HISTORIA DE LA IMPRESIÓN, GRABADO E ILUSTRACIÓN COMO

EXPRESIONES DE LAS ARTES VISUALES

HISTORIA DE LA IMPRENTA

Imprenta: nombre utilizado para designar diferentes procesos para reproducir

palabras, imágenes o dibujos sobre papel, tejido, metal y otros materiales. Estos
procesos, que a veces reciben el nombre de artes gráficas, consisten en esencia en
obtener muchas reproducciones idénticas de un original por medios mecánicos, por
lo que el libro impreso ha sido bautizado como el primer producto en serie.

Técnicas antiguas: La utilización de las piedras para sellar quizá sea la forma más
antigua conocida de impresión. De uso común en la antigüedad en Babilonia y otros
muchos pueblos, como sustituto de la firma y como símbolo religioso, los artefactos
estaban formados por sellos y tampones para imprimir sobre arcilla, o por piedras
con dibujos tallados o grabados en la superficie. La piedra, engastada a menudo en
un anillo, se coloreaba con pigmento o barro y se prensaba contra una superficie
elástica y dúctil a fin de conseguir su impresión.

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La evolución de la imprenta desde el método sencillo del tampón hasta el proceso
de imprimir en prensa parece que se produjo de forma independiente en diferentes
épocas y en distintos lugares del mundo. Los libros que se copiaban a mano con
tinta aplicada con pluma o pincel constituyen una característica notable de las
civilizaciones egipcia, griega y romana. Más tarde, el arte copista, muy desarrollado
en los monasterios, alcanzó gran altura en la Europa medieval; de esta actividad
quedan obras muy importantes en toda Europa.

Prensas de imprimir: La máquina que se utiliza para transferir la tinta desde la

plancha de impresión a la página impresa se denomina prensa.

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Las primeras prensas de imprimir, como las del siglo XVI e incluso anteriores, eran
de tornillo, pensadas para transmitir una cierta presión al elemento impresor o
molde, que se colocaba hacia arriba sobre una superficie plana. El papel, por lo
general humedecido, se presionaba contra los tipos con ayuda de la superficie móvil
o platina. Las partes superiores de la imprenta frecuentemente iban sujetas al techo
y una vez que el molde se había entintado, la platina se iba atornillando hacia abajo
contra el mismo. La prensa iba equipada con raíles que permitían expulsar el molde,
volviendo a su posición original, de modo que no fuera necesario levantar mucho la
platina. Sin embargo, la operación resultaba lenta y trabajosa; estas prensas sólo
producían unas 250 impresiones a la hora, y sólo imprimían una cara cada vez.

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TÉCNICAS DE IMPRESIÓN

Los procesos utilizados para reproducir textos o imágenes, como la imprenta,

litografía, tipografía, flexografía, grabado y serigrafía, utilizan mecanismos sencillos
que consisten en aplicar sustancias colorantes a un soporte, ya sea de papel o
plástico, para realizar múltiples reproducciones.
En una prensa de varios colores se pueden imprimir muchos colores en una sola
pasada. La impresión mediante colores planos utiliza mezclas de tintas para
reproducir cualquier color y se utiliza mucho en la impresión de embalajes, en que
suelen predominar grandes zonas de un mismo color. La impresión mediante
separación de colores se basa en cuatro tintas transparentes —cyan, magenta,
amarillo y negro— que se van superponiendo en diferentes proporciones. Este
método permite reproducir con enorme fidelidad fotografías y otras imágenes en
color.

Desde la década de 1960, los avances en la fotografía y la electrónica han

revolucionado la impresión. Los nuevos materiales sensibles a la luz, como las
resinas de diazonio y los fotopolímeros, han creado superficies de impresión
duradera por medios fotográficos y no mecánicos.

1. Litografía: En la actualidad, la técnica más importante y versátil es una variante

de la litografía por offset.

El inspector cartográfico alemán Aloys Senefelder fue quien sentó sus principios
básicos a finales del siglo XVIII, gracias a sus experimentos con métodos de
fabricación de superficies de impresión en relieve utilizando un proceso de corrosión
con ácidos. Senefelder descubrió que una superficie caliza húmeda repelía la tinta
al óleo y que una imagen dibujada en dicha superficie con un pincel aceitado repelía
el agua y atraía la tinta. Cualquier dibujo sobre la superficie de la piedra se podía
reproducir poniendo en contacto una hoja húmeda de papel con el dibujo entintado.
Este ciclo se podía repetir centenares de veces antes de que la reproducción
perdiera fidelidad. El proceso, bautizado como impresión química por Senefelder,

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se convirtió pronto en una técnica popular, ya que permitía al artista producir
muchas copias de un dibujo a mano alzada.

b. Litografía offset moderna: La función de la superficie de impresión corresponde

hoy a unas finas planchas de aluminio, aunque también se utilizan otros materiales
como acero inoxidable y plásticos. Las planchas se enrollan sobre un cilindro y
entran en contacto directo con el cilindro de caucho. Una batería de rodillos de goma
y metálicos se encarga de llevar la tinta y el agua a la superficie de la plancha. La
tinta pasa en primer lugar al cilindro de caucho y de ahí al papel.

