ARQUITECTURA NEOCLASICA:

Desarrollo de principios

 Comenzó a mediados del siglo XVIII, por una reacción contra el estilo barroco
 Columnas Dóricas y jónicas
 Frontones
 Bóvedas y cúpulas
 Predomina lo Arq. Sobre lo decorativo
 El cubo y la esfera son formas perfectas

Características de la arquitectura neoclásica

•Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana.

•Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en las

proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas.

• Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó.

•Gusto por la sencillez, con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo.

• Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, ordenes dórico y jónico,

frontones, bóvedas, cúpulas, etc.

• Predomina la horizontalidad que da sensación de equilibrio.

 1. Francia

Este estilo como tal tiene como características la reproducción de las formas clásicas pero con
mayor monumentalidad que las originales en muchos casos, sobre todo en el país que estamos
tratando; predominan las líneas rectas sobre las curvas, con mayor simpleza en las formas,
importancia de los dinteles, capiteles (siempre solo un mismo estilo en toda la construcción)
en las columnas, pilastras y frontones también clásicos, con forma triangular, y con especial
importancia de arcos conmemorativos y arcos del triunfo. Todo se rige por proporciones que
simbolizan la perfección. Destacar la gran importancia de la escultura integrada en los mismos
y cuyo material sigue siendo la piedra.

Construcciones como:

PANTEÓN DE PARÍS 1764 y 1790

Primer monumento de importancia en la capital francesa

Construcción dirigida en un inicio por Jacques-Germain Soufflot

A lo largo de su historia el Panteón de París ha tenido diferentes funciones: en el siglo XIX

sirvió tanto para fines religiosos como patrióticos, dependiendo del régimen político.
Originalmente era una iglesia nacional francesa dedicada a Santa Génova, finalmente se
convirtió en un edificio destinado a albergar cuerpos de hombres ilustres.

CARACTERÍSTICAS ARQUITECTURA
 Estructuralmente, el edificio tiene 110 metros de largo por 84 metros de
ancho.
 Podemos observar que en planta tiene un esquema de cruz griega, una cúpula
central que tiene una altura de 83 m, un solo ingreso a través de un atrio,
columnas corintias delgadas y luces extensamente espaciadas, dando el efecto
de transparencia espacial gótica
 Soufflot opta por inundar el edificio de luz abriendo 45 altas ventanas
ESCUELA DE MEDICINA, Paris (1769-1775)
Arq. Jacques Gondoin, toma el modelo de un
anfiteatro romano, cubierta por una bóveda de horno,
como en el panteón. En esta escuela no se observa la
intención de recuperar los elementos clásicos con un
sentido arqueológico, es más se suprime la
decoración los vanos, estos son parte de un muro
conde ya no hay apoyo para el techo, sin enmarques, sin molduras. Por otro lado, el
pórtico de columnas corintias y muros articulados con columnas jónicas entre arcos.

En la planta observamos un ingreso directo que nos lleva al patio central, a este se
desciende del anfiteatro o de las aulas que se encuentran en los laterales.

CENOTAFIO PARA NEWTON

Por el arq Étienne Louis Boullée. El edificio es básicamente una gran esfera que
representa tanto a la tierra como a los descubrimientos de Newton. Se accede por la
base y, a pesar de su tamaño, sólo se puede ocupar interiormente en un área reducida
de esta base. Su superficie se encuentra hábilmente perforada para que durante el día
los rayos de luz entren en su interior y parezca la imagen nocturna de la bóveda
celeste. De noche un gran foco de luz artificial en su centro reproduce la imagen
diurna.

Exteriormente sólo se ve la mitad de la esfera, apoyada en dos cilindros. Alrededor de

esta esfera Boullée coloca hileras de árboles, siguiendo su perímetro. Esta imagen
recuerda la tradición romana en los grandes mausoleos de Augusto y Adriano, aunque
se trate de tipologías diferentes de edificio, ya que, un mausoleo es una sepultura y un
cenotafio es un monumento funerario dedicado a la memoria de algún personaje, pero
en el que no se conserva su cadáver.

PALACIO DE ELISEO
Es uno de los mejores ejemplos del modelo clásico: un vestíbulo de entrada situado en
el eje del Patio de Honor y los jardines, un cuerpo de doble profundidad, un Gran
Apartamento o Apartamento de Gala dividido por la mitad por un Gran Salón que abre
al jardín.
Además, el edificio comprendía un cuerpo central de tres niveles y dos alas de una
sola planta: un Apartamento de Baños a la derecha y un Pequeño Apartamento
(apartamentos privados) a la izquierda.
Un portal monumental con cuatro columnas jónicas y enmarcado por paredes ciegas
coronadas con una balaustrada daba a un gran patio redondeado. El Patio de Honor,
majestuoso, correspondía a la deliberada atmósfera de prestigio que el conde de
Evreux quería imprimir a su vivienda. Lo bordeaban dos muros con arcadas en
bajorrelieve que ocultaban las dependencias (cuadras, cocina, reserva de leña,
cocheras...).
Un jardín a la francesa, con su avenida central, en el eje del hotel, sus parterres
"bordados" y sus paseos de castaños bordeados con cenadores completaban el hotel
agradablemente.
Esta organización permitirá todas las adaptaciones deseadas por los siguientes
propietarios. Se realizarán importantes modificaciones según el uso del edificio:
vivienda de noble, morada principesca o palacio presidencial, y en función del gusto de
los ocupantes y las modas.
 2. Alemania

El estilo neoclásico entra en Alemania diez años

después que nace en Francia debido a la fuerza
de la que gozaba allí el estilo barroco. Al
principio lo hace de manera muy tímida dando
lugar a una mezcla de los elementos
neoclásicos y los barrocos en las construcciones
de iglesias y palacios. Cuando se produce la
Revolución Francesa sus ideas llegan a
Alemania y con ello se despierta el interés por
el arte clásico. Las tendencias en Alemania
primero pasan por una etapa romana y luego
se dirigen a la asimilación de las formas griegas.
Los alemanes, gentes de elevado rigor científico hacen suyas las enseñanzas greco-romanas
con gran pulcritud asimilando las formas constructivas y el arte antiguo de forma tal que se
convierte en el modo habitual de expresión de los arquitectos alemanes en la época.
La arquitectura neoclásica alemana se distingue por usar la línea recta y las superficies planas
combinadas con figuras geométricas simples como cubos, esferas y cilindros en muros
desnudos.
Se usan las columnas dóricas, muchas veces sin estrías, y de dimensiones mayores que las
antiguas. Casi no hay motivos ornamentales en el exterior y cuando están se limitan al tímpano
de los frontones.
Es típico de esta corriente hacer las molduras gruesas para que sirvan de divisón, por ejemplo,
entre los pisos.
En general las construcciones van menos dirigidos al detalle y ponen atención a la
estructuración adecuada de las partes buscando una impresión de elegancia. La decoración
interior imita la antigua.
Se destacan entre las obras neoclásicas alemanas las construciones de Carl Gotthard Langhans,
leo von klenzen y Karl Friedrich Schinkel

PUERTA DE BRANDEBURGO:

Fue construida entre 1788 y 1791 por Carl

Gotthard Langhans, es una antigua puerta de
entrada a Berlín. No se trata de un arco de
triunfo, sino que era el acceso, a modo de
propileos, al «Nuevo Berlín» de la época.

Es una construcción en piedra arenisca de 26 m

de altura, 65,5 m de anchura y 11 m de
longitud según el estilo del Neoclasicismo
temprano. Hace Recordar a los propileos de la
Acrópolis de Atenas.

Posee cinco zonas de paso, de las cuales la central es la más ancha, con dos puertas menores a
los lados. Las columnas son de estilo dórico, estriadas, y en su base alcanzan un diámetro de
1,75 m. La parte superior y el interior de las zonas de paso están recubiertas con relieves que
representan a Heracles, Marte y la diosa Minerva.

La puerta está coronada por una escultura de cobre de unos 5 m de altura, la Cuadriga, creada
por Johann Gottfried, que representa a la diosa de la paz Irene montada en un carro tirado por
cuatro caballos en dirección a la ciudad.

Carl Gotthard decide construir el monumento a las victorias militares de los reyes prusianos de
esta época , y sirviendo como nueva puerta para el peaje y de entrada a la ciudad

El edificio se decora con relieves en varios lugares emblemáticos, el primero es el friso de

triglifos y metopas que se encuentran en el arquitrabe, encima de los capiteles de las columnas
del cuerpo principal.

Además de esto, tiene relieves en forma de medallones y en frisos en los accesos peatonales
del cuerpo principal, en los cuales se representan diversas escenas mitológicas, sobre todo, se
narran los trabajos de Hércules. El relieve más llamativo es el que se encuentra en la cornisa
del edificio, antes de la cuadriga, en él se representa una escena mitológica, con personajes de
fácil reconocimiento como la Niké alada o Hércules.

Referente a la cuadriga superior, es una cuadriga tirada por cuatro caballos y a los cuales guía
una figura que representa a Niké, la victoria, alada, una figura de la cultura greco-latina. La
figura, con una mano sujeta las riendas de los caballos y con la otra sostiene un estandarte
coronado con la cruz de hierro entre laureles y coronado por el emblema del reino de Prusia,

su águila.

TEATRO DE BERLÍN

Es un edificio ubicado en la plaza

Gendarmenmarkt, en el centro de
Berlín, que se utiliza como sala de
conciertos. Fue construido por
Friedrich Schinkel entre 1818 y 1821.

El diseño interior y exterior, incluidas

muchas de las esculturas de
compositores, son obra de Christian
Friedrich Tieck y Balthasar Jacob Rathgeber.
Entre las esculturas expuestas en el área exterior se encuentran: Níobe con sus hijos muertos
en el pórtico del frontón, debajo una escena entre Eros y Psique, y en el tope un bronce de
Apolo. En la fachada sur se encuentran Orfeo y Eurídice en el inframundo. En la fachada norte,
Baco y Ariadna, ambos tallados en estuco.

Las fachadas originales fueron recubiertas en 1883 y 1884 con arenisca. El interior fue
reformado entre 1904 y 1905 por Felix Genzmer. Durante la Segunda Guerra Mundial fue
quemado y luego reconstruido entre 1979 y 1984, para celebrar los 750 años de Berlín. Entre
1996 y 1999, tras la reunificación alemana, se realizaron nuevos trabajos de restauración.

PROPILEOS DE MUNICH

Los propileos son, en arquitectura, una

entrada monumental con columnas a un
edificio o recinto cerrado.

En la Antigua Grecia, la palabra en singular

propileo designaba un vestíbulo simple
ubicado en el frente de la entrada a un
santuario, palacio o ciudad.

En plural, los propileos son entrados o pórticos monumentales de estructura mucho más
compleja Frecuentemente disponían de una pared o también llamada fachada con columnas.

Leo Klenze construyo los Propileos en forma de entrada de un templo. El arquitecto diseñó el
edificio, inspirado en los Propileos de la Acrópolis. Fue construido casi sin problemas de
grandes bloques. La puerta está en los límites izquierdo y derecho de tres columnas dóricas en
el que una plataforma elevada es con frontón . El frontón está ricamente decorado con un friso
de los cuales también son los relieves de los muros de la torre . La parte inferior de los tejados
de las torres fue diseñado como un artesonado

Los Propileos son de arquitectura adintelada con dos grandes macizos laterales que flanquean
un pórtico central, recordándonos a la arquitectura egipcia. El orden dórico aquí utilizado nos
remite al último arcaísmo, siendo similar al de las columnas del templo de Zeus en Olimpia. Los
macizos laterales se coronan con salientes, por lo que nos recuerdan a las torres de Durand.

GLIPTOTECA DE MUNICH

La Gliptoteca de Múnich es un
museo ubicado en la ciudad
alemana de mismo nombre que
fue encargado por el rey bávaro
Luis I para albergar su colección
de esculturas griegas y romanas.
Fue diseñado también por Leo
von Klenze en el estilo neoclásico y construido entre 1816 y 1830.

El museo fue diseñado en el estilo clásico grecoitaliano. El pórtico es jónico y los muros
exteriores contienen nichos, en los que se ubican 18 esculturas originales romanas y griegas,
seis en cada pared (salvo la trasera). El interior es abovedado.
El museo fue originalmente construido completamente de mármol. Sin embargo, en la
Segunda Guerra Mundial quedó destruido. El edificio reconstruido no es tan hermoso como el
original: las columnas jónicas se dejaron sin terminar, no estando acanaladas, y algunas
esculturas quedaron también sin hacer. Además, se usó mucho menos mármol, lo que resulta
evidente desde dentro, donde se aprecian las paredes compuestas de ladrillo rojo y pintadas
para dar un efecto de mármol. Los frescos que decoraban los muros también se perdieron.

WALHALLA

Fue diseñado por Leo von Klenze y fue realizado

entre 1830 y 1842. Se encuentra en Donaustauf,
Alemania. Es un edificio claramente inspirado en
el Partenón ateniense y con un marcado estilo
neoclasicista de estilo dórico y construido en
mármol. Hasta el edificio se llega por una
monumental escalera sobre el Danubio. El
interior se encuentra decorado por varias placas
conmemorativas y bustos de personajes
importantes de la historia alemana.

