28/9/2016 Las Meninas, La Familia de Felipe IV ­ Obra ­ ARTEHISTORIA V2

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Las Meninas, La Familia de Felipe IV
Autor: Velázquez
Social Fecha: 1656
Museo: Museo del Prado
Compartir Características: 318 x 276 cm.
Estilo: 
Me gusta Compartir 97 Material: Oleo sobre lienzo
Copyright: (C) ARTEHISTORIA

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Las  Meninas  es  la  obra  más  famosa  de  Velázquez.  Fue  pintada  por  el  genial
artista sevillano en 1656, según Antonio Palomino,  fecha  bastante  razonable  si
tenemos  en  cuenta  que  la  infanta  Margarita  nació  el  12  de  julio  de  1651  y
aparenta unos cinco años de edad. Sin embargo, Velázquez aparece con la Cruz
de la Orden de Santiago en su pecho, honor que consiguió en 1659. La mayoría
de  los  expertos  coinciden  en  que  la  cruz  fue  pintada  por  el  artista  cuando

recibió la distinción, apuntándose incluso a que fue el propio Felipe IV quien lo
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recibió la distinción, apuntándose incluso a que fue el propio Felipe IV quien lo
hizo. 
La  estancia  en  la  que  se  desarrolla  la  escena  sería  el  llamado  Cuarto  del
Príncipe del Alcázar de Madrid,  estancia  que  tenía  una  escalera  al  fondo  y  que
se iluminaba por siete ventanas, aunque Velázquez sólo pinta cinco de ellas al
acortar la sala. El Cuarto del Príncipe estaba decorado con pinturas mitológicas,
realizadas por Martínez del Mazo copiando originales de Rubens, lienzos que se
pueden contemplar al fondo de la estancia. 
En  la  composición,  el  maestro  nos  presenta  a  once  personas,  todas  ellas
documentadas,  excepto  una.  La  escena  está  presidida  por  la  infanta  Margarita
y  a  su  lado  se  sitúan  las  meninas  María  Agustina  Sarmiento  e  Isabel  de
Velasco.  En  la  izquierda  se  encuentra  Velázquez  con  sus  pinceles,  ante  un
enorme  lienzo  cuyo  bastidor  podemos  observar.  En  la  derecha  se  hallan  los
enanos  Mari  Bárbola  y  Nicolasillo  Pertusato,  este  último  jugando  con  un  perro
de compañía. Tras la infanta observamos a dos personajes más de su pequeña
corte:  doña  Marcela  Ulloa  y  el  desconocido  guardadamas.  Reflejadas  en  el
espejo  están  las  regias  efigies  de  Felipe  IV  y  su  segunda  esposa,  Mariana  de
Austria. La composición se cierra con la figura del aposentador José Nieto. 
Las  opiniones  sobre  qué  pinta  Velázquez  son  muy  diversas.  Soehner,  con
bastante  acierto,  considera  que  el  pintor  nos  muestra  una  escena  de  la  corte.
La infanta Margarita llega, acompañada de su corte, al taller de Velázquez para
ver  como  éste  trabaja.  Nada  más  llegar  ha  pedido  agua,  por  lo  que  María
Sarmiento le ofrece un búcaro con el que paliar su sed. En ese momento, el rey
y  la  reina  entran  en  la  estancia,  de  ahí  que  algunos  personajes  detengan  su
actividad  y  saluden  a  sus  majestades,  como  Isabel  de  Velasco.  Esta  idea  de
tránsito  se  refuerza  con  la  presencia  de  la  figura  del  aposentador  al  fondo,
cuya misión era abrir las puertas de palacio a los reyes, vestido con capa pero
sin  espada  ni  sombrero.  La  pequeña  infanta  estaba  mirando  a  Nicolasillo,  pero
se percata de la presencia de sus regios padres y mira de reojo hacia fuera del
cuadro.  Marcela  Ulloa  no  se  ha  dado  cuenta  de  la  llegada  de  los  reyes  y
continúa hablando con el aposentador, al igual que el enano, que sigue jugando
con el perro. 
Pero  el  verdadero  misterio  está  en  lo  que  no  se  ve,  en  el  cuadro  que  está
pintando Velázquez. 
Algunos  autores  piensan  que  el  pintor  sevillano  está  haciendo  un  retrato  del