2. Impresión en relieve: El fundamento del proceso de impresión en relieve es el

mismo que el de un tampón de caucho. Se aplica tinta a las zonas más prominentes
de la superficie de impresión y a continuación se transfiere al papel o cualquier otro
soporte. En la actualidad se utilizan dos formas de impresión en relieve —tipografía
y flexografía—, que se diferencian por las características físicas de las superficies
de impresión y de las tintas. La tipografía se efectúa utilizando una superficie de
impresión de metal o plástico y una tinta de gran viscosidad.

3. Tipografía: la forma más antigua de impresión, nació con el invento del tipo de
imprenta metálico y móvil fundido a mediados del siglo XV, y durante cinco siglos
fue la única técnica de impresión para grandes tiradas.

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A mediados del siglo XX, y a pesar de su superioridad en cuanto a claridad de
impresión y de densidad de la tinta, la tipografía cedió su predominio al offset por ser
un proceso mucho más rápido. Originalmente las superficies de impresión
tipográfica se construían ensamblando miles de tipos de plomo que llevaban fundida
en relieve una letra o una combinación de éstas con el fin de crear páginas de texto.
Se aplicaba entonces tinta a la parte en relieve y se estampaba sobre papel o
pergamino. Las letras se combinaban con xilografías y grabados para obtener
páginas compuestas con texto e ilustraciones.

a. Planchas de copia: La primera plancha de impresión tipográfica se fabricó

confeccionando el molde de una forma tipográfica y mediante fusión haciendo un
duplicado en metal, que se llamó estereotipo. Esta tecnología adquirió una enorme
importancia durante la Revolución Industrial, ya que proporcionaba una superficie
de impresión de una sola pieza que se podía utilizar en diferentes prensas
automatizadas. Los estereotipos curvos obtenidos a partir de moldes de papel
maché se utilizaron en rotativas tipográficas para imprimir los periódicos diarios
hasta principios de la década de 1970, cuando las técnicas de edición sufrieron un
cambio radical y las máquinas de composición de fundición fueron sustituidas en
gran medida por la tipografía automatizada.

b. Planchas de fotopolímeros: A final de la década de 1950 hizo su aparición una

forma totalmente nueva de fabricación de planchas de relieve, que utilizaba una
sustancia plástica soluble que se endurecía al quedar expuesta a la radiación
ultravioleta. Desde entonces se han creado un sinfín de planchas de fotopolímeros.

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Un grueso recubrimiento de fotopolímero sobre un soporte de metal o plástico se
somete a luz ultravioleta a través de una película que sólo permite el paso de la luz
por aquellas zonas en que se efectuará la transferencia de tinta. El fotopolímero se
va endureciendo, o polimerizando, en dichas zonas y al eliminar el recubrimiento
sobrante con agua o cualquier otro disolvente el resultado es una impresión en
relieve que se puede montar directamente en cualquier prensa tipográfica.

4.Impresión flexográfica: Las planchas flexibles y las tintas fluidas que se utilizan en
la flexografía convierten este proceso en el idóneo para la impresión sobre
superficies no porosas como películas y polietilenos.

En origen, todas las planchas flexográficas se construían en caucho moldeado, que

sigue siendo el material más utilizado cuando se trata de crear sobre un único rodillo
de impresión copias múltiples de una misma imagen. Los moldes en caucho son
impresiones de las superficies originales en relieve, como los tipos o grabados, y
normalmente se utilizan para fabricar varias planchas de caucho. El montaje de un
rodillo de impresión con planchas de caucho es un proceso muy largo, ya que hay
que montar muchas planchas sobre un único rodillo y cada plancha debe quedar
colocada exactamente en la misma posición que las demás.

5. Grabado: denominado asimismo huecograbado, es un proceso de

impresión de gran tirada que utiliza un mecanismo de transferencia de tinta por
completo distinto de la impresión en relieve. La superficie de impresión es un rodillo
metálico pulimentado recubierto por un conjunto de diminutas cavidades o celdas
(hasta 20.000 por centímetro cuadrado) que conforman las imágenes a imprimir. El
rodillo, que puede alcanzar una longitud de 2,5 m o más, está parcialmente
sumergido en un recipiente de tinta líquida disuelta. A medida que gira va quedando
bañado en tinta. Una cuchilla de acero de la longitud del rodillo elimina la tinta
sobrante de la superficie pulimentada, dejando sólo la que ha entrado en las
cavidades. La tinta se transfiere inmediatamente a una bobina de papel en
movimiento que se comprime contra el rodillo. Los rodillos de grabado están hechos
de acero con un fino recubrimiento de cobre, dispuesto con métodos químicos o
electrónicos con el objeto de formar las celdas que transfieren la tinta. Una vez
creadas las cavidades, el cilindro se recubre con una fina película de cromo para
conseguir una superficie dura resistente a la cuchilla.

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6. Serigrafía: Denominada originalmente impresión con estarcido de seda debido a
las pantallas de seda que utilizaba, la serigrafía tiene una gran importancia en la
producción de los más diversos objetos industriales, tales como paneles de
decoración, tableros impresos, conmutadores sensibles al tacto, recipientes de
plástico o tejidos estampados. Las pantallas para la serigrafía comercial suelen
fabricarse por medios fotomecánicos. Sobre un bastidor rectangular se tensa un fino
tejido sintético o una malla metálica y se le aplica un revestimiento de fotopolímero.
Al exponerlo a través de un positivo de película se produce un endurecimiento en
las zonas que no se quieren imprimir. Se lava entonces la sustancia que no ha
quedado expuesta y se crean las zonas abiertas en la pantalla. En la prensa, la
malla se pone en contacto con la superficie a imprimir, y se aplica la tinta a través
de las zonas abiertas del cliché mediante un rodillo de caucho. Las prensas para la
serigrafía van desde los sencillos equipos manuales para estampar a pequeña
escala camisetas y letreros hasta las grandes prensas para aplicaciones
multicolores y de grandes tiradas. El proceso se caracteriza por su capacidad para
imprimir imágenes con buen nivel de detalle sobre casi cualquier superficie, ya sea
papel, plástico, metal y superficies tridimensionales.

