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creatividad, arte y cultura

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Año 1- Número 4-Edición 1- Buenos Aires-Argentina-Coleccionable
 6 POP ART
Equipo Editorial
Directora 12 POPULAR POP
Kenia Fx
keniafx@cracmagazine.com
Vice Directora 16 ¿Sabías que...?
María Luz Diez
maludiez@cracmagazine.com
18 MADE IN ARGENTINA
Jorge Garnica
Natividad Marón
Álvaro Mazzino
Emanuel Pellegrino
20 ARTE POP Y EL CÓMIC
Cecilia Bendinger
Coni LM
Norma Soto
22 Artista del mes:
Alejandro Avakián
Colaboradores:

José Humberto Valderrama, Santiago Nitto, Ale-

26 200 Latas de Sopa
jandro Avakian, Jazmín Saenz, Arghoost Toons,
Damián Masotta, Jorge Schneider, Carola Bendin- 28 Los revoltosos ‘60.
ger, Javier Camacho, Alejandra Sabbatini, Salvo
Genovesi, Julián Mardirosian, Gustavo Stocovaz, 30 PEPE Rupestre
Silvio Bolaño Robledo, Esther Capece.
32 Arquitectura y Pop Art
CRAC! plastiks: jorge garnica
crac! photo: NATIVIDAD MARÓN 34 Oscar Masotta:
crac! literatura: kenia fx El teórico Argentino del Pop
CRAC! ZEN: all in all is all we are.
36 ¿Vos sos algo de
Mastotta?
cracmagazine. Damián Masotta
com
38 CONTAMINIUM POP

Todos los derechos reservados.

42 JORGE DE LA VEGA
44 María Gracia Fill
Museo del Louvre

58 XUL SOLAR IV:

“La gran serpiente”
EDITORIAL
“¿Por qué la gente piensa que los artistas son
especiales? Es sólo otro trabajo”
Andy Warhol.

La sociedad marca al artista como “bicho raro”.

¿Qué nos pasa a los argentinos con el Arte y los Artistas? Las civilizaciones del mundo, desde el
principio de los tiempos, han evolucionado gracias a la función que el arte y la creatividad ejercen
sobre ellas.
Por el momento no hay subsidio en estas latitudes para fomentar el crecimiento y la culturización,
a través del arte. Siempre hay otras prioridades. Pero tampoco hay difusión de que esto que estamos
haciendo no es solamente navegar en el mar de nuestros sentimientos: también es un trabajo.
Andy Warhol lo vió así. Lo vivió así, lo expresó y tan mal no le fue, aunque haya quienes pensaban
lo contrario.

El Arte es 10% inspiración, y 90% trabajo.

crac!
crac!
Confucio dijo: Elije un trabajo que te guste y no tendrás que trabajar ni un
solo día de tu vida.

crac!
Y si nosotros no nos lo tomamos en serio, no podremos esperar que los
demás lo hagan.

crac!
Kenia Fx
Directora
keniafx@cracmagazine.com

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EXPOSICIÓN Y VENTA DE OBRAS
Escribinos a galeriaidealarte@cracmagazine.com
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50 Al Arte lo que es del Arte

54 ¿Creativiqué?

56 CONSTRUYENDO PUENTES
Taller sobre Creatividad

58 CRAC! PLASTIKS:
Salvo Genovese
Nuestra tapa:
60 CRAC! TEATRO:
ELIXIR
la figura
predominante del
POP: Andy Warhol, 62 CRAC! LITERATURA:
ilustrada por Gustavo Stocovaz
Arghoost Toons, un
dibujante argentino
de gran talento. 65 AULLIDOS FILOSÓFICOS
Silvio Jose Bolaño
www.arghoost.com.
ar 66 CRAC! PHOTO:
Esther Capece
4 Crac! Magazine
 ¿Sabías que?
El “lugar de nacimiento” del movimiento Pop Art fue Gran Bretaña a mediados de 1950, pero estuvo
presente en los Estados Unidos a finales de 1950. Y que el Grupo Independiente (IG) es considerado
por muchos como el precursor del movimiento Pop Art. Durante la primera reunión de la IG, Eduardo
Paolozzi , un artista y escultor, que co-fundó el grupo, introdujo una serie de collages llamada Bunk!
Estos collages se componen de objetos “encontrados” publicidad, personajes de cómics, portadas de
revistas y otros medios de producción de obras gráficas. Entre estas obras creadas por Paolozzi en París
en el periodo de 1947 a 1949, está la primera obra que en realidad incluye la palabra “pop!”: un collage
llamado “I was a Rich Man’s Plaything” (1947), en la que aparece una nube de humo que sale de un
revólver donde la palabra “pop” está escrita.

Jorge Humberto Valderrama

www.facebook.com/valderramarte

Crac! Magazine 5
 POP ART
¿No es la vida sólo una serie de imágenes que
cambian a medida que se repiten?
Andy Warhol

No es sorprendente que la primera obra Pop tenga el formato de un aviso publicitario. En un

estilo marcado por el consumismo y la comunicación de masas esto es, al contrario, completamente
natural y lógico. Nos referimos a la obra del inglés Richard Hamilton Just what is it that makes today’s
home so different, so appealing?1 , collage de 1956, realizado para ilustrar el catálogo de la exposición
paradigmática del Grupo Independiente2 , This is Tomorow. Hamilton es considerado por muchos
el padre del Pop Art, y su obra es un reflejo de la mentalidad de posguerra británica, que encuentra
en la fantasía del consumo una evasión hedonista de la realidad. Si bien el estilo Pop no se define
formalmente hasta los años 60, en esta obra ya se perciben las características y temas que dominarán
el movimiento. En ella se percibe la dualidad entre la admiración y la ironía hacia la cultura de
consumo y, la doble influencia del arte moderno, por un lado, continuando sobre todo el mensaje
del arte no necesariamente desligado de la vida, y del diseño comercial por el otro, que permite un
lenguaje directo y un mensaje inmediato.
El primero en popularizar el termino “Pop” fue el crítico Lawrence Alloway, quien junto a Reyner
Banham, sentaron las bases del marco teórico del movimiento, dándole una justificación histórica a la
obra de varios artistas del Grupo Independiente mencionado. Alloway habla de una estética de masas,
donde el arte necesariamente debía adaptarse al gusto de las grandes audiencias o desaparecería. Para
la Inglaterra de la posguerra, los productos de la cultura de consumo americana se presentan como
una puerta de escape, una entrada al cambio constante y al placer del consumismo.
A mediados de los ‘50, fuera del Grupo Independiente existieron también otros artistas ingleses –
cuyos antecedentes más importantes son la neofiguración y la obra de Francis Bacon - que paralelamente
realizaron trabajos ligados al Pop Art. Esto demuestra que este tipo de expresión es la consecuencia del
sentir de una época más allá de una manifestación de un determinado segmento. Tal es el caso de Richard
6 Crac! Magazine
Smith o Peter Blake, y la
nueva generación de artistas
que los siguieron, como
David Hockney, Allen
Jones o Peter Phillips, que
en conjunto demostraron
la heterogeneidad del Pop
británico.
En Estados Unidos
el surgimiento de este
movimiento no fue a
través del trabajo en
grupos constituidos, sino
que individualmente los
artistas fueron realizando Just what it is... | Richard Hamilton

obras ligadas al consumismo, y este interés común se vio evidenciado a partir de diferentes
exposiciones, como fueron Art 1963: A new Vocabulary en el Arts Council de Philadelphia, o The
New Realists en la Sidney Janis Gallery de Nueva York. Hay un paso en cierta manera gradual del
Expresionismo Abstracto al Pop, cuya transición se evidencia en la obra de Jasper Johns y Robert
Rauschenberg. Los artistas que más se destacaron del “Hardcore Pop”, como se llamó al Pop más
puro y definido, fueron Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist y
Tom Wesselmann. A simple vista sus estilos son bien diversos, pero los une el tono Pop dado por
el uso del color y la simplicidad de sus composiciones y terminaciones industriales – más cercanas
al minimalismo- que rompen con la gestualidad informalista, en pos de un lenguaje directo y frío.
Muchos de estos artistas derivan y conviven con el éxito del Expresionismo Abstracto que tuvo
el auge en los ‘50 con Pollock, de Kooning y Kline, y buscan marcar un corte que los desprenda
de este movimiento. Un gran modelo para este nuevo grupo emergente fue John Cage, muy
conectado con la vanguardia artística, y que en su música probaba la unión del arte y la vida, con
una estética cercana al dadá y al budismo Zen, sin diferenciar la melodía del simple ruido.
Tanto en Estados Unidos como en Inglaterra el Pop surge en un momento de optimismo y
cambio político, superadas la posguerra y la depresión, con la explosión de nuevas tecnologías que

Crac! Magazine 7
 permiten cambiar la vida cotidiana de la media,
la explosión de los medios de comunicación
masivos y la consecuente explosión del consumo.
En ambos casos surge como un fenómeno de
ciudad: Londres y Nueva York. Son comunes
a ambas tendencias del movimiento el diseño
limpio y simple, los colores brillantes, la
incorporación de la visión de la fotografía, el
gusto por las historietas, las revistas y el cine.
Lo popular, lo masivo y lo comercial entra en
el mundo del arte, desde los íconos del cine, el
espectáculo y la música, hasta los placeres de
los objetos de consumo como la coca-cola, o el
marketing sensual consecuente del nuevo rol de
la mujer3.
Tanto Hamilton como Warhol ven al arte
como parte del mercado de consumo. Hamilton
en su ensayo “For the Finest Art Try Pop” escribe
que el artista del siglo XX es inevitablemente un
For Men Only | Peter Phillips, 1961. consumidor de cultura masiva y un potencial
contribuyente a ella. Warhol, por su parte, llama a su propio taller La Fábrica, aludiendo a la producción
industrial, y en The Philosophy of Andy Warhol (From A o B and Back Again) confiesa que “ser bueno
en los negocios es la más fascinante forma de arte”. El arte se vuelve un objeto de consumo más. Esto
se refleja en las técnicas utilizadas, los trabajos en serie, la capacidad de reproducción y accesibilidad
de las obras, los temas representados y la forma de comercializarlas. Claes Oldenburg presentó sus
primeros trabajos en 1961 con una performance que llamó The Store (La tienda), en una tienda real
de la calle en el bajo Manhattan. Warhol, al año siguiente, expuso sus latas de Sopa Campbell en
repisas, simulando un mercado, y poniendo al coleccionismo en el mismo lugar que el consumismo.
Es pertinente señalar que el arte Pop surge en un momento particular para la historia del arte,
cuando el arte moderno se institucionaliza. En esos tiempos surgen la Tate Gallery de Londres y
el Museo de Arte Moderno de Nueva York, además de escuelas de arte y revistas que dan el marco
institucional a las vanguardias y al arte moderno en general. Los artistas Pop tienen sin lugar a dudas

8 Crac! Magazine
una herencia moderna, desde el collage cubista, pasando por la exaltación de la técnica futurista, hasta
elementos centrales del dadaísmo y el surrealismo: el arte nihilsta y anti-estético donde cualquier cosa
puede adquirir la categoría de arte y el ready-made. La gran diferencia que tiene el Pop con respecto
a estos movimientos de vanguardia es que no busca la crítica o la ruptura con la sociedad burguesa,
incluso, sobretodo en el caso de Estados Unidos, la exalta. Los artistas buscan, y logran, estar insertos
en la institución y sobretodo en el mercado del arte.
Sin embargo, no es todo tan superficial en lo que al Pop respecta. Hay un gran número de obras que
con esta estética realizan una crítica, no sólo a la historia del arte anterior, sino sobretodo a la historia
económica y política de los ‘60, donde el auge económico no dejaba de lado el miedo a la posibilidad
de un nuevo desastre mundial por la Guerra Fría. Roy Lichtenstein en 1963 realiza Whaam!, Robert
Indiana produce obras con críticas al racismo como Alabama, de 1965, e incluso Andy Warhol presenta
obras con mucha carga crítica como Red Race Riot, de 1963 o Electric Chair, de 1964.
El Arte Pop es sin duda un fenómeno paradigmático en nuestra cultura. Como tal también trae aparejadas
un sin número de preguntas que nos llevan a replantear el mismo sentido del arte. ¿Es el Pop una forma
más simple y accesible de arte o es simplemente una forma más “artística” de hacer publicidad?; ¿los
artistas Pop buscan reflejar un comportamiento social o simplemente son parte participante en él?;
si se rompen las fronteras entre lo popular y las bellas artes, ¿tiene sentido que estas últimas existan,
y además se posicionen en el mercado como bien de lujo?; el interés por registrar lo inmediato y lo
contemporáneo de los artistas Pop, ¿es una forma de arte superficial o un reflejo de la nostalgia por la
intensidad de los cambios en el presente?; si una coca-cola, una caja de esponjas de metal o una lata de
sopa pueden ser arte, ¿cuál es el límite?

Referencias

1¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?
2 El Grupo Independiente surge de un grupo de profesionales interdisciplinarios del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres,
que trabajó desde 1952 analizando la cultura de masas, como contrapartida al arte moderno y las bellas artes. Además de Hamilon
lo formaron, entre otros, el artista Paolozzi, los arquitectos Smitherson, el historiador Banham y los críticos del Renzio y Alloway.
3 Parte de este cambio es resultado de que en los ’60 se introduce y aprueba la pastilla anticonceptiva.

