CARTILLA DE ARTISTICA

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 OBJETIVOS

Desarrollar un Programa de Educación Artística y cultural que fomente en los niños

y jóvenes, la apropiación de conceptos del arte desde la apreciación y la creación,
como manifestación de sus habilidades de pensamiento creativo, critico, reflexivo y
el cultivo de la inteligencia emocional, en torno a valores culturales que permitan la
participación ciudadana desde una postura transformadora de su realidad con
prácticas artísticas y culturales tanto individuales como colectivas.
 Índice
Historia del arte…………………………………………………………………………………………………………….1
El plano……………………………………………………………………………………………………………………………..3
La yuxtaposición del color…………………………………………………………………………………….………5
El tono, matiz o tonalidad………………………………………………………………………………………….….7
La textura………………………………………………………………………………………………………………………..9
Forma artística……………………………………………………………………………………………………………….11
La transparencia………………………………………………………………………………………………………….….13
El dibujo del volumen……………………………………………………………………………………………………..15
El claroscuro…………………………………………………………………………………………………………………….17
El arte egipcio………………………………………………………………………………………………………………….19
El arte griego……………….………………………………………………………………………………………………….21
La línea……………………………………………………………………………………………………………………………...25
El puntillismo…………………………………………………………………………………………………………………….29
La perspectiva………………………………………………………………………………………………………………….32
Collage……………………………………………………………………………………………………………………………….37
El boceto………………………………………………………………………………………………………………………..…39
Dibujo del rostro…………………………………………………………………………………………………………….41
Formato tríptico……………………………………………………………………………………………………………..47
La imagen publicitaria…………………………………………………………………………………………………….49
Origami……………………………………………………………………………………………………………………………..51
El arte contemporáneo: Cubismo………………………………………………………………………………….53
El surrealismo…………………………………………………………………………………………………………………..55
Abstracción biomorfica y mecanomorfa…………………………………………………………………….57
Neoplasticismo y suprematismo…………………………………………………………………………………..59
 LA HISTORIA DEL ARTE
La historia del arte es una disciplina académica dentro de las ciencias sociales. Su objeto de estudio son las obras artísticas
dentro su contexto histórico y sus artistas.

Las más frecuentes de estudiar son las artes visuales: pintura, escultura y arquitectura. Otras artes son estudiadas dentro de
disciplinas más específicas como historia de la música o historia de la literatura. Dentro de la historia del arte hay dos
conceptos altamente relacionados: la estética y la teoría del arte. Esta última se centra en describir las obras artísticas,
empezando por valorar qué es una obra de arte y que no.

La historia del arte clasifica las obras de acuerdo a su momento de creación, para ello cuenta con periodos temporales que han
denominado de la siguiente manera:

Edad Antigua (3100 a.C-800 d.C)

Este periodo comienza con el descubrimiento de la escritura. Las zonas donde se han encontrado restos artísticos incluyen la
zona de Mesopotamia (actualmente Siria e Irak), la América precolombina, África y por supuesto, las áreas del arte antiguo
clásico: Grecia y Roma.

Edad Medieval (800-1450)

El arte medieval corresponde con un amplio periodo que ha visto la evolución de las artes en la sociedad. Durante la Alta Edad
Media las artes eran considerados oficios de poca calidad pero cuando éstas tuvieron su época de mayor esplendor gracias a
movimientos como el románico o el gótico, los artistas pasaron a ser los impulsores de las Bellas Artes y con ello ganaron más
reconocimiento

Edad Moderna (1450-1789)

Se caracteriza por los grandes movimientos artísticos del Renacimiento y el Barroco. Algunas de las obras más conocidas e
importantes actualmente pertenecen a ésta época, como La Gioconda de Leonardo Da Vinci o La Capilla Sixtina de Miguel Ángel.

Edad Contemporánea (1789-presente)

En este periodo podemos distinguir los siguientes siglos:

 Siglo XIX: Conocido como la época Romántica, que fue la precursora de los artistas impresionistas y
postimpresionistas.

