Generación de la ruptura

1.-Manuel Felguérez

Realizó estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México en 1948

La formación de estilo y las imágenes de Felguérez está estrechamente ligada a los diversos movimientos de Europa, como incorporar
geométrica-constructivista, el informalismo y el expresionismo abstracto que estaba expuesto en su primera formación. Ha fusionado
estos elementos en su propio estilo. Su trabajo a menudo contiene figuras geométricas básicas como círculos, triángulos, rectángulos y
cuadrados, en combinaciones para formar su propio "lenguaje". Su trabajo ha sido comparado con Picasso y Tamayo por expertos en
arte.

Forma parte de la primera generación de artistas abstractos nacionales, abiertamente confrontados con la tradición de la Escuela
Mexicana de Pintura, encabezada por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco.

En cuanto a su técnica de pintura, se trata de una geometría primordial e imperativa: superficies previstas y depositadas “en orden”,
previamente “estalladas” desde el fondo de la superficie de la tela o a partir de los límites del cuadro: escenario liso que se va llenando
de planos y líneas rectas, de grumos y pequeñas manchas, colores y tonos, caminos sobresalidos, sobresaltados que se van cubriendo o
sencillamente marcando, cargando de un aparente caos o masa de “ansias” o estallidos.

2.-Vicente Rojo

Nació en 1932 en Barcelona, ciudad en la que hizo estudios de escultura y cerámica. En 1949 llegó a México, donde estudió pintura y
tipografía, realizando durante más de cincuenta años una extensa obra como diseñador gráfico, pintor y escultor.

Su pintura se agrupa en cinco series principales: Señales, en la cual trabaja con formas geométricas básicas; Negaciones, surgida de su
intención de que cada cuadro negara al anterior y al que le seguiría; Recuerdos, nacida de su intento de abandonar una infancia difícil;
México bajo la lluvia, concebida un día que vio llover en Tonantzintla, y Escenarios, compuesta de miniseries y que es un repaso de
sus temas anteriores y una suma de los mismos.

Perteneció al grupo de artistas denominados de ruptura, aunque él consideró que era más bien de continuidad; renovador de la forma y
del color, hizo variantes de un mismo tema y logró que toda su obra fuera igual al mismo tiempo que diferente; como editor contribuyó
a la calidad de la industria editorial mexicana y creó con sus discípulos la más original generación de diseñadores.

3.-Pedro Coronel

Fue pintor, escultor, dibujante y grabador.

Estudió pintura y escultura en La Esmeralda (1940-1945). Durante su estancia en París frecuentó los talleres del pintor Víctor
Brauner y del escultor Constantin Brancusi que influyeron en gran medida su proceso artístico. 

La dramatización de los colores de las antiguas culturas y la recuperación de sus formas y motivos son los elementos básicos del
trabajo de Coronel. En sus obras se veía la fuerza de su pensamiento abstracto y su original colorido, que disfrazaban en cierto modo,
el contenido dramático de sus obras. Sus esculturas son de forma simplificadas.

Otro aspecto de las obras de Coronel en su monumentalidad, tal parece que el artista se siente más libre pintando telas de grandes
dimensiones, que son como pinturas murales buscando un sitio donde descansar.

4.-Alberto Gironella

Comenzó a escribir poesía desde su juventud, pero después abandonó sus estudios de letras hispánicas y se dedicó a la pintura.

Se especializó sobre todo en el collage. Su sello particular fue el uso de latas vacías de sardinas, mejillones, etc. en sus obras,
altamente influenciadas por las tiendas de ultramarino y corcholatas de refrescos clavadas o pegadas alrededor del marco de sus
pinturas. Para sus obras tuvo inspiraciones tan disímiles como el caudillo de la Revolución mexicana Emiliano Zapata, la
cantante Madonna, el cineasta Luis Buñuel, la tauromaquia4 y el filósofo Friederich Nietzsche.

5.-Fernando García Ponce

La obra de Ponce está tocada por la experiencia cubista, el pintor elegía la despersonalización y la búsqueda de la pureza.
Después se enfocó más en el equilibrio entre la forma y el espacio y su pintura trata de ir más allá de las apariencias.
Ponce deja que sus obras hablen por sí mismas, los cuadros son espacios vivos, animados por el espíritu del artista.
Fernando García Ponce mostró que si pintura estaría presidida por el signo del rigor. Tocadas por la experiencia cubista, sus obras
tempranas dejaban ver con absoluta claridad el sentimiento que había determinado la elección de sus antecesores.

