cerrar. Nikolaus Geyrhalter
vuelve a encontrar a la gente de la fábrica más adelante, con sus
nuevas realidades, sus nuevas ocupaciones, sus nuevas búsque-
das, y los sigue reencontrando a lo largo de una década. Contar
más detalles argumentales es poco recomendable, especialmente
en este caso, en el cual el director no solo conoce la distancia que
debe establecer, sino que además parece saber preguntar lo clave
y mirar lo más fructífero, para obtener un relato múltiple que no po-
demos abandonar hasta que terminen sus tres horas apasionantes,
emocionantes, reveladoras. Uno de los mejores documentales de
este año, o incluso de los últimos diez años. Javier Porta Fouz
Austria, 2015 / 188’ / DCP / Color
Alemán - German
D, F: Nikolaus Geyrhalter G: Nikolaus Geyrhalter, Wolfgang Widerhofer
E: WolfgangWiderhofer S: Peter Kutin P: Nikolaus Geyrhalter,
Michael Kitzberger, Wolfgang Widerhofer, Markus Glaser
CP: Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion
Contacto / Contact
Austrian Film Commission. Anne Laurent
T +43 1 526 3323 E anne.laurent@afc.at
W austrianfilms.com - overtheyears.at
204 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
As if it were a documentary Boyhood, without any blandness
or unnecessary emphases and center in the world of labor –a
“workhood” –, Over the Years unites and reunites its characters
through the course of ten years. We start at a textile company
working in the region of Waldviertel, Austria, with the routine of the
employees and the owner. Images and situations that seem from
another time, even another century. Cloth diapers, handwritten
appointment books. That company is destined to close. Nikolaus
Geyrhalter meets the workers from the factory later, with their new
realities, their new occupations, their new searches, and keeps
finding them through the course of a decade. It wouldn’t be very
wise to reveal more plot details, especially in this case, in which
the director not only knows the distance he must establish, but
also knows exactly what to ask and looks that the most fruitful, in
order to achieve a multiple story we won’t be able to abandon until
its three amusing, touching, revealing hours conclude. One of the
best documentaries of the year, or even of the last ten years. JPF
Nikolaus Geyrhalter
Nació en Viena, Austria, en 1972. A los 22 años, fundó la compañía Niko-
laus Geyrhalter Filmproduktion, focalizada en documentales y ficciones
de autor. Entre sus documentales como realizador se encuentran Pripyat
(1999), Elsewhere (2001), 7915 Km (2008) y Abendland (2011). | He was
born in Vienna, Austria, in 1972. At the age of 22 he founded the production
company Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion, which focuses on documen-
taries and auteur fiction films. He directed several documentaries, including
Pripyat (1999), Elsewhere (2001), 7915 Km (2008) and Abendland (2011).

P’tit Quinquin
Li’l Quinquin
En Camille Claudel, Bruno Dumont situó a una Juliette Binoche
de rostro cansado en el centro del cuadro. El cineasta francés
parece haber cambiado de tercio con P’tit Quinquin, una come-
dia ambientada en un pueblo rural y realizada para televisión. Su
última película comienza como dictan los cánones del relato poli-
cíaco: con un extraño asesinato en un pequeño lugar del norte de
Francia. A partir de esta premisa, Dumont despliega la sátira de la
mano de unos policías incompetentes, de un grupo de pequeños
gamberros liderados por Quinquin y de una familia profundamente
excéntrica. Nadie está a salvo bajo la despiadada mirada de Du-
mont. El humor se desata, pero no deberíamos dejar que el tono ni
la mezcla genérica nos engañen: el proyecto televisivo del director
de Hors Satan no dista tanto de sus anteriores propuestas. Los
planos siguen siendo centrípetos, y la puesta en escena del cuer-
po en el espacio, uno de los temas centrales del cine de Dumont,
resulta aquí tan descarnada como cómica. Violeta Kovacsics
Francia - France, 2014 / 200’ / DCP / Color
Francés - French
D, G: Bruno Dumont F: Guillaume Deffontaines
E: Basile Belkhiri DA: Cedric Ettouati S: Emmanuel Croset
P: Jean Bréhat, Muriel Merlin CP: 3B Productions
I: Alane Delhaye, Lucy Caron, Bernard Pruvost, Philippe Jore
Contacto / Contact
NDM Ventas Internacionales. Bianca Fontez
T +52 55 5273 9307 E ndm.sales@mantarraya.com
W mantarraya.com TW @mantarrayafilms
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
In Camille Claudel, Bruno Dumont placed a tired-faced Juliette
Binoche at the center of the frame. The French filmmaker seems
to have switched thirds with P’tit Quinquin, a made-for-TV comedy
set in a rural town. His last feature starts like a by-the-book crime
story: with a strange murder in a small place in northern France.
From this premise, Dumont turns everything into satire with the
help of some incompetent cops, a group of little troublemakers
led by Quinquin and a completely eccentric family. No one is safe
under Dumont’s ruthless eye. Humor runs amok, but we shouldn’t
let the tone or the mix of genres fool us: the TV project from the
director of Hors Satan isn’t that far from his earlier work. The shots
are still centripetal, and here, the mise en scène of bodies in the
space, one of the central themes in Dumont’s cinema, becomes
as stark as it is comical. VK
Bruno Dumont
Nació en Bailleul, Francia, en 1958. Fue profesor de filosofía y dirigió nume-
rosos comerciales, cortos y documentales. Su primer largometraje fue La
vida de Jesús (1997); lo siguieron La humanidad (1999; Grand Prix en
Cannes), Twentynine Palms (2002), Flandres (2005; Grand Prix en Cannes),
Hadewijch (2009; Bafici ‘10) y Hors Satan (2011; Bafici ‘12). | He was
born in Bailleul, France, in 1958. He was a Philosophy teacher and directed
several commercials, short films and documentaries. His first feature-length
film was La vida de Jesús (1997); it was followed by Humanite (1999; Grand
Prix at Cannes), Twentynine Palms (2002), Flandres (2005; Grand Prix at
Cannes), Hadewijch (2009; Bafici ‘10) and Hors Satan (2011; Bafici ‘12).
205
 panorama
Park Lanes
El tema de Park Lanes no es otro que su duración: las ocho horas
de la jornada laboral de los obreros de una fábrica. Dicho esto,
cabe preguntarse por qué tan pocas películas se han ocupado del
trabajo o han sentido la necesidad de reflejar qué singulariza a la
clase trabajadora, más allá de los oficios puramente cinematográ-
ficos (el policía, el abogado, el cowboy, el artista). En Park Lanes
importa el trabajo en sí, trabajo manual y repetitivo que forma parte
de una cadena de montaje en la que lo que se manufactura es un
asunto secundario (de hecho tardaremos algunas horas en averi-
guarlo o intuirlo). E importa el tiempo, que para ser compartido ha
de ser respetado (y viceversa). Kevin Jerome Everson nos convierte
así en testigos de algo que carece de épica, pero que destila la
extraña poesía de los actos más prosaicos. Una propuesta inusual
sobre lo más ordinario; una película fascinante que no debería
confundirse nunca con una instalación museística. Jaime Pena
Estados Unidos - US, 2015
480’ / DM / Color / Inglés - English
D: Kevin Jerome Everson F: Kevin Jerome Everson, Kahlil Pedizisai,
Rachel Lane, Jack Doerner, Michelle Lee E: Kevin Jerome Everson
S: Nicole Chakeris, Rachel Lane P: Madeleine Molyneaux,
Kevin Jerome Everson CP: Trilobite-Arts-DAC, Picture Palace Pictures
Contacto / Contact
Picture Palace Pictures. Madeleine Molyneaux
T +1 212 252 3187
E picturepalacesale@yahoo.com - keverson77@mac.com
W picturepalacepictures.com - keverson.net
206 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The deal with Park Lanes is none other than its running time: the
eight hours of the workday of the laborers at a factory. Having
said this, one could ask oneselves why so few films have dealt
with work, or have felt the necessity to reflect what makes the
working class unique, aside from the purely cinematic professions
(the cop, the attorney, the cowboy, the artist). In Park Lanes, what
matters is the work itself, manual and repetitive work that is part
of an assembly line in which what is manufactured is besides
the point (in fact, it will takes a few hours to find it out or sense
it). And what matters is time, which, in order to be shared, must
be respected (and vice versa). Kevin Jerome Everson makes us
witnesses of something that lacks epic but shows the strange
poetry of the most prosaic acts. An unusual proposal on the most
ordinary –a fascinating film that should never be mistaken for a
museum installation. JP
Kevin Jerome Everson
Nació en Ohio, EE. UU., en 1965. Se formó en las universidades de Ohio
y Akron y se desempeña como profesor de arte en la de Virginia. Entre
sus cortos se encuentran Mansfield Product Company, Sound That (ambos
2014), Grand Finale, Three Quarters y Regal Unlimited (todos 2015). | He
was born in Ohio, USA, in 1965. He studied at the universities of Ohio
and Akron and works as an college art professor in Virginia. He directed
several short films, including Mansfield Product Company, Sound That (both
in 2014), Grand Finale, Three Quarters and Regal Unlimited (all in 2015).

El paseo
The Walk
Hay una diferencia esencial entre 15 días en la playa, la película
anterior de Flavia de la Fuente, y El paseo. Mientras la primera
tiene como material la belleza natural del mar, la segunda sale a
buscar la belleza allí donde en apariencia no la hay. Y, lo que es
mejor, la encuentra. En las dos se percibe, de manera intensa,
esa melancolía típica del balneario fuera de temporada, pero en
El paseo se puede descubrir también cierto humor: el barrendero
que habla con preocupación de la “casa tomada”, por ejemplo; o
muchas de las particularidades edilicias de esas casitas de San
Clemente del Tuyú (donde vive hace años De la Fuente) hechas
con más amor que criterio o conocimientos. El uso del sonido es
también muy llamativo en El paseo: es un sonido predominante-
mente animal en contraste con la inmutable materialidad de las
casas. Y, para quien quiera percibirla, hay riqueza en el fuera de
campo: detrás de muchas de esas viviendas cerradas, con las
cortinas ominosamente bajas, se intuye sin embargo una vida,
suena algo de música o el rumor lejano de un televisor. Como
si sus habitantes hubieran bajado la persiana al mundo exterior.
Luciano Monteagudo (Catálogo 29º Festival de Mar del Plata)
Argentina, 2014
63’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, F, E, DA, S: Flavia de la Fuente
P: Quintín (Eduardo Antin) CP: Solita Films
Contacto / Contact
Solita Films. Quintín (Eduardo Antin)
T +54 9 11 4024 8703
E flaviadelafu@gmail.com - quinfla@fibertel.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
There’s an essential difference between Fifteen Days at the
Beach, Flavia de la Fuente’s previous film, and The Walk. While
the first one’s matter is the natural beauty of the ocean, the
second one seeks beauty where apparently there is none. And,
even better, it finds it. In both films we can strongly perceive
that typical melancholy of a beach city out-of-season, but in The
Walk there’s also some humor: the concerned street sweeper
who talks about the “invaded house,” for example. Or many of
the building features in those small houses in San Clemente del
Tuyú (where De la Fuente moved years ago) made with more
love than criteria or knowledge. The use of sound in The Walk
is also quite remarkable: it’s a predominantly animal sound that
contrasts against the unchangeable materialness of the houses.
And for those who enjoy noticing it, there’s some off-frame
value: behind those closed homes with their blinds shut we can
nevertheless hint life –there’s some music, or the distant rumor
of a TV. As if the locals had closed the drapes to the outside
world. LM (29th MDP Film Fest’s catalogue)
Flavia de la Fuente
Nacida en Buenos Aires, en 1991 cofundó la revista El Amante y la codirigió
hasta 2004. Entre 2001 y 2004 fue programadora del Festival. Aficionada a
la fotografía, hace algunos años comenzó a filmar películas con su pequeña
cámara, como el corto Escenas en el mar (2012) y el largo 15 días en la playa
(2013). | Born in Buenos Aires. In 1991, she co-founded the film magazine El
Amante and co-directed it until 2004. She was a programmer for this Festi-
val between 2001 and 2004. A photography enthusiast, she started making
films with her small camera a few years ago, including the short Escenas
en el mar (2012) and the feature-length film 15 Days at the Beach (2013).
207
 panorama
Postman’s White Nights
Belye nochi pochtalyona Alekseya Tryapitsina
Las noches blancas del cartero Aleksei Tryapitsyn
El lago Keronzero es un parque nacional del norte de Rusia, hasta
donde Andrei Konchalovski llegó para testimoniar mediante el arte
del cine un tipo de extinción invisible de humanos. Allí sus habi-
tantes viven en una vida sin épocas. Pero la tentación de decir
que habitan en el solaz de una naturaleza encantada se enfría de
golpe cuando de Postman’s White Nights se deduce la pregunta:
¿dónde es posible hallar al Estado ruso, ese que, a pocos kilóme-
tros de la lenta agonía de vodka y televisión por la que se derrum-
ban las villas costeras del Keronzero, sostiene una plataforma de
envíos al espacio pero no puede cambiar el pequeño motor de
una lancha postal? El olvido es el crimen perfecto que asola el
parque nacional Keronzero. Si no ha exterminado totalmente su
objetivo es porque Lyokha (Aleksei Tryapitsyn), el cartero de la
zona, comunica sus mundos aislados y desprendidos de cualquier
órbita (la órbita es él). Es un universo que depende de un motor
fuera de borda, el corazón de un sistema que no encuentra reem-
plazo. Juan José Becerra
Rusia - Russia, 2014 / 110’ / DCP / Color
Ruso - Russian
D: Andrei Konchalovski G: Andrei Konchalovski, Elena Kiseleva
F: Aleksandr Simonov E: Sergei Taraskin S: Polina Volynkina
M: Eduard Artemyev P: Andrei Konchalovski
I: Aleksei Tryapitsyn, Irina Ermolova, Timur Bondarenko
Contacto / Contact
ANT!PODE Sales & Distribution. Elena Podolskaya
T +7 916 604 5884
E elena@antipode-sales.biz
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208 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The Keronzero Lake is a national park in northern Russia to which
Andrei Konchalovski arrived in order to show, by means of the art
of film, a type of invisible human extinction. There, its inhabitants
live a life without a time. But the temptation of saying they inhabit
the solace of an enchanted nature is suddenly cooled off when,
from Postman’s White Nights, a question arises: where is it pos-
sible to find the Russian State, that which, a few kilometers away
from the slow agony of vodka and TV that demolishes the coastal
villages of the Keronzero, holds a platform of deliveries to space
but cannot change the small motor of a mail boat? Oblivion is
the perfect crime that devastates the Keronzero national park. If
it hasn’t completely exterminated its target, it’s because Lyokha
(Aleksey Tryapitsyn), the area’s postman, communicates their iso-
lated worlds, detached from any kind of orbit (he is the orbit). It’s a
universe that depends on an outboard motor, the heart of a system
that can’t seem to find a replacement. JJB
Andrei Konchalovski
Nació en Moscú, Rusia, en 1937. Se formó como pianista en el Conserva-
torio de Moscú antes de dedicar su carrera al cine. Entre sus trabajos como
director, se encuentran Nido de hidalgos (1969), Tío Vania (1970), Romance
de los enamorados (1974), Escape en tren (1985), Tiempo de amar (1986)
y Tango y cash (1989). | He was born in Moscow, Russia, in 1937. He
trained to be a pianist at the Moscow Conservatory before starting his film
career. He directed several films, including A Nest of Gentlefolk (1969),
Uncle Vania (1970), A Lover’s Romance (1974), Runaway Train (1985), Duet
for One (1986) and Tango & Cash (1989).
 panorama | competencia DDHH
Profession: Documentarist
Herfeh, mostanadsaz
Profesión: Documentalista
Siete mujeres documentalistas iraníes revisan sus historias perso-
nales y los obstáculos que han tenido que sortear para dedicarse
a una profesión que, después de la Revolución islámica de 1979,
ha adquirido dimensiones épicas. Los íntimos y confesionales
cortometrajes de Profession: Documentarist (un título que alude
a Professione: Reporter, de Antonioni) tienen la intimidad de un
diario de vida y están marcados por la guerra, la censura, la per-
secución, la religión y la misoginia. Y también por la nostalgia de
una infancia que, desde la evocación, parece una tierra distante e
idealizada. Las convocadas son siete heroínas impulsadas por la
necesidad de revelar sus mundos privados y denunciar injusticias
públicas, a pesar de las consecuencias: desde los cuestionamien-
tos a la mutilación de maniquíes femeninos en una tienda de
Teherán, pasando por la reivindicación de cantantes censuradas
(como la nostálgica Googoosh), hasta la incertidumbre de si será
mejor emigrar o resistir en el país de origen. “Tenemos películas
que solo podemos realizar en nuestras mentes”, confiesa la direc-
tora Farahnaz Sharifi en su segmento. Esta, afortunadamente, no
es una de ellas. Andrés Nazarala R.
Irán - Iran, 2014 / 80’ / DM / Color / Persa - Persian
D: Shirin Barghnavard, Firouzeh Khosrovani, Farahnaz Sharifi,
Mina Keshavarz, Sepideh Abtahi, Sahar Salahshoor, Nahid Rezaei
G: S. Barghnavard, F. Khosrovani, F. Sharifi, M. Keshavarz, S. Abtahi,
S. Salahshoor, N. Rezaei F: Mohammad Reza Jahanpanah
E: S. Barghnavard, F. Sharifi, S. Abtahi, A. Mehdizadeh, N. Rezaei
S: Mani Hashemian P: Nahid Rezaei, Shirin Barghnavard
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Seven female documentarians from Iran review their personal
stories and the obstacles they had to go through in order to de-
vote themselves to a profession that, after the Islamic Revolution
of 1979, has gained epic proportions. The intimate, confessional
shorts in Profession: Documentarist (a title that references Anto-
nioni’s Professione: Reporter) have the intimacy of a life journal
and are marked by war, censorship, persecution, religion, and
misogyny. And also by the nostalgia for a childhood that, from
reminiscence, seems like a distant, idealized land. The women
gathered are seven heroines driven by the need to reveal their
private worlds and denounce public injustices, in spite of the
consequences –from the questioning of the mutilation of female
mannequins in a store in Teheran and the vindication of censored
singers (such as the nostalgic Googoosh) to the uncertainty on
whether it’s better to migrate or, rather, to resist in their country of
origin. “We have films we can only make in our minds,” confesses
director Farahnaz Sharifi in her segment. This is, fortunately, not
one of them. ANR
Contacto / Contact
The Kingdom. Marie-Odile Gazin
T +33 6 5122 7720 E distrib.thekingdom@gmail.com
209
 panorama
Queen and Country
Reina y patria
En la obligatoria La esperanza y la gloria, John Boorman utilizó al
personaje Bill Rohan como álter ego para contar sus propias vi-
vencias en la Segunda Guerra Mundial, o cómo es crecer con un
terrible trasfondo. Queen and Country retoma la vida de un Bill con
los pies bien en la tierra, diez años después, cuando es llamado a
cumplir el servicio militar obligatorio en un Reino Unido que lamen-
taba la muerte del Rey Jorge VI y vivía el ascenso al trono de la
Reina Isabel II. Con un rico caudal de anécdotas en las que el humor
prevalece, vital y socarrón, Boorman retrata el declive del Imperio
británico desde un microcosmos tan esencial para la época como
el ejército, en el que las diferencias generacionales no podrían estar
más marcadas. Este es también un film de primeras veces: en el
amor, en el sexo, en la amistad y la lealtad, en tener un televisor y
lidiar con la antena. Incluso es sobre los comienzos de la cinefilia, ya
que, a través de Rashomon, el propio Boorman hará las paces con
un Toshiro Mifune que le cambiará la vida más de una vez. Con la
arrasadora firmeza autoral de un octogenario Boorman en excelente
estado, no queda más que esperar que la historia de Bill –o sea, de
Boorman– concluya en trilogía. Pablo Conde
Reino Unido / Irlanda / Francia / Rumania -
UK / Ireland / France / Romania, 2014
114’ / DCP / Color / Inglés - English
D, G: John Boorman F: Seamus Deasy E: Ron Davis DA: Serban Puropca
M: Stephen McKeon P: Kieran Corrigan, John Boorman
PE: Mary Alleguen, Cristian Bostanescu CP: Merlin Films I: Callum Turner,
Caleb Landry Jones, Pat Shortt, David Thewlis, Richard E. Grant
Contacto / Contact
Le Pacte. Ioana Dragomirescu
T +33 1 4469 5959 E i.dragomirescu@le-pacte.com W le-pacte.com
210 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In the must-see Hope and Glory, John Boorman used Bill Rohan’s
character as an alter ego in order to tell of his own experiences
during World War II, or how it is to grow up with a terrible back-
drop. Queen and Country resume the life of a Bill with his feet
firmly on the ground, ten years later, when he’s forced to serve
in the military in a United Kingdom that regretted the death of
King George VI and was experiencing Queen Elizabeth II’s rise to
the throne. With lots of anecdotes in which humor prevails, vi-
tal and deadpan, Boorman portrays the fall of the British Empire
from a microcosm as essential to that time as the army, in which
generation gaps couldn’t be more noticeable. This is also a film
about first times: in love, in sex, in friendship and loyalty, in hav-
ing a TV set and dealing with its antenna. It is even a film about
the beginnings of cinephilia, since, through Rashomon, Boorman
himself makes peace with a Toshiro Mifune what will change his
life more than once. With the overwhelming auteur’s conviction
of an octogenarian Boorman in great shape, all we have to do is
hope for Bill’s story –that is, Boorman’s– to end up as a trilogy. PC
John Boorman
Nació en Surrey, Inglaterra, en 1933, y más tarde se estableció en Irlanda.
Entre sus películas se encuentran A quemarropa (1967), El príncipe sin
palacio (1969), Excalibur (1980), La esperanza y la gloria (1987; nominada
a tres premios Oscar) y El sastre de Panamá (2001). | He was born in
Surrey, England, in 1933, and later settled in Ireland. Some of his films
are Point Blank (1967), Leo the Last (1969), Excalibur (1980), Hope and
Glory (1987; nominated for three Oscars) and The Tailor of Panama (2001).

Reflejo Narcisa
Narcisa Reflection
Con los bellos colores de unos días de otoño, esta película acom-
paña a Narcisa Hirsch, referente fundamental del cine experimen-
tal argentino, en sus actividades y meditaciones, sin determinar
claramente dónde terminan unas y comienzan las otras. Con la
revisión de fotos y cartas de la juventud de la madre de la ci-
neasta, se presenta un relato de donjuanes, hombres felices y
distantes, que adoptan una entidad misteriosa y mítica. Casi como
la recurrente referencia al desierto, ese lugar que solía atraer a los
místicos y acercarlos más a Dios. Narcisa observa, citando a Slo-
terdijk, el desamparo metafísico de nuestra época y cierta necesi-
dad de recuperar aquellos desiertos. Por eso los sigue buscando,
inventando y ofreciendo en cada proyección de sus films, como
pequeñas posibilidades de contemplación, atemporales, estáticas
y lúdicas a la vez. Silvina Szperling permite que las imágenes de
este documental surjan con espontaneidad como parte de una
escucha absorta. De esta manera, distintos reflejos se combinan y
dan lugar a diálogos con palabras e imágenes tan efímeras como
eternas. Eloísa Solaas
Argentina, 2015 / 75’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, E: Silvina Szperling F: Natalia de la Vega S: Julia Castro
M: Claudio Peña P: Fernando Domínguez, Silvina Szperling
PE: Fernando Domínguez CP: La Pata de Juana
I: Narcisa Hirsch, Ana Laura Ossés, Claudio Peña
Contacto / Contact
La Pata de Juana. Silvina Szperling
T +54 11 4522 0597 +54 9 11 5529 2265
E silviszpe@gmail.com
FB lapatadejuana - reflejonarcisa
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
With the beautiful colors of a few days in autumn, this film joins
Narcisa Hirsch, fundamental guiding light for Argentine experi-
mental film, in her activities and meditations, without clearly de-
termining where ones end and others begin. By revisiting photos
and letters from the filmmaker’s mother’s youth, the film presents
a tale of Don Juans, happy, distant men that adopt a mysteri-
ous, mythical essence. Almost like the recurring reference to the
desert, that place place that used to attract the mystics and draw
them closer to god. Narcisa observes, quoting Sloterdijk, the
metaphysical abandon of our times and a certain need to recover
those deserts. That’s why she continues searching, inventing and
offering them in every screening of her films like small possibili-
ties of contemplation that are timeless, emphatic and playful all at
once. Silvina Szperling allows the images in this documentary to
appear with spontaneity, as part of a fascinated listen. This way,
different reflections combine and give way to dialogue, with words
and images as fleeting as they are eternal. ES
Silvina Szperling
Nació en Buenos Aires en 1960. Formada en danza contemporánea, incur-
sionó en la videodanza, y varios de sus cortometrajes han sido premiados,
como Temblor (Mejor Edición de la Secretaría de Cultura de la Nación) y
Chámame (premio La Mujer y el Cine e IMZ/Cinedans, Amsterdam). Reflejo
Narcisa es su primer largometraje. | She was born in Buenos Aires in 1960.
She trained in contemporary dance and worked in video-dance, and direct-
ed several awarded short films, including Temblor (Best Editing in the coun-
try’s Secretary of Culture) and Chámame (La Mujer y el Cine award and
IMZ/Cinedans, Amsterdam). Reflejo Narcisa is her first feature-length film.
211
 panorama
Les Règles du jeu
Rules of the Game
Las reglas del juego
Es posible que en los tiempos de Renoir bastara con una sola
regla del juego. Hoy no. Este documental de Claudine Bories y
Patrice Chagnard es la historia de tres chicos de veinte años
que buscan insertarse en el mercado laboral francés. No son
brillantes, por cierto, y el mundo no los ha preparado para en-
tender qué es eso de volverse adultos. Los tres recurren a una
empresa que se encarga de ayudarlos a integrarse al mundo del
trabajo. El resultado es atroz, aunque hay momentos de come-
dia o de esperanza, incluso si esta última consiste en alegrarse
por encontrar un lugar donde ser explotado. El frío edificio de la
empresa, donde estos náufragos peregrinan para que los ayu-
den a encontrar un islote miserable en el que sobrevivir, parece
estar poblado de personas amables. Pero el film se encarga de
mostrarnos que todos están tan desesperados y tan esclaviza-
dos como aquellos a quienes deben integrar a la maquinaria.
A pesar de su humor –que lo tiene–, Las reglas del juego es
un film de pesadilla, un retrato del horror, un pequeño atisbo a
una futura –o presente– Edad Media. Leonardo M. D’Espósito
Francia - France, 2014 / 106’ / DCP / Color
Francés - French
D, G: Claudine Bories, Patrice Chagnard F: Patrice Chagnard
E: Stéphanie Goldschmidt S: Benjamin Van de Wielle, Pierre Carrasco
P: Muriel Maynard, Patrick Sobelman CP: Ex Nihilo, Les Films du Parotier
I: Lolita, Kevin, Amid, Thierry
Contacto / Contact
Doc & Film International. Hannah Horner
T +33 1 4277 5687
E h.horner@docandfilm.com - assistant2@docandfilm.com
W docandfilm.com
212 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
It’s possible that, in Renoir’s time, just one rule would have suf-
ficed. Not today. This documentary by Claudine Bories and Pa-
trice Chagnard is the story of three twenty-year-olds who seek
to insert themselves in the French labor market. They are not
brilliant, by the way, and the world hasn’t prepared them to un-
derstand what it means to become an adult. The three of them
turn to a company whose business is to help them integrate in
the world of labor. The end result is atrocious, even if there are
moments of comedy or hope, even if the latter consists in being
happy about having found a place to be exploited in. The cold
company building to which these castaways go on a pilgrimage
in order for them to help them find a miserable islet where they
can survive seems to be populated by nice people. But the film
manages to show us that they are all as desperate and enslaved
as those they must make part of the machinery. In spite of its
humor –the film its share of it– Rules of the Game is a nightmar-
ish film, a portrait of horror, a small glimmer to some future –or
present– Middle Ages. LMDE
Claudine Bories
Comenzó su carrera en el teatro antes de realizar films tales como Juliette
du côté des hommes (1981; Cannes) y Les arrivants (2009). | She started
her career in theater after making such films as Juliette from the Men’s
Side (1981; Cannes) and The Arrivals (2009).
Patrice Chagnard
Estudió filosofía en la Sorbona y dirigió Swami-ji, un voyage intérieur (1983)
y Impression, Musée d’Alger (2003), entre otros. | He studied philosophy at
the Sorbonne and directed Swami-ji, an Inner Voyage (1983) and Impres-
sion, Museum of Algiers (2003), among other films.

Revivre
Hwajang
Uno de los (tantos) problemas a los que están expuestos los di-
rectores de cine, al llegar a la vejez, es el de ser canonizados.
Rápidamente, más allá de los méritos de su obra, suelen volverse
intocables y están rodeados por un séquito dispuesto a celebrar
sus carreras (por muy mediocres que hayan sido) dejando de lado
cualquier tipo de análisis o sentido crítico. No ocurre esto con Im
Kwon-taek, quien, con 79 años, llega a la película número 102 en
su filmografía. La vejez y el paso del tiempo, justamente, son los
temas centrales de Revivre, cuya trama cuenta la historia de Oh
Sang-moo, ejecutivo de una importante empresa de cosméticos
que se enfrenta a la inminente muerte de su esposa y a la aparición
del deseo representada a través de una nueva y joven empleada.
Utilizando saltos en el tiempo narrativo, el director evita el posible
suspenso de este tipo de trama y deja de lado cualquier atisbo de
excesos melodramáticos, centrando la historia en las responsabili-
dades sentimentales del protagonista. Al igual que sus personajes,
Im Kwon-taek tampoco pierde su deseo: en su caso, el de seguir
realizando películas únicas y personales. Marcelo Alderete
Corea del Sur - South Korea, 2014 / 93’ / DCP / Color
Coreano - Korean
D: Im Kwon-taek G: Song Yun-hee F: Kim Hyung-koo
E: Park Sun-duck, Steve M. Choi DA: Ju Byung-do S: Kim Suk-won
M: Kim Soo-chul P: Shim Jae-myung PE: Lee Eun CP: Myung Films
I: Ahn Sung-ki, Kim Qyu-ri, Kim Ho-jung
Contacto / Contact
Finecut. Kim Namyoung
T +82 2 569 8777 E ny@finecut.co.kr
W finecut.co.kr
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
One of the (many) problems filmmakers must face when they reach
old age is being canonized. Rapidly, regardless of the merits of
their work, they tend to become untouchable, and are surrounded
by an entourage willing to celebrate their careers (as mediocre as
they may have been) leaving aside any kind of analysis of criti-
cism. That is not the case with Im Kwon-taek, who, at 79, reaches
the 102nd film in his career. Old age and the passing of time are
precisely the main themes in Revivre, whose plot tells the story of
Oh Sang-moo, executive of an important cosmetic business that
faces the imminent death of his wife and the appearance of desire
represented through a new, young employee. Using narrative time
leaps, the director avoids any possible suspense in this kind of plot,
and abandons any glimpse of melodramatic excess, centering the
story on the sentimental responsibilities of the protagonist. Like his
characters, Im Kwon-taek doesn’t lose his desire: in his case, that
of continuing to make unique, personal films. MA
Im Kwon-taek
Nació en Gwangju, Corea del Sur, en 1936. Desde su debut con Farewell
to the Duman River (1962), dirigió más de cien películas, entre ellas, Sibaji
(1987), La historia de Chunhyang (2000) y Chihwaseon (2002; premio al
Mejor Director en Cannes). En 2002 la Unesco le otorgó la Medalla Fellini,
y en 2005 recibió un Oso de Oro honorario en la Berlinale. | He was born
in Gwangju, South Korea, in 1936. Ever since his debut with Farewell to the
Duman River (1962), he directed over a hundred films, including Surrogate
Woman (1987), Chunhyang (2000) and Chihwaseon (2002; Best Director
at Cannes). In 2002 Unesco gave him the Fellini Medal, and in 2005 he
received an Honorary Golden Bear at the Berlinale.
213
 panorama
RevoluçÂo Industrial
Industrial Revolution
Revolución Industrial
Si para Sacro GRA (vista en el último Bafici) la historia y el pre-
sente convergen en una autopista que rodea a Roma, Revolução
Industrial replica esa hermosa analogía con un río del norte por-
tugués. Y así, corriente abajo, van brotando las microhistorias que
entretejen el curso de la Gran Historia, esa que solo la distancia
termina revelando en sus múltiples matices. En la construcción
no de una distancia, sino de muchas (la proximidad documental,
el alejamiento poético) es donde Lobo y Hespanha se destacan
de otros exponentes del documental de tintes sociales. Hay un
retrato elíptico y a la vez empático de la sufrida clase trabajadora
portuguesa, paseada por todos los sectores productivos como
una tela de araña en el viento; una investigación que rompe con
todo didactismo sobre el modo en que la agricultura dio paso a la
industria textil y esta a la automatización que condujo al abandono
y al desempleo. Fresco social, sí, pero filtrado por un montaje de
choques y fantasmas, por un mundo de sonidos musicalmente
industriales. Portugal la mística, la misteriosa, empequeñecida
por sus fábricas y sus oligarcas, engrandecida por su cine, en
constante expansión. Guido Segal
Portugal, 2014 / 73’ / DM / Color
Portugués - Portuguese
D, G, F: Tiago Hespanha, Frederico Lobo E: Federico Delpero Bejar,
Frederico Lobo, Tiago Hespanha DA: Tiago Hespanha, Frederico Lobo
S: Pedro Augusto (Estúdio The Environment) M: Ghuna X, Phase
P: Leonor Noivo, João Matos, Joana Gusmão CP: Terratreme Filmes
Contacto / Contact
Terratreme Filmes. Pedro Peralta
T +351 21 241 5754
E pedroperalta@terratreme.pt W terratreme.pt
214 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Whereas in Sacro GRA (screened at the last Bafici), past and
present converged in a freeway surrounding Rome, Industrial
Revolution replicates that beautiful analogy with a river in North-
ern Portugal. And so, micro-stories sprout downstream, intertwin-
ing the course of the Big Story –the one only distance ends up
revealing in its multiple facets. Their construction of not one but
many distances (the proximity of documentary filmmaking, the
poetic distance) is what separates Lobo and Hespanha from other
examples of social-themed documentary cinema. There’s a both
elliptic and empathic portrait of the struggling Portuguese working
class, going through all the productive sectors like a spider web
in the wind. It’s an investigation that differs from any didactic view
of the way agriculture was replaced by the textile industry, which
lead to automatized labor, and resulted in social abandonment and
unemployment. It’s a social portrait, yes, but it’s filtered through
a ghost-filled, shock editing, and a world of musically industrial
sounds. Portugal, the mysterious, belittled by its factories and
oligarchs, and enhanced by its constantly expanding cinema. GS
Los directores | the directors
Frederico Lobo nació en Oporto, Portugal, en 1981. Trabajó como direc-
tor de fotografía y en el área de sonido de diversos documentales. Tiago
Hespanha estudió arquitectura y asistió al workshop sobre dirección docu-
mental en Lisboa. Dirigió, entre otros, The Gift from Afar (2008) y Guided
Tour (2009). | Frederico Lobo was born in Oporto, Portugal, in 1981. He
worked as a cinematographer and in the sound department of several
documentaries. Tiago Hespanha studied Architecture and assisted the
workshop about documentary filmmaking in Lisboa. He directed, The Gift
from Afar (2008) and Guided Tour (2009), among others.

Rocky IV, le coup de
poing americain
Rocky IV, the American Punch
Rocky IV, la trompada americana
Justo en la mitad de la década del ochenta, en 1985, Sylvester
Stallone escribió, dirigió y protagonizó la cuarta entrega de Rocky.
La más bombástica de toda la serie, la que fue considerada una
cumbre del cine reaganista. Claro, los que teníamos doce años en
el momento del estreno nos enteramos de esos detalles después.
También supimos más tarde que mucha crítica se había dedicado
a destrozar la película, y que había ganado varios de esos Razzie
Awards, uno de los premios más tontos y conservadores del mun-
do del cine. Allá ellos. Rocky IV no solo fue un éxito enorme, sino
que además se adelantó al fin del comunismo. La película, vista
hoy, tiene momentos y frases directamente clarividentes. Este do-
cumental es una exploración de Rocky IV, de Stallone, de Reagan,
de los ochenta, de la Guerra Fría, y de la influencia del soft power
del cine y de la cultura popular estadounidense para ganar esa
guerra. Es un documental casi tan divertido como la película que
le dio origen, con un archivo extraordinario que comienza con el
joven dictador hereditario Kim Jong-un aplaudiendo una interpre-
tación de la música de Bill Conti. Javier Porta Fouz
Francia - France, 2014 / 52’ / DM / Color
Inglés - English, Francés - French, Alemán - German
D: Dimitri Kourtchine
Contacto / Contact
ARTE France. Audrey Kamga
T +33 1 5500 7081
E a-kamga@artefrance.fr
W artepro.com/sales
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Right in the mid-eighties, in 1985, Sylvester Stallone wrote, di-
rected and starred in the fourth installment of Rocky. The most
bombastic of the franchise, the one that was considered a pin-
nacle of Reaganist cinema. Of course, those of us who were
twelve when it came out found out about those details later. We
also found out later that many critics had panned the film, and it
had won many of those Razzie Awards, one of the stupidest and
most conservative awards in the world of film. Rocky IV was not
only a huge hit, but it also anticipated the fall of communism. Seen
today, the film has some moments and quotes that are downright
clairvoyant. This documentary is an exploration of Rocky IV, of
Stallone, of Reagan, of the eighties, of the Cold War, and of how
influential the soft power of American film and popular culture
proved to be in order to win that war. It’s a documentary almost
as amusing as the film that originated it, with extraordinary stock
footage that begins with young hereditary dictator Kim Jong-un
applauding a rendition of Bill Conti’s music. JPF
Dimitri Kourtchine
Nacido en Moscú, en la entonces URSS, en 1983, vive en París, Francia. Ha
realizado numerosos documentales para el canal Arte France, entre ellos
Apple, la tyrannie du cool. También es autor e ilustrador de libros infantiles
como Alexis et son épi (2011). | Born in Moscow, then the USSR, in 1983,
he lives in Paris, France. He has made many documentaries for the TV
channel Arte France, among them Apple, the Tyranny of Cool. He’s also an
author and illustrator of children’s books, such as Alexis et son épi (2011).
215
 panorama | competencia DDHH
El ruido de la memoria
Il rumore della memoria
The Noise of Memory
El director de Garage Olimpo se acerca a la figura de Vera Vi-
gevani Jarach, una entrañable mujer de 86 años que nació en
Italia, vino a Argentina en 1939 e integró Madres de Plaza de
Mayo. En su desgarradora historia se sintetizan dos horrores: el
Holocausto y la última dictadura militar. Ella perdió a su abuelo,
que murió en febrero de 1944 en Auschwitz, y a su hija Franca, de
apenas 18 años, desaparecida en 1977. Bechis filma con enorme
sensibilidad esta historia de aviones (que tiran cuerpos) y trenes
(que llevan presos al campo de concentración), vinculándola con
su propia experiencia en los centros clandestinos de detención.
Particularmente conmovedoras son las escenas en las que Vera
se abraza con Marta Álvarez, una de las pocas sobrevivientes de
la ESMA, o cuando vuelve a su escuela de Milán (donde casual-
mente está radicado Bechis desde 1977, tras ser deportado de
Argentina), de la que fue expulsada por ser judía. Una película so-
bre el dolor y la memoria. Sobre héroes sin tumbas. Diego Batlle
Italia / Argentina - Italy / Argentina, 2015
58’ / DM / Color / Italiano - Italian, Español - Spanish
D: M. Bechis G: M. Bechis, A. Ferrari, C. Giargia, A. Rastelli
F: C. Migliora, F. Profeta E: I. Patierno S: D. Sosio, M. Pochiero,
A. Ricossa M: J. Lederlin P: M. Bechis, C. Giargia PE: C. Scardamaglia,
D. Incalcaterra, P. Zingierman CP: Karta Film, Corriere della Sera
I: V. Vigevani Jarach, M. Bechis, M. Alvarez, L. Segre
Contacto / Contact
Karta Film. Marco Bechis
T +39 348 570 1970
E karta@garageolimpo.it - marco.bechis@gmail.com W marcobechis.com
216 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The director of Garage Olimpo approached the figure of Vera Vi-
gevani Jarach, a loving 86 year-old woman who was born in Italy
and came to Argentina in 1939, and later joined the Mothers of
Plaza de Mayo. Her heartbreaking story synthesizes two different
horrors: the Holocaust and the last military dictatorship. She lost
her grandfather, who died on February 1944 in Auschwitz, and her
daughter Franca, who was barely 18, was disappeared in 1977.
Bechis captures with great sensibility this story about airplanes
(throwing bodies) and trains (carrying prisoners to concentration
camps), and connects it with his own experiences at illegal deten-
tion camps. Specially moving scenes are the ones showing Vera
hugging Marta Álvarez, one of the few survivors from ESMA, or the
time she returned to her school in Milan (where by coincidence
Bechis resides since his deportation from Argentina in 1977),
from which she was expelled for being Jewish. A reflection on
pain and memory. On heroes without tombs. DB
Marco Bechis
Nació en Santiago de Chile en 1955, y vivió en Buenos Aires, Brasil, Estados
Unidos y Europa. Estudió cine en Milán, Italia. Dirigió el mediometraje Luca’s
Film (1997) y los largos Alambrado (1991), Garage Olimpo (1999; Cóndor
de Plata al Mejor Director), Figli/Hijos (2001), Birdwatchers (La terra degli
uomini rossi) (2008) e Il sorriso del capo (2011, Bafici ‘12). | He was born
in Santiago de Chile in 1955, and lived in Buenos Aires, Brazil, USA and
Europe. He studied Film in Milan, Italy. He directed the medium length film
Luca’s Film (1997) and the full length films Alambrado (1991), Garage Olim-
po (1999; Silver Condor for Best Director), Figli/Hijos (2001), BirdWatchers
(La terra degli uomini rossi) (2008), and Il sorriso del capo (2011, Bafici ‘12).

La Sapienza
En los siete minutos iniciales, el excéntrico Eugène Green des-
pliega y condensa con elegancia las coordenadas simbólicas de
su quinta película: varios planos generales sobre la catedral que
inspira el nombre del film vienen acompañados de un canto coral
de connotaciones religiosas. A continuación, en el momento en
que recibe un premio, el arquitecto interpretado por Fabrizio Ron-
gione ofrece un discurso de agradecimiento y explicita su visión
del mundo y sus edificios: “Soy un materialista. Un verdadero de-
fensor del secularismo francés”. En esa tensión amable entre dos
visiones del mundo, el protagonista y su mujer –una psicoanalista
heterodoxa– se irán de viaje por unos días y, a propósito de un
encuentro fortuito con una pareja joven (que en verdad son her-
manos), el hombre irá tras las huellas del gran arquitecto barroco
Francesco Borromini. El deliberado antinaturalismo interpretativo,
sumado a los misteriosos plano-contraplanos frontales del direc-
tor, funciona como un sistema poético de purificación destinado a
intensificar una experiencia perceptiva a contramano de nuestro
modo de estar en este mundo. Roger Koza
Francia / Italia - France / Italy, 2014
105’ / DCP / Color / Francés - French, Italiano - Italian
D, G: Eugène Green F: Raphäel O’Byrne E: Valérie Loiseleux
S: Mirko Guerra, Sonia Portoghese
P, PE: Martine De Clermont-Tonnerre, Alessandro Borrelli
CP: Mact Productions, La Sarraz Pictures I: Fabrizio Rongione,
Christelle Prot Landman, Ludovico Succio, Arianna Nastro
Contacto / Contact
La Sarraz Pictures. Antonietta Bruni
T +39 011 553 4260 E lasarrazdistribuzione@gmail.com
W lasarraz.com FB lasapienzafilm
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
In the film’s seven opening minutes, the eccentric Eugène Green
elegantly deploys and condenses the symbolical coordinates of
his fifth film: many wide shots of the cathedral that serves as
inspiration for the film’s title are accompanied by a choir chant of
religious connotations. Next, when receiving an award, the archi-
tect played by Fabrizio Rongione offers an acceptance speech and
states his views on the world and its buildings: “I’m a materialist.
A true defender of French secularism.” In that amiable tension
between two different views on the world, the protagonist and his
wife –a heterodox psychoanalyst– go on a trip for a few days and,
as a consequence of an accidental meeting with a young couple
(who are actually siblings), the man goes after the great baroque
architect Francesco Borromini. The deliberate anti-naturalism in
the performances, as well as the director’s mysterious frontal
shot/reverse shots, work as a poetic purification system whose
aim is to intensify a perceptive experience that goes against our
way of being in this world. RK
Eugène Green
Nació en 1947 en Nueva York, pero se mudó a París para estudiar literatura,
idiomas e historia del arte, y desde 1976 es ciudadano francés. Dirigió Le
Monde Vivant (2003; Bafici ‘04), Correspondences (2007), un segmento
del film colectivo Memories (2007; Bafici ‘08) y A religiosa portuguesa
(2009; Bafici ‘10), entre otras. | He was born in 1947 in New York, but
moved to Paris to study Literature, Languages, and Art History, and is a
French citizen since 1976. He directed The Living World (2003; Bafici ‘04),
Correspondences (2007), a segment of the collective film Memories (2007;
Bafici ‘08) and The Portuguese Nun (2009; Bafici ‘10), among others.
217
 panorama
Sauerbruch Hutton
Architects
Sauerbruch Hutton Architekten
Sauerbruch Hutton Arquitectos
Arquitectos trabajando: nada más cinematográfico ni más gráfico
que la alternancia entre lo diseñado y lo construido, entre lo plano
y lo tridimensional. Pero esta película de título muy corporativo,
rodada durante tres meses en un gran estudio berlinés, se separa
de esa nitidez para instalar una duda generalizada, una duda más
referida a su propia mirada crítica que al valor de lo que filma.
[…] En este retrato grupal, los creadores aparecen como maes-
tros retóricos y, al mismo tiempo, como niños que juegan con los
materiales y colores. A través de sus palinodias, Farocki interroga
nada menos que las relaciones entre el verbo y la materia, y sin
duda también encuentra un espejo del cine en el renovado mis-
terio del arte arquitectónico: producir formas a partir del discurso.
Catálogo DocBuenosAires
Alemania - Germany, 2013 / 73’ / DM / Color
Alemán - German
D, G, F: Harun Farocki E: Ingo Kratisch
S: Matthias Rajmann CP: Harun Farocki Filmproduktion
Contacto / Contact
Harun Farocki Filmproduktion. Matthias Rajmann
T +49 89 201 3547 +49 175 848 3834
E matthias.rajmann@farockifilm.de
W farockifilm.de
218 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Architects at work: a priori nothing lends itself better to cinema,
nothing is more graphic than shots that alternate between the
drawing and the built structure, between the two-dimensional
plan and the three-dimensional result. Yet this film, with its cor-
porate-sounding title, shot over three months in a large Berlin-
based firm, abandons this clarity to instill a generalized doubt
–not so much about the value of those it films as about its own
critical viewpoint. […] In this group portrait, the creators appear
both as master rhetoricians and children playing with materi-
als and colors. Through their changing opinions, what Farocki
is questioning is nothing less than the relationships between
word and matter –which inevitably finds a mirror of cinema in
the renewed mystery of architectural art: producing form from
discourse. DBA’s catalogue
Harun Farocki
Nació en 1944 en Sudetenland, ex Checoslovaquia, y estudió cine en
Berlín. En 2003 el Festival le dedicó un foco que incluyó, entre otras pelícu-
las, El fuego inextinguible (1969) y Videogramas de una revolución (1992).
In Comparison se exhibió en el Bafici ‘09 y Respite en el Bafici ‘10. | He
was born in 1944 in Sudetenland, former Czechoslovakia. He studied Film
in Berlin and taught in several universities. In 2003 the Festival held a focus
of his work that included The Inextinguishable Fire (1969) and Videogram
of a Revolution (1992), among other films. In Comparison was screened
at Bafici ’09.

She Makes Comics
Ella hace historietas
Detrás de la exageración hermosa (y a veces hasta inteligente) de
la pin-up girl que enamora al geek (ya sea su versión de pedigrí
pop, Ramona Flowers, o el bombón asesino de sitcom, Penny…
Penny… Penny), el 2014 develó el lado inmundo de esa fantasía:
se volvieron públicos y polémicos casos de sexismo, e incluso
abuso, en los universos del cómic americano y de los videojuegos.
She Makes Comics, documental maravilla, consigue ser político
tan solo llenando el álbum de figuritas (y sin mirar el contenido
de los paquetes): sin ser exhaustivo y sin querer serlo, ama a sus
mujeres, que han dedicado su vida a hacer historietas y crear
cultura pop en Estados Unidos. La reverencia a Jackie Ormes
(primera profesional negra) y a Ramona Fradon, la celebración
de Jenette Kahn (que creó el cerebro de la historieta moderna
mainstream en los ochenta) o la lucidez de Kelly Sue DeConnick
no son excepciones, sino evoluciones de la realidad lamentable-
mente secreta de la mujer en el medio. “Ella hace cómics” suena
a canción ramonera y, por suerte, este documental vibra de forma
igual y felizmente caricaturesca. Juan Manuel Domínguez
Estados Unidos - US, 2014 / 72’ / DM / Color
Inglés - English
D: Marisa Stotter F: Jordan Rennert E: Marisa Stotter, Patrick Meaney
P: Marisa Stotter, Patrick Meaney, Jordan Rennert PE: Karen Green,
Mike Phillips, Julian Darius I: Kelly Sue DeConnick, Wendy Pini,
Gail Simone, Ramona Fradon, Trina Robbins
Contacto / Contact
Respect Films. Patrick Meaney
T +1 914 275 5070 E patrickmmeaney@gmail.com
W respectfilms.com - shemakescomics.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Behind the beautiful (and sometimes even smart) exaggeration
of the pin-up girl who wins a geek’s heart (whether it’s the pop
pedigree version, Ramona Flowers, or the killer sitcom beauty,
Penny… Penny… Penny…), 2014 exposed the filthy side of that
fantasy: they became public and controversial cases of sexism,
and even abuse, in the American comic book and video game
universes. She Makes Comics, documentary wonder, succeeds
in being political just by filling the trading card album (without
looking the pack’s content) –without being thorough, and without
wanting to be so, it loves its women, who have devoted their lives
to making comics and creating pop culture in America. The rever-
ence to Jackie Ormes (the first black professional) and Ramona
Fradon, the celebration of Jenette Kahn (who created the brains of
modern mainstream comics in the eighties) or the lucidity of Kelly
Sue DeConnick are not exceptions, but evolutions of the unfortu-
nately secret reality of women in the medium. “She makes com-
ics” sounds like a Ramones song and, luckily, this documentary
vibrates in a similar, joyously cartoonish way. JMD
Marisa Stotter
Nacida en Nueva Jersey, EE. UU., se formó y graduó en la Universidad
Wesleyan. Luego de realizar algunos trabajos en el área de producción,
debutó como directora cinematográfica con She Makes Comics. | Born in
New Jersey, USA, she studied and graduated at the Wesleyan University.
After some work in the area of production, she debuted as a film director
with She Makes Comics.
219
 panorama
Short Skin
“No me rompas las bolas, Arturo”, le reclama Edo a su amigo,
quien pretende arrastrarlo en sus desesperadas búsquedas de
sexo iniciático. Como si no fuera suficientemente difícil la adoles-
cencia para un muchacho más o menos normal, Edo carga desde
chico con un problema extra, una condición clínica conocida como
fimosis, que garantiza que toda interacción genital (incluso con su
mano) se convierta en un mundo de dolor. Flaco como un palo,
educado, sensible y algo taciturno, a Edo las chicas y las oportu-
nidades comienzan a acercársele casi sin esfuerzo, pero también
sin esperanza. Dos chicas en particular: una atractiva rockera cool,
carnosa y frontal, que quiere divertirse un poco; y Bianca, la vecina
estival de la que lleva algún tiempo enamorado. La fórmula “rela-
to de iniciación” no alcanza para describir el encanto del primer
largo de ficción de Chiarini ni tampoco el brillante hallazgo que es
Matteo Creatini y la naturalidad con que nos mete en su doloroso
Vía Crucis, un camino del cual saldremos mirando a los pulpos (sí,
esos moluscos) de un modo enteramente nuevo. Mariano Kairuz
Italia - Italy, 2014 / 86’ / DCP / Color
Italiano - Italian
D, G: Duccio Chiarini F: Baris Ozbicer E: Roberto Di Tanna
DA: Ilaria Fallacara S: Davide Favargiotti M: Woodpigeon
P: Babak Jalali, Duccio Chiarini CP: La Règle du Jeu
I: Matteo Creatini, Francesca Agostini
Contacto / Contact
Films Boutique. Valeska Neu
T +49 30 6953 7850
E valeska@filmsboutique.com
W filmsboutique.com
220 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
“Don’t bust my chops, Arturo,” Edo complains to his friend, who
wants to drag him along in his desperate searches for initiation
sex. As if adolescence weren’t already hard for a more or less
normal kid, Edo has been carrying an extra burden since he was
little, a clinical condition known as phimosis, which guarantees
that every kind of genital interaction (even with his own hand) will
turn into a world of pain. Skinny as a stick, educated, sensitive
and somewhat reserved, Edo has some girls and opportunities
starting to approach him almost without effort, but also without
hope. Two girls in particular: an attractive, cool rocker, fleshy and
forward, who wants to have a little fun; and Bianca, the sum-
mertime neighbor he’s been in love with for a while. The “coming
of age” formula isn’t enough to describe the charm of Chiarini’s
first fiction film, nor is brilliant newcomer Matteo Creatini and the
spontaneity with which he drives us through his painful ordeal, a
path from which we will come out seeing octopuses (yes, those
mollusks) in a whole new light. MK
Duccio Chiarini
Nació en Florencia, Italia, y estudió dirección en la Escuela de Cine de
Londres. Junto a Babak Jalali, fundó la productora La Règle du Jeu y realizó
cortometrajes como Alone Together (2005) y Fine stagione (2006), y el
documental Hit the Road, Nonna (2011). | He was born in Florence, Italy,
and studied Filmmaking at the London Film School. Together with Babak
Jalali, he founded the production company La Règle du Jeu and directed
short films like Alone Together (2005) and Fine stagione (2006), and the
documentary Hit the Road, Nonna (2011).

Los silencios y las manos
Silences and Hands
Si un día llegara a imponerse algo así como el documental-poesía,
habrá que buscar en Los silencios y las manos a uno de sus prin-
cipales antecedentes. El director Hernán Khourian hace un retra-
to de Telma Palavecino, una anciana mística cuya figura resulta
cautivante desde los primeros minutos. Khourian la observa aten-
tamente en sus múltiples tareas, cuando recita poemas, explica
cuestiones de su singular credo, cuenta anécdotas o simplemente
se desplaza por su casa. La consigna parece ser tratar de conocer
a Telma sin agotar su secreto, siempre respetando su misterio.
Su rostro agrietado se vuelve rápidamente un paisaje que invi-
ta a reposar la mirada; cuanto más la encuadra la cámara, más
insondable se revela. El director acompaña con un trabajo de en-
rarecimiento audiovisual el trance en el que tratan de sumirnos
las palabras de su entrevistada, como ese momento en el que la
cámara se acerca y aleja de un ventilador como si entrara en otro
universo y luego volviera con quién sabe qué noticias. Diego Maté
Argentina, 2014 / 58’ / DM / B&N
Español - Spanish
D, G, F, E, DA, P: Hernán Khourian
S: Guido Ronconi, Hernán Khourian
I: Telma Palavecino
Contacto / Contact
Hernán Khourian
T +54 9 221 504 1797
E wasiberran@gmail.com
W hernankhourian.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
If we were to see one day that some sort of poetry-documentary
genre had become the mainstream, we would have to search
in Silences and Hands for its main precedent. Director Hernán
Khourian makes a portrait of Telma Palavecino, a mystical old lady
whose figure captivates us a few minutes into the film. Khourian
observes her attentively as she does several things –she recites
poetry, explains issues about her singular belief, tells anecdotes,
or simply walks around at home. The intention appears to be get-
ting to know Telma without consuming her secret, and always
respect her mystery. Her chapped face quickly becomes a land-
scape that invites us to observe –the more the camera frames
her, the more unfathomable she seems to be. The director adds
a feel of audiovisual estrangement to the trance her words try to
lead us into, like at some point when the camera zooms in and out
of a fan as if entering a different universe and then returning with
some weird news. DM
Hernán Khourian
Nacido en La Plata en 1972, estudió cine en la UNLP y en la Universidad
Pompeu Fabra de Barcelona, España. Entre sus obras se encuentran Áreas
(2000), Las sábanas de Norberto (2003), Puna (2006), Esplín o errar o sin
embargo (2007), Los pernoctantes (2008) y Memoria (2010). Es docente
en la UNLP, la UNTREF y la Universidad del Cine. | Born in La Plata in 1972,
he studied Filmmaking at the UNLP and the Pompeu Fabra University in
Barcelona, Spain. Áreas (2000), Las sábanas de Norberto (2003), Puna
(2006), Esplín o errar o sin embargo (2007), Los pernoctantes (2008) and
Memoria (2010) are some of his works. He’s a teacher at the UNLP, the
UNTREF and Universidad del Cine.
221
 panorama
Sivas
La acción transcurre en Anatolia Central, la dura estepa de Turquía
cuya tierra reseca y helada no ofrece demasiado a sus habitantes.
Aslan, el protagonista, es un chico de 11 años que, como todos,
lleva ropas usadas por muchos antes que él y se dedica al pas-
toreo. Su único interés es Ayse, una compañera de escuela que
no le corresponde. Un poco para llamar su atención, pero también
para encontrar una identidad, Aslan rescata a un perro que quedó
medio muerto tras una riña organizada por los pastores. Pero esta
no es una historia azucarada sobre la relación entre un chico y
su mascota. En estas vidas no hay mucho lugar para el afecto, y
los vínculos son utilitarios: el perro es rescatado, pero para que
siga peleando. El animal se vuelve un símbolo de las relaciones
brutales entre las personas. Sobre el final, el protagonista tiene la
oportunidad de romper el círculo de inhumanidad al que su medio
lo confina cuando logra dejar de ver al perro apenas como una
cosa. Kaan Müjdeci obtiene un grado máximo de realismo gracias
al uso experto de la cámara en mano y a las extraordinarias inter-
pretaciones de sus actores no profesionales. Hernán Ferreirós
Turquía / Alemania - Turkey / Germany, 2014
97’ / DCP / Color
Turco - Turkish
D, G: Kaan Müjdeci F: Armin Dierolf, Martin Hogsnes Svang
E: Yorgos Mavropsaridis DA: Meral Efe Yurtsever, Emre Yurtsever
S: Cevdet Erek M: Cevdet Erek P: Yasin Müjdeci CP: Coloured Giraffes,
Kaanfilm I: Dogan Izci, Müttalip Müjdeci, Banu Fotocan
Contacto / Contact
Coloured Giraffes. Nazli Kilerci
T +49 163 861 8591
E nazli.kilerci@gmail.com - info@sivasfilm.com W sivasfilm.com
222 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The action takes place in Central Anatolia, the harsh steppe in
Turkey who’s arid, frozen soil doesn’t hold much to offer its inhab-
itants. Aslan, the main character, is an 11-year-old boy who, like
everyone, wears clothes that were used by many before him, and
is devoted to shepherding. His sole interest is Ayse, a schoolmate
who doesn’t like him back. Partly in order to grab her attention,
but also as a way of finding an identity, Aslan rescues a dog that
was left half-dead after a fight organized by the shepherds. But
this is not a saccharine story on the relationship between a kid
and his pet. In this lives, there isn’t much room for affections, and
bonds are utilitarian: the dog is rescued, but in order for it to keep
fighting. The animal becomes a symbol for the brutal relations
between people. Near the end, the main character has the chance
of breaking the circle inhumanity his environment confines him
in when he stops seeing the dog as just a thing. Kaan Müjdeci
achieves a maximum degree of realism thanks to an expert use
of handheld camera and the extraordinary performances from the
film’s non-professional actors. HF
Kaan Müjdeci
Nació en Ankara, Turquía. Se mudó a Berlín con el objetivo de estudiar y,
entre otras cosas, abrió un espacio de cine al aire libre y un bar. Realizó
los cortos Day of German Unity (2010) y Jerry (2011; su tesis en la New
York Film Academy) y el documental Fathers and Sons (2012). | He was
born in Ankara, Turkey. He moved to Berlin to study, and opened an open-
air cinema and a bar, among other things. He directed the short films Day
of German Unity (2010) and Jerry (2011; his thesis at the New York Film
Academy) and the documentary Fathers and Sons (2012).

Spartiates
Spartans
Espartanos
Yvan Sorel regentea un club de artes marciales en uno de los
barrios más peligrosos de Marsella. Allí trabaja sin ninguna cla-
se de subsidio para lograr que sus alumnos, niños y jóvenes, no
terminen en una banda o vendiendo droga en las calles. Sorel es
estricto, incluso cruel, y asume el papel de coach, tutor, hermano
mayor consciente de que, más allá de prepararlos para el próximo
campeonato, su misión es formarlos para una vida que para todos
será siempre cuesta arriba. Sorel es un personaje ambiguo, ego-
céntrico y generoso a un tiempo, con una presencia sobre la que
se podrían levantar varias películas más. Y el gran mérito en la
dirección contundente, por momentos incluso virtuosa, de Nicolas
Wadimoff es que logra que esa presencia no acabe devorando el
film; a cambio, nos deja una reflexión no exenta de pesimismo
sobre la crueldad con que la Europa del siglo XXI puede devorar a
sus hijos más frágiles. Fran Gayo
Suiza - Switzerland, 2014
80’ / DCP / Color
Francés - French
D, F, E: Nicolas Wadimoff CP: Akka Films I: Yvan Sorel
Contacto / Contact
Doc & Film International. Hannah Horner
T +33 1 4277 5687
E h.horner@docandfilm.com - assistant2@docandfilm.com
W docandfilm.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Yvan Sorel runs a martial arts club in one of the most dangerous
neighborhoods in Marseilles. He works under no subsidies of any
kind for his students, who are kids and teenagers, not to end up
in a gang or selling drugs in the streets. Sorel is strict, even cruel,
and acts as coach, tutor and big brother while being aware that,
aside from preparing them for their next championship, his mis-
sion is to train them for their lives to go uphill. Sorel is an ambigu-
ous character, self-centered and generous at the same time, with
a presence over which many other films could be built. And the
great feat in Nicolas Wadimoff’s blunt, sometimes virtuous, direct-
ing is that he succeeds in not making that presence chew up the
scenery –in exchange, he leaves us a reflection, not devoid of
pessimism, on the voraciousness with which 21st century Europe
can devour its most fragile children. FG
Nicolas Wadimoff
Nacido en Ginebra, Suiza, en 1964, se graduó en comunicación en la
Universidad de Quebec, en Montreal. Fue guitarrista de rock, director de TV,
y en 2003 fundó la productora Akka Films. Dirigió, entre otros, los títulos
Le Bol (1991), Les Gants d’or d’Akka (1992), Clandestins (1997), L’Accord
(2005) y Aisheen (Still Alive in Gaza) (2010; Bafici ‘11). | Born in Geneva,
Switzerland, in 1964, he majored in Communication at the University of
Quebec, in Montreal. He was a rock guitarist, TV director, and founded
the production company Akka Films in 2003. He directed several films,
including Le Bol (1991), Les Gants d’or d’Akka (1992), Clandestins (1997),
L’Accord (2005) and Aisheen (Still Alive in Gaza) (2010; Bafici ‘11).
223
 panorama
Steak (r)évolution
Steak (R)evolution
La (r)evolución del bife
Comer carne roja. Desde criadores a carniceros y chefs, el proce-
so por el que pasa un alimento crucial, que genera pasiones y que
no es el mismo que se comía hace un siglo, está en discusión.
Y por muchos motivos. ¿La buena carne es cada vez más un
producto de lujo? ¿Es hora de volver definitivamente al pasto?
¿Estamos ante una época de grandes cambios alimenticios? ¿La
carne deberá dejar de ser un consumo cotidiano para conver-
tirse en un consumo excepcional? ¿En qué lugares del mundo
se puede comer la mejor carne? Steak (r)évolution deja de lado
cualquier nacionalismo y fanatismo y se presenta como un docu-
mental que busca, viaja, observa, escucha y prueba. El director
Franck Ribière y su carnicero favorito Yves-Marie Le Bourdonnec
(el mejor carnicero de París, según L’Express en un test a ciegas
en 2003) viajaron muchísimo por el mundo y obtuvieron cuarenta
horas de material jugoso. Es justo decir que las dos horas con
las que se presenta Steak (r)évolution constituyen un corte muy
atractivo. Javier Porta Fouz
Francia - France, 2014 / 130’ / DCP / Color
Francés - French, Inglés - English, Español - Spanish,
Japonés - Japanese, Portugués - Portuguese
D, F: Franck Ribière G: Franck Ribière, Vérane Frédiani
E, P: Vérane Frédiani M: Éric Jeanne
CP: La Ferme ! Productions I: Yves-Marie Le Bourdonnec
Contacto / Contact
Jour2fête. Samuel Blanc
T +33 1 4022 9215 E sales@jour2fete.com
W jour2fete.com TW @steakrevolution
224 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
To eat red meat. From breeders to butchers and chefs, the pro-
cess a crucial kind of food –one that stirs passions and is not
the same that was eaten a century ago– is put through is now
on debate. And for many reasons. Is fine meat becoming more
and more a luxury product? Is it time to go back to eating grass?
Are we going through a time of great food changes? Will meat
stop being an item of everyday meals and become an exceptional
consumption? Where in the world can you eat the best meat?
Steak (R)evolution leaves nationalisms and fanatisms aside and
presents itself as a documentary that searches, travels, observes,
listens, and tests. Director Franck Ribière and his favorite butcher
Yves-Marie Le Bourdonnec (the finest butcher in Paris, accord-
ing to L’Express in a blind test conducted in 2003) traveled a lot
throughout the world and obtained forty hours of juicy material.
It’s fair to say the two hours of Steak (R)evolution constitute a very
attractive cut. JPF
Franck Ribière
Se formó en ciencias políticas en París antes de estudiar cine en la Escuela
Superior de Estudios Cinematográficos. Trabajó como asistente de fotógra-
fo de moda en Nueva York, y luego como productor ejecutivo de documen-
tales. Steak (r)évolution es su primer trabajo como director. | He trained in
Political Sciences in Paris before studying Filmmaking at the School of Film
Studies. He worked as a fashion photography assistant in New York, and
later as an executive producer for documentaries. Steak (R)evolution is his
first work as a director.

Stinking Heaven
Cielo apestoso
Situado a principios de la década del 90, este extraordinario retrato
colectivo –cuya subjetividad remite a ciertas experiencias comu-
nitarias pretéritas en clave decadente– es un discreto prodigio de
economía narrativa sostenido por un montaje perfecto y un elenco
formidable. En su quinta película, Silver invisibiliza el registro al
mimetizarse con los personajes, y elige una textura de video ca-
sero que remite a la época en cuestión. En una pequeña comuni-
dad terapéutica de ex adictos ubicada en Nueva Jersey, hombres
y mujeres sobreviven como pueden a su pasado, lo que incluye
un psicodrama obligatorio y sui generis en el que los miembros
actualizan sus traumas mientras se filman. Tras la celebración de
un matrimonio entre dos miembros del colectivo, la inesperada y
posterior incorporación de una joven a la casa alterará el frágil equi-
librio del lugar. Que el propio rodaje haya implicado una convivencia
real entre los actores explica la eficacia de las improvisaciones y la
magnífica capacidad de Silver para capturar gestos fugaces de sus
intérpretes. El director, además, ha sabido conjurar la crueldad y
acompañar amorosamente a sus criaturas extraviadas. Roger Koza
Estados Unidos - US, 2015 / 70’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Nathan Silver G: Nathan Silver, Jack Dunphy F: Adam Ginsberg
E: Stephen Gurewitz DA: Britni West S: Arjun G. Sheth M: Paul Grimstad
P: Rachel Wolther PE: Diane Lanyi, Jere B. Ford, Glen Wolther,
Donna Rosen, RJ Beavers CP: Stinking Heaven I: Deragh Campbell,
Hannah Gross, Keith Poulson, Eléonore Hendricks, Tallie Medel
Contacto / Contact
Stinking Heaven. Nathan Silver
T +1 347 786 3329 W stinkingheaven.com
TW @StinkingHeaven
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Set in the early 90s, this extraordinary collective portrait -whose
subjectivity refers to certain past community experiences in a dec-
adent key- is a modest prodigy of narrative economy supported
by some perfect editing and a formidable cast. In his fifth film,
Silver makes his style invisible by camouflaging with the charac-
ters, and chooses a home-video texture that refers to the time the
film is set in. In a small therapeutic community for former addicts
located in New Jersey, men and women survive their past anyway
they can, which includes the obligatory individual psychodrama
in which the members refresh their traumas while they film each
other. After the celebration of a wedding between two members
from the collective, the unexpected and subsequent incorpora-
tion of a young woman in the house alters the fragile balance of
the place. The fact that the shoot itself led the actors to actually
live together explains the effectiveness of the improvisations and
Silver’s magnificent capability of capturing fleeting gestures from
his performers. The director was also able to conjure cruelty and
lovingly accompany his lost creatures. RK
Nathan Silver
Nació en Massachusetts, EE. UU., en 1983. Estudió en la escuela Tisch de
Artes de la Universidad de Nueva York. Escribió y dirigió los largometrajes
The Blind (2009), Exit Elena (2012; Bafici ‘13) y Soft in the Head (Bafici
‘13). | He was born in Massachusetts, USA, in 1983. He attended the Tisch
Art School of the University of New York. He wrote and directed The Blind
(2009), Exit Elena (2012; Bafici ‘13) and Soft in the Head (Bafici ‘13).
225
 panorama | competencia DDHH
Stories of Our Lives
Historias de nuestras vidas
Cinco ficciones independientes se encuentran en un tema común
que las atraviesa: la condena social y legal que sufren en Kenia los
individuos cuya sexualidad no encaja con el modelo heterosexual
normativo. Basada en testimonios anónimos de personas LGBTIQ
keniatas, y casi como un manifiesto a favor de la libertad sexual,
Stories of Our Lives retrata escenas de amor y de sexo entre gays
y lesbianas con una sinceridad tal que evita la apelación a cual-
quier discurso de tipo pedagógico; de esa forma, recrea situa-
ciones intimistas y cotidianas de personas que, a causa de sus
elecciones, son sistemáticamente perseguidas por sus familias, la
sociedad y el Estado. El largometraje dirigido por Jim Chuchu, de
un impactante blanco y negro al extremo de la saturación –quizás
como una metáfora de la violencia que sufren sus protagonistas–,
explora poéticamente los diversos modos de amar que, en cir-
cunstancias como estas, se transmutan en actos de resistencia
y rebelión contra la opresión de las mayorías. Alejandro Dramis
Kenia - Kenya, 2014 / 60’ / DCP / B&N
Suajili - Swahili, Inglés - English
D: Jim Chuchu G: Jim Chuchu, Njoki Ngumi F, E: Dan Muchina,
Jim Chuchu DA: Sunny Dolat S: George Aloo, Noel Kasyoka
P: Wangechi Ngugi PE: George Gachara, Steven Markovitz
CP: The Nest, Big World Cinema I: Kelly Gichohi, Paul Ogala,
Tim Mutungi, Mugambi Nthiga, Rose Njenga
Contacto / Contact
Big World Cinema. Steven Markovitz
T +27 83 261 1044 E steven@bigworld.co.za
W bigworld.co.za - storiesofourlives.org TW @thisisthenest
226 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Five independent fictions converge in a theme that is common
to all of them: the social and legal condemnation suffered in Ke-
nya by individuals whose sexuality doesn’t fit with the normative
heterosexual model. Based on anonymous testimonies by Kenyan
LGBTIQ people, and almost as a manifesto in favor of sexual free-
dom, Stories of Our Lives portrays love and sex scenes between
gays and lesbians with such sincerity that it avoids resorting to
any kind of pedagogic discourse –this way, it recreates intimate,
everyday situations from people that, due to their choices, are
systematically persecuted by their families, by society and by the
State. The feature directed by Jim Chuchu, with striking black
and white photography saturated to the extreme –maybe as a
metaphor for the violence its main characters suffer–, poetically
explores the diverse ways of loving that, in circumstances such as
these, are transmuted into acts of resistance and rebellion against
the oppression of majorities. AD
Jim Chuchu
Artista visual, cineasta y músico nacido en Narobi, Kenia, es cofundador
y director creativo de The Nest, un espacio de arte multidisciplinario. Su
primer cortometraje, Homecoming (2013), fue exhibido en Toronto, Rotter-
dam y Locarno, entre otros. Stories of Our Lives es su primer largo como
realizador. | A visual artist, filmmaker and musician, he was born in Nairobi,
Kenya, where he’s the co-founder and creative director of The Nest, a multi-
discipline art area. His first short film Homecoming (2013) was screened in
Toronto, Rotterdam and Locarno, among other festivals. Stories of Our Lives
is his first feature-length film.

Surire
El salar de Surire en el extremo norte de Chile es un monumento
natural, una zona protegida a 4300 metros de altura compuesta
por un desierto y varias lagunas que sobrepasan las 11 mil hec-
táreas. Un impactante escenario natural que fascinaría a Werner
Herzog no solo por su belleza salvaje, sino por su condición de
paraíso inalterado, pocas veces filmado y sin contaminar por la
mano del hombre. Por lo menos fue así hasta que un importante
yacimiento de bórax fue descubierto y se instalaron en las cerca-
nías empresas extractoras con el objeto de explotar las reservas
naturales del lugar. Pero Surire no es el documental ecológico de
denuncia que ya vimos tantas veces. Bettina Perut e Iván Osno-
vikoff continúan construyendo con su obra una radiografía de su
país como ningún otro realizador lo logra. Y, a fuerza de observa-
ción, capturan con inteligencia los detalles del cruel e inevitable
momento en que desaparecen lugares, costumbres y seres vivos,
y el paisaje cambia para siempre. Leandro Listorti
Chile, 2015 / 80’ / DCP / Color
Español - Spanish, Aymara
D, G, E: Bettina Perut, Iván Osnovikoff F: Pablo Valdés S: Bettina Perut,
Iván Osnovikoff, Roberto Espinoza P: Bettina Perut, Iván Osnovikoff,
Tanja Georgieva PE: Bettina Perut, Iván Osnovikoff, Irena Taskovski,
Dirk Manthey CP: Perut + Osnovikoff, Taskovski Films, Dirk Manthey Film
Contacto / Contact
Perut + Osnovikoff. Iván Osnovikoff
T +56 2 2920 8546 +56 9 6207 3144
E info@perutosnovikoff.com
W perutosnovikoff.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
The Surire salt mine in the northern extreme of Chile is a natu-
ral monument, a conservation area 4,300 meters high that con-
sists in a desert and many lagoons that cover more than 11,000
hectares. A striking natural scenery that would fascinate Werner
Herzog not only for its wild beauty, but also its status as an unal-
tered paradise, which has hardly ever been filmed and is uncon-
taminated by the hand of man. At least that’s what it was until
an important borax deposit was discovered, and some extraction
companies settled there in order to exploit the area’s natural re-
sources. But Surire is not the kind of ecological denouncement
documentary we have seen so many times before. Through their
work, Bettina Perut and Iván Osnovikoff continue building an in-
depth study of their country as no other filmmaker. And, by ob-
serving, they smartly capture the details of the cruel, inevitable
moment when places, customs and living things disappear, and
the landscape changes forever. LL
Los directores | the directors
Bettina Perut (Roma, 1970) es periodista, e Iván Osnovikoff (Puerto
Montt, 1966) es antropólogo. Desde 1997 desarrollaron un trabajo conjun-
to que incluye los títulos Martín Vargas de Chile (2000), Un hombre aparte
(2002), El astuto mono Pinochet (2004), Welcome to New York (2006), Noti-
cias (2009) y La muerte de Pinochet (2011). | Bettina Perut (Rome, 1970)
is a journalist, and Iván Osnovikoff (Puerto Montt, 1966) is an anthro-
pologist. Since 1997, they have been developing a joint body of work that
includes the titles Martín Vargas de Chile (2000), Un hombre aparte (2002),
El astuto mono Pinochet (2004), Welcome to New York (2006), Noticias
(2009), and La muerte de Pinochet (2011).
227
 panorama
Taxi
Jafar Panahi es ahora taxista por un día; en su camino levanta
amigos y actores que trabajaron con él, pero apenas hay desti-
nos fijos: son situaciones, diálogos, diferentes posturas las que
movilizan su nuevo desafío por eliminar tanto las barreras de la
realidad como las fronteras edificadas para la censura de sus
proyectos. Detrás de su rostro amable y pasivo, los silencios
dejan percibir bronca, inconformidad e incomprensión. Lejos de
las paredes de su celda hogareña, el director-tachero demues-
tra que la reclusión no es otra cosa que un estado mental, que
nunca es la alternativa final. Su último film, una road movie sin
tarifa en el taxímetro, desconoce el documental y la ficción: es
una comedia sobre la irritación y un drama acerca de la igno-
rancia capturada con cualquier elemento que esté a su alcance.
Al igual que en sus dos películas anteriores, Panahi reforma el
encierro en libertad, purifica el infierno de los otros en su propia
expresión artística. Luciano Mariconda
Irán - Iran, 2015 / 82’ / DCP / Color
Persa - Persian
D, G, P: Jafar Panahi CP: Jafar Panahi Film Production
Contacto / Contact
Pascale Ramonda
T +33 6 6201 3241
E pascale@pascaleramonda.com
W pascaleramonda.com
228 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Jafar Panahi is now cab driver for a day; on his way, he picks
up friends and actors who have worked with him, but there are
hardly any scheduled destinations: its situations, dialogues, differ-
ent stances that drive his new challenge in order to eliminate the
barriers of reality as well as the limits set for the censorship of his
projects. Behind his friendly, passive face, silences let one per-
ceive anger, inconformity, and lack of understanding. Far from the
walls of his home cell, the director/cab driver shows that seclusion
is nothing but a state of mind, and that it’s never the final alterna-
tive. His latest film, a road movie with no taximeter fee, does not
acknowledge the limits between documentary and fiction: it’s a
comedy about irritation and a drama about ignorance captured
with any kind of element at its reach. As in his two previous films,
Panahi reshapes confinement into freedom, and purifies hell from
others with his own artistic expression. LM
Jafar Panahi
Nació en Mianeh, Irán, en 1960. Estudió cine en Teherán y dirigió los largo-
metrajes El globo blanco (1995), El espejo (1997), El círculo (2000), This Is
Not a Film (2011; Bafici ‘12) y Closed Curtains (Bafici ‘13; junto a Kambozi-
ya Partovi), entre otros. | He was born in Mianeh, Iran, in 1960. He studied
film in Tehran and directed the films The White Balloon (1995), The Mirror
(1997), The Circle (2000), This Is Not a Film (2011; Bafici ‘12), and Closed
Curtains (Bafici ‘13; co-directed with Kamboziya Partovi), among others.

