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Giovanni Pierluigi da Palestrina
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Giovanni Pierluigi da Palestrina.
Giovanni Pierluigi da Palestrina (Palestrina, c.1525 - Roma, 1594) fue un compositor

italiano, de los más célebres del Renacimiento.
De niño, formó parte del coro de la basílica romana de Santa María la Mayor.
Posteriormente, fue organista en la catedral de su ciudad natal. Cuando el obispo de
Palestrina accedió al trono papal con el nombre de Julio III, le nombró maestro del coro de
la Cappella Giulia del Vaticano. Al año siguiente publicó su primer libro de misas. Un papa
posterior, Pablo IV, lo destituyó de su cargo, según algunos por juzgar inapropiada su
condición de casado, según otros por haber escrito madrigales, piezas de carácter profano.
En 1555 fue nombrado sucesor de Orlando di Lasso como maestro de capilla de San Juan
de Letrán, donde en 1560 escribió sus Lamentaciones. Pasó con el mismo cargo a Santa
María la Mayor en 1561, y en 1563 publicó su primer libro de motetes.
Palestrina se mostró siempre insatisfecho con las reformas de la liturgia sacra dictadas por
el concilio de Trento, las cuales convirtieron en no canónicas a algunas de sus misas y otras
obras tempranas, salpicadas de interposiciones profanas ajenas al texto oficial. Por este
motivo dimitió de su cargo para pasar al servicio del cardenal Ippolito II d'Este, que
mantenía su propia capilla. Finalmente volvió a la dirección de la Cappella Giulia, donde
terminó sus días en el cargo creado para él de «Compositor de la Capilla Papal».
Por otra parte, Palestrina es visto como el autor más representativo de obras polifónicas
ajustadas a las nuevas exigencias de la Contrarreforma. Sus obras de esos años destacan por
la claridad lograda, dejando la melodía en manos de la voz superior y ajustando con
precisión el ritmo del discurso. Con razón, se considera con admiración la belleza lograda
por Palestrina.
De sus 104 Misas, más de 70 están compuestas sobre el Cantus Firmus de melodías
gregorianas. Quizás la mejor de ellas sea la Missa Papae Marcelli en la cual realiza una
síntesis del estilo de sus predecesores y contemporáneos. De sus motetes son célebres,
además de los Improperia, los 29 motetes sobre el texto del Cantar de los Cantares de
Salomón. Está considerado como uno de los más eminentes autores de música religiosa
católica.
[editar] Su obra
Está formada casi en su totalidad por piezas polifónicas y de carácter sacro, destinadas a
acompañar a la liturgia católica. La excepción es cierto número de madrigales profanos.
 104 misas. Entre las más notables están la Missa Papae Marcelli, dedicada a
Marcelo II, sucesor de Julio III; y la misa “L'homme armé”.
 373 motetes. Incluido un famoso Stabat Mater y las 29 piezas de la Canción de
Salomón.
 Lamentaciones
 2 canciones sagradas (cantiones sacrae)
 11 letanías.
 35 magníficats.
 69 ofertorios.
 49 madrigales sacros.
 94 madrigales profanos.
Johann Sebastian Bach

Para otros usos de este término, véase Bach (desambiguación).

Retrato de Bach Elias Gottlob Haussmann (1695-1766)
Museo de la Ciudad de Leipzig
21 de marzo de 1685
Nacimiento Eisenach, Ducado de Sajonia-Eisenach,
Sacro Imperio Romano Germánico
28 de julio de 1750 (65 años)
Fallecimiento Leipzig, Electorado de Sajonia, Sacro
Imperio Romano Germánico
Compositor, organista, clavecinista, Maestro
Ocupación
de capilla y cantor
Maria Barbara Bach
(de 1707 a 1720)
Cónyuge
Anna Magdalena Wicke
(de 1721 a 1750)
20 hijos, entre ellos:
Wilhelm Friedemann Bach
Hijos
Carl Philipp Emanuel Bach
Johann Christian Bach.
Firma
Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio

de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco,
miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (con más de
35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados).
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa.
Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de
ser el primer gran improvisador de la música de renombre.[1]
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de
la música universal y del pensamiento musical occidental,[2] epicentro de la música
occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal,[3] no sólo por su profundidad
intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los
diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach
es el último gran maestro del arte del contrapunto,[4] y su máximo exponente, donde es la
fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart
pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.[1]
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música
clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de
Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo,
El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re
menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las
Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites
orquestales.[5]
Contenido
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 1 Biografía
o 1.1 Primeros años (1685-1703)
o 1.2 Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708)
o 1.3 Período en Weimar (1708–1717)
o 1.4 Köthen (1717–1723)
o 1.5 Leipzig (1723–1750)
o 1.6 Su muerte
o 1.7 Familia e hijos
 2 Legado
 3 Obra
o 3.1 Los tres periodos estilísticos de su música
o 3.2 La música vocal
o 3.3 La música instrumental
 4 Instrumentación de sus obras
o 4.1 Teclado
 4.1.1 Órgano
 4.1.2 Clavecín
o 4.2 Cuerda
 4.2.1 Violín
 4.2.2 Violonchelo
 5 Influencias
 6 El catálogo BWV de su obra
 7 Cronología de su resurgimiento póstumo
 8 Citas sobre su figura
 9 Bibliografía recomendada
 10 Discografía recomendada
 11 Filmografía
 12 Referencias
 13 Véase también
 14 Enlaces externos
Biografía
Diseño de una etiqueta propia de Bach, con el espejo entrelazan sus iniciales, J.S.B.
«El único propósito y razón final de toda la música debería ser la gloria de Dios y el alivio
del espíritu»
Bach.Hacia 1714-1716[6]
Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de
todos los tiempos. Durante más de 200 años, la familia Bach produjo docenas de buenos
ejecutantes y compositores (durante seis generaciones dio 50 músicos de importancia). En
aquella época, la iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban una significativa
aportación para la formación de músicos profesionales, particularmente en los electorados
orientales de Turingia y Sajonia. El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosiu Bach, era
un talentoso violinista y trompetista en Eisenach, una ciudad con cerca de 6.000 habitantes
en Turingia. El puesto involucraba la organización de la música profana y la participación
en la música eclesiástica. El padre de Johann Sebastian enseñó a su hijo a tocar el violín y
el clavecín. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos profesionales, desde
organistas y músicos de cámara de la corte hasta compositores. Uno de sus tíos, Johann
Christoph Bach (1644-1695) era especialmente famoso y fue quien le introdujo en el arte de
la interpretación del órgano. Documentos de la época indican que, en algunos círculos, el
apellido Bach fue usado como sinónimo de «músico». Bach era consciente de los logros
musicales de su familia, y hacia 1735 esbozó una genealogía, Ursprung der musicalisch-
Bachischen Familie, buscando la historia de las generaciones de los exitosos músicos de su
familia.
Primeros años (1685-1703)
Registro escolar del Liceo de Ohrdruf. J. S. Bach es el 4º alumno de la segunda lista.
Johann Sebastian nació el 21 de marzo de 1685 (el mismo año que Georg Friedrich Händel
y Domenico Scarlatti). La fecha de su nacimiento corresponde al calendario juliano, pues
los alemanes aún no habían adoptado el calendario gregoriano, por el cual la fecha
corresponde al 31 de marzo.
Su madre, Maria Elisabetha Lämmerhirt, murió cuando él tenía nueve años de edad, y su
padre —que ya le había dado las primeras lecciones de música— falleció al año siguiente.
El pequeño huérfano fue a vivir y estudiar con su hermano dieciséis años mayor, Johann
Christoph Bach, organista en Ohrdruf, una ciudad cercana.
Allí copiaba, estudiaba e interpretaba música; aprendió teoría musical y composición,

además de tocar el órgano, y aparentemente recibió valiosas enseñanzas de su hermano, que
le adiestró en la interpretación del clavicordio. J.C. Bach le dio a conocer las obras de los
grandes compositores del Sur de Alemania de la época, como Johann Pachelbel (que había
sido maestro de Johann Christoph) y Johann Jakob Froberger, y de los franceses, como
Jean-Baptiste Lully, Louis Marchand y Marin Marais, así como del clavecinista italiano
Girolamo Frescobaldi. El niño probablemente presenció y asistió en el mantenimiento del
órgano; éste sería el precedente de su futura actividad profesional en la construcción y
restauración de órganos. El obituario de Bach indica que copiaba la música de las partituras
de su hermano, pero aparentemente su hermano se lo prohibió, posiblemente debido a que
las partituras eran valiosas como bienes privados en la época.
A los catorce años, Bach, junto a su amigo del colegio Georg Erdmann, mayor que él, fue
premiado con una matrícula para realizar estudios corales en la prestigiosa Escuela de San
Miguel en Lüneburg, no muy lejos del puerto marítimo de Hamburgo, una de las ciudades
más grandes del Sacro Imperio Romano.[7] Esto conllevaba un largo viaje con su amigo,
que probablemente realizaron en parte a pie y en parte en carroza. No hay referencias
escritas de este período de su vida, pero los dos años de estancia en la escuela parecen
haber sido decisivos, por haberle expuesto a una paleta más amplia de la cultura europea
que la que había experimentado en Turingia. Además de cantar en el coro a capella, es
probable que tocase el órgano con tres teclados y sus clavicémbalos y probablemente
aprendió francés e italiano, recibiendo formación en teología, latín, historia, geografía y
física. Quizás entró en contacto con los hijos de los nobles del norte de Alemania, que eran
enviados a esta escuela selectísima para prepararse en sus carreras diplomáticas,
gubernamentales y militares.
Aunque existen pocas evidencias históricas que lo sustenten, es casi seguro que, durante la
estancia en Lüneburg, el joven Bach visitó la Johanniskirche (iglesia de San Juan) y
escuchó (y posiblemente tocó) el famoso órgano de la iglesia (construido en 1549 por
Jasper Johannsen, y conocido como "el órgano de Böhm" debido a su intérprete más
destacado), un instrumento cuyas prestaciones sonoras muy bien pudieron ser la inspiración
de la potente Tocata y fuga en re menor. Dado su innato talento musical, es muy probable
asimismo que tuviese un significativo contacto con los organistas destacados del momento
en Lüneburg, muy particularmente con Georg Böhm (el organista de la Johanniskirche), así
como a organistas en la cercana Hamburgo, como Johann Adam Reincken y Nicolaus
Bruhns. Gracias al contacto con estos músicos, Bach tuvo acceso probablemente a los
instrumentos más grandes y precisos que había tocado hasta entonces. En esta fase se
familiarizó con la música de la tradición académica organística del Norte de Alemania,
especialmente con la obra de Dieterich Buxtehude, organista en la Iglesia de Santa María
de Lübeck, y con manuscritos musicales y tratados de teoría musical que estaban en
posesión de aquellos músicos.[8]
Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708)
En enero de 1703, después de terminar los estudios, Bach logró un puesto como músico de
la corte en la capilla del duque Johann Ernst III, en Weimar, Turingia. No está claro cuál
era su papel allí, pero parece que incluía tareas domésticas no musicales. Durante sus siete
meses de servicio en Weimar, su reputación como teclista se extendió. Se le invitó a
inspeccionar y dar el concierto inaugural en el flamante órgano de la iglesia de San
Bonifacio de la cercana ciudad de Arnstadt. La familia Bach tenía estrechos vínculos con
esta vieja ciudad de Turingia, a unos 30 km al sudoeste de Weimar, al lado del
Thüringenwald, o bosque de Turingia. En agosto de 1703, aceptó el puesto de organista en
dicha iglesia, con obligaciones ligeras, un salario relativamente generoso y un buen órgano
nuevo, afinado conforme a un sistema nuevo que permitía que se utilizara un mayor
número de teclas. En esa época, Bach estaba emprendiendo la composición seria de
preludios de órgano; estas obras, ínscritas en la tradición del Norte de Alemania de
preludios virtuosos e improvisatorios, ya mostraban un estricto control de los motivos (en
ellas, una idea musical sencilla y breve se explora en sus consecuencias a través de todo un
movimiento). Sin embargo, en estas obras aún faltaba para que el compositor desarrollara
plenamente su capacidad de organización a gran escala y su técnica contrapuntística (donde
dos o más melodías interactúan simultáneamente). Se estima que fue entonces cuando
compuso su conocida obra Tocata y fuga en re menor.
Las fuertes conexiones familiares y el hecho de estar empleado por un entusiasta de la

música no impidieron que surgiera tensión entre el joven organista y las autoridades
después de varios años en el puesto. Según parece, estaba insatisfecho con el nivel de los
cantantes del coro; más serio fue el que se ausentara de Arnstadt sin autorización durante
varios meses en 1705-1706 para visitar en Lübeck al gran maestro Dietrich Buxtehude. Este
episodio bien conocido de la vida de Bach implicaba que caminaba unos 400 km de ida y
otros tantos de vuelta para pasar tiempo con el hombre al que posiblemente consideraba con
la figura máxima entre los organistas alemanes. El viaje reforzó el influjo del estilo de
Buxtehude como fundamento de la obra temprana de Bach, y el hecho de que alargase su
visita durante varios meses sugiere que el tiempo que pasó con el anciano tenía un alto
valor para su arte.
A pesar de su cómoda posición en Arnstadt, hacia 1706 parece que Bach se dio cuenta de
que necesitaba escapar del entorno familiar y avanzar en su carrera. Le ofrecieron un puesto
mejor pagado como organista en la iglesia de St. Blasius (San Blas, Divi Vlasi) de
Mühlhausen, Turingia, una importante ciudad al norte. El año siguiente, tomó posesión de
este mejor puesto, con paga y condiciones significativamente superiores, incluyendo un
buen coro. A los cuatro meses de haber llegado a Mühlhausen, se casó, el 17 de octubre de
1707, con Maria Barbara Bach, una prima suya en segundo grado, con quien tendría siete
hijos, de los cuales cuatro llegaron a la edad adulta. Dos de ellos —Wilhelm Friedemann
Bach y Carl Philipp Emanuel Bach— llegaron a ser compositores importantes en el
ornamentado estilo rococó que siguió al barroco.
La iglesia y el ayuntamiento de la ciudad debían de estar orgullosos de su nuevo director

musical. De buena gana aceptaron los requerimientos de Bach e invirtieron una gran suma
en la renovación del órgano de St. Blasius, y les agradó tanto la elaborada cantata festiva
que Bach escribió para la inauguración del nuevo concejo de la ciudad en 1708 —Gott ist
mein König, BWV 71, claramente al estilo de Buxtehude— que pagaron complacidos la
publicación de la obra, y en dos ocasiones, en años posteriores, tuvo que regresar el
compositor para dirigirla.
Sin embargo, su estancia en la ciudad terminaría el mismo año, cuando le fue ofrecido un
puesto mejor en Weimar.
Período en Weimar (1708–1717)
Transcurrido apenas un año, una nueva oferta de trabajo le llegó desde la corte ducal en
Weimar. El retorno al lugar de su primera experiencia laboral fue esta vez muy diferente. El
puesto de concertino, un excelente salario y la posibilidad de trabajar con músicos
profesionales fueron seguramente motivo suficiente para dejar su puesto en Mühlhausen.
En los siguientes años nacieron sus primeros hijos, de los cuales destacan Wilhelm
Friedemann Bach y Carl Philipp Emanuel Bach.
A la muerte del príncipe Johann Ernst en 1707, su hermano Wilhelm Ernst había asumido
el poder de facto. Por su anterior cercanía con el duque Johann Ernst, que había sido a su
vez un avezado músico y admirador de la música italiana, Bach había estudiado las obras
de Antonio Vivaldi y Arcángelo Corelli, entre otros autores italianos, asimilando su
dinamismo y emotividad armónica, transcribiendo sus obras y aplicando dichas cualidades
a sus propias composiciones, que a su vez eran interpretadas por el conjunto musical del
duque Wilhelm Ernst.
Este período en la vida de Bach fue fructífero. Sus obras de este período son conocidas
como fugas, de las cuales El clave bien temperado es el mayor ejemplo. En el ambiente
familiar comenzó a escribir la obra Orgelbüchlein para su hijo mayor Wilhelm Friedemann,
obra didáctica que dejó inconclusa.
En 1717, con motivo del fallecimiento del maestro de capilla (o Kapellmeister) de la corte,
Bach solicitó el puesto vacante, pero el duque decidió otorgárselo al hijo del fallecido
maestro de capilla. Esto lo decepcionó profundamente y lo impulsó a presentar su renuncia,
lo que disgustó al duque Wilhelm Ernst, que ordenó su arresto por algunas semanas en el
castillo antes de aceptarla.
Köthen (1717–1723)
Sonata para violín nº 1 en sol menor (BWV 1001), primera página del autógrafo.
Bach comenzó a buscar un trabajo más estable que propiciara sus intereses musicales. El
príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen contrató a Bach como Maestro de capilla. El príncipe
Leopold, que también era músico, apreciaba su talento, le pagaba bien y le dio un tiempo
considerable para componer y tocar. Sin embargo, el príncipe era calvinista y no solía usar
música elaborada en sus misas; por esa razón, la mayoría de las obras de Bach de este
período fueron profanas. Como ejemplo están las Suites orquestales, las seis Suites para
violonchelo solo y las Sonatas y partitas para violín solo.
La página inicial de la Sonata para violín nº 1 en sol menor muestra la escritura del
compositor —rápida y eficiente—, pero tan adornada visualmente como la música que
contiene. Los muy conocidos Conciertos de Brandeburgo datan de este período.
En 1717 ocurre en Dresde el anecdótico intento de duelo musical con Louis Marchand (se
dice que Marchand abandonó la ciudad tras escuchar previamente y a escondidas a Bach).
El 7 de julio de 1720, mientras Bach estaba de viaje con el príncipe Leopold, la tragedia
llegó a su vida: su esposa, Maria Barbara Bach, murió repentinamente. Algunos
especialistas señalan que en memoria de su esposa compuso la Partita para violín solo nº 2,
BWV 1004, en especial, su última sección, la Chaconne. Al año siguiente, el viudo conoció
a Anna Magdalena Wilcke (una joven y talentosa soprano que cantaba en la corte de
Köthen). Se casaron el 3 de diciembre de 1721. Pese a la diferencia de edad —ella tenía 17
años menos— tuvieron un matrimonio estable. Juntos tuvieron trece hijos.
Leipzig (1723–1750)
En 1723 le fue ofrecido el puesto de Cantor y director musical en la Iglesia Luterana de

Santo Tomás (Thomaskirche ) en Leipzig, un prestigioso puesto en la ciudad mercantil líder
de Sajonia, un electorado vecino de Turingia. Aparte de sus breves ocupaciones en Arnstadt
y Mühlhausen, éste fue el primer trabajo estatal de Bach, en una carrera que había estado
estrechamente ligada al servicio a la aristocracia.
Este puesto final, que mantuvo por 27 años hasta su muerte, lo puso en contacto con las
maquinaciones políticas de su empleador: el Ayuntamiento de Leipzig, dentro del cual
había dos facciones: los absolutistas, leales al monarca sajón en Dresde, Augusto II de
Polonia llamado el Fuerte, y la facción de la ciudad-estado, que representaba los intereses
de la clase mercantil, los gremios y los aristócratas menores.
Bach fue contratado por los monárquicos, en particular por el alcalde de aquella época,
Gottlieb Lange, un abogado joven que había servido en la corte de Dresde. Coincidiendo
con el nombramiento de Bach, a la facción de la ciudad-estado se le otorgó el control de la
Escuela de Santo Tomás, siendo Bach requerido para varios compromisos con respecto a
sus condiciones de trabajo.
Si bien está claro que nadie en el ayuntamiento dudaba del genio de Bach, hubo una
constante tensión entre el Cantor, que se consideraba el líder de la música eclesial de la
ciudad, y la facción de la ciudad-estado, que lo veía como un maestro de escuela y quería
reducir el énfasis en la composición de música tanto para la Iglesia como para la Escuela. A
partir de 1730, la facción de la ciudad-estado estaría encabezada por el teólogo y filólogo
Johann August Ernesti. Profesor en la Universidad de Leipzig, Ernesti, junto con buena
parte del claustro de la Universidad, propugnaba un cambio de modelo educativo que se
reorientaría hacia disciplinas más ilustradas como las ciencias naturales o la filología. Las
múltiples prerrogativas de Bach como Cantor de Sto. Tomás chocaban con esta pretensión,
por lo que pronto surgiría una agria disputa entre Bach y Ernesti, que pretendía relegar la
importancia de la música a un segundo puesto, y retirar al Cantor toda competencia en
materia educativa. El nivel de la disputa llegó a tal punto que Bach pidió ayuda al Rey de
Sajonia y de Polonia, que intervino a su favor: el hecho de que Bach hiciera intervenir al
elector de Sajonia escandalizó a la corporación de Leipzig, que consideraba el asunto como
un tema local y la actitud de Bach como propia de alguien con delirios de grandeza. Tras la
disputa, las relaciones entre Bach y sus patronos locales se degradarían rápidamente.
Sea como fuera, el ayuntamiento nunca cumplió la promesa -que hizo Lange en la
entrevista inicial- de ofrecer un salario de 1.000 táleros anuales, si bien se ofreció a Bach y
a su familia una reducción de impuestos y un buen apartamento en una de las alas de la
escuela, que fue renovado con gran gasto en 1732.
Estatua de Bach en Leipzig.
El trabajo de Bach le requería enseñar canto y latín a los estudiantes de la Escuela de Santo
Tomás, y proveer de música semanalmente a las dos iglesias de Leipzig, Santo Tomás y
San Nicolás. En un sorprendente arranque de creatividad, escribió más de cinco ciclos de
cantatas anuales durante sus primeros seis años en Leipzig (dos de los cuales aparentemente
se han perdido). Muchas de estas obras se ejecutaban durante las lecturas de la Biblia de
cada domingo y días festivos en el año luterano; muchas de ellas fueron compuestas usando
himnos tradicionales de la Iglesia, tales como Wachet auf! Ruft uns die Stimme y Nun
komm, der Heiden Heiland, como inspiración.
Para los ensayos y ejecuciones de estas obras en la Iglesia de Santo Tomás, Bach
probablemente se sentaba al clave o dirigía frente al coro de espaldas a la congregación. A
la derecha del órgano en una galería lateral estarían las maderas, los metales y timbales, y a
la izquierda los instrumentos de cuerda pulsada.
El ayuntamiento sólo otorgaba alrededor de ocho instrumentistas permanentes, limitación

que fue fuente de constante fricción con el Cantor, que tuvo que reclutar al resto de los
veinte o más músicos requeridos para las partituras medianas o grandes, en la universidad,
la escuela y el público. El órgano o el clave era probablemente tocado por el compositor
(cuando no estaba de pie dirigiendo), el organista de casa, o uno de sus hijos, Wilhelm
Friedemann o Carl Philipp Emanuel.
Bach seleccionaba a los coristas, sopranos y contraltos y los tenores y bajos de la Escuela y
de cualquier lugar de Leipzig. Las presentaciones en bodas y funerales daban un ingreso
extra a estos grupos; es probable que para este propósito, y para el entrenamiento escolar,
escribiese al menos seis motetes, la mayoría para doble coro. Como parte de su trabajo
regular en la Iglesia, dirigía motetes de la Escuela Veneciana y de alemanes como Heinrich
Schütz, que servirían como modelos formales para sus propios motetes.
Cabe destacar que de estos años datan sus intentos por encontrarse con Georg Friedrich
Händel, a quien admiraba profundamente y al que consideraba uno de los más grandes
maestros de la música. Su mujer, Ana Magdalena, cuenta cómo le encantaba al músico de
Leipzig transcribir durante horas las partituras de Händel y cómo hablaba siempre de él y
de su música con verdadera devoción. Sin embargo, y debido a una serie de malentendidos,
todos los intentos de Bach por conocer a su paisano resultaron inútiles, no pudiendo
consumarse el encuentro entre los dos genios.
En 1747 llegó a ser invitado a la corte de Federico II el Grande en Sanssouci, donde uno de
de sus hijos, Carl Philipp Emanuel, estaba al servicio del monarca como clavecinista de la
corte.
Su muerte
El retrato "Volbach" pintado en 1750, donde nos muestra a Bach en sus últimos meses de
vida.[9]
Bach murió de apoplejía a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750, después de una
intervención quirúrgica fracasada en un ojo, realizada por un cirujano ambulante inglés
llamado Taylor, que años después operaría a Händel, con resultados iguales. Bach había ido
quedándose ciego hasta perder totalmente la vista. Pocas horas antes de fallecer la recuperó,
pero luego murió de apoplejía. Actualmente se cree que su ceguera fue originada por una
diabetes sin tratar. Según ciertos médicos, padecía de blefaritis, enfermedad ocular visible
en los retratos de sus últimos años.
Familia e hijos
Bach encabezó una familia numerosa con un total de veinte hijos. Tuvo siete hijos de su
primer matrimonio, de los cuales sobrevivieron cuatro, y trece del segundo, de los cuales
sobrevivieron sólo cinco.[10] Su primera esposa fue su prima segunda, Maria Barbara Bach
(1684-1720), con la que se casó en 1707. Su segunda esposa fue la cantante Anna
Magdalena Wilcke (1701-1760), con la que contrajo matrimonio en 1721.
 Hijos de su primer matrimonio con Maria Barbara Bach fueron :
Catharina Dorothea (*1708 † 1774), Wilhelm Friedemann, el Bach de Dresde y Halle