Lic. María Luz Diez

Magíster Gestión Cultural y Lic. en Historia del Arte

Crac! Magazine 9
 Pop Art: el principio del fin
Hoy nos cuesta ser conscientes de la significancia del Pop en cuanto movimiento de ruptura.
Acostumbrados al arte contemporáneo perdemos la noción sobre la controversia y quiebre que
marcó este movimiento. El arte Pop mata la idea romántica del artista genio, a cambio de un artista
comercial, que ni siquiera debe realizar su propia obra, y en muchos casos únicamente reproduce
creaciones de diseñadores o publicistas anónimos. Este quiebre en la concepción del arte marca un
hito fundamental en el desarrollo de la estética y el pensamiento artístico.
El filósofo estadounidense Arthur Danto analiza este cambio, y escribe un ensayo esencial -aunque
también controversial- para comprender la significancia del Pop: Después del fin del arte. El arte
contemporáneo y el linde de la historia. Danto considera que fue el Pop Art el que marca la ruptura que
lleva al fin de la historia del arte, a lo que él llama la “poshistoria”. A lo que Danto se refiere con el fin
de la historia del arte – no del arte en sí- es a la muerte de los grandes relatos, de las grandes narrativas
que marcaron la historiografía hasta entonces. Es decir, a partir del Pop el recorrido del arte no puede
leerse ya en términos de principio y culminación, y mucho menos a partir de relatos que legitiman
una tendencia o estilo por sobre otra -como lo hicieron Vasari en el siglo XVI con su historia de la
“mímesis”, o Greenberg en el siglo XX con su narrativa de la abstracción. Por el contrario, según
Danto, a partir del Pop, y más específicamente a partir de la exposición de 1964 donde Andy Warhol
expone sus cajas Brillo Box en la Stable Gallery de Nueva York, el tiempo de las normativas artísticas
culmina. “Ningún arte es más verdadero que otro, ni más falso históricamente que otro”.
El Pop Art pone a la misma altura un objeto de consumo que una obra de arte, por ende, este
pasa no sólo a ser tema de representación sino incluso la obra
en sí misma. Warhol con su obra Brillo Box, que reproduce
exactamente el envase de esta marca de esponjas de metal,
no crea nada. Copia, reproduce y pone en valor. La pregunta
entonces deja de ser qué es el arte, para pasar a cuándo hay
arte. ¿Porqué una caja en un supermercado no es arte y esa
misma caja en una galería lo es?
Danto considera que éstas pasan a ser arte cuando inspiran a
la reflexión sobre el mismo concepto de arte. Diferencia así
a la obra de arte de los objetos banales, considerando que un
Caja brillo Box | Andy Warhol
10 Crac! Magazine
 Andy Warhol y las cajas de Brillo Box. 1964
artista puede “transfigurar” el objeto banal al diferenciarlo por el pensamiento y la interpretación. Obras
como la de Warhol permiten cuestionar filosóficamente al mismo arte.
En su obra The Philosopher as Andy Warhol, que escandalizó a la crítica, Danto se refiere al valor
de la obra de este artista como introductora de la pregunta filosófica sobre el arte, más allá de la figura
de Warhol como personaje. Completamente inserto en el mundo del arte, siendo una de sus estrellas
principales, Warhol logró romper sus límites y cuestionarlo al límite. El arte actual es completamente
deudor de esta ruptura. Lo provocativo, lo imprevisible y lo discontinuo nace en los ’60, haciendo del
arte algo completamente plural donde todo vale.
Lic. María Luz Diez
Magíster Gestión Cultural y Lic. en Historia del Arte
Crac! Magazine 11
 POPULAR POP
“…es muy fácil ser serio y profundo; más
comprometido es ser superficial”.
Rodríguez Arias
el barroquismo de sus ropas los elevaba a un
rango sagrado. Eran Bellos.

1
Al día siguiente, con mi revista debajo del
brazo, fui al club del barrio a encontrarme
Un monedero de hule cuarteado; sí, ese es
con mis amigos. La sociedad de fomento era
mi primer recuerdo cuando pienso en Pop. Mi
nuestro lugar de encuentro, allí nos cruzábamos
abuela rescatando unos billetes de su monedero
los jóvenes con los viejos. Entre toda esa gente
y ordenándolos sobre la mesa. “Esto esto es para
había uno que desentonaba: el Hippie; lo
el lechero, esto para la verdulería y … esto para tus
llamaban así por su pelo largo. “¿Qué tenés ahí?
caprichitos”, dijo.
- me preguntó el Hippie”. “La Bella Gente…”.
“A ver, pasámela –la hojeó en silencio y dijo-;
Las calles de Ezpeleta, a fines de los sesenta,
tenés que escuchar a Led Zeppelin”.
eran todas iguales, de tierra, con zanjas a los
costados; había que caminar varias cuadras para
Al día siguiente visité a todos mis amigos
llegar al asfalto donde estaba el puesto de diarios.
tratando de encontrar un disco de Led Zeppelin;
Corrí con mi billete apretado en la mano; compré
y nada… Nadie lo conocía. Finalmente pude
La Bella Gente. Esa noche tardé en acostarme,
convencer a mi amigo Luis para que su padre
primero devoré aquellas imágenes y luego me
–un comerciante próspero-, lo autorizara a
puse a dibujar con mis marcadores Sylvapen.
encargar en el autoservicio un disco del grupo.
Copié todas las gráficas que anunciaban nuevos
Nuestro pedido no llegó: “Lamentablemente
discos. Las letras parecían flores y todo estaba
no hay en stock –nos dijeron-, pero si quieren
ornamentado con colores intensos. La camisa de
escuchar algo nuevo tengo este long play de The
Lito Nebbia, la túnica de Janis Joplin… Fueron
Doors”. Me decepcioné, pero a Luis le importó
mis primeros héroes; vibraban naturalmente y

12 Crac! Magazine

poco y fuimos a su casa a escucharlo. Lo
que siguió me marcó hasta hoy, “Morrison
Hotel” fue mi encuentro definitivo con
la cultura Pop. Cada tarde, después del
colegio, nos encontrábamos para escuchar
a Jim Morrison; viajábamos por las rutas de
California, soñábamos con chicas rubias,
imaginábamos el poder del LSD; pero no
pasábamos de garabatear hojas Canson
con caligrafía Pop. Pronto comenzamos a
dejarnos crecer el pelo, empezamos a odiar
Crac! Magazine
Jim Morrison, cantante de The Doors
los vaqueros Far West y quitábamos las etiquetas
para poner otras falsas, Lee era nuestra favorita.
Todo detalle que nos ligara al pasado comenzó a
parecernos condenatorio. Adorábamos las camisas
estampadas búlgaras y aprendimos a cosernos
los jeans –así los llamaríamos definitivamente-,
a mano, puntada por puntada, para hacerlos
“bombillas”. A nuestros vecinos, los que no se
vestían como nosotros, los llamábamos “burgos”.
Pronto llegarían las sandalias y las Flechas básquet,
también las persecuciones policiales.
13
 2
En mi barrio la actividad comenzaba a las cinco
de la mañana, con los que iban a las fábricas; los
jóvenes, si no estudiaban, se sumaban a esa vida,
donde para subsistir se debe entregar el cuerpo
por un salario. Tuve varios trabajos, hasta que
conseguí uno decente, en “el centro”; viajaba a
diario a Buenos Aires. Con mis primeros ahorros
compré un campera Levis y la revista Pelo. Otra
marca. En la tapa: Jimi Hendrix; el fotógrafo
debió arrojarse al piso para hacer la toma. La
figura de Hendrix, escorzada, pisaba un wa-wa;
vestido con pantalones gitanos, lucía una cinta
anudada en el muslo y, emergiendo de una túnica
batik, su mano derecha acariciaba el diapasón de
una Fender. Su cabeza: un estallido de pelos.
Esta estética nos dividió, mi amigo Luis prefirió
a Tom Jones y Gloria Gaynor y no volvimos a
vernos. Empecé a tener amigos que provenían
de todas partes, hacíamos kilómetros para
encontrarnos con iguales. Íbamos de Quilmes a
Lanús, de allí a Ciudadela, otras veces a Florencio
Varela; recorríamos toda la periferia de Buenos
Aires buscando gente con la cual compartir
gustos. Obviábamos el bar La Paz, allí los hippies
eran distintos. Lo entendimos cuando vimos sus
modales y la manera de llevar sus ropas, por lo
general importada.
Alguien nos recomendó ir al cine Cosmos, a ver
14 Crac! Magazine
Cuerno de cabra. Fuimos. A la salida, no
sé porqué, nos esperaba un camión celular,
“averiguación de antecedentes”, dijeron los
policías. Nos detuvieron. En la celda había
muchos como nosotros, algunos eran del
FLH, Frente de Liberación Homosexual,
otros estudiantes peronistas, además de un
par de punguistas y un músico borracho.
En el pasillo una mujer gritaba, dos
agentes la inmovilizaban. “Es un loca,
parece que la robaron en la pensión”, dijo
alguien. La mujer era pequeña y hablaba
con acento; había intentado suicidarse en
la celda, sus brazos sangraban.
Cuando todo parecía estar en calma
comenzaron nuevamente los movimientos,
un hombre, elegante, en extremo, fue
conducido a una celda de aislamiento.
“Este es un guante blanco, por eso lo ponen
a resguardo”, nos aleccionó el músico
borracho. Por la madrugada el silencio
volvió a romperse, llegaban un grupo de
travestis; reían y chillaban sin pudor.
Finalmente nos liberaron, algunos de
mis amigos estaban rapados, humillados.
Los del FLH nos invitaron a una marcha
y se fueron abrazados cantando una
consigna. Uno de los peronistas, me regaló
una revista política. La tapa reproducía un dibujo junto a mí una señora alta y bien peinada,
de un obrero musculoso, de overol, elevaba su con la revista Primera Plana entre sus
brazo blandiendo una masa, a punto de estrellarse manos, balbuceaba entre sonrisas: “¡Pop!
contra una piedra; hombre y piedra se parecían. Qué locos lindos”.
Lo firmaba un tal Carpani. “Haceme una copia en
tinta china, te la cambio por un disco de Viglietti Jorge Garnica.
-me dijo-. Ah, y ponele Juventud Peronista en letras www.jorgegarnica.com
hippies; me encontrás en el Suárez”. Nunca más nos
volveríamos a ver.

Caminé por Lavalle hasta Avda. Callao y me

detuve en un quiosco de diarios a ver las novedades;

Crac! Magazine 15
 ¿Sabías que?
Warhol era una pesadilla para los entrevistadores.
En 1966 Gretchen Berg le hizo una entrevista y tras algunas preguntas Warhol respon-
dió «Si lo quiere saber todo de Andy Warhol, basta con que se quede en la superficie:
de mis cuadros, de mis películas y de mí mismo. Ahí estoy. No hay nada más detrás».
El insoportable Warhol encendía una grabadora y preguntaba al entrevistador, se esca-
bullía y respondía con monosílabos: sí, no... Vacilaba a sus interlocutores con ironías,
evasivas y banalidades.

16 Crac! Magazine
He aquí algunas de sus respuestas:

Filosofía: «Mi filosofía siempre ha sido: ¿De verdad no impor-

ta?».

Por qué pinta: «Nunca quise ser pintor; yo quería bailar claqué».

Influencias: «El primer artista que me influyó debió ser Walt

Disney. Recortaba muñecas de Disney. De hecho, quien me in-
fluyó fue Blanca nieves».

Objetivo: «Mi único objetivo es tener una piscina en Hollywo-

od».

Sexo: «Creo que es demasiado laborioso».

Imagen: «Cuando era joven siempre quise parecer mayor, y

ahora quiero parecer más joven. Edie (Sedgwick) llevaba el pelo
teñido de color plateado y se lo copié porque quería parecerme a
ella. Siempre quise parecer una chica».

Jorge Humberto Valderrama

www.facebook.com/valderramarte

Crac! Magazine 17
 MADE IN ARGE
El Pop Local
La Argentina de los 60 no estuvo exenta de la revuelta mundial en lo que al Pop se refiere. Todo lo
contrario, el movimiento se insertó de lleno en la movida artística que adoptó el nuevo lenguaje, con
sus formas y particularidades, caracterizando la década entera y marcando una renovación cultural. Si
bien en un principio siguió la línea del Pop internacional, especialmente norteamericano, que exalta-
ba las nuevas tecnologías y el consumismo, sin dar lugar a la crítica o la búsqueda del cambio social;
cada vez más fue adquiriendo distintivos locales, cambiando el tono de las obras y volviéndose un
reflejo de la sociedad y realidad argentina.
El Pop Art fue la manifestación de una sociedad en expansión y crecimiento económico. Desde
mediados de los ’50 las grandes empresas trasnacionales norteamericanas se propagan en el mundo.
Estas llegan también a la Argentina, e implican un gran número de profesionales que, sumado al au-
mento del empleo industrial y al desarrollo del sector de servicios, fomenta el nacimiento de una clase
media conformada en parte por estos nuevos “ejecutivos”. El nivel de formación mayor que requieren
conlleva la ampliación en la demanda a las universidades1 . Las pautas culturales cambian y se ho-
mogenizan de una manera global y acelerada. Las costumbres y hábitos de la población argentina se
asemejan al de las grandes capitales mundiales. Este cambio se refleja evidentemente en las formas de
vestirse, donde el jean se vuelve una prenda internacional, la ropa comienza a ser unisex, y los largos
de pelo se invierten entre hombres y mujeres. La televisión, a su vez, se convierte en un difusor de las
tendencias masivas.
Por otra parte, los ’60 son una década de gran movilización social, donde se suceden hechos y fe-
nómenos únicos a nivel internacional que marcarán e influirán obviamente también en nuestro país:
la guerra fría, el movimiento hippie, la guerra de Vietnam, la liberación femenina, la revolución cuba-
na, el Mayo Francés, el comienzo del arte conceptual y los happenings, y el arte pop, entre ellos. En
Argentina a nivel político es un momento crucial con la proscripción del peronismo, la destitución
de Frondizi, el golpe militar de Onganía, la militancia política y el crecimiento de la izquierda. Los
jóvenes se convierten en un actor social fundamental, logrando un reconocimiento como tal, y a su
vez diferenciándose en distintos grupos, subculturas, y movimientos contraculturales.
Esta década de efervescencia es sin duda un momento muy rico también para la creación cultural.En
Argentina conviven Cortázar y el boom de la literatura, Mafalda, el nacimiento del rock nacional, y
por supuesto, los artistas Pop.
Una figura fundamental para el impulso y difusión de este estilo fue Jorge Romero Brest, crítico de
arte y gestor cultural, quien dirigió por esos años el Centro de Artes Visuales del Instituto Di Tella,
centro neurálgico de la vanguardia y experimentación artística argentina de los ’60. Romero Brest
convocó al crítico Lawrence Alloway -quien lideró el Grupo Independiente en Londres en los ’50 y
posteriormente fue el curador y crítico principal del movimiento Pop en los Estados Unidos – para
promover el estilo en Argentina.
18 Crac! Magazine
ENTINA
Los artistas locales se vieron influenciados por la mo-
vida norteamericana, pero a su vez fueron muy ori-
ginales en sus creaciones, haciendo del Instituto un
punto de referencia para el Pop a nivel internacional.
Se realizaron obras tan míticas y de ruptura como Exterior del Instituto Di Tella | Florida 964,
La Menesunda, instalación de Marta Minujín y Raúl Capital Federal, Buenos Aires, Argentina.
Santantonín , o ¿Porqué son tan geniales?, de Dalila Puz-
zovio, Carlos Squirru y Edgardo Giménez. La primera era una instalación conceptual de dieciséis am-
bientes que debían ser recorridos por grupo de ocho personas, donde cada zona enfrentaba al especta-
dor a distintas sensaciones y situaciones colmando todos los sentidos: desde un túnel de luces de neón,
a salas con televisores a todo volumen, o un habitación con una pareja durmiendo, hasta perfumes
penetrantes y barandas de goma-espuma. La segunda consistía en un enorme cartel ubicado en la es-
quina porteña de Florida y Viamonte con la leyenda “¿Por qué son tan geniales?”, anunciando a los tres
artistas creadores, que en esta oportunidad se apropiaron de las técnicas de la publicidad y el diseño.
El humor y la parodia son elementos esenciales del Pop argentino. Otro rasgo característico del
movimiento local es que los artistas se avocaron mayormente a la creación de objetos, instalaciones y
performances, más que a la pintura.
Ubicado en la calle Florida, próximo a la Galería del Este, el Instituto Di Tella convirtió la zona en
un encuentro para los artistas y la vanguardia – se llegó a llamar “la manzana loca” – y fue un semillero
de creadores. La “Generación del Di Tella” incluye, más allá de los nombrados, a artistas como Delia
Cancela, Oscar Bony, Rubén Fontana, Rómulo Maccio, Gyula Kosice, Clorindo Testa, Jorge de la
Vega, Luis Felipe Noé, Ernesto Deira, Federico Peralta Ramos, Juan Carlos Distéfano, Antonio Seguí,
Ary Brizzi, o Julio Le Park, entre muchos otros que fueron destacándose con sus estilos y movimientos
particulares. El golpe de Estado de 1966 marcó el principio del fin para el Instituto, que sufrió censu-
ras y hostigamientos hasta que fue clausurado en 1970.
Sin embargo, la fuerza del Pop fue tal que excedió este período, e impregnó no sólo al arte sino al
diseño, a la moda y a los comportamientos sociales. No fue una simple tendencia, marcó una época y
nos sigue marcando aún hoy.

