Escuela Secundaria General “Mártires de 1907”.

3° “D”, Turno matutino.

“Biografía de los grandes clásicos de la música”.

(Antología de biografías)

Compiladores:
 Anel de Jesús Camacho
 Ángel Raúl Rodríguez Franco
 Elías Martínez González
 Irma Fabiola Montaño Martínez
 Jorge Alejandro Herrera Sánchez
 Santiago Sánchez Pérez

Veracruz, Diciembre de 2018

Índice
Prólogo Ludwig van
Beethoven 1
Wolfgang Amadeus Mozart 4
Antonio Vivaldi 7
Niccolo Paganini 10
Edvard Hagerup Grieg 13
Johann Sebastian Bach 16
Nikolái Rimski-Korsakov 29
Johann Strauss (hijo) 33
Piotr Ilich Tchaikovsky 36
Gioachino Rossini 41
Vittorio Monti 45
Johannes Brahms 47
Fuentes Bibliográficas 51

Prólogo
Esta antología que sostienes entre tus manos, te permitirá
conocer más sobre la vida de aquellos compositores
responsables de un género musical único que marcó un
antes y después en la música, “la música clásica”, a lo largo
de esta antología apreciarás todo lo que llevó a los
compositores a escribir sus obras maestras que hoy en día
siguen avivando sentimientos y cultura en las personas.

Te hemos traído a doce de los más grandes compositores de

la música clásica desde su infancia y por supuesto te
mostraremos sus obras más importantes, todos ellos
tuvieron un estilo de vida tenso que se ve reflejado en sus
obras desde una distinta perspectiva.

Te garantizamos que al leer las biografías de cada

compositor experimentarás distintos sentimientos al
conocer de los momentos más impactantes en sus vidas y
tenemos por seguro que te encantará leerlas, simplemente
necesitas empezar a leer.

I
Biografía de Beethoven
Ludwig van Beethoven fue un compositor, pianista y director de orquesta, nacido en Bonn Alemania
en 1770. Es conocido que Beethoven fue bautizado el 17 de diciembre de 1770, razón por la cual los
historiadores sitúan su nacimiento un día antes, el 16 de diciembre de 1770. Ludwig van Beethoven
ha sido considerado por gran parte de la crítica especializada como el más grande compositor de
todos los tiempos; era sordo y logró a pesar de ello componer las más grandes sinfonías de la
historia. Desde muy joven fue un pianista excepcional y logró encumbrar a la música clásica como
nadie lo había hecho nunca.
Ludwig van Beethoven fue el primer hijo de Johann y María Magdalena van Beethoven, quienes
tuvieron un par de hijos más: Karl Kaspar y Nikolaus Johann.

La infancia de Beethoven puede considerarse particularmente difícil, nunca tuvo un hogar funcional,
debido a la figura paterna, quien asumía actitudes dictatoriales sumidas en el problema del
alcoholismo. Fue su padre músico también, de suma intrascendencia como tal, pero logró de una
manera déspota, obligar a Beethoven a triunfar en el campo musical a edad muy temprana.

A lo largo de la historia, no todos los casos en los cuales los padres pretenden satisfacer sus
frustraciones influyendo desbordadamente en el proyecto de vida de vida de sus hijos, tienen
resultados notables; sin embargo, y a pesar de la constante presión ejercida por el padre de
Beethoven, este demuestra un talento innato, excepcional sobre todo en la práctica del piano. En
1778, a la edad de ocho años, Beethoven da su primer concierto en Colonia, apadrinado por el
Elector de la ciudad, quien al mismo tiempo le da trabajo de organista, ahí empieza una infancia
dedicada de forma exclusiva a la música.
De Beethoven suele decirse que era solitario, romántico y hostil; y gran parte de su carácter se vio
forjado en la adolescencia, época en la cual la música ocupó su dedicación absoluta, alejándolo de
los amigos, los juegos, e inmerso en un ambiente familiar mucho más complejo aún.
“Consideremos a las dificultades como peldaños para una vida mejor”. Ludwig van Beethoven

En 1787, con la ayuda del Elector, Beethoven viaja a Viena (Austria), una travesía que viraría el
curso de su vida; sin embargo, gran parte de sus aspiraciones sufren un notable impacto tras la
muerte de su madre a causa de hambre, viéndose obligado a retornar a Bonn.
Tras su retorno a Bonn, Beethoven encuentra un cuadro dantesco en su familia; su padre sucumbió
absolutamente ante el alcohol, sin trabajo e incapaz de mantener a sus hermanos. Así entonces,
Beethoven asume las responsabilidades del hogar, toca el violín y da clases de piano para mantener a
su familia, de igual manera acumula por algo más de cinco años, un gran resentimiento y una notable
frustración.
Para Ludwig van Beethoven, Bonn representa su sufrimiento, no solo de infancia sino también de
adolescencia; simboliza el dolor de su madre y sueña con la posibilidad de viajar. En 1972, el elector
vuelve a financiar su retorno a Viena, que ya por ese entonces era denominada “la capital europea de
la música”.
1
Beethoven en Viena recibe clases de quien fue el maestro del ya consagrado Mozart, el célebre
compositor Salieri, también recibe clases de Haydn, considerado una eminencia musical. A la edad
de veinticinco años, Beethoven compone sus primeras obras considerables: Patética y Claro de Luna,
obras que lo catapultaron hasta el punto de poder ofrecer por primera vez un concierto en público
como compositor profesional.

El éxito de Beethoven era ya clamoroso, toda Viena se rinde ante sus obras; el clero, la nobleza y la
corte celebran sus composiciones. Beethoven, ante la inquietud de que su éxito logre ser eclipsado
por la figura de su maestro Haydn, se separa de sus clases y comienza a recibirlas en secreto de
Schenk y de Albrechstberger. Respecto a su estilo, Beethoven combinaba el clasicismo y el
romanticismo a la perfección, en su intención de componer para la nobleza y la iglesia; ya por esos
tiempos, Beethoven pensaba en componer para sí mismo, abandonando un poco su estilo,
adquiriendo un tono épico.
La muerte de Mozart sumido en la más aguda pobreza motiva a la aristocracia austriaca a proteger a
Beethoven; a quien le fue asignada una pensión anual vitalicia, además, los editores se disputaban
con grandes sumas económicas sus obras.

Ludwig van Beethoven comienza a enfrentar dos nuevos fantasmas; el primero, sus constantes
decepciones amorosas; el segundo, una pérdida de capacidad auditiva que se agudizaría hasta
convertirse en una sordera total. Con una economía solventada, pero sumido en sus nuevos
problemas, Beethoven se entrega decididamente a su carrera como compositor, dejando un legado
invaluable para la historia.
En 1805 estrena su obra Fidelio, su única composición para ópera, la cual no triunfaría hasta 1816.
En 1808 Viena y Europa celebran su 5a Sinfonía, su consagración definitiva.

“Sin introducción, sus cuatro movimientos van desde la tensa construcción del primero a la
solemnidad del segundo, pasando por la crispación instrumental del tercero y la apoteosis del cuarto,
un inaudito crescendo de más de 50 compases.”