That Guy Dick Miller
Ese tipo Dick Miller
Ese tipo del título, Dick Miller. Ese que para los no iniciados pue-
de llegar a ser “aquel secundario que no sé cómo se llama pero
que tengo visto”, pero que para los dickmillerianos es motivo de
celebración cada vez que aparece. Su nombre y su presencia han
estado asociados a cines dignos de ser celebrados: el de Joe
Dante y el de Roger Corman. Miller, laburante del cine desde hace
sesenta años, actuó para muchos otros directores, pero ha sido
clave, un amuleto resistente para esos dos. Gremlins, La tiendita
del horror, Pequeños guerreros, El falso escultor y tantas más. El
trabajo en el cine, las aspiraciones, los amigos (sí, no faltan Dante
y Corman entre los entrevistados), la vida en Hollywood sin ser
una gran estrella; décadas de películas, de humor, de una mirada
lúcida sobre la industria. El documental de Elijah Drenner no solo
es un retrato de alguien que siempre quisimos conocer un poco
más, sino que además es una de esas obras que nos proveen
conocimientos felices. That Guy Dick Miller nos permitirá conocer,
además, a la encantadora señora Miller. Javier Porta Fouz
Estados Unidos - US, 2014 / 91’ / DCP / Color - B&N
Inglés - English
D, G, F, E, DA: Elijah Drenner S: Jim Kunz M: Jason Brandt
P: Lainie Miller, Elijah Drenner PE: Lainie Miller, Tino Zimmermann,
Julie Corman, Jeffrey Schwarz CP: Autumn Rose Productions
I: Dick Miller, Lainie Miller, Roger Corman, Joe Dante, John Sayles
Contacto / Contact
Autumn Rose Productions. Lainie Miller
T +1 818 558 1858 +1 818 970 2299 E arproductions4u@aol.com
W autumnroseproductions.com - thatguydickmiller.com
TW @thatdickmiller
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
That guy from the title, Dick Miller. He’s the one the uninitiated
may regard as “that secondary role guy of whom I can’t remember
his name but I know his face”, yet the dickmillerians praise every
time he appears. His name and presence have been associated to
films worthy of celebration: those of Joe Dante and Roger Corman.
Miller, a cinema working man for sixty years, worked with many
other directors but for these two he stood as a key, a resisting
token –Gremlins, Little Shop of Horrors, Small Soldiers, A Bucket
of Blood, and so many others. Working in cinema, his aspirations,
his friends (yes, Dante and Corman are among the interviewed),
and his life in Hollywood without being a star: decades of films,
comedy, and a lucid take on the industry. Elijah Drenner’s docu-
mentary is not just a portrait of someone we always wanted to
know more of, but also one of those pieces that provide us with
enjoyable knowledge. That Guy Dick Miller will also introduce us
with the lovely Mrs. Miller. JPF
Elijah Drenner
Establecido en Los Ángeles, se desempeñó como productor de conteni-
dos para Blu-ray y DVD para compañías como The Criterion Collection, IFC
Midnight, Dark Sky Films, Kino Lorber y Shout! Factory. Su primer largome-
traje documental, American Grindhouse, fue estrenado en el festival SXSW
en 2010. | Based in Los Angeles, he worked as a Blu-ray and DVD content
producer for companies such as The Criterion Collection, IFC Midnight,
Dark Sky Films, Kino Lorber and Shout! Factory. His first documentary film,
American Grindhouse, premiered at SXSW in 2010.
229
 panorama
They Chased Me
Through Arizona
Me persiguieron a través de Arizona
Justo ahí donde el cine de los hermanos Kaurismäki se cruza con
el cine norteamericano independiente, como una flor en un desier-
to nace la ópera prima de Matthias Huser. Los tiempos cambian,
y el matrimonio de Leonard y Marbella está por llegar a su fin. La
sensación de ocaso se refuerza por la tarea que debe llevar a cabo
Leonard: recorrer carreteras perdidas removiendo obsoletas cabi-
nas de teléfono. No está solo en esa monótona tarea: lo acompaña
Ben, un presidiario silencioso en libertad condicional. En esos lu-
gares donde no solo escasea el agua sino también las voces, una
novela clase B que Leonard lee con melancolía parece ofrecerle
las palabras que a él se le niegan para relatar lo que siente. Musi-
cales que parecen salidos de la pluma de Sam Shepard y llevados
a escena por David Lynch también conviven en un desierto polaco
postcomunista que parece calcado del de los westerns que sa-
bemos de memoria, esos en los que el futuro y el horizonte se
confunden y se avistan siempre distantes. Leandro Listorti
Suiza / Polonia - Switzerland / Poland, 2014
86’ / DCP / Color / Polaco - Polish
D: Matthias Huser G: Matthias Huser, Aurelius Eisenreich
F: Gabriel Sandru E: Milenia Fiedler S: Leszek Freund
M: Nicolas von Ritter-Zahony P: Elda Guidinetti, Andres Pfaeffli,
Agnieszka Wasiak CP: ventura film, Lava Films
I: Krzysztof Kiersznowski, Eryk Lubos, Halina Skoczynska
Contacto / Contact
ventura film. Elda Guidinetti
T +41 91 646 2021
E ventura@venturafilm.ch W venturafilm.ch
230 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Right there where the cinema of the Kaurismäki brothers crosses
with American independent film, like a flower in the desert, Mat-
thias Huser’s first feature is born. Times change, and Leonard and
Marbella’s marriage is about to come to an end. The sensation of
twilight is reinforced by the task Leonard must carry out: travel-
ing lost highways and removing obsolete phone booths. He is not
alone in that monotonous task: he is joined by Ben, a silent convict
on parole. In those places where not only water is scarce, but also
voices, a B-grade novel Leonard reads melancholically seems to
offer him the words he can’t come up with in order to explain how
he feels. Musical numbers that seem out of Sam Shepard’s mind
and staged by David Lynch also coexist in a post-communist Pol-
ish desert that looks exactly like that of the westerns we know by
heart, in which the future and the horizon blend together and are
always glanced from a distance. LL
Matthias Huser
Nació en Suiza en 1979. Se formó como artista visual y director de cine
en la Universidad de Arte y Diseño de Zurich y en la Universidad de Nueva
Gales del Sur. Entre sus cortometrajes se encuentran Dogs (2005; exhibi-
do en Cannes y Berlín), Ferry Wheel (2008) y Men, Women, Work (2012).
They Chased Me Through Arizona es su primer largo. | He was born in
Switzerland in 1979. He trained as a visual artist and filmmaker at the
Art and Design University of Zurich and the New South Wales University
Dogs (2005; screened in Cannes and Berlin), Ferry Wheel (2008) and Men,
Women, Work (2012) are some of his short films. They Chased Me Through
Arizona is his first feature-length film.

Tired Moonlight
Luz de luna cansada
Hay un género (literario, musical, cinematográfico) que se llama,
ambiguamente, americana. Tiene que ver con la evocación de un
medio rural, de un pueblo o ciudad pequeña aislados (entran en
él Qué bello es vivir, La última película e incluso Una historia sen-
cilla) y, de un modo más metafórico, con la apelación a la esencia
primitiva de lo estadounidense a través de su gente común y de
su sentido comunitario. Esta película es una celebración actua-
lizada del género; retrata un verano en medio de Montana, que
transcurre al aire libre y sin tragedias entre carreras de autos,
baños en el río, bailes, ferias y pequeñas historias de amor que
terminan con mujeres abandonadas. Mediante el personaje del
poeta urbano que llega al pueblo, la película refleja su propia con-
tradicción: la distancia entre un cine de pequeños recursos, pero
integrado en un medio profesional y en el amateurismo radical,
arcaico e idealizado del mundo que retrata. Tired Moonlight tal
vez sea un film mucho más patriota que Francotirador. Quintín
Estados Unidos - US, 2015 / 78’ / DM / Color
Inglés - English
D, G: Britni West F: Adam Ginsberg E: Britni West, Gerald D. Rossini
S: Kelly Pieklo M: Paul Grimstad, Jake Sullivan P: Britni West
I: Liz Randall, Paul Dickinson, Hillary Berg, Rainleigh Vick, Alex Karpovsky
Contacto / Contact
Britni West
T +1 612 616 8711 E westbritni@gmail.com
W tiredmoonlight.weebly.com
FB TiredMoonlight
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
There’s a genre (literary, musical, cinematic) ambiguously called
Americana. It has to do with evoking a rural medium, a small, iso-
lated town or city (it includes It’s a Wonderful Life, The Last Picture
Show and even The Straight Story) and, in a more metaphorical
way, with appealing the primitive essence of the American through
its common people and sense of community. This film is an up-
dated celebration of the genre –it portrays a summer in the middle
of Montana, which goes by outdoors and without any tragedies
among car races, dips in the river, dances, fairs and small love
stories that end up with abandoned women. Through the charac-
ter of the urban poet that arrives in town, the film reflects its own
contradiction: the distance between a cinema of scarce resources
but that is part of a professional medium against the radical, ar-
chaic, idealized amateurism of the world it portrays. Tired Moon-
light could be a much more patriotic film than American Sniper. Q
Britni West
Actualmente instalada en Minneapolis y Nueva York, participó como deco-
radora de set de Kumiko, the Treasure Hunter, exhibida en el Bafici ‘14 y
nominada a los premios Independent Spirit. Luego de desempeñarse en
diferentes roles, tanto en largos como en cortos, filmó Tired Moonlight,
su ópera prima. | Currently based in Minneapolis and New York, she was
set decorator in Kumiko, the Treasure Hunter, screened at Bafici ‘14 and
nominated at the Independent Spirit Awards. After carrying out different
roles in features and short films, she shot Tired Moonlight, her first feature.
231
 panorama
Toponimia
Toponymy
Se denomina toponimia a aquella disciplina que se ocupa de
estudiar el origen etimológico de los nombres de los lugares. El
conjunto que Perel toma para analizar visualmente en su film es
una serie de pueblos del oeste tucumano, fundados por el go-
bierno militar a mediados de los setenta en el marco del Opera-
tivo Independencia, proyecto que pretendía eliminar a la guerrilla
(principalmente del ERP) que operaba en esa zona. Justamente,
los nombres elegidos para esos pueblos provinieron de militares
de distinto rango muertos en enfrentamientos con la guerrilla.
Con una mínima presentación histórica, limitada al repaso de los
documentos oficiales, Perel se aboca al registro de la actualidad
de los pueblos y apela a una estética tan austera como rigurosa:
planos fijos de quince segundos. De esa manera, muestra cómo
el tiempo erosionó ese intento de imposición semántica histórica,
así como la naturaleza y el olvido siguen borrando las huellas de
la utopía que una vez allí se intentó. Rodrigo Aráoz
Argentina, 2015 / 82’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, F, E, S, P, PE: Jonathan Perel
Contacto / Contact
Jonathan Perel
T +54 9 11 5328 1961
E jonathan.perel@gmail.com W jonathanperel.com.ar
232 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Toponymy is the discipline that studies the etymological origin of
place names. What Perel chooses to analyze visually in his film is
a series of towns located in the western portion of the province of
Tucumán, which were founded by the military government during
the mid-70s within the framework of the Operativo Independencia
(Operation Independence), a project whose aim was to eliminate
the guerrilla groups (mainly the ERP) that operated in that area. In
fact, the names chosen for those towns came from members of
the military of different ranks who had died during confrontations
with guerilla groups. With some minimum historical presentation
limited to reviewing official documents, Perel focuses on captur-
ing the towns’ present and resorts to an aesthetic as austere as it
is rigorous: fifteen-seconds-long fixed shots. This way, he shows
how time has eroded that attempt to impose historical semantics
and nature and oblivion still wipe out the traces of the utopia that
was attempted there once. RA
Jonathan Perel
Nació en Buenos Aires en 1976, y estudió artes combinadas en la UBA.
Dirigió los cortos 5 (cinco) (Bafici ‘08) y Los murales (Bafici ‘11), y los largo-
metrajes El predio (Bafici ‘10), 17 monumentos (Bafici ‘12) y Tabula rasa
(Bafici ‘13). | He was born in Buenos Aires in 1976. He studied Combined
Arts in the UBA. He directed the short films 5 (cinco) (Bafici ‘08) and Los
murales (Bafici ‘11), as well as the feature-length films El predio (Bafici ‘10),
17 monumentos (Bafici ‘12), and Tabula rasa (Bafici ‘13).

Tras la pantalla
Behind the Screen
“Me siento cansado de toda esta lucha diaria que no le hace bien
a mi salud”, escribió el distribuidor cinematográfico Pascual Con-
dito cuando, hace dos años, anunció que se retiraba del mercado.
Marcos Martínez registra su reinvención y lo muestra como un
furioso Quijote que lucha contra Hollywood y las grandes compa-
ñías que, según él, “han cometido una verdadera masacre”. Con-
dito –quien alguna vez se tatuó una escena de Cinema Paradiso
en el brazo y ha hecho cameos en más de sesenta producciones
nacionales– es un recolector de recuerdos y objetos del pasado
y un defensor de lo que él considera buen cine en tiempos de
blockbusters exterminadores. Es también un fantasma en medio
de una industria y una ciudad que han cambiado. Tras la pantalla
es la crónica de su autoexilio de esa nación que llamamos cine
y, al mismo tiempo, una mirada a la crisis del panorama local;
una que ofrece puntos de vista y soluciones que surgen de las
conversaciones que Condito mantiene con amigos como Raúl Pe-
rrone, Lisandro Alonso y Fernando Martín Peña. Un documental
melancólico y necesario. Andrés Nazarala R.
Argentina, 2015 / 64’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G: Marcos Martínez F: Sebastián Menassé E: Andrés Tambornino
S: Adriano Salgado, Mercedes Tennina M: Jorge Chikiar
P: Marcos Martínez, Pepe Salvia PE: Pepe Salvia, Laura Mara Tablón
CP: Doménica Films, Primer Plano Film Group I: Pascual Condito
Contacto / Contact
Doménica Films. Laura Mara Tablón
T +54 9 11 5936 5753 +54 11 4383 4647
E lautablon@gmail.com - info@domenicafilms.com
W domenicafilms.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
“I feel tired of all this daily battle that is bad for my health,” film
distributor Pascual Condito wrote when, two years ago, he an-
nounced his retirement from the market. Marcos Martínez cap-
tures his reinvention and exposes him as a furious Quixote fighting
against Hollywood and the big companies that, according to him,
“have perpetrated a true massacre.” Condito –who once tattooed
a scene from Cinema Paradiso in his arm and has had cameos in
more than sixty local productions– is a collector of memories and
objects from the past, as well as a defender of what he consid-
ers good cinema in times of exterminating blockbusters. He’s also
a ghost among an industry and a city that have changed. Tras
la pantalla is the chronicle of his self-exile from that nation we
call film and, at the same time, a view on the crisis of the local
scene; one that offers viewpoints and solutions that issue from
the conversations Condito holds with such friends as Raúl Per-
rone, Lisandro Alonso and Fernando Martín Peña. A melancholic,
necessary documentary. ANR
Marcos Martínez
Estudió ciencias de la comunicación en la UBA, fotoperiodismo en Fototea
y cine en el CIEVYC. En 2007 estrenó su primer largometraje, Estrellas,
codirigido con Federico León. Obtuvo el Premio Especial del Jurado en la
Competencia Internacional del Bafici ‘07. En 2015 estrenó su segundo
largometraje, Sordo. | He studied communication sciences at the UBA,
photojournalism at Fototea and film at CIEVYC. In 2007, he released his
first feature, Estrellas, co-directed with Federico León. He received the
Special Jury Prize in the International Competition of Bafici ‘07. In 2015, he
released his second feature, Sordo.
233
 panorama
Un aplauso al que vive
An Applause to He Who Lives
Pareciera no existir ningún tabú para el pastor evangelista Diego
Gebel y sus shows-misas de más de tres horas. El baile, la músi-
ca, la revista, los travestis, las lentejuelas, el stand up o Pocho la
Pantera; para Gebel, oficiante de esas agitadas bacanales, todo
puede transformarse en un instrumento apto para difundir la pala-
bra de Dios y aliviar el alma de las personas. La quinta película de
Florencia Inés González revela un extraño ritual en el que el gro-
tesco y el pastiche funcionan como prendas de una autenticidad
irreprochable: Gebel podrá ser un enviado divino o solamente otro
charlatán de feria, pero los testimonios de sus fieles revelan una
felicidad tangible. Las imágenes retratan una singular fe hecha
de devoción, espiritualidad y cumbia a todo volumen. La película
avanza y la figura del pastor adquiere proporciones impensadas;
en el éxtasis final al que se entregan los feligreses, mientras bai-
lan, giran sobre su eje y se desploman en el suelo, puede verse a
un Gebel que observa satisfecho desde arriba del escenario, casi
seguro de haber cumplido su misión en la Tierra. Diego Maté
Argentina / España - Argentina / Spain, 2015
68’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, P: Florencia Inés González F: Florencia Inés González,
Paula Morón Ruiz E: Alejandro Brodersohn, Karin Marzocchini Felli
S: Martín Grignaschi CP: LaOtraZala I: Diego Gebel, Hugo Ponzo,
Gladys Díaz, Norma Campos, Horacio Rodríguez
Contacto / Contact
LaOtraZala. Florencia Inés González
T +34 911 660 177 +34 651 518 646
E florenciainez@gmail.com - florenciainez@yahoo.es
W florenciainez.wix.com/florenciainez
234 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
No taboos seem to exist for evangelist pastor Diego Gebel and
his three-hour-plus shows-masses. Dancing, music, variety
shows, transvestites, sequin, stand-up comedy or singer Pocho
la Pantera; to Gebel, who officiates those agitated bacchanalias,
everything can turn into an instrument to spread the word of God
and alleviate people’s souls. Florencia Inés González’s fifth film
reveals a strange ritual in which grotesque and pastiche work as
garments of irreproachable authenticity: Gebel could well be a
messenger of God or just another charlatan, but the testimonies
by his faithful reveal a tangible happiness. The images portray a
unique faith made of devotion, spirituality and cumbia music at full
blast. As the film unfolds, the pastor’s figure acquires unexpected
proportions; during the final ecstasy the parishioners surrender to,
while they’re dancing, spinning on their own axis and collapsing
to the floor, we can see Gebel observing from upstage, satisfied,
almost sure of having completed his mission on Earth. DM
Florencia Inés González
Nació en Buenos Aires en 1972. Estudió realización cinematográfica con
José Martínez Suárez, y dirección en la FUC. En la universidad escribió y
dirigió tres cortometrajes: Lenta va la noche (1991), Azul, casi transparente
(1993) y Peceses (1995). Un aplauso al que vive es su quinto documental,
el primer largometraje. | She was born in Buenos Aires in 1972. She stud-
ied filmmaking with José Martínez Suárez and film directing at the FUC.
At the university, she wrote and directed three shorts: Lenta va la noche
(1991), Azul, casi transparente (1993) and Peceses (1995). Un aplauso al
que vive is her fifth documentary and her first feature.

Uncertain Terms
Términos inciertos
Robbie, un hombre con problemas de pareja, va a pasar una tem-
porada a lo de su tía. Pero “lo de su tía” es una casa-refugio
para adolescentes embarazadas. Robbie arregla cosas en la casa,
oficia de handyman y causa revuelo entre la población del refugio.
Habrá un triángulo amoroso y una serie de consejos y ejercicios
para este pequeño ejército de embarazadas. Y habrá otra comedia
agridulce –un poco amarga– de Nathan Silver (Exit Elena, Soft in
the Head, ambas en Bafici 2013), de esas de historias pequeñas
y hasta frágiles que se robustecen con diálogos, puesta en escena
clara y velocidad para la neurosis y para producir genuinas pelícu-
las independientes. Como ocurría en Exit Elena, la presencia como
actriz de Cindy Silver, madre del director, es un punto clave para
el humor y la franqueza del film. La exhibición de Uncertain Terms
y Stinking Heaven, la más flamante película del prolífico Silver,
muestra a un cineasta que sigue apostando a un cine cargado de
personajes ambiguos e inestables, criaturas de un director cada
vez más seguro de sus herramientas. Javier Porta Fouz
Estados Unidos - US, 2014 / 71’ / DM / Color
Inglés - English
D: Nathan Silver G: Nathan Silver, Chloe Domont, Cody Stokes
F, E: Cody Stokes DA: Grace Sloan S: Gene Park P: Chloe Domont,
Richard Peete, Josh Mandel PE: Harvey L. Silver, Jere B. Ford, Phil Pinto,
Jeff Marchelletta, RJ Beavers CP: Konec Films I: India Menuez,
David Dahlbom, Cindy Silver, Hannah Gross, Tallie Medel
Contacto / Contact
Konec Films. Nathan Silver
T +1 347 786 3329 E silver.royaltone@gmail.com
W konecfilms.com FB uncertaintermsfilm
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Robbie, a man with relationship problems, goes to spend some
time at his aunt’s. But “his aunt’s” is a house-shelter for pregnant
teens. Robbie fixes some stuff at the house, works as a handyman
and causes a fuss among the shelter’s population. There will be a
love triangle and a series of advices and exercises for this small
army of pregnant girls. And there will be a bittersweet comedy -a
bit bitter- by Nathan Silver ( Exit Elena, Soft in the Head, both seen
at Bafici 2013), one of those small, even fragile stories that grow
stronger by means of dialogue, a clear mise en scène and a pace
for neurosis and for producing genuine independent films. As in
Exit Elena, the presence of Cindy Silver, the director’s mother, as
an actress is key for the film’s humor and frankness. The screen-
ing of Uncertain Terms and Stinking Heaven, the most recent of
prolific Silver’s films, shows a filmmaker that still opts for making
films full of ambiguous, unstable characters, creatures of a direc-
tor increasingly aware of his skills. JPF
Nathan Silver
Nació en Massachusetts, EE. UU., en 1983. Estudió en la Escuela Tisch de
Artes de la Universidad de Nueva York. Escribió y dirigió los largometrajes
The Blind (2009), Exit Elena (2012; Bafici ‘13), Soft in the Head (Bafici ‘13)
y Uncertain Terms (2014). | He was born in Massachusetts, USA, in 1983.
He attended the Tisch Art School of the University of New York. He wrote and
directed The Blind (2009), Exit Elena (2012; Bafici ‘13), Soft in the Head
(Bafici ‘13) and Uncertain Terms (2014).
235
 panorama
Under Electric Clouds
Pod electricheskimi oblakami
Bajo nubes eléctricas
Rusia, 2017, cien años después de la Revolución. A través de
historias encadenadas, con el denominador común de un edifi-
cio que se erige en símbolo de los restos del naufragio, Aleksei
German Jr. firma una película tan exigente como fascinante. Ha-
ciendo gala de un majestuoso poderío visual (premiado con toda
justicia en la pasada Berlinale), la cámara se desliza entre las
ruinas materiales y culturales de Rusia/la URSS/Europa/el mun-
do, escrutadas mediante una óptica descreída y una estructura
narrativa libérrima que puede hacer pensar en la feliz heterodo-
xia que une a cineastas como Berlanga, Angelopoulos, Buñuel o
Iosseliani. Como en varios films de estos maestros, se procede al
retrato escéptico, no exento de humor, de un mundo en el que no
tiene sentido dejar nada (si es que alguna vez se lo tuvo), donde
las cosas ya no parecen resultar trascendentes, y donde presente,
pasado, ficción y realidad conviven en un mismo plano, inextrica-
bles, mientras alimentan sin cesar nuestra incertidumbre ante el
futuro. Alejandro Díaz Castaño
Rusia / Ucrania / Polonia - Russia / Ukraine / Poland, 2015
137’ / DCP / Color / Ruso - Russian
D, G: Aleksei German Jr. F: Yevgueni Privin, Sergei Mijal’chuk
E: Sergei Ivanov DA: Elena Okopnaia S: Ivan Gusakov
M: Andrew Surotdinov P: Sergei Antonov, Egor Olesov, Dariusz Jablonski
PE: Artem Vasilyev, Andrei Saveliev, Rushan Nasibulin CP: Metrafilms,
Linked Films I: Louis Franck, Merab Ninidze, Chulpan Khamatova,
Anastasia Melnikova, Ramil Salahutdinov
Contacto / Contact
Films Boutique. Valeska Neu
T +49 30 6953 7850 E valeska@filmsboutique.com W filmsboutique.com
236 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Russia, 2017, one hundred years after the Revolution. Through
interlocking stories, with the common denominator of a building
erected as a symbol of the wreckage, Aleksei German Jr. puts his
signature in a film as demanding as it is fascinating. Displaying
a majestic visual power (justly awarded at the last Berlinale), the
camera slides between the material and cultural ruins of Rus-
sia/the USSR/the world, scrutinized by means of an unbelieving
perspective and an entirely free narrative structure that can make
one think of the happy heterodoxy that bonds such filmmakers as
Berlanga, Angelopoulos, Buñuel or Iosseliani. As in many films by
these masters, German goes for a skeptical portrait, not devoid
of humor, of a world from which it would be senseless to leave
anything (and perhaps it was always like this), where things no
longer seem important, and where present, past, fiction and reality
coexist in one same plane, inextricable, while they continuously
feed our uncertainty towards the future. ADC
Aleksei German Jr.
Nació en Moscú, Rusia, en 1976. Estudió en el Instituto Gerasimov de Cine-
matografía. The Last Train (2003), su primer largometraje, fue programado
por el Festival de Venecia. Más tarde, volvió a ese Festival con Paper Soldier
(2008) y ganó el León de Plata al Mejor Director. | He was born in Moscow,
Russia, in 1976. He studied at the Gerasimov Intitute of Cinematography.
The Last Train (2003), his first feature, was programmed by the Venice Film
Festival. Later, he returned to that Festival with Paper Soldier (2008) and
won the Best Director Silver Lion.

Vergine giurata
Sworn Virgin
Virgen jurada
En una región montañosa de Albania en la que las mujeres no
tienen derecho alguno, es una opción ocultar la feminidad, hacer
la promesa de permanecer virgen toda la vida –de ahí el título de
la película– y adoptar el aspecto de un varón. Así, esas vírgenes
pueden asumir “roles masculinos”, tipificados por esta sociedad
tradicional, como trabajar fuera de la casa. La ópera prima de
Laura Bispuri cuenta la historia de Hana/Mark (Alba Rohrwacher),
su viaje, sus dudas, sus descubrimientos. Sin necesidad de po-
nerse declamatoria, Vergine giurata exhibe con claridad las dife-
rencias que puede haber en el continente europeo, a una frontera
de distancia, y describe con contundencia ritos y costumbres, tan-
to los llamativos como los brutales. Y, sobre todo, tiene la empatía
y la sensibilidad necesarias para centrar el relato del presente en
la construcción de relaciones, para mostrar cinematográficamen-
te la confianza (es fundamental el personaje de la adolescente y
sus prácticas de natación), para contar la salida de un encierro
insostenible. Javier Porta Fouz
Italia / Suiza / Alemania / Albania / Kosovo - Italy / Switzerland /
Germany / Albania / Kosovo, 2015
90’ / DCP / Color / Albanés - Albanian, Italiano - Italian
D: Laura Bispuri G: Francesca Manieri, Laura Bispuri F: Vladan Radovic
E: Carlotta Cristiani, Jacopo Quadri DA: Ilaria Sadun, Tim Pannen
S: Marc von Stürler M: Nando Di Cosimo P: M. Donzelli, G. Paonessa,
M. Totti, A. Usai, D. Wechsler, M. Weber CP: Match Factory Productions
I: Alba Rohrwacher, Flonja Kodheli, Lars Eidinger
Contacto / Contact
The Match Factory. Sergi Steegmann
T +49 30 4431 9050 E sergi.steegmann@matchfactory.de
W the-match-factory.com TW @thematchfactory
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
In a mountainous region in Albania where women have no rights
at all, it’s optional to hide femininity, make the promise of re-
maining a virgin for life –hence the film’s title- and adopt the
aspect of a male. This way, those virgins can take on “male
practices” as classified by this traditional society, such as work-
ing outside the house. The first feature by Laura Bispuri tells the
story of Hana/Mark (Alba Rohrwacher), her journey, her doubts,
her discoveries. Without the need to become declamatory,
Sworn Virgin clearly shows the differences that can be found in
the European continent one border away, and cogently describes
rites and customs, the peculiar ones as well as the brutal. And,
above all, it has enough empathy and sensitivity to cinematically
show confidence (it’s fundamental for the character of the teen-
ager and her swimming practices) in order to relate the way out
of an unbearable confinement. JPF
Laura Bispuri
Luego de graduarse en la Universidad de Roma, fue seleccionada para
asistir a la escuela de dirección y producción Fandango Lab Workshop.
Dirigió, entre otros, el corto Passing Time (2010), con el cual ganó el premio
David Donatello. Vergine giurata es su primer largometraje. | After graduat-
ing at the University of Rome, she was selected to attend the direction and
production school Fandango Lab Workshop. She directed, among others,
the short film Passing Time (2010), with which she won the David Donatello
award. Sworn Virgin is her first feature film.
237
 panorama
Vergüenza y respeto
Shame and Respect
Ser gitano no es fácil. “Es más fácil decirlo que serlo”, dice uno
de los protagonistas de Vergüenza y respeto. Ser gitano no es
fácil, y para un payo (es decir, para un no gitano) tampoco es fácil
entender qué es lo que eso implica; el prejuicio, ya se sabe, nunca
permite ver con claridad. A contramano de esos prejuicios es que
se construye Vergüenza y respeto, un sobrio documental que se
detiene a observar (nunca a juzgar) la cotidianeidad de una familia
gitana del conurbano bonaerense. Los Campos abren las puertas
de su hogar (esas que, como dicen una y otra vez, conforman una
clara frontera entre el adentro y el afuera), y con ellas también las
de una tradición milenaria, obligada hoy a acoplarse al mundo
contemporáneo. Una cosa está clara: ser gitano es, hoy y siempre,
ser el portador de un universo complejo, de una identidad que
encuentra en la familia su unidad y su fuerza, en la honra su brú-
jula, y en la música su corazón. Tanto que, atravesado por cantes,
guitarras, palmas y cajones flamencos, Vergüenza y respeto se
convierte en un musical encubierto. Griselda Soriano
Argentina, 2015
80’ / DM / Color
Español - Spanish, Caló
D, G: Tomás Lipgot F: Nicolás Richat E: Leandro Tolchinsky
S: Hernán Severino P: Tomás Lipgot, Nicolás Herzog
PE: Nicolás Herzog CP: Duermevela, Rumba Cine
I: José “Pirri” Campos, Juan Manuel Campos, Joel Campos
Contacto / Contact
Duermevela. Tomás Lipgot
T +54 9 11 3833 0996 E tomas.lipgot@duermevela.com.ar
W duermevela.com.ar - verguenzayrespeto.com.ar
238 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
It’s not easy being a gypsy. “It’s easier to say it than to be it,” says
one of the main characters in Shame and Respect. It’s not easy
being a gypsy and, for a payo (that is to say, for a non-gypsy),
it’s also not easy to understand what that implies –prejudice, it’s
known, never allows one to see clearly. Shame and Respect is
built up on the opposite side of those prejudices. It’s a restrained
documentary that stops to observe (never to judge) the everyday-
ness of a gypsy family in suburban Buenos Aires. The Campos
open the doors of their home (those that, as they say time and
time again, form a clear border between the outside and inside
worlds) as well as those of a millennial tradition that is now forced
to adapt to the contemporary world. One thing is clear: being a
gypsy is, now and forever, being the bearer of a complex universe,
of an identity that finds its unity and strength in family, its compass
in honor, and its heart in music. So much so that, filled as it is by
folk singing, guitars, handclaps and flamenco box drums, Shame
and Respect becomes an undercover musical. GS
Tomás Lipgot
Nacido en Neuquén en 1978, estudió en la Universidad del Cine y la Escue-
la de Música de Buenos Aires. Dirigió ocho cortometrajes, y los largome-
trajes Casafuerte (2004), Fortalezas (2010; con Christoph Behl), Ricardo
Becher, recta final (Bafici ‘10), Moacir (Bafici ‘11) y El árbol de la muralla
(2012). | Born in Neuquén in 1978, he studied at Universidad del Cine
and Buenos Aires’ School of Music. He directed eight short films, and the
feature-length films Casafuerte (2004), Fortalezas (2010; with Christoph
Behl), Ricardo Becher, recta final (Bafici ‘10), Moacir (Bafici ‘11), and El
árbol de la muralla (2012).

La vida de alguien
Somebody’s Life
En el cine de Ezequiel Acuña, la música tiene un lugar protagónico
(igual que la amistad y los amores jóvenes, los sentimientos difí-
ciles de poner en palabras, las ausencias que duelen y las playas
fuera de temporada), tanto que siempre intuimos como cuestión
de tiempo que hiciese una película sobre una banda de rock. La
vida de alguien, inspirada por los uruguayos de La Foca y filmada
en, a estas alturas, nostálgicos 35mm, es esa película: una bio-
grafía imaginaria que cuenta el origen de la banda, la creación de
un disco y la desaparición de uno de sus integrantes. Y lo cuenta
con esa mezcla tan suya de melancolía y humor amable –una
suerte de spleen de Buenos Aires que aquí vuelve a ser, como en
Nadar solo, también de Mar del Plata–, pero sobre todo lo cuenta
a través de preciosas canciones que son, antes que videoclips,
secuencias de acción. La vida de alguien es además otra película:
un compilado de los tres films previos de Acuña; un “grandes
éxitos” que incluye casi entera a su entrañable pandilla de acto-
res, encabezada por Santiago Pedrero, junto a la voz invitada de
la luminosa Ailín Salas. Catálogo 29º Festival de Mar del Plata
Argentina, 2014 / 92’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Ezequiel Acuña F: Fernando Lockett E: Mario Pavéz,
Ezequiel Acuña DA: Juan Manuel Brignole S: Mario Galián, Diego Ruíz
M: La Foca P: Ezequiel Acuña, Omar Jadur, Sebastián Perillo
PE: Sebastián Perillo CP: No Problem Films I: Santiago Pedrero,
Ailín Salas, Matías Castelli, Julián Larquier Tellarini, Julián Kartun
Contacto / Contact
Ezequiel Acuña / Sebastián Perillo
T +54 9 11 5152 1603 +54 9 11 5312 3374
E nadadores@live.com.ar - sebaperillo@gmail.com
W blog.filmstofestivals.com/la-vida-de-alguien-1390
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
In Ezequiel Acuña’s films, music plays a very important role (as
well as young friendship and love, the feelings that are hard
to translate into words, the absences that hurt and off-season
beaches), so much so that we suspected that him making a film
about a rock band was just a matter of time. Somebody’s Life, in-
spired by Uruguayan band La Foca and shot in 35mm, something
that, at this point, proves nostalgic, is that film: an imaginary bi-
ography that tells of the band’s origins, the creative process of an
album and the disappearance of one of its members. And he tells
it with his characteristic mixture of melancholy and amiable hu-
mor –some sort of Buenos Aires spleen that once again becomes,
as in Swimming Alone, also Mar del Plata’s– but, above all, he
tells it through some precious songs that are action sequences
rather than music videos. Somebody’s Life is also another film: a
compilation of Acuña’s three previous films; a “greatest hits” that
includes almost all of his endearing gang of actors led by Santiago
Pedrero, with guest vocals by the luminous Ailín Salas. 29 th MDP
Film Fest’s catalogue
Ezequiel Acuña
Nació en Buenos Aires en 1976 y estudió guion en la Escuela Superior de
Cinematografía y realización en el CIEVYC. Dirigió los largometrajes Nadar
solo (Bafici ‘03; Mención Especial del Jurado SIGNIS), Como un avión estre-
llado (Bafici ‘05; Mejor Película de la Competencia Argentina) y Excursiones
(Bafici ‘09). | He was born in Buenos Aires in 1976 and studied Script-
writing at the Escuela Superior de Cinematografía and Filmmaking at the
CIEVYC. He directed Swimming Alone (Bafici ‘03; Special Mention from the
SIGNIS Jury), Like a Crashed Plane (Bafici ‘05; Best Film of the Argentine
Competition) and Sightseeing (Bafici ‘09).
239
 panorama
La vida después
Life After
Al igual que el break-up album, la película de separación ya es
un género en sí misma. ¿Cómo se vive una vez que los loops
diarios se quiebran para siempre? En este caso, en la segun-
da película de Franco Verdoia y Pablo Bardauil (quienes habían
debutado en el 2006 con el film coral Chile 672), el final es lo
primero que conocemos, y las consecuencias están tratadas con
una gran exquisitez estructural que sigue a cada una de las mi-
tades en pugna a lo largo de porciones idénticas y con planos
largos y cuidadosos, por momentos incómodos. Apuntalada por
las actuaciones precisas y contenidas de Carlos Belloso y María
Onetto, que oscilan entre la desesperación y la resignación, La
vida después logra insertarse de manera novedosa y elegante en
esa tradición que habla acerca de qué es lo que pasa cuando el
amor se termina aunque no queramos, y de los últimos gestos
patéticos y fantasmales destinados hacia algo que no retornará
jamás. Amadeo Gandolfo
Argentina, 2015 / 78’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: Pablo Bardauil, Franco Verdoia G: Pablo Bardauil F: Jorge Dumitre
E: Delfina Castagnino DA: Cristina Nigro S: Martín Litmanovich
M: Federico Travi P: Felicitas Raffo, Andrés Longares, Pablo Bardauil
PE: Felicitas Raffo, Andrés Longares CP: CEPA Audiovisual, Lupa TV
I: María Onetto, Carlos Belloso, Rafael Ferro, Esteban Meloni, Sandra Villani
Contacto / Contact
CEPA Audiovisual. Felicitas Raffo
T +54 11 4775 8400 +54 9 11 5993 0265
E felicitas@cepacine.com - pbardauil@gmail.com
W cepacine.com FB peliculalavidadespues
240 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Just like the break-up album, the break-up film has become a
genre in itself. How do you keep on living when your everyday
loops are forever broken? In this case –in Franco Verdoia and
Pablo Bardauil’s second film after their 2006 debut, the collec-
tive film Chile 672– the ending is the first thing we learn, and
the its consequences are treated with a great structural delicacy
that follows each struggling half all throughout identical portions
with long, minded and at times uncomfortable shots. Supported
on Carlos Belloso and María Onetto’s precise and contained per-
formances, which oscillate between despair and resignation, Life
After finds a new and elegant way new to insert itself into the
tradition of speaking about whatever happens when love ends
despite our will, and about the pathetic and spectral gestures
destined for something that will never be back. AG
Los directores | The directors
Pablo Bardauil nació en Buenos Aires en 1963. Es licenciado en Letras
(UBA) y se formó como actor. Franco Verdoia nació en Córdoba en 1977,
se formó como actor y se graduó como director de cine en la Escuela Profe-
sional de Cinematografía de Eliseo Subiela. Ambos codirigieron el largome-
traje Chile 672. | Pablo Bardauil was born in Buenos Aires in 1963. He’s
a Literature major (UBA) and trained as an actor. Franco Verdoia was born
in Córdoba in 1977, trained as an actor and graduated as a filmmaker at
Eliseo Subiela’s Professional School of Film. Both co-directed the feature-
length film Chile 672.

La voz en off
Voice Over
Dos hermanas que se obsesionan con descifrar los misterios que
rodean a su padre. Rumores. Cosas que se dicen. Historias que
se cuentan y otras que resuenan en una pequeña ciudad don-
de todos los habitantes se conocen. Encuentros, desavenencias.
Cristián Jiménez (Ilusiones ópticas, Bonsái) teje una dinámica
tragicomedia familiar que habla de incomunicaciones y verdades
enfrentadas. Y sitúa a la confundida Sofía (Ingrid Insensee) en
medio del caos. Recién separada, ella debe lidiar con la crisis
conyugal de sus padres mientras es invadida por historias que
la llevan a buscar una verdad ordenadora, una voz en off única y
omnisciente. El cineasta chileno –uno de los más destacados de
su generación– reflexiona nuevamente sobre las formas de contar
un relato, y lo hace desde una Valdivia que es la protagonista real
de sus películas. En sintonía con lo que parece ser una marca
propia de la cinematografía del país vecino, somete además lo
cotidiano a un proceso de extrañamiento repleto de nostalgia, ab-
surdos y pequeñas epifanías. Andrés Nazarala R.
Chile / Francia / Canadá - Chile / France / Canada, 2014
98’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: Cristián Jiménez G: Cristián Jiménez, Daniel Castro F: Inti Briones
E: Soledad Salfate S: Jean-Guy Véran, Cristián Freund, Manuel Robles
M: Adam Waito, Caroline Chaspoul, Eduardo Henríquez P: Bruno Bettati,
Augusto Matte, Nadia Turincev, Julie Gayet, Nicolas Comeau, Cristián
Jiménez CP: Jirafa, Rouge International, Les Films 1976
I: Ingrid Isensee, María Siebald, Paulina García, Niels Schneider,
Cristián Campos
Contacto / Contact
Jirafa
T +56 63 221 3556 E contacto@jirafa.cl W jirafa.cl TW @jirafacine
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Two sisters obsessed with revealing the mysteries that surround
their father. Rumors. Things said. Stories people tell, and others
that echo in a small city where everyone knows each other. En-
counters and disagreements.Cristián Jimenez ( Optical Illusions,
Bonsái) knits a family’s tragicomic dynamics that speaks of a lack
of communication and challenged truths. And it sets the confused
Sofía (Ingrid Insensee) into chaos. She is recently separated, and
must deal with her parents’ marital crisis while being invaded by
stories that lead her to search for an organizing truth, a unique
and omniscient voice over. The Chilean filmmaker –one of the
most renowned of his generation– once again reflects on the dif-
ferent ways to tell a story, and he does so from Valdivia, the real
protagonist of his films. In tune with what seems like a unique
brand within the neighbor country’s cinema, he also puts every-
day life through a process of estrangement filled with nostalgia,
absurdity, and little epiphanies. ANR
Cristián Jiménez
Nació en Valdivia, Chile, en 1975. Antes de dedicarse al cine, escribió cuen-
tos y estudió sociología en Santiago, Heidelberg y Londres. Dirigió los cortos
El tesoro de los caracoles (2004) y XX (2006), y los largometrajes Ilusiones
ópticas (2009) y Bonsái (Bafici ‘12). | He was born in Valdivia, Chile, in
1975. Before becoming a filmmaker he wrote short stories and studied
sociology in Santiago, Heidelberg and London. He directed the short films
The Treasure of the Snails (2004) and XX (2006), as well as the feature-
length films Optical Illusions (2009) and Bonsai (Bafici ’12).
241
 panorama | competencia DDHH
Walsh entre todos
Walsh Among All
En uno de los intertítulos de Walsh entre todos, el artista plástico
Jorge González Perrín cuenta que durante muchos años sentía la
necesidad de honrar la memoria de los compañeros asesinados y
desaparecidos durante la dictadura militar en Argentina, pero que
a partir del juicio a sus responsables fue que se le ocurrió la ma-
nera de llevarlo a cabo. Así, en 2010, acompañado de familiares y
amigos, convocó la participación de artistas y estudiantes de arte
para concretar aquello que en principio era una cuestión personal
y luego se convirtió en una experiencia colectiva. La propuesta
consistió en realizar una serie de imágenes que reprodujeran los
rostros de los desaparecidos, pero plasmados con una briosa vi-
talidad otorgada por la utilización de colores radiantes, tanto en
pequeñas pancartas como en impresionantes cuadros de gran
dimensión (entre ellos, un hermoso mural de Rodolfo Walsh). Este
es el registro de esa empresa, llamada Arte-Memoria Colectivo,
en la que las etiquetas sobre qué es arte y qué no quedan en
segundo plano para acentuar un compromiso activo y tratar de
aquietar –con felicidad y talento– tantos años de violencia.
Argentina, 2015 / 75’ / DM / Color
Español - Spanish
D, P, PE: Carmen Guarini F: Clara Bianchi, Lucas Turturro,
Carmen Guarini, Martín Céspedes E: Martín Céspedes, Carmen Guarini,
Luciano Santoro S: Ignacio Viano, Lucas Meyer CP: El Desencanto Films
I: Jorge González Perrín, Arte-Memoria Colectivo
Contacto / Contact
Cine Ojo - Distribuidora. Marcelo Céspedes
T +54 11 4371 6449 +54 11 4373 8208
E distribucion@cineojo.com.ar - produccion@cineojo.com.ar
W cineojo.com.ar - eldesencantofilms.com
242 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In one of the intertitles of Walsh entre todos, artist Jorge González
Perrín tells that, for many years, he felt the need of honoring his
friends who were murdered and disappeared during the Argentine
military dictatorship, and that it was when those responsible went
to trial that he came up with a way of carrying it out. So in 2010
and in the company of relatives and friends, he summoned artists
and students in order to materialize what was a personal mat-
ter at first but later became a collective experience. The proposal
was to make a series of images the would recreate the faces of
the disappeared, only captured with a spirited vitality given by the
use of radiant colors, in small banners as well as big, impressive
painting (including a beautiful mural of Rodolfo Walsh). This film
captures that enterprise called Arte-Memoria Colectivo, in which
the labels o what is art and what is not are left in the background
in order to accentuate an active commitment and try to quell -with
joy and talent- so many years of violence.
Carmen Guarini
Es cineasta y antropóloga, y se doctoró en la Universidad de Nanterre,
Francia, en cine antropológico bajo la dirección de Jean Rouch. Es inves-
tigadora en el CONICET y docente de la UBA. Fundó la productora Cine
Ojo. Algunos de sus films son Tinta roja (1998), Meykinof (Bafici ‘05) y
Gorri (Bafici ‘10). | A filmmaker and anthropologist, she got a PhD from
the University of Nanterre, France in Anthropologic Cinema under the
guidance of Jean Rouch. She’s a CONICET researcher and UBA professor.
She founded the production company Cine Ojo. Tinta roja (1998), Meyki-
nof (Bafici ‘05) and Gorri (Bafici ‘10) are some of his films.

Words with Gods
Esta película grupal en episodios especula, a veces en clave de
comedia desesperada, acerca de las manifestaciones de la divi-
nidad bajo la mirada de una pandilla de directores de renombre.
Los dioses están locos y tienen mil caras, parece ser la conclusión
general, del mismo modo en que tienen humor, talante capricho-
so, arranques de ira o gestos impasibles, de esos que podrían
constituir la verdadera naturaleza misteriosa de aquello que opera
proverbialmente apartado de la esfera humana. Si Hideo Nakata,
por ejemplo, ofrece la pregunta primordial en tiempos de catás-
trofe suprema (“¿por qué a mí?”), Héctor Babenco imagina un
único destino circular para el dolor, mientras que Kusturica da
de bruces con las sombras de una cultura que quizá no sea otra
cosa que la revelación de su propia arrogancia. Guillermo Arriaga,
por su parte, se envalentona y cierra a toda orquesta con, literal-
mente, un diluvio de sangre sobre territorio mexicano. Para esta
película anómala, la perplejidad reina tanto en la tierra como en
el cielo. David Obarrio
México / Estados Unidos - Mexico / US, 2014 / 134’ / DCP / Color
Inglés - English, Español - Spanish, Urdu, Persa - Persian,
Portugués - Portuguese, Hebreo - Hebrew, Serbio - Serbian, Hindi
D: Guillermo Arriaga, Héctor Babenco, Bahman Ghobadi,
Amos Gitai, Emir Kusturica, Mira Nair, Hideo Nakata,
Warwick Thornton, Álex De la Iglesia
P: Alex Garcia, Lucas Akoskin, Guillermo Arriaga CP: BN Films
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
This episodic collective film speculates, sometimes as desper-
ate comedy, on the manifestations of divinity under the points of
view of a gang of renowned directors. That the gods are crazy
and have a thousand faces seems to be the general conclusion,
and they also have a sense of humor, a capricious temper, fits
of rage or apathetic gestures like those that could constitute
the true mysterious nature of that which operates proverbially
isolated from the human sphere. If Hideo Nakata, for example,
offers the primordial question in times of supreme catastrophe
(“why me?”), Héctor Babenco imagines a sole circular fate for
sorrow, while Kusturica falls face down against the shadows of
a culture that could perhaps be nothing but the revelation of its
own arrogance. Guillermo Arriaga, in turn, summons courage
and delivers a grand finale with a literal downpour of blood over
Mexican territory. For this anomalous film, perplexity reigns on
earth as it does in heaven. DO
Contacto / Contact
BN Films. Raquel Muñoz
E rmunoz@bnfilms.tv
W bnfilms.tv - wordswithgods.com TW @WordsWithGods
243

Chile / Estados Unidos - Chile / US, 2014
7’ / DM / Color
Español - Spanish, Inglés - English
D, G: Manuela Martelli F: Arlene Muller
E: Soledad Salfate DA: Natasha Ngaiza
S: Roberto Espinoza
P, PE: Naomi Levine, Dominga Sotomayor
CP: Cinestación I: Rebeca Sandler, Ximena Mielles
Contacto / Contact
Cinestación. Matías Hernández
T +56 9 6158 0679 E matias@cinestacion.cl
W cinestacion.cl - manuelamartelli.com
TW @cinestacion_
Portugal, 2014
21’ / DCP / Color
Inglés - English
D, G, E: Sandro Aguilar F: Rui Xavier S: Tiago Matos
P: Luís Urbano, Sandro Aguilar CP: O Som e a Fúria
Contacto / Contact
Agencia - Portuguese Short Film Agency
Salette Ramalho
T +351 252 646 683
E agencia@curtas.pt W curtas.pt/agencia
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama | cortos
Apnea
El baño de una casa es el espacio en el que Martelli ubica a sus personajes: Claire, una
nena de seis años, y María, su niñera ecuatoriana. Con una muy precisa dirección de ac-
tores y casi sin necesidad de diálogos, la acción se centra en el ritual del baño, mientras
las protagonistas esperan la llegada de la madre de Claire. La directora posa la mirada
en una serie de detalles que terminan por construir una escena de gran intimidad y,
sin mayores argumentos que los de esa relación y la noticia de la postergación de la
llegada de la madre, logra provocar una tensión dramática muy sugestiva. Violeta Bava
The bathroom of a house is the place where Martelli sets her characters: 6 year-old
Claire and her Ecuadorian nanny María. With a very precise acting direction and almost
no need for dialogue, the action is centered on the bathroom ritual, while the protago-
nists wait for the arrival of Claire’s mother. The director focuses on a series of details that
end up building a very intimate scene and manages to create a very suggestive dramatic
tension, without any other plot than the one around that relationship and the news of the
mother’s postponed arrival. VB
Manuela Martelli
Nacida en 1983, estudió Teatro y Artes en la Universidad Católica de Chile y realizó una Maestría en
Cine en la Universidad de Temple, EE. UU. Participó como actriz en numerosos largometrajes, entre
ellos Machuca, Navidad, El futuro, Dos disparos y El árbol magnético. Actualmente trabaja en 1976,
su primer largo tras las cámaras. | Born in 1983, she studied Drama and Arts at Chile’s Catholic
University and pursued an MA in Film at the Temple University, USA. She took part as an actress in
many feature-length films, among them Machuca, Christmas, The Future, Two Shots Fired, and The
Magnetic Tree. She’s currently working in 1976, her first feature as a director.
False Twins
Falsos gemelos
El nuevo cortometraje de Sandro Aguilar completa un fascinante díptico con el preceden-
te Jewels (visto en el Bafici pasado) y, como aquel, nos apela a usar la razón y la imagina-
ción para huir de la comodidad en la que se ha instalado el espectador contemporáneo.
Sobre imágenes –asombrosas, como siempre– de monos enjaulados, bichos en formol
y un planetario se escuchan textos sobre los primeros habitantes del planeta, las reglas
de un videojuego de naves espaciales o las instrucciones de un manual de reanimación
cardiopulmonar. Y la elección, que no queden dudas, no es caprichosa. Martin Pawley
The new short by Sandro Aguilar completes a fascinating diptych with the previous Jew-
els (seen last year at Bafici) and, like that one, it asks us to use reason and imagination
in order to run away from the comfort zone the contemporary audience has settled in.
Over images -amazing, as always- of caged monkeys, bugs preserved in formaldehyde
and a planetarium, we hear texts on the planet’s first inhabitants, the rules of a video
game about spaceships or an instruction manual for cardiopulmonary resuscitation. And
the choice, there’s no doubt about it, isn’t capricious. MP
Sandro Aguilar
Nació en Portugal en 1974. Estudió cine en la Escuela Superior de Teatro y Cine y, en 1998, fue uno
de los fundadores de la compañía productora O Som e a Fúria. Sus cortometrajes Corpo e meio, A
serpente, Arquivo, Mercúrio y Voodoo, además de su único largometraje, A zona, se exhibieron en
el foco que le dedicó el Bafici ‘11. | He was born in Portugal in 1974. He studied Film at the Higher
Education School of Theatre and Cinema and, in 1988, he was one of the founders of the production
company O Som e a Fúria. His short films Corpo e meio, A serpente, Arquivo, Mercúrio and Voodoo,
as well as his only feature film, A zona, were screened at the focus on his work held by Bafici ’11.
245
 panorama | short films
Estados Unidos - US, 2014
12’ / DM / Color
Inglés - English
D, G, E: Chloe Domont F: Brian Lannin
DA: Grace Sloan S: Arjun G Sheth M: Tim Phillips
P: Jesse Mineo, Chloe Domont PE: Jere B Ford
CP: Capital Letter Films, Fordworks Media
I: Casey Drogin, Hannah Gross
Contacto / Contact
Capital Letter Films. Chloe Domont
T +1 310 869 7669 E chloedomont@gmail.com
W capitalleterfilms.com - chloedomont.com
TW @Hides_In_Pillow
Israel / Palestina - Israel / Palestine, 2014
25’ / DCP / Color
Hebreo - Hebrew, Árabe - Arabic
D, G, F, E, P: Mich’ael Zupraner
S: Binya Reches CP: Studio Zupraner
Contacto / Contact
Studio Zupraner. Mich’ael Zupraner
T +972 527 382 180 E zupraner@gmail.com
246 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Haze
Neblina
Chico se despierta en cama de chica, feliz después de una noche de fiesta que terminó
bien. Ella, que se despierta enseguida, no parece compartir ni su felicidad ni la idea de
que la noche haya terminado bien. Es más: no se acuerda de nada. La incomodidad esca-
la hasta que ella lo echa y él se va a medio vestir. ¿Fin? No, porque el muchacho tiene de
bienintencionado lo que tiene de insistente, y pega la vuelta para quedarse con la última
palabra: va a conseguir mucho más que eso. Como en Joyful Girl, Domont demuestra que
un puñado de minutos le alcanzan para tomar instantáneas tan precisas como intensas
de las pasiones, las neurosis y las histerias de la juventud. Agustín Masaedo
Boy wakes up in girl’s bed, pretty happy after a night of partying that ended well. She
wakes up right after him, and doesn’t seem to share his happiness, or the notion that
last night ended well. Even more: she doesn’t remember anything. The awkwardness
rises up until she kicks him out and he leaves half-dressed. The End? No, because the
boy is as well meaning as he is insisting, so he turns around in order to have the last
word –he’s going to get a lot more than that. Like in Joyful Girl, Domont proves a handful
of minutes are enough for him to take some both thorough and intense snapshots of the
passions, neurosis, and hysterias of youth. AM
Chloe Domont
Nacida en Los Ángeles, EE. UU., estudió cine y televisión en la Escuela de Artes Tisch de la NYU.
Dirigió, entre otros, Hear Me Fall (2010), Welcome to Greenpoint (2011), Jack’s Not Sick Anymore
(2012) y Joyful Girl (2012; Bafici ‘13). | Born in Los Angeles, USA, she studied Film and TV Directing
at the Tisch School of the Arts in NYU. She directed several short films, including Hear Me Fall (2010),
Welcome to Greenpoint (2011), Jack’s Not Sick Anymore (2012), and Joyful Girl (2012; Bafici ‘13).
The Policeman’s House
Beit ha’shoter
La casa del policía
Mich’ael Zupraner es judío, israelí, cineasta. Y vive en una casa de paredes blancas en
una colina de Hebrón. Los palestinos desconfían de él: podría tratarse de un infiltrado.
Los israelíes creen que trabaja como informante para los palestinos. Su situación es am-
bigua, y desde ella trata de construir una suerte de espacio neutral donde todos puedan
celebrar el año nuevo, independientemente de su credo. No sabemos en realidad quién
es Mich’ael Zupraner; quizás un cineasta que participa en una marcha con una máscara
de tigre. O Tom Ripley frente al espejo, desvistiéndose una barba postiza. Fran Gayo
Mich’ael Zupraner is Jewish, Israeli, filmmaker. And he lives in a house of white walls
up a hill in Hebron. Palestinians don’t trust him: he could be an infiltrator. Israelis think
he works as an informant for the Palestinians. His situation is ambiguous, and from it
he tries to build a neutral space of sorts where everyone can celebrate New Year’s Eve,
whatever their creed. We don’t really know who Mich’ael Zupraner is –maybe he’s a
filmmaker who participates in a demonstration wearing a tiger mask. Or maybe it’s Tom
Ripley in front of the mirror, taking off a fake beard. FG
Mich’ael Zupraner
Nació en Beer Sheva, Israel, en 1981. Se graduó en la Universidad de Harvard, Estados Unidos, y
actualmente se desempeña como investigador en la Academia Jan van Eyck. Entre sus trabajos como
realizador se encuentran Archaeology is our Nation’s Pastime (2006) y Snow Tapes (2011). | He was
born in Beer Sheva, Israel, in 1981. He graduated from the University of Harvard, USA, and currently
works as a researcher in the Jan van Eyck Academy. Archaeology is our Nation’s Pastime (2006) and
Snow Tapes (2011) are some of his films.
 panorama | cortos

Primavera
Spring

Bolivia, 2015
16’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Joaquín Tapia Guerra F: Simón Avilés Valdez
E: Miguel Hilari Sölle S: Gilmar Gonzales Ascarrunz
P: Corina Cachaca, Rosario Tapia, Gilmar Gonzales,
Simón Avilés, Miguel Hilari, Joaquín Tapia Guerra
CP: Mofos
Contacto / Contact
Mofos. Joaquín Tapia Guerra
T +591 6555 5208 +591 6562 8554
E joaquin.tapiaguerra@gmail.com
aviles.simon@gmail.com
En algún lugar de los Andes bolivianos, la pequeña Dayana ayuda a su abuela a cocinar
y cuida a las cabras con su amigo Walter... hasta que le avisan que ha sido elegida
“reina primavera”. De punta en blanco y peinada para la ocasión, Dayana subirá a un
escenario donde la esperan otras princesitas y luego bailará con Walter (ahora de traje
y corbata), que demuestra el mismo entusiasmo que ella: ninguno en absoluto. Con
planos largos y sin más explicaciones que los anuncios del locutor del evento –más bien
un pedidor serial de aplausos–, Tapia Guerra pone la lupa en las curiosas costumbres
de tierra adentro para volverlas una suerte de liturgia extraterrestre. Agustín Masaedo
Somewhere in the Bolivian Andes, little Dayana helps her grandma with the cooking
and takes care of the goats with his friend Walter... until she’s told that she has been
chosen “spring queen.” Immaculately dressed and with her hair done for the occasion,
Dayana will walk up to a stage where other little princesses await, and will dance with
Walter (now with suit and tie,) who has the same amount of enthusiasm as her: none
whatsoever. With extended shots and no further explanations than those made by the
event’s announcer –more of a serial applause-asker–, Tapia Guerra concentrates on
the curious inland customs and turns them into some sort of extraterrestrial liturgy. AM
Joaquín Tapia Guerra
Nació en La Paz, Bolivia, en 1990. Estudió literatura en la Universidad Mayor de San Andrés dos
años antes de comenzar a formarse como cineasta en La Paz. Primavera es su primer trabajo como
director. | He was born in La Paz, Bolivia, in 1990. He studied Literature at San Andrés’ Universidad
Mayor two years prior to begin training as a filmmaker in La Paz. Spring is his first work as a director.

Re:Awakenings
Re:Despertares

En 1969 un neurólogo treintañero, Oliver Sacks, se encontró en un hospital del Bronx

con un grupo de enfermos que llevaban décadas en estado catatónico. Los identificó
como supervivientes de una devastadora epidemia de encefalitis cuatro décadas atrás,
y probó con ellos un nuevo medicamento que produjo resultados extraordinarios: los
pacientes despertaron de su trágico letargo, y él estaba allí para documentarlo con la
cámara. Aquella fue una historia memorable que originó un libro, Awakenings, la ficción
homónima de Penny Marshall, y ahora este corto de Bill Morrison que emplea las imá-
genes originales en Super 8 y la música de Philip Glass para tributar un justo homenaje
Estados Unidos - US, 2013
18’ / DCP / Color - B&N
al doctor Sacks. Martin Pawley
In 1969, Oliver Sacks, a neurologist in his thirties, found himself in a hospital from
D, E, DA: Bill Morrison
the Bronx with a group of patients who had been in a catatonic state for decades. He
G: Oliver Sacks, Lawrence Weschler F: Oliver Sacks
identified them as survivors of a devastating encephalitis epidemic that happened four
S: Andrew Sterman M: Philip Glass
decades ago, and tested some new medicine with them, which provided extraordinary
P: Lawrence Weschler CP: New York Live Arts
results: the patients woke up after their tragic lethargy, and there he was, documenting
I: Dr. Oliver Sacks
it with the camera. It was a memorable story that was turned into a book, Awakenings,
Contacto / Contact the film by Penny Marshall of the same name, and now this short by Bill Morrison that
Hypnotic Pictures. Bill Morrison makes use the original Super 8 images as well as music by Philip Glass in order to pay
T +1 917 445 8529 a fair tribute to Doctor Sacks. MP
E bill@billmorrisonfilm.com W billmorrisonfilm.com
Bill Morrison
Nació en Chicago, EE. UU., en 1965, y actualmente se encuentra radicado en Nueva York. Es miembro
del Teatro Ridge y fundador de Hypnotic Pictures. Entre otros largos, dirigió Decasia (2002), Spark of
Being (2010) y Tributes: Pulse (2011). | He was born in Chicago, US, in 1965, and is currently based
in New York. He is a member of the Ridge Theater and founder of Hypnotic Pictures. Among other
features, he directed Decasia (2002), Spark of Being (2010) and Tributes: Pulse (2011).

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 247

 panorama | short films

San Siro

Desde la colocación de vallas por la mañana hasta el ingreso al vestuario de Mario

Italia - Italy, 2014
26’ / DCP / Color
D, G, F, E: Yuri Ancarani S: Mirco Mencacci
M: Lorenzo Senni, Wang Inc. CP: Ancarani Studio
Contacto / Contact
Ancarani Studio. Caterina Viganò
T +39 333 171 2591
E info@yuriancarani.com W yuriancarani.com
Balotelli por la noche, pasando por el señor que ahuyenta a las palomas con bombas
de estruendo por la tarde, San Siro registra el entramado de objetos (cables, metales) y
personas (obreros, policías, hinchas, jugadores) que pone en funcionamiento ese mas-
todonte de concreto que es el San Siro cada vez que juega el AC Milán. La película de
Yuri Ancarani propone, mediante un obsesivo e impactante trabajo visual y –especial-
mente– sonoro, un recorrido de afiebrada adoración futurista por uno de los grandes
templos del fútbol mundial. Juan Pablo Álvarez
From the placing of fences in the morning to Mario Balotelli’s entry to the locker rooms
at night, as well as the man who shoos the pigeons with echo bombs in the afternoon,
San Siro captures the scheme of objects (wires, metals) and people (workers, cops, fans,
players) that get this concrete behemoth that is San Siro up and running every time the
AC Milan plays. Through some obsessive, impressive visuals and –especially– sound,
Yuri Ancarani’s film proposes a journey of feverish futuristic adoration for one of the
greatest soccer temples in the world. JPA

Yuri Ancarani
Nació en Rávena, Italia, en 1972. Con una larga trayectoria en el video arte, entre sus trabajos como
director se encuentran los cortos Il capo (2010), Piattaforma luna (2011) y Da Vinci (2012). | He was
born in Ravena, Italy, in 1972. He has a long career in video art, and had directed the short films Il
capo (2010), Piattaforma luna (2011), and Da Vinci (2012), among others.

Chile, 2014
35’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, F, E: Tiziana Panizza G: Tiziana Panizza,
Germán Carrasco S: Roberto Espinoza
M: Sebastián Vergara, Ricardo Santander
P: Macarena Fernández CP: Domestic Films
Contacto / Contact
Domestic Films. Tiziana Panizza
T +56 9 9479 4044
E tpanizza@yahoo.com
W tpanizza.wix.com/domestic-films
Tierra en movimiento
Unstable Land
El terremoto que sacudió a Chile en 2010 no solo dejó muertos. La tierra al moverse
destruye, pero también descubre la verdadera naturaleza de algunas cosas. Un edificio
que representa el estilo de vida feliz y moderno se vuelve el símbolo del oportunismo y
la avaricia; la ropa secándose al sol en banderas de rendición de un pueblo que cada 15
años es bombardeado. La exhibición de las entrañas de las construcciones llega a ni-
veles de obscenidad: es un testimonio con signos imborrables que no muchos supieron
ver. Tierra en movimiento es una película curiosa y sensible que acompaña la búsqueda
de familiares, de un gentilicio para quien vive sobre esas tierras inquietas y se pregunta
cuándo tendrá lugar el próximo movimiento. Leandro Listorti
The earthquake that hit Chile in 2010 didn’t just leave casualties. When the earth moves,
it destroys, but it also discovers the true nature of some things. A building that repre-
sents the happy, modern lifestyle becomes the symbol of opportunism and greed -the
clothes drying in the sun in surrender flags of a town that is bombed every 15 years. The
showing of the entrails of constructions reaches levels of obscenity, it’s a testimony with
unforgettable signs that few were able to see. Tierra en movimiento is a curious, sensi-
tive film that joins the search of relatives, of a demonym for those who live in this restless
lands and ask themselves when the next movement will take place. LL
Tiziana Panizza
Nacida en Santiago de Chile en 1972, es magíster en arte y medios de la Universidad de Westminster,
estudia cine documental en la EICTV, y es docente en la Universidad de Chile. Dirigió la trilogía de cortos
Cartas visuales (2005-13; Bafici ‘13), y los documentales Tierra sola y 74 m² (2012; Bafici ‘13). | Born
in Santiago de Chile in 1972, she has an MA in Art and Media from the University of Westminster; she
studies documentary filmmaking at the EICTV, and is a professor at University of Chile. She directed the
short film trilogy Cartas visuales (2005-13; Bafici ‘13), and the documentaries Tierra sola and 74 m²
(2012; Bafici ‘13).

248 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 panorama | cortos

O velho do restelo
The Old Man of Belém
El viejo del rastrillo

Camino a cumplir 107 años, el único director de la historia cuya carrera va del cine
mudo al digital reúne en un banco de plaza a cuatro espectros. El poeta Luíz Vaz de
Camões, los novelistas Camilo Castelo Branco y Teixeira de Pascoaes (en cuya novela
El penitente se inspira este cortometraje salpicado con fragmentos de otros films del
maestro portugués) y el Don Quijote cervantino hablan de glorias y derrotas pasadas, del
vacío y de la alienación, de la incertidumbre del futuro, dándole forma a una reflexión de
Portugal / Francia - Portugal / France, 2014 luminoso pesimismo –por supuesto que eso existe, si hasta tiene un adjetivo: oliveiria-
20’ / DCP / Color no– acerca de la humanidad. Augusto Madero
Portugués - Portuguese About to turn 107, the only director in history whose career span covers silent film all
D, G: Manoel de Oliveira F: Renato Berta the way through digital gathers four specters on a park bench. Poet Luíz Vas de Camões,
E: Valérie Loiseleux S: Henri Maïkoff P: Luís Urbano, novelists Camilo Castelo Branco and Teixeira de Pascoaes (whose novel O penitente in-
Sandro Aguilar, Daniel Chabannes CP: O Som e a Fúria, spired this short film sprinkled with fragments from other films by the Portuguese mas-
Epicentre Films I: Diogo Dória, Luís Miguel Cintra, ter) and Cervantes’ Don Quixote talk about past glories and defeats, about emptiness
Mário Barroso, Ricardo Trêpa and alienation, about the uncertainty of the future, thus shaping a reflection of luminous
pessimism –of course that exists; it even has an adjective: Oliveirian– on humanity. AM
Contacto / Contact
Agencia - Portuguese Short Film Agency
Salette Ramalho
T +351 252 646 683 Manoel de Oliveira
E agencia@curtas.pt Nació en Portugal en 1908. Dentro de su vasta filmografía se encuentran Belle Toujours (Bafici ‘07),
W curtas.pt/agencia Centro histórico (junto a Aki Kaurismäki, Pedro Costa y Víctor Erice) y Gebo et l’ombre, ambas exhibi-
das en el Bafici ‘13. | He was born in Portugal in 1908. His vast filmography includes Belle Toujours
(Bafici ’07), Historic Centre (with Aki Kaurismäki, Pedro Costa and Víctor Erice), and Gebo and the
Shadow, both screened at Bafici ’13.