(*1710 † 1784), Johann Christoph (*1713 † 1713), Maria Sophia (*1713 † 1713), Carl
Philipp Emanuel, el Bach de Berlín y Hamburgo (*1714 † 1788), Johann Gottfried
Bernhard (*1715 † 1739) y Leopold Augustus (*1718 † 1719).[10]
 Hijos de su segundo matrimonio con Anna Magdalena Wilcke fueron :
Christiana Sophia Henrietta (*1723 † 1726), Gottfried Heinrich Bach (*1724 † 1763),
Christian Gottlieb Bach (*1725 † 1728), Elisabeth Juliana Friederica Bach, llamada
«Liesgen» (*1726 † 1781) casada con Johann Christoph Altnikol, Ernestus Andreas Bach
(*1727 † 1727), Regina Johanna Bach (*1728 † 1733), Christiana Benedicta Bach (*1729 †
1730), Christiana Dorothea Bach (*1731 † 1732), Johann Christoph Friedrich Bach,
llamado el Bach de Bückeburgo (*1732 † 1795), Johann August Abraham Bach (*1733 †
1733), Johann Christian Bach, llamado el Bach de Milán y Bach de Londres (*1735 †
1782), Johanna Carolina Bach (*1737 † 1781) y Regina Susanna Bach (*1742 † 1809).[10]
Cinco de los hijos se dedicaron a la música, aunque uno de ellos (Johann Gottfried
Bernhard) abandonó su carrera y murió prematuramente a los 24 años. Los otros cuatro
llegaron a convertirse en compositores e intérpretes reputados por derecho propio, Wilhelm
Friedemann Bach (1710-1784), Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), de quien
Wolfgang Amadeus Mozart tenía muy buena opinión, Johann Christoph Friedrich Bach
(1732-1795) y Johann Christian Bach (1735-1782), epígono de la época preclásica y una de
las influencias principales de Mozart, más que su hermano Carl Philipp Emanuel.
Sin embargo, la confianza que Bach puso en su hijo mayor, Wilhelm Friedemann, tuvo
tristes consecuencias después de su fallecimiento. El hijo perdió para siempre varias
Pasiones compuestas por su padre (que quizá ahora serían tan apreciadas como la Pasión
según San Mateo y la Pasión según San Juan). Si no hubiese sido por el cuidado que tuvo
su otro hijo, Carl Phillip Emanuel, en conservar los manuscritos del padre, el mundo podría
haberse visto privado de una buena parte de las obras maestras de Bach.
Johann Christoph
Wilhelm Friedemann Carl Philipp Emanuel Johann Christian
Friedrich Bach (1732 -
Bach (1710 - 1784) Bach (1714-1788) Bach (1735 - 1782)
1795)
Legado
Bach tuvo numerosos alumnos y estudiantes a lo largo de su vida: según el estudioso Hans
Löffler, más de ochenta. Entre ellos se cuenta a Johann Friedrich Agricola, yerno suyo, que
en los últimos años del maestro fue copista de sus obras, además de ayudarle en la
redacción de sus últimas composiciones, como en el caso de uno de sus últimos corales
para órgano, el BWV 668, el último coral del ciclo de Leipzig BWV 651-668.
Ya en su vejez, cuando la gente se refería al apellido Bach lo hacía pensando en su famoso

hijo Carl Phillip. En las generaciones posteriores a Bach, sólo algunos compositores y
músicos conocían su obra. Básicamente eran sus hijos y sus alumnos, gracias a ellos se
conservó y no cayó en el olvido la producción del Cantor de Santo Tomás, mientras que el
resto del mundo no tardaría muchos años en olvidarle después de su muerte, en plena mitad
del siglo XVIII.
Género Ejemplos
Concierto
para
Concierto
clavecín
BWV 1052
Músicos célebres, como Joseph Haydn, Wolfgang Preludio y
Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Felix Preludio/fantasía/tocata
fuga BWV
Mendelssohn-Bartholdy o Frédéric Chopin, tuvieron y fuga 894
un gran aprecio por las obras que conocieron de Bach, Tocata
generalmente obras para teclado, pues el resto de su Tocata BWV 916
producción estuvo sumida en el olvido. Beethoven, Pasacalle y
sin conocer la totalidad de su obra, lo definió con un Pasacalle fuga BWV
hermoso juego de palabras en alemán: "Nicht Bach, 582
sondern Meer sollte er heissen", cuya traducción es
Sonata
"No debiera llamarse "Bach" ('arroyo', en alemán), Sonata
BWV 527
sino "Meer" ('mar')".
Suite
Suite inglesa
Obra BWV 806
Fantasía
Dentro de su vasta obra existen dos grandes bloques: Fantasía BWV 542
uno es la música vocal, que comprende cantatas, Preludio
pasiones, oratorios, corales, etc., y el otro es la música Preludio BWV 846
instrumental, desde conciertos (varios para un único Fuga BWV
solista y otros con hasta cuatro solistas), sonatas, Fuga
1025
suites, oberturas, preludios, fugas, fantasías, cánones,
Canon
ricercares, variaciones, pasacalles, etc. para una Canon
BWV 1074
amplísima gama de instrumentos (prácticamente
todos los de la orquesta) de su época (la primera Coral
Coral
mitad del siglo XVIII), desde los más modernos, BWV 688
flauta travesera, hasta los que estaban en su cenit Cantata
(laúd, viola da gamba, clavecín...), incluso con Cantata sacra BWV
instrumentos que quedaron como una curiosidad y 122
nada más, como el clavecín-laúd, un híbrido de Oratorio de
clavecín y laúd. Oratorio navidad
BWV 248
En su música se sintetiza toda la tradición de la Misa
música occidental precedente (la polifonía que Misa luterana
iniciaron Perotin y Leonin, el Ars nova, la música BWV 234
renacentista de Giovanni Pierluigi da Palestrina Magnificat
Magnificat
(1524-1594), Girolamo Frescobaldi (1585-1645), BWV 243
Dietrich Buxtehude (1637-1707) y Antonio Vivaldi Pasión
(1675-1741), que aprendió, copió y adoptó desde su según san
juventud, como lo hizo en Weimar (1708-1717), Pasión
Mateo
cuando, por gracia del duque, pudo mejorar algunas BWV 244
de sus obras y adaptarlas en sus Conciertos BWV Partita
592-597 y BWV 972-987, conociendo perfectamente Partita BWV 828
todos los estilos de su época.[11] Sinfonía de
Sinfonía la cantata
Durante los últimos años de su vida, su obra fue BWV 35
considerada anticuada, árida, difícil, rebuscada y muy Lied BWV
llena de adornos, incluso para sus contemporáneos. Lied 508
Aria de la
Aria cantata
BWV 3
Recitativo
de Fantasía
Por entonces, el estilo musical había cambiado notablemente, las nuevas generaciones de
músicos componían de forma muy diferente a Bach, era el llamado estilo pre-clásico o
galante, en el que la música era más bien homofónica, y apenas asomaba el cargado
contrapunto que Bach usó.
Por esa razón, en 1737 Johann Adolph Scheibe (crítico musical de la nueva mentalidad
Ilustrada) criticó muy duramente la música de Bach, comentando: "Espera que
instrumentistas y cantantes hagan lo mismo que él cuando toca el clavecín".
Por ello, después de su muerte, la música tomará una dirección en la que su obra no tendrá
cabida; él es el punto final respecto a una forma de entender la música que se remontaba a
la Edad Media, cuando tenían más importancia las voces que el timbre, la codificación, etc.
Pero Bach también fue innovador y abrió caminos para la música del futuro. Fue el primer
gran maestro del "concierto para teclado", pudiendo considerarse como el primero el 5°
Concierto de Brandeburgo BWV 1050 (1719), en el cual el teclado adquiere un papel
solista que hasta entonces nunca había tenido, y continuando con la serie de conciertos
BWV 1052-1065 (1735), su máximo logro en el género, entonces naciente.
Después, G. F. Händel y Vivaldi tomarían ejemplo de esta novedad y compusieron sus

Conciertos para órgano, opus 4 (1735) y Concierto para clavecín, RTV 780
respectivamente, fundándose así un nuevo género que adquiriría bastante importancia en
los siglos posteriores, como atestiguan los conciertos para piano de Haydn, Mozart,
Beethoven, Schumann, Chopin y Liszt .
Su producción está totalmente sostenida en la coral alemana, el concierto italiano y la suite

francesa,[12] donde el contrapunto alemán del norte, muy complejo y rebuscado, tiene un
papel muy importante, y todo lo junta haciendo un estilo moderno-arcaico,[11] a la vez que
es inconfundible y fácilmente reconocible.[11]
Dominó a la perfección el estilo, técnica y géneros autóctonos alemanes del órgano

(tocatas, preludios, fugas, corales),[11] franceses del clave (suites, oberturas)[11] y los
italianos del violín (conciertos, sonatas, sinfonías).[11] Su estilo es fácilmente adaptable en
todos los géneros de su época,[13] quizás excepto la ópera,[13] género en el cual no escribió ni
una sola nota, aunque el lenguaje e influencia de la ópera seria del siglo XVIII está presente
e impregna su producción vocal.[11]
La influencia de la ópera se plasma especialmente en las cantatas, pasiones y oratorios,

donde la Cantata del Café BWV 211 (1735) es prácticamente como una pequeña ópera sin
representación escénica, y la Pasión según San Mateo, BWV 244 (1727), una gran ópera
religiosa sin representación. Aquí Bach muestra interés en un género que nunca le tentó ni
siquiera a componer, aunque sí a escuchar, como en 1735 cuando -acompañado de uno de
sus hijos- vio una ópera de Jean Christophe Geiser.
Bach prácticamente compuso para todos los géneros,[11] en multitud de combinaciones

instrumentales y vocales. Culminó y realizó obras destacables en todos los géneros,[11]
abarcando todos los aspectos, aparte de mejorar el género, elevarlo a un nivel superior e
incluso crear géneros nuevos, como la sonata para teclado y un instrumento.
En algunos géneros es el gran maestro de todos los tiempos. Sus Pasiones son las mejores
obras de todo el repertorio, igual que las cantatas sacras,[14] las tocatas y fugas, los preludios
y fugas, pasacalles y otros géneros, donde sus obras son el apogeo y máximo esplendor del
mismo.
Después de Bach, algunos géneros (que él tanto cultivó y elevó a su máximo esplendor)
fueron cayendo en el olvido para los grandes compositores.
Los tres periodos estilísticos de su música
La obra de Bach, como la de Beethoven, se puede dividir en tres grandes períodos bien
diferenciados, marcados por las influencias y la asimilación de los estilos de su época,
desarrollo, búsqueda y la evolución de su estilo personal, que en los años 1713 y 1739/1740
son capitales para la evolución de su estilo.[13]
El primer período, el de aprendizaje y estudio, va desde 1700 hasta 1713, estando ya en

Weimar. En este período, que está centrado en la música para clave y órgano, y cantatas
sacras, asimila y supera la música alemana del siglo XVII y principios del XVIII en el
ámbito instrumental y vocal religioso, además de Frescobaldi y algunos músicos franceses
del siglo XVII.[13]
El segundo período, el de maestría, empieza en 1713, en Weimar, y acaba en 1740,

afincado ya en Leipzig. En este período, después de haber asimilado y superado
completamente el estilo alemán del periodo anterior, a partir de 1713 asimila y es influido
por la música italiana de finales y primer cuarto del siglo XVIII, cuando, cogiendo y
sintetizando las características del estilo italiano (claridad melódica y dinamismo rítmico) y
del estilo alemán (sobriedad, contrapunto complejo y textura interna), logra hacer su estilo
personal inconfundible, adaptable perfectamente a todos los géneros y formas de su tiempo
menos el género de la ópera. En Leipzig y Köthen, ya forjado su estilo personal, adquiere
un dominio técnico cada vez más profundo conforme pasa el tiempo.[13]
El último período de su música va desde la publicación de Clavier-Übung III en 1739 y

acaba con la muerte del compositor en 1750, componiendo el Arte de la Fuga. En este
período, se centra significativamente en la música instrumental, como haría más adelante
Beethoven, y su estilo personal se vuelve más contrapuntístico, con una leve influencia de
la nueva música galante naciente en aquellos momentos.[13]
La música vocal
La música vocal de Bach, que ha llegado intacta, se manifiesta en 525 obras, aunque sólo se
han conservado 482 completas.[15] La componen:[15]
Cafetería Zimmermann, donde Bach trabajó entre 1732 y 1741. Aquí compuso e interpretó
la famosa Cantata del café, BWV 211 (1735).
 224 cantatas
 10 misas
 7 motetes
 2 Pasiones completas (de la BWV 247, la de San Marcos, sólo existe el libreto, y la
BWV 246, la de San Lucas, es apócrifa)
 3 oratorios
 188 corales
 4 lieders
 1 quodlibet
 58 cantos espirituales
Toda su música vocal es semirreligiosa —sólo 24 cantatas, 4 lieds y 1 quod líbet son
profanos— y está compuesta en el seno de la Iglesia luterana alemana, donde era una
tradición muy fuerte.
La gran mayoría de su música vocal está compuesta en Leipzig, entre los años 1723 y 1741,
cuando Bach era Cantor y tenía -entre otras obligaciones- el componer cantatas, Pasiones y
motetes para las cinco iglesias más grandes de la ciudad, además de los actos civiles y
religiosos, como por ejemplo funerales.
Entre la música coral de Bach hay que destacar también sus preludios corales, unos 170
aproximadamente, que compuso para órgano. La antología Orgelbüchlein (Pequeño libro
para órgano), que él mismo recopiló en Weimar y en Köthen, comprende breves preludios
corales, que muchas veces destinaba a fines educativos. Esto queda reflejado tras el título
de la Orgelbüchlein, donde dice que este “pequeño libro para órgano, en el que se imparte
al organista principalmente enseñanza sobre toda suerte de maneras de desarrollar un
coral y también para mejorar su técnica del pedal, puesto que en estos corales el pedal
está tratado por completo en obbligato (es decir, esencial, no optativo)”.
Además escribió y recopiló libros de pequeñas piezas para clave que sirven asimismo de
enseñanza para técnica y música al mismo tiempo. Un ejemplo de estas obras didácticas
son las Invenciones a dos voces y las Sinfonías a tres voces, al igual que el primer libro de
El clave bien temperado.
Bach no diferenciaba en un principio entre el arte sacro y el profano, ya que según él ambos
estaban dirigidos a ensalzar “la gloria de Dios”. Un ejemplo de ello es la utilización de los
mismos textos para la música sacra y la profana, como sucede con la música del Hosanna
de la Misa en si menor, que antes había emüpleado en una cantata en homenaje a Augusto
II el Grande, rey de Polonia, con motivo de una de sus visitas oficiales a Leipzig.
Durante su estancia en esta ciudad, compiló tres antologías corales para órgano: las seis
corales Schüber, que son transcripciones de movimientos de cantata, dieciocho corales, que
revisó entre 1747 y 1749 y que fueron compuestas en épocas anteriores. Todos ellas
incluyen composiciones para órgano, como variaciones, fugas, fantasías, tríos y diversos
preludios corales.
Todos los corales que son posteriores a Bach están concebidos con proporciones mayores
que los del Orgelbüchlein y son menos íntimos y subjetivos.
La música instrumental
De la música instrumental de Bach se conservan 227 piezas para órgano, 189 piezas para
clavicémbalo, 20 para instrumentos a solo, 16 para cámara, 30 orquestales y 18
especulativas.[16] En total son 494 las obras instrumentales completas, que se reparten en:[16]
Ciudades donde Bach habitó.
 7 cánon para diversos instrumentos

 2 sinfonías orquestales
 4 suites orquestales
 24 conciertos para teclado, violín, flauta solistas y orquesta
 16 sonatas para violín, flauta y viola da gamba solistas y teclado o bajo continuo
 17 suites y partitas para violín, laúd, violonchelo y flauta a solo
 1 fuga para laúd
 2 obras teóricas especulativas para diversos instrumentos (El arte de la fuga (BWV
1080) y la Ofrenda musical (BWV 1079))
 9 sonatas en trío para órgano
 26 preludios, tocatas, fantasías y fugas para órgano
 10 fugas, fantasías y preludios sueltos para órgano
 1 ejercicio para pedal para órgano
 1 pasacalle y fuga para órgano
 1 canzone, allabreve, aria y pastoral para órgano
 6 conciertos para órgano solo
 corales para órgano
 3 partitas-corales para órgano
 1 variación canónica para órgano
 30 invenciones y sinfonías para clavecín
 4 dúos para clavecín
 27 suites y partitas para clavecín
 3 minuetti para clavecín
 56 preludios, fantasías y fuga o fughettas para clavecín
 34 tocatta, preludios y fugas sueltas para clavecín
 4 sonatas para clavecín
 18 conciertos para clavecín solo
 3 arias con variaciones
 2 caprichos para clavecín
 1 applicatio para clavecín
Su música instrumental, a la vez, se divide en tres grandes familias según las formaciones
de los instrumentos que intervengan, en el puesto profesional que ocupaba en aquel
momento y las características musicales de cada género y/o obra.
La música para órgano, en su gran mayoría, fue compuesta entre 1700 y 1717, cuando
trabajaba como organista en Mühlhausen y Weimar. La música de cámara y orquestal,
mayormente entre 1717 y 1723 cuando residía en Köthen, y después entre 1735 y 1747
cuando era director de música del Café Zimmerman en Leipzig. La música para clave y
clavicordio, entre 1722 y 1744, cuando era Cantor en Leipzig.
Toda la música instrumental, excepto los corales para órgano, es profana, y mucha de ella,
especialmente la destinada al teclado, de carácter didáctico, como El clave bien temperado
BWV 846-893 y la serie de las suites inglesas-francesas-partitas de dicha serie que fue
compuesta por Bach para enseñar el arte de componer a su hijo Wilhelm Friedemann Bach.
Instrumentación de sus obras

La instrumentación de Bach es típica del barroco de la primera mitad siglo XVIII,
incluyendo instrumentos modernos para su época, o antiguos, que después de 1750 caerían
en desuso.
Toda su obra está destinada básicamente para siete instrumentos: órgano, clavecín, cuerdas,
violín y flautas (dulce y traversa), la voz humana y el coro. Otros instrumentos que tienen
menor importancia en aparición, como la trompeta, el laúd, el fagot, el corno, el timbal o el
oboe y otros, son testimoniales, estando destinados únicamente a un número muy reducido
de obras.
Teclado
El órgano ocupa, junto con el clavecín, el primer puesto en las obras de un instrumento
solista y un papel central en la obra bachiana con las más de 400 obras destinadas a ellos,
aparte de ser el sostén como bajo continuo de las obras orquestales, las cantatas, las misas,
las pasiones y algunas obras de cámara. También estos dos instrumentos adquieren un papel
importante como solistas o acompañantes en las sinfonías y arias de las cantatas, las sonatas
para teclado y un instrumento solista monódico, y los conciertos para cuerdas y uno, dos,
tres o cuatro teclados.
Como todo compositor del barroco, dirigía sus obras desde el clavecín u órgano cuando
interpretaban sus piezas más de un instrumento solista, y componía basado en ellos todas
sus obras, de manera que la importancia de estos dos instrumentos se acentuó todavía más
en la producción bachiana. También solía dirigir la orquesta tocando simultáneamente la
viola.
Su aporte a la literatura, avances técnicos y de interpretación, evolución e historia de estos

dos instrumentos fue capital, explotando al límite sus capacidades, haciendo sonidos y
efectos nunca vistos, investigando y mejorando los recursos, la ejecución, haciendo una
demostración sobre las 24 tonalidades mayores y menores en El clave bien temperado
BWV 846-893, llevando al cenit las posibilidades que podían ofrecer estos dos
instrumentos hasta entonces.
Órgano
Tocata y fuga en re menor,

BWV 565
Tocata y fuga en re menor,

BWV 565 de Johann Sebastian
Bach (1685-1750)
Primer Preludio y fuga de Bach

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Preludio y fuga, BWV 846 de
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Órgano de Weimar en 1660. En este instrumento, Bach compuso entre 1708 y 1717 gran
parte de su obra organística. Cabe mencionar la curiosa ubicación del órgano y la orquesta,
en el hueco practicado justo debajo del tejado, lo que daba al recinto una peculiar
sonoridad.
Desde sus primeros años hasta su muerte destinó un gran número de obras a este
instrumento y quizá sea el más ligado y el más representativo de la figura del genio.
Su estilo procede de la escuela alemana, en la que de su maestro Dietrich Buxtehude toma
los rasgos de la escuela del norte de Alemania, y de Johann Pachelbel los de la del sur, que
él fusiona sacando la máxima expresión, siendo la cumbre de la escuela. Él es el último
representante importante.
Su aportación al órgano fue tan numerosa y capital en calidad y cantidad que se considera
que es el mejor compositor de música organística de todos los tiempos. Anton Bruckner
(1824-1896) y Cesar Franck, grandes organistas y compositores del instrumento, lo
afirmaron al oír sus obras para órgano.
Órgano como solista a solo: El órgano tiene su papel principal en el corpus de obras BWV
525-771, donde tiene pasajes bastante memorables. Se divide en dos grandes bloques, la de
temática libre, que incluye las tocatas, preludios, fugas y sonatas, y la de la temática
religiosa, que incluye los corales instrumentales y las variaciones-partitas y los preludios
corales.
Desde sus primeros años hay obras que ya denotan la madurez del autor, como la Tocata y
fuga (BWV 565), 1708, y la Tocata, adagio y fuga (BWV 564), llegando hasta sublimes
obras que explotaban todos los recursos con una maestría y calidad sobresalientes en la
etapa de Leipzig, como las Variaciones canónicas (BWV 769), 1746.
Órgano como solista y acompañante obligado: En las funciones de acompañante y solista

con más de un instrumento, el papel de este instrumento se encuentra en las cantatas sacras,
generalmente en las correspondientes a los años 1726-1727.
En esas cantatas, el órgano tiene su papel solista obligado con las cuerdas en las sinfonías,
como si fuera un concierto para órgano y orquesta, como en los conciertos para órgano de
su contemporáneo G.F. Händel. Esos movimientos abrían la cantata y servían como
introducción de la obra y como lucimiento del autor sobre el instrumento. Todas las
cantatas sólo tienen una pieza de introducción, que Bach llamó sinfonía, menos la BWV 35,
que tiene dos. De esas sinfonías después saldrían algunos conciertos para clavecín y cuerda
de la serie BWV 1052-1065 del año 1735.
Después del papel de solista en las sinfonías, el órgano acompaña a la voz en arias de
algunas cantatas solo o con cuerda o bajo continuo. Aquí generalmente acompaña y juega a
la voz de manera bastante notable, como el aria de la BWV 35.
Clavecín
En su época era el instrumento de teclado por excelencia, con mucho prestigio en Alemania
y en Francia.[17] Sus obras destinadas al instrumento así lo atestiguan,[17] formando el corpus
BWV 772-994, con más de 245 obras en su haber.
Clavecín solo: Destinó para el clavecín solo una gran cantidad de obras, entre las cuales
hay algunas de gran importancia en la historia del instrumento y de su autor. Es obligatorio
citar las Variaciones Goldberg (BWV 988), que el autor lleva a la cima el antiguo arte de
las variaciones[17] y es la obra de clave más difícil de interpretar del barroco, El clave bien
temperado (BWV 846-893), las partitas BWV 825-830 y el Concierto italiano (BWV 971),
obras de máxima madurez y cumbre de la literatura tecladística desde el nacimiento de los
instrumentos de teclado hasta entonces.
Clavecín como solista y acompañante obligado: El clavecín, como acompañante y

solista, tiene bastante importancia en las sonatas y los conciertos de Bach, que le dio un
papel novedoso como nunca antes se había hecho.
En los conciertos, el clavecín adquiere la función de solista y adquiere un rol que nunca
había tenido antes. En el famoso 5° Concierto de Brandeburgo BWV 1050, el clavecín
alterna por primera vez el papel de bajo continuo con el de solista, uniéndose a los dos
solistas restantes para acabar en una genial y virtuosísima cadencia que explota todas las
posibilidades del instrumento.
Lo mismo ocurre en la BWV 1044, aunque éste es una transcripción del Preludio y fuga
BWV 944. La BWV 1050 trazó un camino que desembocaría en 1735 en la serie de
conciertos BWV 1052-1065, donde el clave juega el papel de solista.
En las trío-sonatas, el clave tiene una función novedosa que anticipa la sonata de finales del
siglo XVIII, aparte de la función tradicional de bajo continuo. Esta novedad se advierte en
tres series de sonatas que superan el modelo tradicional de la sonata en trío para formar un
dúo de instrumentos solistas más clave solo. Hay en estas piezas trozos en los que el clave
acompaña a los solistas realizando el bajo continuo con la ayuda de la mano izquierda de la
viola de gamba o el violoncello. Las sonatas que tienen ese papel tan novedoso son las
BWV 1014-1019, 1027-1029 y 1030-1035, para violín, flauta y viola da gamba,
respectivamente.
Cuerda
La familia de las cuerdas, compuesta en la primera mitad del siglo XVIII por el violín,
violín 'piccolo', viola, viola da gamba, viola d'amore, violonchelo y contrabajo, son el
sostén armónico y melódico de la música del Barroco. Los instrumentos más graves
cumplen la función de bajo continuo junto con el omnipresente teclado.
Bach, como todo músico del Barroco, usaba cuerdas en toda su obra, siempre violonchelos
y violones (el miembro más grave de la viola de gamba) o contrabajos, el miembro más
grave de la familia de los violines, con la función de interpretar el bajo.
Bach era un excelente organista, clavecinista, violinista, y violista. No tocó la viola de

