EL TEATRO RENACENTISTA EN ITALIA Y EL TEATRO DEL SIGLO DE ORO

El teatro renacentista en Italia

0. Introducción
¿Qué es el teatro Renacentista? →La recreación humanística de las escenas vitruvianas en la Italia del
Renacimiento. De director de fiestas a escenógrafo. El Teatro de la Perspectiva y la “Ventana”
Albertiana.
1. Escenografía y Renacimiento

Las obras se realizaban en cortes y palacios, porque las piezas teatrales iban dirigidas
especialmente a la clase social alta. Sin embargo, existen otros registros históricos, los
cuales señalan que al principio la puesta en escena se realizaba en tabernas, de esta forma
asistían personas de todos los estratos sociales.
La escenografía era invariablemente una calle y dos casas enfrentadas, pues no se
concebía la representación dentro de una casa, cuyas paredes impedirían ver los sucesos
del interior.
La aparición de la perspectiva tuvo una gran influencia en el desarrollo de la escenografía
renacentista. Destacan Alberti, Palladio, Brunelleschi, Mantegna, Leonardo y Poliziano que
trajeron la pintura perfeccionista para el fondo de la acción teatral.

2. Humanismo y Renacimiento

- Movimiento cultural europeo que abarca los siglos XV y XVI que tiene doble
intención:1.Imitación de modelos clásicos. 2. La aplicación de los principios del
Humanismo. En el Renacimiento, el ser humano cobra importancia, se deja a un
lado la religión y se confía en la razón y la ciencia.
- Contexto histórico: El teatro español renacentista comenzaría su andadura con una
serie de escritores que denominamos como "la generación de los Reyes Católicos".
Al etiquetar de renacentista la obra de estos autores, esto no significa que se
pueden equiparar todos ellos o que respondan a un modelo único, pues muchos de
ellos aún no han roto completamente con la tradición medieval tan arraigada, pero sí
se nota ya la apertura hacia una nueva mentalidad. Ellos serán los que, poco a poco,
irán construyendo y sentando las bases de lo que será el teatro moderno de España.
El impulso del drama, como sucedió en otros géneros, provino del interés
aristocrático por la cultura, por lo que aparecerá un teatro cortesano representado en
los palacios.
- Las bases para entender su nacimiento y desarrollo son: el Humanismo (se trata de
obras dialogadas en prosa, pensadas para la lectura, no para la representación, que
tratan temas de actualidad, con interés especial por las clases humildes y por lo
pintoresco de la vida cotidiana); los modelos de la antigüedad griega y romana
(regreso a lo clásico); el cristianismo y el antropocentrismo. El humanista es la
persona que cultiva todas las artes.
- El Renacimiento supone una renovación que irá desde el campo de las ciencias, la
geografía y la literatura, pero, sin lugar a dudas, será en las artes donde encuentra su
máxima expresión, incluido, claro está el teatro y como una disciplina más en las artes,
como ideal de la interdisciplinariedad propia del humanismo (Castiglione).
- Pretendía descubrir al hombre y dar un sentido racional a la vida tomando como
referentes a los clásicos griegos y latinos(las obras eran sobre el hombre y sus
vivencias).
Y será en el siglo XVI cuando el teatro en España inicie un periodo de auge que culminará en
el siglo XVII. Esa fuerza del teatro, como sucederá en prosa, poesía y en otras artes, será
impulsada por la aristocracia o cortesanos de la época.
- Desarrollo de la escenografía como disciplina …, como ideal de la interdisciplinariedad
propia del humanismo.
3. Principales géneros teatrales en la Italia del Renacimiento

1. Tradición clásica: La primera relata aquellos conflictos que generalmente no son

resueltos, mientras que la segunda se basa en historias cómicas (tragedia y comedia).
a. tragedia: En el campo de la tragedia, la principal influencia sobre los escritores
del Renacimiento fue el trabajo de Séneca. La primera tragedia importante del
Renacimiento fue la Sofonisba de Giangiorgio Trissino. En el teatro
renacentista las solemnes escenas de tragedia a menudo se entremezclaban
con interludios: cantos y bailes tomados de las obras satíricas grecorromanas.
b. comedia: El descubrimiento de la comedia romana, con sus característicos
personajes e intrincadas tramas, inspiró a los dramaturgos renacentistas a
escribir obras similares. La primera comedia significativa escrita en italiano fue
Calandria de Bernardo Dovizi da Bibbiena. En la Italia del siglo XVI los autores
de la comedia comenzaron a combinar aspectos de la comedia romana y la
tragedia con elementos del drama litúrgico.
c. sátira (género pastoril/égloga): género literario que expresa indignación hacia
alguien o algo, con propósito moralizador, lúdico o meramente burlesco. Se
puede escribir en prosa, verso o alternando ambas formas. Se inspira en la
poesía yámbica griega y se desarrolló sobre todo en la literatura latina.
2. Nuevos géneros:
a. drama musical (precedente de la ópera): Esta composición nació cuando el
concepto mismo de "ópera" no existía. Y es simbólico que el antiguo mito
griego sobre el cantante formó la base del primer drama musical.
b. Comedia del arte:(Commedia dell'Arte) es un tipo de teatro popular nacido a
mediados del siglo XVI en Italia y conservado hasta comienzos del siglo XIX.
Es un teatro pobre, basado en la improvisación, el humor y la comedia (final
feliz). Y se representaba siempre al aire libre.