ALTES MUSEUM EN BERLÍN

Altes Museum (Museo Antiguo), es edificio del clasicismo diseñado por el arquitecto alemán,
Karl Friedrich Schinkel. Esta ubicada en la (Isla de los Museos) en la ciudad de Berlín y alberga
la colección de antigüedades de los museos estatales de la ciudad.

El edificio está considerado como uno de los más importantes ejemplos del Neoclasicismo. Fue
diseñado entre 1822 a 1823, pero tan sólo se pudo empezar la construcción en 1825. Tras su
terminación en 1828 fue inaugurado como museo en 1830. Es, junto con la Dulwich Picture
Gallery, uno de los primeros museos del mundo diseñado para este fin. El edificio tiene una
longitud de 87 m y una anchura de 57 m. decorado por un pórtico con 18 columnas jónicas.

Su forma es de paralelepípedo, con dos patios interiores y cubierta plana. Las salas de
exposición están agrupadas alrededor de dichos patios. La zona central del edificio tiene dos
plantas (23 m) y posee una rotonda central, con luz cenital, conformando una galería
sustentada por veinte columnas de orden jónico.
3. Gran Bretaña
4. Italia
 5. España

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA EN ESPAÑA:

Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana.

 Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en

las proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas.
 Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó. Gusto por la sencillez,
con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo.
 Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, órdenes dórico y jónico,
frontones, bóvedas, cúpulas, etc.
 EN ESPAÑA SE INSPIRAN EN LOS MONUMENTOS DE LA ANTIGÜEDAD GRECORROMANA.

Principal representante:

Juan de Villanueva:

 Estilo sobrio y con proporción

 Predominaron las líneas y simetría
 Contribuyo con Madrid, dándole espacios de urbe moderna y monumental que deseaba Carlos
III.
 Obra maestra: Museo del Prado
MUSEO DEL PRADO:
 Planta longitudinal simétrica.
 Adelanto en la parte central.
 Decoración escaza.
 Uso de elementos arquitectónicos clásicos.

Catedral de Pamplona:

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA

 Ubicada en Madrid, y diseñada por el
arquitecto Francisco Jareño (1866-1892)
 La fachada destaca por su amplia escalinata
exterior y su fachada principal, con un pórtico
de estilo corintio, de frontón rectangular
rematado por esculturas.

Se trata de un edificio marcado por una clara

simetría y funcionalidad.
La distribución es en planta rectangular en la que se
inscribía una cruz, que daba lugar a cuatro grandes patios.

6. USA
Arquitectura de Hierro Principios

PALACIO DE LA EXPOSICION

Arquitecto: Antonio Leonardi

fue construido entre los años 1870 y 1871, e inaugurado en julio del año 1872.como sede
de la primera exposición pública que se realizó en el Perú, para mostrar productos
naturales y de la industria, así como piezas de arte y arqueología del país. Este edificio de
carácter comercial fue promovido por el gobierno del presidente José Balta, quien ordena
su ejecución en el año 1869 por motivo de la conmemoración de los 50 años de la
Independencia del Perú.

el Parque de la Exposición fue el primer gran espacio público de Lima.

El Palacio estuvo inicialmente rodeado de grandes extensiones de áreas verdes, otros
pabellones, fuentes de agua, lagunas, zoológico, glorietas y otros elementos ornamentales.
El Parque de la Exposición y el Palacio de la Exposición, se pensaron como complementos
que realzarían el carácter de esta primera exposición pública en el Perú denominada
la "Gran Muestra de Artes, Ciencias e Industrias".

El Palacio de la Exposición es un ejemplo de la arquitectura ecléctica que se desarrollaba

en la época. Edificio de estilo neorrenacentista, neoclásico afrancesado, y con influencias
de palacio veneciano. Sus elevaciones son uniformes, con pilastras de estilo jónico y
corintio, abajo y arriba, respectivamente. Entre las pilastras hay puertas en arco de medio
punto y ventanas de estilo renacentista contenidas también, en arcos de medio punto.
El espacio se organiza alrededor de un patio central cuadrado. Las columnas de
fierro están ordenadas de forma modular. La planta es simétrica y cuadrada. Las entradas
están marcadas por los vestíbulos, cerca a los cuales las escaleras equidistan del eje de
simetría. Se plantearon dos ingresos principales, uno en la fachada norte y el otro en la
fachada sur; de los cuales el más importante fue originalmente el de la fachada norte -hoy
clausurado-.

El Palacio en sí se construyó en un terreno de 80 metros de largo por 54 metros de ancho.

Utiliza un sistema constructivo mixto. El primer piso era de ladrillo y el segundo de
quincha. Las columnas metálicas que atraviesan los dos pisos del edificio constan de
pedestales y capiteles, y tienen ménsulas sobre las que se apoyan las vigas de madera. Es
una construcción vanguardista, marcando un cambio histórico en el uso de materiales, al
ser el primer edificio en el Perú que se realiza con hierro. Las columnas de hierro que
soportan la estructura del edificio se pidieron a Francia, a la Casa Eiffel. Otros materiales
usados para acabados, como los mármoles, se trajeron desde Europa; asimismo, se
mandaron a traer piezas que acompañaban la fachada, como las estatuas de las
hornacinas, hoy ausentes.
El Parque de la Exposición acompañaba al Palacio con sus jardines afrancesados y demás
pabellones. La finalidad de la Exposición Internacional era mostrar los avances de la
modernidad mediante sus pabellones; estos fueron acompañados de otras atracciones
para los visitantes.

ANTIGUO CORREO CENTRAL DE LIMA

El edificio fue inaugurado en 1897.
En octubre de 1892, con la finalidad de dar comodidad y facilidad a los funcionarios del
servicio de correos, el gobierno de Remigio Morales Bermúdez expidió una ley destinada a
la construcción de la Casa de Correos y Telégrafos. De imponente arquitectura, con
reminiscencias renacentistas, e influenciado por el estilo arquitectónico francés.
El edificio tiene dos pisos. La fachada es simétrica; el primer piso es almohadillado y el
segundo lleva columnas y pilastras pareadas. Corona la fachada un reloj y un león de
bronce representado con el hocico abierto y la correspondencia que devora. Por las
puertas centrales se ingresa a tres espacios sucesivos: el vestíbulo de entrada, un patio
intermedio y, al fondo, el patio principal alargado, donde funcionaban las ventanillas de
atención al público. La escalera, que está a la derecha del vestíbulo, conduce a la segunda
planta donde se repite la distribución espacial. Desde su fundación, fue la estación central
de correos, responsable de toda la correspondencia nacional e internacional; también
funcionó la principal estación de relevo de todas las transmisiones por telégrafo; y aquí
también se instaló la primera central telefónica en el Perú.
Hacia 1924 se hizo una tercera ampliación en la que la edificación se integró con el
espacio público a través del diseño de un pasaje que une el jirón Camaná con el de la
Unión. Este espacio cuenta además con galerías comerciales (aún en actividad) junto con
el Archivo General de la Nación.
2011 se desmanteló el Museo para dar paso a la Casa de la Gastronomía.

El edificio ocupa una superficie de 6.537 metros cuadrados.

CASA DE LA LITERATURA
Se ubica en la margen izquierda del río Rímac, en el jirón Ancash, al lado del Palacio de
Gobierno.

Fue diseñado por el arquitecto peruano Rafael Marquina en 1912

La Estación de Desamparados es una antigua estación de trenes en Lima, Perú. El edificio

actual es de estilo académico francés y fue construido sobre la edificación antigua de la
estación del Ferrocarril Central de Callao a Cerro de Pasco. Su nombre se debe al Templo y
Convento de Nuestra Señora de los Desamparados, un templo jesuita del siglo XVII situado
junto a la estación, demolido en 1937. Actualmente es la sede de la Casa de la Literatura
Peruana.

En su construcción, adoptó métodos y materiales modernos como el concreto armado

con estructuras de hierro y los telares de malla metálica. Su interior se caracteriza por
las bancas de hierro forjado con madera, la gran farola de vitral de estilo Art Nouveau y
la escalera principal.

Está dividido en tres niveles. La elevación principal es simétrica y está compuesta de cinco
cuerpos verticales divididos por cuatro pilastras.
 ARQUITECTURA DEL HIERRO EN EL PERÚ
LA CASA DE FIERRRO (IQUITOS)

 Se dice que fue la primera casa prefabricada

en Ámerica Latina fue diseñado por el
arquitecto francés Gustave Eiffel y construido
en los talleres belgas de L Forjes D’Aisseau.
 Fue comprada en la Exposición de París que se
desarrolló en 1889. Una vez desmontado, fue traído en pedazos a Iquitos (las
hojas o sábanas) metálicas y montadas allí en 1890.

PUENTE BOLIVAR/PUENTE DE FIERRO (AREQUIPA)

 La superestructura del “Puente de Fierro” está

conformada de “Fink´s Struss” o “Armadura Fink” y
Columna Phonix .Fink (el creador) logró patentar su
inspiración en 1854 para una armadura de puente.

 El sistema de Armadura Fink está

conformado por diferentes sistemas de
refuerzo triangular, de modo que el peso que
viene o llega a uno de los sistemas de la
armadura se transfiere al resto de los sistemas
antes de transferirlo a las columnas o apoyos.

MERCADO SAN CAMILO (AREQUIPA)

 Emplazado en el antiguo solar de un

convento que se vino abajo con un
terrible terremoto en el siglo XIX, fue
techado con un estupendo diseño de
hierro creado en los talleres
franceses de Eiffel , diseñado de tal
forma que el aire siempre es fresco y
la luz del día da una tonalidad rojiza a
todo

Exposiciones universales
Eiffel
OBRAS DE EFFIEL:

CATEDRAL DE TACNA

En Perú se encargo del diseño de La catedral de Tacna su

construcción comenzó en 1875 pero fue detenida por la Guerra del
Pacifico en 1879. El gobierno chileno complementó su construcción
hasta 1929, cuando la región volvió a ser parte del Perú. Terminó de
edificarse en 1956. Al final no se usaron sus planos ya que ya no se
encontraban.

Palacio de hierro de Orizaba en Veracruz:

Es el único palacio metálico en el mundo. El Arquitecto

GustaveEffiel comenzó con el diseño arquitectónico en 1891
por encargo del alcalde acalde Julio M. Velez. Lo que se
buscaba era un edificio que contrastara con la arquitectura de
mampostería de Orizaba. De igual manera se quería mostrar la
modernidad y auge económico de la ciudad; en ese entonces era considerada la quinta más
importante del país. La piezas que fueron dando vida a este palacio de corte europeo repleto
de elegancia y modernidad, tuvo un costo de 80 mil pesos en oro. Su traslado, en 1892, el
palacio tuvo que desarmarse y llevado del puerto de Amberes hasta el de Veracruz en tres
viajes en buques de vapor. Al llegar a tierras mexicanas, el entonces Palacio Municipal fue
llevado en ferrocarril. Una vez ahí, fue inaugurado un 16 de septiembre de 1894 y fue sede del
gobierno local durante 97 años.

PUENTE MARIA PÍA:

. El puente María Pía se dispone sobre el río Duero en la ciudad de Oporto, y

constituye uno de los ejemplos más representativos de los puentes de hierro del siglo
XIX. Fue construido entre enero de 1876 y noviembre de 1877 por la compañía Eiffel
para dar continuidad a la línea de ferrocarril que llegaba desde Lisboa. Fue inaugurada
por los reyes portugueses Luis I y María Pía de Saboya, que dio nombre al puente.

Su diseño correspondió a Théophile y a Gustave Eiffel. También participaron como

ingenieros consultores del proyecto los portugueses Manuel Afonso de Espregueira y
Pedro Ignacio López.

Su estructura fundamental es un arco biapoyado en sus extremos de canto variable,

con una luz de 160 m y una altura de 61 m. El tablero presenta una anchura de 6 m y
una longitud total de 563 m, alojando una línea de ferrocarril. Para la construcción
fueron necesarias 1.600.000 libras de hierro.

Sus limitaciones, al estar dotado de una sola línea con restricciones de carga
provocaron la construcción del puente de san Juan, que lo sustituyó en 1991. Tras su
jubilación, el puente se ha degradado, lo que ha llevado al gobierno portugués a iniciar
unos trabajos de restauración en 2009.
VIADUCTO DE GARABIT:
El viaducto de Garabit está situado en la comuna de Ruynes-
en-Margeride, en el departamento de Cantal, que permite a
la línea de Béziers a Causses franquear las gargantas del
río Truyère, afluente del Lot.

Enteramente metálico, este puente ferroviario fue construído

por Gustave Eiffel & Cie, y acabado en 1884, aunque la línea
no fue puesta en servicio hasta 1888.

El viaducto está compuesto por un tablero metálico de 564,85 metros de largo, que reposa en
7 pilas de hierro forjado de altura variable (80 metros las dos más altas). Los tres tramos
situados por encima de la parte más baja del valle hacen un arco de 165 metros de alcance y
una altura de 52 metros. La parte metálica está encuadrada por dos viaductos de
acceso al norte (de 46 metros) y al sur (de 71 metros). La altura sobre el nivel de las
aguas del río Truyère es de 122,5 metros, convirtiéndose en uno de los puentes mas
altos en el mundo en aquella época.

Originalmente, la idea de un puente metálico que atravesara el valle se debió al joven

ingeniero León Boyer, El cual impuso la idea de un trazado directo sobre las mesetas y
el franqueo del río Truyère.