7. Procesos de impresión electrónica: Todos los procesos descritos hasta ahora

utilizan una superficie fija de impresión que transfiere la misma imagen de tinta en
cada uno de los ciclos de la prensa. Los sencillos mecanismos físicos de
transferencia de tinta hacen que estos procesos puedan ejecutarse con mucha
velocidad. Debido al elevado coste de fabricar un juego de planchas, montarlas en
la prensa y tener ésta en funcionamiento hasta que la impresión esté debidamente
alineada y los colores sean los correctos, estos procesos requieren una tirada
bastante grande para resultar rentables. Para tiradas más reducidas, sobre todo de

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información cambiante, resultan más prácticos los procesos electrónicos, que no
utilizan planchas de impresión y que obtienen buenas reproducciones sin
desperdicio de papel.

8. Impresión electrofotográfica: Las modernas copiadoras electrostáticas de oficina

disponen de una superficie de impresión que se forma instantáneamente mediante
la fotografía o escaneado del original. La superficie va recubierta por una sustancia
fotoconductora, como el sulfuro de selenio o de cadmio. En la oscuridad, cualquier
fotoconductor actúa como un aislante, conservando una cierta carga de electricidad
estática. Las zonas de la superficie que se iluminan en una cámara o mediante un
rayo láser se convierten en conductoras y pierden la carga. Las demás zonas
conservan su carga, atrayendo las partículas de carga contraria de un colorante
denominado tóner. El tóner se transfiere entonces a un papel o un plástico mediante
fuerzas electrostáticas y no por presión. Este ciclo se repite para cada copia, lo que
convierte al proceso en demasiado lento y complejo para aplicaciones de impresión
masiva; sin embargo, resulta adecuado para la mayor parte de la ofimática. En el
caso de pequeñas cantidades, las impresoras electrofotográficas pueden reproducir
originales en color con una calidad de imagen que en las mejores se acerca a la de
la litografía en offset.

9. Impresión por chorro de tinta: Un conjunto de inyectores de tinta, controlados por

computadora, pueden generar imágenes sobre una hoja de papel en movimiento o
la banda de una bobina. Las impresoras de chorro de tinta más sencillas se utilizan
para imprimir información variable, como la fecha de caducidad en los envases de
los alimentos o las etiquetas con la dirección en envíos postales, y a veces se
instalan conectadas a los equipos de imprenta tradicionales. Las impresoras en
color de chorro de tinta más complejas son capaces de generar reproducciones con
calidad litográfica en muy poco tiempo.

10. Impresión por microcápsulas: Esta tecnología utiliza papel impregnado con
miles de millones de cápsulas microscópicas de colorantes líquidos. El papel se
expone a la luz reflejada de una imagen original y los colorantes contenidos en las
cápsulas se endurecen según la cantidad de luz que reciban. El papel expuesto se
prensa entonces con unos rodillos de acero contra el papel soporte, y aliza los
colorantes que no se han endurecido formando la imagen al depositarse en el
soporte. El proceso sirve para obtener pequeñas cantidades de reproducciones en
color de alta calidad.

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11. Impresión por sublimación térmica y transferencia de ceras: Un conjunto de
elementos térmicos, controlados por ordenador, pueden transferir tintas o capas de
cera desde una cinta de plástico al papel soporte. El elevado coste de los materiales
y la lentitud de los procesos térmicos han limitado su utilización a aplicaciones que
sólo precisan muy pocas copias. La creciente relación entre la impresión tradicional
y la electrónica tiene más un carácter complementario que competitivo. Los
procesos digitales de impresión en color se utilizan cada vez más para analizar el
resultado de las imágenes antes de procesarlas en películas y planchas para la
litografía, grabado o impresión en relieve, reduciendo así la probabilidad de
introducir cambios una vez que el trabajo se haya enviado a la imprenta.

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 EL GRABADO

La técnica de grabado es una disciplina artística en la cual el artista utiliza diferentes

técnicas de impresión, las cuales tienen en común el dibujar una imagen, un diseño,
ideas, texto sobre una superficie rígida, la cual en la técnica de grabado toma el
nombre matriz, en esta matriz se realizarán técnicas o tallados en está dejando
huecos o superficies en relieve donde se va a ir alojando tinta y posteriormente
transferida por presión a otra superficie como papel o tela, esto que permite obtener
varias reproducciones del diseño que se plasmó en la matriz, haya sido un dibujo
o letras ordenadas las cuales terminarían siendo parte de libros o textos, al analizar
esto y ponerle un poco de lógica está claro que el grabado ha estado relacionado
con métodos de impresión durante su uso.

Dependiendo de cómo plasmemos el diseño sobre la matriz, es decir, la técnica y

instrumentos, la matriz puede ser de metal tales como el cobre o zinc que son
metales usados tradicionalmente, o podemos usar madera rígida, linóleo o piedra,
en estas superficies se plasma un diseño o letras con instrumentos punzantes,
cortantes o mediante procesos químicos. El grabado, tuvo una explosión en la
primera mitad del siglo XX. Desde el cubismo y el expresionismo hasta el
surrealismo, el expresionismo abstracto o el pop art, han apoyado gran parte de su
peso en el grabado.

