1er. Compendio LCCI 2-2023

Lcc de la imágen
"Sin pan y sin trabajo" de

Ernesto de la carcova
Aguilera Rocío
Ramos Rebeca
"Sin pan y sin trabajo."
• Artista: Ernesto de la Cárcova (Buenos

Aires, Argentina; 1866-1927)
• Fecha: 1894
• Período: Arte Siglo XIX
• Técnica: Óleo
• Estilo: Naturalismo, realismo
La elección de la obra fue influenciada por
el hecho de que el artista es de origen
argentino, y porque consideramos que la
obra refleja una situación que perdura en la
actualidad.
[…] la posición inestable y el alargamiento de la espalda del obrero, la inclinación de
la silla en que se apoya y de la mesa (que no responden a un esquema riguroso de
perspectiva) generan tensión hacia el gesto de la mano que aparta la cortina y
centra la atención sobre la escena que se desarrolla en la veduta del fondo. Allí
puede verse un conflicto entre obreros y guardias a caballo, frente a una fábrica
cerrada e inactiva. El plano inclinado de la mesa vacía, plenamente iluminado,
presenta también un foco de interés en el que se destacan las herramientas,
inútiles. La figura de la mujer con el niño en brazos, a la derecha de la composición,
con un regazo extraordinariamente amplio y una expresión vacía en el rostro,
funciona como contrafigura de la tensión dramática del obrero.
Fuente: https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/1777/#
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"El grito" de Edvard

Munch
Aguirre Sofía
Alvaraz Sofía
EL GRITO(SKRIK) 1893 - EDVARD
MUNCH
Datos de la obra:
• Fue hecha en el año 1893
• Técnica oleo, temple y pastel sobre
cartón
• Estilo: Expresionismo
• Tamaño, 91cm x 74cm
• Se encuentra en la galería Nacional
de Noruega en Oslo
Significado de la obra según el autor
“El grito” refleja la ansiedad y la angustia del ser
humano, y ese era el mensaje que quiso transmitir su
autor.
Él mismo contó que el cuadro fue un reflejo de un paseo por su ciudad natal,
Oslo. Así lo dijo: “Caminé una noche en una carretera. Estaba cansado y
enfermo. Me quedé mirando al otro lado del fiordo, el sol se estaba
poniendo, las nubes estaban teñidas de rojo -como sangre-. Sentí como si un
grito atravesara la naturaleza -creí oír un grito-. Pinté este cuadro, pinté las
nubes como sangre real. Los colores estaban gritando".
Edvard Munch
• Nació en Noruega en el 12 de diciembre de 1863 y fallece en el año 1944 a los 80
años.
• Fue un hombre educado por un padre severo, rígido y religioso. Siendo niño, vio
morir a su madre y a una hermana de tuberculosis. En la década de 1890, a
Laura, su hermana favorita, le diagnosticaron un trastorno bipolar y fue
internada en un psiquiátrico, de todo ello surgió una personalidad conflictiva y
un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.Su
enfermedad mental le empujó a crear esta obra llena de color y angustia, y
aunque pronto adquirió fama, no la valoraron como lo que es, una obra de arte.
Él decidió escribir tras ella un mensaje oculto que resumía lo que todos
pensaban: “Solo puede haberla pintado un loco”.
Conclusión:
“El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo
da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado
cuerpos, él intentaba diseccionar almas.”
Elegimos la obra porque nos gusto que el autor transmita con su
arte los sentimientos internos humanos , que en este caso reflejan
la ansiedad y angustia que sentía el autor.
Bibliografía
https://www.traveler.es/experiencias/articulos/mensaje-oculto-el-grito-edvard-
munch/20387#:~:text='El%20grito'%20refleja%20la%20ansiedad,
una%20noche%20en%20una%20carretera.
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"Henry Ford hospital"

de Frida Khalo
Barbosa Martina
Escalante Candela
HENRY FORD HOSPITAL
Frida Kahlo
Barbosa Martina; Escalante Candela

Pintora: Frida Kahlo

Año: 1932

Colección de Dolores
Olmedo, Ciudad de
Méxco

Características: Óleo
sobre metal

Dimensiones: 31,1cm
x 39,3cm
Historia de la obra
Esta pintura es un reflejo de lo que
sintió Frida cuando tuvo un aborto El hijo que caracol
espontáneo en el Hospital Henry acaba de perder
Ford.
Pelvis