León Boyer se inspiró en el viaducto sobre del Duero de María Pía. Este viaducto lo
construyó igualmente la casa Eiffel, pero fue ideado por un asociado,
llamado Théophile Seyrig, y fue inaugurado en 1877.

La Estación de Tren de Nyugati

La Estación de Tren de Nyugati es uno de

los edificios más icónicos de Budapest: su
monumental y elegante fachada de hierro
y cristal resalta entre los edificios de
ladrillo del centro de la ciudad. La estación
fue construida por el equipo de Eiffel en el
mismo lugar en el que se inauguró la primera línea ferroviaria de Hungría en 184 6.
Su innovadora estructura de hierro se consideró un milagro técnico cuando se
acabó de construir en 1877, en plena era de la máquina de vapor. Este edificio
poco ha cambiado con el paso de los siglos, por lo que es ideal para proyectos de
época. La sala principal, colorida y grandiosa y con una preciosa estructura de
hierro, podría ser un escenario situado en cualquier punto de la historia de los
últimos siglos. La enorme sala nos lleva de vuelta a la elegancia de la época
dorada de Hungría, pero ésto no es nada en comparación con la pomposa y
decorada sala de espera, que parece el interior de una iglesia barroca. Los pasillos
laterales, en cambio, conforman un lugar mucho más sosegado y con gran
variedad de texturas: paneles de madera, grandes cristaleras, suelos de mármol y
paredes de ladrillo. El estilo soviético de la sala de espera y la oficina internacional
de venta de tickets crea una atmósfera mucho más juguetona con sus coloridas
sillas de fibra de vidrio.

La estatua de la libertad:

La estatua de la libertad en sí, es del escultor francés Fréderic Auguste Bartholdi, pero
la estructura interna hecha de cobre, es de Eiffel. Además creó una torre interna que
soporta la escultura y diseñó un esqueleto secundario interno para mantener en
vertical la estructura completa.

TORRE EFFIEL:

La Exposición Universal de 1889 - Hubo exposiciones, 28 millones de visitantes,

atracciones y los más inolvidable de todo, la impresionante estructura de hierro de
1063 pies conocida como la Torre Eiffel.

La visión de Gustave Eiffel como ingeniero y diseñador, logró asombrar a multitudes

con el edificio más alto de Francia, que a su vez fue construido como la entrada a la
Feria Mundial. La Torre Eiffel no sólo fue el edificio más alto del mundo hasta 1930, si
no que además sigue siendo el monumento más visitado del mundo.

El diseño fue concebido con los principios de estructuras de puentes (de la empresa
de ingeniería de Eiffel). La torre Eiffel consta de cuatro columnas de vigas de celosía
separadas en la base y reunidas en la parte superior de la estructura con vigas de
metal a intervalos regulares. Eiffel tenía confianza en la fuerza de su estructura, y
durante el proceso de diseño en 1884 se registró una patente “para una nueva
configuración que permite la construcción de soportes metálicos y torres de alta
tensión capaces de superar una altura de 300 metros (1000 pies). ”

La construcción comenzó el 1 de Julio de 1887. Más de trescientos trabajadores

trabajaron largas horas durante dos años para montar la estructura de hierro. Son
18.000 piezas que forman la torre, específicamente diseñadas y calculadas con
extrema precisión.

Las cerchas de hierro se mantienen unidas gracias a remaches térmicamente

ensamblados que se contraen durante el enfriamiento para crear un buen ajuste. Son
4 los soportes que constituyen la base sobre las fundaciones de concreto. Los arcos
entre ellos no tienen ningún propósito estructural, sin embargo es un gesto romántico
con fines estéticos integrado en el diseño. Como la construcción continúa hacia arriba,
las condiciones se hicieron más peligrosas debido a la existencia de sólo tres pisos
intermedios en la torre. Hubo algunos problemas, sin embargo, la estructura fue
construida de manera rápida, en un tiempo récord. A su finalización en 1889, Eiffel
recibió condecoraciones por parte de la Legión de Honor.

La instalación de ascensores públicos para los tres niveles de la torre fue un desafío.
Los ascensores se elevan cuatro pilares para los dos niveles inferiores, los cuales
contienen cada uno un restaurante y una terraza alrededor de la torre con amplias
vistas de la ciudad. Para llegar a la cima de la torre, dos cabinas contrabalanceadas
llevan a los visitantes al cielo diariamente.
ARQ. MODERNISMO Introduccion-principios

¿Qué es el modernismo?

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística

desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx, durante el periodo denominado fin de
siècle y belle époque. En distintos países recibió diversas denominaciones: Art Nouveau –en
Bélgica y Francia–, Jugendstil –en Alemania y países nórdicos–, Sezession –en Austria–,
Modern Style –en los países anglosajones–, Nieuwe Kunst –en Países Bajos– y Liberty o
Floreale –en Italia

El modernismo nace con la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que
representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, como el historicismo,
eclecticismo ,realismo o impresionismo. En la estética nueva que se trató de crear,
predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas
de la revolución industrial, como el acero y el cristal, superando la pobre estética de la
arquitectura del hierro de mediados del siglo xix.

REPRESENTANTES

En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Ruskin y William
Morris, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta
los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesibles a toda la población,
aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del
buen hacer artesanal.

CONTEXTO

Consolidación de la revolución industrial

SOCIEDAD

• Crecimiento Demográfico

• Traslado de la población a la ciudad

• Modernización de transporte

ECONOMIA

• Elevando el poder económico

• Generando desequilibrios entre burguesía y la clase trabajadora

•
CARACTERÍSTICAS GENERALES

 Se rechaza el eclecticismo y cualquier otros estilos neos y se apuesta por las nuevas
tipologías.
 Se evitan los grandes bloques, apostando por la escala humana.
 Elementos estructurales y ornamentales inspirados en elementos vegetales de tipo
orgánico: formas
 redondeadas, entrelazados
 Tiene un carácter envolvente en el cual lo decorativo y lo funcional se unen.
 Predominio de la línea curva, Asimetrías, estilización.
 Se desean superficies onduladas, balcones numerosos y predominio del cristal.
 Empleo de nuevos materiales constructivos como el hierro y materiales que ya estaban
en desuso: ladrillo, azulejería
 Los nuevos materiales se dejan a la vista. Al ser tan diversos, dan gran cantidad de
texturas.
 Predomina la cerámica
 Se pueden establecer los siguientes rasgos del modernismo: Amplia libertad creadora;
Sentido aristocrático del arte; Actitud abierta hacia lo nuevo; Correspondencia de las
artes; Gusto por los temas exquisitos, pintorescos, decorativos y exóticos.
1.ART NOUVEAU

-Contexto, Principios

 Movimiento artístico que surge a finales del silgo 19 hasta inicios del siglo 20. Es
SOBRE TODO UN ESTILO DECORATIVO

 ESTA PRECEDIDO POR EL NEO ROCOCO, EL BARROCO, PRERRAFAELISMO, ARTE

ASIATICO E

 INFLUENCIADO POR EL MOVIMIENTO (ARTS & CRAFTS, EL RANACIMIENTO GOTICO Y

CONTRSTUCCIONES DE HIERRO)

 PRINCIPIOS

1. Se caracterizó por su tendencia a utilizar líneas curvas y ondulantes semejantes a

latigazos, formas inspiradas en la naturaleza.

2. Como estilo decorativo se utilizó con gran éxito en metalistería, cristalerías.

3. Rechazan los esquemas simétricos en favor de lo ondulado

4. Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en

actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en
los cabellos y los pliegues de las vestimentas.

5. Diálogo rítmico y ortogonal de las vigas horizontales con los pilares verticales.

6. En el interior suaves curvaturas, motivos geométricos y el empleo frecuente de

maderas lacadas y decoradas.
 -Henry Van de Velde

Breve historia:

Van de Velde, Henri (1863-1957)

Comenzo en Belgica como pintor, pero hacia 1893 dio preferencia a la arquitectura y el
diseño . En 1896, Bing le encargo que creara una habitacionpara su tienda “L’ Art
Nouveau “ y en 1897 expuso en Dresde . Sus exitos en Alemania fueron tales que se
traslado alli en 1899. En 1901 fue llamado a Weimar como consejero del gran duque . Sus
obras arquitectonicas principales son el teatro Werkbund en Colonia(1814) y el Museo
Kroller-Muller en Otterlo (1937- 1953). Su obra como teorico es tan importante como su
creacion. Comenzo a elaborar sus teorias en 1894 y a la sazon habia ya dado a conocer su
estilo abstracto, lineal , tenso ,en las artes graficas. Sus muebles poseen las mismas
cualidades
Caracteristicas:

-El futuro pertenece a los abstractos y no a los naturalistas

-Diseñaba hasta el ultimo detalle en sus espacios

-Van de Velde se inclinaba porla expresión indvidual

-Van de Velde diseña sus propios materiales, instrumentos y

mobiliario

Casa Bloemenwerf- Brucelas

-Casa inspirada por el moviiento Art and Craft

-Elemento mas conocido: Silla Bloemenwerf

-Además
conto con
otros
elementos
con diseños propios de Van de Velde: Utensilios,escritorios, vasijas etc, ya que al no conseguir
que los muebles respeten el diseño arquitectónico Henri tuvo que crearlos

-Predomina las formas curvas y rotundas y funcionales

-La casa cuenta con áreas verdes a su alrededor, por tema de estética y relación con la
naturaleza, además como modernista le dio un uso al exterior

-La terraza ocupa la mayor parte de area de la casa

-Uso fluido de cerramientos

-Divisiones espaciales

Imagen del estudio privado

Imagen de la cocina, resalta por la

originalidad del mobiliario

-En lo exterior resalta las cubiertas

onduladas
-Hector Guimard

Nació en Paris en 1867. Arquitecto y diseñador de interiores y objetos. Mayor representante

del Art Nuveau de Francia. Utiliza la naturaleza y formas orgánicas. Murió en Nueva York 1942

La Castel Beranger

Construida en 1894. Es una vivienda con 36

departamentos de 60m2. Diseñó la arquitectura,
estructura y mobiliario.

Distribución: son 3 bloques alrededor de un patio

interior

La Fachada: uso de diferentes volúmenes,

materiales y formas. Los balcones, ventanas,
ornamentación varían en material y formas. Diseños
orgánicos. Gano el primer concurso de Fachadas.

Materiales: hierro, cerámica, piedra, ladrillo, vidrio.

La Maison Coilliot

Construido en 1900. Es una vivienda comercio. Con diseño

naturales y florales en paredes, techos, escalera y mobiliario. Parte
del patrimonio artístico de Francia.

Espacios: primera planta tienda, 2, 3,4 planta departamentos.

Fachada: uso de curvas donde resalta la puerta y el letrero, dos

balcones en los pisos superiores. Resalta es uso de piedra
esmaltada color verde.

Materiales: estructura de ladrillo, piedra tallada, madera. Ornamentación de piedra esmaltada,

madera.

Entradas Al Metro de Paris

Diseñados para la línea 12 del Metro de Paris, terminados en 1900.

Encontramos dos tipos:

- Cerco corriente: con un letrero, lámparas con formas orgánicas, no poseen cobertura,
utilizo el acero como material. El ejemplo “la entrada ubicada en Montreal”.
- Edicules: tenemos tipo A (marquesina, cobertura a dos vertientes, cerramiento de
vidrio y placas de lava esmaltada, son totalmente cerradas, “entrada Porte
Dauphines”) tipo B (con marquesina, cobertura a dos vertientes, con cerco, “entrada
de Abbeses”) poseen diseños orgánicos, inspirados en la naturaleza.
2.MODERNISMO CATALÁN
-Antonio Gaudi

OBRAS-VIVIENDA
CASA BALTLLÓ- BACELONA

 Considerada la obra más plena y madura de

Antoni Gaudí.
 Los colores de esta casa rompen con la
estética general del resto de edificios y el
detalle que más cautiva, y no todo el mundo
conoce, es la representación de La Leyenda
de Sant Jordi que esconde en su fachada, su
tejado e interior.
 No sólo el exterior es impresionante, sino que su interior es de visita obligada para todo aquel
que quiera conocer la esencia de Gaudí. Los patios interiores son una muestra perfecta del
dominio que tenía Gaudí de la luz, transportándote a las profundidades del mar. Este
tratamiento de la luz y el color, los recursos y detalles que utilizó para los sistemas de
ventilación, así como el trabajo de diferentes materiales (vidrio, madera, hierro…) hacen de
esta obra uno de los edificios más importantes de Gaudí y de Barcelona.
 Patrimonio Mundial por la UNESCO.

CASA MILA

 Destaca su doble fachada que parece ondularse como un paisaje natural. Da igual el ángulo
desde el que se contemple, no podemos evitar ver reflejado en ella un mar agitado e incluso
algunos expertos la comparan con las dunas de un desierto.

 Es un edifico colmado de detalles y simbología, pero la zona más llamativa es la azotea donde
aparece un ejército de chimeneas en forma de guerreros. Otro detalle curioso que destacamos
es que, al igual que en Casa Batlló, puede verse el Templo de la Sagrada Familia a través de uno
de sus arcos, una prueba más de la obsesión del arquitecto por el templo religioso.