A partir de 1950, el grabado se ha convertido en la principal forma de expresión para

los artistas de vanguardia. Entre los artistas contemporáneos que han destacado
también como grabadores, se encuentran los expresionistas abstractos Robert
Motherwell, Robert Rauschenberg y Jasper Johns.

Conforme ha pasado el tiempo el grabado se ha modernizado, pero claro no se ha

ido perdiendo las técnicas pasadas, hoy en día podemos observar que se utilizan
placas de diferentes materiales sintéticos con los cuales se pueden grabar de
manera tradicional con punzones o mediante procedimientos fotográficos, digitales
o láser. Cabe aclarar que también se le puede llamar grabado a la inscripción de
texto en matrices como madera, piedra o metal, aunque no se haga con el fin de
pasarlo luego a un papel o tela, es decir sin realizar copias, como por ejemplos
grabados laser que se hacen en la actualidad para collares de mascotas.

Muchas personas amantes del arte consideran malo o menosprecian el grabado

con el fin de realizar copias en la creación de obras artísticas, ya que se pierde la
característica de exclusividad que ofrecen otros artistas como escultores, pintores,

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etc. Este comportamiento se puede evidenciar hoy en día claramente cuando la
gente evita comprar ropa barata con diseños genéricos que debido a la facilidad de
adquisición de está generando así que mucha gente termina usándola.

Se puede decir que el grabado el grabado fue uno de los motores del Renacimiento
ya que daba la posibilidad de reproducir la obra con gran calidad permite además
que, por primera vez en la historia, a los artistas del momento se les daba la
capacidad de conocer la obra de los clásicos sin moverse de su ciudad.

El grabado se convirtió a partir de 1950 en la principal forma de expresión para los

artistas de vanguardia. Entre los artistas contemporáneos que han destacado
también como grabadores, se encuentran los expresionistas abstractos Robert
Motherwell, Robert Rauschenberg y Jasper Johns.

Historia del grabado

Estudiar la historia del grabado es interesante para aquellos que quieren conocer
los cambios y la manera en cómo las civilizaciones y nuestros antepasados usaron
el grabado en sus épocas.

La primera civilización en producir grabados originales múltiples fueron los sumerios

en Mesopotamia, considerados la primera y más antigua civilización, ya hace 3000
años, su técnica se basaba en plasmar sus diseños en piedras pulidas las cuales
tenían forma cilíndrica y luego hacían rodar sobre arcilla blanda dejando la
impresión del diseño original, las imágenes de los grabados sumerios en piedras le
han permitido a la humanidad conocer un poco acerca de cómo era su cultura, e
incluso se han especulado teorías acerca de seres extraterrestres y dioses debido
a hallazgos arqueológicos.

En china cuando el papel se surgieron las primeras impresiones sobre este material
realizadas con matriz de piedra, un ejemplo de grabados en china fueron los
Clásicos en piedra de Xiping, estos se desarrollaron en los años 175 y 183.

En Japón el grabado tuvo su auge entre los siglos XVII y XX, los artistas realzaban
obras donde se podían encontrar imágenes paisajísticas, del teatro y de zonas de
alterne, realizadas con la técnica del Ukiyo-e, esta técnica es un género de grabados
realizados mediante xilografía o técnica de grabado en madera el cual se produjo

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únicamente en Japón, estos representan escenas de la vida cotidiana, refleja el
afianzamiento de una rica burguesía amante de los placeres de la vida.

Estos grabados obtenidos en planchas de madera grabada en relieve eran

inicialmente en blanco y negro, a veces coloreados a mano; los primeros verdaderos
grabados en color se remontan al siglo XVIII.

En Europa los primeros grabados se produjeron en el siglo VI en el ámbito textil.

Con respecto a España allí se realizaron las primeras reproducciones en papel más
o menos en el año 1151.

En Alemania a comienzos del siglo XV se realizaron naipes con impresión y poco

tiempo después aparecieron los primeros sellos en Inglaterra. Fue durante el
Renacimiento el grabado se desarrolló con mayor vigor.

En Latinoamérica Javier cabrera un médico peruano descubrió unas piedras, las

cuales se les conoce como piedras Ica, estas piedras se caracterizan por estar
grabadas con supuestos antiguos dibujos de dinosaurios, animales y artefactos
tecnológicos avanzados, estas son consideradas un fraude y hay muchas hipótesis
para explicar su existencia, aunque algunas se han podido datar con fidelidad por
instituciones científicas españolas.

Técnicas

Las técnicas las cuales relacionadas con la obtención de múltiples copias de la

misma imagen o incluso texto suelen clasificarse según los materiales y medios
empleados para la consecución de la imagen. En general, suelen dividirse en dos
grandes grupos, según la forma en que el artista trabaja sobre la matriz para
preparar el dibujo que se imprimirá posteriormente.

Grabados en relieve

En esta, la imagen se consigue retirando material de la plancha o matriz con

distintas herramientas: entre ellas, el buril, con el cual grabaremos la imagen o
diseño que deseemos ayudándonos de otras herramientas como pintura asfáltica
para que el ácido no coma, de modo que la parte que queda en el plano superior se

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corresponde con el dibujo. Se entintará por tanto la forma en relieve, utilizando un
rodillo de goma y en la impresión quedarán en blanco los huecos.