gamba, pero era amigo de factores de esos instrumentos, por lo que conocía con exactitud
las caraterísticas, las virtudes, los defectos y las limitaciones de esta familia, sacando el
máximo rendimiento y explotación en sus obras, donde la dificultad técnica y la belleza
brillan en todo su esplendor.
Como en la música para teclado, su aportación en este campo supuso un antes y un después
en la historia de esta familia, especialmente para el violín y el cello.
Violín
Uno de los instrumentos nacidos en el Barroco, tuvo ya en la segunda mitad del siglo XVII
italiano geniales obras de manos de Corelli y Torelli, los primeros maestros de este recién
nacido instrumento. Después vendría Vivaldi, que lo elevaría y mejoraría a otro nivel,
haciendo del instrumento el rey de la época barroca.
Violín solo: Las obras son las tres Sonatas y partitas para violín solo BWV 1001-1006.
Escritas en Köthen en 1720, estas obras son uno de los ejemplos cumbres de este
instrumento, donde una polifonía muy refinada, técnica y virtuosismo componen pasajes
muy memorables, como la célebre chacona de la partita 2.
Violín solista y obligado: El violín como solista está presente en muchos conciertos, donde
se le confiere un papel muy virtuoso al estilo italiano cogiendo el ejemplo de Vivaldi. Los
conciertos que tiene como solista son los dos Conciertos para un violín y cuerda BWV
1041 y BWV 1042, y para 2 violines y cuerda BWV 1043, todos escritos en Köthen hacia
1720, superando el modelo vivaldiano del concierto.
Además, el violín tiene una función como solista junto con otros instrumentos solistas en el
Concierto BWV 1044, junto con el clave y la flauta, y en los Conciertos de Brandeburgo
BWV 1047, BWV 1048, BWV 1049 y BWV 1050, donde juega y complementa con la
trompeta, el oboe, la flauta dulce, el clave y la cuerda entera. En algunas sinfonías de las
cantatas, como ejemplo el BWV 1045, también otorga al violín el rango de solista, aunque
no tiene el protagonismo ni la importancia del órgano.
El violín consta y tiene notable papel en la música de cámara, en la especulativa, en la

vocal religiosa y en la vocal profana. En la música de cámara, el violín, al igual que en el
caso del clave, hace un papel novedoso en las 6 Sonatas para clave y violín BWV 1014-
1019, una de las cimas de la música de cámara del siglo XVIII y una de las obras más
queridas e interpretadas por su propio autor e hijos.
Violonchelo
El instrumento más grave antes del contrabajo de la familia de las cuerdas, que nació hacia
1530 en Italia. En la segunda mitad del siglo XVII experimentará un gran auge entre los
compositores, como faceta de acompañante de bajo continuo junto al clave y órgano,
relegando a principios del siguiente a la obsoleta Viola da gamba. Gran parte del éxito en
aquella época se debe a compositores como Vivaldi y Bach, que quedaron entusiasmados
por las nuevas características técnicas y el potente sonido que superaba los límites de la
viola da gamba, de ejecución más difícil que el violoncello.
La primera página del manuscrito de Anna Magdalena Bach de la Suite nº 1 para
violonchelo solo, BWV 1007.
Bach fue uno de los primeros compositores que compusieron para el nuevo instrumento,
con apenas otros precedentes que las obras de Vivaldi, entre otros. Incluso investigó a
fondo las características sonoras y técnicas e hizo fabricar para sus obras tipos de
violonchelos especiales como el "de amore", cuyo ejemplar está conservado en el Museo de
Leipzig.
El violonchelo abarca muchas facetas de la su obra, como solista y acompañante, cuya

única aportación a solo, y la más destacada, son las seis Suites para violonchelo solo BWV
1007-BWV 1012, la más sobresaliente de Bach para este instrumento y una de las cumbres
de la composición para cello, escritas en Köthen en 1722.
Como el órgano, el violonchelo como función de solista está fundamentalmente en las

cantatas, especialmente en las arias, donde es notable su participación en la aria para bajo
de la BWV 132, además de la Pasión según San Juan y Pasión según San Mateo.
Como acompañante, su presencia es junto al órgano y el clave un miembro básico para

ejecutar el bajo continuo, omnipresente prácticamente en la música orquestal y de cámara.
En gran parte de las 200 cantatas, misas y Pasiones, un violonchelo hace de acompañante
junto al clave/órgano en las arias que sólo requieren bajo continuo y el intérprete cantor,
como por ejemplo la primera aria de la Cantata BWV 149.
Entre las características sobresalientes de Bach se encuentra su dominio de complejos e

ingeniosos contrapuntos. Llevó a su culminación el género de la fuga en su obra El clave
bien temperado, que consiste en 48 preludios y fugas, un preludio y una fuga para cada
tonalidad mayor y menor. Otro trabajo importante es El arte de la fuga, que quedó
inconcluso, al morir mientras lo componía. Compuesto con la idea de que fuese un conjunto
de ejemplos de las técnicas del contrapunto, El arte de la fuga consta de 14 fugas con
diferentes formas, pero todas con el mismo tema básico.
También revisten gran interés sus conciertos, que compuso basándose en la forma de los
conciertos de Antonio Vivaldi. Así, por ejemplo, los Conciertos de Brandeburgo se
caracterizan por estar dedicados cada uno de ellos a un grupo diferente de instrumentos
solistas.
Bach escribió mucha de su música para la Iglesia luterana. En particular sus cantatas fueron
compuestas para los cultos dominicales, y sus Pasiones para las ceremonias de Viernes
Santo.
Además de las ya citadas, otras de sus obras célebres son las Suites para orquesta, las
Suites para violonchelo, los Conciertos para violín y la Misa in si menor.
El reestreno de la Pasión según San Mateo el 11 de marzo de 1829 por Felix Mendelssohn
dio un gran impulso a la divulgación de la música de Johann Sebastian Bach. Este hecho
destaca sobremanera, ya que se trataba de música muy antigua para su época. En la
actualidad se acostumbra a interpretar obras de otros siglos, mientras que en el período
romántico no era así.
Influencias
La música del Cantor tiene múltiples influencias, directas e importantes, que proceden de
compositores alemanes, franceses e italianos del siglo XVII y principios del XVIII. Los
compositores que son influencia central en la música del Cantor, se pueden dividir en 5
grandes bloques y regiones nacionales. Estos son:
Buxtehude, uno de los compositores que más influyeron en la música de Bach,

especialmente en la de órgano.
Músicos de Alemania central
Johann Christoph Bach, Johann Pachelbel, Johann Kuhnau, Johann Ludwig Bach,
Johann Gottfried Walther, Johann Georg Pisendel, Silvius Leopold Weiss, Johann
Friedrich Fasch
Músicos de Alemania del norte
Johann Adam Reincken, Dietrich Buxtehude, Nicolaus Bruhns, Georg Böhm
Músicos de Alemania del sur
Johann Jakob Froberger, Johann Caspar Kerll, Johann Caspar Ferdinand Fischer,
Johann Joseph Fux
Músicos italianos
Giovanni Pierluigi da Palestrina, Girolamo Frescobaldi, Arcangelo Corelli,
Giovanni Legrenzi, Giovanni Bassani, Giuseppe Torelli, Alessandro Marcello,
Tomaso Albinoni, Antonio Vivaldi, Benedetto Marcello, Nicola Antonio Porpora,
Francesco Durante, Giovanni Alberto Ristori, Giovanni Battista Pergolesi
Músicos franceses
André Raison, François Dieupart, François Couperin, Louis Marchand, Nicolas de
Grigny
Bach se interesaba, estudiaba y se influenciaba de compositores contemporáneos,[12]

teniendo con muchos de ellos relación personal directa. Entre ellos, cabe mencionar a Jan
Dismas Zelenka, Johann Mattheson, Georg Philipp Telemann,[12] Reinhard Keiser y Georg
Friedrich Händel.[12]
El catálogo BWV de su obra

Artículo principal: Anexo:Catálogo BWV de Johann Sebastian Bach
Artículo principal: BWV
El registro o catálogo de sus obras, que abarca en total 1 127 obras, fue elaborado por
Wolfgang Schmieder en 1950, después de la Segunda Guerra Mundial. Se conoce por las
siglas "BWV", que significan Bach Werke Verzeichnis o 'Catálogo de las obras de Bach'.
El catálogo es un sistema de numeración usado para identificar las obras de Johann

Sebastian Bach. A diferencia de otros catálogos que están ordenados cronológicamente, el
de Schmieder está clasificado por tipo de obra de la siguiente forma:
 1-200: Cantatas religiosas

 201-215: Cantatas profanas
 216-224: Otras cantatas
 225-231: Motetes
 232-242: Misas
 243: El Magnificat
 244-247: Pasiones
 248-249: Oratorios
 250-438: Composiciones corales
 439-524: Lieder y arias
 525-771: Obras para órgano
 772-994: Obras para clavecín
 995-1000: Obras para laúd
 1001-1013: Obras para solistas instrumentales
 1014-1040: Música de cámara
 1041-1071: Conciertos
 1072-1080: Obras de contrapunto (es decir, cánones y otros)
 1081-1127: Obras encontradas después de 1950
Por esta razón, un número BWV menor no indica una obra cronológicamente temprana.
También existe el catálogo elaborado por Christoff Wolff, de menor difusión.
Obras importantes de Johann Sebastian Bach[5]

Lugar estreno
Año Obra Tipo de obra BWV
(fecha)
Christ lag in Todesbanden,
1707 Cantata 4
cantata
Suite para laúd en Mi menor Música de
1708 996
[suite] cuerda
Tocata y fuga[5] Música de
1708 565
[1. Tocata, 2. Fuga] órgano
Preludio y fuga[5] Música de
1709 543
[1. Preludio, 2. Fuga] órgano
1705-1710 Tocatas Música de clave 910-916
[7 Tocatas]
1713 Cantata de caza, cantata Cantata 208
Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen,
1714 Cantata 12
cantata
Widerstehe doch der Stunde,
1714 Cantata 54
cantata
Pasacalle y fuga Música de
1715 582
[1. Pasacalle, 2. Fuga] órgano
Tocata, adagio y fuga [5]
Música de
1715 564
[1. Tocata, 2. Adagio, 3.Fuga] órgano
1714-1716 Conciertos transcitos Música de clave 972-987
[16 conciertos]
1041-
1717-1720 Conciertos para violin Música orquestal
[3 conciertos] 1043
Sonatas y partitas para violín Música 1001-
1720 solo[5] instrumental 1006
[Tres partitas y tres sonatas]
1720 Invenciones Música de clave 772-786

[15 Invenciones]
1720 Suites inglesas Música de clave 806-811
[Seis suites]
Conciertos de Brandeburgo[5] 1046-
1721 Música orquestal
[Seis conciertos] 1051
Suites para violonchello solo[5] Música 1007-
1721
[Seis suites] instrumental 1012
1722 El clave bien temperado I[5] Música de clave 846-869
[24 Preludios y fugas]
1722 Suites francesas Música de clave 812-817

[Seis suites]
h.1718- Sonatas para viola da gamba y Música de 1027-

1723 clave cámara 1029
[Tres sonatas]
1723 Sinfonías Música de clave 787-801

[15 Sinfonías]
Herz und Mund und Tat und
1723 Cantata 147
Leben, cantata[5]
1723 Magnificat, Magnificat Magnificat 243
Ein feste Burg ist unser Gott,
1724 Cantata 80
cantata[5]
Iglesia de San
1724 Pasión según San Juan, Pasión Pasión 245
Nicolás
Música de 1014-
1723-1725 Sonatas para violín y clave
[Seis sonatas] cámara 1019
1725 Eolo apaciguado, cantata Cantata 205
Pasión según San Mateo, Iglesia de Santo
1727 Pasión 244
Pasión[5] Tomas
Sonatas en trío para órgano Música de
1727 525-530
[Seis sonatas] órgano
[5]
1720-1730 Fantasía cromática y fuga Música de clave 903
[1.Fantasía, 2.Recitativo, 3.Fuga ]
Jauchzet Gott in allen Landen!,
1730 Cantata 51
cantata[5]
[5]
Música de
1727-1731 Preludio y Fuga 548
[1. Preludio, 2. Fuga] órgano
1731 Partitas Música de clave 825-830
[Seis suites]
Wachet auf, ruft uns die
1731 Cantata 140
Stimme, cantata[5]
1734 Oratorio de Navidad, Oratorio[5] Oratorio 248
1052-
1730-1735 Conciertos para clave Música orquestal
[16 conciertos] 1065
1735 Cantata del café, cantata Cantata 211 Café Zimermann
[5]
1735 Concierto italiano Música de clave 971
[1.Allegro, 2.Adagio, 3.Allegro]
1735 Obertura francesa[5] Música de clave 831
[11 Movimientos]
Sonata para flauta y clave Música de
1736 1030
[1.Andante, 2.largo e dolce, 3.gigue] cámara
[5]
1066-
1724-1739 Suites orquestales Música orquestal
[Cuatro suites] 1069
1742 Cantata de campesinos, cantata Cantata 212
1742 Variaciones Goldberg[5] Música de clave 988
[30 variaciones y una Aria]
1744 El clave bien temperado II[5] Música de clave 870-893

[24 Preludios y fugas]
Vom Himmel hoch Música de
1746 Variaciones canónicas sobre un coral de 769
Navidad
órgano
La ofrenda musical[5] Música
1747 1079
[Una sonata y varios cánones] especulativa
[5]
1749 Gran Misa en si menor, Misa Misa católica 232
[5]
Música
1749-1750 El arte de la fuga 1080
[Colección de piezas contrapuntísticas] especulativa
Cronología de su resurgimiento póstumo

1801, primera impresión de El clave bien temperado, (Das wohltemperierte Klavier).
1829, uno de los genios musicales del romanticismo, Felix Mendelssohn, rescató del olvido
la Pasión según san Mateo y la interpretó, iniciando una senda que acabaría con el
reconocimiento, redescubrimiento y el acercamiento de la música del genio al resto del
mundo, rescatándola del olvido que tenía el gran público desde la muerte de Bach.[5]
1838, se reinterpretan por primera vez las suites BWV 1066-1069.[5]
1844, se hace la primera interpretación moderna del Oratorio de Navidad BWV 248.[5]
1850, se crea la sociedad Bach-Gesellschaft con la misión de encontrar todas las obras del
genio que hayan sobrevivido y publicarlas.[18]
1900, se funda la Neue Bach-Gesellschaft una vez que la antigua sociedad cumplió su meta.
[18]
1911, se halla una Cantata inédita que se cataloga como BWV 199[19]
1924, se descubre un fragmento de Cantata que se cataloga como BWV 200[20]
1936, Pau Casals rescata del olvido el manuscrito de las Suites BWV 1007-1012, inéditas
hasta entonces.[21]
1950, El músicólogo alemán W.Schmieder desarrolla y presenta el Catálogo sisTemático de
sus obras.
1985, se halla un manuscrito en Halle conteniendo los corales BWV 1090-1120 inéditos
hasta entonces.[22]
1985, cuando se cumplieron 300 años de su nacimiento, se editó el primer registro

completo de todas las cantatas sacras por Helmuth Rilling. Se edita en 69 CD por el sello
alemán Hanssler.[23]
1989, se termina el ciclo comenzado en 1971 del registro de cantatas de Leonhardt y

Nikolaus Harnoncourt y se edita en 60 CDs del sello Teldec. Esta grabación fue
revolucionaria, aplicando la concepción histórica de la interpretación y cambiándola para
siempre.[23]
2000, se celebraron los 250 años de su muerte. A modo de homenaje, se publicó el libro J.
S. Bach, el músico sabio de C. Wolff, la mejor biografía del compositor hasta el momento.
Tres sellos discográficos (Brilliant, Hanssler y Teldec) publicaron ediciones
conmemorativas con toda la música grabada del genio, en 155, 172 y 160 CD,
respectivamente.
2005, se halla un manuscrito que contiene un aria vocal que se cataloga como BWV 1127.
[24]
2008, se hace en Berlín una reconstrucción moderna de su cabeza y rostro con técnicas de
modelación por ordenador, dando una imagen de fidelidad muy aproximada a la real.[25]
2008, se encuentra un manuscrito que contiene un coral inédito hasta la fecha para órgano.
[26]
Citas sobre su figura

Sello postal de la República Federal de Alemania dedicado a Johann Sebastian Bach.
«Lo que Newton fue como científico, Bach lo fue como músico»
C. F. Daniel Schubart, 1784-1785[27]
«Es un artista extraordinario en el órgano y clavicémbalo, y no he dado con ningún músico
que haya podido rivalizar con él»
A.Scheibe, 1737[11]
«El que usted quiera editar las obras de Johann Sebastian Bach es algo que regocija mi
corazón, que late todo para el arte sublime y grandioso de este verdadero padre de la
armonía. Deseo ver pronto esa empresa en plena actividad. En cuanto abra usted mismo la
suscripción, espero aportar yo mismo desde aquí»
carta a F.A. Hofmeister, editor vienés. Ludwig van Beethoven S. XIX
«La música de Bach es algo que hay que aprender»
Wolfgang Amadeus Mozart S. XVIII
«Solamente hay uno de quien los demás podríamos sacar algo nuevo: Johann Sebastian
Bach»
Robert Schumann S. XIX
«La música le debe tanto como la religión a su fundador»
Robert Schumann S. XIX
«Todo ocurre en Bach»
Anton Webern 1933[2]
«La figura de Bach es central en la historia de la música, o dicho de otro modo, Bach es el
epicentro de la música occidental»
Antoni Ros-Marbà, 2000[3]
«La chacona BWV 1004 es en mi opinión una de las más maravillosas y misteriosas obras
de la historia de la música. Adaptando la técnica a un pequeño instrumento, un hombre
describe un completo mundo con los pensamientos más profundos y los sentimientos más
poderosos. Si yo pudiese imaginarme a mí mismo escribiendo, o incluso concibiendo tal
obra, estoy seguro de que la excitación extrema y la tensión emocional me volverían loco»
Johannes Brahms S. XIX
«Esta semana he ido a escuchar tres veces la Pasión según San Mateo del divino Bach, y en
cada una de ellas con el mismo sentimiento de máxima admiración. Una persona que —
como yo— ha olvidado completamente el cristianismo, no puede evitar oírla como si se
tratase de uno de los evangelios»
Friedrich Nietzsche S. XIX
«Es imposible describir la inmensa riqueza de su música, su naturaleza sublime y su valor
universal, comparándola con cualquier otra cosa en el mundo»
Richard Wagner S. XIX
«Considero superfluo querer describir los excepcionales méritos del Signor Bach, ya que su
fama es conocida, tanto en Alemania como en nuestra querida Italia. Sólo quiero decir que
sería difícil encontrar un mejor profesor. Hoy en día él podría presumir con razón de que es
el mejor de toda Europa»
Giovanni Battista Martini S. XVIII
«Es el amado Dios de la música, a quien todos los compositores deberían elevar una
oración antes de ponerse a trabajar»
Claude Debussy S. XIX
«El principio y el fin de toda la música»
Max Reger S. XX
«[Bach es] el exponente del más alto grado de perfección que puede lograr el hombre»
Paul Hindemith S. XX
«Inicialmente estaba Bach..., y entonces todos los otros»
Pau Casals S. XX
«A pesar de todo mi amor para muchos otros —y Beethoven y Mozart no son lo menos—,
puedo solamente estar de acuerdo con Casals: Bach los domina a todos»
Paul Tortelier S. XX
«Al oír la música de Bach tengo la sensación de que la eterna armonía habla consigo
misma, como debe haber sucedido en el seno de Dios poco antes de la creación del mundo»
Johann Wolfgang Goethe S. XIX
«Ya jamás podrán caer de nuevo en el olvido ni el nombre ni la obra de Juan Sebastián
Bach, donde quiera que viva el espíritu de la música»
Phillip Spitta S. XX[28]
«He dicho que Dios le debe todo a Bach. Sin Bach, Dios sería un personaje de tercera clase.
La música de Bach es la única razón para pensar que el Universo no es un desastre total.
Con Bach todo es profundo, real, nada es fingido. El compositor nos inspira sentimientos
que no nos puede dar la literatura, porque Bach no tiene nada que ver con el lenguaje. Sin
Bach yo sería un perfecto nihilista.»
Émile Michel Cioran[29]
Bibliografía recomendada
 Bach, de Enrique Martínez Muira. Editado por Península (1995).
 J.S. Bach edición 250 aniversario, de Malcom Boy y Ramón Andrés. Editado por
RBA (2000-2001).
 Bach, el músico sabio, de Christoph Wolff. Editado por Ma Non Troppo (2002 y
2003).
 Bach: repertorio completo de la música vocal, de Daniel S. Vega Cernuda. Editado
por Cátedra (2004).
 Johann Sebastian Bach: Los días, las ideas y los libros de Ramón de Andrés.
Editado por El Acantilado (2005).
 Gödel, Escher, Bach: un Eterno y Grácil Bucle. Douglas R. Hofstadter. Tusquets
Editores, 1987. Traducido por Alejandro López Rousseau y Mario Arnaldo
Usabiaga Bandizzi. ISBN 84-7223-459-2.
Discografía recomendada
A continuación se presenta una discografía recomendada de este compositor.[30]
Discografía recomendada de Johann Sebastian Bach [30]

Año grabación Número catálogo CDS
Título Sello
BWV
2000 Bach Edition Bachakademie 1-1100 172 Hanssler
Bach 2000: The complete
2000 1-1100 153 Teldec
edition
Bach Edition: Das
2000 1-1100 155 Brilliant
Gesamtwerk
1971-1989 Das Kantatenwerk[30] 1-199 60 Teldec
1969-1985 Cantates of J.S.Bach 1-200 69 Hanssler
[30]
1970 Matthäus-Passion 244 3 Teldec
J.S. Bach L'Oeuvre Harmonia
1970 525-769 12
d'orgue[30] mundi
Harmonia
1967-1973 El clave bien temperado[30] 846-893 4
mundi
Harmonia
1978 Golberg Variations[30] 988 1
mundi
1979-1983 La musique de camere[30] 1014-1039 3 Archiv
1983 Die Cembalokonzerte[30] 1052-1058,1060-1065 3 Archiv
Filmografía
Año Película Director
Jean Marie Straub y Danièle
1968 Crónicas de Ana Magdalena Bach
Huillet[31]
Johann Sebastian Bachs vergebliche Reise in
1980 Victor Vicas[32]
den Ruhm
1983 Johann Sebastian Bach Lothar Bellag[33]
1984 Ein Denkmal für Johann Sebastian Peter Milinski
2003 Mi nombre es Bach Dominique de Rivaz[34]
2007 El silencio antes de Bach Pere Portabella[35]
Referencias
1. ↑ a b «[http://www.filomusica.com/filo14/paloma.html JOHANN SEBASTIAN
BACH. SU HERENCIA.]». Filomusica (2001). Consultado el 03-05-2008.
2. ↑ a b Varios autores (2000). Suplemento libros de la Vanguardia "Pasión por Bach",
pág.6, La Vanguardia. ISBN.
3. ↑ a b Varios autores (2000). Suplemento libros de la Vanguardia "Pasión por Bach",
pág. 9, La Vanguardia. ISBN.
4. ↑ Jose Luis Comellas (1995). Nueva historia de la Música, pág. 165, Ediciones
internacionales universitarias. ISBN 84-87155-55-3.
5. ↑ a b c d e f g h i j k l m n ñ o p q r s t u v w x y z aa Enrique Martínez Miura (1997). Bach, pág.
311-312, Península. ISBN 84-8307-034-0.
6. ↑ John Burrows (2006). Guías visuales Espasa:Música clásica, pág. 116, Espasa
Calpe. ISBN 84-670-2098-9.
7. ↑ Wolff, Christoph: Johann Sebastian Bach: The Learned Musician. W. W. Norton
& Company, 2000; pp. 41–43. ISBN 0-393-04825-X.
8. ↑ Domínguez, Martí. El país (ed.): «¡Cómo brilla el lucero del alba!». Consultado el
21 de diciembre de 2009.
9. ↑ Teri Noel Towe (2000). «The Inscrutable Volbach Portrait». The Face of Bach.
Consultado el 3-5-2008.
10. ↑ a b c Christoph Wolff (2003). Bach, el músico sabio.Tomo II: la Madurez del
genio, pág. 177-179, Robinbook. ISBN 84-95601-81-8.
11. ↑ a b c d e f g h i j Julian LLinas (1982). La música a través de la historia, pág. 27,
Salvat. ISBN 84-345-7998-7.
12. ↑ a b c d Enrique Martínez Miura (1997). Bach, pág. 20-22, Península. ISBN 84-8307-
034-0.
13. ↑ a b c d e f Malcolm Boyd y Ramón de Andrés (2001). J.S. Bach Edición 250
aniversario. Volumen I, pág. 181-183, RBA Coleccionables. ISBN 84-473-1713-7.
14. ↑ Marie-Claire Beltrando-Patier y otros (1996). Historia de la música, pág. 443,
Espasa Calpe. ISBN 84-269-9610-7.
15. ↑ a b Enrique Martínez Miura (1997). Bach, pág. 329-339, Península. ISBN 84-8307-
034-0.
16. ↑ a b Enrique Martínez Miura (1997). Bach, pág. 339-347, Península. ISBN 84-8307-
034-0.
17. ↑ a b c Marie-Claire Beltrando-Patier y otros (1996). Historia de la música, pág. 496,
18. ↑ a b Bach: repertorio completo de la música vocal, de Daniel S. Vega Cernuda.
Editado por Cátedra (2004), pág. 11-13, ISBN 84-376-2188-7
19. ↑ Enrique Martínez Miura (1997). Bach, pág. 130, Península. ISBN 84-8307-034-0.
23. ↑ a b Enrique Martínez Miura (1997). Bach, pág. 27-28, Península. ISBN 84-8307-034-
0.
24. ↑ Comlpete Bach Cantatas vol 20. 2008. http://www.challenge.nl/index.php?
group=product&serial=1166022848135.
25. ↑ What did Bach look like?. 2008.
http://edition.cnn.com/2008/SHOWBIZ/Music/03/03/reconstructing.bach.ap/index.
html.
26. ↑ «Unos musicólogos descubren una obra desconocida de Johann Sebastian Bach».
Terra (2008). Consultado el 04-05-2008.
27. ↑ Christoph Wolff (2002). Bach, el músico sabio. Tomo I: la juventud creadora,
pág. 17, Robinbook. ISBN 84-95601-81-8.
28. ↑ Tomado de Guillermo Orta Velázquez (1962). 100 Biografías en la Historia de la
Música, página desconocida, Joaquín Porrua. ISBN.
29. ↑ «"Sin Bach, Dios seria un personaje de tercera clase".». Portal bnp (200?).
Consultado el 12-05-2008.
30. ↑ a b c d e f g h i Enrique Martínez Miura (1997). Bach, pág. 313-320, Península. ISBN
84-8307-034-0.
31. ↑ «Chronik der Anna Magdalena Bach». IDBM (2007). Consultado el 04-05-2008.
32. ↑ «Filmportal.de». Filmportal.de (2008). Consultado el 03-05-2008.
35. ↑ «El silencio antes de Bach». IDBM (2007). Consultado el 03-05-2008.
Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händel
Retrato de Händel, por Balthassar Denner, 1727, Museo de la ciudad de Londres
23 de febrero de 1685
Nacimiento Halle, Margraviato de Brandeburgo,
14 de abril de 1759
Fallecimiento
Londres, Reino de Gran Bretaña
Ocupación Compositor, organista y empresario de ópera