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 249


Léa Rinaldi sabe observar, que no es mirar (acción que mere-
cería la categoría de subgrupo) ni tampoco es registrar o filmar
(subgrupo del subgrupo). Lo demuestra en Esto es lo que hay (pe-
lícula que se encuentra este año en la competencia DD. HH. del
Bafici) con un tema complejo, observando desde distancias varia-
bles y siempre precisas, pero lo deja más claro aún en este díptico
dedicado a J. J.: Behind Jim Jarmusch (diario de rodaje de The
Limits of Control ) y Travelling at Night with Jim Jarmusch (mis-
mo género, pero aplicado a Only Lovers Left Alive ). Las películas
funcionan perfectamente juntas no solo porque documentan el
trabajo de Jarmusch, sino porque, además, la primera avanza
sobre explicaciones que la segunda ya da por sentadas para con-
centrarse en un retrato íntimo y atmosférico. El retrato en dos
tiempos de Rinaldi sobre Jarmusch consigue lo que casi ningún
making of: sumarles valor a las películas de las que se desprende
y ser un pasaje franco y generoso hacia las profundidades de un
rodaje. Marcelo Panozzo
Contacto / Contact
Aléa Films
T +33 6 6695 3882 +33 6 1656 4553
E aleafilms@gmail.com W aleafilms.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
panorama
Behind Jim Jarmusch
Detrás de Jim Jarmusch
Francia - France, 2009 / 52’ / DM / Color / Inglés - English
D, F, S: Léa Rinaldi E: Ael Dallier Vega M: Sylvia Morales, Pascal Thibaut,
Tito el Francés, Alexandre Gimenez CP: Aléa Films I: Jim Jarmusch,
Isaach De Bankolé, Tilda Swinton, Bill Murray, John Hurt
Travelling at Night with
Jim Jarmusch
Viajando de noche con Jim Jarmusch
Francia - France, 2014 / 47’ / DM / Color / Inglés - English
D, F: Léa Rinaldi E: Aurélien Manya S: Raymi Morales M: Sqürl
CP: Aléa Films I: Jim Jarmusch, Tilda Swinton, Tom Hiddleston,
John Hurt, Mia Wasikowska
Léa Rinaldi knows how to observe, which is not the same as
watching (that’s an action that deserves the category of subgroup)
nor registering or filming (a subgroup within the subgroup). She
proves this in Esto es lo que hay –which this year competes for
the Human Rights Award in Bafici– addressing a complex issue
and observing from variable and always precise distances. But
she proves the point more clearly in this diptych dedicated to J. J.:
Behind Jim Jarmusch (a shooting journal of The Limits of Control)
and Travelling at Night with Jim Jarmusch (same genre only ap-
plied to Only Lovers Left Alive). These films work perfectly together
not only because they document Jarmusch’s work, but also be-
cause the first one develops explanations the second one already
gives for granted in order to focus on an intimate and atmospheric
portrait. Rinaldi’s two-timed depiction of Jarmusch achieves what
almost no making-of work does: it adds value to the films it’s
attached to and become an honest and generous way into the
depths of a film shooting. MP
Léa Rinaldi
Nació en París en 1982. Se formó en artes audiovisuales y literatura en la Sorbo-
na y creó la compañía Alea Films en 2011. Dirigió una gran cantidad de docu-
mentales; su primer largometraje de ficción, Esto es lo que hay, se encuentra
programado en esta sección del Festival. | She was born in Paris in 1982. She
trained in Visual Arts and Literature at the Sorbonne and created the company
Alea Films in 2011. She directed several documentaries, and her first fiction film
This Is What It Is is programmed in this section of the Festival.
251
 panorama
jodie mack - cortos
“Que brille tu luz”. Así tituló Jodie Mack uno de sus cortometrajes
y uno de estos dos programas que son compendio de su obra y
a la vez catálogo esplendoroso de esa mezcla de placer y rigor
que su trabajo representa. Poniendo en juego (en todos los senti-
dos de la expresión) los descartes de la cultura de producción en
masa, del cliché y del diseño popular (y barato), Mack desdibuja la
fina línea entre lo cotidiano y el arte, convirtiendo retazos de papel
pintado, camisetas, postales y bolsas de regalo en películas para
el solaz, objetos singulares que aúnan la más precisa experimen-
tación formal con el disfrute visual. Y que dejan espacio, incluso,
para una cualidad poco vista en estas lides: el sentido del humor.
Collages en stop motion enloquecido, inventarios estroboscópicos
de estampados, vaporosas y caleidoscópicas coreografías de luz,
viajes lisérgicos y experiencias sensoriales inéditas. Eso es, entre
otras muchas cosas, el cine de Jodie Mack. Dejemos que su luz
brille sobre nosotros. Elena Duque
Programa 1 | program 1: Let Your Light Shine
Undertone Overture
Estados Unidos - US, 2013
11’ / 16mm / Color
New Fancy Foils
Estados Unidos - US, 2013
13’ / 16mm / Color
Dusty Stacks of Mom:
The Poster Project
Estados Unidos - US, 2013
41’ / 16mm / Color
Inglés - English
Contacto / Contact
Darthmouth College. Jodie Mack
T +1 773 595 2312 E jodienmack@gmail.com W jodiemack.com
252 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
jodie mack - short films
“Let your light shine on.” That’s how Jodie Mack entitled on
of her short films and one of these programs that act as a
collection of her work and a splendorous catalogue of that mix
of pleasure and rigor her work represents. By putting in play
(in every sense of the word) the discards of mass-production
culture, cliché, and popular (and cheap) design, Mack blurs
the out the fine line between everyday life and art, turning
shreds of painted paper, t-shirts, postcards, and gift bags into
relaxation films, singular objects that associate the most pre-
cious formal experiments with visual delight. And they even
leave room for a rarely seen quality in these matters: a sense
of humor. Crazy stop motion collages, stroboscopic print cata-
logues, vaporous and kaleidoscopically choreographed lights,
lysergic trips and unique sensorial experiences. That, among
many other things, is Jodie Mack’s cinema. Let’s have her light
shine upon us. ED
Glistening Thrills
Estados Unidos - US, 2013
8’ / 16mm / Color
Let Your Light Shine
Estados Unidos - US, 2013
3’ / 16mm / Color - B&N
D: Jodie Mack
Jodie Mack
Animadora experimental, estudió cine, video y nuevos medios en el Insti-
tuto de Arte de la Universidad de Chicago. Actualmente dicta clases en el
Dartmouth College, y sus trabajos audiovisuales e instalaciones han sido
exhibidos en importantes espacios culturales. | An experimental animation
artist, she studied Film and Video Directing, and New Media at the Univer-
sity of Chicago’s Art Institute. She currently teaches a course at Dartmouth
College, and her audiovisual pieces and installations have been exhibited
in top cultural arenas.
 panorama

Programa 2 | program 2: Poshaste Perennial Patterns: Fabri-flicks

Harlequin and Lace Blanket Statement #1:

Estados Unidos - US, 2009 / 5’ / 16mm / Color - B&N Home Is Where the Heart Is
Estados Unidos - US, 2012 / 3’ / 16mm / Color
Poshaste Perennial
Pattern Blanket Statement #2:
Estados Unidos - US, 2010 / 4’ / 16mm / Color It’s All or Nothing
Estados Unidos - US, 2012 / 5’ / 16mm / Color
Rad Plaid
Estados Unidos - US, 2010 / 6’ / 16mm / Color Razzle Dazzle
Point de Gaze Estados Unidos - US, 2014 / 5’ / 16mm / Color
Estados Unidos - US, 2012 / 5’ / 16mm / Color
D: Jodie Mack
Persian Pickles
Estados Unidos - US, 2012 / 3’ / 16mm / Color

jan soldat

The Incomplete
Der Unfertige
El incompleto

Este film no transcurre en la Tierra Media y su protagonista no es Andy Serkis en-

mascarado digitalmente. The Incomplete es el retrato de un hombre de 60 años que
se presenta como un Gollum. Desnudo y encadenado, calvo y relajado, también dice
llamarse Klaus, confiesa ser gay y quiere ser un esclavo. Soldat seguirá las tareas
cotidianas de su personaje: limpiar, desnudarse, bañarse, encadenarse, recibir un par
de nalgadas, practicar una felatio. Hablará con él sobre su pasado e indagará sobre su
filosofía. Que su padre haya sido un militar jerárquico y su madre una educadora en la
Alemania - Germany, 2015 época de Hitler contextualiza sociológica e históricamente las pasiones de Klaus. Es un
48’ / DM / Color film sobre Alemania, pero no necesariamente se sugiere una violencia profunda como
Alemán - German fuerza del masoquismo de Klaus. Hay algo de juego delirante, de puesta en escena del
poder y sus estructuras al servicio de un placer no ligado a la sexualidad. Es un film
D, F, E, P, PE: Jan Soldat político por excelencia y su plano final, único primer plano del personaje, enseña la ética
S: Jan Soldat, Lorenz Fischer de una estética. Roger Koza (Catálogo FICUNAM)
Contacto / Contact This film is not set in the Middle Earth and its main character is not Andy Serkis with
Jan Soldat a digital mask. The Incomplete is, rather, the portrait of a 60-year-old man who is pre-
T +49 176 8217 7630 sented as a Gollum. Naked and in chains, this bold-headed and relaxed man who says
E jan.soldat@yahoo.de his name is Klaus confesses he is gay and wants to be a slave. Soldat will follow the
everyday chores of his character –to cleanup and get naked, to take a shower and chain
himself up, to get spanked and do a blowjob. He’ll talk with Klaus about his past and
delve into his philosophy. The fact Klaus’ father was a high rank officer and his mother a
teacher in Hitler’s times offers a sociological and historical context for his passions. This
is a film about Germany, but it doesn’t necessarily suggests a deep violence as the driv-
ing force for Klaus’ masochism. There is something delirious about it, and it seems as
a staging of power and its structures under the service of a form of pleasure unrelated
to sex. This is an intrinsically political film and its final shot, the only close up on this
character, shows the ethics behind its aesthetics. RK (FICUNAM catalogue)

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 253

 panorama | jan soldat

The Visit
Der Besuch
La visita
Alemania - Germany, 2015
5’ / DM / Color / Alemán - German
D, F, E, P, PE: Jan Soldat S: Jan Soldat, Lorenz Fischer

The Sixth Season

Die sechste Jahreszeit
La sexta temporada
Alemania - Germany, 2015
37’ / DM / Color / Alemán - German
D, F, E, P, PE: Jan Soldat S: Jan Soldat, Lorenz Fischer

Prison System 4614

Haftanlage 4614
Sistema de prisión 4614
Alemania - Germany, 2015
60’ / DM / Color / Alemán - German
D, F, E, P, PE: Jan Soldat S: Jan Soldat, Lorenz Fischer

Klaus, Arwed y Dennis son los protagonistas de estas películas
de Jan Soldat (nacido en la antigua RDA en 1984). Parecen los
personajes de un fake o de una remake de Freaks en la que el
circo se ha reconvertido en una comunidad de esclavos sadoma-
soquistas. Soldat entrevista a Klaus (The Incomplete ) en su casa,
encadenado a su cama, a quien luego veremos realizando servi-
cios de limpieza (y sexuales) a un cliente; y finalmente acudiendo
a un campamento de esclavos. Este campamento no parece tan
sofisticado como el “Guantánamo” que regentean Arwed y Den-
nis, una granja adaptada a los adictos al BDSM que primero le
enseñan a la abuela de uno de ellos (The Visit ), después disfrutan
por su cuenta (The Sixth Season ) y donde, por último, atienden a
los inquilinos que contratan una semana de servicio completo en
sus celdas de castigo (Prison System 4614 ). Estamos más cerca
del Errol Morris de Vernon, Florida o de la serie First Person, con
todo su catálogo de personajes excéntricos pero entrañables, que
de un Werner Herzog, no digamos ya de Tod Browning. Soldat
se mantiene tras la cámara, sin que sus encuadres denoten el
más mínimo gesto contradictorio, el más leve comentario irónico,
ningún afán sensacionalista; de la misma forma, sus entrevistas
adoptan el tono más serio y neutro. Sus películas pueden tener
una vocación didáctica (el mundo es mucho más complejo de lo
que puede parecer), pero están muy lejos de ser moralistas a lo
Ulrich Seidl. Como le decía el carcelero de Auschwitz a Primo Levi:
“Aquí no hay porqués”. Jaime Pena
Klaus, Arwed and Dennis are the protagonists in these films by
Jan Soldat (born in the former GDR in 1984). They seem like
characters out of a fake video or a Freaks remake in which the
circus has retransformed into a community of S&M slaves. Soldat
interviews Klaus ( The Incomplete) at his place, chained to his bed;
later, we see him performing cleaning (and sexual) services to
a client; and, finally, attending a slave camp. This camp doesn’t
seem as sophisticated as the “Guantanamo,” ran by Arwed and
Dennis, a farm adapted for BDSM addicts that they first show to
the grandmother of one of them ( The Visit), then enjoy on their
own ( The Sixth Season) and where, lastly, they assist the tenants
that book a week of full service in their punishment cells ( Prison
System). We are closer to Errol Morris territory, that of Vernon,
Florida or the series First Person, with all their catalogue of ec-
centric but lovable characters, than Werner Herzog, let alone Tod
Browning. Soldat remains behind the camera, without letting his
framing reveal even the most minimal contradictory gesture, the
slightest ironic commentary, and any kind of sensationalistic ef-
fect; in the same way, his interviews adopt the most serious and
neutral of tones. His films might seem to have a didactic vocation,
but they are for being moralistic Ulrich Seidl style. Like the warden
said to Primo Levi in Auschwitz: “There are no whys here.” JP

Contacto / Contact
Jan Soldat
T +49 176 8217 7630 E jan.soldat@yahoo.de

254 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 panorama | North Korean Cinema
Hasta hace cinco años, la única forma de conocer algo sobre
Corea del Norte era a través de las películas creadas por los
Kim, la última dinastía comunista del mundo. Durante más
de seis décadas, desde la creación de la República Popular
Democrática de Corea, en 1948, hasta la apertura parcial y
controlada del turismo chino, en 2011, el mundo no vio nada
que no quisieran mostrar en la pantalla el “Gran Líder” Kim
Il-sung, primero, y su excéntrico hijo y heredero, el “Querido
Líder” Kim Jong-il, después.
Esta selección de cuatro películas es una rarísima oportuni-
dad de espiar la vida en el país más hermético del planeta, y
representa una minúscula parte –la mejor, seguramente– de la
prolífica producción de cine norcoreano, que tuvo su primer hit
en 1972 con The Flower Girl, escrita por el mismísimo “presi-
dente eterno” Kim Il-sung y considerada la mejor película de
la historia de la república. A Schoolgirl’s Diary –que, dicen, vio
un tercio de la población norcoreana– fue en cambio el legado
más exitoso del segundo Kim, cinéfilo temerario que llegó a
tener una colección personal de veinte mil películas –todas
prohibidas en el país– y “se dio el gusto en vida” de secuestrar
y mantener en cautiverio durante ocho años al director de cine
surcoreano más famoso y a su bella esposa actriz para que
filmaran siete películas bajo sus órdenes.
Pero los tiempos cambian incluso en Pyongyang, y hoy es Kim
Jong-un, el “brillante camarada” de corte de pelo abombado y
cejas depiladas, quien decide los destinos de la patria Juche.
A él apenas le corresponde el incidente menor que desató el
hackeo a The Interview, porque el poder se hereda, pero las
películas no.
Florencia Grieco
256 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Up to five years ago, the only way to know anything about
North Korea was through the films made by the Kims, the last
communist dynasty in the world. For more than six decades,
since the creation of the Democratic People’s Republic of Korea
in 1948 up to the partial and controlled opening to Chinese
tourism in 2011, the world didn’t see anything that wasn’t
allowed to be shown on a screen by the “Great Leader” Kim
Il-sung first, and his eccentric son and heir “Beloved Leader”
Kim Jong-il later.
This selection of four films is a very rare opportunity to spy into
the life of the world’s most secretive country, and represents
a minuscule part –probably the finest– of the prolific North
Korean film production, which had its first hit in 1972 with
The Flower Girl, written by the “eternal president” himself Kim
Il-sung and considered to be the finest film in the history of
the republic. A Schoolgirl’s Diary –which people say was seen
by a third of the country’s population– was instead the most
successful legacy of the second Kim, a fearless cinephile who
had his own collection of twenty thousand films –all banned
in the country– and “treated” himself by kidnapping the most
famous South Korean filmmaker and his wife, so they could
make seven films under his orders.
But times change, even in Pyongyang, and today the fate of
the Juche nation is decided by Kim Jong-un, the “brilliant
comrade” with a bulgy haircut and waxed eyebrows. He only
carries with the minor incident that triggered the hacking of
The Interview, because power is inherited, but films aren’t.
FG
 panorama | CINE NORCOREANO

The Flower Girl

Kotpanum chonio
La chica de las flores

A menudo considerada la Lo que el viento se llevó norcoreana, The Flower Girl es la

adaptación fílmica de una ópera escrita por el “Gran Líder” Kim Il Sung. Típica de un
cine que busca celebrar los ideales revolucionarios, la película describe una Corea bajo
el dominio del Japón imperial donde los siervos son poco más que enseres de sus em-
pleadores. El personaje del título vende flores para ayudar a su estresada madre viuda
y a su hermanita ciega, mientras espera que su hermano mayor cumpla su promesa de
Corea del Norte - North Korea, 1972 regresar a rescatarlas de la terrible opresión.
121’ / DM / Color Often regarded as the North Korean Gone with the Wind, The Flower Girl is the filmed
Coreano - Korean adaptation of an opera written by the “Great Leader” Kim Il Sung. Typical of a cinema
D: Pak Hak, Choe Ik-kyu I: Hong Youg-hui, Pak Hwa-son that seeks to celebrate revolutionary ideals, the film depicts a Korea under imperial
Japanese rule where servants are little more than chattels of their employers. The title
Contacto / Contact character sells flowers to help her widowed, overworked mother and blind younger sister
Wavelength Pictures. John Flahive whilst waiting for her elder brother to fulfil his promise to return and rescue them from
T +44 796 877 2792 the terrible oppression.
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Tale of Chun Hyang

Chunhyangjeon
Cuento de Chun Hyang

Como muchas otras sociedades, Corea fue gobernada alguna vez por príncipes y reyes,
y su bien definida estructura de clase aristocrática forma la base de Tale of Chun Hyang.
La película es la adaptación de un relato tradicional coreano sobre el amor imposible
entre una hermosa muchacha hija de un noble y su kisaeng (concubina coreana) y un
joven aristócrata, el tierno Mong Ryong, de quien ella es considerada indigna. Su ma-
trimonio secreto parece condenado cuando Mong Ryong parte a Seúl y se ausenta por
Corea del Norte - North Korea, 1980 tres largos años, tiempo durante el que no se sabe nada de él.
147’ / DM / Color No different to most other societies, Korea was once governed by princes and kings, and
Coreano - Korean its defined aristocratic class structures forms the basis for Tale of Chun Hyang. The film
D: Yu Won-jun, Yun Ryong-gyu is an adaptation of a traditional Korean tale of the impossible love between a beautiful
G: Kim Sung-gu, Paek In-jun F: Pak Kyong-won young woman born of a nobleman and his kisaeng (Korean concubine) and a young
I: Kim Sung-gu, Paek In-jun aristocrat, the tender hearted Mong Ryong, of whom she’s considered unworthy. Their
secret marriage seems doomed when Mong Ryong departs for Seoul and his absence
Contacto / Contact lasts three years, during which no news is heard of him.
Wavelength Pictures. John Flahive
T +44 796 877 2792
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[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 257

 panorama | North Korean Cinema
Corea del Norte - North Korea, 1987
92’ / DM / Color
Coreano - Korean
D: Jo Kyun-soon G: Ri Choon-goo
F: Choi Tae-kook, Park Se-woong I: Kim Ryung-jo,
Oh Mi-ran, Song Yeon-ock
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Corea del Norte - North Korea, 2006
94’ / DM / Color
Coreano - Korean
D: Jang In-hak G: An Jun-bo F: Hwang Ryong-cheol,
Han Heui-gwang E: Pak Jeong-suk DA: Jo Yeong-gil
M: Jo Seong-su I: Pak Mi-hyang, Kim Cheol,
Kim Yeong-suk, Shin Hak-myeong
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258 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A Bellflower
Torajikkot
Una campanilla
Las exhortaciones a poner el bien común por sobre la ambición personal son un tema
recurrente en la sociedad norcoreana, guiada por el Pensamiento Juche de la autosufi-
ciencia. En A Bellflower, un hombre cruza las montañas de regreso a su antiguo hogar
luego de estar fuera muchos años, lleno de arrepentimiento por su decisión juvenil de
seguir una complaciente vida vagabunda mientras su amada se quedaba atrás ayudan-
do a convertir su humilde ciudad natal, Pyokgye-ri, en una aldea modelo del socialismo.
Exhortations to put the common good above personal ambition are a recurrent theme
of North Korean society guided by the Juche principle of self-reliance. In A Bellflower,
a man crosses the mountains to return to his old home after many years away, full
of regret for his youthful decision to follow a wandering indulgent life whilst his lover
stayed behind to help convert her humble hometown, Pyokgye-ri, into a model village
of Socialism.
A Schoolgirl’s Diary
Han nyeohaksaengeui ilgi
Diario de una colegiala
La estudiante del título, Su-ryeon, podría ser vista como la encarnación actual de la
protagonista de The Flower Girl. Lleva una vida modestamente cómoda, con una familia
que la quiere, y recibe una buena educación. Pero le molesta la ausencia frecuente de
su padre, que trabaja como investigador científico, y también la devoción acrítica de su
madre hacia él. Habiéndose prometido no repetir los “errores” de sus padres, Su-ryeon
llega eventualmente a apreciar sus sacrificios por el bien común y elige dedicar su
propia vida a la ciencia.
The schoolgirl of the title, Su-ryeon, could be regarded as the present day embodiment
of The Flower Girl. She lives a life with modest comforts amongst loving family and
receives a good education. But she resents her frequently absent father, who works as
a research scientist, and also resents her mother’s uncritical devotion to him. Having
vowed not to repeat the “mistakes” of her parents, Su-ryeon eventually comes to appre-
ciate their sacrifices for the greater good and chooses to devote her own life to research.
 panorama | New Swiss Documentary
El trabajo de todo un año programando un festival de cine tiene
satisfacciones como esta sección dedicada al presente rabioso
del documental suizo; que, sin embargo, había comenzado por
el otro lado de la cronología, por “El nacimiento”; una funda-
mental serie de films producidos a partir de 1960 que habrá
de aterrizar en un Bafici próximo. Pero las idas y vueltas en el
tiempo y el chequeo permanente de material nos demostraron
que, si bien “El nacimiento del documental suizo” era un terre-
no a alumbrar, este verdadero “Renacimiento” se alumbraba
solo: se trata de ocho películas que pedían pantalla, que de
otro modo difícilmente hubiesen llegado a Buenos Aires y que
hablan de un momento fenomenal de la producción helvética.
Dos de los ocho films terminaron en sendas competencias del
Festival: Above and Below, de Nicolas Steiner, en Internacional,
y L’Abri, de Fernand Melgar, en Derechos Humanos. Ocho de
los ocho, finalmente, son puertas a mundos: al del gran H. R.
Giger, al sur profundísimo de Italia, al universo de los corazo-
nes destrozados que habitan en una ciudad en teoría diseñada
para el romance, al lado más áspero de la frontera México-
Estados Unidos o a la historia de una diáspora contada en clave
de saga familiar y en sorprendente 3D.
Marcelo Panozzo
260 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The year-round work of programming a film festival has its
satisfactions, such as this section dedicated to the rabid
present of Swiss documentary cinema –which actually we had
planned with “The Birth”, a fundamental series of films produ-
ced from 1960 on, that will land in a future edition of Bafici.
But the comings and goings of time and the constant checking
of the material demonstrated that while “The Birth of Swiss
Documentary Cinema” deserved a spotlight, this true “Rebirth”
shone with its own light: it is formed by eight films that hardly
would have made it to Buenos Aires otherwise, and speak of
a phenomenal moment in Swiss production. Two of the eight
films ended in a Festival competition: Nicolas Steiner’s Above
and Below in the International one, and Fernand Melgar’s L’Abri
in the Human Rights Competition. Eight out of eight are doors
into different worlds: the world of the great H. R. Giger, the
deepest South of Italy, the universe of broken hearts living in
a city that was designed for romance, the roughest side of the
Mexico-USA border, and the history of a diaspora told with the
tone of a family saga and in a surprising 3D format.
MP
 panorama | NUEVO DOCUMENTAL SUIZO

L’Abri
The Shelter
El refugio

Una nueva mirada frontal a las cunetas de Suiza/Europa/el Primer Mundo: la cotidianei-
dad de un albergue en Lausana que permite la entrada de únicamente cincuenta inmi-
grantes por noche, lo que motiva un escalofriante ritual diario de selección. Melgar evita
subrayar y denunciar exponiendo la realidad en bruto, mientras cede la palabra a perso-
nas que afrontan su propia situación con una dignidad indiscutible. Y, como contraste no
poco revelador, también procede al retrato de las reglas internas de funcionamiento del
Suiza - Switzerland, 2014 heterogéneo grupo de profesionales que administra el centro. Alejandro Díaz Castaño
101’ / DM / Color A new frontal view of the bumps in Switzerland/Europe/the First World: the everyday
Francés - French, Español - Spanish, Inglés - life of a shelter in Lausanne that only allows fifty immigrants each night, which results
English, Wólof - Wolof, Romaní - Romani in a chilling selection ritual every day. Melgar distances himself from overstressing or
D, F, P: Fernand Melgar E: Karine Sudan CP: Climage denouncing through the exposition of the harsh reality, and instead turns it over to the
people, who face their own situations with an unquestionable dignity. And, in a quite
Contacto / Contact revealing contrast, he also proceeds to a portrait of the internal rules of the diverse
CAT&Docs. Maëlle Guenegues professional staff that manages the center. ADC
T +33 1 4461 7748
E maelle@catndocs.com
W catndocs.com - abri-lefilm.com

Broken Land
Tierra rota

Suiza - Switzerland, 2014
75’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Stéphanie Barbey, Luc Peter
G: Stéphanie Barbey, Luc Peter, Aude Py
F: Peter Mettler, Luc Peter E: Florent Mangeot,
Peter Mettler, Vincent Pluss S, M: Franz Treichler
P: Aline Schmid CP: Intermezzo Films
Contacto / Contact
Deckert Distribution
T +49 341 215 6638
E info@deckert-distribution.com
W deckert-distribution.com - brokenland.ch
En medio de un paisaje semidesértico, siete americanos que habitan a la sombra del in-
menso vallado erigido para controlar la inmigración mexicana cuentan cómo la frontera
transforma sus vidas. Observan las huellas repetidas que dejan los migrantes –perso-
nas a las que nunca vieron cara a cara– al cruzar, mientras confiesan su miedo, su enojo
y a veces hasta su compasión. Broken Land revela detalles que no se olvidan fácilmente,
como, por ejemplo, que los gavilanes se reproducen más rápido en la frontera que en
cualquier otra zona: aquí abunda la carroña.
Out in desert-like nature, living in the shadows of the immense fence that is erected to
control Mexican immigration, seven Americans tell how the border transforms their lives.
They observe the haunting traces left by the crossing migrants –people they never come
face to face with– as they confide their fear, defiance and at times even compassion.
Broken Land shows details that are not easy to forget; for example, Harris’ hawks breed
more quickly in the border region than elsewhere, as there is more carrion for them here.

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 261

 panorama | New Swiss Documentary
Suiza - Switzerland, 2014
95’ / DM / Color
Alemán de Suiza - Swiss German, Alemán -
German, Inglés - English
D: Belinda Sallin F: Eric Stitzel E: Birgit Munsch-Klein
S: Marco Teufen M: Peter Scherer
P: Marcel Hoehn CP: T&C Film
I: Hansruedi “HR” Giger, Carmen Maria Giger,
Stanislav Grof, Hans H. Kunz, Leslie Barany
Contacto / Contact
T&C Edition. Sandra Gisler
T +41 44 208 9955
E edition@tcfilm.ch - sgisler@tcfilm.ch
W darkstar-movie.com
Suiza / Alemania / Emiratos Árabes Unidos -
Switzerland / Germany / United Arab Emirates,
2014 / 162’ / DCP 3D / Color - B&N / Árabe -
Arabic, Inglés - English, Alemán - German,
Ruso - Russian
D: Samir F: Lukas Strebel, Pierre Mennel, Yuri Burak,
John Kelleran, Kirill Gerra, Samir E: Sophie Brunner,
Ali Al Fatlawi, Wathiq Al Ameri, Samir S: Reto Stamm,
Al Seconi, Martin Wilson, Don Feigel, Roman Platonov,
Maxim Malin M: Maciej Sledziecki P: Werner Schweizer
PE: Joël Jent CP: Dschoint Ventschr Filmproduktion
Contacto / Contact
Autlook Filmsales. Youn Ji
T +43 720 346 934 E youn@autlookfilms.com
W autlookfilms. - iraqiodyssey.com
262 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Dark Star - HR Giger’s World
Dark Star - HR Gigers Welt
Dark Star - El mundo de HR Giger
¿Quién se escondía tras el creador del célebre Alien? El artista HR Giger fue capaz de
dar vida a criaturas a la vez aterradoras y extrañamente atractivas. Hizo de nuestros
miedos su terreno de juego; cartografió nuestras pesadillas; sacó a la luz aquello que
todos preferiríamos enterrar. Sencillo y divertido, HR Giger vivió en el corazón de Zurich
en un universo paralelo, fuera del tiempo. Tras sus persianas cerradas se desvanecían
las fronteras entre el día y la noche. En Dark Star, Sallin explora ese mundo privado para
conseguir el retrato de un artista excepcional.
Who used to hide behind the creator of the famous Alien? Artist HR Giger was able to
bring terrifying and strangely attractive creatures to life. He turned our fears into his
playground, mapped our nightmares, and brought up what we wanted to stay buried.
Simple and fun, HR Giger lived in the heart of Zurich in a parallel universe, out of time.
The limit between night and day used to disappear behind his closed window shutters. In
Dark Star, Sallin explores that private world and delivers a portrait of an exceptional artist.
Iraqi Odyssey competencia DDHH
Odisea iraquí
Aunque no hay estadísticas precisas, se estima que entre cuatro y cinco millones de
iraquíes viven fuera de su país en la actualidad. Samir nació en Bagdad y vive en Suiza
desde niño, en tanto que los miembros de su numerosa familia están desparramados
por todo el mundo. Rastreando sus migraciones por más de medio siglo, en esta fasci-
nante épica documental en 3D, les rinde un emotivo homenaje a los frustrados sueños
democráticos de un pueblo asolado por los horrores de la dictadura, la guerra y la
ocupación extranjera.
While there are no precise statistics, it is estimated that four to five million Iraqis live
outside Iraq today. Samir was born in Baghdad and has lived in Switzerland since he was
a child, while the members of his extended family are scattered all over the world. Trac-
ing their emigrations over more than half a century, in this riveting 3D documentary epic,
he pays moving homage to the frustrated democratic dreams of the people successively
plagued by the horrors of dictatorship, war, and foreign occupation.
 panorama | NUEVO DOCUMENTAL SUIZO
Suiza - Switzerland, 2014
72’ / DCP / Color
Italiano - Italian
D: Michele Cirigliano F: Aurelio Buchwalder
E: Anja Bombelli S: Roberto Leuzinger
M: Peter Braeker P: Hercli Bundi, Philippe Favre
CP: Mira Film, ZHdK I: Enza Molinari, Minguccio Amato,
Paolo Dabraio, Nicola Santoro, Nicola Ditella
Contacto / Contact
Mira Film. Philippe Favre
T +41 78 872 5453 +41 43 960 3684
E philippe.favre@gmx.ch - info@mirafilm.ch
W mirafilm.ch
Suiza - Switzerland, 2014
92’ / DCP / Color
Inglés - English
D, G: Christian Frei F: Peter Indergand
E: Christian Frei, Lara Hacisalihzade
S: Florian Eidenbenz M: Max Richter, Eleni Karaindrou,
Giya Kancheli P: Christian Frei PE: Christian Frei
CP: Christian Frei Filmproductions I: Helen Fisher,
Alley Scott, Michael Hariton, Rosey La Rouge
Contacto / Contact
Films Transit International
T +1 514 844 3358 - E info@filmstransit.com
W filmstransit.com - sleepless-in-new-york.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Padrone e sotto
En un bar ruinoso del sur de Italia, los paisanos se reúnen cada día a jugar “padrone e
sotto”, un juego de naipes y bebida. Mientras la cerveza y los ánimos de los campesinos,
enfermeros, mecánicos y cazadores se calientan, Cirigliano recuerda la fascinación y
el terror que le provocaban, de niño, ese pasatiempo misterioso y sus jugadores enar-
decidos. Por detrás del aparente placer de la diversión entre amigos, Padrone e sotto
descubre el deseo innato, escondido en cada uno de nosotros, de conseguir amor,
reconocimiento y poder.
In a run-down bar in Southern Italy, locals gather every day to play “padrone e sotto,” a
game of cards and drinks. While the beer gets as warm as the spirit of these peasants,
nurses, mechanics, and hunters, Cirigliano remembers the fascination and terror that
mysterious hobby and its infuriated players used to cause on him back when he was
a kid. Behind the apparent pleasure of a fun time between friends, Padrone e sotto
discovers the innate desire for love, recognition, and power that is hidden inside all of us.
Sleepless in New York
Insomnes en Nueva York
El desamor, muchas veces minimizado como apenas una dolencia juvenil, es el tema de
este documental sensible y emotivo. Christian Frei se zambulle en las noches frenéticas
de los recién abandonados; noches llenas de dolor y lágrimas, aunque también de vigilia
y creatividad. Una antropóloga investiga los asombrosos y profundos procesos que se
desarrollan en la mente de quien sufre por amor. ¿Habrá exagerado la naturaleza?
Sleepless in New York explora el difícil camino que va desde el comportamiento obsesivo
y autodestructivo hacia un nuevo yo. Y se pregunta por la búsqueda inquebrantable, a
pesar de todo, del amor.
Often laughed off as nothing more than an affliction of adolescence, heartbreak be-
comes the topic of this sensitive and compelling documentary film. Christian Frei dives
into the frenzied nights of the newly rejected. Nights full of pain and tears, yet also
wakefulness and creativity. An anthropologist researches the astounding and profound
processes that are unfolding in the brain of the lovesick. Has nature overdone it? Sleep-
less in New York explores the difficult path out of self-destructive obsessive behaviour,
toward a new self. And it wonders about the unwavering desire –despite it all– for love.
263
música
music
 music
American Interior
Interior americano
American Interior es muchas cosas a la vez: un documental, un
disco, una conferencia con PowerPoint, una app, un libro. Esta
dimensión transmedia de una obra que, además, rebusca en los
vestigios de una lengua y una cultura minoritaria (en este caso,
la galesa) es la que la hace tan merecedora de subvenciones y
palmaditas institucionales en la espalda. Podría sonar aburrido si
no fuera porque American Interior es también una odisea pop de-
lirante, una road movie extravagante y casi un relato de bromance
entre un músico y un… muppet. No hay muchos rockumenta-
ries así de estrafalarios (quizás Separado!, la anterior aventura
de Dylan Goch y Gruff Rhys). Porque, al final, más allá de que
sigue las huellas del viaje del explorador galés John Evans por
Estados Unidos durante el siglo XVIII, la película es el testimonio
de la percepción pop de un país y de un paisaje concreto. En los
momentos en que esa imagen pop externa coincide con la que se
trae Gruff Rhys de casa (y qué maravillosísimas canciones lleva
como equipaje, por cierto), se encuentra el verdadero sentido de
este viaje. Joan Pons
Gales / Estados Unidos - Wales / US, 2014
84’ / DCP / Color / Inglés - English, Galés - Welsh
D: Gruff Rhys, Dylan Goch F: Ryan Owen Eddleston E: Dylan Goch
M: Gruff Rhys P: Catryn Ramasut PE: Llion Iwan, Adam Partridge
CP: ie ie productions I: Keith Bear, Kliph Scurlock, Cory Spotted Bear,
Edwin Benson, Gwyn ‘Alf’ Williams
Contacto / Contact
ie ie productions. Catryn Ramasut
T +44 793 268 0354 E catryn@ramasut.com
W ieieproductions.com - american-interior.com
TW @gruffingtonpost
266 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
American Interior is a lot of things at the same time: a documen-
tary, a record, a PowerPoint conference, an app, and a book.
The trans-media dimension of this piece, which also rummages
through the remains of a minority language and culture (the Welsh
one, in this case), is what made it so worthy of grants and insti-
tutional pats in the back. It may sound boring, if it weren’t for the
fact that American Interior is also an odyssey of delirious pop, an
extravagant road movie, and an almost bromance tale between a
musician and…a muppet. Such bizarre rockumentaries are hard
to come by (maybe Separado!, Dylan Goch and Gruff Rhys’ previ-
ous adventure). Because, in the end –and apart from the fact that
it tracks down the journey of Welsh explorer John Evans through
the US in the 18 th century– the film is a testimony of the pop
perception of a country and a specific landscape. The moments
in which that external pop image matches the one Gruff Rhys
brings from home (and what marvelous songs he carries in his
luggage, by the way) are the ones that show the true meaning of
this journey. JP
Gruff Rhys
Nació en Haverfordwest, Gales, en 1970. Es el cantante y guitarrista del grupo
Super Furry Animals. Junto a Goch dirigió Separado! (Bafici ‘11). | He was
born in Haverfordwest, Wales, in 1970. He’s the singer and guitarist of the
band Super Furry Animals. He co-directed Separado! (Bafici ‘11) with Goch.
Dylan Goch
Nació en el norte de Gales, y ha trabajado como camarógrafo, editor y
director en muchas producciones para cine y televisión. Desde hace varios
años colabora con los Super Furry Animals. | He was born in North Wales,
and he has been involved in many film and TV productions, as cameraman,
editor or director. He’s a long time collaborator of the Super Furry Animals.

Cumbia la reina
Cumbia, the Queen
Las rodillas son libres. Nadie vive sin la experiencia de la cumbia.
El que quiere saber de qué se trata que vaya a bailar. La cumbia
es la princesa de la calle, una hamaca para niños, la música po-
pular de Latinoamérica. Te hace divertir, te saca la tristeza. Así las
cosas, en el año 55, Los Wawancó ya hacían mover la burra a
todos. De ese comienzo y de sus devenires da cuenta Cumbia la
reina, documental que hace honor a la música tropical argentina.
¿Autoridades? El Cuarteto Imperial, Los del Trópico, Koli Arce y El
Quinteto Imperial. La influencia de la cumbia colombiana, la llega-
da de la música con acordeón, la importancia del interior del país,
la democracia del parlante, los músicos sesionistas, los carilindos
de la bailanta noventosa, la palabra de la villa y la vigencia de la
cumbia en el espectro musical criollo. Cumbia la reina es emo-
ción pura. Y es, también, el testimonio centrífugo de los corazones
sinceros, de los pueblos con alegría, de las almas más calientes,
populares y hechizantes. Por eso es lógico: si hay cumbia, habrá
–siempre– celebración. Hernán Panessi
Argentina, 2015 / 75’ / DM / Color - B&N / Español - Spanish
D, G, F: Pablo Coronel E: Pablo Coronel, Ezequiel Yoffe
DA: Ezequiel Yoffe, Daniel Guzmán S: Pablo Coronel, Ignacio Sepúlveda
P: Daniel Guzmán, Ezequiel Yoffe PE: Daniel Guzmán
CP: La Granja Cine I: Pablo Lescano, Mario Castellón, Coco Barcala,
Dick El Demasiado, Miguel Ángel D’Anibale
Contacto / Contact
La Granja Cine. Daniel Guzmán
T +54 11 4958 2165 +54 9 11 5880 8289
E dani@lagranjacine.com - pabloignaciocoronel@gmail.com
W lagranjacine.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
música
Kneecaps are free. No one goes through life without experiencing
dancing. If you want to know what it’s like you should go dancing.
Cumbia is the princess of the streets, a hammock for kids, Latin
America’s popular music. It’s fun and it takes away the sadness.
So, in the year 1955, the Wawancó were already moving every-
one’s booty. A documentary that honors the Argentine tropical mu-
sic, Cumbia, the Queen addresses that beginning and its comings
and goings. The authorities? El Cuarteto Imperial, Los del Trópico,
Koli Arce and El Quinteto Imperial. The influence of Colombian
music, the arrival of the accordion, the importance of the country’s
interior, the democracy of the speaker, session musicians, 1990s
heartthrobs, the word of the villa, and the validity of cumbia in the
creole music landscape. Cumbia, the Queen is pure emotion. And
it’s also the centrifuge testimony of honest hearts, joyful peoples,
and the hot, captivating, and popular souls. Therefore, it’s pretty
logic: if there’s cumbia, there will –always– be celebration. HP
Pablo Coronel
Nació en Buenos Aires en 1979. Se graduó en el ISER como operador en
estudio de televisión. Se desempeñó como director y realizador en Nano-
tecnólogo por un día, serie documental para Tecnópolis TV, y Dulce y salado,
serie documental para Televisión Digital. Dirigió el cortometraje La boca del
tigre. | He was born in Buenos Aires in 1979. He graduated from ISER as a
TV studio operator. He worked as a director in Nanotecnólogo por un día, a
documentary series for Tecnópolis TV, and Dulce y salado, a documentary
series for Digital Television. He directed the short film La boca del tigre.
267
 music
From Scotland with Love
De Escocia con amor
Hay muchas películas parecidas a From Scotland with Love, pero,
hay que decirlo, esta no se parece a ninguna. Menos cerebral que
el Welt Spiegel Kino, de Gustav Deutsch, y más sorprendente que
Electric Edwardians –aquel compendio de filmaciones y vistas
primitivas de los pioneros británicos Mitchell y Kenyon–, la enor-
me peliculita de montaje de Virginia Heath parte de cientos, miles
de retazos de la historia fílmica amateur y documental escocesa
para crear una suerte de escudo nacional en movimiento capaz
de cautivar e iluminar al mismo tiempo. De lo social a lo paisajís-
tico, de lo mitológico a lo costumbrista, de la emoción patriótica
a la cultural, las imágenes que no hablan –sino que se mueven
al compás de la música zigzagueante de King Creosote– desfilan
por la pantalla sin ningún tipo de ánimo revisionista más allá del
deseo de mirar atrás para entender lo que vendrá. En ese sentido,
abocada al cine huérfano del último siglo, From Scotland with
Love es un canto de amor a una nación, pero también a todo un
pensamiento visual. Pablo Marín
Reino Unido - UK, 2014 / 75’ / DCP / Color - B&N
Inglés - English
D: Virginia Heath E: Colin Monie M: King Creosote (Kenny Anderson)
P: Grant Keir CP: Faction North, Park Circus
Contacto / Contact
Park Circus. Graham Fulton
T +44 141 332 2175 E graham@parkcircus.com
W parkcircus.com - fromscotlandwithlovethefilm
TW @FrmSctlndWthLv
268 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
There are lots of films that look like From Scotland with Love, but
we should also say this one doesn’t look like any other. Less cere-
bral than Gustav Deutsch’s Welt Spiegel Kino and more surprising
than Electric Edwardians –that collection of footage and primitive
views of British pioneers Mitchell and Kenyon– Virginia Heath’s
huge little montage film starts out from hundreds, thousands of
pieces of amateur and documentary Scottish film history in order
to create a sort of moving national seal that is capable of both
captivating and illuminating us at the same time. From social is-
sues to landscapes, from myth to traditions, from patriotic to cul-
tural emotion, the images –which instead of speaking move by the
rhythm of King Creosote’s zigzagging music– parade on screen
without any kind of revisionist spirit apart from its wish to look
back and understand what’s coming. In that sense, devoted to
orphan cinema from the last century, From Scotland with Love is
an ode of love to a nation, but also to a whole visual thinking. PM
Virginia Heath
Ciudadana inglesa y neozelandesa, actualmente trabaja como directora y
guionista en Edimburgo. Entre sus cortometrajes se encuentran Relativity
(2010; premiado en Berlín), Point Annihilation (2004), Little Lost David
(2008) y My Dangerous Loverboy (2009). | A scriptwriter and director,
she’s a United Kingdom and New Zealand citizen and currently lives
in Edinburgh. Some of her short films are Relativity (2010; awarded in
Berlin), Point Annihilation (2004), Little Lost David (2008) and My Dange-
rous Loverboy (2009).

Glen Campbell: I’ll Be Me
Glen Campbell: Seré yo
Algún día seremos nada, pero, mientras tanto, ¿dónde existimos,
realmente? Glen Campbell se mira en un Super 8 familiar. No sabe
quién es ese de la pantalla. Es él. Tampoco sabe que es una le-
yenda country a la que el mismísimo Sir Paul McCartney le dice:
“Solo quería decirte que te amo” (y se va). Y desconoce quién es
su cariñoso Pepe Grillo, su cuarta mujer, la heroína de una pelí-
cula que no cree en otra cosa que en el corazón en las tinieblas.
Campbell tiene Alzheimer, y puede bromear sobre ello. También
puede ser infernal en esa gira en la que la tensión se mezcla con
el alucinante impulso de Campbell: su instinto musical, agazapado
frente a su propio y cercano final, está ahí, de pie, en cada uno de
los 151 conciertos de su última gira, aquí registrada. Campbell
es demoledor, ya sea como canción o como humano, recuerdo o
espejo de aquello que nos define: nuestro pasar. Pero sigue vivo,
incluso sin saberlo, en sus canciones. Y eso roza todos nuestros
miedos, seguro, pero también todo lo que nos define como huma-
nos. Juan Manuel Domínguez
Estados Unidos - US, 2014 / 116’ / DCP / Color
Inglés - English
D: James Keach F: Alex Exline E: Elisa Bonora M: Julian Raymond
P: Trevor Albert, James Keach CP: PCH Films
Contacto / Contact
PCH Films. Kayla Thornton
T +1 310 841 5817
E kayla@pchfilm.com
W pchfilms.com - glencampbellmovie.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
música
Some day we will be nothing, but in the meantime, where do we
really exist? Glen Campbell looks at himself in a familiar Super 8
footage. He doesn’t know who the guy on the screen is. It’s him.
Neither does he know he’s a country music legend to whom Sir
Paul McCartney himself says: “I just wanted to say I love you” (and
walks away.) And he also doesn’t know who is his loving Jiminy
Cricket, his fourth wife, the heroine of a film that believes only in
the heart of darkness. Campbell has Alzheimer’s, and he can joke
about it. He can also be infernal in a tour in which the tension
mixes up with his amazing drive: his musical instinct, crawled up
in face of his own upcoming end, is up there standing on each
one of the 151 concerts of his last tour, which is recorded in this
film. Campbell is devastating, whether as a song or as a human,
a memory or a mirror of everything that defines us: our passage
through life. But he’s still alive –even if he doesn’t know it– in
his songs. And that brushes against all our fears, sure, but also
everything that defines us as humans. JMD
James Keach
Nacido en Nueva York, se formó en la Universidad Northwestern y en la
Escuela de Teatro de Yale. Asociado con Clint Eastwood, dirigió el film
The Stars Fell on Henrietta (1995). También realizó los largos Camouflage
(2001) y Waiting for Forever (2010). | Born in New York, he trained at
the Northwestern University and the Yale School of Drama. Associated with
Clint Eastwood, he directed the film The Stars Fell on Henrietta (1995). He
also made the features Camouflage (2001) and Waiting for Forever (2010).
269
 music
Jungle Boyz
Si el sueño máximo de un rockero es tocar con Jagger y Ri-
chards, el equivalente para una banda de dub (un estilo musical
derivado del reggae) es codearse con Lee “Scratch” Perry y Mad
Professor. Y resulta que en Argentina, un país con una tradición
prácticamente nula en el género, esa banda existe: se llama Nai-
robi, se gestó en el underground de Buenos Aires con lazos en
el resto de Latinoamérica, y en sus primeros años de carrera ya
trabajaba de igual a igual con los referentes en tres continentes
distintos. Filmada desde el seno de la banda, Jungle Boyz narra
la evolución artística y profesional de Nairobi –una travesía que
los llevó de Morón a Gambia con escalas en Londres, Santiago
de Chile y los Alpes suizos–, y rescata material de archivo que
muestra tanto las diversas performances del grupo en vivo como
la intimidad de las grandes figuras del género. Para ponerlo más
claro: si Nairobi fuera una banda de rock barrial, acá estaría
zapando con los Rolling Stones. Lucas Garófalo
Argentina, 2015 / 90’ / DM / Color - B&N
Español - Spanish, Inglés - English
D, G: Marcos Díaz Mathé, Iván Díaz Mathé, Segundo Bercetche
F, E: Marcos Díaz Mathé S: Iván Díaz Mathé M: Nairobi
PE: Segundo Bercetche, Marcos Díaz Mathé CP: Crang Records,
DM Bros, Acéfala I: Nairobi, Lee Scratch Perry, Mad Professor
Contacto / Contact
DM Bros, TROSSO. Marcos Díaz Mathé
T +54 11 6739 5143
E fitzcarraldodm@hotmail.com
W dmbros.com.ar
270 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
If a rock musician’s dream were to play with Jagger and Rich-
ards, then the equivalent for a dub band (a musical genre derived
from reggae) would be to brush against Lee “Scratch” Perry and
Mad Professor. And it turns out that in Argentina, a country with
practically zero tradition in that genre, that band actually exists:
it’s called Nairobi, it was born out of the underground Buenos
Aires scene with links to the rest of Latin America, and in its early
years was already working side by side with referents from three
continents. Filmed from inside the core of the band, Jungle Boyz
documents Nairobi’s artistic and professional evolution –a jour-
ney from Morón to Gambia with stopovers in London, Santiago de
Chile, and the Swiss Alps— and rescues archive footage featuring
both the band’s live performances and the intimacy of the genre’s
great musicians. To put it more clearly: if Nairobi were a garage
rock band, they’d be jamming with the Rolling Stones here. LG
Marcos Díaz Mathé
Nació en 1984. Egresó de la Universidad del Cine. Esta es su ópera prima.
| Born in 1984, he graduated from Universidad del Cine. This is his debut.
Iván Díaz Mathé
Nació en 1980. Ha dedicado los últimos quince años a la producción musi-
cal. | He was born in 1980. He has been working in music production for
the past fifteen years.
Segundo Bercetche
Nació en 1980. Es músico y realizó el documental Buenos Aires Rap (Bafici
‘14). | He was born in 1980. He’s a musician, and he directed the docu-
mentary Buenos Aires Rap (Bafici ‘14).

Love & Mercy
Amor y misericordia
Brian Wilson tenía sonidos en su cabeza. Algunos de ellos eran
formas bronceadas de pop que serían, incluso aunque fueran
mutantes nuevos o con menos carisma sexual que un fideo en
un azulejo, el alma musical de California: los Beach Boys, ese
espejo sabiamente chillón de los Beatles. Love & Mercy recrea
dos instantes de esos sonidos: uno es la grabación de Pet Sounds
en los sesenta, momento en el que Wilson (Paul Dano) crea su
“granja de sonido”, la respuesta infantil, pero desarraigada, a los
hits surfistas que resquebrajaron a la familia Wilson, y empieza a
perderse en su genio hiperactivo y filoso (con borde interno in-
cluido). El otro es cuando Wilson adulto (John Cusack) es en los
ochenta solo una referencia simpática y un manojo de murmullos,
y una vendedora de Cadillacs (ese sol con sonrisa ninfómana que
es Elizabeth Banks) lo rescata para devolverle a la música uno de
sus más refractarios milagros. Juan Manuel Domínguez
Estados Unidos - US, 2014
120’ / DCP / Color / Inglés - English
D: Bill Pohlad G: Michael A. Lerner, Oren Moverman F: Robert D. Yeoman
E: Dino Jonsäter DA: Keith P. Cunningham S: Eugene Gearty
M: Atticus Ross P: Bill Pohlad, Claire Rudnick Polstein, John Wells,
Brian Wilson PE: Jim Lefkowitz, Oren Moverman, Ann Ruark
CP: River Road Entertainment, Battle Mountain Films
I: Elizabeth Banks, John Cusack, Paul Dano, Paul Giamatti, Jake Abel
Contacto / Contact
Sony Pictures / UIP. Cecilia Chiappano
T +54 11 4373 0261 -253 E cecilia_chiappano@uip.com W uip.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
música
Brian Wilson heard sounds inside his head. Some of them were
tanned shapes of pop music that would become the musical soul
of California, even when they were new mutants or had less sex-
ual charisma than a noodle stuck on a tile: the Beach Boys, that
wisely garish mirror image of The Beatles. Love & Mercy reenacts
two instants of those sounds: one is the recording of Pet Sounds
back in the Sixties, the time when Wilson (Paul Dano) created his
“sound farm” –a childish yet uprooted answer to the surfer hits
that broke the Wilson family apart– and started to loose himself in
his hyperactive and sharp genius –which could also cut to into the
inside. The other moment is in the Eighties, when an adult Wilson
(John Cusack) has become a merely amusing reference and a
handful of mumbling, and a Cadillac saleswoman (that sunshine
with a nymphomaniac smile called Elizabeth Banks) rescues him
to give music one of his most refractory miracles back. JMD
Bill Pohlad
En su extensa carrera como productor se encuentran títulos como The
Runaways (2010), El árbol de la vida (2011; por la cual fue nominado al
Oscar), 12 años de esclavitud (2013) y Alma salvaje (2014). En 1990 dirigió
el largo Old Explorers. | His long career as a director includes such titles
as The Runaways (2010), The Tree of Life (2011; for which he was nomi-
nated for an Oscar), 12 Years a Slave (2013) and Wild (2014). In 1990, he
directed the feature Old Explorers.
271
 music
Más de un millón
Attaque 77, the Documentary
Tras la realización de distintos videoclips (El Otro Yo, Leo García y
más), el realizador Nicky Pintos apostó por un formato más idóneo
para una banda como Attaque 77: el documental. Y así se embarcó
en esta odisea como director a cargo. El grupo seminal de punk
rock merecía un largometraje que retratara sus casi treinta años
sobre el escenario, y así fue que nació Más de un millón, título que
alude a una de las canciones de la banda y a su intención de prolon-
garse en la historia. Sin caer en lugares comunes (y aburridos) del
género documental, las coloridas entrevistas a todos los famosos
que tuvieron que ver directamente con el crecimiento de Attaque 77
no se conjugan con trilladas viejas imágenes de archivo: son ellos
mismos, hoy. Hoy, que es cuando miran hacia atrás para armar un
relato de vida, de música, de sueños cumplidos, pero con proyec-
ción al futuro. Más de un millón se revela como una crónica visual
que se anima a un desafío estético embriagador, único. Las sorpre-
sas se suceden sin respiro, y las pinceladas fílmicas en ambas cos-
tas del Río de la Plata acercan a este documental hacia una nueva
forma del género, combinando arte y armonía. Lala Toutonian
Argentina, 2015 / 80’ / DM / Color - B&N / Español - Spanish
D, PE: Nicky Pintos G: Nicky Pintos, Lala Toutonian F: Carola Danza
E: Ezequiel Scarpini DA: Carola Danza, Nicky Pintos S: Max Ramírez
M: Mariano Martínez P: Jeremías Sani, Jimena Carballeda,
Lala Toutonian CP: YoVisual Image Factory I: Mariano Martínez,
Leo de Cecco, Luciano Scaglione, Ciro Pertusi, Mario Pergolini
Contacto / Contact
YoVisual Image Factory
T +54 9 11 6471 4797 +54 9 11 4471 6172
E nicky.pintos@gmail.com - latoutonian@gmail.com
FB yovisualfactory - masdeunmillon
272 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
After directing several music videos (by El Otro Yo, Leo García, and
more) director Nicky Pintos moved to a more suitable format for a
band like Attaque 77: the documentary. And so, he embarked on
this journey as a director. The seminal punk rock band deserved
a feature-length film that would portray its almost thirty years on
the stage, and that resulted in Más de un millón, a title that refers
to one of the band’s songs and its intention to prolong themselves
into history. Without falling into any common (and boring) places of
the documentary genre, the colorful interviews to every celebrity
who was directly linked to the Attaque 77’s growth doesn’t get
mixed up with old overused archive footage: it’s about them, today.
Today, when they look back in order to build the story of their life,
their music, their fulfilled dreams, and yet with a projection into
the future. Más de un millón reveals itself as a visual chronicle that
ventures itself into an intoxicating and unique aesthetic challenge.
Surprises keep emerging, and the cinematographic brushes on
both sides of the Río de la Plata bring this documentary closer to a
new form of the genre that combines art and memory. LT
Nicky Pintos
Nació en Buenos Aires en 1971. Entre sus trabajos como realizador se
encuentran los videoclips Te quiero de El otro yo y Llega la luna de Leo
García. Más de un millón es su primer largometraje como director. | He was
born in Buenos Aires in 1971. His work as a filmmaker includes the music
videos for El otro yo’s Te quiero and Leo García’s Llega la luna. Más de un
millón is his first feature.

La música interior
The Inner Music
“En la ciudad de Corrientes, músicos de todas las regiones del país,
guiados por Liliana Herrero y Juan Falú, disponen de 48 horas para
trazar un mapa musical de la Argentina y plasmarlo en un con-
cierto”, explica una placa al comienzo de La música interior. Y es
toda la explicación que habrá, porque lo que sigue desde allí no
necesita ninguna: el compendio de esos dos días de trabajo tan
arduo como placentero para un verdadero equipo de los sueños
de la música popular nacional. Sin el menor divismo y con mucho
espíritu de juego, desde la local Teresa Parodi hasta la patagónica
Luisa Calcumil –pasando por representantes de lujo de todas las
regiones del país– discuten la elección del repertorio, proponen po-
sibles arreglos o colaboraciones, se reúnen en ensambles ad hoc y,
sobre todo, ensayan, cantan y tocan sus instrumentos con el talento
ya conocido y una vitalidad contagiosa. La cámara de Arca, cercana
pero nunca invasiva, confirma eso de que el cine documental es, en
buena medida, cuestión de encontrar la distancia justa: para mirar,
claro, pero también para escuchar. Agustín Masaedo
Argentina, 2015 / 92’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Fernando Arca F: Aylén López E: Karina Expósito
S: Adriano Salgado P: Carolina Fernández CP: Salamanca Cine
Contacto / Contact
Fernando Arca
T +54 11 4832 8532
E arcafest@yahoo.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
música
“In the city of Corrientes, musicians from every region in the coun-
try have 48 hours to draw a musical map of Argentina and turn it
into a concert, guided by Liliana Herrero and Juan Falú,” a card
explains at the beginning of The Inner Music. And that’s all the
explanation there will be, because what follows doesn’t need one:
it’s the summary of those days of both hard and enjoyable work
by a true dream team of national popular music. Without a hint of
diva-like behavior and lots of playful spirit, everyone from the local
Teresa Parodi to the Patagonian Luisa Calcumil –including prime
representatives from all the regions in the country– discuss the
repertoire selection, suggest possible arrangements and collabo-
rations, join in ad hoc bands, and above all, rehearse, sing, and
play their instruments with their known talent and a contagious
vitality. Arca’s camera is close but never invasive, and it confirms
that documentary cinema is, largely, a matter of finding the right
distance: to watch, sure, but also to listen. AM
Fernando Arca
Nacido en Buenos Aires en 1967, estudió en la FUC. Es director del largo-
metraje documental De todas formas, teatro (1996; Premio Fondo Nacional
de la Artes), realizador de la serie documental 10 minutos y codirector, junto
a Tristán Bauer y Carolina Scaglione, del largometraje documental La Noche
de los Bastones Largos: el futuro intervenido (2005). | Born in Buenos Aires
in 1967, he studied at FUC. He directed the feature-length film De todas
formas, teatro (1996; National Arts Fund Award) and the documentary
series 10 minutos, and co-directed –alongside Tristán Bauer and Carolina
Scaglione– of the documentary feature La Noche de los Bastones Largos:
el futuro intervenido (2005).
273
 music
My Secret World. The Story
of Sarah Records
Mi mundo secreto. La historia de Sarah Records
“Es el sello discográfico más cercano a la perfección que conozco”,
dice uno de los varios entrevistados, y es probable que tenga razón:
la historia de Sarah Records, con base en Bristol, es la de una forma
puntual y específica de entender la música pop. Como un mundo
secreto para iniciados, Sarah brilló fulgurante entre 1987 y 1995:
con cien lanzamientos muy cuidados desde lo estético, con absoluta
coherencia desde la selección; y con la curaduría de sus fundado-
res, Clare Wadd y Matt Haynes, que venían del fantástico mundo
de los fanzines. Cuando los CD se apoderaban del mundo, Sarah
resistía con una serie de singles de siete pulgadas que ayudarían a
definir un dulce sonido conocido como twee pop –una derivación de
la palabra sweet–, cuyos inicios se remontan a un compilado de la
revista británica NME llamado C86. Los ideales indies (¿indieales?)
del sello se delinearon con bandas como The Orchids, The Field
Mice, Heavenly, Talulah Gosh!, The Sea Urchins y Another Sunny Day,
que desplegaban potentes canciones cargadas de una admirable
fragilidad. Este exhaustivo documental repasa con detalle la historia
del sello con testimonios de muchos de los implicados, y perfila un
sonido que sigue cautivando sensibilidades con contagiosa dulzura y
alegría. Pura –y muy necesaria– celebración. Pablo Conde
Reino Unido - UK, 2014 / 100’ / DM / Color
Inglés - English
D, G, E, P: Lucy Dawkins F: Tom Readdy DA: Lucy Dawkins, Tom Readdy
S: Ian Catt M: Sarah Records CP: Yes Please! Productions
I: Clare Wadd, Matt Haynes, Amelia Fletcher, Paul Stewart, Everett True
Contacto / Contact
Yes Please! Productions. Lucy Dawkins
T +44 781 594 3639 E lucy@yespleaseproductions.com
W yespleaseproductions.com - storyofsarahrecords.com
274 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
“It’s the record label I know to be the closest one to perfection,” says
one of the many people interviewed, and that’s probably right: the
history of Bristol-based Sarah Records is the one of a particular and
specific way of understanding pop music. Like a secret world for ini-
tiated members, Sarah dazzlingly shone between 1987 and 1995:
with a hundred very aesthetically minded releases, an absolutely
coherent selection, and the curator eyes of its founders Clare Wadd
and Matt Haynes, who came from the fantastic world of fanzines.
When CDs were taking over the world, Sarah resisted with a series
of 7” singles that would help define a sweet sound known as twee
pop –a derivation of sweet– whose origins go back to a compilation
by the British magazine NME called C86. The indie ideals (indieals?)
of the label were drafted by bands like The Orchids, The Field Mice,
Heavenly, Talulah Gosh!, The Sea Urchind, and Another Sunny Day,
all of which delivered powerful songs charged with admirable
fragility. This thorough documentary goes over the label’s history
in detail, featuring testimonies from many of the people involved,
and depicts a sound that still captures sensitivities with contagious
sweetness and joy. A pure –and very necessary– celebration. PC
Lucy Dawkins
Artista gráfica, cineasta y realizadora de videos musicales nacida en el
Reino Unido. Fue una de las cofundadoras de Yes Plase! Productions, y
My Secret World es su primer largometraje como directora. | Graphic
artist, filmmaker and music video director born in the UK. She was one of
the founders of Yes Please! Productions, and My Secret World is her first
feature as a film director.

plus Tubular Bells
Enfrentémonos al monstruo de la Historia, venga. O, si se prefiere,
a otro más temible todavía: el de los prejuicios. Porque Tubular
Bells es esa molesta lección que recibíamos de nuestros herma-
nos mayores al grito de “¡Esto sí que es música!”; es la foto sober-
bia del joven Mike Oldfield junto a los 27 instrumentos (cinco más,
cinco menos) que sabía tocar; es el superventas que dio sentido
a la creación de la discográfica Virgin (que después publicaría a
los Sex Pistols, no olvidemos); y es esa melodía que acompaña las
visitas del Padre Karras a la casa de Megan McNeil. No obstante,
también es uno de esos discos enigma que uno no sabe de dónde
han salido y que piden a gritos no ya un documental, sino un ex-
pediente X. En 1973, solo Oldfield tenía en la cabeza una música
así. Por eso, y a pesar de su carrera posterior, Tubular Bells es
la obra que dio sentido a su vida. Cuando lo vemos comenzar a
tocar el bajo con pasión adolescente a sus 61 años, entendemos
que este músico puso algo más que dibujos en un pentagrama y
virtuosismo dentro de ese disco. Joan Pons
Reino Unido - UK, 2014 / 60’ / DM / Color
Inglés - English
D: Matt O’Casey F: Ric Clark E: Richard Fretwell
M: Mike Oldfield P: Natasha Dack CP: Tigerlily Films
I: Richard Branson, Danny Boyle, Tom Newman, Sally Oldfield
Contacto / Contact
Tigerlily Films. Natasha Dack
W tigerlilyfilms.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
música
Come on, let’s fight the monster of History. Or if you prefer, some
other one that’s even more terrible: prejudice. Because Tubular
Bells is that annoying lesson we used to receive from our older
brothers to the cry of “This is real music!” It’s the superb picture
of young Mike Oldfield with the 27 instruments (give or take five)
he could actually play. It’s the hit that gave meaning to the creation
of the Virgin record label (which would later put out the Sex Pis-
tols, let’s not forget). And it’s that melody that accompanies Father
Karras’ visits to Megan McNeil’s. However, it’s also one of those
enigma records you don’t know where it came from and demand
out loud for an X-file rather than a documentary. In 1973, only
Oldfield had such music in his head. Therefore, and despite his
later career, Tubular Bells is the work that gave meaning to his life:
When we see him start playing the bass with a teenage passion
at the age of 61, we understand this musician placed more than
drawings on a pentagram and virtuosity inside this record. JP
Matt O’Casey
Director, guionista y productor británico. Ha trabajado casi exclusivamente
dentro del género del documental musical. Dirigió más de quince películas
y series sobre grandes bandas de rock, varias de ellas para la BBC. | He’s
a British filmmaker, scriptwriter, and producer. He has worked almost exclu-
sively within the music documentary genre. He directed over fifteen films
and series about great rock bands, several of them for the BBC.
275
 music
Relámpago en la oscuridad
Lightning in the Dark
Contar la vida y la obra de Beto (o, si prefieren, de Alberto Zamar-
bide, vocalista de V8, que le enseñó a cantar Heavy Metal –así con
mayúsculas– a toda la Argentina) es trazar un arco desde la so-
ledad de los primeros heavies, incomprendidos y combatidos du-
rante la última dictadura, hasta la creciente épica de las brigadas
metaleras. Y este documental abarca y aprieta todo ese circuito
que ya cumplió más de treinta años y que tiene al recital de V8 en
el BA Rock de 1982 como hito inaugural de cierta forma de lucha
metálica llevada adelante por un grupo de músicos que iba a cru-
zar algunos límites, desafiando a su época. De hordas clamando
por “Destrucción” hasta la formación y vigencia de Logos como
adalides del heavy evangélico, Beto y sus cómplices –incluyendo
al enorme Ricardo Iorio– cuentan y protagonizan una historia que
contiene todo lo que hay de icónico en el género (headbanging,
drogas, sangre, cuero y tachas) y también lo inimaginable: jugo
diet, Miami soleado, un recital en una iglesia, Dios en un reflector.
Catálogo 29° Festival de Mar del Plata
Argentina, 2014 / 102’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G: Pablo Montllau, Germán Fernández F: Matías Lago
E: Carlos M. Cambariere S: Manuel de Andrés M: V8, Logos
P: Rodrigo Cala, Mariano Fernández PE: Rodrigo Cala
CP: Animal Films I: Ricardo Iorio, Walter Giardino, Miguel Roldán,
Gustavo Rowek, Norberto “Ruso” Verea
Contacto / Contact
Animal Films. Rodrigo Cala
T +54 11 6484 9441
E rodrigo@animalfilms.com.ar - rodrigocala@gmail.com
W animalfilms.com.ar
276 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
To depict the life and work of Beto (or if you prefer to call him by
his name, Alberto Zamarbide, the V8 vocalist who taught Argen-
tina to sing Heavy Metal, with capital letters, yes) means to draw
an arch that goes from the loneliness of the very first heavies,
misunderstood and resisted during the last dictatorship, to the
growing epic of metal bands. And this documentary spans through
the entire circuit, which is now thirty years old after the inaugural
landmark concert of V8 at the BA Rock festival in 1982, which
started a certain form of metal struggle carried out at the time
by a group of musicians that would cross some boundaries and
challenge their time. From the hordes calling for “Destruction” to
the formation and influence of Logos as icons of Evangelist heavy
metal, Beto and his associates –including the great Ricardo Iorio–
tell the story they star in, which contains everything that is iconic
about the genre (head-banging, drugs, blood, leather, and pins),
but also the unimaginable: diet juice, sunny Miami, a concert in a
church, and God on a spotlight. 29 th MDPFF catalogue
Los directores | The directors
Germán Fernández nació en Bahía Blanca en 1981; Pablo Montllau,
en Buenos Aires en 1987. En 2006 egresaron del Cievyc como directores
cine, y en la actualidad desarrollan nuevos proyectos mientras trabajan
en la producción y realización de fotografía, cine, publicidad y videoclips.
Relámpago en la oscuridad es su ópera prima como directores. | Germán
Fernández was born in Bahía Blanca in 1981, while Pablo Montllau was
born in Buenos Aires in 1987. In 2006, they graduated as film directors
from Cievyc, and are currently developing new projects while they work
producing and directing in the fields of photography, film, advertising and
music videos. Relámpago en la oscuridad is their first feature.

Salad Days
Salad Days: A Decade of Punk in Washington, DC (1980-90)
Hoy resulta difícil de creer, pero hubo una época en que para
grabar un disco había que ser parte de un sello. Y pobres de
aquellos que quisieran hacer una música que no cuadrara con los
estándares de la industria en ese momento. Mucho antes de la
aparición de Internet y de la computadora como estudio portátil,
los responsables de que esa situación empezara a cambiar fueron
los grupos de hardcore punk de Washington D. C. en los ochenta,
retratados en este documental de Scott Crawford. Como un parti-
cipante activo de la escena desde que era un niño, Crawford (que
fundó Metrozine, una revista hecha de fotocopias, a los doce años)
reconstruye la década ganada del rock independiente a través de
los testimonios de Ian MacKaye, Henry Rollins, Dave Grohl y prác-
ticamente cualquier persona que haya estado en el lugar correcto
en el momento indicado. De la ideología del “hazlo tú mismo” a los
diferentes géneros que precedieron la explosión del rock alternati-
vo de los noventa, Salad Days funciona como el registro definitivo
de un momento crucial para entender la actualidad de la música,
ya sea como disciplina artística o como negocio. Lucas Garófalo
Estados Unidos - US, 2014 / 102’ / DM / Color
Inglés - English
D, G, DA: Scott Crawford F, E: Jim Saah S: Archie Moore, Clean Cuts
M: Michael Hampton P: Scott Crawford, Jim Saah
PE: Culhanimal Productions CP: New Rose Films
Contacto / Contact
DC Ventures. Jonathan Rivas
T +54 11 3187 2248 +1 301 257 1074
E jonathan.rivas@dcdbgroup.com - scrawford10@gmail.com
W dcdbgroup.com - saladdaysdc.com TW @saladdazed
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
música
Today it’s hard to believe, but there was a time when, in order to
record an album, you had to be part of a label. And poor those who
wanted to make music that didn’t fit with the industry standards of
the time. Long before the arrival of the internet and of computers
as portable studios, those responsible for that situation to change
were the hardcore punk groups from Washington D. C. in the 80s,
portrayed in this documentary by Scott Crawford. Having played an
active role in the scene since he was a kid, Crawford (who founded
Metrozine, a magazine made of Xeroxed copies, when he was
twelve) reconstructs the decade of recovery for independent rock
through testimonies by Ian MacKaye, Henry Rollins, Dave Grohl and
practically who was in the right place at the right time. From the
“do it yourself” ideology to the different genres that preceded the
explosion of alternative rock in the nineties, Salad Days works as
the definitive capturing of a crucial moment in order to understand
today’s music, both as an artistic discipline and a business. LG
Scott Crawford
Periodista especializado en música, músico y diseñador gráfico. Durante su
adolescencia en Washington D. C., comenzó a hacer una revista para fans
llamada Metrozine, que documentaba lo que sucedía en la escena del punk
de D. C. en los años ochenta. Fue editor en jefe de la revista Harp durante
siete años, y hoy escribe para el portal Blurt. | He’s a music journalist, musi-
cian, and graphic designer During his teenage years in Washington DC, he
started a fanzine called Metrozine, which documented what happened in
the DC punk scene in the Eighties. He was editor-in-chief of Harp magazine
for seven years and today currently writes for the website Blurt.
277
 music
Seymour: An Introduction
Seymour: Una introducción
Seymour Bernstein comenzó a tocar el piano cuando era niño y, al
cumplir los 15, ya estaba enseñándoselo a otros. Tuvo una larga
e ilustre carrera como concertista a la que luego renunció para
dedicarse a ayudar a que otros desarrollen sus propios dones. La
encantadora película de Ethan Hawke es un cálido y lúcido retrato
de Bernstein: sus hábitos a la hora de trabajar, sus recuerdos de
cuando aprendió piano con Clara Husserl, su período en el ejército
durante la Guerra de Corea, sus agudas observaciones sobre sus
colegas pianistas, sus interacciones con alumnos y sus conver-
saciones con amigos, sus preparativos para un concierto privado.
Pero también es una película sobre la paciencia, la concentración
y la devoción, que son fundamentales para la práctica del arte y la
vida. Seymour: An Introduction nos permite pasar un tiempo con
un ser humano generoso que encontró el equilibrio y la armonía
dentro de él.
Estados Unidos - US, 2014 / 81’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Ethan Hawke F: Ramsey Fendall E: Anna Gustavi,
Adriana Pacheco S: Timothy Cleary, Guillermo Pena-Tapia,
Jason Friedman-Mendez M: Seymour Bernstein P: Ryan Hawke,
Greg Loser, Heather Joan Smith I: Seymour Bernstein,
Michael Kimmelman, Andrew Harvey, Joseph Smith, Kimball Gallagher
Contacto / Contact
The Festival Agency. Alexandre Cheung
T +33 9 5490 4863 E info@thefestivalagency.com
W thefestivalagency.com
278 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Seymour Bernstein started playing the piano as a little boy, and
by the time he turned 15 he was teaching it to others. He enjoyed
a long and illustrious career of concertizing before he gave it up
to devote himself to helping others develop their own gifts. Ethan
Hawke’s lovely film is a warm and lucid portrait of Bernstein –his
work habits; his memories of learning the piano with Clara Hus-
serl; his army stint during the Korean War; his sharp observations
about his fellow pianists; his interactions with his students and
conversations with friends; his preparations for a private concert.
But it’s also a film about the patience, concentration, and devotion
that are fundamental to the practice of art and life. Seymour: An
Introduction allows us to spend time with a generous human being
who has found balance and harmony within himself.
Ethan Hawke
Nació en Texas, EE. UU., en 1970. Dentro de su amplia carrera como actor
se destacan films como la trilogía compuesta por Antes del amanecer,
Antes del atardecer y Antes del anochecer, y Boyhood, todas dirigidas por
R. Linklater. Dirigió los largos Chelsea Walls (2001) y The Hottest State
(2006). | He was born in Texas, USA, in 1970. The highlights of his long
career as an actor are the trilogy comprised of Before Sunrise, Befo-
re Sunset and Before Midnight, and Boyhood, all of them directed by R.
Linklater. He directed the features Chelsea Walls (2001) and The Hottest
State (2006).

Soul Boys of the Western
World
Chicos soul del mundo occidental
Uno puede emocionarse con Spandau Ballet. Lo demuestra esta
excelente glosa de su camino. Soul Boys of the Western World tie-
ne aquello de lo que carecen los programas de nostalgia ochen-
tosa: contexto y visión. Aquí viene un film sin clichés ni titulares
baratos. Un trabajo que rezuma entusiasmo, y que por fin de-
vuelve a Spandau Ballet al lugar que merecen. Los miembros del
grupo aparecen uno a uno contando su versión, y es imposible no
contagiarse de la anticipación y la euforia. Cinco mozos de clase
obrera de Islington, hijos de los sesenta, soul boys y punks fallidos
que renacieron en emplumados new romantics como pintarra-
jeadas aves fénix. Primera sorpresa: te caen bien. Se te pega la
sensación de triunfo y potencial de los primeros años, y en nada
ya estás jaleando a esos niños malhablados que solo anhelaban
pasarlo inmenso. De los días del Blitz a los primeros #1, de “To
Cut a Long Story Short” a la Spandaumanía, giras mundiales, Live
Aid, fatiga y derrumbe, y de allí a pleitos y al amargo fin. Pero la
historia permanecerá. Como las canciones. Kiko Amat
Reino Unido - UK, 2014 / 106’ / DCP / Color
Inglés - English
D: George Hencken E: Chris Duveen M: Spandau Ballet, Jess Bailey,
Graeme Perkins P: Steve Dagger, Scott Milaney CP: Wellingmax
I: Tony Hadley, John Keeble, Gary Kemp, Martin Kemp, Steve Norman
Contacto / Contact
Metro International Entertainment. Farah Caroline Woditschka
T +44 207 396 5301 E farah.woditschka@metro-films.com
W metro-films.com - spandauballetthemovie.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
música
One can get all worked up about Spandau Ballet –as demonstrated
by this excellent summary of its journey. Soul Boys of the Western
World has the one thing that’s conspicuously absent from the ‘80s
nostalgia programmes: context and vision. This is a film without
clichés or cheap headlines. A documentary that oozes enthusiasm
and finally returns Spandau Ballet to the podium they deserve.
The band members appear one by one, telling it their way, and it’s
impossible not to get swept away by the anticipation and eupho-
ria. Five working class lads from Islington, sons of the ‘60s, soul
boys and failed punks reborn as feather-fettled new romantics, as
painted phoenixes. First surprise: you’ll like them. Stick with the
sensation of triumph and potential of the early years, and within a
heartbeat you’ll be cheering for these badmouthed kids that just
wanted to have a good time. From the days of Blitz to the first #1s,
from “To Cut a Long Story Short” to Spandaumania, world tours,
Live Aid, fatigue and collapse, lawsuits and a bitter ending. But the
story lives on. Like the songs. KA
George Hencken
Productor de documentales tales como Oil City Confidential (2009),
Requiem for Detroit? (2010) y London - The Modern Babylon (2012). Soul
Boys of the Western World es su primer trabajo como director. | Producer
of such documentaries as Oil City Confidential (2009), Requiem for Detroit?
(2010) and London – The Modern Babylon (2012). Soul Boys of the Western
World is his first work as a film director.
279
 music
Sumé - The Sound
of a Revolution
Sume - Mumisitsinerup nipaa
Sumé - El sonido de una revolución
No todo el mundo está al tanto de las relaciones de Groenlandia
con el norte de Europa: perteneció a Noruega, luego a Dinamarca,
y desde 1979 es una región autónoma del reino de este último
país. ¿Rock en Groenlandia? ¿Rock en Groenlandia cantado en
groenlandés? Los groenlandeses Malik Høegh y Per Berthelsen
estudiaban en Copenhague y fundaron Sumé, la primera banda
de rock en groenlandés. Y sacaron un disco, Sumut, un long play
con una tapa notable; y ese disco explotó, el éxito fue total: gas-
taba púas en todas las casas de jóvenes de Groenlandia. Y fue la
banda sonora de las protestas contra Dinamarca para lograr una
mayor autonomía. Sumé - The Sound of a Revolution (o, mejor
dicho, Sume - Mumisitsinerup nipaa) es una película sobre una
época, sobre dos países relacionados, sobre las decisiones de ju-
ventud; principalmente, es una película que nos lleva a otro lugar,
nos hace descubrir un mundo que desconocíamos, nos presenta
una música nueva, por más influencias de Procol Harum e Iron
Butterfly que podamos detectar. Y lo hace con amabilidad, ritmo,
imágenes que aprovechan el singular paisaje y un archivo de
enorme atractivo. Javier Porta Fouz
Groenlandia / Dinamarca / Noruega -
Greenland / Denmark / Norway, 2014 / 73’ / DCP / Color
Groenlandés - Greenlandic, Danés - Danish
D, G: Inuk Silis Høegh F: Henrik Bohn Ipsen E: Per K. Kirkegaard
DA: Rune Hansen P: Emile Hertling Péronard CP: Anorak Film
Contacto / Contact
Emile Hertling Peronard
T +45 2679 9654 E emile@emileperonard.dk
W thesoundofarevolution.com FB Sumefilmen
280 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Not everyone is up-to-date with the relations between Greenland
and northern Europe: it belonged to Norway, then to Denmark and,
since 1979, has been autonomous region from the kingdom of the
latter. Is there rock in Greenland? Is there rock in Greenland sung
in Greenlandic? Greenlanders Malik Høek and Per Berthelsen were
studying in Copenhagen and founded Sumé, the first rock band in
Greenlandic. And they put out a record, Sumut, a long-player with
remarkable cover art; and that album was a big hit, the success
was absolute: it wore needles out in the homes of every young per-
son in Greenland. And it was the soundtrack to the protests against
Denmark in order to achieve more autonomy. Sumé – The Sound of
a Revolution (or, better yet, Sume – Mumisitsinerup nipaa) is a film
about a time, about two related countries, about the decisions of
youth –mainly, it’s a film that takes us to another places, makes us
discover a world we didn’t know, introduces us to some new music,
in spite of all the references to Procol Harum and Iron Butterfly we
can spot. And it does so with warmth, with good pace, with images
that make the most of the country’s unique landscape, and with
some very attractive stock footage. JPF
Inuk Silis Høegh
Nació en Qaqortoq, Groenlandia, en 1972. Estudió producción de cine
y TV en la Universidad de Bristol y bellas artes en Copenhagen. Produjo
numerosos cortos, videos musicales y comerciales. Su primer corto, Good-
night (1999) fue exhibido en veintisiete festivales. Sumé - The Sound of
a Revolution es su primer largo documental. | He was born in Qaqortoq,
Greenland, in 1972. He studied film and TV producing at the University
of Bristol and fine arts in Copenhagen. He produced many shorts, music
videos and commercials. His first short, Goodnight (1999) was shown at
twenty-seven festivals. Sumé – The Sound of a Revolution is his first docu-
mentary feature.

Theory of Obscurity:
A Film About The Residents
Teoría de la oscuridad: Una película sobre The Residents
Esta es la historia de The Residents, una historia que abarca más
de cuarenta años y está envuelta en misterio. Muchos detalles
acerca de este rebelde colectivo audiovisual de San Francisco
son secretos, incluidas las identidades de sus miembros: siempre
tocan enmascarados y disfrazados. Por suerte para nosotros la
compañía que representa a The Residents, The Cryptic Corpo-
ration, permitió que el director Don Hardy y su equipo tuvieran
un acceso sin precedentes a los archivos del grupo. The Cryptic
Corporation está dirigida por dos hombres: Hardy W. Fox y Homer
Flynn. Ambos hablan en nombre de The Residents, aunque niegan
terminantemente formar parte de la banda. The Residents ha edi-
tado más de sesenta álbumes, y sus shows escénicos son obras
de arte legendarias. Hardy los siguió en su última gira mundial,
celebración de su 40º aniversario, y comprobó cómo aparecían
legiones de fanáticos en lugares como el Barbican de Londres
y el Teatro Burg de Viena. Viejos y jóvenes, hombres y mujeres...
¡resulta que hay chiflados por todos lados!
Estados Unidos - US, 2015 / 87’ / DM / Color - B&N
Inglés - English
D, G: Don Hardy F: Don Hardy, Barton John Bishoff, Josh Keppel
E: Don Hardy, Barton John Bishoff S: Philip Perkins M: The Residents
P: Don Hardy, Barton John Bishoff, Josh Keppel
PE: Yoshifumi Okuyama, The Noxious Twins CP: KTF Films
Contacto / Contact
Submarine Entertainment. Josh Braun
T +1 212 625 1410 E josh@submarine.com
W submarine.com - residentsmovie.com TW @residentsmovie
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
música
This is the story of The Residents, a story that spans more than
40 years and is clouded in mystery. Many details surrounding this
renegade sound and video collective from San Francisco are se-
cret, including the identities of its members: They always perform
wearing masks and costumes. Fortunately for us, The Residents
have a management company, The Cryptic Corporation, which al-
lowed director Don Hardy and his crew unprecedented access
to the group’s archival materials. The Cryptic Corporation is led
by two men: Hardy W. Fox and Homer Flynn. They both speak on
behalf of The Residents, though both men deny that they are, in
fact, members of the group. The Residents have released more
than 60 albums, and their stage shows are legendary works of art.
Hardy followed them on their most recent world tour celebrating
their 40th anniversary and saw first-hand how the legions of fans
turned out to support them in venues like the Barbican in London
and the Burg Theatre in Vienna. Old, young, men and women –
turns out there are weirdos everywhere!
Don Hardy
Cofundador de la productora de documentales KTF Films, ubicada en
San Francisco. Dirigió Love Hate Love (2011; estrenado en Tribeca) y The
Human Experiment (2013; estrenada en el Festival de Cine Mill Valley). |
Co-founder of documentary production company KTF Films, based in San
Francisco. He directed Love Hate Love (2011; premiered at Tribeca) and
The Human Experiment (2013; premiered at the Mill Valley Film Festival).
281
 music
El trovador siempre vuelve
The Troubadour Always Returns
Documental sobre uno de los pioneros injustamente olvidados
del rock en Argentina: Roque Narvaja, que en la bisagra de los
años sesenta a los setenta pasó de ser el creador de éxitos beat
en la época de La Joven Guardia a convertirse en un solista de
exquisitas composiciones y con una postura socialmente compro-
metida, con los pies apoyados en los sacerdotes del Tercer Mundo
y la unión del peronismo con el cristianismo. Exiliado en España,
Narvaja tocó con Marian Farías Gómez y compuso el hit de Miguel
Ríos “Santa Lucía”, lo que le posibilitó una carrera enorme en la
península ibérica. Aquí está el emotivo relato de su historia, con el
protagonista recorriendo disquerías, mirando guitarras, charlan-
do con su viejo compañero Enrique Masllorens y preparando un
recital. Hay testimonios de Litto Nebbia, Marian, Miguel Cantilo,
Jorge Durietz y especialistas como Mario Antonelli, Alfredo Rosso
y Claudio Kleiman. El epílogo perfecto cuenta su poco conocida
pasión por manejar aviones. Marcelo Fernández Bitar
Argentina, 2015 / 65’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Roque Catania F: Virginia Rojas E: Mariano Saban
S: Gaspar Scheuer M: Roque Narvaja P: Martín Esnaola
PE: Débora Giammarini CP: Alfonsina al Mar Cine
I: Roque Narvaja, Miguel Cantilo, Litto Nebbia, Alfredo Rosso, Maxi Trusso
Contacto / Contact
Alfonsina al Mar Cine. Débora Giammarini
T +54 9 11 3031 0048 +54 11 4931 7327
E alfonsinaalmar.cine@gmail.com
W alfonsinaalmarcine.com.ar FB NARVAJA.eltrovadorsiemprevuelve
282 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A documentary about one of the unfairly forgotten pioneers of
Argentine rock music: Roque Narvaja, who back when the Six-
ties turned into the Seventies went from being the author of beat
hits in the years of La Joven Guardia to become a solo artist of
exquisite compositions and a socially committed stand, with one
foot on Third World priests and the other on the link between
Peronism and Chistianity. Exiled in Spain, Narvaja played with
Marian Farías Gómez and wrote Miguel Ríos’ hit “Santa Lucía”,
which opened up a huge career for him in the Spanish Pennsula.
This is the moving portrait of his story, featuring him as he walks
through record stores, watches guitars, chats with his old mate
Enrique Masllorens, and sets up a concert. There are testimonies
by Litto Nebbia, Marian, Miguel Cantilo, Jorge Durietz and special-
ists such as Mario Antonelli, Alfredo Rosso and Claudio Kleiman.
The perfect epilogue features his little-known passion for piloting
airplanes. MFB
Roque Catania
Oriundo de Los Toldos, Buenos Aires, desde 1991 realiza cortometrajes,
documentales y unitarios para TV. Actual proyectorista, codirigió junto
a Gaspar Scheuer el documental El informe de Suárez (1995), dirigió
y produjo el documental coral para televisión Evita es nuestra (2013),
Ramal de vías muertas (2010) y el documental experimental Un testi-
monio (2004). | Born in Los Toldos, Buenos Aires, he directs short films,
documentaries, and TV series since 1991. Currently a projectionist, he
co-directed the documentary El informe de Suárez (1995) with Gaspar
Scheuer, directed and produced the choral TV documentary Evita es
nuestra (2013), Ramal de vías muertas (2010) and the experimental
documentary Un testimonio (2004).
nocturna
late night
 late night
Casa Vampiro
What We Do in the Shadows
Este sublime documental no podría tener una mejor canción princi-
pal que la rotunda “You’re Dead”, de Norma Tanega, que señala con
precisión las características más sobresalientes de sus protagonis-
tas. Con asombroso pulso, dadas las circunstancias, Waikiki y Cle-
ment (cómplices anteriormente en Eagle vs. Shark y la serie Fligth
of the Conchords) les hincan el diente a los vicios y virtudes de sus
objetos de estudio, logrando un registro de alto vuelo que imprime
una –mortecina– luz sobre un submundo varias veces visitado por
la ficción. Los irresistibles Vladislav, Viago, Deacon y Petyr compar-
ten un viejo caserón mientras se debaten entre las trivialidades co-
tidianas, como el aseo del hogar, las elecciones estéticas a la hora
de vestirse y los detalles de etiqueta para con la “comida”, todos
focos que estaquea este documental con mucho de comedia que
ya se perfila inmortal. A la hora de las comparaciones, hay quienes
se remiten a This Is Spinal Tap; y puede que no estén equivocados.
Sería un error mortal perderse esta película con profundo amor por
los subgéneros (el vampírico y el reality-showírico). Porque quedó
claro que los protagonistas son vampiros, ¿no? Pablo Conde
Nueva Zelanda / Estados Unidos - New Zealand / US, 2014
86’ / DCP / Color / Inglés - English
D: T. Waititi, J. Clement G: J. Clement, T. Waititi F: R. Bluck, DJ Stipsen
E: J. Woodford-Robinson, Y. Gorskaya, T. Eagles DA: Ra Vincent
S: Tim Chaproniere M: Plan 9 P: J. Clement, P. Harvey-White, E. Michael,
T. Waititi, C. Winstanley CP: Shadow Pictures, Defender Films, Unison
Films, Two Canoes I: J. Clement, T. Waititi, J. Brugh, C. Gonzalez-Macuer
Contacto / Contact
CineTren T +54 11 5263 0187
E manuel@cinetren.com.ar - eve@cinetren.com.ar
W cinetren.com.ar - whatwedointheshadows.com TW @DeliciousNecks
284 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
This sublime documentary couldn’t have a better theme song than
the resounding “You’re Dead,” by Norma Tanega, which points out
with preciseness the main qualities of its protagonists. With quite
a steady hand, given the circumstances, Waikiki and Clement
(who were also accomplices in Eagle vs. Shark and the series
Flight of the Conchords) sink their teeth in the vices and virtues of
their objects of study, achieving a high-flying record that sheds a
–dim– light on an underworld often visited by fiction. The irresist-
ible Vladislav, Viago, Deacon and Petyr share an old ramshackle
house while they struggle among everyday trivialities such as
housekeeping, aesthetic elections when dressing and etiquette
details when it comes to “food,” all of them matters stretched out
between stakes by this documentary filled with comedic moments
that already shows signs of immortality. When comparing, many
refer to This Is Spinal Tap, and perhaps they’re not wrong. It would
be a deadly mistake to miss this film that shows some deep love
for subgenres (the vampire-y one and the reality-show-y one). Be-
cause it’s clear that the main characters are vampires, right? PC
Los directores | the directors
Taika Waititi nació en Nueva Zelanda en 1975. Dirigió Two Cars, One Night
(2004; nominado al Oscar), Eagle vs Shark (2007) y Boy (2009). Jemaine
Clement nació en Nueva Zelanda en 1974. Mitad de la banda cómica
Flight of the Conchords (junto con Bret McKenzie), protagonizó la serie de
HBO del mismo nombre. | Taika Waititi was born in New Zealand, in 1975.
He directed Two Cars, One Night (2004; nominated for an Oscar), Eagle
vs Shark (2007), and Boy (2009). Jemaine Clement was born in New
Zealand in 1974. He is one half of the comedy band Flight of the Conchords
(the other one would be Bret McKenzie), and he starred in the HBO series
of the same name.