Xilografía

Es una técnica de grabado en la que en la que se emplea como matriz una superficie
de madera, generalmente maderas duras como el boj, el peral o el cerezo.

El dibujo sobre la plancha puede hacerse de dos maneras; haciendo los trazos en
el sentido de la veta, siguiendo la dirección de las "fibras" que conforman el tallo del
árbol, o bien transversalmente, haciendo cortes perpendiculares a la dirección de
las fibras que conforman el tallo del árbol. En el primer caso estaremos realizando
una xilografía a fibra o al hilo, y en el segundo caso una xilografía a contra fibra o a
la testa.

Sobre la matriz de madera se construye la imagen tallándola mediante herramientas

con las que se rebaja la superficie de la matriz, obteniéndose huecos que
corresponden al color blanco o a la ausencia de color.

Las herramientas que suelen utilizarse son cuchillos y gubias para el grabado a
fibra, mientras que para el grabado a contra fibra se emplea el buril, que permite
trabajar sobre superficies más duras y obtener surcos más delgados y precisos.
Cuando se ha terminado de tallar la imagen, se entinta la matriz con un rodillo, que
deposita la tinta en toda la superficie de la matriz, salvo en los huecos tallados con
las gubias (los blancos). La imagen finalmente se pasará al papel o tela utilizando
una prensa vertical o un tórculo.

El proceso si se quiere obtener una xilografía con varios colores consiste en grabar
una plancha diferente para cada uno de los colores que deseamos y posteriormente
ir imprimiendo uno sobre otro, cabe aclarar y no olvidar que en el tiraje la
superposición de dos colores darán lugar a un tercer color. Un grabado en colores
de calidad se caracteriza por una perfecta superposición de las superficies
coloreadas. Para conseguir que los colores tan sólo se pisen cuando sea necesario
se utiliza un sistema de registro.

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 Figura 1. Xilografía de Utagawa Hiroshige.

El uso de la xilografía para grabados artísticos alcanzó su auge en Europa en el

siglo XV, y mientras se imponían otras técnicas de grabado como las que se hacían
sobre metal esta fue perdiendo vigencia.

Existen grandes artistas de la historia del arte que trabajaron con esta técnica que
en apariencia es muy complicada de realizar, pero viendo obras como la del artista
Maurits Cornelis Escher, el cual nos demuestra que el desarrollo de esta técnica
puede desafiar los límites de la misma, sus obras consisten en figuras imposibles,
teselados y mundos imaginarios.

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 Figura 2. Xilografía siglo XIX

Linografía

La linografía se trata de una variante moderna de la xilografía, en la que se emplea

el linóleo como matriz. El linóleo es un material utilizado para construir
recubrimientos de suelos fabricados a partir de aceite de lino solidificado mezclado
con harina de madera o polvo de corcho colocado sobre un soporte de una lona o
tela basta.

En la técnica de linografía se le suele agregar pigmentos a la mezcla para darle

distintos colores. El procedimiento para obtener la imagen es idéntico al del grabado
en madera, incidiendo sobre el linóleo con gubias, las gubias es un formón de
mediacaña que usan los carpinteros, los tallistas y otros profesionales de la madera
para las obras delicadas, de manera que las partes vaciadas quedarán en blanco y
las zonas en relieve serán las que reciban la aplicación de la tinta.

El linóleo al ser un material blando permite que no se presenten las dificultades de

la veta de la madera, aunque por consiguiente no permite la finura del trazo que se
puede lograr en la xilografía a contra fibra.

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En los resultados de la linografía se da una apariencia dramática, con figuras
parecidas a rasgos geométricos, juegos de luces y sombras y escenarios
esquemáticos, todo esto características muy afines del arte del expresionismo.

El expresionismo fue un movimiento cultural el cual surgió en Alemania a principios

del siglo XX, este suele ser entendido como la deformación de la realidad para
expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a
la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.

Grabados en hueco

En los grabados en hueco la imagen se consigue arañando una matriz metálica, por
medios mecánicos o químicos, de modo que las partes oscuras de la imagen
correspondan a las incisiones, donde posteriormente se depositará la tinta,
quedando en blanco las partes del papel que queden en contacto con las zonas no
vaciadas, exactamente al contrario de lo que sucede con los grabados en relieve.
Los procedimientos en hueco se clasifican, a su vez, en procedimientos de método
directo, si el grabador interviene sobre la plancha realizando incisiones para trazar
la imagen, o de método indirecto, si la huella sobre la plancha se logra utilizando
productos químicos.

Método directo

Al buril

Esta técnica se basa en la construcción del dibujo o diseño excavando líneas sobre
una matriz de metal, en la cual nos vamos a ayudar únicamente del buril, el cual es
una herramienta que está compuesta por un mango en el cual su extremo esta
sujetado con una barra de acero de sección cuadrada a la cual se le ha tallado
oblicuamente la punta, dando como resultado que en el momento de grabar deje
una forma de “V”. El buril recuerda en su forma a un arado, y el grabador lo utiliza
de una manera semejante; haciendo surcos sobre la plancha, de manera que cuanto
mayor es la presión que ejerce, más profunda va a resultar la incisión realizada, lo
que provocará que se luego a poner la tinta, en ella se aloje una mayor cantidad de
tinta.

