Asignatura: Historia del arte universal II

Docente: Juan Rodrigo Rojas Amar

Alumno: Robertson Ttito Mango

Especialidad: dibujo y escultura

Semestre: VII

Tema: arte asiático

ÍNDICE

introducción

Marco teórico

1. CAPÍTULO UNO: india

2. CAPÍTULO DOS: china

3. CAPÍTULO TRES: Japón

4. CAPÍTULO CUATRO: Conclusiones, Anexos, Bibliografía.

Introducción

Con el presente trabajo monográfico se espera exponer un poco más sobre las antiguas y milenarias
culturas de oriente más destacadas como son la india, china, y Japón. enfocándonos en los periodos
entre el siglo XV y el siglo XVII. también cabe recalcar que nos trataremos de enfocar en el ámbito
escultórico, Y el arte en general con breves explicaciones sobre el rol social y geográfico de sus
respectivos países. Haciendo hincapié en los miles de años de formación y el aguante cultural de cada
uno. Pasando también por su religión y arquitectura que demuestran la grandeza de los q una vez
fueron imperios poderosos.

Por lo expuesto se dividirá en 3 capítulos con una cultura correspondiente a cada cual.
Marco teórico

La investigación a realizar sobre el arte del renacimiento hasta las post épocas napoleónicas, es decir entre
los siglos XV al XVIII. Por efecto del cual no se evidencia mucha información sobre estos siglos en lo que al
arte concierne, pero si hay una cantidad vasta de arte mucho más anteriores a estos siglos el cual se
presentara y se le dará un enfoque didáctico e inspirativo para muchos de nuestros observadores .

Desarrollo social político y religioso.

Paralelo al desarrollo social de estas tres civilizaciones nos encontramos con una vertiente altamente
profundizada en el alma de cada individuo de estas civilizaciones. el cuál es la religión que en sus
comienzos dio un sentido a la vida, una forma de tratar y entender su humanidad, su realidad. Su todo
cierto que en cada cual fue una diferente, pero estuvo muy inmersa en su forma de representar la vida y
la sociedad, como lo es el catolicismo en la américa de sur. O las diversas religiones en américa del norte.

Desarrollo del contenido

Capítulo 1 India

social. Esta civilización en si tuvo un primer entendimiento de su fuerza vital gracias a la

imposición religiosa y la invasión de otras civilizaciones. donde los arios fueron los invasores
que ejecutaron e impusieron las castas sociales. la cual divide a esta sociedad en castas muchas
de ellas aceptadas dentro de esta sociedad, los artesanos y agricultores se llamaban “Vasias”.
pero muchas de ellas también excluyentes con la forma de vida que conllevaban.

Religioso. Determinante de las castas sociales. Pero a su vez le dieron una responsabilidad al
artista dentro de lo que pudiera considerarse un sentido de vida o al menos de esta vida, es por
eso talvez que hay muchas de las obras sin autor conocido. Lo que nos da a conocer la fuerza de
su inspiración religiosa y como eran representados los más de 3000 dioses que tiene la india.
Embellecimiento de sus templos en la dinastía chandella 950- 1203

De entre estas construcciones goza de indiscutible popularidad el llamado santuario de

Khandariya Mahadeva, dedicado al dios Shiva, verdadero arquetipo de los templos de la India
central durante la Edad Media.

Erigido en el siglo XI, esta joya del arte hindú cuenta con un zócalo de gran altura que sostiene el
templo cuya planta, con partes que sobresalen en los cuatro lados, forma una especie de cruz. El
pabellón de recepción (ardhamandapa) y el sucesivo vestíbulo (jagamohana), de tamaño
creciente, la sala hipóstila o sala de los hombres (mandapa) y la antecámara que la separa del
santuario o capilla del dios (garbhagriha), forman una larga suite que conducen al devoto hasta
la cella central, alrededor de la cual una galería sirve de paseo cubierto.

El conjunto del templo, que en el norte de la India recibe el nombre de nagara, aparece aquí
como la yuxtaposición de partes independientes que se organizan en un todo unificado. Balcones
salientes dejan entrar la luz, creando una sabia alternancia de zonas más y menos iluminadas.

