Allison - García. Proyecto de Grado

PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA
FACULTAD DE ARTES
ESTUDIOS MUSICALES
ELABORACIÓN Y UTILIZACIÓN DE TAGS COMO HERRAMIENTA PEDAGÓGICA
PARA LA INTRODUCCIÓN DE PIEZAS COLOMBIANAS EN EL CORO FEMENINO
RAÍCES
ALLISON LIZETH GARCÍA RINCÓN
TRABAJO DE GRADO
Presentado como requisito para optar al título de
MAESTRO EN MÚSICA
ENFASIS EN DIRECCIÓN CORAL Y EDUCACIÓN MUSICAL
Asesores
Ana Paulina Álvarez y Andrés Samper
Bogotá, D.C
Noviembre 15 de 2019
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Contenido
Introducción …………………………………………………………………………………... 4
1. Planteamiento del problema y justificación …………………………………………… 11
1.1. Pregunta ……………………………………………………………………………… 11
1.2. Justificación ………………………………………………………………………….. 11
2. Marco Teórico……………………………………………………………………………. 13
2.1. Funcionamiento del tag ……………………………………………………………… 13
2.2. Aprendizaje significativo…………………………………………………………….. 15
2.3. Contextos de aprendizaje……………………………………………………………...18
2.4. Práctica coral ………………………………………………………………………… 21
2.5. Relación con el cuerpo ………………………………………………………………. 27
2.6. Método Kodály en Colombia ………………………………………………............... 28
2.7. Interpretaciones de músicas tradicionales y latinoamericanas……………………….. 31
3. Estado del arte…………………………………………………………………………… 34
4. Objetivos………………………………………………………………………………….. 46
4.1. Objetivo general……………………………………………………………………… 46
4.2. Objetivos específicos…………………………………………………………………. 46

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5. Metodología………………………………………………………………………………. 47
6. Resultados y análisis……………………………………………………………………... 50
6.1. Propuesta pedagógica………………………………………………………………… 50
6.1.1. Elaboración del tag …………………………………………………………… 50
6.1.2. Estrategias pedagógicas……………………………………………………….. 88
6.2. Impacto ………………………………………………………………………………. 109
7. Conclusiones …………………………………………………………………………….. 118
8. Anexos…………………………………………………………………………………….. 121
8.1. Planeación de ensayos ……………………………………………………………….. 121
8.2. Bitácoras……………………………………………………………………………… 152
8.3. Entrevistas …………………………………………………………………………… 275
8.4. Formatos de autoevaluación y seguimiento del proceso……………………………... 287
8.5 Tags……………………………………………………………………………………. 330
8.6 Partituras ……………………………………………………………………………… 347
9. Bibliografía……………………………………………………………………………….. 375
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Introducción
La voz de cada persona es única e irrepetible. Tengo certeza que cada vez que la usamos
estamos dejando una huella en los oídos de las demás personas, nos estamos dejando conocer, y
por ende, dejamos que nuestras ideas se manifiesten y se comuniquen por medio del tono tan
peculiar que cada uno de nosotros tiene. Considero que al ser la voz un medio que comunica
ideas, pensamientos y sentimientos, puede llegar a ser fuerte o débil, firme o quebradiza, ligera o
pesada; teniendo en cuenta que ninguno de los estados o emociones que describen estas palabras
son positivas o negativas, simplemente se manifiestan en diferentes momentos, eventos o
circunstancias en la experiencia personal de cada ser.
Una de las acciones que considero más genuinas del ser humano es el cantar. Esta acción no
requiere de una aprobación; basta con querer entonar una canción con la que nos sintamos vivos,
sin importar el género, la emoción o la dificultad, el querer cantarla nos hace estar dentro de una
experiencia de expresión auténtica. Además, siento que es con el tiempo que aparecen limitantes
imaginarios, los cuales hacen que inconscientemente estemos juzgando y comparando nuestra
voz con la de los demás; esto lo he podido confirmar al compartir con mis compañeros de
estudio, en las clases y con mis familiares, quienes en algún momento me dieron sus opiniones al
respecto. Desde mi punto de vista, la voz y el cantar van de la mano, sin importar la edad,
siempre hay oportunidad para aprender a amar y conocer más acerca de este instrumento que nos
acompaña desde el primer aliento, y nos acompañará hasta el último.
Teniendo clara mi percepción frente a la voz y al canto, este proyecto también ha sido
inspirado en la mujer que me dio la vida: mi mamá. Con el paso del tiempo me doy cuenta como
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su voz me ha llenado el alma, una voz que ha pasado por muchas experiencias y que a pesar de
todo siempre está ahí para enseñarme otras maneras de ver la vida. Lo que más disfruto son los
momentos en que su voz se junta con la mía y empezamos a tener un intercambio de palabras
que han permitido que las dos desarrollemos nuestra propia voz. Ha sido un crecimiento
constante, ya que, es ella quien me ha apoyado e impulsado a que mi voz salga y a expresar las
cosas que tengo por decir desde el amor. No solo eso, sino también, fue aquella mujer que todas
las noches antes de dormir me cantaba porque era lo único que me traía paz; de ahí que empezara
a tener un interés y gozo cuando la escuchaba cantar y quería imitarla.
Su interés en mi camino ha sido particular, puesto que desde hace un tiempo empezamos a
tener el deseo de cantar las dos, o ella me decía que le enseñara a cantar o que quería ser parte de
un coro. De vez en cuando le daba algunos consejos, pero estaba “muy ocupada” como para
tomarme un tiempo y explicarle las cosas que ella quería aprender. Después de un tiempo, que en
realidad fueron dos o tres años, me di cuenta de que en algún momento yo tuve los mismos
deseos que mi mamá, es decir, había estado en la posición de querer aprender más sobre mi voz,
pero no encontraba a alguien que se tomara el tiempo para que me enseñara y me hiciera sentir
segura de mi voz. De ahí que me diera cuenta de que precisamente mi camino está dirigido a la
enseñanza, no solo de músicos, no solo de un contexto que tengo que ir a buscar, sino de uno que
involucra a las personas que están en mi cotidianidad. En otras palabras, me he estado
preparando para encontrar herramientas que permitan que las personas den los primeros pasos
para re-conocer su voz, y con esto en mente es que he puesto en práctica los conocimientos
adquiridos durante estos años de estudio; conocimientos que siento que mi mamá puso en
práctica conmigo cuando era pequeña desde su sabiduría materna. Así fue entonces como del
amor y la pasión por lo que sé que se siente cantar, nació la idea de formar un coro femenino en
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donde las mamás también estuvieran involucradas y tuvieran el deseo de cantar, sin importar el
nivel de formación musical. Si bien es cierto que se trabajan transversalmente otras dimensiones
del ser humano a la hora de estar en un entorno musical como lo es el coro, es la alegría de hacer
música lo que impulsa a que las personas conozcan sus voces en diferentes melodías, ritmos y
armonías. Cabe mencionar que este texto va dirigido a un coro que quiera iniciar el trabajo en
una de las obras colombianas aquí presentadas, y aunque el coro en el que se basa el proyecto es
un coro de iniciación, es posible utilizar esta herramienta en diferentes coros o ensambles que
tienen otros niveles, incluyendo el de iniciación coral.
Con respecto al tema de la formación musical, es de resaltar que dentro de este ámbito hay
un trabajo coral que empieza a alimentar conocimientos musicales, todo en pro del disfrute
musical. Es por esto por lo que los diferentes momentos dentro de un ensayo, a mi parecer, son
determinantes en cada etapa del proceso por el que atraviesa el coro con relación a una pieza, es
decir, no sólo el principio del ensayo es el más importante, es el saber empezar lo que permite
que el coro inicie el reconocimiento de una obra, sin necesidad de recurrir como primera
instancia a la partitura. Por esta razón, es el espacio del calentamiento el que va a permitir que
antes de abarcar una obra, haya una exploración e inmersión previa de la obra en general a nivel
melódico, rítmico y armónico. Vale la pena aclarar que para el presente trabajo se hace
referencia al calentamiento como el momento de preparación de la voz para abarcar un contenido
específico dentro de la obra, nuevamente, es el saber empezar antes de la obra, sin importar el
momento del ensayo en el que ocurra.
Partiendo desde mi experiencia en dirección coral y en pedagogía musical, es posible que
haya un acercamiento a cualquier tipo de música de manera orgánica, amable y que garantice un
aprendizaje significativo. Lo más importante, en lo que a mi concierne, es

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que independientemente del nivel de dificultad de la música, el director o educador, debería estar
en la capacidad de encontrar herramientas y crear metodologías para que en el proceso inicial de
un coro no haya una sola manera de enseñar la obra, es decir, que el único recurso no sea
siempre la partitura, al contrario, que de ahí se desprendan los materiales con los que se puede
trabajar. Es por esto por lo que este trabajo da a conocer una propuesta que funciona como
herramienta para presentar obras específicas, la cual posiblemente se puede implementar en otros
repertorios. Para aclarar, para el presente trabajo, se entiende el proceso inicial como un periodo
que va desde el primer momento en que el coro se reúne y se dan a conocer las obras, hasta
cuando ya se ha hecho una lectura completa del repertorio, es decir, el periodo en donde se hace
mayor uso de la herramienta pedagógica a presentar, la cual sienta las bases y los fundamentos
para iniciar un trabajo coral que apunta a la introducción de un material musical. En pocas
palabras se trata de utilizar los recursos pedagógicos para que la experiencia coral sea valiosa y
llegue al propósito musical que me interesa: el disfrute de cantar melodías y letras, en este caso,
colombianas. Quiero mencionar que fue con el pasar del tiempo y todas las experiencias vividas
en la carrera de Estudios Musicales, que este interés por la música colombiana fue cada vez más
intenso, tanto así que me di cuenta de que estaba emprendiendo la búsqueda de mis raíces.
Ahora bien, hubo un hecho en específico que también influyó en el desarrollo de la
propuesta pedagógica que presento en este trabajo. En el 2017, tuve la oportunidad de asistir a
Harmony University, un programa de música de una semana intensiva, y conocer Barbershop
Harmony Society en Nashville. Barbershop es una asociación que se origina en Londres y que
luego llegó a América del Norte. Su repertorio es tradicional; sus sonoridades vienen de las
músicas que caracterizan a Norteamérica, como lo son los negro spirituals, en donde la armonía
es la base de la sonoridad particular que tienen estas músicas. Lo interesante de esta asociación
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es que pocos de los asociados son músicos; la mayoría son aficionados, unos aficionados muy
profesionales, me atrevería a decir, los cuales no tienen estudios en música, simplemente cantan
desde hace mucho y esa es su mayor fuente de conocimiento. Hay que mencionar también, que la
mayoría son adultos y se dedicaron a otras disciplinas mientras seguían yendo a coros y
encontrándose en cuartetos para reunirse a cantar. Volví a ir en el año 2018, y en estas dos
experiencias pude hablar y compartir con las personas que hacen parte activa de esta asociación,
y llegué a la conclusión de dos cosas que fueron las que más me marcaron.
La primera, es que nunca es tarde para aprender a cantar y que todo el mundo puede hacerlo.
Estas personas que tienen mucha más experiencia que yo, me decían que la clave era escuchar y
dejarse llevar; como eran melodías con las que no me relacionaba, al principio se me dificultaba
un poco, sin embargo, de los ocho días que duraba el programa de Harmony University, en el
tercer día ya era capaz incluso de armonizar en tiempo real, claro, con muchos errores, pero no
tenía miedo de intentarlo. Todos nos dejábamos llevar, incluso el cometer un error nos llevaba
luego a acertar en la siguiente nota, me permití escuchar e ir avanzando en el camino, así fue
como aprendí. Lo segundo que me marcó, es que, a pesar de que una canción parezca difícil,
siempre va a ser mejor aprenderla en coro, y, por otro lado, el director o el educador es quien
establece los caminos para llegar a facilitar su entendimiento. Era increíble como estas personas
que no tenían, y a muchos de ellos no les importaba, el conocimiento teórico-musical, se dejaban
llevar por lo que estaban escuchando a su alrededor, es decir, trataban de seguir una armonía y
ser parte de ella, creían en las demás personas que cantaban a su lado. “Mantén al mundo
cantando” (Keep the world singing) es una de las frases más representativas de Barbershop, y es
su principal motivación; luego se convirtió en la mía, en mantenerla viva en mi, en mi país y en
el contexto que me rodea.

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De esta manera sentí la motivación de dar a conocer nuestra música tradicional, ya que
cuando ellos me decían que les enseñara algo de mi música, pude darme cuenta de que me
encontraba cada vez más ajena al contexto musical tradicional y no reconocía las canciones que
son inspiradas en el país que me vio nacer. El amor que evidencié cuando los asistentes a la
semana de Harmony University en Nashville cantaban, me hizo tocar fondo y seguir en la
búsqueda de mis raíces. Al querer unir este espíritu barbershop con las músicas mi país, me basé
en la primera forma en la que aprendí a cantar una melodía barbershop: por medio del tag. El tag,
es un fragmento corto que está dividido en cuatro voces y cada voz cumple con un rol: ya sea el
de la melodía principal, la melodía secundaria o el acompañamiento armónico. Puedo sostener
que su principal función es transmitir su música tradicional, y esto a su vez genera la reunión de
un grupo de personas, en las que cada uno se aprende una melodía y empiezan a armonizar, es
decir, disfrutar de cantar en armonía con los demás. Y como función secundaria, me atrevo a
plantear, que es el generar posibles escenarios musicales que se encuentran en canciones
completas dentro del repertorio barbershop, todo por medio del aprendizaje de tags.
Hasta este punto, se plantean dos criterios en los que se basa el proyecto. El primero es la
elección del formato de trabajo coral que es un coro femenino, en donde no hay un nivel de
conocimiento musical específico requerido; trabajo inspirado por la mujer más importante de mi
vida que es mi mamá. Y como segunda instancia se encuentra el interés propio por la música
colombiana, que también fue impulsado por la experiencia en Harmony University en
Nashville. Finalmente, y considerando lo mencionado de abarcar el repertorio colombiano y la
herramienta del tag en la que se basa el proyecto, decido escoger de cada región del país un
repertorio coral para voces femeninas, y de estas obras, se eligen cuatro que cumplen con ciertas
características melódicas, rítmicas o armónicas que tienen cierta dificultad, esto con el fin de
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demostrar que la utilización de la herramienta permite una relación más natural con la música,
sin importar el nivel de desarrollo o destreza musical que tenga la persona. Como resultado, la
región caribe, andina, de los llanos y del pacífico, tienen sus respectivos tags, mientras que la
región del amazonas al tener un repertorio encontrado de fácil memorización, decido no
implementarla en el tag.
Para concluir y poder compartirles el proceso y los resultados obtenidos, quiero comunicar
un pensamiento muy fuerte que hizo que no dudara tomar el camino de la implementación de una
herramienta de enseñanza dirigido a la música colombiana, como mi proyecto de graduación.
Cuando mencioné la oportunidad que tuve al conocer y vivenciar lo que es Barbershop, me di
cuenta de que estaba, y soy muy orgullosa de ser colombiana, pero a la vez como músico estaba
desconociendo el bagaje musical que tiene mi país. El querer dejar huella en lo que hagamos es
importante y es por eso por lo que decidí implementar metodologías dirigidas a un repertorio
específico para que un educador o pedagogo que quiera enseñar un repertorio colombiano tuviera
una herramienta pedagógica para presentar una obra; y por otro lado, me gustaría dejar a la
expectativa las posibilidades de la herramienta, es decir que se tenga en cuenta un tag para
acompañar procesos de iniciación musical; apropiación de música la colombiana; e incentivar a
la creación de los mismos dependiendo del contexto en el que cada educador se vea involucrado,
todo esto a partir del canto.

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1. Planteamiento del problema y justificación
1.1 Pregunta
¿Qué tipo de estrategias metodológicas permiten utilizar el tag como herramienta
pedagógica para la introducción de una obra coral de música colombiana en un coro femenino
bogotano conformado por adolescentes, jóvenes y adultos?
1.2 Justificación
Un factor determinante en el trabajo coral es la manera en que se inicia, es por esto por lo que
el saber empezar, está lleno de múltiples posibilidades que van a depender del contexto y las
personas con las que se empieza el quehacer en el ámbito coral y educativo. Resulta necesario
tener en cuenta que el músico no siempre se va a estar relacionando con otros músicos, al
contrario, me parece que uno de los objetivos del músico es que la música puede ser disfrutada
por todos y que existan medios que fortalezcan el vínculo entre la música y la persona. Con lo
anterior, me refiero a que la mayoría de las veces el trabajo de campo se hace con personas que
no tiene ningún conocimiento musical, pero que disfrutan de cantar y muchas veces no quieren
pertenecer a un grupo vocal porque no “tienen los suficientes conocimientos” para leer música o
para cantar. Es por esto por lo que es importante tener diferentes herramientas que establezcan
una buena relación entre la partitura y la música. Si bien es cierto que es posible hacer música sin
partitura, es importante reconocer el valor de lo escrito y lo compuesto, ya que también es otra
manera de que la música pueda ser conocida y leída en otros espacios y contextos.
La cultura marca en cada individuo experiencias y emociones que hacen que la persona o el
grupo de personas, se identifique con las características o tradiciones propias del entorno en el
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que han crecido. Está claro que el sujeto se puede expresar desde lo individual, y desde lo que él
mismo adopta de la sociedad, también conocido como habitus, en donde el conocimiento propio
requiere darse cuenta de la interiorización inevitable que hay por parte de la comunidad con la
que se crea un vínculo constante. Es por lo anterior que tuve la motivación de incluir la música
colombiana como inspiración para poner a prueba una herramienta pedagógica que permitiera
hacer música sin necesidad de que las personas estén relacionadas con el lenguaje musical de la
partitura y que a su vez las conectara con la tradición musical del país.
La implementación de fragmentos cortos, llamados “tags”, se consolidan a partir del análisis
de obras del repertorio colombiano y de un contexto cultural que es importante tener en cuenta,
en donde no hay conocimiento de lectura de la partitura ni se conoce a profundidad el repertorio.
El tag es un corto ejercicio vocal (1 a 4 frases como máximo), el cual se armoniza a 3 voces,
cada voz cumple con una función, ya sea como voz principal o como acompañamiento rítmico,
melódico o armónico. Su aplicación comprende conceptos musicales que nacen a partir de la
práctica y la escucha, y que facilitan la relación con la partitura y otros elementos musicales para
el montaje de las obras. Por otra parte, también pueden ser una guía para otros procesos dentro
de la educación musical, en donde en etapas de iniciación musical en niños, por ejemplo, no se
necesita hacer un repertorio específico, sino que el aprendizaje de cortas melodías sirve para ir
profundizando conceptos musicales, por medio del juego y/o actividades que generen disfrute, y
a su vez, apropiándose y conociendo ritmos y melodías colombianas. Dentro de su aplicación
con el coro Raíces, estos fragmentos apuntan a necesidades educativas corales específicas con el
fin de esclarecer términos musicales que se traducen en el disfrute de la experiencia musical. La
constante revisión de esta herramienta pedagógica permite que se encuentre una o diferentes
maneras de introducir obras específicas del repertorio colombiano para su apropiación y

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promulgación, y, por otro lado, que el lenguaje musical tenga un acercamiento amable; tanto
para las personas que no han realizado estudios musicales, como las que sí, manteniendo en el
eje principal el proceso de disfrute y aprendizaje de cortas melodías.
2. Marco Teórico
2.1 Funcionamiento del tag
El primer concepto al que se hará referencia será entender el funcionamiento de los “tags”
en su contexto original, es decir, en el estilo Barbershop. Este estilo tiene sus inicios en
Inglaterra, sin embargo, llega a América del Norte en el siglo XIX influenciada por la música de
los Negro Spirituals y los hombres que improvisaban en los bares, salones y barberías.
Aunque la música barbershop no ha disfrutado de demasiada atención a nivel académico, su impacto
en la música vocal en general y en subsecuentes grupos ha sido enorme. Muchos y muy importantes
músicos negros como Louis Armstrong, W. C. Handy y Jelly Roll Morton declararon haber tenido
sus primeras experiencias musicales en cuartetos barbershop. Grupos que figurarían
prominentemente en el Jazz y el Góspel comenzaron como cuartetos barbershop o declararon tener
influencias en el barbershop. (Enrique, 2010)
En América del Norte el estilo Barbershop tiene características teóricas y prácticas
específicas, y son los adultos mayores quienes principalmente a lo largo de los años se han
encargado de transmitir e influenciar lo que es Barbershop. La Asociación Barbershop, ya se
encuentra en varios países y su principal objetivo es “mantener al mundo cantando” (Keep the
world singing). La motivación que produce se obtiene a partir de las experiencias que brinda la
voz cantada, que considero, es un poderoso instrumento que nos acompaña a todos. El formato
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que utiliza el barbershop principalmente es el cuarteto, esto ha llegado hasta los coros, y aunque
al principio era solo para hombres, con el cambio de ideas y pensamientos, las mujeres ahora
tienen un lugar en este estilo, incluso, hay cuartetos en donde se mezclan voces masculinas y
femeninas. Estos son algunos de los cambios que ha tenido esta comunidad desde su instauración
en Estados Unidos, sin embargo, lo que siempre se ha mantenido es la unión por cantar sin
importar la educación o conocimiento profesional sobre la voz, es decir, a quien le guste cantar
tiene todo el derecho de cantar en armonía; es el grupo quien, por medio de la práctica, enseña
cómo funciona la voz y cómo hacer para llegar a conocer y disfrutar de su instrumento. También
se puede llegar a un nivel de interpretación profesional barbershop, sin necesariamente ser este
un fin para todos.
El primer acercamiento a las armonías que maneja el estilo barbershop se hace por medio
del tag. El tag es una melodía que está armonizada a cuatro voces; como alguna vez lo definió un
profesor en Nashville, consta de una melodía principal y las demás son el “colchón armónico”.
Su manera de enseñar se ha acomodado a las necesidades de los interesados en este estilo, por
ejemplo, para alguien que entienda el lenguaje musical escrito, sería leer el tag en una partitura;
utilizar los dedos para mostrar los grados de la escala, para alguien que es más visual; cantar la
melodía e ir haciendo gestos con la mano, como dibujando la melodía, para alguien que
solamente pueda repetir melodías sin necesidad de conocer patrones o símbolos. Debido a que
son melodías cortas, también varía el nivel de estas; hay complejidad melódica, rítmica o
armónica dependiendo del nivel de relación con este estilo de música. Por otro lado, esto también
permite que sea fácil sentirse en armonía, ya que basta con aprender su propia línea melódica y
empezar a cantar.
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La práctica permite que haya un desarrollo de habilidades musicales de manera espontánea y
que no sea forzosa, es por esto por lo que hay un disfrute que se puede evidenciar en la manera
en que cantan y se expresan los cantantes de este estilo haciendo solamente “tags”.
Pedagógicamente estas son melodías y armonías que permiten que cada persona se apropie del
estilo y que cada vez sienta que va avanzando a medida que canta y se aprende más tags. Cuando
se canta una canción completa en el estilo barbershop, es posible reconocer secciones que se
hacen en los tags, por esta razón no resultan desconocidos ciertos fragmentos y es posible ya
tener una familiaridad con la obra; no existe el miedo de no poder hacer un fragmento, porque a
pesar de que requiera cierto nivel, es posible alcanzarlo con los ejercicios o tags que se
relacionen directamente con estos aspectos.
2.2 Aprendizaje significativo
Para empezar el trabajo musical con un coro, es necesario primero entender que se va a
llevar a cabo una experiencia humana, por esto, la labor educativa va a tener muchos
componentes. Es necesario garantizar que las herramientas educativas que se ponen a disposición
tienen en cuenta a cada uno de los individuos y al colectivo con el que se llevará a cabo la
enseñanza.
El aprendizaje del alumno depende de la estructura cognitiva previa que se relaciona con la nueva
información, debe entenderse por “estructura cognitiva”, al conjunto de conceptos, ideas que un
individuo posee en un determinado campo del conocimiento, así como su organización. (Ausubel,
1983, p.1)
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Con lo anterior, Ausubel hace referencia a la importancia de entender la estructura cognitiva
de las personas durante el proceso de enseñanza, debido a que todos ya poseemos una
experiencia previa, en este caso musical. Esta experiencia es la que nos ha permitido tener y
entender determinados conceptos o habilidades, y el educador parte de esto para saber cuáles
serían esos saberes que aún son desconocidos y cuales hay que afianzar un poco más. Este
diagnóstico es posible hacerlo por medio de actividades y/o momentos que permitan que el
individuo se exprese y se pueda poner en evidencia para el educador, en otras palabras, mostrar
los saberes (previos) que él ya posee, y de esta manera será posible el diseño de una o más
herramientas para el objetivo pedagógico que se quiera lograr.
Permitirá una mejor orientación de la labor educativa, como ya no se verá como una labor que deba
desarrollarse con “mentes en blanco” o que el aprendizaje de los alumnos comience de “cero”, pues
no es así, sino que, los educandos tienen una serie de experiencias y conocimientos que afectan su
aprendizaje y pueden ser aprovechados para su beneficio. (Ausubel, 1983, p.1)
Es de suma importancia que la actividad de enseñar nunca parta de “cero”, como lo
menciona Ausubel, al contrario, se logran mejores resultados cuando el profesor puede
identificar cuáles son los aspectos que son necesarios para un objetivo específico, en caso de que
lo haya, para poner a trabajar su creatividad y conocimiento en pro de una experiencia que
realmente signifique algo tanto para el estudiante como para el maestro. Samper (2010), por su
parte, denomina este bagaje personal como un territorio musical, que tiene que ver con lo que el
alumno, en este caso, un corista, ya tiene como experiencia, para que se puedan replantear
procesos o nuevas estrategias pedagógicas dentro de una práctica musical.

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Volviendo al “Aprendizaje significativo” de Ausubel, esta concepción está también marcada
por unas pautas para el desarrollo de los contenidos, en este caso, musicales. Se dice que un
aprendizaje es significativo cuando los contenidos:
Son relacionados de modo no arbitrario y sustancial (no al pie de la letra) con lo que el alumno ya
sabe. Por relación sustancial y no arbitraria se debe entender que las ideas se relacionan con algún
aspecto existente específicamente relevante de la estructura cognoscitiva del alumno, como una
imagen, un símbolo ya significativo, un concepto o una proposición. (Ausubel, 1983, p.18)
La idea es generar y crear conexiones entre lo que la persona ya sabe y los contenidos que va
a aprender, es por esto que esta teoría se caracteriza por la interacción y conexión que se va
estableciendo a lo largo del proceso de enseñanza y aprendizaje. También hay que tener en
cuenta que no todas las personas van a llegar de la misma manera a hacer estas relaciones, y que
ésta, también depende del método de enseñanza y la apropiación de los conceptos o definiciones.
Es relevante indicar que Carretero menciona el aporte de Ausubel para hacer referenciar al
constructivismo, el cuál es la idea de que el conocimiento se construye, no se transmite. Es una
construcción que se realiza en la cotidianidad de la persona y que, en contextos específicos “el
ser humano no actúa sobre la realidad directamente, sino que lo hace por medio de los esquemas
que posee. Por tanto, su representación del mundo dependerá de dichos esquemas” (Carretero,
1997, p. 3). La herramienta pedagógica funciona entonces como un espacio de experiencia en el
que cada persona puede ir armando y explorando sonidos, características musicales, términos
etc., antes de llegar a un contexto específico ya establecido, que, en este caso, sería la partitura.
La función de un educador sería entonces la de facilitar los materiales para que dependiendo de
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lo que ya sabe, cada persona pueda hacer relaciones y logre definir o interiorizar los conceptos
por sí mismo.
Considero que el tag contribuye a generar aprendizajes significativos por su componente
auditivo, lo que permite tener libre el cuerpo para el movimiento y tener una escucha activa para
reproducir las melodías. Por otro lado, el contexto de comunidad en el que se desarrolla el mismo
da paso a un proceso personal que tiene un apoyo grupal, además, la metodología que se tiene
para cada uno de los tags posibilita la interiorización de saberes musicales necesarios para
abordar una pieza musical, y la creación colectiva de nuevas maneras de entender los mismos.
Esta metodología surge a partir de la práctica y reflexión constante que se hace del contexto en el
que se trabaja, por esta razón los aprendizajes que tienen las coristas parten de los conceptos o
saberes que ya tienen, permite la construcción de nuevos y tiene en cuenta los que hacen falta
desarrollar para una buena interpretación musical de la obra.
2.3 Contextos de aprendizaje
Es importante reconocer los diferentes contextos en los que se puede dar el aprendizaje. En
el ámbito educativo se distinguen tres diferentes contextos: formal, no formal e informal.
Empezando con la educación formal, es aquella que se da por medio de un proceso
institucionalizado y planeado, por ejemplo, los años de educación que consta de preescolar,
primera, bachillerato y estudios universitarios. Como lo menciona Belén (2014) “se entiende por
contexto formal a un sistema educativo altamente institucionalizado, cronológicamente graduado
y jerárquicamente estructurado que se extiende desde la Educación Inicial hasta la Educación
Superior” (p. 4). Por lo anterior, es posible hacer referenciar a un contexto en donde ya hay unas
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materias propuestas, con una serie de actividades a desarrollar y en donde se evalúa a cada una
de las personas para que pueda seguir dentro del proceso que la institución plantea. El ambiente
que tiene la educación formal está determinado por ciertas conductas, en donde las personas se
tienen que acoplar a las mismas.
La educación musical formal es la que se genera en escuelas e instituciones educativas legalmente
constituidas, (lugares estructurados y organizados), tiene como columna vertebral un currículo que es
propuesto por un maestro, se relaciona con el aprendizaje intencional y conocimiento explícito (el
estudiante debe demostrar y verbalizar conocimientos y habilidades adquiridas) y ofrece acreditación
con reconocimiento de formación formal (Mack, 2006).
Por otro lado, se encuentra la educación no formal, la cuál es una sistematización de
propuestas en donde hay una intencionalidad por parte del alumno, es lo que Belén llama
“propuestas organizadas de educación extraescolar”. También hay un objetivo que hace que se
diferencie del contexto formal:
Asimismo, la educación no formal se distingue por su carácter final, en el sentido de no dar salida a
niveles o grados educativos, sino más bien al entorno social y productivo, así como por su potencial
de flexibilidad y funcionalidad respecto de los programas y métodos (Smitter, 2006).
El contexto en el que se da la presente investigación hacer parte de un contexto no formal debido
a que:
Se basa en un plan de estudios creado a partir de las necesidades propias del contexto de los
estudiantes el cual es flexible y no lineal, es orientado por un mentor que apoya a los estudiantes
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durante el proceso formativo, y es él, quien genera espacios de autoevaluación y coevaluación de los
saberes y habilidades adquiridos. (Mack, 2006)
Con respecto a lo anterior cabe resaltar, que en ningún momento se está evaluando al
individuo, sino que hay espacios para la reflexión del proceso y para poner en palabras lo que se
ha hecho hasta el momento y como se siente cada persona. Considero que este contexto permite
crear una atmósfera de aprendizaje en equilibrio, la cual tiene un seguimiento de las destrezas
que las personas han podido desarrollar y reforzar a lo largo del proceso de aprendizaje; el cual
se basa en desarrollar las habilidades musicales de cada una de las personas a partir del canto en
comunidad.
Finalmente, la educación informal se puede entender como “un proceso que dura toda la
vida y en el que las personas adquieren y acumulan conocimientos, habilidades y actitudes
mediante las experiencias cotidianas y su relación con el medio ambiente” (Belén, 2014). Lo
anterior se refiere a un contexto en donde no se está evaluando al sujeto, ni tampoco hay una
estructura a seguir en cuanto a objetivos o didácticas determinadas.
Se genera a partir de la interacción con la familia, amigos o colegas, este aprendizaje es voluntario,
autodeterminante, autorregulado y exploratorio, depende mucho de la motivación intrínseca del
estudiante, está muy influenciado por el contexto social en el que se genera y hay surgimiento del
aprendizaje colectivo y cooperativo entre compañeros que comparten los mismos intereses y valores
(Mack, 2006)
Este aprendizaje tiene en cuenta un contexto que no es forzado y en el que hay presencia de
lo comunitario. Puede estar también ligado a experiencias del día a día, y, por consiguiente, no se
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obtiene alguna certificación o calificación; todo el aprendizaje y las enseñanzas que surgen en el
momento, tanto de índole musical como emocional; social; personal etc., empiezan a ser parte de
la experiencia de cada una de las personas y es la huella que dejará el proceso musical en cada
una de las personas.
2.4 Práctica coral
Smith y Staloff (2006) mencionan que, en el ámbito coral, la mayoría de las personas que
cantan son personas que no estudian necesariamente música, y que han aprendido
empíricamente. Así mismo, comentan que el ejercicio de cantar también es terapéutico y que
muchas personas se nutren de esta práctica, ya que está cargada se profundos significados para
cada uno de los individuos que conforman un coro:
El cantante aficionado, devoto con ardor anónimo, puede ser el cantante más sabio de todos. El
cantante aficionado tiende a amar cantar incondicionalmente, teniendo pocas expectativas exaltadas
o ambiciones infladas. No es por casualidad que los músicos no entrenados se definen por palabras
como aficionados o voluntarios, palabras firmemente basadas en el amor y el compromiso. (Smith y
Staloff, 2006)
La práctica coral favorece un espacio de encuentro colectivo, sin embargo, para llegar a lo
colectivo, primero se enfoca en el individuo, sin que él lo perciba inmediatamente. Considero
que un coro, es espacio amable en el que cada persona va descubriendo todo su potencial a partir
de un proceso que las demás personas también favorecen; un coro nunca va a implicar la
interpretación de una sola persona, siempre está enfocado a la comunidad que se crea. Esta
creación está a su vez determinada por las mismas personas que deciden hacer parte de él
teniendo en cuenta que es su voluntad estar ahí. Siguiendo la idea de que la práctica coral
22
primero se centra en el individuo, es importante igualmente estar al tanto de que el colectivo va a
ser partícipe del desarrollo individual de cada persona, por esta razón, la preparación y los temas
a tratar en cada ensayo siempre van apuntando hacia un objetivo específico, el cual no
necesariamente es dirigido hacia el entendimiento teórico-musical.
Figura 1: Coro Femenino Raíces en su primer concierto.
Al tener en cuenta esto, ya es posible centrarse en una parte de desarrollo más musical, por
lo cual, para que el coro empiece a relacionarse con la música, es necesario que haya un
facilitador que también pueda mostrar visualmente lo que ocurre con la música. Para un coro que
esté tanto en iniciación coral como en un nivel más avanzado, va a ser necesario que el lenguaje
visual sea claro, por esta razón, los gestos de dirección del director darán a conocer las
indicaciones musicales para interpretar y exponer el mensaje de una obra. Además, el
realizar dinámicas con los gestos, no solo al dirigir una pieza musical, sino en calentamientos,
ejercicios, actividades etc., también permite conectarse con las personas que están dejándose
guiar.
23
Dentro de los objetivos que se plantean para la realización de un material pedagógico dentro
del ámbito coral, se tomó en cuenta que también significara hacer música, vivirla. Small habla en
una charla sobre la experiencia de hacer música como un ritual en el espacio social, y la designa
con el nombre Musicar. Después de mencionar toda su trayectoria, tanto de vida como musical,
menciona su interés por el significado que tiene la música, llegando a la conclusión de que “la
música no es sino acción, entonces la palabra “música” no deber ser sustantivo sino verbo. El
verbo “musicar”.” (Small, 1999, p. 5). Comparto su opinión cuando también se refiere a:
“expresar la idea de tomar parte en una actuación musical”. Toda esta acción de “actuación
musical”, desde mi punto de vista, incluye los diferentes énfasis que una persona puede tomar
dentro de la música, incluso, no hay necesidad de escoger un camino, se pueden experimentar
varios: la composición; interpretación; el escuchar obras; bailar; creación de material musical,
entre otros. Lo anterior, resulta pertinente para la investigación, ya que cada momento de hacer o
aprender música tiene que ser un “musicar”, en donde sin importar el nivel de interiorización o
habilidad en un instrumento (voz) es posible disfrutar y establecer relaciones mientras se está en
un concierto o actividad musical, lo que Small designa como un ritual. Los movimientos internos
que una persona puede llegar a tener durante este ritual no resultan fáciles de mencionar, ya que
son sensaciones y percepciones personales, sin embargo, es posible notar a nivel general que se
trata de emociones de gozo que el canto, el baile, la dirección etc., pueden generar tanto con
nosotros mismos como con el entorno, las personas, la vida, y por esta razón queremos seguir
“musicando”.
Hasta este momento, el rol del director juega un papel de intermediario entre el compositor y
el coro, y como lo mencionan Decker y Colleen (1995), también el coro cumple la función de
24
darle significado a lo que están interpretando, partiendo del conocimiento del contexto de la
obra, creando también percepciones propias de la obra:
Figura 2: Gráfico en el que se muestra la comunicación entre el compositor, el director, los coristas y la audiencia.
Para facilitar la comunicación, los gestos del director deben ser claros y libres de movimientos
extraños que confunden a los cantantes. El control del gesto debe ser dominado; los gestos que
distraen la atención de los oyentes son inapropiados. La función del director es ayudar al coro en la
actuación como un conjunto para que el público pueda concentrarse en la música (Decker y Colleen,
1995, p. 3)
Como menciona Whitten (1988), el desarrollo musical que se lleva a cabo en estos contextos
es un proceso que requiere tiempo, a medida que el coro va conociendo más repertorio, se va
familiarizando con diferentes géneros y maneras en que la música puede ser ejecutada:
Desarrollar la comprensión musical y fomentar el logro de la pulidez y la delicadeza en los cantantes
jóvenes es un proceso lento. Debe haber un crecimiento hacia la detección de los efectos de la
estructura y el estilo en la delineación de las intenciones de los compositores. Se debe enseñar la