En 1824, y tras haber compuesto 8 Sinfonías, Beethoven estrena con gran éxito su gloriosa y
magnífica 9a Sinfonía, la célebre Coral.
“Se denomina Coral por el coro vocal del 4º movimiento, la famosa Oda a la alegría, un poema de
Schiller adaptado por Beethoven.”
Ludwig van Beethoven muere en Viena el 26 de marzo de 1827, a la edad de 57 años; un
acontecimiento que causó dolor popular en toda Europa.

SINFONÍAS DE BEETHOVEN
1a Sinfonía (1800): Fresca y original
2a Sinfonía (1803): Sinfonía en Re mayor
3a Sinfonía (1805): Sinfonía en Mi bemol mayor, la Heróica.
4a Sinfonía (1806): Sinfonía en Si bemol mayor.
5a Sinfonía (1808): Sinfonía en Do menor.
6a Sinfonía (1808): Sinfonía en Fa mayor.
7a Sinfonía (1813): Sinfonía en La mayor.
8a Sinfonía (1814): Sinfonía en Fa mayor.
9a Sinfonía (1824): Coral

2
Ludwig van Beethoven no solo escribió sinfonías, también escribió 32 sonatas, obras de cámara, oberturas,
cuartetos y mucho más.

Fur Elisa- Beethoven

3
 Biografía de Mozart

Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, conocido como Wolfgang

Amadeus Mozart, fue un compositor y pianista austriaco del clasismo, considerado el
mayor genio musical de todos los tiempos. Nació el 27 de enero de 1756, en Getreidegasse,
Salzburgo, (Austria), y es hijo de Leopold Mozart y Anna María Pertl.

Es reconocido como uno de los músicos más importantes de la historia por su prodigioso
talento musical y por la composición de más de 600 obras. Mozart compuso una obra
original y poderosa que abarcó géneros tan distintos como la ópera bufa, la música sacra y
las sinfonías.

A la edad de 5 años, Mozart ya mostraba un excelente dominio del violín y el teclado. La

mayor parte de su vida la dedicó a componer y por sus dificultades económicas estuvo
obligado a trabajar como profesor e intérprete hasta que el emperador del Sacro Imperio,
José II de Habsburgo, le ofreció un trabajo estable como compositor.

El 9 de junio de 1763 la familia de Mozart comenzó una gira de conciertos muy exitosos.
Durante tres años y medio, se desplazaron a las cortes de Múnich, Mannheim, París,
Londres, y la Haya. Durante este viaje Mozart conoció un gran número de músicos y las
obras de otros compositores, pero en especial a Johann Christian Bach, quien fue una
influencia muy importante en el músico.

Para el año 1769, Mozart fue escogido como director de concierto del príncipe de
Salzburgo. Entre los años 1769 y 1773, hizo tres viajes a Italia, durante un viaje a Nápoles
con su padre, visitó Roma y allí escuchó el Miserere de Allegri en la Capilla Sixtina.
Mozart fue capaz de transcribirla de memoria en una sola audición. Tiempo después, viajó a
Viena, Múnich y París en busca de nuevas oportunidades de trabajo.

En el año de 1781 se radicó en Viena, allí alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida,
durante sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más
conocidas, así como su “Réquiem”. En esta ciudad su carrera tuvo un buen comienzo, a
menudo realizaba interpretaciones como pianista, por lo que se pudo consolidar como el
mejor intérprete de teclado de Viena.

Para el año 1782, Mozart completó la ópera “El rapto en el serrallo”, la cual fue estrenada
el 16 de julio del mismo año, con la que logró una gran aclamación dando inicio al género
operístico conocido como singspiel u ópera alemana.
4
El 4 de agosto de 1782 se casó con Constanze Weber, con quien tuvo seis hijos, pero solo
dos sobrevivieron.

Para el 14 de diciembre de 1784 entró en la Masonería con el grado de Aprendiz, en la

Logia Zur Wohltätigkeit (de la Beneficencia) de Viena. Fue ingresado por el Barón Otto
Von Gemminger Hombag. Mozart lo había conocido años atrás en la ciudad musical de
Mannheim. Fue tanto su entusiasmo por la logia, que en muy poco tiempo llegó a ser
Maestro y alcanzo a componer música masónica.

En el transcurso del año 1785, Mozart abandonó la composición de obras para teclado y
comenzó su famosa colaboración operística con el libretista Lorenzo da Ponte.

Para el año 1786, Mozart estuvo en el estreno exitoso de la ópera Las bodas de Fígaro,
basada en la obra homónima de Pierre-Augustin de Beaumarchais, la cual estuvo expuesta a
la polémica debido a su contenido político. Continuó componiendo grandes obras
instrumentales y un año después dio origen a su famosa serenata Eine Klein Nachtmusik. A
su última sinfonía se le conoce como la sinfonía Júpiter (1788). Cosi van Tutte, fue una
obra cómica presentada en 1790.

En el mes de marzo de 1791, Mozart dio en Viena uno de sus últimos conciertos públicos;
tocó el concierto para piano y orquesta KV 595. En los últimos años de su vida, compuso
La Flauta Mágica, la cual se estrenó el 30 de septiembre 1791. El propio Mozart dirigió la
orquesta, mientras que el libretista, Emanuel Schikaneder, cantó el papel de Papageno.

Mozart falleció en Viena el 5 de diciembre de 1791 a la edad de 35 años. Sus últimas

palabras fueron: “El sabor de la muerte en mis labios… Siento algo que no es de este
mundo”. Fue enterrado en una fosa común en el cementerio de St. Marx.

Mozart dejó 46 sinfonías, 20 misas, 178 sonatas para piano, 27 conciertos para piano, 6
para violín, 23 óperas y otras 60 composiciones orquestales. Su obra llegó todos los géneros
musicales en sus más de seiscientas creaciones. Su legado hizo que a lo largo del tiempo se
le reconociera por ser un excelente pianista, organista, violinista y director, destacándose
por las improvisaciones que realizaba en sus conciertos y recitales.

DIEZ MEJORES OBRAS DE MOZART

Sinfonía No. 25 en Sol menor, K.183 (1773).
Sonata para piano No. 11 en La mayor, K.331 (1783).
Las bodas de fígaro (1786).
Serenata No. 13 para Cuerdas, K.525 (1787).
Sinfonía No. 40 en Sol menor, K.550 (1788).
Sinfonía No. 41 con Do mayor, K.551 (1788).
Sonata para piano No. 16 en Do mayor, K.545 (1788).
Misa de Réquiem en Re menor, K.626 (1791).
La flauta mágica (1791).
Concierto para clarinete en La mayor, K.622 (1791). 5
Muestra: Las bodas de Fígaro/ The marriage of Figaro

6
 Biografía de Vivaldi

Antonio Vivaldi (4 de marzo de 1678 – 28 de julio de 1741), compositor y violinista

italiano. Nació en Venecia, Italia. Su padre fue su mentor y también la influencia para que
Antonio encaminara su vida a la música y la composición, su padre fue un violinista en la
catedral de San Marcos llamado Giovanni Battista. Desde muy pequeño presentó gusto por
la música, aunque no se dedicó a ello desde el comienzo, porque se ordenó sacerdote en
1703, su vida sacerdotal estuvo interrumpida por sus problemas de salud; complicaciones
respiratorias, probablemente asma o angina. En algún momento tuvo que dejar el oficio de
la Misa por un ataque respiratorio.