Las estampas realizadas según la talla dulce tienen un aspecto característico, que
en buena parte proviene de la utilización más o menos ortodoxa de la teoría de los

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trazos, que permitía traducir cada tono de gris de un dibujo o cada color de un
cuadro copiado con asombrosa delicadeza cruzando líneas en ángulos
normalizados.

Históricamente se ha visto reyes o personas de alto mando las cuales sus anillos
los cuales estaban grabados con buriles con diseños únicos, utilizaban estos anillos
como firma de autenticidad, al momento de mandar un documento importante,
tomaban el anillo y lo llenaban de tinta de modo que al ponerlo en el documento que
este quería enviar, quedara plasmado el diseño del anillo, dándole así, autenticidad
al documento.

Punta seca

Esta técnica toma su nombre debido a que la herramienta utilizada es un punzón

fino y afilado, el cual se emplea arañando una plancha de cobre con mayor o menor
presión en función de la intensidad de línea que el artista le desee dar. La punta de
este instrumento puede ser de acero, diamante o rubí, tiene forma de aguja y con
ella se trabaja a pulso, como si se tratase de un lápiz.

La técnica de punta seca es similar a la de al buril en la metodología, solo que las

obras realizadas con la técnica de punta seca poseen unas líneas más finas que las
producidas con el buril.

Mezzotinta

Esta técnica también es llamada "Falsa Manera Negra", fue creada por Ludwig von
Siegen, quien en 1642 sentó las bases de esta técnica, que rápidamente fue
adoptada por los grabadores, especialmente en Inglaterra. Con frecuencia se
denomina "el método inglés.

En esta técnica se parte de una matriz negra la cual con varios procesos la idea es
conseguir un tono oscuro y uniforme en la totalidad de la plancha el cual se va
matizando hasta conseguir el blanco, mediante un proceso de bruñido de la
superficie. La plancha se prepara utilizando la herramienta llamada berceau (o
raedor) y se consiguen los blancos sobre el negro utilizando el "bruñidor”.

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Método indirecto

Aguafuerte

El aguafuerte es una modalidad de grabado que se efectúa tomando como base

una plancha o lámina de aleación metálica, habitualmente de hierro, zinc y, más
frecuentemente, cobre. Esta se recubre de una fina capa de barniz protector, o de
cera resistente a los ácidos. El grabador dibuja con un estilete de punta cónica muy
afilada en esta capa de barniz, llegando justo hasta el cobre sin penetrar en él.
Posteriormente se sumerge la lámina con su barniz en una solución de agua y ácido
nítrico, la cual recibe el nombre del aguafuerte propiamente dicho. Esta solución
corroe el cobre en las zonas en que este no está protegido por el barniz, y deja unos
surcos. El tiempo de inmersión de la lámina en el ácido determina la profundidad de
la línea en el grabado, otorgándole a mayor tiempo mayor valor.

Aguatinta

El método de la aguatinta resulta difícil de controlar y suele ser utilizado en

combinación con las técnicas del grabado al aguafuerte y del grabado a punta seca.
Se exponen a la acción del ácido amplios segmentos de la lámina, creando zonas
tonales más que líneas. Para crear un grabado al aguatinta, se rocían con resina
ciertas zonas de la lámina y se calienta ésta para que la resina quede adherida. A
continuación, se sumerge la lámina en un ácido suave que disuelve la superficie en
las zonas que no están cubiertas por la resina.

Barniz blando

La técnica de grabado con mordiente en la que sobre la plancha de metal se aplica

una capa de barniz que tiene la propiedad de ser blando. Sobre el barniz se coloca
un papel y sobre este dibujamos con un lápiz. Al presionar el barniz este se
despende en dejando el metal descubierto en forma de líneas con puntos pequeños.
Al modere la matriz y estamparla se produce una imagen con efectos muy similares
al del dibujo sobre el papel. Esta técnica es la aplicación inicial de un barniz blando
sobre la plancha, de modo que nos quede en capa fina, uniforme y sin poros. Por
otro lado, cargaremos la resinadora de ácido tartárico pulverizado con un molinillo
eléctrico de moler café. Espolvoreamos la plancha usando la resinadora, como si
se tratara de un resinado a la aguatinta.

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Tinta china con azúcar

Esta técnica es una variación del aguatinta y constituye un artificio para poder
dibujar sobre la plancha utilizando tonos planos. Surge para resolver la dificultad
que representaba el tener que dibujar sobre la plancha, preparada para el agua
tinta, reservando las zonas donde no se desea que actúe el ácido. Para utilizar esta
técnica es preciso preparar la matriz de metal cubriéndola con resina de colofonia.
A continuación, se prepara una solución de tinta china con azúcar, con la que se
realiza el dibujo sobre la plancha, aplicándola con un pincel. Se deja secar la tinta
china con azúcar y se cubre la plancha con barniz. Cuando el conjunto está seco,
se introduce en agua y se diluye en esta la tinta china y el agua, quedando al
descubierto la plancha y la resina en las zonas que habíamos dibujado con la tinta
china y el azúcar. Al introducir la plancha en el ácido, este actuará en las zonas
donde se había aplicado la tinta china con azúcar y que ahora estarán desprotegidas
por el barniz.