Firma
Georg Friedrich Händel (Halle, 23 de febrero de 1685 – Londres, 14 de abril de 1759) fue
un compositor de origen alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de
las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental
y universal.[1] En la historia de la música, es el primer compositor moderno[2] en haber
adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público,[2] en
vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.
Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell,[3] marcó toda una era en la música
inglesa[4] siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra. Es el
primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía[5] y el más grande
dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana[6] y el oratorio.[7]
Entre sus numerosas óperas y oratorios, cabe mencionar: Agrippina (1709),[8] Rinaldo
(1711),[9] Amadigi di Gaula (1715),[10] Julio César (1724),[11] Tamerlano (1724),[9]
Rodelinda (1725),[9] Tolomeo (1728), Acis y Galatea (1731),[12] Esther (1732),[13] Atalía
(1733),[13] Orlando (1733),[9] Deborah (1733),[14] Ariodante (1735),[9] Alcina (1735),[9] El
festín de Alejandro (1736),[13] Saúl (1739),[14] [13] Israel en Egipto (1739),[14] Il Allegro, il
penseroso e il moderato (1740),[13] El Mesías (1741),[14] [11] [13] Samson (1743),[14] [13] Sémele
(1744),[9] Hércules (1745),[13] Baltasar (1745),[13] Judas Macabeo (1746),[14] [13] Salomón
(1748),[13] Susana (1749),[13] Teodora (1750)[13] y Jephtha (1751),[14] que son obras maestras
de referencia obligada dentro del género.
Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la
primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su
época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son lo más sobresaliente e
importante de su producción musical.[7] [11]
Contenido
[ocultar]
 1 Biografía
o 1.1 Halle y Hamburgo (1685-1706)
o 1.2 Italia (1706-1710)
o 1.3 Hanover y primeros años en Inglaterra(1710-1719)
o 1.4 Director en Royal Academy of Music (1720-1728)
o 1.5 Covert Garden y la guerra operística (1729-1737)
o 1.6 Dublín y la consagración definitiva con los oratorios (1738-1751)
o 1.7 La ceguera y los últimos años (1752-1759)
 2 El arte de Händel
o 2.1 Obra musical
 2.1.1 Las óperas
 2.1.2 Los oratorios
 2.1.3 La música orquestal
 2.1.4 La música para teclado
 3 Catálogo HWV de obras
o 3.1 Música instrumental
o 3.2 Obras importantes[39]
 4 Citas sobre su figura
 5 Bibliografía recomendada[41]
 6 Discografía recomendada
 7 Filmografía
 8 Referencias
[editar] Biografía
[editar] Halle y Hamburgo (1685-1706)
Nació en la ciudad de Halle, ubicada en el centro este de la actual Alemania. Su padre era
barbero y cirujano de prestigio y había decidido que su hijo sería abogado, pero cuando
observó el interés de Händel por la música, la cual estudiaba y practicaba en secreto,
cambió de idea y se mostró dispuesto a pagarle los estudios de música. De esta forma,
Händel se convirtió en alumno del principal organista de Halle, Friedrich Wilhelm Zachau.
A la edad de 17 años lo nombraron organista de la catedral calvinista de Halle.
Händel de joven tocando el clave.
Al cabo de un año, Händel viajó a Hamburgo, donde fue admitido como intérprete del
violín y del clave en la orquesta de la ópera. Al poco tiempo, en 1705, se estrenó en ese
mismo lugar su obra Almira y poco después Nero.
[editar] Italia (1706-1710)
Poco más tarde, insistiendo en su deseo de conseguir prestigio como compositor de ópera,
marchó a Italia. Su primera parada fue en Florencia y en la primavera de 1707 viajó a
Roma, donde disfrutó del mecenazgo tanto de la nobleza como del clero. En Italia compuso
óperas, oratorios y pequeñas cantatas profanas. Su estancia en Italia finalizó con el éxito de
su quinta ópera, Agrippina (1709), estrenada en Venecia.
[editar] Hanover y primeros años en Inglaterra(1710-1719)
En 1710, Händel regresa de Italia y se convierte en el director de orquesta de la corte de

Hanóver. Un año más tarde se estrena su obra Rinaldo en Londres con un considerable
éxito. En vista de ello, en 1712 Händel decide establecerse en Inglaterra.
[editar] Director en Royal Academy of Music (1720-1728)
Allí recibe el encargo de crear un teatro real de la ópera, que sería conocido también como
Royal Academy of Music. Händel escribió 14 óperas para esa institución entre 1720 y
1728, que lo hicieron famoso en toda Europa. En esta empresa tuvo el privilegió de contar
con los servicios de varios de los principales virtuosos vocales de primera línea de la ópera
itliana: el castrado contra-alto Senesino, las soprano Francesca Cuzzoni, Faustina Bordoni,
y el bajo Montagnana, entre otros. La Estabilidad económica de la empresa, la disposición
de los prestigiosos solistas y de una excelente orquesta, así como el gran entusiasmo del
público permitió a Händel llevar a la La época de gloria de la Royal Academy que incluyó
varias de las piezas cumbre de la ópera seria: Ottone, floridante y sobre todo Giulio Cesare,
Tamerlano y Rodelinda, entre muchas otras.
El 11 de junio de 1727 moría de apoplejía Jorge I, pero antes de morir había firmado el
Acta de Naturalización de Händel. Nuestro compositor era ya súbdito británico. Fue el
momento de cambiar su nombre a «George Frideric Haendel». A Jorge I le sucedió Jorge II
y para su Coronación se encargó la música a Händel. Así nacieron los himnos «Zadok the
Priest», «My Heart is Inditing», «Let Thy Hand be Strengthened» y «The King shall
Rejoice», las dimensiones de la orquesta y músicos requeridos eran extraordinarias (se
pudo leer en un periódico «habrá 40 voces, y unos 160 violines, trompetas, oboes, timbales
y bajos, proporcionalmente, además un órgano, que fue instalado detrás del altar»).
[editar] Covert Garden y la guerra operística (1729-1737)
Georg Friedrich Händel en 1733
[editar] Dublín y la consagración definitiva con los oratorios (1738-1751)
A partir de 1740, Händel se dedicó a la composición de oratorios, entre ellos El Mesías, que
en el siglo XIX se convertiría en la obra coral por excelencia.
[editar] La ceguera y los últimos años (1752-1759)

En 1751, Händel perdió la vista mientras componía el oratorio Jephta. A comienzos de
abril de 1759 se sintió mal mientras dirigía su oratorio El Mesías. Terminado el concierto,
se desmayó y fue llevado presurosamente a su casa, donde se le acostó; nunca más volvió a
levantarse. Händel murió siendo venerado por todos; fue sepultado con los honores debidos
en la Abadía de Westminster, panteón de los hombres más célebres de Inglaterra. Su último
deseo fue morir el Viernes Santo y a punto estuvo de cumplirse: falleció el 14 de abril de
1759, Sábado Santo.
[editar] El arte de Händel

«El incomparable Händel, el Orfeo de nuestro tiempo»
Barthold Feind.Hamburgo, 1715[1]
El estilo de Händel es una extraordinaria síntesis de los principales estilos nacionales

musicales de su época, tomando los mejores elementos y características de cada uno de
ellos y superándolos por separado, como sus contemporáneos Bach y Telemann, donde
además se añade el estilo inglés de Purcell, al que Händel le da un nuevo y vigoroso
empuje, siendo el verdadero continuador de este compositor.[2] [3] Todo ello fruto de sus
estancias en Inglaterra, Alemania e Italia, dando prueba de que Händel era un auténtico
cosmopolita de su tiempo.[15]
Su estilo tiene la solidez y el contrapunto de la música alemana, la melodía y el enfoque

vocal del bello canto de la italiana, la elegancia y solemnidad de la francesa y la audacia,
sencillez y fuerza de la inglesa.[3] Händel es un fiel continuador de estos estilos y técnicas,
en que no aporta ninguna novedad a todas estas corrientes musicales de la primera mitad
del siglo XVIII, aunque como Rameau, su música, especialmente en óperas y oratorios,
adquiere un nuevo y especial sentido dramático y monumental, triunfante, poderoso y
solemne que es único entre la música de su tiempo.[3] [14]
Generalmente, su producción tiene una estructura empírica y simple[16] de lenguaje vocal en

la línea del bello canto italiano[17] y sencillo[16] pero templado y conteniendo un pudor
expresivo que recuerda a Purcell en vez de a los compositores italianos,[17] cuyas cualidades
se cautivan rápidamente entre el auditorio,[16] en que donde domina la melodía y la
homofonía, y en esencia, de corte mayormente italiano, que es el estilo más presente en su
música y el que más ha influenciado en todos los aspectos en su estilo personal.[18]
[editar] Obra musical
La vasta y abundante obra de Händel, muy prolífico como era la norma de la época, se
compone de más 600 obras y se divide en 7 grandes grupos, agrupados en dos grandes
bloques: en música vocal (dramática, oratorios, profana y religiosa) y musical instrumental
(orquestal, de cámara y para clave) donde abarca todos y cada uno de los géneros de su
época.[19]
En musical vocal, los géneros y obras que el compositor compuso y ha cultivado, que
suman 286 piezas en total, son 43 óperas en lengua italiana, alemana e inglesa, 2 músicas
incidentales para espectáculos en inglés, 26 oratorios en italiano, alemán e inglés, 4 odas y
serenatas en italiano e inglés, 100 cantatas en italiano y español, 21 dúos, 2 tríos, 26 arias
sueltas, 16 obras para conciertos espirituales, 41 anthems, 5 Te Deums, 1 Jubilate y 3
himnos ingleses.[19] [20] [21] [22]
En música instrumental, 78 en el ámbito orquestal: 34 conciertos para solistas, 23 concerti

grossi, 4 oberturas, 7 suites, 2 sinfonías, 6 movimientos de danzas y conciertos sueltos, y 2
marchas.[19] [23] 68 en el ámbito de cámara: 22 sonatas para un instrumento solista y bajo
continuo, 25 sonatas en trío y 19 movimientos sueltos de danzas, marchas y sonatas.[19] [24]
Y 186 en el ámbito del clavicémbalo: 30 suites y oberturas, y 156 movimientos de suite
sueltas.[19]
[editar] Las óperas
Artículo principal: Anexo:Lista de óperas de Georg Friedrich Händel
Las 43 óperas de Handel, o 46 si se añade Semele, Acis y Galatea y Hércules,[25] [26] [25] [27]
compone el punto central de su obra junto con los oratorios, siendo uno de los más
importantes compositores de ópera universal, el mayor en el ámbito de la barroca,[28] y el
más destacado en el subgénero dramático de la ópera barroca, la ópera seria del siglo XVII.
Dentro del transcurso de la ópera seria, sin embargo, Händel no puede ser comparado con
sus antecesores, Alesandro Scarlatti, y sucesores, Hasse, Gluck, Porpora, siendo diferente
de ellos por sus formas poco italianas,[29] utilizando recursos de la ópera alemana y ópera
francesa.[6]
A excepción de sus primeras óperas en Hamburgo, Almira, Nero, Florindo y Dafne, que
están escritas en alemán y pertenecen al subgénero singspiel,[30] y Alceste, su última ópera,
escrita en inglés ya al final de su vida, todas están escritas en italiano dentro de la tradición
de la ópera seria de la primera mitad del siglo XVIII.[6] En relación con Acis y Galatea,
Semele y Hércules, todas escritas en inglés como Alceste, es un grupo muy ambiguo en
referente a catalogación de género, siendo considerados por su autor en el caso de Semele y
Hércules como oratorios, pero aptos para representación escénica, considerándose en
algunos casos como óperas y engoblados dentro de las óperas handelianas.[25] En el caso de
Acis y Galatea, se estreno en 1718 como una masque, siendo la primera obra escrita en
inglés de Händel.[27] Sin embargo, en 1732 se amplió añadiendo nuevos números y con
muchas modificaciones, y se estrenó como una ópera.[27]
Asimilada totalmente desde 1707 con Rodrigo la tradición del drama italiano, casi todas sus
óperas tiene la formula clásica de 3 actos, alternando la dualidad arias da capo-recitativos,
sin danzas ni conjuntos, ni ritonellos instrumentales, a expeción de coros como números
finales y duos y tríos en muy contadas ocasiones. Alceste, Teseo, Ariodante, Serses y otras
óperas, sin embargo, rompen el esquema clásico, añadiendo coros y danzas en mitad de la
ópera en Ariodante, Alceste y Serses, teniendo mas de 3 actos como Teseo o Alceste,[29] o
abandonando la rigidez y seriedad de la tematica de la ópera seria haciendo un drama más
compacto en Serses.[29] Serses, además, añade muchos elementos cómicos y tiene un estilo
más moderno,[28] que se acerca a la música galante de mediados del siglo XVIII,[28] siendo
única en el catálogo de Händel. Serse también tiene airosos que se interponen entre los
recitativos, que muchos de ellos son acompañados, y arias o ritonellos instrumentales. Sin
embargo, Händel siempre fue fiel en esencia en las formas básicas convencionales: arias,
recitativos secos y acompañados, airosos, grandes conjuntos (coros), dúos y tríos, las
formas básicas de la ópera del siglo XVIII.[31] [29] [6]
Argumentalmente, gran parte de las óperas son de tema heroico, tan de boga en la ópera
seria de principios del siglo XVIII, aunque algunas, como el Pastor Fido, es de temática
Pastoral, de moda y auge en Italia a finales del siglo XVII y principios del siguiente. Otra
temática presente en algunas óperas, y de singular importancia, es la llamada ópera mágica,
como Rinaldo, Orlando, Ariodante y Alcina, donde el argumento, extraído de la literatura
épica y caballeresca, tiene una gran importancia y presencia la magia y el encantamiento.[32]
La gran mayoría de las óperas tienen una instrumentación muy reducida, aunque su
lenguaje orquestal utiliza matices en abundancia y es muy colorista. Las arias da capo son
las grandes protagonistas en ese sentido, con un grandioso vigor melódico,teniendo un
ritmo y melodía con gran supremacía y grandes solos obligados, como en la aria "Vo fa la
guerra" de Rinaldo, donde hay un gran interveción solista de un clave.[28] la influencia del
contrapunto germano, aprendido de Zachow, se encuentra en el acompañamiento
instrumental de las arias, donde se muestra la facilidad y el dominio que tiene Handel en
ese campo,siendo más presente en las piezas instrumentales de las óperas, donde a veces se
hayan fugas. Si el estilo germano está presente a través del contrapunto, el estilo francés
está presente en las oberturas de sus óperas y las danzas y ballets, especialmente en Alcina
y Ariodante. Las oberturas, siempre compuestas a la moda francesa, tiene siempre un
esquema de dos movimientos: Empezando por una lenta y solemne introducción y
acabando una rápida con secciones fugadas.[32]
Senesino y Francesca Cuzzoni, dos de las grandes estrellas de la ópera del siglo XVIII en
que en parte, gracias a ellos, se debe esa dificultad y virtuosismo en el estilo vocal de las
óperas de Handel.
El estilo vocal de sus óperas es muy depurado, siendo deudor de Scarlatti y Caldara en su
aprendizaje italiano, entre 1706 y 1710, hecho a base de componer sin descanso miles de
cantatas. Estas poseían una torrencial fluidez melódica indudablemente forjada en su
estancia en Italia.[32] Escrita y pensada la parte vocal para lucir la técnica y capacidades
vocales de los grandes castrati y las grandes divas del siglo XVIII, cantantes
superdotados[32] , exige un gran virtuosismo en algunos pasajes, ya extendiéndose muchos
compases sobre una vocal, ya desafiando y poniendo al límite la capacidad de los cantantes,
amén de otras difíciles técnicas virtuosas como notas agudas y graves y sonido aflautado.[32]
Así, los intérpretes actuales, aunque estén muy capacitados, no pueden igualar la técnica de
los castrati y las divas del siglo XVIII[32] . En ese sentido, Händel siempre estuvo a
disposición, aunque temporalmente, para cantar sus difíciles y exigentes óperas de casi
todos los mejores intérpretes italianos[32] de su época, como los célebres Farinelli, Cuzzoni,
o Senesino, aunque el público de Londres no apreciaba ese reparto.[32]
.[32]
[editar] Los oratorios
Su oratorio más famoso es el renombrado Mesías, compuesto en 1741. Según la tradición,

éste fue compuesto tras un largo período de escasez en la producción musical del
compositor debido a una inspiración divina. Si bien la verdad es que Händel se encontraba
en un momento creativo interesante ya que junto a esta obra escribo el drama coral
Samsom, que junto A Saul, Jephta y Belshazzar marcan la cumbre del drama coral. Su coro
más famoso es el majestuoso "Hallelujah". Este oratorio fue representado en el Convent
Garden y dirigido por Händel todos los años en la época de Pascua hasta el día de su
muerte.
El Messias, así como muchas obras de Händel, presenta prestamos de otras obras anteriores
del propio compositor. En especial se pueden encontrar cuatro de los coros mas famosos
del Messias, en los movimientos iniciales y finales de dos cantatas italianas:
- And He shall Purify: "L'ocaso a nell'Aurora", de la cantata "Quel fior che al alba ride"
- For unto us a chils is born: "Non, di voi non vo fidarmi"
- Hes yoke is easy: ""Quel fior che al alba ride"
- All we like sheep: "So per prova" de la cantata "Non, di voi non vo fidarmi".
Otra particularidad del Messias, es que no responde al esquema del oratorio händeliano más
típico, como obras dramáticas, con personajes concretos a manera de una ópera sin
escenificación según la tradición del oratorio romano que el propio Händel frecuentó (La
resurrezione), y con coros que representan personajes colectivos (Sussana), o el pueblo de
Israel (Jephta, Joshua, Judas Macabeo, etc), o bien varios pueblos enemigos (Athalia,
Belshassar, Deborah, etc). El Messias es más bien una colección de tres cantatas con textos
poéticos y narrativos pero no dramáticos, lo cual es totalmente atípico en Handel (solo
ocurre con Alexandder Feast, Israel in Egypt y L'allegro il Penseroso ed il Moderato).
[editar] La música orquestal
Al margen de sus oratorios sobresalen sus conciertos, sonatas y suites para diversos
instrumentos y dos obras orquestales magníficas: Música para los reales fuegos de artificio
(compuesta por encargo del rey Jorge II de Inglaterra, estrenada en el Green Park de
Londres en 1749 en medio del regocijo popular) y Música acuática (compuesta en 1717
para una travesía que el rey Jorge I de Inglaterra debió hacer en su lujosa embarcación,
navegando por el Támesis, entre Whitehall y Chelsea; durante el viaje se realizó una fiesta
en la que se disfrutó enormemente de la obra de Händel).
[editar] La música para teclado
Las obras para teclado de Händel, en especial las destinadas al clavicémbalo, son una de las
cimas, junto con Bach, Rameau, Couperin y Domenico Scarlatti, de la música barroca para
estos instrumentos. Sus obras más importantes y conocidas son dos colecciones de suites
(HWV 426-433 y HWV 434-438), seis fugas (HWV 605-610) y dos conciertos para órgano
Op 4 y Op 7. En este ámbito, su maestro Zachow le familiarizó con la escuela alemana del
clave y órgano, donde recibió influencias de Kunhau, Froberger, Kerll y Buxtehude.[33] Esta
música tiene un aspecto libre y espontáneo, al igual que el resto de su música instrumental.
[33]
Toda esta música está escrita para el clavicémbalo, a excepción de los 16 conciertos para
órgano solista y orquesta, Op.4 y Op.7, y varios sueltos, compuestos en la década de 1730.
Este novedoso y poco común género, que se adaptaba muy bien al carácter de Händel, lo
interpretaba él mismo en los intermedios de sus oratorios.[11] [34] Händel, en estos conciertos,
demostraba su talento como organista;[11] y su original sonoridad[35] donde con su carisma
fascinaba y entusiasmaba al público,[33] sin embargo, se tiene una imagen incompleta de
cómo debía de sonar realmente esa música, ya que en las partituras no aparecen las
ornamentaciones ni las secciones reservadas a la improvisación.[33] No es de extrañar, pues,
que Händel, como Bach, fue un notable improvisador al teclado.[33]
Händel compuso bastantes suites y oberturas en la música destinada al clavicémbalo, y su

principal aportación a este género de origen francés son las 8 grandes suites (HWV 426-
433), publicadas en Londres en 1720. Estas suites tienen una originalidad y una variedad
muy grande en varios aspectos, en referencia a la suite francesa para teclado, siguiendo la
norma como el resto de su obra instrumental.[36] Adopta variados patrones y movimientos
de diversos géneros: la sonata de iglesia, como en el caso de la Suite 2, la estructura clásica
de la suite, como en el caso de la Suite 1, o una combinación de ambos géneros, como en la
Suite 7, y diversos estilos, como el concierto en la Suite 4.[36] Estas suites tienen una gran
potencia y sentido dramático, un aire de grandeza que casi desborda el marco del clave, y
utilizan tonalidades poco usadas en la primera mitad del siglo XVIII, como en el caso de la
Suite en fa sostenido menor, y, entre la producción de teclado, es en estas obras donde está
más patente la originalidad de Händel.[17]
[editar] Catálogo HWV de obras

Artículo principal: Anexo:Composiciones de Georg Friedrich Händel
El catálogo temático de las obras de Händel, que abarca en total 612 registros más 25
suplementos y obras dudosas y perdidas,[37] fue elaborado y publicado en 1978 y 1986 en
tres volúmenes. Se conoce con las siglas "HWV", que significan Handel Werke Verzeichnis
(en alemán, 'Catálogo de obras de Händel').[38]
El catálogo HWV es un sistema de numeración usado para identificar las obras de Händel.
A diferencia de otros catálogos que están ordenados cronológicamente, el HWV está
clasificado por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental, al igual
que el catálogo BWV de Bach, el catálogo KV de Mozart y el catálogo RV de Vivaldi.
[editar] Música instrumental
 8 suites para clave (HWV 426 - 433)

 6 conciertos para órgano op. 4 (HWV 289 – 294)
 6 conciertos para órgano op. 7 (HWV 306 – 311)
 6 concerti grossi op. 3 (HWV 312 – 317)
 1 concerto grosso en do mayor Alexander's Feast (El festín de Alejandro) (HWV
318)
 12 concerti grossi op. 6 (HWV 319 – 330)
 3 conciertos para dos coros (HWV 332 – 334)
 Música acuática (HWV 348 – 350)
 Música para los reales fuegos de artificio (HWV 351)
[editar] Obras importantes[39]
Obras importantes de Georg Friedrich Händel