Lic. María Luz Diez

Magíster Gestión Cultural y Lic. en Historia del Arte

1 El gobierno de Frondizi autorizó la creación de universidades privadas finalizando con el monopolio estatal de formación uni-
versitaria.
2 Con la colaboración de Floreal Amor, David Lamelas, Leopoldo Maler, Rodolfo Prayón y Pablo Suárez.

Crac! Magazine 19
 ARTE POP Y CÓMIC

Good Morning Darling | Roy Lichtenstein

Whaam! | Roy Lichtenstein

20 Crac! Magazine
 Dentro del movimiento post-vanguardista que fue el Arte Pop, se destacaron numerosos artistas
que revolucionaron la estética y encararon proyectos innovadores que volvieron locos a los críticos y al
público por igual. La gran mayoría eran provenientes de la publicidad gráfica, en donde desarrollaron
técnicas y estilos que luego volcarían en sus obras como artistas independientes.
Tal es el caso de Richard Hamilton, David Hockney, Jasper Johns, Tom Wasselmann, el famoso
Andy Warhol y Roy Lichtenstein, quien seguramente fue uno de los pocos en mantener una forma
de expresión que haya sido admirada por tanto público, literalmente, dado que su obra llego a hacerse
conocida hasta en Oriente Medio.
Lichtenstein nació en New York en 1923, fue pintor, artista gráfico y escultor y perteneció al movi-
miento del Pop Art desde sus inicios, siendo el artista con más edad dentro del grupo.
Su gran reconocimiento se debe, sobre todo a sus obras: interpretaciones a gran escala del arte del
cómic.
Sus primeras obras eran de un estilo expresionista, pero después de 1957 comenzó a experimentar
con imágenes tomadas de los cómics que sacaba, por ejemplo, de los envoltorios de chicles. Mani-
pulaba estos dibujos libremente e incluso llegaba a mezclarlos con imágenes sacadas de cuadros muy
reconocidos de otros artistas estadounidenses anteriores a su generación.

A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de pro-
ducción masiva, algo parecido a lo que desarrollaba Warhol pero con una esencia más personal, dado
que mientras Warhol creaba serigrafías, series de impresiones producidas al por mayor, Lichtenstein
pintaba sus obras a mano, utilizando acrílicos y con la misma técnica de puntos y los mismos colores
primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos en las revistas.

Sus historietas de cómics, como “Good Morning, Darling” y sus cuadros como “Whaam!” rápi-
damente se hicieron conocidos dentro del movimiento Pop por su innovación y su estilo único.

“Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los
artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e
impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo”, comentaba el artista allá por los 60’s
Roy Lichtenstein monumentalizó las tiras de historietas y, con mezcla de fascinación e ironía tan
típica del Pop, dio a los héroes y heroínas de los comics una dignidad y un prestigio que hasta ese
momento parecía imposible.

Al igual que Andy Warhol, éste icono del género apostó a derribar las barreras entre el arte elevado
y el arte popular. Al observar las obras se percibe cómo da al dibujo la misma dimensión artística que a
la pintura. Así, un rostro, una camisa, una taza de café humeante, un cuarto de baño, un automóvil…
Objetos y escenas banales y superficiales en las que el uso del puntillismo y el color como simple ins-
trumento de impresión, típicas herramientas del cómic, son las técnicas esenciales para la producción
artística de éste visionario.

Santiago Nitto

Crac! Magazine 21
 Alejandr
ARTISTA DEL MES:

CRAC!: ¿A qué edad y cómo empezaste

a interesarte por el arte?
AA: En realidad, estos caminos no se
piensan. Es algo muy fuerte que se
siente… y te aseguro que no sirven los
mapas. Comparto la frase de Cortázar:
“Todos los mapas mienten salvo el del
corazón”.
Comencé ya de grande, a los 27 años;
ya que el mundo del arte no estaba en
mi universo. El primer día que puse un
pincel en la tela, instantáneamente sentí
que era lo mío. De ahí a este presente,
realmente fue un viaje introspectivo.
Muy vital, cerca de los extremos, lejos
de lo conocido, por momentos, en la
nada.
CRAC!: ¿Tuviste una educación
formal o te desarrollaste de forma más
intuitiva?
AA: Primeramente, me formé en un
taller de alto vuelo en el lenguaje. El
de Osvaldo Attila. Creo que el lenguaje
no es joda. Es indispensable para la
comunicación. ¡Ojo! el lenguaje no es el
estudio académico… es espiritual. Los
pasajes, los contrastes, las oposiciones.
El mundo de las relaciones es inherente
al Universo. Por eso está en nosotros.
Éste fue mi verdadero aprendizaje, con
Osvalto Attila, mi maestro.
Luego estudié en la Pueyrredón y
en el IUNA estudié el profesorado
Universitario de pintura. pintar hizo que comenzaras a
Pero el arte es otra cosa. Es encontrarse “entender el Universo”. ¿A qué te
en un trazo, en un color, en una forma. referías con ello?
No hay mapas. Quizás, lo que hallás
es inédito, quizás no te comprendan, AA: Y, si… cuando naciste para algo
quizás hay que bancárselo. No hay y lo sentís tan profundamente... el
plan B. Ese encuentro espiritual no se camino de la comprensión gradual
negocia: es un viaje al universo. A veces de la realidad es para mi a través
a la nada. En ese acto estás en el aire. del arte. Digamos que, por los
Luego viene el mundo y se suma: en caminos habituales, no llegaba a una
ese momento, estás solo con tu historia comprensión profunda… cumplía
vivida. Ahí si viene la intuición. En mi parcialmente con lo establecido,
caso, tiene un valor muy grande. La pero hasta ahí llegaba. Los seres
percepción incluye la visualización de humanos, desde que nacemos, nos
las imágenes que están llegando. ¡Andá prendemos de la vida y tratamos de
a saber de dónde! Pero se perciben. comprenderla. Al final, cada uno
Yo te lo cuento como un cuentito, se va encontrando desde un lugar
pero son años de experimentar, de distinto.
desencontrarse, de encontrarse. Me han pasado cosas increíbles
desde la imagen. He viajado por
CRAC!: Leía en otra entrevista que países remotos y ver obras de otros
22 Crac! Magazine
ro Avakian
seres tan afines y sin tener contacto
previo.. es como en la prehistoria, donde
nos contaban que, en diferentes partes del
planeta, los descubrimientos se daban en
simultáneo. Es el espíritu humano. Y la
necesidad de dar respuesta a los eternos
enigmas: de dónde venimos, para que
vivimos y hacia dónde vamos.
CRAC!: ¿Hasta dónde llega este camino
espiritual?
AA: Creo que dura toda la vida. Hay
que perderse para volver a encontrarse.
Me acuerdo de una exposición de De
Kooning en Nueva York que se llamaba
“El último inicio”. De Kooning tenía más
de 80 y seguía haciendo cosas increíbles.
No podrías creer el resultado. A medida
que pasan los años, el arte se convierte
en el juego que más te gusta, es lo que te
impulsa a seguir, es ese el sentido.
CRAC!: Ya que hablás de De Kooning
¿Cuáles crees que son los artistas que te
influenciaron o admirás y por qué?
AA: Yo te diría que son [Georg] Baselitz,
[Anselm] Kieffer, [Jean-Michel] Basquiat
y [Willem] De Kooning. De los nuestros,
[Rómulo] Maccio, [Jorge] de la Vega,
[Ernesto] Deira y [Alberto] Greco.
Baselitz por la dimensión de su obra, en
todo sentido. Kieffer, por lo espiritual,
“Vuelo de Ángeles” todo relacionado al tema de Holocausto.
Óleo sobre tela Basquiat, por lo salvaje. De Kooning,
por el color. Maccio, por la libertad. De
la Vega, por la locura; y Deira y Greco
también por lo espiritual.
A todos ellos los descubrí yendo a
exposiciones. No soy de los que leen
muchos libros de arte. Ése es el radar de
mi vida: tuve la suerte de viajar y que la
vida me los mostrara; y yo me haya podido
fascinar.
CRAC!: Haciendo un recorrido de tu
obra, tus trazos son decididos. No se
puede evitar sentir que hay algo de
frenetismo, de rapidez. ¿Explorás algún
tema en particular en tus pinturas?
AA: En realidad, no es consciente. Son mis
Retratos. vivencias más profundas, que se expresan
Tinta sobre papel. en un trazo, en un color y en una línea.
A veces, la vida me da un respiro y puedo

Crac! Magazine 23
 levantar la cabeza y pintar a ese otro que no soy
yo y que su historia toca un costado de mí; y así
nace en la tela.
Tengo varias que son representativas. La tela que
pinté por la tragedia de Cromañón, Vuelo de
Ángeles, Japón (por el tsunami), Exilio Sur (el
fin de mi propio exilio) y la serie Percepciones,
dedicadas al genocidio que sufrió el pueblo
Armenio. Como sabrás, yo soy de origen
Armenio y esta es una historia trágica que toca a
toda la comunidad.
CRAC!: Justo iba a preguntarte si algo de tu
ascendencia se relaciona con tu obra. Veo que
tus pinturas tienen algo de [Arshile] Gorky…
AA: ¡Si claro! ¿Sabés que ví una muestra de él
también en Nueva York? Y te juro que, en un
costadito de una pintura, ví una mancha muy
pequeña, que tenía el mismo espíritu con el que
pinto yo. Te lo juro: ¡casi me puse a llorar! Es el
espíritu humano… Fue un guiño del Universo.
Fue increíble. Es decir, nadie nace de una
calabaza. Los orígenes cuentan. Es la ley. Es lo
que te impulsa. Creo que Fellini contaba que
soñó que iba en una barca mar adentro, hacia una
tormenta de aquellas y, cuando estaba a punto
de volver a la costa, aparece desde la tormenta
Picasso y le dice: “Hay que seguir” [Risas]
CRAC!: ¿Alguna vez pensaste en expresarte de
modo más figurativo, en lugar de abstracto?
AA: Si. Yo tengo formación clásica y podría
hacerlo. Será cuestión de sentirlo… ya veremos.
Creo que las estructuras son abstractas, pero la
vida no. O sea, alguna huella figurativa hace que
esa estructura abstracta tenga una singularidad.
Si te fijás en algunas imágenes, hay una huella
figurativa. Yo trabajo con modelos. Es decir,
mi punto de partida es siempre una conexión
humana.
CRAC!: ¿Cómo fue evolucionando tu obra
desde el principio hasta ahora?
AA: Yo me paso la vida decostruyendo. Creo que
comenzamos la vida desde la historia que nos
inculcan y luego vamos tomando riesgos para
darle nuestro sentido. Mis primeras obras, en
relación a las últimas, son hiperrealistas.
CRAC!: ¿Qué cosas del proceso de pintar una
obra te parecen más difíciles? ¿Y cuáles te
resultan más naturales?
AA: Para mí, el acto de pintar es lo que más amo.
Siempre quiero seguir pintando un cuadro. Pero
la imágen me dice “ya está”. Te quedás un poco
con las ganas. En realidad, esto es lo que te hace
pintar la próxima. Yo comparto la idea de Picasso
de que los cuadros no se terminan, se abandonan.
Sentir el momento de abandonar una pintura
me llevó muchos años... Últimamente, creo que
24 Crac! Magazine
 ya no estoy pintando cuadros, sino una
experiencia humana. Desde que pinto
en Barracas [lugar donde se encuentra su
taller], el espacio te inunda. ¿Qué sentido
tiene entonces ajustar algo?
Hay días que pintás en pequeño porque
sentís que es la cantidad de blanco del
papel con el que querés dialogar. Hay
otros, que estas para una tela de 2 metros
por 4; y lo hacés porque tenés la energía.
Quizás, es estar conectado para saber
cada día con qué cantidad de blanco
querés dialogar. A veces, son unas pocas
líneas; a veces, es tapar casi toda la tela.
No hay mapas ni GPS [risas]
CRAC!: ¿Qué significa para vos el arte?
AA: Simplemente, te puedo decir que,
en mi vida, el arte es el sentido. Es la
acción que necesito y que más amo. No
podría hacer otra cosa. Me ha servido
para conocerme, para indagarme, para
explorar mis fantasías, mis miedos y, por
qué no, también para liberarme, para
empezar a conocer el Universo. Para
empezar a encontrarme, a dialogar con lo
inasible, con lo que esta mas allá.

