Valor tonal: Luces y sombras en

la pintura para lograr cuadros

realistas

¿Alguna vez has sentido que a tus cuadros les falta algo?, ¿Has sentido que no logras darle
el volumen adecuado a los objetos?, ¿Sientes que la imagen se ve demasiado plana y no
tan realista como esperabas?, ¿no sabes cómo dar buenas luces y sombras a tus obras?.
Te cuento que es muy normal cuando estamos comenzando a pintar, y a mi me pasó también,
pero una vez descubrí lo que te voy  a contar a continuación, la calidad de mis pinturas
mejoraron notablemente, fue como descubrir uno de los mayores secretos de la pintura, esto
marcó un antes y un después en mi aprendizaje. Espero que a ti también te sea muy útil.

Valor tonal: una característica clave

en la pintura
Una de las características más importantes de una buena pintura es el contraste entre las zonas
de luces, sombras y medios tonos, pues se vuelve atractiva a la mirada humana capturando
su atención.
Esta característica llamada valor o valor tonal es por lo general incluso más relevante que
el matiz en sí del color, a menos de que se trate de una obra colorista bien ejecutada, como te
comentaré más adelante, y su gran importancia radica en los efectos que proporciona:

 Crear la tridimensionalidad o volumen de las formas

 Destacar el centro de interés en la obra
 Crear la sensación de profundidad y distancias
 Indicar de forma coherente la dirección de la luz y formación de sombras
 Crear la ruta que debe seguir el ojo del observador
 Crear una sensación en la obra (por ejemplo misterio, calma, alegría, tristeza, etc.)

Los bocetos y estudios del artista

Dada la importancia del valor tonal, muchos artistas hacen primero un estudio en blanco y
negro del objeto de la obra, para determinar las sombras, luces y medios tonos, y ajustarlos
según sus necesidades para crear mayor interés, para realzar la imagen, simplificarlo  o lograr
un efecto determinado.
En un estudio de los valores, no tienes que preocuparte de colores ni detalles, sino
prácticamente de las masas y el grado de oscuridad o luminosidad que tienen. Aunque parece
un trabajo en exceso, le ahorra al artista profesional mucho tiempo de retoques y correcciones
luego de que la obra está en marcha, y le ayuda a obtener mejores resultados.  Este bosquejo
no necesariamente tiene que ser con pintura, generalmente es con lápiz o carboncillo.

Una primera capa en blanco y negro: la grisalla

Quizás hayas oído hablar de la pintura en grisalla, muy útil y popular entre muchos artistas
clásicos realistas. Se trata de pintar las primeras capas de la obra en escalas de grises, o
también en otras escalas monocromáticas, como las hechas con colores tierra, o un tono verde
llamado Verdaccio.  Este paso te ayuda a lograr efectos de profundidad y luminosidad en la
obra así como evaluar correctamente los valores tonales, lo que te permite plantear “el mapa
de la obra” en una capa inicial que servirá de base para adecuar los valores de los colores en
las capas siguientes. Veamos el ejemplo que vimos en el artículo sobre la artista Rusa Olga
Rybakova.

Capa muerta o grisalla

Si vas a pintar a partir de una foto, te será muy útil hacer una copia o impresión de la imagen
en blanco y negro para evaluar mejor los valores tonales al separar el aspecto del color.
 

Pintores tonalistas (valoristas) y pintores

coloristas
Algunos de mis lectores gustan de las obras impresionistas, fauvistas, naif, etc, en donde el
color juega un papel muy importante y determinante, como en las obras de Vincent Van
Gogh, Cezanne, Monet, etc. A este tipo de pintores se les llama “coloristas”, y tienden a
realizar obras con un estilo más espontáneo, no se preocupan demasiado por el aspecto del
valor, volúmenes o realismo, sino por un buen contraste, armonía, matices intensos y
aprovechamiento del color.
La Habitacion de Vincent Van Gogh 1888 1889
Por su parte, los “tonalistas o valoristas” son los que hacen énfasis en un buen contraste de
luces y sombras para hacer resaltar su obra y darle personalidad. Las obras realistas tienden
usualmente a hacer uso del valorismo.  Aquí encontramos desde los pintores de la antigüedad
como Jan Van Eyck, Robert Campin, Roger Van Der Weyden, Rembrandt, Vermeer, Rubens,
Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Botticelli, Raphael, etc., hasta muchísimos pintores de la
actualidad.
Rembrandt fue uno de los artistas clásicos que más uso hizo del contraste entre luces y
sombras, en la técnica llamada claroscuro, lo que le permitía hacer efectos más dramáticos en
sus obras y resaltar puntos clave en ellas.