Los saledizos que protegen la escalera y los vestíbulos están cubiertos con una techumbre
escalonada, con gradas de tamaño cada vez más grandes.

Tal sucesión confiere al conjunto del monumento un perfil curvilíneo que se escalona hasta la
cima del sikhara, construido encima de la celia o santuario principal. Una serie de medios sikhara
de tamaño creciente, pegados unos a otros, crean un efecto análogo en la parte posterior del
edificio.
Estas torrecillas (sikhara), agrupadas alrededor del cuerpo principal, el (mulamanjari), hacen el
efecto de un ramillete que se eleva hacia el cielo y que simboliza el monte Meru, el Olimpo de
los dioses hindúes.

Una profusa decoración escultórica, integrada por más de 850 estatuas, recubre los muros
exteriores del templo, de piso en piso, que están totalmente recubiertos de imágenes eróticas
(mithuna).

Dioses menores y personajes femeninos de delicado modelado, esculpidos en un relieve muy

marcado sobre un gres rosa, fino y muy blando, decoran las paredes exteriores. Sus cuerpos, en
poses sumamente flexibles, se pliegan a los múltiples imperativos de la iconografía y se funden
en la superficie animada de la pared.

Esta iconografía particular, cuya interpretación exacta es objeto de discusiones, se inscribe

dentro de la prolongación de una antigua tradición que exige la representación de parejas de
amantes, de carácter protector, en el exterior de los lugares santos.

También cabe relacionarlas con diversas concepciones tántricas todavía mal conocida s o con un
significado místico. Todo un estilo deslumbrante al servicio de una extraordinaria riqueza
imaginativa.

La calidad del artista y de su cultura iconográfica se manifiesta en todos los templos de Candela
por los detalles perfectamente trabajado. El templo de Khandariya Mahadeva, célebre por sus
innumerables motivos eróticos, se alza en Khajuraho, al norte de la India.
khajuraho.

El conjunto de templos de Khajuraho, construidos en el periodo de mayor esplendor de la

dinastía de los Chandela (950-1050), olvidados y sepultados en la jungla durante siglos (lo que
probablemente les salvó de la furiosa piqueta de los iconoclastas mogoles), fueron felizmente
redescubiertos por el capitán T. S Burt en 1838, cuya puritana alma victoriana probablemente
se estremeció de horror al descubrir ¡en unos templos! esculturas con escenas de lo que hoy
llamaríamos “sexo explicito”. En realidad, se trataba de un ejemplo más del carácter sagrado
que la cultura clásica india otorgaba al sexo. La dualidad haciéndos e uno, pura mística.
Ahora bien, aunque la naturaleza voluptuosa de estas esculturas exteriores se ha convertido en
un imán para atraer al turismo masivo hasta este lugar, no es ese el único valor del complejo
arqueológico. Cuando hablamos de Khajuraho, estamos hablando de una de las cumbres
medievales de las formas arquitectónicas y esculturales del subcontinente indio. Y el templo de
Kandariya es sin duda una obra maestra del arte mundial.
El complejo arqueológico consta de tres grupos de templos de Khajuraho (sur, este y oeste) que
ocupan una extensión de unos 6 kilómetros cuadrados. Fue declarado Patrimonio de la
Humanidad de la UNESCO en 1986 y destaca por el perfecto equilibrio logrado entre las formas
arquitectónicas y las esculturales.
El grupo oeste alberga el mayor número de templos, entre ellos el de Kandariya, cuya torre
principal se eleva airosamente a 30 metros de altura.
El más conocido y el mejor preservado del grupo occidental es el gran templo de Lakshmana, que
tardó 20 años en construirse y se completó alrededor del año 954 d. C. durante el reinado de
Dhanga. En el lado sur de su base se encuentran algunas de las esculturas eróticas más famosas
de Khajuraho. El templo está dedicado a Vishnu. Aunque originalmente eran más de ochenta,
hoy en día se conservan magníficamente unos veinte, pertenecientes tanto al hinduismo como
al jainismo.
La decoración escultórica de estos templos, de una enorme calidad artística, da vida a escenas
que recogen sin prejuicios actividades de la vida de la época, desde lo más sagrado a lo más
prosaico: paradas militares y procesiones religiosas, dioses y héroes épicos, hombres realizando
actividades cotidianas, cacerías, danzantes, ascetas, ninfas celestiales, animales reales y
mitológicos… y sí, también escenas amatorias.
En definitiva, los templos de Khajuraho constituyen un armonioso canto a la vida, a los goces y
placeres de los sentidos y el amor y cuya visita difícilmente dejará indiferente al viajero sagaz.