 Para su diseño el artista se inspiró en su estilo naturalista, otorgándole formas que asemejan a
las olas del mar, balcones con hierro forjado como si fueran plantas trepadoras, rosas
esculpidas en la fachada y chimeneas con acabados en forma de cabezas de guerreros.
 También cuenta con motivos religiosos, como su cruz de cuatro brazos o esculturas de la
Virgen.
OBRAS PÚBLICAS:
Palacio Güell 1886-1890

• Es el primer encargo importante que recibió

• La construcción se realizó entre los años 1886 y 1890.

• Esta obra es de estilo modernista catalán y pertenece a su etapa

orientalista

• La construcción está compuesta por un sótano, planta baja, planta

entresuelo, planta noble, entresuelo, planta de dormitorios, el desván y la
azotea.

• En cuanto a su estructura, está formada por muros, bóvedas y arcos

parabólicos. Los pilares van formando arcos lobulados con sus capiteles.

• El edificio destaca por su innovadora concepción del espacio y de la luz.

Cripta de la Colonia Güell 1908 – 1914

• Fue construida entre 1898 y 1914

• Esta obra pertenece a su etapa naturalista

• Tiene riqueza estructural, de formas y volúmenes

sin rigidez o de cualquier rasgo clásico.

• No se concluyó, del proyecto original Gaudí solo

construyó la cripta que es el antecedente más directo
e importante de la Sagrada Familia.

• A la hora de diseñar, Gaudí inventó un nuevo y curioso

método, realizó una maqueta polifunicular que
permite calcular empíricamente las estructuras.

• El espacio se asemeja a una selva tropical. Ninguno de

los pilares, que tienen el aspecto de la corteza de los
árboles, es igual al otro, y todos están inclinados.

• Las vidrieras que adornan el interior de la cripta le

otorgan un toque de magia y misterio.

TEMPLO LA SAGRADA FAMILIA

 La verticalidad, de hecho, es una de las características de la iglesia que propone

Gaudí con el objetivo simbólico de elevarse hacia Dios: una altura elevada en las
naves y unos pináculos, en la cumbre de las torres, que parecen confundirse con el
cielo.

 En los portales de las fachadas se explican la vida y las enseñanzas de Jesús.

Cada una representa uno de los tres momentos culminantes de su vida: su
nacimiento, su pasión, muerte y resurrección, y su gloria, presente y futura.
 Gaudí indicó que la luz en el interior del templo debía ser armoniosa y resaltar la
plasticidad de la nave, y que, sobre todo, tenía que inducir al recogimiento
espiritual.

 Las columnas arborescentes, además de su función estructural, reflejan la idea de

Gaudí de que el interior del templo tenía que ser como un bosque que invitara a la
oración.
3.SECESIÓN VIENESA

Caracteristicas

• Movimiento que buscaba romper esquemas,nuevas obras,nuevos ideales,formas

vanguardistas,principales representantes :

• La secesión buscaba trascender ,dejando de lado diseños neoclasicos, se enfoco en

diseños ordenados,simples,eficientes,atractivos,etc

• Las obras de los representantes de la secesión tomaron como referencia obras de

décadas pasadas europeas,luego arquitectos como le Corbusier tomaron también
como referencia estos diseños.
-Jossef Hoffman

El arquitecto austriaco Josef Hoffmann, influyó de

manera notable el diseño moderno y la arquitectura
mundial. Sus construcciones las podemos encontrar
en Viena, en varias ciudades de Moravia, así como
en Londres o en Bruselas.

Fue uno de los arquitectos más importantes del

movimiento de la Secesión de Viena cuyos
proyectos no estaban limitados ni a las exigencias
estéticas ni al dinero. También destacó como un gran diseñador industrial.
Nacido el 15 de diciembre de 1870, en Brtnice, República Checa, estudió
arquitectura en la Academia de Artes aplicadas en Viena donde fue discípulo,
entre otros, de Carl Freiherr von Hasenauer y Otto Wagner. En 1898 abrió su
propio estudio y en 1897 inspirado por Mackintosh y la Escuela de Glasgow fue
uno de los miembros fundadores conjuntamente con Gustav Klimt, de la
asociación de los revolucionarios artistas y arquitectos de la Secesión Vienesa.

Como destacado exponente del moedrnismovienés, sus ideales ocuparon un

importante papel en el desarrollo de todos sus trabajos, aspirando al
renacimiento de las artes y la artesanía y aportando formas más abstractas y
más puras a los diseños de edificios y muebles, vidrio y metalistería, siguiendo
el concepto de “obra total de arte”.

Josef Hoffmann desarrolló una exitosa práctica de arquitectura planificando un

gran número de edificios y villas urbanas como el Sanatorio Purkersdorf. el
Palais Stoclet en Bruselas , el Cabaret Fledermaus en Viena. La Residencia
Ast , el Skywa- Primavesi, Villa Knips. La Casa Sigmund Berl en Moravia o la
Villa Fritz Grohmann. Hoffmann Falleció el 7 de mayo de 1956 en Viena,
Austria

EL ESTILO Y LAS OBRA DE JOSEF HOFFMANN.

El estilo de Hoffmann se caracterizó por el uso de líneas geométricas, simples,

así como el uso de colores blancos y negros.
Su estilo iría evolucionando haciéndose cada vez más abstracto y
evolucionaría hacia líneas cada vez más sobrias.

Josef Hoffmann realizó un gran cantidad de diseños

dentro del mundo de diseño de mobiliario y del
interiorismo. Una de las obras más relevantes dentro
del diseño de mobiliario fue el sillón Kubus que fue
presentado por primera vez en la Exposición
Internacional de Buenos Aires del año 1910. El diseño
se caracteriza por el empleo de formas cúbicas
gracias a lo cual recibía el apodo de Quadratl-Hoffmann.
Entre otros destacan, el sillón Purkersdorf, el Haus Koller, el Fledermaus,entre
otros

En el campo del diseño de menaje ha llegado hasta nuestros días el diseño de

los cubiertos Rundes Modell, así como el diseño de juegos de té,
vajillas.. entre otros.

EL PALACIO STOCLET

El palacio Stoclet situado

en la Avenida de
Tervueren de Bruselas es
una mansión particular
construida entre 1905 y
1911 para el banquero y
aficionado al arte Adolphe
Stoclet.

Aunque la fachada recubierta de mármol está radicalmente simplificada y mira

al racionalismo, contiene obras encargadas a Gustav Klimt en el comedor,
cuatro figuras de cobre en lo alto obra del escultor Franz Metzner, y otras
artesanías en el interior y exterior del edificio. Esta integración de arquitectos,
artistas y artesanos hacen de él un ejemplo del obra de arte total, una de las
características que definen al art nouveau.
El Palacio fue el fruto de la ambición de crear una obra de arte total, donde
Adolphe Stoclet dio unos parámetros y referencias de las exigencias que pedía
a Hoffmann pero ofreciéndole una extremada libertad para la composición del
palacio y sin ninguna limitación económica o de otro tipo.

Hoffmann, que se convirtió en uno de los arquitectos más destacado de la

Sezession de Viena, realiza el diseño de este palacio sirviéndose del
refinamiento y de la geometría austera, homogeneidad y sencillez propias del
arquitecto. Busca la economía estética simplificando las formas y liberando el
espíritu decorativo. Revistió tanto la fachada como el interior del palacio de
marmol belga, mientras que los ángulos o las esquinas estan unidas por
bandas metálicas decoradas por delicados motivos sutiles; todo esto hace que
resalte su pureza entre jardines y un estanque de agua concebido bajo la idea
de una visión estática.

El interior está acondicionado con la misma exquisitez que el exterior. Al

tratarse de la obra de arte total más lograda del periodo de la Sezession, en su
interior alberga una magnifica composición de arquitectura, escultura y pintura.
Utiliza marmol en las paredes al igual que en la fachada, y para realizar los
frescos y cuadros de las distintas habitaciones escoge a Gustav Klimt, este
autor pinta motivos tanto abstractos como figurativos y estilizados, y emplea
colores llamativos y novedosos, ofreciendo un particular punto de vista del
modernismo teniendo sus obras gran contenido simbólico .

Hoy en día su estado de conservación es excepcional ya que se ha intentado

que la mayoria de las obras, mobiliario original e instalaciones permanezca
intacto. En junio de 2009 fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la
UNESCO.

SANATORIO PURKERSDORF

El Sanatorio Purkersdorf
situado en Viena, es una obra
construida entre 1903 y 1907.

El sanatorio es un ejemplo de
la arquitectura de la Secesión vienesa y abre el camino hacia la arquitectura
moderna. Se trata de la obra más importante de la fase cubista-geométrica del
modernismo vienés y fue revolucionario en su clara disposición y desarrollo
formal así como por la sencillez de su construcción. Hoffmann hizo uso de las
técnicas más modernas - el hormigón armado - en la construcción del
Sanatorio.

La decoración exterior del edificio es muy discreta. En el interior hay

fascinantes contrastes entre la gravedad de la arquitectura y los interiores con
más decoración. El destino como Sanatorio exigía un nivel de sobriedad
higiénica que ayudó a Hoffmann en su diseño. La combinación de colores
blanco y negro y motivos cuadrática fueron una constante en todo el vestíbulo
de entrada del sanatorio, incluyendo sillas y mesas.

El Sanatorio fue diseñado para un círculo de ricos pacientes, dedicado a los

más altos niveles de confort y lujo. Hasta la crisis económica mundial en 1929
Purkersdorf fue visitado por la más alta clase de clientela e intelectuales como
Gustav Mahler, Hugo von Hoffmannsthal, Arnold Schönberg y Arthur Schnitzler.

En el año 1926 el edificio fue elevado en una planta por Leopold Bauer contra
la voluntad de Josef Hoffmann. Después de la Segunda Guerra Mundial el
edificio fue utilizado por las fuerzas rusas como hospital militar.

En 1952, la iglesia protestante de Austria adquirió el edificio utilizándolo como

hospital y más tarde como residencial para la tercera edad actividad que cesó
en 1975.

Actualmente el sanatorio ha sido cuidadosamente restaurado, retirando el

tercer piso.
-Otto Wagner

Arquitecto austriaco. Figura central de la arquitectura de su país, partió de la tradición

para evolucionar hacia tendencias cada vez más avanzadas, primero el modernismo y
finalmente la arquitectura en acero y vidrio, con lo que revolucionó la arquitectónica
austriaca. Su contribución fue tanto teórica como práctica, y en ambos sentidos ejerció
una gran influencia sobre arquitectos más jóvenes, entre otros A. Loos y J. M. Olbrich.

Obras características de esta etapa son la estación de metro de la Karlplatz (estilo de

la Secesión vienesa) y la famosa Majolika Haus.

Más tarde se inclinó hacia una arquitectura que se expresara «a través de los
principios constructivos y el uso honesto de los materiales». Entre sus obras de esta
segunda etapa destaca en particular la Caja Postal de Ahorros de Viena.

PRIMERA ETAPA:

ESTACIÓN DE METRO DE LA KARLSPLATZ

FICHA:

Lugar: Viena

La Estación de metro situada en Karlsplatz construida entre 1895 y 1899.

Otto Wagner estuvo encargado de diseñar y cooperar con el diseño del primer sistema
de metro de la ciudad.. El color verde del cobre de los tejados y su ornamentación
coordinan con la Karlskirchem que se ve al fondo. Esta estación de Metro de Viena fue
hecha en su mayor parte a base de cristal y hierro lo cual significa una de las señas
de identidad de la nueva arquitectura llevada a cabo a fines del siglo XIX. Pero lo que
causa impacto las líneas curvas de los tejados de ambos edificios. Los pabellones
quedan uno frente al otro. Actualmente, uno es una animado café y el otro una sala de
exposiciones.

Cada uno de los pabellones consiste en un cuerpo delantero curvado flanqueado por
dos alas mucho más bajas. La parte delantera está atravesada por una puerta doble
flanqueada por dos puertas individuales, coronadas por una gran ventana arqueada
cuyos tres compartimentos están separados por columnas de hierro forjado decoradas
con motivos de plantas doradas típicas del arte Nouveaufloral. El dosel está
enmarcado por cinco paneles de mármol blanco adornados con motivos florales y
hojas de girasol, protegidos por un dosel adornado con motivos de plantas doradas.
Cada una de las alas laterales consta de cinco bahías, cada una compuesta por una
alta placa rectangular de mármol blanco que presenta para toda ornamentación una
serie de pequeños círculos dorados en su parte superior, coronada por un plato de
mármol cuadrado adornado con un girasol.
Las fachadas están coronadas por una cornisa de fuerte proyección sostenida por
finas ménsulas de hierro forjado verde y dorado, cuya parte inferior está hecha de
paneles de mármol blanco adornados con motivos florales dorados.

Las esquinas de los edificios están cortadas y cada una coronada por un acroterium
de hierro forjado perforado con una rueda de oro.

La fachada posterior del pabellón, que proporciona acceso al metro, precedida por una
escalera de cuatro gradas, tiene una cierta asimetría debido a la presencia de la
escalera para acceder al metro. Esta fachada, muy diferente de la fachada frontal, está
atravesada por tres puertas dobles angostas y su registro superior está adornado no
con los motivos florales típicos del Art Nouveau floral sino con grandes cartuchos
rectangulares cuyos patrones dorados son típicos del Arte nuevo geométrico

En el interior, el Pabellón Otto Wagner ocupado por el Museo Wien está adornado con
paneles verdes y dorados, bahías con marcos verdes y bahías ciegas, cuyo marco de
madera tiene montantes verticales adornados con rudetes olorosos en la parte
superior.