“Filósofo meditando” – Rembrandt (1632)

Igualmente hay artistas que con gran talento saben combinar ambas expresiones, pintando
maravillosas obras con llamativos colores y riqueza tonal.
En el siguiente ejemplo, puedes ver que lo que define la obra no es en sí los colores, ni el tipo
de pinceladas, que pueden distar incluso mucho de lo que se consideraría “realista”, pero que
por lo claro u oscuro que se ponga el color, se van definiendo las sombras y luces que
originan las formas y su volumen.

Obra de la Artista Peihang Huang. A la derecha obra original, a la izquierda  en blanco y
negro, demostrando que no es el color el que define las formas sino su valor tonal

Que la vista no te engañe: Contraste

simultáneo
Uno de los fenómenos ópticos que pueden influirte a la hora de preparar las mezclas es el
llamado Contraste simultáneo, el cual es un cambio de percepción del color según los
adyacentes que tiene, lo que puede hacer que nos equivoquemos al juzgar determinado color y
preparar la mezcla erróneamente.
El contraste simultáneo se da tanto en el valor, como en el matiz y la intensidad. En este
artículo sólo te hablaré del relacionado con el valor.

Contraste simultáneo de valor

Se produce un cambio en la percepción del color cuando se rodea de otro más claro o más
oscuro que este. Si se rodea de un color más claro, el contraste hará que se vea más oscuro, si
le rodea un color más oscuro hará que se vea más claro.
Por ejemplo si tenemos una mancha de chocolate en una camisa blanca: es muy notorio, llama
más la atención y nos daremos cuenta de que ahí está la mancha, porque el oscuro del
chocolate se hace notar más con el fondo blanco de la camisa.  Pero si por ejemplo cae sobre
una camisa roja oscura, o un azul oscuro, pues quizá tengamos la suerte de que pase un
inadvertida, que no sea tan dramática la situación, pues el café oscuro del chocolate no
resaltará tanto.
En la siguiente imagen, podrás verlo con más claridad. El cuadrado gris que está sobre la zona
blanca se ve de un valor más oscuro que el que está sobre la zona negra. Sin embargo, como
vemos en la parte de abajo, si aislamos todos los cuadrados grises para verlos en un fondo
igual (en este caso blanco), comprobaremos que todos tienen exactamente igual valor tonal.

 
Cuando se trata de evaluar el valor tonal en otros colores, se complica un poco más, pues
además de variar el grado de luminosidad, será notoria la variación en la intensidad (grado de
viveza) e incluso el matiz (o color en sí), tal como lo puedes ver en los siguientes ejemplos: 

¿Y cómo evaluar correctamente el

valor tonal de un color sin dejarnos
engañar?
Para superar este obstáculo que los misterios de la luz en
el color nos presentan, podemos recurrir a una
herramienta muy sencilla que ha sido utilizada por
numerosos artistas. Esta herramienta es la “Escala de
valores tonales para los grises”, y nos ayudará a evaluar
correctamente el valor de un color para determinar mejor
las luces, sombras, tonos y medios tonos, logrando una
pintura más realista.
Dada la importancia que merece, y para no hacer muy
larga la lectura de este artículo, te explicaré más sobre la
Escala de grises en el siguiente artículo: “Evaluando el
valor tonal en la pintura con una escala de grises “, allí  te
enseñaré cómo la puedes conseguir o hacer de forma
casera, y el secreto para utilizarla.