25
conciencia sobre la ejecución de los deseos de los compositores frente a la interpretación de acuerdo
con los gustos y aversiones informados de los artistas intérpretes o ejecutantes. Y los cantantes
estudiantes deben aprender el valor de la comunicación sin afectación ni distorsión, lo que incluye
conocer los grados de proyección adecuados inherentes al estilo y significado de la música: saber
cuándo cantar dentro del conjunto y cuándo cantar para o en una audiencia es una lección
tremendamente importante para aprender. (Whitten, 1988)
Finalmente, estar a cargo de una práctica coral requiere un nivel de compromiso, no solo con
los contenidos musicales, sino con la manera de abordar los mismos para que sea útil para los
participantes; que sea no solo un aporte en el desarrollo de habilidades musicales, sino también
en el desarrollo integral de las personas. El director está cuidando del otro por medio su
dirección, mostrándole un camino de orientación musical, el cual hace visible: los gestos son los
responsables de que el coro se sienta seguro al interpretar una obra musical y que se mantenga el
carácter de la música misma.
Profundizando el aspecto de la relación con los demás, y más en un espacio musical en
donde ocurren tantos movimientos, tanto internos como externos, es fundamental abarcar el
vínculo educativo que indudablemente se crea y existe después de tener, como en mi caso, más
de un semestre con un coro y compartir experiencias. La educación humanista puede que se haya
olvidado un poco; existen muchos contextos en donde se hace necesario recordar la humanidad
de las personas, sin embargo, en el proceso vivido con el coro femenino Raíces, es posible
destacar el humanismo pedagógico. En este sentido, recojo las principales características del
humanismo planteadas por la autora argentina Inés Stramiello quien comenta los rasgos del amor
pedagógico:
26
La afirmación de la dignidad humana, la preocupación central por los problemas específicamente
humanos, la importancia de saber conducirse en la vida y el juicio positivo con respecto al arte, la
cultura, el bienestar y de todo aquello que es considerado valioso para la existencia. (Stramiello,
2008, p. 98)
Las emociones son un componente importante dentro de una práctica musical, y como se ha
mencionado, es un lugar en el que nacen y se fortalecen las relaciones, se crea un vínculo
educativo que está fundamentado en el amor. Considero que siempre tiene que existir una
relación amorosa entre la enseñanza y el aprendizaje. Stramiello utiliza los términos griegos Eros
y Ágape, para significar dos manifestaciones del amor pedagógico. Ágape se relaciona con la
“dinámica de atracción y devolución del alumno en relación de un desarrollo sano de éste.” (p.
106). Lo que invita al educador a saber reaccionar frente a las diferentes situaciones, siendo
consciente de sí, para saber como reaccionar a ellas. Por otro lado, está Eros que es cuando se
exterioriza la alegría de hacer una labor y es la parte que involucra al individuo, o los individuos,
por esforzarse para alcanzar el fin; todo partiendo del amor con el que el educando se siente
confiado para avanzar en su proceso, y que requiere del cuidado y la atención del educador.
La acción educativa es fundamentalmente amorosa en tanto el deseo de aprender se nutre y
complementa con el deseo de enseñar, cuando el maestro desea y quiere el progreso de su discípulo,
se diferencia de la amistad porque no es un amor entre iguales, sino que promueve el desarrollo
porque no se cristaliza o inmoviliza en algo en particular. El amor pedagógico se manifiesta como
esfuerzo y tendencia hacia la perfectibilidad, es una acción positiva sobre la base de las capacidades
reales tanto del educador como del educando. (Stramiello, 2008, p. 109).
27
2.5 La relación con el cuerpo
Se tomó en cuenta el aspecto corporal para poder tener un desarrollo musical integral debido
a que el cuerpo también permite la interiorización de diferentes conceptos musicales. Arboleda
(1997) en un texto sobre la educación física en Colombia, plantea una idea básica pero pertinente
para el ámbito de la educación musical: “se hace al cuerpo partícipe del proceso de aprendizaje
en tanto que las percepciones son importantes para el conocimiento” (p. 84). Cada uno de los
procesos que tomaron lugar en la práctica coral estuvieron relacionados con el cuerpo. Es de
resaltar que la percepción corporal está relacionada con sonidos, ritmos y con la voz, y debe ser
modelada desde el mismo docente (o director):
Para dar una educación musical abierta, el profesor tiene que ser abierto. ¿Qué quiere decir esto?
Entre otros aspectos, significa que no conviene estar tenso. ¿Desde donde intervenir?, ¿Desde el
cuerpo o desde la música? Si el alumno, al tocar un instrumento, proyecta sus tensiones corporales,
el profesor no solamente lo señala sino participa activamente para que el estudiante supere esa
especie de corto circuito sonoro que se produce en el sonido y la comunicación. (Hemsy, 2018, p.
86).
La separación entre la voz y el cuerpo, pienso que no existe. No somos “o solo voz o solo
cuerpo”; de manera análoga, hago referencia a la concepción de mente y cuerpo. Somos un todo
y dentro de la práctica musical es posible cuidar y conocer ese “todo”; el encuentro con la
música permite que hagamos uso de nuestra integralidad, por ejemplo, el poder mover el cuerpo
para hacer un ritmo, bailar, jugar, hacer una coreografía etc. La concepción moderna, como lo
menciona Scharagrodsky (2013), ha impuesto el poder de la razón sobre los cuerpos de los
estudiantes, y diría que no solo en los contextos escolares, sino también en los cotidianos, como
28
las oficinas, por ejemplo; hay una regulación para los mismos y no hay momento en donde
puedan liberar tensiones de manera efectiva. Considero que la música es uno de los mejores
medios para romper con separación entre cuerpo-mente-emoción. Pero es necesario empezar por
buscar esa integralidad dentro de la experiencia musical misma. Me parece que necesitamos más
movimiento y percepción de nuestros propios cuerpos, es por esto por lo que la práctica coral
permitió ser un espacio para poder intervenir tanto desde la música, como desde el cuerpo, y así
relacionar la voz como parte de los cuerpos de las integrantes del coro.
2.6 Método Kodály en Colombia
En el texto El Método Kodály en Colombia, Alejandro Zuleta plantea enfoque pedagógico
con una filosofía que tiene como fundamento algunos principios clave. El primero de ellos hace
referencia a que la música es el centro del currículo, lo que se relaciona directamente con el
hecho de que lo primero en cada ensayo es cantar; no se trata de explicar una serie de términos y
conocimientos, sino que va directamente a la acción de cantar, en donde solo hay espacio para la
música y las enseñanzas que se desprenden de la misma, a nivel de pensamiento, sentimiento y
movimiento. Como segundo punto presenta la alfabetización musical, se considera que toda
persona tiene el “derecho de leer, escribir y pensar los sonidos musicales” (Zuleta, 2008, p. 16)
de esta manera se hace urgente la idea de una enseñanza musical para las personas en todos los
ámbitos educativos. En el tercer lugar menciona el cuerpo, y lo define como el mejor medio para
hacer música, por esto se sugiere tomar en cada ensayo un espacio de diez a veinte minutos para
hacer ejercicios de consciencia corporal, dentro de los cuales también se incluye el baile. Estos
ejercicios van de la mano con la voz, ya que, la voz es nuestro principal instrumento y para
29
interiorizar musicalmente el conocimiento, se hace necesario “primero el conocimiento propio y
natural del niño” (Zuleta, 2008, p. 16).
El siguiente punto que plantea Zuleta es que nunca es demasiado temprano para comenzar la
educación musical. Sucede que el hecho de relacionarse y aprender un nuevo lenguaje, como lo
es el musical, gramaticalmente hablando, hace creer a las personas que se necesita una edad
específica para que el individuo pueda entender una partitura o los conocimientos musicales.
Contrario a esto, la adaptación de la metodología Kodály en Colombia, plantea que “la educación
musical puede ser exitosa solamente si es comenzada a temprana edad” (Zuleta, 2008, p.16).
Otro tema que trata en su filosofía, y que es un aspecto por el que es muy conocido el método, es
el de trabajar la música tradicional. La adaptación funciona para el contexto colombiano debido a
que cada una de las canciones y obras que se encuentran en los tomos, recogen melodías que son
como la “lengua materna musical” de cada persona. Por otro lado, estas melodías, que se
encuentran en 2 tomos, están a favor del desarrollo coral, es decir, su función no es la de enseñar
las músicas tradicionales; aunque es una buena manera de conocerlas, se centra en utilizarlas y
hacer ciertas modificaciones para centrarse en los objetivos vocales y musicales dentro del
espacio coral. Con esta idea, el presente proyecto pretende enseñar y abarcar conocimientos
musicales a partir de estas músicas.
El último aspecto que se menciona en esta propuesta pedagógica es la importancia de incluir
“buena música” en los procesos, lo que invita a usar música de calidad, tanto tradicional como
compuesta. Esta fue una consideración para la elección del repertorio, de manera que la música
contara con ciertas características tradicionales dentro del formato coral, por ejemplo, se tuvo en
cuenta la cantidad de voces y el registro que cada una manejaba; las frases que requerían la
30
imitación de instrumentos tradicionales con las voces; la variedad de texturas de cada una de las
obras; algunas piezas que representaran un reto vocal y de desarrollo de destrezas musicales;
composiciones que permitieran una consciencia vocal debido a las articulaciones que
caracterizan los géneros a trabajar; la diversidad de melodías tradicionales y su armonización.
También se tuvieron en cuenta obras ya conocidas por algunas coristas, que tienen nuevos
materiales de acompañamiento rítmico y melódico, lo que implicaría profundizar en las
particularidades de estas.
Es así como esta filosofía ha influenciado el presente proyecto, y aunque se presentan
principalmente canciones para la etapa infantil y juvenil, es posible usarlas con edades más
adultas que también se pueden estar situación de cierta manera en los niveles propuestos dentro
de la metodología: Nivel de iniciación (7-8 años); nivel I y II (8-12 años) y nivel III (12 años en
adelante). Cabe mencionar que hay un orden para que se logren los propósitos de esta
adaptación, es por esto por lo que primero se plantea una secuencia pedagógica dependiendo del
desarrollo del niño; unas herramientas básicas: sílabas de solfeo rítmico, solfeo relativo y signos
manuales; material musical que puede ser abordado a manera de juego o de ronda.
La manera de abarcar el canto coral por medio del método Kodály en Colombia, es una
muestra práctica de como las músicas tradicionales permiten un acercamiento natural hacia los
materiales musicales, los cuales son pertinentes para que el individuo pueda tener una
experiencia coral y musical de calidad, con una acompañamiento que les permite llegar a los
objetivos generales del canto coral: “Cantar bien, al unísono y en partes; escuchar y ajustar el
canto al de las otras voces o al acompañamiento; interpretar una variedad de estilos; aprender
31
elementos de interpretación; desarrollar el oído interior; desarrollar la memoria musical;
desarrollar el sentido rítmico y desarrollar la técnica vocal” (Zuleta, 2008, p. 17).
2.7 Interpretación de las músicas tradicionales y folclóricas
Cada una de las músicas tradicionales colombianas tienen una historia que contar, con cada
melodía, armonía, ritmo y letra, es posible saber un poco más del sentir de cada una de las
regiones de Colombia. El hacer versiones corales de estás músicas, conlleva a la responsabilidad
de conocer el lugar en donde se producen estas músicas, reconocer que somos producto de una
colonización y también de una mezcla de muchas culturas que ocurrieron en nuestro continente.
Resulta importante mencionar a lo que se refiere el término de folclor, y una breve exposición de
los estudios que se han hecho junto con los principales aspectos para tener en cuenta y poder
tener un balance a nivel tímbrico y de sonido, entre el contexto en que se crea esta música y en el
que se interpreta. Se tendrá en cuenta primero la forma en que se escribe el término, ya que
usualmente se hace referencia a folklore, sin embargo:
El primer Congreso Nacional del Folclor Colombiano se reunió en abril de 1957. En esta reunión el
filólogo Luis Flórez propuso la adaptación de la palabra FOLCLOR, con C, y sin la E final, en vez
de FOLKLORE. (Ocampo, 2011, p. 32).
Existe un proceso de folclorización que solo es posible cuando se manifiesta de manera
colectiva, y hace referencia a la mentalidad de una determinada sociedad, es así como los
estudios que se presentan para encontrar la raíz de las músicas tradicionales recurren
directamente al pueblo. En Colombia es posible reconocer la historia de cada uno por las
narrativas de sus letras, y es que precisamente el folclor, según estudios, cumple con una
32
característica y es la de expresar sus emociones; dar a conocer su rutina; sus ideas; sus conflictos;
manifestar sus acuerdos y desacuerdos con la sociedad:
Aparece la manera como el folclor cumple su más importante función: el cuestionamiento de la
ideología más generalizada, que es la ideología estatal. Enfrentando concepciones como la de la
sumisión y la de la rebeldía, como la de la opresión y la de la libertad, como la de la propiedad
privada y la de la propiedad social y como tantas otras concepciones, es como el folclor (también
otras expresiones ideológicas) realiza su misión de interrogar al mundo, a su sociedad, a sus
instituciones e ideas. Es así como pone en cuestión todas las manifestaciones ideológicas en cada
estadio de nuestro pasado histórico. He ahí la misión crítica del folclor. De primordial importancia.
(Marulanda, 1973, p. III)
Dentro de este folclor, se llaman músicas tradicionales a aquellas que “se han transmitido de
generación en generación y permanecen como supervivencia del pasado, manifestando
continuidad y permanencia” (Ocampo, 2011, p. 37). Para la interpretación música nos puede
ayudar reconocer la historia detrás de cada una de estas músicas, tratar de atisbar como la viven y
la sienten las comunidades que les han dado origen, para que así se pueda seguir aportando a la
identidad cultural de un pueblo, en este caso, de un país, que siempre estará en tensión entre lo
pasado y lo moderno:
La identidad cultural de un pueblo se manifiesta en su creación cultural autóctona y vernácula; en su
autonomía ideológica y espiritual. Se manifiesta cuando se identifica con su propia obra; cuando las
gentes recalcan con orgullo: esto es nuestro. En la precisión de la identidad interviene con gran fuerza
cultural el folclor o saber popular de los pueblos. (Ocampo, 2011, p.72)
En Colombia es posible encontrar la influencia Indígena en la región Andina, instrumentos
como el capador y las chirimías; el elemento español lo encontramos “en los romances, mitos y
33
leyendas, en las coplas, refranes, proverbios; en las danzas folclóricas y en instrumentos
musicales como el tiple y la guitarra” (Ocampo, 2011, p. 47). La influencia africana entra desde
el siglo XVI y tiene una cultura que tiene expresiones particulares:
Las formas culturales negras, de auténtica reminiscencia africana, se manifiestan alegres y explosivas
como el mismo ardor de la raza y con un profundo fondo de tristeza que se patentiza en la música por
los sonidos y voces que en forma de queja, muestran la tragedia de una raza esclavizada por los
europeos en el laboreo de las minas y el trabajo en las haciendas y plantaciones. (Ocampo, 2011, p.
47).
Entender cada una de las regiones, es tener en cuenta que en Colombia existe la
transculturación, que significa el paso de creencias de una cultura a otra, en este caso, la sociedad
española trajo sus valores y en general su sistema de creencias. Esta transculturación le dio paso
a la aculturación, que fue el contacto entre las culturas española, indígena y negra. (Ocampo,
2011, p. 50). A pesar de la mezcla de estas culturas, los pueblos ya contaban con unas
costumbres y unas creencias, que, aunque se fueron modificando, sobrevivieron algunos
aspectos, como la manera de expresarse, su lenguaje, costumbres y la descripción de las
principales actividades. Teniendo en cuenta lo anterior, es posible abarcar una obra desde la
perspectiva de generar el reconocimiento de la tradición y poder determinar su sonido, sus
características musicales y su emoción al interpretarla. “Obtener esta familiaridad ayudará a los
intérpretes corales a comprender mejor y apreciar las prácticas musicales de una cultura musical
determinada” (Álvarez, 2014, p. 6)
Por otra parte, para abarcar una obra de repertorio tradicional es necesario tener en cuenta
las características que identifican el género para llevarlo al contexto coral teniendo en cuenta la
34
producción vocal, articulación, ornamentación, dinámicas y la acentuación (Álvarez, 2014, p.
48). Es así como para el montaje coral y de las canciones, se tuvieron en cuenta los anteriores
aspectos, reconociendo que cada región del país tiene características particulares y que
dependiendo del coro o del ensamble, es necesario recalcarlas para mantener los materiales
musicales que se analizan tanto en la partitura como en la práctica, la cual se da por la tradición
oral y que hacen que “suene al género musical” que se está trabajando en cada una de las piezas.
3. Estado del arte
A continuación, se presentan tres fichas analíticas que abarcan un contexto local sobre
herramientas, investigaciones o textos que funcionan para la introducción, apropiación y
promoción de piezas corales colombianas; primero se hace una breve descripción del documento;
luego palabras claves de este; un comentario analítico y un comentario final que pretende
integrar ciertos aportes al presente proyecto de grado. Más adelante se hace un análisis de cinco
textos que hacen referencia al entorno latinoamericano coral y lo que resulta pertinente resaltar
para el desarrollo del presente texto.
FICHA ANALÍTICA
1. Referencia bibliográfica:
Guzman, J. (2014). Colección de canciones andinas colombianas para el desarrollo vocal y
rítmico en edades juveniles. Bogotá: Pontificia Universidad Javeriana.
2. Descripción del documento:

El trabajo trata de la elaboración de canciones andinas colombianas mostrando la variedad
rítmica, armónica y melódica de las mismas. Está pensado para edades juveniles, sin embargo,
menciona que también es para niños, jóvenes y adultos que quieran conocer más del repertorio
musical andino y funciona como herramienta para el proceso de formación musical. También
35
reconoce que la enseñanza de esta música tradicional desarrolla habilidades que son vitales
dentro de la formación musical.
3. Palabras claves: Enseñanza de música tradicional, formación musical, desarrollo de

habilidades musicales, aprendizaje musical.
4. Comentario analítico: El texto se basa en la metodología Kodály en Colombia. Expone
una serie de elementos que funcionan dentro de un contexto musical y la manera en que son
utilizados los mismos, para finalmente componer unas obras que tengan determinados los
aprendizajes musicales que se obtienen a partir del entendimiento de estas canciones.
El tema principal es sobre el aprendizaje de las músicas tradicionales andinas, con lo cuál, quiere
darle un reconocimiento de la diversidad de estas para incentivar su aplicación dentro de los
contextos de práctica musical, y enuncia que desde la práctica se generan todos los
conocimientos necesarios para el aprendizaje musical, sin necesidad de partir del concepto en sí
mismo.
La manera en que el autor organiza el trabajo permite identificar la metodología en la que se va

a basar y crear más ejemplos, utilizando únicamente la música tradicional andina. Se hace una
lista de los aprendizajes específicos que va a tener el alumno en cada canción a nivel armónico,
melódico y rítmico; en cada una de las canciones es posible identificar el contenido de las tres.
Se mencionan cuales son las células rítmicas que salen de la canción que ya se realizó, y así se
toman los conceptos particulares para determinar cuales son las enseñanzas a nivel de formación
musical.
5. Comentario final (perspectiva de integrar los aportes del texto al proyecto de

grado):
Atendiendo a la recomendación para desarrollar este ítem, después de haber leído este texto y
reflexionado en un primer momento acerca de mis intereses investigativos, expreso los
siguientes puntos de vista:
Considero que el primer aspecto que se tiene en cuenta es la formación musical a partir de una
herramienta, que está muy relacionado con el trabajo que estoy proponiendo, lo diferente es que
aquí ya se basa en una metodología específica, que es la de Kodály en Colombia. Como segundo
36
aspecto en cuanto al repertorio, si tiene que ver con la importancia de abarcar la musical
tradicional para aprender de ella habilidades musicales que se desarrollan desde la práctica.
Cuando ya se tiene una interiorización cantando, es posible fragmentar un poco los
conocimientos para después llamarlos con nombres específicos, como es el caso de la
metodología Kodály.
El autor realiza la colección de las canciones de repertorio andino y hace un análisis de estas
para saber cuales son los conceptos específicos en cuanto a los tres aspectos: melodía, armonía
y ritmo, que también está muy relacionado con el presente proyecto. Es una buena manera de
distinguir tres aspectos musicales para tener en cuenta en toda obra o canción, de tal manera que
se puedan determinar los aprendizajes dentro de estos tres aspectos.
Puedo resaltar la manera en que menciona los aprendizajes específicos con cada una de las
canciones, que son melodías no muy largas, y muestra la partitura y cómo está relacionada con
las definiciones musicales.
FICHA ANALÍTICA
Pineda, Y. (2015). Las lógicas de la apropiación de la música andina tradicional suramericana
en los contextos de aprendizajes informal, no formal o formal. Bogotá: Pontificia Universidad
Javeriana.

El trabajo trata de la presentación de un problema de investigación tratado en un seminario de
educación, en donde se plantea que hace falta indagar un poco más sobre las músicas
tradicionales de nuestro país para fortalecer la apropiación de estas. Menciona que hay un
37
estudio dedicado a otras corrientes y no a la musical, por lo que hay un desaprovechamiento de

lo que musicalmente pueden tener estas estructuras sonoras tradicionales.
Esta investigación parte del gusto por las músicas tradicionales; porque no hay muchos estudios
acerca del tema; por la manera en como se abarca en diferentes contextos y para la
implementación de obras andinas en un contexto escolar. Por otro lado, también quiere aportar
a la sistematización de formas de aprender de estas músicas por medio de la organización del
material musical y actividades pedagógicas. Cuando menciona esta sistematización es para que
también surjan proyectos investigativos que abarquen la temática de la música tradicional en
diferentes contextos. Siguiendo la idea de estas músicas quiere contribuir a preservar el
patrimonio nacional por medio la práctica musical, para que finalmente pueda sugerir unas
estrategias pedagógicas para la iniciación en un instrumento específico: la zampoña.
3. Palabras claves: Enseñanza de música tradicional, contexto de aprendizaje, aprendizaje

formal, no formal e informal.
4. Comentario analítico:
Considero que hace un análisis investigativo muy profundo dentro de cada uno de los contextos
en los que son posibles la formación musical: formal, no formal e informal. Con esto puede
desarrollar y entender cada una de las necesidades y desafíos a los que cada contexto tiene que
atender.
Realiza una comparación entre la iniciación musical y la relación con las músicas tradicionales,
que en este caso está relacionada con la metodología Kodály, ya que, como metodología apunta
directamente a la apropiación de las músicas tradicionales, y comparte la idea de que de estás
músicas se pueden desarrollar múltiples habilidades en el contexto de la formación inicial. Es
decir, la música ya tiene lo que hay que aprender, es cuando ya se tenga interiorizada, que surge
la necesidad de enseñar los conceptos o términos musicales para que también haya una
apropiación de los materiales.
También describe un proceso de traducción que depende del contexto, se puede realizar de
diferente manera para memorizar una pieza. En un contexto informal, describe que se utiliza
mucho el oído y la repetición de manera que se haga en varios tempos y predomina el uso de la
38
memoria haciendo uso también del cuerpo, expresando la idea como “la música se registra en
el cuerpo”. El contexto no formal se da por medio de la lectura de las notas, aunque después la
idea es que la persona se lo vaya aprendiendo de memoria, pero parte de la notación del lenguaje
musical. La repetición también es clave en el proceso de afianzamiento de una obra y recurrir a
la escucha para imitar correctamente, así como la danza es un recurso que contribuye al
aprendizaje de la pieza. Finalmente, en el contexto formal, la partitura es la que tiene toda la
información musical y se parte de la misma para poder memorizar la pieza. La persona primero
debe conocer el lenguaje para luego interpretarlo, es necesario de la repetición de la partitura,
por ende, el recurso principal es la partitura.
Hay una descripción de la apropiación de las dinámicas y el carácter; las características

musicales; la sensibilidad musical desde lo corporal; la orientación durante la interpretación; la
disposición de los músicos y la producción creativa. Además, hace una relación de la práctica
musical con el entorno social, es decir, el aporte hacia lo colectivo. Se centra en la Zampoña
como el instrumento que potencializa el aprendizaje musical.

grado):
Es un trabajo que presenta la similitud con el trabajo de investigación-acción que se esta

llevando a cabo. En este caso las obras que presenta también son de fragmentos cortos y no
están dirigidas a obras un poco más grandes o corales, como lo es en el caso del trabajo que
quiero presentar. La manera en que utiliza y analiza los fragmentos también están ligados desde
una parte armónica, rítmica y melódica. Aunque todo tiene que ver con la apropiación de las
músicas andinas, también presenta otras lógicas generales que son posibles abarcar a partir de
estudios de los músicos que las interpretan, por lo que también es un punto de vista que brinda
más información como se ha venido trabajando la enseñanza de estas músicas.
39
Reconocer los distintos contextos en los que se puede dar el aprendizaje y la enseñanza, es vital
para determinar específicamente cómo es el espacio de trabajo y el nivel de este. Funciona para
este trabajo identificar que esta principalmente dentro del contexto no formal, ya que con el
tiempo emplea la partitura para seguir avanzado en la pieza y establece una metodología para
llegar al mismo (el tag). Por otro lado, tiene aspectos del contexto informal, porque el principal
recurso es la escucha y la repetición.
El análisis da una visión muy clara de lo que el autor reconoció en cada uno de los espacios en
los que puede haber un aprendizaje musical. Por otro lado, también comenta sobre algunos temas
que rodean su análisis, sin embargo, se entiende que no es el objetivo profundizar en los mismos.
Es una investigación que aporta mucho al presente trabajo porque tiene relación con la música
tradicional en tres diferentes contextos de aprendizaje y puedo comprobar que, en el aprendizaje
no formal, está estipulado algunas de las cosas que también fueron motivo de reflexión para este
trabajo que abarca música tradicional de 4 regiones de Colombia y que va dirigida hacia la
práctica coral o de ensamble.
FICHA ANALÍTICA
Jiménez, S. (2017). Cantos del piedemonte. Cancionero para nivel inicial basado en ritmos de
las zonas andina y llanera colombiana. Casanare: Universidad Internacional de La Rioja.

El trabajo trata de una investigación para crear un cancionero infantil que se basa en los ritmos
tradicionales de la zona andina y llanera colombiana, para el desarrollo de iniciación coral en la
ciudad de Yopal. Manifiesta cómo en los llanos aún hay una cultura musical viva, pero carecen
de procesos educativos que brinden un acercamiento al canto. Al final tiene un repertorio de
40
canciones que favorecen estos procesos iniciales de formación al canto que, según lo expresa el
autor, es lo que necesita la región.
3. Palabras claves: Enseñanza de música tradicional, formación musical, acercamiento al

canto, procesos iniciales de canto, música infantil, formación coral.
4. Comentario analítico: El texto se basa se apoya en la metodología Kodály en Colombia.
Hace referencia a los recursos pedagógicos que brinda como metodología y la manera en que
también se relaciona con el repertorio coral colombiano. El objetivo es el de componer un
cancionero infantil para promover la música coral en la región de los llanos. Para esto hace un
análisis del repertorio que sobresale a nivel nacional y latinoamericano para después, identificar
herramientas para construir el cancionero. Por otro lado, se establece una organización de las
obras organizadas por edades y ciclos, que también se basan en el programa básico de dirección
de coros infantiles (Zuleta, 2004).
Se realiza primero un diagnostico de las necesidades a manejar en el contexto y después se
analiza musicalmente, por medio de unos puntos ya establecidos, los materiales que son
necesarios para componer obras dirigidas a ciertas edades. Por otro lado, se manejan también
niveles, en donde empieza al unísono, luego en Quodlibet, cánon y finalmente obras a dos y tres
voces. Se establecen una serie de aspectos para tener en cuenta y que son necesarios desarrollar
en cada uno de los niveles.

grado):
Cada una de las obras tiene una breve descripción y muestra una sección relevante para el
proceso de formación musical y materiales que se han utilizado para el mismo propósito, esto
aporta a la manera en que se puede tratar cada una de las descripciones de la herramienta
pedagógica “tag” para mostrar los distintos ámbitos que se pueden llegar a trabajar y de qué
manera abordarlas.
41
También hace referencia a la metodología Kodály, ya que es la que sobresale por tener una
adaptación en Colombia y en donde se rescata la importancia por el folclor nacional para
aprender otras habilidades musicales mientras se está disfrutando de cantar. Esta metodología
es esencialmente para el trabajo coral, por lo que también tiene influencia en la manera en que
se desarrolla la voz a ciertas edades y en ciertos niveles. En todo esto se rescata el proceso y el
tiempo con el que es necesario contar para hacer una profundización del contexto a tener en
cuenta y para que el producto musical, en este caso el cancionero, funcione en distintos niveles.
Una de las obras de la investigación se tomó de este cancionero, la obra Pajarito, por lo que se
tiene en cuenta que para llegar a interpretar e interiorizar la obra, también se requiere de cierto
desarrollo de habilidades, sin embargo, en caso de que no sea posible hacer las obras que se
proponen en orden para ir desarrollando destrezas musicales, es posible abarcar la herramienta
del “tag” y poder abarcar un repertorio como este, en donde hay una descripción de posibles
maneras de trabajo sobre estos ritmos. La obra tiene exactamente los ritmos que son
característicos, y que se trabajan a profundidad en el tag, ya que, en un primer acercamiento
dentro de un contexto no formal, la partitura no es la principal herramienta y en caso de la
investigación de referencia, deja abierta la posibilidad de abarcar el repertorio de diferentes
maneras.
También se tuvieron en cuenta otros textos en los que se identificaron conceptos importantes
para tener en cuenta en el desarrollo del presente trabajo. Mueses (2011) reconoce que el
aprendizaje musical se puede dar a través de los ritmos latinoamericanos, es por esto por lo que
desarrolla una propuesta pedagógica musical que se basa en las músicas tradicionales
latinoamericanas dirigida a la formación de un grupo de una institución educativa. Su
metodología se basa en un modelo transmisivo- imitativo; el formato es principalmente
instrumental, por lo que el educador es quien interpreta el instrumento y luego los estudiantes, lo
que genera una reacción imitativa de estímulo. Este trabajo utiliza diferentes elementos
42
musicales como: educación auditiva, dicción, canto, rítmica, instrumentación y ensamble
instrumental-vocal; resulta entonces interesante notar como para un desarrollo metodológico se
utiliza también la voz.
Por otro lado, menciona lúdica y distintas actividades que se hacen dependiendo de las
necesidades de los estudiantes, y concluye que: “lo más importante, en la conciencia que tienen
los estudiantes sobre lo que están interpretando” (Muses, 2011, p. 71). Así mismo menciona que
el montaje con estas músicas tradicionales latinoamericanas abre ventanas y camino que
conducen a un cierto conocimiento de estas músicas, y le genera satisfacción a Muses, el ver
como sus estudiantes les produce curiosidad el descubrir cada vez más el significado de estás
músicas. (Muses, 2011, p. 71). Se puede reconocer como el partir de estas músicas permite el
aprendizaje musical, el cuál tiene una metodología que involucra de talleres y actividades
pedagógicas, las cuales tienen en cuenta un logro específico y manejan competencias específicas.
Para conocer un poco más de la enseñanza de la música latinoamericana, hay que reconocer
cuál ha sido la motivación para empezar a profundizar en la misma y enseñarla en diferentes
espacios musicales. Gonzales (2014) señala, dentro de una concepción más grande como lo es el
de las músicas populares y un punto de vista musicológico, que: “ha servido para construir
identidades nacionales y supranacionales, indagando e integrando identidades ajenas, y
enriqueciendo así nuestra propia experiencia del género humano”; esto quiere decir que hay que
tener claro que estas músicas han sido influenciadas por intercambios culturales; en lo que haría
referencia también al colonialismo, pero que finalmente son incorporaciones de rasgos blancos,
negros e indígenas que han permitido el enriquecimiento musical, y como dice Gonzales,
también a aportado a lo que somos.

43
Es interesante reconocer cuál es la posición de los educadores musicales dentro de todo este
contexto musical popular o tradicional, en el texto se comenta:
Los educadores musicales tienen el privilegio de haber constituido la primera organización musical
de gran tamaño en la región, logrando importantes apoyos institucionales. La enorme presencia de la
música popular en el medio ambiente y práctica del educando, ha repercutido en la forma en que la
educación musical se está pensando a si misma, algo que hacemos extensible a la musicología.
(Gonzales, 2014, p. 132)
Se puede decir que, para este autor, la música popular al ser reconocida por los educadores
musicales, debido a que es inevitable su manifestación, ha tenido un gran impacto, tanto así que
la misma educación empieza a reflexionar acerca de sus propios procesos. Esto también nos lleva
a revisar como se percibía la enseñanza musical, como lo menciona Londoño (1992), con
respecto a la posición del maestro: “por la ausencia de desarrollos pedagógico-musicales y de
metodologías propias, o adecuadas a nuestra realidad, es muy frecuente que el profesor de
música tienda a implantar mecánicamente los métodos, textos y técnicas que hicieran parte de su
experiencia, desconociendo las peculiaridades del medio y de la época, sin percatarse del entorno
musical, y socio afectivo que rodea a sus alumnos”. (Londoño, 1992, p. 173). Por esta razón la
idea de innovar y presentar metodologías para diferentes contextos apoya lo que menciona más
adelante, hace referencia a que no hay trabajos que hayan sistematizado este tipo de experiencias
musicales tanto propias como regionales o nacionales. Considero que se puede seguir aportando
a que haya estudios e investigaciones, como el presente proyecto de grado, que tengan una
proyección para la transformación de la cultural musical y de la sociedad.

44
De manera complementaria también se refiere a la importancia de las de las raíces
culturales, el pensamiento e identidad cultural, presentando unas reflexiones que invitan a tener
en cuenta que como individuos pertenecemos a una sociedad, la cuál deja huella a nivel
cognitivo y sensorial. Para este proyecto de grado se tiene muy en cuenta lo que Londoño
expresa a manera de respuesta a la pregunta que él considera, debemos hacernos, ¿cómo
fortalecer procesos de identidad social en una pluralidad cultural, como la que ofrece nuestro
país y nuestro continente?:
Trabajar la identidad desde nuestros modos de vida y de hacer música permitiría desarrollar
afinidades en el modo de pensar, de sentir, de reaccionar, puesto que la identidad tiene sus raíces en
vivencias y experiencias comunes de un inconsciente colectivo. Afinidades emocionales, afectivas,
cuyas raíces son históricas y sociales. Resignificar, simbolizar, trascender, desde el quehacer del
artista comprometido con la construcción de su propia identidad, de la identidad de su pueblo, exige
entonces el poder conocer, evaluar críticamente, reapropiar, difundir y recrear los lenguajes
musicales, las formas expresivas y los valores filosóficos desde cada cultura. (Londoño, 1992, p.
177)
Reconocer el contexto personal, permite que la práctica musical esté fundamentada en las
necesidades de este, y haciendo referencia a otro texto el cuál propone delinear un plan de
integración entre las culturas populares y folklóricas en la educación musical, comenta su autor
Béhague (1988), cómo la educación musical debe tender a:
Valorizar y perfeccionar las manifestaciones musicales que los pueblos tienen, dándoles oportunidad
de mejorar sus formas de expresión; determinar y estimular intereses musicales que se traduzcan, en
los tiempos libres, en actividades positivas para la cohesión social; la enseñanza del nacionalismo
45
musical sobre todo como fenómeno histórico, ampliar este conocimiento a la orquestación
incluyendo instrumentos autóctonos americanos, y que las Instituciones Educativas incluyan el
conocimiento de sus músicas nacionales y latinoamericanas en sus programas de estudio. (Béhague,
1988, p. 44)
Este texto, aunque tiene un enfoque más hacia la etnomusicología, menciona algo relevante
para el desarrollo de este proyecto, el incluir las músicas nacionales y latinoamericanas, conlleva
a todo un reto por parte de las instituciones, sin embargo, es posible hacerlo en los espacios de un
contexto de educación no formal, que más adelante invite a los contextos formales a un
desarrollo más profundo en este tipo de músicas. A su vez, implicaría el reconocimiento y valor
de estas, y de la identidad como país, nación o continente.
Finalmente, al tener en cuenta la importancia del desarrollo musical, por medio de un
repertorio tradicional y/o latinoamericano, desde distintos puntos de vista, se hace referencia a un
trabajo que involucra la pedagogía específicamente en el campo de dirección de estas músicas en
lengua vernácula en Latinoamérica.
Alvarez (2014) realiza un análisis profundo de obras corales del repertorio latinoamericano,
para tener en cuenta los recursos musicales que permiten una conexión con el repertorio, en caso
de no tener una relación con el contexto, como lo es el entorno norteamericano, y se quiera
interpretar en formato coral una obra de Latinoamérica. En su tesis, se centra en la comprensión
de los aspectos de producción vocal e instrumentación que caracterizan a cada una de las obras
del repertorio analizado en lengua vernácula, para que cada director pueda llegar a entender en
términos de producción vocal, articulación, adornos, dinámicas y acentuación, cada uno de los
46
géneros presentados, y poder interpretarlos dependiendo del entendimiento de sus raíces, y, por
consiguiente, las características de los géneros latinoamericanos.
Como resultado final, se sugieren una serie de estrategias pedagógicas para tener en cuenta y
encontrar las conexiones entre el contexto local y el norteamericano, es decir, también tiene en
cuenta y entiende cómo está estructurada la práctica coral en Norteamérica para poder presentar
también sugerencias de interpretación; todo debidamente argumentado por los análisis de las
obras.
4. Objetivos
4.1 Objetivo general
• Identificar las estrategias metodológicas que permiten utilizar el tag como herramienta
pedagógica en el trabajo de introducción o presentación para la apropiación de un
repertorio específico, a partir del uso de tags inspirados en la música tradicional
colombiana, con el coro femenino Raíces en la ciudad de Bogotá.
4.2 Objetivos específicos.
• Diseñar los tags con las estrategias pedagógicas para su implementación.
• Implementar la propuesta a lo largo de los ensayos en los que se ha realizado el montaje
de las obras con el coro.
• Generar una reflexión constante que permita hacer ajustes al desarrollo pedagógico y
musical con el coro.