MAJOLIKA HAUS:

Año: 1899

Un edificio de apartamentos en Viena, el Majolikahaus diseñado por Otto Wagner a

comienzos del siglo XX, emana algunos de los detalles más clásicos del estilo Art
Nouveau. En Viena esto se conoce como el estilo de la Secesión, con las mismas
connotaciones de Art Nouveau, pero en un contexto más específico de su país.

Una fachada entera construida de pequeños azulejos de cerámica, también conocida

como mayólica, fluyen en formas florales a medida que se extienden más arriba en la

pared.

Otros materiales utilizados en el acabado exterior incluyen marcos de hierro y madera

para las ventanas, en un bloque perimetral y tipo de relleno.

Una gradación visual ocurre mediante la aplicación de fichas de Majolican; muy

dispersa cerca de la base de hierro verde, hay un aumento gradual de la complejidad y
la densidad a medida que la pared se extiende hacia el techo, utilizando colores de la
naturaleza como rojos y verdes.
Las cabezas de león se sientan en relieve en el alero que sobresale, y los dos
complejos están separados por su zona de balcones.

Este estilo de "Secesión vienés" estuvo marcado por un espíritu de iluminación

característicamente revolucionario, y se lo consideró como Art Nouveau incluso a
pesar de sus formas planas y rectilíneas. A través de la manipulación de Wagner de
materiales estáticos que eran ricos en color, el arquitecto fue capaz de conservar los
significados tradicionales de ornamentación.

SEGUNDA ETAPA:

CAJA POSTAL DE AHORROS DE VIENA

FICHA:

AÑO: CONSTRUCCIÓN I 1903-1906 CONSTRUCCIÓN II 1910-1912

UBICACIÓN: VIENNA, AUSTRIA

La Caja Postal de Ahorros de Viena, fue comenzada cuando el arquitecto tenía 62

años y la terminó con 71. De los 37 proyectos presentados a concurso, fue ganador el
de Wagner, comenzando a realizarse en 1904, con algunas modificaciones, con
respecto a proyecto original, en la parte del techo y se finalizó, el primer edificio, en
1906.

PROYECTO:

Wagner aprovechó los pasillos para ser utilizados por la Caja de Ahorros en sus
transacciones, siendo éste uno de los motivos que utilizaron algunos de los arquitectos
del jurado como argumento para rechaza su proyecto, pero finalmente fue reconocida
como una mejora funcional no considerada anteriormente por los representantes de la
Caja Postal.

El proyecto de Otto Wagner , fue el único participante capaz de combinar la visión de

un nuevo Banco de Ahorro Postal con una nueva arquitectura.

CONCEPTO:

PLANTA:
El arquitecto diseñó una planta basilical de tres naves, la central más alta que las dos
laterales, con la intención de dar a su creación, para un lugar profano, una base
racional, para establecer una forma artística como el inevitable resultado de una forma
funcional. El módulo central se convierte en ornamento arquitectónico y en decoración
urbana. Todo el edificio se desarrolla alrededor de la sala central donde la exigencia
funcional es clarísima y todo perfecto para desarrollar su cometido.

Este concepto fue conseguido sobre todo en su interior pues es una auténtica
representación de un edificio de oficinas práctico y completamente relacionado con su
finalidad, se nos aparece como una “enorme envoltura llena de dinero”

DESCRIPCIÓN DE ESPACIOS:

El acceso principal al edificio se realiza a través de una amplia escalera cubierta por
una sencilla marquesina de metal y vidrio sostenida por finas columnas, que dan
acceso al atrio que conduce al espacio central del banco. Debajo de este gran patio
iluminado se ubicaron los sótanos, en uno de los cuales desarrolla su labor el correo.

El edificio tiene 8 niveles organizados de forma simétrica alrededor de 5 patios de luz

que iluminan el interior. Con la finalidad de que la Caja de Ahorros entrara en
funcionamiento lo antes posible, la obra fue dividida en dos partes, el primer edificio,
en la parte este, se construyó entre 1903 -1906 y el segundo, en la parte oeste, la
parte trasera del edificio que se enfrenta a Dominikanerbastei, se completó entre 1910
1912, siendo adosado al primero. ( criterio de mantener algunas características del
entorno, como volumetría, color y ritmo de vanos.)

INTERIOR:

Este edificio de planta trapezoidal, desarrollada con armonía alrededor de la sala

central, el manejo flexible del espacio, la ausencia de ornamentación y la perfecta
integración de dos materiales, el vidrio y el hierro, (tendencia arquitectónica de la
Secesión, arquitectura moderna, Art Deco o el Jugendsti).

TECHO:
Se trata de un techo suspendido de placas de vidrio sostenidas por telares metálicos y
cables. El armazón que forma la pérgola que cubre el espacio central fue realizado en
hierro, formando cuadrículas que fueron cubiertas con cristales, permitiendo la entrada
de luz en la sala.
Sobre este armazón se despliega un segundo techo a dos aguas, también de vidrio,
que protege la bóveda de la sala principal.

Wagner crea un lenguaje a través de los

materiales, una sucesión de elementos
repetidos hasta el infinito que a su vez
crean un punto de referencia. Este hecho
es verificable tanto en el exterior, la
fachada, como en el interior, el techo y
los laterales del módulo central. En la
fachada los pernos que supuestamente
unen las losas de piedra a las paredes de
ladrillo evocan la arquitectura industrial,
aunque se trata de un detalle decorativo
ya que las planchas fueron unidas con
mortero

ESTRUCTURA:

La estructura de la Caja Postal es innovadora, se presenta como una estructura

metálica revestida con placas de mármol y apliques de aluminio con forjados de
hormigón armado. Las paredes fueron levantadas con ladrillo y luego revestidas.

En el interior no se incluyeron grandes paredes portantes, lo que permitía total

flexibilidad para las diversas funciones del banco, iluminados por generosas ventanas.

MATERIALES:

ALUMINIO:

Se uso en los más de 800 picaportes, herrajes, aparatos de alumbrado, rejas de

calefacción, radiadores de aire caliente y revestimientos de las pilastras en la sala de
ventanillas, era el hecho de que ese material no precisaba limpieza alguna.

La fachada realizada con ladrillos, fue revestida con placas de mármol blanco
Sterzinger y granito, fijado mediante pernos recubiertos con aluminio, en total 17.000.
Las placas de mármol descansan sobre un zócalo de granito cuyas piezas se
redondearon todas en la misma dirección y con un pequeño relieve, para de este
modo acentuar el efecto de horizontalidad y conferir vivacidad y plasticidad al edificio.
La marquesina de metal y hierro que señala la entrada principal está sostenida por
columnas de hierro forjado recubiertas de aluminio.

Las paredes interiores tanto de los locales como de las escaleras o los pasillos
también están revestidas con mármol. Las escaleras son de hormigón y acero con
peldaños de mármol de 3 cm.

Los suelos de la sala central fueron realizados con bloques traslúcidos fabricados con
pasta de vidrio y enmarcados con baldosas de granito decoradas con líneas negras,
en el resto de los espacios Wagner combinó el mármol con linóleo.
IGLESIA DE SAN LEOPOLDO EN STEINHOF

FICHA:

AÑO: 1905- 1907

La iglesia de San Leopoldo está

considerada una de las iglesias más
importantes del siglo XX y figura
entre las obras maestras del
arquitecto. La iglesia forma parte de
un centro siquiátrico para cuya
construcción se llamó a concurso,
ganando Wagner el primer premio.
Aunque el proyecto fue aprobado en
su totalidad sólo se le encargó la construcción del templo. Su cúpula dorada se ve
desde todos los rincones de la ciudad.

Excepcionalmente la iglesia se encuentra en un eje Norte-Sur, en el centro más alto

del complejo hospitalario.

CONCEPTO:

La construcción de esta iglesia permitió a Wagner la materialización de las ideas que

trazó en su estudio de 1899 “ Die Moderne im Kirchenbau”, (La modernidad en la
construcción de iglesias). Otto Wagner creó una iglesia moderna, aunque siempre
manteniendo los aspectos tradicionales, como la forma en cruz o la iluminación y
cambiando la imagen, las vidrieras o el cuenco del agua bendita entre otras.

Las influencias que recibió el arquitecto en este proyecto son varias, la estructura es
neoclásica, la organización del espacio evoca el Renacimiento, mientras que la última
sugerencia es barroca, creando la mezcla un magnífico juego de luces, espacios y
formas.

La Iglesia de San Leopoldo en Steinhof es una “obra de arte total”, concepto

secesionista, “ Gesamtkunstwerk”, ya que fue diseñada desde los cimientos hasta el
más mínimo detalle, todo planeado de antemano por el arquitecto y sus colaboradores.

DESCRIPCIÓN:

Exteriormente la iglesia está revestida con placas de mármol ornamentadas con

tachones dorados y apoyadas sobre un alto basamento de piedra que rodea el recinto.

Su pórtico se sustenta sobre cuatro finas columnas torsas alargadas y rematadas con
guirnaldas. Detrás de ellas otras cuatro columnas atraviesan el techo del pórtico y
terminan rematadas con figuras de ángeles, obra de Othmar Schmkowitz decorando la
fachada.

El interior de la iglesia es diáfano, con capillas laterales poco profundas. La decoración

principal consiste en unos frisos blancos y dorados y planchas de mármol blanco
tachonadas en dorado. La luz natural ilumina el recinto a través de las magníficas
vidrieras azules de Kolo Moser.
CARACTERISTICAS ESPECÍFICAS:

Otto Wagner incorporó numerosas características relacionadas específicamente con la

función de la iglesia dentro del complejo hospitalario siquiátrico:

La mayoría de las esquinas están redondeadas y existen muy pocos bordes en la

estructura, casi no hay cruces visibles, el área del sacerdote está potencialmente
separada de la zona de los asistentes, el acceso al púlpito se realiza solamente a
través de la sacristía. Las salidas de emergencia se construyen en las paredes
laterales por si se presenta la necesidad de retira a un paciente de forma rápida.
Existían instalaciones de tocador fácilmente accesibles dentro de la iglesia en caso de
necesidad del paciente. Los bancos originalmente eran de distintos anchos para
acomodar diversas categorías de pacientes: tranquilos, agitados, perturbados. La pila
del agua fue diseñada por goteo para minimizar el riesgo de infecciones.

DETALLES CONSTRUCTIVOS:

Planta

La planta de cruz griega tiene cabida para 800 personas, 400 sentadas. La entrada
principal fue dividida en tres de forma funcional: a la derecha se encontraba la entrada
para los hombres, a la izquierda para las mujeres y la entrada central se reservaba
para ocasiones especiales.

Paredes

Las paredes del templo tienen una altura de hasta tres metros rodeando un recinto que
se encuentra abovedado por un “firmamento” blanco intenso decorado con una
especie de red cuadriculada formada por retículas doradas que conjuntamente con los
remaches dorados ayudan a sujetar las placas Rabitz del techo suspendido.

Suelo

El suelo se despliega unos 30 centímetros por debajo del altar principal con el fin de
asegurar una buena visibilidad durante la celebración de los diferentes oficios.

ASPECTOS ESTÉTICOS:

El arquitecto dedicó especial importancia a la entrada de luz en la iglesia, procurando

que el altar no se viera deslumbrado por la luz del sol, a una buena sonoridad,
garantizada por las superficies a prueba de toda técnica acústica. Tuvo en cuenta
criterios prácticos como la separación en zonas para mujeres y hombres, para
pacientes o para trabajadores del hospital.

CÚPULA:

La gran cúpula está recubierta con placas de cobre, cuyo interior se rebaja con una
segunda cúpula más suave, 17 metros más abajo, recubierta de placas “Rabitz” cuyas
juntas doradas se aprovechas como ornamento, recordando la arquitectura balcánica.
Por encima de estas placas suspendidas el arquitecto construyo una losa de hormigón
creando un espacio útil para ocultar diferentes accesorios, como los cabrestantes de
las lámparas.
La bóveda principal de la iglesia no es visible por dentro del edificio.
EL ART NOUVEAU EN LIMA
Es un nuevo arte surgido en el periodo de finales del siglo XIX al primer cuarto del siglo XX.
La corriente modernista llega al Perú de igual manera que en otros países: desde Europa. Se
desarrolla de forma distinta con menos intensidad debido a distintos factores.

CARACTERÍSTICAS
En este estilo arquitectónico se romperá con los cánones historicistas y clasicistas
preponderantes en el siglo XIX, Y primara la libertad y originalidad, generando así un nuevo
estilo mucho más libre en temas y en formas que mantendrán una finalidad de exclusividad.

En el diseño se utilizan formas curvas, asimetría, se inspiran en la naturaleza y lo femenino, se

estilizan los ornamentos y gracias a nuevas técnicas desarrolladas, se emplean diversos
materiales.

El hierro es un elemento fundamental por la idea de progreso, modernidad e industrialización

que representa, junto con el vidrio dará lugar a espectaculares vitrales que mantendrán un
ambiente de lujo en edificios donde el prestigio del propietario será asociado al de la
edificación

EDIFICIO BOLIVAR
Diseñado por el arquitecto Rafael Marquina y Bueno, con una superficie de 4000m2,
cumple una función de comercio.

