Teoría del arte

Examen (70%)

1ª: Pregunta teórica del primer tema

2ª: 8 imágenes, movimiento y características

3º: comentario del cartel/vídeo

Video y cartel: un punto cada uno.

Fotogramas del video, explicación en 10 líneas del video/El cartel y explicación en 10 líneas.
Cada uno subimos eso, pero de forma individual, aunque se repita. A finales de octubre.

Tutorías: jueves de 1 a 2/También hay tutorías virtuales.

ARTE Y REFLEXIÓ N ESTÉTICA

La complejidad del término “arte”. Un concepto cambiante.
Forma de expresión personal
Forma de expresar nuestras propias vivencias, experiencias y sentimientos. Para saber
plasmar algo con exactitud, se debe de haber vivido.
Frida Khalo: es un ejemplo de ello. Si se alinearan todos sus cuadros, podríamos saber
todo lo que ha vivido en su vida, pero por mucho que empatizáramos, jamás lo
podríamos plasmar igual.
El Grito (Munch): también fue fruto de una experiencia personal. El artista vio como que
el cielo se hundía en su cabeza, de que se ahogaba, y entró en pánico. No podía gritar.
Esta sensación se accentúa con el contexto, ya que pertenece a la sociedad del siglo XIX,
XX, donde los individuos son abandonados a su suerte de repente.
Cuadro de la mujer en las manos en la cabeza: lleva un traje blanco que simboliza pureza,
sin embargo, está desbotonado y abajo lleva una camiseta roja (color de la sangre y de
la pasión). Además, su pelo es pelirrojo, lo que significa maldad. El artista está sentado
a la izquierda con colores oscuros, muy triste. En aquella época, las mujeres eran vistos
como seres malvados, por lo tanto, la mujer es la mala por haberle roto el corazón.
“La danza de la vida”: las tres mujeres de delante representan las distintas etapas de un
ser humano. La primera es adolescente y va vestida de blanco, es pura. La segunda, que
baila con el hombre, va vestida de rojo, ensalzando la sangre y el rojo. Finalmente, se ve
a una mujer de negro, ya demacrada por vivencias y la vejez. Munch está obsesionado
con el paso del tiempo y lo plasma aquí.
Claude Cahun: alemana y lesbiana. Su sexualidad es importante en la medida que hace
un juego con el género en todas sus fotografías, surrealistas y pertenecientes a los años
30.
Expresión colectiva
Lo que nos vamos a encontrar muchas veces en las bases del arte es denuncia política
del momento que están viviendo.
Ej: Fusilamientos del 2 de mayo (Goya)
Käthe Kollwitz: alemana que plasma los horrores de la Alemania nazi, así como del
sufrimiento de las clases más desfavorecidas.
Donna Ferrato: en la actualidad saca fotos de iconos pop. En el pasado, fotografió una
relación en la cual la mujer era maltratada.
Regina Galindo: fotografía artículos de periódicos a modo de denuncia.
Nobuko Oyabu: es también expresión individual, puesto que fue víctima de una violación
y le escribe una carta al hombre que se lo hizo.
Santiago Sierra: 2003, con toda la situación con los inmigrantes en España, se le invita a
que forme parte de la…
Abstracción: es directamente un juego de espacios, formas y colores. En el movimiento
cubista también.
Experiencia estética
Cuando abandonas tu propio cuerpo y tus sentidos vuelan de ti al observar una obra, y
lo único que queda en nosotros es dicha obra. Es abandonarse y no tener conciencia ni
del espacio ni del tiempo. Cuanto más conocimiento se tiene del arte o de la obra que
se observa, más difícil será abandonarse. Estas experiencias surgen de forma más
sencilla en niños, al conservar su inocencia.
No tiene nada que ver con las escalas de belleza: la estética de la belleza, de la pobreza,
de lo grotesco…
Emisor: artista, uno
Mensaje: objeto artístico, uno
Receptor: objeto artístico, múltiple
Philadelphia, 1993 Maria Callas, La mamma morta: esta parte de la película muestra
perfectamente una experiencia estética.
Abstracción no icónica
Geométrica/Mondrian: el arte no es solamente una copia exacta de la realidad. Puede
no expresar y sigue siendo arte. Se trata de juego en muchas ocasiones.
Geométrica/ lírica o expresiva/Kardinsky: propone que todos los colores tienen
significado y que pueden enlazarse a un sonido y forma, e incluso sabores. Por ejemplo,
para él el rojo sería el color de un piano o violonchelo. El amarillo es el color de la locura
y lo asocia a los triángulos, a la lima etc. El verde lo considera el color más aburrido,
perteneciente a los prados y a la burguesía.
Pollock: su pintura abstracta se llama pintura en acción. Utilizaba grandes lienzos
estirados en el suelo, dejando chorrear la propia pintura mientras pasaba por ellos. Era
como un baile, o como una relación sexual entre él y el lienzo.
Abstracción semántica para comunicar un mensaje
El arte tiene que ser bello
No tiene por qué serlo. El arte en el siglo XX es completamente grotesco.
1920/1921: periodo de entreguerras.
El arte como construcción
El arte como provocación
Pierre Moliner: el arte como provocación a una determinada clase social diferente a
cada obra.
Meret Oppenheim: hay una base humorística e irónica en sus cuadros a través de
objetos surrealistas que realiza.
Andrés Serrano:
Lo bello, dos posturas:
Categorías estéticas: lo bello, lo sublime, lo feo, lo grotesco…
- Objetivista: la belleza está en el propio objeto
- Subjetivista: la belleza depende de quien la mira

Matisse: Colores estridentes, pinta la realidad tal cual la percibe, por lo que para el artista,
sería bella, pero igual no para todos nosotros. Sería subjetivista.

Sublime: algo que a nosotros nos muestra como seres muy pequeñitos.

Sublime-noble: las pirámides, nos hacen sentir lo pequeños que somos.

Sublime-magnífico: una avenida y plaza vista desde arriba

Sublime- Terrible: (Turner) sensación de que la naturaleza puede absolutamente con

nosotros. Por ejemplo, una tormenta en el mar, o las lluvias torrenciales.

Friedrich: pinta el señor de espaldas a nosotros en la cima de la montaña. Nos muestra

la inmensidad del paisaje, de forma que lo vemos a través del personaje del cuadro.

Lo feo:

- Repele, es lo contrario de lo bello

- No es harmonioso ni unitario
- Tanto lo feo como lo bello cambian en función de la época.