Su vida sacerdotal no duró mucho porque decidió dejar el oficio de la Misa por atender a su
inspiración. Se interesó por la opera porque en realidad era el género más sobresaliente y
exitoso de la época, aunque en su mundo sacerdotal era visto como un espectáculo
excesivamente mundano y poco edificante. En ese sentido, sus superiores siempre
recriminaron a Antonio Vivaldi su poca entrega al culto y sus costumbres laxas.
Comenzó enseñando en un conservatorio a un grupo de niñas huérfanas que residían en el
Ospedale della Pietá, allí ejerció como director de música hasta 1740, simultáneamente
componía conciertos y oratorios para los conciertos semanales. Durante este tiempo
compuso una parte responsable de su repertorio. Varias de sus obras fueron interpretadas
por primera ocasión por su coro femenino, como: las Suonate da camera Op. 1 (1705), y los
doce conciertos que conforman la colección L’estro armonico Op. 3 (1711).
También fue compositor y empresario de óperas en la ciudad de Venecia, visitó varias
ciudades para compartir sus admirables óperas. Luego de dejar la dirección del coro del
Ospedale della Pietá, fue elegido para ser parte del servicio de la corte del emperador
Carlos VI en Viena. Con una experiencia considerable y gran habilidad comenzó a
inmiscuirse en el mundo teatral como compositor y empresario. Ottone in Villa fue la
primera de las óperas de Antonio Vivaldi que tuvo gran impacto y fama. A ella siguieron
obras como Orlando furioso, Armida al campo d’Egitto, Tito Manlio y L’Olimpiade.
La fama del músico se catapultó con la publicación de las siguientes colecciones
instrumentales: Il cimento dell’armonia e dell’inventione Op. 8 y La cetra Op. 9. La
primera, fue una colección publicada en Ámsterdam en 1725, contenía la cantidad de doce
conciertos y cuatro de ellos eran conciertos con violín solista titulado Las cuatro estaciones,
los mejores de la colección y los más célebres de su obra.
En Las cuatro estaciones, Antonio Vivaldi refleja la capacidad semántica de la música y su
habilidad para crear climas sonoros, evocadores e intimistas. La obra narra el ciclo anual de
la naturaleza, y como la viven los hombres y los animales.
7
Cada uno de los cuatro conciertos desarrolla musicalmente las cuatro estaciones. Así, La
primavera, reproduce el canto de los pájaros y el de la cosecha; además representa a través
del violín solista al pastor que duerme, mientras los violines que lo acompañan imitan el
susurro de las plantas y con la viola se imita los ladridos del perro. El verano interpreta
musicalmente la aridez del sol, seguido de una tormenta, que se anunciaba desde el inicio
de la composición. Ahora bien, el otoño presenta la embriaguez letárgica de un aldeano,
agradecido por la cosecha; luego, se interpreta al alba. Finalmente, en el invierno
prevalecen las imágenes sonoras de la nieve y el hielo.

Es necesario comentar que la producción de Vivaldi no sólo abarca el género concertante,

sino también la música de cámara, vocal y operística. Demostrado en su concierto de Las
cuatro estaciones. Dicha fama ha creado otras de sus obras de igual valor. Vivaldi es por ley
uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsó la Escuela veneciana, a
la cual pertenecieron Tommaso Albinoni, los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello.
Su impacto fue tal que aportó posteriormente a la formación de Bach y Haendel.
Su obra total se estima en más de 500 conciertos y 70 sonatas, 45 óperas, música religiosa
como el oratorio Juditha triumphans (1716), el Gloria en re (1708), misas y motetes. Sus
conciertos fueron admirados y tratados de copiar en toda Europa, influyendo en todos sus
contemporáneos. Más de 300 de sus conciertos están escritos para solista. Vemos que, su
abundante obra concertista fue un aporte significativo a la evolución histórica que llevó al
afianzamiento de la sinfonía. Antonio Vivaldi fue un artista tan original e inconfundible por
el tono que supo imprimir a su música y que la hace indiscutiblemente reconocible.

Por otro lado, fue el responsable de sentar las características básicas de lo que serían los
futuros conciertos. Fue el compositor pionero en utilizar coherentemente el ritornello. Éste
se repetía en diferentes tonalidades e interpretado por toda la orquesta. En algunos casos se
alternaba con episodios interpretados por el solista. Sus conciertos para violín opus 8, Las
cuatro estaciones, son fieles ejemplos de este tipo, de la música programática. En tales
composiciones existe presencia del viejo formato de “concerto grosso”. A pesar de ello, la
invención del autor supera ya cualquier esquema y muestran una tendencia hacia la
concepción solista del concierto. En los doce conciertos de La stravaganza Op. 4, que
cuenta con una composición más ligera y rápida, casi exclusivamente homofónica, se
percibe dicha tendencia a implementar la forma solista del concierto.

Con estas colecciones, Antonio Vivaldi fue conocido en todo el territorio italiano,
extendiéndose rápidamente al continente europeo, no sólo como compositor, sino como
violinista, pues fue uno de los mejores de su tiempo. Su alto nivel técnico como músico
reflejado en sus intervenciones solistas demuestran porque fue el mejor en este campo.
Lamentablemente, la carrera de Antonio Vivaldi se vio interrumpida por su muerte el 28 de
julio de 1741. Su funeral, fue celebrado en la catedral de Viena, allí cantaron los niños del
coro de la catedral, entre los que se encontraba el compositor Joseph Haydn.

8
Muestra: Las cuatro estaciones/ The four seasons

9
 Biografía de Niccolo Paganini

Niccolò Paganini, (Génova, 27 de octubre de 1782 – 27 de mayo de 1840 en Niza) fue un

violinista, violista, guitarrista y compositor, considerado entre los más famosos virtuosos de
su tiempo, reconocido como uno de los mejores violinistas que hayan existido, con oído
absoluto y entonación perfecta, técnicas de arco expresivas y nuevos usos de técnicas de
staccato y pizzicato.

Compositor italiano y virtuoso del violín. Nació en Génova, donde estudió con músicos
locales. Sus padres fueron Antonio Paganini y Teresa Bocciardo. Empezó a estudiar la
mandolina con su padre con cinco años. Con siete años comenzó a tocar el violín. Hizo su
primera aparición pública a los nueve años y realizó una gira por varias ciudades de
Lombardía a los trece. No obstante, hasta 1813 no se le consideró un virtuoso del violín.
Tuvo como maestros a Giovanni Servetto y Alessandro Rolla. Con dieciséis años era ya
conocido pero no digirió bien el éxito y se convirtió en un jugador que continuamente se
emborrachaba. Una dama desconocida lo salvó de esta silenciosa y perjudicial vida para
llevarlos a su villa en donde aprendió a tocar la guitarra.

En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con otros
instrumentos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de María Anna Elisa
Bacciocchi, princesa de Lucca y hermana de Napoleón. En 1813 abandonó Lucca y
comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de interpretar atrajo la atención de quienes
le escuchaban. En 1828 fue a Viena, más tarde a París y en 1831 a Londres. En París
conoció al pianista y compositor húngaro Franz Liszt, que, fascinado por su técnica,
desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. En
1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola y orquesta; el
compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca la interpretó. Renunció a
las giras en 1834.