6.-Beatriz Zamora

Es una artista mexicana contemporánea de la generación de la ruptura, conocida por realizar durante cuarenta años trabajos
monocromáticos en negro. Su trabajo ha sido reconocido en varios puntos de su carrera.

Zamora inició su carrera bajo la tutela del muralista José Hernández-Degadillo. Sus pinturas representaban de alguna manera una
expresión autobiográfica con un estilo surrealista.

Durante el periodo de 1964 a 1971, abandonó su estilo previo, así como los círculos artísticos que frecuentaba, para enfocarse en la
investigación del arte contemporáneo (expresionismo abstracto, el suprematismo y el minimalismo), la reflexión filosófica y la
experimentación de materiales. Como forma de romper con sus obras previas, dejó las brochas y desarrolló una serie titulada Del
Negro, Blanco y Rojo, en la cual se dedicaría a realizar por una década el estudio de cada uno de los colores (verde, azul, rojo, el negro
y la tierra).

La serie El Negro puede comprenderse como la consolidación de la experimentación e investigación plástica de Zamora. En 1977,
cambió de nuevo, hacía la creación de trabajos monocromáticos en negro haciendo uso de diferentes materiales tales como la
obsidiana, carbón vegetal, metales oxidados, carbón mineral, piedras semipreciosas, entre otros materiales oscuros.

7.-Arnaldo Coen

Fue miembro fundador del Salón Independiente (1968). En su desarrollo artístico comenzó a trabajar con pinturas objeto y con
escultura, utilizando como tema principal el torso femenino con diferentes tratamientos. Además de la pintura ha realizado
"environments", escenografías y vestuarios para obras de teatro y danza.
A lo largo de su trayectoria la obra de Coen ha pasado por varios procesos de experimentación e investigación geométrica, espacial y
temporal, a veces interdisciplinaria. En su estilo artístico son temas constantes la presencia del cuerpo femenino y lo erótico, lo onírico,
las tensiones entre lo geométrico y lo orgánico, la memoria visual y el tiempo, así como los procesos de transformación en torno a las
formas, su repetición y el dinamismo.

8.-Juan Soriano

Sus mentores fueron grandes exponentes de la plástica mexicana como Emilio Caero y Santos Balmori. Por invitación de este último,
se integró a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR) en la cual permaneció apenas un par de años; sin embargo, a
partir de ello se relacionó con conocidos personajes del ámbito cultural, lo cual le permitió ampliar sus horizontes intelectuales y
plásticos.

Su obra se distingue por haber desarrollado un estilo propio, basado en el lirismo y una búsqueda constante, derivada de la inquieta
personalidad del creador. Experimentó con diversos materiales, géneros y estilos; incursionando incluso en el abstraccionismo y la
creación de vestuarios y escenografías para teatro.
En el plano anecdótico, se recuerda que, cuando dejaba de tener otra superficie para pintar, lo hacía sobre las puertas de su casa, las
cuales después vendía.
9.-Roger Von Gunten

Estudio pintura y diseño gráfico en la escuela de artes y oficios en Zúrich, su ciudad natal.

Siendo un apasionado de la botánica, la música clásica y la astronomía, su obra abarca pintura, dibujo, gráfica y escultura, y se
caracteriza por su uso de color, figuras abstractas y formas que buscan siempre la alegría por la vida de lo mexicano. Para crear, von
Gunten recurre a un proceso que llama "mitología personal". “Los recuerdos, lo que uno adora, que al enfrentarse a un papel, a una
tela, de repente afloran casi como imágenes. Empieza un diálogo con el cuadro donde todo lo que a uno le interesa de alguna forma se
hace visible”.2 Eligió la corriente abstracta y el uso intenso del color.

Su lenguaje visual es inconfundible, tanto en pintura como en dibujo. Su paleta, su iconografía y su trazo no han cambiado mucho a lo
largo del tiempo. Siempre hay referencias al mundo exterior e incluso al clima en el que está viviendo, referencias sentidas en forma
interiorizada. Él ha dicho que sus cuadros "siempre son un camino recorrido, consisten en muchas capas, rodeos, añadiduras y
negaciones, por suelta y espontánea que pueda verse la superficie final".

10.-Vladimir Viktorovich

Nace en plena Guerra Civil Rusa

En 1936, Stalin anunció la liberación de su padre al exilio y la familia fue acogida en Bélgica. Posteriormente, emigró a Francia, país
donde Vlady decidió encauzar su vida al desarrollo artístico. Entró en contacto con André Breton, Berdayev, entre otros.