Lo grotesco:
 - Lo ridículo, extravagante por la figura o por cualquier otra cualidad
- Lo irregular, grotesco

Apela a la propia maldad. Por ejemplo, las gárgolas, una forma de expulsar los males
mediante animales mitológicos que encarnan en síel mal. O también como se retratan los
enemigos o las brujas en los dibujos de niños, que suelen ser muy feos.

En el pasado, las personas con enanismo se veían como algo grotesco.

Kafka, la metamorfosis: sensación angustiosa porque se va transformando en una

cucaracha y su familia lo va olvidando poco a poco.

Las pinturas negras de Goya. Gigante devorando a sus hijos.

Siniestro vs fantástico: vocablo unido al mal, a un lado oscuro. Contrario a lo diestro.

Freud: aquella sensación de espanto que se adhiere a las cosas familiares y conocidas
desde tiempo atrás.

Sensación de indefensión predominando en nosotros un sentimiento de angustia. Lo

siniestro siempre da miedo. Se puede asociar a personas, cosas o situaciones.

Lo fantástico está relacionado con la imaginación y no es necesario que conlleve un

componente maligno.

El séptimo sello: lucha titánica entre el protagonista y la muerte. Es como que juegan una
partida de ajedrez metafóricamente en la que la muerte tiene la victoria asegurada, porque
siempre gana.

Hitchcock es siniestro. Lo que él plasma en las películas podría ocurrir en la realidad.

Aníbal Lecter (Psicosis): angustia y miedo, porque ese personaje podría salir de la vida real.
 TEMA 1 La vanguardia como paradigma de la
modernidad

1. El proyecto de la modernidad
Moderno: En arte significa aquel arte que se ha adelantado al gusto de la época. Ejemplos:
Picasso/Baudelaire (poesía del siglo XIX). No todo lo que es contemporáneo es moderno.

Incluso la forma de escribir algo también se puede considerar una forma de romper con los
moldes, los temas que se tratan… es posible que en su época los artistas que actuasen de esta
manera no fuesen comprendidos, pero pasado un largo tiempo, se valora lo que hicieron y se
les considera modernistas.

Contemporáneo: ir en consonancia con la época que se vive, aunque nos llame la atención.
Ejemplo: influencers. Nadie recordará a alguno de ellos porque no han roto absolutamente
nada, tan sólo dan indicaciones de cómo debemos vivir nuestras vidas.

2. La vanguardia. Concepto y origen del término.

En el ejército, los que van delante se les llama “la vanguardia”.

En el XIX, se asociaba para todos aquellos que estaban intentando defender los derechos del
proletariado u otros hechos sociales. Al final, se acaba asumiendo desde el arte que puede ser
un vehículo de denuncia de un determinado momento histórico, por lo tanto, son plenamente
conscientes del mismo.

SXX, dos grandes guerras. La mayoría de artistas acaban luchando en esas guerras, plenamente
conscientes de lo que ocurre en su territorio. También son conscientes de que son capaces de
llegar a un público que de otra forma tal vez no alcanzarían. Por lo tanto, se establecen como
vehículo de comunicación entre el pueblo y el artista.

3. Los predicados de la vanguardia

Los movimientos de vanguardia cumplen con:

- La obra de arte como objeto de ansiedad: El público es fundamental en este punto. El

arte entendido hasta ese momento, bello, se rompe a causa de algunos artistas, y la
gente se empieza a plantear hasta ese momento si es arte. Se preguntan si el artista les
ha tomado el pelo. Por ejemplo, Marcel Duchamp recogió dos objetos de la calle, los
engancha y les da la categoría de una obra de arte.

Otro ejemplo es El Grito de Edvard Munch, donde el rostro está desencajado, no tiene
forma, las pinceladas son rápidas, expresa locura en todo su ser. Es una bofetada al
gusto de esa época. Otro cuadro de su pertenencia es la Madonna de Munch (una
Madonna en la religión es una figura religiosa). En el cuadro, se ve la figura de forma
totalmente sensual, un feto a la izquierda, y semen. Es una bofetada a las creencias de
esa época de si la virgen era realmente virgen, viola el respeto a la creencia religiosa.
 Retrato de Matisse: no pensaban que era arte porque el artista, André Derain, quería
trasladar al lienzo su percepción de la realidad, no la realidad en símisma.
Escena Callejera berlinesa. Ernst Ludwig Kirchner retrató a una entera clase social como
si fuesen cuervos.
Muchacha ante el espejo de Otto Dix: demuestra el interior de una persona, su
personalidad.
Las señoritas de Avignon, Picasso introdujo el movimiento cubista con este cuadro.
Suprematismo nº58: un canto a los colores y formas.
- La categoría del rechazo: en la categoría del rechazo el público no tiene nada que ver.
Los movimientos artísticos van a a intentar rechazar lo que se haya hecho hasta en ese
momento por la borda, porque hay que hacer cosas nuevas.
Un gran ejemplo de ello son los Futuristas. La Gioconda transformada de Marcel
Duchamp es una muestra de ello (Elle a chaud au cul: “ella tiene el culo caliente”) y le
pinta un bigote. Responde a la eterna pregunta de qué es lo que tiene la Gioconda que
la hace tan especial, de forma humorística y anárquica.
Violín y Jarra de Georges Braque: el movimiento cubista intenta ver el objeto de todos
los puntos de vista, por lo que al final se solapan las realidades. Rechaza el concepto de
la perspectiva que se instaló desde el renacimiento.
Composición nº8 Kandinsky: con la abstracción, el lenguaje acaba rompiendo con el
lenguaje figurativo.
- Vínculo social: los artistas son absolutamente conscientes del momento histórico en el
que viven, por lo tanto, van a acabar utilizando su arte como vehículo de denuncia de
un momento determinado. Va a haber, por primera vez, un compromiso político y social
del artista. Por ejemplo, Otto Dix denuncia la situación de los soldados alemanes en las
trincheras en la primera guerra mundial, o Kathe Kollwitz denuncia cómo vive la clase
baja alemana en mujer con un niño muerto.
En sistemas dictatoriales no tienen ningún tipo de sentido, por lo que van a acabar
detenidos. Por ejemplo, a Picasso se le pide que en el año 36 participe en la exposición
internacional, en plena guerra. Pinta a modo de denuncia el bombardeo de Guernica.
Guerrilla Girls: un grupo de mujeres que siempre aparecen tras una máscara de mono,
buscan denunciar la situación de las mujeres artistas. Tienen las mujeres que estar
desnudas para entrar en el Met. Museum? Menos del 5% de los artistas en las secciones
de Arte Moderno son mujeres, pero el 85% de los desnudos son femeninos. (1989)
Ana Mendieta: Escena de violación (1937). Denuncia las violaciones en el campo
universitario. Invita a unos amigos en casa y les muestra la casa destrozada, y a ella atada
y desnuda simulando que la han violado. En realidad, imitaba lo que le pasó a una chica
en un caso reciente a modo de denuncia.
- El mito de la máquina: pasión absoluta por la máquina y la tecnología, aunque hay
artistas que iban más allá del canto a la máquina. Luigi Russolo y Ugo Piatti entre
intronarrumori (ruidos que te puedes encontrar diariamente en la calle, dicen que ese
ruido de puerta metálica, de los coches, de una ciudad que se despierta, es mucho mejor
que una ópera). La fotografía se establece como un arte en símismo.El futurismo se
identifica con este pensamiento, se inicia en el 1910, y se empieza a considerar arte
muchas cosas que antes no.