www.alejandroavakian.com

Entrevista realizada por:

Álvaro Mazzino
www.deplatayexacto.wordpress.com

Crac! Magazine 25
 200 Latas
A los 8 años, Andreas Warhola fue
diagnosticado de corea, una enfermedad
del sistema nervioso que causa movimientos
involuntarios en las extremidades. Luego de
ello, sufrió de una complicación de fiebre
escarlatina, además de otra serie enfermedades.
Las visitas a los médicos, y las idas y venidas
a hospitales, causaron que desarrolle una
hipocondría y se aislara de sus amigos. En los
periodos en que estaba confinado a quedarse
en cama, Warhol dibujaría, escucharía radio
y coleccionaría fotos de celebridades del cine.
Más tarde, el mismo Warhol describiría este
periodo como clave en el desarrollo de su
personalidad y, por ende, de sus intereses
artísticos.
De adolescente, estudia arte comercial para
mudarse de su Pittsburgh natal a Nueva
Andy War
York, donde desarrolla una exitosa carrera como ilustrador en revistas, con la que se asegura su futuro
financiero.
Sin embargo, Warhol buscaba otros modos de expresión y por ello empezó por buscar un nicho, un
lugar donde pudiera diferenciarse de otros artistas. Las historietas ya eran usadas por Roy Lichtenstein y
la tipografía por Jasper Johns. Cuando consulta con sus amigos acerca de esta inquietud, le recomiendan
que debe pintar sobre las cosas que más le gustan, lo que para Warhol significa pintar, por ejemplo,
celebridades y Coca-colas®. En medio de ésta búsqueda aparece una galerista llamada Muriel Latow
quien le aconseja pintar latas de sopa y billetes de 1 dólar. Warhol queda encantado con la idea y le paga
50 dólares a Latow a modo de agradecimiento.
El artista comienza a trabajar en sus diseños. Estrictamente, el artista no pinta, sino que usa una técnica
26 Crac! Magazine
s de Sopa
de stencil que lo acercaba mas a un diseñador
gráfico moderno que a un artista clásico. Pero el
contenido o la técnica, en las obras de Warhol,
son irrelevantes. Lo más interesante es el
concepto detrás: Warhol sostenía que las cosas
más banales o vulgares pueden ser objeto del
arte. Inclusive los productos del supermercado.
La modernidad, para él, estaba llena de cosas
que disfrutaba todos los días. ¿Por qué entonces
no usarlas para su arte?
Lo hace. Y retrata en sus obras los productos
que más le gustan: gaseosas, alimentos y
productos de limpieza. Todos ellos con
reconocibles y universales. Warhol pensaba
que los consumidores más ricos compraban

rhol, 1962 esencialmente lo mismo que los más pobres.

Como ilustra él mismo con respecto a la Coca-
cola®, tanto el presidente de EEUU como el mendigo más pobre, podían disfrutar de exactamente la
misma Coca-cola®, independientemente de su posición socio-económica. Warhol convierte este tipo
de productos en iconos. Como la gente se identifica con ellos, rápidamente se convierten en símbolos
de una cultura popular, pop. En 200 latas de sopa, Warhol ilustra uno de sus productos preferidos, las
latas de sopa Campbell’s. La repetición del motivo 200 veces, en este caso, remite a la masificación del
producto, a su acceso por todos, y por ende, es una interpretación de la idea de democracia del país
norteamericano.

Álvaro Mazzino
www.deplatayexacto.wordpress.com
Crac! Magazine 27
 Los revoltoso
Qué decir de los años 60… Tal vez sea la
década más prolífica del siglo en cuanto a trans-
formaciones sociales, artísticas y políticas. Re-
volucionaria en todos los órdenes, ninguna ma-
nifestación humana habría de quedar en pie sin
subvertirse. Una década que cobijo la violencia
internacional más extrema, al punto de que la
misma existencia humana sobre la tierra se viera
amenazada, fue capaz de producir a su vez fenó-
menos pacifistas de una masividad pasmosa, y
la conquista del satélite lunar. Fue, a su vez, una
década productora como ninguna de iconos
culturales cuya memoria aun nos acompaña.
En un mundo dividido en dos por la guerra
fría, las tensiones políticas entre el Oriente ruso
y chino -comunista y verticalista-, y el Occi-
dente europeo y norteamericano -capitalista y
democrático-, somatizaban en la sociedad oc-
cidental en la forma de cambios profundos en
las costumbres y roles establecidos, así como en
la música, la literatura y la plástica. A su vez, el
llamado Tercer Mundo desafiaba a las potencias
centrales a través de los movimientos revolucio-
narios y los procesos de descolonización. Como
forma de reacción, los golpes de Estado inicia-
ban una época oscura y trágica para América
Latina.
En Gran Bretaña estallaba la Beatlemania, y
en el sur, el boom latinoamericano: el fenóme-
no literario que catapulto a la fama una nueva
forma de escritura y el particular sentir de la
latinidad. La revolución cubana se torno modé-
lica para la juventud, y la leyenda del Che Gue-
vara trascendió las fronteras de la política. La
crisis de los misiles, derivada de aquella revolu- nazos: la Primavera de Praga fue un desafío al
ción, enfrento a los Estados Unidos y la Unión cerrado régimen soviético y el intento de una
Soviética hasta niveles insospechados de grave- apertura política hacia alguna forma no totali-
dad, manteniendo en vilo al mundo entero. La taria del socialismo (“socialismo con rostro hu-
guerra de Vietnam abriría una herida profunda mano”). En China, Mao Zedong se apoya en
en la sociedad norteamericana, dando origen a los jóvenes para llevar adelante una gigantesca
movimientos pacifistas expresados a través de la y multitudinaria gesta popular conocida luego
forma hippie de vida, las protestas en la vía pu- como Revolución Cultural, tendiente a radica-
blica, la música y los eventos masivos, como los lizar y devolver a la revolución china su pureza
festivales de rock Woodstock (el más grande de ideológica. Ya fuera por el fanatismo a sus ído-
la historia) y Summer of Love. A ello se sumaba los musicales, las manifestaciones antibelicistas
el masivo movimiento por los derechos civiles o los nuevos paradigmas ideológicos, la juven-
de los afroamericanos, al mando del Nobel de tud copó la calle y cambió la fisonomía de las
la Paz Martin Luther King. El Mayo francés, ciudades.
la mayor revuelta estudiantil y huelga general Inmune a las reacciones populares, la guerra
de la historia europea, aporto sus eslóganes a la fría continuaba en su apogeo. En un intento
época: Prohibido prohibir, La juventud al poder, por hacer realidad la Cortina de Hierro (aque-
o Seamos realistas, pidamos lo imposible. lla muralla metafórica que dividía el mundo en
El bloque oriental no fue ajeno a los cimbro-
28 Crac! Magazine
os '60

Alunizaje: 20 de julio de 1969 | Actualmente conocido

como ·El día del Amigo·

dos), se inició la construcción del Muro de Berlín, un emblema de la época. La carrera espacial, entablada –como la
carrera armamentista- en el marco de la rivalidad oriente–occidente, tendría como hito la llegada del hombre a la luna,
celebrada mundialmente pero a la vez observada con escepticismo por quienes aun hoy la creen un engaño, en reacción
a la victoria soviética en lanzar el primer satélite al espacio, a fines de los cincuenta.
La rivalidad de ambos bloques, sobre todo las carreras armamentística y espacial, daría lugar, imprevistamente, a algu-
nos avances científicos concebidos para la guerra pero que resultaron clave para la vida cotidiana en tiempos de paz, y
sin los cuales nuestras tareas diarias resultarían inimaginables. La creación, en los EE.UU., de una red militar de teleco-
municaciones, derivaría finalmente en la red de Internet actual, como así también el inicio de las telecomunicaciones: de
esta década data la primera transmisión global de televisión vía satélite.
El cine de occidente viviría una etapa de auge, con films como 2001 Odisea del Espacio, Desayuno en Tiffanys, El Gra-
duado, La Dolce Vita, Psicosis, Viridiana, o De Rusia con amor. Y en el plano de la realidad, la opinión pública se vería
sacudida por tres asesinatos famosos y emblemáticos: los de John F. Kennedy, el Che Guevara, y Martin Luther King.

Jazmin Saenz
Politóloga

Crac! Magazine 29
30 Crac! Magazine
Crac! Magazine 31
 ARQUITECTURA Y POP
La consciencia de los años 1960/1970, experimenta la masificación expresada por una
sociedad de consumo regida por la publicidad, deshumanización dirigida por los medios
de comunicación, degradación del lenguaje, pérdida de la conexión entre la palabra lite-
ral y el impulso espiritual que constituye su significado, convirtiendo a la sociedad vacía
de contenido.

Debe surgir una nueva generación de arquitectura para rechazar los preceptos de Ar-
quitectura Moderna, este concepto es el que propone el grupo de avant garde Archigram,
londinense.

Embrujo de fantasías nómadas, Magazine Archigram argumentó que una arquitectu-

ra basada en movilidad y maleabilidad podría liberar a la gente.

Paralelamente, Andy Warhol, Roy Lichtenstein con su Pop Art descontextualizan los
objetos de la vida cotidiana para intervenir en su significado, renovándolos; los Beat-
les, recibidos en Alemania con mucho entusiasmo, irrumpen en Londres y en todo el
mundo; nace la píldora anticonceptiva, los hologramas de laser y las teorías de Michel
Foucault y el Mayo Francés del 68.

Las ciudades son invadidas por edificios construidos con el sistema curtain wall de
cristal espejado. Aunque este método encuentra sus raíces en el Medioevo, es en estos
años que los rascacielos de las ciudades se revisten por una pared exterior – la piel del
edificio- por un cristal espejado como fachada no estructural. El edificio se convierte en
resonancia de la gran ciudad. Es un espejo que actúa como receptor y retransmisor de
las pulsaciones de los ruidos, miedos, intenciones, energías pensamiento, robos, de las
realidades de los individuos que corren por estas ciudades.
El edificio-como un gran televisor- se convierte en una imagen ilusoria proyectada a
través de las irradiaciones de estos cristales espejos que portan una forma o patrón de-
terminado de todas las consciencias humanas de la gran ciudad acelerando la deshuma-
nización.

En 1968, el grupo Archigram propone el transporte de los recursos de entretenimiento

y educación de una metrópoli en un dirigible llamado Instant City, que tuviera la capa-
cidad de volar de un lugar a otro y que tocara tierra temporariamente en pequeñas co-
munidades para permitir a los habitantes de disfrutar del bullicio de la vida de la ciudad.

32 Crac! Magazine
ART

El grupo Archigram se disolvió en 1974 y sólo había realizado tres obras por Dennis
Crompton y Ron Herron: un espacio de juego para niños en Milton Keynes, una ex-
hibición en el Commonwealth Institute de Londres y una pileta de natación para Rod
Stewart.

Archigram nos dio la oportunidad de explicar lo que queríamos hacer si sólo alguien nos
lo hubiera permitido, expresó Ron Herron antes de fallecer. No lo hicieron.

Arkurator Ma. Cecilia G. Bendinger

ceciliabendinger@hotmail.com
www.coecos-dom.blogspot.com.ar

Crac! Magazine 33
 OSCAR MASOTTA:
el teórico Argentin
La figura de Oscar Masotta (1930-1979) es relevante dentro del círculo intelectual argentino a
partir de las década del 50 por múltiples motivos. Entre 1953 y 1959 escribió en la revista “Contor-
no”, desde donde desarrolló un nuevo estilo de crítica literaria influenciado por el existencialismo de
Sartre y el marxismo hegeliano. En la década de los 60`s introdujo el estructuralismo y la semiología
en sus escritos sobre el campo artístico y fue de los primero teóricos en introducir el psicoanálisis
lacaniano en el país. Crítico de arte, ensayista, psicoanalista, observador de la realidad y la cultura
de nuestro país, Masotta fue un hombre de amplios conocimientos que fue aplicando a la teoría del
arte, constituyendose así su legado en un hito dentro de la historiografía en la materia.
Vinculado al Instituto Di Tella en los 60`s, supo vivir las experiencias pop y conceptuales (happe-
nings, performances, instalaciones), a las cuales analizó desde una lectura semiológica-estructural,
haciendo énfasis en el estudio del lenguaje y el impacto de los medios masivos de comunicación
y las tecnologías de la información en la cultura de masas. Levi-Strauss, Roland Barthes, Umberto
Eco, Susan Sontag, Marshall McLuhan fueron la base teórica, atravesada por el marxismo, que supo
influir en los conceptos expuestos por Masotta en sus publicaciones: “El Pop Art” (1966) y “Happe-
nings” (1967). Él mismo fue productor de happenings como “El Helicóptero”, “El Mensaje Fantasma”
y “Para inducir al espíritu de la imagen” (1966).
En “El Pop Art”, Masotta teoriza acerca del pop en Estados Unidos y en Argentina. Para organizar
un corpus teórico coherente apela al análisis de Warhol, Lichtenstein, Indiana, Segal, entre otros,
y menciona la obra de los “imagineros argentinos”: aquellos artistas que considera pueden nuclear-
se dentro de una línea crítica a la estética de la imagen, aunque ve claramente una pluralidad de
posiciones que a veces los mantienen en los límites del arte pop. Santantonin, Renart, Stoppani,
Squirru, Wells y Minujin son aquellos a quienes dedica sus palabras. Influyó en el grupo de artistas
conformado por Jacoby, Escari y Costa en la escritura del manifiesto “Arte de los Medios de Comuni-
cación” (1966).
Las conclusiones a las que llega Masotta acerca del arte pop son claras: en principio plantea que se
produce una reproducción de símbolos ya existentes. Hace una crítica al “realismo” del movimien-
to diciendo que se representa lo representado. Con esto se refiere a que el hombre, en sociedad, se
vincula a través de un sistema de comunicación donde el medio, el mensaje y la decodificación del
mismo son fundamentales, así como el contexto de la situación comunicativa. Lo representado existe
ya de antemano, ha sido creado por el hombre con antelación, y es representado en el pop art, que
toma aquello perteneciente a la cultura de masas, aquellos productos de las comunicaciones y la in-
formación que se masificaron luego de la Segunda Guerra Mundial. Masotta aclara que el arte pop
es popular en tanto es arte vuelto a los productores de la cultura popular.
Como movimiento, nos dirá el teórico, el pop intenta “rebajar” la estructura de la imagen al “sta-
tus” de signo semiológico, con el fin de hacer problemática la relación entre la imagen y el objeto real
al que se refiere. Esto constituye así mismo una crítica radical a la cultura estética que ve a la sub-
jetividad o al “yo” como centro de las significaciones del mundo, denominada por él “subjetividad

34 Crac! Magazine
no del Pop

centrada”. Ya no importa el sentimiento o la inspiración del artista: el mismo toma un símbolo de la

cultura de masas, aprehensible a todos aquellos que comparten en la sociedad el mismo acervo visual
y simbólico, y lo vuelve a presentar en forma de obra de arte.
Acuñando la frase “Después del Pop, nosotros desmaterializamos” teorizó acerca de las nuevas formas
artísticas que surgían en la Buenos Aires de fines de los sesentas. La desmaterialización de la obra con-
creta, plástica o escultórica, abre las posibilidades a un sin fin de expresiones donde el público participa
activamente, los artistas plantean problemáticas concretas y donde se cuestionan cánones tradicionales
vinculados a la comunicación, la sociedad y la cultura.
El aporte de Masotta a la historiografía argentina es relevante y revelador, en tanto fue el primero
en aunar conceptos multidisciplinarios en la construcción de una teoría aplicable a las problemáticas
artísticas surgidas en su tiempo.