Hay seis objetos volando a su

alrededor representando los
pensamientos que atravesó durante
la internación.
Cada pensamiento está unido a ella
por un hilo rojo, hilo de sangre o
cordón umbilical que sostiene con su
mano

Representa la soledad y tristeza que

Frida vivió en este proceso máquina

esterilizadora

cadera/pelvis
Orquídea
Qué representa cada elemento
1 Feto de su hijo junto a Diego que acaba de perder
2 Sección de pelvis columna y caderas que representan las secuelas de su accidente, su

fractura de columna y de cadera que complicaba la posibilidad de gestar
3 Máquina esterilizadora, que al igual que su cuerpo destruía todo lo que resultara
"extraño" a su organismo
4 Orquídea que simboliza la sexualidad, es la flor que le regaló Diego mientras estaba en el
hospital
5 Caracol que para antigüas culturas era sinónimo de vida y protección
6 Maqueta médica de la pelvis

5
Contexto de la obra
En 1930, por razones médicas, Frida había tenido que interrumpir un primer embarazo. Pero en
1932, contra todo pronóstico médico (dadas las secuelas del accidente que sufrió en su
adolescencia) vuelve a quedar embarazada en la ciudad de Detroit mientras acompañaba a su
esposo, Diego Rivera, a cumplir con sus trabajos murales. En esta segunda ocasión, y con la
recomendación de su médico, Frida decide avanzar con el embarazo:
«Me dijo (…) que, en su opinión, sería mejor conservar al niño que someterme a un aborto, pues, a
pesar de mi mala condición física — a la pequeña fractura de pelvis, de la columna, etc., etc., —
podría tener al niño sin dificultad mediante una cesárea»
Pero cursando apenas las primeras semanas, lejos de su familia y de su marido, el 4 de julio
sufrirá un aborto espontáneo, lento y traumático.
POR QUÉ ELEGIMOS ESTA OBRA
Además del gusto personal por Frida Kahlo, esta nos

pareció una de sus obras más interesantes. Especialmente
por la forna en que representa sus emociones y cómo
logra transformar todo su dolor en piezas tan
transparentes, realmente podes ver y sentir el dolor que
ella estaba padeciendo.
Lcci de la imágen
"Las meninas" de
Diego Velázquez
Casella Paloma
Ferreyra Melina
LAS MENINAS
Diego Velázquez
LCCI. Segundo semestre 2023

Diego Velázquez
(1599-1660)
Fue un pintor español del Siglo de Oro.
Nacido en Sevilla, se convirtió en un artista
destacado en la corte del rey Felipe IV en
Madrid. Su habilidad en la técnica del retrato
lo llevó a crear obras maestras que
capturaban la personalidad y la humanidad
de sus sujetos. Además de retratos, también
pintó escenas históricas y mitológicas. Su
estilo realista y su manejo magistral de la luz
y el color lo convierten en una figura
influyente en la historia del arte. Su legado
perdura como uno de los máximos
exponentes del arte barroco español
Sobre la obra...
El cuadro Las meninas de Diego de Velázquez fue pintado en el año
1656 y retrata a la infanta Margarita, hija del rey Felipe IV, en el taller
del pintor situado en el Palacio Real Alcázar de Madrid. Actualmente
se encuentra en el Museo del Prado en Madrid, España.
Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes

dimensiones formado por tres bandas de tela cosidas
verticalmente, cuenta con un tamaño de 320,5 cm × 281,5 cm.
LA OBRA
El cuadro conocido como "Las meninas" retrata la escena íntima y
familiar de la realeza, destacando a la Infanta Margarita en el centro
junto a su séquito. Debido a su enfoque único, habilidad técnica
destacada y uso distintivo de la perspectiva, luz y sombra, así como la
disposición de personajes y planos, se ha convertido en una pieza
fundamental en el arte español.
Su capacidad para capturar la sensación de un momento doméstico y

familiar es lo que lo hace tan significativo.
1. Diego de Velázquez: el pintor se PERSONAJES DE LA 6. José Nieto: ejercía como jefe de
pinta a sí mismo escondido detrás OBRA tapicería de la reina. Su función en

