génesis

ESCUELA DE DISEÑO
GRÁFICO Y DIGITAL

diseño
TIPOGRAFÍA II

LOS DIFERENTES TIPOS

DE PAPEL

siglo XX
ESTUDIANTE:

Julianna Doviaza, 5-716-

783 .
 UNIVERSIDAD DE PANAMÁ

CENTRO REGIONAL UNIVERSITARIO DE SAN MIGUELITO

FACULTAD DE ARQUITECTURA Y DISEÑO

ESCUELA DE DISEÑO GRÁFICO Y DIGITAL

Historia del Diseño Gráfico

LA GÉNESIS DEL DISEÑO DEL SIGLO XX

ESTUDIANTE:

Julianna Doviaza, 5-716-783

PROFESORA:

Roxana Ricord

FECHA:

Septiembre, 2023
La génesis del diseño del siglo XX

Cuando finalizó el siglo XIX y comenzó el siglo XX, los diseñadores buscaron formas
nuevas de expresión; los avances tecnológicos e industriales alimentaron estas
inquietudes.

Algunos diseñadores de Escocia, Austria y Alemania se alejaron de la belleza

serpenteante del dibujo natural en busca de una nueva filosofía estética que
encarara las cambiantes condiciones sociales, económicas y culturales del cambio
de siglo, investigaron el potencial del dibujo y el diseño abstracto y reduccionistas.

Frank Lloyd Wright y La Escuela De Glasgow

De joven Wright dirigió una imprenta en un sótano con un amigo fue ahí donde
prendió a incorporar en sus diseños el espacio vacío o blanco y a combinar
materiales diversos en un todo unificado y consideró al espacio como la esencia del
diseño, y este énfasis fue la fuente de su profunda influencia en todas las áreas del
diseño del siglo XX.

Dirigió su atención a la arquitectura y diseño japonés en busca de un modelo de

proporción armónica y poesía visual.

El estudio y sus reproducciones de la obra de beardsley y toorop tuvieron mucha

influencia en un grupo de jóvenes artistas escoceses Este grupo estaba compuesto
por Charles Rennie Mackintosh, Herbert Mc Nair y las hermanas Margaret y francés
McDonald. Su trabajo tuvo gran éxito cuando se dio a conocer en la primera
exhibición de la escuela, donde los bautizaron “Los Cuatro”.

Los Cuatro realizaron carteles, bordados, ilustraciones; trabajaron en metal, vidrio,

estuco, etc. Mackintosh se destacó por el diseño en madera (techos revestidos,
diseño de mobiliario, etc.) inspirado en el Estilo Japonés y la arquitectura.

Un grupo de jóvenes artistas escoceses conocidos como la Escuela de Glasgow

desarrollaron un estilo único de originalidad lírica y complejidad simbólica. Ellos
innovaron un estilo geométrico de composición, adaptando elementos florales y
curvilíneos con una fuerte estructura rectilínea.

Su trabajo variaba desde expresiones melancólicas hasta elegantes diseños

simplificados.
En Austria, el Sezessionstil, o la Secesión de Viena, ocurrió el 3 de abril de 1897,
cuando los jóvenes de la Künstlerhaus, la Asociación Vienesa de Artistas Creativos,
renunció con una protesta escandalosa.

El Separatismo Vienés

En Austria, la Secesión vienesa (Sezessionstil), nació en 1897, cuando los

miembros más jóvenes de la Asociación Vienesa de Artistas Creativos
(Künstlerhaus), presentaron su renuncia en señal de protesta.

La esencia del conflicto era el choque entre la tradición y las nuevas ideas
procedentes de Francia, Inglaterra y Alemania, además de que los artistas jóvenes
querían exponer con mayor frecuencia.

Al igual que la Escuela de Glasgow, la Secesión vienesa se convirtió en un

movimiento de oposición al florido Art Nouveau que prosperaba en otras partes de
Europa.