Natividad Marón
www.natividadmaron.blogspot.com.ar

Crac! Magazine 35
36 Crac! Magazine
¿Vos sos algo de
Oscar Masotta?
“Desde que empecé a estudiar filosofía y luego cuando hice artes visuales esa era la pregunta de todos
los profesores cuando llegaba mi turno en la lista de alumnos y debo confesar que hasta entonces no
conocía de Oscar más que anécdotas lejanas de la familia de mi padre. Para mí hasta entonces había
sido el primo preferido de mi padre, el rebelde, el cómplice, el marginado admirado, con recuerdos de
infancia compartida y de quién sabe qué aventuras en común y no hubo más hasta su muerte en España
(con versiones distintas a la oficial, pero que no vienen al caso).
Mi encuentro con Oscar es absolutamente casual, me lo tiran encima filósofos, artistas plásticos gene-
ración 60/70, psicólogos sesentones y múltiples personajes cholulos de la historia sin gran pensamiento
propio. Empecé a prestarle atención y me di cuenta que uno no puede rechazar los legados, no hay caso,
te tenés que hacer cargo de la herencia, a como de lugar: y empecé con este otro Masotta que no soy
yo una especie de charla, que tuvo delante mis prejuicios ante la generación que hoy veo decadente de
los artistas de los 60 sobretodo en la Argentina, pero que entiendo por entonces no lo era, como suele
suceder. Además de leer sobre Oscar, de preguntar a quienes lo conocieron de mi familia y de afuera
de ella, de leer entre líneas, de escuchar versiones muy distintas sobre su vida y de hacer mis propios
análisis desde la misma sangre, rescato con orgullo en el aspectos que sin darme cuenta considero claves
para la vitalidad artística del presente. Oscar Masotta no fue un académico ni un intelectual dentro de
la hoja, fue el margen que dejó mas huella que el centro, fue un creador de pensamiento y por eso fue
un intelectual, hizo arte con la mente. Tuvo la posibilidad mental de no atarse a ninguna estructura,
ni a unas pocas preocupaciones. Siento que Masotta, mas allá de las temáticas que fue tocando en lo
que más avanzó como colaboración a la forma de ver el arte y por lo tanto el mundo, es en un método,
en una lógica de ir/venir/salir/entrar/navegar/perderse/profundizar. Siento que Oscar se cagó en todo
e hizo lo que su mente creadora de ideas realmente le decía, no tuvo reparos en andar, de una manera
parecida a como hoy cualquier persona inteligente se maneja en internet, a la deriva y navegando, en-
trando en pliegues, modificando sus intereses según lo que aparece. Seguirlo es seguir a un pensador sin
camino claro, es dejarse llevar por un espíritu libre inteligente que tiene la capacidad de saltar de aquí
para allá. Y esto lo compruebo al buscar sobre Masotta y encontrar que nadie lo puede agarrar, todo son
anéctodas, textos recortados, intentos de interpretación, sigue quedando como una especie de mito/
misterio, se sabe que Masotta dio vuelta la cosa, pero lo que me queda claro es lo que el afirmó con
rotundidad: en arte solo se puede ser hoy de vanguardia, de límites borrados, ruptura, discontinuidad
y rescato de por ahí: no se puede ser revolucionario en arte y reaccionario en política. Sigo leyéndolo y
me digo: volvé Oscar, necesitamos tus desarticulaciones mentales para repensarnos en un momento am-
bigüo donde el arte y el mercado se licuan, y lo que era provocador hoy es solo exhibición mercantil”.

Damián Masotta
Junio 2012

Crac! Magazine 37
 CONTAMINATU
“El medio es el mensaje”.
Marshall Mc Luhan
1

El Pop Art ha sido, en la sociedad norteamericana, la herramienta adecuada para que ésta
disfrutara de una identidad estética, un diseño acorde a la cultura de masas desplegada por las
corporaciones económicas; nada tiene que ver con lo popular. Sin lugar a dudas este movimiento
ha realzado valores intrínsecos –esenciales- para ese pueblo: la celebración del consumo. A través
del arte, la moda, la televisión, las publicaciones y el cine industrial canalizaron este imaginario
preconcebido de productos comerciales para venta masiva. Es un arte que no cuestiona, ni pro-
blematiza y, esto hay que valorarlo en su contexto epocal, fue codificación novísima para mani-
festar un quiebre con la tradición estética, que los ataba a la historia del academicismo europeo.
De esta manera, la primera potencia mundial, se reinsertó en los escenarios del arte en el período
de posguerra, con un nuevo paradigma estético, logrando la adhesión simpática de una parte
importante del mundo joven internacional; snobs. Así buena parte de una generación, adhirió
acríticamente a las nuevas propuestas sostenidas por los mass media; distanciándose de otras po-
siciones estéticas. Las vanguardias, hasta entonces marcadas por la utopía, cayeron en el olvido
frente a la contundencia figurativa –y festiva- del Pop Art.

El Pop Art, en su momento de mayor protagonismo hizo que las etiquetas de bebidas gaseosas,
los pasteles fabricados industrialmente, las señales de tránsito, los semáforos, los enchastres de
afiches, los posters de los recitales, la ropa del ejército confederado, etc. , etc.; fueran vistos como
objetos de arte. Lo ilusorio –y paradojal- de esta propuesta, es que al tiempo que se declamaba
la apertura del mundo del arte para todos, instaló a sus máximos representantes en una región
sagrada, la del jet set. Estos popes con sede en Nueva York se convirtieron en referentes obligados
para la industria cultural, determinando agendas en todo el mundo. La gente volvió a quedar
afuera. ¿La razón? Se debe a que es una propuesta estética de hombres y mujeres con suceso, el
brillo le corresponde a los ganadores, no hay espacio para los perdedores.

Un chico Harlem atesorará la estatuilla de Michael Jackson en su caja original, ahora potenciada
por el aura del Pop Art, pero no será como la que el niño rico posee en su habitación: éste con-
templa a su ídolo en una imagen de tirada reducida –no industrial-, firmada por un star del Pop
Art; puede que sea Jeff Koons…

En tiempos de guerra fría, además de espías, los servicios de inteligencia norteamericanos, ins-
talaron un proyecto colonizador para mostrar al mundo los valores de su cultura. Un mundo de
satisfacciones. Nada se decía de la discriminación racial, los muertos en Vietnam (sólo abordado
desde el costado humano por la industria cultural); o de la Escuela de Las Américas. No se trata

38 Crac! Magazine
UM POP
de una lectura paranoica de los hechos, sino su comprensión a partir de la producción estética de
aquellos años y de lo ventilado, cínicamente, por los mismos servicios de inteligencia estadouni-
dense.

Lograron gobernar nuestros gustos y deseos, generándonos miedos y necesidades, instalando en

nuestros cuerpos maquinarias lingüísticas controladoras: un Otro regulador, un alien agazapado
dentro del pecho.

El Pop Art fue, y es, en sus sucedáneos, arte redundante, repetitivo donde lo representado es mí-
mesis de lo consumido, signo diferido, pergeñado en departamentos de marketing.

La estética pop, es lógica que en sus pliegues guarda el veneno de la marca que representa; su-
blimación comercial. Deviene de procedimientos fordistas que sólo ofrecen serialidad. No hay
otredad en su estructura, ya que ésta es arrancada de cuajo desde su matriz. El bienestar no obe-
dece a necesidades espirituales sino a la concreción de metas para el ascenso social. Su esencia es
capitalista, responde a ese interés y todo indica que nada modificará ese estado. Ubica al sujeto
como agente consumidor –una vez más-, reglándolo con señalamientos y consignas que acotarán
sus decisiones. No emitirá opiniones, no cuestionará, todo lo que tiene que hacer es disfrutar, en
el tiempo libre pautado; el que se le otorgue. Si llegara a interesarse por el arte, su visión estará
conducida por guías de ocio, donde los espacios a conocer serán calificados por periodistas espe-
cializados: cinco estrella, cinco solcitos o un pulgar hacia abajo y así…

Es fácil comprender porque hay tantas revistas de moda y diseño: calman la angustia que produ-
ce el riesgo de comprar y que alguien nos diga: “… eso ya no se estila”. El cuadro o escultura que
llevaremos a nuestro hogar no será distinto del recomendado por un decorador. La publicación
y la firma del asesor legitima y caracteriza al objeto, sin importarnos el artista; tornándolo ade-
cuado, desconociendo las preocupaciones que lo llevó a crear ese dispositivo, rimbombantemente
catalogado como “obra de arte”. Cuadros, objetos exóticos, livings, acolchados, libros de estancias
pampeanas, ejemplares de colección que no nos interesan, el escritorio Luis XV, la mesa ratona
posmoderna, baños con tachito de zinc antiguos (recién fabricados), nos harán pensar que tene-
mos buen gusto. Esto es camp, primo hermano, menor, del kitsch. Estamos enfermos de “buen
gusto”. El estilo no es uniformidad, estilo es aquello que dentro una cosmovisión emerge siendo
voz propia que no podemos definir. Llega hasta nosotros y se integra a nuestro deseo –o quizás

Crac! Magazine 39
 provenga de él-, pone nuestro “sello personal”,
devela nuestra identidad en signo; y no otra.

Adicto al Black Berry

Estas estructuras profundas son consecuencia las
décadas que llevamos asimilando codificaciones
exóticas. No hay lugar para el deseo propio. De
allí el protagonismo de las revistas de vanidades,
éstas nos informan de cómo viven los ricos y fa-
mosos; modelos que trataremos de imitar, con la
frustración consabida, claro.

Debemos comprender que los sistemas de con-

trol antes señalados, hace tiempo que están ins-
talados en nuestras vidas; no del mismo modo,
pero en un mundo global y globalizador, recibi-
mos señales diferidas, tanto sea a través de mo-
delos educativos, como por la relación empática
que establecemos en el uso de las nuevas tecno-
logías.
Pensemos el ejemplo que nos proporciona el celular modelo Blackberry; es un objeto de deseo me-
diante el cual somos controlados. Con nombre inspirado en el pasado – blackberry se le llamaba a
la bola de hierro, irregular, que llevaban atada en la pierna los esclavos negros- ; hoy éste celular es
un medio para controlar empleados y una herramienta para acotar la libertad del otro. Un nuevo
grillete que lo ata al trabajo, y no sólo genera adicción lúdica, sino que es un excelente vehículo de
información, hace que cualquier persona esté ubicable. Delata cualquier movimiento por medio de
triangulaciones. Nuestros correos electrónicos, nuestros gustos, el uso de nuestro tiempo, etcétera.
Puro control, llevamos un chip a cuesta y lo asimilamos alegremente. Con un Blackberry en nuestras
manos nos sentimos seguros y sin embargo es como andar desnudo y sujeto a un cascote. Picapiedras-
Supersónicos.

En tiempos modernos las viejas consignas como “la imaginación al poder”, nos resulta un slongan
fosilizado, un chicle dialéctico para el rumiar de chicanas comunicacionales, en boca de informadores
a sueldo. ¿Qué se comunica, qué se informa? Se dice lo que es necesario que se piense, a partir de di-
rectivas precisas. “Se dijo en la televisión”, o “lo leí en el diario”, bastará para que eso dicho sea verdad.
Lo verdadero es que cedimos ante las exigencias, fuimos acríticos y hemos dejado nuestros espacios
de participación en manos de consultoras que, de tanto en tanto, nos cuentan cómo va el país y el
mundo. Para saber de Ingrid Betancourt, esperaremos que sea invitada a un almuerzo televisivo, para
entender la política local esperaremos el domingo para reír con Jorge Lanata, el periodista devenido
en cómico; hasta que las velas no ardan.

Le contaré un cuento: Hace muchos años, creo que fue a fines de los sesenta, vi una serie televisiva que
se llamaba Rumbo a lo desconocido. A los niños, por aquel entonces, no nos era permitido ver “series
de miedo”. Así que me las ingenié para espiar la tele con la puerta entreabierta, y vi lo que no debía
ver. Cuando terminó la serie, todos estaban en silencio, sólo se oía ruido de vajilla y el agua correr.

40 Crac! Magazine
El capítulo hacía referencia a una invasión extraterrestre. Una nave se posaba sobre un pueblo de Es-
tados Unidos y con un rayo, que abarcaba todo el perímetro (¿les recuerda algo?), abduce al poblado.
Deja solamente un cráter. Y se lleva a todo el mundo a otro mundo. Por la mañana los pobladores
despiertan y encuentran que envueltos en tinieblas; más tarde toman conciencia de que no puede ir a
ninguna parte. Los autos no funcionan, tampoco los teléfonos, los televisores y las radios. Al ir hasta
la linde, no pueden avanzar, la niebla es más espesa.

Los días pasan y los alimentos se acaban, también empiezan a tener reacciones en la piel: a muchos les
ha comenzado a crecer unas protuberancias, algo parecidas a las verrugas. Decididos a conformar un
grupo para iniciar una misión de reconocimiento, se juntan los más valientes y parten decidido a con-
frontarse con lo desconocido. En el camino son interceptados por unos humanoides, parecen hombres
de barro. Estos seres monstruosos hablan telepáticamente. Les comunican que los han llevado hasta
su mundo, porque ellos ya no podían hacer las tareas que hasta entonces habían realizado. Que por su
alto desarrollo de conocimiento no volverían a dedicar su tiempo a tareas sencillas. Los terrícolas serían
sus esclavos. También se les informó que lentamente comenzarían un proceso de transformación física:
los sirvientes no podrían ser de aspecto diferente al de ellos, ya que los seres de la tierra les resultaban
visualmente desagradables. En ese momento me puse a llorar.

