Teatro ruso anton Chejov y stanislansvky

La historia en Dirección Teatral, desde lo literario y las puestas en escena, tiene

como uno de sus exponentes, una dupla que convirtió sus obras en exitosos
clásicos atemporales. Chejov-Stanislavsky abrieron un nuevo camino para futuros
directores de teatro, actores y dramaturgos, brindando nuevas técnicas a su
desempeño.

Nos puede resultar curioso los orígenes del teatro realista ruso, derivado del teatro
de siervos, los actores eran campesinos instruidos en el arte del teatro
para entretener el ocio de la nobleza. Recordemos que el señor poseía no sólo las
tierras, también a los campesinos. De este modo, cuando en 1861 fue abolido el
régimen de servidumbre, Rusia se encontró con numerosos actores, bailarines,
músicos que pertenecían a esa servidumbre. En esta época se representaba
obras francesas y se comprendía la urgente necesidad de crear un teatro más
conectado con la realidad rusa.

Fue en 1898 cuando se creó el famoso Teatro de Arte de Moscú, dirigido por

Stanislavski . Construyeron por fin un hermoso edificio, pero necesitaban
dramaturgos, y se entrevistaron con Chéjov, ya famoso por aquel entonces como
narrador, y  como dramaturgo. Gracias mayormente a Dánchenko, pues
Stanislavski no apreciaba a primera vista su obra La gaviota.

Chéjov fue uno de los dramaturgos más importantes y emblemáticos del teatro
ruso, creó una nueva forma teatral desconocida y posteriormente mal interpretada
hasta su encuentro con Stanislavsky y la compañía del Teatro del Arte de Moscú.
Tenía una profunda convicción de porqué siempre escribía sobre los sucesos más
simples de la vida cotidiana. En una carta a Grigorovich de 1888 decía: “Sigo sin
tener posición política, religiosa o filosófica firme, cambio todos los meses; por eso
estoy obligado a atenerme a contar cómo mis héroes aman, se casan, tienen hijos,
mueren y hablan”. 

Chéjov y Stanislavsky no se llevaban muy bien, tenían una relación fraternal,

ambos llevaron al éxito y al reconocimiento mundial del TAM como emblema del
teatro moderno, fuente inspiradora para futuras generaciones de actores,
dramaturgos y nuevas técnicas teatrales.

¿ Cuál era la magia de Constantin Stanislavski?  Para este director el  teatro  se

fundaba en el trabajo dramático del actor. Los actores deben  vivir en la escena,
no representar, mostrar la » verdad interior »  al público;  su llamado realismo
psicológico, proyectar de manera más real el mundo emotivo de los
personajes.«La mente del actor debe estar abierta a las ideas de su tiempo, a los rasgos
de su tiempo, profundizar en el pensamiento, conectar con el alma humana, observar la
vida en su totalidad y cobrar conciencia de ella». En el desarrollo de su método su
interés  se desplazará  de la psicología a  la  expresión corporal- el método de
acciones físicas- destacando la importancia de los movimientos, la gesticulación,
la disposición física,  en busca de toda una gramática de la actuación.

Teatro escandinavo de hendrik ibsen

El teatro escandinavo tiene lugar en Francia y Rusia, pero a finales del siglo XIX,
empezó la era “realista”, ya que el teatro en ese momento tenía un corte innovador
que se hacía sentir. En este teatro moderno se pueden nombrar muchos
dramaturgos, pero el noruego Henrik Ibsen, destaca. Los dramaturgos del teatro
moderno evidenciaron la tendencia social de manera abierta, con protagonistas
campesinos sumidos en la explotación e ignorancia, así como protagonistas
procedentes del proletariado, y revelando la necesidad de un cambio social a
través de argumentos en los que aparecían todas las clases sociales, en lucha.

Una de sus obras más conocidas fue “casa de muñecas”. El modernismo se

centra en situaciones que se entrelazan con la conducta del ser humano. Sin
embargo la obra ibseniana está dividida en tres grandes etapas, la romántica, la
realista que ya se mencionó y la simbolista.

Por otra parte el teatro alemán tuvo desarrollo de la escena libre, con directores
realmente importantes para la época. Gracias al escenógrafo suizo Adolphe Appia
y sus innovaciones, dio magia y color al teatro, con aporte de luces y nuevos
detalles tridimensionales de la escenografía, un gran paso para el teatro.