 Siglo XX: Característico por las Vanguardias. Movimientos artísticos de poca duración y distintos entre sí. Algunas de
las Vanguardias más conocidas son el Cubismo, el Expresionismo o el Surrealismo. Durante este siglo también se
desarrolló el famoso Pop-art cuyo principal exponente era Andy Warhol.
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EL PLANO
El punto, la línea, el plano, la textura y el color son los elementos básicos para
representar las formas. Se pueden utilizar de forma plana: dibujos, pinturas y
diseños gráficos, o también se pueden usar en el espacio: escultura, arquitectura,
cine, ordenador, vídeo. Además existen dos elementos básicos
más textura y color
Observamos la textura de trama de puntos producida al ampliar mucho la imagen y
todos los elementos se pueden usar con diferentes colores.

El plano se define como una superficie de dos dimensiones. Los podemos representar
mediante una línea de contorno, mediante una forma con color pero sin línea de
contorno, o también mediante una forma o superficie con textura.
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Realiza el plano teniendo en cuenta lo anterior 4

LA YUXTAPOSICIÓN DEL COLOR

Se denomina así a la manera de mezclar el color, pero diferente a la superposición.

Yuxtaponer significa poner a un lado. En este caso ponemos un color primario al lado del otro
generando la sensación de la mezcla sin que se logre físicamente, es el ojo humano el que termina
la tarea.
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 EL TONO, MATIZ O TONALIDAD

Es una de las propiedades o cualidades fundamentales en la propiedad de un color, definido

técnicamente, como «el grado en el cual un estímulo puede ser descrito como similar o diferente
de los estímulos como rojo, amarillo y azul». Se refiere a la propiedad en los aspectos
cualitativamente diferentes de la experiencia de color que tienen relación con diferencias
de longitudes de onda o con mezclas de diferentes longitudes de onda. Es el estado puro del
color, sin mezcla de blanco o negro y, junto a la luminosidad y la saturación, una de las tres
características psicofísicas del color.

Existe una alta correlación entre longitud de onda y tono, tal como aparece en el arco iris. Estos
colores forman parte del grupo de colores espectrales, los relacionados con una longitud de
onda determinada. Mientras que los colores no espectrales serían los no relacionados con una
longitud de onda determinada (como los púrpuras y morados). Sólo pueden obtenerse mediante
la mezcla de dos o más luces monocromáticas.

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Colorea cambiando de tono desde derecha a izquierda usando la luz.

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 LA TEXTURA
En pintura hace referencia a la agregación de materiales que se percibe como variaciones o irregularidades
en una superficie continua. La función de tales texturas es proporcionar realismo a la obra, hacerla creíble y
lograr sensaciones en los espacios que observamos; como si el artista tratara de desafiar el sentido común.

La textura de la pintura es aquella que da forma y volumen a distintos tipos de creaciones artísticas
plasmados en un lienzo o papel. Puede haber varias escalas para clasificar la textura como el relieve, las
líneas, la forma en que se expresa la pintura, etc.

La textura es un atributo táctil, es lo perceptible a través del sentido del tacto. Más allá de la impronta
visual. Forma parte del lenguaje de la pintura, en el sentido del carácter del discurso. Comienza por la textura
del propio lienzo, la calidad del hilo el número de su entramado.

Un lienzo fuerte, grueso reclama texturas sólidas, resueltas, decididas. Reclama trabajo con la espátula y
pinceles de cerdas duras, eso no se haría con un entramado de lino donde los pinceles de abanico y pelo de
marta dejan apenas su huella perceptible.

Muchas cosas se han utilizado en la pintura para crear efectos de textura desde la aplicación de tierras,
arena y pigmentos gruesos mezclados con el óleo, hasta emulsiones de cera, objetos de papel, cartón, madera,
buscando ya abandonar el plano dimensional se adentran por derecho propio en el campo de la escultura.

La textura nace en la pintura por la necesidad de plantearse una representación perceptible de la realidad y
solo termina en la escultura donde tal cosa es absolutamente posible y definitivamente deseable.

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Crea tu propia imagen usando recursos naturales 10
 FORMA ARTÍSTICA
Es la forma en que se organizan los elementos que constituyen una obra de arte, las "cualidades formales" de
esta. Cada estilo artístico se caracteriza por formas artísticas particulares y distintivas.