4. El renacer del teatro

El teatro renacentista es la expresión artística que retomó el uso de obras clásicas
grecorromanas entre los siglos XV y XVII, las cuales fueron adaptadas a la modernidad de
esa época.
Cabe destacar que este tipo de dramaturgia representó un cambio en contenidos, vestuarios
y escenografías de las piezas, porque anteriormente se producía el teatro medieval, que era
únicamente de carácter religioso.
En este sentido, la dramaturgia experimentó un proceso de transformación gracias a la
llegada del renacimiento, donde existía mayor libertad a la hora de abordar algunos temas.
- A finales del siglo XV el teatro clásico pasaría de ser materia de estudio a serlo
también de escenificación.
- En un principio fieles a la norma aristotélica, paulatinamente se irán haciendo
descubrimientos que enriquecerán no solo el conocimiento del teatro en la antigüedad,
sino la forma de escribir teatro en este momento. El teatro Renacentista es una
 expresión de un nuevo sistema de ideas, las cuales no buscaron gran empeño en las
teorías aristotélicas, sino que llevaron al escenario un sentido de la moral de la clase
social.
- Nombres significativos para este proceso: G. Trissino, Scaglerio, Segni Castelvetro o
G. Bruno (El Candelabro).
- Hay una recuperación del teatro a la forma/manera clásica. Una de las grandes
aportaciones es que la sátira se vuelve más sofisticada, los pastores y pastoras son
más refinados y cultos (intelectuales). El único parecido con la antigua sátira es el
ambiente rural.
- A partir de estos géneros nacen otros como el drama musical (procedente de la
ópera).
- El objetivo de la escenografía del Renacimiento era crear una “pintura viviente”.

5. Sebastiano Serlio

Sebastiano Serlio (1475-1554) escribe en sus tratados de arquitectura sobre el edificio

teatral, cómo debe decorarse y los sistemas de iluminación del mismo. A mediados del siglo
XVI, el teatro “a la italiana” quiere que el espacio escénico sea una “caja de ilusiones”.
Pintores famosos realizan sus decorados que, básicamente, tienen tres temas dependiendo
de si la representación es trágica, cómica o bucólica. Serlio indica que hay un fondo de
escenario pero los laterales se doblaban para aumentar la sensación de profundidad.

Gracias al cual el decorado busca perspectiva con detalles corpóreos, en tres dimensiones
y, la profundidad.

- Sus Cinco Libros de Arquitectura, son esenciales para el desarrollo de la

arquitectura del Renacimiento del edificio teatral, contando con una gran difusión. La
calidad de sus ilustraciones facilitaba la comprensión de sus explicaciones. Y los
decorados de la escena dependían del género de la representación.
- 1545: Secondo Libro di perspectiva, que incluía Trattato sopra le scene.
- En él se postulaba la relación de las artes y las diferentes disciplinas: pintura,
arquitectura y perspectiva, señalando que los arquitectos más importantes son los
que proceden de la pintura. Pone como ejemplo a Bramante, Peruzzi o Rafael(Los
Desposorios de la Virgen), creadores que trabajaron en el ámbito de la escenografía.
- Codifica los tres tipos de escena (trágica, cómica o bucólica)a partir del estudio
Vitruvio y por supuesto con la influencia de su maestro Peruzzi.
- En su segundo libro habla del teatro como espacio y como escenografía.
- Intervino en la puesta en escena de algunas interpretaciones teatrales.
- Gracias a la imprenta los libros se divulgaban, así se recoge su experiencia en este
ámbito, acompañado de dibujos.
6. Scena tragica

Las casas pertenecen a grandes personajes y debe de haber edificios nobles (templos,
palacios, edificios públicos), ya que las tragedias sólo se desarrollaban en casas de
“Signori, Duchi, o gran Prencipi, anzi di Ré” (Señores, duques o grandes príncipes, incluso
de Ré”).
 Tragedia → Había edificios públicos (sofisticados) para la tragedia (frente de escena)
protagonizada por la clase alta.
En todas las escenografías con bloques a ambos lados dejando en el centro un espacio y …
Género tradicional del teatro. Se opone a la comedia porque tiene un final trágico en el que
todo acaba mal.

7. Scena Cómica

- Está formada por edificios de particulares (como abogados, mercaderes), no debía

faltar la casa de la rufiana, una hostería y un templo, siendo habitual el contraste de
estilos entre un área noble, como un pórtico y algunas casas más sencillas,
realizadas con materiales menos nobles, como ladrillo o madera.
- Protagonizado por personajes de perfil más bajo (estamento llano?)
- Eran edificios con decorados populares.
Se trata de una trama sencilla con intervención de personajes grotescos del pueblo llano.
Comedia.