Fue además tutor del violinista italiano Antonio Bazzini, a quien motivó para que iniciara
su carrera como concertista. Su técnica asombraba tanto al público de la época que llegaron
a pensar que existía algún influjo diabólico sobre él, porque a su vez su apariencia se notaba
algo extraña y sus adelantos musicales eran una verdadera obra de arte. Se decía que en la
mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "Nota 13". Podía interpretar
obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas de violín (retirando
primero las otras tres, de manera que éstas no se rompieran durante su actuación), y
continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que
sonaban. Además en la mayoría de sus espectáculos usaba la improvisación. 10
 Esto indica lo cercano que estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras incluyen
veinticuatro caprichos para violín solo (1801-1807), seis conciertos y varias sonatas.
Además creó numerosas obras en las que involucraba de alguna manera a la guitarra,
exactamente 200 piezas.

Como curiosidad se dice que, estiradas, sus manos medían cuarenta y cinco centímetros.
Esto se le atribuye a que padecía de Aracnodactilia, quizás generada por sufrir del
Síndrome de Marfan, aunque la creencia popular dicta que la extraordinaria longitud de sus
dedos se debía a las horas dedicadas a la práctica del violín. También se le encontraron en
la casa cinco violines Stradivarius y dos Amati.

Su salud se fue deteriorando por un cáncer de laringe que le hacía perder la voz a pasos
agigantados y el tratamiento con mercurio que realizaba por recomendación de su médico
para tratar la sífilis; murió en Niza el 27 de mayo de 1840.

Su imaginativa técnica influyó notablemente en compositores posteriores como Franz Liszt,

Johannes Brahms, Sergei Rachmaninoff, Boris Blacher, Andrew Lloyd Webber, George
Rochberg y Witold Lutosławski.

Obras Clave

24 Caprichos Op.1

El conjunto de obras más emblemática del compositor, la más conocida y lo que resulta más
extraño, la primera de todas las composiciones que hizo.

Cada capricho es una pequeña obra maestra que explora diferentes aspectos de la técnica del
violín, y su conjunto representa la totalidad de las posibilidades del instrumento.

Se supone que Paganini lo compuso con apenas 20 años pero no lo publicó hasta pasados 15 más,
dedicándolo a los músicos de manera provocativa, ya que sabía que muy poca gente podría tocar
obras tan complicadas.

6 Sonatas para Violín y Guitarra Op.3

Románticas sonatas que Paganini dedicó a su primer amor, Eleanora Quilici.

En estas sonatas la guitarra sirve únicamente como acompañamiento, el papel principal es del
violín. Cada una de ellas tiene un inicio tierno o apasionado, seguido de un enérgico cierre.

La Sonata no.6 es una de las piezas más exquisitas que llegó a componer el maestro Italiano.

11
Muestra: Capricho No. 24/ Caprice No. 24- Niccolò Paganini.

12
 Biografía de Edvard Grieg

Edvard Hagerup Grieg nació en Bergen, Noruega, el 15 de junio de 1843, descendiente de

una familia de escoceses, cuyo apellido original era “Greig“, después de la Batalla de
Culloden, en 1746, su bisabuelo había inmigrado por varios lugares, para finalmente
asentarse como comerciante en Bergen, Noruega, alrededor del año 1770 . Edvard creció en
un ambiente musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el
verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista Noruego Ole Bull, quien fue
amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubre el talento del muchacho de 15 años
y convence a sus padres de enviarle al Conservatorio de Leipzig para que lo desarrolle. En
la gruta del rey de la montaña - Peer Gynt Suite No. 1 Op.16
Grieg ingresó entonces en el conservatorio especializándose en piano y pronto encontró
recompensa en los numerosos recitales y conciertos dados en Leipzig. En la primavera de
1860, contrajo una peligrosa enfermedad pulmonar. Un año después, hizo su debut como
concertista de piano, en Karlshamn, Suecia. En 1861 finalizó sus estudios en Leipzig y
realizó su primer concierto en su ciudad natal de Bergen donde ejecutó algunas obras
complejas técnicamente, incluyendo la sinfonía Patética de Beethoven En 1863, Grieg fue a
Copenhague, Dinamarca y permaneció allí por tres años. Conoció entonces a los
compositores Daneses J. P. Hartman y Niels Gade. También conoció al compositor
Noruego Rikard Nordraak (compositor del Himno nacional de Noruega) quien se convirtió
en un gran amigo y en una fuente de inspiración para Grieg.
Nordraak murió poco después y Grieg compuso en su honor una marcha fúnebre. Grieg
tenía lazos cercanos con la Orquesta Filarmónica de Bergen (Harmonien) y fue director
Musical de la orquesta desde 1880 hasta 1882. También vio a Franz Liszt en dos ocasiones
en Copenhague. El 11 de junio de 1867, Grieg contrajo matrimonio con su prima hermana,
Nina Hagerup, a quien había conocido también en Copenhague. En el verano de 1868,
Grieg escribió su famoso Concierto para piano en la menor mientras estaba de vacaciones
en Dinamarca. Edmund Neupert dio un concierto de su primer trabajo en Copenhague.
Grieg no pudo asistir debido a los compromisos de dirección que tenía en Christiania
(Oslo). Danza de Anitra - Peer Gynt Suite No. 1 Op.16
En 1869 Edvard y su esposa Nina fueron a Roma incentivados por el gobierno noruego, y
fueron invitados a una reunión con Franz Liszt, quien expresó su aprecio por el Concierto
para piano en la menor de Grieg. Liszt, ejecutante de piano, compuso la partitura orquestal
y la línea de piano en tiempo real. Posteriormente Liszt criticó constructivamente el trabajo
de Edvard y le dijo: “Siga firme en su camino. En verdad le digo, usted tiene capacidad. Y
sobre todo, no se deje intimidar”. Con nueva energía y entusiasmo, regresó a Oslo en 1870.
Allí se inició una fructífera cooperación con Bjornstjerne Bjornson, que durante muchos
años había estado esperando por un compositor que supiera escribir música noruega para
dar vida a sus poemas y dramas. 13
 En la primavera de 1872 Bjornson y Grieg presentaron el resultado de su cooperación con
el drama escénico “Sigurd Jorsalfar”. La búsqueda consciente de las raíces e identidad
nacional en la antigüedad nórdica continuó en “Olav Trygvason”. La idea era crear un
drama musical monumental, pero Bjornson solo completó los tres primeros actos. Grieg, se
sometió a una nueva prueba cuando Henrik Ibsen le pidió que escribiera la música
incidental de “Peer Gynt”. Esta no fue una tarea fácil para Grieg, pero la música que él
escribió se convirtió en una de las principales obras de la década de 1870. Durante el resto
de la vida de Grieg la música de “Peer Gynt” obtuvo un rotundo éxito internacional gracias,
sobre todo, a las dos suites para orquesta que hizo la música accesible a las salas de
conciertos.
En 1874, Grieg recibió del gobierno una subvención económica anual para los artistas y
podría vivir tranquilamente sin necesidad de dar clases ni conducir orquestas. Volvió a su
ciudad natal de Bergen. Con el paso de los años, Grieg compuso más lentamente y cada
nueva obra se convirtió en un proceso largo y laborioso. Fue entonces cuando escribió “El
esclavo en la Montaña” para barítono. Más tarde vinieron las danzas noruegas para dúo de
piano y la famosa suite Holberg para cuerdas. Desde 1880 hasta 1882 dirigió la orquesta
Harmonien de Bergen, pero más tarde renunció a todos sus cargos oficiales. Canción de
Solveig - Peer Gynt Suite No.2 Op.55
En 1885, Grieg se mudó a su nuevo hogar “Troldhaugen”, a las afueras de Bergen. Allí él y
su esposa Nina vivieron por el resto de sus vidas. Los últimos veinte años de vida de Grieg
se destinan principalmente a la composición y en giras de conciertos por Europa. Entre las
obras creadas en este período fueron la “Sonata para Violín” y Piano en Do menor y la
memorable Canción “Haugtussa”. De singular interés para los campesinos Noruegos fueron
las Danzas y Tonadas Op.72, marcadas por una audacia armónica, que fue adelantada a su
tiempo. Lo mismo podría decirse de su última gran obra, “Los cuatro salmos para coro
mixto”, tomados libremente de antiguas tonadas de la Iglesia de Noruega (1906).
Edvard Grieg falleció el 4 de Septiembre de 1907, a los 64 años de edad, en el hospital de
Bergen, víctima de una enfermedad crónica en uno de sus pulmones. El funeral condujo a
miles de personas a las calles de su ciudad natal para honrarlo, y conforme a su deseo, la
marcha fúnebre que había compuesto para Rikard Nordraak fue interpretada por una
orquesta, en la cual se hallaba inmerso como miembro a su amigo Johan Halvorsen.
También fue ejecutada en la ceremonia la marcha fúnebre compuesta por Frédéric Chopin.
Sus cenizas y las de su esposa fueron sepultadas en una tumba de una montaña frente a un
lago, situado cerca a su casa, en Troldhaugen.
Principales Obras Piano Sonata en Mi menor, Op. 7 Violín Sonata No. 1 en Fa mayor, Op.
8 Concierto Obertura “In Autumn”, Op. 11 Violín Sonata No. 2 in Sol mayor, Op. 13
Concierto para Piano y Orquesta en La menor, Op. 16 Música para la obra de Bjornstjerne
Bjornson´s “Sigurd Jorsalfar”, Op. 22 Música para la obra de Henrik Ibsen “Peer Gynt,
Opus 23” Variación sobre canción popular Noruega en Sol menor, Op. 24 Cuarteto de
Cuerdas en Sol menor, Op. 27 Álbum para Coro Varonil, Op. 30 Dos Melodías Elegíacas
para cuerdas, Op. 34 Cuatro Danzas Noruegas para piano a 4 manos, Op. 35 Cello Sonata
en La menor, Op. 36 March of The Dwarfs - Lyric Songs.