El Taj Mahal

es un mausoleo ubicado en la India, en la ciudad de Agra. Un monumento emblemático de este

país, es en mármol blanco finamente cincelado. Fue construido entre 1631 y 1653 bajo el
mando de Shah Jahan para albergar la tumba de su esposa, Mumtaz Mahal, quien murió en el
parto durante el parto de su decimocuarto hijo. Mumtaz Mahal también fue llamado Arjumand
Bano Begum. El Taj Mahal es una maravilla de la arquitectura mogol, en la encrucijada de los
estilos islámico, iraní, persa e indio.

El Taj Mahal
Casi ya conteaaporaneo a nuestra época. El Taj Mahal ha podido cruzar la historia sin sufrir
ningún daño particular, lo que permite admirarla hoy como lo fue en su construcción. Si el
mausoleo es el más conocido, no reduzca este monumento a esta construcción de mármol, el
Taj Mahal es en realidad un conjunto de edificios, jardines, lagos y fuentes con simetría
perfectamente organizada contenida en Un terreno rectangular de 580 por 305 metros. Incluye
dos mezquitas, una de las cuales no está en uso porque no está orientada hacia la Meca, la
simetría obliga, tres puertas de estilo iraní, 3 edificios de ladrillos rojos, una fuente central y 4
cuerpos de agua organizados en una cruz. El Taj Mahal es visitado anualmente por 4 millones
de visitantes, lo que lo convierte en el monumento más visitado de la India. También es el
monumento más famoso de la India

Para fines del siglo

Capítulo 2 china

Una de las más complejas culturas en las que el arte si está casi completo en todos sus
esplendores y no ha sido influenciado por el arte europeo en su mayoría.

Con toda su riqueza y su genio artístico nos demuestra el arte de una cultura única en su estilo
y fuente de inspiración para las naciones vecinas.

Los desarrollos de esta civilización se destacan por cada una de sus dinastías que gobernaron y
se desarrolló la tecnología y las artes y las letras en la dinastía tang (618-907) y luego de ser
conquistados por los mongoles. China se cerró a los extranjeros conociéndose a sí misma como
el centro del mundo desarrollándose en sus propios términos y cultura.
La dinastía tang es una de la que más prevaleció y fue una época dorada para todos los artistas
y arquitectos como se puede apreciar en la siguiente figura.

Figura de hombre con caballo de la dinastía Tang, realizada con la cerámica vidriada sancai en tres colores.

Como se puede apreciar. a pesar de su carácter antiguo los acabados en la técnica de vidriado
son muy evidentes y bien realizados en la pieza.

Lokapala figura funeraria guardiana-

Banda de musicos sobre un camello.

Los cetreros de sancai.

 Camello sin esmaltar y jinete sogdiano

El tamaño es variable, de 10 a 110 centímetros de alto para una figura humana de pie, y de 55 a
120 o más para los tipos más grandes, los animales y los guardianes . Diferentes escalas de
figuras generalmente se mezclaron dentro de las tumbas, dependiendo del estado de las
personas o animales representados. Hay alguna indicación de que las figuras vidriadas y no
vidriadas pueden haberse hecho en diferentes hornos. Las piezas son de loza cocidas en fuego
bajo, ya que no se requiere fuerza y durabilidad. El cuerpo de arcilla presenta un color
blanquecino, a excepción de un grupo más pequeño de piezas rojizas menos finas,
normalmente cubiertas con un velo blanco.

Periodo de los guardianes de tumbas

La colocación de cuatro guardianes de tumbas era lo estándar en las tumbas ricas,

generalmente una en cada esquina: un par de cada uno de los «espíritus de la tierra»
o zhenmushou , y los guardianes guerreros lokapala o zhenmuyong. Las figuras suelen ser las
más grandes y elaboradas en una tumba, y con frecuencia han sido las más difíciles de modelar
y cocer. Es más probable que estén vidriadas en sancai, aunque muchos ejemplos a pesar de su
gran elaboración no lo son.