el cuadro es introducir luz a la
de un lienzo de gran tamaño.
habitación desde el fondo
2. María Agustina Sarmiento: es una de
aumentando perspectiva y
las meninas y, por lo tanto, dama de
profundidad.
honor de la infanta.
7. Su mirada se dirige hacia el
3. Mariana de Austria: es la segunda
público creando complejidad al
esposa del rey Felipe IV y ayuda a
análisis de la perspectiva del
completar el misterio del espejo cuadro.
4. Felipe IV: representado en el reflejo 8. Marcela de Ulloa: ocupaba el
del espejo en el plano del fondo. ¿Es cargo de «guarda menor de
eso lo que Velázquez pinta en el gran damas»
lienzo que permanece oculto al 9. El guardadamas: es el cargo del
espectador? mayordomo moderno. Conversa
5. La infanta Margarita: como la figura con Marcela de Ulloa.
principal de la obra, es retratada 10. Maribárbola: Integra el grupo
manifestando, a la vez, su origen real y de los bufones de la corte.
su condición de niña. Se encuentra 11. Nicolasito Pertusato: es un
rodeada de sus damas de honor o de bufón de la corte italiana que
las meninas. imprime el aire infantil y juguetón
molestando al mastín con su pie.
Teorías sobre su significado
Hasta el presente, el verdadero significado de la obra "Las meninas" de Diego Velázquez sigue siendo un
enigma sin una única respuesta definitiva. Según el estudioso Francisco Calvo Serraller, entre varias teorías
que se han planteado, dos interpretaciones destacan por encima de las demás.
Si observamos que los reyes

no están físicamente presentes
Hay quien afirma que Velázquez Otra opción es que Velázquez está
en la habitación, pero sus
reflejos son visibles en el pinta en realidad a las propias trabajando en palacio cuando de
espejo, una conclusión meninas y en ese momento pronto entran los monarcas. Algunos
razonable sería que Diego aparecen los reyes. Así que lo que se percatan y levantan la mirada.
Velázquez está creando su en realidad aparece en el lienzo (del Como los reyes están donde estamos
propio retrato en la pintura. nosotros como espectadores, se
que solo vemos su bastidor por
Los monarcas están reflejan en el espejo del fondo.
modelando para el artista, y su detrás) serían Las Meninas dentro

imagen se materializa en el de Las Meninas.

espejo, aunque en realidad
ocupan el lugar de los
espectadores.
Elegimos Las Meninas ya que nos parecio interesante
las teorias que rodean dicha obra, ademas, recordamos
que en el 2017 Playground viralizo un rap donde se
contaba la historia de una forma muy comica.
¡GRACIAS!
Realizado por Paloma Casella y
Melina Ferreyra.
https://historiarte.com/articulos/secretosmeninas
https://www.culturagenial.com/es/cuadro-las-
meninas-de-diego-de-velasquez/
Lcc de la imágen
"El hijo del hombre" de

René Magritte
Díaz Rojas Cinthia
Soria Rodrigo Nicolas
El hijo del hombre
de René Magritte
Diaz Rojas, Cinthia; Soria Rodrigo Nicolás

Descripción de la imagen
Técnica: Óleo sobre lienzo (116 cm x 89cm)

Características visuales:
Hombre de traje, sombrero y corbata.
Manzana verde grande flotando frente a su
rostro, ocultando sus ojos.
Mirando directamente al espectador.
Fondo con un cielo nublado y un mar distante.
Un pequeño muro.
Información de la obra
Autor: René Magritte, destacado pintor surrealista belga del siglo XX.
Lugar y fecha de creación: Bélgica, 1964.
Contexto de exhibición:
Ha sido exhibida en diversos lugares y museos de arte moderno en todo el mundo.
Actualmente forma parte de una colección privada.
Pertenece a una fase tardía de la carrera de Magritte.