El hotel Bolívar es un edificio que muestra la simetría en toda la

composición de su fachada, posee 3 cuerpos, una calle central y dos
entrecalles en los laterales:
También posee pilastras dóricas con un entablamento curvo en las
entrecalles y entablamento abierto en la calle central, más aun en esta
última se genera un retiro del plano, que a la altura del primer piso
alberga cinco arcos que rompen con la rigidez ortogonal de las calles y
cuerpos, y da primacía al ingreso central.
PALAIS CONCERT(1913)
Ubicado en el cruce del jirón de la unión con la av emancipación. La construcción
estuvo a cargo de la firma de Gustave Eiffel, cuenta con un área de 1254m2, con una
función de café-cine-bar.
la propiedad del señor Genaro Barragán se encontraba en la esquina de las antiguas
calles Baquíjano y Minería (actualmente Jirón de la Unión y Av. Emancipación), en
pleno Centro Histórico de Lima, capital del Perú.
Es una casona de tres pisos, sótano y azotea en un área de terreno de 1,254 mts2.
don Genaro decide contratar a los constructores de moda de la época, los hermanos
Masperi, Raymundo, Arquitecto y Guido, Escultor y encargado de todos los trabajos de
yesería y molduras, para que construyeran su gran sueño, una casa al estilo más
moderno de la época y con lo último en tecnología de la construcción, concreto y
fierro.
Esta nueva tecnología permitiría a la casa contar con un sótano iluminado de forma
natural a través de una especie de blokcs circulares de vidrio, precursores de los que
conocemos hoy, tres pisos y una azotea con un mirador y un tanque de fierro para
reserva de agua (algo novedoso en aquella época). Dedicaría el sótano y primer piso al
comercio y los siguientes pisos a vivienda.
En el sótano, donde alguna vez hubo un cine y sala de espectáculos, ahora podría
haber una sala de usos múltiples, que funcione como cineclub (en donde podría
exhibirse, por ejemplo muchos cortos peruanos premiados en el extranjero que no
pueden ser vistos por los propios peruanos), sala de exposiciones, de conferencias,
presentar obras de teatro, recitales o espectáculos. En el primer piso una cafetería de
época, que evoque el “Palais Concert”, y una biblioteca-café. En el segundo piso,
librerías, tiendas de artesanías, souvenirs, etc. En el tercer piso habría talleres de
dibujo, pintura, escultura, artesanía. Y en la azotea un gran café con un mirador que
aún existe, para los que quieran gozar del paisaje.

CASA COURRET
Considerada el mejor ejemplo de ART NOUVEAU de la ciudad

Esta casa se inauguró en 1906 y se encuentra ubicada en la tercera cuadra de Jirón de

la Unión, fue realizada por Enrique Ronderas, funcionó como la sede principal de uno
de los estudios de fotografía más importantes de la ciudad de Lima.

Tiene un área de 220 m2, el espacio de frente es estrecho. Comercio en el primer piso,
y vivienda en los dos superiores. Una escalera conduce a los pisos superiores y llega a
un vestíbulo de doble altura

CASA FERNANDINI
Proyecto de Claudio Sahut para Don Eulogio Fernandini, un acaudalado empresario
minero y padre de la primera alcaldesa de Lima, Anita Fernandini. Fue construido en
1913 este palacete que significó un cambio importante en la tipología de las
mansiones señoriales.
Tiene un área de 858.25 m2, siendo el área techada de 1142.50 m2

Actualmente, además de recorridos por la casa, en este recinto se realizan actividades

culturales como charlas de arquitectura, festivales de artes escénicas, proyección de
películas y más.

Un notable ejemplo de gestión y de recuperación de espacios que contribuye con la

cultura y se vuelve una razón más para recorrer el bello Centro Histórico de Lima.

Se ubica en jr. Ica con Jr. Rufino Torrico, frente al Teatro Municipal.

FACHADA
Dejando de lado el adobe y la quincha tradicionales, aquí se emplearon el concreto
ciclópeo, el ladrillo y el cemento. Su gran fachada de dos pisos, en esquina, muestra la
fascinación por los elementos ornamentales del Art Noveau.
En su exterior posee paneles policromos de mayólicas, decoraciones florales en yeso y
balcones de fierro.
En su interior muestra amplios salones decorados con molduras de estuco y coloridos
vitrales de gusto modernista, así como el ascensor, uno de los primeros en Lima
VANGUARDIA

1.Deutscher Werkbund
-Peter Behrens

Hizo los proyectos de las fábricas y las viviendas de los trabajadores, muebles, productos
industriales e incluso la papelería, carteles, anuncios y escaparates; contribuyó así a consolidar
una nueva idea: la de la identidad corporativa, para cuyo desarrollo era necesario un nuevo
tipo de empleador, el industrial visionario involucrado en todos los aspectos producidos por su
industria, y también de proyectista, el "consultor" de diseño. Behrens proclamaba con esto la
unión del arte y la industria, en sintonía con los ideales de Hermann Muthesius al fundar la
Deutscher Werkbund.

En los siguientes 4 años trabajaron en su despacho Walter Gropius, Adolf Meyer, Ludwig Mies
Van der Rohe y Le Corbusier, siendo una reconocida influencia, tal como lo mostraría el propio
Gropius en su libro La nueva arquitectura y la Bauhaus.

Obras y diseños

1909, NAVE DE TURBINAS DE LA EMPRESA AEG, BERLÍN

La Fábrica de Turbinas de AEG, es el primer edificio de La Arquitectura Industrial que

busco en la época una nueva concepción de belleza reuniendo los mismos conceptos de
arte y industria en el diseño. La arquitectura logro el avance de esta a través de nuevas
técnicas constructivas y nuevas formas de diseño.

También realizo los proyectos de las fábricas y las viviendas de los trabajadores, muebles,
productos industriales e incluso la papelería, carteles, anuncios y escaparates; contribuyó así a
consolidar una nueva idea: la de la identidad corporativa, para cuyo desarrollo era necesario
un nuevo tipo de empleador, el industrial visionario involucrado en todos los aspectos
producidos por su industria, y también de proyectista, el "consultor" de diseño. Behrens
proclamaba con esto la unión del arte y la industria.

Es un edificio de acero y vidrio

En el interior encontramos los espacios de:

A. ALMACENAMIENTO Y PRODUCCIÓN SECUNDARIA

B. FABRICACIÓN DE MAQUINARIA

C. ÁREAS DE CIRCULACIÓN

Originalmente la nave estaba formada por una planta rectangular de 207 metros de
longitud, 39 de ancho y 25 metros de altura. Esta formado por un esqueleto con 22
pórticos principales colocados cada 9 metros a lo largo del edificio.

El edificio formalmente consta de dos naves paralelas. La nave mas pequeña se adhiere a
la nave principal, ya que es mas monumental.

1. La nave mas pequeña, es un cubo con techo plano pero cuenta con un lucernario de dos
aguas de vidrio en la parte superior de la cubierta. Eso le da mas dinamismo.
2. La nave mas grande, esta conformada por pórticos y cerchas de acero y también cuenta
con un lucernario de dos aguas. Esta es de mayor escala y mayor proporción.

Esto dota al edificio de una dinámica espacial, y de mayor iluminación natural al

espacio y ormalmente simplificada a su más mínima reducción: líneas limpias, tensos y la
renuncia del ornamento.

La estructura participa formalmente y estéticamente en este volumen, montando una

marco-estructura de acero forma el concepto del edificio: Elegancia y monumentalidad.
Mientras, que la fachada lateral, el pórtico de acero participa proporcionalmente con el
vidrio para el realce del edificio.
2.Futurismo Italiano

-Antonio Sant Elia

• Arquitecto italiano, el cual es reconocido por realizar unos dibujos visionarios de la

ciudad del futuro. Representante del movimiento futurista.

• Entre 1912-1914 hizo muchos dibujos y planes para ciudades del futuro.

• Fue influenciado por las ciudades industriales de EEUU

PRINCIPIOS DE SANT ELIA

RECHAZA:

1. Toda arquitectura de vanguardia

2. Toda arquitectura clásica, decorativa, monumental.
3. La reproducción de los monumentos y palacios del pasado
4. Las líneas perpendiculares y horizontales, las formas cúbicas y piramidales que
considera estáticas y ajenas a la sensibilidad
5. El uso de materiales macizos, voluminosos, duraderos, anticuados y costosos.

SOSTIENE:

1. Que la arquitectura futurista usa materiales nuevos como el cemento armado, hierro,
cristal, cartón, fibras textiles.

2. Que es la arquitectura del movimiento y dinamismo.

3. que las líneas oblicuas y elípticas son dinámicas superiores a las líneas perpendiculares
y horizontales

4. que Si la decoración no tiene ninguna función es un absurda, El material natural es el

más valorado y no los espacios sumamente coloreados.

5. Que los futuristas deben encontrar la inspiración en los elementos nuevos

6. Que la arquitectura futurista es fugaz. Cada generación deberá construir su ciudad.

OBRA: CIUDAD NUEVA

• Era una ciudad pensada para grandes aglomeraciones

de gente, y realizada con materiales que permitan
ser sustituidos sin problemas. El dinamismo radica
en la arquitectura efímera y el movimiento de la
ciudad, con distintas vías de circulación.

• El rechazo por el eclecticismo y el exceso de

decoración.

• Lamentablemente no se llegó a construir, solo

quedaron los bocetos

SU INFLUENCIA EN LA ARQUITECTURA

• Le Corbusier al igual que Sant Elia Demostró la falta de necesidad de muros de piedra
y ladrillos y elogio las nuevas tecnologías como las losas de concreto y acero.
• También quería renovar la forma en que pensamos sobre la arquitectura y construir
de acuerdo a las necesidades de cada generación.

• La gran diferencia en sus ideologías es que Sant Elia quería que la arquitectura supere
a la naturaleza mientras que Le Corbusier siempre tuvo en cuenta el espacio alrededor
de sus edificios.

• También influenció al

racionalismo italiano y
a Walter Gropius.
3.Neoplasticismo

El neoplasticismo fue una corriente artística que, desprendida del cubismo, buscó hacer que el
arte no tuviera elementos accesorios, sino sólo los más elementales. Tales elementos trataron
de lograr que la expresión artística tuviera una consciencia de lo primitivo y, más aún, de lo
objetivo, lo cual condujo a la noción de lo universal, con la que se formó una concepción de lo
abstracto que se elevó a su máxima expresión.

Fue el pintor neerlandés Piet Mondrian, en conjunto con su compatriota Theo van Doesburg,
quien inició el neoplasticismo entre los años 1917 y 1920; esto ubica por tanto a dicho
movimiento dentro de las corrientes del arte moderno, particularmente en los inicios del siglo
XX. Ambos hombres fueron los pioneros en un nuevo estilo pictórico que partió de cuestionar
cánones establecidos en este entonces, por lo que sus innovaciones despertaron elogios y
críticas de todas partes.

Características

Ilustración inspirada en Piet Mondrian.

El neoplasticismo se caracterizó por diversos aspectos que distinguen a esta doctrina artística
de las demás. En la siguiente lista se muestran los que son más representativos:

 Presencia del rectángulo como forma básica, la cual aparece en casi todos los
cuadros y que da la sensación de representar bloques de edificios.
 Uso de los colores primarios (amarillo, azul, rojo), lo que concuerda con la filosofía
primitivista del neoplasticismo, que reduce la complejidad del objeto representado
en un número limitado de tonalidades disonantes entre sí. En otros artistas se
observó también el empleo de colores neutros (blanco, negro, gris) para dar a
entender la misma idea.
 En relación a lo anterior, hay un cromatismo plano, abstracto y desigual. Mediante
la utilización de los colores primarios y neutros, fue posible para los neoplasticistas
una pintura que se valiera de una gama pequeña de contrastes y tonalidades a
 partir de las cuales se expresaran formas equilibradas, pero sin simetría, separadas
de los objetos reales.
 Rechazo al realismo. En otras palabras, los pintores neoplasticistas se alejaron de la
concepción clásica del arte como una forma de plasmar la realidad, de imitarla, de
describirla objetivamente y de recrearla tal como se ve. De este modo, todo el arte
perteneciente a esta corriente huye de esa tendencia y crea una en la que, por
ejemplo, se pueda dibujar un caballo sin tener que hacerlo con todo lujo de
detalles; con las formas y los colores básicos de ese animal habría sido más que
suficiente.
 Búsqueda de la universalidad. Esa es, de hecho, una de las razones fundamentales
por las que los neoplasticistas tenían una especial fijación por los colores y formas
más elementales, puesto que al ser comunes para todos se hace una pintura que
pueda tener significado para cualquiera que la vea. Y no sólo eso; una obra que
trascienda la realidad es, según los cánones de esta doctrina fundada por
Mondrian, algo que encaja con los cimientos del mismo cosmos primigenio.
 Ausencia de trazos diagonales y curvilíneos, salvo en la opinión de van Doesburg.
 En varios artistas y obras del movimiento hubo integración de la pintura con la
arquitectura.
-Teo Van Doesburg

Nacido en Ultrecht en 1883 , fue un Arquitecto, pintor y teórico de arte holandés, uno de
los creadores del neoplasticismo.