Cada arte tiene su propia manera de construir sus formas, y cada género sus propias convenciones formales.

La percepción de la belleza de las formas (subjetiva) es parte fundamental del placer estético; mientras que
el análisis formal (objetivo) es una parte esencial de la crítica de arte y del comentario de las obras de arte
(en ámbitos profesionales y académicos).

El establecimiento de una correspondencia (o en su caso un contraste u oposición) entre forma y fondo (o

forma y contenido, o forma e idea) es un punto crucial en el análisis.

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Crea tu propia obra de arte según tu estilo 12
 LA TRANSPARENCIA
Es la cualidad de transparente de un objeto (que puede verse a través de él, que es evidente o que se deja
adivinar). Puede decirse que un cuerpo presenta transparencia cuando deja pasar la luz.

La transparencia, por lo tanto, es una propiedad óptica de la materia con diversos grados. Suele considerarse
que un material es transparente cuando cumple con la propiedad a la luz visible, ya que con diversas
aplicaciones técnicas (como la luz ultravioleta, la radiación infrarroja o los rayos X) la mayoría de los
materiales exhibe transparencia.

En pocas palabras, podría decirse que un material tiene transparencia cuando la luz natural lo atraviesa y,
por lo tanto, puede verse a través de él.

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Realiza un plano teniendo en cuenta lo anterior 14
 EL DIBUJO DEL VOLUMEN

El volumen es el espacio ocupado por un cuerpo al conocimiento del cual llegamos por medio de la luz y de las
sombras, y que nos permite tener una percepción tridimensional de ese cuerpo o de ese objeto que deseamos
representar en un dibujo o en una pintura. El volumen es, junto con la forma, uno de los aspectos que distingue
a los objetos que nos rodean. Depende de la luz y, por consiguiente, de las sombras que ésta produce. La
definición correcta del volumen de un objeto consiste en valorar exactamente las intensidades de sus
sombras.

Podemos establecer dos clases de sombras: las propias y las proyectadas.

Sombras propias son las que se origina el objeto a sí mismo, y las proyectadas son las que produce en las
superficies vecinas.

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Realiza el volumen 16
 EL CLAROSCURO

Palabra proveniente del italiano chiaroscuro, es una técnica de pintura que consiste en el uso de contrastes
fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos
elementos.

Esta técnica permite crear mayores efectos de relieve y modelado de las formas, a través de la gradación
de tonos lumínicos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del Cinquecento, la
técnica alcanzaría su madurez en el Barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo
llamado tenebrismo.

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Realiza un bodegón utilizando la técnica de claroscuro 18
 EL ARTE EGIPCIO

Reúne lo histórico, lo misterioso y lo mítico de la historia del arte. Esta civilización fue capaz de crear una
arquitectura, una escultura y una pintura de belleza desbordada. Este arte está muy relacionado con el medio
en el que se desarrolla. Destacamos su geografía, que hace de Egipto un lugar de difícil acceso y
comunicaciones, por lo que su arte se ve cerrado a influencias exteriores.

Los materiales que utilizaron también son parte de las características propias del medio. El arte egipcio no
es un arte independiente o autónomo sino que está vinculado continuamente al faraón, es decir a la religión
que existía en la época.

La religión es un factor fundamental de la cultura y el arte egipcio. Se trata de una religión con muchos
dioses, es decir politeísta, pero con tendencia al monoteísmo ya que en cada pequeña región se rendía culto
principalmente a uno y de forma secundaria a los demás. Estas divinidades se representaban como figuras
humanas con algunos símbolos, aunque luego algunos se sincretizan. A veces tienen cabeza de animal y otras
son un animal por completo.

Las formas de expresión de los egipcios están siempre supeditadas a unas normas, se trata de un arte
estereotipado en el que se valora más la precisión y perfección del acabado que la propia originalidad.
Además, este arte tiene un gran sentido mágico y simbólico.

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Realiza 20
 El Arte Griego
Marca un referente para la civilización occidental que perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad son
tenidos como clásicos y los cánones escultóricos y los estilos arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la
historia de Occidente.