La historia termina con los humanos reunidos en la plaza del pueblo, tomados de la mano, en círculo;
tratan de contagiarse rápidamente las verrugas. En el final se ven a todos caminando en fila india; van
hacia lo desconocido. Se pierden entre las tinieblas y la cámara se detiene en lo bello del firmamento.

Jorge Garnica
www.jorgegarnica.com

Michael Jackson | Jeff Koons

Crac! Magazine 41
 Jorge de La Vega
“Estado Unidos es un mundo tan poderoso y artificial que
por contraste el hombre adquiere relieve.”
Jorge de La Vega, el genial artista argentino que la-
mentablemente se fue muy temprano (41 años) de este
mundo, es sin la menor duda el artista argentino de más
influencia en la escena mundial del Arte Pop. Pero Jorge
no es solamente eso, un artista Pop, sino que su trabajo
y figura tuvieron continuas metamorfosis, casi kafkeanas
se podría decir, a través de su carrera. Para empezar Jorge
de La Vega fue un arquitecto que nunca se recibió de
arquitecto (estudió cuatro años en la UBA) por el simple
hecho de haber nacido para el cambio y la experimenta-
ción constante decidió no recibirse y se largo a experi-
mentar el mundo.
De la Vega incursionó en los grandes movimientos
plásticos de la época, el Geométrico, el Abstracto, el
Realismo, hasta desembocar en su primer gran amor la
Nueva figuración, donde junto con él brillarían nombres
como Rómulo Macció, Felipe Noé y Ernesto Deira. Su
paso por la Nueva Generación fue relativamente corto,
solo permaneció dos años dentro del movimiento, lo
cual fue un tiempo de una importancia tremenda para
el desarrollo posterior del artista, ya que la Nueva figura-
ción tenia como objetivo central la búsqueda del riesgo,
la espontaneidad, y la creatividad algo que en esa época,
y tal vez aún hoy perdure, iba contra todo el sentido del
arte comercial. El pintar para solamente vender y ganar
dinero.
La Nueva Figuración, por su rebelión contra las atadu-
ras de la época, fue determinante para de La Vega por-
que lo empujó hacia la aventura de estudiar la condición
humana, lo obligó a adentrarse en un empirismo onto-
lógico, ya no era solo el estudio de la imagen humana
y sus diferentes concepciones, ahora era entender a ese
hombre.
Luego del período de la Nueva Figuración de La Vega,
músico, compositor, cantante, diseñador grafico, dibu-
jante, entre tantas cosas que escapan a este artículo, em-
prendió un viaje a los Estados Unidos, a donde arribó en
1966. Su primera impresión fue una de rechazo absoluto
hacia una sociedad excesivamente consumista y a la vista
tristemente superficial. Aquí y no en Buenos Aires Jorge
de La Vega encontró el ojo clínico necesario para desme-
nuzar la sociedad y darse cuenta de que en realidad no
42 Crac! Magazine
había que cambiar, por ejemplo, las artes plásticas sino
que había que cambiar al hombre en si. El hombre era el
problema y no sus actividades. Este descubrimiento de-
sató finalmente en él el humor necesario para convertirse
en un crítico de la época sin ser destructor de esa mis-
ma época. Se podría decir que Jorge de La Vega alcanzó
la madurez artística en su momento más tragicómico.
Cuando esa misma sociedad que lo rodeaba lo superaba
con su plástico, su profundidad chata y su falta de signi-
ficado. Ahí y no en otro lado Jorge de La Vega descubrió
que justamente todo ese entorno posibilitaba ver al hom-
bre en relieve, ver al hombre por lo que era y no lo que
aparentaba ser. Esa sociedad estadounidense finalmente
probó ser una sociedad tan profunda como un laberinto
de Borges. Y en ella se zambulló el artista hasta encontrar
en uno de los tantos laberintos al Pop Art poseedor de
los elementos necesario para satirizar sin ser cínico a la
sociedad de consumo de sus días, no hace falta recordar
los trabajos de Andy Warhol y Roy Lichtenstein. Y el
Pop Art tan estadounidense en su concepción encontró
una visión no americana de su propia sociedad.
Jorge de la Vega es admirado y respetado en Estados
Unidos tanto como lo es en Argentina, o tal vez más.
Es universal. Es el hombre que trasciende idiomas y
fronteras porque ve, más allá de superficialidades o pro-
fundidades ilusorias la real condición humana, esa que
trasciende la mirada del ojo común y solo puede ser re-
conocida por la agudeza intelectual de un ser, ante todo,
poseedor de una inteligencia suprema.
Jorge de La Vega, como dije antes, murió demasiado
rápido pero su legado cada día adquiere una dimensión
más grande.
Jorge Schneider
Escritor.
 Yellow Submarine,
la película: Animada, hecha en 1968, estaba basada en la
canción con el mismo nombre de The Beatles. Fue dirigida por George
Dunning, y producida por United Artists y King Features Syndicate.

En la película, entre la psicodelia y la fantasía, los Beatles viven unas

aventuras muy “locas”. Fue furor este film por su innovación en la ani-
mación, provocando un gran éxito.

Crac! Magazine 43
 ENTREVISTA A MARIA GRACIA FILL
Artista, retratista, restauradora en el museo del louvre
y novelista
Se acaba de editar tu libro ADABOR por la
editorial Librosenred, ¿cómo lográs unir todas estas
ramas del arte, novelista, retratista, pintora y restau-
radora?
No fui uniendo las ramas del arte, llegaron con
mi vida unidas. De muy pequeña me dedicaba a
estas expresiones. La restauración resultó una “va-
riación sobre el tema”: Quería ser cirujano, es casi
lo mismo, con la variante que el paciente no sufre
(sí, muchísimo, el dueño del paciente).También me
disolvía por el anhelo de bailar clásico, por el teatro;
Más adelante, por la dirección de cine. Quería saber
cómo estaba formado un motor y de qué manera
funcionaba, que podía salir de un alambique. Todo
me atraía, todo era una magia que había que enten-
der y descubrir. Finalmente la vida me dejó cuatro
cuerdas para mi arpa. A veces desafinan, pero para
mi suenan maravillosas y trato de contentarme si al
instrumento le faltan todas las demás. Dicen que del
otro lado tocaremos un arpa con todas las cuerdas,
yo prefiero ésta que tiene cuatro. Amo la vida que
dio esas cuatro cuerdas para mí.
Tus pinturas son relatos, como tu novela,
¿cuál es la raíz de esta visión plástica?
El universo que nos rodea existe independiente-
mente de nuestro ser, pero a partir de NOSOTROS,
este universo cobró una dimensión, un peso, un
volumen, una gama de colores, olores, sensaciones
dactilares, sonidos, números, palabras. Es la deses-
peración de reconocernos. De alguna manera nos
representamos y presentamos nuestro entorno, tra-
ducimos a nuestra medida el milagro de la vida y
eludimos la trasformación más evidente, la muerte.
También siento la muerte con una connotación de
particular cambio, no con la característica de fin.
Obedezco a una fuerza que me obliga (nos obliga) a
atrapar el tiempo de alguna manera. Ese es el relato:
Atrapar el tiempo con un cuento musical, con un
escrito, la construcción de un puente, con un ensa-
44 Crac! Magazine
yo de probeta. Mi pintura, mis retratos, mi restaura-
ción, mis escritos, son formas diversas de atrapar la
vida contándola. Es el grito del amor a la vida.
Sos retratista, ¿cómo elegís a tus modelos?
No se si yo los elijo, o ellos me eligen a mí. Siento
que nos queremos reconocer a través del ojo del otro.
Tengo la veleidad de querer encontrar (retratando)
el alma del ser que observo y dejarla grabada sobre
una superficie. La materia, las líneas, los colores, se
transforman en el relato de esa alma. Siento que es
un acuerdo tácito entre el retratado y el que retrata.
Fuiste restauradora en el Museo del Louvre
y en el Museo Xul Solar, ¿encontrás algún punto de
encuentro entre Europa y Argentina?
Sí, encuentro similitudes: ese tratar de caminar ha-
cia un entendimiento que abarque la humanidad de
la que debemos aceptar la memoria en todas, todas
sus manifestaciones, sin olvidos casuales, o intencio-
nales de nadie, para que nos reconozcamos como se-
res humanos.
Contame un poco sobre tu proyecto de Pun-
ta del Este.
Lo bello de los proyectos es cuando uno trabaja
asiduamente todos los días, visualiza metas, pero se
permite cambios frente a la estructura inicial. La di-
námica del encuentro provoca chispas, las chispas,
incendios. Creo en la creatividad súbita, cuando se
juntan los elementos correctos. Así hacer del pasa-
do algo nuevo y viceversa. Formar un pequeño club
donde lo que se haga y se comparta, tenga un valor
de peso de vida atreves de la creatividad. Éste es el
proyecto para Solanas.
Entrevista realizada por: Cecilia Bendinger.
María Grazia Fill, autoretrato, Paris, Febrero´78, 90 x 70cm.

Crac! Magazine 45
 Les Anunciamos el Lanzamiento de Groofi.com
¿Qué es Groofi?
Groofi es una plataforma de financiamiento colectivo para emprendedores, creativos, artistas, y gente
con talento en general -- los cuales mediante este sitio pueden dar a conocer, difundir, y lograr la pre-
venta de un producto y/o servicio utilizando el poder de las redes sociales, Facebook, Twitter, Youtube,
Vimeo y más, convirtiendose de esa manera en un Puente entre las ideas y el financiamiento.

¿Para quién es Groofi?

Artistas, productores, diseñadores, modistas, arquitectos, escritores, directores, bailarines, empren-
dedores, campañas solidarias... Groofi tiene la versatilidad para poder ser utilizada en la promoción
de cualquier proyecto.

¿Para qué sirve Groofi?

Mediante pequeños, medianos, o grandes aportes de corporaciones o individuos, lograr juntar el capi-
tal necesario para llevar a cabo su proyecto a cambio de la oferta de beneficios, productos y servicios
especiales.

¿Cómo funciona Groofi?

Groofi trabaja con una modalidad "todo o nada" -- cada proyecto define una cantidad de dinero re-
querida para llevarlo adelante, y un periodo de tiempo en el que se espera recolectar el monto. Luego
cada corporación o individuo hacen los aportes que quieran al proyecto, dependiendo cuáles benefi-
cios ofrecidos les sean de interés, y así se va juntando el dinero. Este dinero se entrega únicamente
al que propone el proyecto en el caso de que se llegue o supere el 100% de lo requerido, en el caso
de que no sea así, el dinero le es devuelto a todos los que aportaron.

Conozcan algunos de los proyectos publicados en Groofi:

- Aconcagua Por Los Chicos
- José Ignacio International Film Festival
- Documental "Cuba en 2012"
- Charla y Workshop de Fotografía con Eddie Soloway
- Documental "El Mismo Amor, Los Mismos Derechos"

Pueden visitarnos en:

Groofi.com
Groofi Blog
Groofi en Facebook
Groofi en Twitter

46 Crac! Magazine
 INTELIGENCIA
CREATIVA
Un libro de Javier Camacho

Próximamente se editará en Argentina el libro de

Inteligencia Creativa. Versado en la creatividad y en el
Ser creativo, ayudando a cambiar al mundo desde su
extraordinario aporte, Javier Camacho ha escrito un
gran libro, pequeño en su envase, pero gigante en su
contenido, excelente para todos los seres creativos y no
creativos del planeta.
¿No creativos? No existe la No Creatividad, según
como está planteado en sus páginas, sólo existe lo que Utiliza un espejo si no puedes leer el texto en la pizarra
uno mismo sea capaz de permitir integrar a su vida. La
creatividad se aprende y se ejercita, como él nos cuenta
en sus páginas, guiándonos mediante ejercicios útiles
y muy prácticos hacia una vida creativa, llena de dina- necesidad de hacer algo, nos bloqueamos.
mismo y color. Tremendo trabajo el de ser creativo y tener que poner
En cada capítulo una idea sobre la mesa… y que no caiga ni una. Javier
plantea diferentes mé- nos da técnicas y recursos para nunca quedarnos sin
todos de acercamiento ideas, nunca agotarnos, y ser lo mejor y más bello que
hacia la creatividad, nos puede suceder en la vida: CREATIVOS.
cómo desarrollarla,
organizarla, y llevarla Kenia Fx.
adelante. Directora
Una persona que no Crac! Magazine
se considera a sí misma
creativa puede tomar
este libro en sus manos
y cambiar de idea sobre
sí misma al terminar
de leerlo: todos somos creativos y podemos desarrollar
nuestra creatividad aún más. Pero una persona que ya
es creativa, en cualquier área de su vida, al terminar de
leerlo sentirá mucha más destreza y autoconfianza en su
propia creatividad.
A veces nos planteamos, en pleno desarrollo de nues-
tras ideas o proyectos, cómo podríamos ser más efec-
tivos en la creación. Javier expone, sin vueltas y sin
complicaciones, con un vocabulario sencillo y escueto,
maneras de abordar la creatividad efectivamente, or-
ganizadamente. ¿Se contradicen estos adjetivos con la
creatividad? Solemos pensar que la creatividad es un
maremoto de ideas, un remolino, un desorden existen-
cial, y que desde allí nacen las mejores ideas… puede
ser, que el proceso creativo sea en parte un menjunje.
Por eso muchas veces no sabemos por dónde empezar,
y cuando no sabemos por dónde empezar y tenemos la
Javier Camacho