Se creía que protegían a los vivos al impedir que los espíritus de los muertos vagaran
indebidamente por el mundo fuera de la tumba, y protegían la tumba de las intrusiones de
ladrones o espíritus; los espíritus de la tierra aparentemente estaban asociados con el primer
rol, y el lokapala con el segundo.

Cara sin esmaltar de un espíritu de la tierra del tipo semihumano

Figura de león
 Estatuas de dos lokapalas de la dinastía Tang Lokapala

Esculturas en una de las grutas de Mogao,dinastía Tang, Dunhuang, China. El naturalismo y

la elegancia del séquito de Buda caracterizan la escultura de la edad de oro de la dinastía Tang,
apogeo del budismo y del arte de las grutas de Mogao.
 Dinastía ming 1368-1644

Esculturas de mantequilla china

Esculturas de mantequilla china

Las esculturas de mantequilla o manteca, son fundamentales para el desarrollo espiritual

del budismo tibetano. Como un arte escultórico único en la cultura tibetana, el arte tiene un
origen en la religión Bon tibetano y es considerado una de las flores exóticas en el tesoro del
arte tibetano. En el 641, cuando la princesa Wencheng de la dinastía Tang se casó con el
entonces rey tibetano Songtsan Gambo, dio a lo largo de una escultura de Sakyamuni, que fue
consagrado más tarde y adorado en el Templo Jokhang.

Para mostrar su respeto, los pueblos tibetanos presentaron ofrendas delante del Buda. De
acuerdo con las costumbres tradicionales observadas en la India, las ofrendas a Buda y los
bodhisattvas se dividieron en seis categorías: la flor, tu incienso, agua divina, Wa
incienso, frutas, y la luz de Buda.
Esculturas de marfil

Esculturas de marfil

El tallado de marfil es una de las artes más antiguas de China. Muestras magistrales de
este tipo de escultura se han hallado en tumbas que datan de la Dinastía Shang (siglos
XVIII-XII AC); estas piezas tienen un diseño y ejecución tan buenos que sugieren un
desarrollo previo que podría retrotraerse a épocas prehistóricas.

Porcelana china
De hecho, la cerámica es un arte de extrema antigüedad. Hacia los años 17000 -16000 antes de
la Era Común China y Japón, producen la primera cerámica en el mundo en un contexto de tribus
de cazadores-recolectores del final del Paleolítico.
La cultura de Yangshao sobre el 4000 a. C. es considerada la primera en proporcionar cerámica de
alta calidad en grandes cantidades aunque muchos años antes dan muestras de buena calidad las
culturas de Cishan en Hebei y Peiligang en Henan. En la época del neolítico, después de la cultura
Yanshao, la cultura Majiayao, las producciones de la cultura de Longshan demuestran el uso del
torno, indispensable para realizar la finura y la altura de ciertas piezas del p restigioso tipo «coquille
d'œur”
La cerámica todavía se está desarrollando, en términos de formas y decoraciones, así como
técnicamente, en las dinastías Shang y Zhou. Muchas piezas notables provienen de ajuares
funerarios (mingqi): como el de Qin Shi Huangdi y su ejército de terracota; representaciones de
edificios Han, granjas y figuras humanas; bailarines y músicos, representacione humana o animal
en gres, en los "tres colores" Tang, a veces grandes. Los ceramistas chinos mejoran, en la segunda
mitad del siglo octavo, utilizando un gres porcelánico cuya cubierta, basada en óxido de hierro,
adquiere matices sutiles de un verde más o menos claro. Estos gres porcelánicos cubiertos de
verde llevarán más tarde el nombre de celadón entre los occidentales. En el siglo octavo son
"protoceladones" y, bajo la dinastía Song (960 y 1279) , ya celadones reales.
 Liaoning Provincial Museum

Materiales empleados

Caolín, "los huesos de la porcelana", según los chinos.