El pintor Gustav Klimt fue el guía de la revuelta. En el primer cartel de una exposición
de la Secesión vienesa, Klimt hacía referencia a la mitología griega al mostrar a
Atenea, la diosa de las artes, que observa a Teseo cuando asesta el golpe mortal
al Minotauro.
 Atenea y su escudo,
que representa a
Medusa, forman una
imagen simbólica de
perfil y frontal al
mismo tiempo, en
una alegoría de la
lucha entre la
Secesión y la
Asociación Vienesa
de Artistas
Creativos.

Los árboles se sobreimprimieron posteriormente, porque el desnudo masculino

escandalizó a la policía de Viena, aunque esta controversia lo único que consiguió
fue alimentar el interés del público por la revuelta de los artistas.

El cartel de la quinta exposición de la Secesión vienesa, hecho por Moser,

demuestra lo rápido que se asimilaron las figuras centrales idealizadas y las formas
florales del Art Nouveau francés.

Una diferencia importante

es el aprecio de los artistas
de la Secesión por las letras
limpias y sencillas de palo
seco, que van desde los
bloques planos hasta
formas caligráficas fluidas.
 Ver Sacrum (Primavera Sagrada), fue más que una revista, fue un laboratorio
de diseño.

Los artistas de la Secesión preferían el arte lineal enérgico y las tapas de Ver
Sacrum a menudo combinaban letras manuscritas con dibujos de línea vigorosos,
impresos en color sobre un fondo de color.

Se usaban con profusión los elementos decorativos, los marcos ornamentales, las
cabeceras y las piezas decorativas finales, pero el formato general de la página era
pulido y conciso, gracias a los márgenes amplios y la cuidadosa alineación
horizontal y vertical de los elementos en un todo unificado.
 Gracias al uso del
espacio en blanco en la
composición de la
página, de material para
imprimir liso y brillante y
de métodos de
producción poco
habituales, alcanzó una
elegancia visual original.

Peter Behrens y la Nueva Objetividad

El Arquitecto y diseñador alemán, Peter Behrens desempeño un muy importante

papel en la planeación de un curso de diseño en la primera década de nuevo siglo.
Busco la reforma tipográfica y fue uno de los primeros defensores de la tipografía
sans-serif.

Se le considera “el primer diseñador industrial” en reconocimiento a sus diseños de

productos para fabricación en masa como lámparas de alumbrado público y teteras.
En 1907 se inició como director artístico de la AEG (Allgemaine Elektricitäts-
Gesellschaft), empresa para la que diseñó una gran cantidad de productos, algunas
fábricas e incluso las viviendas de sus trabajadores.

Destacan entre sus obras la nave de turbinas para la AEG (1909) en Berlín,
construida en hormigón colado, acero visto y grandes cristaleras de vidrio plano

Peter Behrens fue un pionero en muchas áreas del diseño en la primera mitad del
siglo 20 y sus ideas se convirtieron en ideas influyentes en todo el mundo de la
industria gracias a sus estudiantes, especialmente por Walter Gropius, Mies van der
Rohe y Le Corbusier. Entre sus principales influencias fue la creación del concepto
de identidad corporativa.

El diseño para el subterráneo de Londres

En 1890 el primer Sistema de trenes eléctricos subterráneo del mundo se inauguró

en Londres.

Los carteles publicitarios del subterráneo fueron eléctricos y muy diversos, y

evolucionaron con el paso de las décadas.

Los carteles del subterráneo variaban en estilo desde el romanticismo Lirico hasta
la introducción del modernismo en la comunicación masiva.

A finales del siglo XIX y principios del siglo XX, los diseñadores precursores en
Alemania, Escocia y Austria rompieron con el Art Nouveau para explorar nuevas
direcciones en respuesta a las necesidades personales y sociales.

Johnston diseño una nueva versión de las señales de las estaciones y del logotipo,
usando su nuevo tipo de letra sobre una barra azul enfrente de un círculo rojo en
vez de un disco sólido.

Este logotipo del subterráneo de Londres aún se usa en la actualidad con algunas
modificaciones que se incorporaron en 1972.