Trabajo estrechamente con Piet Mondrian y Bart van der Leck

Colaboró también en proyectos arquitectónicos y escribió textos teóricos

El empeño de Van Doesburg se concretó en la defensa de una utopía a la vez racionalista y

humanista, plasmada sobre todo en sus proyectos de decoración de interiores, en los que
se integraban pintura y arquitectura.

CAFÉ AUBETTE-ESTRASBURGO

En 1924 publicó en la Bauhaus Principios de Arte Neoplástico y dio diversas conferencias

en Europa, influyendo en la arquitectura de mediados del siglo xx. En ese mismo año se
rebeló contra la insistencia programática de Mondrian en la utilización exclusivamente de
líneas verticales y horizontales, realizando su primera Contracomposición, en la que
introduce las diagonales y da comienzo a una nueva dirección del neoplasticismo, que se
conoce como ELEMENTARISMO.

Theo Van Doesburg llevó a cabo diversos proyectos en colaboración con arquitectos ,
quienes le encargaban la decoración de interiores, pues con las continuidades o rupturas
cromáticas, lograba articular los espacios y dinamizar la arquitectura.

BARRIO DE LOS PAPAGAYOS

-Gerrit rietveld

CASA RIETVELD - SCHRÖDER

Arquitecto: Gerrit Rietveld.

Ubicación: Utrecht, Holanda.

Año de proyecto: 1924-1925.

Materiales utilizados: Acero, Ladrillo y Vidrio.

Movimiento al que pertenece la obra: De Stijl

Programa Primer Piso: Cocina, comedor, living transformable, un espacio de estudio y una
sala de lectura .

Programa Segundo Piso: Dormitorios y un área de almacenamiento separados por

particiones portables.

Composición: Se compone principalmente de planos y líneas, los cuales están separados los
unos de otros para así poder generar balcones, cada componente tiene su propio

Color y forma, los colores fueron elegidos para fortalecer

La plasticidad de la fachada.
-Piet Mondrian

 Nació en Holanda en 1872-1944- Nueva York.

 Fue un pintor vanguardista neerlandés, fundador del neoplasticismo, junto
con Theo van Doesburg.
 Influenciado por el pintor neerlandés Jan Toorop, experimenta con colores más
brillantes y Fuertes, dejando asi los colores naturales ya que pensaba que no se
podría reproducir la naturaleza. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no
debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que
el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda
la realidad fenoménica
 En 1911 partió a París, donde adoptó el estilo cubista.
Se internó en la abstracción y llega a un estilo en el que se auto limitó a pintar
con finos trazos verticales y horizontales.
 En 1917 con el pintor Theo van Doesburg funda la revista De Stijl, movimiento
artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, en holanda
en la que desarrolló el neoplasticismo.
 Rechazaba las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su
paleta a los colores primarios eliminando toda línea curva y pintando
únicamente líneas y ángulos rectos.
 En 1940 se trasladó a Nueva York, fijando allí su residencia. El cambio de
ambiente influye en su obra ya que enseguida sintió atracción de la ciudad, sus
calles cuadrangulares y por el tipo de música jazzboogie woogie.

 OBRAS PRINCIPALES:

 Composición con gran plano (1921)


-J.P Oud

JJP OUD (JACOBUS JOHANNES PIETER OUD)

1. Nació en 1890 en Holanda y murió en 1963.

2. Estudió de 1904 a 1907 en la Escuela de artes y oficios en Ámsterdam.
3. Completó su educación en la Escuela Estatal de dibujo de Amsterdam y
luego la escuela técnica de Dellt.
4. Se establece como arquitecto independiente en 1912.
5. Fundó De Sphinx con Thea Van Doesburg.
6. Fundó De Stijl con Thea Van Doesburg, Piet Mondian, Vilrnos Huszar y
Antony Kok.
7. Abandona De Stijl en 1920.

CARACTERÍSTICAS ARQUITECTÓNICAS:

1. Sus obras eran composiciones gráficas.

2. Fue seguidor del neoplasticismo y movimiento moderno en su país.

OBRAS:

1. Casas en Leiden 1913

Modulación

Abstracción geométrica

Ritmo y profundidad en el diseño

Utiliza elementos de metal y vidrio.

2. Café De Unie en Rotterdam 1925

Utiliza colores primarios

La fachada es comparada con composiciones de Piet mondrian.

3. Oficina del director de barrio

Es parte del conjunto de viviendas en Spragen, de 343 viviendas, 8 comercios
y 1 edificio administratico.

Se compone por 3 volúmenes, de colores primarios.

4. Vivienda Scheepvaarstraat de 1926

Presenta un carácter horizontal y neopláatico en las fachadas.
4.Expresionismo

La arquitectura expresionista fue un movimiento arquitectónico que se

desarrolló en Europa durante las primeras décadas del siglo XX, en paralelo al
Expresionismo.

El término se comenzó a usar englobando una serie de creaciones

vanguardistas en Alemania, Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y
Dinamarca entre 1910 y 1924. Posteriormente, se aceptó que la arquitectura
expresionista también abarcaba obras desde el año 1905, y no solamente de
esos países, sino también del resto de Europa. Hoy en día, el sentido del
término se considera válido para la arquitectura que, independientemente del
lugar de procedencia y la época de construcción, cumple con una serie de
características como la distorsión, la fragmentación, o la manifestación de una
emoción violenta.

Este estilo tuvo amplias similitudes con lo que hoy podríamos llamar
premodernismo, tanto en el uso de nuevos materiales, como en la innovación
formal, suscitada en ocasiones por el uso de formas biomórficas, o por la
ampliación de posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de materiales
de construcción como el ladrillo, el acero, o el vidrio. Muchos arquitectos
expresionistas combatieron en la Primera Guerra Mundial, y su experiencia,
combinada con los cambios políticos y sociales producto de la Revolución
alemana de 1919, desembocaron en perspectivas utópicas, y un programa
socialista romántico. Las condiciones económicas dieron lugar a una limitación
en el número de construcciones entre 1914 y mediados de los años 20, cuyo
resultado fue que muchas importantes obras expresionistas se quedaron en el
papel, como la Architecture Alpine(arquitekchur alpein) de Bruno Taut, o el
Formspiels (formspils)de Hermann Finsterlin. Los edificios destinados a
exhibiciones fueron numerosos, alcanzando una cifra significativa durante este
periodo. La escenografía para el teatro y el cine, fue otra gran fuente de
imaginación expresionista.

La arquitectura expresionista ha estado marcada por importantes eventos,

como la exposición del Deutscher Werkbund, o las actividades de la Escuela de
Ámsterdam. La Torre Einstein, de Erich Mendelsohn, ubicada en Potsdam, es
el icono de la arquitectura expresionista. Desde 1925, la mayoría de las
principales figuras de la arquitectura expresionista como Bruno Taut, Hans
Poelzig o el propio Erich Mendelsohn, dieron un giro hacia la Nueva objetividad
(Neue Sachlichkeit), una visión más práctica y pragmática que huía de la
agitación emocional del expresionismo. Sin embargo, todavía ciertos
arquitectos como Hans Scharoun, permanecieron trabajando en un lenguaje
expresionista.

No hay que confundir la arquitectura expresionista con un movimiento

moderno. La arquitectura expresionista se dio al mismo tiempo, pero de
manera más sutil. Y debido a lo sencillo que era este movimiento moderno,
tomo mucho más fuerza, y con el paso de los años hizo que lo romántico y
subrealista quedara en un plano prácticamente desconocido.

DESARROLLO
La arquitectura expresionista recibió la influencia del modernismo, sobre todo
de la obra de arquitectos como Henry van de Velde, Joseph Maria Olbrich y
Antoni Gaudí. De carácter fuertemente experimental y utópico, las realizaciones
de los expresionistas destacan por su monumentalidad, el empleo del ladrillo y
la composición subjetiva, que otorga a sus obras cierto aire de excentricidad. 1

Un aporte teórico a la arquitectura expresionista fue el ensayo Arquitectura de

cristal (1914) de Paul Scheerbart, donde ataca el funcionalismo por su falta de
artisticidad y defiende la sustitución del ladrillo por el cristal. Vemos así, por
ejemplo, el Pabellón de Cristal de la Exposición de Colonia de 1914, de Bruno
Taut, autor que también plasmó su ideario por escrito (Arquitectura alpina,
1919).2 La arquitectura expresionista se desarrolló en diversos grupos, como la
Deutscher Werkbund, Arbeitsrat für Kunst, Der Ring y Neues Bauen, vinculado
este último a la Nueva Objetividad; también cabe destacar la Escuela de
Ámsterdam. Los principales arquitectos expresionistas fueron: Bruno Taut,
Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz
Höger, Hans Scharoun y Rudolf Steiner.

CARACTERÍSTICAS:

A pesar de que la arquitectura expresionista fue individualista y, generalmente,

carente de dogmas, se pueden establecer una serie de criterios objetivos que
la definen. Dentro de las múltiples obras expresionistas que hoy se conocen, e
independientemente de las grandes diferencias que entre ellas hay, también se
pueden ver aspectos comunes:

 Esencialmente alemana, será el contrapunto al racionalismo

funcionalista.
 Creencia en las tensiones interiores, frente a utilidad práctica del
funcionalismo.
 Salones acristalados: obsesión de los expresionistas.
 Aparece como extensión de las manifestaciones pictóricas.
 interés por el movimiento y la deformación expresiva de la mater
ia.
 Distorsión de las formas para suscitar la emoción.
 Subordinación del realismo de las expresiones simbólicas y estilísticas,
frente a la experiencia interior.
 Búsqueda implícita de la novedad, la originalidad y el visionismo.
 Profusión de los esquemas y trabajos en papel o maquetas, con una
exploración y representación del concepto más profunda que la
construcción misma.
 Soluciones híbridas, no necesariamente simplificables a un único
concepto.
 Temática romántica de los fenómenos naturales, como las grutas, las
montañas, los rayos, el cristal o las rocas, dotando a la arquitectura
expresionista de un carácter más mineral que vegetal o animal,
característica presente también en el modernismo.
 Uso del potencial creativo del artesano.
 Cercanía del estilo gótico, románico y rococó frente al clasicismo.
 Concepción artística de la arquitectura.
SOBRE EL COLOR EXPRESIONISTA

El expresionismo libera al arte de su antiguo papel descriptivo, exalta la

imaginación del artista y aumenta el poder expresivo de la línea y la forma,
junto con el color. Este color expresionista se caracteriza por la disposición de
tonalidades muy contrastadas y de fuerte saturación. Además de la
experimentación con colores puros que lo vinculan al neoimpresionismo, se
introduce el color negro que se emplea para potenciar el desgarro emocional
que se pretende transmitir. Otras características como la de los objetos y la
utilización de líneas en zigzag y puntiagudas van encaminadas, igualmente, a
enfatizar tal expresión.

PRINCIPALES ARQUITECTOS:

 Hans Poelzig (1869-1936), autor del

o Gran Teatro de Berlín.
 Edificio fantástico, cuya voluntad es la de asombrar.
 Vestíbulo con un pilar central a modo de palmera.
 Sala con un techo de estalactitas.
 Espacio con forma de cueva.
 Bruno Taut (1880-1938), autor de
o Pabellón del vidrio, exposición del Wekbund de Colonia.
 Estructura abierta, uso casi continuo del cristal.
Estructura piramidal de nervios de hormigón que con
vergen en el vérDce del edificio. • 
Construido en hormigón, hierro y cristal y coronado p
or una cúpula de vidrio a modo de calidoscopio de c
olores
 Erich Mendelson (1887-1953), autor de
o Torre de Einstein en Potsdam.
 Tomas las ideas de Einstein: combinación espacio-tiempo.
 Forma continua.
 Observatorio con muchos "ojos" (ventanas).
-Bruno Taut

INTRODUCTORIO

Bruno Taut fue arquitecto y publicista alemán. Es considerado como uno de los representantes
más destacados del expresionismo alemán. Taut lideró un movimiento que ansiaba alcanzar
mayores grados de expresión y libertad a través del arte y la arquitectura. Entre 1921 y 1924
trabajó como arquitecto municipal de Magdeburgo. Realizó varios edificios funcionales en
Berlín y en 1932 se trasladó a Moscú.

Su obra más insigne es la cúpula prismática del Pabellón de Cristal en Colonia para la
Exposición del año 1914. Visionario de la arquitectura del tercer milenio, sus bosquejos para
una Arquitectura Alpina son reflejo de una visión utópica asumida. Su rechazo de la estética
tradicional y su carácter aperturista dejaron una estela imborrable en las vanguardias del siglo
XX.

Pabellón de Cristal:

En la exposición de Colonia de 1914, se realizó

numerosos debates explicando los nuevos
conceptos de la Arquitectura Moderna, y el Pabellón
de Cristal se convirtió en el mejor ejemplo de los
mismos. Una vez finalizada la exposición el edificio
fue derribado ya que no fue construido para uso
práctico, sino específicamente con motivo de la
muestra. (El edificio fue diseñado por Taut y el poeta
Paul Scheerbart, cuyos versos adornaron la base de
la cúpula en su lado exterior.)

Concepto

Los componentes del grupo German Werkbund, y en particular Taut, estaban convencidos de
que la luz y la transparencia eran las principales características de una arquitectura ideal del
futuro. Este proyecto fue un primer intento de dar forma a ese ideal.

