Fundada en Londres en 1946, Marlborough adquirió un prestigio considerable exponiendo obras maestras de

finales del siglo XIX, bronces de Edgar Degas, pinturas de Mary Cassatt, Paul Signac, Claude Monet, Camille
Pissarro, o Auguste Renoir, y dibujos de Vincent van Gogh. En los cincuenta, fue la primera galería que presentó a
los expresionistas alemanes, celebró muestras dedicadas a Kandinksky y la Bauhaus, y en los sesenta, con la aper-
tura en Nueva York, representó a artistas como Oskar Kokoschka, Henry Moore, Francis Bacon o Lucian Freud.
Desde entonces ha celebrado muestras dedicadas a Paula Rego, R.B Kitaj y Louise Bourgeois.

Inaugurada en 1989, la historia de Marlborough Madrid ya sobrepasa los treinta años. En 1992 abrió al público
su actual espacio, diseñado por el arquitecto neoyorkino Richard Gluckman, autor entre otros del Museo Picasso
de Málaga y el Mori Art Museum de Tokio. Desde su célebre exposición inaugural, dedicada a Francis Bacon,
Marlborough ha prestado especial atención al arte y los artistas españoles, y acogido las propuestas de prestigiosos
artistas internacionales.

Marlborough colabora con numerosos museos en la organización de exposiciones individuales de artistas de re-
nombre internacional. A lo largo de su historia, la galería ha forjado una sólida reputación en el mundo del arte
por su dedicación a proyectos públicos y exposiciones de escultura monumental, como la reciente instalación de
obras monumentales de Blanca Muñoz en Washington y en la Plaza de España de Madrid, en 2022, y las de
Antonio López en Tomelloso, en 2023.

La galería representa el trabajo de más de 20 artistas, entre los que se cuentan seis Premios Nacionales de Artes
Plásticas y cuatro académicos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Entre ellos destacan el míti-

Madrid co artista Antonio López, los pintores Alfonso Albacete, Gillian Ayres, Luis Gordillo, Juan Navarro Baldeweg,
Orfila, 5 o Soledad Sevilla, así como figuras de la escultura española como Blanca Muñoz, David Rodríguez Caballero o
28010 Madrid
+34.91.319.1414 Francisco Leiro, a las que se han unido las recientes incorporaciones de la histórica artista brasileña Anna Bella
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Geiger, la peruana Rita Ponce de León y la mexicana Laura Anderson Barbata.
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Actualmente Marlborough cuenta con sedes en Nueva York, Londres, Madrid y Barcelona.
Barcelona
Enric Granados, 68
08008 Barcelona
+34.93.467.4454
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Londres
6 Albemarle Street
London, W1S 4BY, United Kingdom
+44(0)20.7629.5161
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Nueva York
545 West 25th Street, Floors 1-3
New York, NY 10001, USA
+1(212)541.49.00
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Galería Marlborough presenta a partir del próximo 14 de septiembre la exposición Rayuela / El orden falso, que
reúne a 14 artistas visuales latinoamericanos que se acercan o se inspiran en el complejo universo de la icónica
novela de Julio Cortázar para conmemorar el 60o aniversario de su publicación.

Dicha exposición, comisariada por Octavio Zaya, es a la vez un homenaje a esos 60 años de Rayuela y una opor-
tunidad para examinar y analizar cómo este grupo de artistas imaginan sus obras, se acercan o se inspiran en una
obra literaria ya clásica para la literatura en castellano.

Como en el caso de la contra-novela de Cortázar, los artistas abordan diferentes temas y relaciones, situaciones y
estilos, como el amor, el absurdo de la existencia, la literatura, el lenguaje, la política, la autobiografía, el monólo-
go interior, la discontinuidad, el desplazamiento, el juego o los días del año.