47
• Valorar a lo largo del proceso las formas en que es afectada la motivación y el desarrollo
y musical dentro del espacio del ensayo.
• Sistematizar algunas recomendaciones pedagógicas para la implementación de los tags en
contextos corales.
5. Metodología
La manera en que se planteó la metodología tuvo cambios que surgieron por la observación
y retroalimentación que se tenía en los ensayos, es decir el presente proyecto de grado es una
toma la metodología de la investigación-acción. Se le atribuye su creación a Kurt Lewin,
psicólogo norteamericano de origen alemán, a quien se le encomendó la modificación de los
hábitos alimenticios de una población, por lo que los investigadores tenían que asumir un papel
como agentes de cambio; la describía como “una forma de investigación que podía ligar el
enfoque experimental de la ciencia social, con el fin de que ambos respondieran a los problemas
sociales” (Colmenares, Mercedes, Piñero, Lourdes, 2008. p.100). En el contexto educativo se
asume una postura: “que parte del enfoque dialéctico, dinámico, interactivo, complejo de una
realidad que no está dada, sino que está en permanente deconstrucción, construcción y
reconstrucción por los actores sociales, en donde el docente investigador es sujeto activo en y de
su propia práctica indagadora. (Colmenares, Mercedes, Piñero, Lourdes, 2008. p.104).
Con lo anterior, la investigación-acción permite que el investigador esté reflexionando sobre
el plan a implementar en el proceso de enseñanza; en este caso, de una herramienta pedagógica,
teniendo en cuenta el entorno y la realidad que lo rodea para que, de acuerdo con esa realidad
que está experimentando y teniendo un objetivo claro, el investigador pueda hacer cambios que
beneficien al grupo en su desarrollo musical por medio de estrategias metodológicas que

48
funcionen. Como lo menciona Restrepo (2002) “es un instrumento que permite al maestro
comportarse como aprendiz de largo alcance, como aprendiz de por vida, ya que le enseña cómo
aprender a aprender, cómo comprender la estructura de su propia práctica y cómo transformar
permanente y sistemáticamente su práctica pedagógica”. En cuanto a la finalidad de la
investigación-acción en la educación, como lo mencionan Carr y Kemmis (1988), es mejorar la
práctica, al tiempo que se mejora la comprensión que de ella se tiene y los contextos en los que
se realiza.
Teniendo en cuenta lo anterior, se empieza por hacer un diagnóstico del grupo, en este caso,
el coro femenino Raíces, que tiene como particularidad la diversidad de edades de los integrantes
del coro: adolescentes, jóvenes y adultos. Raíces empieza a principios del año 2019 con la idea
abarcar repertorio vocal colombiano para formato femenino. La propuesta pedagógica parte de
cantar el repertorio nacional sin tener un conocimiento específico dentro del ámbito musical, es
decir, no es necesario entender a la perfección la partitura o el lenguaje musical escrito. La
convocatoria tenía como propósito reunir a mujeres que tuvieran interés y gusto por la música
colombiana, y por cantar. Raíces ha tenido dos presentaciones, la primera en el XVI congreso
latinoamericano de ingeniería en el mes de marzo del presente año, y la segunda, en el escenario
de “noches colombianísimas” el 9 de agosto del presente año; es un espacio sin ánimo de lucro
para la propagación de la música colombiana en la ciudad de Bogotá. Por otro lado, algunas de
las coristas hicieron parte de la grabación de los coros de la canción “Clase popular” del artista
elRojasiván que tuvo lugar en el edificio Ático de la Universidad Javeriana. Ha sido una
experiencia única para muchas de las personas que están estado por primera vez en un coro, que
nunca han entrado a un estudio de grabación, o que nunca han sido parte de un concierto.
49
Luego de tener una mejor percepción y diagnostico musical, tanto individual como grupal,
fue posible crear los tags, los cuales parten del análisis de cada obra para así identificar cuáles
son los materiales y recursos musicales que se están utilizando, y los que servirán para afianzar
por medio de los tags. Así mismo, también es el medio para generar vínculos sanos entre la
música y las coristas. Más adelante fue posible hacer la implementación de cada uno de los tags.
Esta herramienta se abarca de diferentes maneras para que sea posible encontrar la que mejor se
acople al grupo, es por esto por lo que estuvo en una constante revisión, reflexión y
modificación, lo que nos lleva al siguiente paso. El generar diferentes conclusiones respecto al
funcionamiento del tag como herramienta pedagógica, permite reconocer los puntos débiles y
fuertes de cada uno de los ejercicios trabajados en los ensayos y cómo estos influyen en el
desarrollo de la obra. Finalmente se hace una identificación y valoración del impacto que ha
tenido la herramienta hasta el momento de montaje de las obras, es decir, hasta el momento en el
que ya se ha leído completamente la obra y hay una idea general de lo que se trata la misma. A
su vez, se crea un contacto diferente con la partitura, es una manera práctica, en donde muchas
de las coristas se van relacionando con otro tipo lenguaje; el cual tiene información que ya
pueden cantar, por ejemplo, hacer un crescendo o un staccato.
Después de tener todo el material de los tags recopilado con sus respectivas obras ya
aprendidas, se hará un concierto público, que es la muestra del proceso que ha tenido el coro y el
compartir las obras colombianas que se han estado trabajando paralelamente con la
investigación.
50
6. Resultados y análisis
6.1 Propuesta pedagógica
A continuación, se presentan los tags y una descripción de las estrategias que se utilizaron para
utilizarlo. Las obras para las cuales utilicé esta herramienta pedagógica son: Pajarito de Sergio
A. Jiménez; A la orilla del río letra de María Olga Piñeros y música de Mauricio Lozano;
Chandé de Victoriano Valencia y Rondel de Gonzalo Fernández versión coral de Gustavo Yepes.
6.1.1 Elaboración del tag. Su elaboración se ha hecho a lo largo de todo el proceso de
montaje, y su edición final, después del análisis y práctica de lo que se considera es importante
desarrollar musicalmente para la interpretación de cada obra. Se encontrarán 4 secciones que
están organizadas de la siguiente manera: tag de acercamiento; tag de armonía; tag de melodía y
tag de ritmo. Se considera que centrarse en estos 4 aspectos, brinda un desarrollo musical
concreto en cada corista, en la parte armónica, melódica, rítmica, y la unificación de las tres (tag
de acercamiento). Por otro lado, al estar haciendo referencia a una misma obra, se van a
encontrar elementos que se repiten dentro de los tags, lo cuál hace que la herramienta tenga este
componente integral y se trabaje de manera continua el aspecto más relevante de cada una de las
obras. Antes de empezar mostrando la partitura con el tag de cada obra y características
particulares que se tuvieron en cuenta para su elaboración, se especificará primero las funciones
del tag a nivel general, de esta manera se podrá identificar los puntos en común entre cada uno
de los tags.
Las siguientes son las características generales que se van a encontrar al momento de
presentar los tags en este documento y el orden en el que aparecerán. Primero, se menciona el
aspecto musical relevante de la pieza, dependiendo de su enfoque (acercamiento, armonía,

51
melodía o ritmo), y como se utilizaron los recursos musicales de la partitura para que destacar
este aspecto en el tag. Segundo, se hace referencia al texto y su uso dentro del tag, y la manera de
utilizar sílabas neutrales, en caso de que las haya, para trabajar el tag (color azul). Tercero, se
nombran los lugares que necesitan de mayor atención para lograr que el tag cumpla con su
objetivo; como acordes, timbres, ritmos y/o melodías específicas (color morado). Finalmente, se
muestran los fragmentos de la partitura en los que se apoyó el tag para su elaboración.
Para todos los tags hay unas dinámicas propuestas que apuntan también al desarrollo de la
técnica y gestos de dinámica para el educador (color verde), sin embargo, esto es solo una guía;
se pueden variar algunas ideas e intentar gestos diferentes para cada una de ellas. Así mismo, hay
un tempo específico para cada uno de los tags (parte superior izquierda); se recomienda empezar
con el tempo sugerido, para que se mantengan las sonoridades y el carácter; cuando ya se tenga
todo el tag, si el educador lo prefiere a manera de ejercicio, puede ir a un tempo más rápido o
más lento. Otra característica es que todos los tags tienen el cifrado en cada compás, en caso de
que se quiera armonizar con otro instrumento para su aprendizaje; esto también va a depender
del grupo con el que se trabaje. Finalmente, todos los tags van a hacer referencia al carácter de la
pieza; desde el principio es importante tener claro el género musical colombiano que se esta
enseñando, y como es una herramienta que funciona a partir del canto, dependerá del educador
darlo a conocer con los materiales musicales que lo caracterizan utilizando diversas estrategias
incluida la audición de ejemplos o la apreciación musical que aborda los contextos culturales de
los géneros.
52
Tags de acercamiento a la obra.
Todos los tags de acercamiento tienen la función de:
• Abarcar el rango de la obra en cada una de las voces (señalado dentro de un círculo).
• Tener una idea general de los elementos musicales de la pieza, como articulaciones, y
establecer el pulso (color anaranjado).
• Aprender los contornos melódicos o el ritmo con sílabas neutrales para prestar atención a
los materiales musicales que se desarrollan en la obra trabajada (color rojo).

53
Tag de acercamiento obra Pajarito: tonada llanera (canto de trabajo de la región de los
llanos).
Figura 3: Partitura tag de acercamiento obra Pajarito
Las características y los aspectos musicales de la partitura que se tuvieron en cuenta para el
tag son los siguientes:
• Es una obra que tiene tres secciones que se caracterizan por el uso simultáneo de dos
articulaciones: legato y staccato.

54
• Debido a su carácter rítmico y sincopado, una voz se queda manteniendo el pulso para
mantenerlo durante el tag, voz 3, y luego esa función la tiene la voz 1. (Color
anaranjado).
• La nota que se mantiene en las sopranos permite el trabajo de técnica de dirección, el cuál
va de la mano con la respiración para mantener la nota. Por otro lado, se trabaja la
escucha activa, ya que hay que reconocer que la voz 2 canta el tema principal, y con el
que se inicia la obra.
• En cuanto al texto, las sílabas con consonantes explosivas labiales y dentales como “p” y
“t”, se utilizan para marcar el pulso y diferenciar las células rítmicas, esto permite
reconocer el posible tema de la obra (color azul).
• Cuando todas las voces hacen la misma sílaba, hay que tener en cuenta que el acorde esté
afinado y sea un punto para ensamblar y que todas escuchen el acorde (color morado).
• Los fragmentos de la partitura en los que se basó este tag fueron los siguientes:
C.9. Tema en la voz 1. Se utilizan las notas de la
melodía, sin el ritmo que está en la partitura, para
C. 1. Tema principal y ritmo en la voz 2 marcar el primer pulso y así establecer el tempo.
Nota sostenida en la voz 1
C. 22. Para trabajar el calderón del compás 24.

55
C. 9. Se tiene en cuenta las bases armónicas y la
célula melódica que caracteriza a la voz 3.
Tag de acercamiento obra Rondel: bambuco de la región andina.
Figura 4: Partitura tag de acercamiento obra Rondel.

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• Es una obra que tiene dos voces en contrapunto, por lo tanto, hay que tener en cuenta las
entradas de cada una de las voces.
• Es necesario establecer el pulso y su subdivisión para no adelantarse o atrasarse en el
tempo.
• En cuanto al texto, con la sílaba neutra “lu” es posible mantener la célula rítmica, sin
necesidad de aprender una letra específica, ya que la idea es que esta voz brinde
estabilidad tanto rítmica, a manera de respuesta de lo que hacen las demás voces, como
armónica. Por otro lado, también se trabaja la respiración y las entradas que utilizan este
ritmo (color azul).
• El texto permite reconocer a grandes rasgos el tema de la obra y permite el trabajo para la
pronunciación y técnica vocal (color azul)
• Hay entradas que refuerzan la caída al primer tiempo, y otras que hacen perder la noción
del primer tiempo, debido a que alargan la última corchea, por lo que hay que tener estas
variaciones en el tag (color morado).
C.7. Tema
en la voz
1, se
utilizan las
C. 1. Tema principal y ritmo en la voz 1 y 2. notas de la melodía, sin el ritmo que está en la
partitura, para marcar el primer pulso y así
establecer el tempo.
57
C. 21Se tiene en C. 24. Finalización de la obra
cuenta la melodía con sus respectivas
que dibuja la voz 2 resoluciones.
para familiarizarse con el giro melódico y la
resolución de las tensiones.
Tag de acercamiento obra A la orilla del río: currulao de la región pacífica
Figura 5: Partitura tag de acercamiento obra A la orilla del río

58
• La obra esta divida en tres secciones, identificadas por una introducción, melodía con
acompañamiento y cambio en la textura.
• Con respecto al texto, en la partitura hay una dificultad con relación a la terminación en
“n”, una consonante que es nasal-dental y no brinda mucha precisión en el ritmo. Es por
esto por lo que al principio se hace solo “t” y una vocal, “a” o “i”, para que se tenga
presente primero el ritmo. Cuando ya se tenga el tag completo es posible cambiarlo a la
segunda opción de texto “plin”, para que se pueda trabajar que el sonido no se quede en
la “n”. Por otro lado, la voz 3 hace la parte con el texto de la partitura para que se
relacionen con la letra y el tema queda un poco a la expectativa (color azul).
• Con las sílabas neutras es posible trabajar la técnica, ya que se están haciendo vocales
cerradas y abiertas, en el caso de la “a” y la “i”, y más adelante en la “a” y la “u”. Cabe
resaltar el uso de la letra “k” para que sea notorio el ritmo con el hecho de pronunciar la
sílaba “ku" (color azul).
• Es necesario establecer el pulso por medio de acentos en las voces 2 y 3, ya que la obra
suele tener sincopas melódicas que pueden hacer que el pulso se pierda (color
anaranjado).
• Siempre es posible trabajar la pronunciación, y se aprovecha que es un tempo dado por
debajo del que se puede hacer, para tener cuidado con los detalles rítmicos y que las
entradas se puedan trabajar.

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• La variación de las partes melódicas y rítmicas que hay en la obra, es importante que se
abarque desde el primer momento debido a que tienen cierta complejidad en cuando a los
intervalos de segunda que se forman, sin embargo, una vez se tomen desde el principio, la
sonoridad empezará a ser cada vez más familiar (color rojo).
• Los finales en la obra tienen duración de una corchea, por lo que se trabaja de una vez la
articulación en staccato (color anaranjado).
C. 5. Tema en la voz 3, se utilizan las notas de la
melodía, con el ritmo que está en la partitura. Se
C. 1. Tema principal y ritmo en la voz 1 y 2. encuentra presente en todas las secciones de la
obra.
C. 10. El ritmo es característico de la primera
sección y requiere una buena articulación.
C. 40. Las entradas en cada una de las voces.

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Tag de acercamiento obra Chandé: ritmo chandé de la región caribe
Figura 6: Partitura tag de acercamiento obra Chandé
• Es una obra que tiene secciones marcadas por motivos rítmicos, melodías que se repiten y
el uso de la voz hablada, por esta razón los tres elementos se encuentran en el tag.
• Es una obra a 3 voces, en donde es importante tener una escucha activa de lo que están
haciendo las demás voces, ya que esto sirve como guía para el dialogo musical, por eso se
61
utiliza el unísono en dos partes del tag, para identificar y escuchar cuando dos voces están
cantando lo mismo.
• El texto y las melodías suelen repetirse durante toda la obra, por lo que es importante
presentar la melodía de la obra de una vez con el texto; esto ayuda a identificar y conectar
los giros melódicos con lo que se esté diciendo (color azul).
• Mantiene la idea de un bajo en la voz 3, o voz contralto en la partitura, por esto hay que
mostrar primero el ritmo en “pa”, de manera que sea claro, para que no haya confusiones
luego con las sílabas “tm”, ya que la letra “m” puede llegar a atrasar el tempo por ser una
consonante nasal-labial (color azul).
• La articulación de cada una de las secciones se encuentra en el tag, por lo que es
importante resaltar la conexión entre el texto, el ritmo y la pronunciación, por medio de
estas articulaciones (color anaranjado).
• El carácter de la obra se puede identificar fácilmente tanto con el texto como con la
armonía que se forma, para esto, las articulaciones y dinámicas presentadas (color verde)
son importantes hacerlas.
• El final es el único momento en donde cantan todas las voces, hay que aprovechar el
momento para unificar vocales y también puede trabajarse en cuanto a dinámicas (color
morado).
• Los fragmentos de la partitura en los que se basó esté tag fueron los siguientes:
62
C. 7 y 8. Tema en la voz 1, se utilizan las

CC. 1-7, 83-86. Motivo rítmico, que hace
notas de la melodía, con el ritmo que está en
referencia a un bajo, y que se caracteriza porque
una voz lo canta y en la última sección todas las la partitura, y se toma una parte de la voz 2
voces reiteran el motivo. para poder trabajar los cambios de registro y
mecanismo. Se tiene en cuenta la entrada de
cada una de las melodías.
C. 38. El tema hace su primera aparición en el c. C. 87. Tema que se menciona por primera
38, solo en la voz 2 y 3, y luego lo vuelve a vez y que caracteriza la última sección de la
mencionar alargando el final. obra.
Tags de armonía.
Todos los tags de armonía tienen la función de:
• Brindar el contexto armónico de la obra.
• Trabajo de técnica vocal específico para ensamble entre voces.
• Establecer un timbre.
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Tag de armonía obra Pajarito
Figura 7: Partitura tag de armonía obra Pajarito.
• La armonía de toda la obra es: Re-Sol-La7-La.
• El motivo rítmico característico en la voz 3, aporta a mantener el pulso y se hace con una
sílaba más explosiva “t”, en el aspecto vocal, ayuda ubicar las consonantes a tempo (color
azul).
• En cuanto al texto, al principio se utiliza sílaba neutral “lu”, ya que lo importante es
escuchar la armonía que se forma; una vez se tiene este fraseo se puede hace con el
segundo texto propuesto. Se toma la palabra “pajarito” para dividirla por sílabas y así
poder trabajar esas vocales específicas (color azul).

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• Se puede trabajar técnica y respiración debido a las notas largas, así como la escucha
activa para reconocer cada uno de los acordes.
• El calderón final permite trabajar de una vez las posibilidades para el final de la obra y la
técnica de dirección, esto hace que cada vez se tenga más relación entre los gestos del
educador y el coro (color verde).
• El acorde final queda en tensión debido a que así finaliza la obra y es importante trabajar
su afinación y, en este caso, la no resolución del acorde (color morado).
• En cuanto al sonido, con el tag se puede trabajar un timbre un poco más brillante y
nasalizado, tiene que ser un timbre conjunto que se relacione más con el sonido del
cantante llanero.
• Los fragmentos de la partitura en los que se basó este tag fueron los siguientes
Para la melodía se tuvo en cuenta el rango de
las voces:
C.9. En la voz 3 se encuentra toda la armonía y el Voz 1: La 4 – Do# 5
motivo característico. Voz 2: Re 4 – Sol 4
Voz 3: La 3 – Mi 4
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Tag de armonía obra Rondel
Figura 8: Partitura tag de armonía obra Rondel.
• Es una obra a dos voces en donde la armonía no es vertical sino horizontal, por lo que es
necesario que se entienda solamente la armonía sin el texto.
• El registro en la voz 1 en la obra, es un registro grave por lo que en el tag se utiliza el
mismo, de manera que al estar en armonía haya una escucha activa de las voces que están
por encima, ya que, no es usual que la voz 1 se mantenga en un registro grave.
• No se hace referencia al ritmo que está en la partitura, el tag utiliza un ritmo que
establece un pulso, con el fin de poder tener únicamente la armonía y que se entiendan
los giros melódicos que están a lo largo de la obra.

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• En cuanto al texto, se utilizan las vocales “u”, “e” y “a” para ir de vocales cerradas a
vocales abiertas. Es opcional poner la “m” para hacer las dinámicas propuestas, al ser una
consonante labial, permite crear el efecto de crescendo cuando se hace luego una vocal.
Lo anterior debido a que en toda la obra las dos voces tienen que mantener notas, y es
importante para la afinación y el carácter, no dejar que pierda la energía y esto se
consigue por medio de crescendos (color azul).
• El sonido del coro se trabaja unificando las vocales propuestas: “u”, “e” y “a”, para que la
llegada a la vocal “a” esté unificada en las voces, y se pueda lograr un color que no sea
tan brillante, debido a que el sonido del bambuco es un poco más redondo, lo cuál no
significa que esté atrás.
las voces:
Voz 1 y 2: La 3- Mi 4
CC. 1-3. Los primeros acordes de la obra.
Voz 3: Do 4- Fa 4
CC. 22-24. Últimos acordes de la obra, que

CC. 9-12. Variación en las dos voces, llegando a
son iguales a los primeros, solo que, en este
un punto climático.
caso, la melodía de la voz 2 tiene una
resolución.
67
Tag de armonía obra A la orilla del río
Figura 9: Partitura tag de armonía obra A la orilla del río.
• La armonía no tiene muchas variaciones durante toda la obra. Es importante mantener la
noción del pulso, y la división de este, ya que tiende a perderse el pulso por la manera en
la que están construidas las melodías.
• No hay texto específico, las sílabas permiten que se identifiquen los motivos rítmicos; en
el cambio de sílaba neutral “la” y “ra” a “tu”, se tiene un motivo rítmico que es
característico de todas las melodías en la obra, por su entrada en el segundo tiempo, y que
además está en unísono (color azul).

68
• En cuanto al texto con la “l”, se utiliza para hacer consciencia y trabajar en que la
pronunciación de la vocal sea rápida y no se quede en la pronunciación de la “l”, así
mismo para que la armonía esté en una vocal, en este caso, la “a” (color azul).
• El ritmo es un componente que hay que estabilizar, en la armonía es posible hacerlo,
marcando el pulso y la división, creando así un acento hacia el primer pulso, como está
en la partitura. (color morado).
• La armonía tiene una articulación melódica en legato, combinada con ciertos staccato, ya
que en la obra hay que tener mucha claridad rítmica, lo cuál va de acuerdo con el género
(color morado).
• El trabajo de técnica vocal, para tener en cuenta el timbre que se quiere manejar en la
obra, se hace con la vocal “a”, la idea es que al ser un currulao el sonido no sea vertical,
sino más horizontal (refiriéndome a la posición de la boca), de manera que la “a” no
suene atrás, sino que sea brillante y todo el grupo tenga la misma colocación para
trabajarla a lo largo de la obra.
C. 7. El ritmo base de Para la melodía se tuvo en cuenta el rango de
toda la obra, las voces, el cual es similar para todas: Re 4-
estableciendo el pulso al Re 5
principio, ya que en la parte melódica cambia por
las síncopas.
69
CC. 38.-39 C.11. Teniendo en cuenta los finales que son
El tema que melódicamente está a unísono y tiene de corchea y que son los que necesitan mayor
intervalos que hay que tener claros desde el atención por su duración.
principio. Por esto se muestra en el tag como se
forma la armonía de manera horizontal, es decir,
con el fraseo de la melodía. Se diferencia este
fragmento del tag, también por su tensión y luego
su resolución.
Tag de armonía obra Chandé
Figura 10: Partitura tag de armonía obra Chandé.

70
• Hay un contenido armónico que marca las secciones, por lo que se toma en cuenta la
armonía base y una de sus variaciones más representativas, la cuál se presenta con el
Reb6-C7-Cbmaj7.
• Hay un ritmo armónico característico de la pieza, sin embargo, es necesario tomar la
armonía sin el ritmo y que vaya siendo una construcción entre todas las voces sin que sea
al tempo de la partitura, es decir el tempo original; la idea es escuchar la armonía.
• En cuanto al texto, la obra utiliza muchas vocales abiertas en los finales de las frases y
notas que se mantienen, por esto es necesario trabajar la colocación y el sonido con
vocales cerradas como la “u”, e ir abriendo poco a poco hacia la “e” y finalizar en la “a”
(color azul).
las voces:
Voz 1: Sol 4- Mi 5
Voz 2: Re 4- Do 5
CC. 3-5. La armonía base de la obra se encuentra
Voz 3: Si 3- Fa 4
desde los primeros compases.
71
C. 35. La variación más representativa, se C. 70. La voz 1 tiene el registro más alto y
caracteriza por hacer el bajo de manera esta es una de las partes que es importante
descendente por medios tonos. trabajar, para hacer sin el ritmo escrito, y así
llegar al Fa con una buena emisión.
Tags de melodía.
Todos los tags de melodía tienen la función de:
• Reconocer las frases melódicas de la obra y su articulación (punteado).
• Aprender la melodía a partir del canto con el texto o con una sílaba neutral.
• Trabajar la técnica de dirección con el ritmo de cada melodía (color verde).
• Tener un buen manejo de las entradas (color rosado).
• Aprender conscientemente cada una de las frases para luego juntarlas con el resto del
contexto en la obra.
72
Tag de melodía obra Pajarito
Figura 11: Partitura tag de melodía obra Pajarito.

73
• Se distinguen dos secciones melódicas dentro de la obra, las cuales mantienen las mismas
alturas, pero cambia el texto.
• Cada una de las entradas suceden a diferentes tiempos, por lo que es una buena manera
de reconocer la melodía con su respectiva entrada (color rosado).
• Está el ritmo exacto de la melodía, esto permite que se entienda las direcciones melódicas
y las posibles articulaciones para cada una de las frases (color verde).
• El calderón como punto de encuentro rítmico y armónico. Es importante que se conozca
este punto de reposo después de la melodía, ya que así se encuentra en la partitura (color
verde).
CC. 17-21. Melodías principales en las tres voces.

CC.21-23. Llegada al calderón. Todas las
El inicio de cada una tiene que estar muy afinado
voces hacen el mismo ritmo y la voz 1 y 2
para que se escuchen el intervalo de segunda
están en unísono.
mayor en las voces. Como se muestra en la
partitura, su articulación es legato.

74
CC.29-37. Melodía principal de la voz, con el CC. 37-39. En las voces 1 y 2 aparece la
ritmo. melodía, con el mismo texto y a distancia de
sexta.
Tag de melodía obra Rondel
Figura 12: Partitura tag de melodía obra Rondel.

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• Las melodías son sincopadas y empiezan en el segundo pulso. Se distinguen los motivos
por grados conjuntos o por saltos de tercera.
• Con relación al texto se manejan dos sílabas neutrales “pa” y “tu”. La primera se utiliza
con una variación “ra”, y es para hacer la melodía manteniendo el pulso, y la segunda,
para reconocer la síncopa. (Color azul).
• La voz 1 empieza con “ia”, en donde la “i” es un impulso para la “a” de manera que se
maneje la apertura vocal entre vocal cerrada y abierta, lo que después servirá a la hora de
hacerlo con el texto (color azul).
• Las síncopas hay que tenerlas en cuenta para que sean conscientes a la hora de ir a la
partitura y agregar el texto (color morado).
• Los fragmentos de la partitura en los que se basó esté tag fueron los siguientes:
CC. 7-10. Melodía voz 1. Registro por debajo C. 7-10. Melodía voz 2.
de la voz 2.
CC. 12-15. Melodía en la voz 2, con el registro
CC. 13-15. Melodía en la voz 1. que va por encima de la voz 1.

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Tag de melodía obra A la orilla del río
Figura 13: Partitura tag de melodía obra A la orilla del río.

77
• Las melodías se caracterizan por tener la misma entrada con un silencio de corchea en el
pulso fuerte (color rosado).
• El texto está con el ritmo que aparece en la partitura, se puede trabajar la pronunciación
para que se entiendan todas las frases (color azul).
• Es importante tener en cuenta que la mayoría de las frases son descendentes, por lo que
no hay que dejar que la afinación caiga (color morado).
CC. 12-15. Melodía con la que empieza la obra y CC. 24-27. Melodía que se presenta en las
la segunda sección. dos voces, con el mismo ritmo y letra.
CC. 32-35. Melodía que se presenta en las dos

CC. 36-39. Melodía que se presenta en las 3
voces, con el mismo ritmo y letra.
voces a unísono.
78
Tag de melodía obra Chandé
Figura 14: Partitura tag de melodía obra Chandé.
• Las melodías determinan cada una de las secciones que se encuentran en la obra.
• En cuanto al texto, está intercalado con la letra y las sílabas neutrales. Primero se utiliza
“pa-ra” para tener en cuenta el ritmo, y luego con “la-ra” para que se relacione con una
79
melodía en legato, y finalmente con el texto para tener en cuenta los dos aspectos
anteriormente mencionados (color azul).
• Se trabajan los dos tipos de entradas que se ven en toda la obra (color rosado).
• Las articulaciones que se muestran en cada una de las melodías se pueden mostrar por
medio de los gestos, con esto se trabaja el mantener la articulación con un pulso estable y
que no sea tan rápido, luego es posible subir el tempo y seguir enfatizando en mantener
las articulaciones (color verde).
C. 15 Melodía ascendente
que se encuentra en las
voces 1 y 2. En la voz 3 se
CC.11-12- Melodías que se encuentran en las 2 mantiene la estabilidad del
voces. La melodía en la voz 1 se mantiene y la acorde.
voz 2 tiene un descenso.
CC. 21-25. Finalización de la segunda

CC. 19-26. Comienzo de la segunda sección de
sección, en donde las melodías se unen.
pregunta y respuesta.
80
Tags de ritmo.
Todos los tags de ritmo tienen la función de:
• Reconocer los ritmos que se encuentran en la pieza.
• El uso de las sílabas neutrales para reconocer células rítmicas (color amarillo).
Tag de ritmo obra Pajarito
Figura 15: Partitura tag de ritmo obra Pajarito.

81
• Debido a que la obra es un poco rápida, es importante tener los ritmos dentro de un tempo
estable, de manera que puedan ser claros y conscientes, y puedan ser articulados con las
sílabas propuestas para luego subirle el tempo y que no se pierda la noción del pulso.
• Las sílabas neutrales favorecen que se entiendan cada una de las células rítmicas. “Tu-
ram-ta-ka” tiene como característica la letra “m” que hace referencia a la nota que se
alarga y es más fácil hacerla con los labios. “Ti-kum-ti-ka” presenta la misma la
característica de la “m”, sin embargo, se entiende que es un ritmo más corto por tener 4
sílabas. En cuanto a “pa” y “ti”, se utiliza en todas las voces para resaltar el tercer y
primer tiempo. (color azul y amarillo).
• La articulación en staccato refuerza la intención que tienen las sílabas; en el caso de la
letra “m” hace que la boca cierre de una vez y no quede sonando la vocal (color verde)
C. 25. Este ritmo se presenta desde el comienzo C. 25. Empieza en la voz 1 y más adelante
de la obra hasta el final con las mismas sílabas y pasa a la voz 2.
articulaciones.
82
C. 38. Esta célula se repite con texto en todas las C.65. Desde el compás 65 empieza un ritmo
secciones de la obra. que va a pasar luego por todas las voces.
Tiene una articulación en legato.
Tag de ritmo obra Rondel
Figura 16: Partitura tag de ritmo obra Rondel.

83
• La entrada de las voces en la obra es anacrúsica y normalmente las melodías tienen
síncopas, lo que a veces genera que se pierda el pulso, por esto, al juntar las melodías de
las dos voces, es importante tener en cuenta cuál es el tiempo fuerte. Por lo anterior se
hace necesario un trabajo en la consciencia del pulso mediante la división rítmica.
• Con respecto al texto, únicamente se están utilizando sílabas neutrales las cuales permiten
reconocer las células rítmicas. Hay acentos en “ta” y un menor volumen en “ti”.
• En la primera parte del tag hay dos melodías (voz 1 y 3), las cuales son las que tienen que
escuchar y seguir el tempo que está marcado por la voz 2, con unos acentos en el primer
y segundo tiempo. Más adelante cambian los papeles y solamente la voz 2 hace la
melodía.
C.19. Melodía en la segunda voz.

C.19. En la primera voz la melodía.
CC.22-24. Melodía en la primera voz, que es
el motivo
84
Tag de ritmo obra A la orilla del río
Figura 17: Partitura tag de ritmo obra A la orilla del río.
• La primera y tercera sección de la obra se caracteriza por hacer una imitación con la voz
de los instrumentos, es por esto por lo que el ritmo es el aspecto que hay que tener claro y
seguro a la hora de la interpretación.
• Cada una de las células rítmicas esta diferenciada por las sílabas neutrales. La primera
“dun” en donde la boca tiene una posición cerrada y la idea es pasar por la vocal “u”, es
decir, que el sonido no se quede en la vocal, sino que pase hasta una “n” corta. Esta
sección utiliza las consonantes como un recurso de percusión con la voz, más que para
hacer una melodía. La articulación propuesta permite que se refuerce la idea del sonido
de percusión; la ligadura, el contraste con el carácter rítmico que se trae, y los acentos
para enfatizar el primer tiempo (color verde).

85
• Hay elementos de pregunta y respuesta en las voces por lo que es importante que se
entienda el orden, con ayuda de la articulación propuesta es posible entender la entrada
de las voces.
• En los últimos dos compases del tag, se utiliza la sílaba “dan” para hacer referencia al
primer pulso, y luego la sílaba “dun”, que tiene un ritmo que se va a encontrar mucho en
la partitura. En el último compás, la primera sílaba “dan” ayudara a reforzar el ritmo del
“dun”, cuando esta se haga en la mente.
C. 8. En todas las voces se encuentra la
CC. 41-4. En las voces 1 y 2, en la última sección síncopa.
aparece este ritmo.
C. 13. Desde el compás 13 hasta el final de la obra
es recurrente este ritmo. Empieza en la voz 2 y 3,
y más adelante es posible distinguirlo en la voz 1
y 2.
86
Tag de ritmo obra Chandé
Figura 18: Partitura tag de ritmo obra Chandé.

87
• Es una obra que se distingue por la variación de los ritmos en la última sección; aparecen
nuevos ritmos y se retoman algunos que se tienen desde el principio de la pieza con el
acompañamiento del piano.
• El texto permite reconocer cada uno de los ritmos a trabajar, en este caso todos tienen
alturas. En la partitura hay una parte para un solista que tiene voz hablaba, sin embargo,
en el tag todo se trabaja con alturas para tener una colocación y articulación en la voz, de
tal manera que la voz hablada no signifique que no hay una intensión e intensidad en lo
que se dice (color azul).
• Las partes en donde se hace el mismo texto en el tag, son importantes ya que, en cuanto
al carácter, tiene que notarse que es una parte diferente y que está resaltando el texto, es
por esto por lo que esas partes sí se hacen con el texto en el tag.
CC.99- 102. En todas las
voces empieza el
acompañamiento para la
parte del solista.

CC. 103-108
En la parte del solista se encuentran líneas
con voz hablada y voz cantada.

88
C. 56. Hace parte de la sección que se identifica C. 7 y 44. Aparece esta melodía en todas las
por ir aumentando la textura con la entrada de las voces con el texto. Más adelante la melodía
voces. se mantiene y cambia únicamente el texto.
6.1.2 Estrategias metodológicas. Para cada uno de los tags se tuvieron en cuenta ciertas
estrategias para abarcar de la mejor manera la herramienta, independientemente del grupo con el
que se trabaje. Lo primero que hay que tener en cuenta, es que el educador tiene que cantar cada
una de las melodías del tag y sabérsela bien para que pueda determinar posibles errores cuando el
coro repite. Esto permite que se tenga un completo dominio de la frase, y aunque son muy cortas,
es importante que se reconozca la de cada voz. Cada tag tiene una melodía principal, por lo que
es importante reconocer cuál es esa melodía para que las demás voces la tengan en cuenta y
entiendan cuando están en el rol de acompañamiento o de voz principal; esto no quiere decir que
una voz sea más importante que la otra, sino que se trata de entender que todas las voces tienen
un papel musical distinto, por ejemplo, haciendo una dinámica o articulación en un momento
específico, y por ende las voces todas son igual de importantes.
Cuando el educador va a utilizar los tags es importante que tenga en cuenta la generalidad de
la partitura, es decir, que se haga un análisis de cuáles son los aspectos en los que su grupo o
coro necesitaría trabajar para que pueda ir a los tags y reconocer los mismos. Esto hará que
aproveche más cuales son los tags que apuntan al desarrollo de habilidades musicales específicas
tanto para la pieza que se va a trabajar como para otras piezas que tengan conceptos similares.
89
De la mano de lo anterior va el determinar el nivel del coro, ya que esto permite reconocer cuales
son las voces que requieren de más tiempo o de menor tiempo de aprendizaje, y la idea es
empezar por esas voces que necesitan desarrollar mejor la audición. Aunque los tags están
divididos por tres voces, esto no quiere decir que, en el aprendizaje de las frases, la voz 1 se
centre solo en su línea, al contrario, todas las voces pueden cantar las diferentes líneas como
ayuda para el aprendizaje, la memorización, y el reconocimiento de las demás melodías; por lo
tanto, una vez el coro se aprende la línea, y la voz a la que le corresponde cantar cierta línea está
segura, es posible continuar enseñando una segunda voz.
Cada uno de los tags trata en específico un aspecto musical, es importante establecer
entonces el aspecto que tiene que estar totalmente claro, es decir, aunque hay materiales
propuestos en el tag, como articulaciones, tempos y dinámicas, todo tiene que apuntar al
entendimiento de la parte específica a trabajar, ya sea la armonía, la melodía o el ritmo. Para que
cada uno cumpla con la apropiación de los elementos que va a encontrar en la partitura, es
importante tener un ritmo constante, lo cual no significa que aprender todas las voces de una
vez, nuevamente, va a depender del nivel del coro, solo hay que tener en cuenta que cada frase
tenga musicalidad e introduzca cada vez más los contenidos de la pieza.
Finalmente, es importante tener en cuenta que los tags principalmente están desarrollando la
habilidad de escuchar, repetir e ir memorizando, por lo que es un proceso. Con el tiempo la
audición es más atenta, se agudiza, y las frases a aprenderse no toman tanto tiempo debido a que
se ha hecho un desarrollo inconsciente de conceptos y destrezas musicales; el educador después
hace consciente estos aprendizajes, para que el corista pueda abarcar cada vez más un repertorio
en el que pueda seguir poniendo en práctica lo ahondado y lo disfrute. Así mismo, se tiene en
90
cuenta el valor de la repetición, debido a que es un proceso que puede variar en cuanto al tiempo
de apropiación, pero que facilita notablemente el proceso de ensamble y lectura de toda una obra.
Con respecto a la duración de aprendizaje de cada tag, es posible decir que el tag de armonía es
el que usualmente aprende más rápido, ya que son melodías muy cortas y sin mucho texto para
aprender; el tag de melodía permite avanzar más en la obra, ya que tiene mayor profundidad al
mencionar las melodías que son reconocibles en la pieza musical; el tag de acercamiento es el
que cuesta un poco para la memorización debido a que se utilizan sílabas neutrales y texto, pero
una vez se desarrolla permite tener más dominio musical en los demás tags, y por supuesto, una
idea general de la obra; y por último el tag de ritmo, es el que requiere más atención por parte del
coro, porque es el que permite que los demás tags se hagan con consciencia de la métrica y el
tempo que lleva cada uno.
Una vez el coro se ha aprendido los tags, es posible dirigirse a la partitura para relacionar lo
que se ha cantado con lo que aparece allí; es posible que empiecen a reconocer fragmentos por el
texto, es por esto por lo que el coro se va a sentir familiarizado con la obra y será el momento
para centrarse en la unificación de secciones y en esclarecer la forma de la obra. Por otra parte,
con el fin de conocer la percepción del coro con respecto a la herramienta pedagógica y su
metodología, durante el proceso se hicieron entrevistas, formatos de autoevaluación y
seguimiento, y bitácoras; cada una de las preguntas de las entrevistas apuntan a identificar los
puntos que se tienen que trabajar de otras maneras o las cosas que posiblemente se han dejado de
lado y son importantes reconocer. Las coristas brindan información que resulta pertinente para
hacer los cambios que sean necesarios, con el fin de aportar y desarrollar la herramienta de la
mejor manera. Con respecto a lo anterior, desde el primer momento de reunión con el coro, las
coristas estaban al tanto de la investigación-acción que se iba a llevar a cabo y lo que ello
91
implicaba, es decir, tener un reporte y seguimiento del proceso; todas decidieron participar. En el
caso de la bitácora, permite dar un seguimiento consciente de cada una de las actividades
propuestas y la reacción tanto del coro, como del educador, para determinar que situaciones o
herramientas permitieron un mejor entendimiento del tag y que cosas le ayudarían más al coro.
A continuación, se presentan 4 tags, uno de cada aspecto abarcado (acercamiento, armonía,
melodía y ritmo), con el fin de mostrar la manera en que se trabajó cada uno; el impacto que el
tag generó durante todo el proceso y como se puede aplicar la metodología a otros tags. En el
siguiente enlace se encuentra una carpeta con los audios de los tags que se analizarán:
https://drive.google.com/open?id=1v9tCdWNvYHYPeyUBEoUTuL1eaAeo2tnL.
92
TAG
Figura 6: Partitura tag de acercamiento Chandé

METODOLOGÍA IMPACTO
-La primera voz que se enseña a todo el coro -Todas las voces aprenden desde el primer
es la voz 3, ya que en algún momento de la momento la base que mantendrá la voz 3 en
obra todas las voces tendrán estos motivos la obra. Lo mismo se presenta en el tag de
rítmicos y melódicos. acercamiento de Rondel (figura 4, en la voz
3).
-La voz hablada trabaja también la técnica

-Se trabaja primero la voz hablada, es decir vocal, ya que hay que hacer consciencia
primero se enseña únicamente ritmo y texto. igualmente en la respiración para
A manera de pregunta y respuesta se puede descuidarla en las partes en donde hay que
hacer la primera parte y acompañarla con mantener la intensidad. Esto también se
palmas o golpe con el pie al piso (haciendo el presenta en el tag de acercamiento de A la
ritmo del texto). orilla del río (figura 5, voz 3). Por otro lado,
el hacer el ritmo acompañado de un
movimiento corporal, permite que se tengan
un entendimiento e interiorización del ritmo
de la frase; que lo puedan sentir y que
cuando estén cantando esto en la obra, se
acuerden de esto.
-Luego se hace con las alturas y la -Enseñar cada una de las frases con el
articulación del compás 3 (staccato), lo que carácter también genera un disfrute en el
implica hacer un énfasis en la pronunciación coro. La pronunciación es muy importante,
para que se entienda tanto la articulación y más cuando se canta en español, hay que
como el texto. Los dos se complementan. Se tener consciencia de la manera de
hace énfasis en las partes en las que hay pronunciar para que se entienda. Al ser la
acentos cuando empieza el motivo en el c. 4. lengua materna es posible que no se
En este caso se puede cambiar el ritmo pronuncie bien por eso hay que hacer énfasis
93
percutido corporal y hacerlo en los muslos, en que se entienda todo el texto. Se puede
esto con el fin de entender la diferencia en tener en cuenta esto para todos los tags que
los motivos rítmicos y darse cuenta quienes tienen texto, por ejemplo, en el tag de
están haciendo lo mismo y quienes no. acercamiento de Rondel (figura 4, en la voz
2). La percusión corporal permite establecer
conexiones entre el cuerpo y lo que se esta
cantando, así como establecer un pulso e ir
todas al mismo tempo.
-Cuando esté afianzada esta parte se canta el

motivo de la voz 2, mientras las demás voces -Cantar otra voz encima de lo que esta
siguen cantando la línea 3 (se repite lo haciendo el coro, les da una idea de como
necesario teniendo en cuenta que hagan las suena todo junto. Los gestos de dirección y
articulaciones y todo el coro se sepa bien la la respuesta del coro hacia estos, permite ir
línea). Luego dirigiendo, se señala a la voz 2 estableciendo una comunicación, la cual va
para que canten la nueva parte. Luego se a ir fortaleciendo los vínculos entre el
hace una pausa para que únicamente la voz 2 educador y el coro. Esto se puede hacer en
haga su motivo. Tiene una articulación más todos los tags.
melódica, lo que contrasta con la articulación Quitar la percusión corporal para que todo el
en staccato de las demás voces, y por lo que coro escuche la línea melódica de otra vez,
se tiene que resaltar cuando el coro lo haga. permite desarrollar la escucha y la memoria.
No es necesario hacerlo con percusión
corporal, ya que las demás voces tienen esté
rol y la idea es que sean un acompañamiento,
es decir, que todo el coro escuche lo que ellas
están cantando.
-Una vez se tengan estás dos voces (la voz 1

sigue haciendo lo de la voz 2), es posible - La repetición consciente mientras se
cantar ahora lo que hace la voz 1. (En este asegura una voz permite que vayan
punto también se puede hacer sin la memorizando la melodía, y cuando se canta
percusión corporal para que la voz 1 esté por encima, es decir, un nuevo motivo, hay
escuchando su parte). Luego de repetirlo un desarrollo de la atención hacia lo nuevo
unas cuantas veces, todo el coro escucha lo sin dejar de cantar lo que ya se saben. El
de la voz 1, y con movimiento de las manos visibilizar con la mano la dirección
se dibuja la dirección de la melodía; melódica permite que sean conscientes del
ascendente, se mantiene y descendente. Con registro y de las notas (agudas o graves) que
esto hay una ayuda visual, ya que a veces se se están cantando (sin importar el nombre de
dificulta para las voces que siempre están las notas). Es posible hacer lo mismo en la
cantando notas agudas, el cambiar de registro melodía principal en el tag de acercamiento
rápidamente. Esta parte la puede hacer todo de Pajarito (figura 3, en la voz 2); así como
el coro para trabajar los cambios de registro en el de A la orilla del río (figura 5, voz 1 y
(cc. 1-3). Cuando todo el coro lo tenga, se 2).
94
escucha únicamente a las sopranos y se hace -Tomar un solo compás permite que cada
todo el tag. una tenga la sonoridad del acorde completo;
se trabaja el ensamble de las voces y la
afinación, y es posible trabajar la técnica
-Queda el último compás de las sopranos, por vocal debido a que todas las voces están
lo que cuando lleguen a esta parte, se hace a haciendo el mismo texto. Con la vocal “a”,
manera de pregunta y respuesta solo con esta como ocurre en este tag, se pueden mostrar
voz. Finalmente se toma solo el último diferentes colocaciones para probar cuál es
compás en todas las voces para verificar la la que mejor le suena al coro y con la que se
afinación y que se haga con crescendo. Todo sienten mejor ensambladas. Lo mismo
esto se muestra con los gestos de dirección. sucede en el tag de Pajarito (figura 3), en el
último compás, que hay un calderón, el cuál
se usa para el mismo fin de la colocación de
la “a”. Por otro lado, en el tag de
acercamiento de Rondel (figura 4) los
últimos dos compases de todas las voces, se
trabajan las vocales “e” y “o”; al ser la “e”
vocal abierta y la “o”, una vocal cerrada, es
importante trabajar la apertura, teniendo en
cuenta el timbre y carácter de la obra.
-Se hace todo el tag, con todas las voces ya -La unificación de la percusión con lo que se
aprendidas y con la percusión corporal, y tiene en la voz, permite el desarrollo del
cuando ya esté más seguro, se puede ir sentido rítmico y de mantener un pulso
subiendo el tempo cada vez más. Es posible estable. La creatividad también juega un
que cada una de las voces también proponga papel importante, al preguntar por otras
un movimiento para su línea. Siempre se maneras de hacer el ritmo en el cuerpo. Esto
marcan las entradas y se recuerda las se puede hacer con todos los tags de
articulaciones por medio de los gestos de acercamiento, por ejemplo, en el tag de
dirección. acercamiento de Rondel (figura 4) en la voz
3, es posible hacer el pulso con todo el coro
y que solo la voz 3 responda la parte
melódica. Las entradas en todos los tags
tienen que ser claras por medio de los gestos
de dirección, depende del carácter de estos,
así mismo entrará el coro; por eso es
importante tener claro el que se manejará
durante la obra para que el coro se vaya
acostumbrando al mismo.
95
TAG
Figura 9: Partitura tag de armonía obra A la orilla del río.