Su estancia en Francia le permitió conocer de manera informal la obra de Diego Rivera.

En 1941 fueron acogidos en. Vlady estableció contacto con simpatizantes del comunismo y entre ellos se encontraban Frida
Kahlo y Diego Rivera, conocedor de la obra de ellos, no mostró total concordancia con los aspectos nacionalistas vertidos en sus obras,
sin embargo, su controvertido temperamento no chocó totalmente con la estética de la corriente ni con el manejo de sus técnicas.

 Instigador de la Generación de la Ruptura, se acercó a Alberto Gironella, Héctor Xavier, Enrique Echeverría y José Luis Cuevas,
quienes, a la par de Rufino Tamayo, marcaron una escisión de la corriente nacionalista y buscaban terminar con la hegemonía de los
tres grandes, Siqueiros, Orozco y Rivera, estableciendo los derroteros del Nuevo Arte Moderno a partir de los años 1950.

11.-Lilia Carrillo

Fue una pintora mexicana de la Generación de la Ruptura, activa entre finales de la década de 1950 hasta su fallecimiento en 1974.

Mientras que ella y su esposo el artista abstracto Manuel Felguérez luchaban porque se aceptaran sus obras, aun vendiendo arte
folclórico y artesanías mexicanas para sobrevivir, eventualmente tiene éxito y sus pinturas son expuestas en grandes salones de
la Ciudad de México y otras ciudades del mundo.

En 1951, Lilia Carrillo sufrió una caída de un andamio que tuvo repercusiones veinte años después, provocándole un aneurisma en la
médula espinal. Siguió pintando durante cuatro años de hospitalizaciones y tratamientos médicos. Murió en 1974 a los 43 años de
edad, dejando su última obra a la que se le tituló Inconclusa. Quedó en la memoria de sus contemporáneos como una mujer pionera en
el arte abstracto mexicano, con un grato recuerdo y aprecio por los artistas de su época.

12.-Enrique Echeverria

Fue un pintor mexicano, formó parte de la Generación de la Ruptura y fue primer miembro del Salón de la Plástica Mexicana. Fue uno
de los numerosos pintores que se separaron del arte figurativo establecido en México a mediados del siglo XX para experimentar con
el arte abstracto y otros movimientos modernos de la pintura en Europa.

Durante la mayor parte de su carrera, los pintores asociados con el movimiento Generación de la Ruptura, a la cual él también se le
asociaba, se les prohibió exhibir su trabajo en muchas de las instituciones patrocinadas por el estado como el Palacio de Bellas Artes.
Debido a esto, muchos jóvenes artistas del momento, decidieron establecer la Gloria Prisse en 1952. Echeverría, junto con otros
contemporáneos como Vladímir Kibálchich Rusakov, Alberto Gironella, etc, se dieron la tarea de romper con las reglas estéticas,
establecidas por la Escuela Mexicana de Pintura, que manejaban el mercado artístico en México.

Durante los años 50 se disputaba oposición entre la pintura figurativa (realista) y la abstracta. La pintura realista o figurativa estaba
asociada a los muralistas, la escuela mexicana, y descalificaba los intentos abstraccionistas de los jóvenes que posteriormente se
convertirían en los exponentes de la generación de la ruptura a la cual pertenecía Echeverría.
Sus principales críticos calificaban las obras de Echeverría como pinturas inseguras y vacilantes, lo catalogaban como lo que Ortega y
Gasset llamaran en la deshumanización del arte "las convicciones más arraigadas, las más sospechosas."4
Propone la creación de la Unión de Pintores, Escultores y Grabadores de México.
13.-Brian Nissen

Estudió en la Escuela de Artes Gráficas de Londres y en la Escuela de Bellas Artes de París. En 1963 viajó a México donde vivió los 17
años siguientes. Se interesó en las culturas prehispánicas, las cuales tuvieron un gran impacto en su concepto sobre el arte.
Hacia fines de la década de 1970 realizó exposiciones en el Museo de Arte Moderno de México, el Museo de Arte Moderno de Buenos
Aires y la Galería Whitechapel de Londres. En 1979 se trasladó a Nueva York donde ha vivido regularmente desde entonces, manteniendo
una casa y un estudio en México.