En el cuadro de Giacomo Balla de Lámpara, Estudio de la Luz, la bombilla de una

lámpara de la calle cobra más importancia que la luz de la propia luna.
Monumento a la III Internacional. Vladimir Tatlin (1917).
 El Gran Cristal, Marcel Duchamp
Fotograma de Un perro Andaluz.

4. Precedentes de vanguardia: Impresionismo y simbolismo

IMPRESIONISMO

Lo que se conoce como impresionista lo precede Edouard Manet en algunos de sus cuadros,
como Desayuno sobre la Hierba, ya que parecen bocetos y son rechazados.

El que da el pistoletazo de salida es Claude Monet. Impresión del Sol Naciente, Catedral de
Rouen… le interesa el juego de luces, y ser capaz de trasladar la luz en sus cuadros. Se llama
impresionismo en un principio con intención de burla, pero los que pintan asílo consideran ideal
porque lo que trasladan realmente son impresiones. Las pinceladas son más rápidas y da la
impresión de ser más basto.

En los cuadros impresionistas no va a haber ningún componente psicológico, social o activista.

Se pintan paisajes, retratos… en los que interesa captar como se percibe un determinado
escenario.

Edgar Degas es otro exponente, por ejemplo, en El bebedor de Absenta (1876). Está pintando
la situación de un bar, la tristeza en la que un hombre y una mujer que por su ropa parecen de
clase social alta, beben absenta (en teoría prohibida por ser alucinógena). Parece una fotografía,
la impresión de un momento determinado. Sin embargo, no hay denuncia social de ningún tipo,
ni componente psicológico, tan sólo captó ese momento.

Las mujeres artistas en el impresionismo sobre todo van a pintar interiores. En el XIX les resulta
mucho más complicado salir fuera que los hombres, ya que necesitan ir acompañadas etc. Si pintan
exteriores, suele ser a través de una ventana o similares.

SIMBOLISMO

El movimiento simbolista vuelve a retroceder a temas más religiosos, y está repleto de

referencias simbólicas. Busca retratarnos algo a través de dicha simbología. Se sitúa a finales del
S. XIX, un momento completamente decadente. Va a ser protagonista de sus pinturas las
Salomés:

“Según los evangelios sinópticos, Juan el Bautista reprobaba el matrimonio de Herodes

Antipas y Herodías su media hermana, lo cual no era lícito para la ley judía. A causa de esto,
Herodes Antipas mandó a encerrar al profeta en un calabozo, pero no le mataba por temor
a las protestas del pueblo. El día del cumpleaños de Herodes, sin embargo, en medio de una
fiesta con los principales de Galilea presentes, Salomé realizó una danza para él, la cual
agradó tanto al rey que este le permitió, bajo juramento, que le pidiese como regalo lo que
quisiera. Aconsejada por su madre, Salomé pidió la cabeza de Juan el Bautista en una
bandeja de plata. Como había dado su palabra, Herodes Antipas lo mandó a decapitar, y un
guardia se encargó de entregarle la cabeza a Salomé como la había pedido, que a su vez la
entregó a su madre”

Salomé (la aparición) Gustave Moreau 1875.

La edad madura, Camille Claudel (1895): está intentando trasladar un momento determinado a
través de símbolos. Traslada el sufrimiento de esa mujer joven, arrodillada, pero el hombre no puede
estar con ella por la capa (demonio) que hay en su espalda. Frecuentemente esta obra es
interpretada en un sentido autobiográfico, como la ilustración de la indecisión de Rodin por
permanecer con Rose Beuret o con ella, Camille Claudel: La pareja frecuentaba los ambientes
artísticos y culturales más importantes del París de la época y pasaron juntos largos períodos fuera
de la ciudad, sin embargo, a Rodin se le relacionó sentimentalmente con Rose Beuret. En este
conjunto escultórico, Camille se muestra arrodillada y suplicante ante su ruptura con Auguste, justo
asíes como se nombra L'Implorante, a la escultura en donde ella dirige sus manos hacia Rodin, quien
le da la espalda mientras una mujer mitad ángel mitad bruja, que representa a Rose Beuret, se lo
lleva

Ninguno de los dos movimientos se considera vanguardistas porque no hay una denuncia.

El grito se considera postimpresionista, pero no se lo considera pintor de Vanguardia porque no hay

un componente de denuncia.

Baile en el Moulin de la Galette

II Vanguardias históricas
El inicio de la vanguardia. La conciencia expresionista

Casi todo el arte es expresivo, pero hay solo ciertas obras que se puedan denominar
expresionistas.

Dentro del movimiento expresionista hay percusores como Munch, y empieza a poner sobre la
mesa la condición de individualidad del ser humano. Un ejemplo claro es El Grito, que
representa un ataque de ansiedad que sufrió en el puerto (1892). Ese rostro podría ser el rostro
de cualquier persona, por ello no está definido.

También hay conciencia crítica en su Madonna (1894-1895), la virgen maría colocada de forma
sensual y pintada de forma sinuosa. El marco del propio marco son espermatozoides. Lo que hay
en una esquina es un feto. La característica que se supone que tiene la virgen maría es estar
embarazada sin hacer nada, pero aquíse insinúa que, como todos, tiene deseo sexual.

Madre muerta (1899-1900): niña se tapa los oídos y está girada ante la figura de su madre
muerta en la cama. No hay nada más duro que el silencio de la muerte, sobre todo si esa muerte
es cercana. Eso significa que a esa persona nunca más la vamos a poder escuchar. Al ser tan
atronador ese silencio, la niña se tapa los oídos.