La comedia renacentista italiana cuando dos ideas se funden: restaurar las formas clásicas
escénicas; y evolucionar el espectáculo escénico hacia un preferente de lo cómico antes
que lo trágico. La comedia sigue las unidades de tiempo y de lugar pero, no la de acción.

8. Scena Satírica

- La acción tiene lugar entre gente rústica y por tanto la contextualización es

eminentemente rural y agreste, con algunas cabañas (capanne).
- De ámbito rural, eran bosques fundamentalmente con pequeñas cabañas donde
habitaban los personajes de la égloga o género pastoril.

Sátira
Género literario y a la vez un recurso expresivo, a través de los cuales el autor expresa su
indignación o su oposición a algo, a través de procedimientos humorísticos, o sea, de la
burla, la ironía o la caricaturización.

9. Teatro Olímpico de Vicenza

Desde su fundación, la Sociedad Olímpica promovía actividades artísticas en la Vicenza del
siglo XVI. Para las representaciones teatrales se utilizaba la modesta “Casa Académica”, lo
que impedía la utilización de grandes decorados y tramoyas. Con el objeto de dar un
impulso y mejorar las condiciones de las representaciones, la Sociedad maduró, durante la
década de los setenta de aquel siglo, la idea de construir un nuevo recinto teatral más
adecuado a los tiempos. Andrea Palladio, personalidad insigne de la época en la ciudad del
Véneto, era a su vez miembro fundador de la Sociedad y conocía de primera mano sus
necesidades.
- En 1580 la Academia Olímpica considera inadecuado su edificio para las
representaciones, decidiendo levantar un teatro estable a eterna gloria de la
Academia.
- Eran un grupo de eruditos con especial inquietud por el teatro, que se dedican al
estudio de las artes. Quieren recuperar esa tradición clásica y configurar un espacio
 a la manera clásica (romana) para vivir la representación de las obras tal como era
antes.
- Se pone en manos de Palladio su construcción y las perspectivas.
- Ya estaba en la mente del arquitecto italiano, Andrea Palladio, hacer unas
escenografías tras las puertas del frons scenae (frente de escena), como había
concebido en los dibujos para la edición de Vitruvio de Barbaro y tal y como había
hecho en su teatro de madera para la representación del Amor constante.
- 1580 muere Palladio, se continúan las obras hasta 1583, excepto sus escenas que
no se entendieron bien.
- Se cambia la obra a estrenar, de la comedia pastoral pensada inicialmente se pasa a
la tragedia de Sófocles Edipo Rey en una adaptación de O. Giustiniani. El
espectáculo lo dirigirá A. Ingegnieri (junto a ciento ocho actores en el escenario)
cuyas pautas para la puesta en escena son decisivas para la escenografía y que se
recoge en el manuscrito: Istruzioni sulla tragedia vicentina intitolata I’Edipo di
Sofocle.
- Se recopila aquí la explicación sobre el asunto y sus personajes, se alude al aparato
y la escena “conviene que se asemeje en cuanto sea posible al lugar donde
aconteció el caso de Edipo”.
- En 1584 los olímpicos se ponen en contacto con el arquitecto renacentista V.
Scamozzi para realizar las perspectivas.

Ejemplo de Teatro efímero (teatro ambulante, portátil que ha sido diseñado para poder
llevar a cualquier lugar la intimidad y atención que requieren los espectáculos de la
compañía): Alzado del Teatro Capitolino (1513) según reconstrucción de Arnaldo Bruschi,
1969; Pietro Roselli, planta del teatro Capitolino (1513).

- Se trata del precedente/antecedente al Olímpico de Vicenza a partir del que se

hacen todos como en la época Romana.
- Se Se trabajaba con talones pintados y madera que luego se reutilizaban o
desechaban.
- Su inauguración tuvo lugar el 23 de marzo de 1585 (con una adaptación de Edipo
Rey de Sófocles), contando con la asistencia de la Emperatriz María de Austria,
buena parte de la nobleza veneciana y el embajador de Francia. F. Pigafeta nos dejó
testimonio de su inauguración:
a. Habiendo llegado la hora de subir el telón, primeramente se percibió un olor
dulce, para dar a entender que en la ciudad de Tebas, que era la
representada, se dispensaba olores, según la tradición clásica para mitigar el
desprecio de los dioses. Entonces se tocaron trompetas y tambores, se
lanzaron fuegos artificiales a pequeña escala. Después de un abrir y cerrar
de ojos, el telón tenso caía ante el escenario. Aquí sería muy difícil expresar
con palabras, o incluso imaginar, la gran alegría y el inconmensurable placer
que los espectadores sentían ante esta visión…

10. Teatro de Sabionetta

El teatro conserva la columnata coronada por dioses olímpicos diseñada por Scamozzi. A
60 kilómetros de Verona, tras las murallas de la diminuta ciudad de Sabbioneta, se halla
uno de los edificios más interesantes de Italia. También es de los menos conocidos.
 - Encargo de Vespasiano Gonzaga de Mantua. Dicho teatro era un espacio pequeño
para 250 personas.
- Realizado a partir de 1580 por Vicenzo Scamozzi, inventor del escenario con única
entrada llamada bocaescena.
- Principal aportación: escenario con entrada única.
- No nos ha llegado la escena pero sí los planos pues se incendió.