PINTURA

Para hablar de la pintura griega es necesario hacer referencia a la cerámica, ya que precisamente en la decoración de ánforas,
platos y vasijas, cuya comercialización era un negocio muy productivo en la antigua Grecia, fue donde pudo desarrollarse este
arte. Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas de ahí la denominación de geométrico que recibe este
primer período (siglos IX y VIII a. C.)- que apenas se destacaban sobre la superficie. Con el correr del tiempo, éstas se fueron
enriqueciendo progresivamente hasta cobrar volumen. Aparecieron, entonces, los primeros dibujos de plantas y animales

ESCULTURA

Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras humanas hechas en materiales muy maleables tales
como la arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período arcaico (siglos VII y VI a. C.) que los griegos comenzaron a trabajar
la piedra. Los motivos más comunes de las primeras obras eran sencillas estatuas de muchachos y muchachas. De formas lisas
y redondeadas, estas figuras plasmaban en la piedra una belleza ideal.

ARQUITECTURA

El templo fue, sin lugar a dudas, uno de los legados más importantes de la arquitectura griega. Era de una forma bastante
simple: una sala rectangular a la que se accedía a través de un pequeño pórtico y cuatro columnas que sostenían un techo. Del
perfeccionamiento de esta forma básica se configuró el templo griego tal y como hoy lo conocemos. En sus comienzos, los
materiales utilizados eran el adobe para los muros y la madera para las columnas. Pero a partir del siglo VII a.C. (período
arcaico), éstos fueron reemplazados por la piedra.

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Pintura griega 22
Realiza la escultura griega 23
Realiza el templo griego 24
 LA LÍNEA
Es una sucesión ordenada de puntos, asociados entre sí, que siguen una trayectoria y divide o limita una superficie sobre la que
es trazada. La línea se puede clasificar en:

1. Por su forma: Recta, curva, ondulada, quebrada y mixta.

2. Por su posición en el espacio: Horizontal, Vertical y Oblicua.

3. Por la relación que guardan entre sí: Paralelas, perpendiculares, inclinadas, divergentes y convergentes.

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Realiza 26
Realiza el siguiente cuadro 27
Crea un dibujo usando las clasificaciones de las líneas rectas, curvas. Etc. 28
 EL PUNTILLISMO
Es una técnica artística que consiste en hacer una obra mediante el uso de diminutos puntos. Aparece por primera vez en 1884,
encabezada por el pintor neo impresionista Georges Seurat, al que le siguieron artistas como Henri-Edmond Cross y Vlaho
Bukovac. Este procedimiento consiste en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre la tela. Este fue el resultado
de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de
tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas. Otro
de los más importantes artistas puntillistas fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en
la Société des Artistes Indépendants (1884), todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo.

Técnica

La técnica se basa en la capacidad del ojo y la mente del espectador para combinar las manchas de color en una gama más amplia
de tonos. Está relacionado con el divisionismo, una variante más técnica del método. El divisionismo se ocupa de la teoría del
color, mientras que el puntillismo se centra más en el estilo específico de pincel utilizado para aplicar la pintura. Es una técnica
con pocos practicantes serios hoy en día, y se observa notablemente en las obras de Seurat, Signac y Cross. Sin embargo, vea
también las primeras obras de Andy Warhol, y Pop Art.

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Realiza la imagen con puntillismo 30
Aplica el puntillismo 31
 LA PERSPECTIVA
Es una técnica de dibujo mediante la cual conseguimos provocar el efecto de lejanía y profundidad y por tanto de volumen.
Los elementos de composición de la perspectiva son:

 La Perspectiva Paralela:

Es un sistema de representación gráfica para trasponer un objeto tridimensional a un dibujo bidimensional en un plano, llamado
plano de proyección. Consiste en proyectar puntos del espacio contra el plano de proyección mediante haces
de rectas siempre paralelas entre sí.

