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500 Tips de Batería

1ª Edición, Lima-Perú, 2006.

2ª Edición, Lima-Perú, 2009.

© José Ricardo Santos Salazar, 2006.

Todos los Derechos Reservados por el Autor.

Prohibida la reproducción total o parcial de la obra, sin la autorización escrita del autor.

Esta obra es una publicación del Centro Educativo Ocupacional “Musicalia”.

e-mail: rickysantosbateria@hotmail.com

Página Web: http://rickysantosbateria.blogspot.com

Impreso en Talleres Gráficos <SONAR> - Lima – Perú

Jr. De la Unión Nº 284 – Dpto. 508 – Cercado de Lima
Teléfonos 428-4727 y 688-6128
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Introducción
Esta obra ha sido escrita con el propósito de suministrar al baterista novel una serie de consejos prácticos que
puedan serle de utilidad al iniciarse en el dominio de su instrumento.

Se trata de medio millar de “tips” que pretenden orientarlo en temas diversos relacionados con la batería, y como
complemento de la mayoría de manuales a los que todos hemos recurrido alguna vez para aprender a tocarla. Por otro lado,
intenta abordar ciertos tópicos que tales textos no desarrollan, o bien lo hacen, a mi modesto entender, de manera
insuficiente.

Hacia el final del libro incluyo diez consejos que a manera de “decálogo” nos remiten a aquellas cualidades que
célebres bateristas consideran fundamentales para el ejecutante, así como una serie de escuetos comentarios en relación a
los videos y referencias bibliográficas que han contribuido a dar forma y fondo a este esfuerzo.

Quiero dedicar esta obra a mi pequeña y adorada hija Nuria, y disculparme con ella por los momentos que le he robado
escribiéndolo. Con el favor de Dios, ya habrá tiempo de compensarla.

Espero que la obra les guste, y que sigan disfrutando del inmenso placer de tocar la batería.

Lima-Perú, Junio de 2006.

Ricky Santos
Baterista
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1.- ¿Cuáles son las funciones básicas del baterista?

♪ Las funciones básicas del baterista pueden dividirse en primarias y secundarias, atendiendo (más
que a su importancia) al orden o secuencia en que deben ser aprendidas y llegadas a dominar.

2. ¿Cuáles son las funciones primarias del baterista?

♪ Son dos:
♫ mantener el ritmo de la pieza musical a un “tempo” determinado; y
♫ embellecer su interpretación mediante los recursos técnicos que sean convenientes.

3.- ¿Cuáles son las funciones secundarias del baterista?

♪ Son dos:
♫ capacidad de improvisar un acompañamiento básico de cualquier género; y
♫ capacidad de improvisar un solo de batería cuando le sea requerido.

4.- ¿Cuáles son las partes básicas de la batería?

♪ La estructura básica de una batería estándar incluye un set de tambores y otro de platillos (con sus
respectivos soportes y atriles). Asimismo, los pedales del contratiempo y del bombo, el asiento del
baterista y diversos tipos de percutores.

5.- ¿Cómo se llaman los palitos comúnmente empleados para tocar batería?
♪ Se conocen como baquetas (“drumsticks”) o palillos (“sticks”).
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6.- ¿Cuáles son las partes de la baqueta?

♪ Típicamente son:
♫ punta (“tip”) o extremo distal;
♫ cuello, contera (“taper”) o zona de afilamiento;
♫ caña, cuerpo (“body”) o zona de balance;
♫ mango (“shaft”) o zona de agarre; y
♫ cabo (“butt”) o extremo proximal.

7.- ¿Qué otra forma hay de dividir la baqueta?

♪ En “tres tercios”, de acuerdo a su posición y a su función principal:
♫ superior, distal o de percusión (punta y cuello);
♫ medio, de balance o de equilibrio (cuerpo); e
♫ inferior, proximal o de empuñadura (mango y cabo).

8.- ¿Existe alguna otra forma de dividir las baquetas?

♪ La última es la que emplean los fabricantes a fin de clasificarlas. Para ello, sólo diferencian entre
punta y palillo, entendiendo por este último todo el resto de su estructura, desde donde comienza el
cabo hasta donde termina la contera. Esto puede crearte un problema de sinonimia (ver tip Nº 5).

9.- ¿Cuál es la regla general para el empleo de las baquetas?

♪ Percutir con punta y cuello (tercio percutor) y agarrarlas por mango y cabo (tercio de empuñadura).
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10.- ¿Se puede percutir con otra parte de la baqueta?

♪ Sí. El cuerpo puede emplearse para aumentar la potencia del “rim shot”, en tanto que el recurso de
invertir el agarre de la baqueta permite reforzar el “cross stick”.

11.- ¿Cómo se clasifican actualmente las baquetas?

♪ La forma más práctica es la que emplean los principales fabricantes:
♫ por el material, grosor y longitud del palillo; y
♫ por el material, tamaño y forma de la punta.

12.- ¿Con qué maderas se confeccionan las baquetas?

♪ La mayoría de baquetas se fabrican a base de abedul (“birch”), nogal (“hickory”) y arce (“maple”). En
el Perú también se emplean maderas autóctonas, como la chonta y el guayacán.

13.- ¿Con qué otros materiales se fabrican las baquetas?

♪ Recientemente han aparecido baquetas de aluminio y de grafito, así como algunas de madera con una
varilla metálica interna (alma) para proporcionarles mayor peso. v.gr. “Heavy Jazz” de Zildjian®.

14.- ¿De qué grosor son los palillos?

♪ Su grosor varía entre los números 1 y 8, siendo la regla que a mayor número menor grosor, y
viceversa. Sin embargo, comercialmente se dispone de los números 2, 3, 5, 7 y 8, estas últimas
llamadas también “combo”; en cambio, es muy raro encontrar a la venta baquetas 1, 4 ó 6.
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15.- ¿De qué longitud son las baquetas?

♪ En términos generales, tienen una longitud de 15” a 17”, pero la mayoría se ubican alrededor de 15 y
½ pulgadas. Asimismo, difieren en su grosor y su punta. Las baquetas más gruesas se usan para tocar
rock, y las más delgadas para interpretar jazz.

16.- ¿Con qué materiales se confecciona la punta de una baqueta?

♪ La punta puede ser del mismo material (prolongando el palillo) o de nylon, siendo esta última más
resistentes al desgaste y de mejor rebote.

17.- ¿De qué tamaño es la punta de la baqueta?

♪ La punta puede ser delgada o gruesa, para cuya denominación se emplean las letras <A> y <B>,
respectivamente. La regla es que exista una cierta proporcionalidad entre los grosores del palillo y
la punta, de suerte que es raro encontrar baquetas <2A> ó <7B>. Los más comunes se hallan entre el
<2B> y el <7A>, pasando por el <3A>, <3B>, <5A> y <5B> como modelos intermedios.

18.- ¿Qué forma puede tener la punta de una baqueta?

♪ Su forma puede ser ovalada, lacrimal, redondeada o cilíndrica. Generalmente, la forma del tip afecta
la respuesta sonora de cualquier percutible, al igual que su tamaño y el material del cual está hecha.
En tal sentido, los principales fabricantes de percutores ofrecen modelos sugeridos por los más
connotados bateristas, dando lugar a modelos personalizados que se encuentran a nuestra
disposición en el mercado.
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19.- ¿Cómo se identifica el material del que esta hecha la punta de la baqueta?
♪ Si tienen punta de nylon o de madera se les agrega o no la letra <N>, respectivamente. v.gr. las más
gruesas son las “2BN” o “nylon tip rock drumsticks” y las “2B” o “wood tip rock drumsticks”; las más
delgadas son las “7AN” o “nylon tip jazz drumsticks” y las “7A” o “wood tip jazz drumsticks”.

20.- ¿Cuáles son las mejores marcas de baquetas?

♪ Las mejores marcas de baquetas, y en general de los diversos tipos de percutores, son Ahead, Latin
Percussion (LP), Pro-Mark, Regal Tip, Vater, Vic Firth y Zildjian, en estricto orden alfabético.

21.- ¿Cómo se deben agarrar las baquetas?

♪ Existen dos tipos de empuñadura o “agarre”:
♫ tradicional (“traditional grip”), generalmente empleado por los bateristas de jazz; y
♫ emparejado (“matched grip”), que es el más popular y difundido entre los bateristas de rock.

22.- ¿Es necesario dominar ambos tipos de empuñadura?

♪ Es ideal pero no necesario. Más importante es dominar completamente cualquiera de ellos.

23.- ¿Cómo cojo las baquetas en el “agarre emparejado”?

♪ Debes coger ambas por el mango, sujetándolas con el dedo pulgar por encima y adentro y el dedo
índice por debajo y afuera; el cabo debe terminar entre las eminencias tenar e hipotenar del talón
de cada mano.
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24.- ¿Qué ventaja aporta el agarre emparejado?

♪ Este tipo de empuñadura es más simple, provee potencia a ambas baquetas, y se recomienda cuando
la tarola se ubica horizontalmente, pues facilita el “rim shot” (golpe simultáneo sobre el aro y el
parche); es por ello el agarre preferido por los bateristas de rock y por aquellos que no han recibido
formación académica. Pese a lo dicho, existen bateristas de jazz que hacen uso de este tipo de
agarre, como los hay de rock que prefieren la empuñadura tradicional; finalmente, la decisión de
cuál agarre emplear es más una cuestión de gusto y habilidad personales.

25.- ¿Cómo se cogen las baquetas en el “agarre tradicional”?

♪ La baqueta derecha se coge igual que en el agarre emparejado. El mango de la baqueta izquierda
debe estar sujeto entre el dedo pulgar por fuera y el índice por dentro, y el cuerpo pasar entre el
dedo medio por arriba y el anular por debajo.

26.- ¿Qué ventaja aporta el agarre tradicional?

♪ Esta empuñadura provee fineza a la baqueta izquierda, y es la preferida por los bateristas de jazz.
Por otro lado, facilita el uso de la escobilla con la mano izquierda, un tipo especial de percutores al
que también se suele recurrir para interpretaciones de jazz.

27.- ¿De qué criterio ha dependido históricamente el uso de uno u otro tipo de empuñadura?
♪ Clásicamente, se dice que el agarre tradicional es el indicado cuando la tarola se ubica ligeramente
inclinada, y que el agarre emparejado lo es cuando ésta se dispone horizontalmente.
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28.- ¿Qué variantes tiene el agarre emparejado?

♪ Son tres, las cuales se mezclan dinámicamente en toda interpretación, dependiendo del momento de
cada tema:
♫ Agarre Alemán;
♫ Agarre Francés; y
♫ Agarre Americano

29.- ¿En qué consiste el agarre alemán?

♪ En que la muñeca va paralela al plano de la tarola.

30.- ¿Cuál es su utilidad?

♪ Con la mano derecha sirve para llevar un ritmo de negras sobre la campana del ride e imprimir mayor
fuerza a la ejecución. Con la mano izquierda permite ejecutar el "cross-stick".

31.- ¿En qué consiste el agarre francés?

♪ En que la muñeca va perpendicular al plano de la tarola.

32.- ¿Para qué sirve el agarre francés?

♪ Sirve para aplicar "notas fantasmas", golpes con rebote y "rim-shot" en la tarola, para golpear los
tomes, para percutir los platillos de estallido ipsilaterales, y para llevar un ritmo de corcheas en el
cuerpo del ride o del hi-hat.
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33.- ¿En qué consiste el agarre americano?

♪ En que la muñeca forma un ángulo de 45º respecto al plano de la tarola; en tal sentido, es una
posición intermedia entre las dos anteriores.

34.- ¿Cuál es la utilidad del agarre americano?

♪ Esta empuñadura es la que solemos emplear para llevar el ritmo en la tarola y el borde del hi-hat, y
para percutir los platillos de estallido (crash y splash) contralaterales.

35.- ¿Qué criterio determina la angulación de la tarola?

♪ Debes tener presente que la tarola o caja de bordones existió antes que la batería, y fue empleada
por las bandas militares con el nombre de “redoblante”. Los marchantes la inclinaban hacia abajo y
empleaban el agarre tradicional, con lo que tocarla se volvía un simple juego de muñecas; de este
modo se facilitaban los redobles y se reducía el desgaste físico. Al incorporar la caja a la batería se
fue reduciendo hasta eliminar (e incluso invertir) tal inclinación, y pese a que el baterista no la toca
parado sino sentado, se mantuvo la clásica empuñadura. La mano izquierda se encargaría de percutir
la tarola, mientras que la derecha quedaría en libertad para percutir el resto del kit. Aún hoy, los
percusionistas formados en conservatorio y los bateristas de jazz siguen prefiriendo la empuñadura
tradicional.

36.- ¿Con qué otros elementos se puede tocar la batería?

♪ Con las baquetas rectas de timbal (sin cuello ni punta), las escobillas, las bazoras y los mazos.
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37.- ¿Cuál es la denominación común de las baquetas, escobillas, bazoras y mazos?

♪ Genéricamente deben ser denominados “percutores manuales”. Este término resume perfectamente
la función de todos ellos, cual es percutir haciendo uso de tus manos.

38.- ¿Cuál es la utilidad de las escobillas (“drumbrushes”)?

♪ Las escobillas o brochas son muy útiles para interpretar jazz estándar. Constan de un mango y un
conjunto retráctil de cerdas metálicas o plásticas que se desprenden de él en forma radiada.

39.- ¿Cómo se usan las escobillas?

♪ Si bien se venden en pares, es muy común que sólo emplees una de ellas, sea con la mano izquierda
para frotar sus cerdas en el parche de la tarola, o con la mano derecha para percutir en forma
suave los platillos. En el caso de usar ambas, lo usual es “frotar con la izquierda y pegar con la
derecha”, con una técnica cuya exquisitez excede el propósito introductorio de esta obra. Al
respecto te recomendaría el curso de la escuela de música de Berklee. Puedes adquirirlas en
variados modelos de las marcas Regal Tip, Silverfox, Vic Firth y Zildjian, ya sea con cerdas de metal
o de plástico.

40.- ¿A qué se conoce como “flairz”?

♪ A un modelo muy especial de escobillas, en el que las cerdas metálicas han sido compactadas en una
sola pieza con aspecto de resorte, la cual se enrosca en el mango. Es un producto exclusivo de
Gauger Percussion Innovations®.
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41.- ¿Para qué sirven las bazoras (“tied sticks”)?

♪ Las bazoras o varillas de tensión fueron creadas por Regal Tip®, y alcanzaron su esplendor cuando
se las empleó para tocar bossa nova. Tienen un mango del cual se desprende un manojo de varillas de
madera o plástico; a diferencia de las escobillas, tales varillas se mantienen siempre juntas por
medio de un precinto (“tie”) que las rodea para limitar su apertura. La calidad sonora producida por
este tipo de percutor depende de la posición de dicho precinto, ya que éste puede correr a todo lo
largo del manojo, cerrándolo más si lo colocas hacia la punta o abriéndolo parcialmente si lo ubicas
cerca al mango. Son también producidas por Ahead®, Flix®, Silverfox®, Vic Firth® y Zildjian®.

42.- ¿Con qué fin se emplean los mazos (“mallets”)?

♪ Diseñados específicamente para tocar timbales sinfónicos o vibráfonos, sirven para redoblar en el
napoleón o los platillos, generando un sonido continuo que es muy útil en los arranques y los remates.

43.- ¿Qué tipo de mazos están disponibles en el mercado?

♪ Los de punta “algodonosa” para percutir tambores, y los de punta “en madeja” para percutir platillos.
Te recomiendo los modelos de las marcas Vic Firth y Zildjian.

44.- ¿Dónde me debo sentar para tocar la batería?

♪ En el taburete, usualmente giratorio y con un dispositivo para regular su altura. El cojín suele ser
tapizado y relleno de una espuma de alta calidad. v.gr. D900 Drum Throne con Memory Foam de
Pearl®. Cualquiera que sea, deberá proporcionarte estabilidad y confort.
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45.- ¿Existe algún otro tipo de asiento para bateristas?

♪ Efectivamente. Recientemente han aparecido en el mercado taburetes ergonómicos y sillas para
bateristas, que brindan gran comodidad. Este tipo de asientos son muy útiles para los bateristas de
mayor estatura, ya que alcanzan alturas superiores a las de los bancos convencionales.

46.- ¿En qué consisten los taburetes ergonómicos?

♪ En realidad se trata de asientos muy parecidos a los de una motocicleta. De forma triangular y
vértice delantero, te permiten orientar fácilmente tus piernas hacia los dos pedales. Te recomiendo
los modelos de la serie “Moto” de Mapex®.

47.- ¿En qué consisten las sillas para baterista?

♪ Por su aspecto semejan los clásicos asientos secretariales; cuentan con respaldar anatómico, cuatro
patas metálicas y un amplio margen para regular la altura del cojín. Te recomiendo los modelos de
las series “DS” (drum-stool) de Yamaha® y “BR” (back-rest) de Pearl®.

48.- ¿Cuál es la postura correcta para tocar batería?

♪ Con la espalda erguida, los brazos algo separados del tronco y sentado en el borde delantero del
asiento, para gozar de libertad de movimiento en las piernas y accionar los pedales con facilidad.

49.- ¿Cómo dispongo mis pies para tocar batería?

♪ Si eres diestro, el pie izquierdo en el pedal del contratiempo y el derecho en el pedal del bombo.
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50.- ¿Cuál es la posición correcta de las piernas para tocar batería?

♪ Tu muslo derecho debe ir en forma recta hacia el bombo, en tanto el izquierdo debe abrirse unos 45
grados, de modo que entre ambos formen una “V”; para terminar de “cerrar” un triángulo ubicarás la
tarola. Las córcovas de ambas rodillas deben estar anguladas en aproximadamente 90 grados.

51.- ¿Cuáles son los tambores de una batería estándar?

♪ Los tambores de una batería estándar son la tarola o caja de bordones (“snare drum”), y los tomes o
tantanes (“tom toms”). Estos últimos pueden ser: los dos de vuelo (“rack toms”); el de piso,
“napoleón” o “goliat” (“floor tom”); y el de pie o “bombo” (“bass drum” o “kick drum”).

52.- ¿Dónde se montan los tambores?

♪ En soportes penetrantes (tubulares) o flotantes (colgantes) para los tomes de vuelo; en tres patas
metálicas o en un soporte flotante para el napoleón; en dos parantes con púas para el bombo; y en el
atril de la tarola.

53.- ¿En qué consiste una “cabina”?

♪ En un conjunto de paneles acrílicos que rodean la batería para lograr su aislamiento sonoro.

54.- ¿Cuál es la utilidad de aislar la batería con una cabina?

♪ Reducir su sonoridad, especialmente en espacios pequeños; facilitar las condiciones de registro y
grabación; y evitar la emisión de armónicos indeseables por su proximidad con otros instrumentos.
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55.- ¿Qué es una “jaula”?

♪ Es un armazón de metal en forma de arco semicircular o semipoligonal, provisto de abrazaderas y
parantes en los cuales montar los tambores y platillos de la batería.

56.- ¿Cuál es la utilidad de la jaula?

♪ Facilitar la ubicación de todos los elementos percutorios, especialmente cuando haces uso de un
número tal que resultaría poco funcional tener que colocar tantos atriles y soportes a tu alrededor.
Te recomiendo los modelos de la marca de hardware Gibraltar.

57.- ¿Qué conocemos por “torres”?

♪ Las torres o “lugs” son las clavijas de anclaje que rodean a los tambores, en las que se atornillan
unos pasantes (“tensores”) que atraviesan los aros para sujetar los parches a presión.

58.- ¿Qué tipo de torres existen?

♪ Las hay simples, para un solo tensor, como las que se usan en los tomes de vuelo, de piso y de pie; y
dobles, como las que se emplean en la mayoría de tarolas, para sujetar un tensor superior y otro
inferior a la vez. Sin embargo, algunas tarolas disponen de torres simples para ambos aros.

59.- ¿Cuántas torres deben llevar los tambores de una batería?

♪ Su número es variable, pues está en relación con el diámetro de cada tambor. Existen dos reglas
prácticas respecto al número correcto de torres con que debe contar un tambor.
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60.- ¿Cuál es la primera regla respecto al número de torres de un tambor?

♪ La primera regla dicta que para cualquier tambor, y siempre que sea posible, debe haber un “número
par” de torres, a fin de asegurar la tensión de los parches “frente a frente”. Esto facilita las tareas
de afinación, pues permite mantener el equilibrio tensional de los parches en ambos extremos en
todo momento. Su única excepción son algunos tomes de 10” que cuentan a veces con 5 torres.

61.- ¿Cuál es la segunda regla respecto al número de torres de un tambor?

♪ La segunda regla práctica dicta que para los tomes de vuelo, de piso y de pie, su número debe ser de
“una torre por cada dos pulgadas de diámetro”. Así tenemos que los tomes de vuelo de 8” llevan 4,
los de 10” suelen tener 5 y los de 12” cuentan con 6. En el caso del napoleón de 16” es común ver que
en los modelos populares llevan 6 lugs, pero en las baterías de mejor calidad cuentan con 8. Algo
similar ocurre con los bombos de 20”, que en las baterías económicas llevan 8 torres, en tanto que
las más finas disponen de 10.

62.- ¿Cuáles son las excepciones a esta última regla?

♪ Las excepciones a esta regla son: los tomes de 13” con 6 lugs, por su diámetro “impar”; el bombo de
22” con 10 torres y no 11, por ser éste también un número “nono”; y la caja de bordones.

63.- ¿Por qué tampoco se cumple la última regla con la caja de bordones?
♪ Por la función redoblante de la tarola, que requiere mayor tensión en los parches. Es por ello que
puede contar hasta con 10 torres, pese a que su diámetro usual es de tan sólo 14 pulgadas.
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64.- ¿Existe alguna regla respecto al tamaño de los tomes de vuelo, de piso y de pie?
♪ Para cualquier batería, el alto de un tom de vuelo es menor que su diámetro, el alto de un tom de
piso (napoleón) es igual que su diámetro, y el largo del tom de pie (bombo) es menor que su diámetro.

65.- ¿Existen diferentes tipos de batería de acuerdo a las dimensiones de sus tomes?
♪ Efectivamente. Podemos diferenciarlas en 2 tipos básicos:
♫ las baterías estándar (modelo comúnmente llamado “power”) que se comercializan ampliamente
en el mercado, y que son empleadas para tocar rock y otros géneros populares; y
♫ las baterías de jazz.

66.- ¿Cuáles son las dimensiones de los tomes en una batería estándar para rock y en una para jazz?
♪ En términos generales son las siguientes:
♫ el alto de un tom de vuelo es 2 pulgadas menor que su diámetro (10”x12” y 11”x13” para rock y
8”x10” y 10”x12” para jazz);
♫ el alto del tom de piso es igual a su diámetro (16”x16” para rock y 14”x14” para jazz); y
♫ el largo del tom de pie (bombo) es 4 pulgadas menor que su diámetro (18”x22” para rock y
16”x20” para jazz).

67.- ¿En qué consiste una batería de fusión (“fusion”)?

♪ Se trata simplemente de una configuración especial, en la que los tomes de vuelo y de piso son de
10”, 12” y 14”, como en las baterías de jazz, pero el bombo es de 22”, como en las baterías de rock.
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68.- ¿A qué llamamos parches (“drumheads”)?

♪ A las dos tapas de cada tambor. Generalmente confeccionados con materiales sintéticos de diversa
calidad, vienen montados en su propia armazón, para cubrir completamente cada “hueco” de tus
tambores. Sobre ellos se colocan los “rings”, que se aseguran atornillando los pasantes en las torres.

69.- ¿Con qué materiales se elaboran los parches?

♪ Se usan dos derivados del poliéster, ambos inventados por Dupont®: el Mylar y el Kevlar. El primero
sirve para confeccionar parches para batería, mientras que el segundo, mucho más resistente, se
reserva para los tambores de banda (militares, escolares y callejeras) así como para fabricar
protectores contra impacto. v.gr. los que se adhosan al parche batidor del tom de pie para
protegerlo del golpeteo constante del mazo del pedal de bombo.