Varios de ellos han realizado obras expresamente para la exposición, otras se presentan al público por primera
vez. Y, como en Rayuela, no existe un núcleo principal, una esencia como cualidad intrínseca o indispensable que
caracterice a la exposición, ni un ejemplo que mantenga las propiedades fundamentales de la muestra. “Andába-
mos sin buscarnos, pero sabiendo que andábamos para encontrarnos”, diría Cortázar. Lo que se destaca aquí es
la fusión de sus formas -o de sus aformas- con la diversidad y las contradicciones del mundo representado como
cambio, como juego y rompecabezas. Decía La Maga, uno de los personajes principales de Rayuela, que “el orden
falso disimula el caos”.
ALEXÁNDER APÓSTOL
Serie “Partidos políticos desaparecidos”, 2018
fotografía color
medidas variables

(Venezuela, 1969)

Artista conceptual multimedia que trabaja sobre la modernidad latinoamericana (arquitectura, arte),
política (autoritarismo, populismo, democracia, entre otros) y género (masculinidad, queer) a tra-
vés de la historia del arte, de la arquitectura y de la historia política de la región.

Entre sus exposiciones individuales más importantes encontramos la del MALBA (Argentina); y
entre las colectivas destacamos The Solomon R. Guggenheim Museum (EE.UU.), South London
Gallery (Reino Unido), la 54ª Bienal de Venecia (Italia), en la TATE Modern (Reino Unido) y la del
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España).

En cuanto a colecciones públicas, podemos destacar su presencia en la Tate Modern (Reino Unido),
Centre Pompidou, Musée National d’Art Moderne (Francia), The Solomon R. Guggenheim Mu-
seum (EE.UU.), Colección CA2M (España) y El Museo del Barrio (EE.UU.).
FERNANDO BRYCE
Sin título, 2023
tinta sobre papel
medidas variables

(Perú, 1965)

Trabaja en torno a la memoria a partir de series de dibujos que reproducen imágenes y documen-
tos de archivo para ofrecer distintas narrativas históricas y visiones no lineales de la historia que
permitan una nueva mirada del presente.

Bryce ha expuesto de forma individual en el Konstmuseet Malmö de Suecia y en exposiciones

colectivas en la Tate Liverpool (Reino Unido), en la Bienal de Lyon (Francia), en el MoMA (EE.UU.)
y en la 53ª Bienal de Venecia (Italia), entre otras.

En el apartado de colecciones caben destacar la Kunsthalle Bremen (Alemania), Kunstmuseum St.

Gallen (Suiza), MALBA (Argentina), MoMA (EE.UU.) y Tate Modern (Reino Unido).
Sin título, 2023
tinta sobre papel
medidas variables
(detalles)
LUIS CAMNITZER
El libro de los puntos cardinales, 2015-2022
impresión digital sobre vinilo
medidas variables

(Alemania, 1973)

Artista uruguayo de origen alemán, figura clave del arte conceptual latinoamericano,
Camnitzer trabaja con temas como la represión bajo sistemas de poder, normas pedagógicas y la
deconstrucción de marcos familiares.

Individualmente ha expuesto, entre otros, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, (Espa-
ña) y en la 43ª Bienal de Venecia (Italia). Algunas de sus exposiciones colectivas han tenido lugar
en la Tate Modern (Reino Unido), el KW Institute for Contemporary Art (Alemania) y MoMA
(EE.UU.)

Importantes colecciones de todo el mundo atesoran piezas suyas, entre las que destacamos Centre
Pompidou (Francia), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España), MoMA (EE.UU.), Smith-
sonian American Art Museum (EE.UU.) y el Whitney Museum of American Art (EE.UU.).
TANIA CANDIANI
Sin título, 2023
papeles y metal
(medidas variables)

(México, 1974)

Candiani se centra en producir imágenes, objetos, intervenciones o piezas participativas que ha-
blen sobre la percepción de los espacios urbanos, la cultura popular contemporánea, los patrones
estéticos y los rituales de distinta índole.

Entre sus exposiciones individuales más importantes se pueden destacar la del pabellón de México
en la Bienal de Venecia (Italia), el Museum of Contemporary Art San Diego (EE.UU.), en la Bienal
de la Habana (Cuba), en el National Taiwan Museum of Fine Arts, (China) y el Museum Boijmans
Van Beuningen (Países Bajos).

Su trabajo está presente en el MUAC, Museo Universitario de Arte Contemporáneo (México), en el

Museo Amparo (México), en el Museum of Contemporary Art San Diego (EE.UU.), en Deutsche
Bank (Alemania) y el Museum of Latin American Art (EE.UU.).
LEDA CATUNDA
Cerebro, 2023
acrílico sobre tejidos y madera
220 x 52 x 62 cm

(Brasil, 1961)

Pintora, escultora, educadora y artista gráfica brasileña, representante del grupo de artistas Ge-
ração 80 artistas, que explora los límites de texturas y materiales, siendo materializados por sus
“pinturas blandas” sobre toallas, sábanas, cuero, terciopelo y seda.