-Se canta primero la voz 1; todas las voces -Cuando el educador canta y el coro hace el
repiten. Se puede hacer en dos partes; del pulso, se está trabajando el reconocimiento
compás 1-4 y del 5-6. Mientras se le pide al de este en todas las voces, con el fin de que
coro que haga el pulso con palmas. Más todo el coro entienda cuál es el tempo. Este
adelante que se haga con el ritmo que se esta tag de armonía es diferente a los demás
cantando. Es importante identificar si es debido a que, al principio de la obra, se
necesario dividir en dos el fragmento, o se mantiene un pulso estable y el ritmo
puede hacer como uno solo; cualquier sea el armónico tiene la división del pulso
caso que quede completamente claro el pulso (corchea). En la segunda sección de la
y el ritmo del texto. melodía, este ritmo armónico solo lo tienen
las voces 2 y 3; la voz 1 tiene la melodía
principal la cuál se caracteriza por las
síncopas. Por esta razón el pulso tiende a
perderse dentro de este contexto, hasta la
sección 3 y última, en donde vuelve a hacer
división del pulso. Este tag permite que en
todas las voces haya una interiorización de
la armonía con el ritmo que se va a
encontrar en la obra, y que, en cuanto al
carácter, que el tag mantenga un tempo
adelante, ya que suele quedarse atrás por el
texto; por esto es se usa intencionalmente
estás sílabas, porque la obra tiene ciertas
pronunciaciones que pueden hacer que
suceda la mismo. En contraste, en los demás
tags, por ejemplo, en el tag de armonía obra
Pajarito (figura 7), hay un pulso claro y no
hay división de este, debido a que la obra
tiene puntos claros de encuentro (primer
tiempo) en cuanto al tempo, y no hay
necesidad de establecer la división del pulso,
ya que la voz 2 y 3 están continuamente
haciendo énfasis en el tercer y primer
tiempo.
96
-Se canta y se invita a las voces a cantarlo, -Se desarrolla la escucha activa y la relación
una parte mantiene el pulso y otra parte del rítmica, en cuanto al pulso y al ritmo del
coro hace el ritmo. texto.
-Cuando la voz 1 ya se aprende su parte, con -Al enseñar con las articulaciones se va
las articulaciones propuestas, se enseña la dando a conocer también el carácter de la
voz 2, mientras la voz 1 y 3 siguen cantando. obra que se va a trabajar. En el tag de
Se repite unas 3 veces y luego se hace armonía de Chandé (figura 10), en los
únicamente con la voz 2, para confirmar que primeros dos compases hay notas que están
no hay confusión rítmica o melódica (en este en legato; también da una idea en el lugar
punto es posible quitar las palmas). Cuando para respirar. Por otro lado, el trabajo en
esta voz ya tiene clara su línea, es posible equipo se evidencia cuando otras voces
continuar. Por otro lado, en caso de que haya pueden apoyar una línea melódica que se le
alguna confusión cuando se hacen dos voces, ha dificultado a otra voz. En el tag se
la voz 3 puede ser el apoyo en cualquiera de muestran los posibles motivos que haya que
las dos voces para que se la aprendan. Por reforzar, por medio del unísono; por
ejemplo, la voz 3 se puede dividir, y unas ejemplo, en el tag de armonía de Chandé
hacen la voz 1, y otras la voz 2. (figura 10), en el compás 2 y 3, las voces 2 y
3 están haciendo los medios tonos
descendentes.
-Cuando se toma una voz a parte, el coro

-Luego de comprobar que todas las voces también está poniendo atención a lo que
tienen su parte clara, y se enseña la voz 3 y están cantando y haciendo un
se vuelve a hacer énfasis en las acompañamiento, en este caso percusión
articulaciones. Se escucha solamente a la voz corporal, por lo que todo el tiempo están en
3, para comprobar que la línea es clara. Se el papel musical de acompañamiento.
pide que la canten una vez mientras el resto Debido a que el tag de armonía no maneja
del coro está haciendo la percusión corporal; una melodía principal, se puede recurrir a
es posible cambiar de palmas a muslos o a movimientos corporales diferentes para cada
chasquidos. Al tener las tres voces, es posible voz de manera que expresen cuando una
hacer el tag completo una vez. melodía tiene una dirección ascendente,
descendente o se mantiene. Por ejemplo, en
el tag de Rondel (figura 8), la voz 1 tiene
una melodía ascendente, que después se
mantiene y luego desciende un tono.
-Las sílabas neutrales que tienen la

-Se empiezan a enfatizar ciertas consonante “l” como “la”, suelen atrasar un
articulaciones. La primera de ellas, que es la poco el tempo, por esta razón, se enfatiza en
del segundo compás, se puede hacer con pensar en la vocal “a”. Al hacer la sílaba
palmas con el compañero, ya que está en “ra”, suele hacer un poco más rápido por eso
staccato, y esto aportará a sentirlo se alternan las dos, con el fin de llevar esta
corporalmente. En cuanto al texto, debido a consciencia de la pronunciación a la
97
que sus sílabas no son consonantes partitura. También hay un trabajo de técnica
explosivas, la idea es mantener un tempo como sucede en el tag de armonía de
estable y no quedarse en la letra “l”. Pajarito (figura 7), en el que tiene la sílaba
“lu”, la idea es dirigirla de una vez a la vocal
y luego pasarlo al texto con las sílabas de la
palabra “pajarito”, es así como se esta
trabajando primero la colocación en una
vocal cerrada como la “u”, y luego se alterna
con la vocal “a”, “i” y “o”.
En el caso del tag de Chandé (figura 10) se
trabajan directamente las vocales, y va desde
la más cerrada hasta la más abierta,
generando una consciencia en el coro en
cuanto a la apertura y el sonido de cada
vocal.
-La siguiente articulación está en legato; al

ser contrastante con lo anterior, es posible -El coro va diferenciando cada vez más el
entonces hacer las mismas sílabas neutras, staccato y legato, y hace uso de otros
para esta parte, con esta articulación, recursos como el acento. Esto también se
pensándola más “cantábile”. Cuando ya se puede hacer en el tag de Pajarito (figura 7)
tiene en cada voz estas articulaciones en donde se puede mostrar con los gestos de
propuestas, es posible continuar. En el dirección diferentes acentuaciones,
compás 4, se tiene una combinación de estás fortaleciendo la respuesta del coro frente a
dos articulaciones debido al acento, hay que los gestos; esto aporta a afianzar cada vez
tener cuidado que no sea un staccato. Para lo más el vínculo entre el educador y el coro.
anterior hay que tomar solo este motivo
(segundo pulso del c. 4), y por medio de la
dirección ir esclareciendo su articulación.
-Al hacer esto unas cuantas veces, es posible

seguir con los últimos dos compases, en -Las actividades de pregunta y respuesta
favorecen que cada vez más el corista sea
donde la articulación es en staccato
capaz de imitar cortos motivos melódicos de
nuevamente. Para está parte el coro o el
manera afinada.
educador, hace el primer pulso del compás 5,
en palmas, y el coro responde en staccato.
-Finalmente hay que tener en cuenta el final, -Las dinámicas son los últimos detalles del
el cual tiene crescendo y es staccato; primero tag; una vez se tienen claras las
se hace la articulación, y en otro ensayo, articulaciones que favorecen la
cuando el tag estaba más interiorizado, se interpretación del tag, es posible añadir las
empezaba con las dinámicas. Se canta todo el dinámicas. El tag es una herramienta que
tag con las articulaciones, y se sigue permite todo el tiempo el contacto visual, es
por esto que cuando ya se tiene todo el tag,
98
identificando los puntos a mejorar en cada es posible hacer las dinámicas propuestas, o
una de las voces. los cambios repentinos de las mismas con
diferentes articulaciones, todo esto con el fin
de confirmar que el coro sabe cómo
ponerlos en la voz, está prestando atención y
entiende los gestos; y, por otro lado, que
pueden cambiar ciertas articulaciones y
tener flexibilidad en cuanto a la
interpretación.
-Cuando ya se ha repetido varias veces el tag

-El trabajo con los timbres de cada una de
a lo largo de los ensayos se va trabajando el
las obras, permite la experimentación con
timbre que se quiere. Dependiendo del coro,
diferentes sonoridades y también el
es posible trabajar esto cuando se está
reconocimiento de ciertas sonoridades
enseñando la melodía, sin embargo, es mejor
tradicionales del país. En el tag de armonía
esperar a que el tag esté completamente
de Pajarito (figura 7), al ser de la región de
interiorizado para que el coro después se
llanos, el sonido tiende irse hacia la
centre únicamente en la producción vocal
nasalidad y con vocales con una apertura
que requiere cada una de las obras. En esta
vocal horizontal; es importante experimentar
obra el sonido no es redondo ni nasal; se
con el coro para manejar un balance; en el
puede pensar como un sonido brillante con
caso de Rondel (figura 8) un bambuco de la
vocales de apertura horizontal.
región andina, el sonido es más redondo,
con un carácter más “intimo”, pero sin
perder la intensidad. Finalmente, en Chandé
(figura 10), un ritmo de la región del caribe
es importante balancear y tener un punto
medio entre la brillantez del sonido y la
colocación de las vocales, ya que, como esta
voz tiene secciones que se asemejan a la voz
hablada, es importante no dejar que se haga
como la “voz hablada”, sino que mantenga
un color y una articulación muy rítmica, la
cuál hacer referencia al ritmo chandé. Por lo
anterior, el coro empieza a diferenciar y
reconocer las diferentes sonoridades que
puede hacer en conjunto, y los timbres que
cada una también experimenta con su voz.
99
TAG
Figura 12: Partitura tag de melodía obra Rondel.

-Se toma primero el ritmo hablado de la voz -Cuando el coro hace palmas o algún otro
2 y 3. Se enseña a todo el coro. El educador acompañamiento corporal que evidencia el
puede hacerlo con palmas e invitar al coro a pulso, empieza a relacionarse con el pulso
que también las haga, para que sea evidente que trabajará en la pieza (por ejemplo, se
lo que viene después del pulso. Primero se puede hacer esto mismo con el tag de
enseña la primera frase (c.1-4). melodía de Chandé, figura 14), y cuando
canten, cada uno tendrá el pulso más
interiorizado.
-Dividir las frases permite que vayan

-Al hacer la frase completa tres o cuatro trabajando su memoria, y luego juntar los
veces, se pide al coro que la repita; están en fragmentos. Esto se puede hacer con la
ritmo y texto con voz hablada. Es posible que melodía que está en la voz 3 (c.8) en el tag
el final de la frase no esté muy claro, es por de melodía de Pajarito (figura 11). Así
esto por lo que es posible dividir en dos la mismo, se trabaja por partes para que más
frase. Se toman entonces los dos primeros adelante el coro no tenga alguna confusión
compases, se hace como pregunta y rítmica. Por otro lado, va a depender de que
respuesta. Cuando ya está la frase clara se tanta información tenga la frase, por
pasa a la siguiente parte y se hace el mismo ejemplo, en el caso de A la orilla del río
proceso. (figura 13), hay tres frases las cuales no
necesitan tener una separación interna, ya
que su dirección musical es clara.
-Para visualizar las partes en las que hacen -El movimiento favorece que se relacione la
“tu”, el coro puede poner un pie adelante, de voz con el cuerpo, así como esclarecer de
esta manera relacionan corporalmente lo que manera visual el ritmo. En el tag de melodía
están haciendo y en el momento en que todas de A la orilla del río (figura 13), se puede
tienen que hacerlo. hacer lo mismo, pero en este caso sería en el
primer tiempo para que se mantenga el
100
tempo. En este mismo tag, se diferencia de

Rondel porque tiene el texto, es decir, no se
utilizan sílabas neutrales, por esta razón hay
que tener cuidado en la pronunciación y
hacer el ritmo tanto del texto como el pulso;
la idea es buscar siempre el movimiento
corporal.
-Enseñar el ritmo primero permite que el

-Se enseña ahora la melodía con alturas,
coro tenga una claridad en cuando al pulso,
nuevamente con un pie adelante cuando se
y para que se acostumbren y no se
dice “tu”. Al hacerlo con alturas, si hay
confundan cuando tienen otra voz, haciendo
alguna confusión, se puede dividir
otro ritmo y otra voz, como sucede en esta
nuevamente la frase en dos. Lo importante es
obra. El visualizar cuando hacen una sílaba
que el ritmo de la melodía quede claro, ya
específica, también puede usarse cuando
que es el que más se dificulta en la partitura.
hacen un mismo ritmo y texto todo el coro,
por ejemplo, en el tag de melodía de
Pajarito (figura 11), del compás 1-5, hay
momentos en donde la voz 1 se queda sola
por lo que eso puede significar que se hace
solo movimiento cuando está todo el coro
junto. El ritmo puede ser el que están
haciendo con la voz. Igualmente, en el tag
de A la orilla del río (figura 13, cc. 11-15),
hacen el mismo ritmo y letra, y además
están en unísono.
-Una vez se tienen estas dos líneas y se -Todas las voces aprenden todas las partes y
repiten unas cuantas veces, ya sea como las escuchan continuamente, lo que
pregunta y respuesta entre el coro, o desarrolla su capacidad de cantar su línea y
escogiendo un trio que haga la melodía y el también reconocer cuál es la melodía y el
coro responde, se enseña la voz de sopranos. ritmo de otras voces; al tomar partes a parte,
Esta voz se toma a parte, no se hace encima empiezan a reconocer auditivamente lo que
de las demás voces ya que debido al ritmo sucede dentro del tag. Así mismo, hay un
puede chocar al principio y la idea es que sea trabajo en equipo que hace que todas estén
lo más clara posible. Se hace el mismo trabajando por un mismo objetivo.
procedimiento de enseñar primero el ritmo;
para este caso no hay necesidad de dividir en
dos la frase, ya que es corta. Cuando dicen
“tu”, ya se sabe que la sílaba va acompañada
por un motivo, entonces este se puede
cambiar, el coro puede proponer uno nuevo.
101
-Cuando ya se tienen estas tres voces de la -Hay entradas que se pueden tomar a parte
primera frase, se toma únicamente el primer para que haya una claridad cuando se esté
compás para afianzar la entrada y que haciendo en la partitura. Es el caso del tag
entiendan como funciona la entrada de cada de melodía de Pajarito (figura 11, c. 8), aquí
una de las voces. Se hacen las repeticiones hay una entrada de las voces diferente, que
necesarias para que todo el coro entienda la es necesario que las voces reconozcan.
entrada (en caso de la voz 1, debido a que
puede ser monótona la entrada, se puede
añadir la dinámica y de una vez ir trabajando
en ella, aunque la atención esta
principalmente en que la entrada esté bien).
-Luego se hace toda esta primera frase -Al tener frases cortas todo el coro las puede
completa. Al pasar a la siguiente frase (c. 5) aprender. Cuando son motivos más cortos
se enseña la melodía de la soprano a todo el como en el tag de melodía de Chandé
coro de una vez con las alturas, debido a que (figura 14), se puede formar una sola frase,
en este punto el coro esta más relacionado por ejemplo, del compás 1-4.
con las sílabas neutrales. Es importante
mostrar la entrada de las sopranos en el
compás 6 para que, a pesar de la ligadura,
tenga claridad de la entrada (igual que en la
primera frase), y el ritmo de la melodía sea
cada vez más común.
-Una vez se aprende todo el coro esta frase,

se hace todo el tag junto con esta frase; así no -Cada vez que se avanza en el tag, se puede
se les va olvidando la sonoridad de lo ir recordando lo anterior, de manera que el
anterior. Luego, mientras cantan la segunda coro pueda hacer conexiones de las frases y
frase de la voz 1, el educador puede cantar la no se les olvide.
voz 2 y 3, que está en unísono. Se le pide al
coro solo cantar la segunda frase mientras el
educador vuelve a cantar la nueva melodía
(esto se repite unas tres veces).
- En los momentos en que se hacen

-Se toma a parte la frase para que las voces 2
movimientos corporales, de trabaja la
y 3 la escuchen, para esta primera se hace
percepción corporal de los motivos rítmicos
ritmo y texto, a manera de pregunta y
en cada corista. Así mismo, de puede hacer
respuesta. Cuando el educador diga “tu”,
con frases en donde unas voces hacen
pueden hacer un movimiento corporal, como
sílabas neutrales y otras cantan. En el tag de
apuntar con el dedo hacia el frente con el
melodía de Pajarito (figura 11), desde el
ritmo del “tu”; hacer palmas; chasquidos etc.
compás 5, solo la voz 3 tiene texto y las
Lo importante es que todo el coro esté atento
demás sílabas; se pueden poner
y se vaya aprendiendo la nueva combinación
102
de sílabas, la cuál favorece también las movimientos que hagan visible estos
alturas de la melodía. momentos de diferencia en el texto.
-Luego de repetir esto y que el coro lo tenga -El reconocimiento de las partes melódicas
claro, se canta la melodía. Para esta parte se ayuda a la afinación, de esta manera se va
puede hacer completa la melodía y que el afianzando el unísono del coro. En el tag de
coro se la vaya aprendiendo, sin embargo, a melodía de A la orilla del río (figura 13, c.
partir de la segunda parte de la melodía (c. 8), empiezan a hacer la armonía las voces,
7), suelen poner otras notas, por esto es por lo que también se puede tomar estos
recomendable cantar únicamente la primera fragmentos y que el coro escuche la
parte y que ellas repitan. armonía, mientras cada una canta su línea; la
idea es hacerlo por debajo del tempo
original para que cada una escuche como
suena, es incluso, se pueda trabajar técnica
vocal.
-Cuando ya se tienen las dos frases -La atención hacia la persona que los esta
aprendidas, se hace toda la segunda frase con dirigiendo es vital, la comunicación está
todas las voces. Aquí el educador puede tener todo el tiempo presente, por lo tanto, el
la opción de practicar la entrada tomando educador puede llamar la atención haciendo
únicamente el compás o pidiéndoles a las las entradas sin necesidad de tomarlas a
voces 2 y 3 que estén atentas a la entrada que parte. Por ejemplo, en el tag de Chandé
marca el educador para que entren. (figura 14), todas las entradas melódicas son
iguales, por lo que no es necesario tomar
cada entrada a parte; con la dirección y la
atención es suficiente. Así mismo, depende
de los gestos darle el carácter de la obra a
estas cortas melodías, para que el coro
también tenga una emoción respecto a la
obra.
-Al tener toda la segunda parte, se repite unas

cuantas veces y luego se hace todo el tag. Es -Desarrollar la creatividad y expresión por
posible que sigan confundiendo algunas medio de movimientos que el coro propone.
palabras, para esto pueden hacer siempre un La sílaba “tu” también aparece en el tag de
movimiento cuando las voces dicen “tu”, ya melodía de Chandé (figura 14), en la voz de
que siempre se encuentran con la voz 1. Por las sopranos (c. 7), quienes al principio
otro lado, es posible también notar en que tienen solo sílabas y luego texto.
partes dicen sílabas diferentes.
-Cuando el coro se sienta cada vez más -La musicalidad en estos fragmentos no se
cómodo con el ritmo y la melodía, se puede puede perder, ya que se puede caer en la
hacer más énfasis en las dinámicas y en estar monotonía de la repetición; es necesario
atentas a lo que hacen las demás voces. Para hacer dinámicas que aporten a las
103
esto se pueden hacer al frente de otra voz y articulaciones y el carácter de cada frase. En
cantar cada una su parte. los tags de melodía de Chandé (figura 14),
las notas largas tienen un crescendo (c. 4);
en A la orilla del río (figura 13), cada frase
puede tener una dinámica contrastante
(diferentes maneras de expresar una idea) y
en Pajarito (figura 11), la melodía que
empieza en la voz 2 y 3, también puede
tener una emoción, por tanto, una dinámica
que permita identificar la misma.
TAG
Figura 15: Partitura tag de ritmo obra Pajarito.

-Se toma primero el desde la segunda parte -Los contrastes en el tag son importantes
del tag, es decir, compás 6, ya que todas las para que se den cuenta de todo el material
voces empiezan de la misma manera, y que puede estar en la obra y que no les tome
aunque hay unas variaciones en la voz 3, por sorpresa ciertos ritmos característicos de
todas terminan en la misma nota y con el la obra. Trabajar desde el unísono mejora el
mismo ritmo. ensamble, se puede hacer trabajo de técnica
y hay un timbre y color colectivo que todas
reconocen. Por ejemplo, en el tag de ritmo
de Rondel (figura 16, c. 5), hay un unísono
entre las voces 1 y 3, que normalmente
dentro de una partitura están cumpliendo
con diferentes roles musicales, como el de la
melodía principal o el acompañamiento, y
para este tag es importante que se escuchen
y trabajen como una sola voz.
104
-Luego de que las voces tienen toda esta -Las articulaciones van de la mano con las
frase, que va desde compás 6 hasta el 10, se sílabas neutrales, ya que permiten que sea
hacen énfasis en las sílabas neutrales que más clara la intención en cuanto a la
utilizan en los últimos dos compases. Este interpretación. De esta manera también es
ritmo va a estar todo el tiempo en la partitura importante hacer la relación con los
y aparece en todas las voces, por esta razón instrumentos, se puede relacionar con el
es importante solo hacer la célula rítmica y sonido del cuatro haciendo el rasgueo
enfatizar en la articulación, staccato, y con característico; el arpa y el movimiento
una “k” explosiva, es decir que se sienta punzante de los dedos o las maracas y el
mucho el sonido de la consonante. Al sonido seco que se puede llegar a hacer
trabajar esto de una vez se esta trabajando la cuando el movimiento es rápido. Con
variación de la voz 3, c.8 y 9, para que la cualquiera de estas puede dar también a
articulación sea de la misma manera. conocer los instrumentos característicos de
las tonadas llaneras. En el caso del tag de
rito de A la orilla del río (figura 17), las
voces se asemejan a los sonidos de
percusión de las tamboras y las marimbas;
por otro lado, en Chandé (figura 18), la
mayoría del tiempo la voz 3 hace notas
graves en “tm”, que se relacionan con un
instrumento de percusión grave, y en los
primeros compases, la voz 1, se podría decir
que tiene una papel de improvisación de uno
de los tambores (llamador), en donde uno
“llama” y el otro responde. Con lo anterior
el coro va haciendo relaciones con la forma
en que la música coral quiere hacer
referencia a los instrumentos tradicionales
de cada uno de los géneros; esto es lo que
brinda también el carácter y la emoción que
transmiten las músicas tradicionales en
Colombia.
-Cuando el coro ya tenga aprendida esta -Cuando las voces tienen motivos igual que
parte, se va haciendo la melodía de la voz 3, cantan en otras partes se puede enseñar con
quienes normalmente tienen el rol de una misma melodía y luego se cambian las
acompañamiento armónico y hacen las notas notas, por ejemplo, en el tag de ritmo de
más graves de la obra, y por lo tanto en el tag Rondel (figura 16), el principio de la voz 2
también. Luego se le pide a la voz 3 que es un motivo que tienen las demás voces,
escuche su motivo, mientras las demás voces por lo que todas pueden empezar haciendo
cantan desde el principio la frase que se les está voz y luego las notas que les
ha enseñado. Se invita a cantar cuando ya se corresponde.
lo vayan aprendiendo. Para tener seguridad
en que las voces se lo saben, lo canta
105
únicamente la voz 3, enfatizando la

articulación que se ha visto anteriormente.
-Una vez se hace toda la segunda parte del -El decir el ritmo con la articulación
tag, se marca un tempo con las palmas, propuesta es importante para que no se
mientras todo el coro lo hace, se dice solo el pierda la intensidad con la que se hace esté
texto y el ritmo de la primera parte, sin ritmo, ya que si se utilizan solo las sílabas
alturas. neutrales es posible decirlas sin tener un
objetivo musical, en este caso, el de tener un
tempo estable y que se sienta en la
articulación que hacen las voces. El hacer
que todo el coro tenga el mismo ritmo
refuerza el pulso y permite la unificación de
un mismo tempo para el coro, por ejemplo,
en el tag de ritmo de A la orilla del río
(figura 17), los últimos dos compases tienen
el mismo ritmo, se puede utilizar también el
hacer el ritmo y texto únicamente y luego
ponerle las alturas a cada una de las voces.
Esto les permitirá relacionarse con este
ritmo, ya que se encuentra en todas las voces
en la partitura de la obra.
- Cuando hay que afianzar el ritmo hablado, -Hacer un círculo pone a todo el coro en una
se pueden hacer ejercicios de pregunta y misma posición en donde no hay división de
respuesta entra las voces, o todo el coro en voces, están siendo parte de un todo. Por
un circulo y hacer una secuencia agregándole otro lado, agregar movimientos a lo que se
un movimiento corporal a cada una de las está diciendo da paso a sentir y percibir cada
sílabas. A manera de juego, se hace toda la uno de los ritmos en el cuerpo, también da
frase y cada una de las personas tiene que paso a la improvisación, ya que el juego,
hacer un movimiento diferente al de la permite centrarse en la diversión y muchas
persona anterior, haciendo el ritmo de un veces “no pensar”, lo que hace que cada
compás. persona no se preocupe si tiene alguna
equivocación y que esté muy concentrada
para cuando sea su turno.
-El reconocimiento de las voces que tienen

- Al tener una interiorización del ritmo, se
saltos o motivos que el educador sabe que
enseñan las alturas de cada una de las voces.
hay que tener en cuenta, permiten que el
Empezando por la voz 2, la cuál tiene un
grupo apoye esta voz desde el principio. Al
salto (la-mi) que es importante tener en
ser la melodía que se trabaje primero van a
cuenta de una vez. Todo el coro hace esta
tener más oportunidades de repetirla para
tenerla clara; la voz 2 usualmente tiene una
106
parte y siguen con la segunda parte para parte melódica que aporta mucho a la
recordarla. Se repite unas tres veces. armonía, por esta razón, dependiendo de los
detalles de sus líneas es importante
abarcarlo desde el comienzo. Igual es el
caso del tag de ritmo de A la orilla del río
(figura 17) en la voz 2, en donde el ritmo
que hacen le da la entrada a la voz 1.
-Luego se pide que la voz 1 y 2 cante la -La escucha que va desarrollando el coro, se
melodía que se acaba de enseñar y que la voz va dando a medida a que se les da contextos
3 escuche su melodía. Se hace 3 veces y si en donde hay melodías por “debajo”, es
alguna ya se la sabe la puede empezar a decir, que están cantando otras voces, y ellas
cantar. Si es necesario se toma la voz a parte tienen que escuchar y repetir lo que canta el
para confirmar que no haya ninguna duda. educador.
Cuando ya esté completamente afianzada la
parte se hacen las dos partes de tag,
nuevamente para la unificación de las partes.
-Una vez las voces estén más seguras con sus

líneas, se enseña la voz 1, que tienen una -Es posible reconocer las líneas melódicas
melodía más “predecible”. Se enseña que tienen grados conjuntos y por lo tanto
solamente para ellas, ya que el coro ha estado pueden ser más fáciles de aprender, como en
repitiendo mucho y es importante tener un el tag de ritmo de Rondel (figura 16), en la
balance. Cuando ya tienen clara su línea se voz 1, en donde se hace vital el
hace todo el tag, siempre enfatizando en las reconocimiento del ritmo en la melodía y
articulaciones; se puede ir adelantando el que tiene grados conjuntos; en contraste con
tempo cada vez más para que se sigan la voz 3 que tiene una melodía que forma un
manteniendo las sílabas neutrales con su acorde y por esto hay que hacerlo de manera
articulación. muy consciente, ya que estos saltos se
pueden convertir en notas falsas. Por otro
lado, en el tag de ritmo de Chandé (figura
18), la parte melódica de la voz 2 tiene notas
repetitivas por que sería una parte que se
pueden aprender más rápido, a pesar de los
saltos.
107
Consideraciones pedagógicas
Es necesario tener en cuentas tres aspectos centrales para desarrollar esta herramienta a nivel
pedagógico: ambiente de aprendizaje, materiales musicales abarcados en el tag y la creación
conjunta. Dentro del primer punto es posible identificar un aprendizaje por imitación, lo que
requiere por parte del educador, el mantener al coro conectado con lo que se está cantando y
tener cierta emoción para que logre “atrapar” con la música que se trabaja. Esta parte de
aprendizaje por imitación es una responsabilidad por parte del profesor para aprender música y
no solo repetir, sino que se esté disfrutando; aunque no siempre todo el grupo va a estar es
disposición, sí depende del educador generar un ambiente en el que todas sientan que es un lugar
y un momento para aprender, más allá de las equivocaciones. Es necesario estar al tanto del
grupo y de las necesidades que van surgiendo, para irse dando cuenta de los cambios y del
progreso tanto a nivel individual como grupal. De esta manera, se busca ser una ayuda para el
coro a un nivel en el que se puedan reconocer todos los sucesos que pueden afectar, de manera
positiva o negativa al coro. Los tags permiten crear un espacio en donde todos reconozcan sus
fortalezas y puntos a mejorar; al ser cortos los tags, por medio de la repetición consciente, es
posible notar el progreso. Así mismo, los espacios de reflexión y dialogo con respecto al proceso
de cada una, permiten verbalizar las habilidades que cada individuo va desarrollando y las que
poco a poco va adquiriendo. También es importante recurrir a la escritura para identificar esos
momentos en los que cada persona sintió que había logrado algo o que, por el contrario, le costó,
es decir, podrán ser conscientes de sus aprendizajes musicales.
El tag no se trata de cantar y que el coro se aprenda una melodía hasta que se la memoricen
completamente y luego ir a la partitura; primero es importante tener un objetivo para cada uno de
108
los tags, porque esto permite centrarse en el ensayo con un propósito claro, ir fortaleciéndolo, y
poco a poco integrar otro. El tag cuenta con la ventaja de centrar cada voz en un aspecto
(armónico, melódico y rítmico), lo que hace que todos estén de alguna manera conectados, es por
esto por lo que se puede trabajar un aspecto e ir trabajándolo con cada uno de los tags.
Como segundo aspecto se encuentran los materiales musicales que tiene la herramienta del
tag. Se parte de que cada tag tiene una lógica, que se basa en la partitura, la cuál tiene
materiales cómo la letra, el ritmo y la melodía; el hecho de combinar los tres en un corto
fragmento hace que sea posible reconocerlos de manera más clara. Con el tag hay tiempo de
conectarse con cada voz, e interiorizar el fragmento a aprenderse, por lo que el trabajo vocal esta
presente todo el tiempo. En cada uno de los tags se mencionan los momentos en los que hay que
poner más atención para que el tag favorezca la apropiación de lo que se encontrará en la
partitura. Lo anterior está completamente relacionado con el trabajo de técnica vocal, es decir, es
posible trabajar todo el tiempo la consciencia en hacer las vocales, el sonido, la respiración etc.,
todo esto hace parte de una técnica vocal consciente. Lo más gratificante es poder hacer esto
antes de abarcar la obra, para que ya se tenga la colocación lista y que el coro distinga los
aspectos que deben tener en cuenta a nivel de sonido, y como esto se traduce en la alegría y
seguridad al cantar. Además, es posible trabajar el aspecto corporal, ya que cada tag se puede
conectar con el cuerpo con actividades que hagan relación a ritmos en manera de pregunta y
respuesta, marcando un pulso o su división, incluso, bailar; la apropiación de cada tag en el
cuerpo demuestra que se tiene un avance significativo en el tiempo que duran aprendiéndolo. En
cuanto a las dinámicas y el carácter, el tag siempre brinda la posibilidad de variar y modificarlo a
manera de ejercicio, esto también favorece el establecer una emoción para cada una de las obras,
desde el primer momento.