70.- ¿Qué riesgo existe si empleamos parches de kevlar en los tambores de la batería?
♪ En principio se fabricaron con este propósito, pero los bateristas se dieron cuenta que les producía
diversos tipos de lesiones, por lo que se tuvo que replantear su finalidad. Desde entonces todos los
parches para tambores de batería se fabrican exclusivamente con mylar.

71.- ¿Cómo se denominan los parches de un tambor?

♪ Al superior (“top head”), que es donde vas a golpear, se le llama parche “de percusión”, “batidor” o
“batero”, en tanto que al inferior (“bottom head”), dada su función, se le conoce como “parche de
resonancia”.
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72.- ¿Cómo se clasifican los parches para batería?

♪ La más simple es por el número de capas de mylar y por el grosor de cada una de ellas. Usualmente
hay 3 grosores de capas: 3, 7 y 10 Mil; el número de capas puede ser una o dos. De su combinación
resultan los 4 grosores más difundidos para parches de batería:
♫ 1 Capa x 3 Mil = 3 Mil (parche de resonancia para tarola) v.gr. Remo® Snare Side
♫ 1 Capa x 7 Mil = 7 Mil (parche de resonancia para tomes) v.gr. Remo® Diplomat
♫ 1 Capa x 10 Mil = 10 Mil (parche de percusión para tarola) v.gr. Remo® Ambassador
♫ 2 Capas x 7 Mil = 14 Mil (parche de percusión para tomes) v.gr. Remo® Emperor

73.- ¿Qué es el Mil?

♪ Es una unidad referencial de grosor, equivalente a la milésima parte de una pulgada, esto es, 25.4
micrómetros (milésimas de milímetro).

74.- ¿Cuáles son las mejores marcas de parches?

♪ Las mejores marcas de parches son Aquarian, Evans y Remo.

75.- ¿Qué son los “rings”?

♪ Los aros o “rings” son anillos metálicos que aseguran los parches contra el tambor. Cada cierto
trecho tienen unos huecos en igual número y posición que las torres. Es ahí donde se atraviesan los
pasantes, que permiten ajustarlos, junto con los parches, a los lugs. Cabe mencionar que algunas
tarolas cuentan con aros de madera, a fin de ofrecer una tonalidad distinta a los golpes sobre ellos.
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76.- ¿Qué es el “toque”?

♪ Sensu estricto, es el golpe de un percutor sobre cualquier elemento percutible. Otra acepción está
referida a la “calidad” con que ejecutas un golpe. v.gr. con la práctica uno mejora “su toque”. En
adelante emplearemos para todo fin la primera acepción, esto es, como sinónimo de golpe.

77.- ¿Cómo se clasifican los toques sobre los parches?

♪ Los toques o golpes pueden ser clasificados de acuerdo a su:
♫ número (cantidad de impactos);
♫ intensidad (fuerza de los mismos); y
♫ acoplamiento (relación entre ellos).

78.- ¿Cómo se clasifican los golpes por su número?

♪ Por su número los golpes pueden ser clasificados en dos tipos básicos:
♫ simples, ejecutados con un solo movimiento de la muñeca, el antebrazo y/o los dedos:
 golpe único o “single stroke” G = Golpe
 golpe de rebote o “bounce stroke” G+R = Golpe + Rebote
 golpe de redoble o “drumroll stroke” G + R + A = Golpe + Rebote + Arrastre
♫ múltiples, formados por una sucesión variable de golpes únicos. v.gr. golpes dobles y redobles.

79.- ¿A qué se conoce como golpe único (“single stroke”)?

♪ A un solo golpe sobre el parche, de intensidad variable y con un rebote proporcional de la baqueta.
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80.- ¿A qué se denomina golpe de rebote (“bounce stroke”)?

♪ Al obtenido guiando el rebote con los dedos luego de un golpe único. Conocido por tal motivo como
golpe “digital”, debes efectuarlo empleando el índice como apoyo de tu baqueta, accionándola con el
medio y el anular. No debes confundirlo con los golpes “con” rebote, que son los más comunes.

81.- ¿Qué es un golpe de redoble (“drumroll stroke”)?

♪ Es realmente un golpe “redoblado”. Para obtenerlo golpeas el parche superior de la tarola y dejas
rebotar la baqueta mientras la arrastras hacia tí. Recuérdalo por su nemotecnia <GRAS> : Golpe +
Rebote + Arrastre = Sonido. No debes confundirlo con un verdadero “redoble”, formado por varios
golpes rápidos y sucesivos empleando ambas baquetas.

82.- ¿Cuál es la utilidad del golpe de redoble?

♪ Es muy útil en los arranques (“breaks”), aplicándolo sobre la tarola con la baqueta izquierda, y
alternándolo con varios “rim shots” con la baqueta derecha. v.gr. la técnica de “abanico” de los
timbaleros. Asimismo, para concluir los remates, ejecutándolo en la tarola con la mano izquierda,
acompañado del bombo y del golpe sobre el platillo crash con la mano derecha.

83.- ¿Cómo se clasifican los golpes por su intensidad?

♪ Por la fuerza del impacto, los golpes simples pueden ser:
♫ acentuados (“accented strokes”); y
♫ no acentuados (“unaccented strokes”).
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84.- ¿En qué consiste un golpe acentuado (“accented stroke”)?

♪ En uno de mayor fuerza, para lo cual el percutor debe partir de lo alto (“high position”) antes de
impactar contra el parche. En el pentagrama de percusión se escribe con un signo “>” (mayor que)
por encima de la nota respectiva.

85.- ¿Cómo se clasifican los golpes acentuados?

♪ Los golpes acentuados pueden clasificarse en:
♫ “golpe fuerte” o “full stroke” <F>, en el que el percutor luego de impactar regresa a la posición
de origen (“high position”); y
♫ “golpe y abajo” o “downstroke” <D>, en el que el percutor luego de impactar se eleva hasta una
posición próxima al parche (“low position”).

86.- ¿A qué se denomina golpe de poder (“power stroke”)?

♪ A un golpe simple y fuerte al centro mismo del parche. Se trata del ejemplo más conspicuo de golpe
acentuado, y su utilidad práctica reside en poder determinar la posición correcta de tus tambores,
los que deben ubicarse a tal distancia de tu cuerpo que puedas accesarlos con soltura y exactitud.

87.- ¿Es el sonido del golpe de poder el mejor que puede brindarnos un tambor?
♪ Sensu estricto, no. Se considera que la mejor zona para golpear un tambor es un poco por fuera de
su punto medio (1”→2”), y especialmente por encima del centro. Esto se debería al hecho de que se
destaca más el sonido al momento de “micrar” el tambor.
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88.- ¿En qué consiste un golpe no acentuado (“unaccented stroke”)?

♪ En uno de menor fuerza, para lo cual el percutor debe partir de la proximidad del parche (“low
position”) antes de impactar contra el mismo. En realidad, no es el único tipo de golpes que no se
acentúan, ya que los “golpes medios”, aunque algo más fuertes, tampoco lo hacen.

89.- ¿Cómo se clasifican los golpes no acentuados?

♪ Los golpes no acentuados pueden clasificarse en:
♫ “golpe suave” o “tap stroke” <T>, en el que el percutor luego de impactar regresa a la posición
de origen (“low position”); y
♫ “golpe y arriba” o “upstroke” <U>, en el que el percutor luego de impactar se eleva hasta una
posición más alta (“high position”).

90.- ¿En qué consisten los golpes o notas fantasmas (“ghost strokes” o “ghost notes”)?
♪ En percutir de manera muy suave el parche de un tambor, especialmente la tarola. Son el ejemplo
más típico del “tap stroke”, y se escriben en el pentagrama con la nota entre paréntesis o con un
“óvalo” más pequeño.

91.- ¿A qué se denomina golpe medio (“half stroke”)?

♪ Es el golpe más común con que percutes tus tambores. Ni acentuado ni mínimo, no comienza ni
termina tan alto ni tan bajo, siendo por ello de intensidad media. Junto con los golpes acentuados y
no acentuados conforman el amplio espectro de los llamados “golpes con rebote”.
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92.- ¿La tonalidad e intensidad de los golpes varía de acuerdo al sitio del parche donde se aplican?
♪ Puedes obtener discretas variaciones de tonalidad y volumen en cada sector imaginable del parche,
ofreciéndote sonidos más agudos y suaves en su periferie, y más graves y fuertes hacia el centro.
Tales diferencias resultan de la distinta tensión del parche en sus anillos interior, medio y externo,
como discutiremos posteriormente.

93.- ¿A qué se llama el “óvalo” de una nota?

♪ A la parte circular de su figura representativa o, para que lo entiendas mejor, a su “bolita”. Por
ejemplo, en la “redonda” sólo hay un óvalo claro; en la “blanca” hay un óvalo claro y un palito, que se
llama “plica”; en la “negra” el óvalo es oscuro y también tiene una plica; en la “corchea”, la
“semicorchea” y la “fusa” hay también un óvalo oscuro, pero en el extremo opuesto de la plica hay
uno, dos o tres “ganchillos”, respectivamente. v.gr. la viñeta de este tip corresponde a una corchea,
mientras que las que acompañan el siguiente tip corresponden a semicorcheas.

94.- ¿Cómo se clasifican los golpes por su acoplamiento?

♪ Por la relación entre ellos, los golpes múltiples pueden ser clasificados en:
♫ notas regulares: golpes dobles (“double stroke”) en adelante;
♫ notas continuas: redobles (“drumroll”);
♫ notas discontinuas: galopes y contragalopes;
♫ notas alternas: “single-diddles” y “paradiddles”; y
♫ notas de adorno o acciacaturas: “flams” y “drags”.
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95.- ¿Qué es el “double stroke”?

♪ También conocido como “diddle”, es el golpe doble sobre el parche de un tambor, cuando ambos se
ejecutan con el mismo miembro en forma sucesiva y aplicando la misma fuerza.

96.- ¿Se pueden ejecutar diddles en el tom de pie?

♪ Si bien el diddle más conspicuo es de ejecución manual, es también posible ejecutarlo en el bombo.
Para ello se suele recurrir a la técnica de deslizamiento (“slide”) sobre el pedal de bombo.

97.- ¿En qué consiste el “redoble”?

♪ El redoble (“drumroll”) consiste en una serie de golpes rápidos y sucesivos que se ejecutan con
ambas baquetas, cuando se desea mantener un sonido continuo y parejo en la tarola. Técnicamente,
se trata de un ritmo de fusas en adelante.

98.- ¿Qué tipo de redobles son los más comunes?

♪ De acuerdo a los golpes aplicados por cada mano, los redobles más comunes son:
♫ el simple o “single stroke roll”, ejecutado con un golpe por cada mano; y
♫ el doble o “double stroke roll”, ejecutado con dos golpes por cada mano.

99.- ¿Cuál es el redoble más popular?

♪ El más empleado es el redoble doble o “double stroke roll”, también conocido como “daddy-mammy”,
en el que ambas manos alternan la ejecución de dos golpes con cada una.
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100.- ¿Por qué es necesario dominar el diddle y el rebote para efectuar un redoble doble?
♪ Porque en éste los golpes dobles se van convirtiendo progresivamente en múltiples rebotes en la
medida que lo aceleras (“cerrarlo”), ocurriendo lo opuesto cuando reduces su velocidad (“abrirlo”).

101.- ¿El redoble simple puede también “cerrarse”?

♪ El redoble simple es generalmente abierto y, como lo señala el célebre baterista Gene Krupa, su
“cierre” es extremadamente complejo y de escasos fines prácticos, por lo que no lo abordaremos.

102.- ¿En la práctica como se diferencian ambos momentos del redoble doble?
♪ Clasificándolo en redobles “cerrados” y “abiertos”. El redoble cerrado es uno a base de múltiples
rebotes que se ejecutan desde la inmediata proximidad del parche, en tanto que el redoble abierto
es uno a base de golpes dobles que parten a corta distancia del mismo. Técnicamente, el redoble
cerrado es ya un “ritmo no medible”, como explicaremos posteriormente.

103.- ¿A qué se conoce como “buzz”?

♪ Término inglés que significa zumbido, el “buzz” expresa la percepción auditiva carente de
acentuación y de solución de continuidad que debe caracterizar al redoble cerrado.

104.- ¿Cuál es la mejor zona de la tarola para obtener un “buzz”?

♪ Es la parte periférica del parche, porque ahí la tensión es máxima dada la inmediata proximidad con
las torres.
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105.- ¿Cómo se expresan en el pentagrama los redobles?

♪ Hay varias maneras de hacerlo, por lo que describiremos sólo las dos más comunes:
♫ Notación <1>.- Denotar los redobles simples y dobles abiertos mediante fusas, y los redobles
dobles cerrados por medio de semifusas, por tanto tiempo como dure el redoble, y señalando
el sticking correspondiente. Aunque algo discutible, es la notación más fácil de entender.
♫ Notación <2>.- Denotar los redobles mediante un “trino”, esto es, la nota que exprese su
duración temporal atravesada por tres barras que corten su plica, ligando su óvalo al de otra
nota de igual valor que marque el fin del redoble. Esta notación, aunque algo más compleja, es
la preferida por los músicos.

106.- ¿Qué notas temporales identifican a los redobles?

♪ Si bien es cierto que tanto un redoble simple como uno doble abierto se identifican clara y
debidamente con golpes de fusas, resulta prácticamente imposible establecer el número exacto de
rebotes que permiten alcanzar el buzz al cerrar un redoble doble; por tal motivo, mal haríamos en
afirmar de manera concluyente que se trata de semifusas. Tal inexactitud es la que hace que
muchos consideren al redoble doble cerrado como un “ritmo no medible”.

107.- ¿Qué conclusiones se desprenden del tip anterior?

♪ Son dos las principales:
♫ Reservar la Notación <1> para los redobles simples y dobles abiertos; y
♫ Reservar la Notación <2> para los redobles dobles cerrados.
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108.- ¿Qué es un ritmo no medible?

♪ Es un término acuñado con el propósito de describir la verdadera naturaleza de los redobles dobles
cerrados, en los que no es posible establecer con exactitud el número de golpes y rebotes que
generan el buzz. Es para ellos que se creó el trino, en la asunción que no menos de tres impactos por
baqueta nos habrán de generar el zumbido que lo caracteriza.

109.- ¿Qué se conoce como córcova?

♪ La córcova es el espacio de tiempo que media entre el golpe y el rebote o viceversa. Como un buen
redoble no debe producir cambio perceptible alguno ni en la velocidad ni en la intensidad del sonido,
su aparente desaparición es fundamental para la correcta ejecución del mismo.

110.- ¿Pueden efectuarse redobles en otras partes de la batería distintas a la tarola?

♪ Se pueden ejecutar cortos redobles dobles abiertos en el hi-hat cerrado; son muy vistosos, y a tal
fin contribuyen tanto su estructura sólida como su posición fija. Eventualmente puedes efectuarlos
también en los tomes de mano. Finalmente, recurriendo a los mazos se logran excelentes redobles
sobre los platillos volantes, cuya vibración continua genera un sonido en todo equivalente al buzz.

111.- ¿Cómo debo “sectorizar” el parche de percusión de la tarola a efectos de percutirlo?

♪ Divídelo imaginariamente en tres anillos: uno interno (al centro), uno externo (cerca al ring) y otro
intermedio (entre los dos anteriores). Esta división se aplica tanto los parches unitonales (una sola
capa del todo homogénea) como a los politonales, que exacerban estas misma características.
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112.- ¿Cúal es la utilidad de dividir el parche superior de la tarola en anillos?

♪ Dado que la tensión del mismo es mayor en la proximidad del aro, y que los modernos parches
politonales cuentan con una “sordina en anillo”, algunos incluso con menor grosor al aproximarse a su
centro, resultan ideales para diferenciar los golpes aplicados en estos tres sectores. Debemos sin
embargo reiterar que estas distinciones se aplican también a los parches unitonales:

♫ anillo externo → > tensión (y > grosor) → > rebote y < intensidad sonora
▲ideal para ejecutar “tap strokes”. v.gr. notas fantasmas y redobles cerrados

♫ anillo intermedio → ± tensión (y ± grosor) → ± rebote y ± intensidad sonora

▲ideal para ejecutar golpes simples y dobles. v.gr. redobles simples y abiertos

♫ anillo interno → < tensión (y < grosor) → < rebote y > intensidad sonora
▲ideal para ejecutar “full strokes”. v.gr. golpes de poder y “rim shot”

113.- ¿A qué llamamos notas discontinuas?

♪ Las notas discontinuas se ejecutan principalmente en la tarola, al igual que los redobles, pero
difieren de éstos en dos aspectos fundamentales:
♫ se trata de ritmos de semicorcheas, esto es, menos acelerados que los redobles; y
♫ carecen exprofesamente de continuidad, vale decir, presentan hoyos o silencios que permitan
darles un carácter galopante.
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114.- ¿Qué tipo de notas discontinuas existen?

♪ De manera simple podemos diferenciarlas en:
♫ Galopes, cuando los silencios (“x”) se ubican regularmente, generando la impresión auditiva del
rápido andar de un caballo:
 Repetir los patrones <DIDx> ó <DIxI> ó <DxDI> ó <xIDI> (D=Derecha e I=Izquierda).
♫ Contragalopes, cuando los silencios (“x”) se ubican irregularmente, generando efectivamente la
impresión auditiva del equino tratando de detenerse:
 Alternar los patrones <DIDx> ó <DIxI> ó <DxDI> ó <xIDI> (D=Derecha e I=Izquierda).

115.- ¿Cuál es la utilidad de las notas discontinuas?

♪ Los galopes y contragalopes sirven fundamentalmente para efectuar los denominados cambios
breves, cortes o “fills”, al dar término a una frase de la pieza musical, y más frecuentemente al
culminar un verso o estrofa que al poner fin a un coro o estribillo. También puedes recurrir a ellos
en los arranques y los remates de una canción.

116.- ¿En qué consiste un tresillo (“triplet”)?

♪ En insertar una tercera nota entre dos de igual valor. La necesidad de incrementar la velocidad de
ejecución obliga a veces a emplear golpes simples con una mano y dobles con la otra, generando así el
primer tipo de notas alternas comúnmente llamado “single-diddle”. El mejor ejemplo para entender
esta figura es imaginarse un sofá de dos cuerpos, en el que se hallaban sentadas dos personas, a las
que se agrega una tercera, quedando todos acomodados aunque algo más apretaditos.
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117.- ¿Qué otra aplicación tienen los golpes tipo “single-diddle”?

♪ No todo “single-diddle” se emplea para ejecutar tresillos, pues también son útiles para realizar
“fills” a ritmo de semicorcheas en todos y cada uno de tus tambores. Asimismo, para aplicar golpes
de platillo sucesivos, separados entre si por golpes dobles en la tarola.

118.- ¿Cómo se expresa en el pentagrama un tresillo?

♪ El tresillo se escribe en el pentagrama con una barra horizontal que une las tres plicas y un “3” en su
centro. Por otro lado, si debe ejecutarse mediante golpes simples con una mano y dobles con la otra,
deberá consignarse el “sticking” correspondiente por debajo de cada una de sus notas.

119.- ¿A qué se denomina “sticking”?

♪ También llamado patrón de digitación, no es más que la anotación de una letra por encima o por
debajo de una nota, para señalar con qué palillo (“stick”) debe efectuarse el golpe.

120.- ¿Con qué letras suele expresarse el patrón de digitación?

♪ Para golpes con la mano derecha se pueden emplear las letras “D” (derecha) o “R” (right), y para
golpes con la mano izquierda se usan las letras “I” (izquierda) o “L” (left).

121.- ¿A qué se conoce como “paradiddle”?

♪ A un recurso técnico que consiste en alternar golpes dobles con golpes simples con cada mano. La
secuencia básica se conoce como Paradiddle Simple, y su sticking es el siguiente: D-I-D-D-I-D-I-I.
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122.- ¿Cuál es la utilidad del paradiddle?

♪ La principal es permitir la acentuación del golpe simple que viene luego del golpe doble. Siguiendo el
ejemplo del tip anterior, la secuencia de golpes, según su intensidad, sería la siguiente: <D>, <U>,
<T>, <T>, <D>, <U>, <T>, <T>. Nótese que los golpes dobles están formados por “tap strokes”, en
tanto que los golpes simples son “downstrokes” post-diddle y “upstrokes” pre-diddle. En este caso,
cada “upstroke” prepara el siguiente “downstroke” con la mano ipsilateral, mientras la otra ejecuta
el diddle con golpes más suaves desde la proximidad del parche (“tap strokes”).

123.- ¿Puede ejecutarse el paradiddle sin golpes acentuados?

♪ Efectivamente. Si bien es cierto que su principal utilidad es permitir la acentuación del golpe simple
que viene luego del golpe doble, el paradiddle puede ejecutarse a tal velocidad que la acentuación
resulte casi imperceptible. Esto es especialmente cierto cuando se ejecuta sobre la tarola, formado
únicamente con golpes suaves, pudiendo estructurarse incluso un simil de redoble a sus expensas.

124.- ¿Qué es un paradiddle modificado?

♪ Es un simil del paradiddle simple (antes descrito) en el que la secuencia se modifica para permitir
que los golpes dobles se apliquen siempre con mano dominante. v.gr. D-I-D-D-I-D-D-I.

125.- ¿A qué llamamos un “flam” (acciacatura de dos golpes)?

♪ A un recurso técnico que consiste en que ambas manos percutan casi simultáneamente, aunque con
distinta intensidad. Se trata de la forma más popular y conocida de las “notas de adorno”.
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126.- ¿Qué golpes forman parte de un flam?

♪ El flam se genera con dos golpes: el primero suave (upstroke), denominado quiebro, apoyatura o
“grace note”; y el segundo fuerte (downstroke), llamado nota principal o “main note”. Ambos golpes
deben aplicarse sobre un mismo parche, a diferencia de los denominados “flat flams”.

127.- ¿Cómo se expresa el flam en el pentagrama de percusión?

♪ En el pentagrama se anota el quiebro mediante una corchea de óvalo más pequeño, atravesada por
una barra (“slash”) que antecede a la nota que identifica al golpe fuerte, y conectadas ambas a
través de una pequeña ligadura entre sus óvalos; puede también anotarse el respectivo sticking.

128.- ¿Cómo se denominan los flams?

♪ Los flams pueden ser derechos o izquierdos, dependiendo de la mano que aplique la nota principal.

129.- ¿En qué consiste un “flat flam”?

♪ En percutir simultáneamente dos parches distintos aplicando una fuerza instantánea similar. Los
más vistosos se dan entre la tarola y el napoleón o entre ambos tomes de vuelo, ejecutándolos de
manera sucesiva y aplicando un matiz “in crescendo” (aumentando progresivamente su intensidad).

130.- ¿Qué es un “drag” (acciacatura de tres golpes)?

♪ Es otro tipo de nota de adorno, qué consiste en emplear dos quiebros (“tap-up”) sobre un mismo
parche antes de aplicar el golpe fuerte en el mismo tambor u otro distinto.
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131.- ¿Qué golpes forman un drag?

♪ En este caso el primer quiebro es un tap stroke, ya que la baqueta debe quedar cerca al parche para
aplicar la segunda apoyatura; el segundo es un “bounce-upstroke”, un rebote controlado del primer
quiebro seguido por una mayor elevación de la baqueta; y la nota principal es un típico downstroke.

132.- ¿Cómo se expresa el drag en el pentagrama de percusión?

♪ El drag se representa mediante dos semicorcheas de óvalo pequeño que se unen por una barra doble,
y una ligadura que une el primer óvalo con aquel de la nota principal.

133.- ¿Para qué sirven las notas de adorno?

♪ Su utilidad es la de “engrosar” un compás, reduciendo el efecto de los silencios dentro del mismo
mediante el empleo de notas más largas y acentuadas. v.gr. un ritmo de corcheas que va seguido de
uno o varios flams en negras. Suelen emplearse especialmente en los cambios breves y en los solos.

134.- ¿Qué es “mano ociosa arriba” <MOA>?

♪ Es un principio fundamental de ejecución en batería, que consiste en que la mano que no toca debe ir
inmediatamente hacia arriba para preparar el siguiente golpe.

135.- ¿Cuál es la utilidad del principio <MOA>?