Esta técnica de representación gráfica se utiliza en diseños de ingeniería y arquitectura ya que su principal ventaja es que
mantiene las proporciones relativas de lo representado y se puede medir sobre él directamente. De esta manera se puede
reconstruir el objeto fácilmente a partir de representaciones concretas.

 Perspectiva Oblicua

Sistema de proyección por el que un objeto tridimensional se representa mediante un dibujo en perspectiva en el que las caras
paralelas al plano del cuadro están dibujadas a escala real y todas las líneas perpendiculares al plano del cuadro tienen una
inclinación cualquiera distinta de 90°, a menudo inferior para compensar el aspecto distorsionado. También llamada oblicuo.

 La Perspectiva Aérea o Perspectiva Atmosférica

Es el método con el cual se produce una sensación de profundidad en una pintura, al imitar el efecto de espacio que hace que
los objetos se vean más pálidos, azules y nebulosos o menos distinguibles a distancia media y lejana.

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 La Perspectiva Paralela:

 Perspectiva Oblicua

 La Perspectiva Aérea o Perspectiva Atmosférica

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Realiza una perspectiva paralela de la cuadra de tu casa 34
Realiza una perspectiva oblicua de tu casa 35
Realiza una perspectiva aérea o perspectiva atmosférica 36
 EL COLLAGE
Es una técnica artística que consiste en ensamblar diversos elementos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a
la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o
el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.

En pintura, un collage se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos
de uso cotidiano, etc. Se considera que el collage es de origen francés.

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Realiza un collage 38
 El BOCETO

En la pintura, los términos boceto, esbozo, bosquejo, borrador y apunte se usan para designar
al proyecto, las pruebas o la traza primera que se realiza previamente a la obra definitiva. En
un boceto los contornos y los detalles no están definidos, sino insinuados de forma esquemática

Ejemplo

Los inicios de la figura de una rosa y esquema final

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Realiza el boceto de una flor, frutero o animal 40
 DIBUJO DEL ROSTRO

EL OJO
Los ojos constituyen el elemento más importante del rostro humano, ya que reflejan con bastante fidelidad la personalidad del
individuo. Juntamente con los labios, son a modo de ventanas, a través de las cuales pueden aflorar los sentimientos más
diversos y los estados de ánimo más complejos. Cada mirada es diferente a las demás y también es distinta la manera en que
en ella se refleja el estado de ánimo. Por esta razón es imprescindible que el estudiante practique abundantemente estudios
del natural para que adquiera la destreza precisa Para llevar a cabo el dibujo de un ojo, observado de frente,
comenzaremos efectuando el encaje de una forma pormenorizada y localizando las distintas partes: párpados, cejas, pupilas,
etc.

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 LA NARIZ

En el caso de la nariz se trata de un apéndice de menor relevancia que los ojos o los labios, pero que al ser un rasgo
sobresaliente colabora en la expresividad general del rostro humano, al tiempo que cobra una enorme trascendencia en
la representación de la cabeza de perfil. Primero debes trazar un eje vertical y uno horizontal.Veamos algunos ejemplos
muy diferentes y ejercitémonos en la práctica de este tipo de elementos.

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 DIBUJO DE LA BOCA
Con los ojos, los labios constituyen el elemento que refleja más intensa y claramente el estado de ánimo y los sentimientos. El
gesto global del rostro se define, fundamentalmente, por estos dos motivos: la mirada y el rictus que conforman los labios. Se
puede afirmar que a una persona la caracteriza, en gran medida, sus labios; y no sólo en aquellos estados de ánimo tan notables
como la risa y el llanto, sino en otras muchas ocasiones. Por ello, el dibujante deberá aprender a identificar y reflejar fielmente
estos estados de ánimo que con tanta fuerza expresiva manifiesta los labios.

De nuevo nos proponemos representar de frente y de perfil una parte significativa del rostro, en este caso los labios.
Partiremos también de un encaje, que ahora de una cierta simetría.

A partir del encaje inicial comenzamos a entonar el dibujo, aún sin matizar los tonos, pero buscando un ajuste más concreto de
las diferentes formas y volúmenes que presenta el modelo que tenemos. Aumentamos progresivamente la entonación puesto
que trabajamos con lápiz de grafito, concretando criterios detalles significativos y buscando, finalmente, ciertos contrastes
tonales necesarios para obtener el volumen.