Eat
Come
La búsqueda del triunfo en Hollywood, el sueño de ser actriz. A los
treinta y pocos, Novella McClure tiene varios problemas. 1) No se
ha convertido en estrella. 2) No solo eso, sino que tampoco logró
un papel en los últimos tres años. 3) Su nombre suena a actriz
porno del siglo pasado. 4) Hay actrices más jóvenes dispuestas
a cualquier cosa por un pedazo de fama. 5) Tiene dificultades
para pagar el alquiler. Entre todo esto, se suma un problema nue-
vo: ¡empieza a comerse a sí misma! ¿La ópera prima de Jimmy
Weber es una In My Skin menos seria? ¿Una crítica metafórica y
satírica al descarte de los cuerpos en Hollywood? ¿Una película
gore? Puede ser todo eso, más un despreocupado melodrama
clase B con gracia, velocidad y alguna secuencia de venganza
brutal, buenas dosis de humor negro y una actuación memorable
de la protagonista, Meggie Maddock. Sí, están pensando que Me-
ggie Maddock es un nombre apenas mejor que Novella McClure.
Es cierto: quizás, en ese sentido, Eat tenga algo de documental.
Javier Porta Fouz
Estados Unidos - US, 2013 / 93’ / DM / Color
Inglés - English
D, G, E, M: Jimmy Weber F: Jon Stevenson P: Annie Baker
PE: Jimmy Weber, Jon Stevenson CP: Pretty People Pictures
I: Meggie Maddock, Jeremy Make, Ali Francis, Maru Garcia, Dakota Pike
Contacto / Contact
Pretty People Pictures. Annie Baker
T +1 303 349 6721 +1 303 550 5328
E annieelizabeth87@gmail.com - jimmytheghost@gmail.com
W prettypeoplepictures.com - eatthemovie.com TW @EatTheMovie
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
nocturna
The quest for success in Hollywood. The dream of becoming an
actress. Novella McClure is in her early thirties and has several
problems. 1) She didn’t become a star. 2) Not only that, but she
also didn’t get any parts in the last three years. 3) Her name
sounds like a porn star from the past century. 4) There are young-
er actresses willing to do anything for a piece of fame. 5) She has
trouble with paying the rent. And a new problem emerges amidst
all this: she starts to eat herself! Is Jimmy Weber’s opera prima a
less-serious In My Skin? Is it a metaphorical and satirical critique
to the waste of bodies in Hollywood? Is it a gore flick? It might be
all those things, plus a carefree B melodrama with grace, speed,
some brutal revenge sequence, large doses of black comedy, and
a memorable performance by its lead actress Meggie Maddock.
Yes, you’re thinking Meggie Maddock is a slightly better name
than Novella McClure. It’s true: perhaps in that sense Eat has
some documentary elements. JPF
Jimmy Weber
Nació en Denver, EE. UU., en 1985. Estudió cine, teatro y televisión en la
Universidad de Colorado, de donde se graduó en 2009. Se desempeñó
como editor y productor y, antes de Eat, dirigió el corto Incubator (2010). |
He was born in Denver, USA, in 1985. He studied film, drama and television
at the University of Colorado, where he graduated in 2009. He has worked as
editor and producer and, before Eat, he directed the short Incubator (2010).
285
 late night
Everything That Rises
Must Converge
Todo lo que sube tiene que converger
Valle de San Fernando, sur de California, donde nunca llueve, se-
gún dice la canción. La pantalla se presenta dividida; hay narra-
ciones que convergen. La línea principal involucra a dos actores
y dos actrices de la industria del cine pornográfico, desde que se
bañan, se afeitan (cara y cuerpo), viajan al set, actúan y regresan.
Además, hay una extraordinaria entrevista con el director de la
película filmada. En Everything That Rises Must Converge, Omer
Fast cruza el documental con la ficción mediante la inclusión de
otros personajes –en crisis– que no son los que actúan en la
ficción pornográfica. Hay cercanía, por momentos casi intimidad,
y se produce también una peculiar sensación de extrañamiento
ante esos mundos, entre esos mundos, entre esas combinaciones
de imágenes. La literatura, desde el título que es también el de un
cuento y un libro de Flannery O’Connor hasta un poema de Rilke,
también suma textura a esta inusual película con sexo explícito
actuado en un rodaje que es registrado como documental. O todo
lo contrario. Javier Porta Fouz
Alemania / Estados Unidos - Germany / US, 2014
56’ / DCP / Color / Inglés - English
D, G, E: Omer Fast F: Jason McCormick
S: Theresa Radka, Jared Simmons, Justin Blakely, Jochen Jezussek
P: Daniel Desure, Mary Pat Bentel
I: Tommy Pistol, Allison Moore, Julia Ann, Dane Cross, Adrianna Luna
Contacto / Contact
Filmgalerie 451. Frieder Schlaich
T +49 30 3398 2800 E kino@filmgalerie451.de
W filmgalerie451.de
286 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The San Fernando Valley, in Southern California, where, according
to the song, it never rains. Stories converge and there’s a split
screen. The main storyline involves two actors and two actresses
in the adult film industry, whom we see showering, shaving (body
and face), travelling to the set, performing, and returning. Also,
there’s an extraordinary interview with the director of the film they
just shot. In Everything That Rises Must Converge, Omer Fast
mixes documentary and fiction by including other characters –
who experience a crisis– who are not the ones performing in the
pornographic fiction. There’s a certain familiarity, even intimacy,
and a peculiar feeling of estrangement in watching those worlds,
between those worlds and their combinations of images. From the
film’s title that is also the one of a Flannery O’Connor short story
and book, to a poem by Rilke, literature also adds some texture
to this unusual film featuring performed explicit sex in a shooting
that is captured as a documentary. Or the exact opposite. JPF
Omer Fast
Nació en Jerusalén en 1972 y creció en Israel y Nueva York. Estu-
dió inglés y pintura y comenzó su carrera realizando el diseño de una
revista. Sus videoinstalaciones y otros trabajos han sido exhibidos en
espacios como el Wexner Center for the Arts, el Whitney Museum of
American Art y museos de Viena, Munich y Frankfurt. | He was born in
Jerusalem in 1972 and grew up in Israel and Nueva York. He studied
English and Art and began his career designing a magazine. His video
installations and other pieces have been exhibited in places like the
Wexner Center for the Arts, the Whitney Museum of American Art and
other museums in Vienna, Munich and Frankfurt.

Faraday
Faraday, el protagonista, tiene una nueva oportunidad para vol-
ver a creer en lo que lo apasiona: la telepatía, lo paranormal, ¿lo
subnormal? Él y su novia, que vende cupcakes y sube videos a su
blog con el objetivo de ser una estrella del firmamento de Inter-
net, se mudan a un nuevo departamento que ofrece presencias
fantasmagóricas. Faraday, la película, cree en la comedia, cree en
los chistes –también en los paranormales, los subnormales y los
anormales– y en la posibilidad de que todo sea una apuesta por
lo más festivo del cine. Tal vez por eso la secuencia de la fiesta
–“una orgía de sexo y drogas, hijo”– sea el corazón de Faraday.
Y tal vez por eso el trailer de esta película de Norberto Ramos del
Val apele a “si estás harto del cine español” y ofrezca “la historia
de amor más imbécil de 2014”. Y nos queda hablar del final de
Faraday, un final a todo trapo de sorpresas y de la explotación
imaginativa del bajo presupuesto. Pero no vamos a hacerlo; adiví-
nenlo con poderes sobrenaturales o, mejor y más recomendable,
vean la película. Javier Porta Fouz
España - Spain, 2014 / 82’ / DM / Color / Español - Spanish
D, E: Norberto Ramos del Val G: Pablo Vázquez, Jimina Sabadú
F: Roland de Middel DA: Esther Sánchez S: James Muñoz
M: José Sánchez-Sanz P: Enrique López Lavigne,
Norberto Ramos del Val, Belén Atienza PE: Javier Carneros
CP: Apaches Entertainment, Norberfilms I: Javier Bódalo,
Diana Gómez, Daniela Costa, Ismael Martínez, Alejandro Tous
Contacto / Contact
Norberfilms. Norberto Ramos del Val
T +34 656 410 272 E norberfilms@gmail.com
W norberfilms.com FB FaradayMovie TW @Faradaymovie
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
nocturna
Faraday, the main character, has a new opportunity to start be-
lieving again in his passion: telepathy, the paranormal –the sub-
normal? He and his girlfriend, who sells cupcakes and uploads
videos to her blog aiming to be a star on the Internet, move to a
new apartment that features ghostly presences. Faraday, the film,
believes in comedy, in jokes –also in the paranormal, subnormal,
and abnormal ones– and in the chance of making everything a bet
for the most festive aspect of cinema. Maybe that’s why the party
sequence –“an orgy of sex and drugs, son”– is the heart of Fara-
day. Maybe that’s why the trailer for this film by Norberto Ramos
del Val appeals to the motto “if you’re fed up with Spanish cinema”
and offers “the dumbest love story of 2014.” And we still have to
talk about Faraday’s ending, an all-out finale filled with surprises
and an imaginative low-budget exploitation. But we won’t do it,
so you guess it with your supernatural powers, or better yet, go
see the film. JPF
Norberto Ramos del Val
Nació en Cantabria, España, en 1970. Realizó publicidades, videoclips
y trabajos para la televisión. Debutó como director con el largome-
traje Muertos comunes (2004), al cual le siguieron Hienas (2009), El
último fin de semana (2011) y Summertime (2012). | He was born
in Cantabria, Spain, in 1970. He made advertisements, music videos
and TV work. He made his directorial debut with the feature Muertos
comunes (2004), which was followed by Hienas (2009), Our Last Week-
end (2011) and Summertime (2012).
287
 late night
Me quedo contigo
I Stay with You
Natalia tiene una relación a distancia. Natalia es española y viaja
a México para reencontrarse con su novio. En ausencia del galán
siempre ocupado, decide sumarse a una salida con tres mucha-
chas. A partir de aquí, un infierno, una pesadilla que se desata
con un momento altamente lúbrico en el asiento trasero de un
auto. Pese a que la producción mexicana acostumbra a ser can-
tera inagotable de films controvertidos, pocos son tan incorrectos,
molestos y turbadores como esta criatura híbrida, que comienza
como una versión hispana de Sex and the City, pero pronto devie-
ne en una especie de torture porn on rouge, extremo incluso para
jugar en categoría Grindhouse. El contrapunto lo pone el lirismo
barrial de Los Chunguitos, el trío de rumba gitana que en 1980
entendía el amor como un altar sacrificial en el que la riqueza, la
gloria y el cielo no valen nada frente al encuentro con la persona
deseada. Fran Gayo
México - Mexico, 2015 / 99’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, P: Artemio Narro G: Artemio Narro, Antonio de la Rosa
F: Renata Gutiérrez E: Artemio Narro, Diego Fenton
DA: Antonio de la Rosa, Raúl Ruiz, Claudio Castelli S: Matías Barberis
PE: Carlos Narro, Renato Ornelas, Ixel Rion, Rubén Gutiérrez
CP: El Llanero Solitario, Cuarto para las Doce, Endimia I: Beatriz Arjona,
Anajosé Aldrete, Edwarda Gurrola, Ximena González-Rubio, Iván Arana
Contacto / Contact
El Llanero Solitario. Artemio Narro
T +52 1 55 1800 4765 +52 55 6383 9585
E artemio007@gmail.com - mequedocontigolapeli@gmail.com
W mequedocontigo.mx
288 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Natalia is in a long-distance relationship. Natalia is Spanish, and
travels to Mexico to reunite with her boyfriend. Since the very busy
stud is always away, she decides to join three young girls for a
night out. From then on, all hell breaks loose, a nightmare trig-
gered by a highly lewd moment in the back seat of a car. Despite
the Mexican film production tends to be a never ending source of
controversial films, few are as incorrect, annoying, and disturbing
as this hybrid invention, which starts off as a Hispanic version
of Sex and the City but soon turns into a sort of torture porn on
rouge, too extreme to even play in the Grindhouse category. The
counterpoint is brought in by the neighborhood lyricism of Los
Chunguitos, a trio of gypsy rumba that back in 1980 understood
love as an altar of sacrifice where wealth, glory and paradise are
worthless against meeting the right person. FG
Artemio Narro
Nació en México D. F. en 1976, y allí vive y trabaja actualmente. De forma-
ción autodidacta, pertenece a la generación de artistas mexicanos que
surgieron en los años 90. Me quedo contigo es su primera película. | He
was born in 1976 in México City, where he currently lives and works. A self-
taught director, he is part of the generation of Mexican artists that emerged
in the 1990s. Me quedo contigo is his first film.

Musarañas
Shrew’s Nest
Enferma de agorafobia, Montse vive confinada en un apartamento
que comparte con su hermana pequeña, a la que cuida desde
que eran niñas. En el fondo, a Montse esta situación le viene bien,
pues le permite no tener que enfrentarse a muchas cosas, entre
ellas, a la hostil y opresiva España franquista en la que vive. Todo
cambia el día que un vecino sufre un accidente en la escalera
del edificio. Desafiando sus miedos, Montse decide acogerlo y
cuidarlo, pero la irrupción del hombre en el hogar familiar de las
dos mujeres no tardará en romper el ecosistema establecido has-
ta aquel momento. Los directores Juanfer Andrés y Esteban Roel
debutan con esta película que juega a encerrarse entre las cuatro
paredes de un apartamento para intentar crear cierta claustrofo-
bia, en un ejercicio similar al que el productor del film, Álex de la
Iglesia, propuso en su momento con un retrato tan español como
es La comunidad. Violeta Kovacsics
España - Spain, 2014 / 95’ / DCP / Color
Español - Spanish
D: Juanfer Andrés, Esteban Roel G: Juanfer Andrés, Sofía Cuenca
F: Ángel Amorós E: Juanfer Andrés DA: Pablo Alonso M: Joan Valent
P: Enrique Martínez, Kiko Martínez, Alex de la Iglesia
PE: Carolina Bang, Alex de la Iglesia CP: Nadie es Perfecto,
Pokeepsie Films I: Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Luis Tosar
Contacto / Contact
Impacto Cine. Victoria Guzmán Gaete
T +54 11 4782 7500 E vg@impactocine.com.ar W impactocine.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
nocturna
Suffering from agoraphobia, Montse lives confined in an apart-
ment she shares with her younger sister, whom she’s been taking
care off since both of them were little. Deep down, Montse is
fine with this situation, because it allows her to avoid dealing with
many things, including the hostile and oppressive Franquist Spain
she lives in. Everything changes the day a neighbor suffers an ac-
cident in the building’s stairs. Defying her fears, Montse decides
to take him in and look out for him, but it won’t be long until the
irruption of a man in the family home of the two women breaks
the ecosystem that had been established up to then. Directors
Juanfer Andrés and Esteban Roel make their debut with this film
that shuts itself between the four walls of an apartment in order
to try and create some claustrophobia, an exercise similar to the
one the film’s producer, Álex de la Iglesia, approached with such a
Spanish portrait as that in La comunidad. VK
Los directores | The directors
Juanfer Andrés nació en Socuéllamos, Ciudad Real, España en 1975 y
realizó 036 en 2011. Esteban Roel nació en Monterrey, México en 1969.
Juntos dirigieron y realizaron la producción de El buen chaval (2013). |
Juanfer Andrés was born in Socuéllamos, Ciudad Real, Spain, in 1975,
and made 036 in 2011. Esteban Roel was born in Monterrey, Mexico, in
1969. Together, they directed and produced El buen chaval (2013).
289
 late night
Raiders of the Lost Ark:
The Adaptation
Los cazadores del arca perdida: La adaptación
No tan joven cinéfilo, dejá de babearte con muñecos de tus VHS
favoritos y escuchá la mejor historia de fan fiction jamás contada
(y filmada): en 1981, Chris Strompolos y Eric Zala, en Mississippi
y con 11 años, vieron Los cazadores del arca perdida, piedra Ro-
setta del cine de aventuras Indy. Con un cómic y una copia pirata
del guion, ahí mismo Eric y Chris empezaron a filmar Raiders of
the Lost Ark: Kids Version, una adaptación que copiaba el film de
Spielberg plano por plano, con una pura y buscada profesionalidad
amateur (esperen a ver la secuencia de la roca). El rodaje duraría
un verano. Tomó 33 años. La filmación de la última escena (la del
avión) durante el año pasado dio fin a una aventura, que es la
perfecta declaración de amor al cine: en su narcótico low-fi (¿cómo
resolverán la próxima escena?), contiene las pasiones, realidades
y entelequias que nos enamoran de un relato. Ver Raiders… es
entender todo lo que el cine puede hacer. Incluso en el sótano de
mamá. Juan Manuel Domínguez
Estados Unidos - US, 1989 / 106’ / DM / Color
Inglés - English, Alemán - German, Árabe - Arabic
D: Eric Zala G: Lawrence Kasdan F: Jayson A. Lamb
E: Eric Zala, Jayson A. Lamb, Chris Strompolos M: John Williams
P: Chris Strompolos CP: Rolling Boulder Films
I: Chris Strompolos, Angela Rodriguez, Eric Zala, Alan Stenum
Contacto / Contact
Rolling Boulder Films. Chris Strompolos
T +1 323 370 3260 E strompmaster@gmail.com
W rollingboulderfilms.com - raidersguys.com TW @RaidersGuys
290 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Not-that-young film buff, stop drooling over action figures from
your favorite VHS tapes and listen to the greatest fan-fiction story
ever told (and filmed): in 1981, Chris Strompolos and Eric Zala, in
Mississippi and at 11, saw Raiders of the Lost Ark, the Rosetta
Stone of Indy adventure cinema. Right there, with a comic book
and pirated copy of the script, Eric and Chris started shooting
Raiders of the Lost Ark: Kids Version, an adaptation that copied
Spielberg’s film shot for shot, with some pure, sought-after ama-
teur professionalism (wait ‘till you see the sequence of the rock).
The shoot was supposed to last a summer. It took 33 years. The
shooting of the last scene (the one in the plane) last year marked
the end of an adventure that’s the perfect declaration of love to
film: in its narcotic lo-fi (how will they solve the next scene?), it
contains the passions, realities and pipe dreams that make us fall
in love with a story. Seeing Raiders… is understanding everything
film is able to do. Even in mom’s basement. JMD
Eric Zala
Nació en California, EE. UU., en 1970. Estudió en la Escuela Tisch de Artes
de la Universidad de Nueva York. En 1993 dirigió el corto An Early Twilight,
y Raiders of the Lost Ark: The Adaptation es su primer largo. | He was born
in California, USA, in 1970. He studied at the Tisch School of the Arts at
NYU. In 1993, he directed the short An Early Twilight, and Raiders of the
Lost Ark: The Adaptation is his first feature.

Sueñan los androides
Androids Dream
Película hermana de El futuro (Bafici ‘14), comparte con ella equi-
po (el director de una es productor de la otra, y viceversa) y, más
importante, el mismo dolor por el presente tirado a la basura de
todo un país y sus habitantes. El “Me duele España” de Unamuno
reinterpretado en clave posmoderna. Si El futuro hacía un ejercicio
de flashback para dar razón de la miseria de hoy, Sueñan los
androides viaja a un futuro cercano, sospechosamente parecido al
presente, para rodar una remake de baja intensidad de ¿Sueñan
los androides con ovejas eléctricas?, de Phillip K. Dick. Remake
que no es sino el punto de partida de un retrato generacional
profundamente doloroso: el de esos jóvenes, replicantes en la pe-
lícula, condenados a morir a manos de un policía inmisericorde; al
paro, la emigración, la desidia y el sin futuro forzoso. Pocas veces
como en los últimos años, el cine español se ha enfrentado de for-
ma tan crítica a su presente político. Disfruten mientras puedan:
quizás el año que viene no haya España en la que rodar películas
tan singulares como esta. Gonzalo de Pedro Amatria
España - Spain, 2014 / 61’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, F: Ion de Sosa G: Ion de Sosa, Jorge Gil Munarriz, Chema García Ibarra
E: Sergio Jiménez S: Manolo Marín, Jorge Alarcón, María José Molanes
P, PE: Ion de Sosa, Karsten Matern, Luis López Carrasco, Luis Ferrón
CP: Ion de Sosa Filmproduktion I: Manolo Marín, Moisés Richart,
Marta Bassols, Coque Sánchez, Margot Sánchez
Contacto / Contact
OFF ECAM Distribución. Ismael Martín
T +34 915 121 060 E info@offecam.com
W offecam.com/largometrajes - androidentraumenfilm.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
nocturna
Sister film to The Future (Bafici ‘14), both share crew (the director
of one produces the other, and vice versa) and, most importantly,
the same aching for the present of a whole country and its inhab-
itants thrown down the drain. Unamuno’s “Spain hurts me” as
reinterpreted in a post-modernistic key. If The Future resorted to
flashbacks in order to talk about today’s misery, Androids Dream
travels to a close future suspiciously similar to the present to shoot
a low-intensity remake of Phillip K. Dick’s Do Androids Dream of
Electric Ship? A remake that is nothing but the starting point of a
deeply painful generational portrait: that of those young people,
which are replicants in the film, that are condemned to die in the
hands of a merciless cop; to go on strike, to emigrate, to apathy,
and the forced lack of future. Few times has Spanish cinema con-
fronted its political present as critically as it has in the last few
years. Enjoy while you can: perhaps next year there will be no
Spain in which to shoot films as unique as this one. GdPA
Ion de Sosa
Nació en San Sebastián en 1981. Diplomado en fotografía en la ECAM,
dirige y produce películas en 16mm. Con los largometrajes True Love
como director y El futuro como productor y director de fotografía partici-
pó en los festivales de Locarno, Rotterdam, Bafici, Punto de Vista y Lima
Independiente. | He was born in San Sebastián in 1981. He graduated in
photography from the ECAM, and directs and produces 16mm films. With
the features True Love as director and The Future as producer and director
of photography, he participated at the Locarno, Rotterdam, Bafici, Punto de
Vista and Lima Independiente festivals.
291
 late night
Summer of Blood
Verano de sangre
En la primera escena de Summer of Blood, Eric Sparrow rechaza
el anillo de compromiso que le ofrece su novia, no sin antes humi-
llarla un poco. Eric es un cuarentón que vive como un veinteañero,
tiene un sentido del humor cuestionable y definitivamente no sabe
cómo tratar a las mujeres. Pero, como la neurosis y las camisas
escocesas garpan (mucho más en Brooklyn), igual logra acostarse
con algunas chicas, aunque esos encuentros sexuales son bas-
tante patéticos. Hasta ahí, esta sería solo otra comedia de perde-
dores. Pero las cosas cambian cuando a nuestro amigo lo muerde
un vampiro: el antes perdedor se vuelve un vampiro seductor, y la
sangre empieza a circular con tanta velocidad como intensidad,
dando paso a una dulce y roja venganza. Vampirismo mata come-
dia de perdedores, y Summer of Blood lo deja muy claro. Como un
coming of age tardío y una parodia de los devaneos emocionales
de la generación X, Summer of Blood hace que, al lado de Eric, el
mismísimo Drácula parezca un tipo simpático. Luciana Calcagno
Estados Unidos - US, 2014 / 86’ / DCP / Color
Inglés - English
D, G, PE: Onur Tukel F: Jason Banker E: Onur Tukel DA: Sergio Lapel
S: Andrew Sterling, Michael Barycki P: Onur Tukel, Matt Grady
CP: Simian Nation, Factory 25 I: Onur Tukel, Anna Margaret Hollyman,
Dakota Goldhor, Dustin Guy Defa, Keith Poulson
Contacto / Contact
New Europe Film Sales. Paulina Jaroszewicz
T +48 6 9890 3038
E paulina@neweuropefilmsales.com W neweuropefilmsales.com
292 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In the first scene of Summer of Blood, Eric Sparrow rejects the
engagement ring offered to him by his girlfriend, but not without
humiliating her a bit first. Eric is a man in his forties who lives as
if he were in his twenties, has a questionable sense of humor
and definitely doesn’t know how to treat women. But, as neurosis
and tartan skirts pay (especially in Brooklyn), he still succeeds in
hooking up with some girls, even if those sexual encounters are
quite pathetic. So far, this would be just another loser comedy.
But things change when our friend is bit by a vampire: the former
loser becomes a seductive vampire, and blood begins to circle fast
and intensely, giving way to some sweet, red revenge. Vampirism
kills loser comedy, and Summer of Blood is bluntly clear on that.
As a late coming-of-age and a parody of the emotional dalliances
of Generation X, Summer of Blood’s Eric makes Dracula himself
seem like a nice guy. LC
Onur Tukel
Escritor, ilustrador y actor ocasional, vive en Brooklyn, EE. UU. Coprotago-
nizó Septien (2011) y Red Flag (2012), publicó los libros infantiles Little
Friends (2012) y Rainstack! (2013), y dirigió los films House of Pancakes
(1996), Sergio Lapel’s Drawing Blood (1998), Ding-a-ling-LESS (2001), The
Pigs (2004) y Richard’s Wedding (2012). | A writer, illustrator and occa-
sional actor, he lives in Brooklyn, USA. He co-starred in Septien (2011) and
Red Flag (2012), published the children’s books Little Friends (2012) and
Rainstack! (2013), and directed the films House of Pancakes (1996), Sergio
Lapel’s Drawing Blood (1998), Ding-a-ling-LESS (2001), The Pigs (2004),
and Richard’s Wedding (2012).

Te sigue
It Follows
Tras su sobresaliente debut –la imprescindible The Myth of the
American Sleepover–, Mitchell demuestra con Te sigue que es
uno de los pocos cineastas actuales que realmente entienden por
dónde va eso de asustar. Como un coming of age que se trans-
forma en un they’re coming to get you, su segundo opus es una
película de terror que revierte los lugares comunes del género y
acumula tensión con planos imposiblemente abiertos y cadencio-
sos movimientos de cámara. La clave es la brillante construcción
de climas, en un singular universo propio con reglas potentes:
el Mal toma distintas formas humanas, y ataca a sus víctimas
hasta matarlos brutalmente. Para evitarlo, hay que tener sexo a
mansalva, dejando al amor lejos de la ecuación. Si en el cine de
terror los ejes cartesianos son el clima y los sobresaltos, Te sigue
rankea muy alto en el primero: en vez de sustos esporádicos y
predecibles (el peor mal del cine de género actual), la fina y muy
calculada construcción climática de Mitchell mantiene en vilo al
espectador, con un admirable clasicismo discursivo acompasado
por la poderosa banda sonora de Disasterpeace. Pablo Conde
Estados Unidos - US, 2014 / 100’ / DCP / Color
Inglés - English
D, G: David Robert Mitchell F: Michael Gioulakis E: Julio Perez IV
DA: Michael T. Perry M: Disasterpeace P: Rebecca Green,
Laura D. Smith, David Robert Mitchell, David Kaplan, Erik Rommesmo
PE: Robyn K. Bennett CP: Animal Kingdom, Northern Lights, Two Flints
I: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Olivia Luccardi, Lili Sepe
Contacto / Contact
Impacto Cine. Victoria Guzmán Gaete
T +54 11 4782 7500 E vg@impactocine.com.ar W impactocine.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
nocturna
Following his outstanding debut –the must-see The Myth of the
American Sleepover– Mitchell’s It Follows proves he’s one of
the few current filmmakers who really understands what scar-
ing people is about. Like a coming-of-age tale that transforms
into a they’re-coming-to-get-you story, his second film is a hor-
ror flick that reverses the genre’s common places and builds up
the tension with impossibly open shots and rhythmical camera
movements. The key lies in the film’s brilliant construction of at-
mospheres, in a unique universe with powerful rules: Evil takes
on different human shapes, and attacks its victims until it brutally
murders them. In order to avoid so, you have to have plenty of
sex, and keep love very far from the equation. If the Cartesian
coordinates of horror cinema are the atmosphere and the shocks,
It Follows ranks high on the first one: instead of sporadic and pre-
dictable shocks (the worst part of the genre these days), Mitchell’s
precise and calculated construction of climates holds spectators
on pins and needles, with an admirably classic storytelling ad-
justed by Disasterpiece’s powerful score. PC
David Robert Mitchell
Nació en Detroit, EE. UU., en 1974, y vive en Los Ángeles. Estudió cine en
la Universidad Estatal de Florida. Dirigió el cortometraje Virgin (2002) y
el largometraje The Myth of the American Sleepover (2010; ganador del
Premio Especial del Jurado en el Festival SXSW). | He was born in Detroit,
USA, in 1972, and lives in Los Angeles. He studied Film at the Florida State
University. He directed the short Virgin (2002) and the feature The Myth
of the American Sleepover (2010; winner of the Special Jury Prize at the
SXSW Festival.)
293
 late night
Tusk
Colmillo
#WalrusYes o #WalrusNo: ese era el desafío que le dio Kevin
Smith, padre fundador de la charla geek pasada de lista (pero
honesta en su minuciosidad canchera, como inauguraba su
Clerks en 1994), a su legión de seguidores de su reinserción
laboral, su radio de podcasts. Era junio de 2013, y Scott Mo-
sier y él, cuasi retirado como director, fantasearon gracias a
la noticia de un hombre que pedía un compañero “dispuesto a
disfrazarse de morsa de vez en cuando”, una versión del colmi-
lludo fetiche al estilo de la Hammer. Tusk es el bizarro resultado
de #WalrusYes y la película más deforme de Smith (que venía
de hacer Red State, su primer flirteo con el terror). Canchera,
segura, consciente (más todavía) y fascinada con los diálogos
(siempre, y ahí Michael Parks se viste de gala a lo Dr. Moreau).
Como nunca, Smith busca ser medianoche de autocine en los
setenta y crea una película mutante, que toca lugares que a
veces hacen cosquillas y otras provocan arcadas, o una ago-
biante, nueva, atroz y conmovedora mezcla de ambas cosas.
Juan Manuel Domínguez
Estados Unidos / Canadá - US / Canada, 2014
102’ / DCP / Color / Inglés - English
D, G, E: Kevin Smith F: James Laxton DA: John D. Kretschmer
S: Joel Dougherty M: Christopher Drake P: Sam Englebardt,
David Greathouse, William D. Johnson, Shannon McIntosh
PE: Nate Bolotin, Jennifer Schwalbach, Nick Spicer CP: Smodcast
Pictures, Demarest Films, Phase 4 Films, XYZ Films I: Michael Parks,
Justin Long, Genesis Rodriguez, Haley Joel Osment, Johnny Depp
Contacto / Contact
Sony Pictures / UIP. Cecilia Chiappano
T +54 11 4373 0261 -253 E cecilia_chiappano@uip.com
W uip.com.ar - tuskthemovie.com TW @tuskthemovie
294 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
#WalrusYes or #WalrusNo: that was the challenge Kevin Smith,
the founding father of the smarty-pants (though honest in its
show-offy meticulousness that started with his 1994 film Clerks)
geek talk, gave to the legion of followers of his professional rein-
sertion, his podcast radio. It was June 2013, and Scott Mosier and
him, who was semi-retired as a director, fantasized, thanks to the
news of a man who asked for a companion “willing to dress as a
walrus once in a while,” a version of the fetish with fangs, Hammer
House-style. Tusk is the bizarre result of #WalrusYes, and Smith’s
most deranged film (he had just made Red State, his first flirt with
horror). Show-offy, sure and (even more so) aware of itself and
fascinated with dialogue (always, and Michael Parks dresses up
Dr. Moreau-style). Like never before, Smith seeks to be seventies’
drive-in midnight and creates a mutant film that touches you in
places that sometimes tickle and sometimes make you gag, or an
oppressive, novel, atrocious and moving mix of both. JMD
Kevin Smith
Guionista, escritor de cómics y realizador nacido en Nueva Jersey, EE. UU.,
en 1970. Entre sus films como realizador y guionista se encuentran Jay y
el silencioso Bob (2001), Zack y Miri hacen una porno (2008) y Red State
(2011). Escribió Jay & Silent Bob’s Super Groovy Cartoon Movie (Bafici y
Bafici Animado ‘14). | He’s a scriptwriter, comic book writer, and filmmaker
born in Nueva Jersey, USA, in 1970. Some of the films he directed and
wrote are Jay and Silent Bob (2001), Zack and Miri Make a Porno (2008)
and Red State (2011). He wrote Jay & Silent Bob’s Super Groovy Cartoon
Movie (Bafici and Animated Bafici ‘14).
clásicos restaurados
restored classics
 restored classics
A sangre fría
In Cold Blood
Además del guionista y director Richard Brooks, otros dos cola-
boradores de A sangre fría recibieron nominaciones al Oscar. Uno
de ellos fue el compositor Quincy Jones, cuya astuta e inquietante
partitura jazzera recuerda a la que Duke Ellington hizo para Ana-
tomía de un asesinato. Pero lo más grandioso de A sangre fría,
vista hoy, es la absolutamente asombrosa fotografía panorámi-
ca en blanco y negro de Conrad Hall. La visión sombría de Hall,
su talento para trabajar con la oscuridad y la lluvia, compiten en
maestría visual con los noirs clásicos de los cuarenta y cincuenta.
Si el tono de Brooks parece a veces exacerbado no es porque la
realidad le resulte indiferente. De hecho, se tomó muchas moles-
tias para filmar en la verdadera casa de los Clutter, y para emplear
a siete de los doce miembros originales del jurado, así como al
verdugo que acabó con las vidas de Smith y Hickock. Con todo,
la secuencia más memorable del film es el escalofriante cuarto
de hora dedicado al miedo y la posterior masacre de la familia
Clutter. Capturado en imperturbable detalle neodocumental, hiela
la sangre tanto como los hechos ocurridos varias décadas atrás.
Kenneth Turan
Estados Unidos - US, 1967 / 134’ / DCP / B&N
Inglés - English
D, G: Richard Brooks F: Conrad Hall E: Peter Zinner
DA: Robert Boyle S: Arthur Piantadosi, William Randall M: Quincy Jones
CP: Columbia Pictures, Pax Enterprises I: Robert Blake, Scott Wilson,
John Forsythe, Paul Stewart, Gerald S. O’Loughlin
Contacto / Contact
Park Circus
T +44 141 332 2175 E info@parkcircus.com
W parkcircus.com TW @parkcircusfilms
296 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Apart from writer and director Richard Brooks, two other collabo-
rators of In Cold Blood got Oscar nominations. One of those was
composer Quincy Jones, whose smart and unsettling jazz score
is reminiscent of the work Duke Ellington did with Anatomy of a
Murder. The great glory of In Cold Blood from today’s perspective,
however, is Conrad Hall’s absolutely breathtaking wide-screen
black-and-white cinematography. Hall’s bleak vision, his gift for
working with darkness and rain, rivals classic film noir of the
1940s and ‘50s in its visual mastery. If Brooks’ tone sometimes
seems heightened, it’s not because he was indifferent to reality.
In fact, he went to some trouble to shoot in the actual Clutter
house, to use seven of the original 12 jury members as well as
the actual hangman that ended Smith’s and Hickock’s lives. Still,
the most memorable section of the film is the chilling quarter-hour
devoted to the apprehension and eventual murder of the Clutter
family. Captured in unblinking, neo-documentary detail, it freezes
the blood just as they did all those decades ago. KT
Richard Brooks
Nació en Filadelfia, Estados Unidos, en 1912. En los años cuarenta comen-
zó a trabajar en Hollywood como guionista de películas como Hembra
contra hembra (Robert Siodmak) y Huracán de pasiones (John Huston).
Dirigió Los hermanos Karamazov (1958) y La gata sobre el tejado de zinc
(1958), Los profesionales (1966), entre otros. Murió en marzo de 1992. |
He was born in Philadelphia, US, in 1912. He started working in Hollywood
in the forties as screenwriter in such films as Cobra Woman (Robert Siod-
mak) and Key Largo (John Huston). He directed The Brothers Karamazov
(1958), Cat on a Hot Tin Roof (1958) and The Professionals (1966), among
other films. He died in March, 1992.

El acto en cuestión
The Act in Question
Cuando Alejandro Agresti filmó El acto en cuestión, ya había rea-
lizado varias películas, algunas en Argentina, otras en Holanda;
y su filmografía, en calidad y extensión, superaba a la de sus
contemporáneos (y no solo a los locales). Pero nada hacia prever
la imaginaria biografía del mago Quiroga (interpretado por un in-
olvidable Carlos Roffé, uno de los mejores y más secretos actores
argentinos) y su sorprendente mezcla de universos, sacados del
cine y la literatura. En la historia extraordinaria de ascenso y caí-
da del Fu Manchú de Barracas, se cruzan Borges, Bioy Casares,
Gardel, Spinetta y Cortázar con Orson Welles y Raúl Ruiz, y miles
de influencias combinadas de las maneras más originales, para
crear una película tan virtuosa como emotiva. El acto en cuestión
debería ser nuestra El ciudadano, una parábola sobre la creación
y una muestra hilarante de muchas de las taras de los argentinos,
y, sin embargo, la película se perdió en el éter. Con el estreno, o
mejor dicho la reaparición de la película, el truco se completa. Y, a
pesar de los años pasados –lo podrán comprobar los espectado-
res–, la magia sigue intacta. Marcelo Alderete
Argentina / Holanda - Argentina / Netherlands, 1993
106’ / DCP / B&N / Español - Spanish
D, G: Alejandro Agresti F: Néstor Sanz E: Stefan Kamp
DA: John Bramble, Wilbert Van Dorp S: Kees de Groot
M: Toshio Nakagawa P: Annemiek van Gorp, Christoph Meyer-Wiel,
Kees Kasander CP: Allarts, Black Forest Films
I: Carlos Roffé, Sergio Poves Campos, Lorenzo Quinteros,
Mirta Busnelli, Nathalie Alonso Casale
Contacto / Contact
HC Films. Hernán Guerschuny T +54 11 4775 9072
E hernang@haciendocine.com.ar W haciendocine.com.ar
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
clásicos restaurados
When Alejandro Agresti made The Act in Question, he had already
directed several films –some in Argentina, some in the Nether-
lands– and his filmography surpassed in quality and extension
the ones of his contemporaries (and not just the local ones). But
nothing could have foreseen the imaginary biography of magician
Quiroga (played by an unforgettable Carlos Roffé, one of the fin-
est and most secret Argentine actors) and its surprising mix of
universes, fresh out of cinema and literature. In the extraordinary
rise and fall story of this Fu Manchú from Barracas, the work of
Borges, Bioy Casares, Gardel, Spinetta and Cortázar meets with
Orson Welles and Raoul Ruiz, as well as a thousand influences
combined in the most original ways, in order to create a film that
is both virtuous and moving. The Act in Question should be our
Citizen Kane: a parable about creation and a hilarious sample of
many of the Argentine people’s issues. However, the film was lost
in the ether. The premiere, or better said, the reappearance of this
film completes the trick. And spectators will have the chance to
prove that, despite the years, the magic remains intact. MA
Alejandro Agresti
Nacido en Buenos Aires en 1961, entre sus películas se encuentran El
amor es una mujer gorda (1987), Buenos Aires viceversa (1996; Cóndor
de Plata al Mejor Director), El viento se llevó lo qué (1998; Concha de Oro
en San Sebastián), Una noche con Sabrina Love (2000), Valentín (2002;
Cóndor de Plata al Mejor Guion) y La casa del lago (2006). | Born in Buenos
Aires in 1961, some of his films are El amor es una mujer gorda (1987),
Buenos Aires viceversa (1996; Silver Condor for Best Director), El viento se
llevó lo qué (1998; Golden Shell in San Sebastián), Una noche con Sabrina
Love (2000), Valentín (2002; Silver Condor for Best Script) and The Lake
House (2006).
297
 restored classics
Alambrado
En la desolación ventosa de Tierra del Fuego, frente al mar, vive
Harvey Logan con sus dos hijos. El trío no es justamente idílico:
Logan es violento; Eva es una adolescente inquieta y sensual que
sueña con irse a París; su enfermizamente introvertido hermano
Juan está enamorado de ella. Entran en escena un empresario
inglés y un ingeniero argentino que quieren comprar las tierras;
Logan se opone y decide construir el kilométrico alambrado del
título, una idea que lo arrastrará a la tragedia. Bechis orquesta
esta amarga, desesperada historia de obstinación y soledad con
una madurez y contención sorprendentes para una ópera prima.
Y se revela como un notable narrador con imágenes (sobrias y
esenciales, sarcásticas y poéticas) en un film de pocas palabras
como los habitantes de la Patagonia. Melville –lo aprendimos de
Bruce Chatwin– usaba el adjetivo “patagónico” para definir cual-
quier cosa extraña, monstruosa y al mismo tiempo fascinante. Un
adjetivo perfecto para Alambrado, que marca sin lugar a dudas el
debut de un verdadero director. Irene Bignardi
Italia / Argentina - Italy / Argentina, 1991
100’ / DM / Color / Español - Spanish, Inglés - English
D: Marco Bechis G: Marco Bechis, Lara Fremder F: Pucho Courtalon
E: Nino Baragli, Pablo Mari DA: Jorge Sarudianski S: Tullio Morganti
M: Jacques Lederlin P: Roberto Cicutto, Vincenzo De Leo, Oscar Kramer
PE: Diana Frey CP: Aura Film, Raitre, Oscar Kramer I: Jacqueline Lustig,
Arturo Maly, Martin Kalwill, Enrique Ahriman, Matthew Marsh
Contacto / Contact
Karta Film. Maurilio Mangano / Marco Bechis T +995 595 049 777
E maurilio.mangano@gmail.com - marco.bechis@gmail.com
W marcobechis.com
298 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Harvey Logan and his two children live in the windy desolation of
Tierra del Fuego, by the ocean. It’s not exactly an idyllic trio: Logan
is violent; Eva is a restless and sensual teenager who dreams
about going to Paris; his pathologically introverted brother Juan is
in love with her. A British businessman and an Argentine engineer
who want to buy the land enter into the scene. Logan refuses
and decides to build the several kilometers-long wire fence of
the title –an idea that will lead him to a tragedy. Bechis orches-
trates this bitter, desperate story of stubbornness and solitude
with surprising maturity and containment for an opera prima. And
he reveals himself as a remarkable visual narrator –with sober,
essential, sarcastic and poetic images– in a film with as many
words as inhabitants there are in Patagonia. Melville –we learned
this from Bruce Chatwin– used the adjective “Patagonian” to de-
fine anything that is strange, monstrous, and also fascinating. It’s
a perfect adjective for Alambrado, which undoubtedly marks the
debut of a true filmmaker. IB
Marco Bechis
Nació en Santiago de Chile en 1955, y vivió en Buenos Aires, Brasil, Estados
Unidos y Europa. Estudió cine en Milán, Italia. Dirigió el mediometraje Luca’s
Film (1997) y los largos Garage Olimpo (1999; Cóndor de Plata al Mejor
Director), Figli/Hijos (2001), Birdwatchers (La terra degli uomini rossi) (2008)
e Il sorriso del capo (2011, Bafici ‘12). | He was born in Santiago de Chile in
1955, and lived in Buenos Aires, Brazil, USA and Europe. He studied Film in
Milan, Italy. He directed the medium length film Luca’s Film (1997) and the
full length films Garage Olimpo (1999; Silver Condor for Best Director), Figli/
Hijos (2001), BirdWatchers (La terra degli uomini rossi) (2008), and Il sorriso
del capo (2011, Bafici ‘12).

AMALIA
Amalia fue la primera novela argentina: escrita en 1851 por José
Mármol desde su exilio montevideano, apareció por entregas
en el periódico La Semana y fue un gran alegato en contra de
Rosas, por entonces gobernador de Buenos Aires. En 1914, el
exitoso dramaturgo Enrique García Velloso decidió adaptar la obra
y llevarla al cine, y este fue posiblemente el primer largometraje
argentino. Curiosamente, o no, el film desdibuja un poco la figura
dictatorial y salvaje de Rosas que había construido Mármol por
una mucho más humana, católica y conservadora. El Museo del
Cine Pablo Ducrós Hicken posee la única copia existente de esta
película, en 35mm, en nitrato y virada a diversos colores. Algu-
nos rollos se encuentran en muy buen estado, y otros presentan
distintos grados de deterioro físico. A su vez, existe un negativo
16mm en blanco y negro que está en manos de la Fundación
Cinemateca Argentina. A partir de ambos, se realizó una copia
en HD a la que se le corrigieron los colores de acuerdo con la
versión original. Se proyecta con música en vivo de Adrián Iaies
Trío. Andrés Levinson
Argentina, 1914
70’ / DM / B&N
D, G: Enrique García Velloso G: Enrique García Velloso F: Eugenio Py
P: Max Glücksmann I: Susana Larreta y Quintana, Luis García Lawson,
Jorge Quintana, Lucía de Bruyn, José Miguens
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
clásicos restaurados
Amalia was the first Argentine novel. Written in 1851 by José Már-
mol during his exile in Montevideo, it was published in chapters on
the newspaper La Semana, and stood as a big statement against
Rosas, who was then governor of Buenos Aires. In 1914, success-
ful playwright Enrique García Velloso decided to adapt the play into
cinema, and this was probably the first Argentine feature-length
film. Curiously or not, the film slightly blurs the dictatorial and
savage figure of Rosas written by Mármol, and makes him to be
much more human, catholic, and conservative. The Pablo Ducrós
Hicken Film Museum holds the only existing print of this film in
35mm nitrate veered into several colors. Some of the rolls are
in very good shape and others have different degrees of physical
deterioration. Also, there’s a black and white 16mm negative print
in the hands of the Cinemateca Argentina Foundation. The two
prints were used to make an HD copy, with its colors corrected ac-
cording to the original version. It will be screened with live music
by Adrián Iaies Trio. AL
Contacto / Contact
Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken
T +54 11 4303 2882 +54 11 4303 2883
E museodelcine@buenosaires.gob.ar
W museodelcine.buenosaires.gob.ar
299
 restored classics
El ansia
The Hunger
El ansia es un film seguro y ambicioso a la vez, que extrae sutileza
y tensión a fuego lento de una trama vergonzosamente ridícula
sobre una zorra vampírica que vive desde la época del Antiguo
Egipto en la elegante forma de Catherine Deneuve, mientras su
amante David Bowie se cuelga de sus faldas a través de los si-
glos. También es una película de vampiros que bien podría ser
un estudio de la lujuria, el amor y los residuos que dejan en el
cuerpo. A Scott se lo puede acusar de subir la temperatura casi
explotadoramente en la famosa escena lésbica entre Deneuve y
Sarandon, pero, al igual que en el resto del film, hasta las partes
jugosas están manejadas con la clase de autocontrol que podría
haber sido la marca registrada del director si El ansia hubiera
sido un gran éxito. Por desgracia, era demasiado rara, demasiado
oscura y tenía un final demasiado desconcertante como para que
eso ocurriera. Pero también es una de las mejores películas de
vampiros jamás filmadas; una fábula que hace equilibrio entre
un cuento de hadas y un baño de sangre, a veces (y de forma
magistral) mezclando ambos. Oliver Lyttelton
Estados Unidos - US, 1983 / 97’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Tony Scott G: Ivan Davies, Michael Thomas F: Stephen Goldblatt
E: Pamela Power DA: Brian Morris S: Peter Pennell
M: Denny Jaeger, Michel Rubini P: Richard Shepherd
CP: MGM, Peerford I: Catherine Deneuve, David Bowie, Susan Sarandon,
Cliff De Young, Beth Ehlers
Contacto / Contact
Hollywood Classics. Julia Kelly T +44 20 7517 7530
E julia@hollywoodclassics.com W hollywoodclassics.com
300 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The Hunger is a film both assured and ambitious, wringing sub-
tlety and slow-boiling tension out of a shamelessly ridiculous plot
involving a vampiric vixen that has persisted since Ancient Egyp-
tian times in the graceful form of Catherine Deneuve, with lover
David Bowie riding her coattails through the centuries. It’s also a
vampire film that could just as easily be a study of lust, love, and
the waste that either lays on the body. Scott may be accused of
almost exploitatively turning up the heat in the infamous lesbian
scene between Deneuve and Sarandon, but like the rest of the
film, even the juicy bits are handled with the kind of restraint that
may have been the director’s trademark had The Hunger been a
runaway hit. Alas, it was too strange, too dark and burdened with
a vexing finale for that to happen. But, it is also one of the best
vampire films ever made, a fable that toes the line between a fairy
tale and a blood bath, occasionally (and expertly) mixing both. OL
Tony Scott
Nació en el norte de Inglaterra en 1944. Durante 20 años dirigió una canti-
dad enorme de anuncios de televisión para la compañía de su hermano
Ridley y, recién en 1983, realizó su primer largometraje. A partir de ahí, diri-
gió clásicos como Top Gun (1986), Días de trueno (1990), El último boy scout
(1991) y Enemigo público (1998), entre muchos otros. Murió en Los Ángeles
en 2012. | He was born in northern England in 1944. He spent 20 years
directing an enormous amount of TV ads for his brother Ridley’s company,
and made his first feature in 1983. Later, he directed such classics as Top
Gun (1986), Days of Thunder (1990), The Last Boy Scout (1991), and Enemy
of the State (1998), among many others. He died in Los Angeles in 2012.

El color de la granada
Sayat Nova
The Color of Pomegranates
“Mirar El color de la granada, o Sayat Nova, de Sergei Parajanov,
es como abrir una puerta y entrar a otra dimensión en la que el
tiempo se ha detenido y la belleza ha sido liberada. En un nivel
muy básico, es una biografía del poeta armenio Sayat Nova, pero,
ante todo, es una experiencia cinemática de la que se sale re-
cordando imágenes, movimientos expresivos repetidos, vestidos,
objetos, composiciones, colores”. (Martin Scorsese)
La minuciosa restauración de la versión original armenia de Sayat
Nova –un Santo Grial del cine– llevada a cabo por The Film Foun-
dation representa “lo más cercano que tenemos a la excéntrica,
a veces obscena, pero siempre profunda visión del film que tenía
Parajanov”, de acuerdo con el experto James Steffen. Rebosante
de tantas granadas como para teñir los cielos, Sayat Nova es una
impresionante fusión de lo medieval y lo moderno, de lo pagano
y las influencias cristianas; una película que habita la improbable
frontera entre el cine mudo soviético y el arte estrambótico de
figuras como Jack Smith y James Lee Byars. James Quandt
Armenia, 1969 / 77’ / DCP / Color / Armenio - Armenian
D, G: Sergei Parajanov F: Suren Shajbazian E: Marija Ponomarenko
DA: Stepan Andranikian, Mijail Arakelian S: Yuri Sayadian
M: Tigran Mansurian P: Aleksandr Melik-Sarkisian
CP: Armenfilm Studios I: Sofiko Chiaureli, Melkon Alekian, Vilen Galustian,
Georgi Gegechkori, Hovhannes (Onik)
Contacto / Contact
The Film Foundation / World Cinema Project
Kristen Merola / Cecilia Cenciarelli
E kmerola@film-foundation.org - cecilia.cenciarelli@cineteca.bologna.it
W film-foundation.org
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
clásicos restaurados
“Watching Sergei Parajanov’s The Color of Pomegranates, or
Sayat Nova, is like opening a door and walking into another dimen-
sion, where time has stopped and beauty has been unleashed.
On a very basic level, it’s a biography of the Armenian poet Sayat
Nova, but before all else it’s a cinematic experience, and you come
away remembering images, repeated expressive movements, cos-
tumes, objects, compositions, colors.” (Martin Scorsese)
The Film Foundation’s painstaking restoration of the original
Armenian version of Sayat Nova –a cinematic Holy Grail– rep-
resents “the closest thing we have to Parajanov’s eccentric, at
times bawdy, yet profound vision for the film,” according to scholar
James Steffen. Bursting with enough pomegranates to stain the
heavens, Sayat Nova is a stunning conflation of the medieval and
modernist, of pagan and Christian influences, inhabiting the un-
likely frontier between Soviet silent cinema and the outré artistry
of such figures as Jack Smith and James Lee Byars. JQ
Sergei Parajanov
Hijo de padres armenios, nació en 1924 en Georgia, URSS. Estudió en el
Instituto Estatal de Cine de Moscú, y a partir de 1954 dirigió más de quince
títulos, como Los corceles de fuego (1965) y La leyenda de la fortaleza de
Suram (1985; premiado en el Festival de Rotterdam). Murió en 1990 a los
66 años. | The son of Armenians, he was born in Georgia, USSR, in 1924.
He studied at Moscow’s State Institute of Cinematography, and since he
began directing in 1954, he made more than fifteen titles, such as Shadows
of Forgotten Ancestors (1965) and The Legend of Suram Fortress (1985;
awarded at the Rotterdam Film Festival). He died in 1990, at 66.
301
 restored classics
La comezón del séptimo año
The Seven Year Itch
Esta es la divertida historia de cómo Tom Ewell quiere resistir la
tentación de Marylin Monroe, y de cómo lucha consigo mismo.
Está planteada en condiciones muy desfavorables para el galán,
por muy casado y decente que quiera ser. Está solo en su apar-
tamento neoyorquino, después de haber despachado a esposa
e hijo de vacaciones. Hace un calor infernal. Desde el piso de
arriba, Marilyn llega atrevidamente a refrescarse con el aire acon-
dicionado que no tiene en su propio apartamento. El abrazo fatal
se aproxima de un momento a otro, empujado por un Martini en
vaso grande, una botella de champagne, el segundo concierto
de Rachmaninoff. Billy Wilder agregó algunas ideas brillantes a
la pieza teatral de Broadway, hecha cuando Marilyn todavía era
resistible. En algún diálogo acusa a Tom Ewell de estar soñando
“en CinemaScope y en sonido estereofónico”; en algunos esca-
pes imaginativos hay varias carcajadas, nacidas de que Wilder le
toma el pelo a una escena famosa (la playa en De aquí a la eter-
nidad) y en general a las convenciones del amor en la pantalla.
Homero Alsina Thevenet
Estados Unidos - US, 1955 / 105’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Billy Wilder G: Billy Wilder, George Axelrod F: Milton Krasner
E: Hugh S. Fowler DA: George W. Davis, Lyle Wheeler
S: Harry M. Leonard, E. Clayton Ward M: Alfred Newman P: Billy Wilder,
Charles K. Feldman CP: Chas K. Feldman Group Productions,
Twentieth Century Fox Film Corporation I: Marilyn Monroe, Tommy Ewell,
Evelyn Keyes, Sonny Tufts, Robert Strauss
Contacto / Contact
Hollywood Classics. Julia Kelly T +44 20 7517 7530
E julia@hollywoodclassics.com W hollywoodclassics.com
302 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
This is the fun story of how Tom Ewell tries to resist the tempta-
tion of Marilyn Monroe, and struggles with himself. It is set on
very unfavorable conditions for the male lead, even if he tries to
appear very decent and married. He’s alone in his New York apart-
ment after sending off his wife and son on vacations. It’s hotter
than hell. Marilyn baldly comes down from the upper floor to cool
down with the air conditioning she doesn’t have in her apartment.
The fatal embrace is about to happen, pushed by a large Martini,
a champagne bottle, and Rachmaninoff’s second concerto. Billy
Wilder added some brilliant ideas to the Broadway show, made
when Marilyn was still resistible. Somewhere along the dialogue,
she accuses Tom Ewell of dreaming “on CinemaScope and ste-
reophonic sound”, and the film features some imagination scenes
that prompt laughter, born out of the fact that Wilder mocks a
famous scene (the one on the beach from From Here to Eternity)
and every convention about on-screen love in general. HAT
Billy Wilder
Nació 1906 en Suche, en el entonces Imperio Austrohúngaro, y falleció
en 2002. Llegó a Hollywood en 1933 y dirigió, entre otras películas que le
valieron 21 nominaciones y seis premios Oscar, Días sin huella (1945), El
ocaso de una vida (1950), Sabrina (1954), Una Eva y dos Adanes (1959) y
Piso de soltero (1960). Fedora (1978) fue exhibida en una versión restaura-
da en el Bafici ‘14. | He was born in 1906 in the former Austro-Hungarian
Empire, and died in 2002. He arrived in Hollywood in 1933 and directed,
among other films for which he was nominated 21 times and won six Acad-
emy Awards, The Lost Weekend (1945), Sunset Boulevard (1950), Sabrina
(1954), Some Like It Hot (1959), and The Apartment (1960). Fedora (1978)
was screened in a restored version at Bafici ‘14.

La dama de Shangai
The Lady from Shanghai
Se ha dicho de todo sobre ella, desde que era un desastre absolu-
to hasta “la más extraña gran película jamás hecha”. Como había
ocurrido antes con Soberbia, este brillante thriller de Welles fue ob-
jeto de cortes draconianos por parte del estudio (que rebanó una
hora entera del film terminado). Pero lo que queda de La dama de
Shangai es bastante extraordinario. Filmado cuando el director se
estaba separando de su estrella, la hermosísima Rita Hayworth, este
es menos un film noir que un caso de divorcio a gran escala, em-
papado de ironía, autodesprecio, amor, odio, fascinación, reproches,
desconfianza y deseo sexual. Es la historia de un jornalero escocés
–actuado por Welles con tanto acento como panza– y su relación
con una atribulada belleza de la alta sociedad luego de que él con-
sigue trabajo en su yate. La trama es un lío magnífico de zigzags y
revelaciones, coronado con una de las secuencias más estrafala-
riamente creativas de todo el cine: un tiroteo en el salón de espejos
de un parque de atracciones. Puede que el resultado no tenga la
perfección cristalina de El ciudadano, pero ese es un defecto que
comparte con todos los otros films de la historia. Tom Huddleston
Estados Unidos - US, 1947 / 87’ / DCP / B&N
Inglés - English, Cantonés - Cantonese
D, G, P: Orson Welles F: Charles Lawton Jr. E: Viola Lawrence
DA: Sturges Carne, Stephen Goosson S: Lodge Cunningham
M: Heinz Roemheld CP: Columbia Pictures I: Rita Hayworth,
Orson Welles, Everett Sloane, Glenn Anders, Ted de Corsia
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[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
clásicos restaurados
It’s been called everything from an outright disaster to ‘the weird-
est great movie ever made’. Like The Magnificent Ambersons
before it, Welles’ glittering thriller was subject to swingeing studio
cuts (up to an hour was sliced from the finished picture). But what
remains of The Lady from Shanghai is remarkable enough. Made
as the director was in the process of breaking up with his star,
the breathtaking Rita Hayworth, this is less a film noir and more a
divorce case writ large, steeped in irony, self-loathing, love, hate,
fascination, recrimination, mistrust and sexual longing. It’s the
story of an Irish roustabout –played with wandering accent and
waistline by Welles– and his relationship with a troubled society
beauty after he takes a job on her yacht. The plot is a magnifi-
cent mess of switchbacks and revelations, climaxing with one of
cinema’s most outrageously inventive sequences: a shootout in
a funfair hall of mirrors. The result may not have the crystalline
perfection of Citizen Kane, but that’s a flaw it shares with every
other film in history. TH
Orson Welles
Director, productor, guionista y actor nacido en Kenosha, EE. UU., en 1915.
A los 16 años comenzó su carrera teatral en el Gate Theatre de Dublín, y
en 1941 debutó como director de cine con su obra maestra El ciudadano.
Dirigió las versiones cinematográficas de Macbeth (1945) y Otelo (1952),
y también desarrolló una importante carrera actoral. Murió en Los Ángeles
en 1985. | Director, producer, screewriter and actor born in Kenosha, US, in
1915. At 16, he started his acting career at Dublin’s Gate Theatre, and made
his debut as a film director in 1941 with his masterpiece Citizen Kane. He
directed the film versions of Macbeth (1945) and Othello (1952) and also
developed an important career as an actor. He died in Los Angeles in 1985.
303
 restored classics
Hechizo del tiempo
Groundhog Day
El meteorólogo televisivo Phil Connors viaja a Punxsutawney para
una festividad, el Día de la Marmota (2/2), una fiesta tradicional de
Estados Unidos y Canadá en la que se toma como meteorólogo a
este animal que, según el folklore, puede determinar si el invierno
que queda por delante será suave o riguroso. Ese día termina, y
Phil Connors se va a dormir; al otro día, vuelve a vivir el mismo
2 de febrero con la memoria de haberlo vivido, mientras que el
resto del mundo lo vive por primera vez. Si este argumento les
resulta novedoso es porque todavía no vieron esta obra maestra.
Si ya lo conocen, saben que esta comedia –tal vez borgeana– con
guion de Danny Rubin, dirección de Harold Ramis y el protagónico
de Bill Murray es una conjunción de lo mejor de cada uno de los
involucrados. Hechizo del tiempo quizás plantee –con una pirueta
fantástica que jamás se explica, con tono y forma realistas y con
sabias decisiones de puesta en escena– una forma de entender el
sueño americano, una en la que el héroe, como en el western, tie-
ne que lograr ser mejor porque parte de la falla. Javier Porta Fouz
Estados Unidos - US, 1993 / 101’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Harold Ramis G: Danny Rubin, Harold Ramis F: John Bailey
E: Pembroke J. Herring DA: David Nichols S: George H. Anderson
M: George Fenton P: Harold Ramis, Trevor Albert PE: C.O. Erickson
CP: Columbia Pictures I: Bill Murray, Andie MacDowell, Chris Elliott,
Stephen Tobolowsky, Brian Doyle-Murray
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304 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
TV meteorologist Phil Connors travels to Punxsutawney for a fes-
tivity, Groundhog Day (2/2), a traditional celebration in the US and
Canada in which this animal acts as meteorologist, because ac-
cording to folklore, it is able to determine if the winter to come will
be soft or harsh. That day comes to an end, and Phil Connors goes
to sleep; the next day, he relives the same February 2 nd with the
memory of having lived it, while the rest of the world lives it for the
first time. If this plot sounds new to you, it means you haven’t seen
this masterpiece yet. If you do know it, you will also know that
this –maybe Borgean– comedy written by Danny Rubin, directed
by Harold Ramis and starring Bill Murray may perhaps formulate
–with a fantastical twist that is never explained, with realistic tone
and form and with some wise mise en scene decisions– a way of
understanding the American dream, one in which the hero, as it
happens in westerns, has to succeed in becoming better because
they come from fault. JPF
Harold Ramis
Nació en Chicago, Estados Unidos, en 1944, y murió en esa misma ciudad
en febrero de 2014. Dirigió las películas Los locos del golf (1980), Vacacio-
nes (1983), Analízame (1999) y Al diablo con el diablo (2000), entre otras,
y fue intérprete de comedias clásicas como Los cazafantasmas (1984),
¿Quién llamó a la cigüeña? (1987) y Ligeramente embarazada (2007). | He
was born in Chicago, USA, in 1944, and died in that same city in February,
2014. He directed, among others, the films Caddyshack (1980), Vacation
(1983), Analyze This (1999), and Bedazzled (2000), and was an actor in
such classic comedies as Ghostbusters (1984), Baby Boom (1987), and
Knocked Up (2007).

The Memory of Justice
La memoria de la justicia
Como en su previa Le Chagrin et la pitié, que examinaba el com-
portamiento de los franceses durante la ocupación nazi, en The
Memory of Justice, Marcel Ophuls expande las posibilidades del
cine documental de tal manera que todos los films futuros de ese
tipo serán comparados con este. Es monumental, pero no solo
porque dura cuatro horas y 38 minutos. También porque señala,
explora, destaca y considera con calma, sin simplificaciones, una
de las cuestiones centrales de nuestro tiempo: la responsabilidad
colectiva frente a la individual. El punto de partida es una evoca-
ción de los Juicios de Nuremberg de 1946-47, mediante noti-
ciarios y entrevistas, que conduce a la evaluación de las tácticas
de Francia en su lucha por conservar Argelia y a la intervención
americana en Vietnam. Quizá porque el mismo Ophuls fue un
exiliado de la Alemania nazi, el hijo de un exiliado (Max Ophuls)
y está casado con una alemana que (en el transcurso de este
film) recuerda su pertenencia a las Juventudes Hitlerianas, The
Memory of Justice parece una obra especialmente personal y
urgente. Vincent Canby
Reino Unido / Alemania / Estados Unidos / Francia -
UK / Germany / US / France, 1975 / 278’ / DCP / Color - B&N
Inglés - English, Alemán - German, Francés - French
D, G: Marcel Ophuls F: Michael Davis E: Inge Behrens
P: Hamilton Fish, Ana Carrigan, Max Palevsky
CP: Stuveysant Films, Polytel International Film
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The Film Foundation. Kristen Merola
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E kmerola@film-foundation.org W film-foundation.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
clásicos restaurados
Like his earlier The Sorrow and the Pity, which examined the be-
havior of the French during the Nazi occupation, Marcel Ophuls’
The Memory of Justice expands the possibilities of the documen-
tary motion picture in such a way that all future films of this sort
will be compared to it. It is monumental, though not only because
it goes on for four hours and 38 minutes. It also marks off, ex-
plores, calls attention to, and considers, tranquilly, without making
easy judgments, one of the central issues of our time: collective
versus individual responsibility. The starting point is an evocation
of the 1946-47 Nuremberg war crimes trials, through newsreels
and interviews that lead to a consideration of French tactics in the
fight to keep Algeria and America in action in Vietnam. Perhaps
because Ophuls himself was an exile from Nazi Germany, the son
of an exile (Max Ophuls), and is married to a German woman who
(in the course of this film) recalls her membership in the Hitler
Youth, The Memory of Justice seems an especially personal, ur-
gent work. VC
Marcel Ophuls
Hijo del director Max Ophuls y de la actriz Hilde Wall, nació en 1927 en
Frankfurt, Alemania. Comenzó trabajando como ayudante de dirección en
Moulin Rouge (John Huston, 1953) y en Lola Montes (Max Ophuls, 1955).
Entre sus títulos se encuentran Banana Peel (1963), Munich or Peace in
Our Time (1967), A Sense of Loss (1972) y Días de noviembre (1992). | The
son of director Max Ophuls and actress Hilde Wall, he was born in Frankfurt,
Germany, in 1927. He started working as assistant director in Moulin Rouge
(John Huston, 1953) and Lola Montes (Max Ophuls, 1955). His titles include
Banana Peel (1963), Munich or Peace in Our Time (1967), A Sense of Loss
(1972), and November Days (1992).
305
 restored classics
Pacto de amor
Dead Ringers
Discurso inaugural de la que se ha convertido –despegando des-
de el baño de neurosis de la exploitation setentista– en una de
las miradas más originales y desconcertantes del cine mundial,
esta obra maestra de Cronenberg ha alcanzado con los años algo
así como una sacralidad subterránea. Intenten nombrar un film
que tome tantos riesgos, siga su increíble decurso con mano tan
firme y tenga tanto para decir acerca de los hermanos o la tran-
sitoriedad de los cuerpos. Derivada de la historia real de un dúo
de gemelos ginecólogos que se suicidaron juntos, pero marinada
en la singular fisio-angustia de Cronenberg, Pacto de amor sigue
a Jeremy Irons en la piel de dos doctores al frente de un con-
sultorio de vanguardia, cuya retorcida simbiosis es infiltrada por
una tercera en discordia (Geneviève Bujold, como una drogadicta
sensible que tiene la audacia de gustar de uno de los hermanos
idénticos, pero no del otro), y caen en una espiral pesadillesca a
través de un mundo de demencia, zombificación farmacéutica y
espanto corporal. Michael Atkinson
Canadá / Estados Unidos - Canada / US, 1988
116’ / DCP / Color / Inglés - English
D: David Cronenberg G: David Cronenberg, Norman Snider
F: Peter Suschitzky E: Ronald Sanders DA: Carol Spier
S: Bryan Day M: Howard Shore P: David Cronenberg, Marc Boyman
PE: Carol Baum, Sylvio Tabet CP: Mantle Clinic II I: Jeremy Irons,
Geneviève Bujold, Heidi von Palleske, Barbara Gordon, Shirley Douglas
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306 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The keynote address in what has become –rising out of the neu-
rotic bath of 1970s exploitation films– one of the world’s cinema
most original and discomfiting visions, this masterwork from
Cronenberg has aged into a kind of subterranean sacredness.
Name another film that takes as many risks, runs its astonish-
ing course with such a steady hand, and has as much to say
about brotherhood and corporeal transience. Derived from a true
story about a pair of gynecologist twins who committed suicide
together, but marinated in Cronenberg’s unique physio-anxiety,
Dead Ringers tracks Jeremy Irons as two dislocated doctors with
an Avant Garde practice whose warped symbiosis becomes infil-
trated by a third party (Geneviève Bujold, as a sensible-minded
hophead who has the audacity to like one of the identicals and
not the other), and who begin spiraling into a crazed dream world
of dementia, pharmaceutical zombiehood, and body panic. MA
David Cronenberg
Nació en Toronto, Canadá, en 1943, y estudió literatura en la universidad
local. Dirigió, entre muchas otras películas, Scanners (1981), La mosca
(1986, exhibida en Bafici ‘13), El almuerzo desnudo (1991), Crash (1996;
Premio Especial del Jurado en Cannes), eXistenZ (1999; Oso de Plata en
Berlín), Spider (2002; Bafici ‘03) y Cosmópolis (2012). | He was born in
Toronto, Canada, in 1943, and studied literature at the local university.
He directed, among many other films, Scanner (1981), The Fly (1986,
screened at Bafici ‘13), Naked Lunch (1991), Crash (1996; Special Jury
Prize at Cannes), eXistenZ (1999; Silver Bear at Berlin), Spider (2002; Bafici
‘03) and Cosmopolis (2012).

Rescate en el Barrio Chino
Big Trouble in Little China
En algún callejón del Barrio Chino de San Francisco está el ca-
mión de Jack Burton. Y el verborrágico, canchero, mayormente
insufrible Burton está decidido a recuperarlo cueste lo que cueste;
o, más bien, le cueste lo que le cueste a su (no tan) amigo y
experto artista marcial Wang. De paso se asegurará de que Wang
pague sus deudas de juego y, si sobra tiempo, podrá rescatar a un
par de damiselas en peligro –chicas de armas tomar, en realidad–
secuestradas por el milenario demonio oriental que gobierna las
catacumbas del barrio. Sí, la comedia de acción fantástica con la
que Carpenter se despidió del mainstream es tan ridículamente
divertida como parece: además de Kurt Russell cruzando a su
Snake Plissken con John Wayne, Indiana Jones y el Pato Lucas
para darle forma a ese “patiño que se cree el protagonista”, los
muchísimos placeres de Rescate en el Barrio Chino incluyen diá-
logos ametrallados con ritmo y gracia de screwball, los sintetiza-
dores autogestionados de Carpenter, efectos especiales demen-
ciales (¡el ojo flotante!) y, claro, tantas peleas como para sacudir
los pilares del Cielo. Agustín Masaedo
Estados Unidos - US, 1986 / 99’ / DCP / Color
Inglés - English, Cantonés - Cantonese
D: J. Carpenter G: G. Goldman, D. Z. Weinstein F: D. Cundey
E: S. Mirkovich, M. Warner, E. A. Warschilka DA: J. J. Lloyd S: R. Overton
M: J. Carpenter, A. Howarth P: L. J. Franco PE: K. Barish, P. Monash
CP: TAFT Entertainment Pictures, Twentieth Century Fox Film Corporation
I: K. Russell, K. Cattrall, D. Dun, J. Hong, V. Wong
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Hollywood Classics. Julia Kelly T +44 20 7517 7530
E julia@hollywoodclassics.com W hollywoodclassics.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
clásicos restaurados
In some alley in San Francisco’s Chinatown, Jack Burton’s truck is
parked. And the verbose, smart-ass, mainly insufferable Burton is
determined to get it back, whatever the cost; or, rather, whatever
it costs his (not quite) friend and expert martial artist Wang. While
he’s at it, he will make sure Wang pays his gambling debts and, if
there’s time, he can rescue a few damsels in distress -girls to be
reckoned with, actually- kidnapped by the millennial Asian demon
that rules the neighborhood´s catacombs. Yes, the fantasy-action
comedy with which John Carpenter said goodbye to mainstream
film is as ridiculously fun as it looks -apart from Kurt Russell
crossing his Snake Plissken with John Wayne, Indiana Jones and
Daffy Duck in order to give shape to that “sidekick who thinks he’s
the leading man,” the many many pleasures of Big Trouble in Little
China include lines of dialogue machine-gunned with the pace
and humor of a screwball comedy, Carpenter’s self-managed
synthesizers, demented special effects (the floating eye!), and, of
course, as many fights as to shake the pillars of Heaven. AM
John Carpenter
Nacido en 1948 en Carthage, EE. UU., dirigió 18 largometrajes, entre ellos,
Noche de brujas (1978), La niebla (1980), La cosa (1982), El príncipe de las
tinieblas (1987) y Atrapada (2010), además de dos episodios para la serie
Masters of Horror. Uno de ellos, Cigarette Burns, se exhibió en el Bafici ‘06,
mientras que Sobreviven fue exhibida en Bafici ‘13. | Born in Carthage, US, in
1948, he directed 18 features, including Halloween (1978), The Fog (1980),
The Thing (1982), Prince of Darkness (1987), and The Ward (2010), as well
as two episodes for the Masters of Horror series. One of them, Cigarette
Burns, was seen at Bafici ‘06, while They Live was screened at Bafici ‘13.
307
 restored classics
Terciopelo azul
Blue Velvet
Terciopelo azul fue el último terremoto real en azotar al cine. Aquí
hay mucho de lo que mejor hace el noir: el Jeffrey Beaumont de
Kyle MacLachlan salta las vallas de seguridad directo hacia una
vorágine furiosa de culpa y maldad de forma tan despreocupada
como cualquier protagonista del noir; y el Frank Booth de Dennis
Hopper es la encarnación justa y necesaria de una pesadilla que
había sido Steve Cochrane en Violencia (Arthur Ripley, 1946), el
policial más surrealista que jamás haya caminado sonámbulo
por la Ciudad Oscura. Pero quizá sea Dorothy Vallens, la femme
fatale de Isabella Rossellini, el mayor regalo a la posteridad de
Terciopelo azul. Hay algo agudamente porno-entomológico, algo
del implacable terror sin dios con que los insectos se aparean y
se devoran, y algo terroríficamente verdadero en el retrato de este
personaje actuado con valentía. Las monjas de la antigua escuela
de Rossellini en Roma hicieron una serie de misas especiales por
su redención tras el estreno de este film que, veinte años des-
pués, sigue siendo un hilarante fierrazo al rojo vivo en la cabeza.
Guy Maddin (1/3/2006)
Estados Unidos - US, 1986 / 120’ / DCP / Color
Inglés - English
D, G: David Lynch F: Frederick Elmes
E: Duwayne Dunham DA: Patricia Norris S: Alan Splet
M: Angelo Badalamenti PE: Richard Roth
CP: De Laurentiis Entertainment Group I: Isabella Rossellini,
Kyle MacLachlan, Dennis Hopper, Laura Dern, Hope Lange
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308 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The last real earthquake to hit cinema was Blue Velvet. There is
much of what noir does best in here: Kyle MacLachlan’s Jeffrey
Beaumont slips past the safety rails and hops right into a raging
maelstrom of guilt and evil as blithely as any noir protagonist ever
did; and Dennis Hopper’s Frank Booth is just the necessary incar-
nation of nightmare that Steve Cochrane was in Arthur Ripley’s
The Chase (1946), the most surrealism-propelled crime film ever
to sleepwalk out of the Dark City. But perhaps it is Isabella Ros-
sellini’s femme fatale Dorothy Vallens that is Blue Velvet’s greatest
gift to posterity. There is something sharply porno-entomological,
something of the implacable godless terror with which insects
mate and devour, and something terrifyingly true in the bearing
of this bravely performed character. Nuns at Rossellini’s old high
school in Rome held a series of special masses for her redemption
after the release of this film –still a hilarious, red-hot poker to the
brain after twenty years. GM (3/1/06)
David Lynch
Nacido en 1946 en Montana, EE. UU., filmó su primer corto, Six Men
Getting Sick, en 1966. Su filmografía como director está formada por más
de 40 títulos, entre ellos, El hombre elefante (1980), Carretera perdida
(1997), El camino de los sueños (2001) e Imperio (2006). Fue nominado
al Oscar como Mejor Director en tres ocasiones, y en 1990 ganó la Palma
de Oro en Cannes con Corazón salvaje. | Born in Montana, US, in 1946,
he shot his first short, Six Men Getting Sick, in 1966. His filmography as a
director spans more than 40 titles, including The Elephant Man (1980), Lost
Highway (1997), Mulholland Drive (2001) and Inland Empire (2006). He was
an Oscar nominee for Best Director in three occasions, and won the Palme
d’Or at Cannes in 1990 for Wild at Heart.