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 LA ILUSTRACIÓN

En el siglo XVIII, el hombre encuentra nuevas fuentes de conocimiento en la razón

a través de la filosofía y la ciencia. Es así como surge la ilustración y con ella la
enciclopedia, un intento de diccionario, que recopila en 33 volúmenes los
conocimientos científicos y filosóficos de esa época con el propósito de compartir
toda clase de temas intelectuales de interés. Este proyecto fue dirigido por
D’Alembert y Diderot y fue publicado en Paris entre 1751 y 1772. Otros destacados
colaboradores de esta empresa fueron significativos pensadores de la ilustración
francesa como Rousseau, Holbach y Voltaire.

El siglo XVIII representa para la historia de la cultura y la ciencia de la Europa de

ese momento un cambio radical si se le compara con la época que la precedió y con
aquellas que sucedieron. A este siglo se le ha llamado el Siglo de las Luces, dado
que la razón se convirtió en la norma de vigencia de ese periodo destacado. La
razón fue la medida con que se valoraba y criticaba los actos humanos, las
instituciones y las manifestaciones culturales. La razón se convirtió en la luz que
guiaba la vida del hombre y fue la clave en el descubrimiento de una serie de
verdades que iluminarían su existencia en todos los aspectos.

A través de la razón se pretendía demostrar que los hombres nacían libres e iguales
y que de esta misma forma debían permanecer ya que poseían derechos que no
les podían ser arrebatados. Además, resaltaban que la principal finalidad del
hombre era el lograr su bienestar y felicidad y que la mejor forma de conseguir dicho
fin era por medio de la razón. Así es como estas ideas del siglo XVIII dieron lugar a
una serie de críticas dirigidas a aquellas figuras e instituciones que impedían la
libertad humana o que perturbaban el orden de la naturaleza del hombre. De esta
manera, la ilustración surgió del impulso de una minoría culta que agitó los ánimos
de un pueblo reprimido y cuyos inicios tuvieron lugar en Francia hasta extenderse
por toda Europa.

La literatura de viajes, una forma de crítica

Hasta el siglo XVII, los europeos consideraban a Europa como el centro del mundo
y a sus costumbres como civilizadas, exaltaban su forma de pensamiento y su estilo
de gobierno. Europa encarnaba la cultura y la civilización mientras el resto del
mundo era considerado salvaje. No obstante, todo esto cambió con los viajes
crecientes que tuvieron lugar a finales del siglo XVII y principios de l siglo XVIII, los
cuales dieron la oportunidad a los europeos de explorar y escribir sobre lo que veían,
al tiempo que surgía la oportunidad de comparar las costumbres, filosofías,

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religiones y formas de gobierno de los lugares visitados con aquellos existentes en
Europa.

Los relatos escritos al tiempo que entretenían y sorprendían a Europa con noticias
sobre un nuevo mundo y sobre tierras de una riqueza exótica inigualable, también
centraban su atención en la figura de lo que ellos denominaron el salvaje; a quien
clasificaban como poseedor de una moral natural, con costumbres puras y
habilidades para la caza, la protección de sí mismo y los suyos, y la búsqueda de
refugio. Una criatura capaz de enfrentarse a los peligros de la naturaleza estando
casi desnudo y cuyas virtudes no eran mas que su robustez, agilidad y falta de
fingimiento. En contraste, el europeo no era mas que un degenerado, apegado a su
peluquín blanco, sus medias de color y sus plumas. El europeo no era una criatura
salvaje, pero sí un hombre avaro y sediento de riqueza y honores que no lo llevaban
a la obtención de la felicidad.

Nuevamente, las comparaciones dieron su fruto y sirvieron para reflejar la necesidad

de adoptar la razón en la vida del hombre, para fomentar el cambio y el apego al
conocimiento como fuente de libertad y sabiduría que llevaría al bienestar y a la
felicidad del hombre, quien por mucho tiempo había elegido el camino equivocado.
El siglo XVIII dio espacio a la crítica y así mismo a la expresión literaria, intelectual
y artística. La pintura presento de forma visual lo que antes solo podía ser imaginado
y permitió cuestionar aquel estilo de vida europeo que era enaltecido sin realmente
serlo. Por otro lado, expresiones como la sátira caricaturesca aprovecharon este
movimiento de pensamiento para llevar a todas las esferas sociales europeas la
combustión del cambio que tenía lugar en ese momento y frotar en sus caras una
verdad que no podrían ocultar más.

Figura 3. Caricatura de un peluquero del siglo XVIII.

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El despotismo ilustrado

El despotismo ilustrado fue un concepto político de gobierno paternalista surgido en

la segunda mitad del siglo XVIII en Europa, en el cual se combinaba el absolutismo
con las ideas filosóficas correspondientes a la ilustración francesa, en las que la
razón humana era fundamental para lograr la felicidad. Este concepto surgió como
resultado de las críticas de los filósofos de la ilustración que se dirigían hacia la
monarquía y su régimen, en el que las desigualdades sociales e injusticias eran
evidentes.

El absolutismo hace referencia a la forma de monarquía total en la que el rey tiene

el poder absoluto del estado bajo el mando de soberano, quien toma decisiones sin
tener que ser avalado por ninguna forma de contraloría o control público. De esta
manera, la población tenia grandes carencias, desigualdades y molestias, y era
sometida de forma arbitraria a todo aquello que la aristocracia decidiera.