Crac! Magazine 47
 L
xul solar
ENTRE LA METAFISICA Y EL ARTE | CUARTA PARTE
El proceso de individuación, la sustancia “manas”, el alma-
transformada y espiritualizada-, la evolución de la consciencia
humana, su libertad, se expresan en el mundo simbólico por la
gran serpiente o la serpiente verde poetizado por Borges, pintada
por Xul Solar, contado por Goethe y explicado por Jung y Steiner.
Sin fin el mar. Sin fin el pez, la verde serpiente cosmogónica que
encierra, verde serpiente y verde mar, la tierra como ella circular1
Borges, a través de su conocimiento mitológico, describe en
Midgarthormr, la leyenda de la gran serpiente que con sus poderosas
ondulaciones rodearon la consciencia humana con sus fauces de pasión y maldad. Este ouroboros
se cierra mordiendo su cola y vive de sus fogosidades y exaltaciones. Al final, en el Día de la Gran
Batalla se elevará y purificará en un plano mayor de belleza, sabiduría y amor.
En ese precipicio estaba la hermosa serpiente verde, que se despertó a causa del tintineo
de las monedas despeñadas. Apenas vio las doradas obleas, las devoró de inmediato
con gran avidez…sintió, con el mayor agrado fundirse el oro en sus intestinos y expandirse
a través de todo su cuerpo; notó para su mayor alegría, que se había vuelto transparente y luminosa2.
Transparente y luminosa es la serpiente pintada por Xul Solar en Palacio Almi (19323). En
esta obra, la serpiente posee una cabeza de ser humano que parece moverse con total soberanía
y libertad en el mundo del palacio del alma, de las energías del alma, de los pensamientos, de
la consciencia, brillando con una luz interior, tal como la serpiente en el cuento de Goethe, La
serpiente verde y el lirio hermoso.
Xul Solar pintó serpientes en Fluctúo (1919), Reptil ke sube (1920), Fluctúa navesierpe (1922),
Tlaloc (1923), Drago (1927) y en muchas obras más dando forma a los pensamientos de la
consciencia hasta que, por intención y trabajo, con meditación y arte, logra en 1932, pintar el
espíritu mismo (Geistselbst).
48 Crac! Magazine
A GR
AN S
ERPIENTE
En el culto de Mithra hay un tipo peculiar de dios, el dios –llave Aión, cuya presencia nadie se
explica, pero yo pienso que es muy comprensible. Lo representan con el cuerpo alado de un hombre y la
cabeza de un león, y en torno a él se enrosca una serpiente que sobresale por encima de su cabeza…Aión es
Tiempo Infinito y Duración larga, el dios supremo de la jerarquía mitraica; crea y destruye todas las cosas,
es la durée créatrice de Bergson. Es un dios sol. Leo es el signo del zodíaco en que el sol reside durante el
verano, mientras que la serpiente simboliza el invierno o el tiempo húmedo. De este modo Aión, (el dios
con cabeza de león y una serpiente alrededor del cuerpo) representa la unión de los opuestos, de la luz y de
la oscuridad, de los masculino y de lo femenino, de la creación y de la destrucción. Este dios es representado
con los brazos cruzados y una llave en cada mano. Es el padre espiritual de San Pedro, que también tiene
llaves. Las llaves de Aión son las llaves del pasado y del futuro4.

Este texto de Jung alude al arcano de la ley de la polaridad o del Bien y del Mal tan fuertemente
determinada por las religiones. La consciencia, dividida en energía masculina y femenina, yang-yin,
Oriente y Occidente, opera desde los hemisferios cerebrales derecho o izquierdo. Ni pensamiento
lógico Yang que explique el por qué, ni el pensamiento intuitivo yin que nos dice el cómo o de qué
manera, sino la metamorfosis de ambos pensamientos para una nueva consciencia, es lo que la serpiente
intenta al ascender.

Arkurator M.Cecilia G. Bendinger

ceciliabendinger@hotmail.com
http://coecos-dom.blogspot.com.ar/

1 Jorge Luis Borges; Obras completas;Ed. Sudamericana; Once; Midgarthormr; pág.278.

2 Johan Wolfgang Goethe; (1749-1832); La serpiente verde y el lirio hermoso.
3 Xul Solar; Palacio Almi; 1932; acuarela sobre papel; 40 x 55cm, Museo Xul Solar.
4 Carl G. Jung, Obras completas 6, Madrid Trotta; 18/1,pág. 266.

Crac! Magazine 49
 Al arte lo que es d
Reseña de Contra el arte de Chantal Maillard

La descontextualización y lo kitsch son fenómenos emparentados que han sido muy utilizados por los movimientos

artísticos del s. XX. Llegando hasta su origen, podemos ver aspectos del fenómeno que son el reverso de la intención que

lo genera. Por ello, y sin intentar hacer un análisis de todo un movimiento, propongo viajar, guiados por los ojos de

Maillard, por la gestación del proceso artístico de la descontextualización y la función social de los sitios en donde se

llevó a cabo: el museo. Así, se explican a un tiempo la historia y sus implicaciones, políticas y cognoscitivas, que este
fenómeno imprime en la idiosincrasia colonizadora de occidente.

El primer apartado del libro Contra el arte y otras imposturas1 dedica los seis ensayos que lo conforman al

arte, la estética “y sus conexiones, influencias o derivaciones con los valores sobre los que cualquier sociedad

se construye”. Los artículos, conectados entre sí, producen un todo que trata lucidamente no sólo la función

del arte en nuestra sociedad, sino también el tipo de mirada que en ella se gesta. El segundo de ellos, «Contra

el arte» expone una opinión peculiar e interesante sobre la función que la descontextualización tuvo en el arte

occidental del siglo XX.

El fenómeno de la descontextualización tuvo lugar significativo en el s. XIX: era el tiempo de los museos

antropológicos, occidente estudiaba a otras culturas valiéndose de los modos propiamente científicos: objetos

-mágicos, poderosos, simbólicos siempre- conquistados en tierras lejanas eran expuestos para el análisis o la
contemplación e sitios construidos o aprestados para ello. Un cartel debajo de cada objeto aclaraba su función,

su fin original –religioso casi siempre- necesaria para comprenderlo o estudiarlo. El objeto inerte en ese espacio

neutro y científico estaba siendo descontextualizado para su análisis. Pasaban a ser arte. Antes eran arte solo en

su primera acepción, la de artificio, cosa bien hecha, cosa bien hecha para un fin.

El museo, o templo de las musas comenzó siendo, en la antigua Grecia, un sitio para el estudio científico,

propio de la aristocracia. Fue en la Francia revolucionaria que ese patrimonio real se democratizó: las puertas

del Louvre se abrieron al público en 1793 creando el modelo de museo que sigue vigente nuestros días. A los

museos fueron a parar los trofeos de las conquistas, de las guerras y de las expediciones arqueológicas. Así, los

estudiosos catalogaban, mientras el público general hacía un recorrido histórico e introducía esos objetos en

50 Crac! Magazine
del arte
el “mapa cognoscitivo”2 occidental, ejercicio que

se hacía mediante el texto explicativo escrito en

el recuadro blanco3 . Ahora bien, ya el comité

revolucionario reconocía el poder neutralizador

del acto de encuadrar: “los objetos expuestos en el

templo [museo] dejaban de ser señales o símbolos

de su poder; se reducían a inofensivas obras de

arte. Simples cosas hechas.”4

Occidente introducía en su mapa cognoscitivo

su otredad y desvirtuaba así el poder original

al momento de serlo se vuelve juiciosa ya que debe emitir
de ésta -poder cohesionador de un pueblo
un juicio estético; se vuelve crítica, ya que sin el criterio
generalmente- simplemente cambiando de sitio y
discernidor no hay juicio. La mirada se hizo, entonces, distante
encuadrando física, conceptual y focalmente, los
e individual, donde antes era comunitaria y contemplativa. De
objetos encarnadores de ese poder. Desvirtuando
este modo el museo se convirtió y se sigue convirtiendo en el
el objeto, quitándole sus virtudes, es éste el que
nuevo templo de la Diosa Cultura y se encarga de educar a sus
cambia si se comprende que un objeto es tal por las
fieles: NO TOCAR, SILENCIO… la distancia se intensifica
virtudes (cualidades) que lo conforman. Y es que,
y ese conservar y no tocar se parece, según Maillard, a nuestra
en palabras de Maillard, un objeto no es una cosa
incapacidad de relacionarnos con lo otro. El sujeto, por tanto,
que sencillamente es: “Un objeto es lo que una cosa
lejos de volverse estético, se volvió y se vuelve un pasivo
significa para un sujeto y ninguna cosa significa
observador juicioso.
nada sin un contexto”.
Descontextualizar objetos, es decir, convertirlos en otros
Es así como eso objetos trasladados, con una
recontextualizándolos, es un proceso que se ha hecho por
funcionalidad que los trascendía en otras culturas,
diferentes motivos en el arte del s. XX. Algunos ejemplos son
se convertían en obras de arte: objetos para ser
el de Duchamp con su recontextualización de objetos de la
contemplados. Pero toda mirada contemplativa

Crac! Magazine 51
 vida cotidiana para mostrar -o refutar- que cualquier
objeto es estético; para cambiar la mirada del sujeto
y por ello a él mismo; o el de Andy Warhol, que se
encargó de descontextualizar mercadería para mostrar
que al objeto estético no le hace falta la mirada del
sujeto, la perspectiva y por ende el propio sujeto. Pero
como se ha dicho, aunque la lata Campbell sea la
misma, el objeto no es el mismo en un supermercado
-donde el sujeto es un consumidor- que en un museo,
donde el sujeto es un observador.
Bien es verdad que la descontextualización puede
hacerse en el mismo supermercado si un sujeto
encuadra esas latas y las contempla estéticamente
como las contempla en la galería. Aquí Maillard
refuta a Warhol: él no demostró la falta de sujeto en el
objeto estético, sino que la capacidad de decidir qué
es susceptible de ser descontextualizado y que no se la
dejamos, como sociedad, al artista. Pero ésta capacidad,
la de descontextualizar puede ser un fenómeno
artístico aplicable a la vida, a una vida artística, por
ejemplo para resolver situaciones poco usuales. “Urge
formar criterio” apremia la autora: en un mundo
donde el kitsch se encarga de descontextualizar objetos
y duplicarlos de forma degradante para convertirlos
en producto habría que mirar a los tiempos donde
el arte “colaboraba en la construcción del sentido
de un pueblo imaginando (poniendo en imágenes)
sus poderes, conjurando sus miedos, elevando su
espíritu6… .
¿Por qué el museo, entonces, se volvió una estructura
obsoleta? Porque las obras de arte, en ese templo de
la cultura, inertes, distanciadas del espectador, ya
52 Crac! Magazine
no forman parte de su mundo. El capitalismo, cuya
supervivencia radica en incluir envolviendo a sus propios
detractores (mediante la estética del kitsch), desterró el
arte que lo criticaba al templo del museo, y lo que está allí
dentro es arte: no duele, no pica.
Frente a ese arte, entonces, se necesita un arte activo,
constructor de sentidos, ese será el objetivo del arte de
Chantal Maillard, crear a la comunidad. Desde las ruinas,
el dolor y el sinsentido hacer un arte que nos vuelva a
comunicar.
“Volver a las palabras
con voluntad de sentido.
Boqueando. Pez en la orilla
común de los creyentes”7
Carola Bendinger
www.cirolem.wordpress.com
1 Pre-textos, 2009, Valencia. Como bien explica su
autora
2 Ob cit. p. 54.
3 Esta característica guarda relación –según Maillard-
con el tipo de acercamiento –científico, distante y de
mirada crítica- que tiene occidente hacia otras culturas.
4 Ob. Ci p. 51
5 Ob. Cit. 60.
6 Idem.
7 Maillard, Chantal, Hilos, Tusquets, 2007, Barcelona.
 “Death means a lot of money, honey. Death
can really make you look like a star”, Andy
Warhol.

La calavera es un elemento recurrente

en la obra de Andy Warhol, por su alu-
sión inmediata a la muerte, tema que
obsesionaba al artista. Esta recurrencia a
reflejar la fragilidad de la vida se hace evi-
dente en los años 60 con la serie Muerte
y desastre, y en los 70 con la serie de
Calaveras. Siempre egocéntrico Warhol
incluso se retrató con este símbolo del
paso del tiempo.

Explicación de la obra:

Esta obra de arte digital está

realizada por Pay de Menta,
y está basada en una fotografía de
Andy Warhol, tomada luego del
incidente que éste tuvo con la escritora
estadounidense, de ideas feministas
radicales, Valerie Solanas, quien
disparó sobre el artista llevándolo a un
delicado estado entre la vida y la muerte. Página Oficial:
Luego de su recuperación, Andy http://paydementa.jimdo.com/
Warhol no siguió siendo el mismo,
y si bien todos sus allegados sentían Canal de Youtube:
http://www.youtube.com/user/enon1000
un profundo resentimiento contra la
acción de Solanas, el acontecimiento Canal de Vimeo:
no tuvo mayor trascendencia debido al http://vimeo.com/user7276416
asesinato de Robert Kenedy ese mismo Facebook:
mes. http://www.facebook.com/paydementacolectivo

Crac! Magazine 53
 ¿CREATIVIQUÉ?
Con esta reseña abrimos el espacio a Javier Camacho que va a estar dándonos consejos sobre creatividad en
cada número...

¡Qué levante la mano quien se con-

sidere creativo! ¿Has levantado tu mano al
leer esto? Si no lo has hecho espero que sea
porque estás solo allí donde leas CRAC!
Magazine y te ha parecido absurdo; pero
si no la has levantado porque realmente te
consideras una persona no creativa, tienes
que saber que tienes razón, no eres creati-
vo, lo siento.
Tanto si lo crees como si no lo crees, tienes
razón.
Henry Ford.
Y es que el principal obstáculo que existe
para el desarrollo de la creatividad es pre-
cisamente ese, pensar que no se es creativo.
Todos tenemos ideas, algunas de ellas
geniales, pero ¿sabes que hace una persona
que se considera no creativa con sus ideas?
“Lo Creativo” Hexagrama I - I-Ching | Tatuaje
Fotógrafo: Javier Camacho. Juega al tiro al plato a ver si las derriba y las
sabotea constantemente con pensamientos
como “Eso ya estará inventado”, “Eso es una tontería”, “Si funcionara ya lo habría hecho alguien”, “No
tengo recursos para llevarla a cabo”, “Si lo pongo en marcha y no funciona seguro que me arruino”, etc,
etc, etc...
Lo que distingue a alguien que triunfa de alguien que no triunfa no es lo que piensa,
sino lo que hace con lo que piensa.
Todas estas ideas limitantes hacen que lo que piensas se quede ahí, en un pensamiento y cuando
descubras que alguien ha puesto en marcha esa idea, esa solución al problema, ese invento dirás

54 Crac! Magazine
“Eso se me había ocurrido a mí, me lo han robado…” Siento decirte que no te han robado nada, tú no
lo has puesto en marcha, tú no has creído en ti mismo… recuerda, TÚ NO ERES CREATIVO, así
que tú papel en la vida seguirá siendo el mismo, pasivo… te toca quedarte con la frustración de sentir
que te roban las ideas…

¿Qué es Creatividad? Dices mientras clavas

en mi pupila tu pupila azul.
¡Qué es Creatividad! ¿Y tú me lo
preguntas?
Creatividad eres tú.