Teatro de la crueldad de antonin artaud

El teatro de la crueldad es un tipo de teatro propuesto por el francés Antonin

Artaud cuyo objetivo es sorprender e impresionar a los espectadores mediante
situaciones impactantes e inesperadas.

Para lograrlo, los actores minimizan la palabra hablada y se dejan llevar por
movimientos y gestos, sonidos extravagantes y la eliminación de las disposiciones
habituales de escenario y decorados.

La personalidad de Antonin Artaud, tanto en su aspecto creativo teatral como lo

biográfico, fue en su momento muy controvertida. Sus detractores lo consideraban
un enfermo mental, diagnosticado a posteriori, a partir de sus escritos, de
esquizofrenia, mientras que sus seguidores y admiradores lo consideraban un
innovador genial y un poeta visionario. Posiblemente ambas cosa no sean
incompatibles y puedan darse en la misma persona a la vez, pues se trata de
distinguir la fina línea fronteriza entre la locura y la genialidad creativa.

Características generales
1. El objetivo del teatro es atraer la atención general. La obra dramática debe dejar
una huella en el espectador mediante el deslumbramiento del espectáculo teatral.

2. Además del lenguaje hablado, utiliza otros medios de expresión que van más
allá de las palabras: las entonaciones, los movimientos, los gestos, las actitudes,
sonidos, gritos, luces, onomatopeyas.
3. El escenario está organizado como algo misterioso, jeroglífico. Presenta las
imágenes del sueño en el cerebro, el gusto por el crimen, las obsesiones eróticas,
el salvajismo, el sentido utópico de la vida y de las cosas.
4. Aborda temas acerca de la creación, el devenir, el caos, el hombre, la sociedad,
la naturaleza y los objetos. Las escenas violentas y chocantes son las predilectas
para captar la atención del público.
5. Se preocupa más por el golpe emocional que por la trama misma.
6. En cuanto a la vestimenta, evita el ropaje moderno, porque ciertos ropajes
milenarios, de empleo ritual conservan una belleza y una apariencia reveladoras,
por su estricta relación con las tradiciones de origen.
Teatro del absurdo de Eugene ionesco y pobre jerzi grotowski

Se distinguen dos características principales del teatro del absurdo:

 Una concepción del Mundo, y
 Una nueva forma de expresión dramática

En este sentido, los temas tratados tienen que ver con el hombre perdido en un
mundo en el que no encuentra su sitio y en el que se ve la vida como una tragedia
burlesca, los temas principales son la angustia vital ante la muerte, la nada, el
paso del tiempo, la soledad o la incomunicación. Hay que recordar que Europa
proviene de dos grandes guerras mundiales con millones de muertos; de una
situación en la que la mirada de las Artes está muy condicionada ante los graves
hechos históricos que en literatura o en teatro, al igual que en otras facetas
artísticas, cobra carta de naturaleza de esta forma.

Al fin y al cabo, el Arte intenta explicar la vida.

En cuanto a las formas de expresión dramática, lo que pretende esta forma de

teatro es presentar el absurdo del absurdo en su máxima expresión.

Las escenas son, nunca mejor dicho, absurdas, ilógicas, con un alto grado de
incoherencia; personajes vacíos entre ambientes extraños.

Todo ello sazonado con diálogos imposibles, frases carentes de sentido,

monólogos sin coherencia.
La tragedia, la angustia se mezclan con lo grotesco.

En definitiva, el teatro del absurdo muestra la existencia humana desde un punto

de vista extravagante, contrario y opuesto a la razón, el absurdo en su máxima
expresión, pero haciéndolo sentir, más que hablando de ello, sobre las tablas del
escenario. 

Eugene Ionesco, francés, de origen rumano, Ionesco inaugura en 1959 el teatro

del absurdo con la obra teatral ‘La cantante calva‘, una obra en la que no aparece
ninguna cantante, y mucho menos, calva.

La obra se componía de una sucesión de escenas sin demasiado sentido,

cargadas de lenguaje grotesco. Se habló de que practicaba el anti-teatro, dado
que rompía todas las reglas del teatro clásico y de lo que el público estaba
acostumbrado a contemplar.

El término teatro pobre refiere a una particular manera de hacer teatro. Se

centra, sobre todo, en el trabajo del actor antes que la puesta en escena. Fue
desarrollado por el director de teatro polaco Jerzy Grotowski tanto en el
Laboratorio de Teatro como en la colección de escritos teóricos Hacia un teatro
pobre de 1968.