feldespato: "la carne de porcelana", es una piedra feldespática.
La cerámica china utiliza varios elementos mezclados en proporciones variables. Estos elementos
juegan un papel diferente en el resultado final.
De acuerdo con los elementos utilizados, arena, cuarzo, arcilla, caolín y según los diversos
fundentes, potasa, feldespato, etc., y según su grado de pureza, presencia o no de óxido de
hierro, titanio, etc., según sus proporciones, y finalmente, según la temperatura de cocción,
decimos que el cuerpo de cerámica está formado por terracota, gres o porcelana.
La Terracota “táo” se obtuvo de arcillas impuras, a las que se agregó arena y potasa; la potasa,
obtenida de las cenizas, jugó el papel de un "fundente".
El gres (cí) es una cerámica dura, vitrificada a alta temperatura y obtenida mediante la adición de
materiales feldespáticos fusibles a la arcilla, para permitir esta vitrificación. La petuntsa, que es
una roca feldespática, mezclada con potasa (fundente), se fundirá para cubrir las partículas
refractarias del caolín. El nombre de este feldespato es baidunzi (chinopinyin: báidūnzi).
La Porcelana “cí”, porque el término es el mismo en chino para gres o porcelana) es una variedad
de gres que utiliza caolín, feldespato y arena. La porcelana permite obtener paredes muy finas y
translúcidas. El caolín, por otro lado, es un tipo de arcilla, blanca, friable, cuya fuente más
conocida es la colina de Gao-ling, al norte de Jingdezhen; se compone de alúmina (40%), sílice
(46%) y agua (14%).
Los chinos consideran que "el caolín y la petuntsa son los huesos y la carne de porcelana".
Como uno de los más significativos trabajos realizados en la época tenemos al imponente
ejercito de terracota.
El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental, con un trasfondo cultural
y estético común a las sucesivas etapas artísticas, marcadas por sus dinastías reinantes. Como
la mayoría del arte oriental tiene una importante carga religiosa
(principalmente taoísmo, confucianismo y budismo) y de comunión con la naturaleza. Al
contrario que en Occidente, los chinos valoraban por igual la caligrafía, la cerámica, la seda o
la porcelana, que la arquitectura, la pintura o la escultura, a la vez que el arte está plenamente
integrado en su filosofía y cultura.

Dinastía Shang (1600-1046 a. C.): destacó por sus objetos y esculturas en bronce,
especialmente vasijas decoradas en relieve y máscaras y estatuas antropomórficas, como las
halladas en la zona de Chengdu, en el alto Yangtsé, de alrededor del 1200 a. C. Se han
encontrado restos arqueológicos de varias ciudades en la zona de Henan, amuralladas y con
una retícula rectangular, como en Zhengzhou y Anyang. En estos asentamientos se han hallado
igualmente tumbas con ricos ajuares de armas, joyas y diversos utensilios en
bronce, jade, marfil y otros materiales.
Capítulo 3 Japón

En Japón también como las demás estructuras sociales. Se dividen en castas pero más allá la
mitología japonesa comienza de una pareja de dioses y que a su vez dejan entrever la parte de
la espiritualidad la cual tiene una premisa que se denotan en todas sus expresiones artísticas
con el espacio para el espíritu. Destacándose en esta el periodo kamakura y el periodo Edo
(1632-1695)

El arte de Japón Nippon bijutsu es una expresión de la cultura japonesa, desarrollado a lo largo
del tiempo en diversos períodos y estilos que se han ido sucediendo de forma cronológica, en
paralelo al devenir histórico, social y cultural del pueblo japonés. La evolución del arte nipón ha
estado marcada por el desarrollo de su tecnología, siendo una de sus señas distintivas el uso de
materiales autóctonos. Como en el arte occidental, las principales manifestaciones artísticas
han tenido su origen en la religión y el poder

La era Kamakura se considera la era del renacimiento de la escultura japonesa. Las esculturas
de la escuela Kei , herederas del trabajo de Jōchō , están en el origen de este renacimiento.
Ilustran el dominio que los artistas han adquirido en la técnica conocida como yosegi-
zukuri (ensamblaje de bloques de madera) y representan el estilo de la nueva escultura. el
movimiento. Además, ya no se utilizan arcilla, laca seca, gofrado , terracota . Los escultores
utilizan principalmente madera y, a veces, bronce.
 La gran ola de
Kanagawa (1830 - 1833), grabado de Katsushika Hokusai, Metropolitan Museum of Art, Nueva
York.