109
Como último aspecto, la creación conjunta que se dio gracias al tag fue el reconocer
primero, que hay diferentes modelos y técnicas para cantar, es así como se puede explicar varias
formas y maneras de cantar, y entre el coro encontrar la que mejor le funcionara a cada una; lo
que si tenían de común todas era el cantar sanamente, es decir, sin que doliera, ni se tuviera que
hacer un esfuerzo que implicara tensión. También el tag permite que todo el coro tenga una
participación y por esto fue posible hacer actividades que las involucrara a todas; era posible
improvisar un ritmo mientras se cantaba, hacer una melodía alterna, cantar y hacer diferentes
pasos para bailar. Finalmente se creó CCCA, que hace referencia a los aspectos para tener en
cuenta al cantar. Constancia, control, consciencia y activación, surgió de reunir las palabras que
más les decía y lo que se hizo fue agruparlas; esto fue lo que al coro le funcionó para que cada
vez estuvieran cantando sanamente y con una buena emisión y producción vocal, por lo que cada
grupo puede encontrar las palabras claves que deben tener en cuenta.
6.2 Impacto
Se pueden reconocer cuatro ámbitos de impacto por parte de la herramienta pedagógica:
musical; motivacional y relacional.
Impacto musical
En el impacto musical se destacaron tres aspectos: trabajo de la memoria y concentración, audición
y el uso de términos musicales. El primer punto tiene que ver con que antes de abarcar las obras,
se aprendían los tags, es decir, no tenían partituras, lo que hace que se concentren más por escuchar
las melodías. Una mamá menciona: “es la primera vez que estoy en un coro y cuando supe que era
con partitura, la verdad, me estresé un poco, pero he aprendido que uno puede cantar sin partitura;
no hay necesidad de la partitura, sino que es importante toda la metodología que ella nos ha
110
enseñado y eso es lo que me ha ayudado a salir adelante porque pienso que lo he disfrutado
bastante”.
La idea de cantar sin partitura dio paso a que las coristas recurrían a su creatividad y
conocimiento propio para aprenderse las partes: algunas utilizaban gestos; se imaginaban una
escena; hacían movimientos con las manos etc., como guía para ir memorizando las frases. Esto
también dependía del nivel musical de cada una, al ser frases cortas algunas se las aprendían más
rápido que otras, sin embargo, individualmente era posible reconocer que cada una recurría a un
método propio. Con respecto a lo que una corista reconoció que le funcionó en el ensayo: “le puse
más entusiasmo a cada actividad y traté de estar muy concentrada”, puedo afirmar que la
concentración también requería de una actitud, y por eso se hacía un enfoque con respecto al
cuerpo y el funcionamiento de este en el proceso que involucra el canto; cómo percibían el cuerpo
también era importante para que se apropiaran de lo que estaban cantando. Todo el tiempo se tenía
la atención en el cuerpo generando así una constante conexión con lo que se hacía y se aprendía
en los ensayos. Una corista menciona: “hoy aprendí que teniendo más consciencia de los
movimientos puedo sonar mejor”. Muchas mencionaban sentir el gozo de poder experimentar la
música tanto a nivel vocal como corporal desde el primer momento del ensayo, es por esto por lo
que sí vale la pena el encontrar y trabajar a manera de “ritual”, ejercicios que conecten y nos hagan
ser conscientes de las funciones del cuerpo para empezar el trabajo coral.
Una ayuda que vale la pena resaltar, fueron los gestos de dirección, es decir la memoria
también recuerda ciertos movimientos y los relaciona con lo que se está cantando, por
consiguiente, el tag permite que el educador esté muy presente y sea un guía constante al cantar
cada una de las voces; es quien dibuja las melodías y clarifica el ritmo por medio de su dirección.
111
El segundo punto tiene que ver con el desarrollo auditivo. Al ser un ejercicio de escucha, es posible
notar que al final el coro va teniendo mejor retentiva de las melodías, funciona como un
entrenamiento auditivo. Por esta razón, no solo se esta entrenando el oído para una sola melodía,
sino para aprenderse diferentes melodías y ser capaz de escuchar lo que están haciendo las demás
voces mientras cantan; esto hace referencia a tener una escucha activa, la cuál es necesaria al
momento de unificar sonido o color en el coro. Comenta una corista: “hoy aprendí a escuchar más,
ya que normalmente leo las partes que me toca, en cambio hoy que no todo estaba escrito, tuve
que escuchar más”; otra menciona: “a mi me han ayudado los tags porque ayuda a introducirme
en la canción y para mi es muy importante el oído, yo escucho bastante para luego entrar en la
obra y eso me ha servido bastante”.
El crear la consciencia de que están cantando con más personas a su lado, les ayudó a
reconocer melodías que estén haciendo otras voces y no confundirse; una corista dice: “A mi me
ha servido muchísimo la parte de los tags, porque me ayuda a meterme mucho en la parte armónica
que es muy importante porque a veces, como trabajamos tantas obras, a veces es difícil tenerlas
todas presentes, entonces los tags me han servido mucho. También aprenderme las voces de las
otras cuerdas, porque eso lo ayuda a uno a tener un panorama general de la obra, me ubico
más”. Con este desarrollo de la escucha, el coro cambiaba de sílabas neutrales a texto de manera
mucho más rápida, una vez tenían la melodía aprendida, era posible cambiar a diferentes sílabas,
en caso de trabajar ritmo, colocación o técnica vocal, y volver al texto sin mayor problema.
Como último impacto musical, el tag favoreció el uso y reconocimiento de términos musicales
que más adelanten se iban a encontrar en la partitura. Para las personas que no tienen un
conocimiento de la lectura musical, fue una manera muy fluida para ir entendiendo los símbolos
112
que se utilizan en la partitura y lo que cada uno significa, por ejemplo, para la articulación (legato
y staccato), dinámicas (crescendo y diminuendo; forte y piano), carácter, contratiempo, a tempo,
entre otros, lo que a su vez permitía abarcar ciertas explicaciones en cuanto a la duración de las
notas, la subdivisión, los silencios, las métricas etc. Estas articulaciones le dan una emoción y
carácter a cada fragmento, por lo que es importante entender cada una de las direcciones melódicas
y lo que quieren decir, es decir, relacionarlo con lo que está sucediendo en la obra por medio de la
letra o la dinámica propuesta. Menciona una corista: “En este proceso he aprendido cosas del
pentagrama y de música que no sabía, no sabía que era un staccato, un silencio, las siglas cuándo
hay que repetir o hay que parar, los diferentes tonos musicales y de las diferentes regiones también;
hemos estudiado todas las regiones, entonces me parece muy importante porque solamente es una
cosa sino, para los que no tenemos noción de ninguna cosa de música”.
Dentro del tag hay un desarrollo del pulso, del contratiempo y las síncopas. Al abarcar
ritmos colombianos conocidos, se puede expandir el conocimiento y la destreza rítmica para
hacer estos ritmos, por lo que también hay espacio para la improvisación; lo más importante es
que es partir de la práctica. Por otro lado, el trabajo de dirección está presente todo el tiempo, y
es un apoyo constante para visualizar cada uno de los materiales que trabaja el tag.
No era un objetivo que se aprendieran el nombre de las figuras o conceptos musicales
específicos, sin embargo, el tag dio paso para ir relacionándose con el lenguaje musical y luego
hacer conexiones con lo que veían en el papel; como expresa una corista cuando se le pregunta
sobre las herramientas o metodologías que funcionan para ella para entender mejor lo que la
directora quiere decir: “ella como tal hizo muchas metodologías que realmente me sirvieron
muchísimo. Siento que las metodologías que ella utilizó, por ejemplo, para el ritmo, y con las
113
figuras, como que ella tenía fichitas donde estaban las figuras musicales, entonces siento que eso
nos ayudó para tener más fluidez a la hora de entrar a la partitura. También otra metodología que
ella hizo era hacer unas partes previas antes de entrar a la obra, para que uno conociera la obra sin
necesidad de tener que leer la partitura, para los que no tenemos tanto conocimiento en la música”.
Este fue un proceso en donde fue importante detenernos en lo que decía la partitura para entender
la importancia de su significado, pero sin tener que depender del papel; para muchas había un
disfrute en el poder cantar sin depender de la partitura, y para otras, el poder entender cosas de la
partitura y cantarlas.
Vale la pena resaltar que, a nivel de técnica, muchas lograron tener mayor consciencia de
como respiraban, tanto para hablar como para cantar; reconocer los límites que se ponían al entonar
una nota; mejorar su producción en las notas altas y la afinación; ampliar su registro; estar seguras
al cantar y reconocer el registro en el que tienen un mejor desarrollo vocal; como lo escribe una
corista: “hoy aprendí que la posición de la lengua influye mucho en el sonido”. En un nivel de
desarrollo musical, empezaron a entender los términos musicales; ver las melodías que han
cantado, en una partitura, y relacionar ritmos y figuras musicales; entender las direcciones de las
melodías y comprender que la partitura es una ayuda para entender la forma en qué esta la obra,
sin embargo, una vez se tenga la música, es importante la conexión entre el coro y el educador
para poder extraer lo que está escrito y pasarlo a la voz. Por ejemplo, los aprendizajes musicales
de una mamá del coro han sido: “a hacer más evidente las dinámicas en la música, ser más
consciente de la vocalización, de decir las palabras y las consonantes, de posicionar la boca y la
respiración entonces me ha servido para eso”.

114
Impacto motivacional
La principal motivación del coro se dio por poder cantar música que les transmite alegría y
las hace sentir bien. Es por esto por lo que el elegir el repertorio fue vital para que las obras fueran
variadas, con diferentes niveles de desarrollo musical, que fueran algunas conocidas y otras
desconocidas. A nivel personal cada corista manifiesta una motivación diferente, por ejemplo, una
de ellas menciona: “durante los ensayos me siento muy tranquila y pues a veces no creo que haya
llegado pues a donde estoy, porque no sabía cantar, entonces ha sido un motivo muy bueno para
levantarme cada día”; otra hace referencia a: “en lo personal es como una terapia, siempre espero
que llegue el día para ir a la clase”.
Antes de abarcar un tag, se ponía música mientras llegaban, esto dio paso a actividades para
hacer movimientos que ellas mismas empezaban; hubo risas y momentos en donde todo el coro la
estaba pasando muy bien y permitió centrarse en el presente. Lo anterior también da paso al baile,
que fue una actividad que brindó energía y conexión con cada una de las piezas que se trabajaron
y también un desarrollo a nivel corporal, esto las hacía centrarse en el espacio, a pesar del
cansancio, y empezar con energía; una corista menciona el baile dentro de las herramientas o
funcionan para ella, de manera que puedas entender y comprender lo que la directora quiere decir:
“A mi me ha servido mucho cuando no entendemos un ritmo o algo así, siempre nos pone a bailar,
a repetirlo de otra forma, hacerlo con las palmas o a cantarlo; yo estudio música y me confío mucho
la partitura entonces miro mucho las notas, pero con Allison me ha ayudado a memorizar más fácil
y a desapegarme un poco de la partitura”.
Adicionalmente, el tag permite que las melodías que se van aprendiendo se disfruten, y dejen
a la expectativa lo que pueden encontrar en la partitura, y es importante que aunque no todo se les
115
va a facilitar desde un comienzo; como lo escribo en la bitácora con respecto al tag de acercamiento
pajarito, una vez logramos leer toda la obra: “como ha sido la obra que ha tomado más tiempo,
porque al principio no había mucha relación del coro con la música de la región llanera, sin
embargo, es la que más han disfrutado cuando la logran hacer. Se nota cuando cantan con
sentimiento y cuando disfrutan de las letras y las melodías”.
Además de encontrar como motivación el cantar música colombiana y el baile, el interés que
cada una tenía por cantar y aprender cosas nuevas, como lo dice una corista en cuanto a su principal
motivación y expectativa antes de entrar al coro: “mi expectativa era cantar, cantar bien, aprender
a cantar y han salido cosas que no pensaba que fueran así como tan rápido, como grabar ahorita,
para mi ha sido muy bonito todo esto”; esto hizo que tuvieran la disposición para centrarse en el
trabajo de cada ensayo y así lograr las metas y los objetivos que se planteaban para el mismo. El
darse cuenta de su progreso y de lo que la herramienta lograba en cada una de ellas las seguía
motivando y disfrutando del proceso.
Impacto relacional
El impacto se puede resumir en dos relaciones, a nivel personal y de comunidad. Estas dos
relaciones se complementan todo el tiempo, sin embargo, es importante entender lo que sucedió
de manera personal en las coristas, para después conectarlo con lo sucedido en cuanto a lo
comunitario. Todas coincidieron que es un espacio para salir de la cotidianidad, en donde se
podían relajar y tener otro tipo de experiencia musical, ya que no hay otro espacio que tenga
mucha relación con la música colombiana. Como menciona una corista en cuanto al aporte el
coro en el ámbito social que es un momento “para relajarme después de un día de rutina y pasar
un buen rato”.
116
Este proceso se trató de ir conociendo su voz y de las posibilidades sonoras que se podían
hacer con el uso del instrumento que cada una tenía, así mismo, aprender a cuidarla y a quererla.
Muchas estuvieron de acuerdo en que no les gustaba como sonaba su voz, pero a medida del
proceso fueron reconociendo y valorando su voz, lo que llevó a que el disfrute de cantar se
hiciera más intenso y significativo. Cada una reconocía su trabajo del día, las cosas que
aprendieron y lo que les había gustado, para algunas, se trató de ir perdiendo el miedo, ir dejando
a un lado la timidez y sentirse confiadas en un espacio de aprendizaje colectivo; menciona una
corista en cuanto a lo que le ha aportado el coro: “me ha quitado la pena como un poquito, o un
poquito no, me ha quitado la pena, me siento más … un poquito más realizada”.
Al mencionar el colectivo es posible identificar que fue esta comunidad la que permitió que
el crecimiento musical, personal y como coro, fuera significativo y que lo disfrutaran. Una
corista expresa: “la verdad me he sentido muy bien porque todas las personas que saben música
nos colaboran, a por ejemplo puntualmente me dicen que en cierta parte hay que repetir; al
principio fue duro porque yo no conocía todos esos símbolos, pienso que el grupo es muy
armónico y nos hemos entendido bien”. Aunque hubo momentos de tensión, el coro desde un
principio se caracterizó por ir mostrando la empatía y el apoyo mutuo; las relaciones entre mamá
e hija se veían tocadas por ciertos momentos de apertura y opinión en el coro; el establecer
acuerdos también hizo que personalmente cada una organizara su tiempo y se comprometieran;
el poder comunicar los sentimientos y expresarse hizo que el coro estuviera al tanto de la
percepción individual y así, cada una tuviera tolerancia con los diferentes procesos por los que
estaban atravesando las demás; el trabajo en parejas y el fortalecimiento de vínculos entre
amigas, hermanas e hijas. Una mamá escribe: “lo que más me gustó del ensayo fue la paciencia,
el trabajo en equipo, la colaboración y atención en todas las actividades”; y una estudiante de

117
música manifiesta: “hoy aprendí a ser más paciente con mi mamá y con las demás personas que
no saben de música”.
El coro permitió que cada una creciera como persona, que disfrutara el cantar con las demás
personas y poder armonizar o cantar una melodía a unísono, así como descubrir su potencial,
dejarse llevar por la música, y expresar sus sentimientos con respecto al proceso; como anoto en
la bitácora: “… luego de esto tuvimos una charla en donde cada una identificó cosas de su proceso
y las compartió con el grupo, por lo que fue un momento muy significativo…”. Dentro de todos
estos resultados positivos que se obtuvieron, se hace énfasis en lo mucho que se aprende del otro
y como esto influencia el desarrollo de un proceso, en este caso, de una investigación; pero más
allá, el impacto en las vidas de todas las personas que hicieron parte del grupo, y que, por medio
de la música, aprendieron a dejar a un lado algunas inseguridades y poder amar su instrumento.
7. Conclusiones
Se pudo identificar que el tag funciona como una herramienta para la introducción de las
obras de repertorio colombiano, y una vez se aprenden no hay necesidad de trabajar todos los
tags completos, sino que se pueden hacer partes específicas para el desarrollo de una destreza
musical que aporta a la apropiación de la pieza a trabajar de acuerdo con las necesidades del
proceso. Así mismo, esta herramienta que permite que el educador tenga diferentes opciones de
gestos de dirección para articular musicalmente las frases; es una herramienta flexible que
también aporta a la comunicación y relación entre el educador y el coro.
El diseño y la implementación de los tags dan paso a los aspectos para tener en cuenta en la
creación de herramientas, y una sistematización de recomendaciones pedagógicas, para abarcar
repertorio; en este caso, de músicas tradicionales colombianas dentro del ámbito coral, sin
118
embargo, también se puede dejar abierto para procesos de iniciación musical para todas las
edades; práctica de articulaciones en frases musicales; ejercicios para gestos de dirección y
apropiación de ritmos.
Fue posible reconocer el valor del aprendizaje desde la práctica, es decir, desde el cantar en
coro, lo cual permitió que se tuviera un espacio de creación de vínculos a nivel personal, musical
y comunitario. Esto a su vez dio paso a reconocer el impacto del tag en el coro a nivel musical,
motivacional y relacional; gracias al uso de instrumentos como entrevistas, reflexiones grupales,
un seguimiento por medio de la bitácora y autoevaluaciones, se pudo identificar que el tag
influyó en la manera de ver la partitura para las personas que no tienen conocimientos musicales,
y en la relación desde lo auditivo con el lenguaje musical en el contexto de la música
colombiana.
Lo anterior permite reconocer el contexto de aprendizaje no formal, debido a que se elabora
una herramienta pedagógica, que después tiene en cuenta una metodología y consideraciones
pedagógicas, las cuales tiene en cuenta el contexto y las necesidades del coro. Con respecto a
esto, se concluye que la metodología de tag es fundamentalmente auditiva; la habilidad que más
se desarrolla por consiguiente es la de la audición, y para su buen desarrollo, se tiene en cuenta el
valor de la repetición.
En cuanto al proyecto planteado como una investigación-acción, fue posible generar
espacios de constante reflexión acerca de la herramienta pedagógica, lo que permitió que se
pudiera transformar la misma, para acoplarse a las necesidades del coro, y así llegar al objetivo
de cada uno de los tags que es la introducción a una pieza colombiana desde un acercamiento
general; armónico; melódico y rítmico, facilitando unas estrategias metodológicas para

119
apropiarse del tag, por lo tanto, de cada obra. Además, el coro reconoce la importancia de
desarrollar ciertas habilidades musicales antes de abarcar una obra, ya que esto funciona como
puente para llegar a la obra coral y a la partitura, de una manera más amable y teniendo como eje
el gozo de hacer música en comunidad. Una vez aprendida la estructura formal de la pieza
musical, y gracias al trabajo consciente de los tags, cada vez hay mayor disfrute al entender
como la música y el texto se complementan, así como la conexión entre la armonía, la melodía y
el ritmo.
Finalmente, tener como referencia para el aprendizaje musical las músicas tradicionales de
Colombia, y querer abarcarlas por motivación personal, me ha permitido reconocer las
características de estas, y poder utilizar los recursos del lenguaje musical para una interpretación
y apropiación de obras que se han compuesto para formato coral recientemente. Por otro lado, el
valorar las propuestas musicales que surgen para reforzar nuestra identidad, considero que
funcionan para alentar a educadores musicales a seguir aportando a la creación de materiales,
obras, herramientas etc., con fines pedagógicos, y a su vez, para crear los contextos de
aprendizaje para que la práctica musical pueda abarcar más lugares y llegar a más personas.
120
8. Anexos
8.1 Planeación de ensayos
Ensayo #1 febrero 6 de 2019
• Bienvenida: Empezar cantando una canción
• Camión de Sandías con gestos corporales
• Fragmentos de currulao
• Explicación del proyecto de grado
• Bienvenida
• Calentamiento físico
• Preparación de la voz
• Respiración
• Emisión: mecanismos de pecho y cabeza
• Poner la voz
• La luna con dos luceros
• Pepe chiquito
Obras
1. Ay cosita linda
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2. Cartagena de Indias
3. Chandé
4. Velo que bonito
5. Currulao
Calentamiento cuerpo
• Estiramiento
• Respiración: hoja de papel, jadeo, cachetes inflados, soltar el aire lo más lento que se
pueda.
• Emisión
• Pepe chiquito: glissando, staccato, aire al final.
• Biblo: graves
• Caé: activación con la c = K
• Siempre cantando
• Guabina la Luna
• Trabajo de concentración: Camión de sandias.
Obras
1. Currulao: ritmo, solo palmas y texto mentalmente.

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Pronunciación lenta
Palma al tiempo que el texto
Solo texto
2. Maquerúle
Ensayo # 4 febrero 16 de 2019
• Preparación corporal
• Respiración
• Pepe chiquito
Obras
1. Cartagena de Indias (19-34) unión con 11-19.
2. Maquerúle: c. 27 despacio.
3. Beautiful San Andrés
• Calentamiento físico y de consciencia corporal
• Cerrar los ojos
• Consciencia de como se respira
• Estiramientos abdominales
• Preparación vocal
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• Ritmo c-61Cartagena de Indias
3. La-la Maquerúle
Obras
C.18 y c-28 ritmo y texto
Pasarla toda una vez
2. Maquerúle
C. 36 ritmo y texto.
C. 27 ritmo y texto.
C.19 ritmo y texto.
C. 21 Dicción
4. Currulao
Manejar dinámicas
Posible programa para concierto
• Cartagena de Indias
• Currulao
• San Andrés
124
• Maquerúle
• Calentamiento físico y consciencia
• Preparación vocal
• Ejercicios de respiración, empezar a reconocer las partes del cuerpo que están
involucradas en la respiración.
• Emisión: ejercicios para notas agudas, se tienen en cuenta las melodías hasta el
momento trabajadas.
4. Melodía de Cartagena de Indias y Maquerúle
• Caé, subiendo de registro.
Obras
1. Cartagena de Indias c.69 para recordar y c.65 en staccato.
2. Beautiful San Andrés c.21 Ritmo y texto
3. Maquerúle C.54
4. Currulao

125
• Objetivo: pasar el concierto y resolver dudas.
Primero preguntar ¿les gustaría hacer como concierto?
Tener en mente ¿como les puedo ayudar?
• Calentamiento físico y consciencia
• Coordinación y memorización: hacer un ritmo y ellas responden
• Emisión y respiración:
• Burbujitas
• Caé
• La Guaneña con texto dos
• El Trapiche
Obras
a. Texto y melodía
2. Maquerúle
a. Organización de las voces
b. Mirar dinámicas C.27
3. Cartagena de indias
126
a. Organización
b. Hacerla desde el principio
4. Rumba de los animales
5. La Guaneña
a. Aclarar la estructura.
6. Currulao
a. Repetición sin el segundo texto.
Pasar todas las obras
Ensayo # 8 marzo 2 de 2019
• Calentamiento físico
• Activación del abdomen
• Respiración: canción de La Guaneña
• Bocca chiusa
• Burbujas y con V
• Juego de palmas
• Emisión
• Caé: toda la canción subiendo por medios tonos (empezar en D)
• Rumba de los animales. Empezar en F

127
• La Guaneña: trabajo de mecanismos y registro grave, medio y agudo. (en F
con articulaciones y todas las estrofas)
• La la la de Maquerúle
Obras
a. Pronunciación
b. Trabajar dinámicas
Cambio de tempo c.21
3. Maquerúle
a. Hacer una primera pasada
b. Organización de las voces
4. La Guaneña
a. Mirar la tonalidad COMO
6. Currulao
a. Articulaciones y dinámicas
7. Trapiche
128
Orden del concierto
1. Rumba de los animales C
2. Beautiful San Andrés C
3. Maquerúle F
4. La Guaneña Dm
5. El trapiche
6. Cartagena de Indias Dm
7. Currulao Bm
• Calentamiento y consciencia, primero hacer una “pare” para revisar el momento presente
y centrarse en el mismo en caso de que no haya consciencia al respecto.
• ¿Como como mi cuerpo? Estirar cada parte del cuerpo, emitir un sonido y sentirlo
• “Estoy para ayudarlas”
• Emisión: ejercicio de tag
• Cantar a dos voces
Obras (organización para el concierto)
• Orden de las obras
• Postura para concierto

129
• Pasada de todo, anotar en donde hay dudas y luego ir directamente a las partes.
Rumba de los animales: dinámicas
Beautiful San Andrés
Maquerúle: movimiento
La Guanena: dinámicas
El trapiche
Cartagena de Indias
Currulao: movimiento
Concierto #11 marzo 11 de 2019
Organización de percepciones sobre el concierto
Lo que les gustó Para mejorar
Organización, puntualidad; se notaba la Revisar las instrucciones de dirección.
responsabilidad.
Calentamiento o preparación de la voz antes
Resolución de problemas en la marcha. del concierto.
Expresión corporal. Relajar el cuerpo.
Actitud de líder.
130
Últimas palabras para dar tranquilidad.
Continuar con el trabajo de consciencia del cuerpo. ¿como funciona mi cuerpo?
1. Video
2. Burbujas y preparación vocal, vocales: lulo, mango, mamei
3. Trabajo de técnica
Agudos: viva la música
Medios: canta con toda el alma
Graves: ia-ia-ia
• Unificar respiración con emisión.
• Coplas ¿de donde somos?
Obras
Cartagena de Indias, trabajo con palmas.
• Establecer normal (acuerdo del colectivo), decir un número de mínimo cierta cantidad de
personas. Si alguien falta, perjudica a las demás.
• Preparación de la voz: momento para que sigan instrucciones.
Fichas: a manera de juego ¿como le funciona mejor?

131
Por grupos: ayuda colectiva.
Verbalizar: en grupo para ayudarse
¿como pueden ayudarse entre generación?
• Frescura
• Seriedad frente a ciertas situaciones: darle la importancia que tienen las cosas
• Consciencia de lo que pasa alrededor
Ejercicios de concentración. Razón pedagógica del porqué
Obras
Pasar obras vistas de memoria en ritmo y texto.
Frase: “nadie es como tú y ese es tu poder”.
Tener formatos a la mano
Fotocopias de coplas
• Estiramiento: consciencia del cuerpo
• Juego con las fichas.
• Ritmo con el nombre
• Ejercicio de memoria, en 2 grupos
• Poner la voz con ritmo: lulo, mango, mamei. Ia-ia. Glisandos.

132
• Caé – La Guaneña: intervalos ascendentes.
Obras
1. Maquerúle: reorganización c.46.
2. Cartagena de Indias: claridad en la melodía de cada voz. C.61.
3. Ay Cosita linda: hasta compás 29. Repasar c.69.
4. Currulao: Letra #2. Reorganización para balance entre las voces.
• Llenar formato de seguimiento.
Escribir texto de Ay Cosita Linda.
• Preparación física: círculo y movimiento
• ¿Como estamos respirando?
• Ejercicio “z” Apoyo y máxima duración.
• Canta con toda el alma
• Viva la música
• Rumba de los animales
• Glissando y “ZIA” desde Bb
Obras
133
1. Feria de Manizales
2. Ay cosita linda c.30 – 17- 89
3. Velo que bonito c.19
4. Maquerúle: agudos y modulación c.46
5. Currulao: segundo texto: de memoria y luego viendo en caso de ser necesario.
6. Mirar voces y organización para Cartagena de Indias
• Concentración para el juego, adivinar que como mal.
Ensayo # 14 abril 3 de 2019
Escribir en el tablero, letra de trapiche
• Empezar con movimiento en el cuerpo, ejercicios de acción reacción.
• Un ritmo diferente cada sección con las fichas.
Preparación de la voz con sonidos:
• Hacer los sonidos que vean en la pantalla
• Diferentes timbres, colores y volúmenes.
• Cada persona hace el sonido una vez
• Cerrar los ojos e intentar adivinar el animal.
• Viva la música
• Currulao (2do texto)

134
• La Guaneña: hacer nota por nota, lentamente exagerando todas las vocales.
• El Trapiche
Obras
1. Tag acercamiento de Pajarito
2. Tag acercamiento A la orilla del río
3. Cartagena de Indias 3ra voz.
4. Ay Cosita linda c.30. Salto de G-E. Melodía de sopranos.
5. Maquerúle: tener presente todas las dinámicas.
6. Feria de Manizales, primera parte.
• 10 minutos para llenar el formato.
• Ejercicio de consciencia corporal
• Juego de ritmo: hacer un ritmo e ir acumulando una secuencia, ellas también proponen
movimientos.
• Repaso trabajo de técnica
• Viva la música
• Currulao

135
• Trapiche
• C-AF-E
Obras
1. Tag de acercamiento de Pajarito: recordar y volver a empezar en el orden propuesto para
que sea más fluido el trabajo con el tag. No se hará de una vez todas las voces.
2. Velo que bonito.
• Escribir cuatro ritmos
• Consciencia corporal: estiramiento y respiración.
• Gesticulación: exagerar vocales
• Ritmo palmas: piedemonte
• Primera parte del tag de acercamiento, melodía principal.
• Velo que bonito: gesticulación
• Maquerúle: notas altas
• Rumba de los animales, La Guaneña y El Trapiche.
Obras:
1. Tag de armonía de Pajarito
2. Tag de melodía
136
3. Tag de acercamiento A la Orilla del río
4. Beautiful San Andrés: ritmo y marcar el tiempo fuerte
6. Currulao 2do texto
7. Ay cosita linda c.73
• Cantar acercamiento, armonía y melodía de Pajarito.
• Conciencia respiración (ejercicio de mantener el papel)
• Baile
• Ensayo de repaso de las obras hasta ahora vistas
• Calentamiento corporal con síncopas (palmas)
• Preparación vocal y aspectos puntuales para trabajar en la obra:
• Glisandos dentro de las tonalidades de las obras a trabajar.
• Agudos para Velo que bonito
• Manejo de graves,
• Salto de Ay Cosita Linda c.36 e inicio de la pieza
• Feria de Manizales: salto al Eb
• Gesticulación y memoria: Currulao 2do texto.

137
Obras:
1. Tag de acercamiento, melodía y armonía de Pajarito.
3. El Trapiche
4. La Guaneña
5. Beautiful San Andrés.
• Pedir fechas de los cumpleaños
Saludo después de semana santa
Preparación para ensayos en junio
Presentación de una nueva herramienta (mapa)
• Preparación del cuerpo: estiramiento general, trotar un poco en el puesto.
• Colocación de la voz: glisandos.
• Feria de Manizales en “lu”
• Tag armonía Pajarito
• Tag melodía Pajarito
• Tag ritmo Pajarito
• Repaso del texto Currulao: voz y ritmo de memoria (ubicar en el mapa)

138
• El Trapiche con “pa” y “lu” (ubicar en el mapa)
• La Guaneña ritmo y texto (ubicar en el mapa)
• Rumba de los animales (ubicar en el mapa)
Obras
1. Maquerúle de memoria (2do y 3er texto)
2. Feria de Manizales. Texto
3. Cartagena de Indias (finalizar obra)
4. Velo que bonito. C.19.
5. Pajarito
• Llenar formato
• Pegar el mapa y títulos.
• Consciencia corporal
• Bocca chiusa: registro medio, alto y grave.
• Trapiche: coro, subiendo por medios tonos.
• Colocación de la voz.
• Tag de ritmo, melodía y armonía de Pajarito: todas hacen todas las voces.
139
• Ejercicios de flexibilidad en la voz.
• como es un tag?
• Tag de acercamiento.
Obras
1. Pajarito en partitura
3. Velo que bonito c.19 finalizar
4. Tag de acercamiento, armonía y partitura A la orilla del río
6. Ay cosita linda: melodía de sopranos
• Entregar formatos
Ensayo # 20 mayo 5 de 2019
• Consciencia del cuerpo y trabajo de gesticulación.
• Experimentación de vocales: verticales, horizontales y zona intermedia. Abarcar los tres
registros.
• Tags de Pajarito y A la orilla del río.
Obras
1. Pajarito
140
2. Cartagena de Indias c. 52
3. Ay Cosita linda c.31 -104.
4. Canto a mi abuelita
Repaso de obras
1. Velo que bonito (de memoria como ejercicio)
2. Maquerúle (de memoria)
6. Currulao (de memoria)
• Actividad con el mapa
Concentración
Escucha
• Soltar el cuerpo
• Conciencia de la voz.
• Glisandos ascendentes y descendentes.
• Vocales: ma, ve, ra.

141
Obras (Ubicar en el mapa a medida que se va viendo la obra).
1. A la orilla del rio
Tag de acercamiento: voz 2,1 y 3.
Tag de armonía: Voz 1,2 y 3.
Tag de melodía voz 1,2 y 3.
Obra: c.12 -39, c. 1-11.
2. Pajarito
Tag de melodía, ritmo y armonía
Trabajo en la obra
Repaso c.50.
4. Canto a mi abuelita
A dos voces
6. Velo que bonito
7. Maquerúle
9. Currulao con los dos textos

142
• Conciencia del aire
• Registro agudo
• Constante
• Consciente
• Controlado
• Activado
- “va- vi”: A la orilla del río como ejercicio
Obras
Tag de armonía
Ensamble de lo trabajado hasta el momento.
2. Pajarito
Tag de armonía
Unificación
Lectura completa de la obra.
3. Maquerúle
143
Recordar 2do y 3er texto
Trabajo de agudos.
Texto de memoria.
Mapa: actividad de reconocimiento de departamentos. Contexto colombiano.
• Calentamiento vocal con la sílaba “nía”: hacer diferentes sonidos, experimentar con la voz.
• Trabajo en el registro agudo y grave.
• Glisandos
• Sin glisandos.
• Con aire
• Sin aire
• Con espacio
• Brillante
• Rumba de los animales en C.
• Melodía de Ay Cosita Linda
• Inicio como ejercicio para balance de sonido.
Obras
144
1. Tags A la Orilla del río: acercamiento, melodía y armonía.
Trabajo en la obra.
2. Tags de Pajarito
Trabajo en la obra para unificación de las secciones que quedaron pendientes.
3. Tag de Rondel
Tag de armonía y acercamiento.
Repaso
1. Maquerúle
2. Currulao
3. La Guaneña
Ensayo # 24 junio 4 de 2019
• Respiración
• Cartagena de indias Dm, ejercicio de escala.
• Velo que bonito, melodía principal.
• Emisión
145
• Melodías cortas
• Trabajo de apoyo en cada una de las melodías.
• Tag acercamiento de Rondel
• Articulación y carácter en las obras cortas
• Trapiche
• La Guaneña
• Currulao: tener en cuenta la apertura para el registro agudo.
• Sin texto, solo sílabas en “lu”
• Beautiful San Andrés
• Maquerúle
• Cartagena de indias
Obras
1. Cartagena de Indias: finalizar fragmento.
2. Velo que bonito
4. Tag acercamiento y armonía de Rondel
5. Tag acercamiento A la orilla del río.

146
6. Tag de armonía de Pajarito.
Melodías que hay que seguir trabajando en la voz 1 y 2.
• Respiración consciente
• Masaje facial
• Ejercicio para los agudos con visualización física
• Hacer como si fueran a sentar
• Movimiento descendente con la mano a medida que van subiendo
• Con una compañera hacer cierta fuerza para activar el abdomen y no sentir ningún
tipo de tensión en el cuello.
Obras
1. Tag de acercamiento y armonía A la orilla del río
2. Trabajo en la obra.
3. Tag de armonía y melodía de Pajarito.
4. Velo que bonito
5. Tag de acercamiento Rondel
6. Maquerúle

147
• Respiración
• Agacharse
• Decir los días de la semana
• Decir los números
• Agregar alturas
• Agudos: La Guaneña
• Ritmo: Currulao
• Ritmo y texto: Maquerúle
Obras
1. Tag acercamiento Rondel: Tonalidad de La menor.
2. Tag de acercamiento y ritmo A la orilla del río
4. Tag de acercamiento Chandé
5. Repaso Velo que bonito
6. Tag de Ritmo y melodía de Pajarito
• Repaso de capitales de Colombia

148
• Ejercicios de respiración
• Ejercicio para cambiar de registro y mecanismo
• Pensar la nota
• Escuchar antes
• Hacer como si se emitiera el sonido
• Intervalos de cuartas, quintas y octavas
• Preparación de la voz por medio de los tags
1. Tag Pajarito acercamiento armonía ritmo y melodía
Trabajo en la obra
2. Tag A la orilla del río acercamiento armonía ritmo y melodía
Trabajo en la obra
3. Tag Rondel acercamiento armonía ritmo y melodía
Trabajo en la obra
4. Tag Chandé acercamiento armonía ritmo y melodía
Trabajo en la obra
• Trabajo de respiración consciente

149
• Pronunciación
• Voz 3 tag de acercamiento y melodía Rondel
• Voz 1 tag de melodía de Chandé
• El Trapiche hacerlo en cámara lenta.
• Voz 1 tag de acercamiento y armonía A la orilla del río
Obras
1. Rondel Voz 1
2. Maquerúle (recordar el texto)
3. Chandé
4. A la orilla del río
5. Pajarito: tag de armonía
6. Currulao
7. Cartagena de Indias: repaso
• Capitales y sus departamentos
• Conciencia en la emisión
• Bocca chiusa: registro medio y agudo

150
• Trabajo en voz de cabeza
Obras
1. Tag de armonía, melodía, ritmo y acercamiento A la orilla del río.
Revisar voz 1 y 2. Trabajo directamente en la obra.
2. Tag Chandé: acercamiento y ritmo completos.
3. Tag de Pajarito: ritmo, melodía y armonía.
4. Tag de Rondel: acercamiento, ritmo, melodía y armonía.
5. Repaso de Cartagena de Indias
• Ubicación de capitales en el mapa
• Ejercicios de agudos y espacio
• Burbujas
• V
• D
• Vi
• Ejercicios tag de ritmo Chandé.
• Consonantes
• Agudos (lero). Tag de melodía y acercamiento.

151
• Pregunta/respuesta
Obras
1. Chandé
2. A la orilla del río
Tag de armonía y unificación
3. Pajarito
Tag de melodía
4. Rondel
Tag de acercamiento.
8.2 Bitácoras y ajustes metodológicos
● Ensayo #1 febrero 6 de 2019
Al inicio no estaba muy cómoda y no sabía como empezar, ya que, sentí que era mejor presentarse,
aunque finalmente me ceñí al plan. Al cantar la canción se me olvidó un pedazo, pero en vez de
inventar decidí ver la letra para cantar todo bien. En cuestiones de afinación era inestable, ya que,
cuando ellas repetían la melodía, cambiaban cosas y me confundían un poco. Considero que puedo
estar más segura, porque sí me sentí un poco nerviosa.
A medida que pasaba el ensayo, haciendo las canciones cortas, pude notar que me estaba soltando
más, incluso no estaba preocupándome en como cantar y en sí, salía con diferentes “técnicas”;
simplemente estaba sintiéndome cómoda con mi voz. Sentí que era necesario explicar muchos de
152
los conceptos y pre juicios que se han dado en la práctica musical, por ejemplo, decirles que no
hay un solo modelo para cantar, que hay muchos y que vamos a encontrar el que nos sirva; la
división de las voces también tiene sus puntos fuertes y débiles, ya que por un lado te da una
orientación del registro en donde se mueve más la voz, pero no por estar en una voz significa que
tiene que estar siempre ahí.
Me di cuenta de que el salón había que aprovecharlo más, se puede hacer más movimiento. Cuando
estaba con la guitarra, siento que era momento de arriesgarme así me equivocara, por lo que decidí
acompañar al coro con como instrumento y ayudó a que el grupo se sintiera un poco más
acompañado.
¿Cómo estaba mi cuerpo?
No sentía ninguna tensión en mi cuerpo. Al tocar guitarra si estaba un poco temblorosa, pero no
afectó el sonido. Me sentía muy contenta y conectada con sus voces, su actitud generaba en mi
mucha alegría. A medida que íbamos cantando, siempre hacía mis apuntes y mis caras, es decir,
siempre me sentí yo. El lugar en el que estábamos me gustó mucho, sí como también me gustó la
manera en que resonó mi voz.
¿Cómo puedo mejorar?
Tener detalladamente en una hoja el orden de las obras para lo ensayos. Practicar en la guitarra, si
la voy a usar como acompañamiento. En cuanto al lugar, tener un atril o llevar uno. Al ver el video,
puedo mejorar mi postura, y ser consciente todo el tiempo ya que a veces tomaba posturas muy
“relajadas” pero no sentía que transmitieran una buena actitud; al dar instrucciones, ser más clara
153
y precisa, saber a lo que quiero apuntar; mejorar la ubicación del coro; la pieza que vaya a trabajar
que esté más clara para mi.
Empecé con un calentamiento y consciencia del cuerpo, en donde estaba centrándome para el
ensayo. Me sentía cómoda en el espacio y aunque estaba un poco cansada hice lo posible por
sentirme y estar activa. Los ejercicios los hice muy conscientemente, de manera que ellas también
lo hicieran igual; trataba de mostrar todo con la misma intensidad con la que quería que
respondieran. En algunos momentos dudaba con qué ejercicio seguir y sentía que en esto debía
tener todo más claro, ya que, perdía tiempo buscando las partituras para los mismos. A pesar de
esto, todos los ejercicios salieron bien, cumplieron con el objetivo en cuanto a lo que se pedía en
la manera de producir el sonido.
Estaba tranquila y me concentré en seguir en el diagnóstico de lectura y escucha del grupo de
manera que, hice fragmentos cortos de ciertas piezas que fueran fáciles de aprender y en donde me
daba cuenta de los diferentes niveles en los que estaba cada una. Siento que en unos momentos me
confundí porque sabía que tenía que cambiar cosas, sin embargo, tenía que seguir para ver de qué
manera podría llegar a organizar al coro y que también fuera fácil para mi escuchar y diferenciar
cada voz.
Cuando me equivocaba en ciertas notas era porque, más que la música, me estaba centrando en
como poder acomodar a las personas y diferenciando quienes podrían liderar, entonces me di
cuenta de que tenía que seguir y concentrarme en lo que estaba enseñando. Reconocí que hubo
pedazos en los que me sabía todo muy bien y no tenía que volver a la partitura en cuanto a ritmo;
había otros en los que si necesitaba corroborar cosas por lo que no me sentía muy confiada.
154
Sentí que mi cuerpo estaba sin ninguna tensión, en buena postura y transmitía seguridad en las
entradas y con los gestos.
En dividir y tener claros los aspectos sociales y de organización del coro; aspectos musicales para
que los dos fluyan y no sean excluyentes. Saber cada línea melódica y aunque a veces dudaba, me
di cuenta de que era más por pensamiento y ruidos externos, que, en sí por las notas, ya que no
eran muy complicadas.
Para el próximo ensayo entonces, queda la organización y empezar con una rutina física y luego
vocal. Es importante mantener la rutina de preparación y variar dependiendo las obras con
ejercicios de ritmo.
Al empezar me sentía segura y con buen ánimo, como no había llegado mucha gente estaba un
poco incómoda por esto, ya que, estaba a la espera de empezar; sé que no lo demostraba mucho o
por lo menos trataba de que esto no se notara tanto. Al hacer el calentamiento, estaba haciendo
cada paso conscientemente de manera que, todo lo que les decía para la respiración, era porque
también lo estaba experimentando. Por otro lado, era un poco incómodo tener que ver todo lo
planeado en el piso, porque yo sentía que esa demostraba inseguridad, sin embargo, luego puse
una silla y mejoró; aún así me cuestioné si estaba demostrando esto de la inseguridad, ya que, dos
de las cosas que escribí en la planeación no las llevé a cabo y esto me inquietó mientras leía lo que
teníamos que hacer.