♪ El principio <MOA> es uno de los recursos técnicos más importantes para generar tanto velocidad
como acentuación, y es por ello de máxima importancia en los flams y en los paradiddles.
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136.- ¿Cómo se aplica el principio <MOA> a los flams?

♪ Tras el flam, la mano de apoyatura debe elevarse más que la del golpe fuerte, de modo que si se
suceden varios flams tendrás que alternar quiebros y golpes con ambas manos.

137.- ¿Cómo se aplica el principio <MOA> a los paradiddles?

♪ En el caso del paradiddle, tras culminar el doble golpe con una mano, la otra debe hallarse en alto
para acentuar el golpe simple que sigue al diddle, alternando una y otra mano en la ejecución de los
golpes dobles y los golpes simples acentuados.

138.- ¿En qué consiste “ahogar” un tambor (“choking a drum”)?

♪ En limitar su resonancia. Para ello pegas una mano al parche inferior o el extremo de una de tus
baquetas al parche superior, mientras percutes con la otra.

139.- ¿En qué consiste “afinar” un tambor?

♪ En tensar sus parches, tanto el superior o de percusión como el inferior o de resonancia, hasta
obtener el sonido deseado. Para ello ajustas los pasantes a las torres, de modo que el ring apriete
los parches contra el tambor y los estire. A más ajuste mayor estiramiento y agudeza del sonido.

140.- ¿Con qué aditamento se afinan los tambores?

♪ Con la llave de batería, que calza en la cabeza de los pasantes que han de ser ajustados a las torres.
Las tienes en dos modelos principales, en “T” y de “manivela”, como revisaremos posteriormente.
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141.- ¿Cómo se modifica el tono de un tambor?

♪ El tono aumenta cuando ajustas más un parche, para lo cual giras los tensores en sentido horario;
por el contrario, su tono disminuye cuando lo desajustas, girando los pernos en sentido antihorario.

142.- ¿Cómo podríamos resumir estos conceptos?

♪ A más apretado un parche, más agudo el sonido, y a más suelto un parche, más grave el sonido.

143.- ¿Dónde debo ubicar la tarola?

♪ Entre tus rodillas, hacia tu izquierda, y a una altura algo superior a la de tus muslos.

144.- ¿Qué peculiaridades tiene el atril de la tarola?

♪ Dispone de mecanismos para regular la altura, la angulación y el grado de sujeción de la tarola.

145.- ¿Por qué se le llama “snare drum”?

♪ Por la bordonera o “snare”, presente exclusivamente en ella.

146.- ¿Qué tipos de tarola existen?

♪ Las hay de acero y de madera; desde pequeñas (8” de diámetro) hasta amplias (14” de diámetro);
anchas (6”→8”) y estrechas (3”→4”); de 4, 6, 8 ó 10 torres; con bordoneras delgadas y gruesas; con
aros de metal o de madera; con palanca de uno o varios tiempos; con o sin sordina interna o externa;
y con variedad de parches: unitonales o politonales, lisos o ásperos, y de grosores variables.
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147.- ¿Y cuál es la mejor?

♪ La que genera el sonido que más te gusta. Ten presente que a diferencia del resto de las piezas de
la batería, que tienen estructuras más o menos similares, el sonido que genera la tarola responde a
muchas variables. Por ello se presta a que los bateristas más famosos diseñen sus propios modelos,
los que luego se exhiben en catálogos para ser puestos a la venta a precios a veces exorbitantes.

148.- ¿A qué se denomina el “hoop”?

♪ Al aro superior de la tarola. A su vez, el canto superior del hoop forma también el borde (“rim”) del
tambor, el cual puede servir de elemento percutorio. v.gr. en el rim shot.

149.- ¿Para qué otras cosas sirve el hoop?

♪ Como vemos, no sólo para sujetar el parche superior; puede también servir como punto de fijación
de un “claw” o de ciertos tipos de sordinas externas.

150.- ¿Cómo puede ser clasificada la percusión de la tarola?

♪ Puede ser clasificada de acuerdo a la mano percutora y a la parte percutida.

151.- ¿Cómo se clasifica la percusión de la tarola de acuerdo a la mano percutora?

♪ Para un baterista diestro, con la tarola ubicada hacia su izquierda, ésta puede ser:
♫ a manos cruzadas (“cross handed”) o “natural”: con la mano izquierda; y
♫ a manos abiertas (“open handed”) o “directa”: con la mano derecha.
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152.- ¿Cómo se clasifica la percusión de la tarola de acuerdo a la parte percutida?

♪ La tarola puede ser percutida en las siguientes partes:
♫ sobre el parche;
♫ sobre el hoop (“cross stick”); y
♫ simultáneamente sobre ambos (“rim shot”).

153.- ¿Cuál es la forma más común de percusión de la caja de bordones?

♪ La gran mayoría de bateristas percuten la tarola en forma cruzada o natural, esto es, con la mano
izquierda, reservando la mano derecha para los “platillos de ritmo”, como el contratiempo y el ride.

154.- ¿Cuál es la utilidad de los golpes sobre el hoop?

♪ Constituyen una alternativa al empleo de algunos elementos autófonos, como los cencerros y los
aglomerados (“blocks”).

155.- ¿A qué se conoce como elementos “autófonos”?

♪ Los autófonos o “idiófonos” son aquellos elementos que suenan por si mismos al ser percutidos o
sacudidos, como los cencerros, los aglomerados, las panderetas y los platillos.

156.- ¿En qué se diferencian los golpes sobre el hoop de los aplicados en los autófonos?
♪ Aparte de su distinta calidad sonora, en que los primeros se efectúan generalmente en forma
cruzada (“cross stick” y “rim shot”) en tanto que los segundos se suelen ejecutar en forma directa.
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157. ¿Cómo se debe ejecutar un “cross stick” (“side stick” o “rim click”)?
♪ Con la baqueta izquierda invertida y su tip pegado al parche como pivote (“a las 8”), elevas el resto
del palillo y percutes el lado opuesto del aro con su tercio inferior (“a las 2”).

158.- ¿Cómo puedo modificar la sonoridad del “cross stick”?

♪ Corriendo un poco la baqueta. Si pegas cerca al cabo el tono del golpe aumenta, su intensidad se
reduce y comprometes sólo al hoop, en tanto que si lo haces cerca al cuerpo su tono disminuye, la
intensidad aumenta y comprometes también a la caja de resonancia.

159.- ¿En qué consiste el “rim shot”?

♪ En aplicar un golpe fuerte, seco y sin rebote (“dead stroke”) en la tarola, de modo que el cuerpo de
la baqueta toque el canto superior del hoop (“rim”) mientras su extremo toca el parche. Para ello,
antebrazo, mano y baqueta deben ir juntos y rectos desde lo alto, hasta encontrarse casi
horizontales al momento del impacto. Dada su potencia y el hecho de reforzar los tiempos débiles
de un compás, se le llama también “golpe de acentuación”. Es un recurso técnico muy empleado por
los bateristas de rock, y explica su tendencia a ubicar la tarola algo más elevada y sin inclinación.

160.- ¿En qué se diferencian los parches de la tarola de los del resto de tambores?
♪ En que mientras que en los tomes se usan parches de resonancia de 7 a 10 Mil, en la tarola se emplea
uno de tan solo 3 Mil. Por otro lado, el parche superior de la tarola suele ser áspero, opaco y de 10
Mil, en tanto que en los tomes debes preferir los de doble capa, algo más gruesos (14 Mil).
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161.- ¿Por qué el parche de percusión de la tarola suele ser áspero?

♪ Porque se le agrega un revestimiento (“coating”) para aumentar la eficacia de las escobillas. Es por
ello el modelo preferido por los bateristas de jazz como parche batidor.

162.- ¿Cuál es la ventaja de los “parches politonales” en la tarola?

♪ Se trata de parches que buscan modificar o exacerbar los caracteres sonoros de la caja. Para ello
se le agregan o retiran aplicaciones (como sordinas, coating o underlaying) a fin de generar zonas
distintas dentro del parche, cada una capaz de proporcionar una sonoridad diferente. De ahí que se
les denomine “politonales”.

163.- ¿Cuáles son los mejores parches politonales?

♪ Los mejores son los “Powerstroke-3” de Remo®. Son parches de una sola capa de 10 Mil, a los que se
agregan una sordina en anillo por su superficie interna, además de contar un “recorte” circular al
centro de su superficie externa. Si retiras el recorte eliminas el “coating”, con lo que obtienes tres
secciones de sonoridad distinta:
♫ una externa (“coated” y con sordina) para aplicar golpes suaves;
♫ una media (“coated” y sin sordina) para golpes medios; y
♫ una media o interna ( sin “coated” ni sordina) para golpes fuertes.

164.- ¿Cómo adhiero más la sordina en anillo del parche “Powerstroke-3” a su superficie interna?
♪ Con una brochita “pinta” el espacio entre ambos con clara de huevo antes de montarlo.
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165.- ¿Qué tipo de bordoneras llevan las tarolas de batería?

♪ La más común es la de acero, con 21 hilos festoneados y dispuestos en una sola hilera.

166.- ¿Existe algún otro tipo de bordonera?

♪ En efecto, las hay con hilos rectos, con bordones de material sintético, o filamentos dispuestos en
dos hileras. También pueden variar en el número de hilos, fluctuando entre 12 y 42. Finalmente,
algunos fabricantes han ideado un nuevo tipo de bordonera, en la que se puede regular la tensión de
cada bordón para lograr una afinación más precisa.

167.- ¿Cuál es la importancia de la bordonera?

♪ Elevar la tonalidad de la caja, la que sin ella oscilaría entre los 300 y 1500 Hz. Por otro lado,
sostener la vibración del parche inferior, a fin de generar continuidad en los redobles.

168.- ¿Dónde va la bordonera?

♪ Atraviesa de lado a lado el parche inferior (“parche bordonero”), montada en su superficie externa,
y tensada por ambos extremos para que se adhiera al parche de resonancia de este tambor.

169.- ¿Cómo se sujeta la bordonera?

♪ Al efecto cuenta en cada extremo con dos orificios laterales, y otro rectangular y central; los
primeros para pasar una pita, y el del medio para acodar una cinta plástica en forma de “U”. Sea pita
o cinta, sus extremos se enganchan en la prensa y la palanca de la tarola, a fin de fijar la bordonera.
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170.- ¿En qué consiste la prensa de la tarola (butt plates)?

♪ En un par de placas ubicadas en la parte externa de la caja, las que se atornillan una contra la otra
para reducir la luz entre ambas. Es en dicha luz que se insertan ambos extremos de una de las
cintas plásticas o las dos puntas de la pita, procediendo a tensar la bordonera halando de tales
cabos y atornillando las placas.

171.- ¿Cómo funciona la palanca de la tarola (strainer)?

♪ Ubicada en el lado opuesto de la caja, la palanca cuenta con un mecanismo de enganche similar al de
la prensa, al que se agregan una perilla giratoria que incrementa el estiramiento de la bordonera y
una palanca que tracciona aún más ya sea la otra cinta plástica o la pita restante, terminando de
tensar el “snare”. Esta última parte del mecanismo es la que le da el nombre a la pieza completa.

172.- ¿Qué determina el redoble de la tarola?

♪ Los siguientes factores: sus dimensiones, la tensión del parche de percusión, el grosor del parche de
resonancia, el número de torres, y el tipo y ajuste de la bordonera. Las más redoblantes son las de
mayor diámetro, menor anchura (tipo “piccolo”), de parche superior más tenso, con parche inferior
más delgado, de mayor número de torres, con bordonera más grande y más apretada.

173.- ¿Qué es un parche de impacto (“impact pad”))?

♪ Un autoadhesivo de vinilo (dicho propiamente Kevlar) que se pega en el punto de impacto del mazo
del bombo, a fin de evitar el desgaste prematuro de su parche de percusión.
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174.- ¿Qué otra utilidad tiene el parche de impacto?

♪ Sin ser propiamente una sordina, también ayuda a amortiguar el sonido del bombo, pues reduce los
efectos del impacto del mazo contra el parche.

175.- ¿Qué modelos de parche de impacto existen?

♪ Los más populares son los producidos por Aquarian®, disponibles en los dos tipos siguientes:
♫ el “Single Kick Pad”, de forma circular, para un solo mazo de bombo; y
♫ el “Double Kick Pad”, para soportar el impacto de ambos mazos de un doble pedal de bombo.

176.- ¿Existen productos similares a los antes mencionados?

♪ Uno es el “Vinyl Impact Pad” de Gibraltar®, aunque de menor calidad, ya que es acartonado y no
cuenta con capas desglosables. El otro es el “Falam Slam” de Remo®, muy parecido al de Aquarian
por ser netamente sintético; aunque de menor diámetro y grosor, viene provisto de un repuesto.

177.- ¿Qué es una “sordina”?

♪ Es un amortiguador de la intensidad de sonido de un tambor.

178.- ¿De qué tipo de sordinas disponemos?

♪ En el mercado contamos con sordinas internas y sordinas externas. Mientras que las sordinas
internas forman parte estructural de algunas tarolas, las sordinas externas pueden colocarse o
retirarse de cualquier tambor de mano, según convenga al baterista.
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179.- ¿Dónde encontramos las sordinas internas?

♪ Mayormente en tarolas de banda, que las traen de fábrica. Tienen una perilla giratoria que regula el
ajuste de una circulina de fieltro, que toca por dentro y en paralelo la superficie del parche batidor.

180.- ¿Si mi tarola no cuenta con sordina interna puedo instalarle una al menos parecida?
♪ Sí. Existen sordinas externas de estructura similar a las sordinas internas, para tarolas que no
vienen con este dispositivo; se aseguran en el hoop mediante una mariposa, y la única diferencia es
que el fieltro toca el parche superior por su cara externa. Las mejores son las de la marca Dixon.

181.- ¿Qué otro tipo de sordinas externas existen?

♪ Las más populares son las de anillos de plástico, que se colocan encima de los parches de percusión
de todos los tambores de mano de tu batería. También contamos con la “minE-mad” de Evans®, que
se adhosan por sus extremos circulares al parche batidor, dejando flotar su parte media
rectangular sobre el parche, dando el aspecto de una “U” invertida; son ideales para los tomes mano.

182.- ¿Qué características tienen las sordinas en anillo?

♪ Tienen un espesor de aproximadamente 1” a 2”, y vienen en juegos de diferente diámetro para todos
y cada uno de los tambores de mano. Te recomiendo las fabricadas por Aquarian, Dixon y Evans.

183.- ¿A qué llamamos tambores de mano?

♪ A todos aquellos que se percuten manualmente, esto es, los tomes de mano y la tarola.
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184.- ¿A qué llamamos tomes de mano?

♪ A todos los que se percuten manualmente, vale decir, los de vuelo y el de piso (napoleón).

185.- ¿Cuál es la ventaja de los parches hidráulicos en los tomes?

♪ Se trata de parches transparentes de doble capa, entre las cuales se extiende una fina lámina de
líquido, generalmente resina epóxica. Esta puede ocupar toda la extensión del parche (hidráulicos de
Evans®) o limitarse al anillo externo (Pinstripe de Remo®) a modo de una sordina. Al ser expuestos
al sol se observa a trasluz su descomposición en forma de arco iris. Estos parches generan sonidos
más graves y cálidos, que permiten distinguir netamente a los tomes. Por ello son ideales para
grabación, siendo su precio relativamente más caro.

186.- ¿Cómo ensordezco el sonido del bombo?

♪ Colocando en su interior una colcha enrollada o unas almohadas. Asegúrate que toquen por dentro el
parche de percusión. Si quieres algo más específico, puedes recurrir al “Bass Muffle Strip” de
Remo®, una especie de cojinete que reemplaza a la colcha o la almohada, o a un parche Powersonic
de Remo®, que cuenta con una sordina externa que se adhiere al parche mediante broches.

187.- ¿Qué es un “port-holes” (Aquarian®)?

♪ Un anillo autoadhesivo para proteger el recorte que a veces se hace al parche de marca del bombo
(“front bass drumhead”). Viene en colores blanco y negro, siendo su diámetro estándar de 5
pulgadas.
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188.- ¿Cuáles son las partes de un platillo?

♪ Son: el borde (“edge”); el hombro (“shoulder”) o cuerpo (“body”); y la cúpula o campana (“bell”).

189.- ¿Cómo se clasifican los platillos?

♪ Los platillos se clasifican en fijos y volantes.

190.- ¿A qué denominamos platillos fijos?

♪ A los dos del hi-hat, el superior o “top” y el inferior o “bottom”, que se controlan con pedal en un
atril especial. Al accionar el pedal, el top desciende e impacta con el bottom, haciéndolos sonar.

191.- ¿De qué factores depende la calidad sonora del hi-hat?

♪ Los principales factores que inciden en la calidad sonora del charles son:
♫ la categoría de los platillos, la cual se halla en relación con el fabricante y su “serie”;
♫ la aproximación entre ambos, que sin accionar el pedal debe ser de alrededor de 1 pulgada;
♫ su diámetro, de 10” a 15”;
♫ la angulación de ambos címbalos; y
♫ la ondulación del borde de los platillos. Estos dos últimos factores permiten el escape de aire
al cerrarlos con el pedal, evitando la formación de “bolsones” que deslucirían el sonido.

192.- ¿Puedo variar la distancia entre ambos platillos del charles?

♪ Sí, dependiendo tanto del tipo de música que interpretes como de tu gusto y estilo personales.
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193.- ¿Qué se conoce como “serie” de platillos?

♪ Es un término acuñado por los fabricantes para referirse a sus modelos, los que difieren en calidad
estructural. Las series pueden ser económicas, medias y altas, estas últimas de elevado costo, con
platillos claramente martillados, y las que suelen emplear los bateristas profesionales.

194.- ¿Ambos platillos de hi-hat son iguales?

♪ No. Si bien tienen el mismo diámetro, el cual puede ser de 10 a 15”, difieren en su peso, siendo el
inferior siempre más pesado que el superior.

195.- ¿Qué es la “copa” del hi-hat?

♪ Es la pieza que va a soportar el bottom en el atril del hi-hat. Generalmente viene premunida de un
perno autoroscante enresortado (“tilt screw”), el que al ser girado eleva una placa y un fieltro de
reposo del bottom, para que puedas regular la inclinación de este platillo. Esto te permitirá regular
la alineación de ambos platillos, para obtener un mejor sonido del contratiempo.

196.- ¿A qué llamamos “clutch” del hi-hat?

♪ Es el adminículo de montaje del top del hi-hat. Se trata de una pieza hueca que se desplaza
libremente por el vástago del atril, formada por un puntal superior y un perno inferior. El puntal
tiene una mariposa (“wing screw”) que se ajusta para fijar la pieza en el vástago. El perno tiene en su
exterior un hilo de entorche sobre el que se enroscan tres “lock nuts”: la rosca superior, la media y
la inferior; esta última, siempre más gruesa, sirve también de tope del clutch.
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197.- ¿Cómo se monta el top del hi-hat en el clutch?

♪ Deberás ubicarlo entre las roscas media e inferior, en tanto la superior te servirá de contratuerca.
Habrás de interponer siempre fieltros o gomas entre cada rosca y las superficies superior e
inferior del platillo. No ajustes demasiado los fieltros, para que el top conserve cierto bamboleo.

198.- ¿A qué se denomina “drop clutch” y cómo funciona?

♪ Es un tipo especial de clutch, diseñado para mantener el hi-hat cerrado mientras usas el pie
izquierdo en otro pedal. Consta de 2 piezas, la superior o “drop” y la inferior o “clutch”, que es uno
estándar al que se le retira la mariposa. El drop tiene una mariposa que lo sujeta al vástago de modo
similar al clutch convencional. Asimismo, cuenta con una palanca que controla un ganchito que
sostiene el puntal del clutch. Golpeando la palanca se safa el gancho, suelta el clutch, cae el top y el
hi-hat se cierra. Por el contrario, si accionas el pedal, desciende el vástago, baja el drop, el gancho
vuelve a coger el puntal y se cuelga nuevamente el clutch, recuperando con ello su uso convencional.

199.- ¿En qué caso sugieres usar un drop clutch?

♪ Especialmente al interpretar ciertos tipos de rock en los que tengas que emplear el pie izquierdo en
el doble pedal de bombo, y porque en tales géneros lo más común es percutir el hi-hat cerrado.

200.- ¿En qué consiste el principio “uno sube y el otro baja” <USOB>?
♪ En la necesidad de dominar el pedaleo bilateral alternado, útil para emplear el hi-hat principal y el
bombo, o para generar el doble golpe de bombo (a doble bombo o con doble pedal).
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201.- ¿Qué criterio determina la preferencia de uno u otro diámetro en los platillos del hi-hat?
♪ La sonoridad, la comodidad y la disponibilidad. Los de 10” (mini hi-hat) y de 15” (hard rock) son algo
difíciles de encontrar. Los más populares son por ello los de 13” para jazz y los de 14” para rock.

202.- ¿Qué es el “siseo”?

♪ Derivado del vocablo inglés “sizzle” (crépito o chisporroteo), es el sonido que se genera al percutir
el top del hi-hat abierto, seguido del cierre con pedal para detener su vibración. Clásicamente,
puedes lograr este efecto con el movimiento de la punta del pie izquierdo desde la posición talón
abajo (“heel down”), esto es, con la planta reposando sobre el pedal.

203.- ¿Se puede efectuar el siseo percutiendo el bottom?

♪ Efectivamente. Recuerda que este platillo es más grueso que el top, de modo que si lo percutes por
abajo y los cierras con el pedal te pueden brindar un siseo de tonalidad distinta a la convencional.

204.- ¿Cómo obtengo un “siseo corto”?

♪ Debes abrir el charles sólo un poquito desde la posición talón arriba (“heel up”), percutir el top y
cerrar el hi-hat tan pronto como puedas. Es equivalente al “ahogamiento” de los platillos volantes.

205.- ¿Qué tipo de pedales de hi-hat existen?

♪ Los mecánicos y los hidráulicos. Los primeros son los más económicos, e incluyen sistemas que por
medio de trabas y/o roscas permiten regular la fuerza a aplicar al accionarlos con el pie.
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206.- ¿Podrías señalar algunas reglas para el uso del pedal de hi-hat?
♪ La principal es marcar los tiempos mientras se lleva el ritmo en el ride:
♫ chocando los platillos y soltando el pedal para obtener un sonido brillante (“ching sound”); y
♫ chocando los platillos y dejándolos pegados para lograr un sonido seco (“chick sound”).

207.- ¿Podrías mencionar algunas reglas para la percusión del hi-hat?

♪ Golpearlo cerrado (“closed”) o entreabierto (“half-open”) para mantener el ritmo:
♫ tocarlo con la mano derecha hasta corcheas; y
♫ tocarlo con una o ambas manos desde semicorcheas.

208.- ¿Si el ritmo es rápido cómo debo percutir el hi-hat?

♪ Si bien un ritmo de semicorcheas en el hi-hat puede ser llevado con una mano, es muy común hacerlo
bimanualmente (“hand to hand”), acentuándolo “a tempo” tocando la tarola en forma directa.

209.- ¿A qué se llama “sloppy sound”?

♪ Es el sonido producido al percutir el hi-hat cerrado o “closed hat sound”. Es más seco, y para ello
debes presionar con mayor intensidad el pedal del contratiempo.

210.- ¿A qué se llama “sloshy sound”?

♪ Es el sonido producido al percutir el hi-hat entreabierto o “half-open hat sound”. Es más brillante, y
para ello debes presionar con menor intensidad el pedal del contratiempo.
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211.- ¿Qué ventaja aporta el platillo “wavy bottom hi-hat” (Paiste®)?

♪ Por su borde ondulante, impide la formación de bolsones de aire atrapados entre ambos címbalos,
aumentando el brillo del “ching sound” y reduciendo la sequedad del hi-hat cerrado.

212.- ¿Cuáles son los platillos volantes más empleados por los bateristas?
♪ Son el “ride”, el “crash-ride”, el “crash”, el “splash” y el “china voice”.

213.- ¿En qué consiste un set básico de platillos?