La tregua
The Truce
Siempre nos preguntan por qué elegimos inaugurar nuestro estudio
de restauración de cine con La tregua. Podríamos responder que por
el mero desafío técnico, o porque quisimos rendirle un merecido ho-
menaje a Sergio Renán, un artista fundamental. O por el gran trabajo
de Alterio y un incomparable elenco, o porque queremos acercar a
las nuevas generaciones a la historia de nuestro cine. O que fue
porque La tregua hizo historia con la primera nominación al Oscar
para una película nacional. Siendo nuestra Academia la responsable
de elegir el film que representará al país en el premio más pres-
tigioso del cine mundial, parece lo correcto. O mejor les decimos
que la elegimos por unanimidad porque la consideramos una de las
mejores películas que nos ha dado el cine. Tan simple. Tan cierto.
La profundidad emocional de ese hombre muerto en vida, gris,
rutinario, taciturno. La honestidad con que se muestra, por primera
vez en el cine nacional, la homosexualidad de un hombre y las con-
secuencias que su verdad genera. El espejo de una sociedad en
una época convulsionada. Y esa bendita tregua que trae el amor.
La pregunta no es: “¿Por qué elegimos La tregua?” La pregunta
es: ¿Por qué no habríamos de elegirla? Comisión Directiva de la
Academia de Cine de Argentina
Argentina, 1974 / 108’ / DCP / Color
Español - Spanish
D: S. Renán G: A. Bortnik, S. Renán F: J. C. Desanzo E: O. Souto,
J. C. Macías DA: R. Zemborain, T. Tamames S: A. Libenson M: J. Plaza
P: R. Aure, T. Tamames, R. Zemborain PE: B. Zupnik
I: H. Alterio, L. Brandoni, A. M. Picchio, M. Ross, O. Martínez
Contacto / Contact
Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas. Verónica Calvo
T +54 9 11 6236 9526 E info@academiadecine.org.ar
W academiadecine.org.ar - distribution-company.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
clásicos restaurados
El negativo de La tregua estaba perdido. Fue encontrado en 2004 por Georgina
Tosi y conservado desde entonces por la Filmoteca Buenos Aires.
The Truce’s negative was lost. Found in 2004 by Georgina Tosi, it was preserved
since then by Filmoteca Buenos Aires.
People always ask us why we chose to inaugurate our film resto-
ration studio with The Truce. We could answer that it was simply
because of the technical challenge, or because we wanted to pay
a well-deserved tribute to Sergio Renán, a fundamental artist. Or
because of the great performance of Alterio and an incomparable
cast. Or because we wanted to bring younger generations closer
to the history of our cinema. Or because The Truce made history
with the country’s first Oscar nomination. Since our Academy is
the one responsible for picking up the film that will represent the
country in the world’s most prestigious film award, it would seem
right. Or better yet, we could say we chose it unanimously be-
cause we believe it’s one of the finest films our cinema has given
us. As simple as that. And as truthful. The honesty with which the
film depicts –for the very first time in our country’s cinema– a
man’s homosexuality and the consequences of his truth. The mir-
ror of a society in a troubled time. And that blessed truce that love
brings. The question is not: “Why did we choose The Truce?” The
question is: “Why wouldn’t we choose it?” Board of Directors of
the Argentine Film Academy
Sergio Renán
Nació en Buenos Aires en 1933. Actor, director y regisseur de ópera, se
desempeñó como Director General y Artístico del Teatro Colón de Buenos Aires,
embajador, Director General de Asuntos Culturales de la Cancillería y director
del Fondo Nacional de las Artes. Sus otros films son Crecer de golpe, Gracias
por el fuego, Tacos altos, El sueño de los héroes y Tres de corazones. | He was
born in Buenos Aires in 1933. Actor, director and opera regisseur, he was the
General and Artistic Director of Buenos Aires’ Colón Theater, an ambassador,
General Director of Cultural Matters of the Foreign Office and director of the
National Fund for the Arts. His other films are Crecer de golpe, Gracias por el
fuego, Tacos altos, El sueño de los héroes and Tres de corazones.
309
 restored classics

Francia - France, 1968
6’ / 35mm / B&N
Francés - French
D: Philippe Garrel F: Philippe Garrel, Serge Bard,
Patrick Deval DA, P: Jean-Luc Godard CP: Anouchka
Contacto / Contact
La Cinématheque Française - Musée du Cinéma
Claudine Kaufmann
T +33 1 7119 3200 E c.kaufmann@hotmail.fr
W cinematheque.fr TW @cinemathequefr
Actua 1
Hace casi 47 años, Garrel filmó un corto de seis minutos en el corazón de los acontecimien-
tos del Mayo Francés, compuesto por tomas suyas en 35mm y otras en 16mm registradas
por los estudiantes de cine que participaban en las revueltas. Habría solo una proyección de
Actua 1, a fines de ese mismo mayo, antes de que Garrel declarara a la película oficialmente
perdida. El año pasado, milagrosamente, aparecieron los negativos. Cuentan que, cuando la
Cinemateca Francesa lo invitó a comprobar el estado de la copia, Garrel (que había recreado
de memoria algunos de los planos desaparecidos en su fundamental Los amantes regu-
lares) se conmovió tanto que pidió si por favor podían mostrarle el corto una segunda vez.
Nearly 47 years ago, Garrel made a six-minute short film during the peak of the May 1968
events in France, composed of his own 35mm takes and 16mm footage taken by the film
students who participated in the revolts. One single screening of Actua 1 took place in late
May before Garrel declared the film was officially lost. Last year, the negatives miraculously
surfaced. They say that when the French Cinematheque invited him up to check the state
of the print, Garrel (who had recreated by memory some of the missing shots in Regular
Lovers) was so moved that he asked if they could please show him the short film again.
Philippe Garrel
Nació en París, Francia, en 1948. Cuando tenía solo 15 años realizó su primer cortometraje, Les
Enfants désaccordés. A partir de ahí dirigió más de treinta títulos, entre ellos, La Concentration (1968),
Los amantes regulares (2005), La Frontière de l’aube (2008; Bafici ‘09) y La Jalousie (2013; Compe-
tencia Oficial en Venecia 2013). | He was born in Paris, France, in 1948. When he was only fifteen,
he made his first short, Les Enfants désaccordés. Later, he directed more than thirty titles including
Concentration (1968), Regular Lovers (2005), La Frontière de l’aube (2008; Bafici ‘09), and La Jalo-
usie (2013; Official Competition at Venice 2013).

310 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

retrospectivas y focos
retrospectives & focus
isabelle huppert
 retrospectivas y focos | retrospectives & focus
isabelle huppert
Isabelle Huppert es una de las más grandes actrices de su
generación –si no la más grande–. Primero y principal, es
valiente; es una actriz que nunca tuvo miedo de interpre-
tar los papeles más desafiantes, roles que van de la santi-
dad a lo monstruoso. Huppert desafía y empuja los límites
como ningún otro actor en el escenario o la pantalla. Todos
los grandes actores son capaces de expresar intensidades
emocionales, momentos dramáticos o matices sutiles, pero
no todos están listos para correr los riesgos que conlleva
desafiar las costumbres sociales, morales y sexuales. (…)
Evidentemente, y ella lo ha dicho, actuar es una experiencia
transformadora durante la cual ella aprende sobre sí misma
y sobre la naturaleza humana. “Ser actriz es básicamente
lo opuesto al altruismo, es un negocio entre un yo y otro yo,
al punto de sentir asco por uno mismo, diría”. Huppert dice
que le atraen particularmente las experiencias que esconden
más de lo que revelan. “El cine es la metáfora de eso: la panta-
lla revela y esconde”. Y sin embargo, al mismo tiempo, Isabelle
Huppert parece no estar escondiendo absolutamente nada.
Barbara Creed
Institut Français y el Cine
Como agente de la diplomacia cultural francesa, operado por el Ministerio de
Relaciones Exteriores y Desarrollo Internacional, el Institut Français es hoy una mar-
ca única en Francia y otros 96 países. Fuera de Francia, promueve artistas, ideas,
obras e industrias, a la vez que facilita los intercambios artísticos y diálogos cultura-
les. El Institut Français tiene un rol especialmente activo en la promoción y distribu-
ción cultural de películas francesas en el extranjero, a través de una red de Instituts
Françaises y Alliances Françaises y más de 300 asociados en todo el mundo. Sus
programas contribuyen a la distribución no comercial de films franceses recientes
y a la presentación de sus figuras centrales y las nuevas generaciones, tanto como
a la promoción de clásicos y a la divulgación más amplia del conocimiento sobre
cine. El Institut Français también participa en la promoción del cine mundial con la
Fabrique des Cinémas du Monde durante el Festival de Cannes, la Cinémathèque
Afrique y el régimen de ayudas Aide aux Cinémas du Monde, gestionado en conjunto
con el Centre National du Cinéma et de l’Image Animée (CNC).
314 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Isabelle Huppert is one of the greatest actors of her genera-
tion —if not the greatest. First and foremost, she is fear-
less; she is an actor who has never been afraid to play the
most challenging roles, to play characters who range from
the saintly to the monstrous. Huppert challenges and pushes
boundaries like no other actor of stage and screen. All great
actors are capable of expressing emotional intensities, dra-
matic moments and subtle nuances, but not all are prepared
to run the risks associated with challenging social, moral
and sexual mores. (…) Clearly, and she has said this, act-
ing is a transformative experience in which she learns more
about herself and human nature. “Being an actor is quite the
opposite of altruism, it’s a business between self and self,
all the way –to self-disgust, I was going to say.” She says
she is particularly drawn to experiences that hide more than
they reveal. “Cinema is the metaphor of that: the screen both
reveals and hides.” Yet, at the same time, Isabelle Huppert
seems to hide absolutely nothing.
BC
Institut Français and Cinema
As an agent of French cultural diplomacy, operated by the Ministry of Foreign
Affairs and International Development, the Institut français today is a unique brand
in France and 96 other countries. Outside France, it promotes artists, ideas, works
and industries, while facilitating artistic exchanges and cultural dialogues. The Ins-
titute français is notably active in the promotion and cultural distribution of French
films abroad, through a network of the instituts français and Alliances françaises
and over 300 main partners worldwide. Its programmes contribute to the non-com-
mercial distribution of recently produced French films and the presentation of its
main figures and younger generation as well as to the promotion of film classics
and to the wider dissemination of knowledge about film. The Institut Français also
participates in the promotion of world cinema with Fabrique des cinémas du monde
during the Cannes Film Festival, the Cinémathèque Afrique and the aid scheme Aide
aux cinémas

Loulou
Hija de un tiempo en que sus dos protagonistas iban camino a
convertirse en estrellas, y de una industria cinematográfica al
borde de una importante transición, Loulou define en muchas
formas el cine francés del período. No por nada Pialat fue llama-
do el Cassavetes de Francia. Aquí, los neones descoloridos son
reemplazados en parte por estridentes luces fluorescentes, que
hacen ver a todo espacio público como una suerte de depósito o
supermercado mal iluminado. Pero queda una pizca de glamour
presente de algún modo, en gran medida gracias a Depardieu
y Huppert. La escala dramática que ella abarca cubre todos los
rincones, e incluye desde la alegría pura hasta el desprecio feroz.
Quizá lo más interesante de su personaje sea que bien podría ser
una versión madura de la Suzanne de la posterior A nos amours,
mientras que el Loulou epónimo de Depardieu podría ser el hom-
bre que creció luego de La infancia desnuda. En contraste con
el realismo cotidiano de los fragmentos-de-la-vida-misma de la
obra de Pialat, aquí hay una sensación real de certeza dramática
y terrible de que su amor (casi parece obligatorio poner comillas
en “amor”) no puede durar. Adam Batty
Francia - France, 1980 / 110’ / 35mm / Color
Francés - French
D: Maurice Pialat G: Arlette Langmann, Maurice Pialat F: Pierre-William
Glenn, Jacques Loiseleux E: Yann Dedet DA: Alain Alitbol, Max Berto,
Jean-Pierre Sarrazin S: Dominique Hennequin M: Philippe Sarde
P: Yves Gasser, Klaus Hellwig PE: Yves Peyrot CP: Gaumont, Action Films
I: Isabelle Huppert, Gérard Depardieu, Guy Marchand, Humbert Balsan,
Bernard Tronczyk
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
ISABELLE HUPPERT
Born of a time when its dual leads were on their way to becoming
two major stars, and to a film industry on the verge of significant
transition, Loulou in many ways defines French cinema of the pe-
riod. There’s a reason Pialat was called the Cassavetes of France.
Here, faded neons are partially replaced by garish fluorescents,
turning every public space in to a sight akin to a poorly lit ware-
house or supermarket. There’s a glow of glamour still somehow
present, largely thanks to Depardieu and Huppert. The dramatic
scale charted by the actress covers all corners, taking in every-
thing between pure joy and fierce despair. What is perhaps most
interesting about her character is that she could easily be an
aged Suzanne from Pialat’s later A nos amours, while Depardieu’s
eponymous Loulou could be the man that grew from L’Enfance
nue. In contrast to the everyday realism of the slice-of-life ten-
dencies of Pialat’s ouevre, there is a real sense of a dramatised,
dreadful inevitability to their love (one almost feels it a necessity
to place quotation marks around the word “love”) can’t last. AB
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315
 ISABELLE HUPPERT
Passion
Pasión
Una película de gente que corre detrás de autos para tocar la
bocina. O de la eterna tensión entre la burguesía industrial y sus
obreros. Passion es la simultaneidad total, la destrucción del re-
lato cerrado; estallido del mundo en imágenes y sonidos como
prueba de un mundo fragmentado. Es una película realista del
modo en que solo las películas de J. L. G. pueden serlo, en tan-
to que trata sobre la relación imposible entre el mundo sagrado
de las ideas y el obtuso mundo, siempre banal, de lo real. ¿Qué
puede hacer el cine para aferrarse a una partícula siquiera del
mundo ideal? A través de su alter ego Jerzy, J. L. G. responde: la
única forma de filmar lo real en una inmensa belleza es artificiali-
zarlo. Passion es un paso más en la búsqueda por emparentar el
cine con las grandes artes; es ballet y coreografía desordenada,
estructurada sobre puestas en escena de obras canónicas de Ru-
bens, Goya o Velázquez. Passion es puro flujo porque el guion es
restrictivo y excluyente, como la lógica del capital. Pasión: la de
Cristo y su sacrificio, o la del cineasta que persigue a ciegas una
visión pasajera. Catálogo Bafici ‘11
Francia / Suiza - France / Switzerland, 1982
87’ / 35mm / Color
Francés - French
D, G, E: Jean-Luc Godard F: Raoul Coutard E: Jean-Luc Godard
P: Martine Marignac, Armand Barbault, Catherine Lapoujade
I: Isabelle Huppert, Hanna Schygulla, Michel Piccoli, Jerzy Radziwilowicz,
Lászlo Szabó
316 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A film about people who chase cars in order to hunk their horn. Or
about the eternal tension that exists between industrial bourgeoi-
sie and the workers. Passion is an absolute simultaneity, the de-
struction of a fragmented world; it’s the world exploding in images
and sounds as evidence of a fragmented world. It’s a realist film,
the way only J. L. G.’s films can be: by dealing with the sacred
world of ideas and the obtuse and always banal reality. How can
film cling to even the smallest particle of an ideal world? Through
his alter ego Jerzy, J. L. G. answers: the only way to capture reality
on film with immense beauty is to turn it artificial. Passion is yet
another step in the attempt to relate cinema to the fine arts; it’s
both ballet and a disorganized choreography structured over set-
tings of canonical pieces by Rubens, Goya or Velázquez. Passion
is a pure flow, precisely because its script is restrictive and exclu-
sive, just like the logic of capital. Passion: the one of Christ and his
sacrifice, or the one of a filmmaker blindly chasing a temporary
vision. Bafici ‘11 catalogue
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Historia de Piera
Storia di Piera
The Story of Piera
Este drama erótico sobre una relación incestuosa entre madre e
hija se basa en la autobiografía de la actriz teatral italiana Piera
Degli Esposti, aunque hace foco en su madre Eugenia (Hanna
Schygulla, que ganó por este film el premio a la Mejor Actriz en
Cannes). La libertina Eugenia y su atontado marido (Marcello
Mastroianni), un profesor comunista, viven en un pueblito de pro-
vincias, donde ella no pasa inadvertida cuando va en bicicleta a la
estación de trenes a seducir extraños. Aunque no es más que una
niña grande en vestidos ajustados, Piera completa el trío cuando
su madre tiene sexo con esos hombres, y en consecuencia sufre
tanto por su escasa salud como por la falta de un hogar normal.
La sombra del futuro ya se cierne sobre la familia cuando Eugenia
es enviada una y otra vez a la clínica psiquiátrica. Para cuando
Piera llegue a la adultez (y sea interpretada por Huppert), sus dos
padres estarán en diferentes hospitales psiquiátricos; y ambos
–sí, el padre también– seguirán siendo excéntricos en lo que a
sexo refiere, por decirlo suavemente. Eleanor Mannikka
Italia / Francia / Alemania - Italy / France / Germany, 1983
105’ / DM / Color / Italiano - Italian
D: Marco Ferreri G: Piera Degli Esposti, Dacia Maraini, Marco Ferreri
F: Ennio Guarnieri E: Ruggero Mastroianni DA: Lorenzo Baraldi,
Luciana Levi S: Fausto Ancillai M: Philippe Sarde P: Erwin C. Dietrich,
Achille Manzotti PE: Luciano Luna CP: Faso Film, Sara Films, Ascot Film
I: Isabelle Huppert, Hanna Schygulla, Marcello Mastroianni, Angelo Infanti,
Tanya Lopert
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
ISABELLE HUPPERT
This erotic drama about the incestuous relationship of a mother
and daughter is based on the autobiography of Italian theater ac-
tress Piera Degli Esposti, though it focuses more on her mother
Eugenia (Hanna Schygulla, who won the Best Actress award at
Cannes for this film.) The liberated Eugenia and her spaced-out
husband (Marcello Mastroianni) –a Communist professor– live in
a small provincial town, where Eugenia is noticed as she zooms
around on her bicycle and chats up strangers at the train station.
While still no more than a grown child, Piera –in tight dresses–
goes with her mother for a threesome when she engages in sexual
relations with other men and subsequently suffers both from poor
health and the lack of a normal home. The shadow of the future
already clouds the household when Eugenia is committed again
and again to the psychiatric clinic. By the time Piera has become
an adult (and is played by Mrs. Huppert), both of her parents are
in separate mental hospitals –and both (even the father) are still
sexually eccentric, to say the least. EM
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317
 ISABELLE HUPPERT
Madame Bovary
Podría decirse que Chabrol estuvo filmando Madame Bovary a lo
largo de toda su carrera, pero quizá esta película le permitió dejar
de tener a Flaubert, como dijo alguna vez, “sobre sus hombros”;
filmar en un pueblo de Normandía cerca de Rouen, reuniendo
detalles precisos como ropas, comidas y tics físicos de la novela
misma. Algunos críticos han dicho que el film es excesivamente
fiel, pero Chabrol, como una esposa caprichosa, es fiel a su ma-
nera: jamás confunde a la película con la novela. La narración en
off del texto de Flaubert produce el efecto de preservar el len-
guaje propio de la cámara, que es tan riguroso como siempre.
Con el amarillo cálido de su pelo y sus polleras, Isabelle Huppert
es una Emma Bovary oscura, tan poseída como conducida por
su vaga noción de la pasión y sus esfuerzos ante el hastío de la
clase burguesa. El montaje es antiromántico, tanto como el film
es anticlerical; Chabrol no se pone empalagoso con Flaubert, y
no caben dudas de que el maestro habría estado agradecido por
eso. Judy Bloch
Francia - France, 1991 / 142’ / 35mm / Color
Francés - French
D, G: Claude Chabrol F: Jean Rabier E: Monique Fardoulis
S: Jean-Bernard Thomasson, Maurice Gilbert M: Matthieu Chabrol
P: Marin Karmitz PE: Yvon Crenn CP: MK2 Productions,
CED Productions, FR3 Films Production I: Isabelle Huppert,
Christophe Malavoy, Jean Yanne, Jean-François Balmer
318 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Chabrol arguably has been filming Madame Bovary all along his
career, but perhaps this film gave him leave to have Flaubert, as
he said, “on his shoulder” –to shoot in a Normandy village near
Rouen, collecting precise details as to clothes, food, and physi-
cal tics from the novel itself. Some critics called the film faith-
ful to a fault, but like a wayward wife Chabrol is faithful in his
way: he never confuses film with novel. Voice-over narration from
Flaubert’s text has the effect of preserving the camera’s own lan-
guage, which is as exacting as ever. In the warm yellows of her
hair and skirts, Isabelle Huppert is a dark Emma Bovary, haunted
as much as driven by her vague notion of passion and the striving
toward ennui of the bourgeoisie. The editing is as antiromantic as
the film is anticlerical; Chabrol doesn’t get cozy with Flaubert, and
for that, the master would have been grateful. JB
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Comedia de la inocencia
Comédie de l’innocence
Comedy of Innocence
En Comedia de la inocencia, el incansable realizador francochileno
Raúl Ruiz narra la historia de un chico con dos madres. El inocente
Camille (luego Paul) interroga a sus familiares sobre su origen
(parto incluido), buceando en conflictos y cuentas pendientes del
pasado. La historia plantea, además, otro tipo de interrogantes,
ya de características estéticas. Comedia de la inocencia resulta
un título engañoso. En una película sobre las apariencias (con su
tono de comedia y la ingenuidad del protagonista, aunque esto es
lo menos importante), las preocupaciones del director son las di-
ferencias entre la representación teatral y la cinematográfica (que
es lo más importante). Como en El tiempo recobrado, donde Ruiz
traza un paralelo entre cine y literatura, Comedia de la inocencia
es otro estudio sobre la pureza del lenguaje cinematográfico y sus
correspondencias con las otras artes. Catálogo Bafici ‘01
Francia - France, 2001 / 100’ / 35mm / Color
Francés - French
D, G: Raúl Ruiz F: Jacques Bouquin E: Mireille Hannon
DA: Bruno Beaugé S: Jean-Claude Brisson M: Jorge Arriagada
P: Antoine de Clermont-Tonnerre, Martine de Clermont-Tonnerre
PE: Martine de Clermont-Tonnerre CP: MACT Productions,
Les Films du Camélia I: Isabelle Huppert, Jeanne Balibar, Charles Berling,
Edith Scob, Nils Hugon
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
ISABELLE HUPPERT
In Comedy of Innocence, the tireless Franco-Chilean director Raúl
Ruiz tells the story of a boy with two mothers. The innocent Ca-
mille (later Paul) questions his family about his origins (childbirth
included), delving into past conflicts and accounts not settled. The
story, additionally, poses another kind of questionings, but of an
aesthetic nature. Comedy of Innocence turns out to be a deceptive
title. In a film about appearances (with its comedy tone and the
naiveté of its main character, although this is what matters least),
the director’s concerns are again the ambiguous differences be-
tween theatrical and film representation (which is what matters
most.) As in Time Recovered, where Ruiz draws a parallel between
film and literature, Comedy of Innocence is another study on the
purity of film language and its correspondence with the other arts.
Bafici ‘01 catalogue
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Les Films du Camélia. Ronald Chammah
T +33 1 4478 1060 E filmsducamelia@wanadoo.fr
319
 ISABELLE HUPPERT
Isabelle Huppert, une vie pour jouer
Isabelle Huppert, Playing Life
Isabelle Huppert, una vida para actuar
“Somos máquinas de juego”, “el actor es como un ciego que
avanza con confianza hacia el precipicio”. La dama de la belleza
gélida y cortante, esa que en pantalla pareciera regocijarse en el
mal, resulta ser una persona tímida y cálida, capaz de compor-
tarse como una niña grande y a la vez pensarse a sí misma (y a
su oficio) con una profundidad envidiable. Toubiana se embarca
en un viaje deportivo: seguir durante un año a la inmensa Isabe-
lle Huppert. ¿Qué pasa en un año? Filma con Chabrol, Assayas
y Haneke, que muestran hacia la pelirroja el más reverencial de
los tratos; hace teatro en Aviñón, y nada menos que Medea; posa
para innumerables sesiones de fotos; responde las mil y una pre-
guntas en Cannes; compra pan en París; vive. La vemos como a
una reina sin pompa, puro presente, capricho bien canalizado. Es
engañosamente transparente. El privilegio es verla trabajar, jugar,
sentir miedo antes de una función (sí, ella también es vulnerable),
ser omnipresente y a la vez sutil. Todos gozan con su presencia,
hasta Haneke, a quien vemos sonreír todo el tiempo, una imagen
tan aterradora como el personaje que la Huppert interpreta en La
profesora de piano. Guido Segal
Francia - France, 2001 / 52’ / DM / Color
Francés - French
D: Serge Toubiana F: Olivier Raffet S: Pierre Donnadieu
P: Marin Karmitz CP: MK2 TV I: Isabelle Huppert
320 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
“We are game machines,” “an actor is like a blind person walking
confidently towards a cliff.” The lady of icy and cutting beauty who
seems to gloat on being evil on the screen turns out to be a shy
and warm person, capable of acting like a big child while also
presenting herself (and her craft) with enviable depth. Toubiana
sets out on a sports journey: following the huge Isabelle Hupert
for a year. What happens in a year? She shoots with Chabrol,
Assayas, and Haneke, who give the redhead the most reverential
of treatments. She does a play in Avignon –Medea nonetheless.
She poses for innumerable photo sessions. She answers end-
less questions in Cannes. She buys bread in Paris. She lives. We
see her as a stripped-down queen who lives in the pure present
with well-channeled whims. She’s deceivingly transparent. Our
privilege is to see her at work, playing, being scared before a play
(yes, she’s also vulnerable), being both omnipresent and subtle.
Everyone enjoys her presence, even Haneke who we see smiling
all the time, a picture as scary as the character Huppert plays in
The Piano Teacher. GS
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Embajada de Francia / Institut Français d’Argentine
Cinemateca Regional para el Cono Sur
Martina Pagnotta
T +54 11 4515 6916 E martina.pagnotta@diplomatie.gouv.fr
W agenda.embafrancia-argentina.org

la profesora de piano
La Pianiste
The Piano Teacher
El estudio de escabrosas patologías sexuales de La profesora de
piano da lugar a un tour de force de Isabelle Huppert en la piel del
personaje titular; una lunática dantesca con el corazón consagra-
do a Schubert y la cabeza llena de fantasías que harían sonrojar
a Leopold Sacher-Masoch. No debe haber otra actriz de cine que
pueda habitar a este espécimen vienés sin parecer ridícula, y pue-
de que no haya otra a quien le importe. Oscilando con suavidad
entre lo arrogante y lo abyecto, humedeciendo los ojos o nublan-
do su visión a voluntad, la sobrenaturalmente aplomada Huppert
combina una ausencia de expresión animal con los espasmos
repentinos de una afiebrada vida interior. Puesto de la manera
más sencilla posible, La profesora de piano es la historia de un ex
prodigio musical y su madre monstruosamente controladora. Am-
bas mujeres están atrapadas en una relación tan simbiótica que
comparten la misma cama, y tan opresiva que la hija cuarentona,
la profesora Erika Kohut, castiga sus deseos impetuosos aún con
más severidad que la que dedica a sus estudiantes. J. Hoberman
Francia / Austria - France / Austria, 2001
130’ / 35mm / Color
Francés - French
D, G: Michael Haneke F: Christian Berger E: Mona Willi
S: Guillaume Sciama P: Veit Heiduschka PE: Michael Katz
CP: Wega Film, MK2 Productions I: Isabelle Huppert,
Annie Girardot, Benoît Magimel​
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
ISABELLE HUPPERT
The Piano Teacher’s study in lurid sexual pathology occasions a
tour de force by Isabelle Huppert as the title character –a four-
alarm lunatic with a heart consecrated to Schubert and a head
churning up fantasies to make Leopold Sacher-Masoch blush.
There’s hardly another actress in movies who could inhabit this
Viennese specimen without seeming ludicrous –and there may
not be another who would care to. Smoothly oscillating between
the imperious and the abject, dampening her eyes or clouding
her vision at will, the preternaturally poised Huppert combines an
animal absence of expression with the sudden spasms of a fever-
ish inner life. Most simply put, The Piano Teacher is the tale of a
former musical prodigy and her monstrously controlling mother.
The women are locked in a relationship so symbiotic that they
share the same bed and so oppressive that the fortyish daughter,
Professor Erika Kohut, punishes her unruly desires even more se-
verely than she governs her students. JH
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321
 ISABELLE HUPPERT
Gabrielle
En este film de belleza excéntrica y sentimientos salvajes, a veces
la pantalla se llena de palabras escritas, casi borrando a las dé-
biles criaturas que se debaten bajo las letras. Basada en el muy
áspero, muy cruel cuento largo de Joseph Conrad “El regreso”,
la película trata de un hombre que, habiéndose casado con una
mujer por la que aparentemente no siente nada, se desmorona
cuando ella lo deja por otro. Chéreau empuja a sus personajes
al límite de la emoción, tiñendo la cara de Gabrielle con varios
tonos de rosa y haciendo que a Jean se le caiga el jopo. Huppert,
una de las mayores lloradoras de la pantalla (solo por detrás de
Juliette Binoche), se pasa la mayor parte del film con las mejillas
enrojecidas y húmedas, sufriendo en silencio sepulcral mientras
Greggory enfurece brillantemente. Ambos resultan cautivantes
hasta cuando Chéreau se aleja por completo de ellos u oscurece
sus imágenes con una palabra bien elegida. Junto a sus extraor-
dinarios intérpretes, Chéreau insufla vida en unos personajes que
hace tiempo pusieron rumbo hacia la muerte. Manohla Dargis
Francia / Italia / Alemania - France / Italy / Germany, 2005
90’ / 35mm / Color / Francés - French
D: Patrice Chéreau G: Patrice Chéreau, Anne-Louise Trividic
F: Eric Gautier E: François Gédigier DA: Olivier Radot
S: Guillaume Sciama M: Fabio Vacchi P: Patrice Chéreau
PE: Joseph Strub CP: Azor Films I: Isabelle Huppert, Pascal Greggory,
Claudia Coli, Thierry Hancisse, Chantal Neuwirth
322 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In this film of eccentric beauty and wild feeling, printed words
sometimes fill the screen, almost obliterating the puny creatures
struggling beneath the type. Based on Joseph Conrad’s very dry,
very vicious long short story, ‘The Return,’ the film concerns a
man who, having married a woman for whom he apparently feels
nothing, becomes undone when she leaves him for someone else.
Chéreau pushes his characters to the limits of emotion, turning
Gabrielle’s face various shades of pink and forcing Jean’s swoop
of hair to tumble. Huppert, one of the screen’s great criers (second
only to Juliette Binoche), spends much of the film with a flush and
damp face, suffering in sepulchral silence while Greggory bril-
liantly rages. Both actors keep you riveted, even when Chéreau
cuts away entirely from them or obscures their images with a
well-chosen word. Together with his extraordinary performers,
Chéreau breathes life into characters who long ago set a course
for death. MD
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Villa Amalia
El prolífico Jacquot se reencuentra con una de sus actrices feti-
che, la inmensa Isabelle Huppert, para una película fascinante e
inasible a la vez, en apariencia pequeña pero de muy compleja y
ambiciosa realización, que se propone abordar los sentimientos,
los estados de ánimo, la intimidad, la introspección de una mujer
que decide terminar con su vida anterior y aventurarse hacia nue-
vos destinos. Huppert interpreta a Ann, una famosa compositora
y concertista de piano que descubre a su marido besando a otra
mujer y, a los pocos instantes, se reencuentra con un viejo ami-
go que se convertirá en su confidente y protector. Ann abandona
todo (esposo, obligaciones profesionales, posesiones y hasta su
identidad) y se retira a la perdida isla italiana del título. La dupla
Jacquot-Huppert sigue –después de tanto tiempo– transitando
nuevos caminos, probando, evitando las fórmulas y los lugares
comunes. Los verdaderamente grandes son aquellos que, habién-
dolo conseguido todo, siguen buscando cual entusiastas princi-
piantes. La audacia y la innovación no son patrimonio exclusivo
de los jóvenes. Diego Batlle
Francia / Suiza - France / Switzerland, 2009
94’ / DM / Color
Francés - French
D, G: Benoît Jacquot F: Caroline Champetier DA: Katia Wyszkop
M: Bruno Coulais I: Isabelle Huppert, Jean-Hugues Anglade,
Xavier Beauvois, Maya Sansa, Clara Bindi
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
ISABELLE HUPPERT
The prolific Jacquot reunites with one of his longtime actresses,
the great Isabelle Huppert, for a fascinating yet elusive films,
one those films that are small in appearance but ultimately very
complex and ambitions, that aims to talk about the feelings, the
moods, the intimacy, the introspection of a woman who decides to
end with his previous light and set out for some new destinations.
Huppert plays Ann, a famous composer and pianist who catches
his husband kissing another woman and, shortly after, reunites
with an old friend who will become his confidant and protector.
Ann leaves everything behind (husband, professional obligations,
possessions and even her identity) and retires to the lost Italian
island of the title. The Jacquot-Huppert duo continues –after
such a long time– travelling new roads, trying new things, avoid-
ing formulas and clichés. The true greats are those who, having
achieved everything, continue searching like rookie enthusiasts.
Audaciousness and innovation are not exclusive to the young. DB
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323
© uniFrance 2007-2015
ISABELLE HUPPERT
White Material
Material blanco
María (una imparable Isabelle Huppert) no piensa dejar su plan-
tación de café en Camerún ni su ideal de resistencia, que no solo
es política. Cuando el ejército francés, desde un helicóptero en
retirada, le avisa que es su última oportunidad para volver a Fran-
cia y dejar el lugar hostil en el que se encuentra con su familia,
ella le hace un corte de manga y le devuelve como granadas las
provisiones que los soldados le arrojan a modo de solidaridad.
María es pura decisión y fuerza, pero esa fuerza no es para nada
natural, porque para escapar de la alienación parece no alcanzar
con alejarse de las mieles del capitalismo. Su carácter la hace
hipnótica y entrañable, aunque su desesperación pone en juego a
su ex marido, a su hijo y a la gente que ella misma quiere ayudar.
White Material es una valiente y desoladora mirada –para nada
ubicada a altura de helicóptero, sino bien al ras de la tierra– sobre
las frustraciones personales como motor ideológico. Y a la vez,
muy lejos del cinismo, Claire Denis muestra ese mundo que de
todas maneras necesita ser arreglado. Daniel Alaniz
Francia - France, 2009 / 102’ / 35mm / Color
Francés - French
D: Claire Denis G: Claire Denis, Marie Ndiaye F: Yves Cape
E: Guy Lecorne DA: Saint Père Abiassi, Alain Veissier
S: Jean-Paul Mugel, Christophe Winding, Christophe Vingtrinier
M: Tindersticks P: Pascal Caucheteux CP: Why Not Productions
I: Isabelle Huppert, Isaach De Bankolé, Christophe Lambert,
Nicolas Duvauchelle, William Nadylam
324 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
María (an unstoppable Isabelle Huppert) is not planning on leav-
ing her coffee plantation in Cameroon nor her ideal of resistance,
which is not only political. When the French army, from a helicop-
ter in retreat, tells her that it’s her last chance for going back to
France and leaving the hostile place where she lives with her fam-
ily, she flips them off and gives back the provisions the soldiers
had thrown out of charity as though they are grenades. María is
all determination and strength, but that strength isn’t natural at all
because, in order to escape the alienation, it wouldn’t appear to
be enough to just stay away from the pleasures of capitalism. Her
nature renders her hypnotic and lovable, even if her desperation
puts her ex-husband, her son and the people she herself wants to
help at risk. White Material is a brave and disarming look –which
is not at all located at the helicopter’s height but, rather, at ground
level– on personal frustrations as an ideological driving force. And,
at the same time, and avoiding any kind of cynicism, Claire Denis
shows us that world which, in any case, needs to be fixed. DA
Contacto / Contact
Embajada de Francia / Institut Français d’Argentine
Cinemateca Regional para el Cono Sur
Martina Pagnotta
T +54 11 4515 6916 E martina.pagnotta@diplomatie.gouv.fr
W agenda.embafrancia-argentina.org

Copacabana
“Cualquiera sea la historia que tenga ganas de contar, no puedo
evitar hacer una comedia. Me interesan los films que agitan al
público. Estoy cómodo con eso porque creo que hace falta coraje
para mantenerse feliz, y quiero evitar la trampa del realismo sór-
dido antes que nada. Prefiero sugerir ese tipo de cosas. Y siem-
pre tuve inclinación por los slackers y los perdedores, sobre todo
porque aportan una dimensión de aventura hasta a la vida más
rutinaria”. Qué mejor manera de adentrarse en el universo em-
briagadoramente caótico de Copacabana que con esa cita de su
director, Marc Fitoussi; que funciona no solo como manifiesto de
un cine rebelde y vital, sino también como una especie de radio-
grafía de Badou, la alocada protagonista interpretada por Isabelle
Huppert que hará todo lo posible por recuperar el amor de su
hija. En las idas y vueltas del relato, en sus múltiples intentos por
volverse “un poco más normal”, Badou dejará muy en claro que
la rutina existe para alterarla; para empujarla al borde de la vida.
Catálogo Bafici ‘11
Francia - France, 2010
105’ / DM / Color
Francés - French
D, G: Marc Fitoussi F: Hélène Louvart E: Martine Giordano
DA: Michel Barthélémy S: Benjamin Laurent
M: Tim Gane, Seán O’Hagan P: Caroline Bonmarchand
CP: Avenue B Productions I: Isabelle Huppert, Lolita Chammah,
Aure Atika, Jurgen Delnaet, Chantal Banlier
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
ISABELLE HUPPERT
“No matter what’s the story I want to tell, I can’t help but mak-
ing a comedy. I’m interested in films that stir the audience. I feel
comfortable with that because I think it takes courage to be happy,
and above anything else, I want to avoid the trap of sordid realism.
I rather suggest that sort of things. And I always had a thing for
slackers and losers, especially because they bring a dimension
of adventure into the most routine life.” What better way to get
inside the intoxicatingly chaotic world of Copacabana than with
this quote by director Marc Fitoussi; which not only works as a
manifest for a rebel and vital cinema, but also as a sort of X-ray
picture of Badou, the crazy protagonist played by Isabelle Huppert
who will do anything to get the love of her daughter back. In the
story’s comings and goings, and her multiple attempts to become
“a bit more normal,” Badou will make perfectly clear routine exists
only so it can be disturbed and pushed towards the edge of life.
Bafici ‘11 catalogue
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Kinology
T +33 9 5147 4344 E festivals@kinology.eu
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325
 ISABELLE HUPPERT
En otro país
Da-reun na-ra-e-suh
In Another Country
En su primera película en inglés, Hong Sangsoo decide hacer
fractal la luz que irradian, primero, su cine y, segundo, Isabelle
Huppert. Prisma de sí mismo, Hong refracta a Huppert (perfecto
catalizador de su sentido de la incomodidad, de la certeza, de
la comedia de lo cotidiano –y por ello, absurdo–) en tres rela-
tos distintos, logrando iluminar nuevos rincones de cine. Eso sí:
Huppert siempre será Anne. Y siempre estará de turista en un
pueblito costero coreano. Y se cruzará con los mismos habitantes
de ese pueblo (eso incluye a un bañero que no puede aprender
¡nunca! dónde está el bendito faro). Cada Anne, lejos del relato a
la Rashomon, muestra cómo Hong, eterno cazador de halos lumi-
nosos, va viendo fulgores en esas relaciones, en esas derivas, en
ese sentimiento surreal de ser extranjero (en un país, en el amor,
en la vida). Y comprime el surrealismo juguetón que eso genera
para crear un film que el Village Voice definió, con precisión suiza,
como “el hijo que jamás tuvieron el cine de Antonioni y el de Hou
Hsiao-hsien”. Catálogo Bafici ‘13
Corea del Sur - South Korea, 2012
89’ / DCP / Color
Coreano - Korean, Inglés - English
D, G: Hong Sangsoo F: Park Hong-yeol, Jee Yune-jeong
E: Hahm Sung-won S: Kim Mir M: Jeong Yong-jin P: Kim Kyoung-hee
CP: Jeonwonsa I: Isabelle Huppert, Yu Jun-sang, Jung Yu-mi
326 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
On his first English-spoken film, Hong Sangsoo decides to take
the light that both his cinema and Isabelle Huppert irradiate, and
make it fractal. A prism of himself, Hong refracts Huppert (the per-
fect catalyst for his sense of the unease, the certainty, the comedy
of everyday life –which makes it absurd) in three different stories,
managing to illuminate new corners of cinema. Yet, Huppert will
always be Anne. And she will always be a tourist in a small Ko-
rean sea town. And she will come across the very same people
from that town (including a lifeguard who is, always!, unable to
find the godforsaken lighthouse). Far from the Rashomon-style of
storytelling, each Anne shows the way Hong, an eternal hunter of
luminous halos, sees flashes in those relationships, those fleeing
times, that surreal feeling of being a foreigner (in a country, in love,
in life). And he compresses the playful surrealism that results from
that in order to create a film the Village Voice defined, with Swiss
precision, as “the love child Antonioni and Hou Hsiao-hsien never
had.” Bafici ‘13 catalogue
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Zeta Films. Carlos Pascual Zumbo
T +54 11 4371 4801 E info@zetafilms.com
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Captive
Cautiva
Un grupo de hombres armados y enmascarados del grupo musul-
mán Abu Sayyaf irrumpen en el hotel de una isla y secuestran a
doce huéspedes extranjeros. Los rehenes son turistas y misioneros
cristianos que ahora se ven arrastrados a una extenuante marcha
a pie a través de la selva filipina. Juntos, secuestrados y secuestra-
dores deberán lidiar con los rigores de la naturaleza; de a poco, el
clima de miedo, prejuicios y odio deja paso a una extraña relación
simbiótica. Los contornos se difuminan, las certezas son puestas
en duda, y ya nada parece ser igual... Como en su obra previa,
Mendoza vuelve a invitar al público de Captive a entrar al suma-
mente ambiguo mundo interior de un huis clos. Tomando, por así
decirlo, al espectador como rehén, el film lo expone a una serie de
amenazas existenciales planteadas tanto por el hombre como por la
naturaleza, y también explora con magia fantasmal formas reales y
espirituales de superar las crisis. Basada en eventos históricos ocu-
rridos en 2001, la película fue rodada en escenarios reales con un
elenco que mezcla actores y gente de la zona. Catálogo Berlinale
Francia / Filipinas / Alemania / Reino Unido
France / Philippines / Germany / UK, 2013 / 120’ / DCP / Color
Tagalog, Inglés - English
D: B. Mendoza G: B. Mendoza, P. Bancarel, B. Agbayani Pastor,
A. dela Cruz F: O. Flores E: Y. Deschamps, K. Serraon
DA: S. Legré, B. Padero S: G. Fargout M: T. Barrozo
P: B. Mendoza, D. Costet PE: D. Costet CP: Swift Productions
I: I. Huppert, K. Mulville, M. Zanetta, R. Carpio, T. Mabalot
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
ISABELLE HUPPERT
A group of armed and masked men belonging to the Muslim Abu
Sayyaf group burst into a hotel on an island resort and kidnap
twelve foreign guests. The abductees are tourists and Chris-
tian missionaries who are now forced on a gruelling foot march
through the Philippine jungle. Together, the hostages and the kid-
nappers find themselves having to cope with the trials of nature;
gradually, the climate of fear, prejudice and hatred evolves into a
strange, symbiotic relationship. The contours begin to blur, cer-
tainties are called into question. Nothing seems to be the same
any more… As in his earlier work, Mendoza once again invites the
viewer of Captive to enter the extremely ambivalent inner world of
a huis clos. Taking the viewer hostage as it were, the film creates a
sensibility for a series of existential threats posed by humans and
nature alike, and also explores with eerie magic real and spiritual
ways out of the crisis. Based on historical events that occurred in
2001, the film was shot in real locations with a cast of nonprofes-
sionals and actors. Berlinale catalogue
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327
pascale ferran
 retrospectivas y focos | retrospectives & focus
pascale ferran
De Pascale Ferran, nacida en París en 1960 y egresada de la
prestigiosa IDHEC, se ha dicho que “practica el cine como la
alta costura o la ingeniería de precisión”. Y, si bien semejan-
te afirmación resulta fácilmente contrastable en la elegan-
cia de su Lady Chatterley o el paisaje aeroportuario de Bird
People, también es cierto que deja fuera del mapa la región
central del cine de Ferran: los sentimientos. Puede tratarse
de la elaboración del duelo como en Petits arrangements
avec les morts, de los primeros amores y los primeros des-
engaños como en L’Âge des possibles, de las relaciones pro-
hibidas o la búsqueda de la felicidad: las pasiones y emocio-
nes humanas están siempre en primer plano en este puñado
de films realizados intermitentemente durante las últimas
330 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
dos décadas –en el medio hubo algunos proyectos inconclu-
sos, la dirección del doblaje francés de Ojos bien cerrados y,
sobre todo, la militancia incansable y lúcida en defensa del
cine de autor–, trazando una tan sutil como precisa carto-
grafía del corazón (de los corazones) de este tiempo.
It’s been said of Pascale Ferran, who was born in Paris in
1960 and graduated from the prestigious IDHEC, that she
“practices film like haute couture or the engineering of
precision.” And even though such a statement becomes
easily verifiable in the elegance of her Lady Chatterley or
the airport landscape in Bird People, it is also true that it
leaves the core region in Ferran’s work out of the map: feel-
ings. Whether it’s mourning in Petits arrangements avec
les morts, first loves and first disillusions in L’Âge des pos-
sibles, forbidden relationships or the pursuit of happiness,
human passions and emotions are always at the center of
this handful of films made intermittently during the last two
decades –in between, there were some unfinished projects,
the French dubbing direction of Eyes Wide Shut and, above
all, her tireless, lucid advocacy for auteur cinema–, tracing a
cartography of the heart (of the hearts) of our time.
 Pascale Ferran

Petits arrangements avec les morts

Coming to Terms with the Dead
Pequeños arreglos con los muertos

Una playa bretona al atardecer. En torno a un castillo de arena
tenemos a tres personajes: un niño apodado Jumbo y dos her-
manos adultos, François y Zaza, que un día también fueron niños
y que pasaron por un trance similar al del pequeño Jumbo: la
muerte de un ser muy próximo; una muerte con la que han te-
nido que aprender a convivir e inmunizarse ante el dolor, como
las abejas de ese inserto documental narrado por Luc Moullet.
La ópera prima de Pascale Ferran es un tríptico, como bien dice
su subtítulo, en el que se puede reconocer la huella del cine de
Arnaud Desplechin, su carácter novelesco, sus desvíos narrativos.
No es casualidad: Desplechin colabora en el guion de Petits arran-
gements avec les morts de la misma forma en que Ferran había
coescrito con él La Sentinelle. Por supuesto que otro buen título
para esta Cámara de Oro en Cannes 1994 podría haber sido La
vie des morts. Jaime Pena
A Breton beach at sundown. Around a sand castle we have three
characters: a kid nicknamed Jumbo and his two adult brothers,
François and Zaza, who were also kids one day and went through
an event similar to little Jumbo’s: the death of a loved one; a death
from which they had to learn to coexist with and become immune
to grief, like the bees in that documentary insert narrated by Luc
Moullet. Pascale Ferran’s first feature is a triptych, as evidenced
by its subtitle, in which we can recognize traces of Arnaud Des-
plechin’s work –its novelistic nature, its narrative detours. It’s
not coincidental: Desplechin collaborates in the script for Petits
arrangements avec les morts just as Ferran had co-scripted La
Sentinelle with him. Of course, another good title for this Golden
Camera award winner in Cannes 1994 could have been La vie
des morts. JP

Francia - France, 1994 / 104’ / 35mm / Color

Francés - French
D: Pascale Ferran G: Pierre Trividic, Pascale Ferran F: Jean-Claude
Larrieu E: Guy Lecorne DA: Philippe Chiffre S: Jean-Jacques Ferran
M: Béatrice Thiriet P: Aline Mehouel CP: Cinéa, Eclipsa Films, La Sept
Cinéma, Pan Européenne Production I: Didier Sandre, Charles Berling
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[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 331

 Pascale Ferran

L’Âge des possibles

The Age of Possibilities
La edad de los posibles

Hecha a medida para los actores del Teatro Nacional de Estras-
burgo y con una memorable banda sonora de música pop france-
sa e inglesa, la película se centra en diez jóvenes cuyos nombres
empiezan con las letras de la A a la J. Viven en Estrasburgo en los
años noventa y están en esa edad en la que “todo es posible”. Son
amigos, conocidos, amantes. Algunos estudian, algunos trabajan,
a otros les gustaría, pero no consiguen empleo. Todos están en
la misma encrucijada, peleando para decidir qué quieren hacer
de sus vidas. Y esa pelea le da forma al corazón de su existencia
actual. Este fascinante conjunto de solteros subempleados entra
y sale del amor con tanto estilo como velocidad, en una ronda de
baile que habría emocionado a Renoir. De hecho, el film empie-
za con un tono renoiresco de ligero coqueteo y, poco a poco, se
vuelve más serio a medida que se acelera el flujo de relaciones
emocionalmente peligrosas. Con empatía y perspicacia poco co-
munes, Ferran revela la frágil autoconfianza que se oculta tras los
rostros sonrientes. Michael Fox
Tailor-made for the actors of the Théâtre National de Strasbourg,
and featuring a memorable mix of French and English pop music,
the film centres around ten young people whose first names begin
with letters of the alphabet, from A to J. They live in Strasbourg in
the Nineties and are at an age when “anything is possible.” They
are friends, acquaintances and lovers. Some of them are students,
some work, others would like to but can’t find a job. All of them are
at the crossroad of life, struggling to decide what they want their
lives to be. This struggle forms the very heart of their present-day
lives. This captivating ensemble of underemployed singles falls in
and out of love with breathtaking style and speed, in a rondelay
that would thrill Renoir. Indeed, the film begins with a Renoiresque
tone of light flirtation, gradually growing more serious as the flurry
of emotionally dangerous liaisons accelerates. With rare compas-
sion and insight, Ferran reveals the fragile self-confidence that
lies behind the smiling face. MF

Francia - France, 1995 / 100’ / 35mm / Color

Francés - French
D: Pascale Ferran G: Anne-Louise Trividic F: Jean-Marc Fabre
E: Guy Lecorne DA: Virginie Duployez, Annette Kurz, Giulio Lichtner
S: Jean-Jacques Ferran M: Béatrice Thiriet P: Gilles Sandoz
CP: Agat Films & Cie, La Sept/Arte, Théâtre National de Strasbourg
I: Ariane Ascaride, Anne Cantineau
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332 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE


Lady Chatterley
D. H. Lawrence tenía un método de lo más curioso. Cuando com-
pletaba un manuscrito, se dedicaba durante algunos meses a
otras cosas y luego volvía a escribir el texto completo, pero sin
emplear el original como base. La novela (muy) conocida como
El amante de Lady Chatterley, cuya publicación costeó él mismo
poco antes de morir en 1928, es así la tercera versión de la que
antes fue John Thomas y Lady Jane. Menos discursiva, más con-
centrada en la exploración sensorial del vínculo entre la aburrida
esposa de un aristócrata lisiado y el huraño guardabosque de las
tierras familiares, esa segunda versión del texto es la que eligió
adaptar Ferran luego de una década sin filmar ficciones. Lo que
logró, dejando respirar y transpirar al natural –en todos los sen-
tidos posibles– a los cuerpos de Connie (la extraordinaria Marina
Hands, que se llevó uno de los cinco César conseguidos por la
película) y de Parkin, es devolverle la modernidad, la frescura y
la vitalidad al transitado relato de Lawrence: reescribirlo, casi de
cero, una vez más. Agustín Masaedo
Francia - France, 2006 / 168’ / 35mm / Color
Francés - French
D: Pascale Ferran G: Pascale Ferran, Roger Bohbot F: Julien Hirsch
E: Yann Dedet, Mathilde Muyard DA: François Labarthe
S: Jean-Jacques Ferran M: Béatrice Thiriet P: Gilles Sandoz
CP: Maïa Films I: Marina Hands, Jean-Louis Coulloc’h
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Pascale Ferran
D. H. Lawrence had quite a curious method. Whenever he com-
pleted a manuscript, he would devote himself to other things for
a few months and then write the complete text again, but with-
out using the original as its basis. The novel (very well-) known
as Lady Chatterley’s Lover, whose publishing was self-financed
shortly before his death in 1928, is, thus, the third version of what
used to be John Thomas and Lady Jane. Less discursive and
more focused on the sensory exploration of the bond between
a crippled aristocrat’s bored wife and the reclusive gamekeeper
of the family lands, that second version of the text was the one
Ferran chose to adapt after a decade away from fiction. What he
achieved, by letting the bodies of Connie (the extraordinary Marina
Hands, who won one of the five César Awards the film received)
and Parkin breathe and perspire au naturel –in every possible
sense–, was to bring back the modernity, freshness and vitality
to Lawrence’s much-revisited tale: rewriting it once more, almost
from scratch. AM
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333
 Pascale Ferran
Bird People
La última película a la fecha de Pascale Ferran parte de una histo-
ria de alienación protagonizada por dos de los extremos posibles
de la “estética del consumo”: un ejecutivo de Silicon Valley que
recala en París de camino a Dubai, y que en esa escala decide
cortar de modo radical (¡por Skype!) con su trabajo, su familia, su
país y todo lo que hasta hace un minuto era su pasado, su vida,
en fin; y la joven empleada del hotel en el que se desarrolla el dra-
ma del hombre moderno, que acepta su destino con una sonrisa
contagiosa, pero ligeramente taciturna. Ferran muestra alternati-
vamente a uno y a otro, y ralentiza el film todo lo que hace falta
en el instante del hartazgo y la liberación. Ahora bien, créannos:
no tiene mayor sentido revelar aquí por qué de la combustión de
estas materias primas salió (volando) la película más libre y más
bella que van a ver este año. El milagro de Bird People no se debe
describir (por el viejo tema de los spoilers) y, sobre todo, no se
puede describir (por un tema más arcaico aún: es cine en serio,
cine grande, hechicería en alta definición). Marcelo Panozzo
Francia - France, 2014 / 128’ / DCP / Color
Francés - French, Inglés - English
D: Pascale Ferran G: Pascale Ferran, Guillaume Bréaud
F: Julien Hirsch E: Mathilde Muyard DA: Thierry Segur
S: Jean-Jacques Ferran M: Béatrice Thiriet P: Denis Freyd
CP: Archipel 35 I: Josh Charles, Anaïs Demoustier, Roschdy Zem
334 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Pascale Ferran’s latest film to date begins with a story of alien-
ation starred by two possible extremes of “consumer aesthet-
ics:” on one side, a Silicon Valley executive who was on his way
to Dubai but ends up in Paris, where he decides to cut off (via
Skype!) with his job, his family, his country, and everything that up
to then was his past –hell, his life. On the other, a young woman
working in the hotel where the drama of modern man occurs,
accepting his fate with a contagious yet slightly reserved smile.
Ferran alternatively shows one and the other, and slows down
the film as much as it’s needed at the precise moment of surfeit
and liberation. Now, take our word for it: there’s not much sense
in revealing here the reason why the combustion of these raw
materials generated (released into the air) the most beautiful and
free film you’ll see this year. The miracle of Bird People shouldn’t
be described (due the old issue of spoilers) and, most especially,
cannot be described (due to an even older issue: it’s serious cin-
ema, grand cinema, sorcery in high definition). MP
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josé val del omar
 retrospectivas y focos | retrospectives & focus
josé val del omar
En el granadino José Val del Omar –dedicado al cine desde
fines de los años veinte hasta su muerte en 1982– con-
fluyen dos aspectos que lo vuelven una figura única y
compleja: la búsqueda de un éxtasis espiritual colectivo
más allá del ego artístico, y una fe en la técnica (como
creyente del cinema que fue) como vehículo de esta utopía
despegada de lo material y apoyada en una visión poética
del mundo. Responsable de insólitos inventos futuristas
–como la Tactilvisión, la Diafonía y el Desbordamiento Apa-
norámico de la Imagen–, Val del Omar ardía en un visceral
misticismo español (“santificación de la sensualidad afri-
cana”, como reza una cita de Ganivet anotada por él) que
convierte su cine en algo que sacude sobrenaturalmente
a quien lo ve. En él la vida es la obra, como se ve en sus
películas, escritos, collages, fotografías, experimentos y
poemas; y aunque sus films terminados son escasos –y
se cierran siempre con un plano que dice “sin fin”–, es
sin duda uno de los más esenciales cineastas visionarios
del planeta. Solo que el porvenir que presupone la palabra
“visionario” choca con su carrera de fondo, solitaria en la
España adusta donde vivió, y también en una historia del
cine en la que, si bien hay almas y obras afines, nunca ha
existido ni existirá otro José Val del Omar.
Elena Duque
338 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Two aspects of Granada-born Jose Val del Omar –who dedi-
cated himself to cinema since his late twenties to his death
in 1982– turn him into a unique and complex figure: his
search for a collective spiritual ecstasy beyond his artistic
ego, and a faith in technique (being the cinema believer he
was) as a vehicle for this utopia that is detached from the
material world and supported on a poetic view of it. Respon-
sible for unusual futuristic inventions –such as Tactilevision,
Diaphony, and the Un-panoramic Overflowing of the Image–,
Val del Omar was burning with visceral Spanish mysticism
(“sanctification of African sensuality,” as it says in a Ganivet
quote he noted), which turns his cinema into something
that supernaturally stirs up anyone who watches it. His
life was his work, as we can see in his films, writings, col-
lages, photographs, experiments, and poems. And although
his finished films are scarce –they always close with a shot
that says “no end”– he is undoubtedly one of most essential
visionary filmmakers in the planet. Only the future implied
in the word “visionary” clashes with his background career
–a lonely one in the arid Spain where he lived– and also
with a history of cinema in which –although there were kin-
dred souls and pieces– another José Val del Omar has never
existed, nor will exist.
ED

programa 1 | program 1
Fiestas cristianas /
Fiestas profanas
Christian Feasts / Secular Feasts
España - Spain, 1934-35
51’ / DM / B&N
D: José Val del Omar
Estampas 1932 es una obra colectiva que refleja el trabajo de las
Misiones Pedagógicas, que durante los años de la Segunda República
Española llevaron la cultura (con afán tan didáctico como recreativo)
a los más olvidados rincones de España. Sin duda es una experiencia
vital clave para la obra y pensamiento de Val del Omar, quien formó
parte de ellas. Fiestas cristianas / Fiestas profanas es el nombre bajo
el que se agrupan los documentales rescatados de una serie rodada
en Murcia, también durante esos años de las Misiones. La sensua-
lidad pagana envuelta por una fina capa de cristianismo, puntuada
por imágenes insólitas en las que caben desde ángeles demoníacos
hasta molinos o gusanos de seda gigantes, da lugar a las imágenes de
los pasos de la Semana Santa murciana que prefiguran el terror y la
belleza de Fuego en Castilla. Del mismo modo, es premonición de su
Aguaespejo granadino la ascensión a la Granada de Falla y de Lorca
en Vibración de Granada, cinegrafía entretejida con rostros, poesía,
agua, luces y sombras en torno a la Alhambra y al Albaicín.
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Archivo María José Val del Omar & Gonzalo Sáenz de Buruaga
Coordinación / Coordination : Piluca Baquero Val del Omar
Equipo Archivo / Archive Team : Santiago García de Leaniz Caprile
T +34 662 155 284 E archivovaldelomar@gmail.com W valdelomar.com
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
José Val del Omar
Estampas 1932
Scenes 1932
España - Spain, 1932
13’ / DM / B&N
D: José Val del Omar
Vibración de Granada
Vibration of Granada
España - Spain, 1935
20’ / DM / B&N
D: José Val del Omar
Scenes 1932 is a collective piece that reflects the work of those Peda-
gogical Missions from the II Spanish Republic that for many years took
culture (one as didactic as it was recreational) to the most forgotten
corners of Spain. It is undoubtedly a vital experience that became
crucial for the work and thinking of Val del Omar, who took part in
them. Christian Feasts / Secular Feasts is the name that groups the
documentaries rescued from a series shot in Murcia, also during those
Mission years. Pagan sensuality, wrapped by a fine layer of Christianity
and spiked by incredible footage that shows everything from demon
angels to mills or giant silk worms, leads to the images of Murcia’s
Holy Week steps that foresee the terror and beauty of  Fire in Castile.
In the same way, the ascension to the Granada of Falla and Lorca
in Vibration of Granada acts as a premonition to his Water-Mirror of
Granada. The former is a cinegraphy interwoven with faces, poetry,
water, lights, and shadows around Alhambra and Albaicín.
339
 José Val del Omar
programa 2 | program 2
Fuego en Castilla
Fire in Castile
España - Spain, 1958, 60 / 17’ / 35mm / Color - B&N
Español - Spanish
D, G, F, E, DA, S, I: José Val del Omar
M: José Val del Omar, Vicente Escudero, Igor Stravinski
Acariño galaico, nunca terminada por Val del Omar (quien confesaba que
“no podía terminarla porque la cinta de Galicia es puramente trágica, es
una afirmación negativa incapaz de comunicarse”), abre este Tríptico
elemental de España, que reúne en orden inverso los tres pilares de
su obra y condensa la esencia española a través del agua, el fuego y la
tierra. Las notas precisas de Val del Omar permitieron a Javier Codesal
montar esta versión, su pieza más oníricamente narrativa. Le sigue Fue-
go en Castilla, en el que la Tactilvisión da vida a las tallas de santos de
Juan de Juni y Berruguete, que llamean al ritmo que el bailaor Vicente
Escudero repiquetea en los retablos del Museo de Escultura Religiosa de
Valladolid. Es una figuración del “páramo del espanto”, delirio que con-
duce por la gracia de la mecánica al tan ansiado éxtasis místico. Cierra
el tríptico Aguaespejo granadino, que, según Amos Vogel, es “una obra
explosiva, cruel y de la más honda pasión; un grito silencioso que cons-
tituye una evocación mística de las pesadillas de España. Con reminis-
cencias de Tierra sin pan, de Buñuel, logra transmitir una ansiedad y un
pavor sin nombre. Una de las grandes obras ignoradas del cine univer-
sal”. Poesía cinematográfica que emerge de las fuentes de la Alhambra.
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Archivo María José Val del Omar & Gonzalo Sáenz de Buruaga
Coordinación / Coordination : Piluca Baquero Val del Omar
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340 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Acariño galaico
(De barro)
Galician Caress (Of Clay)
España - Spain, 1961, 1981-82, 1995
23’ / 35mm / B&N / Español - Spanish
D, G, F: José Val del Omar E: Javier Codesal
I: Arturo Baltar, Ezequiel Méndez
Aguaespejo granadino
Water-Mirror of Granada
España - Spain, 1953-55 / 21’ / 35mm / Color - B&N
Español - Spanish
D, G, F, E, DA, S, P: José Val del Omar M: José Val del Omar,
Manuel de Falla I: Teófilo Martínez, Pepe Albaicín, Juan Gómez Leal,
Señorita Chon, Julián Goya
Galician Caress was never finished by Val del Omar (who confessed he
“couldn’t finish it because the Galicia film is purely tragic, a negative
affirmation incapable of communicating”), and it opens this Elementary
Tryptich of Spain, which gathers in reverse order the three pillars of
his work and condenses the Spanish essence through water, fire, and
earth. Val del Omar’s precise notes allowed Javier Codesal to cut this
version, his most dreamily narrative piece. It’s followed by Fire in Cas-
tile, in which Tactilevision gives life to the sculpted saints by Juan de
Juni and Berruguete, which burn to the rhythm bailaor Vicente Escudero
echoes on the retables of the Valladolid Museum of Religious Sculp-
ture. It’s a figuration of the “horror moor,” a delirium that leads to an
awaited mystical ecstasy through the grace of mechanics. The triptych
is closed with Water-Mirror of Granada, which according to Amos Vogel
is “an explosive, cruel, and deeply passionate piece; a silent cry that
constitutes a mystical evocation of Spain’s nightmare. With echoes of
Buñuel’s Land Without Bread, it manages to transmit anxiety and name-
less terror. One of the masterpieces ignored by world cinema.” Cin-
ematographic poetry that emerges from the fountains of the Alhambra.

Ojalá Val del Omar
Ojalá Val del Omar es una película que parece entender que una
semblanza de semejante figura no puede conformarse con ser
documental ni biopic. El punto de vista del mundo de Val del
Omar –poeta, místico e inventor– es tan singular que no cabe
menos que cuestionarse la manera de contar su vida. Componen
así este collage episodios de la existencia de Val del Omar, desde
su infancia hasta momentos clave y epifanías representadas en
imágenes líricas y sonidos que beben de su propia estética. Com-
pletan el conjunto fragmentos de su obra (de infalible potencia
sobrecogedora) y algunas de sus múltiples grabaciones sonoras.
Se obtiene una biografía esquiva, más espiritual que causal, que
intenta pensarse y filmarse al modo de su propio objeto de estu-
dio. Retrato fervoroso –pero no por ello exento de rigor– de quien
confesó “he descubierto que he sido ante todo un gran amateur”,
y cuyo título, expresión de un anhelo ardiente, evoca la búsqueda
eterna de Val del Omar.
España - Spain, 1994 / 55’ / DM / Color - B&N
Español - Spanish
D: Cristina Esteban G, F: Javier Quintanilla E: Joaquín Ojeda, Alberto Ortiza
DA: Ferrán Sánchez S: Antoni Suesta, Ricard Casals
M: Panxo Barrera PE: Piluca Baquero, Álvaro Olavarría
CP: Civic Producciones, Videomax, Estudio Uno
I: Juan Diego, Arturo Baltar, Javier Gurrea, Gerardo Esteve, Eduardo Marín
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
José Val del Omar
Ojalá Val del Omar is a film that seems to understand that a por-
trait of such a figure cannot conform itself with being a documen-
tary or a biopic. The point of view of Val del Omar’s world –he was
a poet, a mystic, and an inventor– is so unique that we can’t but
question about the way to tell his story. This collage is thus formed
by episodes from Val del Omar’s life, from his childhood to mo-
ments and epiphanies represented by lyrical images and sounds
that drink from his own aesthetics. The group is completed by
fragments of his work (which carry an infallible and overwhelm-
ing power), and some of his many audio recordings. The result is
an elusive biography that is more spiritual than causal, and tries
to think and film itself in the same way as its object of study. A
passionate portrait that doesn’t lack rigor, by someone who once
confessed “I’ve found out that above all I’ve been a great ama-
teur,” and with a title that is the expression of a burning wish, as it
evokes Val del Omar’s eternal quest.”
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341
 José Val del Omar
Tira tu reloj al agua
(Variaciones sobre una cinegrafía
intuida de José Val del Omar)
Throw Your Watch to the Water (Variations on an
Intuited Cinegraphy by José Val del Omar)
Una aproximación libre al eslabón perdido con el que el cineas-
ta granadino pretendía culminar su obra, integrada por lo que él
describía como documentales líricos, cinegrafías o elementales.
El elemental es una declinación rotundamente poética del docu-
mental. Tras los elementales del agua, el fuego y la tierra que in-
tegran su Tríptico elemental de España, Val del Omar se proponía
añadir un cuarto film a modo de vértice y vórtice de toda su obra.
Nuevas estampas de Granada –el contrapunto de la cultura
arábigo-andaluza que Val del Omar sentía en sus venas con la
mirada apresurada de las hordas turísticas (deambulando entre el
paraíso cerrado de la Alhambra y los jardines abiertos del Genera-
life)– dan paso al éxtasis dinámico, progresivamente abstracto y
pletórico de imágenes, de un tiempo sin reloj, sin espacio, sin pies
ni suelo… Para volver de nuevo a lo cotidiano y a lo mundano, a
través de aquellas filmaciones de Val del Omar con un carácter
más privado y, por fin, al surtidor primordial o aguaespejo de la
vida. Eugeni Bonet
España - Spain, 2003-04 / 88’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, E: Eugeni Bonet S: José Lozano Granés
M: FMOL Trío, Óscar Celma, Jan Schacher
PE: Piluca Baquero Val del Omar I: José María Blanco, José Val del Omar
342 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A free approach to the missing link with which the filmmaker from
Granada expected to end his work, made up by what he would de-
scribe as lyrical documentaries, cinegraphies or elementaries. The
elementary is a categorically poetic declination of documentary
film. After the elementaries on water, fire and earth that make up
the Elementary Triptych of Spain, Val del Omar intended to add a
fourth film that would act as a vertex and vortex to his entire work.
New postcards of Granada –the counterpoint of the Arabic-Anda-
lucian culture Val del Omar felt in his veins with the hurried look
at the hordes of tourists (wandering between the closed paradise
of the Alhambra and the open gardens of the Generalife)– pave
the way to the dynamic, progressively abstract and plethoric ec-
stasy of images, of a time without a clock, without a space, with
no feet and no ground… In order to go back to the everyday and
the mundane, through those Val del Omar filmings of a more
private nature and, at last, to the fundamental supplier, or the
water-mirror of life. EB
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britannia lado b:
heavenly films
Britannia B-side:
Heavenly Films
 retrospectivas y focos | retrospectives & focus
Britannia Lado B: heavenly films
Britannia B-side: heavenly films
Los raíces de Heavenly Films se extienden hasta principios
de los noventa y los orígenes del sello discográfico homóni-
mo. Paul Kelly y Kieran Evans eran algunos de los directores
regularmente contratados por el sello para los videos musi-
cales y cortos con los artistas de Heavenly, y en 2002 unieron
fuerzas con Saint Etienne para crear un largometraje docu-
mental sobre Londres que acompañara su álbum Finisterre.
En la última década, Paul Kelly –ya famoso como músico,
miembro de los muy reconocidos East Village y diseñador
gráfico– ha forjado una reputación como uno de los docu-
mentalistas británicos más distintivos de su generación.
Refinando una inusualmente lírica marca de psico-geografía
conformada por estéticas pop-modernistas, se mueve entre
344 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
la sinfonía de ciudad, el film ensayo, y el “retrato/compa-
ñero” para armar evocaciones hermosamente compuestas
y profundamente climáticas de lugares e individuos olvida-
dos. Ya sea trabajando en colaboración con la banda Saint
Etienne en una exuberante trilogía ambient sobre Londres, o
en sus ingeniosos y empáticos films sobre los muy amados
Dolly Mixture y Lawrence de Felt, las películas de Kelly son
inmediatamente reconocibles e inmediatamente adorables.
The roots of Heavenly Films stretch back as far as the early
1990s and the origins of the record label of the same name.
Paul Kelly and Kieran Evans were among the directors regu-
larly hired by the label to create music promos and short
films featuring Heavenly artists and in 2002 joined forces
with Saint Etienne to create a feature length documentary
about London, to accompany the band’s album Finisterre.
Over the last decade, Paul Kelly –already well known as a
musician (as a member of the much-revered East Village)
and graphic designer– has forged a reputation as one of the
most distinctive British documentarians of his generation.
Refining an unusually lyrical brand of psycho geography in-
formed by pop-modernist aesthetics, he moves between the
city symphony, film essay and companionate portraiture, and
fashions beautifully composed and deeply atmospheric evo-
cations of overlooked places and individuals. Whether work-
ing in collaboration with the band Saint Etienne on a lushly
ambient trilogy about London, or in his witty and empathetic
films about the much-beloved Dolly Mixture and Lawrence
of Felt, Kelly’s films are immediately recognizable and im-
mediately lovable.
 Britannia Lado B: Heavenly Films
Finisterre
El crítico Andy Kellman celebraba la aparición de Finisterre (2002),
sexto disco del trío suprapop londinense Saint Etienne, como un
regreso a la sorpresa que habían producido una década antes,
cuando irrumpieron en la escena con el deslumbrante Foxbase
Alpha (1992). “Como entonces –escribía Kellman–, el fluir del dis-
co es deliciosamente desarticulado y aparentemente está hecho
de tangentes”. Finisterre es un documental apoyado en ese disco,
está dirigido por Paul Kelly y Kieran Evans, y se trata de una carta
de amor a Londres, con todo lo que las cartas de amor tienen que
tener. Es un viaje psicho-geográfico, desde el suburbio de East
Croydon hasta todos sus posibles centros (famosos y secretos),
que en efecto luce deliciosamente desarticulado y está hecho de
tangentes. Y por eso, por su luminosa e irreductible melancolía,
resulta ser el mejor retrato jamás hecho de una ciudad demasiado
retratada. Finisterre es el mapa emocional que Londres siempre
estuvo esperando, y eso es mucho decir. Marcelo Panozzo
Reino Unido - UK, 2003 / 57’ / DM / Color
Inglés - English
D, F: Paul Kelly, Kieran Evans E: Kieran Evans S: Dan Chapman,
Ian Chattman, Kimmy Sekel M: Saint Etienne P: Andrew Hinton,
Jason Hocking PE: Martin Kelly, Bob Stanley CP: CC Lab
I: Vashti Bunyan, Vic Godard, Andy Hackett, Michael Jayston, Shena Mackay
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Film critic Andy Kellman celebrated the release of Finisterre
(2002), the sixth album by London supra-pop trio Saint Etienne,
as a return to the surprise they had produced a decade earlier,
when they busted into the scene with the dazzling Foxbase Alpha
(1992). “Just like back then –Kellman wrote– the record’s flow is
delightfully disjointed and apparently made of tangents.” Directed
by Paul Kelly and Kieran Evans, Finisterre is a documentary sup-
ported on that record, and is about a love letter to London with
everything love letters should have. It’s a psycho-geographic trip
from the suburbs of East Croydon to all of its possible centers
(both famous and secret), which actually looks deliciously disjoint-
ed and is made of tangents. And for that reason, for its luminous
and relentless melancholy, it turns out to be the best portrait that
has ever been made of a city that has too many portraits. Finis-
terre is the emotional map London had been waiting, and that’s
a lot to say. MP
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345
 Britannia B-side: Heavenly Films
What Have You Done Today
Mervyn Day?
¿Qué has hecho hoy Mervyn Day?
What Have You Done Today Mervyn Day? es el juguetón título de
la segunda parte de la trilogía londinense de Saint Etienne. Fue fil-
mada cuando se anunciaron las olimpíadas de Londres de 2012 y
explora el paisaje salvaje y abandonado del Hackney Wick y el valle
inferior de Lea. Vemos a Mervyn Day (Noah Kelly) saliendo a repartir
diarios mientras las voces de David Essex (como el abuelo de Mer-
vyn) y Linda Robson (la madre de Mervyn) nos cuentan historias
acerca de esta parte del este de Londres alguna vez industrial y, por
lo tanto, vibrante. Por lo que uno ve, queda claro que el progreso
ha causado estragos en la zona. Ken Livingstone sabía esto, y fue
por eso que apoyó la puja por Londres 2012. Lo que sucedió entre
2005 y 2012 es el equivalente a 30 años de regeneración reali-
zado apenas en siete. En muchos sentidos, la importancia de esta
película es que se trata de un documento del desarrollo previo a los
Juegos Olímpicos de una zona que hoy ha sido empujada hacia el
futuro sin el consentimiento ni la aprobación de todos. Igualmente,
en 2005 Kelly utiliza días despejados y soleados para encontrar la
belleza y la calma entre el abandono y el deterioro. Stuart Wright
Reino Unido - UK, 2005
48’ / DM / Color / Inglés - English
D, F: Paul Kelly G: Kevin Pearce E: Mikey Tomkins
S: Johnny Burke, Paul Sheekey, Herb M: Saint Etienne, Ian Catt
P: Andrew Hinton PE: Martin Kelly, Bob Stanley CP: CC Lab
I: Noah Kelly, Martin Green, Nick Parrish, Andy Hackett, Sadie Kelly
346 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
What Have You Done Today Mervyn Day? is the playful title of the
second part of the Saint Etienne’s London Trilogy. It was filmed
when London 2012 had been announced and it explores the wild
and abandoned landscape of pre-Olympic Games Hackney Wick
and the Lower Lea Valley. We watch Mervyn Day (Noah Kelly) go
off on his paper round as the voices of David Essex (as Mervyn’s
grandfather) and Linda Robson (Mervyn’s mother) tell us the tales
of this once industrial, and therefore vibrant part of east London.
It’s clear by what you see that progress has been unkind to this
area. Ken Livingstone knew this and that was why he backed
the London 2012 bid. What followed between 2005-2012 is the
equivalent of 30 years’ worth of regeneration in just seven. In
many senses the importance of this film is as a pre-Olympic de-
velopment document of an area that has now been thrust into the
future without everyone’s consent nor approval. Yet in 2005 Kelly
uses bright sunny days to uncover a beauty and calm from the
dereliction and decay. SW
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 Britannia Lado B: Heavenly Films
This Is Tomorrow
Esto es mañana
Durante un año entero, Paul Kelly (director), Andrew Hinton (pro-
ductor) y los cerebros de esa banda pop perfecta llamada Saint
Etienne (Bob Stanley y Pete Wiggs) fueron el primer colectivo de
trabajo en tener doce meses de residencia fija en el Royal Festival
Hall. En ese precioso complejo de salas ubicado en el South Bank
londinense, fueron curadores y testigos de las obras de remode-
lación, calculadas en 100 millones de libras esterlinas, del predio
que empezó a edificarse en 1949, luego de que las bombas nazis
acabaran en 1941 con el Queen’s Hall.
Hete aquí una fábula de reconstrucción, con tomas de una poesía
ballardiana, donde la confección de sus célebres alfombras está
narrada en el estilo visual de un documental de Animal Planet,
donde los planos de obra se despliegan sobre tableros como
coreografías secas de Esther Williams, removedoras reciben
bukkakes de cemento fresco y los planos frontales de cientos de
caños apilados se ven como un gran panal de plomo. Hay un
grand finale musical, pero esta es una película de, por y para
ladies & gentlemen, así que no vale spoilear. José Bellas
Reino Unido - UK, 2008 / 54’ / DM / Color
Inglés - English
D, F: Paul Kelly E: Mikey Tomkins
S: Byron Blake, Daniel Herbert, Rob Mullender M: Saint Etienne
P: Jude Kelly CP: Heavenly Films I: Jim Cadbury-Brown, Oliver Chapple,
Trevor Danatt, Alain de Botton, Jeremy Deller
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Paul Kelly (director), Andrew Hinton (producer), and the brains
behind that perfect pop band called Saint Etienne (Bob Stanley
and Pete Wiggs) were the first work group to have a 12-months
fixed residence at the Royal Albert Hall, for a whole year. In that
beautiful concert hall complex located in London’s South Bank,
they were both curators and witnesses of the remodeling –an
estimated 100 million pounds were spent– of the place whose
construction began in 1949, after the Nazi bombs destroyed the
Queen’s Hall in 1941.
Here lies a fable of reconstruction featuring shots of Ballardian
poetry, in which the making of its famous carpets is narrated in
the visual style of an Animal Planet documentary, the blueprints
are spread on boards like dry choreographies by Esther Williams,
mixing machines get bukkakes of fresh cement, and the frontal
shots of hundreds of piled-up pipes look like a huge lead beehive.
There’s a musical grand finale, but this is a film of, by, and for
ladies & gentlemen, so we won’t spoil it. JB
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347
 Britannia B-side: Heavenly Films
Vashti Bunyan:
From Here to Before
Vashti Bunyan: De aquí a antes
Del bagaje interminable de leyendas que los años sesenta cedie-
ron a la mitología del pop y el rock, pocas tan fascinantes como
la de Vashti Bunyan, la feérica cantante y compositora que, en
puertas de alcanzar el estrellato, emprendió un viaje en carromato
de Londres a Escocia, donde apagó todos los focos a su alrededor
para simplemente dedicarse a vivir en el anonimato por varias
décadas. From Here to Before propicia un reencuentro con Bun-
yan casi 45 años después de su huida del mundanal ruido, y la
acompaña mientras repite el viaje que la alejó para siempre de los
humos de un Swinging London ya en decadencia. El film muestra
una absoluta confianza en la imagen y en la voz de Bunyan, en su
narración serena y por momentos quebradiza; un modo de contar
que deja en el aire una sensación absolutamente identificable con
aquella que producen sus canciones. Fran Gayo
Reino Unido - UK, 2008 / 87’ / DM / Color
Inglés - English
D, F: Kieran Evans E: Matt Garner S: Matt Baird
P: Steve Butterworth, Jason Hocking CP: CC-Films I: Vashti Bunyan
348 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Out of the endless legends the Sixties have provided to pop and
rock mythology, few are as fascinating as the one of Vashti Bu-
nyan, the fairy singer and composer who, right before reaching
stardom, set out on a wagon trip from London to Scotland, where
she put out all the lights around her in order to live a simple life
in anonymity for several decades. From Here to Before sets a
reunion with Bunyan almost 45 years after her flight from the
worldly raucous, and joins her as she repeats the journey that
sent her away from the smoke of an already decadent Swinging
London. The film features an absolute confidence in Bunyan’s im-
age and voice, in her serene and at times fragile narration –a way
of telling a story that leaves in the air a sensation that is perfectly
comparable to the one her songs generate. FG
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 Britannia Lado B: Heavenly Films

Take Three Girls:

The Dolly Mixture Story
Take Three Girls: La historia de Dolly Mixture

La maravillosa vida breve de un trío de chicas de Cambridge cabe
en este minidocu, diminutivo como el pop naif que con tanto en-
canto tocaron entre fines de los setenta y principios de los ochen-
ta. Así como fueron pioneras del twee-pop, fallaron en la eviden-
cia de estrenarse cuando las bandas femeninas o corrían tras el
pop atómico + mercadeo de sexualidad de Blondie o edificaban
sonidos radicales para demandas radicales como The Slits. Igual,
nada les quitará el hecho de haber sido soportes de U2 y Bad
Manners, colegas de los Undertones, banda soporte de Captain
Sensible y mimadas de John Peel y el semanario Sounds, en el
que el siempre conducente capricho de los que hacen (hacemos)
prensa gráfica llegó a presentarlas tituladas con más cuerpo que
a los Iron Maiden. Acaso uno de los méritos mayores de Paul
Kelly sea el de no alargar el relato, que es donde tantas veces
se falla por estirar de forma inverosímil los méritos de este tipo
de bandas, a los que tan bien les calza su rol de nota al pie de la
historia. José Bellas
The wonderful short life of a girl trio from Cambridge fits in this
mini-doc, diminutive like the naive pop they played with so much
charm between the late seventies and the early eighties. Even
though they were twee-pop pioneers, they failed to make it at a
time when female bands ran after Blondie’s atomic pop + sexual-
ity marketing or built radical sounds for radical demands like The
Slits. In any case, nothing will take away the fact that they opened
for U2 and Bad Manners, toured with the Undertones, were Cap-
tain Sensible’s backing band and the darlings of John Peel and the
weekly publication Sounds, in which the ever-conducive impulse
of those (of us) who work on the press led them to appear in a
bigger font size than Iron Maiden. Maybe one of Paul Kelly’s great-
est accomplishments lies in not overstaying his welcome, which
is where many films fail by unnecessarily stretching the merits of
this type of bands that are better off being a footnote in history. JB