Tipo de obra
Año Obra HWV Lugar estreno
Sin
1704 Pasión según San Juan, Pasión Pasión
catalogar
1705 Almira Opera 001
Música
1707 Dixit Dominus 232
religiosa
Música
1707 Nixit Dominus 238
religiosa
Música
1707 Salve Regina 241
religiosa
1707 Il trionfo del Tempo Oratorio 046a
1707 Armida Abandonata Cantata 105
1708 La Resurrezione Oratorio 047
1708 Aci, Galatea e Pholifermo Serenata 072
1708 Agrippina condotta a morire Cantata 110
1708 La Lucrezia Cantata 145
1709 Agriphinna[39] Opera 006
1710 Apollo e Dafne Cantata 122
Queen's Theatre,
1711 Rinaldo, ópera[9] Opera 007
Londres
Música
1713 Te Deum ("Utrecht") 278
religiosa
Música
1713 Jubilate ("Utrecht") 279
religiosa
1715 Amadigi di Gaula Opera 011
1715 Pasión según Brockes, Pasión Pasión 048
Música acuática Música
1717 348-350
[3 Suites] orquestal
1717- Chandos Anthems, Anthems Música
246-256
1718 [11 Antifonas] religiosa
1720 Radamisto Opera 012
Grandes suites para clave Música de
1720 426-433
[8 suites] clave
1721 Floridante Opera 014
1723 Ottone Opera 015
1723 Flavio Opera 016
1724 Giulio Cesare, ópera[9] Opera 017
1724 Tamerlano, ópera[9] Opera 018
1725 Rodelinda, ópera[9] Opera 019
1726 Arias alemanas, cantata Cantata 202-210
1727 Admeto Opera 022
Antifonas de la coronacion Música
1727 258-261
[4 Antifonas] religiosa
1727 Ricardo Primo Opera 023
1728 Siroe Opera 024
1728 Tolomeo Opera 025
Sonatas de Halle Música de
1730 374-376
[3 sonatas] cámara
1718 Acis y Galatea, masque[12] Masque 049
1718 Esther, oratorio[14] Oratorio 050
Solo Sonatas Op 1 Música de
1732 359b-372
[15 sonatas] cámara
1732 Ezio Opera 029
1732 Sosarne/Fernando Opera 030
Grandes suites para clave II Música de
1733 434-442
[9 suites] clave
Trio Sonatas Op 2 Música de
1733 386b-391
[6 sonatas en trío] cámara
1733 Orlando, ópera[9] Opera 031
1733 Atalia, oratorio[14] Oratorio 052
1733 Deborah, oratorio[14] Oratorio 051
Concerti Grossi Op 3 Música
1734 312-317
[6 conciertos] orquestal
Conciertos para órgano Op 4 Música
1735 289-294
1735 Ariodante , ópera[9] Opera 033
1735 Alcina , ópera[9] Opera 034
Fugas Música de
1736
[6 Fugas] clave
1736 Arminio Opera 036
1736 El festín de Alejandro, oratorio[14] Oda 075
1737 Guistino Opera 037
1738 Serse, ópera Opera 040
1739 Oda para el día de santa Cecilia, Oda 076
1739 Saul, oratorio Oratorio 053
Concerti grossi Op 6 Música
1739 319-330
Trio Sonatas Op 5 Música de
1739 396-402
[7 sonatas en trío] cámara
1739 Israel in Egypt, oratorio Oratorio 054
Conciertos para órgano 13-18 Música
1740 295-300
[Seis conciertos] orquestal
Il Allegro, il penseroso e il
1740 Oratorio 055
moderato, oratorio[14]
1741 Deidamia Opera 042
1741 El Mesías, oratorio Oratorio 056
1743 Samson, oratorio Oratorio 057
Música
1743 Dettingen Anthem 282
religiosa
Música
1743 Dettingen Te Deum 283
religiosa
1744 Semele, ópera[9] Opera 058
1745 Hercules, oratorio Oratorio 060
1745 Baltasar, oratorio Oratorio 061
1746 Judas Maccabeus, oratorio Oratorio 063
1748 Joshua, oratorio Oratorio 064
Música para los reales fuegos de Música
1749 artificio 351
orquestal
[1 suite]
Música
1749 Foundling Hospital Anthem 268
religiosa
1749 Susana, oratorio Oratorio 066
1749 Solomon, oratorio Oratorio 067
1750 Theodora, oratorio Oratorio 068
Conciertos para órgano Op 7 Música
1751* 306-311
1752 Jephtha, oratorio[14] Oratorio 070
(*)Publicado póstumamente en 1761.
[editar] Citas sobre su figura

«Händel es el compositor más grande que ha existido jamás, me descubro ante él y me
arrodillaría ante su tumba.»
Ludwig van Beethoven 1824.[2]
«Handel entiende el efecto mejor que todos nosotros, cuando quiere, golpea como un rayo»
Wolfgang Amadeus Mozart, S.XVIII[40]
«Aquí se halla la verdad»
Beethoven[15]
«El es el maestro de todos nosotros»
Haydn[15]
«El maestro inspirador de este arte»
Gluck[15]
[editar] Bibliografía recomendada[41]

 Jean Gallois, Haendel, Editions du Seuil (Collection Solfèges) París, 1980. ISBN 2-
02-005707-7
 Romain Rolland Haendel, Actes Sud - 1ère édition juin 2005. ISBN 2-7427-5454-7
 Lucien Rebatet, Une histoire de la musique, chap. XIV, Robert Laffont 1985
 Marcel Vilcoski, article Händel (Georg Friedrich) dans la Grande Encyclopédie
Larousse en 20 volumes, 1974
 Walter Eisen: Händel-Handbuch, Bärenreiter-Verlag, Kassel

o 1. - Lebens- und Schaffensdaten, 1983, ISBN 3-7618-0610-8
o 2. - Thematisch-systematisches Verzeichnis. Oratorische Werke, vokale
Kammermusik, Kirchenmusik, 1984, ISBN 3-7618-0715-5
o 3. - Thematisch-systematisches Verzeichnis. Instrumentalmusik, Pasticci
und Fragmente, 1986, ISBN 3-7618-0716-3
o 4. - Dokumente zu Leben und Schaffen, 1985, ISBN 3-7618-0717-1
 Hans J. Marx: Händels Oratorien, Oden und Serenaden, Vandenhoeck & Ruprecht,
Göttingen, 1998, ISBN 3-525-27815-2
 Paul H. Lang: George Frideric Handel, Dover Publications, Mineola, N.Y. 1996,
ISBN 0-486-29227-4
 Dean Winton, John Merrill Knapp: Handel's Operas, 1704-1726, Clarendon,
Oxford, 1987, ISBN 0-19-315219-3
 Dean Winton: Handel's dramatic oratorios and masques, Clarendon, Oxford, 1990
ISBN 0-19-816184-0
 Michael Heinemann, Georg Friedrich Händel, Reinbek, 2004, ISBN 3-499-50648-3
 Mary Ann Parker-Ale, G. F. Handel: a guide to research, New York, Garland,
1988. ISBN 0-8240-8425-7.
 Burrows, Donald. Handel Oxford : Oxford University Press, 1994. ISBN 0-19-
816470-X
 Deutsch, Otto Erich, Handel: A Documentary Biography, 1955.
 Frosch, W.A., The "case" of George Frideric Handel, New England Journal of
Medicine, 1989; 321:765-769, Sep 14, 1989. [1]
 Harris, Ellen T. (general editor) The librettos of Handel's operas: a collection of
seventy librettos documenting Handel's operatic career, New York, Garland, 1989.
ISBN 0-8240-3862-2
 Hogwood, Christopher. Handel, London, Thames and Hudson, 1984. ISBN 0-500-
01355-1
 Keates, Jonathan. Handel, the man and his music. London, V. Gollancz, 1985.
ISBN 0-575-03573-0
[editar] Discografía recomendada

Discografía recomendada de Georg Friedrich Händel
Año
CDS
grabación Titulo Contenido* Sello Director
1977 Admeto[42] 22 3 Virgin Alan Curtis

John Eliot
1978 Acis and Galatea[43] 49a 2 Archiv
Gardiner
Deustche
[44] Sigiswald
1979 Partenope 27 3 Harmonia
Kuijken
Mundi
Complete organ Trevor
1984 289-296, 304, 306-311 3 Archiv
concertos[43] Pinnock
Richard
1985 Alcina[45] 34 3 EMI
Hickox
Nicholas
1985 Brockes Passion[43] 48 3 Brilliant
McGegan
Handel: Dixit Dominus
HWV 232, Nisi
Simon
1987 Dominus HWV 238, 232, 238, 241 1 Archiv
Preston
Salve Regina HWV
241[46]
1988 Jeptha [47] 70 3 Decca John Eliot
Gardiner
Stephen
1989 Messiah[43] 56 3 Emi
Cleobury
Andrew
1990 Israel in Egypt[43] 54 2 Virgin
Parrott
Harry
1990 Alexander Feast[43] 75 2 Coro
Christophers
Harmonia
1990 Flavio[48] 16 2 Rene Jacobs
Mundi
Deustche
Sigiswald
1990 Alessandro[49] 21 3 Harmonia
Kuijken
Mundi
Trevor
1990 Belsazzar[43] 61 3 Archiv
Pinnock
John Eliot
1991 Tamerlano 18 3 Erato
Gardiner
John Eliot
1991 Agrippina[43] 6 3 Philipps
Gardiner
Oisseau Christopher
1991 Orlando 31 3
livre Hogwood
Harmonia
1991 Guilio Cesare[43] [25] 17 3 Rene Jacobs
Mundi
1992 Semele[25] 58 3 DG John Nelson
Harmonia Nicholas
1993 Ottone[50] 15 3
Mundi McGegan
Harmonia Nicholas
1992 Susanna[47] 66 3
Mundi McGegan
1993 Joshua[47] 64 3 Hyperion Robert King
Andrew
1994 Almira[51] 1 3 CPO Lawrence-
King
Fnac Christophe
1994 Scipione[43] 20 3
France Rousset
1994 Deborah [47] 51 2 Hyperion Robert King
Harmonia Nicholas
1995 Guistino[52] 37 3
Mundi McGegan
426-433, 605-610, 611- Paul
1995 Harpischord suites[43] 2 Hiperion
612 Nicholson
The ocassional
1995 62 2 Hyperion Robert King
Oratorio [47]
Harry
1995 Esther[43] 50, 404 2 Collins
Christophers
Harmonia Nicholas
1995 Judas Maccabeus[47] 63 2
Mundi McGegan
Marc
1996 La Resusezzione[47] 47 2 Archiv
Minkowski
Harry
1996 Samson[43] 57 3 Coro
Christophers
1996 Joseph[47] 59 3 Hyperion Robert King
William
1996 Orlando[53] 31 3 Erato
Christie
Oisseau Christophe
1996 Ricardo Primo[43] 23 3
livre Rousset
Marc
1997 Ariodante[43] [54] 33 3 Archiv
Minkowski
1997 Rodrigo[55] 5 2 Virgin Alan Curtis
Oisseau Christopher
1997 Alceste, Comus[47] 44, 45 1
livre Hogwood
Nicholas
1999 Serses[56] 40 3 RCA
McGegan
Allegro, il Pensedoso e
il Moderato [47]
Paul
1999 Solomon[47] 67 3 Archiv
McCreesh
Paul
2000 Teodora[47] 68 3 Archiv
McCreesh
William
2000 Teodora[43] 68 3 Erato
Christie
William
2000 Alcina 34 3 Erato
Christie
Christopher
2000 Rinaldo[57] 7 3 Decca
Hogwood
2001 Arminio[58] 36 2 Virgin Alan Curtis
Coronation Anthems
AND Ode for the Stephen
2001 74, 258-261 1 EMI
Birthday of Queen Cleobury
Anne[43]
2002 Deidamia[59] 42 3 Virgin Alan Curtis
Music of the royal fire Boston
2002 348-351 1 Telarc
works Water music[43] Baroque
The choice of
Hercules[43]
338, 357, 358, 359a-
367b, 369, 371, 374-
376, 377, 378, 379, L'Ecole
2002 The Chamber Music[43] 6 CRD
386b-391, 392, 393, d'Orphée
394, 396-402, 403, 405,
408, 412
Marc
2002 Hercules[43] 60 3 Archiv
Minkowski
Acis, galatea e Emmanuelle
2003 72 2 Virgin
Polifermo[43] Haim
Marc
2003 Guilio Cesare[60] 17 3 Archiv
Minkowski
Harmonia
2003 Rinaldo[61] 7 3 Rene Jacobs
Mundi
Harmonia Andreas
2004 Siroe[62] 24 2
Mundi Spering
William
2004 Serses[63] 40 3 Virgin
Christie
Ode of Santa cecilia
2004 76,89 1 Hyperion Robert King
Day[43]
Deustche
[43]
2004 Lotario 26 2 Harmonia Alan Curtis
Mundi
Paul
2004 Saul[43] 53 3 Archiv
McCreesh
Andreas
2004 Imeneo[43] 41 2 CPO
Spering
Peter
2004 Athalia[43] 52 2 MDG
Neumann
Deustche
DIXIT: Dixit Thomas
2004 232 2 Harmonia
Dominus[43] Hengelbrock
Mundi
7, 39, 41, Deest, 48, 49,
56, 61, 70, 82, 97, 99,
110, 142, 150, 202-210,
258-261, 289-294, 295,
306-311, 312-317, 318,
Handel: The 319-330, 332-334, 338,
2005 40 Brilliant Varios
masterworks 348-350, 351, 357, 358,
359a-367b, 369, 371,
374-376, 377, 378, 379,
386b-391, 392, 393,
394, 396-402, 403, 405,
408, 412
The triumph of time Stephen
2005 71 2 Hyperion
and the turth [47] Varcoe
Christopher
2005 Handel: Oratorios 47, 50a, 52, 56 8 Decca
Hogwood
Christian
2005 Partenope[44] 27 3 Chandos
Curnyn
2005 Radamisto[64] 12a 3 Virgin Alan Curtis
2005 Rodelinda[65] 19 3 Archiv Alan Curtis
Eduardo
2006 Amadigi[66] 11 2 Naive
Lopez Banzo
George
2006 Ariadnna in creta[43] 32 3 MDG
Petrou
2007 Fernando 30 3 Virgin Alan Curtis
George
2007 Tamerlano[67] 18 3 MDG
Petrou
2007 Floridante[68] 14 3 Archiv Alan Curtis
Rinaldo
2007 Il triompo del tempo 46 2 Naive
Alessandrini
Handel:12 Concerti Harmonia Richard
2007 288, 312-317 1
grossi opus 3[69] Mundi Egarr
Suites de pieces pur le Michael
2008 426-441 4 Brilliant
clavecin Borgstede
2008 Tolomeo[70] 25 3 Archiv Alan Curtis
2009 Faramondo[71] 39 3 Virgin Diego Fasolis
Eduardo
2009 Rodrigo[55] 5 3 Naive
Lopez Banzo
2009 Ezio[72] 29 3 Archiv Alan Curtis
2009 Alcina[73] 34 3 Archiv Alan Curtis
Konrad
2009 Teseo 9 3 Carus
Junghänel
12 Concerti grossi opus Oisseau- Giovanni
2009 319-330 3
6[74] Luire Antonini
2009 Handel: Six operas 5, 12, 22, 30, 36, 42 15 Virgin Alan Curtis
Deustche
Handel Opera 7, 17, 18, 19, 21, 26, Alan Curtis,
2009 22 Harmonia
collection[49] 27, 40 Varios
Mundi
Handel 250 years 7, 16, 17, 147, 161, Harmonia
2009 9 Rene Jacobs
edition: Operas[75] 188, 197 Mundi
17, 46a, 54, 56, 60, 63,
67, 76, 232, 238, 241,
258-261, 265, 283, 287,
289-294, 295, 296, 301,
Handel: The
2009 302, 304, 305, 306-311, 30 Decca Varios
masterworks(Decca)
312-317, 318, 319-330,
332-334, 348-350, 351,
374-376, 378, 379,
386b-393[76]
2009 Handel Warner 9, 11, 17, 18, 31, 34, 60 Warner Varios
Classics Edition, 10 46a, 47, 49, 53, 54, 55, Classics
volúmenes 56, 57, 58, 61, 68, 70,
75, 110, 105, 122, 145,
232, 258, 288, 289-294,
295, 296, 301, 302,
304, 305, 306-311,
312-317, 318, 319-330,
348-350, 351, 426-433,
435, 437-439, 448, 481,
483, 490, 574, 577,
605, 607[77]
7, 43, 54, 56, 58, 63,
67, 70, 72, 122, 258-
261, 289-294, 295, 296,
301, 302, 304, 305,
306-311, 312-317, 319-
Handel Celebration 330, 338, 348-350, 351,
2009 39 Brilliant Varios
Edition 357, 358, 359a-367b,
369, 371, 374-376, 377,
378, 379, 386b-391,
392, 393, 394, 396-402,
403, 405, 408, 412 426-
441, 605-608, 610[78]
2010 Berenice 38 3 Virgin Alan Curtis
[editar] Filmografía
Año Película Director
1942 The Great Mr. Handel Norman Walker[79]
[editar] Referencias
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Calpe. ISBN 84-670-2098-9.
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Internacionales Universitarias. ISBN 84-87155-55-3.
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Diseño Editioral. ISBN 84-87666-11-6 (En catalán).
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26. ↑ Roger Alier, Marc Heilbron y Fernando Sans (1995, 1998). La discoteca ideal de
la ópera, p. 222-224, Editioral Planeta. ISBN 84-08-01285-1.
27. ↑ a b c Roger Alier, Marc Heilbron y Fernando Sans (1995, 1998). La discoteca ideal
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30. ↑ Marie-Claire Beltrando-Patier y otros (1996). Historia de la música, p. 404,
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a Bach, p. 333, Alianza Musica. ISBN 84-269-9610-7.
32. ↑ a b c d e f g h i Roger Alier, Marc Heilbron y Fernando Sans (1995, 1998). La
discoteca ideal de la Opera, p. 225-226, Editioral Planeta. ISBN 84-08-01285-1.
33. ↑ a b c d e Marie-Claire Beltrando-Patier y otros (1996). Historia de la música, p. 500,
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Internacionales Universitarias. ISBN 84-87155-55-3.
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Calpe. ISBN 84-670-2098-9.
41. ↑ «References on Handel his Times». Gfhandel.org (2007).
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HWV 241». Muse Baroque (2009).
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48. ↑ «Flavio». New Olde (2003).
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52. ↑ «Giustino». New Olde (2002-2009).
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54. ↑ «Une interprétation révolutionnaire pour l'un des plus beaux opéras italiens de
Händel.». Muse Baroque (2009).
55. ↑ a b «Rodrigo». New Olde (2002-2009).
56. ↑ «Serse». New Olde (2002-2009).
57. ↑ «Rinaldo». New Olde (2002-2009).
58. ↑ «Arminio». New Olde (2002-2009).
59. ↑ «Deidamia». New Olde (2002-2009).
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61. ↑ «Por suerte, otro gran Rinaldo». Filomusica (2003).
62. ↑ «siroe». New Olde (2002-2009).
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64. ↑ «Radamisto». New Olde (2002-2009).
65. ↑ «[http://www.prestoclassical.co.uk/gramophone.php?year=2005&issue=09
Gramophone Magazine Editor's Choice September 2005]». Presto Classical-
Gramophone (2005).
66. ↑ «Händel a la española y sin complejos». Opus Musica (2008).
67. ↑ «Tamerlano». New Olde (2002-2009).
68. ↑ «Floridante». New Olde (2002-2009).
69. ↑ «Handel: Concerti Grossi Op. 3 Nos. 1-6, HWV312-317, etc.». Presto Classical-
Gramophone (2007).
70. ↑ «L'admirable interprétation d'un Haendel somme toute mineur». Muse Baroque
(2008).
71. ↑ «Faramineux Faramondo !». Muse Baroque (2009).
72. ↑ «[http://www.prestoclassical.co.uk/gramophone.php?year=2009&issue=06
Gramophone Magazine Editor's Choice June 2009]». Presto Classical-Gramophone
(2009).
73. ↑ «Enchanté et vous ?». Muse Baroque (2009).
74. ↑ «12 Concerti grossi opus 6'». Muse Baroque (2009).
75. ↑ «Tres óperas de Händel por Jacobs». Opus Musica (2009).
76. ↑ «Handel: Master works». Presto Classical (2009).
77. ↑ «Handel Warner Edition». Presto Classical (2009).
78. ↑ «Handel Celebration Edition». Brilliant Classics (2009).
79. ↑ «The Great Mr. Handel». IDBM (1990). Consultado el 04-07-2009.
Wolfgang Amadeus Mozart
Para otros usos de este término, véase Mozart (desambiguación).

Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus
Mozart
Wolfgang Amadeus Mozart, retrato póstumo, obra de Barbara Krafft, 1819.
27 de enero de 1756
Nacimiento Salzburgo, Arzobispado de Salzburgo,
5 de diciembre de 1791 (35 años)
Fallecimiento Viena, Archiducado de Austria, Sacro
Imperio Romano Germánico
Ocupación Compositor y pianista
Cónyuge Constanze Mozart
Raimund Leopold (1783)
Karl Thomas (1784-1858)
Johann Leopold (1786)
Hijos
Theresia (1787)
Anna (1789)
Franz Xaver Wolfgang (1791-1844)
Firma
Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo nombre completo era Johannes Chrysostomus

Wolfgangus Theophilus Mozart,[1] (Salzburgo, Austria; 27 de enero de 1756 – Viena,
Austria; 5 de diciembre de 1791), fue un compositor y pianista austriaco, maestro del
Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la
historia.
La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de
seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música
sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad
y difusión universales.
En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el

dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía
obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea.
A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su
inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma
prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte,
decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a
pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de
sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias
de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevada a la
categoría de mito.
En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente
de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz
y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de humanidad
«redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—.[2] Su
influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven
escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn
escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años».[3]
Contenido
[ocultar]
 1 Biografía
o 1.1 Familia e infancia
o 1.2 Años de viajes
o 1.3 La corte de Salzburgo
o 1.4 El viaje a París
o 1.5 Marcha a Viena
o 1.6 Primeros años en Viena
o 1.7 Vuelta a la ópera
o 1.8 Dificultades económicas
o 1.9 Último año de vida
o 1.10 Enfermedad final y fallecimiento
 2 Hipótesis sobre su muerte
 3 Aspecto físico y personalidad
 4 Producción musical
o 4.1 Estilo y valoración musical
o 4.2 Sus obras
o 4.3 Influencia
 5 Mozart en la cultura popular
 7 Referencias
o 7.1 Notas
o 7.2 Bibliografía
Biografía
Familia e infancia
Casa natal de Mozart, en la calle Getreidegasse n.º 9, Salzburgo.
Véanse también: Anexo:Familia Mozart y Mozart y la viruela
Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, en la actual

Austria, que en esa época era un arzobispado independiente del Sacro Imperio Romano
Germánico. Fue el último hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe
arzobispo de Salzburgo. Leopold era el segundo maestro de capilla en la corte del arzobispo
de Salzburgo y un compositor con poca relevancia, aunque fue un experimentado profesor.
Su madre se llamaba Anna Maria Pertl. Debido a la altísima mortalidad infantil en la
Europa de la época, de los siete hijos que tuvo el matrimonio sólo sobrevivieron Maria
Anna, apodada cariñosamente Nannerl, y Wolfgang Amadeus. Fue bautizado en la catedral
de San Ruperto el día después de su nacimiento con los nombres de Joannes Chrysostomus
Wolfgangus Theophilus Mozart; a lo largo de su vida firmaría con diversas variaciones
sobre su nombre original, siendo una de las más recurrentes «Wolfgang Amadè Mozart».[4]
La casa natal de Mozart se encuentra en la Getreidegasse n.º 9 de la ciudad de Salzburgo.