El movimiento expresionista alemán se diferencia en tres partes diferenciadas:

- El puente: en honor a la ciudad en la que se inició, que estaba llena de puentes, o porque
el movimiento expresionista sirve como puente al arte que se estaba haciendo hasta
ahora y el del s. XX.
o Autorretrato como soldado manco. Ernst Ludwig Kirchner, 1915.
Denuncia del momento social de guerras que le toca vivir, ya que le toca
participar en la Gran Guerra. Esta cercena la juventud, ya que hay cantidad de
de muertos, y ello se representa por la mano cortada del soldado.
La conciencia desgarrada del pueblo alemán se muestra con la mujer desnuda
del fondo.
o Cinco mujeres en la calle (escena berlinesa). Ernst Ludwig Kirchner, 1914.
 Crítica de un estatus social. Las caras de las cinco mujeres son angulosas, casi
parecen máscaras. Por la pose de sus pies y vestimenta, recuerdan a pájaros.
Parece que conforman un grupo, pero no se miran, no se hablan. Un año
después hace el cuadro Mujeres en la calle, los rostros no son tan angulosos,
pero sigue manteniendo esa extraña vestimenta.
o Susana y los viejos. Artemisia Gentileschi (1610). Es el origen del cuadro de
Emil Nolde, titulado igual. En el original, esa mujer era muy hermosa y hay unos
viejos que la miran de forma lasciva. Al final condenan a la mujer al
apedreamiento por insinuarse demasiado. Otro hombre que ve la escena lo
impide. Sin embargo, en el cuadro de Nolde la mujer se muestra completamente
feliz de que la observen de esa forma.
o Autorretrato con la muerte. Max Pechstein 1920. El deseo es la mujer, por otro
está la muerte. El color del hombre de delante es rojo, pasión y violencia del
mismo sitio. No tiene miedo de ninguna de las dos partes, se deja abrazar por
ambas ya que hace caso a la parte de la mujer, que representa la vida nocturna,
el sexo, el tabaco… que le llevan a la muerte.
o Autorretrato embarazada. Paula Modersohn-Becker. 1906. Esa mujer no
estaba embarazada pero se vio a símisma como en ese estado y decidió pintarse
de ese modo. Colores suaves utilizando el blanco y beige, representando la
pureza e inociencia. La mujer está semidesnuda.

CARACTERÍSTICAS DE EL PUENTE
▪ Utilización de colores ácidos y cálidos.
▪ Vinculo social y de denuncia con el momento histórico, a través de
rostros grotescos. Se expresa absolutamente la conciencia del pueblo
alemán, el arte es el vehículo de denuncia.

- Frente a el Puente, encontramos el Jinete Azul

Piensan que no tienen que trasladar ese momento tan doloroso a la pintura y toda esa
denuncia a la pintura, que para eso ya tienen la realidad. Por eso, pasan a la pura
abstracción, pintando caballos azules por ejemplo simplemente porque les gusta.

Para Kandisky la figura perfecta matemáticamente es el cuadrado, pero la más perfecta