155
En cuanto al grupo, sentí que lo estaba leyendo, es decir, había cosas que consideré mejor no
hacerlas, pero la verdadera razón fue porque no llevé unos papeles para un ejercicio para la
preparación de la voz, por eso me sentí un poco mediocre. A medida del ensayo, los ejercicios que
iba mostrando, ellas los imitaban igual y también, era darme cuenta de como estoy sonando, ya
que lo que hacían era imitar el sonido y las articulaciones; estaba muy segura en esta parte debido
a que lo había practicado mucho. Más adelante, empecé a sentir que por el hecho de no tener un
instrumento en el como apoyarme, tenía que estar muy concentrada y consciente de las notas para
no equivocarme debido a que, empecé a sentir sus miradas y toda la atención en mí, esto me dio
un poco de nervios y confirmaba la nota para no cantar algo que no era. Encontré necesario tener
un instrumento que me sirviera de acompañamiento, como la guitarra, y que pudiera ir afianzando
poco a poco.
En el trabajo con las obras, trataba de estar pendiente de las personas que no leían música, sin
embargo, tampoco podía poner toda mi atención en ellas, tenía que ser algo equilibrado. Al hacer
la parte del baile me sentí contenta, incluso por variar y darme cuenta de que como es otra manera
de interiorizar bien el repertorio y de aprovechar el espacio que tenemos.
Me sentí relajada corporalmente y en cuanto a mi voz, en seguir trabajando aspectos de las
canciones en donde es importante que suene con cierta potencia.

156
Quiero ser más claras con ella cuando ya tenga todas las voces del coro para que no se confundan.
Lo anterior hacía que yo repitiera muchas veces, de manera que tiene que estar equilibrada cada
voz y para que esto también cobije a todas las personas involucradas.
La parte del atril es algo que puedo mejorar, ya que es muy incómodo no tenerlo; la distinción
entre los dos espacios y seguridad en las notas de entrada es algo que es mejor tener claro para no
hacer que el coro dude; no dejar momentos de silencio entre cambios de obras.
● Ensayo # 4 febrero 16 de 2019
El día estaba pesado para mi debido a que me sentía muy cansada y con bastante sueño, sin
embargo, traté de hacer que no se sintiera mucho, pero era consciente de que no estaba en mi
100%. Al iniciar hacían falta muchas personas, entonces esto me desmotivó un poco, sin embargo,
al empezar tenía en cuenta que podría ser algo personalizado y que podía tener tiempo conociendo
y escuchando más a ciertas personas.
Como llegó gente nueva, tomé el ensayo como un repaso para varias cosas, en donde sentí que
repetía mucho, cada vez pidiendo algo diferente o sencillamente para que se lo fueran aprendiendo.
Me di el tiempo para no “correr”, en cuanto a lo planeado y más bien ir fluyendo según las
necesidades que ellas tuvieran, para así ir conociendo el ritmo de trabajo que hay y el que les podría
exigir. Cuando tocaba el piano, tenía cierta confianza en tener una base armónica y resulta
importante que tengan un acompañamiento para cantar. Me equivocaba en algunas notas, pero lo
asumí y volvía a empezar para evitar confusión. A pesar de que estaba cansada, el tiempo se me
pasó muy rápido y me di cuenta de que el repertorio variado es lo que ayuda a que se mantenga
cierta energía, y aunque no hicimos muchos movimientos, es importante que al final se haga, por
157
ejemplo, el ritmo de una de las canciones. Al final, me gustó que adelantamos más de lo planeado
de una canción.
Sentía un poco el cansancio en la cara y al cantar, sabía que en general estaba cansada, sin embargo,
cada vez pasaba el tiempo, me metía más en el momento e iba sacando las energías; fue vital
centrarme en el momento y no pensar en cuánto queda. En realidad, lo disfruté mucho, aunque
cuando terminé, sí sentí en el cuerpo las ganas de descansar.
Puede mejorar la ubicación estratégica para la afinación de otras voces y hacer un proceso de
entrenamiento auditivo.
Estaba emocionada debido a que hay programación para un concierto en la universidad y es
importante trabajar las piezas que van exclusivamente para ese concierto. Decidí ir poniendo
música mientras llegaban y empezar con Totó la Momposina; tenía planeado estirar el cuerpo, pero
la música dio paso para hacer otra actividad y sentía que era importante “despertar” a todo el coro.
Me sentía cansada, pero a la vez con mucha actitud para hacer lo planeado y que quedara todo muy
bien ensamblado. Me sentía sin afán de que se aprendieran todo rápidamente, quería que lo que se
montara fuera de manera consciente y que lo estuvieran disfrutando también. Cuando estábamos
en la primera parte con la música, surgió hacer movimientos y hubo risas y momentos que me
“despertaron” a mi también. Las había organizado muy juntas, sin embargo, para la primera parte
sentí que necesitaban más espacio, a pesar de esto, fue un buen comienzo de ensayo. A medida
158
que se iba trabajando todo iba fluyendo y me sentía muy bien al cantar las partes, me sabía las
notas y la manera en que abarqué las obras, haciendo primero ritmo y luego texto hablado, permitió
que luego se concentraran en la melodía.
En una parte del ensayo una corista empezó a llorar sin que muchas lo notaran y fue porque no
entendía nada, o por lo menos algunas cosas que estábamos haciendo específicamente en un
compás, es por esto por lo que empecé a cambiar un poco el discurso y sentí que el grupo es un
apoyo importante para ella para que no se perdiera en la partitura. Apenas sucedió esto traté de
hacer una pausa en la que se especificara exactamente en el lugar en el que estamos en la partitura
y cantar el fragmento exacto para afianzarlo. Con esto, ella empezó a sentirse mejor, no quise
exponerla al grupo porque sentí que no es algo que ella hubiera querido y se sentiría muy
incómoda, además, su personalidad no es muy extrovertida; hasta el momento, no habla mucho
frente a las demás, puede que haya algo más pero aun no lo sé. Después de esto hubo momentos
en que sentí que era una mediadora entre ciertos conflictos personales, por ejemplo, una mamá no
sabía qué voz cantaba en una obra y estaba confundida porque había anotado mal, y son cosas en
las que no me puedo meter totalmente: sus anotaciones, pero si podría asegurarme que ellas
entiendan la voz en la que cantan. Como también está la hija, ella le ayuda a ciertas cosas, pero no
me sentí muy cómoda con eso, me gustaría que ella sola experimentara un poco más.
Fue un buen ensayo, en el que en un momento se me olvidó el cansancio y sueño y estaba dedicada
a escuchar y explicar bien aspectos de las obras. Me sentía cada vez más contenta con el repertorio,
cuando lo escuchaba en ellas sonaba muy alegre; aunque de vez en cuando tenía que demostrarles
ciertas cosas de articulación, es algo que va en nosotras como colombianas. Hubo un pedazo en
Maquerúle en donde ellas consideraban que era muy alto, pero al final pude mostrarles que era
159
posible hacerlo, esto me hizo dar cuenta que hay hacer ejercicios para quitar esas limitaciones y
me emocioné mucho por todo lo que había pasado en el ensayo, tanto a nivel musical como de
conexión con el coro.
Me gustó mi postura y actitud con ellas, así como la manera en que manejé las distintas situaciones
imprevistas y que necesitaban una solución en el momento. Me tomo el tiempo para preguntarle a
cada una cómo se sintió y dentro del ensayo tener contacto visual con cada una de ellas. Mi cuerpo
a pesar de sentir cansancio al principio estaba activo para dar una solución completa, por ejemplo,
mostrar con gestos en la cara y en las manos diferentes articulaciones. Esto hace que esté activa y
me ayuda a concentrarme verdaderamente en lo que hago.
Apenas llegué organicé el salón de manera muy cerrada y junta y esto no favoreció del todo la
primera parte de estiramiento. Por otro lado, me parece importante acompañarlas con un
instrumento armónico porque siento que así muchas se sentirán más cómodas. A la vez pienso que
en las obras que voy a trabajar con los tags, este sería un objetivo en caso de que no se tuviera la
oportunidad de un instrumento armónico.
Se puede trabajar los agudos en sopranos y borrar supuestas limitaciones; empezar con música de
estiramiento y ejercitar la memoria; ya que hay un orden de voces, asegurarme de que todas lo
tengan claro para tener un balance; pedir información del ensayo al final (sentimientos etc.); hacer
un video en caso de que quieran repasar alguna de las canciones cortas que haremos.

160
Fue un día muy agitado debido a que tenía que entregar unas copias y había salido tarde de la casa
por estar esperando a mi mamá y a una tía. Desde ese momento ya estaba un poco disgustada
porque sabía que tenía que llegar a sacar las copias y me sentía incómoda llegando tarde sabiendo
que me había levantado con tiempo. Fui a sacar las copias y luego me di cuenta de que ya estaba
muy tarde, estaba ansiosa por llegar rápido y empecé a correr y llegué al salón muy agitada. Solo
pensaba en que no quería repetir eso. Apenas llegué, pedí disculpas por llegar tarde y empecé a
organizar el espacio de ensayo, ya que, no estaba de la manera que lo había pensado para que ellas
y yo estuviéramos un poco más cómodas.
Empezó el ensayo con un estiramiento muy rápido de los músculos y conciencia de la respiración,
todo esto para estabilizar la respiración que en unos casos no estaba consciente, y en mi caso estaba
muy agitada. Luego fuimos directamente a repasar lo último que se vio en el anterior ensayo que
fue Cartagena de Indias. Me emocionó al ver que había muchas personas, aunque faltaban algunas,
me animó ver sus caras y el interés; esto me hizo sentir bien y considero que es importante
conocerlas en las voces que canta cada una. Todo el repertorio trabajado fue necesario repetirlo
varias veces para que las personas nuevas se fueran acoplando, fue bueno porque ya sonaban las
armonías, sin embargo, se podía tornar desgastante para las personas que ya habían estado cuando
se vio esto. Necesité conocer a cada una de las personas y su progreso, para crear algo que no
hiciera sentir que están repitiendo por repetir, sino que puede ser por niveles.
Cuando estábamos a la mitad del ensayo me di cuenta de que aun faltaban muchas piezas por pasar
según mi planeación, sin embargo, respiré con tranquilidad porque el tiempo que le brindé fue el
necesario para que todas se aprendieran bien la forma de las obras y las líneas melódicas, esto
también permitía que estuvieran atentas a sus respectivas voces. Finalmente, me gustó que lo que
161
se hizo con las obras hizo que quedaran afianzadas y no se vio a las carreras sino en un balance de
exigencia con el coro.
No me gustó que llegué tarde por cosas que pude haber manejado mejor y por eso no pude
organizar el salón como quería. Se me olvidó pedirles que escribieran los sentimientos, sin
embargo, todavía no he sentido que sea el momento. Cambiar un poco el momento de repetición,
jugar más con las mismas frases y hacerlas de maneras que apunten al objetivo. Por último,
reconocer el proceso de cada una y enviar un audio de cierta parte de unas canciones.
Les voy a pedir una foto, que es para poner en la organización de voces que tengo, en cuanto al
concierto, para la próxima, sería dejar establecido el vestuario para el concierto y dejar la hora para
la prueba de sonido antes.
Tuvimos un cambio de salón, entonces me sentía a la expectativa de saber como era. Estaba
tranquila y aunque un poco agotada sabía que el ensayo me subía el ánimo, por eso empecé la
preparación vocal con música de San Andrés, fue algo que no tenía anotado para el ensayo pero
que siento que nos subió el ánimo en general, el hecho de bailar y reírnos un rato tratando de
coordinar el cuerpo y ejercicios propuestos en el momento. A medida que pasaba el ensayo, tenía
muy en cuenta el orden ya que, esta vez sí quería ceñirme un poco a el para lograr lo propuesto
también para el concierto.

162
Me di cuenta de que muchas miraron las canciones y no fue difícil que se las aprendieran desde el
principio. Estaba muy satisfecha con lo que estaba escuchando, sin embargo, hay que pulir ciertas
cosas, porque algunas estaban confundidas y es importante dejar todo claro. No me afanaba mucho
por dejar todo con el carácter y demás, sino que les pedía cosas muy puntuales y la respuesta podía
ser inmediata. Me inquietaba un poco una corista, que estaba un poco dispersa, pero luego se salió
y comió, era por eso por lo que su energía estaba algo decaída, aunque estaba pendiente de las
demás, esto llamó mi atención. El ambiente estuvo muy animoso y muchas estaban activadas y
con mucha energía para el final del ensayo, lo cual me pareció un buen logro. Me gustó poder
seguir la planeación y me sobró tiempo para repasar otras canciones para que no se olviden ciertos
fragmentos, solo me quedó faltando una, pero me di cuenta después de esto después, durante el
ensayo no fui muy consciente de esto.
Se habló del vestuario para el concierto y quedamos en que les iba a enviar unas imágenes para
que se guiaran un poco de la blusa. También enviar el orden del concierto y las letras de unas obras
que no tienen partitura.
La obra que no me di cuenta de que me faltaba. Me di cuenta de que también era necesario planear
como se iba a hacer el texto.
● Ensayo # 8 marzo 2 de 2019
En este ensayo estaba preparándome para dejar las obras para pasarlas y ver lo que había por
mejorar, por lo que tenía que estar atenta de la forma y del sonido; cada vez que quería repetir
algo, tenía en mente que la repetición tuviera algo diferente. Estaba muy calmada, sentía que todo
163
estaba bajo mi control, que todo lo que había planeado lo podía hacer; en un momento me senté
en el piano para acompañarlas y estuvo bien; aunque si era necesario que las estuviera dirigiendo
para especificar ciertas entradas, por lo que no me quedé en el piano por mucho tiempo.
Más adelante, sentí que las piezas no me estaban generando cierta emoción por la manera en que
estaban cantando, entonces decidí ser más enfática en las articulaciones, el tempo y las dinámicas,
lo que hizo que la interpretación mejorara mucho más y, por otro lado, estaba pendiente de que
cada una cantara su línea. Hubo un pensamiento que estuvo durante todo el ensayo: aún con el
nivel tenía que implementar los tags, así fuera muy poco a poco ya que, el coro todavía no estaba
cantando totalmente seguro a varias voces y debido a que no todas las personas que van el
miércoles van los sábados. Estaba dudando mucho de esta división porque algunas personas les
hace falta aprenderse más cosas y en otros asuntos personales no me sentía algo bien, me sentía un
poco rara.
Sin embargo, el ensayo salió muy bien y decidí aumentar una melodía en Maquerúle, que aún
estoy dudando si es para concierto o no, también será importante que el día del concierto se haga
una actividad de reconocimiento para que todas se den cuenta el coro completo. A parte de esto,
las actitudes de ver continuamente el celular me inquietan un poco y sería interesante encontrar
una manera para que esto no pase, ya que, se lo que se siente el hecho de que estamos viendo todo
el tiempo el celular. Finalmente, me gustó iniciar con una actividad corporal y rítmica, en donde
tengan que estar conscientes y atentas de su cuerpo; pude organizar bien la ubicación del coro y
estar a tiempo.

164
No me gustó que después me di cuenta de que tenía para grabar y no organicé esto bien. No me
sentía bien cuando veían el celular o me demostraban de alguna manera un desinterés por lo que
estaba pasando, en particular con las de mi edad. También estaba dejando a algunas personas
“fuera del radar” y era importante hacer todo lo contrario.
Para la próxima ir mirando el repertorio que se empieza a abarcar con los tags y a recordar a la
hora del concierto y lo feliz que estoy con ellas para este proyecto.
Al llegar preparé todo en el salón y me sentía tranquila y a la vez emocionada por el concierto que
teníamos. Por otro lado, sabía que era vital que ellas se sintieran seguras por lo que decidí empezar
haciendo un “pare”, pensando también en que me iba a servir para saber qué cosas puntuales
trabajar con ellas y así poder ensayar en cuanto a la dirección, cosas a parte para poderles transmitir
esa seguridad. Sentí que una vez hicimos este ejercicio, me ayudó a centrar mi energía y a
concentrarme en el ensayo, porque les dije que nos íbamos a centrar en el ahora y vi que a muchas
les ayudó.
Como estábamos haciendo el ensayo de acuerdo con el orden del concierto, había cosas que aún
no estaban claras en cuanto a forma, por lo que fui muy “exigente” en repetir todo para que no se
perdieran en general. Sentía que a veces no era clara por lo que me di el tiempo de repetir todo un
poco más despacio y de manera clara. Noté mucha inseguridad en algunas partes, por lo que decidí
pasarlas nuevamente y en un momento me sentí un poco ansiosa porque todo quedara bien.
Al finalizar el ensayo, ya se había pasado todo y cada una tenía su voz clara, sin embargo, no veía
ninguna emoción en cuanto a los movimientos, esto es algo que sí requiere más trabajo ya que
165
primero tienen que estar segura con su voz, las notas etc. Al final, quedé muy contenta y siempre
que termino ensayo, salgo con la mejor energía.
Para antes del concierto, quedó pendiente enviarles información del lugar del concierto.
Hacia la mitad me sentía bien y luego en un momento me pesaban los ojos y al terminar ya
nuevamente me estaba sintiendo mucho mejor.
Tener en cuenta la parte corporal y de movimiento del coro para futuras presentaciones.
● Concierto #1 marzo 11 de 2019
Durante todo el día estuve pensando en el concierto, desde temprano tuve clase y estaba un poco
preocupada porque empezaba a imaginarme que de pronto algo podía salir mal o que el escenario
no estuviera bien; era más en cuanto a logística, porque tenía clases y tenía que dejar unas listas
para que el coro pudiera entrar; los equipos también necesitaban un permiso y el lugar donde
teníamos que poner todo tenía que cumplir con ciertos requisitos. A medida que pasaba el día,
pensaba en el coro y me fui relajando ya que, empecé a confiar en el proceso que hasta ahora
llevamos, me sentí afortunada de tener esta oportunidad tanto con ellas como con el espacio.
Cuando fui por los equipos con el ingeniero de sonido, tenía que estar a la vez pendiente de que
todas llegaran al lugar indicado. Una de las coristas me llamó en un momento en donde estaba
muy ocupada con otras cosas, pero sabía que la prioridad era una corista; ella no sabía muy bien
en donde quedaba todo, ya que no es de la universidad, entonces recuerdo que respiré
profundamente y me concentré en darle las indicaciones e ir paso a paso con lo demás. Tenía que
166
estar pendiente de todo debido a que quería hacer prueba de sonido, para mirar el espacio y la
organización del coro; fue un momento de mucha intensidad en donde tenía que mantener el
objetivo de que el coro se sintiera bien y cómodo para cantar. En el ensayo todo estuvo bien,
repasamos todo y se aclararon ciertas dudas, yo no estaba con partituras ya que así me sentía más
cómoda. En un momento dudé un poco de las canciones que seguían, pero era más por los nervios
del momento, a pesar de esto trataba de estar con las manos relajadas buena postura y sin ninguna
tensión, quería transmitirles confianza y seguridad.
Al principio trabajé mucho con el coro la actitud, es decir, sonreír y disfrutar lo que están cantando.
Después en la técnica siento que no hubo mucho trabajo, sino que fui directamente al trabajo del
registro agudo para que los agudos no sonaran apretados. Al hacer esto tenía cierto afán por
alcanzar a pasar todo, sin embargo, en un momento nos dijeron que solo nos quedaban 5 minutos
entonces pensé rápidamente lo que ellas necesitaban repasar que eran las entradas de las dos
últimas canciones, esto para que escucharan como sonaban en el espacio, lo reconocieran y
estuvieran seguras al cantar. En ese momento sentí que había unas obras que estaban muy rápidas
y en el concierto iba a ser más lenta para la pronunciación; esto se lo comuniqué al coro y fue
mucho mejor y más consciente todo.
Una vez se terminó el ensayo les dije de lo que me sentía de tenerlas en el coro y del trabajo logrado
hasta ahora, que cualquier cosa me miraran para no sentirse desorientadas en el concierto, en caso
de que se sintieran inseguras. Después pensando esto, me di cuenta de que nunca había tenido que
decirle esto a un coro porque de cierta manera ya saben para qué está el director, pero en este caso,
muchas que no tienen un recorrido musical aún estaban confundidas y se empeñaban con ver las
167
partituras. También les dije que estaba muy orgullosa de ellas y cuando empezó todo sé que
muchas estaban nerviosas, pero me sonreían y eso era una buena señal.
Dentro de mí sabía que no podía dejar de lado al público por lo que quería que fueran parte de la
música que estábamos haciendo, así que estaba pensando en que canciones invitarlos a aplaudir.
Apenas empezó todo me sentí más empoderada y sabía que estaba dispuesta a dar lo mejor de mi;
respiraba profundo y daba gracias a Dios, en un momento no me lo creía, nunca pensé tener un
concierto tan rápido, es decir, en tan poco tiempo de ensayo ya tener una presentación, por esto
sabía que era importante para todas, porque en tan poco tiempo y ya teniendo una muestra colectiva
de nuestro trabajo era algo que también emocionaba y todas querían que saliera de la mejor manera.
En el momento que pasó el coro sentía las “mariposas en el estómago”, estaba muy contenta y
trataba de transmitir mucha calma al coro para que no pasaran aceleradas. Cuando todas se
ubicaron pasé, como tenía que darles las notas, estaba tomándome mi tiempo para darles la nota
indicada y para que yo tuviera el tiempo de cantar la primera frase en mi cabeza y dar el tempo
adecuado en la marcación. Pude hacer fácilmente lo de las tonalidades, siento que me estuve segura
y era algo que no me esperaba pero que en el fondo sabía que tenía debido, tanto a mis estudios
como a la experiencia musical; fue algo que me “obligué” a hacer y también me ayudó a
concentrarme a pesar de la presión del momento. En el concierto cuando hice que el público hiciera
un ritmo con las palmas en ciertos momentos, era también pensando en que el coro se relajara un
poco más, ya que las vi muy quietas, en mi caso estaba disfrutando mucho de la música y sus
voces, tanto así que me estaba moviendo y todo el tiempo estaba haciendo contacto visual y
sonriendo.
168
En el concierto alguna cantó al final e hicieron una entrada insegura pero no fue nada grave, la
música seguía y eso les hice dar a entender mientras seguía la canción, ya después esto se olvidó
y todas seguíamos conectadas con lo que estaba ocurriendo. Hubo obras que salieron muy bien y
tuvieron algo especial; debido a que era concierto, todas me miraban más y eso me permitía hacer
música con ellas. Estaba muy satisfecha, incluso en un momento preferí quedarme a solas y pude
sentir esa tranquilidad después de un concierto de cumplir con el haber transmitido la música
colombiana, hacer vibrar los corazones y despertar emociones. Sentí ganas de llorar y gritar de la
felicidad, todo salió muy bonito y mejor de lo que yo creía, ya al final sentía agotamiento y solo
quería descansar. El estar con mi mamá también fue importante y me sentí muy contenta por lo
todo lo que hemos estado haciendo.
Antes de ir a ensayo recibí muchos mensajes de las personas que no podían ir y esto empezó a
enojarme un poco porque sentí que después del concierto suelen relajarse y para mi era importante
poder hablar con todas acerca de cómo se habían sentido. Al llegar a ensayo aun sentía la energía
muy pesada y sabía que tenía que expresar lo que estaba sintiendo, organicé las seis personas que
fueron a ensayo y lo primero fue comunicar cómo me sentía con respecto a las excusas y que yo
entendía todo lo que se podía presentar, pero era importante que me avisaran con tiempo. Me sentía
un poco triste incluso en un momento pensé que iba a llorar, pero tampoco era algo tan intenso
entonces pude seguir hablando. A medida que dejaba todo esto claro, me iba sintiendo más
tranquila y cómoda. Empecé a escuchar cada una cómo se habían sentido con respecto al concierto
y para mi fue muy importante todo lo que pensaban, todo lo anotaba para poder hacer una
autoevaluación y en general aspectos para tener en cuenta para un concierto.

169
Quedé muy satisfecha con sus opiniones y me di cuenta de que era importante no bajar la guardia
y como hablé con Ana Paulina, cada vez el trabajo se va limitando y me di cuenta de que ya era
hora de implementar los tags que se van a hacer para cada obra. Durante el ensayo igual me gustó
explicarles algunas cosas en cuanto al instrumento, pero considero que en cuanto al repertorio es
siempre importante llevar contenido musical colombiano. El tag va a jugar un papel muy
importante ahí y siento que no puedo perder más tiempo para implementar la herramienta.
Relación conmigo misma
En el ensayo de hoy estaba un poco agotada, en un momento pensé en darme ese tiempo, pero
sabía que era solo un pensamiento temporal por lo que decidí dejarlo pasar y continuar. Me estaba
preocupando el no saber como manejar cierto desbalance a nivel musical, sin embargo, fue algo
que sabía que tenía que planear muy bien. Una vez llegué, empecé a hablar del acuerdo colectivo
el cómo nos iba a beneficiar a todas, aunque en un momento sentí que estaba hablando conmigo
misma porque el coro estaba disperso y no hubo respeto frente a lo que yo estaba diciendo y aunque
no me lo tomé del todo personal, si me di cuenta de que es un sentimiento que me hace sentir mal
y no me gusta. Por otro lado, estaba un poco insegura de como proseguir porque estaba muy
receptiva y algunas estaban cómodas y otras no tanto; a pesar de esto, tuve la calma para hacer
pausas y continuar. En general estuve calmada y me emocionaba en muchos momentos porque
iban aprendiendo y se iban exigiendo.
Relación con la música

170
Esta vez fue un poco más sistemático, en cuanto a que se hicieron unas obras de solo ritmo y texto,
y quería decirles que igual mantuvieran esa emoción, pero lo dejé pasar. Cuando se hizo Cartagena
de Indias de memoria, si se notó que había más sentimiento, sin embargo, es hora de empezar
nuevo repertorio y a partir de eso abarcar una parte de gramática que me parece importante ver;
así como considero que es hora de poner en contexto las obras con el mapa de Colombia y tener
en la mente un contexto geográfico. Me di cuenta de que en un momento me enredé para explicar
el pulso de 4/4, sin embargo, cambié rápidamente por otra pregunta; antes de abarcar esto hay que
hacerlo directamente con música para que no se sienta tampoco que son conceptos a parte, es
necesario que siempre haya una relación entre todo lo que se ve.
Relación con las demás
Cada vez se generan lazos más fuertes y hay mucha percepción de parte de ellas. Son personas que
se dejan guiar y dicen muchas cosas con delicadeza. Me siento muy a gusto y feliz con ellas.
Anotaciones: se dejan definidas las obras que tienen tag:
Pacífico: A la orilla del río
Llanos: Pajarito
Andina: Rondel
Caribe: Chandé
171
Lo planeado Lo que sucedió Ajustes
Abordar el solfeo Por el nivel muchas no Es importante abordar
directamente en las coplas entendían ni siquiera el ritmo primero el ritmo a partir de
una obra que el coro ya haya
manejado.
Hacer símbolos Curwen a Aún no hay claridad en la Empezar todas las melodías
dos voces entonación de las notas primero a una voz y hacer
musicales ejercicios en donde se repita
esta misma melodía.
Realizar ejercicios rítmicos Fue muy didáctico y Todo debe empezar desde un
funcionó ya que algunas nivel cero en general, así las
estaban poniendo a prueba, personas que estudian música
su aprendizaje, sin embargo, entiendan totalmente el
hubo cosas que se asumieron concepto. Esto se hace para
debido a que hay estudiantes que las que aún no entienden
de música y ellas le puedan reconocer ciertos
explicaron a las demás sin conceptos, sin embargo,
necesidad de decirles que como no es el foco del coro,
hicieran la explicación. se da como un aprendizaje
añadido, pero no es que sea

El proceso fue muy despacio
172
y era importante tratar desde necesario; fue más porque las
las bases, ya que el mamás querían aprender un
pensamiento musical no poco más del lenguaje.
estaba en todas y hacían
preguntas que para músicos

Se puede hacer como
es muy básico pero que para
aprendizaje desde el canto y
otras personas era algo
con obras que ya se han visto
totalmente nuevo. Muchas de
en clase. Tomar partituras
estas preguntas se asumen y
donde haya ritmos simples y
no me las habían hecho antes,
de ahí partir con el texto que
entonces fue un reto y me di
ya se saben.
cuenta de que muchas veces
se parte primero de la
práctica, para poder dar
definición a ciertos
conceptos. Por ejemplo, que
es un compás de 4/4, que son
barras de repetición, cómo se
cuánto dura el pulso etc.

173
En el ensayo estaba muy entusiasmada de empezar porque tenía muy claro lo que quería lograr,
entonces, decidí empezar con sentir conscientemente el cuerpo.
Estaba muy tranquila, me sentía más descansada y centrada para hacer un buen ensayo. A medida
que iba dirigiendo, me sentía más segura en lo que estaba haciendo y las instrucciones que estaba
dando, también, podía reconocer algo que vocalmente no estuviera bien y fuera incómodo para el
coro. En muchos momentos al verlas cantar, me sentía muy feliz y cada vez me daban más ganas
de enseñarles más cosas. Sentí que tenía una gran responsabilidad de que aprendieran música de
una manera fácil y divertida, ese día hice mi rutina y me sentía muy bien, cada vez más dispuesta
y con energía.
Al principio fue una relación más gramatical y académica ya que, fue un juego y me sentía bien
cada vez que las personas iban entendiendo los conceptos porque había cierto grado de dificultad
para los dos grupos. Luego al cantar y centrarme en el registro agudo, los ejercicios que fueron al
principio técnica se pasaron de una vez a las canciones y eso ayudó mucho a que de una vez se
entablara una relación entre la técnica y el repertorio. Se sentía el cambio, el avance y lo que hay
que mejorar en cuanto a técnica y todo el tiempo se abarcó a partir de la música, los ritmos y las
melodías que ya se sabían. Con el material nuevo hubo un nuevo aire al ensayo para no repetir lo
mismo de siempre.

174
Es posible reconocer las personalidades de cada una y su manera de expresar ciertas emociones.
En muchos casos me he dado cuenta de que escribir es importante para saber cómo estaba cada
una en el ensayo y que sintió. Me sorprendo a veces de sentimientos y actitudes que ellas ponen y
yo pensaba que en el ensayo estaba todo bien o estaban pensando en otras cosas, y también pasa,
al contrario. El leer sus sentimientos me permite acercarme y conocerlas más, así como ellas
también empiezan a confiar en mí cuando se van soltando más en su escritura. Voy viendo
resultados de las maneras de evaluar lo que hemos estado haciendo.
Juegos con las fichas -Se explicó que es por Funcionó muy bien, se
relevos, pero hasta no hacer ejercitó la memoria y hubo
la demostración muchas no participación de todas. Fue
entendían. muy bueno hacer una
actividad en donde todas

-Las de música estaban
aportaran y fueran
explicando ciertos conceptos
aprendiendo.
a las demás.
Trabajo de registro agudo Se trabajó la respiración Ejemplificar lo que está
consciente. sucediendo en el instrumento.
Hubo un avance en cuando se Tener ayuda visual para no
hicieron movimientos con la tener que “apretar” y cambiar
mano. No hay una claridad la manera de ver la

175
de como se produce el agudo producción de los agudos.
sanamente.
Utilizar canciones en las que Después de los ejercicios,
se trabajan específicamente fueron más conscientes de

Se pueden realizar armonía
los agudos. como producir los agudos.
de canciones que ya
Se dieron cuenta de la tengamos, y que de como
diferencia entre un sonido manera llegaran a los agudos
saludable a uno que es y se relacionen con la pieza.
apretado. Es un planteamiento también
para el tag.
Se tenía consciencia de como
se siente cantar sin tener que
tensionar y, por otro lado, la
manera en que el sonido sale
solo únicamente utilizando
una buena respiración y
poniendo la atención en
donde realmente debería
estar que es en la parte de
activación abdominal.
176
En el ensayo estuve un poco inconforme ya que sabía que tenía que hacer más fichas y el mapa
para entrar a un contexto en el ensayo y eso no me hacía sentir bien. A medida del ensayo estaba
distrayéndome un poco porque quería que todas estuvieran concentradas y trataba de hacer ciertas
cosas para cada una, pero no siempre se podía. Al tratar de establecer el nivel del grupo me
desconcentraba porque no tenía muy claro el proceso de cada una, también influyo que hace un
tiempo no ensayábamos con las personas que van los sábados. No me sentí del todo bien en el
momento, solo que me estaba limitando a enseñar las canciones y ya. Recuerdo que confundí unas
notas y me corrigieron las que estudian música, ahí sentí que estaba desconcentrada pensando en
otras cosas y pensé que ellas podían perder credibilidad en mi.
En muchos momentos sentí que estuvo denso el ensayo, porque en ciertas ocasiones las personas
no entendían la melodía y me tocaba repetir mucho, esto me hizo sentir un poco sistemática con la
manera de enseñar porque se podía estar perdiendo cierto gozo con la música. Por otro lado, cuando
ya teníamos listas algunas partes, el ambiente mejoraba, sentíamos más musicalidad y todas
trabajando por un objetivo común. Cuando estaba en el piano empecé a sentirme un poco insegura
y siento que eso se transmite a ellas, aunque se siente con un acompañamiento más musical tiene
que ser fluido.

177
Era el cumpleaños de una corista y entre todas le cantamos el cumpleaños y compartimos una torta.
Eso nos une como grupo y considero que soy muy receptiva a como ellas se están sintiendo y eso
a veces también me despista porque no puedo hacer todo para que en todo momento todas se
encuentren bien. Considero que debe ser un equilibrio.
Enseñar canciones En algunas voces no se Trabajo en grupo para que
escuchaban porque no todas canten las partes que
estaban todas las personas de requieren mayor atención por
la voz. la dificultad.
Ritmo Las personas que no conocen Tomar motivos rítmicos a
la gramática musical se parte y relacionarlos con las
sentían un poco perdidas al obras que se están trabajando.
abarcar más de dos
compases.
Trabajo de partes específicas Estaban atentas a seguir El acompañamiento que
de las canciones instrucciones, sin embargo, facilite la musicalidad de la
algunas melodías se les parte a trabajar y se haga
complicaba los intervalos y conscientemente.
no había musicalidad
La armonía también se puede
178
consciente. trabajar con las voces, por eso
es posible manejar una corta
parte en donde algunas
personas sean una guía
armónica y las demás cantan
la melodía principal que se
está trabajando.
Escuchar por grupos para
confirmar que una melodía ha
quedado clara.
● Ensayo # 14 abril 03 de 2019
Antes de ir al ensayo estaba un poco indispuesta, debido a que no había podido dormir bien y no
me sentía con toda la energía. Una vez en el ensayo sabía que debía tener otra actitud; mi ánimo
iba subiendo a medida que iban llegando las personas y tenía todo listo y preparado para empezar
la clase. Me sentía cómoda haciendo las actividades del juego, sin embargo, en la parte nueva a
implementar estaba dudando mucho las notas, no me sentía del todo segura, pero considero que
fue más los nervios. Actuaba normal y luego corregí el error y me di cuenta de que eso me hizo
sentir un poco incómoda. Al finalizar el ensayo si estaba muy a gusto con lo que había pasado y a
pesar de todo, siempre se estaba haciendo música.

