La Música Clásica:

una nueva estética

 ¿Por qué una nueva estética?
Porque la tradición de la música clásica propone,
desde el punto de vista estético y formal:
 Simetría en el lenguaje y en las formas.

 Lenguaje más moderado desde el punto de vista

expresivo.
 La música debía ser agradable, sencilla y alegre,
como reflejo del esplendor de las cortes y de los
nobles que la patrocinaban.
 Se deja de lado la teoría de los afectos del

Barroco en busca de un lenguaje más

impersonal y universal.
 El Siglo XVIII: La era del Clasicismo
(Panorama histórico-social)
El término Clasicismo
se utiliza para referirse
al momento histórico
que siguió al Barroco,
es decir, corresponde
al siglo XVIII, un
momento en el que se
impuso la estética de
los antiguos griegos y
romanos y la del
Renacimiento más
clásico.
Los períodos más importantes en el
pensamiento y en el arte occidental en los que
se siguieron los principios estilísticos y
estéticos del arte y la literatura de la
antigüedad griega o romana fueron el
Renacimiento y la Ilustración, dos épocas
especialmente ricas en Francia.
Allí se desarrolló un clasicismo literario
ejemplificado en las obras de escritores como
Pierre Corneille y Jean-Baptiste Racine y
filósofos como René Descartes y Blaise
Pascal.
 Panorama histórico-social del
Siglo XVIII: La Ilustración
Sus primeros líderes fueron
Locke y Hume en Inglaterra,
Montesquieu y Voltaire en
Francia. Otras grandes figuras
de la Ilustración europea
asociadas con el clasicismo
son los escritores ingleses
John Dryden y Alexander
Pope, y los poetas alemanes
Johann Wolfgang von Goethe
y Friedrich von Schiller.
 La Ilustración fue tan
humanitaria como cosmopolita
Los ideales
humanitarios de
igualdad y
fraternidad se
encarnaron en la
francmasonería,
de la que
participaran
Goethe y Mozart.
 En el Siglo XVIII se inició un proceso de
popularización del arte y de la enseñanza
 La filosofía, la ciencia, la literatura y las artes
comenzaron a tomar en cuenta al público en
general y no solamente a los conocedores.
 Aumentó considerablemente la impresión de
partituras, dirigidas al público aficionado.
 Comenzó a haber periodismo musical.
 Floreció el estilo de escritura en prosa.
 La música debía eludir las complejidades
contrapuntísticas: debía agradar y conmover.
 A lo largo de los siglos XVII y XVIII, conceptos
como imitación y naturaleza varían de un extremo
al otro y adquieren, incluso, valores opuestos.
Siglo XVII: naturaleza e razón y verdad
imitación e embellecer y hacer más
agradable la verdad racional

Siglo XVIII: naturaleza e sentimiento, esponta-

neidad y expresividad
imitación e coherencia y verdad
dramática, el vínculo que
debe mantener el arte
con la realidad
SIGLO XVII
 El arte se asimila al conocimiento y se presenta
como un tipo de verdad placentera, pero inferior
por carecer del rigor científico.
 Por eso se concibe al arte como una agradable imitación
de la naturaleza-razón-verdad, especialmente a través de
la poesía.
SIGLO XVIII
 Toma un gran auge la racionalidad, dada sobre
todo a partir del desarrollo de la medicina y de las
ciencias naturales, en un intento por observar y
comprender la naturaleza.
 La posición empírica que había predominado hasta