Rey  y  de  su  esposa  a  gran  formato,  por  lo  que  los  monarcas  reflejan  sus
rostros en el espejo. 
Carl  Justi  considera  que  nos  encontramos  ante  una  instantánea  de  la  vida  en
palacio, una fotografía de cómo se vivía en la corte de Felipe IV. 
Ángel  del  Campo  afirma  que  Velázquez  hace  en  su  obra  una  lectura  de  la
continuidad  dinástica.  Sus  dos  conclusiones  más  interesantes  son  las
siguientes: las cabezas de los personajes de la izquierda y las manchas de los
cuadros forman un círculo, símbolo de la perfección. En el centro de ese círculo
encontramos el espejo con los rostros de los reyes, lo que asimila la monarquía
a la perfección. Si unimos las cabezas de los diferentes personajes se forma la
estructura  de  la  constelación  llamada  Corona  Borealis,  cuya  estrella  central  se
denomina Margarita, igual que la infanta. De esta manera, la continuidad de la
monarquía está en la persona de Margarita, en aquellos momentos heredera de
la corona. Del Campo se basa para apoyar estas teorías en la gran erudición de
Velázquez,  quien  contaba  con  una  de  las  bibliotecas  más  importantes  de  su
tiempo. 
Jonathan  Brown  piensa  que  este  cuadro  fue  pintado  para  remarcar  la
importancia  de  la  pintura  como  arte  liberal,  concretamente  como  la  más  noble
de  las  artes.  Para  ello  se  basa  en  la  estrecha  relación  entre  el  pintor  y  el
monarca,  incidiendo  en  la  idea  de  que  el  lienzo  estaba  en  el  despacho  de
verano  del  rey,  pieza  privada  a  lo  que  sólo  entraban  Felipe  IV  y  sus  más
directos colaboradores. 
En cuanto a la técnica con que Velázquez pinta esta obra maestra ­considerada
por  Luca  Giordano  "la  Teología  de  la  Pintura"­,  el  primer  plano  está  inundado
por un potente foco de luz que penetra desde la primera ventana de la derecha.
La  infanta  es  el  centro  del  grupo  y  parece  flotar,  ya  que  no  vemos  sus  pies,
ocultos en la sombra de su guardainfante. Las figuras de segundo plano quedan
en  semipenumbra,  mientras  que  en  la  parte  del  fondo  encontramos  un  nuevo
foco  de  luz,  impactando  sobre  el  aposentador  que  recorta  su  silueta  sobre  la
escalera. 
La  pincelada  empleada  por  Velázquez  no  puede  ser  más  suelta,  trabajando
cada  uno  de  los  detalles  de  los  vestidos  y  adornos  a  base  de  pinceladas
empastadas, que anticipan la pintura impresionista. Predominan las tonalidades
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empastadas, que anticipan la pintura impresionista. Predominan las tonalidades
plateadas  de  los  vestidos,  al  tiempo  que  llama  nuestra  atención  el  ritmo
marcado por las notas de color rojo que se distribuyen por el lienzo: la Cruz de
Santiago,  los  colores  de  la  paleta  de  Velázquez,  el  búcaro,  el  pañuelo  de  la
infanta  y  de  Isabel  de  Velasco,  para  acabar  en  la  mancha  roja  del  traje  de
Nicolasillo. 
Pero  lo  que  verdaderamente  nos  impacta  es  la  sensación  atmosférica  creada
por el pintor, la llamada perspectiva aérea, que otorga profundidad a la escena
a  través  del  aire  que  rodea  a  cada  uno  de  los  personajes  y  difumina  sus
contornos,  especialmente  las  figuras  del  fondo,  que  se  aprecian  con  unos
perfiles  más  imprecisos  y  colores  menos  intensos.  También  es  interesante  la
forma  de  conseguir  el  efecto  espacial,  creando  la  sensación  de  que  la  sala  se
continúa  en  el  lienzo,  como  si  los  personajes  compartieran  el  espacio  con  los
espectadores.  Como  bien  dice  Carl  Justi:  "No  hay  cuadro  alguno  que  nos  haga
olvidar éste".

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