es el círculo. Con el círculo expresamos continuidad, plenitud.
o Caballo Azul. Franz Marc. 1906. En cierta manera es un cuadro alegre porque el
caballo está algo alicaído, pero en una posición tranquila. Además está rodeado
de colores como rojo, amarillo y verde, que se traduce en un espacio cálido,
primaveral o veraniego. También hizo Caballos Rojos y Pequeños caballos
azules (líneas redondeadas y tranquilas de un caballo que encima es azul).
Paisaje con casa, perro y vaca de Franz Marc, mucho más abstracto y donde
apenas se diferencia la vaca, la casa y el perro. Zorros
o Gran Jardín Zoológico. August Macke, 1912. Figuras redondeadas y colores
claritos. Dama vestida de Verde 1913, es una pintura suave y tranquilizadora,
figuras tranquilas asícomo sus pinceladas.
o El jinete azul, Vassily Kandinsky 1903. Tiene dos estudios sobre la utilización de
líneas y colores, por lo que es un teórico asombroso. Se exilia de Rusia y entra
en la Bauhaus. Una de las escuelas de diseño más importantes que ha habido
en Europa. Muchos de los objetos que vemos en Ikea de ordenamiento son
 inspirados en inventos de la Bauhaus. Ejemplos: Silla wassily, silla Barcelona,
juego de té…
Kandisky es absolutamente místico, ya que lo que nos pide que leamos sus
obras a través de los colores, las formas… el cuadro es el piano y nosotros los
pianistas. Capta impresiones, por ejemplo, en Impresión VI (Domingo). Capta un
momento de forma determinada. Ahíhay que preguntarse qué es un domingo
para nosotros, y qué era un domingo hace 100 años. En este caso, se muestra
el típico paseíto dominical después de salir de misa, con los vestidos largos.
Nosotros somos capaces de ver figuras donde no las hay, eso es lo que pasa
en Improvisación soñadora de 1913. Hay que ponerse con la mente lo
suficientemente abierta para analizar el cuadro simplemente desde sus colores.
Juega también a cómo analizamos desde nuestro estado emocional del
momento. Dependiendo de ello, igual observamos con más facilidad los colores
más vibrantes y llamativos o los más tenues.
Composición VIII, es un cuadro que es música, ya que Kandinsky lo construyó
junto con un amigo que es músico y que estaba trabajando en su propia obra.
No van a examen:
o Gabriele Münter:
o Marianne von Werefkin
- Nueva Objetividad: denuncia absolutamente brutal de todo lo que conlleva la pobreza,
los levantamientos de la clase obrera en Alemania, o la 1ª Guerra Mundial
o Kathe Kollwitz: se casa con un médico alemán de joven que se dedica a atender
a los más desfavorecidos. A partir de ahíalcanza conciencia con los embarazos,
la mala alimentación, la pobreza infantil… Se traslada esto directamente a los
dibujos, girando a través de un elemento central, que es la muerte. Sus cuadros
son casi todos blanco y negro.
▪ Pobreza (1893-1894): desesperación de la madre ante el lecho de
muerte de su hijo por no poder alimentarlo, absolutamente cadavérico.
▪ Ataque. La revuelta de los tejedores
▪ Mujer con niño muerto. Al no mostrar el rostro concreto, representa el
dolor y desesperación de cualquier madre ante la muerte de su hijo.
▪ Los prisioneros. 1908. Dolor y afinamiento a través de un rostro. Son
como ovejas recluidas en un camión de animales
o Otto Dix:
▪ Muchacha ante el espejo, 1921 (exaaaamen). Se ve un cuerpo de
espaldas joven, semidesnudo, pero lo que devuelve el espejo es un
rostro absolutamente grotesco, una boca sin dientes con un cigarrillo
colgando al igual que sus pechos, está completamente delgada… el
espejo nos demuestra la conciencia del pueblo alemán, que ha
permitido ir a las trincheras que son muerte, que han permitido que se
hiciese guerra… y eso es lo que ha dejado la Guerra tras de sí: soldados
con problemas psicológicos, mutilados, enfermos etc. El rostro de la
muchacha demuestra esa vergüenza, esa sinconciecia del pueblo
alemán. Es feo y repugna porque es lo que no queremos ver, ya que
nadie quiere ver una conciencia sucia.
▪ Tropas de asalto avanzando bajo un ataque de gas, 1924. Esta manera
de matar es global, mediante los tanques y el gas pimienta. El soldado
no solía saber a quien disparaba a través de los camiones y el gas
 pimienta, nunca veía el rostro del que iba a matar. Se muestra lo
descarnado de la guerra, donde se transmiten a parte de tiros, suciedad,
ratas, traiciones, enfermedades… Otto Dix demuestra que no hay nada
de héroe en morir y matar por la patria.
▪ Metrópolis, 1927. Son los años 20, en los que hay alegría, las mujeres
empiezan a cortarse el pelo y a fumar, se bebe, hay jazz por todas
partes, se cortan los vestidos… a través del propio vestuario hay
libertad. Sin embargo, en el cuadro se muestra tres escenarios
diferentes. La central es una clase que ya se ha olvidado del sufrimiento
y disfruta de noches locas. Sin embargo, a la izquierda y derecha se
muestra un escenario de prostitución, una vagina dibujada
simbólicamente a través del vestuario de una de ellas… además hay un
hombre sentado con el rostro completamente deforme en la dcha. En
realidad, se está haciendo un retrato en global de que es una ciudad
que no sabe escapar de su propio dolor y de su condición, casi animal.
▪ Los siete pecados capitales, 1933. Está retratando a Hitler que ascendió
al poder el 1932, ya que hay un niño que lleva su típico bigotillo. Sienta
a este encima de uno de los pecados capitales. Se refiere a que es él el
que encarna los 7 pecados, lo encarna como un niño bobalicón y rubio
(cuando no lo era), para encarnar a la raza aria. A su vez, apela a todas
las características negativas del pueblo alemán. Otto Dix, por esta razón,
acabará en la lista de artistas más perseguidos.
o George Grosz
▪ Suicidio, 1916: hay una prostituta y un perro que observan un cadáver
absolutamente espachurrado en la calle. Hay más pj’s pero ninguno le
hace caso. Hay color rojo a tutiplén para trasladar esa violencia.
▪ Metróplois, 1917. Diagonales, cuerpos grotescos, rojo, prostitutas… se
recoge algo del movimiento futurista.
▪ Examen. Entierro del poeta Oscar Paniza, 1917-1918. Hay caos tanto
político, como gubernamental como militar. Denuncia que a Oscar
Paniza se le ha censurado por una serie de poemas por considerarlos
excesivamente eróticos. Al censurarlo y encerrarlo en un hospital para
enfermos mentales, realmente es como si hubiesen matado al poeta.
Hay censura tanto política como religiosa.
o Max Beckmann
▪ La noche, 1918-1919. Nos muestra una violación, casi como un cómic
porque parece una viñeta y los colores son suaves. Se puede hablar de
una cierta clase social por la vestimenta. “Al calor de la noche,
acabamos con aquellos que no piensan como nosotros”. Se puede
dividir el cuadro en dos partes, los que atacan y los atacados.

Anuncio Lexus. The Art of Standing Out: Aparecen obras muy famosas como La joven de la perla
de Vermeer (obra que sea utilizado reiteradas veces en anuncios), Ballon Dogs de Koons (obras
como Fait D’Hiver en el que está un cerdo cerca de una mujer tumbada ha sido imitado por
anunciantes como Naf Naf), Composición de Mondrian (imitada también por Camel por ejemplo,
ya que Camel sacó una línea de tabaco inspirada en arte contemporáneo), las Margaritas de Van
Gogh (imitadas algunas de sus obras por absolut, vans), Un baño en Asnieres de Seurat, padre
del movimiento puntillista, y NightWorks de Hopper, el espíritu norteamericano por excelencia.
FAUVISMO

Siempre va a haber una descontextualización del color, ya que los fauvistas quieren pintar la
realidad tal y como la sienten, no como es. Por ejemplo, si sienten a una persona de color azul
por su calma o tristeza, utilizarán dichos colores en su representación.

Nunca abandonará esa pasión por la locura del color, ya que la traducción del fauvismo es
SALVAJE, no tiene ninguna preocupación por los colores locales. No hay profundidad, ni luz, ni
perspectiva, por lo que para que no se transforme su pintura en algo plano, resumen estos
planos en líneas negras para las siluetas. No hay crítica social ni intención psicológica de expresar
algo. Se mostrarán sobre todo paisajes y rostros.

Ejemplos:

- La raya verde. Señora Matisse. Henri Matisse (1905): No va a haber una perspectiva en
su obra y los colores llaman la atención desde el principio.
- Restaurante en Marly-le Roi, Maurice de Vlaminick (1905): al aplicar la pintura de
manera concreta, se da una sensación grumosa y de dinamismo.
o Ejemplo Botella de Absolut en una gráfica de forma fauvista. Se recoge el color
a través de esa ralla negra que da forma a la propia botella, si no, no se podría
contener el color.
o Ejemplo Wirpool: recoge el fauvismo, después a Klint del art deco (mucho más
rico en matrices con esos dorados que utiliza), Tamara de Lempicka (flores,
vestidos, representaciones de una clase social concreta: expresan una riqueza
pictórica…
o El aceite Carbonell forma parte de arte del s.XX.

CUBISMO

El cubismo no es abstracto porque el objeto siempre está, aunque la lectura sea tortuosa. Por lo
tanto, se define como figurativo. No hay componente psicológico ni denuncia social.

* Picasso pasa por todos los estilos artísticos del s.XX, pero por la época en la que se insiere,
entraría en el movimiento surrealista. En la década del 10, se considera padre del movimiento
cubista.

Su obra El Guernika no entraría dentro del cubismo, aunque haya rostros desfigurados, puesto
que hay una enorme simbología en el resto de los elementos de la obra. Además, tiene un
componente crítico.