Tamonten au Todaiji , madera, período Edo

El origen de la escultura japonesa se remonta a las figurillas de arcilla. Escultura japonesa está
bajo la doble influencia de la cultura de la ruta de la seda a V siglo y, posteriormente, a la aún
más frecuente en la escultura china . La influencia de Occidente se siente desde la era Meiji .
Las esculturas se realizan en talleres locales utilizados para escultura y pintura. La mayoría de
las esculturas se encuentran frente a las casas y a lo largo de las paredes de edificios
importantes.
La mayoría de las esculturas japonesas provienen del culto a los ídolos específicos
del budismo o de los ritos animistas de las deidades sintoístas . De todas las artes de Japón, la
escultura está particularmente ligada a la representación de temas y figuras del budismo. Los
materiales utilizados tradicionalmente son los metales, en particular el bronce y, más en
general, la madera, a menudo lacados , dorados o pintados con colores vivos. Al final
del período Tokugawa , esta escultura tradicional, con la excepción de las obras en miniatura,
desapareció en gran medida debido a la pérdida del patrocinio de los templos budistas y de la
nobleza.

La reconstrucción de los templos budistas incendiados durante las guerras civiles requiere
muchos escultores. Las nuevas esculturas son esencialmente de estilo conservador y están
hechas de madera y luego doradas o policromadas. Estas producciones carecen en su mayoría
de cualidades artísticas. Además, algunos monjes escultores budistas producen imágenes sin
pintar en madera toscamente tallada. Enkū (1632-1695) y Mokujiki (1718-1810) son los
representantes más conocidos. Viajan por todo Japón y producen obras considerables con fines
de propagación religiosa y ritual. Sus estilos arcaicos y espiritual se revalorizan en el XX siglo. El
arte de tallar máscaras de teatro Noh también continúa para producir mejores obras en el XVII °
Conclusión

Ciertamente el arte asiático no ha sido obstruido ni influenciado por el arte europeo y hasta la actualidad
se mantiene fiel a su estilo. A pesar de las constantes batallas y cambios de régimen se han sabido
mantener fieles a sus creencias religiosas, como también dar un renombre a sus caudillos y jefes de estado

Por otro lado, las vanguardias han sido pasadas casi desapercibidas ya sea por la lejanía o por los
dictámenes belicistas de la época. no obstante, se puede ver una influencia de los unos con los otros en
estas 3 civilizaciones como lo es en lo religioso y en lo social.

Por la misma evidencia que se puede contemplar podemos ver que cada una tiene un panteón que respeta
una jerarquía. Los actos de veneración fueron el día a día de cientos de artistas anónimos que sus nombres
se han perdido y solo quedan los estudios posteriores deri vándolo a un cierto periodo de sus historias.
Pues bien, nos queda a nosotros pensar a que periodo de nuestra historia pasaremos o solo seremos una
época en 2000 años adelante.

gracias

Bibliografía

India

https://www.historiadelarte.us/arte-de-la-india/historia-del-arte-de-la-india/

https://www.maravillas-del-mundo.com/Taj-Mahal/

https://www.turistaloserastu.es/templos-khajuraho-sagrado-erotismo-cultura-india/

https://www.viajesyfotografia.com/blog/khajuraho-templos-sexo-sensualidad-arte/

https://megaconstrucciones.net/?construccion=khajuraho

https://es.wikipedia.org/wiki/Figuras_funerarias_de_la_dinast%C3%ADa_Tang

https://www.nationalgeographic.com.es/fotografia/foto-del-dia/esculturas-una-las-grutas-
mogaodinastia-tang-dunhuang-china_2611

https://www.ecured.cu/Escultura_china#Tallas_de_bamb.C3.BA

https://es.wikipedia.org/wiki/Cer%C3%A1mica_y_porcelana_china

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_de_Jap%C3%B3n
https://www.google.com/search?q=escultura+japonesa+edo&tbm=isch&chips=q:escultura+japonesa+e
do,online_chips:estatua:w8-jgVgxnbA%3D&usg=AI4_-
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