14
Muestra: En el salón del rey de la montaña/ In the hall of the mountain King.

15
 Biografía de Nikolái Rimski

Nikolái Rimsky-Korsakov, en su totalidad Nikolái Andreyevich Rimsky-Korsakov, (nacido

el 6 de marzo [18 de marzo, Nuevo estilo], 1844, Tikhvin, cerca de Nóvgorod, Rusia, murió
el 8 de junio [21 de junio], 1908, Lyubensk), compositor ruso profesor y editor que estaba
en su mejor momento en orquestaciones descriptivas sugiriendo un estado de ánimo o un
lugar.

Primeros Años Y Carrera Naval.

Rimsky-Korsakov fue el producto de muchas influencias. Su padre era un funcionario del
gobierno de puntos de vista liberales, y su madre estaba bien educada y podía tocar el
piano. Su tío era un almirante en la marina rusa, y su hermano mayor era un oficial de la
marina. De ellos, Rimsky-Korsakov adquirió su interés por la música y su amor perdurable
por el mar. Cuando tenía 12 años, la familia se mudó a San Petersburgo, donde ingresó en
la academia naval. A los 15 años comenzó a tomar clases de piano y aprendió los
rudimentos de la composición. En 1861 conoció al compositor. Mily Balakirev, un hombre
de gran cultura musical, y bajo la guía del anciano, comenzó a componer una sinfonía.

En 1862 se graduó en la academia naval. Poco después, navegó en el barco de la segadora

Almaz en un largo viaje, el barco anclado en la ciudad de Nueva York; Baltimore,
Maryland; y Washington, DC, en el apogeo de la Guerra Civil Americana. Dado que Rusia
simpatizaba políticamente con el Norte, los marineros fueron cordialmente recibidos allí.
Los siguientes puertos de escala fueron Brasil (donde fue ascendido al rango de
guardiamarina), España, Italia, Francia, Inglaterra y Noruega. El barco regresó a su puerto
base de Kronstadt (Kronshtadt) en mayo de 1865. Para el joven Rimsky-Korsakov, el viaje
confirmó una fascinación por el mar. Escenas acuáticas abundan en sus óperas y obras
sinfónicas: el océano en Scherezade (1888), Sadko (1898), y El cuento del zar Saltan
(1900), y el lago en La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh y la doncella Fevronia
(1907).

A su regreso a San Petersburgo, Rimsky-Korsakov completó la sinfonía que comenzó antes

de su viaje, y se realizó con un éxito gratificante en San Petersburgo el 31 de diciembre de
1865, cuando el compositor tenía solo 21 años. Su siguiente trabajo importante fue Fantasía
sobre temas serbios para orquesta, interpretado por primera vez en un concierto de música
eslava realizado por Balakirev en San Petersburgo, el 24 de mayo de 1867.
26
La ocasión fue de importancia histórica, ya que, al revisar el concierto, la crítica Vladimir
Stasov proclamó con orgullo que en lo sucesivo Rusia también tenía su propio "pequeño
montón poderoso" (moguchaya kuchka) de compositores nativos. El nombre se prendió
rápidamente y se abrió camino en los libros de historia de la música, con referencia
específica a Rimsky-Korsakov, Balakirev, Aleksandr Borodin, César Cui y Modest
Mussorgsky. Los compositores se conocieron colectivamente como Los Cinco, y su
propósito fue el de afirmar la independencia musical de Rusia de Occidente. De los cinco,
Rimsky-Korsakov fue el más erudito y el más productivo; Compuso obras en todos los
géneros, pero sobresalió en el campo de la ópera.

Profesor, Director Y Editor

La reputación de Rimsky-Korsakov fue tan alta que en 1871, cuando aún era un hombre
muy joven, se comprometió a enseñar composición en el Conservatorio de San Petersburgo.
En su Crónica autobiográfica de Mi vida musical (1972, publicado originalmente en ruso,
1909), admitió francamente su falta de calificaciones para esta importante posición; él
mismo nunca había tomado un curso académico sistemático de la teoría musical, a pesar de
que se había beneficiado de la Balakirev inconexa instrucción y por Piotr Ilich Tchaikovsky
asesoramiento profesional ‘s. Deseoso de completar su propia educación musical,
emprendió en 1873 un ambicioso programa de estudios, concentrándose principalmente en
el contrapunto y la fuga.. Terminó sus estudios en 1875 enviando 10 fugas a Tchaikovsky,
quien las declaró impecables.