Se trata de una casa que actualmente cuenta con una gran cantidad de objetos de la época e
instrumentos que pertenecieron a Mozart durante su niñez. Es uno de los lugares más
visitados de Salzburgo y una especie de santuario para músicos y aficionados a la música
de todo el mundo.[5]
Leopold componía y daba clases de música. El año del nacimiento de Wolfgang publicó un
exitoso tratado para la interpretación del violín titulado Versuch einer gründlichen
Violinschule. Después del nacimiento de Wolfgang abandonó todo, salvo las tareas propias
de su cargo, para dedicarse de manera exclusiva a la formación de su hijo. Fue exigente
como padre y como profesor y en todo momento estuvo al tanto de la formación de
Wolfgang, para guiarlo como hombre y como artista.
Nannerl y Wolfgang Amadeus mostraron desde muy pequeños facultades para la música.
Nannerl comenzó a recibir clases de teclado con su padre cuando tenía siete años y su
hermano, tres años menor que ella, la miraba evidentemente fascinado. Años después de la
muerte de su hermano ella rememoró:
A menudo pasaba mucho tiempo en el teclado, eligiendo terceras, que a él siempre le

sorprendían y mostraba con placer que el sonido le gustaba. [...] En su cuarto año de edad,
su padre comenzó a enseñarlo, como un juego, a interpretar unos minuetos y otras piezas en
el teclado. [...] Podría tocarlo impecablemente y con la mayor delicadeza y manteniendo
exactamente el tempo. [...] a la edad de cinco años ya componía pequeñas piezas, que
interpretaba para su padre, al que estaban dedicadas.[4]
Retrato de Wolfgang Amadeus Mozart pintado por encargo de Leopold Mozart en 1763. El
autor es desconocido aunque posiblemente fuera Pietro Antonio Lorenzoni.
Entre esas pequeñas piezas se encuentran el Andante para teclado en do mayor, Köchel
Verzeichnis (KV) 1a, y el Allegro para teclado en do mayor, KV 1b.
Cuando Wolfgang Amadeus tenía cuatro años tocaba el clavicordio y componía pequeñas
obras de considerable dificultad; a los seis, tocaba con destreza el clavecín y el violín.
Podía leer música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una inagotable capacidad
para improvisar frases musicales.
Definitivamente no era un niño común. Su progenitor era un hombre inteligente, orgulloso

y religioso. Creía que los dones musicales de su hijo eran un milagro divino que él, como
padre, tenía la obligación de cultivar.[6] Cuando el niño iba cumplir 6 años de edad, Leopold
decidió exhibir las dotes musicales de sus hijos ante las principales cortes de Europa. Según
los primeros biógrafos de Wolfgang, su padre «quiso compartir con el mundo el milagroso
talento de su hijo...». Leopold creyó que proclamar este milagro al mundo era un deber
hacia su país, su príncipe y su Dios, por lo que tenía que mostrarlo a la alta sociedad
europea, ya que de otra manera él sería la criatura más ingrata.[7]
El biógrafo Maynard Solomon afirma que mientras Leopold era un profesor fiel a sus hijos,
existen evidencias de que Wolfgang trabajaba duramente para avanzar más allá de lo que le
enseñaban.[8] Su primera composición impresa y sus esfuerzos precoces con el violín fueron
por iniciativa propia y Leopold se vio fuertemente sorprendido. Padre e hijo tenían una
relación muy estrecha y estos logros de niñez hicieron llorar de alegría a Leopold más de
una vez.[4]
Finalmente Leopold dejó de componer cuando el excepcional talento musical de su hijo se

hizo evidente.[9] Él era el único profesor de Wolfgang en sus primeros años y le enseñó
música, así como el resto de asignaturas académicas.[8]
Años de viajes
La familia Mozart durante su viaje: Leopold, interpretando el violín; Wolfgang Amadeus,

al clavecín y Nannerl, cantando. Acuarela de Louis Carrogis Carmontelle hacia 1763.[10]
Artículos principales: Viaje de la familia Mozart y Mozart en Italia
Durante los años en los que Mozart se estaba formando su familia realizó varios viajes por
Europa, en los cuales mostraron a él y a su hermana Nannerl como niños prodigio. El 12 de
enero de 1762 la familia entera partió hacia Múnich, comenzando con una exhibición en la
corte del príncipe elector de Baviera Maximiliano III y más tarde en el mismo año en la
corte imperial de José II de Habsburgo en Viena y Praga. La permanencia en la ciudad de
Viena, uno de los principales centros de la música en esa época, culminó con dos recitales
ante la familia imperial en el palacio de Schönbrunn. El pequeño Wolfgang causaba
sensación en cada concierto, aunque el dinero recolectado en este viaje no fue tanto como
los elogios recibidos. Podría decirse que éste fue un viaje de prueba para Leopold. El 5 de
enero de 1763 la familia Mozart retornó a Salzburgo; el viaje había durado poco menos de
un año.
El 9 de junio de 1763 iniciaron una larga gira de conciertos que duró tres años y medio, en
la que la familia se desplazó a las cortes de Múnich, Mannheim, París, Londres, La Haya,
otra vez a París y volvieron a casa pasando por Zúrich, Donaueschingen y Múnich,
cosechando grandes éxitos. Durante este viaje Mozart conoció un gran número de músicos
y las obras de otros compositores, en particular a Johann Christian Bach, a quien Mozart
visitó en Londres en 1764 y 1765. Bach fue una influencia importante para el joven
compositor. La familia regresó a Viena a finales de 1767 y permaneció en la ciudad hasta
diciembre del año siguiente. En Viena fueron llamados al palacio por la madre del
emperador, María Teresa, quien quedó encantada con el niño Wolfgang Amadeus hasta el
punto de que incluso lo sentó en su regazo y lo besó.
En Versalles los Mozart tocaron ante el monarca Luis XV. La anécdota cuenta que en esa
ocasión la amante del rey, la altiva Madame de Pompadour, no permitió que el niño
Wolfgang la abrazara por temor a que se estropeara su traje.[11] En Londres causaron la
admiración del rey Jorge III y durante este viaje el joven músico compuso su Primera
Sinfonía (en mi bemol mayor, KV 16).[12] En los Países Bajos deslumbró tocando el órgano
y compuso su primer oratorio (Die Schuldigkeit des ersten Gebotes, KV 35) a los 9 años.[13]
A menudo estos viajes eran duros debido a las primitivas condiciones de los viajes en aquel
tiempo,[14] la necesidad de esperar pacientemente las invitaciones y el pago de las
actuaciones por parte de la nobleza[15] y las largas enfermedades, algunas casi mortales,
padecidas lejos de su hogar: en primer lugar enfermó Leopold, en el verano de 1764
durante su estancia en Londres,[16] y luego enfermaron ambos niños en La Haya durante el
otoño de 1765.[17]
La familia regresó a Salzburgo el 30 de noviembre de 1766. Después de un año en la ciudad

Leopold y Wolfgang viajaron a Italia, dejando en casa a la madre de Wolfgang y a su
hermana. Estos viajes duraron de diciembre de 1769 a marzo de 1771 y, al igual que los
primeros viajes que realizaron, tenían como objetivo mostrar las capacidades del joven
como intérprete y como compositor que maduraba rápidamente. Mozart conoció en Bolonia
a Giovanni Battista Martini, importante teórico de la música en aquel tiempo y por quien
Mozart siempre guardó un gran afecto, y fue aceptado como miembro de la Academia
Filarmónica de Bolonia, considerada el centro de erudición musical de la época.[18] [19] El
ingreso de Mozart en la Academia fue extraordinario, ya que aún le faltaba mucho para los
veinte años, edad mínima exigida por el reglamento.
Wolfgang tocando el clavicordio y Thomas Linley (de la misma edad) el violín, durante su
estancia en Florencia en 1770.
Llegaron a Roma el 11 de abril de 1770, donde escuchó el Miserere de Gregorio Allegri

una vez durante una representación en la Capilla Sixtina. Esta obra tenía carácter secreto,
pues sólo podía interpretarse en dicho lugar y su publicación estaba prohibida bajo pena de
excomunión. Sin embargo, el joven compositor apenas llegó a la posada donde se alojaba,
escribió de memoria una versión muy aproximada de la partitura completa. El papa
Clemente XIV, admirado del talento del músico de 14 años, no sólo no lo excomulgó, sino
que lo nombró Caballero de la Orden de la Espuela de Oro.[20] [21] [22]
En Milán Mozart escribió la ópera Mitridate, re di Ponto (KV 87, 1770), que fue
interpretada con éxito. Esto supuso el encargo de dos nuevas óperas y Wolfgang y Leopold
volvieron dos veces más a Milán (desde diciembre de 1771 hasta agosto de 1772 y desde
octubre de ese mismo año hasta marzo de 1773) para la composición y los estrenos de
Ascanio in Alba (KV 111, 1771) y Lucio Silla (KV 135, 1772). Leopold esperaba que estas
visitas consiguieran una contratación profesional para su hijo en Italia, pero sus esperanzas
nunca se cumplieron.[23] Hacia el final del último viaje a Italia, Mozart escribió la primera
de sus obras más famosas y que todavía es interpretada extensamente en la actualidad, el
motete Exsultate, jubilate, KV 165.
Cada representación del joven Wolfgang Amadeus era una exhibición de su virtuosismo
con el clavecín y el violín (se cuenta que ya en esa época podía tocar el teclado con los ojos
vendados), y maravillaba a los espectadores improvisando sobre cualquier tema que le
proponían.[24]
La corte de Salzburgo
La relación de Mozart con su patrón el arzobispo de Salzburgo, Hieronymus von Colloredo,
fue bastante turbulenta por sus continuas discusiones y desembocó en la renuncia del
compositor y su marcha a la ciudad de Viena.
Mozart y su padre volvieron definitivamente a Salzburgo el 13 de marzo de 1773. Allí se

enteraron de la muerte del príncipe-arzobispo Schrattenbach, quien siempre los había
apoyado. Comenzó entonces una nueva etapa, mucho más difícil, en la que Hieronymus
von Colloredo, el nuevo príncipe-arzobispo de Salzburgo, se mostró autoritario e inflexible
con el cumplimiento de las obligaciones impuestas a sus subordinados. Mozart era hijo
predilecto de la ciudad, en la que tenía muchos amigos y admiradores,[25] y tuvo la
oportunidad de trabajar en numerosos géneros musicales, incluyendo sinfonías, sonatas,
cuartetos de cuerdas, serenatas, divertimentos, mucha música sacra y algunas óperas
menores. Varias de estas primeras obras aún son interpretadas. Entre abril y diciembre de
1775, Mozart desarrolló un entusiasmo por los conciertos para violín, produciendo una
serie de cinco conciertos (los únicos que escribiría en su vida), incrementando
constantemente su sofisticación musical. Los últimos tres (KV 216, KV 218 y KV 219) son
ahora básicos en el repertorio de este instrumento. En 1776 centró sus esfuerzos en los
conciertos para piano y orquesta (de los cuales compondría un total de 27), culminando en
el Concierto para piano y orquesta n.º 9 en mi bemol mayor (KV 271, llamado
Jeunehomme) a principios de 1777, considerado por los críticos el punto de inflexión de su
obra.[26]
A pesar de estos éxitos musicales y de ser confirmado en su puesto de maestro de

conciertos (Konzertmeister), Mozart estaba cada vez más descontento con su situación en
Salzburgo y redobló sus esfuerzos para establecerse en cualquier otro sitio. Uno de los
motivos de dicho descontento fue su bajo salario, 150 florines por año,[27] [28] pero también
necesitaba mucho tiempo para componer sus óperas y la ciudad en raras ocasiones se lo
permitía. La situación empeoró en 1775 cuando el teatro de la corte fue clausurado,
especialmente desde que el otro teatro de Salzburgo fue reservado principalmente para las
compañías visitantes.[29]
Leopold y Wolfgang realizaron dos largas expediciones en busca de trabajo durante su

larga estancia en Salzburgo. Visitaron Viena desde el 14 de julio al 26 de septiembre de
1773 y Múnich desde el 6 de diciembre de 1774 hasta marzo de 1775. Estas visitas no
tuvieron éxito, aunque el viaje a Múnich tuvo una gran acogida popular con el estreno de la
ópera La finta giardiniera (KV 196) y el viaje a Viena fue positivo para su arte, ya que
conoció el nuevo estilo vienés a través de la música de Joseph Haydn.[30]
El viaje a París
Retrato de la familia Mozart hacia 1780, obra de Johann Nepomuk della Croce. De
izquierda a derecha, Nannerl, Wolfgang y Leopold. El retrato de la pared es de Anna Maria,
la madre de Mozart, que falleció en 1778.
En agosto de 1777, Mozart dimitió de su puesto en Salzburgo[31] y el 23 de septiembre se

aventuró de nuevo en un viaje en busca de empleo, visitando las ciudades de Augsburgo,
Mannheim, París y Múnich.[32] Debido a que el arzobispo Colloredo no permitió a Leopold
viajar con su hijo, la madre de Wolfgang, Anna Maria fue su acompañante.
Mozart trabó relación con los miembros de la famosa orquesta de Mannheim, la mejor de
Europa en esa época. Esta orquesta era conocida porque, por primera vez en la historia de la
música, exageraban la diferencia entre los pasajes suaves y los fuertes. Este estilo se
conoció como «estilo de Mannheim» y pocas décadas después sería una característica
principal de la música del Romanticismo. También se enamoró de Aloysia Weber, una de
las cuatro hijas de la familia Weber, a la que conoció durante una escala en Múnich. En
Mannheim había algunas perspectivas de conseguir empleo, pero no encontraron nada y los
Mozart se marcharon a París el 14 de marzo de 1778[33] para continuar su búsqueda. Allí su
suerte apenas mejoró. En una de sus cartas a casa insinúa la posibilidad de establecerse
como organista en Versalles, pero Mozart no estaba demasiado interesado con este
nombramiento.[34] Su situación económica era delicada hasta el punto de que debido a las
deudas tuvo que empeñar objetos de valor.[35] El peor momento de su viaje fue cuando la
madre de Mozart enfermó y falleció el 3 de julio de 1778.[36] Probablemente se demoraron
demasiado en llamar a un doctor, según Halliwell, por la falta de fondos.[37]
Durante la estancia de Wolfgang en París, Leopold seguía buscando enérgicamente

oportunidades para la vuelta de su hijo a Salzburgo[38] y con el apoyo de la nobleza local
asegurarle una mejor posición como organista y primer violinista de la corte. El salario
anual ascendía a 450 florines,[39] pero Wolfgang era reacio a aceptarlo[40] y después de
marcharse de París el 26 de septiembre de 1778 se detuvo en Mannheim y Múnich, todavía
con la esperanza de obtener un nombramiento fuera de Salzburgo. En Múnich se volvió a
encontrar con Aloysia, convertida en una exitosa cantante pero ella le dejó claro que no
estaba interesada en él.[41]
Finalmente, Wolfgang regresó a su hogar el 15 de enero de 1779 y aceptó el nuevo puesto,

pero su descontento con Salzburgo no había disminuido. La Sonata para piano n.º 8 en la
menor (KV 310) y la Sinfonía n.º 31 en re mayor (KV 297, llamada París) están entre las
obras más conocidas de la estancia de Mozart en París, donde fueron ejecutadas el 12 y 18
de junio de 1778, respectivamente.[42]
Marcha a Viena
Mozart acudió a las celebraciones del acceso al trono austriaco de José II de Habsburgo
como emperador que tuvieron lugar en Viena.
En enero de 1781, se estrenó en Múnich la ópera Idomeneo, re di Creta (KV 366) de

Mozart con un «considerable éxito»[43] y en marzo, el compositor fue llamado a Viena,
donde su patrón el arzobispo Colloredo acudió a las celebraciones del acceso al trono
austriaco de José II de Habsburgo como emperador.[44] Mozart, fortalecido por los elogios
recibidos en Múnich, se sintió ofendido cuando Colloredo lo trató como a un mero sirviente
y particularmente cuando el arzobispo le prohibió tocar ante el Emperador en casa de la
condesa Maria Wilhelmine Thun, actuación por la que hubiera recibido unos honorarios
iguales a la mitad del salario anual que cobraba en Salzburgo.
El enfrentamiento llegó en mayo, cuando Mozart se negó a llevar un paquete enviado por
Colloredo a Salzburgo. Ante su negativa de convertirse en mensajero, Mozart es insultado
por su patrón y el compositor, de forma audaz, lo interrumpe en medio de su ira: «¿Su
Gracia no está conforme conmigo?». La respuesta de Colloredo fueron más improperios y
se cerró con un «¡vete ya!». Mozart intentó dimitir de su puesto presentando su dimisión al
auxiliar del arzobispo, el conde Arco, pero el arzobispo la rechazó. Le concedieron un
permiso el mes siguiente, pero de forma insultante. Días más tarde, cuando Mozart
intentaba entregar personalmente a Colloredo un último «memorial», el conde Arco le cerró
el paso en la antecámara del arzobispo, produciéndose otra escena violenta, y el compositor
fue expulsado literalmente «con una patada en el culo».[45]
La discusión con el arzobispo fue muy dura para Mozart porque su padre se posicionó en su
contra, ya que esperaba fervientemente que siguiera obedientemente a Colloredo en su
vuelta a Salzburgo. Leopold intercambió cartas con su equivocado hijo, urgiéndole a
reconciliarse con su patrón, pero Wolfgang defendió apasionadamente sus intenciones de
emprender una carrera independiente en Viena. El debate finalizó cuando Mozart renunció
a su puesto, liberándose de las demandas de un patrón opresivo y un padre demasiado
solícito. Solomon caracteriza la dimisión de Mozart como un «paso revolucionario» que
alteró enormemente el curso de su vida.[46] En Viena, Mozart se había dado cuenta de
algunas buenas oportunidades y decidió instalarse allí como intérprete y compositor
independiente.[45]
Primeros años en Viena
Véase también: Mozart y la francmasonería
La nueva carrera de Mozart en Viena tuvo un buen comienzo. A menudo realizaba

interpretaciones como pianista, destacando en una competición ante el Emperador con
Muzio Clementi el 24 de diciembre de 1781 y pronto se «consolidó como el mejor
intérprete de teclado de Viena».[45] También prosperó como compositor y en 1782 completó
la ópera El rapto en el serrallo (Die Entführung aus dem Serail, KV 384), que fue
estrenada el 16 de julio de ese mismo año, obteniendo una enorme aclamación y que dio
inicio al género operístico conocido como singspiel u ópera alemana, en un momento en
que el italiano era el idioma «oficial» para la ópera. La obra fue pronto interpretada «a
través de la Europa de habla germana»[45] y consolidó plenamente la reputación de Mozart
como compositor. Como anécdota, el emperador José II comentó al final del estreno de la
ópera: «Música maravillosa para nuestros oídos, verdaderamente creo que tiene demasiadas
notas», a lo que el compositor contestó: «Exactamente, ¿cuántas son menester?».
A pesar de que Mozart aún no lograba su madurez y profundidad definitiva, en esta obra se
expresa quizá por primera vez la dimensión dramática que se aprecia en las posteriores
óperas del compositor de Salzburgo. Esta ópera le dio a Mozart el mayor éxito teatral que
conocería en vida.
Retrato de Constanze Mozart realizado por su cuñado Joseph Lange en 1782.
En la época en la que sus disputas con el arzobispo Colloredo estaban en su punto más
álgido, Mozart se trasladó con la familia Weber, que se habían mudado a Viena desde
Mannheim. El padre, Fridolin, había fallecido y el resto de la familia acogía ahora
huéspedes como medio para subsistir.[47] Tras su fracaso sentimental con Aloysa Weber,
que estaba ahora casada con el actor Joseph Lange, encontró consuelo en Constanze, la
hermana menor. Pero sabía que su padre Leopold no apreciaba a esa familia puesto que, no
sin razones, creía que éstos, fundamentalmente la madre, querían aprovecharse del éxito de
su hijo. Sin embargo, hay suficientes antecedentes de que Constanze amaba
verdaderamente a Mozart y nunca compartió las maquinaciones de su madre. Como el
consentimiento de su padre era fundamental para Mozart, quiso viajar a Salzburgo para
presentarle formalmente a la novia, pero varios eventos postergaron el temido viaje para
enfrentarse a su progenitor.
El 4 de agosto de 1782, sin el consentimiento paterno, Wolfgang Amadeus y Constanze se

casaron en Viena.[48] Para celebrar la unión y para calmar a su padre, Mozart compuso la
inconclusa Gran misa en do menor (KV 427). Pensaba estrenarla en Salzburgo con
Constanze como primera soprano solista. Sólo pudo hacerlo en agosto de 1783, pero no
consiguió su objetivo. Deseaba demostrar a su familia que había sabido elegir, pero
Leopold y Nannerl jamás terminarían de aceptar a Constanze. En el contrato de
matrimonio, Constanze «asigna a su prometido quinientos florines que [...] ha prometido
aumentar después con mil florines», «para poder sobrevivir» con el total. Además, todas las
adquisiciones conjuntas durante el matrimonio debían ser propiedad común de ambos.[49] El
matrimonio tuvo 6 hijos: Raimund Leopold (17 de junio de 1783-19 de agosto del mismo
año), Karl Thomas Mozart (21 de septiembre de 1784-31 de octubre de 1858), Johann
Thomas Leopold (18 de octubre de 1786-15 de noviembre de ese año), Theresia Constanzia
Adelheid Friedericke Maria Anna (27 de diciembre de 1787-29 de junio de 1788), Anna
Maria (25 de diciembre de 1789, fallecida poco después de su nacimiento) y Franz Xaver
Wolfgang Mozart (26 de julio de 1791 - 29 de julio de 1844), de los cuales sólo dos
sobrevivieron, Karl Thomas y Franz Xaver Wolfgang.
Durante los años 1782 y 1783 conoció profundamente la obra de Georg Friedrich Händel y
Johann Sebastian Bach a través del barón Gottfried Van Swieten, un coleccionista y
aficionado musical que tenía en su poder una biblioteca con gran cantidad de obras de
compositores barrocos. Entre las obras que estudió se encontraban los oratorios de Händel y
El clave bien temperado de Bach. Mozart asimiló los modos de composición de ambos,
fusionándolo con el propio, dando a la mayoría de las obras de este período un toque
contrapuntístico, apreciable en las transcripciones que hizo de algunas fugas de El clave
bien temperado KV 405, las fugas para piano KV 394, KV 401 y KV 426 (esta última
transcrita luego para cuerdas con el número de catálogo KV 546). Pero, sobre todo, se
puede apreciar la influencia de Händel y Bach en los pasajes de fuga de La flauta mágica y
el final de la Sinfonía Júpiter. El estudio de estos autores fue para Mozart tan importante
que llegó a realizar arreglos para obras como El Mesías (KV 572) o Alexander's Feast (KV
591), ambos oratorios de Händel.
En 1783, Mozart y Constanze visitaron a la familia de éste en Salzburgo. Leopold y

Nannerl fueron, a lo sumo, solamente corteses con Constanze pero la visita al menos incitó
la composición de una de las grandes obras litúrgicas de Mozart, la ya mencionada Gran
misa en do menor, KV 427. Aunque no completada, fue estrenada en Salzburgo con
Constanze cantando las partes solistas.[50]
Mozart conoció a Joseph Haydn en Viena y en ocasiones interpretaban juntos en un

cuarteto de cuerdas improvisado.
Mozart conoció a Joseph Haydn en Viena. Cuando Haydn visitaba la ciudad, en ocasiones
interpretaban juntos en un cuarteto de cuerdas improvisado. Los seis cuartetos de Mozart
dedicados a Haydn (KV 387, KV 421, KV 428, KV 458, KV 464 y KV 465) datan del
período de 1782 a 1785 y suponen una respuesta cuidadosamente considerada a los
Cuartetos de cuerda rusos Opus 33 que Haydn había compuesto en 1781. Al oírlos, Haydn
permaneció en pie como signo de respeto hacia Mozart y, según recordó más tarde su
hermana, dijo a Leopold sobre Wolfgang: «Le digo a usted ante Dios, y como un hombre
honesto, que su hijo es el mayor compositor conocido por mí en persona y por reputación,
tiene gusto y, además, la mayor habilidad para la composición».[51]
Desde 1782 hasta 1785, Mozart organizó conciertos en los que realizaba interpretaciones
como solista, presentando tres o cuatro nuevos conciertos para piano en cada estación. Ya
que el espacio en los teatros era escaso, reservó lugares poco convencionales para realizar
sus conciertos, como un cuarto grande en el Trattnerhof (un edificio de apartamentos) y el
salón de baile del Mehlgrube (un restaurante), entre otros.[52] Los conciertos eran muy
populares y de los que él estrenó algunos todavía son obras básicas de su repertorio.
Solomon escribe que durante este periodo Mozart creó «una conexión armoniosa entre un
ejecutante-compositor impaciente y una audiencia encantada, que dieron la oportunidad de
atestiguar la transformación y la perfección de un género musical principal».[52]
Con las sustanciales ganancias de sus conciertos y otras actuaciones, el matrimonio Mozart
adoptó un modo de vida más bien lujoso. Se trasladaron a un apartamento caro, con un
alquiler anual de 460 florines.[53] Mozart también compró una excelente fortepiano de
Anton Walter por aproximadamente 900 florines, una mesa de billar por unos 300,[53] envió
a su hijo Karl Thomas a un internado caro[54] [55] y contrataron sirvientes. Por lo tanto, con
este modo de vida el ahorro era imposible y el corto período de éxito financiero no hizo
nada para amortiguar las dificultades que más tarde Mozart experimentaría.[56] [57]
El 14 de diciembre de 1784, Mozart se convirtió en francmasón y fue admitido por la logia