Suele poder expresar el dolor o los sentimientos del personaje, aunque desfigurado, que retrata.
Otro ejemplo es que a los 16 años sus obras se inserían en el Realismo.

Dos tipos:

1. Cubismo analítico: se detiene a analizar la propia imagen. Suele recoger edificios o paisajes.
Lo que caracteriza al movimiento cubista es que recogen los objetos, las personas, los
elementos… desde todos los puntos de vista posibles, plasmando así diferentes
perspectivas. Para formar el objeto completo tenemos que descomponerlo en múltiples
planos.
 Los colores a utilizar serán los marrones, los beige, los negros… La visión del objeto es
tortuosa porque al querer pintar un objeto en todos los puntos de vista posibles al final se
acaba perdiendo el objeto. Se suelen pintar bodegones

o Las señoritas de Aviñón de Pablo Ruiz Picasso (1907): provenientes de un prostíbulo.

Hay una geometrización de los personajes, en su rostro hay tres partes
diferenciables: algunos de esos rostros suelen recordar a la iconografía egipcia, otro
recuerda a una máscara africana, y en las figuras centrales hay rostros provenientes
del arte ibéro.

2. Cubismo sintético: al comprobar que el espectador o espectadora es incapaz de ver el objeto

plasmado, tienden a recoger a través del color local y el collage, vuelve a aparecer el objeto
de forma física en la obra. Los colores son mucho más llamativos que antes porque busca
redefinir.
o Guitarra, periódico, vaso y botella de Picasso (1913).
o Hombre con pipa Picasso, s.f. Se ve al hombre con el chaleco, el rostro…

Ejemplo anuncio Volkswagen: contraste entre un cubismo más analítico de la primera etapa y otro
más sintético en la misma imagen, en la que a pesar de la geometrización de la imagen somos capaz
de apreciarla.

Ejemplo Absolut Art.

Ejemplo Citröen. Imita con la parte delantera interior del coche (donde están las marchas y la música)
+ los cinturones, la forma del toro de Picasso.

Jeorges Braque

ABSTRACCIÓ N

1. Lírica: lo que a nosotros nos haga sentir el cuadro. Los cuadros pueden ser muy sonoros o
más silenciosos.
a. Expresión intuitiva y emocional
b. Biomórfica (representación pictórica de formas o elementos que evocan formas
relacionadas con lo que se percibe en la naturaleza)
c. Curvilínea, por eso será más amable que el siguiente subtipo.
d. Exaltación de lo espontáneo y lo irracional.
Kandinsky. Todos sus cuadros son musicales porque tocan al menos una nota:
▪ Composición IV: prevalece el amarillo y el verde. Por lo tanto, al hacer el
cuadro no estaba para nada triste.
▪ Composición V: el negro llama la atención al haber una línea negra
cruzando el cuadro. Musicalmente recuerda a una noche de Jazz en un club
nocturno, representando la línea curva y negra la voz de la cantante, pero
esa es la visión de la profesora. A cada uno le transmitirá a una cosa.
▪ Composición VII: parece una feria por la cantidad de colores que usa, luces,
el movimiento y caos que hay, e incluso algo terrorífico por los colores más
oscuros, tocando negro. También podría ser confeti, flores
2. Geométrica
a. No a las irregulares formas naturalistas y a las formas artísticas.
b. Sía lo que se puede medir y a lo que se puede preveer de modo objetivo
La pintura debe basarse en planos y colores.
c. La pintura debe ser clara.
 d. La forma es el ángulo recto. La pintura es absolutamente matemática y se podría
hacer con una regla.
e. Colores + blanco y negro. Intenta deshacerse de cualquier cosa que puede evocar a
la naturaleza y por ello se intenta utilizar el mínimo.
f. Es una pintura fría, sin embargo, en realidad hay cierto misticismo y no es tan así:
Asocia la verticalidad con líneas más próximas y más frías. Las líneas verticales
visualmente se acercan respecto a las horizontales.

Mondrian: pasa por todos los movimientos artísticos desde finales del x.XIX. Para llegar
a la composición del principio, pasa por el fauvismo (árbol Rojo, 1908), lo va
geometrizando (Arbol gris), geometriza un poco más Árboles en Blossom, hasta que
llega a Cuadro nº2 (1921-1925). Se imita un montón en zapatillas de Nike, uñas,
vestidos de Yves Saint Laurent…

La pintura para Mondrian debe ser PURA, no debe tener ningun tipo de connotación
irracional o sentimental en la pintura.

▪ Broadway Boogie-Woogie: homenaje a esas noches de baile de Nueva York

que le permite salir a bailar boogie, que le encanta.
o Modelo de casa de artista. De otros dos artistas. El movimiento abstracto
geométrico se puede trasladar a la arquitectura.
o Rietveld: Silla roja y azul y casa Schröder. Se pueden plasmar también muebles en
la realidad y crear espacios diáfanos de muebles y forma de la casa también.

FUTURISMO
Se da en Rusia y en Italia, pero nos centraremos en Italia. Se da de manera paralela al movimiento
cubista, por lo que también encontramos descomposición en planos, fragmentación… El padre es
Marinneti. El dinamismo y la velocidad son las características básicas de este movimiento.

Lo que va a aparecer es ese dinamismo y movimiento, interesándose sobre todo por los inventos del
siglo XX. El ser humano no les interesa para nada.

En la frase de Marinetti: es mas bello el rugido de un motor que… se condensa el espíritu del
futurismo. Se pretende que siga siendo un movimiento moderno, ya que sus fundadores tenían como
unos 30 años, y justamente las características que tiene un joven se trasladarían a este movimiento.

Su idea no es que las obras permanezcan en el tiempo, sino que es absolutamente salvaje y brutal
porque una de las características del movimiento

Se rechaza el movimiento futurista porque se relaciona con el fascismo de Mussolini. Si lo

despojamos de esa cuestión política (si no lo hacemos perdemos esa esencia de los movimientos de
vanguardia y la característica de que busca estudiar la velocidad y el dinamismo), hasta para
Mussolini Marinetti estaba demasiado loco, con lo que lo expulsó de su partido. Él entonces creó su
propio partido: el Partido Futurista Italiano.

Rechazan frontalmente el romanticismo alemán, asícomo una ciudad como Venecia, a la que ellos
dicen que deberían bombardear y acabar con ella.

Si nos atenemos solo a la pintura, se avanzan directamente al s.XX. Utilizan también la publicidad en
beneficio propio, ya que cuando organizaron una exposición de arte, la manera de anunciarse es
tirando octavillas en las propias ciudades. Utilizan ese rechazo, esa violencia en beneficio propio.