11. Teatro Farnesio

El Teatro Farnese es un teatro renacentista en el Palazzo della Pilotta, Parma, Italia. Fue
construido en 1618 por Giovanni Battista Aleotti.
- Es un gran espacio cubierto, capaz de acomodar un gran número de espectadores,
para grandes festivales, con decoración limitada.
- Encargado ap G. B. Aleotti ( Giambattista Aleotti) por el Príncipe de Parma en 1618.
- Su proscenio podía ocultar telones y maquinaria.
- La antigua orquesta tendrá una finalidad escénica.

12. Personajes de la Commedia dell’arte

Los tipos fijos de la commedia dell’arte tienen características muy definidas que los hacen
peculiares. Cada personaje es originario de alguna ciudad o región de Italia, con los rasgos
diferenciales y el dialecto del lugar de procedencia, con lo cual se enriquece el montaje y se
trabajan las potencialidades cómicas de unos personajes con carga simbólica (cada uno
corresponde a una región y a una categoría social).
Se trata de un teatro basado en la caracterización y la acción: los textos son poco
importantes, los argumentos se repiten y el gesto sustituye a la palabra.
Cada actor de la commedia dell’arte constituía un personaje; y cada uno estaba
caracterizado por una máscara.
● Los personajes estaban estereotipados:criados, amos y amantes.

● CRIADOS: campesinos que emigran a la ciudad, acuden a su ingenio para vender el

hambre con distintos amos:
● Arlequín: necio, ingenuo e intrigante; es el objetivo de todos los golpes. La
máscara era de cuero negro con bigote. Viste traje confeccionado con
harapos de vistosos colores. Es el personaje más conocido. Es el personaje
más cómico que siempre pasa hambre pero lo hace con humor.
● Polichinela (Pulcinella), se caracteriza por la joroba y traje blanco. Es el
criado filósofo resignado a no pasar hambre y sufrir burlas que libra
cantando. Máscara negra con nariz ganchuda. Ella es más racional y con un
pensamiento más rígido.
● Colombina compañera de arlequín, deseada por el amo. Se trata de una
variante femenina de estos personajes. Normalmente viste como un
personaje humilde. Es el punto de inflexión, pues produce los suspiros de
criados y amos.
● Los AMOS:
● Pantalón: rico comerciante, tacaño, desconfiado. Personifica el poder
económico. Viste capa negra, su máscara negra tiene perilla blanca y nariz
prominente.
● Doctor. Personifica el poder intelectual, aunque universitario, es
tremendamente ignorante, lo que denota su habla pretenciosa. Viste de
 negro con ampulosa gola, sombrero de ala ancha. Máscara similar a la
anterior.
● Capitán. Sería el poder militar, suele ser de origen español, fanfarrón,
pretencioso, cobarde y parlanchín. Viste sombrero de plumas, gran espada,
voz grave. Máscaras dispares.
● Enamorados: generalmente son los personajes más dignos, por ello no llevan
máscaras, su papel es exclusivamente amar y ser amados.

13. Autores importantes

- Los Menecmos de Plauto, adaptación libre.
Plauto se dedicó exclusivamente a la comedia, tomando como modelo a Menandro,
Dífilo, Filemón y otros autores de la nueva comedia griega, que él adaptó al gusto
romano y que al parecer contrastó con otras obras romanas contemporáneas,
mezclando personajes y situaciones.
- Maquiavelo (La Mandrágora), Ariosto (La alcahueta, Los estudiantes) y Aretino (La
cortesana).
Nicolás Maquiavelo fue un político, escritor y filósofo del Renacimiento italiano que
influyó de manera decisiva en el pensamiento occidental. Secretario de la República
de Florencia, acometió numerosas misiones diplomáticas y reorganizó el ejército de
Florencia.
El teatro del Siglo de Oro
producción teatral comprendida durante los siglos XVI y XVII

1. Tipos de espectáculos y fiestas

La historia del espectáculo teatral está íntimamente unida a la historia de la fiesta, tanto en
su vertiente pública como privada, religiosa como profana, ligada al calendario litúrgico o
fruto de circunstancias y acontecimientos diversos. Sin embargo, es durante el Siglo de Oro
cuando la fiesta adquiere una dimensión teatral sin precedentes.
- Fueron en los primeros años del siglo los salones del Alcázar, las habitaciones
privadas de los reyes o los grandes salones donde se celebraban fiestas de variadas
manifestaciones: banquetes, teatro, música, mascaradas, etc., en especial el
llamado Salón Dorado, lugar privilegiado para las fiestas teatrales de palacio.
- El poder genera durante el Siglo de Oro una amplia gama de fiestas con funciones
de ostentación y propaganda encaminadas a afianzar vínculos entre el Poder y los
súbditos.
- Incluso los acontecimientos familiares de la casa real no se limitan al palacio sino
que se proyectan hacia la calle, incorporando al pueblo como espectador y a la
familia real como protagonistas, siendo la ciudad el plano escénico en el que se
desarrolla el discurso.