Reino Unido - UK, 2008 / 40’ / DM / Color

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D, F, S: Paul Kelly E: Paul Kelly, Fred Burns CP: Heavenly Films T +44 789 998 1456 +44 778 669 6761
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[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 349

 Britannia B-side: Heavenly Films
Lawrence of Belgravia
Lawrence de Belgravia
El barrio londinense de Belgravia supo tener como vecinos ilustres
a músicos de la talla de Wolfgang Amadeus Mozart o Frédéric
Chopin. A ellos hay que sumar el nombre de Lawrence Hayward,
que no es famoso como sus predecesores, pero está obsesionado
con serlo. Felt, Denim y Go Kart Mozart son los nombres de las
bandas de culto lideradas por este dandy venido a menos, cono-
cido siempre por su nombre de pila, y cuya vida bien puede ser
relacionada con la del escritor Julian MacLaren Ross: ambos son
fantásticos creadores 100% británicos que hicieron del autoboi-
cot, las deudas y las adicciones un arte. Lawrence of Belgravia
muestra tanto la grabación de On the Hot Dog Streets, de Go
Kart Mozart (2012), como la vida cotidiana del hombre: podemos
verlo investigando vinilos y libros, recordando los viejos tiempos
sin nostalgia, acumulando cuentas impagas, alimentando su mito
(“Hago música porque no estoy bien de la cabeza”) en sendos re-
citales y, lo más importante, ¡eligiendo sombreros! Pablo Strozza
Reino Unido - UK, 2011 / 86’ / DM / Color
Inglés - English
D, F, E: Paul Kelly S: Dennis Wheatley
P: Paul Kelly, Martin Kelly CP: Heavenly Films I: Lawrence
350 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The Belgravia neighborhood in London once had musicians Wolf-
gang Amadeus Mozart and Frédéric Chopin among its famous in-
habitants. We should add the name Lawrence Hayward, who is not
famous like his predecessors, but is obsessed with being so. Felt,
Denim, and Go Kart Mozart are the cult bands lead by this failing
dandy who is best known by his first name, and whose life may
very well be associated to writer Julian MacLaren Ross: they’re
both fantastic creators, 100% British, who turned self-boycott,
debts, and addictions into an art form. Lawrence of Belgravia fea-
tures both the recording sessions of On the Hot Dog Streets by Go
Kart Mozart (2012) and the man’s everyday life: we’ll see him in-
vestigating books and LP records, remembering old times without
nostalgia, accumulating unpaid bills, feeding his own myth in both
concerts (“I make music because I’m not right in the head”), and
what is most important: picking up hats! PS
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 Britannia Lado B: Heavenly Films
How We Used to Live
Como solíamos vivir
“Debajo del pavimento espera la playa, pero más allá de la ciudad,
¿qué hay?”, se pregunta la voz en off del actor Ian McShane en un
momento mágico de How We Used to Live. La ciudad es Londres,
y aquí aparece desplegada a partir del proteico archivo del BFI
(British Film Institute) como un inmenso tapiz o un panorama o un
poema épico en imágenes. Desde la reconstrucción de la posgue-
rra, Londres no cesa de suceder en series que este ¿documental?
dispone como si trabajara con miniaturas. Gente que sube y baja
del tren, gente que baila, gente que bebe, vistas al infinito de
brick houses, vistas ominosas de las council houses de los se-
tenta, beautiful people en Carnaby Street, punks en King’s Road.
El soundtrack de Pete Wiggs (Saint Etienne) reemplaza todas las
canciones que podrían haber datado las imágenes. Y es mucho
mejor así: que el archivo conmueva en su neutralidad no narrativa
y que la música nos vaya convenciendo de que es la única posible
para este prodigio. Fernando García
Reino Unido - UK, 2014 / 70’ / DCP / Color
Inglés - English
D, F, E: Paul Kelly G: Bob Stanley, Travis McElbourgh M: Pete Wiggs
P: Martin Kelly, Simon Egan CP: Heavenly Films I: Ian McShane
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
“The beach awaits below the pavement, but what lies beyond the
city?”, actor Ian McShane’s voice over asks at a magical moment
of How We Used to Live. The city is London, and it is spread out
here through the protein-filled archive of the British Film Institute
like a huge tapestry, or a landscape, or an epic visual poem. From
its reconstruction after the war, London hasn’t stopped growing
in series, which this documentary (?) displays as if working with
miniatures. People getting on and off the trains, people dancing,
people drinking, endless views of brick houses, ominous views
of the 1970s council houses, beautiful people in Carnaby Street,
and punks in King’s Road. The soundtrack by Pete Wiggs (Saint
Etienne) replaces all the songs that could have dated the footage.
And that’s so much better: to have the footage move us with its
non-narrative neutrality and the music convince us it’s the only
possible source for this prodigy. FG
Contacto / Contact
Heavenly Films. Paul Kelly
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351
 Britannia B-side: Heavenly Films
Dexys: Nowhere Is Home
Dexys: Ningún lugar es casa
A Kevin Rowland lo persigue el mito, pero él todavía corre más
rápido. Arisco, escurridizo y malcarado por naturaleza, se resiste a
idealizar su pasado, intenta no amargarse recordando sus grandes
fracasos y menos aún sus grandes éxitos (ni se plantea volver a
tocar los número uno “Geno” o “C’mon Eileen”), y tuerce el morro
cuando los fans y/o periodistas se le acercan a hablar de los Young
Soul Rebels. Por eso Dexys: Nowhere Is Home es tan valiosa: por-
que Rowland (acompañado por Jim Paterson) acepta sentarse en
una larga entrevista a hablar de todo lo que siempre se ha negado
a hablar. Además, procura convencernos de que el presente de
Dexys (ya sin los apellidos Midnight Runners) es tan esplendoroso
como su pasado, y alterna sus confesiones torturadas con imáge-
nes de un concierto de 2013, principalmente basadas en su reper-
torio nuevo. Una gira que dejaba claro que el celtic soul que Van
Morrison patentó y continuó sigue sin tener competencia también
en esta nuestra época. Los veinte minutos finales de “This Is What
She’s Like” son de los que no se olvidan. Joan Pons
Reino Unido - UK, 2014 / 90’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Paul Kelly, Kieran Evans F: Paul Kelly, Kieran Evans, Vanessa Whyte
E: Robbie Morrison S: Richard Bentham M: Dexys
P: Martin Kelly PE: Nigel Templeman, Henry Semmence
CP: Heavenly Films I: Kevin Rowland, James Paterson, Pete Williams,
Lucy Morgan, Tim Cansfield
352 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Kevin Rowland is being chased by myth, but he is still able to
outrun it. Unfriendly, slippery, and ugly, he resists idealizing his
past, tries to not get bitter remembering his big failures or his
big hits (he doesn’t even consider playing back his chart-toppers
“Geno” or “C’mon Eileen”), and turns his nose up when fans and/
or journalists approach him to talk about the Young Soul Rebels.
That’s the reason Dexys: Nowhere Is Home is so precious: be-
cause Rowland (together with Jim Paterson) agrees to sit down
for a long interview about everything he has always refused to
talk about. Also, he tries to convince us that the present of Dexys
(now without the Midnight Runners last names) is as splendor-
ous as its past, and alternates between tortured confessions and
footage from a 2013 concert, featuring mostly new songs. The
tour said clearly that the Celtic soul patented by Van Morrison and
continued by him remains unchallenged in this day and age. The
last twenty minutes of “This Is What She’s Like” are the kind you
won’t forget. JP
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 Britannia Lado B: Heavenly Films

Today’s Special
Especial del día

Reino Unido - UK, 2004

9’ / DM / Color / Inglés - English
D, F, E: Paul Kelly M: Saint Etienne P: Andrew Hinton CP: CC Lab

Monty the Lamb

Monty el cordero

Reino Unido - UK, 2006

12’ / DM / Color / Inglés - English
D, F, E: Paul Kelly M: Saint Etienne P: Bob Stanley CP: Heavenly Films I: Dave Garner

Seven Summers
Siete veranos

Reino Unido - UK, 2012 / 10’ / DM / Color / Inglés - English

D, F, E: Paul Kelly G: Bob Stanley M: Ian Catt, Saint Etienne, Pete Wiggs
P: Paul Kelly, Martin Kelly, Andrew Hinton CP: Heavenly Films I: Sarah Cracknell

Casi todas las películas de Heavenly Films se ocupan de las
difíciles relaciones entre el pasado y el presente –lo viejo y lo
nuevo, lo que sobrevive y lo que muere–, y sus cortometrajes no
son la excepción. En Seven Summers, Paul Kelly vuelve al pai-
saje del este de Londres que había retratado en What Have You
Done Today Mervyn Day? siete años después, para (re)descubrir
la zona que fue primero basurero industrial, luego moderna villa
olímpica y ahora parece atrapada en un estado de transforma-
ción permanente. Monty the Lamb celebra al Hendon FC, un
club de fútbol amateur con una historia de módicas glorias que
en 2008 fue obligado a abandonar el estadio donde hizo de local
durante 82 años. Y decimos “celebra” en vez de “llora” porque
el corto tiene al irresistible estribillo de “Soft Like Me” de fondo
y a la pintoresca mascota del título como protagonista. Donde
sí hay nostalgia, y mucha, es en los tres Today’s Special, donde
otros tantos dueños de bares históricos del centro londinense
recuerdan cómo era su oficio antes de la aparición de las gran-
des cadenas como Starbucks, mientras se preparan para bajar
la persiana por última vez. Agustín Masaedo
Almost every film made by Heavenly Films taps into the difficult
relation between the past and the present –the old and the new,
what survives and what dies–, and its short films aren’t the ex-
ception. In Seven Summers, Paul Kelly returns seven years later
to the East London landscape he had depicted in What Have You
Done Today Mervyn Day? in order to (re)discover the area, which
was first an industrial wasteland, then a modern Olympic city,
and now seems trapped in a state of constant transformation.
Monty the Lamb celebrates the Hendon FC, a soccer team with
a history of humble glories that was forced to leave what had
been its home field for 82 years in 2008. And we say “celebrates”
instead of “cries” because the short film features the irresistible
chorus of “Soft Like Me” in the background and is starred by the
picturesque club mascot of the title. We’ll certainly find plenty of
nostalgia in the three Today’s Special, where owners of historic
bars in downtown London remember what their trade used to be
like before the arrival of big chains like Starbucks, as they are now
preparing to close shop for good. AM

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[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 353

britannia lado b:
luke fowler
Britannia B-side:
luke fowler
 retrospectivas y focos | retrospectives & focus

Britannia Lado B: Luke Fowler

Britannia B-side: Luke Fowler

In the origin of the projects directed by Luke Fowler

En la génesis de los proyectos de Luke Fowler (Glasgow,
1978) suele descansar una pregunta, un profundo interés
por saber más: ya sea una exploración por la vida y la obra
del psicólogo R. D. Laing (All Divided Selves), sobre un hom-
bre decepcionado por la humanidad que se retira a vivir en
la naturaleza (Bogman Palmjaguar), o sobre el potencial de
lo que podría haber pasado (en su última película, Deposi-
tions). Y esa naturaleza interrogativa se transmite al resulta-
do final: sus films trabajan con la historia para convertirla en
otra cosa; siempre inquieto, su estilo es difícil de determinar.
Fowler, quien recibió el premio Derek Jarman en 2008 y fue
finalista del prestigioso premio Turner en 2012, desdibuja
los límites del material de archivo y de lo filmado para la
ocasión, y expande al mismo tiempo los límites de lo cine-
matográfico al proyectar sus películas en museos, salas y
galerías.
De naturaleza experimental, y de factura documental y esen-
cialmente cinematográfica, su obra (presentada casi en su
totalidad en esta edición del Bafici) es una oportunidad im-
perdible para acercarse a uno de los artistas más atractivos
que tiene Europa para ofrecer en la actualidad.
Leandro Listorti
(Glasgow, 1978) there is usually a question, a profound in-
terest in knowing more. They can either be an exploration
into the life or work of psychologist R. D. Laing (All Divided
Selves), or about a man who withdraws into a life in the wil-
derness disappointed by humanity ( Bogman Palmjaguar),
or the potential of what could have happened (his latest
film Depositions). And his interrogative nature is transmit-
ted to the final result: his films work with history in order to
transform it into something else –always restless, his style
is hard to determine. A winner of the Derek Jarman award in
2008 and a finalist for the prestigious Turner award in 2012,
Fowler blurs the boundaries of archive footage and film, and
at the same time expands the limits of cinema by screening
his films in museums, halls, and galleries.
Featuring an experimental nature and an essentially cin-
ematographic documentary form, his work (almost entirely
presented in this edition of Bafici) is a unique opportunity to
approach one of the most attractive European artists today.
LL

356 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 Britannia Lado B: Heavenly Films

A Grammar for Listening

(Parts 1-3)
Una gramática para escuchar (Partes 1-3)

“A través de los siglos, la cultura occidental ha intentado sin pau-
sa clasificar el ruido, la música y los sonidos cotidianos... Los
ruidos comunes y los sonidos triviales que no se perciben ni como
molestos ni como musicales carecen de interés”. ¿Cómo crear un
diálogo significativo entre mirar y escuchar? La saga de Fowler
aborda esa pregunta a través de las posibilidades de la película
en 16mm y los dispositivos digitales de grabación sonora. En la
parte 1, Fowler avanza en sus diálogos con el artista sonoro Lee
Patterson (Manchester, Inglaterra), quien ha estado registrando
varios tipos de vida subacuática con hidrófonos caseros. En la
parte 2, inicia una nueva colaboración con el compositor parisino
Éric La Casa, que describe a su propio trabajo como “la búsqueda
de un centro, un punto de escucha en relación con todo aquello
que sucede”. La parte 3 la protagoniza Toshiya Tsunoda (Yokoha-
ma, Japón), quien desarrolla una línea de investigación filosófica
que estudia el arte de la grabación de campo en tanto acto con-
ceptual, así como la relación entre el “campo”, aquel que graba
y los oyentes.
“Over the centuries, Western culture has relentlessly attempted to
classify noise, music and everyday sounds... Ordinary noises and
the mundane sounds that are not perceived as either annoying or
musical are of no interest.” How to create a meaningful dialogue
between looking and listening? Fowler’s film cycle attempts to ad-
dress this question through the possibilities afforded by 16mm
film and digital sound recording devices. In part 1, Fowler furthers
his dialogues with the sound artist Lee Patterson (Manchester,
England), who has been making recordings of various forms of un-
derwater life using homemade hydrophones. In part 2, he initiates
a new collaboration with Parisian-based composer Éric La Casa,
who describes his own work as “finding a centre, a listening point
in relation to everything which is taking place.” Part 3 features
Toshiya Tsunoda (Yokohama, Japan), who develops a philosophical
line of enquiry regarding the art of field recording as a conceptual
act, and that of the relationship between the “field,” the recordist
and the audience.

Contacto / Contact
Reino Unido - UK, 2009 / 56’ / 16mm / Color
Lux. Matt Carter
Inglés - English
T +44 207 503 3980 E distribution@lux.org.uk
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[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 357

 Britannia B-side: Heavenly Films
All Divided Selves
Todos los yoes divididos
Las revoluciones sociales y culturales de los años sesenta tuvie-
ron a uno de sus cabecillas en la figura carismática, a lo gurú,
del psiquiatra nacido en Glasgow R. D. Laing. En su ya clásico
texto “La política de la experiencia” (1967), Laing sostenía que
la normalidad implicaba ajustarnos a la perplejidad de un mundo
alienante que nos despersonaliza. Así, aquellos a quienes la so-
ciedad etiqueta como “enfermos mentales” son en realidad viaje-
ros “hipercuerdos” embarcados en una travesía interior a través
del tiempo infinito. El film se centra en apariciones de archivo de
Laing y sus colegas, quienes remarcan la importancia de consi-
derar el entorno social y la interacción defectuosa con las institu-
ciones como factores significativos en la etiología de la angustia y
el sufrimiento humanos. All Divided Selves retoma las reacciones
vacilantes ante esos puntos de vista radicales y las menos indul-
gentes reacciones ante el posterior cambio de profesión de Laing,
de eminente psiquiatra a empresario famoso. Un collage denso,
cautivante y lírico.
Reino Unido - UK, 2011 / 93’ / DCP / Color - B&N
Inglés - English
D, E: Luke Fowler
S, M: Éric La Casa, Luc Fowler, Jean-Luc Guionnet, Alasdair Roberts
CP: The Moderin Institute, Toby Webster Ltd., Gisela Capitain Gallery
358 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The social and cultural revolutions of the 1960s were spearhead-
ed by the charismatic, guru-like figure of Glasgow born psychia-
trist R. D. Laing. In his now classic text “The Politics of Experience”
(1967) Laing argued that normality entailed adjusting ourselves
to the mystification of an alienating and depersonalizing world.
Thus, those society labels as ‘mentally ill’ are in fact ‘hyper-sane’
travelers, conducting an inner voyage through aeonic time. The
film concentrates on archival representations of Laing and his
colleagues as they struggled to acknowledge the importance of
considering social environment and disturbed interaction in insti-
tutions as significant factors in the etiology of human distress and
suffering. All Divided Selves reprises the vacillating responses to
these radical views and the less forgiving responses to Laing’s lat-
ter career shift; from eminent psychiatrist to enterprising celebrity.
A dense, engaging and lyrical collage.
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 Britannia Lado B: Heavenly Films
To the Editor of Amateur
Photographer
Al editor del fotógrafo amateur
The Pavilion, fundado en 1983 en Leeds, fue el primer colectivo
de fotografía feminista de Europa. Junto a Mark Fell, Fowler evoca
la historia a menudo controvertida de la galería, en un viaje impre-
sionista a través de materiales de archivo, escritos, artículos de
diario, talk shows y recuerdos personales. Fotógrafas como An-
gela Kingston y Caroline Taylor eligen sus fotos favoritas entre las
más representativas de ese período turbulento. Y, al hacerlo, exa-
minan juntas el vuelco radical que sufrió el mundo de la fotografía,
con The Pavilion poniendo patas arriba la cultura dominante de
imágenes patriarcales en una época vibrante de cambios socia-
les, políticos y económicos. Al mismo tiempo, reconocen que evo-
car ese pasado activista podría asociarse con su romantización
o distorsión, lo cual se subraya con una palpitante banda sonora
análoga. La falta de presupuesto fue un problema recurrente para
The Pavilion. Pero nunca dejaron que esas preocupaciones finan-
cieras alteraran la convicción de que el feminismo movilizaría el
cambio a través de un esfuerzo colectivo. Catálogo del Festival
de Rotterdam
Reino Unido - UK, 2014 / 69’ / DCP / Color
Inglés - English
D, S, M: Luke Fowler, Mark Fell F: Margaret Salmon
E: Luke Fowler P: Will Rose
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The Pavilion in Leeds, founded in 1983, was the first feminist
photographers’ collective in Europe. Together with Mark Fell,
Fowler evokes the often controversial history of the gallery in their
impressionistic journey through archive material, minutes, news-
paper articles, talk shows and personal recollections. Photogra-
phers such as Angela Kingston and Caroline Taylor each choose a
favorite photo characteristic of that turbulent period. In so doing,
they look back together at the radical shift that took place in pho-
tography, with The Pavilion upending the dominant culture of pa-
triarchal images in an era alive with social, political and economic
change. At the same time, they recognize that evoking an activist
past can be associated with romanticization and distortion, which
is accentuated by a pulsing analogue soundtrack. Lack of funds
was a recurrent problem for The Pavilion. But the conviction that
feminists could bring about change through a collective effort was
not affected by these financial concerns. IFFR catalogue
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359
 Britannia B-side: Luke Fowler

Bogman
Palmjaguar
Reino Unido - UK, 2008 / 30’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Luke Fowler

3 Minute Wonder
(Anna / David / Helen / Lester)
Reino Unido - UK, 2009 / 12’ / 16mm / Color
Inglés - English
D: Luke Fowler

Depositions
Declaraciones

Reino Unido - UK, 2014 / 25’ / DCP / Color

Inglés - English
D, F, E, P: Luke Fowler S: Sergei Tcherepnin M: Lee Patterson

Pocas actividades tan de alto riesgo como buscar esencias, tratar
de aislar el elemento sin degradar de una identidad, ya sea en
un acento conservado con pureza, en los viejos relatos, en las
canciones folklóricas o en una lengua que pierde el pulso contra
el curso de la historia. Si en The Poor Stockinger... Luke Fowler
recuperaba el legado de E. P. Thompson a través de su palabra
escrita y de viejas filmaciones, en Depositions construye, a base
de imágenes procedentes del archivo de la BBC de Escocia, un
poema de apenas 25 minutos sobre el declive del modo en que
un pueblo vive y se explica a sí mismo. Bogman Palmjaguar, en
tanto, nos presenta a un hombre que desconfía de los demás y
vive refugiado en la naturaleza. Diagnosticado como esquizofréni-
co paranoico, Bogman prefiere definirse como “el gato escondido”
o “el forajido salvaje del paraíso”. El programa se completa con
los cortos que Fowler produjo para Channel 4 en tanto ganador
del Premio Jarman 2008; una serie de retratos de cuatro indivi-
duos diversos que conviven en un edificio victoriano del West End
de Glasgow. Fran Gayo
Few activities carry such high risks as the search for essences,
the attempt to isolate an element without degrading an identity,
whereas it’s in an accent that has been purely conserved, old
stories, folk songs, or a language that loses its pulse against the
curse of history. If Luke Fowler’s The Poor Stockinger… recovered
E. P. Thompson’s legacy through the written word and old film
footage, now his Depositions uses archive footage from Scotland’s
BBC to build a poem of only 25 minutes about the decline of the
way a society lives and explains itself.
Bogman Palmjaguar presents us a man who became distrustful
with people and withdrew into nature. Diagnosed as a paranoid
schizophrenic, Bogman prefers to define himself as “the hidden
cat” or “wild outlaw of paradise.”
The program is completed with the short films Fowler made for
Channel 4 as the winner of the 2008 Jarman Award; a series of
portraits of four diverse individuals who live in a Victorian tene-
ment in the West End of Glasgow. FG

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360 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 Historia Secreta
del Cine de Weimar
A Secret History
of Weimar Cinema
 retrospectivas y focos | retrospectives & focus
Historia Secreta
del Cine de Weimar
A Secret History of Weimar Cinema
La República de Weimar (1918 a 1933) fue el estado más
libre sobre suelo alemán; una época salvaje caracterizada
por la disrupción, la crisis y el brillo cultural. Fue también
el período más importante del cine alemán, un tiempo lleno
de maravillas y creatividad donde se erigieron los cimientos
estéticos del “séptimo arte”.
Pero el cine de Weimar es mucho más que los pocos films
y directores célebres como Murnau, Lang, Lubitsch, Pabst
y Ruttmann.
Por eso es que quiero revelar al menos un poquito de esta
historia secreta, y mostrar la diversidad y belleza del primer
cine alemán: el cine de Weimar es, más que nunca, un conti-
nente desconocido que aguarda ser descubierto. Fue mucho
más que el expresionismo: Nueva Sobriedad, espectáculo
escapista, emoción y diversión. Y es un ejemplo muy actual
de una sociedad liberal que baila sin parar sobre un volcán,
entre la lujuria hedonista y el miedo latente a su destruc-
ción: una combinación explosiva. Y casi todas las películas
de esta sección son totalmente desconocidas incluso para
el público alemán.
Rüdiger Suchsland
364 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The Weimar Republic (1918 to 1933) was the freest state on
German soil; a wild era characterized by disruption, crisis
and cultural brilliance. It was also the most important period
of German cinema, a time full of wonders and invention. The
aesthetic foundations were laid for the “seventh art.”
But Weimar cinema is so much more than just the few well
known films and directors like Murnau, Lang, Lubitsch,
Pabst, and Ruttmann.
So I would like to reveal at least a little bit of this secret
history, and trace the diversity and beauty of early German
filmmaking: Weimar cinema is more than ever an unknown
continent still to be discovered. Far more than Expression-
ism, it was New Sobriety, escapist spectacle, thrill and fun
–and it is a very actual example of a liberal society in a
permanent dance on a volcano, between hedonist lust and
latent fear of destruction: an explosive mixture. And almost
all the films in this section are totally unknown, even for Ger-
man audiences.
RS
 Historia Secreta del Cine de Weimar
From Caligari to Hitler
Von Caligari zu Hitler
De Caligari a Hitler
Libertad, ironía, curiosidad: Weimar es la modernidad en su
máxima expresión. El cine refleja la turbulenta época de los años
veinte. ¡Estas películas lo tenían todo! Pero todo, o casi todo, acer-
ca de ellas ha sido olvidado, reducido a dos o tres notas al pie.
Quise llevar al público en un viaje de aventuras hacia este tiempo
perdido; un viaje que debería entretener, conmover, sorprender y
recordarnos a todos que existe una herida abierta en nuestro pa-
sado. Siegfried Kracauer, un genio olvidado, describió esta época
en De Caligari a Hitler. El más célebre de todos los libros de cine
escritos en Alemania habla del miedo, la crisis y el deseo de hallar
un líder expresados en las películas alemanas. En otras palabras:
de la forma en que el cine presagió la era del fascismo, antici-
pó su terror y el colapso moral y político de la sociedad liberal.
Kracauer es el guía perfecto para un período fascinante en sus
contradicciones. Esa fascinación y, sí, mi amor por esa época y su
cine es lo que espero compartir. Rüdiger Suchsland
Alemania - Germany, 2014 / 118’ / DCP / Color
Alemán - German
D, G: Rüdiger Suchsland F: Harald Schmuck E: Katja Dringenberg
S: Tobias Schinko M: Michael Hartmann P: Martina Haubrich
CP: LOOKS Filmproduktionen I: Fatih Akin, Volker Schlöndorff
Contacto / Contact
Wide House. Anaïs Clanet
T +33 1 5395 0464 E festivals@widemanagement.com
W widehouse.org - caligarihitler.net
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Freedom, irony, curiosity: Weimar is Modernity at its best. Cinema
mirrors this turbulent era of the Twenties. These movies had it all!
But more or less everything of it is forgotten, reduced to two or
three footnotes. I wanted to take the audience to an adventurous
trip to this lost time, a trip which should entertain, move, surprise
and remind us all to an open wound in our past. Siegfried Kra-
cauer, a forgotten genious, described this epoch in From Caligari
to Hitler. This best-known German film book tells of fear, crisis and
the longings for a leader in German film –in other words: the way
cinema presaged the era of fascism, anticipated its terror and the
moral and political collapse of a liberal society. Kracauer is the
perfect guide to an era, which is fascinating in its contradictions.
This fascination and, yes, my love for this time and its cinema, I
hope to share. RS
Rüdiger Suchsland
Nació en Alemania en 1968, estudió filosofía, historia y ciencias políti-
cas, y actualmente trabaja en diferentes medios como crítico y perio-
dista. Dirigió el documental para televisión Caligari - Wie der Horror
ins Kino kam (2014) y, junto a Josef Schnelle, escribió el libro Zeichen
und Wunder. Das Kino von Zhang Yimou und Wong Kar-wai. | Born in
Germany in 1968, he studied philosophy, history and political science,
and currently works for different media outlets as critic and journalist.
He directed the TV documentary Caligari - Wie der Horror ins Kino kam
(2014) and, along with Josef Schnelle, wrote the book Zeichen und
Wunder. Das Kino von Szhang Yimou und Wong Kar-wai.
365
 A Secret History of Weimar Cinema

Nerves
Nerven
Nervios

Ejemplo de un expresionismo totalmente distinto, Nerves no tiene las paredes torci-

das de Caligari, ni gestos teatrales sobreactuados, ni maquillaje excéntrico, sino un
expresionismo del alma. La historia muestra a una familia burguesa en decadencia; la
crisis de posguerra cruzándose con la revolución: el director filmó durante un verdade-
© Filmmuseum München ro levantamiento comunista, con escenas reales de histeria masiva. El lenguaje visual
emplea colores encendidos, doble exposición, grandes escenografías y una mirada na-
Alemania - Germany, 1919 turalista al viejo Munich. En conjunto, Nerves es uno de los mejores films de su época:
110’ / DM / B&N un ejemplo de la invasión del subconsciente a las pantallas alemanas.
D, G, P: Robert Reinert F: Helmar Lerski An example of a totally different expressionism, Nerves does not show the lopsided walls
CP: Monumentalfilm I: Eduard von Winterstein, of Caligari, no theatrical overacted gestures, no eccentric make-up, but an expression-
Lya Borée, Erna Morena, Paul Bender, Lili Dominici ism of the soul. The story shows a bourgeois family in decline, post-war-crisis meets
revolution: The director filmed during the real communist uprising, showing hysteric
Contacto / Contact mass-scenes. The visual language works with flamboyant colours, double exposure, big
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum scenery and naturalist insight into old Munich. All in all Nerves is one of the best films
Stephanie Hausmann of that time –an example for the invasion of subconsciousness into the German screen.
T +49 89 2332 2348
E stadtmuseum@muenchen.de
W muenchner-stadtmuseum.de

Into the Blue

Ins Blaue hinein
Hacia el azul

Alemania - Germany, 1929 / 35’ / 35mm / B&N
Alemán - German
D: Eugen Schüfftan G: Herbert Rona F: László Schäffer
S: Franz Schröder M: Harry Ralton CP: Prisma-Produktion
Contacto / Contact
Deutsche Kinemathek. Anke Hahn
T +49 30 3009 0331
E filmverleih@deutsche-kinemathek.de
W deutsche-kinemathek.de
Este parece ser el primo pequeño del famoso Gente en domingo, donde el director
Eugen Schüfftan trabajó como camarógrafo. No solo es su único film como director; es
una de las primeras películas sonoras alemanas. Filmada a fines del verano de 1929,
es como una instantánea de Alemania, que todavía se burla del colapso económico. La
crisis como oportunidad. Se trata de tres colegas de clases sociales distintas que, for-
zados a cerrar sus negocios, salen a dar un último paseo en auto. Levantan a una chica
y deciden comenzar un nuevo negocio juntos. Una comedia llena de ironía, humanidad
y utopismo cotidiano.
This looks like the tiny cousin of the famous People on Sunday, where director Eugen
Schüfftan was the cinematographer. This is not only his only film as a director, it is one
of the first German sound films. Filmed in late summer of 1929, it’s like a moment shot
of Germany, still mocking the economic breakdown. The crisis as opportunity. It’s about
three colleagues from different social classes, forced to finish their business, who go out
for a last ride in a car. They pick up a girl and decide to form a new business together. A
comedy full of irony, humanity and daily-life utopianism.

366 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 Historia Secreta del Cine de Weimar
Alemania - Germany, 1928
90’ / 35mm / B&N
D, G: Paul Czinner F: Karl Freund
DA: Erich Kettelhut CP: Poetic Film
I: Elisabeth Bergner, Albert Bassermann,
Else Heller, Albert Steinrück, Grit Hegesa
Contacto / Contact
Fondazione Cineteca de Bologna. Gian Luca Farinelli
T +39 51 219 4820 +39 51 601 8607
E cinetecadirezione@cineteca.bologna.it
W cinetecadibologna.it
Alemania - Germany, 1930
55’ / 35mm / B&N
D: Marie Harder G: Herbert Rosenfeld
F: Franz Koch, Robert Baberske
P: Hubert Schonger CP: Naturfilm Hubert Schonger
I: Hermann Vallentin, Anna Sten, Ivan Koval-Samborsky
Contacto / Contact
Deutsche Kinemathek. Anke Hahn
T +49 30 3009 0331
E filmverleih@deutsche-kinemathek.de
W deutsche-kinemathek.de
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Miss Else
Fräulein Else
Señorita Else
Apenas cuatro años después de que el escritor austríaco Arthur Schnitzler escribiera la
primera novela contada a través de un auténtico flujo de conciencia, se filmó la versión
cinematográfica. La historia combina la histeria bursátil con el melodrama: una chica se
ve forzada a vender su cuerpo para salvar la fortuna de su padre. Filmada durante las
primeras Olimpíadas de invierno, la película revela con agudeza el estilo de vida del jet
set de Weimar. Pero su aspecto más fascinante es su modernidad estética: con planos
largos, uno de los primeros movimientos de cámara y grandes actuaciones, este retra-
to femenino parece una película de Antonioni antes de Antonioni. Uno de los mejores
trabajos (y el último film europeo) del director de fotografía de Metrópolis, Karl Freund,
quien también trabajó con Murnau y Rutmann.
Just four years after Austrian writer Arthur Schnitzler wrote this first real stream-of-
consciousness novel in literature, the film version was done. It’s a story combining
stock-market hysteria with melodrama, where a girl is forced to sell herself for the sake
of her father’s fortune. Shot during the first Olympic winter games, it gives marvelous
insight into the lifestyle of the Weimar jet-set. But the most fascinating aspect is the
modern aestetics: with long shots, one of the first camera-moves, and great acting, this
female portrait looks like an Antonioni film before Antonioni. One of the best works (and
the last European film) of Metropolis cinematographer Karl Freund, who as well worked
with Murnau and Rutmann.
Accountant Kremke
Lohnbuchhalter Kremke
El contador Kremke
Esta película es el tesoro más desconocido del cine de Weimar: Marie Harder fue la
única cineasta mujer de los años anteriores a 1933 (y antes de la heroína nazi Leni
Riefenstahl). Era miembro del partido socialdemocráta y trabajaba en la educación cine-
matográfica. Este es su único film como directora: murió en el exilio mexicano mientras
investigaba para un nuevo proyecto. No sabemos mucho más acerca de ella; no más de
lo que puede verse aquí. Accountant Kremke está cerca de ejemplos más famosos del
cine proletario de la época como el Kuhle Wampe, de Brecht, o Mother Krause’s Journey
to Happiness, en su retrato de las clases bajas, la vida en la ciudad y las condiciones
laborales. Pero el estilo es mucho más moderno, influido por Ruttmann. La historia habla
de la automatización y los conflictos políticos al interior de una familia.
This film is the most unknown treasure of Weimar filmmaking: Marie Harder was the
only female director of the years before 1933 (and Nazi heroine Leni Riefenstahl.) She
was a Social-democrat party-member, working in film education. This is her only film as
a director: she died in Mexican exile doing research for a new project. We do not know
much more about her, just what we can trace in this movie. Accountant Kremke is close
to famous examples of workers’ cinema of that time like Brecht’s Kuhle Wampe... and
Mutter Krauses Fahrt ins Glück: showing lower classes, city life and working conditions.
But the style is much more modern, influenced by Ruttmann. Story shows automatiza-
tion and political conflict within a family.
367
 A Secret History of Weimar Cinema
Alemania - Germany, 1932 / 95’ / 35mm / B&N
Alemán - German
D: Paul Martin G: Walter Reisch, Billy Wilder
F: Günther Rittau, Otto Baecker, Konstantin Irmen-Tschet
E: Willy Zeyn DA: Erich Kettelhut S: Fritz Thiery
M: Werner Richard Heymann, Gérard Jacobson
P: Erich Pommer CP: UFA I: Lilian Harvey, Willy Fritsch,
Willi Forst, Paul Hörbiger, Trude Hesterberg
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Murnau Foundation
T +49 611 977 0845
E verleih@murnau-stiftung.de
W murnau-stiftung.de
Alemania - Germany, 1932 / 62’ / 35mm / B&N
Alemán - German
D, G: Werner Hochbaum F: Adolf Otto Weitzenberg
E: Carl Behr S: Franz Schröder M: Kurt Levaal
P: Justin Rosenfeld CP: Orbis-Film I: Gina Falkenberg,
Friedrich Gnass, Wolfgang Zilzer, Charly Wittong
Contacto / Contact
Deutsche Kinemathek. Anke Hahn
T +49 30 3009 0331
E filmverleih@deutsche-kinemathek.de
W deutsche-kinemathek.de
368 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A Blonde’s Dream
Ein blonder Traum
El sueño de una rubia
Esta película es cine de entretenimiento innovador, hecho por la UFA en tres versiones
sonoras para el público europeo; un éxito masivo con grandes estrellas internacionales
de la época, uno de cuyos primeros guiones fue escrito por Billy Wilder. Y también un
ejemplo de los musicales de comienzos del cine sonoro alemán; de películas que muy
pronto serían prohibidas por los nazis a causa de su ingenio “judío” y su forma escép-
tica, irónica de jugar con los sueños y deseos de las personas comunes. A Blonde’s
Dream también es una reflexión sobre el cine como “fábrica de sueños”; por caso, para
una chica del montón que quiere ir a Hollywood.
This is innovative entertainment cinema made by the UFA for an European audience in
three sound versions: A mass success with big international stars of that time, written
by Billy Wilder in one of his first scripts. And an example of the musicals of early German
sound cinema; of films which were very soon forbidden by the Nazis for their “Jewish”
wit and a sceptical, ironic way of playing with the dreams and desires of common men
and women. A Blonde’s Dream is also a reflection of cinema as a “dream factory” –for
example, for a common girl who wants to go to Hollywood.
Raid in St. Pauli
Razzia in Sankt Pauli
Razzia en San Pauli
Como Nerves, esta es una de las pocas películas que no transcurren en Berlín. Pero la
vida nocturna de Hamburgo se parece a la de El ángel azul. Filmado con el moderno
realismo de la “Nueva Sobriedad”, con montaje y fundidos veloces, el film es una mirada
a los bajos fondos; el mundo de las prostitutas, gánsters y proxenetas. El director Werner
Hochbaum, un socialista que luego se acomodaría con los nazis, simpatizaba con esos
valores anárquicos y el común desprecio a “la ley y el orden”. Este es cine independiente
de Weimar; los actores eran profesionales, pero no estrellas. Una de las canciones
pertenece al famoso poeta proletario Ernst Busch.
Like Nerves, this is one the few films not set in Berlin. But the nightlife of Hamburg looks
similiar to that of The Blue Angel. Shot in a modern “New Sobriety” realism, with fast
editing and crossfading, this film is a look on the demi-monde, the world of hookers,
gangsters and pimps. Director Werner Hochbaum, a socialist who later arranged with
the Nazis, simpathized with their anarchic values and their common contempt for “law
and order.” This is Weimar independent cinema; actors are professionals but not stars.
One song is from famous workers‘ poet Ernst Busch.
 Historia Secreta del Cine de Weimar

The Haunted Castle

Schloß Vogelöd: Die Enthüllung eines Geheimnisses
Castillo Vogelöd: La revelación de un secreto

Uno de los films menos conocidos de Murnau: es un mundo masculino pero, como
ocurría a menudo, con una femme fatale en su centro. Un melodrama de culpa y traición
se desenvuelve en flashbacks. Todo es atmósfera: como en un relato gótico, el clima
tormentoso refleja el estado emocional de las personas; los cuartos claustrofóbicos se
corresponden con el estado de las almas; la oscuridad de la noche equivale al negro
romanticismo que gobierna la psiquis. Ambientado en un castillo aristocrático, este film
Alemania - Germany, 1921 se trata del poder sexual como instrumento del terror y del terror a la confesión, incluso
82’ / DM / Color en su forma terapéutica. Muestra a Murnau como psicólogo y como el más clásico, casi
wagneriano, de los directores de Weimar.
D: Friedrich Wilhelm Murnau G: Carl Mayer
F: Fritz Arno Wagner, László Schäffer One of the lesser known films of Murnau: It’s a men’s world, but –as often– with a
DA: Hermann Warm P: Erich Pommer femme fatale in its center; a melodrama of guilt and treason unfolds itself in flashbacks.
CP: Uco, Decla-Bioscop I: Arnold Korff, Lulu Kyser-Korff, All is atmosphere: Like in a gothic tale, the stormy weather mirrors the emotional state
Lothar Mehnert, Paul Hartmann, Paul H. Bildt of people; the claustrophobic rooms correspond to the state of the souls; the darkness
of the night is an equivalent of the black romanticism which rules the psyche. Set in
Contacto / Contact an aristocratic castle, this film is about sexual powers as forces of terror and about the
Murnau Foundation terror of confession, even in its therapeutic form. It shows Murnau as a psychologist and
T +49 611 977 0845 the most classical, almost Wagnerian, Weimar director.
E verleih@murnau-stiftung.de
W murnau-stiftung.de

Varieté
Jealousy

El circo se cruza con los celos en uno de los mayores éxitos de la taquilla alemana de
1925. Tres vidas al borde del abismo de sus sentimientos, en un melodrama lleno de
amor, pasión, odio y pulsión de muerte. Aquí el cine de Weimar quiere ser americano:
el protagonista Emil Jannings fue el primero de la historia en ganar el Oscar a Mejor
Actor, y el último alemán. Su contraparte femenina, Lya de Putti, se fue a Hollywood pero
fracasó. El suspenso y las emociones se conectan en un mundo totalmente artificial: el
Alemania - Germany, 1925 escenario era una suerte de mágico lugar de ensueño para la Alemania de Weimar;
95’ / DM / Color tanto para el ocio cotidiano como para el escapismo político. Fascinó a los cineastas,
y hay incontables películas con escenas de teatro y vodevil. Varieté estuvo perdida
D, G: Ewald André Dupont F: Karl Freund durante años; ahora redescubierta, fue restaurada a nuevo para la Berlinale de este año.
DA: Oscar Friedrich Werndorff P: Erich Pommer
CP: UFA I: Emil Jannings, Maly Delschaft, Lya De Putti, Circus meets jealousy in one of the biggest German box-office hits of 1925. Three lifes
Warwick Ward, Alice Hechy standing at the abyss of their feelings in this melodrama full of love, passion, hate and
death wish. Here Weimar cinema is wannabe-American: The leading man Emil Jannings
Contacto / Contact was the first ever to win an Academy Award for Best Actor, and the last German. Lead-
Murnau Foundation ing girl Lya de Putti went to Hollywood, but failed. Suspense and emotions connect in a
T +49 611 977 0845 totally artificial world: the stage was a sort of magic dream place for Weimar Germany
E verleih@murnau-stiftung.de –for daily-life leisure, as well as for political escapism. It fascinated the film directors,
W murnau-stiftung.de
and countless are the movies with stage and revue scenes. Jealousy was lost for years;
now rediscovered, it was freshly restored for this year’s Berlinale.

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 369

 A Secret History of Weimar Cinema
Alemania - Germany, 1922
270’ (155’ + 115’) / DM / B&N
D: Fritz Lang G: Thea von Harbou
F: Carl Hoffmann, Erich Nitzschmann DA: Otto Hunte,
Karl Stahl-Urach, Erich Kettelhut, Karl Vollbrecht
P: Erich Pommer CP: Uco, Decla-Bioscop
I: Rudolf Klein-Rogge, Aud Egede-Nissen,
Gertrude Welcker, Alfred Abel, Bernhard Goetzke
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370 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
El doctor Mabuse
Mabuse, der Spieler
Dr. Mabuse the Gambler
Mabuse es el héroe oscuro del cine de Weimar. Lleno de carisma, encanto sardónico e
ideas repulsivas, es el genio malvado del crimen; un Fantomas alemán. Mabuse marcó
la carrera de Fritz Lang, del principio hasta el final (incluyendo el que sería su último
film, en 1960). Otros directores también lo intentaron, pero nunca alcanzaron el talento
magnífico y la profundidad sociopatológica de Lang. Este largometraje doble es rápido,
hipnótico y profético: un thriller criminal y una película de acción futurista con un de-
lincuente como héroe. Mabuse emplea docenas de máscaras y manipula la bolsa de
valores con miedo y trucos sucios: cualquier parecido con hechos o personas reales es
“pura coincidencia y producto de una imaginación afiebrada”.
Mabuse is the dark hero of Weimar cinema. Full of charisma, sardonic charm and nasty
ideas, he is the wicked genious of crime –a German Fantomas. Fritz Lang shot four
Mabuse films, including his very last film in 1960. Other directors tried as well, but never
reached Lang’s superb ability and social-pathological depth. This double-feature is fast,
hypnotic and prophetic: a futurist crime thriller and action movie with a criminal as hero.
Mabuse is wearing dozens of masks and manipulating the stock market with fear and
dirty tricks: any similarities to actual persons or events are “merely coincidental and the
product of a feverish imagination.”
 MARIO MONICELLI
100 AÑOS DE CINE
mario monicelli
100 YEARS OF CINEMA
 retrospectivas y focos | retrospectives & focus
Mario Monicelli - 100 Años de Cine
Mario Monicelli - 100 Years of Cinema
A pesar de que la visitó una sola vez, Mario Monicelli ama-
ba Argentina. En el centenario de su nacimiento, el Bafici le
rinde homenaje a este maestro del cine italiano. Un autor
en el sentido más integral de la palabra, dado que él mismo
escribió la gran mayoría de sus películas. Había comenzado
su carrera en la década del treinta, como director de corto-
metrajes estudiantiles y como asistente de dirección. En los
años cuarenta, ya se había establecido como un guionista
prolífico y creativo, antes de pasar a la dirección de largo-
metrajes en dupla con el gran humorista Steno. En los cin-
cuenta, dirigió varios films muy exitosos, entre ellos, obras
maestras como Los desconocidos de siempre y La gran
guerra. De los sesenta en adelante, tuvo la libertad de elegir
temas de fuerte impacto social, que presentó de una manera
accesible para el gran público.
Nunca dejó de “divertir instruyendo”, o sea, de hacer reír
ya veces llorar, transmitiendo su propia visión del mundo.
Una visión poderosamente anticonformista, opuesta diame-
tralmente a las “ideas recibidas” sobre la Primera Guerra
Mundial, sobre el machismo y el feminismo, sobre el trabajo
y el desempleo, sobre la industria y el poder, sobre la familia,
la juventud, la inteligencia, la vejez y la amistad. Gracias a
sus espléndidos films, de estilo elegante y refinado, Mario
Monicelli ha dejado una impronta indeleble.
Lorenzo Codelli
372 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Despite the fact that he visited only once, Mario Monicelli
loved Argentina. In the centennial of his birth, Bafici pays
tribute to this master of Italian cinema. He was an au-
teur in the most comprehensive sense of the word, as he
wrote most of his films. He started his career in the Thir-
ties directing student short films and working as an as-
sistant director. In the Forties, he was already established
as a prolific and creative scriptwriter when he jumped to
filmmaking in a duo with the great comedian Steno. In
the Fifties, he directed several successful films, including
masterpieces like Big Deal on Madonna Street, and The
Great War. From the Sixties on, he had the freedom to
choose high social impact issues, which he presented in
an accessible way for the general public.
He never stopped “entertaining while educating”, which
was actually making people laugh and cry by communi-
cating his own view of the world. A view that was power-
fully non-conformist, and absolutely opposed to the “in-
herited notions” about the First World War, machismo and
feminism, labor and unemployment, industry and power,
family, youth, intelligence, old age, and friendship. Thanks
to his splendid, elegant, and refined films, Mario Monicelli
has left an indelible mark.
LC
 Mario Monicelli - 100 Años de Cine
Vida de perros
Vita da cani
It’s a Dog’s Life
Después del rodaje de È arrivato il cavaliere! (1950), Monicelli y
Steno dirigen un argumento coral en torno al mundo de la revista
y de los espectáculos de variedades de tercera o cuarta categoría.
Un mundillo que, pese a todas sus limitaciones artísticas, había
gozado de gran prestigio durante los años veinte y treinta del siglo
pasado, pero que, tras la crisis de la Segunda Guerra Mundial y la
llegada del cine americano, de la televisión y de otras formas de
ocio en los cincuenta, comenzaría un largo período de decadencia
en toda Europa a partir de esas fechas. El film gira, precisamente,
alrededor del inicio de este proceso de decadencia y muestra las
difíciles condiciones de vida de una compañía de revistas, dirigida
por un cómico bonachón, cuyas andanzas son más propias de la
literatura picaresca que de la dramaturgia del espectáculo. Se
trata de una alabanza y, sobre todo, de un homenaje a la gente
de las variedades que tendrá su correlato en otra famosa película
sobre el mismo tema aparecida durante ese año: Luces de varie-
té, de Federico Fellini y Alberto Lattuada. Antonio Santamarina
Italia - Italy, 1950 / 99’ / DM / B&N
Italiano - Italian
D: Steno, Mario Monicelli G: Sergio Amidei, Aldo Fabrizi,
Ruggero Maccari, Mario Monicelli, Steno F: Mario Bava
E: Mario Bonotti DA: Flavio Mogherini S: Aldo Calpini,
Kurt Doubrowskj M: Nino Rota P: Clemente Fracassi, Carlo Ponti
CP: Carlo Ponti Cinematografica I: Aldo Fabrizi, Gina Lollobrigida,
Delia Scala, Marcello Mastroianni, Tamara Lees
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
After shooting È arrivato il cavaliere! (1950), Monicelli and Steno
directed this choral film set in the world of third –or fourth– rate
provincial vaudeville shows, a genre which, for all its artistic limita-
tions, had been immensely popular in the 1920s and 1930s, but
which had entered a decline throughout Europe after the Second
World War, with the arrival of American films, and the advent of
television and other forms of entertainment in the 1950s. Moni-
celli and Steno’s film focuses on the beginning of this decline as
it affects a particular revue company led by an easygoing comic,
whose adventures were more in the picaresque tradition than that
of the theatre. The film was intended as a celebration and a trib-
ute to variety performers, and in this it resembled another film
released that same year, Variety Lights, by Federico Fellini and
Alberto Lattuada. AS
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373
 Mario Monicelli - 100 Years of Cinema
Casanova ‘70
Divertida y seductora comedia sobre los riesgos del deseo, Casa-
nova 70 sigue las aventuras románticas de Andrea (Marcello Mas-
troianni, quién más) en su intento por lidiar con una desafortunada
y bastante inusual patología sexual. Parece que Andrea solo pue-
de excitarse cuando se encuentra en peligro, lo cual causa todo
tipo de problemas con las diversas mujeres que conoce. Con una
estructura episódica, el guion hace foco en los varios devaneos
de Andrea y sus hermosas conquistas a medida que busca situa-
ciones cada vez más precarias en las cuales saciar sus deseos.
Ver a Mastroianni moverse sigilosamente para que no lo agarren
deviene en grandes momentos de comedia física. El actor maneja
el rol con carisma y bufonería, en una comedia física reforzada
por el uso humorístico del bloqueo y la composición que maneja
Monicelli. Movimientos de cámara deliberados, posicionamientos
psicológicos, y objetos cuidadosamente colocados en el set son
todos elementos bien aprovechados, incluida una particularmente
divertida instancia que involucra un espejo que instantáneamente
expone a Andrea en medio de una mentira. Steven Cohen
Italia - Italy, 1965 / 107’ / DM / Color
Italiano - Italian
D: Mario Monicelli G: Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Mario Monicelli,
Tonino Guerra, Giorgio Salvioni, Suso Cecchi d’Amico F: Aldo Tonti
E: Ruggero Mastroianni DA: Mario Garbuglia S: Franco Bassi
M: Giorgio Calabrese, Pino Massara P: Carlo Ponti
CP: Euro International Film, Compagnia Cinematografica Champion,
Les Films Concordia I: Marcello Mastroianni, Virna Lisi,
Enrico Maria Salerno, Bernard Blier, Michèle Mercier
374 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A funny and tantalizing comedy about risky desire, Casanova 70
follows the romantic exploits of Andrea (Marcello Mastroianni,
who else) as he tries to deal with an unfortunate and fairly unusual
sexual condition. It seems that Andrea can only become aroused
when he is in a dangerous situation, and this leads to all sorts
of problems with the various women he encounters. Episodic in
structure, the script focuses on Andrea’s various dalliances with
beautiful conquests as he seeks out increasingly precarious situa-
tions in order to satiate his desires. Watching Mastroianni attempt
to sneak around without being caught leads to some great bits of
physical comedy. The actor handles the role with charisma and
buffoonery. Bolstering the physical comedy is Monicelli’s humor-
ous use of blocking and composition. Deliberate camera move-
ments, physical positioning, and well placed objects within the
set are all used to great effect, including a particularly amusing
instance involving a mirror which instantly exposes Andrea in the
middle of a lie. SC
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 Mario Monicelli - 100 Años de Cine
Un burgués pequeño, pequeño
Un borghese piccolo, piccolo
An Average Little Man
El origen fue la novela homónima de Vincenzo Cerami, futuro
guionista de las películas de Benigni, pero que por esa época
era sobre todo el ex alumno de Pasolini. Y no es casual que el
libro siga la estela de su reflexión sobre una sociedad italiana en
profunda transformación: el protagonista es un gris y mezquino
funcionario ministerial en los umbrales de la jubilación, que ve
cómo matan a su único hijo y secuestra al culpable para torturarlo
hasta la muerte. La primera apuesta fuerte del film fue la de acep-
tar en su totalidad la provocación del libro, presentando quizás por
primera vez al italiano medio como un auténtico monstruo. La se-
gunda audacia fundamental fue la de escoger como protagonista
a Alberto Sordi, que no era solo el mayor símbolo de la comedia
a la italiana, sino también la encarnación más ejemplar, amada y
popular de la romanidad en la pantalla. “Jugué una carta bastante
arriesgada”, admitió después Monicelli, “porque podía parecer un
film fascista; el peligro consistía en haber elegido a Sordi, porque
si hubiese tomado a Volonté se habría convertido fácilmente en un
personaje odioso”. Renato Venturelli
Italia - Italy, 1977 / 122’ / 35mm / Color
Italiano - Italian
D: Mario Monicelli G: Mario Monicelli, Sergio Amidei F: Mario Vulpiani
E: Ruggero Mastroianni DA: Lorenzo Baraldi M: Giancarlo Chiaramello
P: Luigi De Laurentiis, Aurelio De Laurentiis
CP: Auro Cinematografica I: Alberto Sordi, Shelley Winters, Romolo Valli,
Vincenzo Crocitti, Renzo Carboni
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
The movie is based on the novel of the same name by Vin-
cenzo Cerami, the future screenwriter of Benigni films, although
at the time he was primarily Pasolini’s ex pupil. And it is no
coincidence that the book places itself at the core of reflection
on an Italian society in the throes of deep transformation: the
protagonist is a gray, mean ministerial clerk close to retirement
who sees how his only son is killed, then kidnaps the murderer
and tortures him to death. The film’s first strong decision was to
wholly accept the book’s provocation, perhaps for the first time
showing an average Italian as an authentic monster. The second
fundamental bold move was choosing Alberto Sordi as the pro-
tagonist, as he was not only the greatest symbol of Italian-style
comedy, but also the most emblematic, popular and most-loved
incarnation of a Roman character on screen. “I played a pretty
risky card” –Monicelli admitted– “because it could have been
misconstrued as a fascist film; the danger laid in having chosen
Sordi, because had I opted for Volonté the character could have
easily become loathsome.” RV
375
 Mario Monicelli - 100 Years of Cinema
Monicelli, la versione di Mario
Monicelli, Mario’s Version
Monicelli, la versión de Mario
“La mayor dificultad en la construcción del retrato de uno de los
autores más prolíficos y complejos del cine italiano radicaba sobre
todo en elegir cuáles aspectos íbamos a privilegiar entre tantos
posibles. Intentamos, en primer lugar, que Mario nos contara su
visión de la vida, tan intensa y rica, porque la vida es aquello a
lo que su cine está más intrínsecamente ligado. Luego tratamos
de enfocarnos en la modalidad de trabajo colectivo, que era uno
de sus puntos fuertes. El resultado es una visión inevitablemente
parcial e incompleta, pero, esperamos, sincera, directa y capaz
de dar cuenta de la naturaleza y de la honestidad infinita de un
hombre de otro tiempo que deja a todos, especialmente a los
jóvenes, algunas herramientas de enorme potencia para interpre-
tar el futuro y orientarse en él”. Annarosa Morri, Mario Gianni,
Wilma Labate, Felice Farina y Mario Canale
Italia - Italy, 2012 / 83’ / DM / Color
Italiano - Italian
D: Annarosa Morri, Mario Gianni, Wilma Labate, Felice Farina,
Mario Canale F: Andrea Bertini, Gabriele de Marco
S: Marcos Molina PE: Mario Canale, Felice Farina
CP: RAI Cinema, Cinecittà Luce, Surf Film
376 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
“The greatest difficulty in making a portrait of one of the most
prolific and complex auteurs of Italian cinema resided mostly on
choosing which aspects we would favor among so many pos-
sible ones. At first, we tried to have Mario tell us his intense
and rich vision of life, because life is what his cinema is most
intrinsically connected to. Then, we tried to focus on the collec-
tive work method, which was one of his strongpoints. The result
is an inevitably partial and incomplete vision, but we hope it will
be sincere, straightforward, and able to document the nature and
infinite honesty of a man from a different time who leaves behind
for everyone –especially young people– some very powerful tools
to read the future and find their way in it.” Annarosa Morri, Mario
Gianni, Wilma Labate, Felice Farina y Mario Canale
Contacto / Contact
Surf Film. Monica Giannotti
T +39 06 526 2101 E monica@surffilm.com W surffilm.com
 Mario Monicelli - 100 Años de Cine

Vicino al Colosseo… c’è Monti

Near the Colosseum... there’s Monti
Cerca del Coliseo... está Monti

El último trabajo documental de Monicelli se enmarca en lo
que podríamos denominar “cartas de amor fílmicas” a los
lugares que mejor conoce y aprecia. Vicino al Colosseo…
c’è Monti es un cortometraje de veintidós minutos en el que
Monicelli retrata el barrio romano en el que vive desde hace
veintidós años; la coincidencia numérica hace pensar en un
minuto filmado por año vivido. Producido por Gianvito Cas-
sadonte, director del Festival de Cine Magna Grecia, el corto
surgió del interés de la fotógrafa Chiara Rapaccini por mostrar
los cambios experimentados en Monti, un “piccolo paesino”
dentro de la urbe romana. Monicelli se sitúa entre el artista
que evoca y el paseante cotidiano, asumiendo las funciones de
un cicerón que habla con las gentes del barrio y penetra con la
cámara en aquellos lugares que le dan identidad. Quim Casas
Monicelli’s most recent documentary is within the framework of
what we might call a series of “filmic love letters” to the places
he knows best and appreciates most. Vicino al Colosseo… c’è
Monti is a 22-minute short in which Monicelli draws an affec-
tionate portrait of the Roman neighborhood in which he has lived
for twenty-two years; the numeric coincidence suggests a single
minute filmed each year. Produced by Gianvito Cassadonte, who
heads the Magna Grecia Film Festival, the project was inspired
by the interest of the photographer Chiara Rapaccini in showing
the changes in Monti, a “piccolo paesino” within Rome’s urban
sprawl. Monicelli directed it from the dual viewpoint of the artist
and the strolling pedestrian host who stops to chat with the locals
and uses the camera to probe the venues that lend the neighbor-
hood its character. QC

Italia - Italy, 2008 / 22’ / DCP / Color

Italiano - Italian
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D: Mario Monicelli G: Mario Monicelli, Chiara Rapaccini Istituto Luce - Cinecittà
P: Gianvito Cassadonte, Alessandro Cassadonte T +39 06 722 861 W cinecitta.com TW @LuceCinecitta

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 377

Perú: Radiografía
Fílmica de un País
Peru: A Country’s
Filmic X-ray
 retrospectivas y focos | retrospectives & focus
Perú: Radiografía
Fílmica de un País
Peru: A Country’s Filmic X-ray
¿Qué duda cabe de que la historia oficial es siempre la menos
confiable? Cualquier revisión histórica del cine peruano que
haya obviado algunas de las películas que colorean esta selec-
ción se ha privado del inquisidor placer de interpelar su propio
contexto a través de las imágenes que ha dejado el tiempo.
Desde la denuncia hasta la ironía, mediante realistas repre-
sentaciones socioculturales e íntimos autorretratos fílmicos,
cada título ensaya una muestra de la realidad nacional del
Perú de los últimos cuarenta años, que se aleja de cualquier
estadística macroeconómica o panfleto político en pos de
encontrar un punto de convergencia sobre cuestiones
human(ístic)as. Las que comprenden Perú: Radiografía Fíl-
mica de un País son películas que no se han ido, sino que
se nos acercan cada vez más. Hermoso es comprobar que,
con el pasar el tiempo, se han revelado como piezas repre-
sentativas de su época, cual vestigio de su histórica vigen-
cia, y han ido construyendo una memoria que se solidifica
manteniendo incandescente el recuerdo de lo que alguna
vez fuimos. E, incisivamente, bosqueja cómo somos ahora.
John Campos Gómez
Presentado por
Presented by
380 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
What doubt is there that the official story is always the less
reliable? Historical revisions of Peruvian cinema that leave
out some of the films that color this selection would be de-
prived from the inquisitive pleasure of questioning their own
context through the images time has left us.
From denunciation to irony, through realistic sociocultural
representations and intimate cinematic self-portraits,
each title tries out a sample of Peru’s national reality dur-
ing the last forty years, that abandons any kind of micro-
economic statistic or political demagogy in favor of find-
ing a point of convergence on human(ist) issues. Those
included in Peru: A Country’s Filmic X-ray are films that
haven’t gone, that have revealed themselves as charac-
teristic of their time, as a trace of their historical validity,
and have been building a memory that solidifies itself by
keeping alive the memory of what we once were. And,
incisively, sketches what we are now.
JCG
 Perú: Radiografía Fílmica de un País
Miss Universo en el Perú
Perú - Peru, 1982 / 40’ / DM / Color
Español - Spanish
D: María Barea, Fernando Barreto, Fernando Espinoza, Stefan Kaspar,
Alejandro Legaspi F: Alejandro Legaspi S: Fernando Espinoza
Contacto / Contact
Grupo Chaski
T +51 1 251 3404 E info@grupochaski.org W grupochaski.org
El primerísimo primer plano que abre Runan Caycu es demoledor:
la estética y la ética se entrelazan para convertirse en política. En
él, el dirigente sindical campesino Saturnino Huillca expresa, en
quechua, la indignación que lo impulsa a emprender una infati-
gable lucha por sus reivindicaciones sociales. El inicio esboza un
poético retrato subversivo que incita al levantamiento y la toma
de posición política. ¿Estamos o no estamos con Saturnino? El
resto de la película es la crónica de esas demandas que ilus-
tran una campaña que friccionó la siempre tensa relación entre
el campo y la ciudad. Por su parte, las películas del Grupo Chaski
y de Annichini exponen sus respectivos discursos sobre la base
de imaginarios contrastantes y contrapuestos. El emblemático
colectivo denuncia la cosificación de la mujer en los concursos
de belleza en contraposición a la condición humilde de la mujer
peruana de clase obrera; mientras que Annichini realiza la repre-
sentación paralela de un contexto de características paradisíacas
(pero también precarias) en la selva peruana con la emisión de
un ameno programa de radio local que, entre líneas, enuncia
ese frágil estado de convivencia. El Perú sigue siendo un país
de supervivientes, nos dicen estas películas varias décadas des-
pués. Irrebatiblemente, más que un cine de apariencia realista,
nos interpela otro con inquietudes humanísticas que el tiempo
empodera. John Campos Gómez
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Runan Caycu
Perú / Cuba - Peru / Cuba, 1974 / 37’ / DM / B&N
Quechua, Español - Spanish
D, P, PE: Nora de Izcue G: Nora de Izcue, Hugo Neira F: Jorge Suárez
E: Mirita Lores DA: Nora de Izcue S: ICAIC CP: SINAMOS, ICAIC
Contacto / Contact
Nora de Izcue Fuchs T +51 1 221 3121 E nizcue@speedy.com.pe
Radio Belén
Perú - Peru, 1983 / 11’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, E: Gianfranco Annichini F: Jorge Vignati S: Eugenio Prado,
Mario Rivas (Perfo Studio) P: Alberto Tello PE: Gianna Torringhi
Contacto / Contact
Gianfranco Annichini T +51 1 477 1433 E cineanic@gmail.com
The extreme close-up that opens Runan Caycu is demolishing:
aesthetics and ethics interlace in order to become politics. In it,
farmers’ union leader Saturnino Huillca expresses, in Quechua,
the anger that drives him to undertake a tireless struggle for his
social claims. This opening sketches a poetic subversive portrait
that incites uprising and taking a political stance. Are we or are
we not with Saturnino? The rest of the film is the chronicle of
these demands that illustrate a campaign that led to a friction in
the always-tense relationship between country and city. In turn,
the films by Grupo Chaski and Annichini expose their respective
discourse on the basis of contrasting and opposing imaginaries.
The iconic collective denounces the objectification of women in
beauty pageants as opposed to the humble condition of the Pe-
ruvian woman from a context of paradisiac (but also precarious)
characteristics in the Peruvian jungle with the broadcast of a local
radio show that, between the lines, enunciates that fragile state of
coexistence. Peru is still a country of survivors, these films tell us
many decades later. Irrefutably, we are addressed not by a cinema
of realistic appearance but, rather, by one of humanistic concerns
that time empowers. JCG
381
 Peru: A Country’s Filmic X-ray
Del verbo amar
Du verbe aimer
Spelling Love
Del verbo amar es un documental sensorial, represor, tanático.
Es un testimonio en primera persona, un intento de reconcilia-
ción, de dejar atrás el dolor y los malos recuerdos que la directora
ha llevado a cuestas durante muchos años debido a la compleja
relación que ha mantenido con su madre. Desde niña, Jiménez
vivió pendiente de la aprobación materna; por eso fue la primera
de la clase, asistió a terapia, aprendió pintura, música, estudió
arquitectura. Llegó lejos en la tarea de convertirse en alguien que
no quería ser, pero, a pesar de los esfuerzos, nunca pudo com-
placer los deseos maternos. Al estudiar cine en el extranjero se
alejó de su inquisidora madre; sin embargo, siguió pendiente de
su aprobación. Poco tiempo después de realizar su primer film,
su madre murió. Tras el duelo, Jiménez esperó varios años para
regresar a Perú y afrontar su dolor, para enfrentarse nuevamente
a la palabra amor. Aquel reto es esta película. Del verbo amar y
Loco Lucho (1998) forman un díptico alrededor del amor paternal
y la locura. Mauricio Godoy
Bélgica / Perú - Belgium / Peru, 1985 / 80’ / DM / Color
Español - Spanish, Francés - French
D, G: Mary Jiménez Freeman-Morris F: Rémon Fromont
E: France Duez PE: Javier Paquer Commyn, Carole Courtoy
CP: Centre de l’Audiovisuel à Bruxelles
382 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Del verbo amar is a sensorial, repressive, and thanatic documen-
tary. It’s a first person account, a reconciliation attempt to try and
overcome the pain and bad memories the director has carried
with her for many years due to the complex relationship she has
maintained with her mother. Ever since she was a child, Jiménez
was eager to maternal approval, and so she became the first in
her class, went to therapy, trained in art and music, and studied
Architecture. She went far in the career of becoming someone
whom she didn’t wanted to be, but despite her efforts she was
never able to please her inquisitive mother –and yet, she kept
on looking for her approval. Soon after making her first film, her
mother died. Following her mourning period, Jiménez waited sev-
eral years before returning to Peru and confront her grief, in order
to once again face the word love. That challenge is this film. Del
verbo amar and Loco Lucho (1998) form a diptych about fatherly
love and madness. MG
Contacto / Contact
Centre de l’Audiovisuel à Bruxelles. Javier Pacquer Commyn
T +32 2 227 2230 E foudesoleil@gmail.com W cbadoc.be
 Perú: Radiografía Fílmica de un País
Juliana
En una escena de Juliana, la joven protagonista mira una teleno-
vela y ve imágenes absurdas y alejadas de la realidad que conoce.
Esta escena recuerda a otras de Miss Universo en el Perú (tam-
bién incluida en esta sección); en las que se refleja una contradic-
ción y se cuestiona al espectador en el orden de lo sociocultural.
El estilo de Juliana fue una prolongación del trabajo del Grupo
Chaski en el documental; es por eso que para el casting se esme-
raron en la elección de rostros anónimos entre verdaderos niños
de la calle, actores de teatro marginal y gente del barrio. Los per-
sonajes de Juliana sobreviven a la miseria y a la desocupación de
la Lima suburbana del primer gobierno aprista, y parecieran estar
destinados a intercambiar una forma de explotación por otra. La
frase que dice uno de los niños: “Señora, más y más inflación: los
precios se inflan y los platos se desinflan”, nos recuerda a una
época en la que el país tocó fondo, y de la que esta película es un
testimonio crítico valiosísimo. Nicolás Carrasco
Perú - Peru, 1989 / 85’ / DM / Color
Español - Spanish
D: Fernando Espinoza, Alejandro Legaspi G: René Weber
F: Danny Gavidia E: Roberto Aponte DA: Esteban Mejía
S: Mario Rivas, Daniel Padilla M: José Bárcenas P: Stefan Kaspar
CP: Grupo Chaski, ZDF I: Rosa Isabel Morfino, Julio Vega, Maritza Gutti,
Guillermo Esqueche, Edward Centeno
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In one scene in Juliana, the young title character watches a soap
opera and sees some absurd images that are far from the reality
she knows. This moment reminds of scenes from Miss Universo
en el Perú (also included in this section) where a contradiction is
revealed and the audience is questioned socio-culturally. The style
of Juliana was an extension of Grupo Chaski’s documentary work
–that is why they cast anonymous faces that included real street
kids, marginal theater actors and people from the neighborhood.
The characters in Juliana survive the misery and unemployment
of suburban Lima during the first Aprista government, and they
seem destined to exchange one form of exploitation for another.
The phrase one of the kids says, “Ma’am, more and more inflation:
prices inflate and plates deflate,” reminds us of a time in which
the country hit rock bottom, and of which this film is a very valu-
able critical testimony. NC
Contacto / Contact
Grupo Chaski
T +51 1 251 3404 E info@grupochaski.org W grupochaski.org
383
 Peru: A Country’s Filmic X-ray
Metal y melancolía
Metaal & melancholie
Metal & Melancholy
Metal y melancolía es un retrato clasemediero de la ciudad de
Lima y de la situación social en la que se estaba viviendo a
principios de los noventa, años de crisis extrema, hiperinflación
y violencia política. En este contexto, Honigmann encuentra un
dispositivo para retratar con gran sencillez la complejidad de
aquellos días. Acompañada por un camarógrafo y un sonidista en
el asiento posterior, la directora recorre las calles limeñas en di-
versos taxis, mientras conversa con profesionales desempleados,
policías retirados, actores con mucho tiempo libre; personas que,
debido a la crisis generalizada del país, se vieron obligadas a salir
a la calle en sus coches con un sticker de “taxi” en el parabrisas
para así buscar un ingreso extra (si no único) para sus respectivos
hogares. Un trabajo de investigación depurado y un dominio en
el arte de la conversación nos permiten apreciar, posiblemente,
el mejor retrato que se ha hecho de Lima y sus habitantes; un
retrato agridulce que combina nuestra ilusión e inocencia en es-
pera de tiempos mejores con nuestra irracional dureza para poder
sobrevivir a las inclemencias del día a día. Mauricio Godoy
Holanda - Netherlands, 1993 / 80’ / DM / Color
Español - Spanish
D: Heddy Honigmann G: Peter Delpeut, Heddy Honigmann F: Stef Tijdink
E: Danniel Danniel, Jan Hendriks S: Piotr van Dijk P: Suzanne van Voorst
CP: Ariel Film Productions, Inca Film
384 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Metal & Melancholy is a middle class portrait of the city of Lima
and the situation society was living in the early Nineties: years of
extreme crisis, hyperinflation, and political violence. In this con-
text, Honigmann finds a way to depict the complexity of those days
with great simplicity. The director wanders through the streets of
Lima on the back seat of different cabs, with a camera man and
sound tech, while conversing with unemployed professionals, re-
tired police officers, actors with lots of free time –people who, due
to the country’s overall crisis, were forced to get in their cars and
out to the streets with a sticker that reads taxi in the windshield,
seeking an extra (or only) income for their homes. The stripped-
down research and her domain of the art of conversation allow us
to appreciate what is possibly the finest portrait of the city of Lima
and its citizens. It’s a sweet-and-sour portrait that combines illu-
sion and the innocence and hope for better times with the irratio-
nal hardness needed to survive the harshness of everyday life. MG
Contacto / Contact
Ariel Film. Suzanne van Voorst
E svvoorst@xs4all.nl
 Perú: Radiografía Fílmica de un País
Días de Santiago
Days of Santiago
La ópera prima de Josué Méndez es al cine peruano lo que Pizza,
birra, faso fue al cine argentino: el punto de inflexión entre el pa-
sado y el futuro, entre una retórica anquilosada y un nuevo realis-
mo, atento al habla popular, a la materialidad del paisaje urbano, a
la sensibilidad de una generación que no pisa los treinta años. En
esta suerte de Taxi Driver limeña, Santiago (Pietro Sibille, ganador
por esta película del premio al Mejor Actor de la Competencia
Internacional del Bafici ‘04, y también de los festivales de cine de
Lima, Cuenca, Bratislava, Providence y San Juan de Puerto Rico)
es un ex combatiente –contra la guerrilla, contra el Ecuador– que
siente que todo a su alrededor es hostil y que la única manera de
sobrevivir en esa jungla humana es luchando, como un soldado.
Catálogo Bafici ‘04
Perú - Peru, 2004 / 83’ / 35mm / Color - B&N
Español - Spanish
D, G: Josué Méndez F: Juan Durán E: Roberto Benavides
DA: Eduardo Camino S: Francisco Adrianzen M: Mogambo,
Afrodisíaco, Manuel Larroche P: Josué Méndez, Enid Campos
PE: Josué Méndez CP: Chullachaki Producciones I: Pietro Sibille,
Milagros Vidal, Marisela Puicón, Ricardo Mejía, Lili Urbina
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Josué Méndez’ film debut is to Peruvian cinema what Pizza, birra,
faso was to Argentine cinema: the turning point between the past
and the future, between an anchylosed rhetoric and a new realism
attentive to the folklore, to the corporality of the urban landscape,
to the sensibility of a generation that is in its late twenties. Some
sort of Taxi Driver from Lima, Santiago (Pietro Sibille, who won
with this film the Best Actor award of the International Competition
at Bafici ‘04, and also at the Lima, Cuenca, Bratislave, Providence
and San Juan, Puerto Rico’s film festivals) is an ex combatant
–against the guerrilla, against Ecuador– who feels everything
around him is hostile. And the only way to survive in that human
jungle is fighting, like a soldier. Bafici ‘04 catalogue
Contacto / Contact
Chullachaki Producciones. Josué Méndez
T +51 999 666 434
E josuemendez@hotmail.com - josue@chullachaki.com
385
 Peru: A Country’s Filmic X-ray
Paraíso
En los márgenes de Lima, un grupo de cinco adolescentes (tres
varones y dos chicas) trata de sobrevivir frente a las casi nulas
posibilidades sociales que ofrece el presente. Ninguno pierde su
capacidad para enfrentar cualquier adversidad, ni para soñar con
un cambio que altere su existencia estancada en el barrio po-
bre Jardines del Paraíso, donde la llegada de un circo es casi
un fenómeno impensado. Sin acercarse al miserabilismo, Héctor
Gálvez logra que el conflicto de cada personaje tenga un peso
muy específico, iluminando zonas distintas de la desesperación, la
esperanza, la banalidad y la tragedia de los excluidos. En Paraíso
hay mucha firmeza para conseguir un realismo cinematográfico
sofisticado y libre, capaz de soportar planos fijos de larga dura-
ción con una cámara en mano de pulso documental. Pero tam-
bién, la película se sacude todos aquellos vicios formalistas y las
falencias del cine latinoamericano para trazar un relato múltiple
pero esencial, que no pierde la dimensión social ni su marco de
pertenencia, omnipresente en ese paisaje peruano plenamente
cinematográfico. Catálogo Bafici ‘10
Perú - Peru, 2009 / 91’ / 35mm / Color
Español - Spanish, Quechua
D, G: Héctor Gálvez F: Mario Bassino E: Eric Williams
DA: Iván Lozano S: Pancho Adrianzen M: Lalo Williams
P: Enid Campos, Josué Méndez PE: Enid Campos, Josué Méndez
CP: Chullachaki Producciones I: Yiliana Chong, Joaquín Ventura,
José Luis García, Gabriela Tello, William Gómez
386 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In the marginal areas of Lima, a group of five teenagers (three
boys and two girls) tries to survive faced with the almost nil so-
cial chances the presents has to offer them. None of them loses
their ability to face all adversities and dream with a change that
would alter their existence, stuck as it is in the poor neighborhood
Jardines del Paraíso, where the arrival of a circus is almost an un-
thinkable event. Keeping away from any mere depiction of miser-
able conditions, Héctor Gálvez manages every character’s conflict
to have its own very specific gravity, illuminating different areas
of despair, hope, banality, and the tragedy of social castaways.
Paradise features a very steady hand that is able to build a so-
phisticated and free cinematographic realism, one that is capable
of sustaining long fixed shots with a documentary-style hand-held
camera. But also, the film dusts off all those formal bad habits
and shortcomings of Latin American cinema, and sets a multiple
but essential storytelling without ever losing focus of its social
dimension or context of belonging, which is omnipresent in the
fully cinematographic Peruvian landscape. Bafici ‘10 catalogue
Contacto / Contact
Chullachaki Producciones. Héctor Gálvez
T +51 997 538 567 E batuteador@gmail.com
 Perú: Radiografía Fílmica de un País
Lima bruja. Retratos de la
música criolla
Enchanted Lima. Portraits of Criollo Music
En uno de los últimos planos de Lima bruja, la voz en off del
director nos dice que “el tiempo era nuestro peor enemigo”, refi-
riéndose a que cada músico criollo que muere se lleva una parte
de la música criolla con él. Esta es una preocupación a la que el
film vuelve una y otra vez. Lima bruja nos permite descubrir desde
adentro el mundo de estos viejos jilgueros: sus callejones, sus
jaranas y sus tradiciones. Como una representación social e his-
tórica de una generación, el documental preserva un legado, pero
no se complace en él. Representa una Lima en extinción, abs-
traída de lo contemporáneo, y celebra con admiración, pero sin
melancolía ni patetismo, a una generación que no tiene recambio.
Aunque el guion nos diga que la música criolla nunca morirá, el
documental mismo evoca nostálgicamente un tiempo pasado que
vive sus últimos días en el presente. Lima bruja es un testimonio
histórico de una época que nos deja atrás a gran velocidad, pero,
al igual que el niño que recibe el palmazo cariñoso en la escena
más emotiva, debemos recordar que a los que ya no están se los
invoca con jarana, y no con lágrimas. Nicolás Carrasco
Perú - Peru, 2012 / 81’ / DM / Color - B&N
Español - Spanish
D: Rafael Polar Pin G, E: Javier Becerra Heraud, Rafael Polar Pin
F: Carlos De La Cadena P, PE: Rafael Polar Pin,
Fernando Urquiaga Heineberg CP: Tamare Films, Sayariy Producciones
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
One of the shots in Lima bruja features the voice over of the direc-
tor telling us that “time was our worst enemy.” He’s referring to
the fact that every creole musician who dies takes away a part
of creole music along with him. The film would return to this is-
sue over and over. Lima bruja allows us to discover the world of
these old goldfinches from the inside: their alleys, roisters, and
traditions. As a social and historical representation of a genera-
tion, the documentary preserves a legacy but doesn’t revel in it.
It represents a portion of Lima that is on the verge of extinction
and abstracted from contemporary life, and also celebrates –with
admiration but no melancholy or pathetic view– an irreplaceable
generation. Although the scrip tells us creole music will never die,
the documentary itself nostalgically evokes a past time that is now
seeing its last days. Lima bruja is a historical testimony of a time
that leaves us behind at grand speed, but –just like a child receiv-
ing a loving pad in the back– we must remember that those who
are gone are to be remembered with roisters, not tears. NC
Contacto / Contact
Tamare Films. Rafael Polar Pin
T +51 1 251 3568 +51 987 431 333
E rafaelpolar@hotmail.com - lecuqsportif@yahoo.com.br
FB limabruja
387
 Peru: A Country’s Filmic X-ray
Solo un cargador
Porter
Perú - Peru, 2003 / 20’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, F, E, S, P, PE: Juan Alejandro Ramírez
M: Fernando Sor, Frédéric Chopin
CP: OTROtono
El cine de Juan Alejandro Ramírez es como una extensión poética
del sentir de los desposeídos sobre los que reposa su mirada.
Viajero infatigable, Ramírez no ejerce de excursionista con cáma-
ra en mano ni mucho menos de etnógrafo circunstancial. Lo suyo
es intentar hallar en el otro un reflejo de sus propias inquietudes.
Evocarse a través de lo ajeno. En Me dicen Yovo (1995), film dia-
rio de su paso por Benin, reproduce la extrañeza que le provocó
enfrentarse a una cultura tan distinta como lejana. De esa fricción
nace una película narrada en tono extraviado y quebradizo. En
cambio, con Solo un cargador (2004) asume la doliente perspec-
tiva de un cargador cusqueño ignorado por un sistema económico
y racialmente jerarquizado. Es una película frágil que convierte su
indignación en una penetrante exclamación de justicia. Mientras
tanto, Nadie especial (2013) alza la voz en quechua y lamenta el
desapego de las nuevas generaciones en negación a lo rural, a lo
andino. El desarraigo contradice la identidad y la hace desapare-
cer. Aunque hermosa, Nadie especial es una desesperanzada pe-
lícula que llora. Y también nos lo provoca. John Campos Gómez
Contacto / Contact
OTROtono. Juan Alejandro Ramírez
T +1 212 706 8144 E ramirez@otrotono.com W otrotono.com
388 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Me dicen Yovo
I’m a Yovo
Perú - Peru, 1995 / 35’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, F, E, S, P, PE: Juan Alejandro Ramírez
M: Pierre Akendengue, Papa Wemba, Erik Satie
CP: OTROtono
Nadie especial
Nobody Special
Perú - Peru, 2013 / 23’ / DCP / Color
Quechua
D, G, F, E, S, P, PE: Juan Alejandro Ramírez
M: Francisco Tarrega, Franz Schubert, P.I. Tchaikovsky
CP: OTROtono
Juan Alejandro Ramirez’s cinema is like a poetic extension of his
empathy for the outcasts to which he directs his eyes. A tireless
traveler, Ramirez is neither a camera-holding excursionist nor a
circumstantial ethnographer. His job is to search and find in others
a reflection of his own concerns –to evoke himself through other
people. A film journal of his passage through Berlin, Me dicen
Yovo (1995) reproduces the strangeness he felt when faced with a
culture as different as it is distant. The friction results in a film that
is narrated in a wayward and brittle tone. With Solo un cargador
(2004) he instead assumes the hurting perspective of a carrier
from Cusco who is ignored by a racially-ranked economic system.
It’s a fragile film that turns his indignation into a penetrating cry
for justice. Meanwhile, Nadie especial (2013) raises a quechua-
speaking voice and laments the new generation’s detachment
from rural and Andean life. The uprooting contradicts the identity,
and causes its disappearance. Although beautiful, Nadie especial
is a hopeless film that cries. And makes us cry too. JCG
Talents ba - 10 años
Talents ba - 10 years
 retrospectives & focus
talents ba - 10 años
talents ba - 10 years
Diez años de cine en Sudamérica
Podríamos empezar describiendo de qué se trata el Talent
Campus (ahora Talents Buenos Aires), o bien enumerando su
crecimiento y desarrollo en los últimos años. También po-
dríamos relatar sus diversas actividades, cambios y logros,
pero en esta ocasión preferimos darles la palabra a los par-
ticipantes de las diferentes ediciones del Talents BA, porque
queremos que sus películas hablen por nosotros. Nos enor-
gullecemos de poder revelar las consecuencias de diez años
de fomentar la reflexión y discusión sobre cine en la región,
y de celebrar estas diez ediciones con la premier mundial de
un largometraje colectivo y la exhibición de dos programas
de cortometrajes inéditos para Bafici, todos realizados por
participantes de alguna de las nueve ediciones anteriores
del Talents BA.
Creemos que los tres programas de películas que se exhibi-
rán reflejan una de las claves del Talents: la diversidad. Pero
diversidad entendida en un sentido amplio y no como un
valor en sí mismo; más bien como una forma de exponer la
tensión entre los cineastas, sus orígenes e identidades y la
forma en que sus películas los reflejan. Se trata de cineastas
que provienen de una misma región que puede distinguirse
en cada una de sus películas, las cuales no por eso son cos-
tumbristas ni están sostenidas por el esteticismo localista.
Por un lado, se estrenará un largometraje realizado espe-
cialmente para conmemorar la edición aniversario, tras una
convocatoria especial a realizadores que han pasado por el
Talents BA y hoy ya cuentan con una trayectoria reconocida
392 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
internacionalmente. Esta película está conformada por ma-
teriales diversos en cuanto a formatos, géneros, nacionali-
dades y perspectivas, que componen una narración basada
en la visión de cada realizador acerca de la realidad contem-
poránea de su oficio.
Por otro lado, presentamos dos programas de cortometrajes
que acompañan el estreno del film colectivo. Estas películas,
dirigidas por participantes del Talents BA, son estrenos en
Bafici, aunque todas cuentan con una trayectoria en festiva-
les y muestras realizadas anteriormente. El conjunto traza,
de algún modo, un mapa de los últimos diez años del cine
producido en la región. Se incluyen materiales de distintas
duraciones que experimentan con los formatos y los géne-
ros, y ponen en crisis cualquier clasificación apriorística.
Nos entusiasma la presentación de estos programas en la
17° edición de Bafici, ya que nos ayuda a consolidar la larga
y fructífera colaboración que ha ido profundizándose edición
tras edición.
¡A seguir sumando más ediciones y películas!
Agustina Arbetman y Manuel Ferrari
Coordinadores de programación de Talents Buenos Aires
El Talents Buenos Aires es realizado por la Universidad del
Cine, en colaboración con el Berlinale Talents, el apoyo de
Bafici, el Goethe-Institut Buenos Aires y el BAL.