♪ En uno compuesto de dos platillos de hi-hat de 14”, un crash de 16” y un ride de 20”. Los tienes en
diversas marcas, como Meinl, Paiste, Sabian y Zildjian, por mencionar las más conocidas.

214.- ¿En qué consiste un set de platillos para efectos?

♪ En uno compuesto de un splash de 10” y un china voice de 18”.

215.- ¿Cuáles son los elementos básicos de ritmo en la batería?

♪ Los tambores de ritmo son la tarola y el bombo. Los platillos de ritmo son el contratiempo, que se
golpea durante los versos o estrofas, y el ride, que generalmente acompaña los coros o estribillos.

216.- ¿Cuál es la utilidad de los tambores y platillos de ritmo en la batería?

♪ Con ellos se marca la cadencia (“groove”) y el pulso (“beat”) de una canción, estructurando la mayoría
de compases. Por lo tanto, son las primeras partes de la batería que debes llegar a dominar.
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217.- ¿Qué otras partes pueden eventualmente contribuir a la cadencia de una pieza musical?
♪ El napoleón, un hi-hat secundario, el cencerro, los aglomerados o una pandereta montable de batería.

218.- ¿Para qué sirve el platillo “ride”?

♪ El término “ride” significa cabalgar en inglés. Este platillo sirve para marcar el ritmo durante los
coros o estribillos, así como durante los solos. Lo tocarás con la contera del palillo en su cúpula
hasta un ritmo de negras, y con la punta de la baqueta en su cuerpo a partir de corcheas.

219.- ¿Cuál es la utilidad del napoleón?

♪ Puedes emplearlo para mantener un ritmo de corcheas en géneros fuertes como el rock. Asimismo,
para ejecutar notas de adorno y flat flams junto a la tarola, o para efectuar golpes “off beat”
durante los coros. No obstante, su utilidad principal es la de permitirte completar un “fill”.

220.- ¿Para qué sirven los tomes de vuelo?

♪ Pueden servirte para reemplazar ocasionalmente a la tarola. También son útiles para ejecutar notas
de adorno y flat flams sobre ambos, o para efectuar golpes “off beat” durante los versos. Sin
embargo, su utilidad fundamental estriba en dar carácter a tus cambios breves.

221.- ¿Cuál es la función de los platillos crash y splash?

♪ A diferencia de los platillos de ritmo, la suya es brindar colorido transitorio, ya sea mediante
síncopas o acentuando los puntos iniciales e intermedios de algunas secciones de la pieza musical.
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222.- ¿A qué altura debo montar los platillos fijos del hi-hat?
♪ A una altura tal que te permita cruzar las manos para pegarle a la tarola y al charles sin que las dos
baquetas se golpeen entre sí, lo cual equivale a unos 30 cm de distancia vertical entre ambas piezas.

223.- ¿A qué altura debo montar los platillos volantes?

♪ Siempre por encima de tus tomes e idealmente no más altos que tus ojos.

224.- ¿Con qué tipo de atriles cuento para montar mis platillos volantes?
♪ Con atriles rectos o tipo “straight” y atriles angulares o tipo “boom”.

225.- ¿Para qué sirven los atriles rectos o tipo “straight”?

♪ Para montar los platillos volantes principales: el ride a la derecha y el crash a la izquierda.

226.- ¿Para qué sirven los atriles angulares o tipo “boom”?

♪ Para el resto de platillos, los que suelen ubicarse por encima de los tambores y volantes principales.

227.- ¿De qué magnitud deben ser los atriles?

♪ Un atril debe contar con dimensiones y fortaleza proporcionales al platillo que pretende soportar.

228.- ¿A qué se conoce como “cymbal adapters” (Taws Drum Works®)?

♪ A unas extensiones para los atriles, que te permiten agregar otro platillo por encima de un volante.
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229.- ¿En qué consiste la serie “cymbal stand attachment” (Yamaha®)?

♪ Se trata también de “extensores” para atriles. La ventaja de este sistema es que por contar además
con “anguladores” no necesitas apilar tus volantes, de modo que lateralizándolos ocupen menos
espacio vertical, aproveches más el espacio horizontal y accedas más fácilmente a cada uno de ellos.

230.- ¿Qué marca de atriles y pedales me recomiendas?

♪ Si bien casi todas las marcas de baterías cuentan con “herrajes” de calidad, no todas los venden por
separado. En tal sentido, te sugiero las marcas Axis, Gibraltar y Yamaha. Estas piezas deben contar
con fortaleza y versatilidad, sin dejar de lado su apariencia.

231.- ¿Cómo le debo pegar al “crash”?

♪ Su nombre te lo dice: “crash” quiere decir estrépito en inglés; así que sólo hay una forma de
pegarle: fuerte. Justamente por eso no lo tengas tan horizontal, porque con la potencia del golpe lo
podrías quebrar. Inclínalo, pero no tanto que te lleve a percutirlo con la punta de la baqueta, sino
hasta un punto que te permita darle con el cuello del palillo y en el borde para un sonido expansivo.
Si lo golpeas con el tercio final de la baqueta y en paralelo a su superficie, podrás obtener un sonido
más brillante; en este último caso no debes pegarle recto, sino lateralizando tu golpe, como quien le
da una cachetada o un latigazo.

232.- ¿Dónde debo ubicar mi platillo crash?

♪ A tu izquierda, entre el hi-hat y el tom de 12”, y a una altura que no sobrepase la de tus ojos.
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233.- ¿Cuál es la utilidad de contar con un platillo crash adicional?

♪ La principal es facilitarte la terminación de un “fill” a tu derecha, por lo que deberás colocarlo cerca
del último tom que suelas emplear en tus cambios breves. La segunda es permitirte percutir uno y
otro crash juntos o alternadamente en los remates. Si decides emplear un crash secundario, escoge
uno de sonoridad distinta a la del principal, ya sea por su diámetro, espesor o calidad.

234.- ¿Para qué sirve un platillo “splash”?

♪ El término “splash” quiere decir salpicadura en inglés. Este platillo te proporciona un sonido corto,
agudo y brillante, muy útil para matizar tu ejecución. Puede ser también una buena alternativa al uso
del crash, especialmente al medio de una “frase” (una estrofa o un estribillo).

235.- ¿Cómo le debo pegar al splash?

♪ En el cuerpo del platillo y con el cuello y la punta de tu baqueta para un sonido expansivo y brillante.
Si lo haces en el cuerpo con la punta del palillo y lo ahogas con tu otra mano, te dará un sonido aún
más corto que es muy útil en los solos.

236.- ¿En qué diámetros vienen los splash?

♪ Los splash vienen en diámetros de 6”, 8”, 9”, 10” y 12”.

237.- ¿Qué platillo splash me recomiendas?

♪ Depende de tu gusto, pero se aconseja escogerlos de una serie más alta que el resto de volantes.
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238.- ¿Qué es un “china splash”?

♪ Es un splash con forma de “china voice”, de tan sólo 8” ó 10” de diámetro, producido inicialmente por
Meinl®, aunque ahora también los fabrica Sabian®. Los puedes usar independientemente, o servirte
para montarlos por encima de un crash o un splash, juntando la pareja por sus cúpulas. Este
subterfugio, conocido como “stack”, le dará otro color al golpe sobre tus platillos de estallido.

239.- ¿Para qué sirve un platillo “crash-ride”?

♪ Este platillo funciona como ride si lo tocas con la punta de la baqueta, mientras que si lo haces con el
cuello o todo su tercio distal te sirve de crash. Tiene un diámetro de 18 pulgadas, y es una buena
opción cuando por cuestiones de economía quieres “matar dos pájaros de un solo tiro”.

240.- ¿En qué otra situación conviene disponer de un crash-ride?

♪ Cuando montas una batería minimalista, siempre más fácil de desplazar, o si sólo dispones de una
“batería de cocktail”.

241.- ¿En qué consiste una “batería de cocktail”?

♪ Diseñada por Hoffer®, está provista de de una tarola de 8” y un tom de 10”, montados a ambos
lados de un “floor bass tom” de 15”. Este último no es más que una especie de napoleón alargado,
sujeto en tres patas, cuyo parche inferior se percute con un pedal de impacto vertical. Cuenta con
un solo parante para platillos, con cuatro seguros, dos para sujetar un par de pequeños platillos fijos
(hi-hat cerrado) y otros dos para asegurar un volante, que suele ser un crash ride.
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242.- ¿Para qué sirve el platillo “china voice”?

♪ Llamado así por su parecido con un sombrero mandarín, puede ofrecerte sonidos envolventes,
campaneantes y brillantes, dependiendo de dónde lo percutas, con qué parte de la baqueta lo hagas,
de cuánto lo angules y hasta de cómo lo dispongas, puesto que algunos prefieren montarlo invertido.

243.- ¿Cómo debo disponer los platillos principales en mi batería?

♪ De izquierda a derecha: el hi-hat, el crash, el splash, el ride y el china voice. Usa de referencia un
splash, ubicándolo entre tus tomes de vuelo.

244.- ¿Para qué sirven los fieltros que se colocan por encima y por debajo de los platillos?
♪ Sirven de amortiguadores de los golpes, por lo que no deben estar resecos ni demasiado apretados
por la mariposa. Caso contrario, podrías terminar quebrando tus volantes.

245.- ¿Hay algún otro material empleado con este propósito?

♪ Existen unas gomas en forma de diamante, que son producidas por Mapex® para sus atriles.
Lamentablemente, no es común encontrar algún modelo similar en el mercado.

246.- ¿Qué se conoce como “acentuador” de platillo?

♪ Es un dispositivo que se articula en el extremo del atril. La parte inferior enresortada permite el
bamboleo del volante y la expansión de su sonido, en tanto que la superior cuenta con dos gomas
circulares enroscables, entre las cuales se ubica el platillo. Es un producto exclusivo de Aquarian®.
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247.- ¿Qué tipo de acentuadores me recomiendas?

♪ Te recomiendo los modelos “heavy” (amarillo) y “medium” (rojo); los primeros sólo para el ride y el
crash-ride, y los segundos para el resto de platillos volantes.

248.- ¿Los platillos suenan igual en cualquier posición?

♪ No. Recuerda que en mayor o menor grado son martillados, y como tales carecen de homogeneidad.
Por otro lado, es también importante la altura y la angulación que les des al montarlos en sus atriles.
Con la práctica les encontrarás su mejor posición, y terminarás empleando sus inscripciones de
marca o algún “quiñe” como referencia de la misma.

249.- ¿Es verdad que los platillos suenan mejor con el paso del tiempo?
♪ Esto es relativo, y siempre que no se hayan quebrado ni deformado. Hay quienes gustan del sonido
del platillo sucio, mientras que otros prefieren el de los platillos limpios o incluso nuevos. Al final, si
los platillos son de una buena serie, siempre habrán de sonar bien.

250.- ¿Con qué material se confeccionan los platillos?

♪ Los platillos de series bajas se hacen de Latón, que es una aleación de Cobre y Zinc, mientras que los
de series intermedias y altas se fabrican con Bronce, una aleación de Cobre y Estaño.

251.- ¿Con qué otros materiales se han fabricado platillos?

♪ Los han habido también de “Nickelsilver”, una aleación de niquel y plata patentada por Meinl®.
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252.- ¿En qué se diferencian las series de platillos?

♪ La diferencia más común es la calidad del bronce, tanto mayor cuanto más porcentaje de cobre,
pero también el proceso de fabricación. En el caso de los platillos más baratos, hechos de latón, no
existen mayores diferencias en cuanto a su estructura, diferenciándose más bien por su grosor y el
sonido final que puedan ofrecer.

253.- ¿Qué porcentaje de cobre tienen los platillos de mayor calidad?

♪ No menos del 8%, pudiendo llegar al 20%. Un caso especial es el de la marca Paiste, cuyos platillos
nunca exceden el 8% de cobre en su bronce, basando sus distintas calidades en el proceso de
fabricación.

254.- ¿Qué etapas tiene el proceso de fabricación de platillos?

♪ Las principales son tres:
♫ Martillado, que es el abollamiento del plato, ya sea manualmente o con un martillo hidráulico.
♫ Torneado, que le confiere la serie de círculos concéntricos que permiten el escape del sonido.
♫ Acabado, con sus respectivas inscripciones de marca y serie, y que le dan su aspecto final.

255.- ¿Qué platillos se martillan manualmente?

♪ En realidad muy pocos, pues la mayoría de fabricantes apelan actualmente a martillos hidráulicos,
incluso para confeccionar sus series más altas. De cualquier manera, hay algunos disponibles en el
mercado, los que puedes distinguir por su denominación común: “Hand Hammering”.
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256.- ¿Cómo debo limpiar mis platillos?

♪ No debes usar abrasivos, sino líquidos y pastas especialmente elaborados para limpiar bronce.

257.- ¿Existe una técnica común de limpieza de platillos?

♪ Sí; hacerlo suavemente, usar una mota o un aplicador, y esparcir el limpiador circularmente. Una vez
secos deberás retirar el limpiador, frotándolos con una franela hasta sacarles brillo.

258.- ¿Cuáles son los limpiadores más conocidos?

♪ Los producidos por los mismos fabricantes de platillos, como Meinl, Paiste, Sabian y Zildjian.

259.- ¿Cuál es el mejor limpiador de los que se fabrican en nuestro pais?

♪ Te recomiendo la pasta en chisguete “Brilla Metal” de Brasso®. Es un limpiador universal de bronce,
de bajo costo, y les da a los platillos un brillo que ninguno de los productos importados les ofrece.

260.- ¿Cómo usar el Brilla Metal?

♪ Te recomiendo primero enjuagar el plato con agua y shampoo, agregar la pasta, esparcirla y dejarlo
secar. Cuando la superficie se ponga seca y medio verdosa, comenzar a frotarla con una franela o un
trapo de paño seco, retirando toda la negritud y sacándole brillo. Finalmente, enjuaga nuevamente el
platillo con agua y shampoo, y luego sólo con agua corriente. Dejalo secar parado por un ratito, y
aplícale un trapito suave para terminar de secarlo. Después de unos minutos de ventilado, puedes
volver a instalarlo en su respectivo atril.
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261.- ¿Con qué tipos de madera se confeccionan los tambores?

♪ Si bien la más usada, especialmente en las baterías económicas, es el tilo americano (“basswood”),
las mejores maderas son el abedul (“birch”), el arce (“maple”) y la caoba (“mahogany”).

262.- ¿Qué ventajas aportan estos últimos tipos de madera?

♪ Básicamente, sonoridad y durabilidad.

263.- ¿Qué distingue las principales maderas empleados en la fabricación de tambores de calidad?
♪ Todas ofrecen un rango de tonos medios equivalente, pero difieren en la importancia relativa de las
tonalidades extremas:
♫ Abedul, que aporta menos tonos graves y más tonos agudos.
♫ Arce, que confiere tonos agudos y graves balanceados.
♫ Caoba, que ofrece menos tonos agudos y más tonos graves.

264.- ¿De qué diámetro deben ser los tomes de mano?

♪ Se considera ideal una misma diferencia de diámetro entre cada uno de ellos, la que debe fluctuar
entre 2 y 3 pulgadas. v.gr. cuatro tomes de 10, 12, 14 y 16 pulgadas o tres de 10, 13 y 16 pulgadas.

265.- ¿De qué diámetro suelen ser los tomes de mano?

♪ Pese a lo dicho, las baterías comerciales o estándar suelen incluir dos tomes de vuelo de 12” y 13”, y
uno de piso o napoleón de 16”.
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266.- ¿Qué otros tambores completan una batería estándar?

♪ El set de las baterías estándar se completa con una tarola de 14” (sea de acero, bronce o de la
misma madera que el resto de tambores) y un bombo de 20 ó 22 pulgadas.

267.- ¿Cómo debo colocar los tomes de vuelo para mejorar su acústica?
♪ Debes darles una ligera inclinación, de modo que al ejecutar un golpe de poder el ángulo que formen
tu baqueta y el parche no sea mayor de 30 grados.

268.- ¿Cómo debo disponer los tambores en la batería?

♪ Para un baterista diestro, la regla es de izquierda a derecha y de menor a mayor diámetro. Los
tomes de vuelo deben ir arriba y al frente, y los de piso abajo y a la derecha. La tarola va entre el
bombo y el hi-hat, y el bombo siempre abajo y al frente.

269.- ¿Qué otros tambores suelen agregarse a una batería estándar?

♪ Los más comunes son un tom de vuelo más pequeño, una tarola accesoria de menor anchura (tipo
piccolo), unas timbaletas, un napoleón adicional, un segundo tom de pie o incluso un bombo aéreo.

270.- ¿Por qué al goliat se le llama también tom de piso (“floor tom”)?
♪ Porque lo usual es montarlo sobre el suelo en tres patas metálicos. Sin embargo, algunas baterías
modernas lo llevan flotante, esto es, colgado en un pedestal especialmente diseñado para soportar
uno o dos napoleones. v.gr. un napoleón de 16” que complemente un set tipo jazz.
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271.- ¿A qué se conoce como bombo aéreo?

♪ Como su nombre lo indica, es un pequeño bombo, de 18”, usualmente carente del parche de
resonancia, que se ubica en lo alto y a la izquierda del set de batería, montado en un atril especial.
Se lo percute manualmente, y es muy útil al momento de los remates, especialmente si lo haces
auxiliado por unos mallets.

272.- ¿A qué se conoce como timbaletas?

♪ Es un producto exclusivo de LP®, que ahora los denomina también Mini-Timbales. Vienen dispuestos
en pares, y sus pequeñas dimensiones (6” y 8”) permiten incorporarlos a nuestro set de batería, sin
que ocupen mucho espacio. Lo usual es ubicarlos a la izquierda del hi-hat, y son muy útiles para
matizar cualquier tema, especialmente aquellos con influencias latinas. Están disponibles en dos
tonalidades: cromado y plata quemada.

273.- ¿Qué importancia tiene el grosor de los cascos?

♪ Independientemente del material con que se construyan, el grosor de los cascos guarda una relación
directa con el volumen final del tambor.

274.- ¿De qué depende el grosor del casco?

♪ Del número y espesor de sus placas (“ply”). El número puede ser de 4, 6 ú 8 placas, mientras que el
espesor estándar, adoptado por la gran mayoría de fabricantes, tiene un promedio de 1.25 mm
(0.05”) cada una.
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275.- ¿Qué ventajas relativas aporta un casco delgado?

♪ Un casco delgado (4 placas) vibra más y más rápido que un casco grueso, con lo que el tambor gana
en resonancia y sensibilidad, respectivamente. Como resultado, el sonido se expande más, aunque el
volumen se reduzca, por su mayor disipación. Es ideal para tocar en espacios reducidos, sin que
requieras micrar tu batería.

276.- ¿Qué ventajas ofrece un casco grueso?

♪ Un casco grueso (8 placas) gana en volumen, pero tiene menor sensibilidad, resonancia y plenitud que
otro más delgado. Las baterías de casco grueso son muy recomendables cuando se las va a micrar,
como puede ser un show al aire libre o un estudio de grabación, donde se requiere un sonido fuerte
pero bien concentrado.

277.- ¿Qué ventajas tiene un casco mediano?

♪ Los cascos medianos (6 placas) ofrecen un adecuado balance entre todos los parámetros antes
mencionados, prestándose a los requerimientos de un baterista versátil, que piensa emplear su
batería en cualquier tipo de situación o ambiente.

278.- ¿Qué parches debo ponerle a mis tomes de mano?

♪ Como ya mencionáramos, es recomendable usar parches lisos a ambos lados, de doble capa como
batidores y de una sola capa como resonantes.
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279.- ¿Deben ser iguales los parches de los tomes de mano?

♪ Lo recomendable es usar una misma línea de parches de percusión y otra diferente como parches de
resonancia, fijándose siempre que los superiores sean más gruesos que los inferiores.

280.- ¿Por qué usar parches más gruesos como batidores en los tomes?
♪ Porque al ser percutidos generan sonidos más graves que los parches delgados, como es de esperar
que suenen este tipo de tambores. Con tal propósito, han sido ideados los parches de doble capa.

281.- ¿Por qué usar parches delgados como resonantes en los tomes?
♪ Porque un parche delgado vibra más que uno grueso, aportándole resonancia al tambor, cual es
justamente la función del parche inferior.

282.- ¿Qué parches de doble capa me recomiendas para los tomes?

♪ Te sugiero los que cuentan con resina epóxica interpuesta entre ambas capas, ya sea en forma de
sordina en anillo (Remo Pinstripe y Aquarian Performance II) o en toda la extensión del parche
(Evans Hidráulicos).

283.- ¿Cuáles son las equivalencias entre los diferentes parches de percusión?
♪ Entre las 3 marcas más conocidas se consideran equivalentes los siguientes modelos:
♫ Doble Capa con Resina Epóxica.- Remo Pinstripe, Evans Hidráulicos y Aquarian Performance II.
♫ Doble Capa sin Resina Epóxica.- Remo Emperor, Evans Genera G2 y Aquarian Response II.
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284.- ¿Cuáles son las equivalencias entre los diferentes parches de resonancia?
♪ Entre las 3 marcas más conocidas son las siguientes:
♫ Monocapa de 10 Mil.- Remo Ambassador, Evans Genera G1 y Aquarian Classic Clear.
♫ Monocapa de 7 Mil.- Remo Diplomat, Evans Resonant y Aquarian Hi-Frequency.
♫ Monocapa de 3 Mil.- Remo Snare Side, Evans Hazy y Aquarian Snare Bottom.

285.- ¿Qué tipo de parches deben emplearse en el bombo?

♪ Como parche de percusión te sugiero uno de doble capa con resina epóxica interpuesta. El parche
frontal o de resonancia es el “parche de marca” de la batería, el cual puede ser completo u
horadado, y que deberá ser siempre más delgado que el parche posterior. Casi todos los parches de
marca tienen un grosor estandarizado de 7 Mil.

286.- ¿Se pueden emplear parches delgados como batidores en los tomes?
♪ Si, aunque no de menos de 10 Mil. De hecho, los bateristas de jazz prefieren esta configuración, y
especialmente aquellos con revestimiento (coated). Si bien generan tonos más agudos, debemos
reconocer que los golpes indviduales tienen más definición que en los parches más gruesos.

287.- ¿Debo afinar igual ambos parches de un tambor?

♪ Como regla general, el parche de resonancia debe estar más ajustado que el de percusión en todos
los tomes de vuelo, de piso (napoleón) y de pie (bombo). La única excepción formal a esta regla es el
caso de la tarola, cuyo parche superior puede ajustarse más que el inferior.
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288.- ¿Por qué ajustar más el parche de resonancia que el de percusión de un tambor?
♪ Porque con ello se aumenta la proyección de su sonido.

289.- ¿Por qué no se aplica esta regla a la tarola?

♪ Porque un parche de percusión más ajustado proporciona una tonalidad más alta al tambor, mientras
que un parche de resonancia más suelto ofrecera más juego a la bordonera.

290.- ¿Cómo debo afinar la tarola?

♪ Sin tensar la bordonera debe ofrecerte una nota más aguda que la de tu tom de vuelo más pequeño.
Por otro lado, su timbre deberá recordarte el sonido de un timbal. Una vez alcanzado este punto,
sube la palanca y comienza a jugar con su perilla, hasta obtener el sonido que buscas.

291.- ¿Cómo saber que el parche superior de la tarola está suficientemente “tenso”?
♪ Afinándolo hasta un punto en el que puedas ejecutar desde un claro golpe de redoble hasta un buen
redoble cerrado.

292.- ¿Cómo debo afinar el bombo?

♪ El tom de pie siempre debe proporcionarte una nota más grave que la de tu tom de piso más grande.

293.- ¿Cómo saber que el parche de percusión del bombo no está demasiado “flojo”?
♪ Afinándolo por lo menos hasta un punto en el cual carezca de arrugas.
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294.- ¿Podrías detallarme los pasos de afinación de un tambor?