- Ciudad que asciende Umberto Boccioni (1910): el caballo que se muestra está en pleno
movimiento y evolución, además hay que tener e cuenta lo que representa: juventud y
 fuerza. La figura humana intenta coger ese caballo, y detrás hay un edificio en construcción.
Para expresar velocidad, utiliza pinceladas rápidas, y mezcla marrón y azul. Utiliza el
dinamismo de forma violenta.

El futuro está en los coches, en la luz eléctrica, en los trenes… y eso intenta reflejar en los
cuadros. El futuro no son los caballos, por ejemplo.

- Tumulto en la galería Umberto Boccioni (1910): El protagonista de este cuadro es la luz que
emana de la galería y las personas que se dirigen a ella, como moscas a la luz. “es más bella
la luz eléctrica que la luz de la luna” (Marinneti).
- La ciudad se levanta Umberto Boccioni (1910): momento en el que la ciudad se está
poniendo en marcha, tanto el movimiento, como el sonido, las luces… Lo vuelve a
representar a través del caballo.
- Materia Umberto Boccioni (1912): es su madre. descompone el cuadro en planos como si
fuera la geometrización del cubismo. Hay haces de luz que iluminan el rostro. Aunque esté
sentado se le representa en movimiento, porque toda materia tiene movimiento, aunque
esté en reposos.
- Dinamismo de una bicicleta Umberto Boccioni (1913): intenta plasmar el haz que deja el
propio ciclista con su movimiento. Las ruedas casi que se convierten en rayos, y traslada el
dinamismo descomponiendo en planos. Descompondrá hasta los músculos.
- Dinamismo de un jugador de fútbol Umberto Boccioni (1913): intenta plasmar el
dinamismo de los músculos de un jugador de fútbol dividiéndolo en planos.
- Formas únicas de continuidad en el espacio Umberto Boccioni (1913): una composición
escultórica futurista tendrá en sí misma los maravillosos elementos matemáticos y
geométricos que componen los objetos de nuestro tiempo.
- Dinamismo de la cabeza de un hombre Umberto Boccioni (1913): descompone
geométricamente el propio rostro para dar la sensación de movimiento de lado a lado de la
cabeza.
- El entierro del anarquista Galli Carlo Carrà (1910) ex: se muestra una pelea en una masa
informe roja, puro movimiento de una masa informe de gente luchando, de colores rojos y
negros para transmitir sensaciones de muerte y lucha (sangre).
- Lámpara. Estudio de la luz Giacomo Balla (1909): el protagonista es la luna y la luz eléctrica.
La luna es el contraste entre el símbolo romántico por excelencia que ha sido la luna en el
romanticismo en cuadros, poemas… con la bombilla, a la que pretenden situar en lugar de
la luna. Ponen la bombilla en el centro porque es mucho más importante, representa el
futuro y la evolución. Es un canto a la luz eléctrica.
- Dinamismo de perro con correa Umberto Boccioni (1912) ex: el cuadro nos hace ver todo
desde otro punto de vista: el del perro. Se plasma todo el circuito que recorre el movimiento
de la cadena, las patas del perro, las faldas…
- La revuelta Luigi Russolo (1911).
- Síntesi delle comunicazioni Bendetta Cappa (1933-34): hay una respuesta contundente de
la mujer futurista a los textos de Marinneti, absolutamente machistas. No hay ni una sola
diferencia técnica en los cuadros futuristas de mujeres y hombres. Esta artista se centró en
plasmar los medios de comunicación de transporte en diferentes cuadros (aviones, redes
telefónicas, marítimas…)
- La ciudad futura Antonio Sant d’Elia 1914: plasmación muy similar a la actualidad de una
ciudad utópica.
- Paraván Giacomo Balla: y en otros cuadros más, diseñó mobiliario, siempre jugando con el
movimiento en sus estampados, formas etc.
 - Fortunato Depero: fue el artífice de toda la publicidad de Campari hasta la Actualidad.
Depero tmb es publicista. También hizo la publicidad de Fiat.

DADA

Es un movimiento artístico y antiartístico, literario y antiliterario… es la ruptura de todo lo realizado

hasta ahora. A partir de ellos, nada será igual, ya que vamos a elevar a arte a cualquier cosa, por la
concepción del autor y la del espectador.

Sin el movimiento cubista el Pop Art no se puede entender,

La Sopa de Cambell

Kurt Schwitters. Construcción Merz: Lo deshecho se recupera para reconstruir algo nuevo.

- 1 A o El Alienista: el cuadro se convierte en la construcción de un rostro mediante colillas,

cremalleras…

Marcel Duchamp. Rompe con la concepción de la propia obra de arte. Ensambla objetos tan
dispares como una rueda de bicicleta y un taburete, consiguiendo que se pierda el propósito
original de los mismos y que puedan ser utilizados como se pensaba.

- La fuente (1917): ese objeto lo descubrió la condesa dadaísta. Es un orinario que firmaron
con el nombre de otro artista por una apuesta hasta que se descubrió que había sido
intención de Duchamp y ya se llevó a los museos.
- Elle a chaud au cul: ella tiene el culo caliente (la mona lisa)
- Rrose Sélavy: se disfraza de mujeres

Man Ray

- Regalo: una plancha con pinchos, es una serie en la que sólo cambia el número de pinchos
en la plancha. No puede utilizarse la plancha porque rasgaríamos la ropa. Los pinchos
también rompen con lo que se considera arte.
- Metrónomo (objeto indestructible)

Parade Amoureuse: relación amorosa simbñolica a partir de la representación de unas máquinas

Raoul Hausmann El crítico de arte: mediante la representación que realiza expresa que estas
personas no tienen cabeza, no pueden abrir ni su mente ni visión. En la lengua tiene una lengua
viperina. Hay como rejillas también en la boca y ojos para expresar lo mencionado. Es critica a un
crítico que criticó a Schwitters por decirle que no estaba haciendo arte ensamblando deshechos.
Hausmann lo acusa de venderse a los periódicos y de escribir lo que ellos quieran con el lápiz que
sostiene en su mano.

Imagen Dadá: dada se respira, se siente… es un modo de vida.

Surrealismo

Es el epígono de todas las vanguardias artísticas de los movimientos artísticos de la primera mitad
del siglo XX. Recoge todas las características de movimientos anteriores, por lo que es como el
resumen. Hay arquitectura, escritura, pintura…

Se basa en lo onírico, lo fantasioso… ya que los artistas plasman sus sueños, pensamientos…
Además, es uno de los movimientos más utilizados en publi.
En Latinoamérica, sobre todo en Méjico, surge muy fuerte para después expandirse por el mundo.
Tiene también un componente reivindicativo.