En 1873 dejó el servicio naval y asumió el cargo de bandas militares como inspector y
conductor. Aunque carecía de brillantez como líder orquestal, logró excelentes resultados
en el entrenamiento de instrumentistas inexpertos. Su primera aparición profesional en el
podio tuvo lugar en San Petersburgo el 2 de marzo de 1874, cuando dirigió la primera
actuación de su Sinfonía n. ° 3.En el mismo año fue nombrado director de la Free Music
School en San Petersburgo, un cargo que ocupó hasta 1881. Fue director de conciertos en la
capilla de la corte desde 1883 a 1894 y fue director de orquesta de los conciertos de la
sinfonía rusa. 1886 y 1900. En 1889 dirigió conciertos de música rusa en la Exposición
Mundial de París, y en la primavera de 1907 realizó en París dos conciertos históricos rusos
relacionados con los Ballets Russes de Serge Diaghilev.

Rimsky-Korsakov prestó un servicio inestimable a la música rusa como editor de facto y

jefe de una empresa editorial única financiada por el industrial ruso Belyayev y dedicada
exclusivamente a la publicación de música por compositores rusos. Después de la Muerte
de Mussorgsky, Rimsky-Korsakov editó sus partituras para publicación, haciendo cambios
radicales en lo que consideraba las torpes progresiones armónicas y melódicas de
Mussorgsky, y prácticamente reescribió la ópera de Mussorgsky. Khovanshchina. Su
versión editada y alterada de Boris Godunov evocó fuertes críticas de los modernistas que
veneraban la originalidad de Mussorgsky; pero la intervención de Rimsky-Korsakov
garantizó la supervivencia de la ópera. La partitura de Mussorgsky se publicó más tarde en
1928 y tuvo varias actuaciones en Rusia y en el extranjero, pero en última instancia, la
versión más efectiva de Rimsky-Korsakov prevaleció en los teatros de ópera. Rimsky-
Korsakov también editó (con el compositor Aleksandr Glazunov) las obras póstumas de
Borodin.
27
Rimsky-Korsakov, un estricto disciplinario en asuntos artísticos, también fue un crítico
severo de su propia música. Hizo revisiones constantes de sus primeras composiciones, en
las que encontró imperfecciones técnicas. Como resultado, las fechas dobles, que indican
versiones anteriores y revisadas, ocurren con frecuencia en su catálogo de obras. Estaba en
su mejor momento y más típico en sus obras descriptivas. Con dos excepciones (Servilia
[1902] y Mozart y Salieri [1898]), los temas de las óperas de Rimsky-Korsakov están
tomados de cuentos de hadas rusos u otros eslavos, literatura e historia. Estos incluyen
Snow Maiden (1882), Sadko, La novia del zar (1899), El cuento del zar Saltan, La leyenda
de la ciudad invisible de Kitezh y la doncella Fevronia, y Le Coq d'or (1909). Aunque estas
óperas son parte del repertorio regular en los teatros de ópera rusos, rara vez se escuchan en
el extranjero; solo Le Coq d'or disfruta ocasionalmente de la producción en Europa
occidental y los Estados Unidos.

De las obras orquestales del compositor, las más conocidas son Capriccio espagnol (1887),
la suite sinfónica. Scheherazade, y el Festival de Pascua de Rusia (1888) obertura. “El
vuelo de la abeja del manosear” de El cuento del Zar Saltan y la “Canción de la India” de
Sadko son perennes favoritos en una variedad de disposiciones.

Las canciones de Rimsky-Korsakov se distinguen por su elegancia simple y su excelente

prosodia rusa; Su música de cámara es de menor importancia. También escribió un
concierto para piano. Como profesor de composición y orquestación en el Conservatorio de
San Petersburgo desde 1871 hasta el final de su vida (con la excepción de un breve período
en 1905, cuando fue despedido por la Dirección reaccionaria por su defensa de los
estudiantes en huelga), enseñó Dos generaciones de compositores rusos, y su influencia, por
lo tanto, fue generalizada. Igor Stravinski estudió en privado con él durante varios años. Su
práctico manual de la armonía (1884) y Fundamentals of Orchestration. (Póstumo, 1913)
todavía se utilizan como libros de texto musicales básicos en Rusia.

28
Muestra: El vuelo del moscardón/ Flight of the Bumblebee

29
 Johann Strauss hijo

(Viena, 1825-id., 1899) Compositor, violinista y director de orquesta austriaco. Conocido

como «el rey del vals», Johann Strauss II o segundo (así llamado para diferenciarlo de su
padre, el también compositor Johann Strauss) formó parte de la dinastía de músicos que
convirtió esta modalidad de baile en un símbolo de Viena.

Niño prodigio, compuso su primer vals cuando sólo contaba seis años. No obstante, su
dedicación a la música encontró la firme oposición de su progenitor, que quería que fuese
comerciante. Sin embargo, gracias al apoyo de la madre, pudo tomar lecciones de violín y
composición en secreto y dedicarse a la música.

A los diecinueve años fundó su propia orquesta, que compitió en éxito con la de su padre. A
la muerte de éste en 1849, ambas orquestas se unieron en una sola bajo la dirección del
joven Strauss, que dio conciertos con gran éxito en las principales ciudades de Francia,
Alemania, Inglaterra, Rusia y los Estados Unidos. Aclamado en todo el mundo, en 1863 fue
nombrado director de la música de baile de la corte de Viena.

Ese mismo año, después de su matrimonio con la cantante Jetty Treffe, confió la dirección
de su famosa orquesta a sus hermanos Eduard y Joseph. A partir de entonces se consagró a
la composición de operetas, con títulos como El murciélago (1874) y El barón gitano
(1885), y de valses: El Danubio azul (1867), Rosas del sur (1880), El vals del emperador
(1889) y Voces de primavera (1883) son algunos de sus valses más populares.

El Danubio azul es considerado como la más importante de las 498 composiciones de danza
compuestas por el "rey del vals". Consiste en una introducción (44 compases) del vals
propiamente dicho, dividido en cinco partes, algunas de las cuales va precedida de una
"entrada" para terminar en una extensa "coda" de 148 compases. Allí se afirma el carácter
decididamente rítmico de la melodía, orientada directamente, incluso con su variedad de
acentos y de movimientos, a los fines de la danza. Bajo este aspecto, la obra constituye un
verdadero modelo en su género. En el bello Danubio azul (tal es su título original en
alemán) pudo escucharse por primera vez en 1867, pero no tal como hoy lo conocemos,
sino en una versión coral. La orquestal, desde el mismo momento de su estreno (1890), tuvo
una acogida triunfal que no ha remitido con el tiempo.

De sus operetas, debe destacarse la opereta en tres actos El murciélago, representada por
vez primera en Viena, en el teatro An Der Wien, el 6 de abril de 1874.
30
La acción transcurre en un balneario termal junto a Viena, donde una joven casada, muy
sensible a los requerimientos amorosos de un tenor, lo recibe en su casa en ausencia del
marido. Pero la policía, que está buscando al marido, se presenta en la casa y detiene en su
lugar al tenor. Aclarado el equívoco que, a su vez, da lugar a otros divertidos quid pro quos,
el asunto termina, como no podía menos, de la mejor manera posible. El título deriva del
apodo de "Murciélago" que le dan al director de prisiones, por haberse disfrazado de esta
guisa para asistir a un baile de máscaras.