♪ Coloca el parche, luego el aro, pasa los pernos y comienza a enroscarlos en las torres con tus dedos
hasta donde puedas. Después emplea la llave de batería para darles mayor ajuste; hazlo poco a poco
y siempre en un mismo sentido. Asegúrate de darle el mismo número de vueltas a cada pasante. No
temas al “crack” que aparecerá ni bien comiences a usar la llave. Golpea el parche cerca de cada lug,
y verifica que suene igual en todas partes. Ajusta o suelta algún tensor si notas diferencias. Luego
aprieta el centro del parche para estirarlo, y vuelve a repetir la misma rutina de afinación cuantas
veces sea necesario hasta que obtengas el sonido que deseas para cada uno de tus parches.

295.- ¿En qué sentido debo ajustar las torres durante la afinación?
♪ Puedes hacerlo en sentido “horario” u “antihorario”. En ambos casos, la afinación puede ser:
♫ “continua”, cuando lo haces pasando de una torre a la siguiente; o
♫ “discontinua”, cuando lo haces alternada o saltatoriamente.

296.- ¿En qué caso se recurre a la afinación continua?

♪ Sólo con el parche de marca del bombo, recurriendo a la discontinua para ajustar todos los demás.

297.- ¿Qué tipos de afinación discontinua existen?

♪ La afinación discontinua puede ser a su vez de dos tipos:
♫ “en estrella”: cruzas de frente y continúas con el lug que sigue al primero; y
♫ “en carrusel”: cruzas de frente y continúas con el lug que sigue al segundo.
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298.- ¿Cuáles son las secuencias para afinar los tambores “en estrella”?
♪ Imaginándote el tambor como un reloj con horario y minutero, ajustas los lugs en este orden:
♫ 6 torres: horario en 12, 6, 2, 8, 4, 10, 6, 12, 8, 2, 10 y 4;
♫ 8 torres: horario en 12, 6, 1½, 7½, 3, 9, 4½, 10½, 6, 12, 7½, 1½, 9, 3, 10½ y 4½; y
♫ 10 torres: minutero en 0, 30, 6, 36, 12, 42, 18, 48, 24, 54, 30, 0, 36, 6, 42, 12, 48, 18, 54 y 24.

299.- ¿Cuáles son las secuencias para afinar los tambores “en carrusel”?
♪ Imaginándote el tambor como un reloj con horario y minutero, ajustas los lugs en este orden:
♫ 6 torres: horario en 12, 6, 8, 2, 4 y 10;
♫ 8 torres: horario en 12, 6, 7½, 1½, 3, 9, 10½, 4½, 6, 12, 1½, 7½, 9, 3, 4½ y 10½; y
♫ 10 torres: minutero en 0, 30, 36, 6, 12, 42, 48, 18, 24 y 54.

300.- ¿Con qué notas debo afinar la tarola y el bombo?

♪ Ni la tarola ni el bombo se afinan con una nota musical específica. La única regla al respecto es que
la tarola te ofrezca la nota más aguda y el bombo la más grave de todo tu set de tambores.

301.- ¿Con qué notas debo afinar mis tomes de vuelo y de piso?
♪ Hay una regla práctica para las baterías estándar, y consiste en darles las notas de “la cucaracha”:
♫ Tom de piso de 16” = -la-cu-ca- o Nota “C” (Do)
♫ Tom de vuelo de 13” = -ra- o Nota “F” (Fa)
♫ Tom de vuelo de 12” = -cha- o Nota “A” (La)
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302.- ¿Existe algún fundamento teórico para esta regla?

♪ Sí. Ya hemos dicho que la progresión en el diámetro de los tambores debe ser descendente de
derecha a izquierda, siendo ideal la diferencia de 2 pulgadas para 4 tomes y de 3 pulgadas para 3
tomes. Por ejemplo: 4 tomes de 16, 14, 12 y 10 pulgadas; ó 3 tomes de 16, 13 y 10 pulgadas. La regla
teórica para afinarlos es ir de derecha a izquierda, de notas más graves a más agudas, y a razón de
una nota por pulgada de diámetro. v.gr. si tuvieras 7 tomes, deberías afinarlos así: 16” en “C” (Do),
15” en “D” (Re), 14” en “E” (Mi), 13” en “F” (Fa), 12” en “G” (Sol), 11” en “A” (La) y 10” en “B” (Si).

303.- ¿Cómo se aplican estos conceptos a la batería estándar?

♪ Como señaláramos en la regla práctica, los tomes de piso de 16” y de vuelo de 13” se afinan con sus
notas teóricamente correspondientes: “C” (Do) y “F” (Fa), respectivamente.

304.- ¿Por qué no se cumple esta regla con el tom de vuelo de 12 pulgadas?
♪ Efectivamente, esta regla tiene un problema con el tom de 12 pulgadas, que forma parte de las
baterías estándar. Por su diámetro le correspondería la nota “G” (Sol), pero por progresión debería
tratarse en realidad de un tom de sólo 10 pulgadas y afinado en “B” (Si). Es por ello que este tom no
se afina ni en una ni en otra, sino justo en la nota ubicada entre ambas, esto es, en “A” (La).

305.- ¿Por qué al bombo se lo llama “bass drum” o “kick drum”?

♪ Se le llama “bass drum” (tambor bajo) por el tono bajo o grave que lo caracteriza, y “kick drum”
(tambor de patada) porque se percute accionando un pedal.
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306.- ¿Qué es el “beater” de un pedal de bombo?

♪ Es el mazo que al ser accionado por el pedal se dirige hacia delante para percutir el bombo.

307.- ¿Cuáles son las partes del mazo del bombo?

♪ Esta formado por un vástago de anclaje al pedal y un cabezal que habrá de impactar contra el
parche. Debe también incluir un “memory clamp” en el vástago para mantener la posición del cabezal.

308.- ¿Qué tipo de mazos puede tener un pedal de bombo?

♪ Dependiendo del cabezal los mazos pueden ser unitonales o politonales. Los mazos unitonales son de
un mismo material, ya sea fieltro, madera o plástico. Los mazos politonales tienen combinaciones de
dos o tres de estos materiales, llamándoseles por ello bitonales o tritonales, respectivamente.

309.- ¿Con qué ángulo debe reposar el mazo del bombo?

♪ Esto es variable, pues depende de tu propia técnica de pedaleo (plana o de punta), del tipo de música
que interpretas (lenta o rápida) y hasta del tamaño de tus pies. Sin embargo, recuerda que nunca
puede estar tan adelante que reduzca la fuerza de tus golpes, ni tan atrás que termine golpeándote
el empeine al momento de soltarlo.

310.- ¿De qué dimensiones suele ser el bombo?

♪ Su diámetro debe ser de 20 ó 22 pulgadas, y si bien su profundidad varía de acuerdo al fabricante y
a los modelos que éste disponga en el mercado, lo usual es que fluctúe entre 16 y 20 pulgadas.
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311.- ¿Cuál es el mejor parche para bombo?

♪ El Powersonic de Remo®. Es un parche elaborado con dos capas de mylar de 7 mil cada una, con dos
anillos internos hechos a base de una espuma especial (“slow recovery foam”) que atenúa las altas
frecuencias y exacerba las más bajas. Cuenta asimismo con una sordina externa removible, que se
asegura a la parte inferior del parche mediante prácticos broches. Esta sordina ha sido diseñada
con la tecnología ESDS (External Snap-On Dampening System). Finalmente, viene con el parche de
impacto Falam Slam, que incrementa el ataque. Con todas estas características es en mi concepto
insuperable en este momento.

312.- ¿Cuáles son los criterios clásicos para escoger el tamaño del bombo?
♪ Se ha dicho siempre que un bombo pequeño es ideal para el jazz, y que uno más grande lo es para el
rock. Sin embargo, las baterías tipo fusión hacen uso de un bombo de 22” combinado con un juego de
tomes típico de una batería de jazz. Además, vemos bateristas que ejecutan ambos géneros sin
modificar la configuración de su set de acuerdo al tipo de música que les toque interpretar. Por otro
lado, ahora disponemos de tantos tipos de parches, mazos, kick pads y medios de ensordecimiento,
que estamos en condiciones de modificar significativamente las cualidades acústicas originales de
cualquier bombo, por lo que los criterios originales resultan bastante relativos.

313.- ¿Qué factores deberían entonces ser considerados en la actualidad?

♪ El gusto, la estatura y la comodidad del baterista, así como las dimensiones del resto de tambores.
De cualquier manera, la mayoría solemos adaptarnos bien al tamaño del bombo con que disponemos.
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314.- ¿En qué consiste el aforismo que reza “al bombo más que oirlo hay qué sentirlo”?
♪ En que puede enmascarar otros instrumentos de tono grave, como el bajo. Por ello, debes ser cauto
y no excederte en su empleo. Nunca olvides que la batería es un instrumento que confiere apoyo
rítmico a otros que dan melodía, y por ende no debe opacarlos. Por supuesto, como toda regla tiene
sus propias excepciones.

315.- ¿Cuáles son las excepciones a esta regla?

♪ La primera es que juega un rol distinto en el rock, pues en éste su sonido tiene que ser siempre
fuerte y compacto. Es también en este género donde con mayor frecuencia se hace uso del doble
golpe de bombo o “bombo en semicorcheas”, ya sea con dos bombos o con un doble pedal de bombo.

316.- ¿En qué otras situaciones debo tocar fuerte el bombo?

♪ Esencialmente en los llamados “números de metal”, como los remates a punta de platillos.

317.- ¿Cómo produzco el doble golpe de bombo?

♪ El bombo en semicorcheas es un recurso muy empleado en el rock y lo puedes obtener:
♫ con doble bombo, uno a cada lado, y accionando un pedal para cada uno; o
♫ con “doble pedal” a un solo bombo.

318.- ¿Si uso dos bombos, pueden ser de distinto tamaño?

♪ No sería aconsejable, porque los golpes sobre ambos perderían homogeneidad sonora.
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319.- ¿Qué tipos de “doble pedal” se hallan disponibles en el mercado?

♪ Básicamente existen dos:
♫ el clásico o “double pedal”, con dos pedales, cada uno de los cuales activa uno de los dos mazos,
con el que sin embargo terminas perdiendo el uso simultáneo del hi-hat con el pie izquierdo; y
♫ uno más moderno llamado “twin pedal”, con un solo pedal, en el que alternando punta y talón del
pie derecho activas ambos mazos, sin perder el uso simultáneo del charles. Diseñado
originalmente por Sonor® como Giant Step, en el Perú sólo disponemos de un modelo similar
producido por Maxtone. Presta atención a que pese a contar con una sola pedalera, se lo sigue
llamando “doble pedal”.

320.- ¿Qué puedo hacer para accionar el pedal de hi-hat y el del doble pedal clásico con el pie izquierdo?
♪ Usar en uno la punta y en el otro el talón. Sin embargo, es tal el grado de dificultad de esta
maniobra que te sugiero conseguirte un doble pedal moderno, y aprender a dominarlo sólo con tu pie
derecho. Por cierto, puedes olvidarte de todo lo dicho si no quisieras usar el charles con pedal.

321.- ¿Existe alguna forma de acelerar aún más el ritmo del bombo?
♪ Sí. Usar dos bombos e instalar en uno o en ambos el doble pedal diseñado para un solo pie.

322.- ¿Cuáles son las técnicas más comunes para accionar el pedal del bombo?
♪ Las dos principales son la técnica plana y la de punta. Mi recomendación es que practiques ambas, y
apliques la que corresponda al ritmo de estés ejecutando. A continuación las describimos:
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♫ Técnica Plana.-
 La planta reposa constantemente en el pedal.
 También denominada de “talón abajo” o “heel down”.
 En posición de reposo el beater debe quedar “engatillado” lejos del parche.
 Para tocar se presiona el pedal con todo el pie y el eje de movimiento está en el tobillo.
 Reduce la fatiga al trabajar sólo la pierna y el pie.
 Util para ritmos lentos (“hasta corcheas”).
 La fuerza del golpe de bombo es menor y se dificultan los golpes múltiples.
 Facilita el control del matiz de cada golpe.
 La resonancia del golpe es mayor.
 Ideal para bateristas altos.

♫ Técnica de Punta.-
 El talón no toca el pedal.
 También denominada de “talón arriba” o “heel up”.
 En posición de reposo el beater debe “descansar” sobre el parche.
 Para tocar se presiona el pedal con la punta y el eje de movimiento está en la cadera.
 Aumenta la fatiga al trabajar también el muslo para elevar todo el miembro inferior.
 Util para ritmos rápidos (“desde corcheas”).
 La fuerza del golpe de bombo es mayor y se facilitan los golpes múltiples.
 Dificulta el control del matiz de cada golpe.
 La resonancia del golpe es menor.
 Ideal para bateristas de estatura mediana o incluso baja.
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323.- ¿Existe una técnica correcta para el empleo de los pies en batería?
♪ Al igual que la empuñadura, para el pedaleo no existe ni técnica buena ni mala, sólo técnicas
diferentes, y es menester que escojas la que más se adecúe a tus requerimientos y posibilidades.

324.- ¿Cuáles son las técnicas más comunes para accionar el pedal del hi-hat?
♪ Si bien se pueden emplear las mismas que se usan en el pedal del bombo (plana y de punta), lo usual
es recurrir a una combinación de ambas, llamada técnica de balanceo o de “punta y talón”. Como
verán, cada una de ellas tiene utilidades específicas.

325.- ¿Cómo funciona la técnica plana en el pedal del hi-hat?

♪ El talón está abajo (“heel down”) y la planta reposa en el pedal. Si subes y bajas la punta abres y
cierras los platillos, produciendo el chick sound, mientras que si lo haces rápidamente y vuelves a
elevar la punta generas el ching sound. Es la mejor para llevar ritmos lentos, así como para mantener
el charles entreabierto mientras lo golpeas (“sloshy sound”).

326.- ¿Cómo funciona la técnica de punta en el pedal del hi-hat?

♪ El talón está arriba (“heel up”) y la punta reposa en el pedal. Si elevas un poco más la punta y vuelves
a bajarla produces el chick sound. Su variante “leg drop” consiste en hacer descender el talón como
quien mete un taconazo, soltando un poco la punta, para generar el ching sound. Esta es la mejor
técnica para lograr un ching sound rápido y brillante, así como para obtener el “sloppy sound” o
ejecutar siseos cortos.
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327.- ¿En qué consiste la técnica de balanceo (“rocking”)?

♪ Es una mezcla de las dos técnicas anteriores. En reposo estás de punta (“heel up”) y presionando el
pedal; luego haces descender el talón (“heel down”) mientras elevas la punta, con lo cual abres el
charles. El pie se mueve como la base de una mecedora, por lo que a esta técnica mixta se le llama
de balanceo o “rocking”. Es la mejor para ejecutar el siseo estándar.

328.- ¿Cuál de las tres técnicas expuestas es la mejor para accionar el pedal del charles?
♪ De lo dicho se desprende que todas son útiles, dependiendo de lo que se esté tocando. En tal
sentido, y a diferencia de las técnicas de bombo, es necesario dominar las tres variantes.

329.- ¿Qué es la “llave de batería”?

♪ Es una llave en “T” que te permite ajustar los pernos de batería empleados en las torres (pasantes o
tensores), en los pedales y en los “memory clamps” de los atriles, soportes y taburetes.

330.- ¿Cuáles son las características de los pernos de batería?

♪ Si bien son de diferente longitud, universalmente tienen el mismo diámetro y cabeza cuadrangular, a
fin de emplear en ellos cualquier llave de batería.

331.- ¿Las llaves de batería son estándar?

♪ Independientemente de su diseño o de su tamaño, todas las llaves le hacen a la cabeza cuadrangular
de los pernos de batería.
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332.- ¿ Qué otros tipos de llave de batería hay en el mercado?

♪ Existen modelos en forma de manivela diseñados por Dixon® y Yamaha®, que facilitan la tarea de
afinamiento de los tambores. Por otro lado, Evans® ha creado una llave de torque, que permite
regular de manera exacta el grado de tensión de los pasantes. Personalmente te sugiero afinar con
una de estas últimas, y usar otra más simple para hacer ajustes en los pedales y “memory clamps”.

333.- ¿Qué se conoce como “memory clamps” y cuál es su utilidad?

♪ Dado que la mayoría de atriles y soportes se arman y desarman telescópicamente, se suelen emplear
unas abrazaderas alrededor de los elementos de menor diámetro, a modo de topes, para evitar su
desplazamiento más allá del punto de embone escogido. Ajustados con pernos de batería, los
memory clamps se ubican también en el vástago del beater, para fijar la posición del cabezal.

334.- ¿Qué otra utilidad tienen los memory clamps?

♪ Debes tener presente que el baterista es el único músico que arma y desarma su instrumento cada
vez que lo desplaza, por lo que contar con ciertas referencias en el sistema telescópico le ahorra un
tiempo valioso al momento de volver a montar su batería.

335.- ¿Qué es una “campana”?

♪ La campana es un elemento de percusión muy empleado en la música latina. Tiene forma de poliedro
trapezoidal hueco, y se fabrica con una aleación de metales. Puede generarte sonidos graves si la
percutes por el lado abierto y agudos si lo haces por el lado cerrado.
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336.- ¿Por qué se la conoce también como cencerro?

♪ Porque en inglés le llaman “cowbell” (cencerro) por su similitud con el adminículo que pende del cuello
del ganado vacuno.

337.- ¿En qué monto una campana?

♪ Puedes instalarla en un atril especial de percusión, en un “bracket” o en un “claw”, y percutirla con
las baquetas, o montarla en un “gajate”, para hacerlo a través de un clásico pedal de bombo.

338.- ¿A qué se conoce genéricamente como aglomerados (“blocks”)?

♪ A unos elementos autófonos de estructura hueca y espesor variable, fabricados con plástico de alta
densidad, los cuales simulan el efecto de otros idiófonos elaborados en los paises del caribe a base
de madera. Si bien existen en el mercado variedad de modelos y de distintas marcas, te sugiero la
línea de aglomerados producida por Latin Percussion®, por su mejor calidad.

339.- ¿Qué tipo de aglomerados son producidos por Latin Percussion (LP®)?
♪ La línea de aglomerados de LP® incluye a los “jam blocks” y a los “blast blocks”.

340.- ¿Qué es un “jam block” (LP®)?

♪ Es un aglomerado de gran espesor y hendidura rectangular, que se percute en el labio superior de
esta última. El sonido que genera tiene una tímbrica similar a la “clave” de madera. Los hay de
diferente tamaño, cada uno con una tonalidad distinta.
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341.- ¿En qué consiste el instrumento llamado “clave”?

♪ Se trata de dos barritas cilíndricas de madera y extremos redondeados, las que se hacen chocar
entre sí para señalar el ritmo de una canción. Dado su propósito de marcar las “claves” de son o de
rumba (utilidad a la cual debe su nombre), se le emplea para interpretar ritmos afro-caribeños.

342.- ¿Qué tipo de jam blocks existen?

♪ Los más difundidos por Latin Percussion son los siguientes:
♫ el de tono alto (“high pitch”), pequeño y de color azul; y
♫ el de tono medio (“medium pitch”), mediano y de color rojo.

343.- ¿Qué otros jam blocks están disponibles?

♪ El Piccolo Block, el más pequeño de todos, de color naranja; y el Güiro Block, el más grande y de
color morado, con el labio superior de su hendidura “corrugado” para poder usarlo como un güiro.

344.- ¿Qué es un “ridge rider” (LP®)?

♪ Es una campana provista de una lámina de plástico de alta densidad por encima del labio superior de
su hendidura, a fin de proporcionarle una tonalidad distinta a la de un cencerro convencional.

345.- ¿Qué es un “blast block” (LP®)?

♪ Es un aglomerado de pequeño espesor y amplia hendidura semicircular, cuya percusión genera un
sonido de timbre hueco. Por su diseño se le conoce popularmente como “campana en media luna”.
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346.- ¿Qué tipo de blast blocks existen?

♪ Latin Percussion te ofrece los siguientes:
♫ el de tono alto (“high pitch”), de color amarillo y más pequeño; y
♫ el de tono bajo (“low pitch”), de color verde y más grande.

347.- ¿Dónde puedo montar los aglomerados?

♪ Al igual que los cencerros, vienen premunidos de sus propias monturas, a fin de instalarlos en
cualquiera de los soportes descritos para las campanas.

348.- ¿Qué es un “mounted cyclops” (LP®)?

♪ Una pandereta de plástico con discos de metal, provista de una montura que permite articularla a un
atril de percusión o alguno de los soportes descritos para los cencerros y los aglomerados.

349.- ¿Cuál es la utilidad de esta pandereta de batería?

♪ Puede servirte como alternativa al hi-hat, especialmente al tocar ciertos ritmos brasileros, o bien
para ejecutar síncopas (notas “off beat”) que den mayor colorido a tu interpretación.

350.- ¿Qué es un “atril de percusión”?

♪ Es uno en forma de “T”, en el que el elemento transversal viene provisto de una serie de varillas
moleteadas, en las que puedes montar cualquiera de los accesorios de percusión descritos
anteriormente.
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351.- ¿Qué es una “varilla moleteada”?

♪ Una varilla sólida de metal que ha sido trabajada con mecánica de torno para darle una superficie
rugosa. Conocida también como “bracket” (brazo) o “rod” (barra), puede ser completamente recta,
mostrar una discreta angulación superior, o tener la forma de una “S” esvástica.

352.- ¿Cuál es la utilidad del moleteo?

♪ Su función principal es la de impedir el desplazamiento hacia abajo de la montura de la pieza de
percusión a lo largo de la varilla, por efecto del golpeteo constante al que se encuentra sometida,
con lo cual queda fijada su posición en la batería.

353.- ¿Qué es un “fast clamp” (Tama®)?

♪ Es una abrazadera para un atril de platillo volante, que te permite articular un brazo moleteado, un
pequeño parante o incluso un soporte para un tom adicional.

354.- ¿Qué es un “percussion claw” (LP®)?

♪ El “claw” (gancho) es una pieza que se asegura en uno de los aros de los tambores para sujetar una
varilla moleteada, en la que puedes montar algún elemento de percusión.

355.- ¿Cómo funciona el claw?

♪ El claw viene premunido de tres mariposas: una para regular su ajuste a uno de los rings, y otras dos
para angular la varilla tanto de derecha a izquierda como de atrás hacia delante.
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356.- ¿A qué se conoce como “cowbell mount assembly” (LP®)?

♪ A la montura que ajusta el elemento percutorio a cualquier varilla moleteada. Diseñado
originalmente para instalar los cencerros en los clásicos atriles de percusión, hoy forma parte del
kit que acompaña tanto a las campanas como a los aglomerados y panderetas de batería. Consiste en
un perno con cabeza horadada que enrosca por su otro extremo en una tuerca de mariposa. El perno
hueco es atravesado por la varilla, fijando la posición del elemento percutorio mediante el ajuste de
la mariposa. Tratándose de una pequeña pieza que de extraviarse podría inutilizar parte de tu
batería, te sugiero disponer siempre de algunos repuestos.

357.- ¿Qué es un “mount all percussion bracket” (LP®)?

♪ Es una abrazadera a un parante de platillo volante, la cual viene provista de una varilla moleteada
angulada (“angled rod”) en la que puedes instalar cualquier elemento de percusión.

358.- ¿Qué es un “bass drum cowbell mounting bracket” (LP®)?

♪ El “cowbell bracket” es un dispositivo que se ajusta a la parte superior del ring posterior del bombo,
y del cual sale una varilla moleteada recta (“straight rod”) que te permite agregar una campana o un
aglomerado por encima del tom de pie, entre los tomes de vuelo principales.

359.- ¿Por qué no es conveniente para montar una pandereta de batería?

♪ Porque el cowbell bracket se monta en el bombo, y el constante golpeteo con el beater haría vibrar y
sonar la pandereta. Salvo que tal fuera tu propósito, podría deslucir tu interpretación.
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360.- ¿Dónde puedo entonces montar una pandereta de batería?

♪ Para decidirlo debes tener presente que, a diferencia de otros aditamentos de percusión, los discos
metálicos de la pandereta vibran muy fácilmente. Por ende, el mismo principio expuesto en el tip
anterior se puede aplicar a cualquier otro sujetador conectado a los tambores, como un claw sujeto
al ring de un tom o de la tarola, o un “lugger bracket” ajustado a un tensor del napoleón. Es por ello
que te recomiendo colocarla en un “mount all percussion bracket”, asegurando la abrazadera al
parante de un atril pesado, como el del charles, o a uno de vibración eventual, como el del platillo
crash. Esto es incluso más funcional, porque ambos se ubican convenientemente a tu izquierda.