2. FIESTAS Y ESPECTÁCULOS
PODER CIVIL
- Nacimientos y bautismos
- Matrimonios
- Muertes y funerales
- Recibimientos
- Autos de Fe
PODER RELIGIOSO
- Presentación y traslado de reliquias
- Rogativas
- Beatificaciones y canonizaciones
- Semana Santa
- Fiestas patronales
- Dogmas
- Corpus Christi

Dos tipos de Teatro:

- popular (de corral)
- de corte (cortesano)
- Y estaba en tercer lugar la representación sacramental (Corpus Christi)

3. MIRAR EN POWER POINT

4. Ámbitos escénicos
Pero los versos de los dramaturgos no quedaron recluidos únicamente en ese
ámbito escénico, por mucho que el género al que pertenecen marque como destino
primigenio el ser pronunciados sobre el escenario, tal como afirma Lope al prologar
en 1617 el primero de los libros de comedias del que se hizo cargo: “No las escribí
con este ánimo, ni para que de los oídos del teatro se trasladaran a la censura de los
aposentos”. Y, sin embargo, lo cierto es que alcanzaron los espacios particulares de
lectura de manera copiosa y perdurable.
- Tres son los ámbitos escénicos y tres las modalidades teatrales que a ellos
corresponden: el teatro de corral, el de corte y el de Corpus Christi.
● El teatro de corral de moderada complicación de tramoya y escenografía. Es un
teatro situado en el patio interior de una manzana de casas. Su origen se remonta a
finales del siglo XVI y fueron fundamentales para el éxito que alcanzó el teatro
español en el Siglo de Oro.
● Teatro de Corte: abundante maquinaria teatral donde intervienen todas las artes.
Especial importancia tendrá la música, desarrollados géneros como la zarzuela y la
ópera. Son representaciones de textos dramáticos breves, que se realizan en un
escenario frente a un público.
● Auto Sacramental, con riqueza de tramoya debido al apoyo oficial. Es una obra de
teatro religiosa, una clase de drama litúrgico, de tema eurcarístico.

Palacio del Buen Retiro, donde se llevan a cabo las representaciones del teatro de Corte.
España asume y asimila recursos escenográficos europeos (sobre todo italianos).
Corral de la Cruz
5. Corrales de Comedias
- Dependiendo de las épocas había representaciones una, dos veces a la semana o
incluso en algún momento todos los días, siendo la época más importante invierno y
especialmente durante la Pascua, las representaciones se suspendían durante la
Cuaresma y funerales regios.
- Existen reglamentos estrictos sobre el teatro, su gestión y escenificación, la censura
debía aprobar tanto el texto como la escenificación.
 6. Estructura del Corral de Comedias

- Es un modelo de teatro público permanente instalado al descubierto en los patios y

corrales interiores que separaban los edificios de vecinos en las principales ciudades
españolas y luego de la América hispana. Fueron el marco de la dramaturgia del
Siglo de Oro.
- Como su propio nombre indica son patios o corrales los que acogen la actividad.
- Algunas viviendas acogen dependencias secundarias como guardarropía,
contaduría,etc.
- A veces se incluyen toldos para una mejor visibilidad.
- Distribución del público: en el centro del patio, de pie populares: los mosqueteros.
- En los lados del patio habría gradas para gente de mejor posición.
- Por encima de éstas había dos pisos de “aposentos”, estas localidades eran las más
caras y se reservaba a la nobleza. En algún caso existen aposentos especiales para
las autoridades (aposentos de la Villa) o para doctos y clérigos (tertulias tejado).
- En el otro lado corto frente al escenario habría unos aposentos y sobre ellos la
cazuela, en algún caso puede existir otra cazuela (cazuela alta) sobre ella y en
ambos casos se reservaba a mujeres de clases más populares.
- Existe a veces un tercer piso, se ignora la utilidad, todo apunta a que se reservara
algunas autoridades.

Corral de Comedias de Almagro (Ciudad Real)

7.El escenario
El teatro del siglo de oro se distingue por ser un tipo de representación que no seguía los
cánones aristotélicos, gran parte de su producción estaba escrita en verso y se ponía en
escena en unos recintos conocidos popularmente como corrales de comedias -con muy
pocos medios escenográficos y lumínicos- por compañías.
- Semejante en todos los teatros comerciales, ocupa el fondo y estaba cubierto por un
techo, rodeado por galerías y aposentos, sin telón de boca ni bastidores.
- La altura del escenario sería de un metro y medio aproximadamente y su superficie
estaría entre los 31 y 47 metros cuadrados.
- Tras el escenario estaría situado el vestuario de las actrices, se accede al escenario
por dos puertas.
- Sobre estos accesos se ubica un corredor y a veces sobre éste puede aparecer un
segundo corredor.
- Si seguimos el modelo de escenario del Corral Príncipe, tendríamos un escenario
compuesto por tres alturas y nueve huecos.