Entre sus exposiciones colectivas más importantes están la de la Bienal Internacional de São Paulo
(Brasil), el Stedelijk Museum (Países Bajos), la Fundación Calouste Gulbenkian
(Portugal), el Denver Art Museum (EE.UU.) y el Museo de Arte Moderno de São Paulo (Brasil).

Su obra se encuentra en destacadas colecciones, como el Museo de Arte de São Paulo - MASP
(Brasil), Stedelijk Museum (Países Bajos), Pinacoteca do Estado de São Paulo (Brasil), Toyota Art
Museum (Japón) y el Blanton Museum of Art – The University of Texas at Austin (EE.UU.).
MARILÁ DARDOT
Sin título (la Maga)
instalación de 28 elementos
impresión sobre papel
60 x 45 cm c/u

(Brasil, 1973)

Su trabajo tiene implicaciones políticas sin ser propaganda o ilustración del mundo político, desa-
rrollando obras como sutiles críticas de un mundo gobernado por el pragmatismo y la productivi-
dad. Asimismo, hace intervenciones que tienen una gran dimensión poética, teniendo a la literatu-
ra como una de sus constante fuentes de inspiración.

De sus exposiciones colectivas podemos mencionar como más importantes la de la 13ª Bienal do
Mercosul (Brasil), Seattle Art Museum (EE.UU.), MAC Lyon (Francia), Hauser & Wirth (Suiza) y
la del Centro del Carmen (España).

Entre las colecciones públicas y privadas, caben destacar la Pinacoteca do Estado de São Paulo, (Bra-
sil), el Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (Brasil), la Colección MACBA, Centre d’Estudis
i Documentació (España), el Instituto Inhotim (Brasil) y el Suna and Inan Kiraç
Foundation, Pera Museum (Turquía).
MARILÁ DARDOT & FABIO MORAIS
Lá em casa (Rayuela), 2010
alfombra
285 x 190 cm

(Brasil, 1975)

Morais trabaja entre espacios expositivos y editoriales donde experimenta la fricción entre la visua-
lidad y el lenguaje verbal. Al tratar la escritura como un discurso y como un objeto, su trabajo toca
la plasticidad bidimensional y tridimensional y la espacialidad del lenguaje como ficción, historias,
declaraciones, voz autoral y narrativa.

Su obra se ha presentado en exposiciones colectivas e instituciones de todo mundo, como en Bie-

nales de São Paulo (Brasil), MACBA (España), MAC de Lyon (Francia), Astrup Fearnley Museet
(Noruega) y Bonniers Konsthall (Suecia).
GUILLERMO KUITCA
Untitled, 2011
óleo sobre lienzo
198.3 x 277 x 3.6 cm

(Argentina, 1961)

Con una amplia carrera pictórica, Kuitca plasma mapas de plantas arquitectónicas, paisajes urba-
nos desoladores y cartografías urbanísticas intervenidas, abstrayendo la imagen de manera que
excede su función de informar y situar para más bien deslocalizar y re-contextualizar.

Entre sus muchas exposiciones individuales se encuentran la de La Bienal de Venecia (Italia), la del
Museo National Centro de Arte Reina Sofía, (España), la Fondation Cartier pour l’Art Contempo-
rain (Francia), la del Centre Georges Pompidou (Francia) y la del MoMA (EE.UU.).

Algunas de sus exposiciones colectivas más importantes son “Tempo” y “Mapping” en el MoMA
(EE.UU.), y Documenta IX (Alemania).

Su obra la encontramos en destacadas colecciones, como en el MoMA (EE.UU.), el Stedelijk Mu-

seum (Países Bajos), The Tate Gallery (Reino Unido), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
(España) o el Musée National d’Art Moderne - Centre Pompidou (Francia).
Philosophy for Princes II, 2009
óleo sobre lienzo
197 x 165 cm
Philosophy for Princes II, 2009
óleo sobre lienzo
197 x 165 cm
(detalle)
AMALIA PICA
Study for rearranging the conference table 5, 2020
fórmica y contrachapado de abedul
120 x 160 x 3.2 cm

(Argentina, 1978)

Pica explora la metáfora, la comunicación y la participación social mediante esculturas, instalacio-

nes, fotografías, proyecciones, dibujos y performances. Además, se centra en los problemas funda-
mentales comunicacionales, tales como el envío y el recibo de los mensajes, verbales y no verbales,
y las diversas formas que estos intercambios pueden tomar.