361.- ¿Qué es un “lugger bracket” (LP®)?

♪ Es un dispositivo que se ajusta a un tensor largo, como el de los timbales o el napoleón, también
provisto de una varilla moleteada recta, en la que puedes instalar cualquier elemento de percusión.

362.- ¿Qué es un “mini everything rack” (LP®)?

♪ Es una abrazadera a un parante de platillo volante, la cual viene provista de dos varillas moleteadas
curvadas en “S” esvástica, en las que puedes instalar cualquier elemento de percusión.

363.- ¿Qué es un “splash claw” (LP®)?

♪ Un claw en el que la varilla moleteada ha sido reemplazada por un pequeño parante curvado en “S”
esvástica para un platillo splash. Tiene el defecto de que el parante no es moleteado, por lo cual
suele desplazarse de su posición original en el “cowbell mount assembly”.
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364.- ¿Qué es un “gajate bracket” (LP®)?

♪ Es un dispositivo creado por el percusionista Richie “Gajate” García, para percutir una campana o un
aglomerado con un pedal de bombo. Al igual que éste, se sujeta al piso mediante púas. Debes
agregarle el pedal, y escoger un mazo con cabezal de madera o plástico.

365.- ¿Qué es un “timbal”?

♪ Los timbales son un par de tambores de acero sin parche inferior, que se montan en un atril especial
junto a un cencerro central. Los timbales se percuten en los parches y en los aros, así como en la
cara lateral externa de su caja, a la que se conoce comúnmente como la “cáscara”.

366.- ¿Se puede simular la cáscara en un set de batería?

♪ Efectivamente, percutiendo la cara externa del napoleón. Otra alternativa es usar una “cuña”.

367.- ¿A qué se conoce como cuñas (“wedge”)?

♪ Se trata de una novedosa serie de arcos semicirculares de madera, que se fijan en dos de los
pasantes del napoleón o la tarola, a fin de percutirlos en reemplazo de la parte lateral de la caja de
resonancia o del hoop, respectivamente. Diseñados por Russ Miller, son producidos por Yamaha®.

368.- ¿En qué consiste el aditamento “cascara wedge”?

♪ En un arco semicircular de madera que se fija en dos pasantes del napoleón, para ser percutido en
reemplazo de la parte lateral de dicho tambor; simula en tal sentido a la cáscara.
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369.- ¿En qué consiste el aditamento “cascara jingle wedge”?

♪ Es un aditamento similar al anterior, al que se le han agregado unos discos metálicos similares a los
de una pandereta, a fin de brindarte otro efecto sonoro al golpear por fuera del napoleón.

370.- ¿En qué consiste el aditamento “jingle wedge”?

♪ Es similar al anterior, pero diseñado para ser articulado en la tarola. Por otro lado, cuenta con un
canto superior para facilitar la ejecución del “rim shot”, cual es su propósito. Dada la presencia de
discos metálicos, genera un efecto muy especial al momento de aplicar este tipo de golpe.

371.- ¿En qué consiste el aditamento “groove wedge”?

♪ Es similar al anterior, pero carece de discos metálicos. Se coloca en el extremo opuesto de la tarola,
y tiene por propósito darle otra tonalidad al “cross stick”.

372.- ¿Por qué algunos bateristas llevan unos “audífonos” sin cable durante sus ensayos?
♪ Porque en realidad se trata de protectores auriculares, útiles para reducir el daño acústico durante
sus prácticas, así como para eliminar los armónicos (“cross talk”) que se perciben por la proximidad
de otros instrumentos en los ambientes de ensayo.

373.- ¿Qué tipo protectores auriculares hay disponibles en el mercado?

♪ Los hay en forma de audífonos (antes descritos) como de tapones, ya sean de goma o de espuma, al
alcance de todos los bolsillos.
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374.- ¿Qué tipo de tapones son los más usados?

♪ Si bien la mayoría de gente inexperta suele “armar” tapones de algodón, esto no sólo es poco
profesional sino que absurdo, porque no protege nada. Hay que recurrir a tapones de goma o de
espuma. Unos y otros deben comprimirse antes de introducirlos en los oidos; una vez colocados el
material se expande y termina por ocluir los orificios auriculares. Los mejores son los producidos
por la corporación 3M®. Son muy económicos, y puedes adquirirlos en farmacias y bazares.

375- ¿Qué es un armónico (“cross talk”) para un baterista?

♪ En términos prácticos, es el sonido de un elemento vibratorio por efecto de otro instrumento que se
ubica en su proximidad. v.gr. cuando montas una pandereta encima de tu bombo, o cuando algún
altoparlante se halla muy cerca de tu batería. Compete al baterista evitar tales distorsiones,
asegurando cada parte de la metalería, y alejando de su instrumento cualquier otra fuente sonora.

376- ¿Qué protector auricular me recomiendas?

♪ En lo personal, hice uso del modelo “Straightaway” de la marca David Clark Company Inc. Este es en
realidad un protector diseñado para operarios mineros, los cuales tienen que soportar el intenso
ruido generado por las detonaciones, perforaciones, maquinarias y demás labores extractivas. Más
recientemente he venido usando y recomendando el modelo “dB22” de Vic Firth®, que reduce la
intensidad sonora entre 20 y 25 decibeles, y me parece excelente. Ahora bien, en el mercado
nacional se viene comercializando el modelo “Noise Reducer Headphone” de Maxtone®, que es más
barato y puede considerarse como relativamente aceptable.
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377.- ¿Cuál es la utilidad de los altoparlantes de “retorno”?

♪ Debes ya saber que la velocidad del sonido no es igual a la velocidad de la luz, esto es, el sonido viaja
por el aire a menor velocidad que la imagen, y por ende demora más en ser percibido por nuestros
sentidos. Es por ello que en los conciertos los músicos cuentan con unos parlantes echados que
“apuntan” hacia ellos, ya que no pueden monitorizar su interpretación guiándose por aquellos mucho
más grandes y potentes que se dirigen a la audiencia.

378.- ¿Cómo se aplican estos conceptos al baterista?

♪ El baterista marca el ritmo de una canción, y por lo tanto no puede permitirse el más mínimo error
respecto a su sincronización con el resto de los músicos. Comprenderás por ello que haga uso de
audífonos conectados a la mezcladora o a la consola, ya que el sonido emitido por su instrumento le
impide guiarse de un parlante de retorno, como lo hacen el resto de sus compañeros. Debe pues
tener retorno en tiempo real y sin distorsión, que le garantice cumplir su función con suma precisión.

379.- ¿El sonido que oigo al tocar la batería es igual al que escuchan los oyentes?
♪ No. Si alguna vez haz grabado tu voz te darás cuenta al escucharla que no se parece a la que tú
crees tener. Algo parecido ocurre cuando tocas la batería. Es también por ello que debes usar
audífonos, a fin de aproximarte a la percepción auditiva de tus eventuales oyentes.

380.- ¿Qué tipo de micrófono se usa para grabar o transmitir una interpretación de batería?
♪ En realidad se emplea un set de varios micrófonos, ubicados convenientemente en torno a ella.
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381.- ¿Qué características especiales tienen los micrófonos para batería?

♪ Las principales son las siguientes:
♫ pueden clasificarse en forma general en cuatro tipos distintos (para tambores de mano, de pie,
para platillos fijos y para volantes);
♫ cada uno de ellos está diseñado para detectar una frecuencia de audio específica, dependiendo
del sonido que emite cada parte de nuestro instrumento;
♫ son de direccionalidad ajustada (unidireccionales, cardioides o hipercardioides) dependiendo
de la parte de la batería cuyo sonido habrán de captar; y
♫ algunos cuentan con condensador, esto es, requieren alimentación de 48 voltios, proporcionada
por un dispositivo llamado “phantom” presente en la mayoría de mezcladoras y consolas.

382.- ¿Cuántos micrófonos se emplean para grabar o amplificar el sonido de una batería?
♪ Es variable, pues depende del tamaño del instrumento. En general, es uno por cada tambor, a
excepción de la tarola que a veces requiere dos (cuando se la quiere micrar también desde abajo).
Cada hi-hat hace uso de un micrófono independiente. Finalmente, para cubrir todos los platillos
volantes se emplean dos o tres micros aéreos sujetos por pedestales.

383.- ¿Qué micrófonos son los más recomendables?

♪ Te sugiero los de las marcas Audix, Carvin, JTS, Samson y Shure, los que puedes adquirir en sets o
por separado. Deben estar provistos de aditamentos de sujeción, para que puedas engancharlos en
los aros de tus tambores de mano o en pedestales para el bombo y los platillos.
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384.- ¿Qué otro tipo de micrófonos pueden emplearse?

♪ Desde hace unos años se viene comercializando un sistema de micrófonos internos para los
tambores, denominado “May Internal Drum Miking System” (May®). Estos cuentan con soportes que
se atornillan interiormente en la maderería, y tienen la ventaja de aislar el sonido del tambor del
ruido ambiental y de los armónicos producidos por el resto de elementos de la batería.

385.- ¿Qué hacer una vez instalado el set de micrófonos en mi batería?

♪ Una vez “micrada” tu batería habrás de conectarla a una mezcladora o a una consola (mezcladora
amplificada). Para grabaciones profesionales se emplean grandes mezcladoras de estudio, pero para
grabaciones caseras o presentaciones en vivo bastará con una que reserve 6 u 8 canales para tu
instrumento. En lo personal, hago uso de una Consola EMX-312-SC de Yamaha, con 8 entradas XLR.

386.- ¿Cuáles son las principales marcas de batería?

♪ De acuerdo a sus precios, las de primera línea son DW, Gretsch, Ludwig, Mapex, PDP, Pearl, Premier,
Slingerland, Tama y Yamaha. Hay también baterías más económicas que pueden sonar muy bien si les
agregas buenos accesorios, como nuevos parches, mejores pedales, atriles y platillos. No obstante,
debes tener presente que repotenciar una batería barata puede resultarte más caro que adquirir
una mejor, ya que, salvo los platillos, el resto de sus accesorios suele responder a la categoría del
instrumento. Mi consejo es que primero te fijes en los cascos, esto es, en la calidad de la madera, su
número de placas, y por supuesto, su acabado, que debe ser estimulante. Piensa que es lo único que
no vas a poder reemplazar después.
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387.- ¿Cuáles de estas marcas de batería se hallan disponibles en el mercado peruano?

♪ Las únicas que no he visto nunca en el mercado nacional son las Slingerland. Del resto de marcas casi
todas cuentan con representantes, y las que no, igual llegan al mercado por diversos medios.

388.- ¿Existe alguna regla para escoger la marca y la serie de los platillos?
♪ Te recomiendo los de las series medias y altas de los principales fabricantes, como Meinl, Paiste,
Sabian o Zildjian. Cada una de ellos te ofrece series orientadas al género musical que deseas tocar.
v.gr. los platillos para jazz suelen ser más livianos que los címbalos para interpretar rock.

389.- ¿Hasta qué punto es conveniente usar tantos tomes y platillos?

♪ Lo es sin duda. La batería también tiene musicalidad; si no de qué serviría afinar los tomes en base a
notas. Esta musicalidad será mayor en la medida que dispongas de más elementos por percutir.

390.- ¿En qué consiste “ahogar un volante” (“choking a cymbal”)?

♪ En acortar la vibración de un platillo de estallido, especialmente un crash. Para ello lo percutes con
una baqueta, colocando luego el pulgar de la otra mano por encima y el resto de sus dedos por
debajo del mismo; al cerrar esta mano rápidamente detendrás bruscamente la vibración del volante.

391.- ¿A qué se denomina “platillos de estallido”?

♪ Se conocen genéricamente como platillos de estallido o platillos de estridencia a los crash, a los
splash y a los china voice. Los crash-ride tienen un discreto componente de este tipo.
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392.- ¿Es importante la superficie sobre la que asiento mi batería?

♪ Sí lo es; no por gusto las orquestas tocan encima de tarimas. Estas se arman con madera
machimbrada, formando una especie de caja de resonancia por debajo de los instrumentos. La
tarima mejora la acústica y facilita el enclavamiento de ciertas piezas de la batería, especialmente
de aquellas que se sujetan al suelo con púas, como el bombo, los pedales y el gajate.

393.- ¿Qué puedo hacer si no cuento con una tarima para mis prácticas?
♪ Es lo más común. En este caso puedes emplear un tapizón, una alfombra o incluso un “drum carpet”
(una especie de petate enrollable que se comercializa en norteamérica) para asegurar la posición de
las piezas de tu batería, ya que en parquet, loseta o vinílico es muy fácil que se muevan de un lado al
otro con el constante percutir del instrumento.

394.- ¿Y qué hacer con el ruido que genera mi batería en casa?

♪ Tienes que disponer de una habitación especialmente destinada a tus prácticas y forrarla con placas
aislantes de sonido. Lamentablemente, ninguno de los métodos de ensordecimiento que hemos
mencionado (sordinas, pads, almohadas o colchas) son suficientes para evitarle el daño acústico a
tus familiares y vecinos. Recuerda que ellos no cuentan con protectores auriculares o audífonos
como los que podrías emplear al momento de tocar. Otra opción es proveerte de una cabina, que
puede resultarte bastante costosa, pero que es la forma ideal de aislamiento sonoro para una
batería. Finalmente, si nada de esto te es posible, puedes adquirir una batería electrónica barata o
una batería de simulación, con pads de goma pero sin transductores ni conexión alguna.
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395.- ¿Cuál es la estructura básica de una canción?

♪ Con ligeras variaciones, todas las canciones tienen unas secciones más o menos similares. Comienzan
con una pequeña introducción o arranque, a la que siguen los versos o estrofas, donde lo que destaca
es la letra. Un puente o bridge los une al coro o estribillo, una sección bastante instrumental donde
la letra es menos elaborada, y que es la parte que sueles recordar de una pieza musical. Un nuevo
puente te devuelve a otros versos o estrofas, y el patrón se repite. Finalmente llegas a la coda, que
no es más que el final de la canción. Eventualmente pueden hallarse solos de algún instrumento.

396.- ¿Qué importancia tiene conocer la estructura de un tema?

♪ Es muy importante que la conceptualices claramente, pues es el cimiento de cualquier tema. Para ello
debes disponer inicialmente de ayudas memoria, hasta que logres internalizarla.

397.- ¿Qué es una “clave de percusión”?

♪ Es una forma de notación musical, en la que por medio de dos líneas verticales ubicadas al inicio del
pentagrama se expresa la naturaleza percusiva del mismo.

398.- ¿Qué peculiaridad tiene el pentagrama para batería?

♪ Que si bien está constituido por cinco líneas y cuatro espacios contados de abajo hacia arriba, como
cualquier otro pentagrama, lo que se indica no son las notas musicales que todos conocemos, sino los
elementos de la batería que habrán de percutirse. Es precisamente para poder diferenciarlo del
pentagrama de melodía que se coloca la clave de percusión en su inicio.
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399.- ¿Para qué sirven las líneas y los espacios adicionales del pentagrama de percusión?
♪ Para poder identificar todas las partes de una batería; por ello fue necesario agregar líneas y
espacios “virtuales” por encima y por debajo de los convencionales. Al decir que son virtuales nos
referimos a que sólo se incluyen en el pentagrama en la medida que se les requiera, esto es, para
señalar el uso del elemento percutible que corresponda a tal o cual línea o espacio adicional.

400.- ¿Cómo identificamos las partes de la batería en el pentagrama de percusión?

♪ Los tambores a través de las figuras convencionales (redondas, blancas, negras, etc.); los platillos a
través de rombos (para redondas y blancas) o aspas (para negras en adelante); y los autófonos o
idiófonos a través de triángulos claros (para redondas y blancas) u oscuros (de negras en adelante).
La identificación de cada parte se realiza en base a la línea o espacio que ocupa cada nota dentro del
pentagrama de batería, signado por la clave de percusión.

401.- ¿Cómo denotamos en el pentagrama de percusión el set de tambores de una batería estándar?
♪ De la siguiente manera:
♫ nota en 1ª línea bombo de 22”
♫ nota en 1º espacio bombo de 20”
♫ nota en 2º espacio napoleón de 16”
♫ nota en 3º espacio tarola de 14”
♫ nota en 4ª línea tom de 13”
♫ nota en 4º espacio tom de 12”
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402.- ¿Cómo denotamos en el pentagrama de percusión el set de platillos de una batería estándar?
♪ De la siguiente manera:
♫ nota por debajo de 1ª línea accionar el hi-hat con pedal
♫ nota en 4ª línea campana del ride
♫ nota en 5ª línea cuerpo del ride
♫ nota en 5º espacio (virtual) percusión manual del hi-hat
 sin círculo alrededor con el hi-hat cerrado
 con círculo alrededor con el hi-hat abierto
♫ nota en 6ª línea (virtual) crash principal
♫ nota en 6º espacio (virtual) crash secundario
♫ nota en 7ª línea (virtual) splash
♫ nota en 7º espacio (virtual) china voice

403.- ¿Cómo denotamos en el pentagrama de percusión los elementos autófonos más comunes?
♪ De la siguiente manera:
♫ nota en línea adicional debajo de la 1ª (virtual) pandereta
♫ nota en 4ª línea cencerros y aglomerados (*)

(*) Para diferenciarlos puedes emplear un sticking de 2 letras: <CL>, <CH>, <JL>, <JH>, <BL> o
<BH>; donde: C = Cowbell, J = Jam Block, B = Blast Block, L = Low Pitch y H = High Pitch.
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404.- ¿Qué es un “compás”?

♪ El compás o medida es la unidad rítmica de una canción. Los compases se separan a través de líneas
verticales ubicadas a cada cierto trecho del pentagrama. Para que lo entiendas mejor: cuando tratas
de llevar el ritmo de una canción das una palmada cada cierto tiempo; todo el espacio que va desde
que pegas dicha palmada hasta que lo vuelves a hacer es lo que se conoce como un compás.

405.- ¿Qué es el “tempo”?

♪ Es la velocidad a la que se toca la música y, por ende, tu instrumento. Siguiendo con el ejemplo
anterior, el tempo vendría a ser qué tan rápido o lento das las palmadas.

406.- ¿Cómo se expresa el tempo?

♪ En unidades QPM (quarter notes per minute) o negras por minuto.

407.- ¿Qué es una “métrica” de percusión?

♪ Ubicados luego de la clave de percusión, dos números, uno encima del otro y a modo de fracción,
expresan el patrón rítmico de los compases, el cual deberá ser sostenido por el baterista.

408.- ¿Qué representan los números de la métrica de percusión?

♪ Como en todo “quebrado”, tiene que haber un numerador (arriba) y un denominador (abajo):
♫ numerador = número de tiempos del compás = ¿cuántos golpes?
♫ denominador = qué figura forma cada tiempo = ¿qué golpes?
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409.- ¿Qué valor tienen en la métrica de percusión los “silencios”?

♪ El mismo valor que la nota que les corresponda, señalando únicamente la ausencia de golpes.

410.- ¿Qué figuras representan los diversos denominadores de la métrica de percusión?

♪ <1> es redonda, <2> es blanca, <4> es negra, <8> es corchea y <16> es semicorchea.

411.- ¿Por qué no se suelen emplear los denominadores <32> y <64> en la métrica de percusión?
♪ Porque en batería no es común sostener ritmos de fusas ni de semifusas, respectivamente. Esto se
debe a qué más allá de semicorcheas los golpes pierden progresivamente su identidad, generando la
percepción auditiva de continuidad que aprovechamos convenientemente en los redobles.

412.- ¿Debe sostenerse la misma métrica de percusión durante toda una canción?
♪ Lo común es que la métrica de percusión se mantenga durante toda la pieza musical, pero no existe
una regla absoluta. Dado el caso, cada cambio deberá consignarse en el pentagrama.

413.- ¿Cuál es la métrica de percusión en la música popular?

♪ En la música popular casi toda canción está estructurada en métrica de percusión de <4/4>.

414.- ¿Qué representa una métrica de <4/4>?

♪ Que el compás está formado por 4 tiempos (por ser 4 el numerador), y que cada uno es de negras
(por ser 4 el denominador). Equivale también a 8 corcheas ó 16 semicorcheas.
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415.- ¿Qué otra denominación reciben los compases con una métrica de percusión de <4/4>?
♪ También se les conoce como “compases cuaternarios” o “compasillos”.

416.- ¿Qué otra representación tiene una métrica de <4/4>?

♪ Reemplazar el quebrado por una letra “C”.

417.- ¿Cómo debo contar mentalmente la métrica de percusión de <4/4>?

♪ Esto depende del tipo de notas que quieras tocar, ya que este tipo de compás puede incluir cuatro
tiempos de negras, ocho de corcheas o dieciseis de semicorcheas.

418.- ¿A qué se denomina “acento de métrica”?

♪ A la calificación de los tiempos del compasillo en fuertes, semifuertes y débiles, de acuerdo con su
acentuación “natural”, esto es, sin requerir un signo “>” que la exprese.

419.- ¿En un compás de <4/4> cómo calificamos a cada tiempo de negras?

♪ Musicalmente, los fuertes son el 1º y el 3º, y los débiles son el 2º y el 4º; otros califican como
semifuerte al 3º. No obstante, es factible emplear una clasificación alternativa para la batería.

420.- ¿Qué otra clasificación se puede aplicar en percusión?

♪ Otra alternativa es considerar como “nuevos tiempos fuertes” a los cuatro tiempos del compás. Lo
usual es tocar la tarola en el 2º y el 4º (“ex-débiles”) y el bombo en el 1º y el 3º (“ex-fuertes”).
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421.- ¿Cómo debo contar mentalmente un ritmo de negras para una métrica de <4/4>?
♪ A ritmo de negras (4 golpes) cuenta: 1 2 3 4. Cada uno de ellos se considera un “nuevo tiempo
fuerte” en percusión.

422.- ¿Cómo debo contar mentalmente un ritmo de corcheas para una métrica de <4/4>?
♪ A ritmo de corcheas (8 golpes) cuenta: 1 & 2 & 3 & 4 &. Los marcados por el símbolo <&> son los
“nuevos tiempos débiles” en percusión.

423.- ¿Cómo debo contar mentalmente un ritmo de semicorcheas para una métrica de <4/4>?
♪ A ritmo de semicorcheas (16 golpes) cuenta: 1 e & ah 2 e & ah 3 e & ah 4 e & ah. Por extensión, los
marcados como <e> y <ah> son también considerados como “nuevos tiempos débiles” en percusión.

424.- ¿A qué llamamos “síncopa”?

♪ A toda nota que se toca con el fin de alterar el acento de métrica usual de un compás; esto es,
cuando lo haces entre dos de los nuevos tiempos fuertes, o por fuera de los “números” de tu conteo.

425.- ¿Qué función cumple la síncopa?

♪ El objetivo de la síncopa es desplazar el énfasis natural dado por el acento de métrica, de un tiempo
fuerte a otro débil. v.gr. en una <&> para un ritmo de corcheas o de ocho golpes, o en una <e>, <&> o
<ah> para uno de semicorcheas o de dieciseis golpes. Los patrones percusivos así generados son
usualmente denominados “ritmos sincopados”, y se aplican en casi todos los géneros musicales.
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426.- ¿A qué se llama tocar a tiempo, a contratiempo y a destiempo?

♪ Dependiendo del momento en que apliques los golpes para marcar el ritmo de una canción, se dice
que estás tocando “a tempo” (a tiempo) o “a síncopas”; en este último caso se puede estar tocando a
contratiempo o a destiempo (síncopa clásica). Pasamos a explicarte cada una de estas situaciones:
♫ tocar a tiempo (“down beat”) es cuando percutes en <1>, <2> <3> y/o <4>;
♫ tocar a contratiempo (“up beat”) es cuando percutes en la <&>; y
♫ tocar a destiempo (“off beat”) es cuando percutes en la <e> y/o <ah>.

427.- ¿Qué partes de la batería suelen tocarse mediante síncopas?