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 LA OREJA
Se trata sin duda del motivo menos importante de todos los que configuran el rostro humano, y en numerosas ocasiones, incluso,
queda oculto bajo el pelo, o porque la posición de la propia cabeza dificulta o impide su visibilidad.
No obstante, en aquellos casos en que este elemento aparezca en un primer plano, o visiblemente destacada, la oreja debe ser
reflejada en el dibujo con minuciosidad, reproduciendo todas sus sinuosidades y definiendo adecuadamente sus volúmenes.
Debes tener en cuenta que cuando el rostro esta de frente, la oreja se observa de perfil y cuando el rostro esta de perfil la
oreja se observa de frente.

Vamos a conocer primero las partes de la oreja.

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 ESQUEMA BASICO DEL ROSTRO DEL ROSTRO DE FRENTE

Existen diferentes esquemas para dibujar el rostro, tú puedes escoger el que te sea más fácil. Aquí te voy a explicar uno.
PROCEDIMIENTO
1. Traza una figura ovalada invertida es decir con la punta hacia abajo
2. Traza el eje vertical de simetría A-B, exactamente por el centro para dividir el rostro en dos partes iguales.
3. El eje de simetría A-B se divide en 4 partes iguales llamadas ejes de proporciones
4. El eje central de proporciones 3-3 es la línea de los ojos del rostro
5. El eje de los ojos se divide en 5 partes iguales, según se indica en la figura.
6. El eje de proporciones 1-1 indica la parte más alta del cráneo, sin el cabello.
7. El eje de proporciones 2-2 indica la base del cabello.
8. El eje de proporciones 4-4 indica la base de la nariz.
9. Las orejas están comprendidas entre los ejes de los ojos y la base de la nariz
10. El eje de proporciones 5-5 indica la base del mentón
11. La anchura de la nariz es igual al ancho de un ojo
12. El ancho de la boca está comprendido por las perpendiculares bajadas de los bordes internos de la pupila de los ojos.
13. El labio superior es más angosto que el labio inferior
14. El cuello sale de detrás de las orejas

45
Teniendo en cuenta las indicaciones del dibujo del rostro, realiza un rostro 46
 FORMATO TRÍPTICO
La palabra tríptico significa tres hojas y se refiere una composición gráfica o artística, compuesta por tres
panales o módulos que contienen un mismo tema central. Al igual que los dípticos y trípticos también tuvo su
origen en un contexto religioso y su temática estaba destinada a representar escenas de este género
artístico. Un tríptico no es un rompecabezas; por el contrario, son tres obras que, unidas, una forma una idea
con sentido.

Ejemplo

47
Crea tu propio cuadro tríptico 48
 LA IMAGEN PUBLICITARIA
La imagen publicitaria está formada por un conjunto de elementos mediante las cuales la publicista da a
conocer un determinado producto o servicio a través de un medio de comunicación visual la publicidad es un
lenguaje un medio de comunicación que busca persuadir e impactar espectadores y generar interés de compra
por producto un producto determinado

La imagen publicitaria se forma por el logotipo: Símbolo formado por imágenes o letras que sirve para
identificar una empresa, marca, institución o sociedad y las cosas que tienen relación con ellas y el eslogan
es una frase corta concisa directa y recordarle que respalda el logo y refuerza la marca resaltando una
característica o valor de la misa

Ejemplo

No te abandona

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Imagina y escribe un eslogan para la imagen, crea tu propio logo personal. 50
 ORIGAMI
El origami o papiroflexia es un arte que consiste en el plegado de papel sin usar tijeras ni pegamento para
obtener figuras de formas variadas, muchas de las cuales podrían considerarse como esculturas de papel. En
un sentido estricto, el origami es un tipo de papiroflexia de origen japonés que incluye ciertas restricciones
(por ejemplo, no admite cortes en el papel, y se parte desde ciertas bases) con lo que el origami es
papiroflexia pero no toda la papiroflexia es origami.