Dalí. Se retrata en todos sus cuadros. Plasma absolutamente todo su mundo interior, sueños,
locuras, percepciones… como vehículo para exorcizar su propio interior.

- Jirafa en llamas: se referencia directamente en un anuncio de Volskwagen. Sus diseños

también se aplicaron en diseño industrial con el montaje de una cajonera.
- La persistencia de la memoria: los relojes cayendo, en Lexus. Los relojes recuerdan a la
consistencia de los huevos fritos, refleja el paso del tiempo.
- Chupa Chups: dalídiseña el logo de la marca en forma de margarita.
- Teléfono langosta: juega a través del movimiento dadá. También utilizó el diseño de la
langusta Prada en un vestido.

Elsa Schiaparelli

- Ropa que juega con el juego de la percepción.

Magritte: nos muestra como nuestras percepciones y sentidos nos engañan.

- Esto no es una pipa.

- El hijo del hombre: simbología de la manzana en la cara del hombre que recoge el origen
del ser humano cristiano, se utilizó por Apple.
- El falso espejo: cielo en el iris de un ojo. Se supone que vemos la realidad a través de un
ojo (el ojo es el espejo del alma, que todo lo que vemos es la verdad), pero nuestros ojos
también nos pueden engañar. Cada uno percibimos una cosa y no tiene por qué ser real.
- La condición humana: en el arco se vislumbran dos planos, uno es el mar, pero hay otro
que es el lienzo de al lado que también plasma el mar, dando una sensación de
continuidad y en la que no se llega a saber donde empieza y acaba. En realidad, la pintura
es plana, por lo que no hay dos planos.

Jacques- Louis David

Retratar la persona de un antiguo cuadro en la actualidad es retratarla muerta porque asíes como
está en la actualidad.

Meret Oppenheim

- Mesa con pájaro: visualmente da la sensación de que se va a mover.

Remedios Varo: Hizo publi para la casa Valle. Se le pidieron una serie de dibujos para publicitar una
serie de medicamentos. Los medicamentos que trataran enfermedades sexuales o de regla
deberían ser tratadas de forma simbólica y no muy llamativa… consideró a estos primeros encargos
que le dieron de comer como no tan importantes (aunque estuviesen absolutamente al mismo
nivel que el de cualquier otro de este movmienot) con su segundo apellido. Se tuvo que exiliar en la
segunda guerra mundial.

- Dolor Reumático I y II: En el primero la mujer, con un cuchillo clavado en su espalda y

atada en una columna, no puede moverse. Transmite dolor e impotencia por no poder
moverse. Además, la mujer viste de fiesta y con el pelo suelta, representando como su
libertad está atada al reuma.
En el segundo salen unas vendas de la mujer, y a través de esas vendas caen del cielo
tormentoso (dolor, sufrimiento, tristeza, paralización…) llueven alfileres que transmiten el
dolor.
 - Vanidad: mujer arreglada se mira a través de un espejo. Referencia a la madrastra de la
Bella Durmiente y el espejito. Hay unas raíces que atan a la mujer. Anuncian una
medicación contra una ITS, dando a la idea de que son las mujeres las responsables de
estas enfermedades.
- Tailleur pour Dames: ella se hacía su propia ropa al no tener dinero. Denuncia a través del
cuadro que los modistas no saben como es realmente el cuerpo de una mujer, buscando
expresar que todas tenemos más o menos el mismo cuerpo. Hay una mujer sentada que se
transmuta en dos mujeres más. Y después hay tres mujeres que van vestidas diferentes. La
primera de ella va con un traje barca, perfecto si hay lluvia porque te permite ir hacia casa.
El segundo es el traje bandeja, que lleva una bandeja incorporada para los días de
quedadas. Hay otro traje que representa una serpiente, lleva incorporado veneno porque
las mujeres matan sin dejar sangre, es más cómodo y práctico.
- Mujer saliendo del psicoanalista. Se plasman diferentes caras en su traje, tirando la cabeza
del padre, porque la mayoría de mujeres artistas surrealistas pudieron entrar gracias a
manos masculinas. Para hacerse un nombre, hay que deshacerse de ello.

Leonora Carrington

- Letanía de los filósofos

- Mujeres conciencia: árbol de la sabiduría y figura de eva, mucho más independiente.

ADIOS JUNCAL

HOLA JOAN jfeliu@uji.es

3 condiciones para una obra de arte

- Artificialidad: algo que ha sido manipulado por la mano del hombre, creación
exclusivamente humana.
- Ú nico: cuando aquella persona que lo crea controla y decide la producción que hace.
Siempre que decida el creador, la obra es única, incluso si deciden hacerse varias copias del
mismo cuadro. Hacer copias sin permiso es ilegal, plagio.
- Artisticidad: para que algo sea arte, tiene que ser artístico, cuando funciona como un
lenguaje. Hay un emisor, medio (el cuadro) y receptor. Cuando el receptor siente que el
cuadro le comunica algo, hay arte. Si yo soy emisor-receptor al mismo tiempo, también se
produce la artisticidad.
El problema es que no todo es arte para todo el mundo. Cada uno desde su individualidad
decide qué es arte.

La necesidad de crear arte tiene que ver con la evolución de nuestro cerebro, que se distingue del de
los animales. Creamos arte porque sabemos que vamos a morir y necesitamos crear cosas que
testimonien nuestro paso por el mundo. Por eso también se intenta conservar el arte en la medida
de lo posible, y acudir a museos el gusto por el arte es biológico.

CRÍTICA DE UNA OBRA DE ARTE. EL DÍA 15 no vendrá, dejará en recepción un listado de los alumnos
de esta clase para que podamos ir.

Escoger una obra de arte. Que la podáis ver en la realidad. Puede ser de Marte, Mindoro, de Aulas,
del museo de Vilafamés… si no es ninguna de esas incluso podemos elegir una obra de la uji,
escultura… le dedicamos 10 minutos a verla, sin hacer nada más. Cuando nos vayamos, nos anotamos
en qué estamos pensando y cómo hemos llegado a pensar lo que pensamos en esos 10 minutos. Se
trata de retroceder el pensamiento hacia atrás. Pj: yo he llegado a pensar en Homer Simpson porque
mientras veía el cuadro me acordé de una canción de noseque…