ahora, se ve reemplazada por un espíritu de

investigación.
 Gracias a los trabajos que llevaron a incluir la
Música en la Enciclopedia, empieza a vérsele
también desde el punto de vista de la Ciencia.
El ideal musical del Siglo XVIII
 El lenguaje musical debía ser universal y no
verse limitado por fronteras nacionales.
 La música debía ser noble pero entretenida.
 Debía ser expresiva, dentro de los límites del
decoro.
 Debía ser «natural», es decir espontánea,
despojada de complicaciones técnicas
innecesarias.
 Debía ser susceptible de gustar de inmediato
a cualquier oyente normalmente sensible.
El Rococó
Se ha denominado así
a la estética heredada
del Barroco,
relacionándola con
las ornamentaciones
refinadas propias del
estilo arquitectónico
que lleva este
nombre.
El estilo rococó usa gran
cantidad de formas como
hojas, conchas, rocas y
arabescos curvados. La
palabra rococó viene del
francés «rocaille» (trabajo
labrado en forma de roca o
de ostra). También puede
verse este estilo en el
diseño de interiores y en el
mobiliario de la época.
 Otros términos relacionados con la
música del Siglo XVIII
 El francés galant, usado para lo que se consideró
como moderno, elegante, uniforme, exquisito y
civilizado. En la música se llamó estilo galante al
uso de frases cortas que formaban períodos más
largos, con una armonía sencilla.
 Se usaron los términos alemanes Empfindsamer
Stil o Empfindsamkeit (estilo sentimental, o
sentimentalismo o sensiblería) para referirse a la
melancolía refinada y apasionada propia de
algunos movimientos lentos.
 La música del Clasicismo se
caracteriza por el interés por los
timbres de los Instrumentos
 Gracias al interés por los timbres de los
instrumentos, se perfeccionan la
orquesta y el cuarteto de cuerdas.
 Se desarrollaron géneros como la
Sinfonía, el Concierto y diferentes
formatos de música de cámara, de los
cuales el más importante sería el
Cuarteto de Cuerdas.
 La orquesta moderna (Siglo XVIII)
Inicialmente la Orquesta se
componía de cuerdas y
algunas maderas. Más
adelante se usaría un par de
timbales como única
percusión.
Se escribieron obras para
orquesta con tres o cuatro
movimientos contrastantes,
a las que se llamó Sinfonías.
La existencia de la Orquesta
permitió también la escritura
de obras para esta
agrupación e Instrumento
Solista, llamadas Conciertos.
 La Sinfonía Preclásica
Es una obra para orquesta compuesta en tres
movimientos, siguiendo por una parte el modelo
de las sinfonías del Barroco (piezas que servían
para abrir obras grandes como óperas, oratorios
y suites), y por otro el desarrollo de la forma
propia de las sonatas preclásicas para teclado
(como las de Domenico Scarlatti o Antonio
Soler). Se encuentran buenos ejemplos en el
repertorio de la Orquesta de Mannheim, como
las sinfonías de Johann y Karl Stamitz.
La Escuela de Mannheim
Hacia el año 1740, la Sinfonía se
había convertido en el principal
género de la música orquestal.
Mannheim, Berlín y Viena
habían surgido como los más
importantes centros de
composición.
El violinista checo Johann
Stamitz hizo de la orquesta de la
corte de Mannheim la más
importante de Europa por su
gran nivel y brillantez. Utilizó
en sus sinfonías el esquema de
cuatro movimientos y la forma
sonata.
 El Concierto para Solista y Orquesta
Con Vivaldi en el Barroco,
se estandarizó el Concierto
como una obra para un
instrumento solista y
orquesta escrita en tres
movimientos: rápido, lento,
rápido. En el Clasicismo, el
primero adoptaría la forma
sonata, el segundo tendría
forma ABA y el tercero
forma de minueto y,
posteriormente, también de
rondó.
Música de Cámara
Este repertorio se componía
de obras escritas para
ocasiones más informales.
Dichas obras tenían cinco o
más movimientos, algunos
con ritmos de danza.
El cuarteto de cuerdas fue
desarrollado por el
compositor Franz Xaver
Richter (1709-1789) y
adoptó la estructura de la
sinfonía.
Su instrumentación consta
de dos violines, una viola y
un violonchelo.
 La Sonata
Obra escrita en tres o cuatro
movimientos para uno o dos
instrumentos solistas.
Aunque se desarrolló en el
Barroco, durante el
Clasicismo alcanzó nuevos
niveles de desarrollo, por
cuanto fue incorporando la
evolución en el lenguaje
musical a partir de la
propuestas de compositores
como Soler, D. Scarlatti,
Wagenseil, Haydn, Mozart
y Clementi.
Poco a poco las sonatas
fueron incorporando una
forma similar a la del
concierto, aunque una forma
predilecta para el segundo
movimiento fue la de tema
con variaciones. Las sonatas
para teclado aportaron
también un desarrollo en la
técnica de ejecución, de la
cual se benefició
grandemente el fortepiano,
antecesor inmediato de
nuestro piano actual.