179
Me gustó que fue un ensayo en donde se estaba girando en torno a fortalecer esa relación con la
música en unas personas, y en otras, a empezar a crear vínculos con el lenguaje musical. Las obras
llaman la atención y se disfrutan todo el tiempo; es posible hacer cada vez cosas más puntuales
para no repetir sin ningún objetivo. Hubo un quiebre cuando estaba cantando el tag y se me olvidó
la melodía, en ese momento con las miradas de todas, que no fuera clara, pudo haber dificultado
el entendimiento. Cuando pude explicar y luego cantar bien la música fluyó y todo fue mucho más
claro. Siento que fue un momento de tensión, pero al final se pudo manejar, debido a que era
importante tener en cuenta cuáles partes enseñar primero, debido al nivel del coro; esto fue algo
que me también me hizo despistar porque las podía estar confundiendo si hacía varias voces. Esto
me ayudó a entender que primero hay que tener la línea mucho más segura y también saber cuales
enseñar primero dependiendo el nivel de cada voz.
Estaba muy pendiente de todas, que se divirtieran y la pasaran muy bien; que cantaran
conscientemente. Considero que ya han se han tenido avances a nivel vocal y técnico. Siento que
es necesaria una actividad para conocernos mejor y entender el contexto de cada una, que, aunque
se fortaleció en el juego, también dio paso a mostrar cierto carácter en las personalidades porque
tuvimos un inconveniente que igual se solucionó en el momento.
Movimiento con el cuerpo Música antes de empezar, Fue muy bueno que al
180
Activo de acción-reacción. con movimientos que hacía y principio el movimiento
ellas iban agregando más con estuviera presente, ya que
el ritmo propuesto. estuvieron más atentas y
también fue un momento de
relajación y risas.
Se podría hacer esto también
para determinar un pulso
constante y la subdivisión del
pulso. Puede ser solo a
manera de práctica y
divertirse sin necesidad de
entender completamente el
concepto la primera vez,
simplemente imitando y
siguiendo un patrón.
Hacer los sonidos de Se iban sintiendo más La experimentación permitió
animales que ven en la cómodas a medida que se iba que hubiera un ambiente de
pantalla. Se les mostró un haciendo el ejercicio y se confianza e incluso de hacer
video en donde aparecen podía ver que entre la movimientos.
varios animales y la idea es diversión, había una
que los imiten. No se trata consciencia de cuando

181
sólo de imitar sino de podían hacer un registro muy Es una actividad para hacer
experimentar con la voz. alto “imitando animales” y de vez en cuando y con otros
de un registro grave. objetos con el fin de
experimentar sonidos y
Esta actividad motivó al
timbres con la voz.
grupo, cada vez se relacionan
más.
Hay que tener en cuenta el
espacio para poder hacer
también algunos
movimientos y se puede
escoger solo uno para apuntar
directamente a aspectos
técnicos.
Primer acercamiento a la Al hacer el ejercicio no todas Hay que tener en cuenta la
herramienta pedagógica. se habían aprendido la parte que puede ser un poco
melodía. Aunque al principio más difícil, en este caso, la

Tag de Pajarito
hubo un poco de confusión al primera voz tiene una línea en
Al hacer la melodía de la voz
enseñar la parte, cuando ya donde hay varias cosas que
1, y luego ir pasando las
había claridad el nivel del pensar: la letra, el ritmo y la
demás. Escucharlas cantar
coro no era para que todas melodía. Se pueden cambiar
para saber si hay completa
cantaran al tiempo. Se algunas sílabas y una melodía
182
comprensión de las partes y confundían con algunas que repitan todas para que
luego hacer todo el tag. melodías y la entrada del cuando entren las demás
pulso. voces no se pierda el primer
tiempo. La melodía en la obra
tiene muchas síncopas, por
como razón hay que tener el
tempo y la primera melodía
completamente clara.
La duración para el tag fue
más tiempo de lo planeado,
con el nivel que tiene el coro
hay que dedicarle el tiempo
necesario para que cada
melodía quede clara.
Tag de acercamiento A la Debido a lo que había pasado Hasta el momento hay que
orilla del río con el anterior tag solo se hacer solamente un tag y que
cantó la primera voz y esto quede claro y luego pasar a
ya fue mucha información. otra obra para que no sea tan
extenso el trabajo, apenas
están empezando y se
requiere de paciencia
183
mientras se van aprendiendo
las canciones y se van
involucrando más con la
música.
Canciones cortas para Al abarcar canciones cortas Los tags pueden ser esos
abarcar la técnica. era más fácil que ellas las ejercicios que también
recordaran y también que son trabajen técnica a medida que
canciones que ya se han se van aprendiendo todas las
trabajado. voces.
Estos ejercicios también
pueden dar una buena idea
del registro que se va a
abarcar y va de la mano con
la técnica vocal.
● Ensayo # 15 abril 06 de 2019 (Bitácora grabada)
Hoy empezamos el ensayo nuevamente con la consciencia corporal, la respiración, tener en cuenta
siempre esto, y hoy hicimos un juego de ritmo que abarcó también palabras. Tenían que ir pasando
184
las palabras a ritmo, nos dividimos en dos grupos y cada uno tenía unas palabras ya dadas. Al
principio se dieron unas indicaciones, en donde se explicaba un poco el nivel que se iba a tratar,
los ejercicios tenían que ver con gramática, pero no se enfatizó exactamente en algunos casos
puntuales. Por ejemplo, en la palabra sol, se sabía que era un “ta” y todas estaban haciendo un
pulso, pero algunas personas todavía no entendían por lo cual hicimos varios ejemplos antes de
empezar el juego. En una bolsa había unas palabras, que tenían acentuación tésica, para que las
personas pasaran al tablero y las fueran anotando; la idea es que el grupo que tuviera mayor
cantidad de palabras correctas ganaba. El ejercicio fue muy emocionante, estuvo muy chévere.
Después se hizo un repaso de técnica en donde hicimos viva la música, que es un canon que
estamos trabajando de manera técnica y después tenía planeado hacer otras cosas de técnica, pero
el ensayo empezó un poquito tarde, porque las personas empezaron a llegar después de la hora
establecida, entonces decidí dejar esto a un lado y empezar de una vez con una obra, que habíamos
visto hace rato Velo que bonito.
Para esta obra primero escuchaban y luego decían el texto con el ritmo. Antes de empezar cantamos
la triada con las notas para ubicarnos un poco, incluso hay personas que no siempre les funciona
para ubicarse en la tonalidad, pero si para cantar la nota en algún momento que esté en la partitura
o que haya un gesto que ellas entiendan, ya que se ha venido trabajando con algunos gestos en
particular. Luego de esto hicimos el tag de acercamiento de la música llanera, que es de la obra
Pajarito que estamos haciendo; ya teníamos algo, sin embargo las que fueron hoy, no habían ido
el miércoles entonces tocó prácticamente volver a empezar y fue muy interesante porque cuando
empezamos a practicarlo fue muy tedioso por algunos ritmos que se encuentran y hay ritmos que
están sincopados, no es algo siempre tan “cuadrado” como se ha venido manejando y muchas
veces se confundían. Lo chévere es que todas tenemos la actitud de seguir, de tratar de entender,
185
entonces tomaba voz por voz y que todas cantaran todas las voces para que conocieran lo que hacía
cada voz y al final ya ellas iban entendiendo. Muchas me pedían que cantara la frase y que les
dijera el momento en que entran para hacer una melodía, pero yo les decía que no en este momento,
ya que era importante que ellas escucharan lo que iba antes de que ellas entraran porque eso
significaba que no estaban prestando atención a las demás voces y estábamos en un proceso de
desarrollar también esa habilidad y conciencia de saber que estamos cantando con otras personas
y no solo centrarnos en nuestra voz. La voz 1 permanecía en una nota quieta; al principio fue duro
y a muchas las sacó de la zona de confort y como no hay partituras, todo es a oído. Finalmente, en
el ensayo, el cual se acabó 5 minutos después de la 1 pm, sin darnos cuenta, porque todas
queríamos hacerlo hasta que lo termináramos.
No nos queríamos dar por vencidas para poder cantarlo y que sonara todo el tag, entonces al final
sonó todo muy bien y si duramos bastante tiempo haciendo el tag, por lo que no pude hacer otras
cosas que se habían planteado, sin embargo yo les verbalicé que donde tuviéramos esto claro, era
más fácil abordar otras cosas, pero yo no les especifiqué que era una partitura que estuviera ahí;
muchas ya querían ver las notas y querían saber todo, pero yo les dije que por el momento era una
partitura que no estaba ahí, que era otra partitura. Muchas se calmaron, se tranquilizaron, porque
querían verlo todo, pero simplemente esto nos permitió disfrutar la música; fue algo muy chévere.
Algo que quedó pendiente y es importante, es enviarles la melodía a parte para que se la aprendan,
entonces una vez ya la manejemos en el ensayo; que ya me di cuenta mas o menos a qué nivel está
el grupo, que cosas se oyen más. Esta obra en verdad era difícil para el nivel actual de algunas
personas, porque tiene ritmos que se cruzan, que no son tan comunes oír de una manera tan clara,
aún así, ellas lo lograron y se puede seguir afianzando más. Esto se puede hacer por medio del
186
audio, para que ellas se acuerden. Cuando finalizamos el ensayo, no alcancé a pasar la hoja, porque
fue todo muy a tiempo y preferí no hacerla a las carreras y me quedé con la sensación de que al
final en verdad todas estaban muy contentas de que hasta aplaudieron porque lo habíamos logrado,
fue muy gratificante, nos sentimos muy bien. Para el otro ensayo ya hay un poco más de nivel y
con esta experiencia puedo seguir acomodando lo demás para los otros tags.
Juego de ritmo Al explicar el juego en Antes de pasar a hacer el
general, no se especificaron ejercicio en el tablero, es
ciertas reglas con respecto a importante que lo socializan
las palabras de 4 sílabas con el grupo y de esta manera
porque podían tener 2 también puedan entender por
maneras de escribir. si hay alguna duda.
Después de que cada una
pasara, ya no se puede
Hubo emoción al realizar el
corregir, ya que se podría
juego.
diagnosticar como es la
confusión que está teniendo
cada persona y así resolverlo
entre todas.
Se podrían hacer dictados al

187
respecto.
Se pueden agregar en vez de
palabras, imágenes.
Canon por partes No todas tenían clara la Fue muy bueno separar las
melodía por partes. melodías porque cantaron de

Canción
manera más consciente.
Hay cierta incomodidad
técnica. El hecho de estar cantando de
una vez ayuda mucho a
aplicar todo lo visto.
Realización del tag Se presentó dificultad en Cantar todas las tres voces a
entender y recordar el ritmo manera de ejercicio. Se
y la frase melódica. pueden ir haciendo
simultáneamente las voces
cuando ya hay una voz
totalmente afianzada.
Revisar si tomar solo de a dos
voces por ensayo, ya que en

188
cuanto al nivel y en busca de
una buena afinación, lo
importante es que lo que se
haga, esté claro y sea
conscientemente; la próxima
hacerlo con una voz que esté
segura.
Pasar la canción de Velo que Fue importante que primero Ayudó mucho que se hiciera
bonito. Se tomó un pedazo de hicieron el ritmo y el texto por partes, y también que
la canción, solo la parte en para que también tuviera cuando se hiciera cantado,
unísono para recordarla y cierta fluidez una vez se fluyera mucho más.
trabajar el ritmo y el texto. fuera a cantar.
Al hacer el ritmo a parte,
hubo consciencia de lo que se
ha trabajado
gramaticalmente.

189
En el ensayo de hoy como ya tengo los tags, empezamos a trabajar ya con música de los llanos,
entonces llegué antes para empezar a organizar el salón para que tuviéramos espacio, porque como
ya aprendí algunos pasos de joropo, quería que ellas también lo pasaran al cuerpo. Mientras ellas
llegaban yo había puesto joropo y empezamos a calentar en cuerpo, siendo conscientes del mismo
y de la respiración, mientras de fondo estaba la música llanera. Ya después de esto empezamos a
hacer ritmos sincopados, sin que ellas tuvieran eso en cuenta, sino que simplemente era repetir con
las palmas. Al principio el ambiente estuvo enfocado más hacia el reto, escuchar, estar atentas y
enfocadas, ya después nos pusimos a bailar y se aprendieron el paso muy rápido, fue muy fácil
para ellas. También hicimos una parte por parejas; se agitaron un poquito entonces volvimos a la
respiración para balancear las pulsaciones. Fue una primera parte en donde todas la estábamos
pasando muy bien. Después me involucré con más cosas vocales y de técnica; el objetivo era pasar
ciertas obras de manera mucho más detallada en cuanto a la técnica, la articulación entre otras
cosas, pero de una vez para preparar la voz empezamos fue cantando. Cantamos el tag de
acercamiento de la obra Pajarito; siempre hay un inconveniente con las personas que no van los
sábados porque se pierden de ciertas cosas, entonces fue necesario volver unificar todo.
Lo que hicimos fue cantarlo con un cambio de sílabas que había hecho, el ritmo lo recordaban
mucho más rápido, al final no nos demoramos tanto como al principio sucedía en ensayos
anteriores, haciendo todo el tag. Luego hicimos el tag de armonía, fue muy fácil y la idea de este
tag era también que se escucharan y estuvieran atentas a lo que estaba cantando la otra voz. Esta
vez fue interesante porque de la voz 2, fueron dos personas y no son músicos y fue un reto también
para ellas sacar adelante la voz, a veces yo me hacía con ella y cantaba; mientras hacía esto
mencioné que, si alguna quería dar la entrada o quería contar para que nosotras entráramos, y fue
mi mamá quien se animó a hacerlo, en verdad no me lo esperaba para nada. Desde ese momento
190
me sentí “del otro lado” entonces me sentí parte del coro también, parte de ellas, no tanto como
directora sino como corista, se sintió diferente y me sentí muy bien, porque ellas también se dieron
cuenta que no siempre yo tenía que estar del otro lado, sino que podía estar con ellas. También
pude reconocer las cosas que tenían claras y las que no, todo empezó a fluir muy bien y tomamos
obras que ya habíamos hecho para centrarnos en cosas técnicas más específicas; se ve el avance:
para los agudos ya no se ahogan ni tensionan tanto, ya saben como tomar el aire y activar, el sonido
es mucho más limpio.
Fue un ensayo en donde vi y sentí el avance, por otro lado, como ya estoy introduciendo toda la
parte llanera y las células rítmicas, lo que hice fue, como ya leen ritmo en negras y corcheas, fue
poner algunos motivos rítmicos que aparecen en Pajarito y ya al final del ensayo, una vez se dio
cierre a la parte vocal cantada, se les pidió que lo dijeran en “ta” y “ti-ti” y no fue tan difícil para
ellas aprenderlo; como yo ya lo tenía claro e interiorizado, fue fácil darme cuenta cuando era
necesario aclarar algún aspecto. En ensayos anteriores fue un poco complicado, pero después de
revisar tuvo que ver más con las sílabas que había propuesto, ya al modificar otra vez el tag
funcionó mejor. Entonces al hacer este ritmo al final, lo hicieron todo de corrido y no fue tan
difícil, aunque se que muchas se dejaron llevar por las demás, pero aun así empiezan a interiorizar
el ritmo.
Ya hablamos de que en semana santa no va a haber ensayo, pero este sábado sí, por lo que quedé
en enviarles los audios de cada línea para que no se les vaya a olvidar, de tal manera que si quieren
repasar lo puede hacer de una vez con el audio y con la sílaba que ya sé que funcionan, dan más
fluidez y se siente más orgánica la pronunciación. Esta vez no hice el formato porque voy a
implementar otra idea. En general me sentí muy a gusto, cantando también, cuando les pedía algo
191
era muy consciente de cómo tenía que cantar y también para cantar las melodías me sentía muy
segura porque las estaba practicando constantemente, entonces es fácil poder corregirles e
identificar rápidamente la confusión o lo que origina el problema. También es importante que ellas
lo interioricen más. Estoy muy tranquila y contenta, hoy tenía toda la energía. Algo que hablé con
Ana Paulina es que cada vez que repetía, les pedía algo más, entonces siento que estuvieron todo
el tiempo ahí, no podían “aflojar” porque yo les estaba exigiendo y eso tuvo sus frutos.
Empezar con la música que Fue muy bueno interiorizar a Se puede escoger una canción
se va a centrar el tag. partir del cuerpo. y mantener algunos pasos
para tener el pulso en el
cuerpo.
Tener una canción de

Es un espacio para calentar el
velocidad lenta, media y
cuerpo y subir un poco el
rápida que también sea un
ritmo cardiaco.
reto para ellas mantener el
Tuvimos un buen momento pulso.
haciendo los pasos.
Ritmo y respiración con Fue orgánico y natural, no Se puede añadir a la actividad
síncopas tuvieron que pensar mucho que ellas hagan, a manera de
en el ritmo en cuanto a la improvisación, sus propios

192
gramática, sino que todo fue ritmos
por medio de la escucha.
Empezar vocalización con Con las sílabas nuevas fue Tener en cuenta las
tag de acercamiento y más rápido y fácil. consonantes explosivas.
armonía.
En algunos casos las demás
cantaban otra voz mientras se
aprendía
Repaso de las obras en sitios Recordar la forma y ponerle Se pudieron haber hecho más
específicos. el carácter a cada una de las pasadas de ritmo y texto a
partes que se trabajaron, otras obras, sin embargo, lo
permitió que se evidenciara puntos que se revisaron, se
un progreso vocal personal y dejaron completamente
como grupo. claros.
En el ensayo de hoy me sentí muy tranquila, estaba también muy emocionada porque también
estaba empezando a incorporar más tags y estoy viendo la evolución en cosas técnicas. Apenas
llegué me gustó empezar con el baile, empecé a hacer muchas síncopas tanto para bailar como para
los ejercicios de respiración; en general bailando siempre la pasamos muy bien, mi mamá empieza
193
a bailar incluso sin que les diga entonces a muchas les saca una sonrisa, porque cuando estamos
haciendo un ejercicio y ella no lo puede hacer, se pone a bailar. A pesar de esto, ella si intenta
hacer el ejercicio; a pesar de que sea mi mamá, en el coro se trata con cariño y respeto a todas por
igual. Es un ambiente muy chévere, esta vez noté que muchas personas estaban muy cansadas y
sin embargo bailaban y sonreían mientras aprendíamos cosas nuevas.
Por otro lado, les hice un ejercicio, ya que me quería centrar mucho en la respiración y la
consciencia de esta, fue darle una hoja pequeña a cada una y que la pusieran en la pared, la idea
fue que se hicieran al frente del papel y soplaran para no dejarlo caer. Fue entretenido y al mismo
tiempo se dieron cuenta cuál era su potencia, que tan fuerte estaban enviando el aire, que tanto se
ahogaban etc., fue un ejercicio muy interesante, tanto que ellas lo vieran en sus demás compañeras
como verlo desde mi punto de vista, de espectador; me daba cuenta de lo que pasaba y de las cosas
que decían y como cada una se proponía a lograrlo.
Ya en el ensayo estaba repasando canciones y exigiéndoles un poco más en cuanto a carácter y
dinámicas, siento que no era una posibilidad que estuvieran desconcentradas, porque todo el
tiempo les estaba pidiendo respuestas; fue un ensayo muy activo. La otra semana que es semana
santa no tendremos ningún ensayo, por esto decidí al final del ensayo compartir una torta, como
una manera de despedida para vacaciones. Hablamos de las posibles fechas de presentación, como
les dije que era un proceso hasta ahora había pensado en agosto, pero todo depende de como sigan
las cosas, y no quiero afanarme. Lo que he visto hasta este momento ha sido muy bueno. Esta vez
no implemente el formato de evaluación, dejé que se fueran así para luego implementar uno nuevo
en el cual no tienen que poner el nombre, sino en una escala del 1-5 tachar el número según les
parezca si se cumplió el objetivo o no.

194
En el ensayo siento que todas estuvimos muy conectadas y como estoy enseñando los tags, vi que
algunas ya se sabían la melodía, pero antes lo había enseñado con “lu” y luego le cambié las sílabas
por algo más rítmico. Tener la misma célula puede confundir un poco por eso se cambio a “tu-
ram-ta-ka”, al principio ese cambió las confundió, pero ya se sabían la melodía entonces fluyeron
a medida de la práctica. Aun lo tengo en revisión porque eso era más que todo para tratar esas
células siempre con ritmo, pero puede que eso lo haga solo en el tag de ritmo. Es muy gratificante
porque me voy dando cuenta en qué momento es que puedo implementar diferentes cosas, también
dar ciertas instrucciones antes del tag, es muy interesante probar todo esto con ellas; vocalmente
han crecido muchísimo. En una parte hay un solo, les pregunté si a alguna le gustaría hacer ese
solo, y una corista que empezó muy tímida, manifestó que ella quería. Después más personas
querían y al final todas resultaron cantando en dueto o solas; me gustó mucho porque todas se
están arriesgando y no les da miedo, por lo menos dentro del grupo, es algo muy bonito y valioso.
Salí muy contenta y preparando más cosas para lo que se viene en semana santa y pensando en lo
que hemos vivido hasta ahorita para ver qué ajustes definitivos empiezo a hacer (por el momento
nada es definitivo, todo lo sigo probando), pero en general fue un muy buen ensayo y cierre.
Bailar Fue un momento en el que a Mientras estaban bailando el
todas les gustó hacer pulso no era exacto, no había

Calentamiento físico
movimiento y en general fue una consciencia de esto por lo
Hacer síncopas con percusión
también de unión, ya que fue que es importante hacer más
corporal.
trabajo en parejas y en ejercicios para que cada vez
195
grupos. sea más consciente.
Se puede hacer a manera de
juego y de imitación.
Estiramiento de todos los
músculos.
Ejercicio de respiración con Fue bueno que se dieran No les pregunté cómo se
el papel. cuenta de su respiración y habían sentido físicamente
para que se hacen ciertos haciendo el ejercicio, solo fue
ejercicios. por lo que me di cuenta.
En el próximo ensayo se
puede socializar esto.
Preparación vocal, Se pudieron diferenciar las Ir cada vez más al punto de la
directamente con obras secciones y hacer obra.
correcciones vocales
concretas.
Se pasaron cosas al unísono
con el carácter de cada frase.
Cambios en la sílaba del tag Al principio hubo un poco de Modificar la manera en que
confusión con las melodías se abarcan los tags con ciertas

196
de cada voz. sílabas.
Después de fragmentar todo
un poco más fue más claro.
En este ensayo lo que ocurrió fue que empezó a llover y empezaron a llegar tarde, al empezar solo
había 4 personas y después llegaron 2 más. No pude hacer las primeras partes del ensayo que es
una preparación previa, lo que hice tuvo que ser un poco más rápido y que fuera efectivo para lo
que quería lograr en el ensayo. Empecé con el tag de acercamiento de Pajarito para ir recordando,
pero no hice la preparación de respiración y emisión precisamente por el tiempo, todo lo hice de
una vez con el tag; si siento que faltó más atención en la parte de respiración para que sean
conscientes, y siento que no dieron todo su potencial. Lo que hicimos fue revisar notas, sin
embargo, la voz de las sopranos estaba muy “frías”, entonces si siento que es algo que se puede
mejorar y tener en cuenta antes de abarcar esas notas en una obra, además ellas se sienten más
seguras.
Por otro lado, si alcancé a hacer todo lo que tenía planeado en cuanto a las obras y en ubicarlas en
el mapa, ya para el próximo ensayo se necesitan hacer otros ajustes. Esta vez llenamos el
formulario de los objetivos, que hay un buen balance y la mayoría se cumplieron y otros están en
proceso como: identificar las obras en el mapa. Al final todo salió muy bien, y se repasó
exactamente lo que quería repasar.

197
Cantar tag de acercamiento. Sopranos no estaban muy Es importante siempre
seguras en sus voces, pero disponer del tiempo para la
fue debido a que no hubo una colocación y que ellas se
consciencia, como siempre sientan cómodas cantando.
se hace, en el calentamiento.
Esto se hizo “sobre la
marcha”.
Repaso de las obras cortas y Fue un trabajo muy Se puede hacer una dinámica
de memoria. consciente que era necesario. de ir preguntando o armando
No se hizo de manera la canción persona por
continua, sino que se trabajó persona. Hacerlo una vez
turnando una canción corta todas y a manera de juego ir
con una de más trabajo. Fue “fragmentando” la canción.
un trabajo muy activo.
Ubicar las obras en el mapa Actividad de reconocimiento Dependiendo de la obra, se
en donde poca sabían donde puede trabajar sobre los
quedaban ciertos lugares de nombres de los
Colombia. departamentos de la región.
Se notaba mucha confusión

198
con ciertos lugares, lo que
también las hacía darse
cuenta lo poco que conocían
geográficamente del país.
Trabajo puntual de las obras No se alcanzó a hacer por Se hará la próxima vez, ya
que faltaban terminar. cuestiones de tiempo. que solo fue por cuestiones de
Tampoco había suficiente tiempo y es importante no
confianza en las voces para hacer como parte de “afán”.
enseñar una nueva parte.
Entregar formatos de Funcionó que fueron Se mantienen algunos
evaluación. efectivos en cuanto al objetivos para confirmar que
tiempo. Falta mirar más la haya un progreso, pero otros
ubicación en cuanto al mapa. cambian.
En el ensayo empezamos un poco tarde porque muchas volvieron a caer en no mismo de las
llegadas tarde y me tocó hablar más directamente al respecto. Les comenté de qué se trataban los
tags que estábamos haciendo y que la idea era abarcar esto y seguir con las obras. Entonces hicimos
los tags de Pajarito de melodía, ritmo y armonía y con esto ya fue mucho más fácil que ellas
199
entendieran cosas de la obra, me di cuenta de que era importante trabajar más en la parte de las
melodías porque no las hice todas y tampoco hacía de una vez todos los tags, sino que repasaba
cosas por voz y luego se iba juntando la siguiente. Después tomé una parte de Cartagena de Indias,
la parte que podía ser más compleja. Trabajamos toda la obra de Velo que bonito, es una obra que
ya está leída, aunque sé que hay que unir las partes. En general estuvo bien el ensayo, ya estamos
listas para abarcar puntos concretos de las obras, trabajar sobre eso y seguir con la unificación de
estas para que se tenga una idea completa de la sección.
Es importante siempre mirar la parte de técnica, es algo que no se puede descuidar; es vital para
colocar la voz con notas en registro grave, medio y agudo, por eso antes de empezar los tags si hay
que hacer un pequeño estiramiento corporal para que en el ensayo también se vea reflejado. Si
quedaron muchas cosas pendientes, pero también se lograron otras. Es hora de poder reunirnos
todas, es algo que ya me inquieta en este momento porque siempre se ha sentido un poco de
ansiedad o más bien de preocupación por el hecho de terminar las obras que tienen los tags, que
son las principales; aun así, trato de ir al ritmo de ellas, sacarle todo el potencial a las herramientas
que estamos trabajando para ver cuales son las que mejor le funcionan al coro.
Preparación corporal Hubo muchas llegadas tarde Encontrar una manera para
motivar la llegada a tiempo y
se comprometan.
200
Tag Pajarito Se lograron hacer muchas de Fortalecer el entendimiento
las partes del tag. de las melodías del tag
primero haciendo un leve

La ausencia de personas hace
diagnóstico si se acuerdan de
que se tenga que repetir
alguna parte y en tal caso la
muchas veces.
voz que más esté dudosa se
Cuando alguna voz no
canta entre todas y luego la
entendía una melodía todo el
voz correspondiente.
coro la cantaba y así era más
Confusión en las sílabas,
fácil.
revisar si funciona en todos
No había claridad en las
los casos (ej. Se confundían
entradas en diferentes
con la pronunciación de las
momentos.
sílabas)
Funcionó muy bien la parte
del ritmo.
Ser más clara con las entradas
y hacerlas un poco más
visibles, por ejemplo, que
ellas aplaudan antes o hagan
algún gesto.
Tener paciencia en el
201
desarrollo del tag, ir con ellas
en su proceso, siempre
teniendo en cuenta que les
puedo a ayudar a entender
partes un poco más
complejas.
Trabajo de obras Se trabajaron las obras que Funcionó que algunas cosas
tienen fragmentos faltantes, que se modificaron fueran
tomarlos de manera puntual más específicas.
fue mejor ya que ellas tenían
dudas específicas que antes
no habían mencionado, pero
que sabía que tenía que
trabajar para reconocer
cuáles eran las dudas.
● Ensayo # 20 mayo 5 de 2019
El día de hoy muchas estudiantes estaban cansadas debido que habían tenido una semana fuerte de
preparación de parciales. Por esta razón decidí hacer una preparación para el ensayo que tuviera
un componente para calmar el ambiente que estaba un poco tenso. Hicimos unos 20 minutos de
respiración y consciencia del cuerpo para que cada una tuviera un espacio de relajación. Luego de
202
esto estaban con una mejor disposición para empezar el ensayo. Luego con los ojos cerrados
hicimos estiramiento de los músculos faciales y un pequeño masaje alrededor del cuello y la
espalda, después empezamos a emitir sonidos de los más cerrados a los más abiertos, y a
experimentar con las vocales. Tuvimos una parte de demostración de las diferentes maneras en
que se puede hacer una vocal; se tomaron principalmente tres: horizontal, vertical y zona
intermedia. Para muchas era experimentar y darse cuenta de algo que jamás habían hecho, por otro
lado, se aclaró que no son las únicas posibilidades, sino que hay más dependiendo del idioma y de
que tanto nos arriesguemos a experimentar. Es por esto por lo que hicimos ejercicios para que cada
una empezara a conocer los diferentes timbres y sonoridades que podía hacer la voz; al principio
estuvieron un poco tímidas, pero poco a poco fueron alzando más su voz y haciendo diferentes
gestos para crear diferentes sonidos.
Cuando nos enfocamos en la parte del tag, muchas ya tenían mejor actitud porque querían lograr
hacer y escuchar como sonaba todo el tag. Fue necesario recordar las voces de cada voz, ellas
comentan que tienen que hacer un esfuerzo para recordar, así que decidí hacerlo poco a poco y
tomarme el tiempo necesario para que las melodías de cada voz estuvieran claras. El hecho de ser
un coro de iniciación también hace que se tengan diferentes maneras de llegar a la melodía, lo que,
si es necesario, es hacer este ejercicio varias veces para que cada vez más se vayan familiarizando
con los tags y por consiguiente con la obra. Para balancear la energía y el nivel de dificultad,
practicamos algunas obras que ya se sabían y que disfrutaban cantar. Se les exigió ciertos aspectos
musicales y tratamos de trabajar un poco las dinámicas por medio de la atención a los gestos de
dirección.
203
Hice un diagnostico más profundo para saber cómo estaban con respecto al mapa, y me di cuenta
de que va a ser muy bueno reforzar esto también musicalmente; las obras nos permiten ubicar un
contexto especifico y esto es lo que de ahora en adelante quiero implementar. Fue un ensayo
bastante largo, en el que pude reconocer muchos aspectos a trabajar y los cuales también me
emocionaban.
Consciencia del cuerpo y Se hace un ejercicio en donde Es importante que tengan un
trabajo de gesticulación. se tiene en cuenta todo el espacio en el que puedan dar
cuerpo, pero principalmente un respiro profundo, ya que
los músculos de la cara. han sido días un poco
pesados, en general para todo
el coro. Se puede hacer más
adelante un “pare” en cuanto
a la consciencia de la
respiración y al producir un
sonido, ya que esto puede
seguir mejorando la escucha.
Experimentación de vocales: Hay un poco de duda de Cuando se hace el ejercicio
verticales, horizontales y como empezar con ciertas en diferentes registros, es
posiciones en la boca, posible reconocer en qué

204
zona intermedia. Abarcar los entonces se hacen ejemplos parte se sienten mejor las
tres registros. de los extremos (horizontal y voces de cada una, sin
vertical) para que con ciertas embargo, siempre se les
notas dadas experimenten. recalca que es importante
Entienden y se arriesgan más sentirnos cómodas en todos
a hacer el ejercicio cuando los registros. Hay que seguir
me ven haciéndolo a mi y haciendo estos ejercicios, ya
empiezan las demás, que que en el trabajo de las obras
tienen un poco más de que se harán, todas cantan en
seguridad, a hacen lo mismo. todos los registros y es
necesario que conozcan su
voz y lo que necesitan
trabajar. Me gustaría que esto
también lo verbalizaran para
poder ayudar en el momento
de preparación de la voz,
aunque los tags siento que
ayudan en esto en las obras
específicas en las que está
como herramienta.
205
Tags de Pajarito y A la orilla Se hizo cada voz para que Hay que asegurar que el tag lo
del río cada una la escuchara y tengan aprendido para que el
recordaran. Esto tomó un desarrollo en la obra sea más

Trabajo en las obras.
poco más de tiempo, sin fluido.
embargo, fue muy bueno que
las personas que se sabían
partes iban sacando su voz.
Cuando se hacía el tag y
luego la obra; era fácil
relacionar los contenidos del
tag en la obra no era algo que
no habían escuchado.
Repaso de obras En las obras para repaso, Apuntar directamente a las
primero se están pasando una obras que necesitan mayor
vez que y con eso puedo atención porque se les ha
saber qué es lo que hay que olvidado como sigue la
trabajar puntualmente. A melodía y paran.
veces se repiten ciertas

Con esta revisión es posible
partes, pero en general se
darse cuenta como todo el
hizo una revisión y anoté lo
coro también puede ayudar
que estaba con más dudas.
para que la melodía se vaya
206
aprendiendo poco a poco. Es
un proceso que hay que hacer
conscientemente para que
verdaderamente se aprendan
todo.
Actividad con el mapa. No se podían ubicar muy Preguntarles en qué partes de
bien en el mapa con otros Colombia han estado,
lugares más específicos, fue también hace que
una actividad muy corta pero compartamos experiencias de
que reveló que no tenían lo que algunas han visto y
conocimiento de muchos otras no.
lugares. Había muchas dudas
● Ensayo # 21 mayo 27 de 2019 (Bitácora grabada)
En este ensayo lo que vimos con el coro, como era el primer ensayo de las semanas que vamos a
hacer intensivo, empezamos con el tag de A la orilla del río, algunas ya lo habían escuchado, sin
embargo, lo hicimos desde el comienzo y en un orden específico para abarcar la obra. Este orden
dependió de que tanta cantidad de personas había en las voces y quienes ya se sabían algunas
partes, esto ayudó mucho antes de hacer la obra. Como hicimos el tag de acercamiento fue posible
saber que partes no estaban seguras para que cuando se presentara en la obra no hubiera dudas
acerca de la frase, y fue muy bueno trabajarlo antes de que vieran la partitura, y luego pasamos al
207
de melodía, pudimos hacer todas las voces, y con esto se pudo completar más de la mitad de la
obra y sin necesidad de que vieran la partitura; solo que estuvieran atentas y repitieran exactamente
lo que habían oído con texto o con sílabas. Si tuve que repetir varias veces, sin embargo, no fue
muy extenso, y en el caso de la melodía si había giros que no eran muy comunes; esto se logró con
un poco más de tiempo del previsto.
Al principio lo que se hizo fue soltar un poco el cuerpo y consciencia de la voz, ya que hace mucho
no nos reunimos, entonces volver a mirar la parte de respiración, de como estamos emitiendo la
voz, y empezamos con las vocales. Con esto de una vez me di cuenta de que hacía falta apertura y
todavía estaban muy cerradas y con tensión en la parte de atrás de la garganta. Otra idea que aplique
para este ensayo fue escribir en el tablero en lo que nos íbamos a centrar que fue concentración y
escuchar. Esto sirvió mucho porque ellas estuvieron pendientes y recordando constantemente en
lo que se tenían que centrar; siempre hay unos objetivos que son más claros cuando ellas los pueden
ver escritos porque así sienten que están apuntando hacia algún lado.
Después hicimos Pajarito, de una vez con el tag de armonía, lo recordaron y luego hicimos el de
melodía, y en cuanto al ritmo fue muy interesante porque una vez que lo hicimos, al ver la partitura
alguien se acordó de como sonaba el ritmo “tu-ram-ta-ka”, con esto me di cuenta que si eran sílabas
que funcionaban y que podían reconocer las células rítmicas, sin importar las notas o las alturas,
podían saber como era el ritmo que es de lo que se trata esta obra principalmente. Fue una gran
motivación y prueba de que funciona, porque una vez una persona se acordó, las demás también
lo hicieron, entonces incluso a manera de ayuda colectiva funcionó. Cuando fuimos a la obra
recordamos partes que ya habíamos visto, fue muy fácil volver a hacerlo, solo nos hace falta una
parte melódica para terminar de leer toda la obra.

208
No alcancé a revisar toda la parte de Cartagena de Indias porque la mayor parte del tiempo la
dediqué a la realización de los tags, que me parece que no se puede pasar rápidamente una vez y
solo en la primera parte del ensayo, sino que ya empieza a ser una parte importante antes de abarcar
la obra y con un tiempo considerable, pero a medida que se va logrando va disminuyendo este
tiempo y se apunta a cosas mucho más específicas. Les comenté a ella cuántas obras teníamos en
total y cuales nos hacían falta y el plan a seguir estos días que van a se intensivas.
Lo que dejamos por último fue la actividad del mapa, que fue muy chévere, aunque solo fueron 10
minutos, no quería dejar pasar la actividad, porque se hizo a manera de diagnóstico. Cada una tomó
al azar un departamento y una ciudad de Colombia y tenía que ubicarlo en el mapa, muchas no
sabían, otras se perdían, había mucha confusión y fue algo muy bueno, porque quiere decir que
con esto podemos establecer si hay avance en cuanto al conocimiento de cada una de las obras y
los lugares específicos en donde se ubican las mismas. Me sentí muy bien en el ensayo, si me
pareció que tenía que trabajar cada vez más cosas más específicas para solucionar problemas muy
pequeños, pero que no se pueden dejar pasar en cuanto a los tags, como ciertas entradas o no cortar
una frase con una mala respiración. Hoy fue una gran prueba de que si funciona y de que da una
mirada amplia a lo que se quiere hacer con la herramienta del tag.
Objetivo Fue muy bueno escribir el Dependiendo lo que más se
objetivo del ensayo, ya que trabaje en el ensayo y el

Soltar el cuerpo
209
todas estaban en constante objetivo de este, puede variar;
relación con el mismo por ponerlo en el tablero hace que
estar en un lugar visible. sea visible para todas,
también se les puede

Se hace consciencia de la
preguntar para recordar y
respiración, para soltar el
tener presente el objetivo del
cuerpo y esto ayuda a que
ensayo pasado, por ejemplo.
nos volvamos a centrar en
cómo estamos respirando y Funciona muy bien hacer los
utilizando nuestro ejercicios de consciencia
instrumento para producir el corporal, cada vez se puede
sonido. variar para que sea distinta la
parte corporal que se trabaje.
A la orilla del río Se enseñó desde el principio El orden ayudó a que fuera
el tag de acercamiento más fácil entenderlo y que

Tag de acercamiento: voz 2,1
porque algunas no lo sabían. entre todas también se
y 3.
estaban ayudando. Es posible
El tag de armonía fue el que
Tag de armonía: Voz 1,2 y 3.
reconocer en el coro quienes
más rápido se aprendieron
Tag de melodía voz 1,2 y 3. empiezan a tener la melodía
debido a que se sentía una
más clara y quienes no, es por
dirección en cuanto a las
esto por lo que se hizo con un
frases y al final todas hacen
orden que fue posible
210
unísono, no hay muchas averiguar en el ensayo
cosas que aprender al anterior.
tiempo; el texto tenía una

Los aspectos que se han
misma sílaba para todo el
tenido en cuenta para los
tag, cuando hacían voces
otros tags han funcionado.
diferentes “la”, y cuando ya
Esto se ve reflejado por el uso
eran voces iguales se hacía
de las sílabas en ciertas partes
otra sílaba: “tu”.
y en centrarse en lo que es el
El tag de melodía fue el que objetivo de cada tag, en este
permitió que una vez se lo caso, la armonía fue muy
aprendieran, llegáramos leer fácil conducirla y que en cada
más de la mitad de la obra. voz hubiera giros melódicos
Era mucho más fluido y se característicos como los hay
sentían más seguras. Cuando en la partitura.
llegaban a una parte

Funcionó bien el orden en el
gramaticalmente
que se hizo, aunque en
desconocida, pero con una
algunos momentos era
letra que ya habían cantado,
necesario repetir más en
alguna se arriesgaba y lo
ciertas voces debido a que no
cantaban sin necesidad de
todas se lo aprendían rápido,
decirles que era lo mismo.
fue posible recurrir a la ayuda
Con el tiempo se daban
211
cuenta que el tag era una de las demás o con el hecho
pista de todo lo que iban a de preguntar qué parte no está
encontrar en la partitura. muy clara, ya con esto fue
posible hacerlo todas, cada
una en sus voces y de manera
fluida.
Cuando ya no estén tan
preocupadas por las notas, a
manera de refuerzo, este tag
funciona también para el
color y la sonoridad de la “a”
y la consciencia en la apertura
y respiración.
Pajarito El de armonía ya se lo sabían Antes de empezar cada obra
muy bien, sin embargo, para se puede hacer primero el tag

Tag de melodía, ritmo y
no hacer solo repeticiones sin de armonía para ubicarnos en
armonía
un objetivo, fue importante la tonalidad y en el rango en
Trabajo en la obra
recalcar aspectos de el que se encuentra cada una
pronunciación y el carácter de las voces.
de la obra.
A medida que se van
El tag de melodía se hizo acordando de sus voces se

212
primero recordando voz por espera que no sea necesario
voz y luego todas juntas. No repetir una por una, sin
tomó mucho tiempo, pero sí embargo, hasta el momento si
fue importante recordarles. ha sido importante recordar y
cantar cada una su voz por a

En el tag de ritmo se
parte para luego hacerlo todas
pregunta si alguna se
al tiempo.
acuerda, y una mamá recordó
primero las sílabas de un Una vez se sepan todo el tag,
compás específico y luego es decir, ya sea cada voz o las
otros pedazos. Al trabajarlo tres voces, se puede seguir
en la partitura era mucho más trabajando con el tag y de una
fácil reconocer las células vez ir a cosas puntuales en la
rítmicas y cambiar partitura en los momentos en
simplemente las sílabas por que hay secciones y no se
las que están en la partitura. acuerdan de la melodía.
Las sílabas han funcionado
mucho mejor, por el
momento no se necesitan
hacer ajustes.
213
Ubicación en el mapa Fue un momento para Se puede preguntar al azar
distraerse un poco, ya que el cuando ya todo el mapa esté
trabajo de escuchar también completo y luego ubicar
es fuerte y exigente. Se puso todas las obras del repertorio
en el tablero el mapa y cada que tenemos.
una tomó al azar un
departamento y una ciudad
de Colombia y tenía que
ubicar en el mapa. Se iban
dando cuenta de los
departamentos que ya
reconocían y los que aún
faltaba un poco, pero cada
vez era un ejercicio más fácil
y sentían más familiar el
mapa.