8. La puesta en escena
A lo largo del Siglo de Oro se registra un considerable desarrollo de la escenografía
partiendo de la pobreza de medios que se daba en los primeros corrales de comedias. No
obstante, el público necesitaba utilizar la imaginación para captar el significado de unos
rudimentarios y convencionales signos escénicos (trajes, decorados…). Ante la ausencia de
otros medios, los poetas y las compañías utilizaban con profusión el decorado o la
escenografía verbal.
La elección de la maquinaria para una representación correspondía al autor de la compañía
y no al poeta, que limitaba su intervención a breves y convencionales acotaciones
escénicas. La libertad de las compañías a la hora de establecer la puesta en escena
justificó el recelo de algunos poetas, como el propio Lope de Vega, que veían así alterado el
significado de sus comedias.
La maquinaria escénica varía mucho si la representación se da en un teatro público o en
otro de la Corte, donde solía haber una mayor capacidad de inversión por el respaldo de la
monarquía y el público era más exigente con respecto al espectáculo. Las innovaciones
escenográficas de las representaciones cortesanas fueron notables, pero en contadas
ocasiones repercutieron en las dadas en los corrales.
La mayoría de las obras destinadas a los corrales de comedias contaban con una
escenografía simple y convencional. La sobriedad era la tónica. La pretensión de una
escenografía específica para cada obra representaba una quimera que nadie exigía. La
alternativa pasaba por lo convencional de estos recursos y la complicidad de un público
predispuesto favorablemente.
Los complicados efectos escénicos –la Corte contrató prestigiosos escenógrafos
procedentes de Italia- se reservan para las comedias de santos, las mitológicas y las
palaciegas por razones económicas y de prestigio social. La economía siempre está
presente en estas cuestiones. Por la misma razón, el recurso a las apariencias (personajes
que aparecen por lugares insólitos) predomina sobre las mutaciones (cambios completos de
decorados).
Ambos efectos tendían a incrementar el atractivo del espectáculo ante un público casi
virgen en este sentido. Las referencias por parte de un autor de cómo representar una obra
son de dos tipos.
 - Didascalias: en la literatura latina, conjunto de notas a veces al comienzo de una
comedia daban noticias sobre su representación.
a. Didascalias implícitas: referencias internas en el propio texto.
b. Didascalias explícitas: acotaciones específicas.
1. Didascalias implícitas son variables y no sabemos hasta qué grado influían en la
representación.
2. Didascalias explícitas suelen ser escasas, solo en las de grandes espectáculos son
más extensas y pueden ser:
1. Indicar vestuario: de camino, de corto, con botas y espuelas, con manto…
2. Entradas y salidas.
3. Breves indicaciones de acción:, etc. sale herido, sale como a oscuras, de rodillas
y rezando, rodando de un monte
- Cortinas o paños. Es de uso muy frecuente, jugando con los vanos o huecos de la
fachada escénica.
- A veces se amplía el escenario y el propio actor descorre la cortina mostrando un
dormitorio.
- En algunos casos es una forma de mostrar un sueño. En pintura hallaríamos una
correspondencia con el denominado “cuatro dentro del cuadro”.
- En la Cisma de Inglaterra de Calderón en la que se representa el sueño del rey:
tocan chirimías y córrese una cortina; aparece el rey Enrique durmiendo; delante una
mesa, con recado de escribir, y a un lado Ana Bolena. Y dice el rey entre sueños…
- En otras ocasiones el descubrimiento de estos huecos buscan la sorpresa: en el
médico de su honra descubre a Doña Mencía desangrada.
- En apariciones de carácter sacro se suelen utilizar huecos altos y se acompaña de
chirimías, generalmente en el hueco central.
- A veces tras las cortinas se escondían músicos.
- En estos huecos se ubicaban decorados que eran variables: adornos de jardín,
rocas de cartón,etc.
- Cuando un personaje se tenía que esconder tras estas cortinas las acotaciones
dicen: al paño.

(PARTES EN EL ESCENARIO)
- Generalmente las dos puertas laterales quedaban libres, pues servían de acceso
para los actores. De ello dan buena muestra muchas acotaciones:
a. El Galán de Membrilla de Lope: Váyanse bailando por las dos puertas.
b. Los Lagos de S. Vicente de Tirso: salen cuatro cuadrillas por entramas
puertas.
- En algunas ocasiones es más sencillo, se simula un patio de vecinos o un corral.
- En otras ocasiones se incluían determinados aparatos escénicos como la simulación
de rocas, naves marítimas.
- A veces la decoración se completa con elementos menores como pueden ser
buferes, sillones, cuadros,etc.

9. Tramoyas
Las tramoyas se montan en un día y 43 desaparecen al día siguiente. No hay decoración
permanente; el sitio de la acción dramática es vago, deliberadamente impreciso.
- Pescantes (especie de poleas para fingir ascensos y descensos) y maromas para
simular vuelos que a veces podían cruzar todo el corral hasta llegar a la cazuela.
 - En algunas ocasiones se incluían animales, estos podían ser vivos, como camballos,
en otras ocasiones fingidos.
- Las representaciones se hacían a plena luz del día, las representaciones
comenzaban a las dos de la tarde en invierno y a las cuatro en verano. No obstante
a veces se ayudaban de velas y hachones para las luminarias. Se utilizaban papeles
de colores para simular un color determinado.
- Todos estos decorados tenían valor sincrético, es decir, exhibe una parte que
representa el todo.
- Aunque se complica a lo largo del siglo XVII, no son comparables a los mecanismos
que se desarrollan en el ámbito cortesano. Las tramoyas complicadas habían
servido a los misterios medievales y a las comedias de santos.
- En el teatro comercial sí existen algunos mecanismos reseñables (trucos).
- El más común es el escotillón o trampilla en el que se desciende a la Tierra o surge
el infierno. Sabemos que en el Teatro de la Cruz en 1652 había siete trampillas.
- El Bofetón: Especie de torno que se impulsa por el movimiento del propio actor y que
le permite esconderse en un momento determinado.