14.-Marìa Teresa Vieyra

De 1952 a 1956 realizó sus primeros estudios en La Esmeralda.  En esta etapa de su vida se puede observar en sus trabajos al óleo una
influencia clara de Frida Kahlo. Posteriormente ingresó a la Escuela de Artes Gráficas, donde toma los talleres de Linóleum, Grabado
en madera, Litografía, Grabado en acero, etc.

Se identifica mucho más con la Generación de la Ruptura, precisamente por su acercamiento con Juan García Ponce, Rufino
Tamayo y Francisco Toledo, (quien fuese su compañero en París en la Ciudad Universitaria). Bajo este esquema, ella observa su
interés por no aceptar el modelo que dictaba el Estado y no se quiso adaptar al modelo estético revolucionario.
Participó también en el Taller del Grupo Ballester en 1968, al lado de Vicente Gandía, Fernando Ramos Prida y Raúl Anguiano,
aprendiendo diferentes técnicas de grabado.
Era también admiradora de Andy Warhol.
Fue maestra de pintura de 1983 a 1995 en el Instituto de la Libertad de Coyoacán. Impartió clases particulares de pintura de 1995 a
2002.
15.-Gilberto Aceves Navarro

Fue un pintor, escultor y grabador de origen mexicano y uno de los mayores exponentes del expresionismo abstracto en México. Fue
colaborador de Siqueiros y miembro del Salón de la Plástica Mexicana, aunque se le incluye en el movimiento de la Ruptura.

Fue miembro de la Academia de Artes desde 2003, mismo año en que ganó el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de
Bellas Artes. En 2009 realizó una exposición retrospectiva que ocupó por completo el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México.
El repertorio de Aceves Navarro es muy extenso. En sus dibujos y pinturas incluye trazos vigorosos, ágiles y controlados, líneas,
manchas, efectos resultantes al aplicar el material. El objetivo de poder reflejar en su pintura lo inmediato lo lleva a vagar por las calles
a captar los personajes que ve pasar. Ha trabajado diversos formatos, dimensiones y materiales. Su estilo deriva de su amplio
conocimiento del arte del pasado y de su autenticidad.

16.-Gabriel Ramirez Aznar

Nace el 4 de enero de 1938 en Mérida, Yucatán. A la edad de 17 años llega a la ciudad de México, donde vivió hasta 1975. En 1959
comienza a pintar y exponer por primera vez en 1965 en la galería Juan Martín; ese mismo año participa en la IV Bienal de jóvenes en
París, Francia. Tres años más tarde se convierte en miembro fundador del Salón Independiente.

A la par de la pintura, este creador se desenvuelve como escritor e investigador de cine.

Su obra se encuentra en colecciones y museos extranjeros y nacionales.

17.-Kazuya Sakai

Fue un artista plástico, diseñador, locutor de radio, traductor, crítico y editor argentino de ascendencia japonesa

En 1965, a su llegada a México, se vinculó con la Generación de la Ruptura a través del Salón de Independientes organizado en 1968.
Es durante su experiencia en México que comenzó su producción geometrista, estilo del que se considera precursor en ese país.

Dentro de las letras, Kazuya Sakai trabajó principalmente traduciendo obras del japonés al español

Durante su estancia en México fue parte del equipo fundador de la revista Plural, perteneciente al periódico Excélsior. Además de su
editor en sustitución de Tomás Segovia- fue director artístico de 1972 a 1976.31617 Tras el golpe al Excélsior que diera el gobierno del
presidente Luis Echeverría, Sakai fue parte del equipo fundador de Vuelta, nuevo proyecto editorial de Octavio Paz.

18.-Carlos Nakatani
Fue un pintor, escultor, cineasta y escritor mexicano.

 Sus pinturas mezclan influencias mexicanas y japonesas, como parte de una generación de artistas que rompieron con el arte mexicano
establecido desde el siglo XX. Ganó un gran número de reconocimientos por su trabajo, y fue miembro del Salón de la Plástica
Mexicana.

buscó un lenguaje cuyas raíces se encuentran en la tradición mexicana del color y la más refinada caligrafía japonesa. Su obra va de las
imágenes casi abstractas surgidas de su vida en el viejo barrio de La Merced, donde se asentó la familia de origen japonés, dedicada a
la producción del "cacahuate japonés" aprendiendo de sus ancestros la simplicidad de la línea utilizada por los antiguos maestros en
ese país.
Es considerado un importante representante de la pintura de la Generación de la Ruptura y como uno de los más reconocidos coloristas
del siglo XX.