El Murciélago es la opereta más típicamente vienesa y, en la historia de esta forma teatral,

marca efectivamente una fecha, por llevar a escena por primera vez hombres actuales y
cotidianos, que viven la vida de su tiempo cantando alegremente vestidos a la moda del día,
en lugar de personajes imaginarios, ataviados de manera fantástica, ya fuesen históricos, ya
mitológicos. El Murciélago debe además su importancia al hecho de haber iniciado la
opereta-vals, característica de Johann Strauss hijo, y de sus sucesores, los operetitas
vieneses y alemanes en general. En efecto, en El Murciélago, el vals está elevado al nivel
de generador lírico de la opereta entera, y sobre todo en el segundo acto (la fiesta en el
jardín) anima la escena con la inagotable riqueza de sus melodías.

Obras:
 El Danubio azul
 El murciélago
 Voces de Primavera
 Vals del Emperador
 El barón gitano
 Polca Tritsch Tratsch
 Sangre vienesa
 Rosas del sur
 Wiener Blut
 Una noche en Venecia
 Neue Pizzicato Polka
 Vida de artista
 Vino, mujeres y canciones
 Adele's Laughing Song
 Pizzicato-Polka
 Tales from the Vienna Woods
 Leichtes Blut
 Vergnügungszug
 Bombones de Viena
 Morgenblätter
 Im Krapfenwald'l
 Persischer Marsch
 Auf der Jagd
 ¡Éljen a Magyar!
 Egyptian March
 Thunder and Lighting, Op. 324
 Accelerationen
 Lagunen-Walzer
 Ritter Pásmán 31
Muestra: El Danubio Azul / The Blue Danube

32
 Biografía de Gioachino Rossini

(Gioacchino o Gioachino Rossini; Pésaro, actual Italia, 1792 - París, 1868) Compositor italiano.
Situado cronológicamente entre los últimos grandes representantes de la ópera napolitana
(Cimarosa y Paisiello) y los primeros de la romántica (Bellini y Donizetti), Gioachino Rossini
ocupa un lugar preponderante en el repertorio lírico italiano gracias a óperas bufas como Il barbiere
di Siviglia, La Cenerentola o L'italiana in Algeri, que le han dado fama universal, eclipsando otros
títulos no menos valiosos.
Hijo de un trompetista del municipio de Pésaro que colaboraba con las orquestas de los teatros de la
provincia, y de una soprano que llevó a cabo una corta carrera como seconda donna, la existencia de
Rossini se vio ligada, desde la infancia, al universo operístico. Alumno del Liceo Musical de
Bolonia desde 1806, en esta institución tuvo como maestro de contrapunto al padre Mattei y entró
en contacto con la producción sinfónica de los clásicos vieneses, Mozart y Haydn, que ejercerían
una notable influencia en la fisonomía instrumental de sus grandes óperas, de una riqueza tímbrica y
de recursos (los célebres y característicos crescendi rossinianos) desconocidos en la Italia de su
tiempo.
Tras varias óperas escritas según el modelo serio (Demetrio e Polibio, Ciro in Babilonia), ya en
decadencia, y bufo (La cambiale di matrimonio, L'inganno felice), sin excesivas innovaciones, el
genio de Gioachino Rossini empezó a manifestarse en toda su grandeza a partir de 1813, año del
estreno de Il signor Bruschino.
Dotado de una gran facilidad para la composición, los títulos fueron sucediéndose uno tras otro sin
pausa (llegó a estrenar hasta cuatro obras en el mismo año). En París, ciudad en la que se estableció
en 1824, Rossini compuso y dio a conocer la que iba a ser su última partitura para la escena,
Guglielmo Tell (1829). A pesar de su éxito, el compositor abandonó por completo -cuando contaba
treinta y siete años y por razones desconocidas- el cultivo de la ópera.
Obras
Óperas

 La cambiale di matrimonio - 1810

 L'equivoco stravagante - 1811
 Demetrio e Polibio - 1812
 L'inganno felice - 1812
 Ciro in Babilonia – 1812 40
  La scala di seta - 1812
 La pietra del paragone - 1812
 L'occasione fa il ladro - 1812
 Il signor Bruschino - 1813
 Tancredi - 1813
 L'italiana in Algeri - 1813
 Aureliano in Palmira - 1813
 Il turco in Italia - 1814
 Sigismondo - 1814
 Elisabetta, regina d'Inghilterra - 1815
 Torvaldo e Dorliska - 1815
 Il barbiere di Siviglia - 1816
 La gazzetta - 1816
 Otello, ossia Il moro di Venezia - 1816
 La Cenerentola - 1817
 La gazza ladra - 1817
 Armida - 1817
 Adelaide di Borgogna - 1817
 Mosè in Egitto - 1818
 Adina or Il califfo di Bagdad - 1818/1828
 Ricciardo e Zoraide - 1818
 Ermione - 1819
 Eduardo e Cristina - 1819
 La donna del lago - 1819
 Bianca e Falliero - 1819
 Maometto secondo - 1820
 Matilde Shabran - 1821
 Zelmira - 1822
 Semiramide - 1823
 Il viaggio a Reims - 1825
 Le Siège de Corinthe - 1826
 Moïse et Pharaon - 1827
 Le Comte Ory - 1828
 Guillaume Tell - 1829
Obras religiosas

 Messa di Gloria
 Messa di Rimini
 Messa di Napoli
 Messa di Ravena
 Messa di Bologna
 Stabat Mater
 Petite Messe Solennelle
Cantatas 41
  Il pianto d'armonia per la morte d'Orfeo
 La morte di Didone
 Dalle queste e pallide ombre
 Egle ed Irene
 L'Aurora
 Le Nozze di Teti e di Peleo
 La riconoscenza
 La Santa Alleanza
 Il vero omaggio
 Omaggio pastorale
 Il pianto delle muse per la morte di Lord Byron
 Cantata per il battesimo del figlio del banchiere Aguado
 L'armónica cetra del nume
 Giovanna D'arco
 Cantatina
 Cantata in onore del Sommo Pontefice Pio Nono
Himnos y coros

 Inno dell'Independenza
 De'Italie et de la France
 Santo Genio dell'Italia terra
 Su fratelli, letizia si canti
 Hymne a Napoleon III

42
Muestra: Guillermo Tell / William Tell overture

43
 Biografía de Vittorio Monti

Vittorio Monti fue un violinista, director de orquesta y compositor italiano nacido en

Nápoles en el último tercio del siglo XIX.

Vittorio Monti fue un compositor italiano. Monti nació en Nápoles, donde estudió violín y
composición en el Conservatorio de San Pietro a Majella y en 1886 se trasladó a París,
donde a partir de 1900 fue nombrado director de la Lamoureux Orchestre de París, para el
que escribió varios ballets y operetas. Llevando sólo se conoce es Csardas. Fue compuesto
originalmente para violín, la mandolina y piano. Se organizó rápidamente para todo tipo de
juegos, recordando a la gente que se ven viejas danzas húngaras con la yuxtaposición de
pasajes rápidos y lentos.