Ten Years of Film in South America
We could start off by describing what the Talent Campus
(now Talents Buenos Aires) is about or, rather, by summa-
rizing its growth and development over the past few years.
We could also relate its diverse activities, changes and ac-
complishments but, on this occasion, we prefer to give the
floor to the participants of the different editions of Talents
BA, because we want their films to speak for us. We are
proud of being able to reveal the consequences of ten years
of promoting reflection and discussion on the cinema of the
region, as well as celebrating these ten editions with the
world premiere of a collective feature and the showing of
two programs of some short films that will be screened at
Bafici for the first time, all of them made by participants from
any of the nine previous editions of Talents BA.
We believe that the three film programs that will be screened
reflect one of the key elements at Talents: diversity. But a di-
versity extended in a broad sense and not as a value in itself
–rather, as a way of presenting the tensions between the
filmmakers, their origins and identities and how their films
reflect them. They are filmmakers who come from the same
region, which can be distinguished in each of their films. But
that doesn’t make them costumbrists nor held together by
localist aestheticism.
First, we have the premiere of a feature that was specifically
made to commemorate the anniversary, after a special call
to filmmakers that have taken part in Talents BA and now
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
retrospectivas y focos
have an internationally renowned body of work. This film has
a diversity of material regarding formats, genres, nationali-
ties and perspectives that make up a narrative based on the
each filmmaker’s vision on the contemporary reality of their
craft.
Secondly, we will present two short-film programs that ac-
company the premiere of the collective film. These films, di-
rected by participants of Talents BA, will be shown at Bafici
for the first time, even though all of them have had their run
at festivals and exhibits held beforehand. This group of films
traces some kind of map of the cinema produced in the re-
gion in the past ten years. It includes material of different
running times that experiments with formats and genres and
challenges any kind of a priori classification.
We are excited about presenting these programs at the 17 th
edition of Bafici, given that it helps us consolidate the long,
fruitful collaboration that has strengthened year after year.
Let’s continue adding editions and films!
AA & MF
Programming coordinators at Talents Buenos Aires
Talents Buenos Aires is held by the Universidad del Cine,
in collaboration with Berlinale Talents, with the support of
Bafici, the Goethe-Institut Buenos Aires and BAL.
393
 Talents ba - 10 years

programa de CORTOS | SHORT programa de CORTOS | SHORT

FILMS PROGRAM 1 FILMS PROGRAM 2

Transitório Un fotógrafo
Brasil - Brazil, 2007 Chile, 2012
15’ / DM 25’ / DM
D: Alex Cruz Cusihuamán, Rodrigo Cesar Tangerino D: Sergio Castro

Ana y Mateo Conejo miró la ruta

Argentina, 2010 eligió cruzar
17’ / DM
Argentina, 2004
D: Natural Arpajou 16’ / DM
D: Rodrigo Guerrero
It’s in Your Eyes
Perú / España - Peru / Spain, 2011 Anosognosia
6’ / DM
Brasil / Cuba - Brazil / Cuba, 2013
D: Sergio García Locatelli 3’ / DM
D: Víctor Quintanilha
In Between
Bolivia, 2010 1978 (intensidad histórica)
6’ / DM
Colombia, 2014
D: Juan Álvarez Durán 4’ / DM
D: Carlos Armando Castillo
Los camarones tienen el
corazón en la cabeza Hijos de la tierra
Chile, 2014 Perú - Peru, 2014
26’ / DM 15’ / DM
D: Felipe Carmona Urrutia D: Diego Sarmiento

La nube
Argentina, 2011
10’ / DM
D: Paulo Pécora

394 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 Talents ba - 10 años

Miradas desde Sudamérica,

diez años del Talents Buenos Aires
Glances from South America, Ten Years of Talents BA

Argentina / Bolivia / Brasil - Brazil / Chile / Colombia / Ecuador /

Paraguay / Perú - Peru / Uruguay / Venezuela, 2015
50’ / DCP / Color - B&N
Español - Spanish, Mandarín - Mandarin
D: Maite Alberdi, Ricardo Alves Jr, Daniela Delgado Viteri, Contacto / Contact
Juan Daniel F. Molero, Nicolás Grosso, Miguel Hilari, Juan Martín Hsu, Talents Buenos Aires / Universidad del Cine
Mariano Luque, Paulo Pécora, Alex Piperno T +54 11 4300 1413 -138
P: María Marta Antín, Agustina Arbetman, Manuel Ferrari E talent@ucine.edu.ar - produccion.talents@ucine.edu.ar
PE: Mónica Pérez CP: Talents Buenos Aires, Universidad del Cine W talentsba.ucine.edu.ar

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 395

museo bafici
bafici museum
 bafici museum
MUJER DE MUCHOS ROSTROS:
ISABELLE HUPPERT
Woman of Many Faces: Isabelle Huppert
Centro Cultural Recoleta
Sala C
© Peter Lindbergh
“Mujer de muchos rostros: Isabelle Huppert” es una serie
de variaciones sobre un único tema: la imagen de la actriz
francesa Isabelle Huppert. Huppert ha protagonizado más
de 80 películas internacionales de directores como Jean-
Luc Godard, Claude Chabrol, Michael Haneke y Benoît
Jacquot. Igual de prolífica como modelo fotográfico, Hu-
ppert ha posado para muchos de los mejores fotógrafos
del mundo, en contextos tan diversos como el fotoperio-
dismo, la fotografía de moda y la de cine, teatro y video.
Las obras de esta muestra, que abarcan desde 1968 has-
ta el presente, reflejan la afinidad personal entre el artista
y la musa esencial para la práctica del retratismo. Aunque
todos comparten la misma modelo, cada artista consigue
crear un “momento decisivo” único. Los intentos indivi-
duales de capturar la belleza natural de Huppert, sin em-
bargo, mantienen la tensión entre nuestra conciencia de
sus profundamente complejas y atractivas actuaciones
400 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
cinematográficas y la insinuación de su verdadero ser.
“Mujer de muchos rostros” es un examen fascinante de
la versatilidad de Huppert y los artistas que trabajan con
ella. La muestra, curada por Ronald Chammah y Jeanne
Fouchet, ha sido descrita como una “historia del retrato
fotográfico en las últimas décadas del siglo XX”.
“Woman of Many Faces: Isabelle Huppert” is a series of
variations on a single theme, the image of the French ac-
tress Isabelle Huppert. Huppert has starred in over 80 inter-
national films by directors such as Jean-Luc Godard, Claude
Chabrol, Michael Haneke and Benoît Jacquot. Equally prolific
as a photographic subject, Huppert has sat for many of the
world’s greatest photographers, appearing in such diverse
contexts as photojournalism, fashion photography, cinema
and theatre photography, and video.
Spanning from 1968 to the present day, works in this exhibi-
tion reflect the personal kinship between artist and muse
integral to the practice of portraiture. Though all sharing the
same subject, each artist successfully creates a singular
“decisive moment”. Individual attempts at capturing Hup-
pert’s natural beauty, however, maintain a tension between
our awareness of her deeply complicated and compelling
cinematic performances and the intimation of her true self.
“Woman of Many Faces” is a fascinating examination of the
versatility of Huppert and the artists who work with her. The
exhibition, curated by Ronald Chammah and Jeanne Fouchet,
has been described as a “history of the photographic portrait
in the last decades of 20 th Century”.
 museo bafici

Pelicónicas (afiches de cine)

Pelicónicas (film posters)
Centro Cultural Recoleta
Espacio Central

“Pelicónicas (afiches de cine)” es una experiencia co-

lectiva de 450 diseñadores (docentes y estudiantes de
la cátedra Salomone de Diseño Gráfico de la UBA) más
cien autores de textos (docentes e investigadores de las
cátedras Fariña, Herke y Speziale de la UBA), que propone
una búsqueda de nuevos relatos sobre los ya conocidos.
Es un intento de versionar libremente un texto audiovi-
sual extenso y reconfigurarlo en una síntesis tan brutal
que plasme ideas, conceptos y sensaciones en una sola
imagen inmóvil. Sin moverse ni emitir sonidos, el afiche
de cine construye una idea nueva sobre el texto decons-
truido. Es atrevido, se toma licencias para mantener las
esencias que se rejuvenecen. Y tiene poco tiempo, por
lo que se asegura de entender las nociones importantes reinterpret an extensive audiovisual text and reconfigure it
para ofrecer otra versión en un luego inmediato. Es un a synthesis so brutal that is captures ideas, concepts and
testigo insurrecto que narra los hechos según le parece; sensations in a single still image. Without moving or mak-
sin mentir, pero también sin ser previsible. El afiche de ing any sounds, the film poster builds up a new idea on the
cine se suma al caudal de sentidos iniciales para enri- deconstructed text. It is daring, it takes liberties in order to
quecer lo existente y para disparar la imaginación sobre stick with the essences that rejuvenate. And it has little time,
el porvenir. that’s why it makes sure of understanding the important
“Pelicónicas (film posters)” is a collective experience from notions in order to offer another version in an immediate
450 designers (teachers and students from the Salomone future. It is an insurgent witness that narrates events as it
chair of Graphic Design at the UBA) plus one hundred texts wishes; without lying, but also without being predictable.
by teachers and researchers from the Fariña, Herke and The film poster joins the flow of initial senses in order to
Speziale chairs at the UBA, which seeks to approach new enrich what already exists, and also to trigger the imagina-
stories in ones we already know. It’s an attempt to freely tion on what’s coming.

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 401

 bafici museum

Juguetes de Cine
FILM TOYS
Centro Cultural Recoleta
Sala 10

Los juguetes de Federico Ransenberg que inspiraron los

cortos institucionales dirigidos por Sergio Wolf estarán ex-
puestos en el Centro Cultural Recoleta.
The toys by Federico Ransenberg which inspired Sergio
Wolf’s institutional short films will be exhibited at the Centro
Cultural Recoleta.

A veces nos descuidamos y nos sorprendemos pensando

que la historia del cine, más que la de los usos de las
técnicas, es la historia de su progreso. Y en esa confu-
sión el estado del mundo elige ver una convicción. Pero
la propia historia del cine ha dejado en claro que aque-
llo que quedó al margen de las autopistas principales
ha motivado siempre la curiosidad de los cineastas, que
vuelven sobre esa historia que parece única pero siempre
es múltiple. Cuando Federico Ransenberg me mostró sus
“juguetes ópticos”, la fascinación vino entrelazada con
el recuerdo del libro Una juguetería filosófica, de David
Oubiña, que me había impresionado. Me había impre-
sionado por todo lo que sacaba a la luz sobre esa otra
historia de la técnica previa al comienzo del cine, y por
cómo esa otra línea desconocida, o conocida parcialmen-
te, obligaba a pensar no ya en una arqueología, sino en
el presente, en esa facultad de producir pensamientos
que estaba en ese relato legendario y emocionante. Los
“juguetes ópticos” de Ransenberg venían a escenificar
esas hipótesis teóricas a través de una mecánica lúdica.
El efecto hipnótico dio paso al deseo de filmarlos, y ahí
la fantasmagoría se duplicaba en el problema de cómo
capturar eso otro, esa materia fantasma que solo el ojo
podía ver, con su proverbial (d)efecto retiniano. Si esa
historia sepultada estaba marcada por la dificultad de la
captura a través de la técnica, la filmación nos devolvía
–como en una cinta de Moebius– a esa misma situación.
Estos tres cortometrajes (titulados La materia fantasma I,
La materia fantasma II y La materia fantasma III ) tienen
un plano cada uno, y el desafío consistía en lograr pro-
ducir con apenas esos tres planos otros tantos viajes, a
través de los tres tiempos que el cine siempre pone y
pondrá en juego.
Sergio Wolf

Director : Sergio Wolf

Productor ejecutivo / Executive producer  : Gabriel Kameniecki
Director de fotografía / D.O.P.  : Alessio Rigo De Righi
Camarógrafo / Camera  : John Nouel
Música / Music  : Gabriel Chwojnik
Postproducción de imagen / Image post-production  : Cinecolor
Postproducción de sonido / Sound post-production  : Tauro Digital
Alquiler de equipos / Film equipment rental  : Brava Cine
Inventor de juguetes / Toymaker  : Federico Ransenberg
Los textos son del libro Una juguetería filosófica, de David Oubiña /
The texts belong to the book A Philosophical Toy Shop, by David Oubiña

402 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE


Sometimes we get distracted and surprised thinking that
film history is, more than the history of the uses of tech-
niques, the history of its progress. And in that confusion, the
state of the world chooses to see conviction. But film his-
tory itself has always left clear that what remained in the
margins of the main highways has always motivated the
curiosity of filmmakers, who revisit that history that seems
to be unique but is always multiple. When Federico Ransen-
berg showed me his “optical toys,” the fascination came
interlaced with the memory of David Oubiña’s book Una
juguetería filosófica, which had impressed me. I had been
impressed by everything it brought to light on that other his-
tory of the technique previous to the birth of film, and by
how that other unknown, or partially known, line forced one
to think not of an archeology but, rather, of the present, of
that ability to produce thoughts within that legendary, ex-
citing history. Ransenberg’s “optical toys” presented those
theoretical hypotheses by means of a playful mechanics. The
hypnotic effect gave way to the desire of filming them and,
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
museo bafici
right there, phantasmagoria duplicated itself in the problem
of how to capture that other thing, that phantom matter that
only the eye could see, with its proverbial retinal effect/de-
fect. If that buried history was marked by the difficulty of
capturing through technique, filming brought back –as in a
Möbius strip– that exact same situations. These three short
films (entitled La materia fantasma I, La materia fantasma II
and La materia fantasma III) have one shot each, and the
challenge consisted in getting to produce, with just three
shots, as many voyages, through the three times that film
always puts, and will always put, at stake.
SW
403
 bafici museum

Monicelli y rap. Cien años de cine

MONICELLI & RAP.
100 YEARS OF CINEMA
Centro Cultural Recoleta
Salas 1 y 2

¡Mario Monicelli cumple 100 años! Y los festeja en Bue-

nos Aires, ciudad que visitó solo una vez, en 2007, antes
de seguir viaje hacia Mar del Plata.
Cuando desembarcamos en esta ciudad, Mario se enamoró
a primera vista. Se sintió en casa: una Italia sudamericana,
multiétnica, culta, sorprendente, joven y vivaz. Hoy Buenos
Aires nos recibe nuevamente con su cine, pero también
con una muestra fotográfica y una instalación pictórica. La
instalación comprende doce imágenes de sus films más
famosos, impresas en grandes telas de algodón interve-
nidas con témpera y enriquecidas con mis pensamientos
en libertad y con historietas que cuentan la vida de Mario
entre el trabajo, el arte y la cotidianidad. Las 35 fotografías
de la segunda parte del homenaje fueron tomadas en los
sets de sus films y pertenecen a la colección privada de su
familia. Son instantáneas rarísimas, tomadas por los gran-
des fotógrafos de los años cincuenta y sesenta. Quisimos
fundir cine, fotografía y arte en un afectuoso homenaje a
uno de los maestros del cine y a esa Italia original, rica de
arte y artesanado, amada en el mundo entero.
features twelve images from his most famous films printed
Bienvenido conmigo a Buenos Aires, Mario. ¡No has en-
on huge cotton fabrics intervened with tempera and en-
vejecido nada!
riched with my free thoughts and comic strips depicting Ma-
Chiara Rapaccini
rio’s life between work, art, and everyday life. The 35 photos
Mario Monicelli turns 100 years old! And he celebrates in in the second part of the tribute were taken on the sets of
Buenos Aires, the city he visited only once, in 2007, before his films and belong to his family’s private collection. They
continuing his trip to Mar del Plata. are very rare snapshots taken by the great photographers of
When we land in the city, Mario fell in love at first sight. He the 1950s and 1960s. We intended to fuse together cinema,
fell right at home: a South American Italy that was multi- photography, and art in an affectionate tribute to one of the
ethnic, highbrow, surprising, young and vivacious. Today masters of cinema and to that original Italy, so wealthy in art
Buenos Aires welcomes us once again with his cinema, but and artisans, and loved by everyone in the world.
also a photo exhibit and a pictorial installation. The latter I welcome you to Buenos Aires, Mario. You haven’t aged at all!
CR

404 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE


20 AÑos de HACIENDO CINE
20 years of HACIENDO CINE
Agradecemos al Bafici y al Centro Cultural Recoleta por
el reconocimiento que implica esta muestra y a la DAC
por ayudarnos a concretarla. Pero sobre todo les agra-
decemos porque nos obligaron a hurgar en el archivo y
mirar en la cara a nuestro corpus de trabajo de 20 años.
Nos ayudaron a darnos cuenta de que lo que teníamos a
nuestras espaldas era sin duda más y mejor que como lo
recordábamos, por una amnesia producida por las prisas
del mundo de la producción audiovisual en la que nos em-
barcamos en este último tiempo. Esta muestra habla de
nuestros 20 años, pero sobre todo da cuenta de nuestra
mirada sobre esos 20 años. Desde nuestro nacimiento,
coincidente con la sanción de la Ley de Cine de Argentina,
hasta los problemas de distribución del cine nacional, la
aparición de las cámaras digitales, el regreso del Festi-
val de Mar del Plata y la creación del Bafici, la autarquía
del INCAA, el 3D que vino a salvarlo todo pero no salvó
nada, etcétera. Es imposible resumir nuestros 20 años
de existencia en tan pocos caracteres. Mejor subirse a la
máquina del tiempo de esta muestra. Y perdernos, para
volver a encontrarnos.
Pablo Udenio y Hernán Guerschuny
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
museo bafici
Centro Cultural Recoleta
Sala 8
We thank Bafici and the Cultural Recoleta Center for the
recognition implied in this exhibition, and DAC for helping
us in making it real. But above all, we thank you because
you forced us to dig into our archives and look our 20 year-
old body of work in the face. You have helped us realize
what we had behind us was undoubtedly more and better
than we remembered it to be due to an amnesia caused by
the hurries of the audiovisual production world in which
we’ve embarked on recently. This exhibition speaks of our
20 years, but above all witnesses our view of those 20
years. From our birth –which coincides with the sanction-
ing of Argentina’s Film Law– to the distribution problems
Argentine cinema is facing, the emergence of digital cam-
eras, the return of the Mar del Plata film Festival and the
creation of Bafici, the autarchy of INCAA, the 3D coming to
save us all but didn’t, etcetera. It’s impossible to sum up
our 20 years of existence in such few words. So let’s rather
climb on this exhibition’s time machine. And let’s get lost
so we can find ourselves again.
PU & HG
405
El BAL es una coproducción entre el Ministerio de Cultura del
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y Fundación TyPA.
 EL buenos aires lab
en el marco del [17] BAFICI
es posible gracias a la colaboración y el apoyo de
Un nuevo año para el BAL (Buenos Aires Lab)
en la búsqueda del cine que vendrá, en la ta-
rea de detectar el talento, alumbrarlo, proyec-
tarlo hacia el futuro. La renovación de este
compromiso, de esta faena incansable, tiene
que ver con detectar proyectos cinematográ-
ficos en el punto en el que necesitan el aliento
justo para salir al mundo, pero además el BAL
ha ido demostrando con los años que posee
un radar en perfecto estado para, más allá de
realizar este scouting, definir también en qué
consiste el mencionado espaldarazo.
En un momento en el que los laboratorios de
proyectos se multiplican y las explicaciones
parecen más importantes que las imágenes,
el BAL procura desmarcarse de la inercia de
lo manifiesto para apostar por una ayuda que
funcione lo mejor posible en un mapa de ne-
cesidades mutantes. Este año, nuevamente el
Buenos Aires Lab pone sus fichas en el WIP,
en el trabajo en proceso, pero de modo ra-
dical: buscando los mejores proyectos de
América Latina, presentando por primera
vez proyectos enormes fuera de programa
y, finalmente, exponiendo esos anticipos del
porvenir del cine del continente ante críticos,
programadores e integrantes de la industria
aquí, en Bafici, en abril, y en el Marché du Film
de Cannes en mayo.
Porque hoy lo que necesitan las películas es
ser vistas, tener un reflector encima que las
diferencie de un mar de proyectos de relativo
o nulo interés. Y allí, como siempre, está el
BAL, con su radar, sus ganas y su historia.
Marcelo Panozzo
Director Artístico [17] Bafici | Artistic Director [17] Bafici
Ciudad Autónoma de Buenos Aires | Autonomous City of Buenos Aires
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
A new year for BAL (Buenos Aires Lab) in
its search for what is coming, the task of de-
tecting talent, shed light on it, and project it
into the future. The renovation of this com-
mitment and tireless endeavor is related to
detecting film projects right when they need
encouragement to go out to the world, but
through the years BAL has also proved it has
a radar in perfect condition for both carrying
this scouting job and defining what this en-
couragement should be.
In a time when project labs multiply and ex-
planations seem more important than imag-
es, BAL aims to distance itself from the inertia
of what is evident in order to sort out what
kind of help is the best one possible within a
map of mutant needs. This year, Buenos Aires
Lab again bets on the work in progress, but
in a radical way: searching for the finest Latin
American projects, presenting for the first
time huge projects out of program, and finally
presenting previews of the continent’s future
cinema to critics, programmers, and industry
professionals here in Bafici, in April, and in the
Marché du Film in Cannes, in May.
Because what films need today is to be seen,
to have a spotlight on them that would differ-
entiate them from an ocean of projects with
relative or null interest. And there is BAL, as
always, with its radar, its will and its history.
411
 BAL to basics
A lo largo de su historia, el Buenos Aires Lab
ha ido mutando: lejos de toda fórmula, cada
año revisamos y repensamos cuál es la ac-
ción que mejor se corresponde con la necesi-
dad de los realizadores de Latinoamérica, de
acuerdo con los tiempos que corren.
El año pasado iniciamos la experiencia de Tres
Puertos Cine, junto al AustraLab, del Festival
Internacional de Cine Valdivia, y el CineMart
del Festival Internacional de Cine de Rotter-
dam. Hoy podemos decir, con mucha alegría,
que no solo fue un modo renovador de traba-
jar con directores y productores, a través de
un programa de excelencia y con tutores de
lujo, sino que los proyectos hicieron un reco-
rrido transformador y ahora da gusto verlos
seguir su camino.
En esta edición, el BAL se focaliza exclusiva-
mente en los Work in Progress, con un doble
programa que tiene como característica la
combinación de grandes nombres de cineas-
tas establecidos con otros que esperamos re-
sulten ser un importante descubrimiento.
Valoramos muchísimo la participación y les
agradecemos a todos los directores y produc-
tores que conforman la selección, muy espe-
cialmente a aquellos ya consagrados que nos
acompañan tanto en la selección competitiva
como en las presentaciones especiales. Ade-
más de que representa un lujo contar con sus
trabajos en el BAL, es realmente muy emo-
cionante ver que aquellos realizadores que
hacen a la historia del Bafici están aquí en un
gesto de cuidado y amor hacia este espacio
y de inmensa generosidad hacia sus colegas
que dan sus primeros pasos.
Para llegar a la selección de los 14 trabajos
que conforman la sección competitiva, y que
nos llena de orgullo presentar, contamos con
Violeta Bava e Ilse Hughan
Directoras del BAL
412 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
la colaboración, la dedicación y el ojo agudi-
zado de Alejo Moguillansky y Agustina Costa
Varsi. Ellos hicieron una gran labor, y ahora
no es una tarea fácil la que le queda al jurado,
a quienes les agradecemos de antemano su
trabajo.
Las dos presentaciones especiales son real-
mente soñadas: gracias a Pablo Trapero, Ma-
tías Mosteirín y Leticia Cristi por permitirnos
este adelanto de El clan; gracias a Santiago
Mitre, Agustina Llambi Campbell y Fernando
Brom por mostrar aquí las primeras imágenes
públicas de La patota.
Una vez más, este BAL, con importantes pre-
mios y con proyección internacional al mer-
cado más importante del mundo, no sería po-
sible sin nuestros socios: Arte France Cinéma,
Cinecolor, Estudio Ñandú, FidLab (FIDMarsei-
lle), Lahaye, Marché du Film del Festival de
Cannes, Sinsistema, Talents (Universidad del
Cine), Epicentre Films, Fundación TyPA, Tau-
ro Digital, Pomeranec, Talkbox y Variety.
Más de 300 películas en estado de proyecto
pasaron por este espacio, ya sea para tener
encuentros con posibles socios en un ámbito
de coproducción, para pensar diversas cues-
tiones en los distintos talleres para producto-
res y directores que organizamos a lo largo
de estos catorce años, o para mostrarle al
mundo las primeras imágenes de lo que se-
rían sus películas terminadas.
Uno de los aspectos más maravillosas de lle-
var adelante el BAL tuvo y tiene que ver con
el encuentro con los cineastas y realizadores,
con su particular forma de pensar el mun-
do que aparece revelada en su cine y más
allá. A ellos y a todos los que, con su aporte,
han hecho posible y han enriquecido el BAL:
gracias totales.
 BAL to basics
Throughout its history, the Buenos Aires Lab
has mutated: far from any kind of formula,
every year we revise and rethink about the
action that best represents the necessities of
Latin American filmmakers according to the
times we live in.
Last year, we started the Tres Puertos Cine
experience along with Valdivia International
Film Festival’s AustraLab and Rotterdam In-
ternational Film Festival’s CineMart. Today we
can say with joy that not only it was a whole
new way of working with directors and pro-
ducers through an excellent program and
with some remarkable tutors, but also that
the projects have traveled a transforming
road, and it is nice to see them continue their
journey.
In its current edition, BAL focuses exclusively
on the WIPs, with a double program that has,
as its main feature, the combination of estab-
lished filmmakers with others that, we hope,
turn out to be important discoveries.
We highly appreciate and are very grateful to
all the directors and producers who make up
this selection for having participated in the
competitive selection as well as the special
presentations, especially those who are al-
ready established. Not only is it a pleasure to
have their works at BAL, but it’s also really
exciting to see that those filmmakers that un-
doubtedly done a lot for the history of BAFICI
are here in a gesture of love and care for this
space, and of immense generosity for their
colleagues who are taking their first steps.
In order to select the 14 works that form
this competitive section, and that it fills us
with pride to present, we had the invalu-
able help, dedication and trained eye of
VB & IH
BAL Directors
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Alejo Moguillansky and Agustina Costa Varsi.
They have done some great work, and now
the jury, whom we thank in advance, are left
with a not-so-easy task.
The two special presentations are really
dreamy: we would like to thank Pablo Tra-
pero, Matías Mosteirín and Leticia Cristi for
allowing us to show this preview of El clan;
and we would also like to thank Santiago
Mitre, Agustina Llambi Campbell and Fer-
nando Bron for screening the first images of
La patota here.
Once more, this edition of BAL, with impor-
tant prizes and international reach to the
most important market in the world, wouldn’t
have been possible without our partners: Arte
France Cinéma, Cinecolor, Estudio Ñandú, Fid-
Lab (FIDMarseille), Lahaye, Cannes’ Marché du
Film, Sinsistema, Talents (Film University), Epi-
centre Films, TyPA Foundation, Tauro Digital,
Pomeranec, Talkbox, and Variety.
More than 300 film projects have passed
through this space, either for having encoun-
ters with possible partners in co-production,
to think about many matters during the dif-
ferent workshops for producers and direc-
tors we have organized through the course
of these fourteen years, or to show the world
the first images of what would become their
completed films.
One of the most wonderful aspects about
leading BAL had and has to do with the en-
counter with filmmakers, with their personal
views on the world that are revealed in their
films and beyond. To them and to everyone
that has contributed to making BAL possible
and enriching it: infinite thanks.
413
 JURADOs | JURY
Paula Astorga Riestra
Egresada del Centro de Capacitación Cinematográfi-
ca (CCC), fundó y dirigió el Festival Internacional de
Cine Contemporáneo de la Ciudad de México, FICCO
(2004 -2008). En 2010 creó el Festival Distrital, y de
2010 a 2013 fue directora general de la Cineteca
Nacional de México. Ha participado como jurado en
diversos festivales de cine, como en la Quincena de
Realizadores del Festival de Cannes para el Premio
Europa Cinemas. Actualmente es directora artística
del Festival Distrital y produce el largometraje de
animación Inzomnia.
Mariano Llinás
Nació en Buenos Aires en 1975. Estudió en la Uni-
versidad del Cine, donde actualmente da clases.
Su obra como director incluye Balnearios (2002),
el mediometraje La más bella niña (2004) e Histo-
rias extraordinarias. En 2003 fundó, junto a Alejo
Moguillansky, Agustín Mendilaharzu y Agustina
Llambi Campbell, la productora El Pampero Cine, a
la que años después se sumó Laura Citarella. Rea-
lizó experiencias en los llamados “films murales”,
con sus obras realizadas en el río Paraná y en el
ferrocarril Transiberiano. Actualmente se encuentra
embarcado en el rodaje de La flor, su segundo film
de ficción.
Savina Neirotti
Nacida en Génova, se graduó como filósofa y com-
pletó el primer año de su máster en estética en la
Universidad de Pensilvania. De vuelta en Italia, se
convirtió en directora de la oficina de prensa y comu-
nicación en la Orquesta Sinfónica Nacional de la RAI,
y fundó con Alessandro Baricco la Scuola Holden en
Turín. Ha escrito artículos y entrevistas acerca de na-
rrativa y música clásica, además de críticas de libros
y cine. Ideó y dirigió Script&Pitch Workshops (2005)
y el TorinoFilmLab (2008). También es directora de
programación de Biennale College - Cinema.
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
She graduated from Centro de Capacitación Cine-
matográfica (CCC), and founded and directed the
Mexico City International Film Festival FICCO (2004
-2008). In 2010, she created Distrital Film Festival,
and from 2010 to 2013 she became the Director of
the National Cinematheque. She has been member
of international juries in many film festivals including
the Director´s Fortnight in Cannes for Europa Cine-
mas Label. Currently, she is the Artistic Director of
Distrital Film Festival and as a producer she is on-
production of Inzomnia (animation feature film).
He was born in Buenos Aires in 1975. He studied at
the Film University, where he currently teaches. His
work as a director includes Balnearios (2002), the
mid-length La más bella niña (2004) and Historias
extraordinarias. In 2003, he founded the production
company El Pampero Cine with Alejo Moguillansky,
Agustín Mendilaharzu and Agustina Llambí Cam-
pbell. A few years later, Laura Citarella joined them.
He experimented with the so-called “mural films,”
which featured works shot in the Paraná river and
the trans-Siberian train. He is currently shooting La
flor, his second fiction feature.
Born in Genoa, she graduated in Philosophy and
completed the first year of Master in Aesthetics at
the University of Pennsylvania. After returning to Italy,
she became Head of the Press and Communication
Office of the Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI,
and she founded Scuola Holden in Torino together
with Alessandro Baricco. She has written articles
and interviews on narration and classical music,
book reviews and film reviews. She has conceived
and directed Script&Pitch Workshops since 2005,
and TorinoFilmLab since 2008. She is also Head of
Programme of Biennale College - Cinema.
415
 PREMIOS OTORGADOS POR EL JURADO
AWARDS GIVEN BY THE JURY
Premio Cinecolor
Cinecolor Award
Cinecolor otorgará un premio para un WIP que consiste en los
servicios de 3 (tres) jornadas de conformado, 5 (cinco) jornadas
de corrección de color, 3 (tres) jornadas de arte para efectos
visuales –con editor, colorista y directora de arte–, la digitaliza-
ción para DCP y la generación de DCP del largometraje con 10
(diez) llaves.
Cinecolor will grant an award for a WIP project consisting of the
services of 3 (three) shifts of digital conforming, 5 (five) shifts of
color correction, 3 (three) shifts of VFX –with an editor, colorist
and art director–, digitalization for DCP and the creation of a
feature length DCP with 10 (ten) keys.
Premio Epicentre Films
Epicentre Films Award
Epicentre Films otorgará un premio de €3000 (tres mil euros) a
un proyecto de largometraje del BAL.
Epicentre Films will grant an award of €3000 (three thousand
euros) to a featured length project of the BAL.
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Premio Pomeranec
Pomeranec Award
Pomeranec otorgará un premio que consiste en 96 (noventa y
seis) horas de posproducción organizadas de la siguiente forma:
• 80 (ochenta) horas de estudio de edición de sonido con
operador.
• 16 (dieciséis) horas de estudio de premezcla con operador.
Vigencia: 2 años.
Pomeranec will grant an award that consists of 96 (ninety six)
hours of post-production consisting of the following services:
• 80 (eighty) hours of sound editing.
• 16 (sixteen) hours of sound mixing.
Duration: 2 years.
Premio Lahaye
Lahaye Award
Lahaye otorgará un premio que consiste
en una de las siguientes opciones:
• 20 (veinte) jornadas de equipamiento de cámara HD Cinealta.
• Isla de edición por una jornada de 8 (ocho) horas más correc-
ción de color por 6 (seis) horas.
Lahaye will grant an award that consists of one of the following
options:
• 20 (twenty) shifts of a Cinealta HD camera kit.
• Editing station for an 8 (eight) hour shift plus 6 (six) hours of
color correction.
417
 PREMIOS OTORGADOS POR EL JURADO
AWARDS GIVEN BY THE JURY

Premio Estudio Ñandú

Estudio Ñandú Award
Estudio Ñandú otorgará un premio que
Premio Sinsistema consiste en un máximo de 10 (diez) jor-
nadas de 8 (ocho) horas de posproduc-
Sinsistema Award
ción de sonido en las instalaciones de la
Sinsistema otorgará un premio que consiste en un online con-
empresa. El premio comprende tanto las
form, 10 (diez) jornadas de uso de sala de corrección de color
salas y los equipos necesarios para los trabajos que de común
y un Master Encoding DCP para un largometraje de hasta 120
acuerdo se estipulen como la mano de obra de un operador de
minutos.
edición, mezcla o grabación de sonido calificado.
Sinsistema offers an award consisting of one online conform, 10
Estudio Ñandú will offer an award consisting of a maximum of
(ten) shifts for the use of the color correction room and a DCP
10 (ten) days –of 8 (eight) hour shifts– of sound post-production
Master Encoding for a feature length film of up to 120 minutes.
on the company’s facilities. The award includes the studios and
equipment necessary for the agreed upon work, as well as the
work of one operator for editing.

Premio Talkbox
Talkbox Award
Talkbox otorgará traducción al inglés
y edición de subtítulos del corte final
a un proyecto largometraje del BAL.
El formato del archivo de subtitulado puede ser .srt, .txt, .stl y/o
.xml o el formato compatible con el editor de video que utilicen.
También incluye lista de diálogos en inglés en archivo .doc. Vi-
gencia: 2 años
Talkbox will grant an English translation and subtitle editing for
the final cut of one of the feature length projects presented in the
BAL WIP. The file format can be .srt subtitle, .txt, .stl and/or xml or
a format compatible with the video editor to use. It also includes
an English dialogue list in .doc file. Duration: 2 years

418 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

 premios e invitaciones a participantes del bal
awards and invitations to bal participants

Premio Bal Goes Premio Universidad del

to Cannes
Bal Goes to Cannes
Award
Algunos de los proyectos que
integran el WIP en el BAL serán invitados a participar en el Mar-
ché du Film del Festival de Cannes, donde tendrán una presen-
tación exclusiva en el Palacio del Festival.
Some of the projects in the BAL WIP will be invited to participate
in the Marché du Film at the Cannes Film Festival. An exclusive
presentation will take place at the Festival Palace.
Cine
Universidad del Cine Award
Universidad del Cine otorgará un premio
que consiste en la realización del DCP
de cada proyecto ganador para su proyección en Cannes en el
marco del BAL Goes to Cannes.
Universidad del Cine will award a prize that consists in the mak-
ing of a DCP of the winning projects, to be screened in Cannes
as part of BAL Goes to Cannes.

Premio Arte Premio Fidmarseille FIDLab

Arte Award Fidmarseille FIDLab Award
ARTE otorgará el Premio ARTE Internacional, que consiste en Un proyecto será invitado a formar parte de la próxima edición
€6000 (seis mil euros), a un proyecto de largometraje del BAL. de FIDLab.
El premio ARTE será otorgado por Rémi Burah, vicedirector One project will be invited to take part in the upcoming edition
ejecutivo de ARTE France Cinéma que ha participado en casi of FIDLab.
500 películas de los más importantes directores franceses e
internacionales. Desde 2004 es director ejecutivo de ARTE/Co-
finova, una fundación de inversiones en cine creada por ARTE
que utiliza el sistema de impuestos Sofica.
Arte will grant the ARTE International Prize of €6000 (six thou-
sand euros) to a feature length project of the BAL. The ARTE
Award will be granted by Rémi Burah, CEO b&d of ARTE France
Cinéma, who has participated in the production of nearly 500
films by major French and international filmmakers. He is also
Managing Director of ARTE/Cofinova, a cinema investment fund
created by ARTE with the Sofica tax system in 2004

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 419

bal
wip
bal Argentina
FUERA DE COMPETENCIA | PRESENTACIÓN ESPECIAL
LA PATOTA
Santiago Mitre
La patota, adaptación del film de Daniel Tinayre de 1961,
cuenta la historia de Paulina, una abogada con una carrera
floreciente en Buenos Aires, que elige volver a su ciudad natal
para dedicarse a la actividad social. Fernando, su padre, años
atrás hizo lo mismo, y ahora es un juez progresista que se
destaca en la conservadora sociedad local. Paulina empieza a
trabajar en un proyecto del Ministerio de Desarrollo Social, de
“formación democrática y difusión de derechos”, dando cla-
ses en zonas periféricas de Posadas, marcadas por la pobreza
y la marginalidad. Luego de la segunda semana de trabajo,
es interceptada y violada por una patota. Ante la mirada ató-
nita de quienes la rodean, Paulina decide volver a trabajar en
la escuela, en el barrio donde fue atacada. La patota es un
thriller social que se mueve entre los personajes alrededor
de esta violación y muestra cómo esa violencia desencadena
distintas ideas de justicia.
422 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
La patota, an adaptation of Daniel Tinayre’s 1961 feature, tells
the story of Paulina, a lawyer with a thriving career in Buenos
Aires, who drops everything to engage in social activity back in
her homeland on the border between Argentina, Paraguay and
Brazil and deal with the problems of her people. Paulina starts
working in a neighbourhood marked by poverty and marginal-
ization. After the second week of work she is intercepted and
attacked by a gang. Paulina, instead of panicking or retiring,
decides to hold on tighter to her convictions, as the sole way
of survival, despite everything, despite all. La patota is a so-
cial thriller that moves between the characters around an act
of violence, between victims and perpetrators. And how that
violence triggers different ideas of justice.
 bal Argentina
out of competition | special screening LA PATOTA

director | director

Santiago Mitre
Su ópera prima El estudiante (2011) ganó una vein-
tena de premios nacionales e internacionales. En
2013, presentó en el Bafici Los posibles, mediome-
traje codirigido junto al coreógrafo Juan Onofri Bar-
bato. La patota es su segundo largometraje como
guionista y director.
His first feature, El estudiante (2011), won over
twenty national and international awards. In 2013
he presented at Bafici the medium length film Los
posibles, codirected with Juan Onofri Barbato. La
patota is his second feature as a writer and director.

productores | producers

Agustina Llambi Campbell, Fernando Brom, Lita Stantic,

Didar Domehri, Walter Salles, Axel Kuschevatzky e Ignacio Viale
La Unión de los Ríos debutó en 2011 con El estudiante, de Santia-
go Mitre. En 2012 presentó en la Semana de la Crítica de Cannes
Los salvajes, de Alejandro Fadel, y en 2013 estrenó Los posibles,
de Mitre y Onofri Barbato. En 2015 estrenará El cielo del Centau-
ro, de Hugo Santiago, y La patota, mientras desarrolla Desobe-
diencia civil, de Fadel, y 1922, de Martín Mauregui.
La patota está producida por La Unión de los Ríos, Lita Stantic Pro-
ducciones, Full House, Videofilmes y Storylab, en coproducción con
Telefe & Argentinacine, en asociación con Versatile & AZ Films y con
el apoyo de INCAA, ANCINE y CNC Cinémas du Monde.
La Unión de los Ríos makes its debut in 2011 with Mitre’s El
estudiante. In 2012, it presents at Cannes’ Critic’s Week, Los sal-
vajes by Alejandro Fadel, and in 2013 the company released Los
posibles by Mitre and Onofri Barbato. In 2015 they will release El
cielo del Centauro by Hugo Santiago and La patota, while develop
Fadel’s Desobediencia civil and Martín Mauregui’s 1922.
La patota is produced by La Unión de los Ríos, Lita Stantic Pro-
ducciones, Full House, Videofilmes y Storylab, coproduced by
Telefe & Argentinacine, in association with Versatile & AZ Films
and the support of INCAA, ANCINE and CNC Cinémas du Monde.

Declaración del director | Director’s Statement

1999 fue el año del primer Bafici. También fue el año de mi in-
greso a la Universidad del Cine. Junto al Festival me formé como
estudiante, como cinéfilo, como público. Y fue el Bafici el que
me dio la oportunidad de presentarme como director de cine: en
2004 con El amor (primera parte), film realizado junto a mis ami-
gos Alejandro Fadel, Martín Mauregui y Juan Schnitman; en el
2011 con El estudiante; y en el 2013 con Los posibles, junto con
Juan Onofri Barbato. Todo cuanto hice como director, y también
como productor, vio la luz por primera vez en este querido festival,
y es una alegría que no sea diferente con las primeras imágenes
de La patota. Agradezco al Bafici, al BAL, a Violeta y a Ilse por
recibirme una vez más.
1999 was the year of the first Bafici. It was also the year I entered
the Film University. The Festival trained me as a student, as a
film buff, as an audience member. And it was Bafici that gave me
the opportunity of introducing myself as a film director: in 2004,
with El amor (primera parte), a film made along with my friends
Alejandro Fadel, Martín Mauregui and Juan Schnitman; in 2011
with The Student; and in 2013 with Los posibles, along with Juan
Onofri Barbato. Everything I’ve made as a director, and also as a
producer, saw the light of day for the first time at this festival that
is very dear to me, and I’m glad the same thing goes for the first
images of La patota. I thank Bafici, BAL, Violeta and Ilse for having
me once more.

Contacto
Información técnica
Contact
Technical Information
La Unión de los Ríos
Título / Title : La patota
Buenos Aires, Argentina Género / Genre : Ficción / Fiction
T 5411 4815 4677 Formato de rodaje / Shooting format : 2K
E info@launiondelosrios.com Formato de proyección / Screening format : 35 mm / DCP
W launiondelosrios.com Duración estimada / Estimated length : 105 min

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 423

bal WIP | Ecuador - México
ALBA
Ana Cristina Barragán
Alba tiene once años, pasa la mayor parte del tiempo en silen-
cio y le gustan los animales diminutos. Ha aprendido a convivir
con la enfermedad de su mamá; en el día a día debe ayudarla
a orinar, le peina el cabello y sabe cómo jugar en secreto
para que no se despierte. En el colegio Alba roba objetos de
un grupo de niñas para imitarlas al llegar a casa; desea pro-
fundamente sentirse aceptada. Una tarde su mamá se pone
mal y es internada en el hospital. Nadie puede hacerse cargo
y envían a Alba a vivir con José, su papá, a quien la niña no
ha visto desde que tenía tres años. José es un hombre soli-
tario, casi ermitaño, que después de separarse de su familia
se encerró en una casa vieja y deteriorada y ahora trabaja
leyendo huellas digitales en el registro civil. La convivencia
con su padre es para Alba casi insoportable, porque José le
recuerda todo aquello que la acompleja de sí misma. La ver-
güenza, su primera menstruación, las visitas a su madre en
el hospital, la ternura de los intentos de José por acercarse
a ella y el bullying en el colegio son algunos de los estímu-
los que marcan el camino de Alba hacia la adolescencia y la
aceptación de sí misma.
424 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Alba is eleven years old. She spends most of her time in si-
lence and she loves tiny little animals. She has learned how
to deal with her mother’s illness. Every night she helps her
going to the bathroom, she combs her hair and she has even
learned how to play silently in order to let her rest during the
day. At school Alba steals objects from a group of girls she
want to be accepted by, and she plays at home imitating what
girls do. One night her mother gets worse and has to be taken
to a hospital. Nobody can take care of Alba, so has to move to
her father’s place. She hasn’t seen him since she was three
years old. José, her father, is a very lonely man, a hermit.
He isolated himself in his old house after he got separated
from his family and works reading fingerprints in the register
office. Living with her father is almost unbearable for Alba, be-
cause José reminds her everything she feels insecure about.
Shame, her first menstruation, visiting her mother in the hos-
pital, Jose’s tender efforts to get close to her and bullying at
school are some of the situations that pave Alba’s journey to
adolescence and to self-acceptance.
 bal WIP | Ecuador - Mexico
ALBA

directora | director

Ana Cristina Barragán

Nació en Ecuador en 1987. Ha escrito y dirigido tres
cortos y actualmente se encuentra en la edición de
su ópera prima. Su corto Domingo violeta se estrenó
en la Competencia Oficial del Festival de Locarno y
fue presentado en Toulouse, La Habana y el museo
Malba de Buenos Aires.
She was born in Ecuador in 1987. She has written
and directed three short films and she’s now editing
her first feature film. Her short film Domingo violeta
was released in the Official Competition of Locarno
Film Festival and has been presented in Toulouse,
La Habana and in Malba Museum in Buenos Aires.

productora | producer

Isabella Parra
Estudió teatro y economía y tiene un máster en
antropología. Alba es su cuarta película como pro-
ductora. Programó el Festival Cero Latitud durante
cinco años y actualmente programa el Festival La
Orquídea Cuenca. Es docente en INCINE, una escue-
la experimental de cine, y forma parte del directorio
de la Asociación de Productores de Ecuador.
She studied theatre, economics and a master in
anthropology. Alba will be her fourth feature. Pro-
grammed Cero Latitud Film Festival for five years
and she’s programming in La Orquídea Film Festival
now. Teaches in INCINE, experimental film school,
and is part of the board of the Ecuadorian Producer’s
Association.

Declaración de la directora | Director’s Statement

Busco una narrativa que cuente poco y haga sentir mucho. Al
mostrar lo mínimo quiero sugerir que hay algo más profundo,
como cuando se ve la punta de un iceberg. Me interesa encontrar
vida en los detalles y contrastes, en la mezcla entre la ternura y
el dolor de una niña que se hace adulta. Busco en la enfermedad,
en la sangre relacionada con la vejez o en los vellos pistas para
el descubrimiento y el florecer de una feminidad extraña, a veces
tosca. Quiero explorar la belleza de los cuerpos torpes y la ver-
güenza que siente Alba al escuchar comer a su papá. El mundo
de Alba es el de tres personajes solos, que casi no hablan y están
rodeados por el ruido de un mundo exterior de una normalidad
forzada, casi fantasiosa.
I search for a narrative that evokes strong feelings by telling few
things. Showing the minimum should suggest a deeper meaning,
like when the tip of an iceberg can be seen. I’m interested in find-
ing life in details and contrasts, in the mix of tenderness and pain
of the growth of a girl. Sickness and the blood related to the old
age seen to me clues to discover the blossom of a strange and
rough femininity. I want to explore the beauty of clumsy bodies
and the shame Alba feels towards her father. Alba shows three
lonely characters that barely talk and live surrounded by a noisy
external environment. The world seen normal in such an unnatural
way to them, almost as a fantasy.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
Caleidoscopio Cine - Leyenda Films Título / Title : Alba
Quito, Ecuador - México DF, México Género / Genre : Ficción / Fiction
W caleidoscopiocine.com - leyenda.tv Formato de rodaje / Shooting format : Digital (Arri Alexa 2k)
Formato de proyección / Screening format : DCP
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $400.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $320.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 425

bal WIP | Brasil
Até onde o vento alcança
Aline Portugal
Julia De Simone
Até onde o vento alcança es un documental que sigue la ruta
del viento Aracati, una brisa marina que sopla a través de
400 km hacia el interior del estado de Ceará, en el nordeste
brasilero. En el camino, entre el movimiento de la región y los
encuentros con la gente que habita el lugar, la película se cru-
za con paisajes en transformación e investiga la relación que
los locales desarrollan con el tiempo y el espacio. Esta es una
película sobre el movimiento; sobre la relación entre lo natu-
ral y lo artificial, sobre los elementos del paisaje y los modos
de vida en una región barrida por el viento. Cada personaje
aporta una perspectiva diferente sobre espacios cambiantes y
orienta al espectador en estos retratos paisajísticos. La pelícu-
la es parte de un proyecto mayor desarrollado en Ceará, que
incluye otros dos cortometrajes, Viento Aracati (2014) y Estu-
dio del viento (2011), los cuales fueron las primeras experien-
cias de las directoras con este universo. El proyecto planea
para 2016 una exhibición itinerante de estas tres películas en
las pequeñas ciudades donde fueron filmadas.
426 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
As Far as the Wind Reaches is a documentary that follows the
wind Aracati’s route, a sea breeze that blows through about
400 km into the state of Ceará, northeastern Brazil. Along the
way, amidst the movement in the region and meetings with
people who inhabit the place, the film comes across trans-
forming landscapes and investigates the relationship the lo-
cals develop with time and space. It is a film about movement,
about the relationship between nature and artifice, about land-
scape elements and ways of life in a windswept region. Each
character brings a different perspective of changing spaces
and leads the viewer through these landscape portraits. The
film is part of a larger project developed in Ceará, which in-
cludes two other short films, Aracati Wind (2014) and Study
for the Wind (2011), which were the firsts directors with this
universe. The project still contains a traveling exhibition of the
three films in all small cities where they were shot, scheduled
for 2016.
 bal WIP | Brazil
Até onde o vento alcança

DIRECTORAS Y PRODUCTORAS | DIRECTORS AND PRODUCERS

Aline Portugal
Nació en 1985 en Brasil. Dirigió, escribió y produjo
los cortometrajes Phryne, Study for the Wind y Sym-
phony. También es la guionista de Royal Court, largo
de ficción con el apoyo del Hubert Bals Fund.
She was born in 1985 in Brazil. She directed, wrote
and produced the short films Phryne, Study for the
Wind and Symphony. She is also the scriptwriter of
Royal Court, feature with the support of Hubert Bals
Fund.

Julia De Simone
Nació en Brasil en 1982. En 2011 dirigió el docu-
mental Bildungsroman. También dirigió y produjo los
cortometrajes The Harbor, Study for the Wind, Sym-
phony y Enchantment. Actualmente se encuentra
desarrollando su primer largo de ficción, Royal Court.
She was born in 1982 in Brazil. In 2011 she made
her documentary film Bildungsroman. Directed and
produced the shorts The Harbor, Study for the Wind,
Symphony and Enchantment. At the moment, she is
developing her first fiction feature Royal Court.

Declaración de las directoras | Directors’ Statement

Este documental exhibe las transformaciones de los paisajes y los
modos de vida en el Valle de Jaguaribe, en el estado de Ceará.
Empujado por el viento Aracati, el documental lleva al especta-
dor a un viaje por la región y a un recorrido por la vida de sus
personajes, estimulando un flujo de sensaciones y percepciones
mínimas. Se trata de ver cómo conviven los hombres con la natu-
raleza y la tecnología, mientras compiten por el mismo espacio en
el que coexisten distintas fuerzas. Este proyecto es un deseo de
conocer lugares y modos de vida en los que todavía podemos ver
algo tan prosaico e intenso como un encuentro entre el hombre y
el viento. Una idea diferente sobre la temporalidad.
This documentary brings up the transformations of landscapes
and ways of life in Jaguaribe’s Valley, countryside of Ceará. Blown
by Aracati wind, the documentary embodies the spectator in a
journey through the region and amongst its characters, stimulat-
ing a flow of sensations and small perceptions. It’s about men,
nature and technology living together and competing for the same
space, where different forces coexist. The project is a desire to
know places and ways of life on which you can still see something
so prosaic and intense as a meeting between men and wind. An-
other idea of temporality.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
Mirada Filmes Título / Title : Até onde o vento alcança / As Far as the Wind Reaches
Río de Janeiro, Brasil Género / Genre : Documental / Documentary
T +55 21 98873 2512 Formato de rodaje / Shooting format : HD
E aline@miradafilmes.com.br - julia@miradafilmes.com.br Formato de proyección / Screening format : DCP
W miradafilmes.com.br Duración estimada / Estimated length : 60 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $70.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $50.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 427

bal WIP | Argentina
El castillo de barba azul
Gastón Solnicki
Viena, 2043. Judith es una mujer atractiva de 50 años que
viaja a unos baños termales oscuros y húmedos en Hungría,
donde se le dispara el recuerdo de un pasado ambiguo y
aterrador: la aparición de una joven que le recuerda a Lara,
una adolescente que murió aquel verano en Punta del Este,
tres décadas atrás.
Verano 2015. Vacaciones familiares ar-
gentinas en el mar uruguayo. Tardes sin amigos en la pileta.
Arquitecturas que angustian en un paisaje lleno de alienación.
El posmodernismo de los paisajes se une con la atmósfera de
ciencia ficción.
El punto de partida es la única ópera que es-
cribió Béla Bartók: El castillo de Barba Azul. La unión de estos
materiales, aparentemente irreconciliables, puede dar lugar a
un nuevo género: la docu-ópera.
428 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Vienna, 2043. Judith is an attractive fifty-something woman
that sets on a journey to a very dark and misty bath house
in Hungary where she is drawn back to her past through an
ambiguous and fearful souvenir: the apparition of a young
woman in the steamy atmosphere that resembles Lara, a
teenager that died that summer in Punta del Este, thirty years
back. Summer 2015. Motherland Argentina. Family vacation
to Uruguayan sea waters. Friendless afternoons by the swim-
ming pool. Architecture that inspires angst, in a landscape
embedded with alienation where posmodernity meets sci-
ence fiction.
The starting point is Belá Bartók’s only Opera,
Bluebeard’s Castle. The union of these materials, apparently
incociliable, may give birth to a new genre: docu-opera.
 bal WIP | Argentina
El castillo de barba azul

director Y PRODUCTOR | director AND PRODUCER

Gastón Solnicki
Nació en 1978 y estudió en la NYU. Su primera
incursión en el largometraje, Süden (2008), recibió
una Mención Especial en el Bafici. Su segunda pe-
lícula, Papirosen (2011), fue estrenada en el Festi-
val de Cine de Locarno y exhibida en los festivales
internacionales de Rotterdam, Jeonju y Viennale.
Además, recibió el premio a la Mejor Película en el
Bafici 2012, entre otros premios internacionales, y
se estrenó comercialmente en Estados Unidos con
la distribuidora Film Movement. Actualmente trabaja
en su primera ficción.
He was born in 1978 and studied in the NYU. His
first film Süden (2008) received a special mention
at Bafici. His second feature Papirosen (2011) was
premiered in Locarno and traveled worldwide to
many festivals such as Jeonju, Rotterdam and Vien-
nale among others. It received the best film award
at Bafici. The film has been released in the US by
Film Movement. He is currently developing his nar-
rative debut.

Declaración del director | Director’s Statement

La única ópera que escribió Béla Bartók es un volcán musical
en erupción continua durante los sesenta y pico de minutos
que dura. Hace dos años pasé un verano hipnotizado por ella
con la fantasía de hacer una película no a partir de su repre-
sentación sino de la gran riqueza de materiales cinematográ-
ficos que contiene. El diciembre pasado viajamos con un gru-
po de amigos y colegas a filmar a Uruguay. Nos concentramos
en un grupo de jóvenes de vacaciones en Punta del Este y
en la relación entre los espacios arquitectónicos emblemáti-
cos del último medio siglo y los personajes que los habitan.
Nuestra hipótesis de juguete era: Bartók + Punta del Este =
Gasti (yo). Y nos llevó bastante lejos. A partir de ese material,
empezamos a trabajar en el desarrollo de hipótesis ficciona-
les, un proceso con el cual estamos muy entusiasmados y que
atraviesa grandes cambios en este momento.
Hay algo en la circularidad del tiempo que me emociona mu-
cho. Gestos y circunstancias que se repiten con precisión a lo
largo de la historia.
Béla Bartók’s only Opera is a musical volcano that erupts for
60 something minutes of compressed tragedy. Two years ago,
I spent an hypnotizing summer with it fantasizing about mak-
ing a film based on its rich cinematic contents rather than its
representation.
Last December, we traveled with a group of
friends and colleagues to shoot in Uruguay. We focused on
a bunch of teens in Punta del Este and the relation between
the architectural emblematic spaces of the last fifty years and
people that spend their vacations there. Our original premise
was: Bartók + Punta del Este = Gasti (me). And it lead us
pretty far. From this material we started to develop various
fictional hypothesis. We are really excited about this process
which is currently experiencing great changes.
There is something about the circularity of time that moves
me deeply. Gestures and circumstances that repeat with pre-
cision throughout History.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
Filmy Wiktora Título / Title : El castillo de Barba Azul / Bluebeard’s Castle
Buenos Aires, Argentina Género / Genre : Ficción / Fiction
T 5411 4553 3293 Formato de rodaje / Shooting format : 2K 4444
W filmywiktora.com Formato de proyección / Screening format : DCP
Duración estimada / Estimated length : 87 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $210.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $32.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 429

bal WIP | Chile
EL RUIDO DE LOS TRENES
Cristian Saldía
En un pequeño pueblo del sur de Chile, llamado San Rosendo,
se construyó en 1929 uno de los recintos ferroviarios más
importantes del país. Este contaba con cerca de 400 funcio-
narios activos y tenía la sala de máquina para locomotoras a
carbón más moderna de Sudamérica. A partir de entonces,
San Rosendo vivió una etapa de esplendor que se extendió
por varias décadas, hasta que, a fines de los años 70, la loco-
motora diésel reemplazó al tren a carbón y el recinto ferrovia-
rio cerró definitivamente. Hoy solo pasan dos trenes durante
el día: uno a primera hora de la mañana, que lleva pasajeros y
se detiene un momento en la antigua estación, y otro a última
hora de la tarde, que lleva madera y combustible y cruza el
pueblo sin detenerse. La película relata lo que sucede en San
Rosendo durante un día, entre el paso de esos trenes: las acti-
vidades que realizan sus habitantes, los espacios que ocupan
y los trayectos que recorren. Pequeños gestos que muestran
la relación entre el hombre y el paisaje, en un lugar que está
desapareciendo.
430 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
In 1929 one of the most important railway premises was
built in a small town called san Rosendo. Around 400 act-
ing employees worked in this premises and it had the most
modern engine room for coal locomotives in South America.
Since then, San Rosendo lived a period of splendor that lasted
several decades, until the late 70s, when the diesel locomotive
replaced the coal train, which caused the definite closing of
the premise. Today, only two trains pass during the day: one
early in the morning, taking passengers and stopping a while
in the old station, and the other at the end of the afternoon,
carrying wood and fuel, crossing the town without stopping.
The film narrates what happens in San Rosendo during one
day, between the passing of the trains: the activities the inhab-
itants have, the spaces they use and the routes they go over.
Small gestures that show the relation between the man and
the landscape in a place that is disappearing.
 bal WIP | Chile
EL RUIDO DE LOS TRENES

director | director

Cristian Saldía
Nació en Chile en 1981, y encabeza la compañía
3 Tigres Films. El ruido de los trenes se encuentra
en posproducción y ha sido seleccionado en los si-
guientes festivales: Docs in Progress Visions du Réel,
DocMontevideo, BoliviaLab, WIP Fidocs, Doculab
Guadalajara y Talent Campus Buenos Aires.
Born in Chile in 1981. He is the head of 3 Tigres
Films Company. The Noise of the Trains is in postpro-
duction and has been selected in: Docs in Progress
Visions du Réel, DocMontevideo, BoliviaLab, WIP
Fidocs, Doculab Guadalajara and Talent Campus
Buenos Aires.

productora | producer

Catalina Donoso
Es egresada de la carrera de cine y televisión de
la Universidad de Chile. Actualmente es productora
ejecutiva en Cusicanqui Films. Sus últimos largo-
metrajes como productora, ya estrenados, son El
vals de los inútiles y Naomi Campbel, premiados en
Ficvaldivia, Mar del Plata, CPH:DOX, AmDocs, GIFF,
IndieLisboa y FICCI, entre otros.
Graduate from Filmmaking and Television from Uni-
versidad de Chile. Currently, she is Executive Produc-
er in the Cusicanqui Films Company. Her last feature
films are The Waltz of the Useless and Naomi Camp-
bel, awarded in Ficvaldivia, Mar del Plata, CPH:DOX,
AmDocs, GIFF, IndieLisboa, FICCI, among others.

Declaración del director | Director’s Statement

Nací en 1981 en el sur de Chile y viví por casi treinta años con
mi madre y mis abuelos en una casa de madera ubicada junto
a las vías del tren. En aquellos años, mi madre y mi abuela
atendían un pequeño almacén, y mi abuelo era el encargado
de seguridad de la estación ferroviaria. Los trenes son una
parte importante del paisaje del sur de Chile. Están impresos
en la memoria de sus habitantes y siguen muy presentes en
los recuerdos de mi infancia. En aquella época, cuando pa-
saba el tren junto a la casa de mis abuelos, podía sentir su
presencia: el silbato de la locomotora se oía a lo lejos, el piso
de madera crujía y las ventanas vibraban. Aquella sensación
es imposible de olvidar.
I was born in 1981 in the south of Chile and lived for almost
thirty years with my mother and my grandparents in a wooden
house placed by the railways. In those years my mother and
my grandmother attended a small shop and my grandfather
was the safety officer in the train station. Trains are an im-
portant part of the landscape of the south of Chile. They are
registered in the memory of its inhabitants and are still very
present in my childhood memories. In those times, when the
train passed by my grandparents’ house, I could feel its pres-
ence: the whistle of the locomotive was heard in the distance,
the wooden floor creaked and the windows vibrated. That feel-
ing is impossible to forget.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
Cusicanqui Films Título / Title : El ruido de los trenes / The Noise of the Trains
Santiago de Chile, Chile Género / Genre : Documental / Documentary
T 5602 2639 8412 Formato de rodaje / Shooting format : HD
E info@cusicanquifilms.cl - catalinadonoso.k@gmail.com Formato de proyección / Screening format : DCP
W cusicanquifilms.cl Duración estimada / Estimated length : 75 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $188.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $153.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 431

bal WIP | Colombia
ERRANTES
Hermes Paralluelo Fernández
Camila Rodríguez Triana
Errantes tiene lugar en una habitación de un humilde hostal
del centro de la ciudad de Cali, Colombia. A la habitación van
llegando diferentes personas que cargan sus vidas a cuestas
y las dejan reposar allí por un breve lapso. Estas personas lle-
gan sin la intención de dejar nada en ese lugar; sin embargo,
quizás por esa misma razón, hay algo que se va imprimiendo
en el alma de la habitación, algo que se va formando y va cre-
ciendo sin cesar con cada huésped que llega y se va. Errantes
retrata ese estado de cambio y constante fluir que nunca se
detiene, y nos deja algunas preguntas acerca de las vidas de
esas personas, casi espectros. ¿Quiénes son realmente? ¿Por
qué nunca se detienen? ¿Por qué corren? ¿Por qué sufren?
¿De dónde vienen? ¿A dónde se dirigen? ¿Por qué están allí?
432 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Errantes takes place only inside a room of a humble hostel
in downtown in Cali, Colombia. At this room, arrive different
people carrying their own lives on their backs and it is there
where they find a short rest for a very short moment. These
people pass by this room with no intention of leaving anything
behind; however, there is something left from them printed on
the soul of this place, and it is forming and growing without
stopping with every guest that comes and leaves. Errantes
portrays that state of change and constant flow that never
stops but lets us some questions about these people’s lives,
almost as ghosts. Who are they really? Why do they never
stop? Why do they run? Why do they suffer? Where do they
come from? Where are they going? Why are they there?
 bal WIP | Colombia
ERRANTES

directores | directors

Hermes Paralluelo Fernández

Su ópera prima, Yatasto (2011), fue premiada en
festivales como FID Marsella, Bafici, Viennale, Ficu-
nam y Málaga, entre otros. Su segunda película, No
todo es vigilia (2014), se estrenó en San Sebastián y
ha sido premiada en festivales de cine como Mar del
Plata, Palm Springs y Bratislava.
His feature-length debut, Yatasto (2011), was
awarded in FID Marseille, Bafici, Viennale, Ficu-
nam, Malaga, among others. His second film, Not
All Is Vigil (2014) was premiered in San Sebastian
and awarded in Mar del Plata, Palm Springs and
Bratislava film festivals.

Camila Rodríguez Triana

Ha realizado numerosos trabajos para espacios de
arte contemporáneo. Dirigió el documental Retratos
de la ausencia, los cortometrajes Anahí y Alba de un
recuerdo y el cortometraje de animación La muerte
de las luciérnagas, con los que participó en festivales
como Visions du Reel, Popoli, etcétera.
She has directed many works for contemporary art
spaces. She has also directed the documentary Por-
traits of Absence, the short films Anahí and Dawn of
a Memory and the animated short film Death of the
Fireflies, which participated in festivals like Visions
du Reel, Popoli, among others.

PRODUCTORA | PRODUCER

Tania Rodríguez Triana

Es socia fundadora de la productora Heka Films. En
2011 produjo el documental Retratos de la ausencia
con el apoyo de DocTV América Latina (Colombia).
También es productora de los cortometrajes Alba de
un recuerdo y La muerte de las luciérnagas, ambos
realizados con el apoyo de FDC Proimágenes de
Colombia.
She is a founding partner of Heka Films produc-
tion house. In 2011 she produced the documentary
Portraits of Absence, with the support DocTV Latin
America-Colombia. She has also produced the short
films Dawn of a Memory and Death of the Fireflies,
both with the support of Colombian Film Develop-
ment Fund.

Declaración de los directores | Directors’ Statement

Los hostales son espacios que fueron creados para albergar a
esas personas que se encuentran de paso; son lugares neutros,
pero que por un corto tiempo se convierten en el espacio más
íntimo de aquel que los habita. En este espacio van quedando
pistas del mundo real de cada uno de los individuos que pasan
por allí y, al mismo tiempo, en su acumulación se construye ese
fluir que caracteriza a estos seres, pero también se construye el
rastro de una sociedad en esas vidas transeúntes.
Hostels are places created to receive people who are passing
through, moving from one place to another, a neutral place, but
for a very short time, it becomes the most intimate space of the
person who stays in. That space starts accumulating the trace of
everyone’s real world after passing by. Traces of their humanity
and at the same time, with every guest leaving an experience, it
builts this flow that characterizes these beings, and also it shows
a certain society in those temporary residents.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
Heka Films Título / Title : Errantes
Cali, Colombia Género / Genre : Documental / Documentary
T 5731 0388 2234 / 572 558 2058 Formato de rodaje / Shooting format : HD
E info@hekafilms.com - hekafilms@gmail.com Formato de proyección / Screening format : DCP
W hekafilms.com Duración estimada / Estimated length : 80 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $105.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $41.900

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 433

bal WIP | Argentina - Francia
EVA NO DUERME
Pablo Agüero
1952: Evita promete a la multitud que volverá “muerta o viva”.
Evita fallece el 26 de julio de 1952, a la edad de 33 años.
El anatomista Pedro Ara embalsama el cuerpo de Evita. Su
obsesión es hacer de la “mujer dormida” su obra maestra,
pero un golpe de Estado está gestándose. 1956: El general
Aramburu prohíbe hasta el nombre de Evita. El coronel Moori-
Koënig, jefe del servicio de inteligencia del ejército, esconde
el cuerpo de Eva en un furgón. Los comandos peronistas quie-
ren recuperarlo; los sectores radicales de la Armada quieren
destruirlo. 1969: Los estudiantes se unen a los obreros para
combatir la dictadura. Montoneros secuestra a Aramburu y lo
interrogan sobre el paradero de Evita. Aramburu confiesa que
la envió a Italia pero ignora dónde está enterrada. Montoneros
no quiere que los militares usen a Evita para negociar con Pe-
rón; Aramburu intenta salvar su vida. 1974: El cuerpo de Evita
es devuelto. Juan Perón ha muerto, el cuerpo es ubicado por
Isabel Perón en la quinta presidencial. Tras el golpe de Estado,
Emilio Massera hace enterrar, bajo seis metros de cemento, el
cuerpo de Evita, la primera desaparecida.
434 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
1952: Evita promised the crowd that she would return to them
“dead or alive”. Evita died on July 26, 1952, at the age of 33
years. The anatomist Pedro Ara embalms the body of Evita.
His obsession was to make the “sleeping woman” his master-
piece. A Coup d’état is begining. 1956: The General Aramburu
prohibited to pronounce Evita’s name. Colonel Moori-Koënig,
head of military intelligence, hides the body in a van. The Per-
onists commanders want to recover it; the radical sectors of
the Navy want to destroy it. 1969: Students join the work-
ers unions to fight the dictatorship. Montoneros kidnapped
Aramburu and interrogate him about the whereabouts of Evita.
Aramburu confesses that he sent it to Italy but does not know
where she is buried. 1974: The body of Evita is returned. Juan
Perón is dead, Eva’s body is located by Isabel Perón in the
presidential villa. After the Coup d’état, Emilio Massera buried
her under six meters of cement, Evita’s became the first per-
son to disappear under the dictatorship.
 bal WIP | Argentina - France
EVA NO DUERME

director | director

Pablo Agüero
Realizó tres cortometrajes (Primera nieve, Lejos del
sol y Más allá de las puertas) y dos largometrajes
(Salamandra y 77 Doronship), con los cuales obtuvo
importantes premios internacionales. Además parti-
cipó en múltiples residencias y obtuvo numerosas
becas.
He has made three short films (First Snow, Far Be-
yond the Sun and Far Beyond the Gates) and two
feature films (Salamandra and 77 Doronship), which
have won major international awards. He has also
participated in multiple residences and won numer-
ous scholarships.

productores | producers

Vanessa Ragone, Mariela Besuievsky, Marianne Dumulin

y Jaques Bidou
Vanessa Ragone produjo más de 20 largometrajes y realizó más
de 30 documentales. Actualmente es directora de INCAA TV. Ma-
riela Besuievsky es socia de Tornasol Films y produjo más de 118
películas. Marianne Dumulin es una productora francesa con una
amplia trayectoria, y trabaja en JBA desde 1992. Jaques Bidou es
un productor y cineasta francés que, desde 1987, produjo más
de 110 películas.
Vanessa Ragone has produced over 20 feature films and has
made over 30 documentaries. She is currently Director of INCAA
TV. Mariela Besuievsky is partner in Tornasol Films and produced
over 118 films. Marianne Dumulin is a French producer with ex-
tensive experience, and works in JBA since 1992. Jaques Bidou
is a French productor and film maker who has produced since
1987 over 110 films.

Declaración del director | Director’s Statement

Este guion está basado en la historia real del cadáver de Eva Pe-
rón. Su cuerpo desapareció durante diecisiete años y recién fue
enterrado un cuarto de siglo después de su muerte. Investigué el
tema durante cuatro años y me atreví a formular mi propia versión,
mi interpretación personal de los hechos históricos reales. Eva no
duerme es la peregrinación de esa bella durmiente que resistió a su
propia desaparición durante casi treinta años. Muestra la represión
desmesurada que se ejerció para borrar la herencia de Evita. ¿Qué
clase de incendio provocó, que no logró apagar tanta violencia? Esa
pregunta, ese incendio, es el corazón de esta película.
This script is based on the true story of the corpse of Eva Perón.
Her body disappeared for seventeen years and was buried a
quarter century after her death. I researched the subject for a
period of four years. Then I decided to make my own version, my
personal interpretation of historical facts. Eva Doesn’t Sleep is the
pilgrimage of the Sleeping Beauty who resisted her own demise
for almost thirty years. It shows the disproportionate repression
exerted to erase the legacy of Evita, yet her voice remains. What
kind of fire caused Evita, that such violence could not be stopped?
That question, that fire is the heart of this film.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
Haddock Films Título / Title : Eva no duerme / Eva Doesn’t Sleep
Buenos Aires, Argentina Género / Genre : Ficción / Fiction
T 5411 4776 1876 Formato de rodaje / Shooting format : Alexa
E info@haddockfilms.com Formato de proyección / Screening format : DCP
W haddockfilms.com Duración estimada / Estimated length : 110 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $1.100.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $862.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 435

bal WIP | Argentina
NO SOY UN EXTRAÑO
Hernán Rosselli
Durante la década del 70, Oscar trabajó en algunos films exi-
tosos, pero siempre como doble de riesgo o en roles secun-
darios. Ahora tiene casi 80 años pero luce al menos 20 años
más joven. Lo conocimos mientras preparábamos un docu-
mental sobre La Casa del Teatro, una especie de asilo para el
retiro de actores y gente del espectáculo. La idea inicial era
hacer un documental de observación sobre el funcionamiento
de la institución y la regulación del trabajo en el espectáculo;
seguramente hubiese sido un proyecto algo académico, como
esos que las instituciones mismas encargan a cineastas. Os-
car vive en La Casa del Teatro desde hace unos cuatro años.
La primera vez que hablamos con él nos contó que volvió a
Argentina para buscar a su hijo mayor: hace diez años, Maxi-
miliano desapareció durante un viaje. Oscar juntó la plata para
volver en un casino de Las Vegas; quizás sea un don de fa-
milia, porque su padre ganó su casa jugando a la taba. Oscar
es seductor, locuaz y algo mentiroso. Es decir, tiene todas las
condiciones para ser un excelente narrador. Y por eso esta
es su película.
436 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
During the 70s, Oscar worked in some successful films, but
always as a stunt double or in supporting roles. Now he’s al-
most 80, but looks at least 20 years younger. We met him
while we were preparing a documentary about the House of
Theater, some sort of retirement home for actors and showbiz
people. Our first idea was to make an observational documen-
tary on the functioning of the institution and the regulation of
work in show business -surely it would have been a some-
what academic project, like those the institutions themselves
request filmmakers to make. Oscar has lived at the House of
Theater for about four years. The first time we talked to him,
he told us he had to come back to Argentina to search for his
oldest son: ten years ago, Maximiliano disappeared during a
trip. Oscar raised some money at a casino in Las Vegas in
order to return; maybe it runs in the family, because his father
won his house playing jacks. Oscar is seductive, talkative and
a bit of a liar. That’s to say, he perfectly fits the profile of great
narrator. And that is way this is his film.
 bal WIP | Argentina
NO SOY UN EXTRAÑO

director | director

Hernán Rosselli
Nació en 1979. Estudió guion y montaje, además
de filosofía y música. Fundó y dirige la publicación
de cine Las Naves. En 2014 estrenó Mauro, la cual
obtuvo excelentes críticas y recorrió numerosos
festivales. No soy un extraño es su segundo largo-
metraje.
He was born in 1979. He studied screenwriting, as
well as philosophy and music. He founded and di-
rects the film publication Las Naves. In 2014, he re-
leased Mauro, which received rave reviews and was
shown at a number of festivals. I’m Not a Stranger is
his second feature.

productor | producer

Santiago Hadida
Nació en 1974 y estudió filosofía en la UBA y guion
en la ENERC. Trabajó como editor en diferentes pu-
blicaciones y escribió el guion de Aballay, de Fernan-
do Spiner. Produjo el largometraje Mauro, de Hernán
Rosselli.
He was born in 1974 and studied philosophy at the
UBA and screenwriting at the ENERC. He was edi-
tor at different publications and wrote the script for
Fernando Spiner’s Aballay. He produced Hernán Ros-
selli’s feature Mauro.