Significado de la imagen
Diversas interpretaciones posibles:
Ocultación de la identidad.
Incomunicación.
Búsqueda de conocimiento.
Presencia de lo desconocido.
Motivo de elección
Capacidad para generar preguntas y despertar la curiosidad.
Exploración artística del surrealismo.
Enigma visual: La manzana y la mirada directa del hombre invitan a la reflexión sobre
la relación entre lo oculto y lo revelado en la vida cotidiana.
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"Epopeya del pueblo

mexicano" de Diego Rivera
Domínguez Salvador
Trinidade aisha
Contenido
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Gracias
Los autodenominados
Municipios Autónomos
Rebeldes Zapatistas
(MAREZ) son pequeños
territorios bajo control
de las bases de apoyo
zapatistas en el estado
mexicano de Chiapas,
declarados en diciembre
de 1994
Entre 1929 y 1951, el muralista Diego
Rivera realizó cinco murales en la
segunda planta en el tejado central, y
el espacio de la escalera principal.
Las obras narran con una extraordinaria

síntesis e iconografía periodos significativos de
la historia de México, ahí están representados
desde el México precolombino hasta el México
de la tercera década del siglo xx
están representados desde el México
precolombino hasta el México de la
tercera década del siglo xx, sin omitir los
periodos de la Conquista, el Porfiriato y la
Revolución mexicana, así como una visión
al futuro situada en la revolución del
proletariado.
La composición y el modo de relatar

los hechos históricos es muy parecida
a las técnicas que utilizaron los
antiguos mexicas en sus pinturas y
códices.
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"La Gioconda" de Leonardo

Da Vinci
Fernández Risso
Emilia
Machado Ezequiel
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Gracias
La Gioconda
Leonardo da Vinci
Alumnos: Emilia Fernández Risso

Ezequiel Machado.
Datos del
autor
Leonardo Da Vinci nació Fue pintor, Entre sus Falleció el 2 de

el 15 de abril de 1452 en anatomista, obras se mayo de 1519
Italia y fue uno de los más arquitecto, encuentra “La en Amboise
escritor,
destacados artistas del última cena”. (Francia).
escultor, entre
Renacimiento italiano. otros.
2
La Estilo:
La técnica utilizada es
óleo sobre tabla de
Gioconda Renacimiento
Italiano.
álamo, con rol
principal de sfumato.
Fue realizada entre los

años 1503 y 1519 en Italia.
Tamaño: 79 cm x 53 Se encuentra en el
3
cm. museo de Louvre en
París, Francia.
Su historia • La pintura fue un encargo de Francesco del
Giocondo para que realice un retrato de su esposa
Lisa Gherardini. El nombre de la obra tiene origen
en su apellido y también es conocida como Mona
(señora en italiano) Lisa.
• Al retrato le faltan las cejas y pestañas, aunque, no

se sabe con exactitud si fue una intención del autor,
no logró terminarla o fue consecuencia de sus
restauraciones.
• En 1911 fue robada del museo Louvre en París por un 4

exempleado.
Su historia
• Más allá de que es considerada una gran obra de
arte su popularidad es en gran medida por los
enigmas y sucesos que la rodean. Como el robo que
sufrió en 1911.
• Da Vinci menciona en su “Tratado de la pintura”

que un pintor puede definir la personalidad del
retratado a través de las líneas de expresión como
alrededor de los ojos o la boca.
5
Bibliografía
https://historia-arte.com/obras/la-gioconda
https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/65/Leonardo%20da
%20Vinci
https://www.wradio.com.co/2023/08/10/por-que-es-tan-famosa-la-mona-lis
a-de-leonardo-da-vinci-la-razon-es-increible/
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"Comedian" de mauricio
Cattelan
González Tomás
Lema Romina
El Comediante, de Maurizio
Cattelan
Alumnos: González Tomás y Lema Romina
“El Comediante”
Datos de la obra
Esta es una obra “dispositivo” que traspasa lo estético con el objeto de poner en
evidencia las estructuras mentales e institucionales debajo de acuerdos tácitos.
Fue presentada por el artista en la edición 2019 de la Art Basel Miami Beach.
La pieza generó controversia entre los espectadores y se puso en cuestión si se