Entre sus exposiciones más importantes, caben destacar las acaecidas en Van Abbemuseum (Países
Bajos), BijlmAIR, Stedelijk, Museum Bureau (Países Bajos), MoMA (EE.UU.), Bienal de Venecia
(Italia) y en el Solomon R. Guggenheim Museum (EE.UU.).

Su obra la encontramos en grandes colecciones, como Tate Collection (Reino Unido),

MoMA (EE.UU.), Guggenheim Museum (EE.UU.), Stedelijk Museum (Países Bajos) y Museum of
Contemporary Art (EE.UU.).
Study for Rearranging the conference table 7, 2020 Study for Rearranging the conference table 8, 2020
fórmica y contrachapado de abedul fórmica y contrachapado de abedul
200 x 240 x 3.2 cm 140 x 195 x 3.2 cm
SANDRA RAMOS
Rayuela: Cosmo-agonía, 2022-2023
instalación de pintura acrílica y collage
medidas variables

(Cuba, 1969)

Su obra abarca multiplicidad de técnicas como la instalación, el vídeo, la pintura, el grabado y el

dibujo, y se basa en la recuperación de la memoria social e individual vinculada a las dificultades
de la vida cotidiana en Cuba y a temas universales como la soledad, la migración, la manipulación
de la historia y la memoria.

Entre sus exposiciones destacan las celebradas en el Musée d´art contemporain de Lyon (Francia),
XIII Bienal de La Habana 2019 en el Museo Nacional de Bellas Artes, Edificio de Arte Cubano
(Cuba), el Walker Art Center (EE.UU.), The Museum of Fine Arts de Houston (EE.UU.) y The
Bronx Museum of Arts (EE.UU.), entre otras.

Su obra está presente en importantes colecciones, como MoMA (EE.UU.), el National Royal Mu-
seum of Art (Canadá), Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (Austria), MOLAA - Museum of
Latin American Art (EE.UU.) o Museum of Fine Arts Boston (EE.UU.).
VALESKA SOARES
Broken Year (October 2020), 2020-2021
papel sobre lienzo
157.5 x 188 cm (total aprox)

Broken Year (November 2020), 2020-2021

papel sobre lienzos
157.5 x 188 cm (total aprox)

(Brasil, 1957)

El paso del tiempo y el uso de objetos y textos del pasado, la colección de objetos domésticos
encontrados, como pudieran ser los libros, forman la base para posteriormente subvertir su uso e
instalarlos en formas post-minimalistas que se materializan en las obras de Valeska Soares.

Entre sus numerosas exposiciones individuales y colectivas, caben destacar las de The New Mu-
seum of Contemporary Art (EE.UU.), el KW Institute for Contemporary Art (Alemania), la Bienal
de Venecia (Italia), la Bienal de São Paulo (Brasil) y en el Solomon R. Guggenheim
Museum (EE.UU.), entre otros.

Destacamos su presencia en algunas de las colecciones más importantes, como Cisneros Fontanals
Art Foundation (EE.UU.), MoMA (EE.UU.), Tate Modern (Reino Unido) y Los Angeles County
Museum of Art (EE.UU.).
RIVANE NEUENSCHWANDER
& MARIANA LACERDA
Eu sou uma arara, 2021-2022
vídeo HD
28’ aprox
Sonido

(Brasil, 1967).

Neuenschwander ha desarrollado una práctica dentro de la línea del conceptualismo brasileño

para investigar el papel del azar, el control y la colaboración. Asimismo, explora narrativas sobre el
lenguaje, la naturaleza, la geografía, el paso del tiempo y las interacciones sociales.

Entre sus exposiciones más destacadas están la de la Tate Modern (Reino Unido), el Palais de Tok-
yo (Francia), la Bienal de Venecia (Italia), el Yokohama Museum of Art (Japón) o el Solomon R.
Guggenheim Museum (EE.UU.).