♪ Si bien es cierto que las síncopas pueden tocarse en cualquier parte de la batería, es obvio que
tanto los tambores como los platillos de ritmo son los más empleados para ejecutar patrones
sincopados. En tal sentido, nos referimos fundamentalmente a la tarola, el bombo, el hi-hat y el ride.
Fuera del patrón, puedes matizar la ejecución tocando síncopas en cualquier platillo o tambor.

428.- ¿Por qué es recomendable llevar cualquier conteo en inglés?

♪ Porque sólo haces uso de monosílabos, con lo cual sumas precisión al momento de llevar la cuenta.

429.- ¿Cómo debo contar mentalmente los tiempos cuando hago uso de tresillos?
♪ En este caso debes también aprovechar su denominación inglesa, contándolos de la siguiente manera:
1-tri-plet-2-tri-plet-3-tri-plet-4-tri-plet. Resulta evidente que has “metido” tres notas en donde
usualmente van dos corcheas o cuatro semicorcheas.
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430.- ¿En qué consisten las notas anacrusas (“pick-ups”)?

♪ Las piezas musicales deben mantener una métrica generalmente constante, pero a veces el inicio de
una canción no corresponde al primer tiempo de la medida principal. En estos casos, la pieza
comienza en el segundo, tercer o cuarto tiempo de un compás cuaternario, y a las notas que forman
esta primera medida “incompleta” se las conoce comúnmente como notas anacrusas.

431.- ¿Qué representa un puntillo en el pentagrama?

♪ El puntillo incrementa el valor temporal de una nota en la mitad.

432.- ¿Qué notas con puntillo se emplean en el pentagrama de batería?

♪ Las más usuales son la blanca, la negra y la corchea con puntillo, equivalentes a 3 negras, corcheas o
semicorcheas, respectivamente.

433.- ¿La canción también tiene una cierta “métrica”?

♪ Así es. La mayoría de canciones están escritas de manera que las “frases” (versos y coros) tengan
siempre un número de compases “múltiplo de 4”. Cada tanda de cuatro compases forma “una vuelta”.

434.- ¿Qué importancia tiene para el baterista la “métrica usual” de una canción?
♪ Facilitar la interpretación, al permitir establecer algunas reglas simples de ejecución. Por ejemplo,
así como contamos los tiempos de un compás, podemos hacer lo propio con los compases de una
sección, ubicando debidamente el sonido de un platillo o efectuando un cambio breve o un puente.
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435.- ¿Cómo debo contar mentalmente la métrica usual de una canción?

♪ Al iniciar un compás no cuentes el uno, sino el número del compás. v.gr. para un ritmo de corcheas o
de 8 golpes, una tanda de 4 compases debería contarse así: “1” & 2 & 3 & 4 & “2” & 2 & 3 & 4 & “3” &
2 & 3 & 4 & “4” & 2 & 3 & 4 &. Un conteo completo de este tipo es lo que se conoce como una vuelta.
Obviamente, una vez culminado este conteo debes volverlo a comenzar.

436.- ¿Podrías mencionar algunas reglas de ejecución acordes con la métrica usual de una canción?
♪ Señalaremos tres de las más sencillas:
♫ el platillo crash se suele tocar al inicio de los llamados “primeros compases” (1, 5, 9, etc.) y por
tanto es útil para marcar el comienzo de una vuelta o de una sección;
♫ el platillo splash se suele tocar al inicio de los denominados “terceros compases” (3, 7, 11, etc.)
y por tanto es útil para marcar el punto medio de una vuelta; y
♫ los cambios breves se suelen ubicar al final de los llamados “cuartos compases” (4, 8, 12, etc.)
y por tanto son útiles para dar fin a una vuelta o a una sección.

437.- ¿En qué consiste la función de embellecimiento del baterista?

♪ En dar realce o “color” a la pieza musical, y romper con su eventual monotonía.

438.- ¿De qué medios dispongo para este propósito?

♪ Para ello cuentas tanto con recursos técnicos como secciones específicamente destinados a este
propósito.
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439.- ¿En qué se diferencian los recursos técnicos de las secciones de embellecimiento?
♪ En el primer caso, tales recursos se agregan a los más simples en cualquier sección de la pieza
musical, a fin de dar mayor vistosidad a la ejecución. En el segundo, se trata de partes de la canción,
en las que también se hace uso de los recursos más simples de interpretación, y es la sección en su
conjunto la que termina por embellecerla.

440.- ¿Cuáles son los “recursos técnicos” de embellecimiento?

♪ Son los matices (crescendo y decrescendo), las notas de adorno (flams y drags), los paradiddles
(simples, dobles y triples), los golpes acentuados y fantasmas, las notas continuas (redobles) y
discontinuas (galopes y contragalopes), los golpes de rebote y de redoble, el cross stick y el rim
shot, los siseos (estándar y cortos) y los ahogamientos (de platillos y de tambores), por mencionar
algunos ya revisados a todo lo largo de la obra.

441.- ¿Cuáles son las “secciones” de embellecimiento?

♪ Son los fills, los puentes y los solos. A ellos podríamos agregar los arranques empleados en la
introducción y los remates utilizados en la coda.

442.- ¿Pueden los fills y los puentes ser calificados como secciones?
♪ Sensu estricto, no; más bien forman parte inicial y/o final de alguna sección de la pieza musical,
como los versos y los coros. Sin embargo, con fines prácticos y dadas sus peculiaridades, deben ser
estudiados como tales.
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443.- ¿Cuáles son las características distintivas de una sección en una pieza musical?
♪ Son tres:
♫ duración: corta o larga;
♫ estructura: simple o compleja; y
♫ tempo: constante o variable.

444.- ¿Qué es un “fill”?

♪ También llamado corte o cambio breve, debe su nombre al vocablo inglés que significa llenado, ya
que su función es completar una tanda de compases. Se caracteriza por tener:
♫ corta duración, porque se desarrolla dentro de un mismo compás;
♫ estructura simple, por involucrar exclusivamente a los tambores de mano; y
♫ tempo constante, pues se mantiene dentro de la métrica del compás principal.

445.- ¿Cuál es la utilidad principal de un fill?

♪ Dar fin de manera vistosa a una sección de la pieza musical, como parte inicial de un puente o
“bridge”. En tal sentido, el fill suele ocupar los 2 ó 4 tiempos finales del último compás de una frase.

446.- ¿Cuál es la técnica más común de ejecución de un fill?

♪ Efectuar una serie de golpes simples a ritmo de corcheas o semicorcheas en los cuatro tambores de
mano, yendo de izquierda a derecha de uno a otro extremo de la batería. No obstante, puedes
seguir el sentido inverso, o limitarlos a uno, dos o tres de tus tambores, como mejor te plazca.
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447.- ¿Qué otros recursos técnicos pueden ser empleados en un fill?

♪ Prácticamente todos los que hemos expuesto a lo largo del texto, mereciendo especial mención los
galopes y contragalopes, los flams y los drags, y eventualmente los paradiddles.

448.- ¿En qué caso un fill puede ser más corto?

♪ Cuando no forma parte de un puente, y se ubica dentro de una misma sección. En tal caso, suele
limitarse al último o a los dos tiempos finales de un “cuarto compás”.

449.- ¿Cuál es la función de un puente (“bridge”)?

♪ La principal es unir diferentes secciones de una canción, especialmente un verso con un coro (“pre-
coro”), manteniendo el tempo dentro de la métrica del compás principal. Tiene por ello dos partes:
♫ la inicial es el último compás de la frase precedente, la cual suele incluir un cambio breve; y
♫ la final es el primer compás de la frase subsecuente, la cual suele iniciarse con un golpe sobre
el platillo crash, seguido por el cambio del platillo de ritmo (del hi-hat al ride).

450.- ¿Qué es un “solo” de batería?

♪ Es una sección de la pieza musical consistente en una improvisación desarrollada por el baterista.

451.- ¿Cómo se pueden clasificar los solos de batería?

♪ Pueden clasificarse de acuerdo a su tempo (constante o variable) y a su presencia o no dentro de
una pieza musical (cerrado o abierto).
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452.- ¿Qué diferencia existe entre el solo de batería a “tempo constante” y a “tempo variable”?
♪ En que el primero puede ser apoyado por otro músico, esto es, manteniendo el tempo de la pieza con
la ayuda del bajista o de otro percusionista. En cambio, el solo de batería a tempo variable no suele
acompañarse por otros instrumentistas, porque se trata en realidad de una “fuga” del baterista, por
tiempo limitado.

453.- ¿Qué es un “solo cerrado”?

♪ El solo cerrado es aquel que se ubica dentro de una pieza musical. Es el clásico solo que tanto
apreciamos en una interpretación de jazz. Si no decimos lo contrario, en esta obra nos referimos
siempre a los solos cerrados.

454.- ¿Qué es un “solo abierto”?

♪ El solo abierto es aquel en que el baterista hace gala de su habilidad en la ejecución del
instrumento, sin acompañamiento alguno. Este tipo de solos se reserva para los videos instructivos,
clases magistrales y clínicas de batería. En cualquier caso, el intérprete suele llevar mentalmente
una melodía sobre la cual estructura este tipo de solo. El solo abierto es también el primero que
aprendes a desarrollar mientras realizas tus prácticas.

455.- ¿Qué diferencia existe entre el solo de batería y el de otro instrumento?

♪ Que si el solo es de otro instrumento el tempo debe mantenerse constante, y ser llevado siempre
por el baterista.
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456.- ¿Cuáles serían las principales características de un solo de batería?

♪ Aquellas que lo distinguen, independientemente de su tipo, son las siguientes:
♫ larga duración, porque se prolonga tanto como una sección de versos o coros;
♫ estructura compleja, por involucrar tanto a los tambores como a otros elementos; y
♫ tempo variable, pues puede o no mantenerse dentro de la métrica del compás principal.

457.- ¿Existe algún recurso para que el baterista mantenga el tempo durante su solo?
♪ Sí, y es a través de la pulsación del bombo. Ten presente que si bien el solo puede mantener o no la
métrica de la canción, esta sección no acaba con la pieza, es más bien intermedia, de suerte que
siempre vas a tener que salir de ella recuperando la métrica del compás principal. El bombo te
permitirá en un caso mantener y en otro recobrar dicha métrica. A este respecto, resulta de gran
utilidad sostener el ”ostinatto” de la canción o del género que estés interpretando.

458.- ¿Cuál es la utilidad de un solo de batería?

♪ Si bien es cierto que un solo de batería sirve principalmente al embellecimiento de la pieza musical,
otra de sus funciones es exhibir tu dominio del instrumento. Es indudable que esta sección es la
“parte soñada” por un baterista, pero lamentablemente se halla reservada a ciertos géneros, en
especial el jazz, al que con justa razón algunos llaman “la música de los músicos”.

459.- ¿Cuál suele ser la ubicación de un solo cerrado de batería?

♪ Si los hay de varios instrumentos, suele ser el último, y preceder al estribillo final o a la coda.
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460.- ¿Cuáles son las características comunes de los arranques y los remates?
♪ Los arranques empleados en la introducción y los remates usados en las codas ocupan ambos
extremos de la pieza musical, y comparten las siguientes características:

♫ corta duración, porque comprometen pocos compases;

♫ estructura compleja, por involucrar tanto a los tambores como a otros elementos; y
♫ tempo variable, pues pueden o no mantenerse dentro de la métrica del compás principal.

461.- ¿Cuáles son las características comunes de los versos y los coros?
♪ Los versos o estrofas y los coros o estribillos se conocen comúnmente como las “frases” de una
canción, y ocupan la parte media de la misma; ambas comparten las siguientes características:

♫ larga duración, porque comprometen varios compases;

♫ estructura compleja, por involucrar tanto a los tambores como a otros elementos; y
♫ tempo constante, pues se mantienen dentro de la métrica del compás principal.

462.- ¿Cuáles son los “ritmos rápidos” más comunes en batería?

♪ Los ritmos rápidos más usuales para una batería estándar son los siguientes:

♫ un ritmo de corcheas en el bombo (con pedal único) o en el napoleón; y

♫ un ritmo de semicorcheas en el hi-hat, ya sea con una o ambas manos; y
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463.- ¿Los ritmos rápidos pueden acelerarse aún más en la batería estándar?
♪ Efectivamente, aunque por cortos períodos. Citaremos algunos ejemplos:
♫ un ritmo de corcheas en el bombo (con pedal único) que se acelera temporalmente a uno de
semicorcheas en el momento de rematar la canción a punta de platillos;
♫ un ritmo de corcheas en el napoleón que se acelera temporalmente a uno de semicorcheas al
pasar a un cambio breve o un puente; y
♫ un ritmo de semicorcheas en el hi-hat que se acelera temporalmente a uno de fusas empleando
un rebote múltiple sobre el top del charles cerrado, a manera de redoble.

464.- ¿Existen ritmos más rápidos que puedan ser sostenidos por más tiempo?
♪ Sí, y merecen especial mención los siguientes:
♫ un ritmo de semicorcheas en el bombo, en caso de disponer de un doble pedal, o de fusas si
tuvieras dos bombos y contaras con un doble pedal tipo “twin” en cada uno de ellos;
♫ un ritmo acelerado sobre los platillos volantes, como los que suelen ejecutar los bateristas de
rock durante los arranques o los remates, especialmente empleando los mallets; y
♫ un redoble sobre la tarola, que al cerrarlo sea capaz de generarte un buzz.

465.- ¿Por qué montar un charles secundario sin pedal?

♪ Porque a veces resulta conveniente llevar el ritmo con un hi-hat cerrado a la derecha, ya sea que
quieras accionar el pedal del charles junto a la tarola, activar otro mazo de bombo con tu pie
izquierdo, o efectuar siseos con tu baqueta izquierda sin perder el “beat” típico del contratiempo.
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466.- ¿Podría instalar otro hi-hat a la derecha?

♪ Sólo si dispones de un hi-hat remoto. Este tipo de dispositivo cuenta con un cable de transmisión
(muy parecido al de los frenos de una bicicleta) mediante el cual se puede modificar la posición del
charles para accionarlo siempre con el pie izquierdo pese a tenerlo en otro lado. Puede convenirte si
tienes demasiados tomes a tu izquierda, o si quieres tocar permanentemente al estilo “open
handed”. Están disponibles en las marcas Gibraltar y Pearl, siendo estos últimos los mejores.

467.- ¿Cómo puedo montar un hi-hat secundario sin pedal?

♪ Existe un soporte de hi-hat estable diseñado por Yamaha® (CHH920). Dispone de una copa
convencional, y cuenta con una rueda dentada que al girarla mete o saca el vástago de la pieza
principal, con lo que puedes regular la posición del clutch y el grado de aproximación de los platillos.
El dispositivo incluye un brazo angulable, similar a la pieza terminal de un atril de volante, el que por
el otro extremo puede embonar en un soporte o sujetarse mediante un clamp a un atril de alto peso.

468.- ¿Qué platillos fijos debería emplear en un charles secundario sin pedal?
♪ En aras de la musicalidad, escoge unos de diámetro distinto a los de tu hi-hat principal. Lo común es
recurrir a un set de platillos “Mini Hi-Hat”.

469.- ¿Qué es un set de “Mini Hi-Hat”?

♪ Se trata de un par de platillos de 10”, especialmente diseñados para los charles secundarios
(estables y remotos). Están disponibles en las marcas Meinl y Zildjian.
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470.- ¿Qué es un carillón (“bar chime”)?

♪ Consiste en una serie de pequeños tubitos metálicos dispuestos en paralelo, de longitud creciente y
número variable, que a través de aritos de nylon penden de pequeñas perforaciones hechas a un
travesaño o una rondana de madera o plástico. Se sujeta por el centro en un “bar chime mounting
bracket” (LP) o en un atril de volante. Tanto por su función de tránsito entre instrumentos o
secciones, como por su parecido con una persiana oriental, se le suele también llamar “cortina”.

471.- ¿Qué tipo de cortinas existen?

♪ Las hay rectas y circulares, las segundas más pequeñas, y las primeras con los tubitos dispuestos en
una o dos hileras, de 25 ó 36 tubitos o de 50 ó 72 pendientes, respectivamente.

472.- ¿Cómo se acciona la cortina?

♪ Ya sea con la mano o la baqueta, se recorren los tubitos de un extremo al otro, generando su choque
entre sí y el efecto sonoro que caracteriza al carillón.

473.- ¿Cuáles son las mejores cortinas?

♪ Las fabricadas por A Tempo, Latin Percussion, Meinl, Pro-Mark, Toca y Tree Works.

474.- ¿Cómo debo limpiar mi batería?

♪ La gran mayoría de baterías tienen tambores recubiertos por una formica brillante o varias capas
de laca. Te recomiendo emplear un trapito “Silicon Cloth” (Yamaha®) o un pañito de microfibra.
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475.- ¿Con qué no debo limpiar mi batería?

♪ Nunca emplees trapos húmedos ni detergentes, porque podrías oxidarla o deslucirla.

476.- ¿Qué es un “drumsticks bag”?

♪ Es un estuche para los percutores manuales. Suele tener correas de velcro o cordones que permiten
colgarlo en el atril del charles o en los pasantes del napoleón, para poder reemplazar los percutores
rápidamente según convenga. Recuerda que no es infrecuente que se nos escape una baqueta en
plena canción, o querer intercambiar mazos y baquetas, unos por otros, en los arranques y remates.

477.- ¿A qué se denomina “drumkit cases”?

♪ A unos estuches plásticos especialmente diseñados para proteger los diferentes tambores, platillos
y accesorios de tu batería. Los tienes a tu disposición en modelos de estudio (“Hardcase”®) y de
transporte (“Enduro” de Humes & Berg®).

478.- ¿A qué se conoce como “drumkit dust cover” (Beato®)?

♪ A un covertor que se coloca sobre tu batería para protegerla del polvo. Viene en dos modelos: el
“single bass drum” de <9x6> pies y el “double bass drum” de <12x6> pies.

479.- ¿A qué se conoce como “drum carpet” (Drumat®)?

♪ A una alfombra antideslizante para montar tu batería. Pesa apenas 4 libras, y sus dimensiones son
de <4x6> pies estirada y <0.5x2> pies enrollada.
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480.- ¿En qué caso conviene usar guantes?

♪ Si te sudan las manos; no vayan a volar tus baquetas en plena canción. Los hay de diversas marcas,
como Maxtone, Meinl y Zildjian, aunque te sugiero los últimos por su calidad y variedad de tamaños.

481.- ¿Cómo funciona la cera antideslizante (Drumstick Wax de Zildjian®)?

♪ Es similar a la empleada por los surfistas para adherirse a la tabla hawaiana. La frotas en la zona de
agarre de las baquetas, para que éstas no se despeguen de tus manos mientras tocas.

482.- ¿Qué se conoce como “drum stick grips” (Player Music Accesories®)?
♪ Son unos mangos de goma antideslizante, que a manera de tubos se embonan en las baquetas para
cubrir su área de empuñadura. Son una buena alternativa al empleo de guantes de baterista.

483.- ¿Existen baquetas provistas de algún material que tenga el mismo propósito?
♪ Desde hace un tiempo Zildjian® viene comercializando unas baquetas llamadas “dip sticks” (bañadas)
las cuales vienen recubiertas de una fina capa de goma en su zona de agarre. Lamentablemente, este
tipo de baño no se extiende a la mayoría de modelos de baquetas producidos por el fabricante.

484.- ¿A qué se conoce como parches de práctica (“practice pads”)?

♪ A unos confeccionados a base de caucho. Estos pueden ser independientes, como los fabricados por
Pro-Mark® y Vic Firth®, para ir mejorando nuestros golpes, o bien de las mismas dimensiones de los
parches y platillos, para montarlos sobre ellos y practicar en la batería, reduciendo su estridencia.
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485.- ¿Con qué marcas de parches de práctica “montables” sobre la batería contamos en el mercado?
♪ Los puedes encontrar en las marcas Dixon, Maxtone, Practa-Pal, Pro-Mark, Real Feel y Vic Firth.

486.- ¿Cuál es la utilidad de los parches de práctica?

♪ Reducir el desgaste de los parches y realizar prácticas sin incomodar a nuestro entorno inmediato.

487.- ¿A qué se conoce como baquetas de práctica (“practice drumsticks”)?

♪ A unas de peso y estructura especiales, con el fin de mejorar ciertos atributos de ejecución.

488.- ¿Cuáles son las mejores baquetas de práctica?

♪ Las “Practice Pro” de H & R Innovations Inc.®, de punta y cuello elásticos, para ganar en velocidad,
y las fabricadas por Ahead®, de muy alto peso, para desarrollar fuerza en los golpes. Otra buena
alternativa es emplear las baquetas de grafito de la serie X-10 de Aquarian®, con mango
antideslizante.

489.- ¿Cuál es la utilidad del metrónomo?

♪ Una de las cosas más difíciles de llegar a dominar es cómo llevar el tempo de una pieza musical. El
metrónomo te servirá para practicar a diferentes velocidades de ejecución, como también para
aprender a acentuar tus golpes. En lo personal prefiero los modelos de la Serie “Dr. Beat” de Boss®,
puesto que disponen del sistema “count aloud” (en voz alta), ideal para bateristas, al llevar el conteo
de métrica en inglés (como lo sugiriéramos anteriormente) y no a través de un simple chirrido.
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490.- ¿Qué es un “groove guide” (Drum Perfect®)?

♪ Es un tacómetro digital que nos permite controlar el tempo al que estamos percutiendo nuestro
instrumento. Este moderno accesorio es ideal cuando ha llegado ya la hora de tocar en grupo.

491.- ¿Qué tipo de calzado debo usar para tocar batería?

♪ Uno muy liviano, ya sea de lona u otro material similar, y aún mejor si es tipo mocasín. En lo personal
prefiero el producido por Kenneth Cole, altamente flexible y de suela fácilmente deslizable, o bien
unas zapatillas de cuero guante.

492.- ¿Con qué otros aditamentos debería contar para mis prácticas?
♪ Cómprate un reproductor de mp3 y unos buenos “headphones”.

493.- ¿Cómo podría grabar mis rutinas de batería?

♪ Lo más económico es emplear una grabadora de cassette o una digital con micrófono ambiental. Sin
embargo, lo más moderno para ir fijando nuestros avances e improvisaciones es emplear una
“BackTrack” de Line- 6®. Diseñada originalmente para guitarristas, esta grabadora se mantiene
encendida en todo momento, y fija lo que has tocado “antes” de apretar el botón de “record”. En
otras palabras, si estás tocando algo que recién te sale o que te gusta, no tienes que detenerte y
comenzar a grabar, sino concluir tu ejecución y apretar un botoncito para memorizarla. De ahí su
denominación. El costo de este práctico aparatito es relativamente alto (aproximadamente ciento
cincuenta dólares americanos) pero es de esas cosas en que vale la pena invertir.
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494.- ¿Qué fuentes tengo para aprender diversos ritmos?

♪ En el mercado existen unos bancos digitales llamados “cajas de ritmos”, que se pueden conectar a
headphones o altoparlantes. Puedes modificar el tempo e incluso diseñar tus propias secuencias.
Vienen en varias marcas, como Korg y Yamaha. El único inconveniente es su alto costo.

495.- ¿Qué alternativa tengo a una caja de ritmos?

♪ Una buena alternativa es un teclado electrónico, que cuenta con sus propios acompañamientos para
diversos géneros musicales. Están provistos de un metrónomo, para que vayas modificando el tempo,
y no requieren altoparlantes adicionales, proporcionándote al menos una idea bastante aproximada
de los principales ritmos. Los hay de diferentes marcas y precios, al alcance de todos los bolsillos.

496.- ¿Con qué otro instrumentista debería juntarme para practicar?

♪ Con cualquiera que consigas es bueno; pero si tienes para escoger, con un bajista. La batería y el
bajo se relacionan muchísimo, pues éste es una especie de nexo entre los instrumentos de ritmo y
melodía; tan es así que se dice que un buen bajista es usualmente un buen baterista, y viceversa. Es
más, si te fuera posible deberías comprarte uno y por lo menos intentar aprender a tocarlo.

497.- ¿En qué consiste el aforismo del “1 x 2 x 4”?