El despotismo ilustrado tuvo lugar gracias a la convergencia de tres actores

principales (los críticos intelectuales, los burgueses y la monarquía) y de un pacto
entre dos partes contrarias, la aristocracia (poseedora del poder desde tiempos
medievales) y la burguesía que surgía como una nueva clase social que iba en
ascenso gracias a su acumulación de capital. Debido a la fuerza con que la
burguesía aumentaba su influencia y presencia, la monarquía no tuvo otra opción
que generar una serie de cambios en términos de educación, salud, arte, etc. Dichos
cambios en principio pretendían preservar el poder absoluto en la monarquía, al
ofrecer al pueblo un listado de privilegios que antes eran impensables y que
contribuirían a no poner en riesgo la autoridad de la aristocracia.

Este nuevo propósito de la monarquía se convirtió en una visión paternal hacia el

pueblo, al cual quería preservar bajo su mando y dirigir hacia un escenario favorable
para los soberanos, a través de la implementación de cambios como la promoción
de las artes y las ciencias, la preocupación por el nivel cultural de la nación y por el
fortalecimiento de la educación, la tolerancia religiosa, mayor libertad de prensa, la
creación de sociedades económicas, reformas en la administración pública y la
modernización de las ciudades. No obstante, dichos cambios no fueron suficientes
y dieron lugar a un pueblo letrado que no espero a terminar el siglo para
desencadenar la revolución francesa que derrocaría la monarquía.

Un ejemplo del desarrollo cultural de la ilustración se refleja en la fundación de

academias de bellas artes en, escuelas de veterinaria, jardines botánicos, la prensa

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periódica y la satírica en ella. Por otro lado, se presentó un aumento la población
gracias a la disminución de las epidemias, los adelantes de la medicina como las
vacunas, las mejoras en las condiciones sanitarias y de alimentación, lo que llevo a
un aumento en la demanda de producción de alimento y el crecimiento de las
ciudades.

Figura 4. Escuela Superior Nacional de Bellas Artes, Francia.

Tecnicas

Arquitectura

El periodo de la ilustración se dividió en dos. Siendo la primera mitad

correspondiente a un estilo de arquitectura Rococó, el cual centraba su interés en
la decoración de interiores en detalle y con ornamentación, los exteriores planos de
las edificaciones y rodeados por jardines dispuestos para las interacciones sociales.
Sin embargo, todo esto fue dejado atrás debido a la influencia del pensamiento de
la razón, el cual genero un cambio en la arquitectura con el Neoclasicismo, cuyo
interés principal fue influenciado por las edificaciones griegas y romanas. Este
cambio dio lugar a construcciones que hoy en día son puntos de referencia en todo
Europa y que demuestran la fuerza de este gran cambio de pensamiento que
generaba tal combustión en el mundo antiguo.

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Figura 5. Izquierda, (estilo rococó) Edificio Helblinghaus - Innsbruck, Austria. Derecha,
(estilo neoclásico) La puerta de Brandemburgo, Alemania.

Teatro

Las artes escénicas también tuvieron una gran influencia de los grandes cambios
de la ilustración. De tal modo que las temáticas frívolas y superficiales, confusas y
mezcladas de las obras teatrales fueron reemplazadas por el estilo Neoclásico que
hizo hincapié en la necesidad de dar orden y sentido a esta importante expresión
artística. Fue así como el teatro tuvo un interés vigoroso por la estética del mismo,
la reglamentación de los diversos aspectos que rodeaban la creación de las obras,
la precisión en la representación y el enfoque social que debía tratar temas útiles al
tiempo que dejaba una enseñanza y entretenía al público, y la separación en
géneros para evitar confusión prohibiendo la mezcla de la comedia con la tragedia.
Adicionalmente, la mujer fue aceptada en el teatro, llegando a convertirse en
accionista de compañías de teatro y en artista con derecho a recibir un pago por su
trabajo.

Escultura y pintura

La escultura y pintura también presentaros los estilos de arte que influyeron en la

arquitectura y el teatro: el Rococó y el Neoclasicismo. En la escultura, se dejaron a
un lado las creaciones muy decoradas para dar paso a los bustos y figuras en yeso
blanco con toques clásicos y antiguos pertenecientes a las creaciones griegas y
romanas. También se dio paso a la admiración por la simetría y las líneas del
cuerpo, por lo cual los desnudos retornaron a la escultura. En términos de pintura,

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en la primera mitad del siglo XVIII el estilo rococó origino creaciones que
evidenciaban los intereses frívolos y superficiales de los europeos, su vida social,
las festividades y los paisajes. Cansados de ese pensamiento superficial, los
representantes de la razón influenciaron el arte y así fue como el Neoclasicismo
cambio las reglas de la pintura para centrar su inspiración en las temáticas del
conocimiento, la política, la razón y la critica que movían aquella época.

Figura 6. Izquierda, (estilo rococó) Jean-Honoré Fragonard - El columpio.

Derecha, (estilo neoclásico) Jean-Antoine Houdon - Diana la cazadora.

En conclusión, la ilustración fue una época que presento grandes cambios en la

estructura de la sociedad europea, en el pensamiento y el interés por el
conocimiento y las demandas de un pueblo cansado del sometimiento y la injusticia,
quien demandaba que sus soberanos generaran cambios que favorecieran su
precaria situación. Fueron estas reformas, que iniciaron como pañitos de agua tibia,
las que llevaron a la evolución de los europeos, al incremento por el interés hacia el
conocimiento y a pavimentar el camino hacia la revolución francesa y la
industrialización. Pequeñas reformas que terminaron en enormes cambios para
Europa y el mundo.

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