trata de arte.
Uno de los tres ejemplares creados fue vendido por 120 mil dólares a una
prestigiosa diseñadora neoyorquina quien declaró: “es un reflejo de nuestra época,
del absurdo que es todo”
Contextualización
Esta pieza es el punto de partida para analizar las dinámicas del
arte contemporáneo y su relación con la sociedad y el mercado.
La obra es una clara crítica que busca ridiculizar el mercado
artístico, un ejemplo destacado del enfoque provocativo y
subversivo en el arte contemporáneo.
El artista de performance David Datuna se comió la banana
mientras afirmaba estar llevando a cabo una performance artística
titulada “Artista hambriento”, los visitantes reaccionaron como si
Datuna se comiera cientos de billetes.
¿Por qué la elegimos?
La elegimos por polémica y extravagante, ya que

con esta obra Cattelan desafía los ideales sobre el
arte, pone en duda la originalidad e invita a los
espectadores a que reflexionen sobre la
importancia y el valor que ellos le otorgan a la obra.
Lcc de la imágen
"El beso" de Gustav

Klimt
Guaiquilao Luana
Reinoso Nerina
Tra ba jo
Prác tic o N°1
L C C - I
e s o r : J u a n L a g r u t t a
P r o f
L u a n a G u a i q u i l a o y
Integra n t e s :
Ne r i n a R e i n o s o
Obra: "El beso"
Artista: Gustav
Klimt
Año: Se realizó entre 1907 y
1908
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medida: 180cm X 180cm
Estilo: Simbolismo
Ubicación: Galería Belvedere
en el Palacio de Belvedere en
Viena, Austria
Gu s t a v K l i m t
e n B a u m g a rt e n,
l 14 d e ju lio d e 1862
Nació e r e ro d e 19 18 e n
e c ió e l 6 de fe b
Austria y f a ll
Viena, Austria. c o , y u n o d e lo s
r s im b o lis t a A u stria
Fue un pinto l a rt e v ie n é s d e
p r e s e n ta n t es d e
máximo s re
ale s d e l s ig lo X IX.
fin s A p lic a d a s d e
la e sc u e la d e Arte
Se formó en m o a u to r de
a t a l y triu n fó c o
su ciu d a d n
a nd e s p in tu ra s . lo
gr e v a n g u a rd ia
in t e ré s p o r el arte d
En 1897, su c ió n d e A rt is tas
n d o n a r la Asoc ia
llevó a a b a o s, la
on a lg u n os a m ig
e s y a f u n d a r, c
Vienes e la q u e f u e
e s ió n V ie nesa , d
famos a S e c
x im o e x po n e nt e.
presidente y má
"Medicina"
"Filosofia" "Jurisprudencia"
Antes de comenzar su creacion, Klimt se encontraba en un momento
duro en su carrera, al haber recibido severas criticas por su
interpretacion de la Filosofia, la Medicina y la Jurisprudencia, por lo
que decide pintar algo totalmente opuesto a las corrientes
tradicionalistas; dando asi a nacer "El beso" como obra principal.
"El beso" y sus características
Fue una de las primeras obras del llamado periodo dorado de Klimt,
caracterizado por la introduccion de panes de oro y plata en sus lienzos

-Klimt utilizó una capa de oro en polvo en esta obra,

consiguiendo así un fondo brilloso que funciona
como un capullo dorado para los amantes.
-La escena ocurre en la naturaleza en un prado de
flores.
-El fondo se realizó con la técnica del puntillismo.
¿Por qué elegimos esta obra?
Nos llamo la atención la técnica del oro y
los colores llamativos como primera
impresión visual.
-A la vez la elegimos por el significado que
tiene para Klimt el querer romper con lo
tradicional por sus propias convicciones.
-Al verla nos recordó a ambas a diferentes
creaciones artísticas, como lo son "El beso"
de Danielle Steel, una novela romántica y el
videoclip de la canción"Otra vez" de Aitana,
en el que la cantante hace comparaciones
con diferentes pinturas.
Nuestra
interpretación
Vemos a una pareja que se abraza
tranquilamente, con total confianza con el
otro, transmitiendose libertad, amor y
tranquilidad. Esto se ve reflejado en la
posicion del cuello del hombre y los ojos
cerrados de la mujer Por otro lado, teniendo
en cuenta el contexto de la situacion del
artista, interpretamos como él se cierra en su
"capullo dorado" junto a su tranquilidad y su
arte.
Lcc de la imágen
"Amaporu" de
Tarsila do Amaral
Mastrella Cejas Chiara