La particularidad de esta técnica es la transformación del papel en formas de distintos tamaños partiendo
de una base inicial cuadrada o rectangular que pueden ir desde sencillos modelos hasta plegados de gran
complejidad. En el origami se modela el medio que nos rodea y en el cual vivimos: Fauna y flora de todos
los continentes, la vida urbana, herramientas de nuestra cotidianidad, animales mitológicos y un sinfín de
otras figuras.

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 EL ARTE CONTEMPORÁNEO: CUBISMO
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con la perspectiva. En el cubismo se trata a
las figuras de la naturaleza como figuras geométricas, adoptando una perspectiva múltiple. Pero los géneros
que se pintan no son nuevos: bodegones, paisajes y retratos.

Surgió en la primera década del siglo XX en París. Podemos decir que el precursor del cubismo fue Cézanne
y el arte de otras culturas, en especial la cultura africana.

Este movimiento se inicia con el cuadro de "Las señoritas de Avignon" de Pablo Picasso

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Crea un paisaje natural aplicando el cubismo 54
 EL SURREALISMO
El surrealismo es; un movimiento que presenta un poético, plástico artístico que incluye la realización de las
fases psicológicas que a su vez se subdivide en inconsciente y subconsciente que sostienen la teoría de
Sigmund Freud. El surrealismo fija esquemas y reflexiones para expresar lo absurdo, lo insólito,
lo inconsciente, lo imaginario.

En los cuadros se representas estados o espacios de absoluta soledad, sombras que se alargan, estatuas
rotas y enigmáticas, perspectivas sin fin y figuras fantásticas. Plásticamente son obras que muestran un
dibujo académico y cuidadoso, un dominio técnico de la perspectiva y un uso adecuado del color y el
claroscuro. Se manejan con maestría y soltura los recursos tradicionales del dibujo y la pintura.

Se trata de un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso psíquico de
lo imaginario y lo irracional.

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Realiza tu propia imagen surrealista 56
 ABSTRACCION BIOMORFICA
Es la representación pictórica de las formas o elementos de una superficie visual, que evocan a formas
relacionadas, emparentadas o similares a lo que percibimos en la naturaleza. Lo biomórfico tiene mucho que
ver con el movimiento y la asimetría, los refuerza y los da desde una base en lo natural.

ABSTRACCION MECANOMORFA
Es una obra pictórica de elementos en una superficie visual, que evocan a una imagen relacionada, es una
imagen asociada a las cosas hechas por el hombre tales como las máquinas y en ocasiones también la
arquitectura puede llegar hacer parte de composición, la composición da la sensación de movimiento

57
Realiza composiciones biomorfas y mecanomorfas 58
 NEOPLASTICISMO Y SUPREMATISMO
El neoplasticismo es un movimiento artístico que surge en las primeras décadas del siglo XX. Consiste
básicamente en la depuración de las formas y el color. El artista Piet Mondrian, fue su mayor representante,
creador de una de las más importantes formas de producir imágenes abstractas, redujo al máximo los
elementos de su vocabulario plástico, haciendo de las líneas y los cuadrados las formas geométricas básicas
de su trabajo, y utilizando, además del negro y el blanco de la superficie, los colores primarios. Los resultados
de sus obras son armónicas, equilibrados y serenas composiciones que hasta podrías considerarlas música
para la vista.

Cómo Piet Mondrian y Kasimir Malévich redujo elementos plásticos, hasta llegar a pintar lienzos de un solo
color. Con ello, pretendían abandonar toda referencia a la figuración y crear un arte abstracto, basado en
formas geométricas simples: cuadrado, triángulo, cruz y rectángulo; a este tipo de arte lo llamó suprematismo
o en el mundo de la no representación. Alguien decía que Malévich quería reinventar el mundo y encontrar un
conjunto de formas básicas con las que pudiera expresar el mundo de manera armónica y espiritual.

Como muchos místicos de la historia, Malévich y Mondrian creían que el cosmos podía expresarse de mejor
manera con figuras geométricas, a las cuales consideraban las formas más perfectas.

Neoplasticismo Suprematismo

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Realiza composiciones Neoplasticismo y Suprematismo 60