Podemos encontrar obra suya en algunas de las colecciones más importantes, como la Tate Mo-
dern (Reino Unido), TBA 21 - Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (Austria), el Solomon R.
Guggeheim Museum (EE.UU.), el MoMA (EE.UU.) o el Walker Art Center (EE.UU.).

(Brasil, 1975).

Lacerda es cineasta documentalista que aborda en sus películas temas como la memoria, el medio
ambiente, el indigenismo, la violencia y el feminismo.

Su primer largometraje se tituló Gyuri (2020), sobre el encuentro entre Claudia Andujar y Davi
Kopenawa y la demarcación de la Terra Indígena Yanomami, en la Amazonia.

Ha dirigido una serie para la televisión infantil Histórias de Fantasmas Verdadeiros para Crianças
sobre la dictadura militar brasileña. Sus películas han particupado en muestras de cine y exposicio-
nes en México, Países Bajos, Lituania, Francia, España, Estados Unidos, Italia y Portugal.

Colabora con el Instituto Socioambiental (ISA, Brasil) y con el Movimento Sem Teto do Centro
(MSTC, Brasil).
ANTONIO VEGA MACOTELA
Sin título (varias piezas)
2023
cerámica
medidas variables

(México, 1980)

Su obra es de carácter multidisciplinario y está diseñada para ser llevada a cabo con comunidades y
en sitios específicos. Explora las nociones de trabajo, valor e intercambio, específicamente en lo que
respecta al sistema mediante el cual las relaciones sociales se establecen y negocian. Así mismo se
refiere a la alienación en los sistemas económicos y sus estructuras sociales.

Entre sus exposiciones colectivas más importantes encontramos la de la Bienal de São Paulo (Bra-
sil), Documental (Alemania), la Bienal de Estambul (Turquía), Palais de Tokyo (Francia) y Stedelijk
Museum (Países Bajos).
OCTAVIO ZAYA. NOTA BIOGRÁFICA.

Curador independiente y escritor, Zaya ha curado internacionalmente más de 50 exposiciones, entre las
que se incluyen un significantivo número de bienales. Las más recientes han sido Thinking His-torically in
the Present (2023), la 15a Bienal de Sharjah (Emiratos Árabes Unidos) que se organizó bajo la dirección de
Hoor Al Qasimi; Ríos Intermitentes (2019), un amplio proyecto de Maria Magdalena Campos-Pons para
la 13a Bienal de la Habana; Lara Almárcegui, para el Pabellón Español de la 55a Bienal de Venecia (2013);
fue uno de los curadores de documenta 11, Kassel (1998-2002) bajo la dirección de Okwui En-wezor, con
quien también organizó la muestra principal de la 2a Bienal de Johannesburgo (1997) y la 1a Bienal de
Johannesburgo (1995).

Entre otras exposiciones notables se destacan: Luis Camnitzer: Hospicio de Utopías Fallidas (2018-2019)
en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Shirin Neshat: Escrito sobre el cuerpo (2013) en Funda-
ción Telefónica, Madrid; Georges Adéagbo: La misión y los Misioneros (2012) en MUSAC, León; Yinka
Shonibare: El futuro del pasado (2011) en Alcalá 31, Madrid; o Modelos pa-ra armar (2010), co-curada
para el MUSAC, León.

Zaya también concibió y fue unos de los curadores de Versiones del Sur: cinco propuestas en torno al arte
en América (1999-2000) en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, y co-curó In/Sight:
African Photographers 1940s to the Present (1996) para el Guggenheim Museum de Nueva York (1996).

Es miembro del Comité Artístico del MALBA de Buenos Aires; de Performa, Nueva York y del Consejo
Madrid
Editorial de la revista NKA Journal of Contemporary African Art. Zaya fue Director de la revista Atlántica Orfila, 5
(2000-2018); curador externo y consejero del MUSAC, León (2005-2012) y co-director del Centro Huarte, 28010 Madrid
+34.91.319.1414
Pamplona (2007-2009). galeriamarlborough.com
info@galeriamarlborough.com

Barcelona
Enric Granados, 68
08008 Barcelona
+34.93.467.4454
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Londres
6 Albemarle Street
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+44(0)20.7629.5161
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Nueva York
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New York, NY 10001, USA
T. +34 91 319 1414 +1(212)541.49.00
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Tiago de Abreu Pinto, Director Artístico mny@marlboroughgallery.com
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