Escrita en 1904, su composición más famosa es la Csárdás para violín o mandolina y piano.
La pieza toma su nombre de los bailes gitanos que se bailaban en las tabernas de las villas
agrícolas de la Europa central llamadas así, con el mismo nombre, Csárdás. Otros
compositores europeos también tomaron elementos de la música gitana, como el Aires
Gitanos de Pablo Sarasate, las Danzas Húngaras de Johannes Brahms y La Ronde des
Lutins de Antonio Bazzini. Todas ellas con los diferentes matices del folklore húngaro y de
los gitanos rumanos…pero unidas por un lenguaje caracterizado por lo afectado en las
secciones lentas y el frenesí vital y explosivo, acompañado por armónicos y pizzicatos con
la izquierda en el resto de la pieza.

44
Muestra: Csárdás – Vittorio Monti

45
 Johannes Brahms

(Hamburgo, 1833 - Viena, 1897) Compositor alemán. En una época en que la división entre
partidarios y detractores de Richard Wagner llegó a su grado más alto, la figura de Brahms
encarnó para muchos de sus contemporáneos el ideal de una música continuadora de la
tradición clásica y de la primera generación romántica, opuesta a los excesos y las
megalomanías wagnerianos.

No por ello cabe considerarlo un músico conservador: como bien demostró en las primeras
décadas del siglo XX un compositor como Arnold Schönberg, la obra del maestro de
Hamburgo se situaba mucho más allá de la mera continuación de unos modelos y unas
formas dados, para presentarse cargada de posibilidades de futuro. Su original concepción
de la variación, por ejemplo, sería asimilada provechosamente por los músicos de la
Segunda Escuela de Viena.

Respetado en su tiempo como uno de los más grandes compositores y considerado a la

misma altura que Bach y Beethoven, con los que forma las tres míticas «B» de la historia de
la música, Brahms nació en el seno de una modesta familia en la que el padre se ganaba la
vida tocando en tabernas y cervecerías. Músico precoz, el pequeño Johannes empezó pronto
a acompañar a su progenitor al violín interpretando música de baile y las melodías entonces
de moda.

Al mismo tiempo estudiaba teoría musical y piano, primero con Otto Cossel y más tarde
con Eduard Marxsen, un gran profesor que supo ver en su joven alumno un talento
excepcional, mucho antes de que éste escribiera su Opus 1. Marxsen le proporcionó una
rigurosa formación técnica basada en los clásicos, inculcándole también la pasión por el
trabajo disciplinado, algo que Brahms conservó toda su vida: a diferencia de algunos de sus
contemporáneos que explotaron la idea del artista llevado del arrebato de la inspiración y
del genio, el creador del Réquiem alemán dio siempre prioridad especial a la disciplina, el
orden y la mesura.

Excelente pianista, se presentó en público el 21 de septiembre de 1848 en su ciudad natal

con gran éxito, pese a que, más que la interpretación, su verdadera vocación era la
composición. En el arduo camino que siguió hasta alcanzar tal meta, Marxsen constituyó un
primer eslabón, pero el segundo y quizá más importante fue Robert Schumann.
46
 Tras una corta estancia en Weimar, ciudad en la que conoció a Franz Liszt, Brahms se
trasladó a Düsseldorf, donde entabló contacto con Schumann, quien quedó sorprendido ante
las innegables dotes del joven artista. La amistad entre ambos, así como entre el compositor
y la esposa del autor de Manfred, se mantuvo durante toda su vida.

Siguiendo los pasos de Beethoven, en 1869 Brahms fijó su residencia en Viena, capital
musical de Europa desde los tiempos de Mozart y Joseph Haydn. Allí se consolidó su
personal estilo, que, desde unos iniciales planteamientos influidos por la lectura de los
grandes de la literatura romántica alemana y cercana a la estética de Schumann, derivó
hacia un posicionamiento más clásico que buscaba sus modelos en la tradición de los
clásicos vieneses y en la pureza y austeridad de Bach.

Brahms, que al principio de su carrera se había centrado casi exclusivamente en la

producción pianística, abordó entonces las grandes formas instrumentales, como sinfonías,
cuartetos y quintetos, obras todas ellas reveladoras de un profundo conocimiento de la
construcción formal. A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, y al igual que su
rival, Anton Bruckner, fue partidario de la música abstracta y nunca abordó ni el poema
sinfónico ni la ópera o el drama musical. Donde se advierte más claramente su inspiración
romántica es en sus numerosas colecciones de lieder. En el resto de su producción, de una
gran austeridad y nobleza de expresión, eludió siempre cualquier confesión personal.

Obras:

 Wiegenlied
 Danzas húngaras
 Un réquiem alemán
 Sinfonía n.º 1
 Sinfonía n.º 4
 Sinfonía n.º 3
 Concierto para violín
 Sinfonía n.º 2
 Concierto para piano n.º 1
 Concierto para piano n.º 2
 Seis piezas para piano, op. 118
 Quinteto para piano
 Doble concierto
 Sixteen Waltzes, Op. 39
 Violin Sonata No. 1
 Tres intermezzi, op. 117
 Quinteto para clarinete
 Obertura del festival académico
 Sonatas para clarinete
 Trío para piano n.º 1
 Sonata para piano n.º 3
 Schicksalslied
 Sonata para violonchelo n.º 1
 Variaciones sobre un tema de Haydn
 Cuarteto para piano n.º 1 47
 Obertura trágica
 Trío para trompa
 Sexteto de cuerda n.º 1
 Liebslieder Waltzes
 Trío Op. 114 para clarinete, violonchelo y piano.
 Rapsodias, op. 79
 Violín Sonata No. 3
 Cuatro piezas para piano, op. 119
 Nänie
 Cuatro baladas para piano
 Vier ernste Gesänge
 Rapsodia para alto
 Variaciones y fuga sobre un tema de Händel
 Variations on a Theme of Paganini
 Violin Sonata No. 2
 Sonata F-A-E
 Fest- und Gedenksprüche
 Sexteto de cuerda n.º 2
 Sonata para piano n.º 1
 Cello Sonata No. 2
 Cuarteto para piano n.º 3
 Piano Trio No. 2
 Piano Trio No. 3
 String Quintet No. 2
 String Quartett No. 3
 Die Mainacht, op. 43 no. 2

48
Muestra: Canción de cuna / Lullaby – Johannes Brahms

49
 Bibliografía
1.- https://historia-biografia.com/ludwig-van-beethoven/
2.- https://historia-biografia.com/wolfgang-amadeus-mozart/
3.- https://historia-biografia.com/antonio-vivaldi/
4.- https://www.last.fm/es/music/Niccol%C3%B2+Paganini/+wiki
5.- https://es.slideshare.net/Aavmvazquez/edvard-grieg-biografia-y-musica
6.- https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bach_sebastian.htm
7.- https://www.biografias.es/famosos/nikolai-rimsky-korsakov.html
8.- https://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/strauss_johann.htm
9.- https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/chaikovski.htm
10.- https://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rossini.htm
11.- https://loff.it/the-music/csardas-vittorio-monti-181806/
12.- https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/brahms.htm