La estructura realizada por Bruno Taut demostró las numerosas formas en que el vidrio podía
ser utilizado en construcción, pero también dejó entrever como el material podía ser usado
para organizar las emociones humanas y ayudar en la construcción de una utopía espiritual.

El Pabellón de Cristal es uno de los edificios que mejor combina la tradición antigua,
representada por su cúpula y su aspecto de templo, con la tradición moderna resaltada en los
materiales utilizados.

Descripción

El diseño fue una explosión de color, con un interior cuyo suelo era de vidrio y las paredes y
ventanas adornadas con mosaicos espejados. También se incluyó información sobre la
industria del cristal que patrocinaba el proyecto.

La característica cúpula apuntada con doble cristal del Pabellón descansa sobre una planta
circular en la que se levantan 14 dinteles de mediana altura con sus soportes laterales
enmarcando el mismo número de paredes de cristal. En la estructura de hormigón de las
fachadas había placas con incrustaciones de cristales de colores que actuaban como espejos.

Espacios y materiales

Su interior se dividía en dos plantas

Planta superior

Las dos escaleras exteriores llevaban al visitante

directamente a la planta superior. En el interior,
los efectos de color producidos por la luz solar
se veían realzados por los reflejos de la piscina y
la cascada de agua que discurría sobre un vidrio
amarillento existente en el nivel inferior, visible
a través de una abertura circular en el suelo de
la planta alta.

 Escaleras

Dos tramos de escaleras metálicas revestidas de

vidrio y encerrados entre paredes de cristal
producían la sensación de descender al nivel
más bajo como si se hiciese a través de “agua
con gas”

Planta inferior

A esta planta se descendía por las dos escaleras interiores encerradas entre paredes de cristal,
llegando al suelo donde se abría la piscina e iniciaba su recorrido la cascada.

 Cascada y piscina

La cascada fue realizada con cristal amarillo, con siete niveles, mientras que para la piscina se
utilizó un color complementario, el violeta.

Estructura

La estructura del Pabellón fue levantada sobre un pedestal de hormigón, cuyas dos entradas
en ambos lados del edificio se alcanzan subiendo dos tramos de escaleras, lo que da al mismo
aspecto de templo.

Las paredes de cristal se ven coronadas por un perímetro de dinteles de hormigón sobre los
que se apoya la cúpula prismática con doble piel de vidrio que refleja en los prismas de sus
formas los colores interiores y exteriores. Esta cúpula con apariencia de piña es una estructura
poligonal multifacetada cuyos nervios de hormigón permitieron desarrollar una estructura
rómbica de gruesos ladrillos de vidrio, fue la primera vez que se utilizaron en una obra de gran
importancia. En arquitectura doméstica fueron utilizados por primera vez en 1912 por Peter
Behrens en la Casa Wiegand

1. VIVIENDAS SOCIALES LA HERRADURA “HUFEISENSIEDLUNG”

A consecuencia de la gran escasez de viviendas que sobrevino en Alemania después de la Gran
Guerra, se crearon numerosas cooperativas, asociaciones públicas y sindicatos con el objetivo
de construir viviendas económicas en Berlín.

La GEHAG, fue fundada en 1919 para construir las viviendas de sus miembros. Comprometida
con un progresivo plan de viviendas modernas, la asociación buscó la colaboración de nuevos
arquitectos y en 1924 Bruno Taut fue nombrado arquitecto jefe del proyecto.

Para levantar las nuevas viviendas sociales se buscaron terrenos baratos, alejados del centro
de Berlín, pero bien comunicados con la ciudad, siendo éste el origen del Hufeisensiedlung.

CONCEPTO

El concepto de Taut para el edificio en forma de herradura deriva de su deseo de llenar la

necesidad de socialización de sus habitantes. Su intención era que los habitantes del complejo
tuvieran contacto con la naturaleza, que disfrutaran de aire, luz y sol, de ahí los grandes
balcones y ventanales que se abren al paisaje. Esta construcción está considerada
históricamente como uno de los primeros intentos de humanizar la vivienda de alta densidad.

ESPACIOS

El conjunto residencial formado por siete bloques, levantados en siete fases desde 1925 hasta
1933 en el estilo de la arquitectura moderna, encierra 1072 viviendas con 4 tipos de planta
diferente, de las cuales 472 son casas unifamiliares y 600 están distribuidas en edificios de
apartamentos de tres plantas. A diferencia de la mayoría de los proyectos típicos de las
viviendas sociales, realizadas con posterioridad en la Alemania de los años 1920-1930, las losas
de este edificio se organizan en bloques que definen el perímetro parcial de los amplios
jardines interiores.

Los distintos edificios varían en alturas y detalles exteriores de modo que se consigue la
diversidad sin el formato típico de una organización unificada. Es uno de los primeros ejemplos
de techo plano en viviendas que se construyen en Berlín siendo motivo de gran controversia
en la década de 1920 sobre todo por connotaciones políticas que remarcaban que en las
viviendas de la zona los techos eran grandes y con empinadas cubiertas a dos aguas a las
cuales Taut define como un “romántico ambiente”.

Aun así, algunas de las losas tenían una sección escalonada que colgaba como alero y tendía a
suavizar el duro perfil de los edificios con techo plano.

MATERIALES

En su construcción se utilizaron materiales de albañilería, ladrillos rojos, revoques de yeso y

algunas terminaciones exteriores en madera. La carpintería de las ventanas, divididas en varios
paños, también fue realizada en madera. Taut combinó materiales modernos como el acero y
el vidrio con los materiales tradicionales de la construcción alemana como son la madera y la
mampostería.

Otra combinación de la arquitectura moderna con la tradicional queda plasmada en el techo

plano que contrasta con el tradicional techo inclinado cubierto con tejas rojasen algunas de las
casas.

2. KÄSEGLOCKE WORPSWEDE

La campana de queso Worpswede es el nombre coloquial de un edificio residencial en el

pueblo de artistas Worpswede en Baja Sajonia.

Fue construido en 1926, La casa de madera es ahora un edificio protegido y ha sido

completamente renovado en los últimos años.

DISEÑO

El iglú, cuya idea básica Taut ya había formulado con el pabellón de vidrio en la exposición de
Werkbund en 1914, pertenece a la serie de ejercicios arquitectónicos experimentales de la
posguerra a principios de los años veinte. Vivir aquí se convierte en un hogar protegido y
confortable. La arquitectura se formula como una forma orgánica natural, sin decoración y sin
las reglas académicas tradicionales. La chimenea del iglú forma el eje central; a su alrededor, la
escalera con las cámaras individuales serpentea como una concha de caracol.
INTERIOR

En el interior, Taut diseñó su propio programa espacial. En la planta baja del iglú al lado del
pasillo están el dormitorio y la cocina. Arriba hay dos pequeñas habitaciones y un amplio
espacio de estudio.

La casa con un diámetro de diez metros y paredes solo biseladas resultó ser tan espaciosa que
el piso superior de Koenemann fue arrendado repetidamente. Sin embargo, el problema era la
calefacción de dos apartamentos separados, que estaban centralmente ubicados sobre la
chimenea en el pasillo.

3. WOHNSTADT CARL LEGIEN

La ciudad residencial de Carl Legien es una gran urbanización en el distrito berlinés de

Prenzlauer Berg (distrito de Pankow), que se construyó entre 1928 y 1930 a los planes de
Bruno Taut y Franz Hillinger en nombre de GEHAG. Es uno de los asentamientos de Berlín de la
década de 1920 en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

La ciudad residencial se construyó en el curso del desarrollo del norte de Prenzlauer Berg en
los años 1920 y 1930. Se encuentra en Erich-Weinert-Straße entre Gubitz y Sültstraße. Después
de que la industria de la construcción se detuviera durante la Primera Guerra Mundial, el
programa de vivienda de la República de Weimar dio lugar a un repunte, por lo que se crearon
nuevos asentamientos en todo Berlín.

Los primeros planes para un asentamiento en este sitio han sido diseñados desde 1925 por el
entonces jefe de la oficina de diseño de GEHAG, Franz Hillinger. En colaboración con Bruno
Taut, finalmente se creó el plan final, después de lo cual se construyeron 1149 apartamentos
de una y media a cuatro habitaciones y media en 8,4 hectáreas.

En 1952, el consejo de la ciudad de Berlín Oriental nombró estas calles después de la ejecución
o asesinato de combatientes de la resistencia comunista y en 1954 la entonces Carmen-Sylva-
Straße después de Erich Weinert.

Desde mediados de la década de 1990 hasta 2004, la ciudad residencial fue renovada sobre la
base de estudios de preservación histórica. La urbanización está en la lista desde 1977.

PLANTA

Taut y Hillinger diseñaron un asentamiento que consta de seis bloques alargados de viviendas
en forma de U, cada uno agrupado alrededor de patios frondosos. De esta manera, fue posible
lograr un desarrollo mucho más ecológico que los edificios de troncos de la época de
Wilhelminian, a pesar de la alta densidad de viviendas requeridas. Estaban orientados
principalmente a modelos estadounidenses, escandinavos y también holandeses.

La arquitectura corresponde a otros proyectos del Edificio Nuevo de Berlín: planos de planta
sistemáticos, que asignan a cada apartamento una cocina, un baño y un balcón o galería, las
formas de las casas son claras, relativamente simples, el elemento definitorio son los colores
poderosos en los que Las fachadas y también los interiores fueron pintados. A cada uno de los
patios de jardín se le dio un color principal al que se le asignaron los detalles.
-Eric Mendelshon

ERIC MENDELSOHN: RECONOCIDO ARQUITECTO DEL SIGLO XX Y MÁXIMO EXPONENTE DEL

ARQUITECTURA EXPRESIONISTA.

OBRAS:

LA TORRE EINSTEIN, QUE ES UN OBSERVATORIO

ASTROFÍSICO CON EL FIN DE ALBERGAR
EXPERIMENTOS Y OBSERVACIONES QUE
PUDIERAN VALIDAR LA TEORIA DE ALBERT
EINSTEIN.

CARÁCTERÍSTICAS:

UBICADA EN ALEMANIA

TIENE 4 NIVELES Y 1 SÓTANO

TIENE 13.25 m DE ALTURA.

FUE CONSTRUIDA PARA EL ASTRÓNOMO ERWIN FINLAY – FREUNDLICH.

CONCEPTO

DENOTAN LIBERTAD ARTÍSTICA, DINÁMICA FUNCIONAL, FORMAS CONTINUAS Y FORMAS

AERODINÁMICAS. SUS FORMAS CONTINUAS MODULAN LA LUZ A LO LARGO DEL DÍA
GENERANDO UNA SERIE DE VISIONES FUTURISTAS ÚNICAS Y ORIGINALES.

ANÁLISIS EXTERIOR

TIENE COMO ELEMENTO CENTRAL UN EJE VERTICAL, DEL CUAL SE

DESPLIEGAN FORMAS GEOMÉTRICAS QUE TIENDEN A ADECUARSE AL
COMPORTAMIENTO DE LOS FACTORES DE LA NATURALEZA. POR EJEMPLO
LAS CURVAS ESTÁN DISEÑADAS PARA LA ENTRADA DEL SOL O EVITAR EL
ROCE DE LA LLUVIA CONTRA LAS VENTANAS, AL IGUAL QUE EN LAS
PUERTAS.

LOS MATERIALES QUE SE USARON PARA DARLE CURVA FUE EL HORMIGÓN

ARMADO, PERO POR MOTIVO DE LA POSGUERRA SOLO TERMINÓ DE SER
CONSTRUIDO CON LADRILLO Y CUBIERTO EN YESO.
5. Constructivismo Ruso
MODERNO

1.Gropious

-Fabrica Fagus

 Es una fábrica de hormas ubicada en Alemania.

 Ejemplo importante de la arquitectura moderna temprana.
 El propietario Carl Benscheidt que quería una estructura radical que expresara
la ruptura con el pasado de la compañía, la fábrica fue diseñada por Walter
Gropius y Adolf Meyer.
 Se construyó entre 1911 y 1913, con añadidos e interiores completados
en 1925. El conjunto arquitectónico de la Fábrica Fagus fue
declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 2011.

 Aunque construidos con diferentes sistemas, todos los edificios del lugar tienen
una imagen común y aparecen como un todo unificado. Los arquitectos lo
lograron usando algunos elementos comunes en todos los edificios. El primero
de ellos es el uso de grandes ventanales de abajo a arriba en marcos de acero
que rodean las esquinas del edificio sin una estructura visible. El otro elemento
unificador es el uso del ladrillo. Todos los edificios tienen una base de 40 cm de
ladrillo negro y el resto está realizado en ladrillo amarillo. Esta combinación
consigue un efecto de luminosidad que Gropius llamó “eterealización”.
 El acristalamiento podría dar a entender que el sistema estructural es interior al
plano de la fachada, ya que la apariencia se asemeja a un “muro cortina”
similar a los que utilizó Gropius en el edificio de la Bauhaus en DeSau (edificio
de otro grupo)
 Esta fábrica es un ejemplo de construcción industrial que supone un punto de
inflexión en la arquitectura moderna, que lo que se busca desde el inicio es
alejarse de los convencionalismos tradicionales de la construcción industrial y
marcar una nueva tendencia, en que un edificio del sector industria además de
funcional pueda ser estéticamente bello.
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