10. El Auto Sacramental

El auto sacramental eran composiciones dramáticas de breves dimensiones y en la que
intervienen personajes bíblicos o alegóricos.
Los Autos Sacramentales se representaban en festividades religiosas y solían celebrarse en
templos o en las afueras de las iglesias. El texto más antiguo que se engloba dentro de este
subgénero es los Autos de los Reyes Magos (desarrollo parte de apuntes literatura), que
data del 1145; sin embargo, fue a partir el siglo de Oro español cuando se empezó a cultivar
este género de forma más constante y se crearon grandes piezas literarias.os Autos
Sacramentales se representaban en festividades religiosas y solían celebrarse en templos o
en las afueras de las iglesias. El texto más antiguo que se engloba dentro de este
subgénero es los Autos de los Reyes Magos, que data del 1145; sin embargo, fue a partir el
siglo de Oro español cuando se empezó a cultivar este género de forma más constante y se
crearon grandes piezas literarias.
Gremios benéficos → podían ir hombres y mujeres → tenías que registrarte
Importancia → bufonería → gran desarrollo → aunque denominados como locos → normalmente
personas con trastornos.

Truhanes → los que se hacen pasar por locos → jugaban un papel político notable → hacían de
mensajeros (“corre de y diles”).

- DRAE Auto: Composición dramática de breves dimensiones y en la que, por lo

común, intervienen personajes bíblicos o alegóricos.
- RAE: Auto dramático escrito en loor del misterio de la Eucarisna.
- Género de uno o varios actos que se representa durante el día del Corpus Christi y
la Octava entre los siglos XVI, XVII hasta su prohibición a mediados del medieval
(Auto de los Reyes Magos, por ejemplo). Los temas son de carácter eurcarístico,
moral, hagiográfico y alegórico.
- De carácter muy popular, puesto que se representan en la calle durante las fiestas
conmemorativas del Corpus, sin embargo, desarrollan un gran aparto (?)
escenográfico, ya que dichas representaciones eran apoyadas económicamente por
las propias instituciones.
 - En ellos se exaltan los valores católicos más importantes frente al herejía y el Mal,
todo ello entendido en el marco de la Contrarreforma.
- Que se celebre la fiesta del Corpus como manifestación del triunfo de la verdad
sobre la herejía y para que se confundieran los enemigos del Sacramento viendo el
regocijo universal de la iglesia (Concilio de Trento, 1551).

11. Autores destacados

- P. Calderón de la Barca (El gran teatro del mundo, La vida es sueño).Con Calderón
de la Barca adquirió plena relevancia en la comedia barroca la escenografía —lo que
él llamaba «memoria de las apariencias»— y la música (se considera a Calderón el
primer autor de libretos de zarzuelas), en búsqueda de un espectáculo barroco
integral que uniera las diversas artes plásticas.
- Lope de Vega (El dulce Nombre de Jesús, La siega, El caballero de Olmedo). Lope
de Vega fue el definitivo renovador del teatro nacional. Consolidó el género de la
comedia, que se liberó de las reglas aristotélicas. No le interesaba la unidad de
lugar, aceptaba a de acción y se oponía a la unidad de tiempo, tal como desarrolló
en su Arte nuevo de hacer comedias, publicado en 1609.
- Tirso de Molina (El Colmenero, El Laberinto de Creta). Poeta y dramaturgo español,
de verdadero nombre Gabriel Téllez, nacido en Madrid en 1571 y muerto en
Almazán (Soria) en 1648. Conocido en la historia universal de la dramaturgia por el
pseudónimo de Tirso de Molina, pasa por ser uno de los más afortunados
continuadores del teatro áureo difundido por Lope de Vega.

OTROS
- Fernando de Rojas (La Celestina, no llevaba a cabo en escena debido a su gran
extensión).
- Juan del Encina (Juegos de Carnaval, Los Aguaceros).
- Miguel de Cervantes (Don Quijote).

Tarasca para la Villa de Madrid, 1667

Carro para las fiestas de la Inmaculada. Valencia, 1663

12. Tipos de Auto Sacramentales

- Autos bíblicos
- Autos mitológicos
- Autos hagiográficos y marianos
- Autos filosóficos-teológicos

13. Memoria de apariencias del auto El Divino Orfeo (1663)

Memoria de las apariencias que se han de hacer este año de 1663 para la representación
de los autos de la fiesta del Santísimo Sacramento.
El Divino Orfeo, un Auto Sacramental alegórico.

- Primeramente ha de ser el primer carro una nave negra con sus banderolas,
flámulas y gallardetes negros también; ha de estar sobre ondas oscuras con
monstruos marinos pintados en ellas, y a su tiempo ha de dar vuelta, teniendo en su
 árbol mayor elevación para una persona. A un lado de este mar ha de haber un
escollo que se ha de abrir, y salir de él una persona, advirtiendo (para facilitar el que
pueda ejecutarse) que cuando el escollo se abra, ha de estar la nave en través, de
suerte que ni la proa ni la popa podrán embarazar para que el escollo no se abra, y
representar la persona con las que estarán en el costado de la nave.
- El segundo carro ha de ser otra nave, azul y oro, toda su pintura sobre mar de cielo
con peces e imágenes marinas hermosamente pintadas, sus flámulas y gallardetes
blancas y encarnadas con cálices y hostias. Ha de dar vuelta y tener elevación.
- El tercer carro ha de ser un globo celeste con estrellas, signos y plantas. Este medio
globo se ha de abrir a su tiempo en dos mitades, cayendo la una a la parte de la
representación sobre dos columnas, de suerte que el medio globo quede hecho
tablado y el otro medio vestuario, y puedan salir y entrar personas que han de
representar rueda de rayos que a su tiempo se descubra dando vueltas, y en ellos
ha de se descubra dando vueltas, y en ellos ha de haber sol y luna con otras
estrellas e imágenes celestes, y moverse todo.
- El cuarto carro ha de ser un peñasco, el cual también se ha de partir en dos mitades,
cayendo la de la representación sobre dos cipreses, y quedar, como el globo, la
mitad tablado y la mitad vestuario, de donde puedan salir y entrar los que
representen. Todo este peñasco se ha de poblar a su tiempo de árboles que han de
estar embebidos de suerte que la cumbre quede coronada, y al mismo tiempo por
todos sus costados y fachada han de asomar diversos animales, y corriéndose la
cortina que hacía vestuario, se ha de ver en su fondo un mar en cuyas ondas se han
de mover algunos peces y salir de ellas pájaros vivos soltándolos a que vuelen en el
mayor número que se pueda.
- En Madrid 27 de febrero de 1663 años.
- Don Pedro Claderón de la Barca.

LOS ACTORES
Gracias al alto grado y la gran demanda que había de teatro, las compañías teatrales
llegaron a tener un grandísimo desarrollo. Había compañías estables, sobre todo, en las
grandes ciudades en las que había teatros y corrales que funcionaban prácticamente todos
los días.
Había compañías ambulantes, que se dedicaban a ir de pueblo en pueblo y de ciudad en
ciudad.
Las compañías eran muy complejas y dependiendo del lugar van a tener más o menos
desarrollo.
Se buscaban buenos actores, como niños con talento.
Las mujeres cultas y sabias eran independientes tenían posibilidad económica, eran
expuestas socialmente. Por un lado, eran admiradas y, por otro, tenían una consideración
social baja.

SOCIEDAD JERÁRQUICA
El rey es la cúspide y, a partir de ahí, se va fragmentando. Esto se podía ver en la
distribución de los corrales de comedia.Según su estatus ocupaban un lugar u otro.También
es algo aplicable a las compañías teatrales. A los actores se les pedía ciertas habilidades:
escribir, leer y recitar.
LA FORMACIÓN IDEAL/ COMPAÑÍA IDEAL
Eran un modelo de compañía estable, formada por un apuntador (principiante en la
actuación). Cuando la compañía tenía mucho desarrollo era gracias a la importancia de la
música y al cuidadoso vestuario. Así, podían cobrar las entradas.
LOS BUFONES Y LA BUFONERÍA
Eran actores pero actuaban de manera independiente. Su finalidad era entretener a la
Corte, a aquellas personas a quienes servían. Cualquier noble que podía pagar tenía a sus
propios bufones.
Siempre iban bien vestidos, de forma elegante y sofisticada. No sólo tenían una función
actoral, sino que también podían desempeñar otra actividad dentro del funcionariado.
Existe una clasificación dentro de la bufonería:
- Los truanes: estaban locos (no interpretaban, eran así) y normalmente su actividad
se desarrollaba como monólogos. Tenían arranques de humor espontáneo.

LA ÓPERA
Género musical que nace más o menos en el 1600 como consecuencia del Renacimiento
como producto de la cultura del barroco.
Estructura de la ópera: (DE INTERNET)
■ Obertura: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente es breve y
sirve como introducción al espectáculo. La música comienza con el telón cerrado,
que se abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su
toma de contacto con el escenario.
■ Interludios: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos
anteriores. También se denominaron "ritornellos".
■ Ballet: partes instrumentales pensadas para desarrollar una danza o baile.

Partes VOCALES:

- RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción.
Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin
adornos. Existen dos tipos de recitativo: Secco ( acompañamiento sólo de bajo
continuo) o Acompagnato (con acompañamiento de orquesta).
- Árias: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por
solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio
del lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada.
- Coros: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes.
- También puede haber Dúos, Tríos, Cuartetos...