♪ El aforismo baterístico del "1 x 2 x 4" hace alusión al hecho de tener tan sólo una cabeza, dos
orejas y cuatro extremidades al momento de tocar batería. La idea básica es que debes "leer como
uno, oir como dos y tocar como cuatro", en una clara progresión geométrica.
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498.- ¿Qué rutina de prácticas me recomiendas?

♪ Lo primero es efectuar un pequeño calentamiento (“warm up”) antes de comenzar a tocar. Luego
practicar todos los rudimentos, para culminar con la improvisación de un solo abierto. A continuación
debe ejercitarse la lectura de partituras, para terminar con una tocada en grupo o auxiliado de
algunas pistas de respaldo o “backing tracks” (diseñadas con todos los instrumentos, a excepción del
tuyo). El tiempo que asignes a cada parte es variable, y acorde con tus necesidades.

499.- ¿Existe algún programa de computación para bateristas?

♪ Los hay y varios. En lo personal, yo diseño mis ritmos y partituras con el programa Home Studio
2004 de Cakewalk®. Me permite grabaciones tipo MIDI, que puedo luego convertir al formato
WAV, empleado en cualquier CD de música. Así puedo practicar los ritmos que he diseñado en la PC,
o escribir en pentagrama los que he improvisado en la batería, para no olvidármelos.

500.- ¿Qué medios tengo a disposición para aprender a tocar batería?

♪ Desde el más elemental, que consiste en inscribirte en una academia musical, hasta el camino
autodidáctico, que es el que hemos seguido la gran mayoría. No quiero decir con ello empírico, sino
que uno mismo inicia una ruta de formación músical teórica y práctica. Sea cual sea la vía que elijas,
provéete de libros, manuales, revistas, videos y CDs de enseñanza. Hasta las propagandas de los
fabricantes de baterías, platillos y aditamentos tienen algo que transmitir. Si crees haber llegado a
tu tope autoformativo, apela a un profesor o inicia una instrucción académica. Pero por sobre todo,
practica, que sólo así, tras mucho esfuerzo y dedicación, habrás de convertirte en baterista.
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Diez Consejos de Bateristas Famosos

Extraidos de diversos artículos publicados en la Revista “Modern Drummer”

001.- Cimiento
♪ Los bateristas somos el cimiento de cualquier banda. Si el tempo se “extravía” la banda no puede
tocar; por buenos que sean sus músicos, el suelo se caería bajo sus pies.
Lenny White

002.- Constancia
♪ Si tienes ganas y constancia puedes dominar fácilmente cualquier instrumento. No existe magia
alguna para aprender a tocar batería; si alguien tiene el deseo, y le dedica tiempo al estudio y a
escuchar música, podrá hacerlo bien.
Peter Erskine

003.- Energía
♪ Yo golpeo la batería más duro y más veces en una noche que cualquier otro baterista, pero a la vez
soy capaz de hacerlo sin caerme del agotamiento, porque he llegado al punto donde sólo uso mi
energía cuando es realmente necesaria.
Stewart Copeland
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004.- Escuchar
♪ Siempre intento escuchar al resto de músicos que tocan en la banda, para que mi interpretación
forme parte del conjunto.
Danny Gottlieb

005.- Estilo
♪ Cada baterista tiene su propia manera de tocar el instrumento, y tú sabes que tienes que encontrar
la manera más cómoda y eficaz para que mejores día a día.
Peter Erskine

006.- Groove
♪ Lo más importante para un baterista es lograr que la banda tenga "groove". Los solos son
secundarios. Si eres un gran solista pero no puedes conseguir que tu banda tenga "swing" puedes
irte olvidando del trabajo, porque una noche serás “bueno” por cinco minutos, aunque a la mañana
siguiente probablemente amanezcas sin empleo.
Bill Goodwind

007.- Humildad
♪ Ser baterista requiere dotes de gran humildad para poder quedarse detrás de todos los músicos,
dándoles apoyo constantemente, y recibiendo muy poco reconocimiento por todo lo que uno hace.
Max Roach
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008.- Tempo
♪ Con sólo tener buen tempo no se conserva un trabajo, pero si tienes mal tempo será imposible que
consigas ese trabajo.
Max Weinberg

009.- Trabajo
♪ Mi epoca más productiva fue durante mi estancia en la universidad. Me organicé una agenda o plan
de estudios para la práctica diaria, y nunca bajé de diez a quince horas por día. Pasé dos veranos a
ese nivel, y siempre mantuve un mínimo de seis a siete horas, incluso cuando estaba de vacaciones.
Dave Weckl

010.- Versatilidad
♪ Es realmente importante que un baterista aprenda un montón de cosas distintas, y no vendarse los
ojos. Debe tener una amplia visión de la música y estar abierto a diferentes situaciones.
Rick Latham

Los diez tips anteriores resumen algunas de las cualidades más importantes con que deberá contar un
baterista. Se las presenta alfabéticamente, para que les asignes el mismo valor a cada una de ellas,
y pueden formar parte de un “decálogo” que como baterista habrás de tener siempre presente.
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Comentarios Personales de Videos Instruccionales y Bibliografía

001.- Baterista Comentado: Akira Jimbo (“Independence”, “Metamorphosis” & “Wasabi”)

♪ Básicamente, sorprende el altísimo grado de independencia de las cuatro extremidades en la
ejecución del instrumento. Destaca asimismo el empleo de un jam block percutido mediante un
gajate, el aprovechamiento del platillo china en posición elevada y horizontal para lograr un sonido
envolvente, su excelente técnica de ahogamiento de tambores y platillos, la especial sonoridad de su
tarola con hoop de madera y lo “sueltos” que deja los parches de percusión de sus tomes.

002.- Baterista Comentado: Alex Acuña (“Conquistador”)

♪ Este compatriota hace un excelente uso de los silencios y de las notas más largas, aparte de
mostrarnos el aprovechamiento de elementos percutorios latinos junto al set de batería. Destaca su
dominio de los ritmos sincopados, tanto sobre la tarola como los platillos, y la percusión bimanual del
hi-hat. Es un ejecutante sumamente cadencioso.

003.- Baterista Comentado: Buddy Rich (“Legends of Drumming”)

♪ Lo primero que llama la atención es la disposición de su batería, con casi todos los tambores y
platillos a un mismo nivel, esto es, todos abajo. Asimismo, su extraordinario dominio de los
rudimentos sobre la tarola, ejecutados a gran velocidad. Fue uno de los primeros bateristas en
hacer uso de un solo tom de vuelo y dos de piso, algo que hoy estilan muchos bateristas de rock.
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004.- Baterista Comentado: Carter Beauford (“Under the Table and Drumming”)
♪ Lo primero que nos sorprende es que, pese a ser diestro, ubica su platillo ride a la izquierda, de
modo que percute siempre la tarola en forma directa, reservando la baqueta izquierda para ambos
platillos de ritmo. Este es el estilo a manos abiertas, que por cierto es el más funcional, pues le
permite golpear cada parte de su set con la mano más próxima. Finalmente, son notorios los rápidos
cambios de figuras, acelerando y desacelerando súbitamente la percusión del charles. Se acompaña
de un folleto, signado como referencia bibliográfica Nº 24.

005.- Baterista Comentado: Chuck Silverman (“Practical Drumset Applications”)

♪ Es mi impresión que se halla entre los mejores para aprender a ejecutar ritmos afro-caribeños en la
batería. Parto del principio de que, al igual que los norteamericanos, los peruanos hemos crecido
escuchando música con la métrica cuaternaria o del <4/4> desde pequeños. En tal sentido, nos
proporciona una mejor aproximación a este tipo de ritmos. Se complementa con las referencias
bibliográficas Nº 15 y 16.

006.- Baterista Comentado: Dave Weckl (“Back to Basics” & “Next Step”)
♪ Sería muy largo enumerar sus aportes, ya que su curso es bastante completo. Quisiera destacar
entre los más importantes su dominio de los rudimentos con las baquetas y las escobillas, la técnica
de empuñadura de los percutores, su depurado manejo del pedal de bombo (técnica de “slide”) y la
peculiar forma de percutir los platillos crash (“en cachetada”). Finalmente, incluye secciones de
armado y afinación de la batería, de suma importancia para todo principiante.
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007.- Baterista Comentado: David Garibaldi (“Tower of Groove”)

♪ Aquí encontrarás varias aplicaciones de clave afro-cubana al jazz contemporáneo. Entre sus
consejos más interesantes figura la discreta desafinación de uno o dos de los pasantes de cada
tambor, lo que modifica la tonalidad terminal de los golpes ó “low end” (la parte final del sonido).

008.- Baterista Comentado: Dennis Chambers (“Serious Moves”)

♪ En este video encontrarás una serie de consejos prácticos, como tocar relajado, tener las manos
siempre cerca de los tambores, ejercitarte en frente de un espejo y practicar tus golpes sobre
superficies “muertas” o sin rebote, como las almohadas.

009.- Baterista Comentado: Duda King (“Batería Total: Ritmos Brasileros”)

♪ Este es sin duda el mejor video para aprender a tocar todas las variedades de ritmos brasileros.

010.- Baterista Comentado: Eric Singer (“Video Instruccional de Baterías Pearl®”)

♪ En este video el ex-baterista del grupo “Kiss” nos da una excelente lección respecto a como armar
nuestra batería. Sin embargo, lo que más llama la atención es la forma tan horizontal en que dispone
los tomes de vuelo, y su extraordinario dominio del doble pedal de bombo.

011.- Baterista Comentado: Gregg Bissonette (“Private Lesson”)

♪ Es de destacar su técnica en la ejecución de los flams y en el desarrollo de solos abiertos, pero
especialmente su muy esquemática forma de emplear las escobillas. Fue baterista de Joe Satriani.
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012.- Baterista Comentado: Horacio Hernández (“Beyond My Dreams”)

♪ En este video puedes apreciar diversos recursos empleados por “El Negro” para desarrollar solos
cerrados de batería con cadencia latina, tarea en la cual cuenta con el apoyo del extraordinario
bajista John Patitucci. Destaca en todo momento el sostenimiento de la clave con un cencerro, el
cual percute mediante un gajate controlado con el pie izquierdo.

013.- Baterista Comentado: Ignacio Berroa (“Mastering the Art of Afro-Cuban Drumming”)
♪ Este es el video fundamental para introducirnos en el dominio de los ritmos afro-cubanos. Comienza
por elucidar todas las confusiones tejidas respecto a las claves de son y de rumba, para proseguir
con una clara diferenciación de los diversos ritmos derivados de ellas. Cabe señalar que logra este
propósito con un set absolutamente minimalista, como el que te proporciona una batería estándar.

014.- Baterista Comentado: Jeff Porcaro (“Star Licks Magic Series”)

♪ El ya fallecido baterista de la banda “Toto” nos brinda un rápido vistazo de los principales patrones
de música contemporánea, a ritmo de corcheas, semicorcheas y tresillos (shuffle), destacando la
importancia de la acentuación y del empleo de los tomes en la estructuración de los mismos.

015.- Baterista Comentado: Jim Chapin (“Speed, Power, Control & Endurance”)
♪ Si quieres aprender a dominar todos los tipos de golpe sobre tus tambores, éste es el video que
estabas buscando. Acompañado únicamente por sus baquetas y una tarola provista de un parche de
práctica, nos presenta una completa revisión de los rudimentos fundamentales.
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016.- Baterista Comentado: Mike Portnoy (“Progressive Drum Concepts”)

♪ Junto a su extraordinario dominio del doble pedal de bombo, resalta el diseño asimétrico de los
compases, muchos de ellos impares (“odd times”), para lo cual hace uso de diversas combinaciones de
métrica. Por otro lado, destacan sus fills con el doble bombo y el marcado aprovechamiento del
metrónomo. Se trata en realidad de un video para bateristas de rock de nivel avanzado.

017.- Baterista Comentado: Mike Terrana (“Beginning Rock Drums”)

♪ Aquí encontrarás una magnífica introducción si aspiras a convertirte en baterista de rock, más aún
si tus gustos se orientan por las variantes más enérgicas de este género. Préstale atención a los dos
pedales de bombo, marcando las negras con el pie derecho, como también a la tonalidad de su tarola
de acero, a la disposición simétrica de sus platillos y a la tremenda fuerza que aplica al percutir.

018.- Baterista Comentado: Neil Peart (“A Work in Progress”)

♪ Merece especial mención lo que él mismo denomina su “reinvensión”, al pasar luego de 30 años del
agarre emparejado a la empuñadura tradicional. Es muy interesante la forma en que dispone su
batería, al estilo de Buddy Rich, destacando sin embargo la gran altura que alcanza su tarola,
conforme a los conceptos ergonómicos de su maestro Fred Grüber. Peart es el baterista de “Rush”.

019.- Baterista Comentado: Rick Latham (“Advanced Funk Studies”)

♪ Este es un video de nivel intermedio. En él no aprenderás rudimentos, sino patrones más complejos
para tocar rock, funky, jazz o cualquier otro género.
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020.- Baterista Comentado: Robby Ameen (“Afro-Cuban Grooves for Bass and Drums”)
♪ Este es un video de nivel más avanzado para los que quieren llegar a dominar ritmos afro-cubanos, y
especialmente jazz contemporáneo con influencias latinas. Se complementa con la referencia
bibliográfica Nº 11, también elaborada por este autor en colaboración con el bajista Lincoln Goines.

021.- Baterista Comentado: Sandy Gennaro (“Drum Basics: Steps 1 & 2”)
♪ Este es un excelente video para aprender a llevar ritmos de rock y blues, así como para entender la
estructura seccional de una canción. Hace mucho hincapié en el marcado de tiempos y compases, y
en la importancia de saber leer y escribir una partitura de batería. El fue el baterista de Joan Jett.

022.- Baterista Comentado: Simon Phillips (“Double Sound Pack”)

♪ Se trata del mejor video para quienes desean dominar los diversos aspectos técnicos del bombo,
desde como montarlo, afinarlo y ensordecerlo hasta percutirlo. Pone especial énfasis en el uso de
dos pedales, ya que él cuenta con un par de bombos independientes, desarrollando todo tipo de
golpes y rudimentos con ambos pies. Simon Phillips es el actual baterista de la banda “Toto”.

023.- Baterista Comentado: Steve Gadd (“Up Close”)

♪ Pese a tratarse de un video muy antiguo, no ha perdido su vigencia. Explora prácticamente todos los
rudimentos, yendo de tempos lentos a más acelerados. Merece especial mención su técnica de pedal
en el hi-hat, partiendo siempre de la posición heel-up, empleando la punta para el chick sound y el
taco para el ching sound. Para muchos ejecutantes él es el padre de la batería contemporánea.
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024.- Baterista Comentado: Tom Brechtlein (“Rock Drums: Steps 1 & 2”)
♪ Este es en realidad un mini-curso de batería, que te proporcionará todas las bases necesarias para
interpretar adecuadamente cada sección de una pieza musical. Por otro lado, te enseñará una serie
de ritmos contemporáneos, como rock, blues y shuffle.

025.- Baterista Comentado: Walfredo Reyes Jr. (“Video Instruccional de Baterías Mapex®”)
♪ Este es un video diseñado por Mapex para orientar a sus clientes respecto al armado y afinación de
sus baterías. El ex-baterista de Santana brinda una serie de consejos prácticos, y pone fin al video
con dos solos abiertos con harto “groove”.

026.- Autor Comentado: Gene Krupa (Bibliografía Nº 2)

♪ La obra cumbre de “Mister Drums”, para muchos el padre de la batería, fue traducida al español y al
portugués para dar origen a un peculiar formato bilingüe. Apoyado en múltiples gráficos, explora
todos los rudimentos habidos y por haber, incluidos algunos que por su complejidad hemos preferido
no desarrollar, acorde con el espíritu introductorio de nuestra obra.

027.- Autor Comentado: Alberto Alcalá (Bibliografía Nº 3, 8 y 9)

♪ Se trata de tres de las obras más importantes del connotado baterista argentino, que no pierden
vigencia a poco menos de medio siglo de su publicación. Te presentan un sin número de partituras de
percusión, con ejercicios que deben conducirte al dominio absoluto de los rudimentos, como a
explorar diversos géneros de música contemporánea.
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028.- Autor Comentado: Vic Firth (Bibliografía Nº 4, 5 y 6)

♪ El célebre ex-percusionista de la Orquesta Sinfónica de Boston, y hoy epónimo de una no menos
famosa marca de percutores, dejó para la posteridad este curso completo de percusión de la tarola
en tres niveles: básico, intermedio y avanzado.

029.- Autor Comentado: Haskell Harr (Bibliografía Nº 7)

♪ Aquí encontrarás una completa revisión de la estructura de un tambor y de la forma de percutirlo.
Es un libro originalmente diseñado para aquellos que lo tocan en una banda de marcha, pero tiene
pleno valor para cualquier baterista.

030.- Autor Comentado: Peter Magadini (Bibliografía Nº 10)

♪ Curso básico para bateristas de la serie “Aprendiendo a Tocar”.

031.- Autores Comentados: Lincoln Goines & Robby Ameen (Bibliografía Nº 11)
♪ Texto complementario al video instruccional de ambos miembros de la banda de Dave Valentin.

032.- Autor Comentado: Charles Dowd (Bibliografía Nº 12)

♪ Revisión con partituras de percusión de un sin número de ritmos contemporáneos.

033.- Autor Comentado: Steve Houghton & Tom Warrington (Bibliografía Nº 13)
♪ Treinta ritmos distintos con partituras de batería y bajo, útiles para desarrollar patrones básicos.
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034.- Autor Comentado: Duduka Da Fonseca & Bob Weiner (Bibliografía Nº 14)
♪ El mejor texto para aprender a tocar los diversos ritmos del Brasil.

035.- Autor Comentado: Chuck Silverman (Bibliografía Nº 15 y 16)

♪ Texto complementario ideal de su video instruccional.

036.- Autor Comentado: James Morton (Bibliografía Nº 17)

♪ Animado libro de nivel básico de la serie de Mel Bay.

037.- Autor Comentado: Kaly Espósito (Bibliografía Nº 18)

♪ Expone una serie de ritmos, incorporando nuevos rudimentos en la medida de tus avances.

038.- Autor Comentado: Black Amaya (Bibliografía Nº 19)

♪ Libro diseñado para aprender a tocar blues, provisto de un CD con “backing tracks” para practicar.

039.- Autor Comentado: Patrick Wilson (Bibliografía Nº 20)

♪ Revisión completa de los ritmos de rock en batería.

040.- Autores Comentados: Blake Neely & Rick Mattingly (Bibliografía Nº 22 y 23)
♪ La serie “Fast Track” nos ofrece dos textos muy amenos y prácticos, y no por ello menos detallados.
Vienen con sus respectivos CDs de audio, con casi 200 pistas para que efectúes tus prácticas.
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041.- Autor Comentado: Carter Beauford (Bibliografía Nº 24)

♪ Acompaña al video instruccional del mismo autor, quien es baterista de la “Dave Matthews Band”.

042.- Autor Comentado: Colin Woolway (Bibliografía Nº 25)

♪ Libro sumamente didáctico, en el que destacan una serie de rutinas para estructurar los fills.

043.- Autores Comentados: James Blades & Johnny Dean (Bibliografía Nº 26)
♪ Revisión de diversos instrumentos de percusión, con especial énfasis en nuestro instrumento.

044.- Autor Comentado: Ben Hans (Bibliografía Nº 27)

♪ Obra de nivel avanzado, con partituras para solos de creciente complejidad.

045.- Autor Comentado: Ron Savage (Bibliografía Nº 28)

♪ Libro de nivel básico, en el que sin embargo se aborda excelentemente la afinación de los tambores.

046.- Autores Comentados: Maria Martinez & Ed Roscetti (Bibliografía Nº 29)

♪ Texto básico para entender las raíces y principios fundamentales de la percusión afro-cubana.

047.- Autor Comentado: Fernando Raventós (Bibliografía Nº 30)

♪ Prolijo análisis musicológico de la batería y otros instrumentos de percusión. Nos enorgullece que
esta magnífica obra tenga por autor a un distinguido compatriota.
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Bibliografía
1. Teoría Completa de la Música., Víctor De Rubertis., Ricordi Americana., Bs.As.-Argentina., 1937.
2. Método para Batería., Gene Krupa., Ricordi Americana., Bs.As.-Argentina., 1938.
3. Método Moderno para Batería., Alberto Alcalá., Ed. Julio Korn., Bs.As.-Argentina., 1949.
4. Snare Drum Method: Book I-Elementary., Vic Firth., Carl Fischer Inc., USA., 1967.
5. Snare Drum Method: Book II-Intermediate., Vic Firth., Carl Fischer Inc., USA., 1968.
6. The Solo Snare Drummer: Advanced Etudes and Duets., Vic Firth., Carl Fischer Inc., USA., 1968.
7. Drum Method., Haskell Harr., M.M. Cole Publishing Co., USA., 1968.
8. Método de Tambor, Tomtomes y Bombo., Alberto Alcalá., Ricordi Americana., Bs.As.-Argentina., 1970.
9. Rock Progresivo: Método Completo para el Baterista Moderno., Alberto Alcalá., Ricordi Americana.,
Bs.As.-Argentina., 1977.
10. Aprendiendo a Tocar la Batería., Peter Magadini., Hal Leonard Publishing Co., USA., 1980.
11. Afro-Cuban Grooves for Bass and Drums., Lincoln Goines & Robby Ameen., Manhattan Music
Publications., USA., 1990.
12. The Jazz, Rock & Latin Sourcebook: 100 Grooves for Drums & Bass., Charles Dowd., CPP/WB Music.,
USA., 1990.
13. Essential Styles for the Drummer & Bassist., Steve Houghton & Tom Warrington., Alfred Publishing
Co. Inc., USA., 1990.
14. Brazilian Rhythms for Drumset., Duduka Da Fonseca & Bob Weiner., Manhattan Music Publications.,
USA., 1991.
15. Aplicaciones Prácticas usando Ritmos Afro-Caribeños: Parte 1., Chuck Silverman., CPP/Belwin Inc.,
USA., 1991.
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16. Aplicaciones Prácticas usando Ritmos Afro-Caribeños: Parte 2., Chuck Silverman., CPP/Belwin Inc.,
USA., 1992.
17. Para hacer más fácil la batería., James Morton., Mel Bay Publications., USA., 1993.
18. Batería: Iniciación y Proyección., Kaly Espósito., Ricordi Americana., Bs.As.-Argentina., 1996.
19. Batería: la Banda y Yo., Black Amaya., Ricordi Americana., Bs.-As.-Argentina., 1996.
20. Método de Batería de Rock (Serie “Basix”)., Patrick Wilson., Alfred Publishing Co. Inc., USA., 1996.
21. Síncopas para Batería (Serie “Basix”)., Alfred Publishing Co. Inc., USA., 1997.
22. Batería 1 (Serie “Fast Track”)., Blake Neely & Rick Mattingly., Hal Leonard Co., USA., 1997.
23. Batería 2 (Serie “Fast Track”)., Blake Neely & Rick Mattingly., Hal Leonard Co., USA., 1997.
24. Under the Table and Drumming., Carter Beauford., Warner Bros Publications., USA., 1997.
25. Drumsense Volume 1: Straight Rock, Shuffle Rock, Fill Ins and Rudiments., Colin Woolway., Hal
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26. Cómo tocar la batería y otros instrumentos de percusión., James Blades & Johnny Dean., EDAF.,
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27. Workin’ Drums: 50 Solos for Drumset., Ben Hans., Hal Leonard Co., USA., 2002.
28. Instant Drumset (Instant Series)., Ron Savage., Berklee Press., Hal Leonard Co., USA., 2002.
29. Cuba (Serie “World Beat Rhythms: Beyond the Drum Circle”)., Maria Martinez & Ed Roscetti., Hal
Leonard Co., USA., 2003.
30. Del tambor acústico a la batería electrónica., Fernando Raventós., Intellectual Mix., Lima-Perú.,
2004.
31. Revistas “Batería Total”, “Drum”, “Modern Drummer” y “News Beat”.
32. Catálogos y Videos Promocionales de Latin Percusion, Mapex, Meinl, Paiste, Pearl, Sabian, Yamaha y
Zildjian.