Zur Wohltätigkeit.[58] La francmasonería jugó un papel importante en el resto de la vida del
compositor, ya que acudió a muchas reuniones, muchos de sus amigos eran masones y en
varias ocasiones compuso música masónica.
Vuelta a la ópera
Libreto del estreno de Las bodas de Fígaro en Praga en 1786.
Véanse también: Anexo:Óperas de Mozart, Mozart y Beethoven y Mozart y Praga
A pesar del gran éxito obtenido con El rapto en el serrallo en 1782, Mozart compuso poca
literatura operística en los siguientes 4 años, produciendo únicamente dos obras inconclusas
(L'oca del Cairo, KV 422, y Lo sposo deluso, KV 430) y la comedia en un acto Der
Schauspieldirektor (KV 486). Se centró fundamentalmente en su carrera como pianista
solista y como compositor de conciertos. Sin embargo, alrededor de 1785, Mozart
abandonó la composición de obras para teclado[59] y comenzó su famosa colaboración
operística con el libretista Lorenzo da Ponte.
En 1786 tuvo lugar en Viena el exitoso estreno de la ópera Las bodas de Fígaro (KV 492),
basada en la obra homónima de Pierre-Augustin de Beaumarchais y que no estuvo exenta
de polémica debido a su contenido político. Sin embargo, Mozart y Da Ponte se las
arreglaron para excluir de ésta todo aquello que pudiese «poner nerviosas» a las autoridades
vienesas y logró pasar la censura. La preocupación del Emperador residía en que la obra
sugería la lucha de clases y en Francia ya había provocado algunos disturbios a su hermana
María Antonieta. En el aria de Fígaro «Se vuol ballare» se nota parte de ese contenido que
quiso minimizarse (Fígaro, con fina pero intensa ironía, entona una cavatina dirigida a su
patrón el Conde de Almaviva).
Su recepción en Praga más tarde en el mismo año fue aún más cálida y esto condujo a una
segunda colaboración con Da Ponte: la ópera Don Giovanni (KV 527), que fue estrenada en
Praga en octubre de 1787 con un rotundo éxito, al igual que sucedió en su estreno en Viena
en 1788. Esta obra, que narra las aventuras de Don Juan, había sido un tema recurrente en
la literatura y el teatro y, por lo tanto, Da Ponte no se basa en un texto en particular, sino
que recoge información de múltiples fuentes. La ópera fue catalogada por Mozart como un
«dramma giocoso» y su título original era Il dissoluto punito o sia Il D. Giovanni. El
contenido dramático de esta obra está presente desde el comienzo, con la muerte del
comendador, hasta el final y contiene algunos de los pasajes más hermosos de la obra de
Mozart.
Las dos óperas se encuentran dentro de las obras más importantes de Mozart y son básicas
en el repertorio operístico actual, aunque en sus estrenos su complejidad musical causara
dificultades tanto para los oyentes como para los intérpretes. El padre del compositor,
Leopold, no pudo ser testigo de estos acontecimientos, ya que había fallecido el 28 de mayo
de 1787. Esto sumió al hijo en una gran aflicción, ya que su padre había sido su mejor
consejero y amigo (hecho documentado en la numerosa correspondencia entre ambos).
En diciembre de 1787, Mozart finalmente obtuvo un puesto estable bajo el patrocinio

aristocrático. El emperador José II lo designó como su «compositor de cámara»
(Kammermusicus), un puesto que había quedado vacante el mes anterior tras la muerte de
Christoph Willibald Gluck. Este fue un nombramiento a tiempo parcial, recibiendo
únicamente 800 florines por año y que sólo requirió que Mozart compusiera obras para los
bailes anuales en el palacio imperial. Mozart se quejó a Constanze de que la paga era
«demasiado para lo que hago, demasiado poco para lo que yo podría hacer».[60] Sin
embargo, a pesar de que este ingreso era modesto fue importante para Mozart cuando
llegaron los tiempos duros. Los expedientes judiciales muestran que el objetivo del
Emperador era impedir que su estimado compositor abandonara Viena en la búsqueda de
mejores perspectivas.[60]
En 1787, el joven Ludwig van Beethoven pasó dos semanas en Viena, esperando estudiar
con Mozart. Los documentos existentes sobre este encuentro son contradictorios y existen
al menos tres hipótesis en vigor: que Mozart oyó la interpretación de Beethoven y lo elogió,
que Mozart rechazó a Beethoven como estudiante, y que nunca se llegaron a encontrar.
Dificultades económicas
Véase también: Viaje de Mozart a Berlín

Mozart en 1789, por Doris Stock.
Hacia el final de la década de 1780, la situación económica de Mozart empeoró. Alrededor

de 1786 dejó de aparecer frecuentemente en conciertos públicos, por lo que sus ingresos se
redujeron.[61] Esa época fue de grandes dificultades para todos los músicos de Viena a causa
de la guerra entre Austria y Turquía y que el nivel de prosperidad y estatus económico de la
aristocracia, que los financiaba, se había reducido.[62]
La ciudad de Viena iría perdiendo el interés musical por Mozart debido al advenimiento de
otros pianistas con una técnica mucho más aguerrida, como en el caso de Muzio Clementi,
con escalas en terceras y acordes más sonoros, ideales para los pianos de construcción
inglesa de una sonoridad más robusta, al contrario de los de sonoridad delicada vienesa,
aptos para las escalas y sutilezas del pianismo mozartiano. Sus Academias o conciertos por
suscripción, que habían sido en toda su estadía en Viena una de las mejores fuentes de
ingreso (además de inspiración y motivo de composición de sus conciertos para piano y
orquesta a partir del n.º 11, KV 413), comenzaron a perder audiencia, por lo que ya no le
reportaban beneficios económicos.
A mediados de 1788, Mozart y su familia se trasladaron desde el centro de Viena a un

alojamiento más barato en el barrio periférico de Alsergrund.[61] Mozart comenzó a pedir
prestado dinero, cada vez más frecuentemente a Johann Michael Puchberg, un amigo y
hermano de la misma logia masónica, documentados por una «lamentable secuencia de
cartas suplicando préstamos».[63] Maynard Solomon y otros autores han sugerido que
Mozart estaba sufriendo una depresión y que parecía que ralentizaba su recuperación
económica.[64] Las principales obras de este periodo incluyen las tres últimas sinfonías (n.º
39 en mi bemol mayor, KV 543, n.º 40 en sol menor, KV 550, y n.º 41 en re mayor,
KV 551 Júpiter), todas ellas de 1788, y la última de las tres óperas escritas en colaboración
con Da Ponte, Così fan tutte (KV 588), estrenada en 1790.
Aproximadamente en esa época, Mozart realizó una serie de largos viajes con la esperanza
de incrementar sus ingresos: a Leipzig, Dresde y Berlín en la primavera de 1789 y a
Francfort, Mannheim y otras ciudades alemanas en 1790. Estos viajes sólo produjeron
éxitos aislados y no mitigaron los sufrimientos económicos de la familia.
En 1789 recibió una oferta del empresario inglés Johann Peter Salomon, quien le propuso a
él y a Haydn realizar una gira de conciertos por Inglaterra. Se acordó que Haydn fuese el
primero en ir, durante la temporada 1791-1792, y Mozart iría a la vuelta de éste, lo que no
pudo concretar por su fallecimiento.
Último año de vida
Véase también: Último apartamento de Mozart
El último año de vida de Mozart, 1791, fue, hasta su enfermedad final, un tiempo de gran
productividad y, en cierto sentido, un tiempo de recuperación personal.[65] Realizó
numerosas composiciones, incluyendo algunos de sus trabajos más admirados: la ópera La
flauta mágica (Die Zauberflöte, KV 620), el último concierto para piano y orquesta (n.º 27
en si bemol mayor, KV 595), el Concierto para clarinete en la mayor KV 622, el último de
su gran serie de quintetos de cuerda (KV 614 en mi bemol mayor), el motete Ave verum
corpus KV 618 y el inacabado Réquiem en re menor KV 626.
La situación financiera de Mozart, una fuente de ansiedad extrema en 1790, finalmente

comenzó a mejorar, ya que, aunque las evidencias no sean concluyentes[66] aparecieron
patrocinadores ricos en Hungría y Ámsterdam prometiendo anualidades a Mozart a cambio
de composiciones ocasionales. Probablemente también se benefició de la venta de música
de baile compuesta en su papel como compositor de cámara imperial.[66] Mozart no volvió a
pedir dinero prestado a Puchberg y empezó a hacer frente al pago de sus deudas.[66]
Experimentó una gran satisfacción por el éxito público de algunos de sus trabajos,
destacando La flauta mágica (representada en numerosas ocasiones en el corto período
entre su estreno y la muerte del compositor)[67] y la Pequeña cantata masónica KV 623,
estrenada el 15 de noviembre de 1791.[68]
En marzo de 1791, Mozart ofreció en Viena uno de sus últimos conciertos públicos; tocó el
concierto para piano y orquesta KV 595. Su último hijo, Franz Xaver, nació el 26 de julio.
Enfermedad final y fallecimiento
Artículo principal: Muerte de Wolfgang Amadeus Mozart

Mozarts letzte Tage (Últimos días de Mozart) de Hermann von Kaulbach (1873).
La salud del compositor empezó a declinar y su concentración disminuía. Mozart se sintió

enfermo durante su estancia en Praga el 6 de septiembre durante el estreno de su ópera La
clemenza di Tito (KV 621), compuesta en ese año como un encargo para los festejos de la
coronación de Leopoldo II como emperador.[69] La obra fue acogida con frialdad por el
público. Al regresar a Viena, Mozart se puso a trabajar en el Réquiem y preparó, en
compañía del empresario teatral y cantante Emanuel Schikaneder, los ensayos de la La
flauta mágica. Ésta se estrenó con enorme éxito el 30 de septiembre, con el propio Mozart
como director.
Por entonces Mozart escribió el Concierto en la mayor para clarinete (KV 622), compuesto
para el clarinetista Anton Stadler. En octubre su salud empeoró; caminaba con su esposa
por el Prater cuando de pronto se sentó en un banco y muy agitado comentó a Constanze
que alguien lo había envenenado. El 20 de noviembre la enfermedad se intensificó y cayó
postrado en cama, sufriendo hinchazón, dolores y vómitos.[70]
Tumba de Mozart en el cementerio de St. Marx en Viena.
Mozart recibió los cuidados de su esposa Constanze y su hermana menor Sophie durante su
enfermedad final y fue atendido por el doctor Nicolaus Closset. Es un hecho probado que
estaba mentalmente ocupado en la finalización de su Réquiem. Sin embargo, las evidencias
de que realmente dictara pasajes a su discípulo Franz Xaver Süssmayr son muy remotas.[71]
[72]
El 5 de diciembre de 1791, aproximadamente a las doce de la madrugada, llegó el doctor

Closset de la ópera y ordenó que le pusieran compresas frías de agua y vinagre sobre la
frente para bajarle la fiebre (a pesar de que Sophie se mostró reacia a hacerlo, puesto que
pensaba que no sería bueno para el enfermo el cambio tan brusco de temperatura). Esto
hizo tanto efecto en él que perdió el conocimiento y no volvió a recuperarse hasta su
muerte. Según Sophie, los últimos suspiros de Mozart fueron «como si hubiera querido,
con la boca, imitar los timbales de su Réquiem».[73]
A las doce y cincuenta y cinco minutos de la madrugada, Mozart falleció en Viena a la edad
de 35 años, 10 meses y 8 días, y su funeral tuvo lugar en la Catedral de San Esteban (donde
anteriormente se había casado con Constanze), el día 6 de diciembre. Fue amortajado según
el ritual masónico (manto negro con capucha).
El entierro de Mozart fue de tercera categoría, con un coste de ocho florines con cincuenta
y seis kreutzer (más un suplemento de tres florines para pagar el coche fúnebre), lo usual
para miembros de la burguesía media. Fue enterrado al anochecer, siendo trasladado el
féretro en coche de caballos hasta el cementerio de St. Marx en Viena, en el que recibió
sepultura en una tumba comunitaria simple (no en una fosa común).[74] El tiempo que hacía
aquella noche era suave y tranquilo, y con nieblas frecuentes, no tormentoso o ventisca
como se ha pensado erróneamente. El biógrafo Otto Jahn afirmó en 1856, al entierro
asistieron Antonio Salieri, Süssmayr, Gottfried Van Swieten y otros dos músicos.[75]
La escasa afluencia de público al entierro de Mozart no reflejó su categoría como

compositor, ya que los funerales y conciertos en Viena y Praga contaban con mucha
afluencia.[76] Ciertamente, en el período inmediatamente posterior a su muerte la reputación
de Mozart se incrementó considerablemente: Solomon lo describe como «una ola de
entusiasmo sin precedentes»[76] por sus obras. Varios escritores redactaron biografías sobre
el compositor, como Friedrich Schlichtegroll, Franz Xaver Niemetschek y Georg Nikolaus
von Nissen, entre otros; y los editores compitieron para publicar las ediciones completas de
sus obras.[76]
Hipótesis sobre su muerte

Artículo principal: Muerte de Wolfgang Amadeus Mozart
La inesperada y misteriosa muerte de Mozart ha suscitado gran interés desde el principio.

En el acta de defunción oficial constaba que el compositor austriaco había fallecido a causa
de una «hitziges Frieselfieber» («fiebre miliar aguda», refiriéndose a una erupción cutánea
parecida a semillas de mijo), una descripción que no basta para identificar la causa en la
medicina moderna y que es demasiado amplia e inexacta, ya que no se llevó a cabo la
autopsia debido al avanzado estado de descomposición en que se encontraba el cadáver.
Se han propuesto una multitud de teorías sobre la muerte del compositor, incluyendo
triquinosis, gripe, envenenamiento por mercurio y un extraño achaque en el riñón. La
práctica de sangrías en los pacientes era común en la época y también se cita como un
posible factor que contribuyera a su muerte. Sin embargo, la versión más ampliamente
aceptada es la muerte por una fiebre reumática aguda. Es conocido que tuvo tres o incluso
cuatro ataques desde su infancia y esta enfermedad es recurrente, con consecuencias
incrementalmente más serias en cada ataque, como una infección descontrolada o daño en
las válvulas cardiacas.[70]
Aspecto físico y personalidad

Artículo principal: Aspecto físico y personalidad de Wolfgang Amadeus Mozart
Véanse también: Mozart y la viruela, Mozart y la Iglesia católica, El estornino de Mozart,
Oreja de Mozart y Último apartamento de Mozart
El llamado Mozart de Bolonia fue copiado en 1777 en Salzburgo (Austria) por un autor
desconocido a partir de un retrato original pedido para la galería de compositores de
Giovanni Battista Martini en Bolonia (Italia).
El aspecto físico de Mozart fue descrito por el tenor Michael Kelly, en sus Reminiscencias
como «un pequeño hombre notable, muy delgado y pálido, con una prominente cabellera de
cabellos claros, por la que se mostraba muy vanidoso». Como escribió Franz Xaver
Niemetschek, uno de sus primeros biógrafos, «no había nada especial en [su] físico. [...] Era
pequeño y su semblante, excepto sus ojos grandes e intensos, no mostraba ningún signo de
su genio». Su tez facial estaba picada, una secuela de la viruela que sufrió en su niñez. Le
gustaba la ropa elegante; Kelly lo recordó en un ensayo de la siguiente forma: «Estaba
sobre el escenario con su pelliza carmesí y su bicornio con encajes de oro, dando el tempo
de la música a la orquesta». Por su lado, Constanze escribió más tarde que «era un tenor,
bastante suave en la oratoria y delicado en el canto, pero cuando algo lo excitaba, o era
necesario esforzarse, era tan poderoso como enérgico».[77]
Por lo general Mozart trabajaba durante mucho tiempo y con energía, terminando
composiciones a un gran ritmo debido a los ajustados plazos. A menudo hacía bosquejos y
esbozos aunque, a diferencia de Ludwig van Beethoven, no se han conservado ya que
Constanze los destruyó después de su muerte.[78]
Fue criado según la moral católica y fue un miembro leal de la Iglesia en todas las etapas de
su vida.[79]
Mozart vivió en el centro del mundo musical vienés y conocía a un gran número y variedad
de gente: compañeros músicos, intérpretes teatrales, amigos que como él se habían mudado
desde Salzburgo y muchos aristócratas, incluyendo algún conocido del emperador José II.
Solomon considera que sus tres amigos más cercanos pudieron haber sido Gottfried
Janequin, el conde August Hatzfeld y Sigmund Barisani. Muchos otros incluyeron entre sus
amistades a su viejo colega Joseph Haydn, los cantantes Franz Xaver Gerl y Benedikt
Schack y el trompista Joseph Leutgeb. Leutgeb y Mozart mantuvieron un curioso tipo de
burlas amistosas, a menudo con Leutgeb siendo el objeto de las bromas pesadas de Mozart.
[80]
Disfrutaba jugando al billar y el baile y tenía varios animales domésticos: un canario, un

estornino, un perro y también un caballo para equitación lúdica.[81] En particular en su
juventud, Mozart tenía un cariño asombroso para el humor escatológico (no tan insólito en
su tiempo), que se aprecia en muchas de sus cartas que han sobrevivido, especialmente
aquellos escritos a su prima Maria Anna Thekla Mozart alrededor de 1777-1778, pero
también en su correspondencia con su hermana Nannerl y sus padres.[82] Mozart incluso
escribió música escatológica, como el canon Leck mich im Arsch KV 231 (literalmente
«Lámeme el culo», a veces idiomáticamente traducido como «Bésame el culo» o
«Atáscate»).[83]
Producción musical
Estilo y valoración musical
Sinfonía n.º 40
Primer movimiento
Molto allegro
Segundo movimiento
Andante
Tercer movimiento
Menuetto, Allegretto-Trio
Cuarto movimiento
Allegro assai
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Ayuda:Multimedia.
Mozart aparece hoy como uno de los más grandes genios musicales de la historia. Fue
excelente pianista, organista, violinista y director y destacaba por sus improvisaciones, que
solía realizar en sus conciertos y recitales.
La música de Mozart, al igual que la de Joseph Haydn, es presentada como un ejemplo
arquetípico del estilo clásico. En la época en la que comenzó a componer, el estilo
dominante en la música europea era el estilo galante, una reacción contra la complejidad
sumamente desarrollada de la música del Barroco. Pero cada vez más, y en gran parte en las
manos del propio Mozart, las complejidades del contrapunto del Barroco tardío surgieron
una vez más, moderado y disciplinado por nuevas formas y adaptado a un nuevo entorno
estético y social. Mozart fue un compositor versátil y compuso en cada género principal,
incluyendo la sinfonía, la ópera, el concierto para solistas y la música de cámara. Dentro de
éste último género, realizó composiciones para diversas agrupaciones de instrumentos,
incluyendo el cuarteto y el quinteto de cuerda y la sonata para piano. Estas formas no eran
nuevas, pero Mozart realizó avances en la sofisticación técnica y el alcance emocional de
todas ellas. Casi sin ayuda de nadie desarrolló y popularizó el concierto para piano clásico.
Compuso numerosas obras de música religiosa, incluyendo una gran cantidad de misas;
pero también muchas danzas, divertimentos, serenatas y otras formas musicales ligeras de
entretenimiento. También compuso para cualquier tipo de instrumento.
Los rasgos centrales del estilo clásico están todos presentes en la música de Mozart. La
claridad, el equilibrio y la transparencia son los sellos de su trabajo, pero cualquier noción
simplista de su delicadeza enmascara el poder excepcional de sus obras maestras más finas,
como el Concierto para piano n.º 24 en do menor KV 491, la Sinfonía n.º 40 en sol menor
KV 550 y la ópera Don Giovanni. Charles Rosen hace hincapié en este punto:
Es sólo por el reconocimiento de la violencia y la sensualidad en el centro de la obra de

Mozart por lo que podemos encaminarnos hacia una comprensión de sus estructuras y
hacernos una idea de su magnificencia. De un modo paradójico, la caracterización
superficial de la Sinfonía en sol menor de Schumann puede ayudarnos a ver al demonio de
Mozart más regularmente. En todas las expresiones supremas de sufrimiento y terror de
Mozart, hay algo terriblemente voluptuoso.[84]
Sobre todo durante su última década, Mozart explotó la armonía cromática hasta un
extremo desconocido hasta entonces, con una notable seguridad y un gran efecto artístico.
Una sección de una página del manuscrito del Réquiem de Mozart, KV 626. (1791),
mostrando el encabezamiento de Mozart en el primer movimiento. Austrian National
Library, Codex 17561a, folio 1 (recto).
Mozart siempre tuvo un don para absorber y adaptar los rasgos más valiosos de la música
de otros compositores. Sus viajes seguramente le ayudaron a forjarse un lenguaje
compositivo único.[85] En Londres siendo niño, tuvo lugar un encuentro con Johann
Christian Bach y escuchó su música. En París, Mannheim y Viena encontró muchas otras
influencias compositivas, así como las capacidades de vanguardia de la orquesta de
Mannheim. En Italia conoció la obertura italiana y la opera buffa, las cuales afectaron
profundamente en la evolución de su propia práctica. Tanto en Londres como Italia, el
estilo galante estaba en auge: música simple, brillante con una predilección por la cadencia;
un énfasis en la tónica, dominante y subdominante y la exclusión de otro tipo de acordes,
frases simétricas y particiones claramente articuladas en la forma total de los movimientos.
[86]
Algunas de las primeras sinfonías de Mozart son oberturas italianas, con tres
movimientos que penetran unos en otros; muchas son homotonales (cada movimiento en la
misma armadura de clave, con el movimiento más lento en el tono relativo menor). Otras
obras imitan a las de Bach y otras muestran las simples formas binarias redondeadas
escritas habitualmente por los compositores vieneses.
A medida que Mozart fue madurando, fue incorporando a sus composiciones más rasgos
adaptados del Barroco. Por ejemplo, la Sinfonía n.º 29 en la mayor KV 201 tiene un tema
principal de contrapunto en su primer movimiento y experimenta con longitudes de frase
irregulares. Algunos de sus cuartetos a partir de 1773 tienen finales de fuga: probablemente
bajo la influencia de Haydn, que había incluido tres finales en esa forma en su Opus 20 que
había publicado por esa época. La influencia del movimiento Sturm und Drang (Tempestad
e ímpetu) en la música, con su presagio de la llegada de la era romántica, es evidente en la
música de ambos compositores en esa época y la Sinfonía n.º 25 en sol menor KV 183 de
Mozart es otro buen ejemplo de ello.
Mozart a veces cambiaría su foco de interés entre la ópera y la música instrumental.

Compuso óperas en cada uno de los estilos predominantes: la opera buffa, como Las bodas
de Fígaro, Don Giovanni y Così fan tutte; ópera seria, como Idomeneo; y el singspiel, del
cual La flauta mágica es el ejemplo más famoso. En sus óperas posteriores empleó cambios
sutiles en la instrumentación, la textura orquestal y el timbre, para aportar una mayor
profundidad emocional y destacar los movimientos dramáticos. Algunos de sus avances en
el género operístico y la composición instrumental son: su empleo cada vez más sofisticado
de la orquesta en las sinfonías y conciertos, que influyó en su orquestación operística y el
desarrollo de su sutileza en la utilización de la orquesta al efecto psicológico en sus óperas,
que fue un cambio reflejado en sus composiciones posteriores no operísticas.[87]
Sus obras
Véanse también: Catálogo Köchel, Anexo:Óperas de Mozart, Anexo:Sinfonías de Mozart,

Anexo:Misas de Mozart, Anexo:Conciertos para piano de Mozart, Anexo:Conciertos para
trompa de Mozart, Anexo:Cuartetos de cuerda de Mozart y Anexo:Arias de concierto,
canciones y cánones de Wolfgang Amadeus Mozart
La obra de Mozart fue catalogada por Ludwig von Köchel en 1862, en un catálogo que
comprende 626 opus, codificadas con un número del 1 al 626 precedido por el sufijo KV.
La producción sinfónica e instrumental de Mozart consta de: 41 sinfonías, entre las que
destacan la n.º 35, Haffner (1782); la n.º 36, Linz (1783); la n.º 38, Praga (1786); y las tres
últimas (la n.º 39, en mi ♭; la n.º 40, en sol menor, KV 550; y la n.º 41, en do mayor, KV
551 Júpiter compuestas en 1788); varios conciertos (27 para piano, 5 para violín y varios
para otros instrumentos); sonatas para piano, para piano y violín y para otros instrumentos,
que constituyen piezas clave de la música mozartiana; música de cámara (dúos, tríos,
cuartetos y quintetos); adagios, 61 divertimentos, serenatas, marchas y 22 óperas.
Mozart empezó a escribir su primera sinfonía en 1764, cuando tenía 8 años de edad. Esta
obra está influida por la música italiana, al igual que todas las sinfonías que compuso hasta
mediados de la década de 1770, época en que alcanzó la plena madurez estilística. El ciclo
sinfónico de Mozart concluye con una trilogía de obras maestras formado por las sinfonías
n.º 39 en mi ♭ mayor, n.º 40 en sol menor y n.º 41 en do mayor, compuestas en 1788.
Con respecto a su producción operística, después de algunas obras «menores» llegaron sus
grandes títulos a partir de 1781: Idomeneo rey de Creta (1781); El rapto en el serrallo
(1782), la primera gran ópera cómica alemana; Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni
(1787) y Così fan tutte (Así hacen todas, 1790), escritas las tres en italiano con libretos de
Lorenzo da Ponte; La flauta mágica (1791), en la que se reflejan los ritos e ideales
masónicos, y La clemencia de Tito (1791).
El grueso de la música religiosa que escribió forma parte del periodo salzburgués, donde
existe una gran cantidad de misas, como la Misa de Coronación, KV 317, sonatas da
chiesa y otras piezas para los diversos oficios de la Iglesia Católica. En el período vienés
disminuye su producción sacra. Sin embargo, las pocas obras de carácter religioso de este
periodo son claros ejemplos de la madurez del estilo mozartiano. Compuso la Misa en do
menor KV 427 (la cual queda inconclusa, al igual que el Réquiem), el motete Ave verum
corpus KV 618 y el Réquiem en re menor, KV 626.
Johann Nepomuk Hummel fue probablemente el discípulo más conocido de Mozart y una
figura de transición entre el Clasicismo y el Romanticismo.[88]
También escribió bellísimas canciones, tales como Abendempfindung an Laura KV 523,

entre otras. Compuso numerosas arias de concierto de gran calidad, muchas de las cuales
fueron usadas en óperas de otros compositores a modo de encargo. De sus arias de
concierto se pueden destacar, por su calidad y encanto: Popoli di Tessaglia...Io non chiedo,
eterni dei KV 316, Vorrei spiegarvi, oh Dio! KV 418, ambas para soprano, o Per pietà KV
420, para tenor.
Influencia
Véase también: Mozart y Beethoven#Influencia de las composiciones de Mozart en

Beethoven
El discípulo más conocido de Mozart fue probablemente Johann Nepomuk Hummel, a

quien Mozart tomó bajo tutela en su casa de Viena durante dos años cuando era un niño.
Fue una figura de transición entre el Clasicismo y el Romanticismo.[88]
Más importante es la influencia que Mozart ejerció sobre los compositores de generaciones
posteriores. Después del aumento en su reputación después de su muerte, el estudio de sus
partituras ha sido una parte común de la educación de los músicos clásicos.
Ludwig van Beethoven, catorce años más joven que Mozart, valoró y estuvo
profundamente influido por las obras de éste, al que conoció cuando era un adolescente. Tal
y como se piensa, Beethoven interpretó en la orquesta de la corte de Bonn las óperas de
Mozart[89] y viajó a Viena en 1787 para estudiar con Mozart. Algunas obras de Beethoven
son comparables directamente con las obras de Mozart y compuso cadencias (WoO 58) del
Concierto para piano n.º 20 en re menor KV 466 de Mozart.
Varios compositores han rendido homenaje a Mozart componiendo conjuntos de
variaciones sobre sus temas. Beethoven escribió cuatro conjuntos (Op. 66, WoO 28, WoO
40 y WoO 46). Otros ejemplos son las Variaciones para piano y orquesta Op. 2 de Frédéric
Chopin sobre «Là ci darem la mano» de Don Giovanni (1827) y las Variaciones y fuga
sobre un tema de Mozart de Max Reger (1914), basado en la Sonata para piano n.º 11 KV
331.[90] Piotr Ilich Chaikovski compuso su Suite orquestal n.º 4 en sol, llamada
«Mozartiana» (1887), como un tributo al compositor salzburgués.
Mozart en la cultura popular
Moneda de 1 euro acuñada en Austria.