Pérez Tamara
TRABAJO
PRÁCTICO 1
LENGUAJE, COMUNICACIÓN Y CULTURA DE LA

IMAGEN
Alumnas: Mastrella, Chiara
Pérez, Tamara
Abaporú (1928)
Tarsila do Amaral
(1886-1973)
El nombre de la obra es de origen
Tupí-guaraní que significa “hombre
que come hombre” (o caníbal).
Disparador y emblema de la
Vanguardia Antropófaga y su
Manifiesto.
No dejarse devorar por la cultura
europea, sino a la inversa.
Generando una nueva cultura,
moderna y propia.
Características visuales de la imagen:
1. El cactus retratado por Tarsila es, como la tierra, verde, un color muy
significativo de la identidad nacional por su fuerte presencia en la bandera.
2. El amarillo del sol, así como el azul del cielo, también está presente en
elcolor de la bandera nacional, lo que le da a la obra otro rastro de
brasilidad.
3. Una de las teorías más difundidas entre los especialistas es que una
cabeza pequeña es señal de la desvalorización del trabajo intelectual
4. Los pies y manos enormes que aparecen en primer plano resaltan la
conexión con la Tierra.
Sol amarillo y cielo azul
Cabeza pequeña Cactus verde
Pies y manos
enormes
“Comerse al europeo, tomar sólo lo que puede nutrir,
desechar lo que puede perjudicar”.
Tupí or not tupí,
that is the question
"Tupí o no tupí, ésa es la cuestión" es una famosa frase del Manifiesto Antropófago
de Oswald de Andrade.
Resume el espíritu del Movimiento Antropofágico en Brasil.
La frase es una parodia al famoso verso de Shakespeare de Hamlet,
"Ser o no ser, esa es la cuestión", sustituyéndolo por una referencia al pueblo tupí,
un grupo indígena de Brasil.
Significado de la imagen:
"Abaporú" es una obra llena de simbolismo y múltiples interpretaciones.
El nombre sugiere una relación con la idea de canibalismo cultural
propuesta por Oswald de Andrade, un concepto que abogaba por la
"devoración" de las influencias extranjeras para crear una cultura
verdaderamente brasileña.
La obra representa una nueva identidad latinoamericana, resignificando y
valorando las diferencias.
Motivo por el cual elegimos esta imagen:
Nos parece interesante la idea de representar lo
monstruoso como incitador de la creación de la identidad.
Lcci de la imágen
"La noche estrellada" de

Vicent Van Gogh
Ojeda Silvina
Pérez Lautaro
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Gracias
La noche estrellada
Autor
→ Vincent Van Gogh (1853-
1890), fue un pintor holandés.
→ Realizada en Junio de 1889,
en el manicomio de Saint-Paul-
de-Mausole.
→ Óleo y lienzo como técnica.
→ Actualmente, la obra se
encuentra en el MoMA, en NY.
La pintura
→ Se ha identificado que la pintura surge a partir
de la vista desde la ventana de su dormitorio en
el manicomio.
→ No reprodujo el paisaje que veía desde su
ventana de manera exacta, sino que más bien lo
tomó como inspiración.
→ Representó la vista en distintos momentos del
día: como el amanecer, la salida de la luna, los
días soleados, nublados, ventosos y lluviosos.
Además, la presencia de un pueblo imaginario.
¿Porqué la elegimos?
Seleccionamos la obra artística "La noche
estrellada" porque en la actualidad, gracias a las
redes y a la tecnología, es de fácil acceso. La alta
difusión de dicha obra mantiene cierta tendencia
en redes sociales: se la utiliza tanto para frases
motivacionales o nostálgicas, además de su
adaptación a otros ámbitos como indumentaria,
murales, adornos. Esto hace que la obra siga
vigente entre generaciones a pesar del paso del
tiempo.
Lcc de la imágen
"Muchacha leyendo una

carta" de Johanes Vermeer
Sacco Ailén
San Clemente
Romina
Muchacha
leyendo una carta
San Clemente, Morena; Sacco, Ailen.
COM-04.
Características visuales
- Pintura al óleo sobre lienzo,

(83 x 64 cm).
- Estilo barroco.
- Tratamiento de la luz.
Información del contexto
Autor: Johannes Vermeer, 1632-1675.
Lugar y fecha de creación: Holanda, 1657-1959.
Exhibición: Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos,

Dresde, Alemania.
¿Por qué la elegimos?
- El misterio oculto detrás del cuadro.
- Hallazgo de la figura de Cupido.
- Alteración de su significado.
Significado de la imagen
- Significados anteriores.
- El cuadro dentro del cuadro.
- Contenido de la carta y otras pistas en la obra.