Grotowski define el teatro pobre como aquel que adolece de elementos

considerados innecesarios para el desarrollo de una puesta en escena. Por ello, a
diferencia de lo que él llama teatro rico, en el teatro pobre no es necesario el uso
de elementos decorativos exagerados como
fastuosas escenografías, maquillaje y vestuarios saturados, iluminación excesiva e
incluso considera que puede carecer de efectos de sonido. Sin embargo, el teatro
pobre no puede privarse de la relación actor-espectador, ya que es vital para el
desarrollo de la puesta en escena así como del actor y el espectador mismo.

Relación actor-espectador

La importancia de esta relación actor-espectador en el teatro pobre le permite

crear nuevos espacios escénicos que permitan una interacción y proximidad entre
ambos. Sin embargo, la relación entre el actor y el espectador nunca es particular
pues aún cuando puede mantener un contacto directo y cercano con el espectador
al momento de su acción, el espectador nunca se puede ser un punto de
orientación para el actor. Si esto sucede, se cae inevitablemente, en palabras de
Grotowski, en una especie de prostitución del actor hacia el espectador.

Performance y happening
Tras la culminación de la segunda guerra mundial, el mundo entro en una etapa
nueva de la historia llamada Posmodernidad, el cual quería contraponerse a los
ideales de la edad moderna el cual había llevado a la humanidad a tener las dos
guerras más devastadoras de la historia de manera consecutiva. Por eso fue que
en la segunda mitad del siglo XX todas las corrientes artísticas hicieron un plot
twis a la narrativa que ellos habían tenido hasta el momento. Las corrientes
artísticas de esa época se volvieron más vanguardistas, más experimentales, y se
distanciaron aun más de la perspectiva que se tenía sobre el arte, y el teatro no
fue una excepción. En la segunda mitad del siglo XX, el teatro incorporo a en su
idiosincrasia unas nuevas formas de lenguaje y tendencias de que se
desarrollaron en ese periodo de tiempo.

Para empezar tenemos la performance. La performance  es una muestra escénica

presentada a un público dentro de un contexto de bellas artes,
tradicionalmente interdisciplinario. Su objetivo es generar una reacción, con la
ayuda de la improvisación y el sentido de la estética, siempre ligados a los
problemas de la sociedad actual, para así lograr despertar la conciencia del
espectador. Las representaciones pueden ser guionizadas o no, aleatorias o
cuidadosamente orquestadas, espontáneas o planificadas, con o sin la
participación de la audiencia. El espectáculo puede ser en directo o a través de los
medios de comunicación; el intérprete puede estar presente o ausente.

Una performance puede ser cualquier situación que involucre cuatro elementos

básicos: el tiempo, el espacio, el cuerpo o la presencia del intérprete en un medio,
y la relación entre el intérprete y el público. Las acciones pueden tener lugar en
cualquier lugar, en cualquier tipo de escenario y durante cualquier período de
tiempo, y se pueden proveer de varias herramientas sin necesidad de un apoyo
económico. Pero es el artista quien se enfrenta al reto de integrar el mundo que
percibe frente a sus ojos, interpretarlo, expresarlo y con ello crear una obra de
arte.

Es apropiado aclarar que, aunque estamos hablando de los 60, existieron

tempranos precedentes del Performance Art. En 1908 el Movimiento
Futurista liderado por Marinetti planteaba en su Manifiesto Futurista incorporar
todas las disciplinas del mundo intelectual y una de las características del
Performance es que incluye poetas, artistas visuales, músicos y teatristas. Luego
los dadaistas, en 1916, llevaron a cabo performance en vivo que incluían poesía y
artes visuales

Por otro lado el Happening es una manifestación artística, frecuentemente

multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de
los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance
art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.

La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir

una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la
participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con
su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la
representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la
llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado
que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.

El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele

ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del
público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares
públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo
de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican
a masas de gente desnuda.

También se debería de mencionar los dramaturgos y directores que buscaban

formas diferentes de interpretar el teatro. De entre los teatreros más relevantes del
siglo XX que mancaron e hicieron tendencias en esa etapa de la historia se
encuentran Tadeusz Kantor, Giorgio Strehler y Peter Stein. Cada uno de ellos se
destacaron por haber hecho un tipo de teatro aunque reverente, bastante más
sobrios en comparación con tendencias anteriores como puede ser el teatro de la
crueldad o el teatro del absurdo, pero sin dejar de lado la experimentación y el
ligero desapego a las convenciones teatrales de antes del siglo XX tan
representativo de la posmodernidad.