Artículo principal: Mozart en la cultura popular
Dado que Wolfgang Amadeus Mozart tuvo una vida dramática en muchos sentidos,
incluyendo su extraordinaria carrera como niño prodigio, sus luchas para alcanzar la
independencia personal y desarrollar su carrera, sus problemas financieros y su muerte algo
misteriosa mientras intentaba terminar su Réquiem; numerosos artistas han encontrado en
Mozart una fuente de inspiración para sus obras. Tales trabajos han incluido novelas,
óperas, películas (entre las que destaca Amadeus de Miloš Forman) y juegos. También se ha
usado su imagen en la acuñación de monedas o en la emisión de sellos postales, en muchos
casos con motivo de los aniversarios de su nacimiento o fallecimiento.
Véase también
 Portal:Música clásica. Contenido relacionado con Música clásica.
 Primera Escuela de Viena.
 Mozart y Beethoven.
 Nombre de Mozart.
 Efecto Mozart.
 Aspecto físico y personalidad de Wolfgang Amadeus Mozart.
 Último apartamento de Mozart.
Referencias
Notas
1. ↑ Pronunciado en alemán: jo:'hanǝs kʁyˈzɔstomus ˈvɔlfgaŋus ˈtʰe:ofilus

ˈmo:ʦat. Su nombre fue adaptado a distintos idiomas por lo que es conocido
también bajo diferentes versiones. Véase: Nombre de Mozart.
2. ↑ Till, p. 320
3. ↑ Robbins Landon, p. 171
4. ↑ a b c Deutsch, p. 9
5. ↑ «Mozart Birthplace and Mozart Living Place» (en inglés). Consultado el 6 de
agosto de 2009.
6. ↑ Sadie, p. 33
7. ↑ Sadie, pp. 34-36
8. ↑ a b Solomon, pp. 39–40
9. ↑ Solomon, p. 33
11. ↑ Blom, p. 19
12. ↑ Sadie, pp. 58–59
13. ↑ Blom, p. 30
14. ↑ Halliwell, pp. 51 y 53
15. ↑ Halliwell, pp. 47-48
18. ↑ Sadie, pp. 210–11
19. ↑ Gutman, pp. 282-84
20. ↑ Gutman, pp. 280-81
21. ↑ El grado de caballería de Wolfgang en la Orden fue aparentemente más alto que el
de los distinguidos compositores Christoph Willibald Gluck y Carl Ditters von
Dittersdorf; Grove, Vol 12 p. 684.
22. ↑ Gutman, p. 280.
23. ↑ Halliwell, pp. 183-185
24. ↑ Sadie, pp. 37-47
25. ↑ Solomon, p. 106
26. ↑ Solomon, p. 103
27. ↑ El florín austrohúngaro era la moneda de curso legal en la época. Un florín
equivalía aproximadamente a la décima parte de una libra esterlina.
29. ↑ Solomon, p. 107
30. ↑ Solomon, p. 109
31. ↑ El arzobispo Colloredo respondió a su requerimiento despidiendo tanto a Leopold
como a Wolfgang, aunque el despido del primero no fue llevado a cabo en realidad.
Ver Halliwell, p. 225
32. ↑ Rushton (1992)
33. ↑ Deutsch, p. 174
34. ↑ Solomon, p. 149
35. ↑ Halliwell, pp. 304–305
36. ↑ Abert, p. 509
37. ↑ Halliwell, p. 305
38. ↑ Halliwell, cap. 18–19.
39. ↑ Solomon, p. 157
40. ↑ Halliwell, p. 322
41. ↑ Rushton, sec. 3
42. ↑ Deutsch, p. 176
43. ↑ New Grove Vol. 12, p. 700
44. ↑ Hasta ese momento José II de Habsburgo había sido co-regente del Sacro Imperio
Romano Germánico junto a su madre, María Teresa I de Austria.
45. ↑ a b c d Rushton, sec. 4
46. ↑ Solomon, p. 247
47. ↑ Solomon, p. 253
48. ↑ New Grove vol. 12, p. 702
49. ↑ Deutsch, p. 204
50. ↑ Solomon, p. 270
51. ↑ Deutsch, p. 461-462
52. ↑ a b Solomon, p. 293
54. ↑ Solomon, p. 430
55. ↑ Solomon, p. 578
56. ↑ Solomon, sec. 27
57. ↑ Solomon, p. 431
58. ↑ Solomon, p. 321
59. ↑ Solomon, op. cit.
60. ↑ a b Solomon, pp. 423–424
61. ↑ a b Rushton, sec. 6
62. ↑ Solomon,
63. ↑ New Grove Vol. 12, p. 710
64. ↑ Steptoe, p. 208
66. ↑ a b c Solomon, p. 477
67. ↑ Solomon, p. 487
68. ↑ Solomon, p. 490
69. ↑ Solomon, p. 485
71. ↑ Solomon, p. 493
72. ↑ Solomon, p. 588
73. ↑ Deutsch, p. 525
74. ↑ Deutsch, p. 417
75. ↑ New Grove Vol 12, p. 716
76. ↑ a b c Solomon, p. 499
77. ↑ Solomon, p. 308
78. ↑ Solomon, p. 310
79. ↑ Einstein, Alfred (1945). Mozart, His Character, His Work, Oxford University
Press, pp. 77.
81. ↑ Solomon, p. 319
82. ↑ Solomon, p. 169
83. ↑ De acuerdo con su traducción idiomática al inglés proveniente de Schemann,
Hans (1997). English-German Dictionary of Idioms, Nueva York: Routledge. ISBN
0-415-17254-3.
84. ↑ Rosen, Charles (1998). The Classical Style, W. W. Norton & Company, p. 324.
ISBN 0-393-31712-9.
85. ↑ Solomon (capítulo 8) habla de las fuentes de estilo así como su temprana
capacidad imitativa.
86. ↑ Heartz, Daniel (2003). Music in European Capitals: The Galant Style, 1720–
1780, W. W. Norton & Company. ISBN 0-393-05080-7.
87. ↑ Einstein, Alfred (1965). Mozart: His Character, His Work, Oxford University
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89. ↑ «Mozart, Mozart's Magic Flute and Beethoven» (en inglés). Raptus Association.
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90. ↑ March, Ivan (2006). The Penguin Guide to Compact Discs and DVDs 2005/06
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Heitor Villa-Lobos

Heitor Villa-Lobos
5 de marzo de 1887
Nacimiento
Río de Janeiro (Brasil)
17 de noviembre de 1959
Fallecimiento
Río de Janeiro (Brasil)
compositor, clarinetista, guitarrista, pianista

Ocupación
y violonchelista
Heitor Villa-Lobos fue un notable compositor brasileño. Nació en Río de Janeiro (Brasil),
el 5 de marzo de 1887 y falleció en Río de Janeiro, el 17 de noviembre de 1959.
Heitor Villa-Lobos recibió cierta instrucción musical de su padre, quien fue un gran lector,
notable músico aficionado y bibliotecario. Ya antes de 1899, año de la muerte de su padre,
Villa-Lobos había empezado a dedicarse a la música como profesional. Actuó como músico
de café tocando el violonchelo, si bien fue también intérprete ocasional de guitarra,
clarinete y piano.
En 1905 Villa-Lobos hizo el primero de sus viajes a los estados nororientales de Brasil,
recabando información sobre la música folclórica de esos territorios. El propio Villa-Lobos
creó un cierto halo de misterio alrededor de estos viajes. Para algunos, su narración de
aventuras con tribus caníbales del noreste no es digna de confianza. A continuación, estudió
en el Instituto Nacional de Música en Río de Janeiro, si bien su estilo compositivo nunca se
encasilló en ninguna norma académica. Su música siguió siempre siendo personal e
idiosincrática. Como Villa-Lobos dijo muchos años más tarde: «Mi música es natural,
como una cascada». También dijo: «Un pie en la academia y usted cambia para peor».
Después de otros viajes etno-musicales al interior de la cuenca del Amazonas en 1912,

Villa-Lobos retornó a Río de Janeiro. Allí, el 13 de noviembre de 1915 —a los 28 años de
edad—, presentó un concierto de su nueva música. En 1923, debido a sus méritos ganó una
beca del gobierno para estudiar en París. A su retorno en 1930, Villa-Lobos fue nombrado
director de la educación musical en Río de Janeiro.
En 1940 Villa-Lobos descubre en Montevideo (República Orientál de Uruguay), a un joven

Guitarrista: Abel Carlevaro, que le llama la atención por su alto nivel musical, lo invita a
Río de Janeiro para darle a conocer sus obras para guitarra, le da lecciones sobre su música
durante varios meses, presencia el estreno por parte de Carlevaro de algunas de sus obras,
le regala manuscritos de varios de sus Estudios y Preludios y comparte con él sus ideas
compositivas y sus descubrimientos de la música del Brasil profundo.
Así comenzó Villa-Lobos una segunda carrera como pedagogo de la música de su país.
Diseñó un sistema completo de instrucción musical para generaciones de brasileños, basado
en la rica cultura musical de Brasil y arraigado en un profundo y siempre explícito
patriotismo. Compuso música coral para enormes coros escolares de niños, a menudo sobre
adaptaciones de material folclórico. Su herencia en el Brasil de hoy, uniforme entre las
nuevas generaciones, es planteada con la escuela de samba como una fuerte sensación de
orgullo y amor entrelazadas con sentimientos similares para su país. Resulta sorprendente si
se considera que estamos hablando de un compositor clásico fallecido hace más de cuarenta
años.
Una de sus cantantes favoritas fue la soprano brasileña Bidu Sayão, con quien tuvo una
relación artística de treinta y ocho años. En 1944, Villa-Lobos hizo un viaje a los Estados
Unidos donde fue apreciado como director y como crítico. Algunas orquestas americanas le
encargaron nuevos trabajos importantes, e incluso escribió en 1959 la música de una
película de Hollywood titulada Green Mansions, dirigida por el famoso actor Mel Ferrer y
protagonizada por el mismo Ferrer y Audrey Hepburn. Los años cuarenta fueron un período
de triunfo en la escena internacional. Como compositor y director de su propia música,
Villa-Lobos fue agasajado en importantes ciudades como Los Ángeles, Nueva York y
París. A pesar de sus viajes por el mundo, su hogar siempre estuvo en Río de Janeiro, donde
murió en 1959.
Heitor Villa-Lobos fue sepultado en el cementerio São João Batista (en Río de Janeiro).
Héctor Villa Lobos.

Contenido
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 1 Hija no reconocida
 2 Música
o 2.1 Bachianas brasileiras
o 2.2 Choros
o 2.3 Conciertos
o 2.4 Sinfonías
o 2.5 Otros trabajos orquestales (incluyendo partituras de ballet)
o 2.6 Cuartetos de cuerdas
o 2.7 Óperas
o 2.8 Ballets
o 2.9 Música de cine
o 2.10 Obras para guitarra
o 2.11 Música para piano
 3 Notas
[editar] Hija no reconocida
Según las biografías oficiales, Villa-Lobos fue estéril y no tuvo descendencia. La película
brasilera Villa-Lobos, uma vida de paixão (2000), hace especial énfasis en este tema,
cuando un conocido (Joaquín) le pregunta a Villa-Lobos: «Si quería tanto a los niños, ¿por
qué no tuvo los suyos?». Él responde: «Cosas de la vida».
La verdadera respuesta es otra: Villa-Lobos sí tuvo una hija, que nació en Alemania en
1935 y que vive actualmente en Bolivia (con más de 70 años de edad). Este hecho fue
documentado en el Congreso Internacional Heitor Villa-Lobos, celebrado el año 2002 en
París (Francia). Pero ha sido deliberadamente ocultado por los interesados en mantener al
maestro estéril, y seguir así beneficiándose (hasta el año 2030) de los réditos que reporta su
legado en derechos de autor.
[editar] Música
Villa-Lobos fue un compositor notoriamente prolífico. Muchos trabajos son arreglos de
obras anteriores. Especialmente en sus últimos años, Villa-Lobos realizó gran número de
recomposiciones.
Las obras que a continuación se mencionan representan su herencia musical. Excepto los
trabajos perdidos, su música está muy difundida en el mundo por las grabaciones
existentes, y los conciertos que se realizan. Incluso las sinfonías ahora están disponibles en
una grabación integral. Las excepciones incluyen el Noneto y las óperas.
Entre las obras más populares de Villa-Lobos están las Bachianas brasileiras. La Bachiana
n.º 5 es una de la más conocidas; escrita para voz y ocho violonchelos, no es infrecuente
que sea interpretada en muchas otras combinaciones instrumentales. Se puede citar la
música para guitarra como los Preludios, Estudios y los Choros , entre los que el Choro n.º
1 es muy popular. Ese Choro n.º 1[1] de 1920 influenció a uno de los tangos más famosos,
Malena (de 1942) en su línea melódica principal, constituyéndose en uno de los primeros
ejemplos de música académica que influencia a una música popular en el siglo XX.
También es importante mencionar la serie Cuarteto de cuerdas.
[editar] Bachianas brasileiras
 N.º 1 para 8 violonchelos (1932)

 N.º 2 para orquesta de cámara (1933)
 N.º 3 para piano y orquesta (1934)
 N.º 4 para piano (1930-1940; orquestada en 1942)
 N.º 5 para voz y 8 violonchelos (1938)
 N.º 6 para flauta y fagot (1938)
 N.º 7 para orquesta (1942)
 N.º 9 para coro u orquesta de cuerdas (1944)
[editar] Choros
 Introducción a los choros, para guitarra y orquesta (1929)

 N.º 1 para guitarra (1920)
 N.º 2 para flauta y clarinete (1921)
 N.º 3 para coro masculino e instrumentos de viento (1925)
 N.º 4 para 3 cornos y trombón (1926)
 N.º 5 para piano «Alma brasilera» (1926)
 N.º 7 para vientos, violín y violonchelo (1924)
 N.º 8 para gran orquesta y 2 pianos (1925)
 N.º 10 para coro y orquesta «Rasga o coração» (1925)
 N.º 11 para piano y orquesta (1928)
 N.º 13 para 2 orquestas y banda (1929; perdido)
 N.º 14 para orquesta, banda y coro (1928; perdido)
 Choros bis, para violín y violonchelo (1928)
[editar] Conciertos
 Suite para piano y orquesta (1913)

 Concierto para violonchelo n.º 1 (1915)
 Momo précoce, fantasía para piano y orquesta (1921)
 Fantasía de movimientos mixtos, para violín y orquesta (1921)
 Ciranda de siete notas, para fagot y orquesta de cuerdas (1933)
 Concierto para piano n.º 1 (1945)
 Concierto para piano n.º 3 (1952-1957)
 Fantasía para saxofón soprano, tres cornos y cuerdas (1948)
 Concierto para guitarra (1951)
 Concierto para arpa (1953)
 Concierto violonchelo n.º 2 (1953)
 Fantasía para violonchelo y orquesta
 Concierto para armónica
 Concierto grosso para cuartetos de viento y ensemble de viento (1959)
 El Choro n.º 11 y la Bachiana brasileira n.º 3 también son obras concertantes para
piano y orquesta
[editar] Sinfonías
 N.º 1 O Imprevisto, el imprevisto (1920)

 N.º 2 Ascenção, ascensión (1917)
 N.º 3 A Guerra, la guerra (1919)
 N.º 4 A Vitória, la victoria (1919)
 N.º 5 A Paz, la paz (1920; perdido)
 N.º 6 Montanhas do Brasil, montañas de Brasil (1944)
 N.º 7 (1945)
 N.º 8 (1950)
 N.º 9 (1951)
 N.º 10 Sumé Pater Patrium, Amerindia (1952)
 N.º 11 (1955)
 N.º 12 (1957)
[editar] Otros trabajos orquestales (incluyendo partituras de ballet)
 Tédio de alvorada, aburrimiento del alba (1916, poema sinfónico)

 Naufrágio de Kleonicos, poema sinfónico (1916)
 Danças africanas (1916)
 Sinfonietta n.º 1 (1916)
 Iára (1917)
 Amazonas, ballet y poema sinfónico (1917)
 Uirapuru, ballet (1917)
 Dança frenética (1918)
 Dança dos mosquitos (1922)
 Francette et Piá (1928, orch. 1958)
 Rudepoema (1926, orch. 1932)
 O papagaio do moleque, la cometa del moleque (1932, un episodio sinfónico)
 Caixinha de boas festas, poema sinfónico y ballet (1932)
 Evolução dos aeroplanos (1932)
 Dança da terra, ballet (1939)
 Mandú-Carará (cantata profana), ballet de niños, para coro mixto, coro de niños y
orquesta (1940)
 Suite «Saudade da juventude» n.º 1 (1940, nostalgia de la juventud)
 Madonna, poema sinfónico (1945)
 Sinfonietta n.º 2 (1947)
 Erosão, erosión, poema sinfónico (1950)
 Rudá, poema sinfónico y ballet (1951)]]) (1946)
 Dúo para violín y viola (1946)
 Fantasía concertante para piano, clarinete y fagot (1953)
 Dúo para oboe y fagot (1957)
 Quinteto instrumental, para flauta, violín, viola, violonchelo y arpa (1957)
 Fantasía concertante para 16 o 32 violonchelos (1958)
 Los Choros n.º 2, 3, 4 y 7, y las Bachianas brasileiras 1 y 6 son escritas para varios
instrumentos en estilo camerístico.
[editar] Cuartetos de cuerdas
 N.º 1 (1915)*N.º 9 (1945)

 N.º 10 (1946)
 N.º 11 (1948)
 N.º 12 (1950)
 N.º 13 (1951)
 N.º 14 (1953)
 N.º 15 (1954)
 N.º 16 (1955)
 N.º 17 (1957)
 Las obras cortas pertenecen todas al 18.º cuarteto.
[editar] Óperas
 Izaht (1914)
 Magdalena (1948)
 Yerma (1955)
 Hija de las nubes (1957)
[editar] Ballets
 Ver «Otros trabajos orquestales (incluyendo partituras de ballet)», más arriba.
[editar] Música de cine
 Descobrimento do Brasil (1938)

 Green Mansions (1959; adaptada como obra de concierto Bosque del Amazonas)
[editar] Obras para guitarra
 Choros n.º 1 (1920)

 Suite popular brasileira (1928)
 Doce estudios (1929)
 Cinco preludios (1940)
 Concierto para guitarra (1951)
[editar] Música para piano
 Ibericarabe (1914)
 Ondulando (1914)
 Danças características africanas (1915)
 Suite floral (1918)
 Historias da carochinha (1919)
 A Lenda do caboclo (1920)
 Carnaval das crianças (1920)
 Prole do Bébé, primera serie (1920)
 Prole do Bébé, segunda serie (1921)
 Prole do Bébé, tercera serie (1926; perdida)
 A fiandeira (1921)
 Rudêpoema (1921-1926)
 Sul América (1925)
 Cirandinhas (1925)
 Cirandas (1926)
 Saudades das selvas brasileiras (1927)
 Bachianas brasileiras n.º 4 (1930-1940)
 Francette et Pià (1932)
 Valsa da dor (1932)
 Guía prático (1932-1949)
 Ciclo brasileiro (1936-1937)
o Plantío do caboclo (plantío del campesino)
o Impressões seresteiras (impresiones de un músico de serenatas)
o Festa no sertão (fiesta en el desierto nordestino)
o Dança do indio branco (la danza del indio blanco)
 As Três Marías (1939)
 New York Sky-Line Melody (1939)
 Poema singelo (1942)
 Homenage a Chopin (1949)

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Giovanni Pierluigi da Palestrina

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Giovanni Pierluigi da Palestrina.

Giovanni Pierluigi da Palestrina (Palestrina, c.1525 - Roma, 1594) fue un compositor

Johann Sebastian Bach

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Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio

Primeros años (1685-1703)

Registro escolar del Liceo de Ohrdruf. J. S. Bach es el 4º alumno de la segunda lista.

Allí copiaba, estudiaba e interpretaba música; aprendió teoría musical y composición,

Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708)

Las fuertes conexiones familiares y el hecho de estar empleado por un entusiasta de la

La iglesia y el ayuntamiento de la ciudad debían de estar orgullosos de su nuevo director

Período en Weimar (1708–1717)

En 1723 le fue ofrecido el puesto de Cantor y director musical en la Iglesia Luterana de

Estatua de Bach en Leipzig.

El ayuntamiento sólo otorgaba alrededor de ocho instrumentistas permanentes, limitación

 Hijos de su primer matrimonio con Maria Barbara Bach fueron :

Catharina Dorothea (*1708 † 1774), Wilhelm Friedemann, el Bach de Dresde y Halle

 Hijos de su segundo matrimonio con Anna Magdalena Wilcke fueron :

Ya en su vejez, cuando la gente se refería al apellido Bach lo hacía pensando en su famoso

Después, G. F. Händel y Vivaldi tomarían ejemplo de esta novedad y compusieron sus

Su producción está totalmente sostenida en la coral alemana, el concierto italiano y la suite

Dominó a la perfección el estilo, técnica y géneros autóctonos alemanes del órgano

La influencia de la ópera se plasma especialmente en las cantatas, pasiones y oratorios,

Bach prácticamente compuso para todos los géneros,[11] en multitud de combinaciones

Los tres periodos estilísticos de su música

El primer período, el de aprendizaje y estudio, va desde 1700 hasta 1713, estando ya en

El segundo período, el de maestría, empieza en 1713, en Weimar, y acaba en 1740,

El último período de su música va desde la publicación de Clavier-Übung III en 1739 y

 7 cánon para diversos instrumentos

Instrumentación de sus obras

Su aporte a la literatura, avances técnicos y de interpretación, evolución e historia de estos

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Primer Preludio y fuga de Bach

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Órgano como solista y acompañante obligado: En las funciones de acompañante y solista

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Bach era un excelente organista, clavecinista, violinista, y violista. No tocó la viola de

El violín consta y tiene notable papel en la música de cámara, en la especulativa, en la

El violonchelo abarca muchas facetas de la su obra, como solista y acompañante, cuya

Como el órgano, el violonchelo como función de solista está fundamentalmente en las

Como acompañante, su presencia es junto al órgano y el clave un miembro básico para

Entre las características sobresalientes de Bach se encuentra su dominio de complejos e

Buxtehude, uno de los compositores que más influyeron en la música de Bach,

Bach se interesaba, estudiaba y se influenciaba de compositores contemporáneos,[12]

El catálogo BWV de su obra

El catálogo es un sistema de numeración usado para identificar las obras de Johann

 1-200: Cantatas religiosas

También existe el catálogo elaborado por Christoff Wolff, de menor difusión.

Obras importantes de Johann Sebastian Bach[5]

1720 Invenciones Música de clave 772-786

1722 Suites francesas Música de clave 812-817

h.1718- Sonatas para viola da gamba y Música de 1027-

1723 Sinfonías Música de clave 787-801

1744 El clave bien temperado II[5] Música de clave 870-893

Cronología de su resurgimiento póstumo

1838, se reinterpretan por primera vez las suites BWV 1066-1069.[5]

1924, se descubre un fragmento de Cantata que se cataloga como BWV 200[20]

1985, cuando se cumplieron 300 años de su nacimiento, se editó el primer registro