Lcci de la imágen
"La columna rota" de Frida

Khalo
Sosa Julieta
Toral Leandro
Contenido
01 02 03 04
Contexto
breve introducción
al tema
Problemática
Datos Relevantes
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Objetivo
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Objetivo Principal

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Investigación
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Conclusión
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Resultado Final
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Gracias
"LA COLUMNA ROTA" de Frida Kahlo
• SOSA JULIETA Y TORAL LEANDRO
• COM 04
• LCCI
• 2023
FRIDA KAHLO
• Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón
(Coyoacán, Ciudad de México, 1907-1954) fue una
pintora mexicana. Sus obras giran en torno a su vida y
su sufrimiento, principalmente autorretratos. Llevó una
vida difícil tras sufrir un trágico accidente de autobús en
su juventud, que la mantuvo postrada en cama.
• Junto a su esposo, Diego Rivera, compartió el gusto por
el arte popular mexicano de raíces indígenas.
• Fue de las primeras pintoras que expreso en su obra la

identidad femenina desde su punto de vista, se
representó en su obra exagerando sus cejas y su bigote,
dejando de la lado la visión de lo femenino que se
dibujaba desde el mundo masculino tradicional.
Contribuyendo en la formación de un nuevo tipo de
identidad para la mujer, logrando ser un símbolo para
muchas mujeres.
DATOS ACERCA DE LA OBRA
• Nombre: "La columna rota”
• Lugar de creación: Casa Azul de Coyoacán, ciudad de México.
• Año: 1944.
• Técnica: Óleo en tela montada en aglomerado. 40cm x 30,7cm.
• Se encuentra exhibida en el Museo de Dolores Olmedo Patiño, ciudad de México.

CONTEXTUALIZACIÓN
En 1925, una joven Frida de 17 años sufrió un accidente de autobús,

suceso que cambió por completo su vida. Su columna vertebral
quedó fracturada en tres partes; fracturas en dos costillas, pelvis y
clavículas. Su pierna derecha quedó rota en once partes. Además de
esto, su cadera fue atravesada por un pasamanos, el cual salió por
su vagina.
La obra fue pintada despúes de someterse a una intervención

quirúrgica en la columna. La operación la dejaría inmóvil en la
cama utilizando un corsé por seis meses y con la incapacidad para
tener hijos.
ELECCIÓN E INTERPRETACIÓN DE LA OBRA
El motivo de nuestra elección se basó en el símbolo de feminismo,
fuerza y lucha ante las más difíciles circunstancias que representa
Frida. Por otra parte, porque también expresa sus dolores internos,
físicos o sentimientos en cada una de sus pinturas.
• Clavos incrustados en el cuerpo y lágrimas: Dolor físico y emocional

• Clavo del seno derecho cercano al corazón: Engaño de Diego Rivera
• Manto: Religión
• Paisaje: Soledad
FRIDA KAHLO:
• Columna: Rota por dentro "Fue una brutal forma de perder mi
• Corsé de acero: Unión/presa virginidad"
• Rostro: Sin muestra de dolor, mujer fuerte.
BIBLIOGRAFÍA
• https://www.culturagenial.com/es/frida-kahlo/
• https://historia-arte.com/obras/la-columna-rota
• https://www.kahlo.org/es/la-columna-rota/
HECHO POR: SOSA JULIETA Y TORAL LEANDRO. COM 04

1er. Compendio LCCI 2-2023

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"Muchacha leyendo una

San Clemente, Morena; Sacco, Ailen.

- Pintura al óleo sobre lienzo,

Autor: Johannes Vermeer, 1632-1675.

Lugar y fecha de creación: Holanda, 1657-1959.

Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes