Carolina Asplindh y Bruno Erhardt

1. Utilice las cinco categorías dicotómicas presentadas por Wölfflin para analizar y
comparar estas dos obras.

El autor Wolfflin en su obra “Renacimiento y Barroco” habla sobre cinco categorías

dicotómicas que utiliza para comparar el arte renacentista y el arte barroco. A
continuación, a partir de ellas, compararemos una obra de cada período, Crucifixión
de San Pedro de Masaccio, artista renacentista, y Crucifixión de San Pedro de
Caravaggio, artista barroco.

En primer lugar Wolfflin habla sobre la categoría “lineal/pictórico”, con la cual explica
que el arte del Renacimiento era lineal, ya que construye la imagen desde la línea de
dibujo, que aparece como un contorno definido de las formas, mientras que el arte
del barroco era pictórico, produciendo figuras menos estables y definidas. Esto se
puede observar fácilmente al comparar ambas obras, ya que en la de Masaccio se
ve una estructura clara de líneas y contornos definidos, delineando los detalles
cuidadosamente. Por el contrario, Caravaggio en su obra crea formas, bordes y
volúmenes más imprecisos y estables, a través de pinceladas y la utilización de
luces y sombras.

En segundo lugar, el autor explica la segunda categoría “superficie y profundidad”,

donde explica que en las obras renacentistas se agrupa a los personajes principales
de la composición en la superficie del cuadro, mientras que en las obras del Barroco,
la escena comprende todo el espacio pictórico y los personajes de distribuyen en la
profundidad del espacio. Masaccio en su obra no cumple con esta categoría tan al
pie de la letra, ya que implementa una perspectiva lineal que genera una sensación
de profundidad, pero igualmente los personajes están en la superficie del plano,
logrando reconocerlos rápida y fácilmente al individualizarse. En cambio, Caravaggio
en su obra, al utilizar más la profundidad, se hace más difícil de entender y
reconocer cada personaje y escena de la composición, exigiendo al espectador una
mirada más dinámica que esté en constante movimiento buscando y descubriendo
nuevos elementos de la obra.

En tercer lugar, Wolfflin plantea la tercera categoría “forma cerrada y forma abierta”,
en la que dice que en el Renacimiento se construían las obras de manera cerrada,
mientras que en el Barroco, se construían de forma abierta. Esto se puede confirmar
en la obra de Masaccio, en la que las formas son cerradas y geométricas y están
claramente diferenciables, definidos y delimitados, creando una sensación de
estabilidad y equilibrio. Por el contrario, en la obra de Caravaggio, se observa una
representación más naturalista en la que utiliza formas abiertas. No hay un orden o
un punto focal centralizado, los contornos de los personajes no están definidos. Él
opta por capturar mejor la acción y el movimiento, generando una sensación de
inestabilidad y caos, pero a la vez, de dinamismo y espontaneidad.
En cuarto lugar, nos encontramos con la categoría “análisis y síntesis”, con la que se
explica que el arte renacentista se establece mediante el análisis, es decir que los
diferentes elementos de la composición pueden ser separados y pensados de
manera independiente, pero manteniendo su significado, autonomía y sentido
estético, mientras que en el arte barroco, la composición se establece como una
síntesis, ya que la obra produce en el espectador un efecto global en el que no se
pueden separar las partes ya que perderían sentido. Al analizar la obra de Masaccio,
se nota que le presta atención cuidadosa a los elementos individuales. Cada uno se
representa con claridad y con sus características específicas, y si quisiéramos
analizar cada una por separado, la composición seguiría manteniendo su significado.
Por el contrario, en la obra de Caravaggio, éste deja de lado los detalles, y simplifica
los elementos esenciales de la composición, buscando una representación global y
el impacto visual en conjunto.

Por último, en su quinta categoría, el autor explica “claridad absoluta y oscuridad

relativa”, donde habla sobre la claridad absoluta del arte renacentista, ya que ilumina
sus composiciones al aire libre, luz natural y sombras tenues, y donde habla de la
oscuridad relativa del arte barroco, con sus escenas en interiores iluminados con
luces artificiales cálidas, y se generan fuertes contrastes de luces y sombras. Por un
lado, Masaccio en su obra demuestra esta afirmación ya que está iluminada de
forma uniforme, haciendo los detalles claramente visibles, y no hay presencia
predominante de sombras o zonas oscuras. Por el otro lado, Caravaggio, muestra
esta oscuridad relativa al marcar contraste entre luces brillantes y sombras intensas,
enfatizando efectos dramáticos.

2) ¿Qué ventajas y dificultades genera la implementación y uso de este modelo?

La implementación de este modelo tiene ciertas ventajas; como dar un enfoque

comparativo, permite una comparación sistemática y estructurada entre diferentes
estilos artísticos. Esto ayuda a identificar las características distintivas de cada
período y a comprender las diferencias y similitudes entre ellos.

Las categorías dicotómicas son claras así que proporcionan un marco conceptual
claro para el análisis y la clasificación de las obras de arte.

También puede aplicarse a diferentes periodos, aunque Wölfflin desarrolló

inicialmente este modelo para el estudio del Renacimiento y el Barroco, se ha
utilizado y adaptado para analizar otros estilos artísticos. Esto demuestra su
flexibilidad y utilidad en el estudio de diferentes épocas y movimientos artísticos.

Por otro lado, las desventajas que podemos notar son la simplificación excesiva,
este modelo reduce la complejidad del arte a una serie de categorías dicotómicas, lo
cual puede llevar a una simplificación excesiva de la historia del arte. No todos los
estilos artísticos se ajustan perfectamente a estas categorías y es posible que se
pierda información valiosa sobre ciertas obras de arte.

No tiene en cuenta los contextos, se centra principalmente en el análisis formal y no

analiza aspectos sociales, políticos, económicos y culturales que pueden influir en la
producción artística. Esto puede llevar a una comprensión parcial de las obras de
arte y de su significado en un contexto más amplio.

Por otra parte, Wölfflin establece categorías fijas y opuestas, lo que puede limitar la
capacidad de capturar la complejidad y diversidad del arte. Algunas obras de arte
pueden exhibir características que no se ajustan claramente a una sola categoría, lo
que dificulta su clasificación y análisis dentro de este modelo.

Es importante tener en cuenta que el modelo de Wölfflin es una herramienta

analítica entre muchas otras utilizadas en el estudio del arte y que su uso debe
complementarse con otros enfoques y perspectivas para obtener una comprensión
más completa y contextualizada del arte.