Declaración de la directora | Director’s Statement

Durante décadas la industria del cine generalizó la creencia de
que hacer películas es llevar adelante un esfuerzo de producción
absolutamente lineal para poder concretar una idea. Es posible
que hacer cine sea más parecido a sufrir un accidente de tránsito
y vivir para contarlo. Cualquier persona que haya intentado el mo-
desto ejercicio de poder que implica poner en escena algo sabe
de qué estoy hablando. Los problemas siempre son parte de una
película. Todas las películas que no están muertas, que parecen
transformarse cuando uno vuelve a verlas, supieron capitalizar
eso de algún modo.
For decades, the film industry has generalized the belief that
making movies is carrying out an absolutely linear effort in
order to summarize an idea. It’s possible that making films is
more like surviving a car wreck. Any person that has ever em-
barked on the modest exercise of power that staging some-
thing entails knows what I’m talking about. Complications are
always part of a film. All films that didn’t die, that seem to
transform when you see them again, knew how to capitalize
this in some way.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
Un Resentimiento de Provincia Título / Title : No soy un extraño / I’m Not a Stranger
Buenos Aires, Argentina Género / Genre : Documental / Documentary
T 5411 4921 6812 / 5411 6248 4988 Formato de rodaje / Shooting format : HD
E unresentimientodeprovincia@gmail.com Formato de proyección / Screening format : DCP
W www.unresentimientodeprovincia.com Duración estimada / Estimated length : 80 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $40.300
Fondos recaudados / Money in place : USD $23.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 437

bal WIP | Argentina
LA LUZ INCIDENTE
Ariel Rotter
Luisa no logra rearmar su vida desde el accidente, pero un día
un hombre desconocido irrumpe en su vida con una inespe-
rada vehemencia y le propone reconstruir todo. La aparición
de este hombre confronta a Luisa con un proceso de due-
lo, que fue sistemáticamente omitido hasta este momento.
El vendaval de energía que el candidato trae consigo quizás
oculta algunos signos de alarma sobre su carácter, pero la
percepción confusa de Luisa hace que el posible deseo que
le genera el hombre presente se yuxtaponga con la figura del
ausente, y logra que la imposibilidad de procesar su muerte
se confunda con la idea de rearmar una familia. La luz inci-
dente es un relato sobre el errático inicio de una relación que
tiene lugar durante un proceso de duelo y que desemboca en
un casamiento. Un relato sobre la necesidad imperiosa de que
exista una primera luz que suceda a la oscuridad.
438 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Since the accident, Luisa has not been able to put her life back
together. That is when a seductive stranger comes into her life
and proposes starting over. When this man appears, Luisa is
confronted with a grieving process that she had systematically
avoided until now. The new man’s overwhelming energy may
serve to hide some warning signs about his character, but Lu-
isa’s confused state means that the possible desire she feels
for the present man is juxtaposed with the figure of the absent
man, and her inability to accept her husband’s death is blurred
with the idea of rebuild a family. Incident Light is a story about
the erratic beginning of a relationship that takes place during
a grieving process and leads to a wedding. A story about the
urgent need for a first light to come after darkness
 bal WIP | Argentina
LA LUZ INCIDENTE

director | director

Ariel Rotter
Nació en Buenos Aires en 1971 y estudió en la Uni-
versidad del Cine. También realizó estudios de dra-
maturgia, guion, fotografía e historia del arte. Realizó
varios cortometrajes y documentales, además de los
largos Solo por hoy (2001) y El otro (2007).
He was born in Buenos Aires in 1971. He studied
at Universidad del Cine. He also studied Drama,
Screenwriting, Photography, and Art History. He
made several short films and documentaries, and the
feature films Solo por hoy (2001) and El otro (2007).

productor | producer

Juan Pablo Miller

Nació en Buenos Aires en 1977. Realizó estudios de
comunicación en la UBA. Trabajó en distintos roles
en más de 25 películas, y en 2009 fundó Tarea Fina.
Como productor y productor ejecutivo realizó Las
Acacias, Ciencias naturales, El cerrajero, Un amor,
Samurai y El pampero.
He was born in Buenos Aires in 1977. Made studies
at University of Buenos Aires. He has carried out over
25 films on different positions, and in 2009 founded
Tarea Fina. As producer and executive producer he
made: Las Acacias, Natural Sciences, The Lock-
smith, One Love, Samurai and El pampero.

Declaración del director | Directors’ Statement

En mi casa había fotos de gente que nunca conocí y que per-
tenecían a un pasado del que no se hablaba. Esos rostros me
generaron todo un universo de inquietud y conjeturas. Eran mis
propios fantasmas familiares. La luz incidente se trata de ellos,
de las circunstancias en las que se conformó esta familia, de la
desesperada necesidad de escapar de los recuerdos dolorosos,
aunque no se sepa hacia dónde. Es un intento por imaginar una
etapa que desapareció de la memoria colectiva familiar. Y, a la vez,
supone para mí un juego movilizador: abordar a estos persona-
jes como desconocidos y descubrir quiénes son, pues nada me
resulta más misterioso y ambiguo que lo que se tiene muy cerca.
At my house there were photographs of people I did not know,
people from a past no one spoke of. Their faces stirred a whole
troubling universe of conjecture in my mind. They were my own
family ghosts. Incident Light is about them, about the circum-
stances in which this family was formed, and about the desperate
need of people to move on. To escape forward from the pain-
ful memories, even not knowing where to go. Is an attempt to
imagine a period that seems to have disappeared from my fam-
ily’s collective memory. And it also entails, for me, the unsettling
challenge of treating these characters as strangers in order to
discover who they are. After all, nothing is as mysterious and am-
biguous as what is very close to us.

Contacto Información técnica

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Tarea Fina / Aire Cine Título / Title : La luz incidente / Incident Light
Buenos Aires, Argentina Género / Genre : Ficción / Fiction
T 5411 4791 6826 / 5411 4703 0656 Formato de rodaje / Shooting format : Digital B&N
E arielrotter@hotmail.com - jpmiller@tareafina.com Formato de proyección / Screening format : DCP
W tareafina.com Duración estimada / Estimated length : 87 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $670.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $604.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 439

bal WIP | Argentina
LAS LINDAS (autorretrato)
Melisa Liebenthal
Melisa habla en primera persona. Tiene veinticuatro años y
entrevista a cinco amigas de la infancia. Desde atrás de cá-
mara, las graba y habla con ellas sobre sus experiencias de la
niñez y la adolescencia para tratar de ahondar en las distintas
implicancias que tuvo el hecho de ser mujer a lo largo de sus
vidas. Estos relatos contados en la intimidad y directamente a
la cámara son contrapuestos alternadamente con la experien-
cia de Melisa, reconstruida a partir de imágenes de su propio
archivo personal, fotos del álbum familiar y videos caseros,
junto a una narración en voice over que reflexiona sobre esas
imágenes. Esta interrelación de experiencias funciona para
pensar la problemática de la construcción de los géneros
en nuestra cultura e intentar desnaturalizar sus mandatos y
prohibiciones, especialmente aquellos vinculados a la imagen.
Melisa es un personaje crítico que siempre tuvo conflictos con
lo que se espera socialmente de una chica, de una mujer.
¿Por qué tengo que sonreír? ¿Por qué tengo que salir linda en
las fotos? ¿Por qué me confunden con un hombre? ¿Por qué
importa tanto la mirada del otro?
440 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Melisa speaks in the first person. She is twenty-four years old
and has five girlfriends from childhood whom she interviews.
While recording from behind the camera, she talks with them
separately about their childhood and adolescence experiences
to try to deepen in the implications that being a woman had
throughout their lives. These stories told in intimacy and di-
rectly to the camera are compared alternatively with Melisa’s
experience, which is reconstructed from images from her
personal archive along with a voice-over narration that thinks
about those images. This interrelation of experiences is the
field to think about the gender construction issue in our cul-
ture and to try to denature its mandates and prohibitions, es-
pecially those related to the image. Melisa is a critic character
who never felt quite at ease with what is socially expected
from a girl, from a woman. Why do I have to smile? Why do I
have to come off pretty in pictures? Why am I mistaken for a
man? Why does the look of the others matter so much?
 bal WIP | Argentina
LAS LINDAS (autorretrato)

directora | director

Melisa Liebenthal
Nació en 1991 en Buenos Aires. Actualmente se en-
cuentra terminando la licenciatura en dirección en la
Universidad del Cine y preparando su tesis de gra-
duación sobre el autorretrato versus el self-branding
en la era digital. Dirigió los cortometrajes Airportness
(2010) y Alegría del hogar (2013). Las lindas (Auto-
rretrato) es su primer largometraje.
She was born in 1991 in Buenos Aires. At present,
she is finishing her studies for in Film Direction at
Universidad del Cine and preparing her graduation
thesis about self-portrait vs. internet self-branding.
She directed the short films Airportness (2010) and
Home’s Joy (2013). The Pretty Ones (Self-portrait) is
her first full-length film.

productora | producer

Eugenia Campos Guevara

Nació en Buenos Aires en 1990. Actualmente se
encuentra desarrollando su tesis de licenciatura en
la Universidad del Cine. Trabaja en cine y TV en las
áreas de producción y dirección. Desde 2013 forma
parte del equipo de producción de El Pampero Cine.
Las lindas (Autorretrato) es su primera película como
productora.
She was born in 1990 in Buenos Aires. At present,
she is writing her degree thesis at Universidad del
Cine. She works in cinema and TV in the produc-
tion and direction fields. Since 2013, she is part of
El Pampero Cine production company. The Pretty
Ones (Self-portrait) is her first full-length film as a
producer.

Declaración de la directora | Director’s Statement

La idea de este autorretrato surgió cuando volví a ver las fotos y
los videos de mi infancia y adolescencia. En la evolución de mi
imagen a través del tiempo encontré un personaje de mí misma
y pensé en su historia, que llega hasta el presente y me permite
hablar del tópico de la construcción del género femenino en nues-
tra cultura, especialmente en cuanto a la apariencia. Me interesa
cómo ese conflicto aparece fácilmente en las experiencias perso-
nales narradas por los distintos personajes dentro de la película,
de la mano de otras problemáticas como la pubertad, la relación
con la mirada de la cámara y con la mirada de los otros.
The idea for this self-portrait occured to me as I was looking at
my childhood and teenage photos and videos. In the evolution of
my image throughout time, I found a character in myself and her
story that covers up to present and allows me to speak about the
female gender building process in our culture, especially regard-
ing physical appearance. My interest is focused on how this issue
springs up immediately in the personal experiences told by the
different characters in the film, together with other topics such
as puberty, one’s relationship with the camera and with the look
of the others.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
Melisa Liebenthal / Eugenia Campos Guevara Título / Title : Las lindas (Autorretrato) / The Pretty Ones (Self-portrait)
Buenos Aires, Argentina Género / Genre : Documental Ensayo / Documentary Essay
T 54911 3054 9331 / 54911 6003 0320 Formato de rodaje / Shooting format : HD
E liebenthal.melisa@gmail.com - e.camposguevara@gmail.com Formato de proyección / Screening format : DCP
Duración estimada / Estimated length : 70 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $114.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $45.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 441

bal WIP | Chile
LAS PLANTAS
Roberto Doveris
Florencia (17) ha tenido que asumir la responsabilidad de
cuidar a su hermano Sebastián (22), quien, a pesar de que
no puede moverse, podría percibir y darse cuenta de todo,
según un antiguo diagnóstico que ella acaba de encontrar
entre los papeles médicos del muchacho. Con su madre en el
hospital, su padre en Argentina y la renuncia de la empleada,
Florencia está completamente sola frente a las nuevas res-
ponsabilidades, obligada a sostener el hogar y a bañar, vestir
y alimentar a su hermano que permanece inamovible en un
estado semivegetal. Las plantas comienzan a invadir la casa,
que se deteriora poco a poco en las inexpertas manos de la
muchacha, y la posibilidad de que Sebastián posea una con-
ciencia lúcida perturba progresivamente a la adolescente que,
adicta a las series japonesas y a los cómics, encuentra una
historieta llamada Las plantas que versa sobre el despertar
de las plantas en luna llena. En medio de pesadillas, con-
venciones de japoanimación y el descubrimiento del cuerpo
masculino de Sebastián, Florencia comenzará a explorar su
propia sexualidad ensayando sus límites con desconocidos,
a través de Internet y luego en su propia casa, poniendo en
riesgo su integridad física y la de su hermano.
442 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Florencia (17) has had to assume the responsibility of taking
care of her brother Sebastián (22), who, in spite of not being
able to move, may perceive and be aware of everything, ac-
cording to the oldest diagnosis she has just found among the
young man’s medical papers. With her mother at the hospi-
tal, her father in Argentina and housekeeper having just quit,
Florencia is completely alone in front of the new domestic
responsibilities, forced to take care of her home and bathing,
dressing and feeding her brother, who remains immutable in
a semi-vegetative state. The plants start to invade the house,
which deteriorates progressively in the inexperienced hands
of the girl, and the possibility that Sebastián has a lucid con-
sciousness disturbs the teenager more and more. She’s ad-
dicted to Japanese series and comic books, and finds one of
the latter, called The Plants, that deals with the awakening of
plants in full moon. Between nightmares, Japanimation con-
ventions and the discovery of Sebastián’s male body, Florencia
starts exploring her own sexuality by testing her limits with
strangers, through the internet and, later, in her own home,
putting her physical integrity, as well as her brother’s, at risk.
 bal WIP | Chile
LAS PLANTAS

director | director

Roberto Doveris
Es cineasta y realizó su máster en teoría del arte. Sus
cortometrajes han participado en festivales naciona-
les e internacionales. Actualmente trabaja en Cine-
maChile y dirige Niña Niño Films, donde desarrolla
La hija, de Isabel Orellana, y posproduce su primer
largometraje, Las plantas.
He is a filmmaker and has a master in art theory. His
short films have taken part in local and international
festivals. He currently works at CinemaChile and di-
rects Niña Niño Films, where he’s currently develop-
ing Isabel Orellana’s La hija and post-producing his
first feature, The Plants.

productora | producer

Rocío Romero
Luego de haber egresado de la Universidad Católi-
ca de Chile, decidió cofundar Mimbre Producciones
junto a la directora y montajista Daniela Camino. En
Mimbre ocupa el cargo de directora ejecutiva, y allí
produce películas de autor como Naomi Campbel
(N. Videla y C. Donoso).
She is an audiovisual producer. After having gradu-
ated from the Catholic University, she decided to
co-found Mimbre Producciones along with director-
editor Daniela Camino. At Mimbre, she holds the
position of Executive Director, producing auteur films
such as Naomi Campbel (N. Videla and C. Donoso).

Declaración del director | Director’s Statement

En Las plantas quise retratar esos espacios desde donde emer-
gen las verdades para una joven que busca respuestas: los có-
mics, la música, los videojuegos, los libros, las películas, las ca-
lles, los amigos. Escribí este guion entre Buenos Aires y Santiago,
entre noches de insomnio y la estimulación que me producen
estas ciudades, y creo que la película logra captar ese estado fre-
nético, mezcla de ansiedad y de angustia; esas ganas de querer
vivir situaciones extremas y conocer el mundo, aun cuando esto
sea peligroso.
In The Plants, I wanted to capture those spaces from which truths
emerge for a young woman looking for answers: comic books,
music, video games, books, movies, streets, friends. I wrote this
script between Buenos Aires and Santiago, during sleepless
nights and with the excitement those cities cause in me, and I
believe the film succeeds in capturing that frantic state, a mix
between anxiety and distress, that will to experience extreme situ-
ations and discover the world through your own skin, even when
it’s dangerous.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
Mimbre Producciones Título / Title : Las plantas / The Plants
Santiago de Chile, Chile Género / Genre : Ficción / Fiction
T 569 8125 0805 Formato de rodaje / Shooting format : Full HD 1080p
E contacto@mimbreproducciones.cl Formato de proyección / Screening format : Blu-ray
W mimbreproducciones.cl Duración estimada / Estimated length : 100 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $175.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $125.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 443

bal WIP | Argentina
MI AMIGA DEL PARQUE
Ana Katz
Corren días difíciles para Liz, madre primeriza de Nicanor (3
meses) y esposa de Gustavo, quien está de viaje filmando un
documental sobre un volcán en Chile. Cada día, como en un
ritual, Liz lleva a Nicanor a pasear por el parque en cochecito.
Los árboles, las hamacas, el frío aire del invierno acompa-
ñan a Liz en su vagabundeo. Otras madres del parque (y un
padre) ofrecen a Liz su compañía; es la camaradería propia
de quienes están viviendo el mismo momento: madres que
amamantan, mecen a sus hijos para dormirlos, les hacen
upa para consolarlos, los hamacan mirando de reojo (o con
desesperación) su celular. Cuando Liz conoce a Rosa, la pre-
sunta madre de Clarisa y hermana de Renata, una lunática
aparentemente inofensiva, todo cambia para ella: una nueva
vida de aventuras se asoma. Rosa la invita a emanciparse y
le promete apoyo moral y tareas domésticas a cambio de su
solidaridad (y un viaje en auto). El intercambio de favores y la
complicidad de una nueva mejor amiga traen un viento nuevo
en la vida de Liz, que tal vez deba aprender a lidiar con un
juego de incógnitas e identidades que interpelen sus modos
de ser madre.
444 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
These are some tough days for Liz, first-time mother of Nica-
nor (3 months) and wife of Gustavo, who’s away shooting a
documentary about a volcano in Chile. Each day, as a ritual,
Luz takes Nicanor out for a walk through the park with his
stroller. The trees, the swings, the cold air of the winter ac-
company Liz in her wandering. Other mothers at the park
(and a father) offer Liz their company; it’s the camaraderie
of those who are going through that same moment: mothers
who breast-feed, rock their babies in order for them to sleep,
lift them up in order to console them, swing them sneaking a
peek (or staring desperately) at their cell phones. When Liz
meets Rosa, the supposed mother of Clarisa and the sister of
Renata, an apparently harmless lunatics, everything changes
for her: a new life of adventure shows its face. Rosa invites her
to emancipate, and promises moral support and housework
in exchange for her solidarity (and a car ride). The favor trade
and the complicity of a new best friend bring some new air to
Liz’s life, and maybe she’ll have to learn to deal with a game
of mysteries and identities that question her ways of being a
mother.
 bal WIP | Argentina
MI AMIGA DEL PARQUE

directora | director

Ana Katz
Estudió cine en la Universidad del Cine y teatro.
Montó tres obras de teatro de su autoría. Su ópe-
ra prima El juego de la silla recibió varios premios
internacionales. También filmó Una novia errante,
estrenada en la sección Un Certain Regard del Fes-
tival de Cannes, y Los Marziano, presentada en la
Competencia Oficial del Festival de San Sebastián.
She studied film at the Film University, as well as
drama. She staged three of her own plays. Her first
feature, Musical Chairs, received many international
awards. She also made A Stray Girlfriend, which
premiered in the Un Certain Regard section at the
Cannes Film Festival, and Los Marziano, presented
as part of Official Competition of the San Sebastián
Film Festival.

productor | producer

Nicolás Avruj
Dirigió varios documentales para TV, y editó los
largometrajes Amando a Maradona, Danza Porca y
Que sea rock. Es socio fundador, junto con Diego
Lerman, de Campo Cine, y produjo los largometrajes
Refugiado, Los hongos, La mirada invisible y Porfirio.
Dirigió el largometraje Nosotros, ellos y yo. Produjo
Mi amiga del parque junto con Diego Lerman, Ana
Katz, Agustina Chiarino, Fernando Epstein, Gastón
Rothschild e Ignacio Rey.
He directed documentaries for TV and was the film
editor of Amando a Maradona, Danza Porca and Que
sea rock. Co-funder of Campo Cine with Diego Ler-
man, and producer of the feature films Refugiado,
Los hongos, La mirada invisible, and Porfirio. He
directed the feature film Nosotros, ellos y yo. He
produced My Friend from the Park with Diego Ler-
man, Ana Katz, Agustina Chiarino, Fernando Epstein,
Gastón Rothschild and Ignacio Rey.

Declaración de la directora | Director’s Statement

Mi amiga del parque se introduce en los sentimientos de vulne-
rabilidad que surgen en una persona a partir de la llegada de un
hijo. El relato se posa en el universo de las mujeres puérperas
que se sienten frágiles ante la nueva responsabilidad de un amor
desconocido que se presenta brillante y pleno de necesidad. A
partir de las madres que se encuentran en las plazas, se abordan
distintas formas de crianza, distintos ángulos culturales dentro de
una misma sociedad.
My Friend from the Park muscles in on the feelings of vulner-
ability a person develops when having a child. The plot enters
the universe of puerperal mothers who feel fragile in front of
the new responsibility of an unknown love that presents itself
brightly and filled with need. Through the mothers that meet
up at the parks, different forms of raising, different angles
within the same society are addressed.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
Campo Cine Título / Title : Mi amiga del parque / My Friend from the Park
Buenos Aires, Argentina Género / Genre : Ficción / Fiction
T +5411 4554 9036 Formato de rodaje / Shooting format : HD 2K
E nico@elcampocine.com.ar Formato de proyección / Screening format : DCP
Duración estimada / Estimated length : 84 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $680.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $590.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 445

bal WIP | Brasil
MUITO ROMÂNTICO
Gustavo Jahn
Melissa Dullius
Muito romântico narra las aventuras de Melissa y Gustavo en
su viaje por el interior de su cosmos privado. La película co-
mienza con la joven pareja abordando un barco de carga que
cruza el océano Atlántico. Dentro de su camarote hay dos ven-
tanas que llaman la atención; al mirar fijamente por ellas, uno
puede ver el futuro. Melissa y Gustavo se instalan en Berlín;
su casa es una simple habitación, y también un cambiante es-
cenario teatral. La ficción y la realidad se suceden en este es-
pacio en el que sus amigos personales son invitados a inter-
pretar sus propios papeles, pero también conviven con ellos
desconocidos y criaturas. Uno de los desconocidos deja una
marca e instala un portal hacia episodios lejanos. Mientras
las ventanas del barco permiten ver el futuro, el portal abierto
en el dormitorio llama a caminar por el lado salvaje, o bien
saltar hacia un espacio cósmico en el que existen conexiones
entre pasado, presente y futuro. La ciudad, representada por
su estado de continua renovación, también juega un papel
importante: es una incansable obra en construcción donde lo
viejo tiene que ceder espacio a lo nuevo.
446 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Muito romântico portrays the adventures of Melissa and Gus-
tavo during their journey within their own private cosmos. The
film opens with the young couple boarding a cargo ship cross-
ing the Atlantic Ocean. Inside their cabin are two windows
attracting attention. When staring into them, one can see into
the future. They settle in Berlin, Germany. Their home is a
simple bedroom, and also an ever-changing theatrical stage.
Fiction and reality take place in this space where personal
friends are invited to play their own roles, but also strangers
and creatures coexist. One of these strangers leaves a mark
and installs a gateway for faraway episodes. As the windows
in the ship allow one to see the future, the open portal on the
bedroom wall calls for a walk on the wild side, or a leap into a
cosmic space where connections exist between past, present
and future. The city, embodied by its state of sheer renovation,
also plays an important role. It is a restless construction site
where the old has to give space to the new.
 bal WIP | Brazil
MUITO ROMÂNTICO

directores | directors

Gustavo Jahn & Melissa Dullius

Artistas y realizadores brasileños. Desde 2007 viven
y trabajan en Berlín, donde formaron el dúo Distruk-
tur. Su obra, filmada principalmente en 16 mm, se
presentó en festivales como la Berlinale y Bafici y
en instituciones artísticas como el New Museum
de Nueva York. Muito romântico es su debut en el
largometraje.
They are Brazilian artists and filmmakers. Since
2007, they live and work in Berlin where they formed
the duo Distruktur. Their work, mainly shot on 16mm,
has been presented in festivals such as Berlinale or
Bafici as well as in art institutions such as the New
Museum in New York. Muito romântico is their fea-
ture debut.

productor | producer

Gustavo Beck
Dirigió y produjo los documentales O Arquipélago
(2014), O Inverno de Željka (2012), Chantal Aker-
man, de cá (2010), A casa de Sandro (2009) e Ismar
(2007). Produjo el debut de Daniel Lentini en el do-
cumental, A morte diaria (2015), que se estrenará en
abril en Vision du Réel.
He directed and produced the documentaries O Ar-
quipélago (2014), O Inverno de Željka (2012), Chan-
tal Akerman, de cá (2010), A Casa de Sandro (2009)
and Ismar (2007). He produced Daniel Lentini’s
documentary debut A Morte Diária (2015), which will
have its premiere at Vision du Réel this April.

Declaración de los directores | Directors’ Statement

La idea de la película surgió a fines de 2006, cuando abordamos
un barco carguero para mudarnos de Brasil a Alemania. Alrede-
dor de nosotros estaba el océano, y ahí comenzamos a hacer
una película. Luego del desembarco en Berlín, todavía seguíamos
embalados en la idea. Nos imaginamos una historia que estaría
compuesta por tres partes: el viaje a través del océano Atlántico;
la recreación de nuestra vida juntos en una nueva ciudad, con
el dormitorio como escenario; y nuestro archivo personal. En los
espacios entre las imágenes y los sonidos que componen esta
película, hay un hilo que conecta todas las partes. Cuando todo
haya pasado, ¿qué queda? Simplemente lo que hacemos.
The idea for this movie took place at the end of 2006, when we
boarded a cargo ship to move from Brazil to Germany. Surround-
ing us was the ocean, and we started to shoot a film. After dis-
embarking in Berlin we were still rocking. We imagined a tale that
would be composed of three parts: the journey across the Atlantic
Ocean; the reenactment of our life together in a new city, having a
bedroom as a stage; our personal archive. In the spaces between
the images and sounds that make up this film, there’s a thread
connecting all parts. After everything has passed, what stays in
the end? What we do.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
If You Hold a Stone Título / Title : Muito romântico
Río de Janeiro, Brasil Género / Genre : Ficción / Fiction
T 1646 385 9872 Formato de rodaje / Shooting format : 16 mm
E gustavobeck@ifyouholdastone.com Formato de proyección / Screening format : DCP
W ifyouholdastone.com Duración estimada / Estimated length : 80 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $53.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $42.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 447

bal WIP | Argentina
PINAMAR
Federico Godfrid
Pinamar fuera de temporada. Pablo y Miguel vuelven para
tirar las cenizas de su madre y vender el departamento fami-
liar. Ambos tienen personalidades muy distintas: mientras que
Pablo solo piensa en terminar todo cuanto antes, Miguel no
tiene apuro, cree que lo más importante es despedirse y eso
requiere tiempo. Allí los recibe Laura, una bella joven pinama-
rense, amiga de Miguel desde la infancia. Producto de un mal
entendido entre la agente inmobiliaria y Miguel, la venta se
demora un día más. Pablo se prepara para una estadía depri-
mente: pasar la noche en Pinamar después de tantos años de
su última visita. Está furioso con su hermano que, pese a las
circunstancias, solo piensa en pasarla bien. El humor cambia
cuando, entre música, tragos y juegos, se reencuentran con
Laura. Ella despierta el deseo de los hermanos y convierte
el viaje en una aventura que los conecta con el recuerdo de
aquellos veranos. La lucha por conquistarla les permite redes-
cubrir su relación y compartir el duelo por lo que ya no volverá.
Abriéndoles paso a la vida adulta, Pinamar les demostrará que
los finales son siempre el inicio de algo nuevo.
448 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Pinamar out of season. Pablo and Miguel return to scatter
their mother’s ashes and sell the family flat. They have very
different personalities: Pablo just wants to get all that done the
sooner the better, while Miguel is in no rush and believes the
main issue is to say your goodbyes, and that takes time. Laura
welcomes them there; she’s a young beautiful local girl, and a
friend of Miguel since childhood. A misunderstanding between
the realter and Miguel causes the sale to extend for one more
day. Pablo is gearing up for a depressing stay and staying the
night in Pinamar so many years after his last visit. He’s very
mad at his brother, who despite the circumstances, only cares
about having a good time. The mood changes when they meet
up with Laura amidst music, drinks and play. She wakes up
both brothers’ desire, turning a death-related trip to an ad-
venture that connects them with the memories of past sum-
mers. Their struggle to get her allows them to rediscover their
relationship and share the mourning for that which is gone
forever. By opening them up to adult life, Pinamar will show
them endings are always the beginning of something new.
 bal WIP | Argentina
PINAMAR

director | director

Federico Godfrid
Se graduó de diseño de imagen y sonido en la Uni-
versidad de Buenos Aires. Su ópera prima La Tigra,
Chaco (2009, codirigida con Juan Sasiaín) obtuvo
diecisiete premios. En televisión dirigió Piedra y
camino (2011) e Igualmente amor (actualmente en
posproducción). Es profesor de dirección de actores
y realización en carreras de formación audiovisual.
He graduated as Image and Sound Designer at
the University of Buenos Aires. His opera prima La
Tigra, Chaco (2009, with Juan Sasiaín) won seven-
teen awards. He also directed the TV shows Piedra
y camino (2011) and Igualmente amor (currently in
post-production). He’s a professor of Acting Direction
and Filmmaking in college audiovisual programs.

productor | producer

Ignacio Rey
Es vicepresidente de FIPCA y de los Premios Platino;
profesor de UBA, ENERC y USAB (Cuba); secretario
general de CAIC y titular de Sudestada Cine. Produjo
films como Refugiado, El encuentro de Guayaquil, La
Salada, El hijo de la guerra, Mi amiga del parque,
Choele y La Tigra, Chaco, entre otros.
He’s vicepresident of FIPCA and the Platino
Awards; professor at the UBA, ENERC and USAB
(Cuba); Secretary General for CAIC and owner of
Sudestada. He produced films such as Refugiado,
El encuentro de Guayaquil, La Salada, El hijo de la
guerra, Mi amiga del parque, Choele, and La Tigra,
Chaco, among others.

Declaración del director | Directors’ Statement

Pinamar parte del abordaje de un espacio propio y conocido, el
lugar de veraneo de mi infancia. Al igual que en mi película ante-
rior, La Tigra, Chaco, me propongo partir del espacio como dispa-
rador ficcional. Las ciudades costeras en temporada baja suelen
mutar su aspecto de exaltada vitalidad por uno fantasmagórico,
silencioso, vacío. Pinamar aparece como una postal melancólica,
resultado de la convivencia de dos tiempos: el pasado, infancia
siempre idílica en el recuerdo, y el presente, revelado como paso
del tiempo. A lo largo de mi búsqueda como realizador proyecto
historias pequeñas, vinculares y reconocibles. Un cine que nace
del aire que flota entre los personajes.
Pinamar is part of an approach to a familiar and known place,
which is the place where I spent the summers during childhood.
Just like in my previous film La Tigra, Chaco, I intend to use the
location as a fictional trigger. Coastal cities in low season usually
mutate their appearance, from an exalted vitality to a ghostly, si-
lent emptiness. Pinamar is like a melancholic postcard that results
from the coexistence of two different timelines: the past, remem-
bered as an idyllic childhood, and the present, which is revealed
as the passage of time. All throughout my search, as a filmmaker
I project small, engaging, and recognizable stories. It’s a kind of
cinema that is born out the air that floats around the characters.

Contacto Información técnica

Contact Technical Information
Sudestada Cine / AZ Films Título / Title: Pinamar
Buenos Aires, Argentina Género / Genre: Ficción / Fiction
T 5411 4772 9493 Formato de rodaje / Shooting format: 4K
E info@sudestadacine.com Formato de proyección / Screening format: 2K
W sudestadacine.com Duración estimada / Estimated length: 90 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget: USD $483.000
Fondos recaudados / Money in place: USD $442.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 449

bal WIP | México - Colombia - República Dominicana
TORMENTERO
Rubén Imaz
Hace muchos años, el pescador camaronero Romero Kantún
encontró una enorme mancha de aceite que flotaba en el me-
dio del mar. Como un observador agudo, descartó que aquello
fuera el derrame de un barco y les insistió a sus compañeros:
“Esto es petróleo”. Hoy en día, Don Romero vive en el reti-
ro, olvidado por la comunidad, aislado en su casa y rodeado
por los fantasmas de la vida que no pudo tener. Alcohólico y
esquizofrénico, Don Rome solamente sobrevive el día a día.
Pero, en el fondo, siente que ha llegado el tiempo de recupe-
rar el honor que perdió varias décadas atrás, cuando atrajo la
maldición del petróleo a su propia isla, la exuberante Ciudad
del Carmen. Al mismo tiempo, en el misterioso estero Pargo,
en un riachuelo que corre en medio del mangle, el rito secreto
de Ixchel ha comenzado de nuevo. El viejo Rome sabe que
durante ese momento una persona puede desplazar las nubes
a su antojo y que es posible sacarle un gran provecho a eso, si
se es un observador agudo.
450 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Many years ago, shrimp fisherman Romero Kantún found
an enormous oil stain floating in the middle of the sea. An
acute observer, he ruled out the chance of it being a spill
from a boat, and insisted to his mates: “This is oil”. Today,
Don Romero lives in retirement, forgotten by the community,
isolated in his home and surrounded by the ghosts of the life
he couldn’t have. An alcoholic and a schizophrenic, Don Rome
barely survives the day-to-day. But deep down, he feels that
it’s time to gain back the honor he has lost decades ago, when
he brought the course of oil to his own island, the exuberant
Ciudad del Carmen. At the same time, the mysterious Pargo
estuary, in a stream that runs through of the mangrove, the
secret rite of Ixchel has started again. Old Rome knows that,
during that moment, a person can move clouds as he pleases,
and that it is possible to take great advantage of that, if one is
an acute observer.
 bal WIP | Mexico - Colombia - Dominican Republic
TORMENTERO

director | director

Rubén Imaz
Nació en México en 1979. En 2006 presentó su
multipremiada ópera prima, Familia tortuga. En 2010
realizó Cefalópodo, proyecto que se gestó en la Re-
sidencia de la Cinefundación del Festival de Cannes.
En 2012 produjo Fogo, de Yulene Olaizola, estrenada
en la Quincena de los Realizadores.
He was born in Mexico in 1979. In 2006, he present-
ed his award-winning first feature Familia tortuga.
In 2010, he made Cefalópodo, a project selected
for Cannes’ Cinefoundation Residence. In 2012, he
produced Yulene Olaizola’s Fogo, which premiered at
the Directors’ Fortnight.

productores | producers

Julio Barcenas, Oscar Ruiz Navia, Gerylee Polanco,

Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas
Julio Barcenas (Axolote Cine) es productor de Los últimos cris-
teros, de Matías Meyer, y Malaventura, de Michel Lipkes. Oscar
Ruiz Navia y Gerylee Polanco (Contravía Films) produjeron El
vuelco del cangrejo y Los hongos, de Oscar Ruiz Navia, y La sir-
ga, de William Vega. Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas
(Aurora Dominicana) son productores de Cochochi, Jean Gentil,
Carmita y Dólares de arena.
Julio Barcenas (Axolote Cine) produced Matías Meyer’s Los úl-
timos cristeros and Michel Lipkes, Malaventura. Oscar Ruiz Na-
via and Gerylee Polanco (Contravía Films) produced Oscar Ruiz
Navia’s El vuelco del cangrejo and Los hongos, as well as William
Vega’s La sirga. Laura Amelia Guzmán and Israel Cárdenas
(Aurora Dominicana) produced Cochochi, Jean Gentil, Carmita
and Dólares de arena.

Declaración del director | Directors’ Statement

La fusión entre la naturaleza y la industria es una integración en-
tre dos fuerzas combativas que se desplazan tan lento que el pro-
ceso no se puede percibir a simple vista. Pero el gran secreto de
la Isla de Tris, según el viejo Romero Kantún, es el ciclo de Ixchel,
resguardado y protegido. En este ritual antiguo reposa frágil el
balance de la vida en la isla, y los que saben aseguran que puede
romperse con la simple lágrima de un mono aullador.
The union between nature and industry is an integration between
two spirited forces that move so slowly that the process cannot be
perceived at first sight. But the great secret of Tris Island, accord-
ing to old Romero Kantún, is the secret cycle of Ixchtel, guarded
and protected. It is in this ancient ritual that the balance of life in
the Island rests, vulnerable, and those who know claim that it can
be broken with the simple tear of a howler monkey.

Contacto Información técnica

Contact
Axolote Cine / Contravía Films / Aurora Dominicana
México DF, México / Cali, Colombia / Santo Domingo, R. Dominicana
T 5255 5510 8554 / 572 370 3996
E axolotecine@gmail.com - contacto@contraviafilms.com
produccion@auroradominicana.com
W axolotecine.com.mx - contraviafilms.com.co - auroradominicana.com
Technical Information
Título / Title : Tormentero / Stormmaker
Género / Genre : Ficción / Fiction
Formato de rodaje / Shooting format : 4K
Formato de proyección / Screening format : DCP
Duración estimada / Estimated length : 75 min
Presupuesto estimado/ Estimated budget : USD $580.000
Fondos recaudados / Money in place : USD $540.000

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 451

índices
index
 index by film
# Bunny Hugged | 131
3 Minute Wonder (Anna / David /
Helen / Lester) | 360
6 Desires: D.H. Lawrence
and Sardinia | 140
8 Ball Bunny | 132
35 y soltera | 90
1978 (intensidad histórica) | 394
A Caricaturistes - Fantassins
A Bear for Punishment | 131
A Bellflower | 258
A Blonde’s Dream | 368
A Girl Walks Home Alone
at Night | 97
A Grammar for Listening
(Parts 1-3) | 357
A Pigeon Sat on a Branch
Reflecting on Existence | 141
A sangre fría | 296
A Schoolgirl’s Diary | 258
Above and Below | 45
Acariño galaico (De barro) | 340
Accountant Kremke | 367
Actua 1 | 310
Aguaespejo granadino | 340
Al centro de la Tierra | 48
Al despertar | 76
Alambrado | 298
Alba | 424
All Divided Selves | 358
Altman | 142
Amalia | 299
American Interior | 266
Amor eterno | 95
Ana y Mateo | 394
Angels of Revolution | 143
ánima | 76
Anosognosia | 394
Apnea | 245
Archie’s Betty | 144
Arribeños | 49
Así camino | 77
Astérix et le domaine
des dieux | 122
Atardecer | 66
Até onde o vento alcança | 426
Atomic Heart | 40
B Eisenstein in Guanajuato | 160
Bajo | 66
Behind Jim Jarmusch | 251
Beltracchi - The Art
of Forgery | 146
Ben Zaken | 41
Bewitched Bunny | 132
Beyond Beyond | 123
Bird People | 334
Blanket Statement #1: Home Is
Where the Heart Is | 253
Blanket Statement #2:
It’s All or Nothing | 253
Bogman Palmjaguar | 360
Broken Land | 261
Brujerías | 124
456 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Buscando a Gastón | 148
C El ser magnético | 73
Cábala caníbal | 149
Cáncer de máquina | 150
Canción perdida en
la nieve | 151
Captive | 327
de la démocratie | 152
Casa Vampiro | 284
Casanova ‘70 | 374
Cavalo Dinheiro | 153
Cine de pueblo, una
historia itinerante | 154
Cinema: A Public Affair | 155
Citizenfour | 156
Comedia de la inocencia | 319
Cómo ganar enemigos | 157
Conejo miró la ruta
eligió cruzar | 394
Contraluz | 136
Copacabana | 325
Cosa de niños | 77
Court | 39
Crumbs | 104
Cuaderno de ramos generales | 67
Cuerpo de letra | 50
Cumbia la reina | 267
D La intención de cortar,
Dark Star - HR Giger’s World | 262
De día la noche | 78
Del verbo amar | 382
Depositions | 360
Despedida | 67
Dexys: Nowhere Is Home | 352
Días de Santiago | 385
Días extraños | 28
Double Happiness | 32
Duck Amuck | 131
Duck Dogders in the 24½
Century | 132
Duck! Rabbit, Duck! | 132
Dusty Stacks of Mom:
The Poster Project | 252
E Guido Models | 52
Eat | 285
El acto en cuestión | 297
El ansia | 300
El aula vacía | 145
El botón de nácar | 147
El castillo de Barba Azul | 428
El cielo del Centauro | 13
El color de la granada | 301
El Crazy Che | 158
El doctor Mabuse | 370
El fuego nace en el agua | 80
El hombre de Paso Piedra | 173
El incendio | 29
El infierno de Beatriz | 70
El lado de los oponentes | 70
El paseo | 207
El ruido de la memoria | 216
El ruido de los trenes | 430
El trovador siempre vuelve | 282
Ela volta na quinta | 34
Ella la noche | 68
En las nubes | 78
En otro país | 326
Enero | 79
Enfrentar animales salvajes | 68
Equí y n’otru tiempu | 96
Errantes | 432
Escuchá | 79
Estampas 1932 | 339
Esto es lo que hay | 162
Eva no duerme | 434
Everything That Rises
Must Converge | 286
F João Bénard da Costa -
False Twins | 245
Faraday | 287
Fassbinder - To Love
Without Demands | 163
Fast and Furry-ous | 131
Feed the Kitty | 131
Fiestas cristianas / Fiestas
profanas | 339
Filmer obstinément, rencontre
avec Patricio Guzmán | 164
Finding Phong | 165
Finisterre | 345
Fires on the Plain | 166
For Scent-imental Reasons | 131
Forastero | 16
From A to Z-Z-Z-Z | 132
From Caligari to Hitler | 365
From Scotland with Love | 268
Fuego en Castilla | 340
Function Was Finished | 80
Futuros líderes | 81
G La patota | 422
Gabrielle | 322
Generación artificial | 51
Glen Campbell: I’ll Be Me | 269
Glistening Thrills | 252
Goodnight Mommy | 33
H La vida después | 240
Hair-raising Hare | 132
Harlequin and Lace | 253
Haze | 246
Hechizo del tiempo | 304
Hermosa juventud | 169
Hide and Seek | 170
Hijos de la tierra | 394
Hill of Freedom | 171
Historia de Piera | 317
Hockney | 172
Hotline | 174
How We Used to Live | 351
Huesitos de pollo | 69
I León, reflejos de
Idilio | 53
In Between | 394
In the Basement | 175
Incendio/Rescate | 69
Incompresa | 176
Intemperie | 177
Into the Blue | 366
Invierno | 114
Iraqi Odyssey | 262
Isabelle Huppert, une vie
pour jouer | 320
It’s in Your Eyes | 394
J
Jaco | 115
Jade Miners | 178
Jellyfish Eyes | 125
Jerez & el misterio del
Palo Cortado | 179
Jia Zhang-ke, um homem
de Fenyang | 180
Outros amarão
as coisas que eu amei | 181
Juliana | 383
Jungle Boyz | 270
L
La calle de los pianistas | 15
La comezón del séptimo
año | 302
La dama de Shangai | 303
La hora del lobo | 82
cerrar, limpiar | 82
La luz incidente | 438
La Mujer de los Perros | 30
La música interior | 273
La niña de tacones amarillos | 197
La novia de Frankenstein | 84
La nube | 394
La obra del siglo | 31
La Once | 202
La princesa de Francia | 60
La profesora de piano | 321
La Sapienza | 217
La sombra | 61
La tregua | 309
La vida de alguien | 239
La voz en off | 241
L’Abri | 261
Lady Chatterley | 333
L’Âge des possibles | 332
Las furias | 81
Las lindas | 440
Las luces | 83
Las plantas | 442
Las Vegas Meditation | 182
Lawrence of Belgravia | 350
Le meraviglie | 189
L’Enlèvement de Michel
Houellebecq | 161
una pasión | 183
Léone, mère & fils | 105

Les Règles du jeu | 212
Let Your Light Shine | 252
Letters to Max | 106
Life May Be | 185
Lima bruja. Retratos de la
música criolla | 387
Llamas de nitrato | 186
Los camarones tienen el corazón
en la cabeza | 394
Los exiliados románticos | 35
Los silencios y las manos | 221
Loulou | 315
Love & Mercy | 271
Lulú | 54
M Padrone e sotto | 263
Madame Bovary | 318
Madeleine et les deux
apaches | 107
Madres de los dioses | 55
Maidan | 188
Mar | 56
Más de un millón | 272
Matías y Jerónimo | 83
Me dicen Yovo | 388
Me quedo contigo | 288
Meet Me at the Bottom | 84
Melody | 120
Merchants of Doubt | 190
Merello x Carreras | 192
Metal y melancolía | 384
Mi amiga del parque | 444
Microbús | 193
Ming of Harlem: Twenty One
Storeys in the Air | 110
Miradas desde Sudamérica,
diez años del Talents
Buenos Aires | 395
Miramar | 57
Miss Else | 367
Miss Universo en el Perú | 381
Monicelli, la versione
di Mario | 376
Monty the Lamb | 353
Moomins on the Riviera | 126
Mortadelo y Filemón contra
Jimmy El Cachondo | 127
Muerte blanca | 94
Muito romântico | 446
Musarañas | 289
My Secret World. The Story
of Sarah Records | 274
N Raid in St. Pauli | 368
Nadie especial | 388
Narcisa | 194
National Gallery | 195
Natural Resistance | 196
Near Death Experience | 108
Nerves | 366
New Fancy Foils | 252
Nexquipayac | 71
No somos animales | 116
No soy un extraño | 436
Noche de perros | 198
Nosotros, ellos y yo | 199
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Nosotros, ustedes, ellos | 71
Nova Dubai | 92
Nueva vida | 85
Nymphomaniac | 200
O Sauerbruch Hutton Architects | 218
O mercado de notícias | 191
O que vai ao lume? | 201
O velho do restelo | 249
Ojalá Val del Omar | 341
One Froggy Evening | 131
Out of the Forest | 203
Over the Years | 204
P Sleepless in New York | 263
Pacto de amor | 306
Paraíso | 386
Park Lanes | 206
Paseo | 72
Passion | 316
Peregrinación | 85
Persian Pickles | 253
Petits arrangements
avec les morts | 331
Pinamar | 448
Placer y martirio | 58
plus Tubular Bells | 275
Point de Gaze | 253
Poner al rock de moda | 59
Por ver la luz en tus pupilas,
decía mordicante el réprobo | 86
Poshaste Perennial Pattern | 253
Postman’s White Nights | 208
Presente imperfecto | 72
Primavera | 247
Prison System 4614 | 254
Profession: Documentarist | 209
Prometo um dia deixar
essa cidade | 44
Prose du Transsibérien | 111
P’tit Quinquin | 205
Q The Bear That Wasn’t | 132
Queen and Country | 210
Queen of Earth | 99
R A Romance in Lower
Rabbit Fire | 132
Rabbit of Seville | 131
Rabbit Seasoning | 131
Rad Plaid | 253
Radio Belén | 381
Ragazzi | 117
Raiders of the Lost Ark:
The Adaptation | 290
Razzle Dazzle | 253
Re:Awakenings | 247
Reflejo Narcisa | 211
Relámpago en la oscuridad | 276
Rescate en el Barrio Chino | 307
Revivre | 213
Revoluçao Industrial | 214
Rocky IV, le coup de poing
americain | 215
Runan Caycu | 381
índice por película
S The Sixth Season | 254
Saga: Cuadro | 137
Salad Days | 277
San Siro | 248
Seth’s Dominion | 93
Seven Summers | 353
Seymour: An Introduction | 278
She Makes Comics | 219
Short Skin | 220
Single Stream | 101
Sivas | 222
Solo un cargador | 388
Songs from the North | 37
Soul Boys of the Western
World | 279
Spartiates | 223
Speed Paradise | 86
Starry Eyes | 102
Steak (r)évolution | 224
Stinking Heaven | 225
Stories of Our Lives | 226
Sueñan los androides | 291
Sueños de héroes | 87
Sumé - The Sound of a
Revolution | 280
Summer of Blood | 292
Superfluo | 87
Surire | 227
T Un burgués pequeño,
Take Three Girls: The Dolly
Mixture Story | 349
Tale of Chun Hyang | 257
Tango 360, Buenos Aires y el
amor como nunca se vieron | 137
Taxi | 228
Te sigue | 293
Terciopelo azul | 308
That Guy Dick Miller | 229
The Cut | 159
The Dot and The Line:
Mathematics | 132
The Dover Boys at Pimento
University or The Rivals of
Roquefort Hall | 132
The Flower Girl | 257
The Great Flood | 168
The Haunted Castle | 369
The Incomplete | 253
The Iron Ministry | 98
The Kindergarten Teacher | 42
The Lies of the Victors | 184
The Look of Silence | 187
The Memory of Justice | 305
The Phantom Tollbooth | 133
The Policeman’s House | 246
The Royal Road | 100
The Satellite Girl
and Milk Cow | 128
The Scarlet Pumpernickel | 132
The Tale of the Princess
Kaguya | 129
The Visit | 254
Theeb | 43
Theory of Obscurity:
A Film About The Residents | 281
They Chased Me
Through Arizona | 230
This Is Tomorrow | 347
Tierra en movimiento | 248
Tira tu reloj al agua (Variaciones
sobre una cinegrafía intuida
de José Val del Omar) | 342
Tired Moonlight | 231
To the Editor of Amateur
Photographer | 359
Today’s Special | 353
Todo el tiempo del mundo | 62
Toponimia | 232
Tormentero | 450
Tosie | 73
Transeúntes | 36
Transitório | 394
Tras la pantalla | 233
Travelling at Night
with Jim Jarmusch | 251
Tusk | 294
U
Un aplauso al que vive | 234
pequeño | 375
Un fotógrafo | 394
Un importante preestreno | 118
Uncertain Terms | 235
Under Electric Clouds | 236
Undertone Overture | 252
Une jeunesse allemande | 38
UPA 2! El regreso | 119
V
Varieté | 369
Vashti Bunyan:
From Here to Before | 348
Vergine giurata | 237
Vergüenza y respeto | 238
Vibración de Granada | 339
Vicino al Colosseo…
c’è Monti | 377
Victoria | 63
Victoria | 91
Vida de perros | 373
Villa Amalia | 323
Volver solo | 88
W
Walsh entre todos | 242
What Have You Done Today
Mervyn Day? | 346
What’s Opera, Doc? | 131
White Material | 324
Why? | 120
Wonderful World End | 109
Words with Gods | 243
World of Tomorrow | 103
457
 index by director
A Brea, Lucila | 78
Abramovich, Manuel | 83
Abtahi, Sepideh | 209
Abu Nowar, Naji | 43
Acuña, Ezequiel | 239
Agresti, Alejandro | 116, 297
Agromayor, Pablo | 137
Agüero, Pablo | 55, 434
Aguilar, Sandro | 245
Ahmadzadeh, Ali | 40
Ahumada, Melina | 88
Akbari, Mania | 185
Akin, Fatih | 159
Alberdi, Maite | 202, 395
Alessandro, Rosario | 137
Aller, Luis | 36
Álvarez Durán, Juan | 394
Alves Jr, Ricardo | 395
Amalric, Julieta | 80
Amirpour, Ana Lily | 97
Ancarani, Yuri | 248
Andersson, Roy | 141
Andrés, Juanfer | 289
Annichini, Gianfranco | 381
Aponte A. Gutter, Nicolás | 53
Aragão, Daniel | 44
Arca, Fernando | 273
Argento, Asia | 176
Arpajou, Natural | 394
Arriaga, Guillermo | 243
Astier, Alexandre | 122
Avilés, José María | 86
Avruj, Nicolás | 199
B Contratti, Celeste | 71
Babenco, Héctor | 243
Baca, Ernesto | 66
Ballesteros Ledesma,
Patricio | 80
Bande, Ramón Lluís | 96
Baratta, Miguel | 177
Barbey, Stéphanie | 261
Bardauil, Pablo | 240
Barea, María | 381
Barghnavard, Shirin | 209
Barragán, Ana Cristina | 424
Barreto, Fernando | 381
Bastida Kullick, Edén | 71
Baudelaire, Eric | 106
Bechis, Marco | 216, 298
Bendesky, Mateo | 73
Bercetche, Segundo | 270
Binetti, José | 150
Birkenstock, Arne | 146
Bispuri, Laura | 237
Bonet, Eugeni | 342
Boorman, John | 210
Bories, Claudine | 212
Brandrup, Tatiana | 155
458 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Brooks, Richard | 296
C Díaz Mathé, Marcos | 270
Calori, Santiago | 118
Campusano, José Celestino | 58
Canale, Mario | 376
Carmona Urrutia, Felipe | 394
Carpenter, John | 307
Carreras, Victoria | 192
Castillo, Carlos Armando | 394
Castro, Flavia | 145
Castro, Sergio | 394
Catania, Roque | 282
Chabrol, Claude | 318
Chagnard, Patrice | 212
Chamberland, Luc | 93
Chang, Hyung-yun | 128
Charriere, Santiago | 59
Chaufour, Lucile | 105
Chehebar, Pablo | 158
Chenillo, Mariana | 145
Chéreau, Patrice | 322
Chiapparo, Francisco | 78
Chiarini, Duccio | 220
Choe, Ik-kyu | 257
Chuchu, Jim | 226
Cirigliano, Michele | 263
Citarella, Laura | 30
Clement, Jemaine | 284
Clichy, Louis | 122
Coates, Joanna | 170
Cohen Arazi, Alejandro | 150
Collío, Roberto | 94
Colombo, Marcos Santiago | 84
Corem, Efrat | 41
Coronel, Pablo | 267
Costa, Pedro | 153
Cousins, Mark | 140, 185
Cozza, Renzo | 72
Crawford, Scott | 277
Cronenberg, David | 306
Cruz Cusihuamán, Alex | 394
Curiá, Virginia | 124
Curotto, Gerardo “Papu” | 83
Czinner, Paul | 367
D Garateguy, Tamae | 81, 119
D’Angiolillo, Julián | 50
Dawkins, Lucy | 274
De Izcue, Nora | 381
De la Fuente, Flavia | 207
De la Iglesia, Álex | 243
De Marziani, Lucas | 137
De Mena, Noelia | 77
De Oliveira, Manoel | 249
De Simone, Julia | 426
De Sosa, Ion | 291
Delépine, Benoît | 108
Delgado Viteri, Daniela | 395
Denis, Claire | 324
D’Eufemia, Francisco | 151
Díaz Mathé, Iván | 270
Domont, Chloe | 246
Doveris, Roberto | 442
Drenner, Elijah | 229
Dubus, Swann | 165
Dullius, Melissa | 446
Dumont, Bruno | 205
Dupont, Ewald André | 369
E
Epiney, David | 111
Escárate Urrutia, Diego | 77
Espinoza, Fernando | 381, 383
Esteban, Cristina | 341
Evans, Kieran | 345, 348, 352
Everson, Kevin Jerome | 206
F
Farina, Felice | 376
Farina, Martín | 173
Farocki, Harun | 218
Fast, Omer | 286
Fedorchenko, Aleksei | 143
Fell, Mark | 359
Fendrik, Pablo | 145
Fernández, Germán | 276
Ferran, Pascale | 329-334
Ferreri, Marco | 317
Ferreyra, Lucía | 167
Ferreyra, Natalia | 82
Fesser, Javier | 127
Fiala, Severin | 33
Fitoussi, Marc | 325
Forés, Marçal | 95
Fowler, Luke | 355-360
Franz, Veronika | 33
Frei, Christian | 263
Fresen, Hans Dieter | 68
Frías, Clara | 76
Fuguet, Alberto | 114
Funes, Leonardo | 78
Furtado, Jorge | 191
G Jo, Kyun-soon | 258
Gálvez, Agostina | 84
Gálvez, Héctor | 386
García Locatelli, Sergio | 394
García Velloso, Enrique | 299
Garrel, Philippe | 310
Gatti, Juan | 136
Gaviria, Carlos | 145
German Jr., Aleksei | 236
Geyrhalter, Nikolaus | 204
Ghobadi, Bahman | 243
Gianni, Mario | 376
Giralt, Santiago | 119
Gitai, Amos | 243
Glusman, José | 183
Goch, Dylan | 266
Godard, Jean-Luc | 316
Godfrid, Federico | 448
González, Florencia Inés | 234
Green, Eugène | 217
Greenaway, Peter | 160
Grosso, Nicolás | 395
Guarini, Carmen | 242
Guerrero, Rodrigo | 394
Guzmán, Patricio | 147
H
Haneke, Michael | 321
Harder, Marie | 367
Hardy, Don | 281
Hawke, Ethan | 278
Heath, Virginia | 268
Hencken, George | 279
Hendel, Juan | 73
Hermida, Sebastián | 154
Hertzfeldt, Don | 103
Hespanha, Tiago | 214
Hilari, Miguel | 395
Hochbaum, Werner | 368
Hochhäusler, Christoph | 184
Høegh, Inuk Silis | 280
Hong, Sangsoo | 171, 326
Honigmann, Heddy | 384
Hsu, Juan Martín | 395
Huezo, Tatiana | 145
Huser, Matthias | 230
I
Iacouzzi, Nicolás | 158
Im, Kwon-taek | 213
Imaz, Rubén | 450
J
Jacobsen, Esben Toft | 123
Jacquot, Benoît | 323
Jahn, Gustavo | 446
Jang, In-hak | 258
Jiménez Freeman-Morris,
Mary | 382
Jiménez, Cristián | 241
Jones, Chuck | 130-133
K
Kaftori, Yaron | 203
Kaplan, Javier | 87
Karel, Ernst | 101
Kaspar, Stefan | 381
Katz, Ana | 444
Keach, James | 269
Kelly, Paul | 345, 346, 347, 349,
350, 351, 352, 353
Kelmansky, Lucrecia | 79
Kenner, Robert | 190
Kervern, Gustave | 108
Keshavarz, Mina | 209

Khosrovani, Firouzeh | 209
Khourian, Hernán | 221
Kijak, Stephen | 115
Kolsch, Kevin | 102
Konchalovski, Andrei | 208
Kourtchine, Dimitri | 215
Kusturica, Emir | 243
L Renau, Juan | 69, 83
Labate, Wilma | 376
Landsmann, Silvina | 174
Lang, Fritz | 370
Lapid, Nadav | 42, 120
Lee, Toby | 101
Legaspi, Alejandro | 381, 383
Levitow, Abe | 133
Lezama, Francisco | 84
Lheureux, Christelle | 107
Libiot, Stefan | 201
Lichtmann, Gabriel | 157
Liebenthal, Melisa | 440
Lipgot, Tomás | 238
Llansó, Miguel | 104
Llinás, Verónica | 30
Lobo, Frederico | 214
Loioco, Luján | 197
López Linares, José Luis | 179
Loznitsa, Sergei | 188
Luque, Mariano | 395
Lynch, David | 308
M Peary, Gerald | 144
Mack, Jodie | 252-253
Mann, Ron | 142
Marcano, Pavel | 71
Marchand, Paul | 115
Marcucci, Mariano | 67
Martel, Lucrecia | 145
Martelli, Manuela | 245
Martin, Paul | 368
Martínez, Marcos | 233
Matsui, Daigo | 109
Melgar, Fernand | 261
Méndez, Josué | 385
Mendoza, Brillante | 327
Migliavacca, Marcos | 70
Mitchell, David Robert | 293
Mitnik, Marcelo | 78
Mitre, Santiago | 422
Molero, Juan Daniel F. | 395
Monahan, Dave | 133
Monicelli, Mario | 371-377
Montllau, Pablo | 276
Morri, Annarosa | 376
Morrison, Bill | 168, 247
Mozos, Manuel | 181
Mozzi, Gustavo | 137
Müjdeci, Kaan | 222
Murakami, Takashi | 125
Murnau, Friedrich Wilhelm | 369
Muttis, Daniela | 194
[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
N R
Nair, Mira | 243
Nakata, Hideo | 243
Nante, Mariano | 15
Narro, Artemio | 288
Nicloux, Guillaume | 161
Nicot, Boris | 164
Noble, Maurice | 132
Nossiter, Jonathan | 196
Novais Olivera, André | 34
O Rhys, Gruff | 266
O’Casey, Matt | 275
Ojeda Suárez, Diana | 76
Olivera, Javier | 61
Olivera, Luciano | 87
Olson, Jenni | 100
Ophuls, Marcel | 305
Oppenheimer, Joshua | 187
Ortega, Luis | 54
Osnovikoff, Iván | 227
P Rosenfeld, Daniel | 48
Pak, Hak | 257
Panahi, Jafar | 228
Paniagua Baptista, Pablo | 67
Panizza, Tiziana | 248
Parajanov, Sergei | 301
Paralluelo Fernández,
Hermes | 432
Pécora, Paulo | 394, 395
Pedemonte, Francisco | 70
Pereda, Nicolás | 145
Perel, Jonathan | 232
Pérez, Patricia | 148
Périot, Jean-Gabriel | 38
Perrone, Raúl | 117
Perry, Alex Ross | 99
Perut, Bettina | 227
Peter, Luc | 261
Pialat, Maurice | 315
Picard, Xavier | 126
Pinhasov, Limor | 203
Pintos, Federico | 51
Pintos, Nicky | 272
Piñeiro, Matías | 60
Piperno, Alex | 395
Pohlad, Bill | 271
Poitras, Laura | 156
Polar Pin, Rafael | 387
Ponieman, Nicolás Alejandro | 81
Portugal, Aline | 426
Q Solnicki, Gastón | 428
Quebrada, Juan Sebastián | 28
Quevedo, Jerónimo | 68
Quintanilha, Víctor | 394
Quintela, Carlos M. | 31
índice por director
Raidel, Ella | 32
Ramírez, Juan Alejandro | 388
Ramis, Harold | 304
Ramos del Val, Norberto | 287
Ramos, Juan Salvador | 79
Reinert, Robert | 366
Renán, Sergio | 309
Rentería, Carlos E. | 82
Rezaei, Nahid | 209
Ribelli, Juan Manuel | 69
Ribière, Franck | 224
Rinaldi, Léa | 162, 251
Rivas, Marialy | 120
Rocha, Eryk | 145
Rodríguez Triana, Camila | 432
Rodríguez, Marcos | 49
Roel, Esteban | 289
Rohrwacher, Alice | 189
Rosales, Jaime | 169
Rosselli, Hernán | 436
Rotter, Ariel | 438
Ruiz, Raúl | 319
Ruiz, Rosendo | 62
Russo, Kiro | 85
S Vélez López, Simón | 86
Said, Iair | 72
Salahshoor, Sahar | 209
Salas, Lucía | 79
Saldía, Cristian | 430
Salles, Walter | 180
Sallin, Belinda | 262
Samir | 262
Sans, Julieta | 52
Santiago, Hugo | 13
Sarmiento, Diego | 394
Sarquís, Fernando | 57
Schargorodsky, Paula | 90
Schipper, Sebastian | 91
Schnitman, Juan | 29
Schüfftan, Eugen | 366
Scott, Tony | 300
Seidl, Ulrich | 175
Sesma, Ignacio | 198
Sharifi, Farahnaz | 209
Silver, Nathan | 225, 235
Small, Alejandro | 193
Smith, Kevin | 294
Sniadecki, J.P. | 98
Soldat, Jan | 253-254
Sotomayor, Dominga | 56
Speroni, Pedro | 85
Steiner, Nicolas | 45
Steno | 373
Stoll, Pablo | 145
Stopar, Mirko | 186
Stotter, Marisa | 219
Suchsland, Rüdiger | 365
Szperling, Silvina | 211
T
Takahata, Isao | 129
Tamhane, Chaitanya | 39
Tangerino, Rodrigo Cesar | 394
Tapia Guerra, Joaquín | 247
Thomsen, Christian Braad | 163
Thornton, Warwick | 243
Tillon, Florent | 182
Toker, Camila | 119
Toubiana, Serge | 320
Tran, Phuong Thao | 165
Trueba, Jonás | 35
Tsukamoto, Shinya | 166
Tukel, Onur | 292
U
Uman, Violeta | 66
V
Val del Omar, José | 337-340
Valloatto, Stéphanie | 152
Vega Vidal, Daniel | 145
Vega Vidal, Diego | 145
Veljanovich, Rafael | 87
Verdoia, Franco | 240
Villamediana, Daniel V. | 149
Villegas, Juan | 63
Vinagre, Gustavo | 92
Von Trier, Lars | 200
W
Wadimoff, Nicolas | 223
Waititi, Taika | 284
Warnell, Phillip | 110
Weber, Jimmy | 285
Welles, Orson | 303
West, Britni | 231
Widmyer, Dennis | 102
Wilder, Billy | 302
Wiseman, Frederick | 195
Wojtasik, Pawel | 101
Wright, Randall | 172
Y
Yoo, Soon-Mi | 37
Yu, Won-jun | 257
Yun, Ryong-gyu | 257
Z
Z, Midi | 178
Zala, Eric | 290
Zupraner, Mich’ael | 246
459
 index by country
Alemania | Germany
A Blonde’s Dream | 368
Accountant Kremke | 367
Beltracchi - The Art of
Forgery | 146
Cinema: A Public Affair | 155
El doctor Mabuse | 370
Everything That Rises Must
Converge | 286
From Caligari to Hitler | 365
Into the Blue | 366
Miss Else | 367
Nerves | 366
Prison System 4614 | 254
Raid in St. Pauli | 368
Sauerbruch Hutton
Architects | 218
The Cut | 159
The Haunted Castle | 369
The Incomplete | 253
The Lies of the Victors | 184
The Sixth Season | 254
The Visit | 254
Varieté | 369
Victoria | 91
Argentina
35 y soltera | 90
Al centro de la Tierra | 48
Al despertar | 76
Amalia | 299
Ana y Mateo | 394
ánima | 76
Arribeños | 49
Así camino | 77
Atardecer | 66
Bajo | 66
Cáncer de máquina | 150
Canción perdida en
la nieve | 151
Cine de pueblo, una historia
itinerante | 154
Cómo ganar enemigos | 157
Conejo miró la ruta eligió
cruzar | 394
Cosa de niños | 77
Cuaderno de ramos
generales | 67
Cuerpo de letra | 50
Cumbia la reina | 267
De día la noche | 78
Despedida | 67
Días extraños | 28
El acto en cuestión | 297
El aula vacía | 145
El castillo de Barba Azul | 428
El cielo del Centauro | 13
El Crazy Che | 158
El fuego nace en el agua | 80
El hombre de Paso Piedra | 173
460 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
El incendio | 29
El infierno de Beatriz | 70
El lado de los oponentes | 70
El paseo | 207
El ser magnético | 73
El trovador siempre vuelve | 282
Ella la noche | 68
En las nubes | 78
Enero | 79
Enfrentar animales salvajes | 68
Escuchá | 79
Eva no duerme | 434
Forastero | 167
Function Was Finished | 80
Futuros líderes | 81
Generación artificial | 51
Guido Models | 52
Huesitos de pollo | 69
Idilio | 53
Incendio/Rescate | 69
Intemperie | 177
Jungle Boyz | 270
La calle de los pianistas | 15
La hora del lobo | 82
La intención de cortar, cerrar,
limpiar | 82
La luz incidente | 438
La Mujer de los Perros | 30
La música interior | 273
La niña de tacones
amarillos | 197
La novia de Frankenstein | 84
La nube | 394
La obra del siglo | 31
La patota | 422
La princesa de Francia | 60
La sombra | 61
La tregua | 309
La vida de alguien | 239
La vida después | 240
Las furias | 81
Las lindas | 440
Las luces | 83
León, reflejos de una
pasión | 183
Llamas de nitrato | 186
Los silencios y las manos | 221
Lulú | 54
Madres de los dioses | 55
Mar | 56
Más de un millón | 272
Matías y Jerónimo | 83
Meet Me at the Bottom | 84
Merello x Carreras | 192
Mi amiga del parque | 444
Miradas desde Sudamérica,
diez años del Talents
Buenos Aires | 395
Miramar | 57
Narcisa | 194
Nexquipayac | 71
No somos animales | 116 O mercado de notícias | 191
No soy un extraño | 436 Prometo um dia deixar essa
Noche de perros | 198 cidade | 44
Nosotros, ellos y yo | 199 Transitório | 394
Nosotros, ustedes, ellos | 71
Nueva vida | 85 Canadá | Canada
Paseo | 72 Altman | 142
Peregrinación | 85 Pacto de amor | 306
Pinamar | 448 Seth’s Dominion | 93
Placer y martirio | 58
Poner al rock de moda | 59 Chile
Por ver la luz en tus pupilas,
Apnea | 245
decía mordicante el réprobo | 86
El ruido de los trenes | 430
Presente imperfecto | 72
Invierno | 114
Ragazzi | 117
La Once | 202
Reflejo Narcisa | 211
La voz en off | 241
Relámpago en la oscuridad | 276
Las plantas | 442
Saga: Cuadro | 137
Los camarones tienen el corazón
Speed Paradise | 86
en la cabeza | 394
Sueños de héroes | 87
Melody | 120
Superfluo | 87
Muerte blanca | 94
Tango 360, Buenos Aires y
Surire | 227
el amor como nunca se
Tierra en movimiento | 248
vieron | 137
Un fotógrafo | 394
Todo el tiempo del mundo | 62
Toponimia | 232 Colombia
Tosie | 73
1978 (intensidad histórica) | 394
Tras la pantalla | 233
Un aplauso al que vive | 234 Errantes | 432
Un importante preestreno | 118
Corea del Norte |
UPA 2! El regreso | 119
North Korea
Vergüenza y respeto | 238
Victoria | 63 A Bellflower | 258
Volver solo | 88 A Schoolgirl’s Diary | 258
Walsh entre todos | 242 Tale of Chun Hyang | 257
The Flower Girl | 257
Armenia
El color de la granada | 301 Corea del Sur |
South Korea
Austria En otro país | 326
Hill of Freedom | 171
Double Happiness | 32
Revivre | 213
Goodnight Mommy | 33
The Satellite Girl and
In the Basement | 175
Milk Cow | 128
Over the Years | 204
Bélgica | Belgium Dinamarca |
Denmark
Del verbo amar | 382
Fassbinder - To Love
Bolivia Without Demands | 163
In Between | 394 Nymphomaniac | 200
Primavera | 247 The Look of Silence | 187
Brasil | Brazil Ecuador
Anosognosia | 394 Alba | 424
Até onde o vento alcança | 426
Ela volta na quinta | 34 España | Spain
Jia Zhang-ke, um homem de Acariño galaico (De barro) | 340
Fenyang | 180 Aguaespejo granadino | 340
Muito romântico | 446 Amor eterno | 95
Nova Dubai | 92 Brujerías | 124
 índice por país

Cábala caníbal | 149
Contraluz | 136
Equí y n’otru tiempu | 96
Estampas 1932 | 339
Faraday | 287
Fiestas cristianas / Fiestas
profanas | 339
Fuego en Castilla | 340
Hermosa juventud | 169
Jerez & el misterio del
Palo Cortado | 179
Los exiliados románticos | 35
Mortadelo y Filemón contra
Jimmy El Cachondo | 127
Musarañas | 289
Ojalá Val del Omar | 341
Sueñan los androides | 291
Tira tu reloj al agua (Variaciones
sobre una cinegrafía intuida de
José Val del Omar) | 342
Transeúntes | 36
Vibración de Granada | 339
Estados Unidos | US
8 Ball Bunny | 132
A Bear for Punishment | 131
A Girl Walks Home Alone
at Night | 97
A sangre fría | 296
Archie’s Betty | 144
Bewitched Bunny | 132
Blanket Statement #1: Home Is
Where the Heart Is | 253
Blanket Statement #2: It’s All
or Nothing | 253
Bunny Hugged | 131
Citizenfour | 156
Duck Amuck | 131
Duck Dogders in the 24½
Century | 132
Duck! Rabbit, Duck! | 132
Dusty Stacks of Mom:
The Poster Project | 252
Eat | 285
El ansia | 300
Fast and Furry-ous | 131
Feed the Kitty | 131
For Scent-imental Reasons | 131
From A to Z-Z-Z-Z | 132
Glen Campbell: I’ll Be Me | 269
Glistening Thrills | 252
Hair-raising Hare | 132
Harlequin and Lace | 253
Haze | 246
Hechizo del tiempo | 304
Jaco | 115
La comezón del
séptimo año | 302
La dama de Shangai | 303
Let Your Light Shine | 252
Love & Mercy | 271
Merchants of Doubt | 190
New Fancy Foils | 252
One Froggy Evening | 131
Park Lanes | 206
Persian Pickles | 253
Point de Gaze | 253
Poshaste Perennial Pattern | 253
Queen of Earth | 99
Rabbit Fire | 132
Rabbit of Seville | 131
Rabbit Seasoning | 131
Rad Plaid | 253
Raiders of the Lost Ark:
The Adaptation | 290
Razzle Dazzle | 253
Re:Awakenings | 247
Rescate en el Barrio Chino | 307
Salad Days | 277
Seymour: An Introduction | 278
She Makes Comics | 219
Single Stream | 101
Songs from the North | 37
Starry Eyes | 102
Stinking Heaven | 225
Summer of Blood | 292
Te sigue | 293
Terciopelo azul | 308
That Guy Dick Miller | 229
The Bear That Wasn’t | 132
The Dot and The Line:
A Romance in Lower
Mathematics | 132
The Dover Boys at Pimento
University or The Rivals of
Roquefort Hall | 132
The Great Flood | 168
The Iron Ministry | 98
The Phantom Tollbooth | 133
The Royal Road | 100
The Scarlet Pumpernickel | 132
Theory of Obscurity: A Film About
The Residents | 281
Tired Moonlight | 231
Tusk | 294
Uncertain Terms | 235
Undertone Overture | 252
What’s Opera, Doc? | 131
World of Tomorrow | 103
Etiopía | Ethiopia
Crumbs | 104
Finlandia | Finland
Moomins on the Riviera | 126
Francia | France
Actua 1 | 310
Astérix et le domaine
des dieux | 122
Behind Jim Jarmusch | 251
Bird People | 334
Captive | 327
Caricaturistes - Fantassins de
la démocratie | 152
Comedia de la inocencia | 319
Copacabana | 325
El botón de nácar | 147
Esto es lo que hay | 162
Filmer obstinément, rencontre
avec Patricio Guzmán | 164
Gabrielle | 322
Isabelle Huppert, une vie
pour jouer | 320
La profesora de piano | 321
La Sapienza | 217
Lady Chatterley | 333
L’Âge des possibles | 332
Las Vegas Meditation | 182
L’Enlèvement de Michel
Houellebecq | 161
Léone, mère & fils | 105
Les Règles du jeu | 212
Letters to Max | 106
Loulou | 315
Madame Bovary | 318
Madeleine et les deux
apaches | 107
National Gallery | 195
Natural Resistance | 196
Near Death Experience | 108
O que vai ao lume? | 201
Passion | 316
Petits arrangements avec
les morts | 331
P’tit Quinquin | 205
Rocky IV, le coup de poing
americain | 215
Steak (r)évolution | 224
Travelling at Night with
Jim Jarmusch | 251
Une jeunesse allemande | 38
Villa Amalia | 323
White Material | 324
Gales | Wales
American Interior | 266
Groenlandia |
Greenland
Sumé - The Sound of
a Revolution | 280
Holanda |
Netherlands
Eisenstein in Guanajuato | 160
Maidan | 188
Metal y melancolía | 384
India
Court | 39
Irán | Iran
Atomic Heart | 40
Life May Be | 185
Profession: Documentarist | 209
Taxi | 228
Israel
Ben Zaken | 41
Hotline | 174
Out of the Forest | 203
The Kindergarten Teacher | 42
The Policeman’s House | 246
Why? | 120
Italia | Italy
Alambrado | 298
Casanova ‘70 | 374
El ruido de la memoria | 216
Historia de Piera | 317
Incompresa | 176
Le meraviglie | 189
Monicelli, la versione
di Mario | 376
San Siro | 248
Short Skin | 220
Un burgués pequeño,
pequeño | 375
Vergine giurata | 237
Vicino al Colosseo…
c’è Monti | 377
Vida de perros | 373
Japón | Japan
Fires on the Plain | 166
Jellyfish Eyes | 125
The Tale of the Princess
Kaguya | 129
Wonderful World End | 109
Jordania | Jordan
Theeb | 43
Kenia | Kenya
Stories of Our Lives | 226
México | Mexico
Me quedo contigo | 288
Tormentero | 450
Words with Gods | 243
Nueva Zelanda |
New Zealand
Casa Vampiro | 284

[17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE 461

 index by country
Perú | Peru
Buscando a Gastón | 148
Días de Santiago | 385
Hijos de la tierra | 394
It’s in Your Eyes | 394
Juliana | 383
Lima bruja. Retratos de
la música criolla | 387
Me dicen Yovo | 388
Microbús | 193
Miss Universo en el Perú | 381
Nadie especial | 388
Paraíso | 386
Radio Belén | 381
Runan Caycu | 381
Solo un cargador | 388
Portugal
Cavalo Dinheiro | 153
False Twins | 245
João Bénard da Costa - Outros
amarão as coisas que eu
amei | 181
O velho do restelo | 249
Revoluçao Industrial | 214
462 [17] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
Reino Unido | UK
3 Minute Wonder (Anna / David /
Helen / Lester) | 360
6 Desires: D.H. Lawrence
and Sardinia | 140
A Grammar for Listening
(Parts 1-3) | 357
All Divided Selves | 358
Bogman Palmjaguar | 360
Depositions | 360
Dexys: Nowhere Is Home | 352
Finisterre | 345
From Scotland with Love | 268
Hide and Seek | 170
Hockney | 172
How We Used to Live | 351
Lawrence of Belgravia | 350
Ming of Harlem: Twenty One
Storeys in the Air | 110
Monty the Lamb | 353
My Secret World. The Story of
Sarah Records | 274
plus Tubular Bells | 275
Queen and Country | 210
Seven Summers | 353
Soul Boys of the Western
World | 279
Take Three Girls: The Dolly
Mixture Story | 349
The Memory of Justice | 305
This Is Tomorrow | 347
To the Editor of Amateur
Photographer | 359
Today’s Special | 353
Vashti Bunyan: From Here
to Before | 348
What Have You Done Today
Mervyn Day? | 346
Rusia | Russia
Angels of Revolution | 143
Postman’s White Nights | 208
Under Electric Clouds | 236
Suecia | Sweden
A Pigeon Sat on a Branch
Reflecting on Existence | 141
Beyond Beyond | 123
Suiza | Switzerland
Above and Below | 45
Broken Land | 261
Dark Star - HR Giger’s
World | 262
Iraqi Odyssey | 262
L’Abri | 261
Padrone e sotto | 263
Prose du Transsibérien | 111
Sleepless in New York | 263
Spartiates | 223
They Chased Me Through
Arizona | 230
Taiwán | Taiwan
Jade Miners | 178
Turquía | Turkey
Sivas | 222
Vietnam
Finding Phong | 165