Así que quítate de la cabeza la idea de que no eres creativo y cree en tus posibilidades, cree
en tu Creatividad, cree en ti. La creatividad es como un músculo que se puede ejercitar. Como
en todo, habrá personas a las que se les dará mejor que a otras, pero sólo con saber que eres creativo
llegarás a lugares y encontrarás soluciones que ni siquiera se te habían pasado por la cabeza.

Y deja que tus ideas crezcan y se desarrollen. Cuando una idea nace, lo hace como un brote y
es muy fácil echarla por tierra, es muy fácil pisarla para que no crezca… No lo hagas, déjala
libre, piensa sin limitaciones, deja que la realidad te limite si llega el caso y deja que se convierta en un
roble fuerte para que nadie, ni tú mismo, pueda sabotearla.

En esta sección iremos dando técnicas concretas, sencillas, fáciles y amenas para que
desarrolles tu creatividad en cualquier campo en el que desa-
rrolles tu actividad, en cualquier
aspecto de tu vida… así que permanece atento a CRAC! Ma-
gazine y be creative my friend!

Javier Camacho. Creativador.

Autor de Inteligencia Creativa. Ed. EDAF
www.facebook.com/creativador
creativador@javiercamacho.es

Crac! Magazine 55
 CONSTRUYENDO
PUENTES
TALLER SOBRE CREATIVIDAD

El taller ha sido diseñado partiendo desde lo simbólico, un puente, como inte-

racción de disciplinas: creatividad, arte terapia y dramatización.

Se desarrollan experiencias sensibles desde lo visual, auditivo, musical, lúdico,

manual, participativo y corporal para inducir al proceso creador individual y grupal
partiendo desde la acción hacia la reflexión de lo vivenciado.

Se parte de la concepción de sujeto producido y productor de subjetividad; de los

conceptos de grupo como sostén del psiquismo, de conducta como totalidad en
evolución dialéctica, de vínculo como estructura compleja y de salud como adap-
tación activa a la realidad, desarrollados por Enrique Pichon-Rivière. Según este
autor “…el sujeto es sano en la medida en que aprehende la realidad en una perspectiva
integradora, en sucesivas tentativas de totalización, y tiene capacidad para transformar-
la modificándose, a su vez, él mismo” .

La actividad del taller está direccionada hacia la salud y desde la salud. Lo tera-
péutico es consecuencia de la producción creativa y no su objetivo. Es el proceso
expresado simbólicamente con un puente, que incluye un vínculo con el proceso
creador y con los otros.

Interdisciplinariamente transitamos este taller desde la creatividad centrándonos en lo vin-

cular, con la intención de acompañar a una posible transformación de la subjetividad de cada
integrante con una mirada integradora.

EQUIPO DE COORDINACIÓN

Alejandra Sabbatini: (Buenos Aires, 1967) Artista Plástica egresada de la Escuela Nacional de
Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Psicóloga Social egresada de la Primera Escuela Privada de
Psicología Social fundada por Enrique Pichon-Rivière.

Teléfono: 156 269 0067

Dirección electrónica: jandrasabba@yahoo.com.ar

56 Crac! Magazine
 Congreso, 2012

Elena Puž: (Buenos Aires, 1954) Psicóloga Social egresada de la Primera Escuela Privada de
Psicología Social fundada por Enrique Pichon-Rivière.

Teléfono: 156 257 5212

Dirección electrónica: elenapuz@gmail.com

María del Carmen Armana: (Buenos Aires, 1955) Psicóloga Social egresada de la Primera Es-
cuela Privada de Psicología Social fundada por Enrique Pichon-Rivière.

Teléfono: 154 195 3378

Dirección electrónica: mariarmana@gmail.com

Crac! Magazine 57
 FANTASMAS URBANOS
SALVO GENOVESI

El arte contemporáneo parece a veces buscar tal precisa integración con la realidad y con el ambiente que lo con-
fronta inevitablemente con su contexto visual, de modo que lo visible se impone tan claramente solo por aquello que
es, no por aquello que representa, al tiempo que el impacto es a veces muy duro y difícil de comprender. Por lo tanto,
si el artista con su trabajo afrontará con procedimientos desacralizantes o artificiales la superación del doble juego de
la realidad y la fantasía, todo esto se reflejará mejor sobre el interés creciente y contemplativo o incluso participativo
del observador, con un significado y un contenido que son un desafío a su espontaneidad creativa.

Éste el doble juego visual y conceptual que nos propone Salvo Genovesi en esta serie de fotografías extraídas del
proyecto “NO SHAME”, realizadas con un procedimento que en su conjunto tiende a más hacia la contemplación
pictórica que a la fotografía en su sentido crudo. En sus imágenes buscar recrear una visión emocional de la realidad
urbana, pero no como registro documental, sino convirtiendo al medio fotográfico en un evento extraordinario por
su lectura directa y la inmediatez de la sensación temporal.

Con un sabio uso del blanco y negro como transformación de lo real hacia lo irreal, parece llevarnos aparentemente
a un sueño del pasado para luego devolvernos inmediatamente a la realidad con pequeñas y puntuales excepciones de
color, a fin de componer la imagen como un pensamiento único, contexualizando el instante de la toma fotográfica

58 Crac! Magazine
 Car Wash | Salvo Genovesi

para comprometer de este modo al espectador. Una realidad mediada, inventada y suspendida
entre el sueño y la realidad, entre lo racional y lo irracional, fértil refugio para quien, como
Salvo Genovesi, propone la fotografía como un medio para liberar la creatividad.

Massimo Scaringella

Crac! Magazine 59
 Elixir

60 Crac! Magazine
 Elixir se desarrolla en una época donde
la alquimia y las artes oscuras se unían para
revelar nuevos horizontes o satisfacer capri-
chos mortales. Un período de oscuridad y
ocultismo, donde el submundo interfería
en la vida de la gente.
La historia muestra la astucia de Samael
para arrastrar almas hacia el infierno. Sem-
brando en la humanidad el “Elixir”, símbolo
del deseo y el egoísmo. El Hombre poseedor
del elixir lo tiene todo y es capaz de sacrifi-
car su propia sangre para seguir teniéndolo.
Ya que en las almas es donde se encuentra la
esencia. Descubre la vida humana a través
de la tentación, la promesa de plenitud bajo
cualquier precio.
El Elixir anima a algunos a atravesar sus
propios límites, y hasta llegan a mostrarse
tal cual son, quitándose la máscara que los
acompaña para poder sobrevivir.
Y a otros los empuja hacia el abismo de la
desesperación donde la razón no tiene lugar
y la acción se vuelve incontrolable y peli-
grosa.
Al final, la astucia de Samael podrá arras-
trar hacia la oscuridad las almas elegidas.
Aunque solo quedara el gran titiritero que
jalo y/o corto los hilos en todo momento.
Crac! Magazine
___________________________________
- Duración del espectáculO: 60 minutos
___________________________________
- Elenco
Hugo Agudo, Sebastián Aguilar Nuñez, Clau-
dia Aguilera, Daiana Alvarez, Corina Blanco,
Jorge Cerviño, Armando Correa, Paloma Díaz
Santaella, Maria Eugenia Oroná, Maria To-
rrestti, Iván Alejandro Valenti.
Diseño y realización de máscaras (Puerta del
infierno): María del Rosario Errecalde, Corina
Blanco
Diseño y realización de mascaras (Cabras): Ju-
lián Mardirosian.
Diseño y realización de mascaras (cuervos):
Julián Mardirosian, Sebastián Aguilar Nuñez.
Diseño de luces y escenografía: Julián Mardi-
rosian.
Fotografía: Paloma Díaz Santaella, Frono Ro-
mán y Guss Correa.
Vestuario: Fhernanda Elgueta.
Asist. de dirección: Hugo Agudo.
Producción ejecutiva: Claudia Aguilera.
Producción: Grupo El ser primario.
Música Original: Ricardo Ayas.
Libro y dirección: Julián Mardirosian.
___________________________________
Trailer
You tube:
http://youtu.be/9cH2ZwyxPX8
http://youtu.be/79-UuG-eZck
http://youtu.be/wN3tfnCH7Lg
http://youtu.be/yh9srzAHMM0
61
 POETAS DEL ASFALTO
Gustavo Stocovaz
todo tiene
oigo el tamaño de la noche
te veo ir mientras canta la copa al estrellarse
y voy detrás,
te abrazo contra tu voluntad, la curva de un pasillo
forcejeamos, acaba con el cuerpo de una mujer
caigo muerto que observa para siempre

me alzás con tus brazos …

de brava amazona,
me llevás a tu mesa de mármol, cae la noche estrellada
me afeitás todo el cuerpo con todos los aviones
pero no duele
…
pintás de rojo mi última sonrisa
y me ponés un nombre bonito de mujer consumiciones
porque todo tiene un nombre de mujer, un padre colosal otea,
incluso la distancia verga en mano,
los manjares

entre sábanas heladas la comisuras de sus labios

respiro cenizas de tabaco titilan sobre la muchedumbre

62 Crac! Magazine
enamorándola …
periquitas humeantes
se rozan y se huelen alguien teje
en pasillos estrechos
alguien teje en la habitación de la lado,
un mancebo recién aceitado hay que hacer enorme silencio para saberlo
raspa el fondo de su tarro;
te unta si la sobra alguien teje con antigua juventud en las calles subte-
pero solo hasta que llegue algo rráneas,
con uñas en la espalda en los puentes entre el cielo y el paisaje,
y lo cautive en el silencio voraz de los espejos

guardianes del negocio de la especie alguien teje el guión de una vida simultánea
recorren los úteros
y anotan en pizarras hay que hacer enorme silencio
y bailar con el fantasma
susanitas de taco aguja para saberlo
y bincha azul
festejan gimiendo en registro torturante …
y exhiben de inmediato
sus ortos clausurados los hogares son ocres, son cúbicos,
los vidrios están limpios,
lleno mi tarro de orejonas fláccidas tienen invisible la tristeza
y vuelvo a casa
con viandita el paisaje se mueve suavemente,
los ojos de los niños podrían arder

… la voz pesada de papá

se hace risas contra las paredes
a esa que agita
su cascabel las blancas cortinas de tul
de vidrios rotos, acarician intrusos que no tienen cuerpo
a esa que difunde
una traducción la madre se pregunta sie es dolor
indecente aquello que se agita en los sótanos de la piel
del silencio,
a esa la voy a llevar la niña, en cambio, no deja de soñar;
a mi casita de fuego incompleto su pájaro
donde un niño la espera entra árboles de fuego
que conoce su perfume
canta y canta ….
mis canciones
inconclusas esto no es vida
… es solo belleza
vista desde atrás
¿es una palabra de adiós cuando se escapa
eso que convulsiona
en el lecho …
de este río
de pronto traslúcido?

Crac! Magazine 63
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64 Crac! Magazine
Aullidos Filosóficos para Niñetes Andróginos
III. La Confusión
Cuenta una fábula persa que, antes de salir de su
hacienda, el patrón pone al perro la comida del
caballo y al caballo la comida del perro. Atados y
famélicos, los animales pasarán horas de zozobra
en las que se regalarán miradas de odio bajo el
sol y la nube de arena del establo, dispuestos a
atacarse las sombras. Pero a la tarde, cuando re-
grese y ponga a cada cual su cuido, las alimañas
celebrarán con afecto la justicia del amo. Así, al
ir de cacería, el corcel será el más veloz de la cua-
drilla, mientras el galgo conducirá al zorro a la
encrucijada...-, me pareció haberle escuchado al
sabio iraní Mahan Saatchi, cuando nos encontra-
ra el azar en el camino del tranvía, cabe al Palais
des Sports de Mulhouse, en Alsacia.
Yo le hablaba a Mahan sobre la confusión. Gol-
pe de teatro: tibias y calavera en la bandera de
una corbeta pirata bordada en un gobelino para
el aniversario de la Reina Calva. Ruido de vuvu-
zuelas que trenzan discursos disfónicos en tu
interior, como el rumor de un rebaño de abejas
mentales que te impidiera alcanzar la tranquilidad
melódica para seguir el hilo de Ariadna, y disfru-
tar de la final de la Copa del Mundo. El relato con
el cual me respondiera mi amigo caricaturizaba la
pesadumbre de la confusión, como la condena
de un Sísifo posmoderno cuya gracia consiste en
la inconsciencia de su desgracia. Y puesto que el
triunfo de la confusión se libra en el inconscien-
Crac! Magazine
te, la pasividad y el conformismo
ante los hechos pueden producir-
nos piedad por el caballo y el pe-
rro, aunque padezcamos del mis-
mo mal y por ende no podamos
reconocerlo.
La condena a una percepción con-
fusa se origina desde los propios
sentidos, aunque ellos mismos
nos ayuden en el afán de liberar
la conciencia. Lo anterior no los
priva de sensualidad, por ejemplo
ante el color de las cosas: el cual
es cambiante entre las especies e
incluso entre los seres humanos,
quienes verán distintos tonos de
violeta. Por eso tampoco los priva
de conocimiento, de ahí la técni-
ca y la ciencia experimental. Y de
ahí el que no valga la pena sentir
piedad por los animales del esta-
blo, ya que quizás la confusión les
sea propia a su condición de ser
caballo y de ser perro. Lo entendí
hace un par de semanas, cuando
le pedí a Mahan que me volviera a
contar la leyenda, y advertí que yo
también había puesto la comida
equivocada en la mañana, antes
de dejar mi hacienda. “-Nada de
eso, se trata de un cuento de los
Hermanos Grimm que yo leía en
Irán. Tenía una profesora de es-
pañol – prosiguió Mahan, mien-
tras afirmaba con los ojos abier-
tos como platos voladores-, una
colombiana que era esposa del
cónsul de Teherán...”
A Mahan Saatchi
Mulhouse, 27 de mayo y 2012
Silvio Bolaño Robledo
www.delasselvas.blogspot.com
65
 CHICAS POP
by Esther Capece

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Crac! Magazine 67
68 Crac! Magazine
Groofi.com