214
El día de hoy hicimos conciencia del aire y la respiración, tenía en la mente seguir con lo que
estábamos haciendo de los tags, con lo que quedó pendiente de las demás canciones. Al final del
ensayo anterior se realizaron algunas canciones para recordarlas, sin embargo, era importante traer
lo último que se había hecho y hacer algo nuevo. Lo que se hizo fue hacer partes del tag de A la
orilla del río y pasarlo de una vez a la obra, como lo habíamos hecho el día anterior, fue recordar
(algunas no habían estado, fue necesario repetir nuevamente). Estuvo mucho mejor en cuanto a la
emisión y que lo primero que abarqué fue toda la parte de los agudos, en sopranos casi siempre
hay que hacerlo más enfáticamente, aunque aun así lo hice en las dos voces. No quería que se
sintiera que solo se estaba trabajando un registro específico para ciertas voces, sino que todas
pueden trabajar estos registros. Por otro lado, dejamos determinado lo que se va a tener en cuenta
para el ensayo, quedamos en que el aire tiene que ser constante, controlado, consciente y siempre
estar activado.
A partir de esto, y de anotarlo en un lugar visible para todas, pude hacer que en todos los ejercicios
ellas estuvieran pendientes de esto, por ejemplo, cuando hacíamos los tags siempre les recordaba
estos puntos. Hay un momento en el que no se dan cuenta y ya estábamos cantando las obras con
una preparación muy puntual, los tags, y se podía sentir y escuchar que estaban cantando
cómodamente. Lo que hice en el ensayo pasado, me gustó que yo pudiera hacer el tag y luego la
obra, eso me parece que ha funcionado y por eso lo volví a hacer. Hicimos los tags de A la orilla
del río, recordamos algunos y después de eso nos centramos en unificar lo que ya teníamos de la
obra.
Alcanzamos a hacer algunas unificaciones en Pajarito, y en esto se fue más tiempo de lo previsto
porque era volver a recordar, pero en este ensayo ya terminamos la lectura completa de Pajarito;
215
tanto ellas como yo, nos dimos cuenta de que lo habíamos logrado y que la obra necesitaba ser
pulida pero ya se tenía toda la idea general. Luego de esto empezamos a mirar otras obras para
recordar, vimos Maquerúle con el segundo texto. Quise trabajar todo lo relacionado con la
memoria y la concentración porque no estaba muy claro de como estaban todas las voces. En algún
momento se comentó que algunas de las canciones iban a estar a dos voces, sin embargo, dependía
del proceso, pero es lo más posible. Al volver a pasar el segundo y tercer texto se trabajó mucho
el registro agudo; me di cuenta de que se trataba de que fueran más conscientes, era abrir un poco
más la boca y darse cuenta del sonido, de como sale y como se siente. Ha sido muy satisfactorio
porque ellas están siendo conscientes de esto, haciendo las cosas conscientemente.
Luego se hizo un trabajo para recordar algunas obras, vimos Feria de Manizales y otras que
teníamos establecidas, y al final, hicimos el trabajo con el mapa. Cada una tenía un departamento
al azar y tenía que ubicarlo. Yo le tomaba foto final cuando ellas creían que ya habían acomodado
todos los nombres y luego mirábamos si estaban correctas o no. La actividad fue muy interesante
y a muchas les gustó, el ánimo cambia cuando vamos a realizar esta actividad, aunque al principio
hay negación porque les da pena no conocer su país, luego se animan. Siento que esto sirve de
incentivo para continuar y que ellas se vayan sintiendo más confiadas y seguras en cuanto a la
ubicación geográfica en nuestro contexto colombiana. Otra cosa que me interesa es que se sientan
a gusto con las obras, se ha ido haciendo muy poco a poco, para que al final se sienta que hay un
empoderamiento y un aprendizaje profundo de las piezas y que no sea algo superficial.
En este ensayo sentí que par el próximo era importante avanzar y dejar resueltas las partes que se
tenían pendientes y continuar solamente con tags.

216
Conciencia del aire Se hicieron ejercicios de Ir unificando estos ejercicios
respiración para que todas se de respiración de una vez con
pudieran dar cuenta de como una obra para que de una vez
influye esto en los agudos, se sienta el enlace y la
que fue un objetivo de la conexión con las obras que
preparación vocal. estamos trabajando.
Ejercicios para los agudos Funcionó muy bien que se
con partes de la obra A la tuviera relación con una obra
orilla del río. y que se abordara de una vez
una incomodidad que se notó

Tenían en cuenta los
en el ensayo pasado.
aspectos para producir el
sonido agudo, los cuales se Estos aspectos que se
anotaron en el tablero. hicieron para los agudos
quedan para cualquier
emisión de sonido y fueron
términos que se utilizaron a lo
largo de todos los ensayos y
como coro quedamos que
esos eran los principales.

217
A la orilla del río Se hicieron algunas partes de Hasta ahora ha funcionado la
la obra y luego se hizo el tag. manera en la que el tag está

Tag de armonía
Estuvo mucho mejor la hecho. Siempre es importante
emisión y la manera en la que preguntarles si se acuerdan
estaban respirando. algo del tag y de esto pasar a
recordarles una vez el tag

Cada vez se los van
para que hagan conexiones y
aprendiendo más rápido y los
se den cuenta que se acuerdan
recuerdan por sílabas
de cosas exactas debido a
específicas.
alguna indicación en la que
siempre empecé a pedir cierto
carácter o articulación.
Pajarito Se hicieron todos los tags de Se tenía desde un principio el
Pajarito Había que recordar tag de interpretación y otro

Tag de armonía
algunos, pero al final se corporal, para profundizar los
Lectura completa de la obra
lograron hacer todos. ritmos en el cuerpo, sin
embargo, aunque se intenta

Se terminó de leer toda la
aplicar suele ser un poco
obra de Pajarito. Lo que más
rebuscado y funciona más
tuvo dificultad fue la parte
cuando cada una parte de lo
melódica en donde hay un
que ya se ha visto e intenta
intervalo de segunda, es por
218
esto por lo que se trabajó en hacer un ritmo mientras
el tag conscientemente y bailamos o cuando estamos
luego se mostró en la haciendo otro ejercicio de
partitura para que se dieran una melodía, la corporalidad
cuenta que ya lo habían está ahí sin necesidad de leer
hecho. ritmos específicos o tener una
interpretación específica.
Esto se puede hacer en los
tags que ya se tienen.
Maquerúle Se recordó el 2do texto y se Cada vez que se llega a la
hizo de una vez repaso del parte de repetición, vuelven a

Recordar 2do y 3er texto
3er texto. Fue importante que la partitura para saber en
cada voz lo empezara hacer donde están y esto las hace
de memoria. confundirse. Es importante
repasar toda la letra a parte,

Se pasaron los agudos en las
ya que el ritmo ya se lo saben,
sopranos junto con la
para que no dependan de la
pronunciación. Se recordó lo
partitura.
que se había hecho al
principio del ensayo y la
consciencia en la respiración.
Los agudos mejoraron
Así mismo, que miraran los
notablemente cuando ya se
219
aspectos más importantes hizo al principio del ensayo y
para hacer que el agudo salga se tuvieron en cuenta los
sin necesidad de generar aspectos para tener en cuenta.
tensión en la garganta.
Más adelante se puede dividir
un poco más la voz para
escuchar específicamente y
así poder resolver
inconvenientes que se pueda
presentar cada una, en caso
de que alguna siga
presentando alguna molestia.
Feria de Manizales Se repasó primero todo el Hay una consciencia de que
texto hablado y luego todas pueden cantar todas las

Texto de memoria.
cantando. Se tuvo en cuenta voces, es por esto por lo que
el agudo que hacen todas las al hacer el agudo en general
voces. Es por esto por lo que salió muy bien y el texto ya
hacer la preparación de los está mucho mejor. Hay que
agudos fue para todas las trabajar el segundo texto y la
voces y no solo las que son seguridad en el mismo.
sopranos.
Se pasaron otras obras en

220
donde se hizo lo mismo para
que no se olvidaran del texto.
Mapa: actividad de Fue una actividad que hace Se nota que están más
reconocimiento de que se relajen un poco cómodas viendo el mapa, y
departamentos. después de toda la atención aunque algunas saben que
que se tuvo en el ensayo, ya aún falta mucho por
que hicieron un muy buen reconocer, están más
trabajo. Cada una empezó a dispuestas a aprender.
reconocer ciertos
La actividad resultó un poco
departamentos y en caso
como un juego, ya que se
contrario sacaban
podía ver las caras de
conclusiones, pero cada vez
emoción cuando les tocaba
están más familiarizadas con
responder. Se puede
el mapa.
considerar que entre ellas
Con respecto a la última también se pregunten y se
anotación también se hizo respondan. Cuando se hace
preguntando personalmente esto ya saben que es
a cada una, y fue importante momento de irse entonces
porque algunas decían que en también se disponen y
verdad no sabían entonces descansan un poco.

221
también se ayudaban.
En este ensayo se realizó un calentamiento vocal con la sílaba “nia” para sacar un poco la voz,
porque sentía que estaban “mandando” la voz hacia atrás, no había una emisión que proyectara lo
que estaban cantando. También hicimos una respiración consciente y saltos de registro agudo a
registro grave, porque hay muchos saltos en las obras, por ejemplo, A la orilla del río, en donde
cambia el registro y es importante tener esto en cuenta; la idea es que puedan conocer su voz y
cambiar rápidamente para caer en la nota afinada y producirlo de manera sana. Practicamos con
obras que ya se tenían, como, Rumba de los animales, Ay cosita linda, y realizamos ejercicios para
el inicio de una frase, en este momento empezamos a hacer el tag de acercamiento de A la orilla
del río y luego el de la melodía. Es vital tener clara la primera voz, esto se fue haciendo poco a
poco y aunque el sonido no era muy claro al principio, les recalcaba lo importante que era cantar
sanamente, que no generaran tensión en la garganta.
Empezamos con ese tag a manera de introducción, fue muy bueno y hay que tener en cuenta que
es importante que haya una escucha muy activa porque se puede volver tedioso el hecho de repetir
tantas veces y no ser consciente de lo que se está haciendo. Hay que estar pidiéndoles respuestas
también para que no se vuelva algo denso, exigirles dentro de su proceso y su nivel, ciertas
dinámicas y no dejárselos pasar; me daba cuenta de que yo a veces si dejaba que siguieran, pero
eso creaba que hicieran lo mismo y no cambiaran a lo que se les estaba pidiendo y esto también
las podía aburrir. Luego hicimos el tag de Pajarito, seguimos uniendo la obra. Hay muchas
222
falencias en ciertas entradas y en la claridad de la melodía, esto para tenerlo en cuenta y verificar
si es necesario hacer cambios en la composición o en la manera en que se está enseñando. Más
adelante hicimos el tag de Rondel, solamente se cantó la primera voz, nos ubicamos dentro de la
armonía y cuando fuimos a la partitura era un poco más orgánico ya que tiene acordes a los que el
coro aún no está enseñado. Todas estas alteraciones que tiene que ver desde el contexto armónico,
generaron un choque cuando el coro trataba de entenderlas, por lo menos siento que ya quedó algo
en los oídos. Repasamos algunas obras que ya se habían unificado y se le puso atención especial a
Cartagena de Indias porque ya solo falta una sección muy corta y es importante que se termine la
obra. Se tomaron directamente los puntos que aún no se han hecho.
En general quedé a la expectativa, fue un ensayo en el que sentí que fui exigente con lo que pedía
( tenía que estar activas y pendientes), todo resultó muy bien y se va notando poco a poco que
cuando se les recuerdan y cantan las cortas melodías de los tags, empiezan a ser más conscientes
de lo que pueden llegar a encontrar en la obra, en vez de tomar parte muy largas en la partitura y
tratar de entenderlas, para las personas que no leen música, sin que ellas sepan como suena o cuál
puede ser el contenido melódico o rítmico.
Calentamiento vocal con la Se hizo una experimentación Al principio no fue tan fácil
sílaba “nia” de sonidos, cada una con su que se soltaran. Es posible
voz decidía qué hacer. Para hacer una actividad para que
esto se les dio una esto pase antes de explorar
orientación de posibles con su voz, en donde no

223
sonidos (más brillantes u tengan miedo a los diferentes
oscuros, muy agudos o muy sonidos que se pueden hacer
graves etc.). con el instrumento.
Se hizo una consciencia de Fue un muy buen ejercicio
saltos de graves a agudos y que les hizo tener control
viceversa. Esto ayudó mucho tanto de sus pensamientos
a que tuvieran en cuenta que (estar conscientes de que la
hay que pensar antes para siguiente nota era aguda o
que reaccionar y, en ambos grave), como de la
casos, que el sonido esté unificación con el sonido que
afinado. Aunque al principio estaban emitiendo y su
no pasaba, no había afinación.
problema y les decía que lo
importante era que pensaran
la nota. Poco a poco fueron
mejorando y ya estaba listo
para abordar esto en las obras
que se iban a trabajar.
Tag de acercamiento y Había que repetir unas 2 Aunque al principio no se
melodía de A la orilla del río veces para que se acordara acordaban de alguna voz,
cierta voz, que casi siempre poco a poco esto mejoró y las
224
era la voz 2 por cuestiones de sílabas y el texto, sigue
faltas, pero se lograba. Como funcionando para lo que se
tocaba repetir ciertas cosas se quiere trabajar.
estaba pidiendo cada vez con

Normalmente los tags
una cosa más, podría ser en
siempre se están repitiendo
cuanto articulación, sonido,
constantemente, es por esto
pronunciación o texto. Esto
por lo que hay que tener en
hacía que repetir tuviera un
cuenta pedirles diferente
objetivo y no se hiciera solo
articulación o que respiren en
por aprenderse una frase,
diferentes partes, solo para
sino que la frase ya tuviera
que sean conscientes que
una dirección musical.
naturalmente las
respiraciones van siempre en
el mismo lugar, y que se va
dejando una articulación
específica para la obra, si se
quiere decir, la partitura a
trabajar, para que se vaya
interiorizando. Cabe resaltar
que igual se podría variar
aspectos musicales como

225
ejercicio para el coro.
Tags de Pajarito Se hicieron los tags, los Unificar el aprendizaje que
cuales fueron claros, sin ya tienen interiorizado con el

Trabajo en la obra para
embargo, aunque ya se tag, con la obra. Mostrar
unificación de las secciones
habían modificado y lugares en donde es
que quedaron pendientes.
resaltado algunas entradas es exactamente lo mismo. Puede
importante trabajar esto que sea también el mantener
directamente en la obra. Al el tempo o que no se esté
unificar las secciones no anticipando por inseguridad
había claridad en esto y no se con el texto. Se puede hacer
daban cuenta que esto estaba una vez solo ritmo y texto.
en los tags.
Tag de Rondel Solo se hizo el tag de Es necesario hacer el de
acercamiento. Al ir a la armonía, ya que, aunque se

Tag de armonía y
partitura se realizó solo la sabían la melodía no estaban
acercamiento
primera voz y fluyó un poco. muy seguras de la armonía de
esta y la idea es que siempre
sea una experiencia musical
que genere una armonía.
Cantar a 3 voces en la
226
armonía las hace ubicarse
mejor dentro de la obra.
Trabajo de repaso en las Se pasaron las obras y se Con el coro funciona mucho
obras que necesitan verbalizan las partes en las preguntar si están seguras y
memorización de texto. que había dudas o confusión comprobarlo haciendo voz
en cuanto a las voces. por voz. Cuando hay un
inconveniente con otra voz,
se toman únicamente las
voces involucradas y se hace
más un trabajo de escucha,
para la próxima ya se puede ir
pidiendo que sea también sin
ver la partitura para que sea
posible guiarlas.
● Ensayo # 24 junio 4 de 2019 (Bitácora grabada)
Estuvimos viendo que canciones podríamos hacer para concierto, entonces la idea era centrarnos
en las obras que había que trabajar. En Cartagena de Indias solamente hace falta una melodía;
preciso una pianista a la que le había comentado, pudo ir al ensayo y esto facilitó mucho que ellas
hicieran ciertos saltos más precisos. Empezamos con una respiración consciente y después
empezamos a cantar las melodías en un registro medio para ir preparando la voz poco a poco y así
227
mismo recordar algunas cosas de las melodías para luego llevarlas a la partitura. Luego hicimos la
melodía completa en la obra del caribe Cartagena de Indias, solamente era para recordar porque
no se acordaban de nada de está melodía, por eso fue bueno hacerla como preparación, ya que
también se trabajaron cosas técnicas. Cantamos algunas de las obras cortas como Beautiful San
Andrés, y no nos centramos en el registro agudo, sino que estuvimos enfocadas en las obras que
tenían piano. Se finalizó el fragmento de Cartagena de Indias y cantamos Feria de Manizales. Lo
interesante fue cuando hicimos el tag del Rondel el cual funcionó muy bien para cuando íbamos a
entrar a la obra, fue un muy buen acercamiento, todos los aspectos que componían el tag
funcionaron. Después fue el tag de acercamiento A la orilla del río, y más adelante nos centramos
en cosas más específicas; se hizo la segunda parte de tag porque lo que hemos venido trabajando
en los ensayos es no hacer todas las voces de una vez, sino que cada ensayo vamos viendo si se
hacen una o dos hasta que quede bien afianzada. En este tag de acercamiento faltaba hacer la voz
1 y de ahí las demás voces ya se sabían su línea y solo fue ensamblar. Para al próximo ensayo sería
que suene todo el ensamble de este tag. También se hizo el tag del Rondel el cual también se hizo
por partes porque la armonía no es común para muchas de ellas; el acercamiento fue un poco más
fácil. No se terminó la última parte de las sopranos por el registro, ya que no se había hecho una
preparación para los agudos y se notaban que se sentían incómodas la primera vez que se intentó;
no era apropiado hacerlo. Luego en Pajarito se cantaron las partes del tag de armonía y cantar una
vez la obra para que lo recordaran y ver que hay que trabajar y que eso sea lo que se trabaje al
comienzo del siguiente ensayo. Me pareció importante a mitad de ensayo hacer la parte didáctica
con el mapa, esto para liberar un poco de tensión, porque ha sido mucha información la que
recibieron hoy, y para que no se les vaya olvidando los departamentos y lo que se ha venido
trabajando.
228
Salí muy contenta por lo que había logrado con los tags porque siento que sí es importante que
tenga un acercamiento antes de la obra y que no sea algo desconocido para ellas una vez la
empecemos a trabajar. Para el próximo ensayo sería hacer los demás tags de A la orilla del río para
que no se les vaya a olvidar y de una vez entrar con el tag de ritmo que es el que va en la última
parte, con esto ya tendríamos abarcado la mayoría de la obra. Al finalizar lo que se podría hacer
es trabajar el tag corporal en tal caso que yo vea que es necesario trabajarlo, pero hasta el momento
con los que tenemos han sido una buena herramienta y suficiente también para trabajar el aspecto
de corporalidad de manera un poco más espontánea. Para finalizar en este ensayo fueron 7
personas, y por esto no pude trabajar del todo la segunda voz porque no había suficientes personas,
pero eso me ayudó a establecer bien la 1ra y 3ra voz y darme cuenta en qué seguir trabajando con
ellas.
Respiración La consciencia en el Por el momento los ejercicios
instrumento hace que se den han dado resultado y ellas

Cartagena de indias Dm,
cuenta cuando algo no está comunican que han sentido la
ejercicio de escala.
bien al cantar (sienten diferencia. Siempre es
Velo que bonito, melodía
tensión, están apretando, no posible recalcar que cuando
principal.
están respirando bien etc.). sientan alguna incomodidad
Ellas siempre comunican al cantar la comuniquen.
esto, y es posible ayudarles a
que siempre tengan el

229
instrumento activo y Ayuda a que lo que hay por
relajado. mejorar se haga al principio
del ensayo y se trabajan

Los ejercicios de las
varios aspectos también
melodías cortas funcionan
técnicos para que sean
muy bien para preparar la
conscientes de lo como están
voz y también la obra, ya que
cantando una frase
había partes que no se sabían
específica.
muy bien.
Tag acercamiento A la orilla Solo faltaba hacer la voz 1, se Cuando un tag ya está hecho
del río repitió varias veces y todo el nos podemos ubicar a manera
coro tenía que responder y de círculo para que también
cantarla. Después se sea una manera de
recordaron las partes de la escucharnos todas y tener al
voz 2 y 3, el ensamble fue lado una persona que canta
bastante bueno y se sentía el otra voz. Esto también
carácter y la articulación de refuerza la habilidad de
las frases. escuchar e ir cantando su voz;
de esta manera ya estaría

No se hizo todo el ensamble,
totalmente interiorizada.
por eso para el próximo
ensayo es importante que se

230
haga con todas las voces.
Tag acercamiento y armonía Las voces estaban más Hasta ahora a funcionado
de Rondel seguras al hacer el tag. muy bien, lo que es
Siempre es importante importante es que la voz 2
recordarles primero como es esté completa para que todas
cada línea, en este caso solo estén un poco más seguras y
se hizo a 2 voces para se sienta todo el ensamble.
afianzar.
Tag de armonía de Pajarito Se pasó el tag y luego la obra. Al hacer una pasada a la obra
En el tag siempre se pide para saber qué parte hay que
pensar un poco más adelante, trabajar permite que pueda
ya que suelen quedarse y la notar y ver estos momentos.
voz 2 no estaba muy segura. Ya se puede tomar voz por
Siempre hay que repasar voz y pulir ciertos aspectos de
todas las voces por lo menos entradas y de seguridad de
una vez, ya luego ellas con notas y texto.
solo escuchar el primer
acorde se acuerdan de lo
demás porque la melodía que
se hace para la armonía ya se
la saben. Luego se pasó toda

231
la obra de corrido para saber
cuales son las secciones que
aún no están claras y/o
unificadas.
En este ensayo quería dejar lista la canción de A la orilla del río y la de Pajarito más afianzada,
por lo que había pasado el ensayo pasado en las secciones que faltaba unificación. En esto se fue
la mayoría del ensayo, por lo que me preocupé un poco porque tenía pensado hacer muchas cosas,
sin embargo, después lo pensé bien porque, aunque nos demoramos, estábamos haciendo unas
obras bien hechas, la idea es terminar esas dos obras de la mejor manera. En el momento de hacer
el tag de acercamiento, sentí que íbamos por buen camino, y aunque llegó un momento en que
quería hacerlo “a la ligera” y repetir cosas que no se estaban logrando, me di cuenta que estaba un
poco complicado la manera en que se planteó el tag de A la orilla del río, reconocí que lograr esta
parte ayudaba a que el tag fuera mucho más fácil cuando se pasara a la partitura, sin embargo
considero que a esta parte se le pueden hacer algunas modificaciones. También influye que no
estaba todo el coro y eso quiere decir que las personas que no fueron y que tienen mayor desarrollo
auditivo musical, no podían ayudar a las personas que hasta ahora están iniciando; esto implica
que sea un poco más exigente para algunas que no tienen cierto nivel. Por esto, se puede poner el
tag en un nivel medio en donde ambas partes puedan sentirse cómodas, pero a esta en general hay
que bajarle el nivel, además tampoco se está disfrutando y la idea es que sea divertido también.
Hay una mejora en cuanto a la memorización, pero si es necesario revisar el tag.

232
No se alcanzó a ver Rondel, pero sí Pajarito y A la orilla del río, y como último lo hicimos todo
completo. Si lo pienso bien, tal vez no hay que cambiarle mucho, lo que pasa es que al principio
si no se abarca en cierto orden, con el nivel del coro, en vez de ser una ayuda puede hacer que el
proceso sea más tedioso. Considero que es un balance, porque el tag también tiene cierta exigencia
y esto hizo que cuando fuéramos a la obra se hiciera mucho más fácil. Lo que hay que modificar
es ese balance entre la exigencia del tag y el estar disfrutando de la melodía; para esto se tiene en
cuenta el desarrollo que cada voz tiene y tener las melodías por uno o dos ensayos, y ya al tercero
ir metiendo las voces que se saben que son un poco más fáciles. Como ahorita estamos ensayando
todos los días, hay cierta continuidad, que se nota y ha ayudado mucho, favoreciendo que se
aprendan más rápido los tags y, por consiguiente, que se aprendan la obra que se está manejando.
El tag era de acercamiento y lo que se hacía era direccionar directamente a la parte en la obra que
tenía materiales parecidos en cada una de las voces; ya después se une toda la obra por medio de
los tags. Hay una parte de ritmo que no está clara, entonces aquí sí haré uso del tag de ritmo, ya
que también es una necesidad para saber exactamente que es lo que requiere más trabajo.
En el caso del tag de ritmo, ellas tendrían que memorizar muchas cosas, porque el de ritmo también
tiene cierta melodía, lo que haré será utilizar materiales que ya están en los tags que han cantado
para que verdaderamente nos podamos centrar en el ritmo, con melodías que estén completamente
relacionadas con la obra y que se traten más de ritmo. Aún no he enseñado el tag de ritmo por lo
que, según lo visto hoy, puedo hacer ciertas modificaciones en pro de que entiendan ciertas partes
que requieren atención en las entradas, por ejemplo. Esto también les exigiría trabajar más
puntualmente partes rítmicas y estar puliéndolas. En el tag de interpretación la idea es que se haga
exactamente esa interpretación, sin embargo, tengo algunas dudas con este tag porque en los demás
también se está haciendo referencia a la interpretación, con este tag podría ser tener que aprenderse
233
más cosas que no consideraría tan necesarias, porque el resumen y la idea de cada obra ya está en
los demás. Tendría que seguir mirando que tan necesario es como tag. Con lo anterior, como ya se
han hecho partes de otros tags de interpretación, me gustaría tener una charla con ellas para saber
en general como les ha parecido, y con esto, puedo tomar en cuenta que sería necesario cambiar.
Hasta ahora creo que sí ayuda a dar una claridad de lo que es la obra. Cuando terminamos el ensayo
hicimos el repaso de decir algunos departamentos; les recalqué la importancia de estar escuchando
a las demás; les recordé el hecho de que ya teníamos que estar memorizando las voces de cada una
etc. En este momento seguimos trabajando en estos aspectos y ya para mañana pienso centrarme
en otras cosas para tener en cuenta para el concierto.
Aunque ya se había hecho, Lo que hay que modificar es
había personas que no se ese balance entre la exigencia

Tag de acercamiento y
acordaban muy bien y no del tag y el estar disfrutando
armonía A la orilla del río.
tenían claridad con las voces. de la melodía; para esto se
Se repitieron las partes y se tiene en cuenta el desarrollo

Trabajo en la obra. acordaron, sin embargo, si que cada voz tiene. Afecta el
había partes que se podían hecho de que no todas hayan
modificar. Influyó mucho el ido, pero fue una manera de
hecho de que las personas darme cuenta si las demás
que estaban el ensayo pasado verdaderamente tienen
que estudiaban música no se interiorizadas las frases del

234
encontraban en este ensayo, tag. Con que lo que pude
por lo que se notó que observar hoy, es necesario
muchas no se acordaban de la para el tag de ritmo tener la
melodía y les era difícil hacer información necesaria para
ciertos giros. Había que una vez vayan a la
momentos en donde partitura, sea más fácil y no
encontraban relación con el haya complejidad
tag de armonía, sin embargo, innecesaria.
el de acercamiento tenía
mucha información.
El tag de armonía ya lo
tienen memorizado y se
trabajan otros aspectos:
técnicos y de dinámicas.
Se hizo toda la obra y pude
reconocer las partes en donde
se necesita trabajo rítmico.
Tag de armonía y melodía de Los dos tags ya están Los tags que se hicieron hoy,
Pajarito. memorizados, se recuerda fue para trabajar
una vez y luego se hace la específicamente el sentido de
obra hasta donde lleguemos. armonía de la pieza ya que se

235
Funcionó hacerlo en un estaban desafinando en
tempo muy lento para revisar algunas partes.
detalles.
Se mantienen el tag, con los
cambios que se han venido
haciendo. Todo ha
funcionado muy bien.
En este ensayo nuevamente tomamos conciencia de la respiración, hicimos un ejercicio que vamos
a implementar de ahora en adelante que es decir los días de semana, porque hay una obra que tiene
registro casi hablado entonces es importante que sean conscientes de como están tomando el aire,
de como están emitiendo el sonido, en general, como está funcionando todos los mecanismos
involucrados en el sonido. Se trata de decir los días de la semana, los números, y más adelante se
agregan alturas. Luego se trabajaron los agudos con las obras que tenemos, que fuera un sonido
ligero: sin tensión muscular y siempre consciente; de Maquerúle repasamos ritmo y texto, porque
es una obra que hace mucho no miramos, entonces tratamos de repasar esos aspectos para recordar.
Después de esto pasamos directamente al tag de acercamiento de Rondel; esta obra armónicamente
tiene melodías con giros que no son comunes por eso es necesario que se familiaricen con
fragmentos cortos, para luego abarcar las líneas de cada voz en la partitura. Se hizo el tag de
acercamiento y de ritmo de A la orilla del río, empezamos a trabajar las últimas secciones en las
que se necesita mucha atención para las entradas, que son algo característico de como obra. Luego
236
trabajamos Cartagena de Indias, ya se terminó de leer completamente, sin embargo, como era de
repetir ciertas partes, fue necesario mencionarles que era importante hacerlo estando conscientes
de ello y con las cosas que se iban pidiendo a nivel de dirección (dinámicas, entradas precisas y
articulación). Se lograron cosas muy buenas, cada vez hay un mejor ensamble, y las cosas que
están a contratiempo ya no empiezan a ser tan raras en la obra. Luego vimos el tag de Chandé de
acercamiento, pero vimos solamente una melodía muy corta, no lo hicimos completo y también
repasamos Velo qué bonito. Como repaso fue muy bueno porque cada vez estamos ensamblando
más las obras y estamos uniendo las secciones. Al final hicimos Pajarito el ritmo y la melodía.
Aquí sí hubo unos inconvenientes en las partes melódicas por un cruce de voces, entonces fue
importante repetir y tener claro cada voz en donde iniciaba, vamos a seguir trabajando en esto con
el uso del tag. En este caso fue el tag de melodía; fueron más conscientes y se pudo trabajar, sin
necesidad de ver la partitura, la melodía de cada voz y por otro lado siempre se está trabajando el
ritmo, esto permite que haya un trabajo integral de la obra. Si hay ciertos inconvenientes que hay
que mirar en las voces, en cuanto a la nota en la que empieza, ya que no hay mucha claridad, esto
lo podemos ir haciendo esta semana para que al final ya lo hagamos todo de una vez y no haya
ninguna duda.
Después se hizo una actividad de las capitales de Colombia, casi siempre lo hacemos al final,
porque no es un foco que queremos profundizar demasiado, pero igual considero que es muy
importante hacerlo para que todos tengamos un contexto y una ubicación geográfica. Hasta este
momento todos los tags han aportado para el desarrollo de las obras y estos resultados se van
notando a medida de los ensayos. Por ejemplo, en el tag de Pajarito, aunque ya lo hemos hecho
todo, no hice todas las voces, sino que solamente tomé una voz y después lo relacione con la
partitura. Esta herramienta no es solamente para hacerlo siempre con todas las voces
237
simultáneamente, sino también para que, durante el ensayo, se utilicen puntos específicos que el
tag ya tiene, para trabajar algún problema o inconveniente que el coro haya tenido con respecto a
una sección específica. La idea es que sea algo fluido, y que una vez se trabaja a oído con el tag,
se pueda reconocer en la partitura; no tiene que ser algo que nunca hayan escuchado, al contrario,
tiene que ser algo con lo que ya se han familiarizado.
Ejercicio de respiración Como ejercicio se hizo Por el momento no es
pensando en una obra en necesario ningún ajuste, lo

Decir los días de la semana y
donde se necesita la que se puede implementar Es
los números
conciencia de la respiración que cada una vaya siendo
en la voz hablada. consciente de que está
mejorando su capacidad
Se dan cuenta que era
respiratoria con una buena
importante incluso al hablar
calidad de sonido, aunque sea
ser conscientes de la manera
en voz hablada, siendo esto
en que se está produciendo el
último el principal objetivo.
sonido y qué tan sano llega a
ser el mismo. Ocurrió que
muchas se estaban ahogando
y al finalizar ciertas frases y
fue necesario recordar que no
hay que esperar hasta el

238
último momento, sino que
ser conscientes el momento
en el que ya se acaba el aire
para tomarlo y seguir con una
frase.
También se midió la
capacidad de mantener el
mismo aire con los ejercicios
propuestos, sin embargo, la
idea no era la que más
aguantara la respiración o
que llegara más lejos, sino
que fueran conscientes del
aire que necesitaban para
hacer una buena articulación
de las palabras y generar un
sonido sano.
Tag acercamiento Rondel: La melodía que antes parecía Hay que mirar la voz 1 en la
Tonalidad de Do menor. un poco extraña ahora ya es melodía en donde se corta un
más común cantarla, ya están poco la lógica de estar
familiarizadas con esta escuchando lo que está

239
melodía. Lo interesante son pasando.
las entradas, debido a que

También sucede en el
hay muchas partes en donde,
registro, que aparece en la
por ejemplo, la primera voz
partitura, una octava arriba de
tiene que escuchar lo que está
lo que lo vamos a cantar. Esta
pasando; como no todo el
decisión se tomó teniendo en
tiempo están cantando a
cuenta la sonoridad y el color
veces suele ser un poco
de las voces; ellas no estaban
extraño para ellas. Hay un
muy cómodas cantando en la
pedazo en donde siguiendo
octava de arriba y se escucha
esta lógica como que se corta
un poco tensionado y
un poco y es difícil
forzado, por esta razón
memorizarla entonces es
cuando lo pasamos al registro
posible que esto se cambié.
de bajo y medio, fue mucho
Cuando ya se logró hacer más amable hacer las
todo el tag fue mucho más melodías y permitió que las
fluido, si es muy importante sopranos, o la voz 1 en este
repetir conscientemente y caso, experimentara este
con una muy buena registro.
articulación. Siento que
transversalmente les pude
mencionar otras cosas en

240
cuanto a la técnica y a las
dinámicas que se pueden
utilizar en la obra, de tal
manera que lo que hicieron
acá, se transmite a la obra.
En este punto ya hemos
hecho algunas cosas
directamente en la partitura
por lo que ya reconoce la
melodía y de lo que se trata;
es muy característico las
entradas en el segundo
tiempo o como ante compás.
Tag de acercamiento y ritmo Como ya se saben pedazos de En el tag de acercamiento es
A la orilla del río la obra fue importante importante revisar una parte
primero tomar el tag, ya que que está contradiciendo un
tiene algunas variaciones. poco lo que está en la
partitura en la voz 1. Aunque

Para ellas era más fluido
se logró hacer el tag como
hacer lo que ya se sabían de
estaba propuesto, es
la obra.
importante determinar si esto
Al final se logró hacer como
241
estaba escrito en el tag, pero va a ser contraproducente
habrá que revisar si es después para la obra, es decir,
importante hacer un cambio cuándo se trabaje en la
para que esto no afecte y no partitura.
sea más difícil que la obra
que se como trabajando.
Tag de acercamiento Chandé Sólo se realizó una voz del Por el momento funcionó
tag completa y con estos se muy bien y desde el primer
trabajar en ciertos aspectos momento se tenía el carácter
para tener en cuenta en la de la obra, lo que también las
obra; se conectó el tag con el animó a querer continuar con
principio del ensayo, que las demás voces y revisar la
fueron los ejercicios de partitura.
respiración en la voz
Es un tag muy orgánico y que
hablada.
permite reconocer
completamente las diferentes
secciones de la obra.
Tag de Ritmo y melodía de Este tag ya se ha trabajado y Hubo una confusión en las
Pajarito como se menciona hay que notas con las que empieza la
recordar algunas voces, en melodía de cada.

242
esté caso la voz 2 estaba Es posible trabajar con el tag
teniendo inconvenientes con esta confusión, ya que sólo
la melodía debido a que hay tiene los inicios de la melodía
una segunda mayor con la que se encuentra en la
melodía que hace la voz 1. partitura. Esto hace que se
Fue importante trabajar sólo clarifique desde el principio
los inicios y que las notas en las que empieza.
reconocieran que es una nota

Por el momento no hay que
diferente a la que está
hacer ninguna modificación
haciendo la voz 1. Para esto
gramatical, sino que es
se hizo únicamente voz 2 y 3,
importante la manera en que
lo que permitió que
se abarca este tag; para tener
reconocieran que están en
en cuenta,
armonía con la voz 3, al
independientemente del nivel
contrario de la voz uno que lo
del coro con el que se esté
que hace es darle color a la
trabajando, hay que
armonía.
identificar cuál es la voz que
En general sólo se trabajó recuerdan más fácil, de
con el tag la voz 2, las demás acuerdo a la experiencia, lo
voces estaban ayudando a más seguro es que sea la voz
hacer notas del acorde o en el 1, para hacer un trabajo
caso de la voz 1, a reconocer enfático en la voz 2 con

243
que la nota en la que respecto a la melodía; que a
empiezan es diferente. grandes rasgos, está
generando y siendo parte de
la armonía. Es por esto por lo
que hay que tener claridad
desde el principio. Con lo que
se ha venido trabajando, el
tag de interpretación no ha
sido necesario, ya que en los
demás se ha estado
trabajando; es importante
reconsiderar si vale la pena
hacer que se aprendan otras
melodías simplemente para
trabajar la parte dinámicas.
En este ensayo empezamos nuevamente con los ejercicios de respiración. Hicimos unos ejercicios
para los agudos, en donde jugamos un poco con los intervalos y pusimos especial atención en el
cambio de registro y el mecanismo que cada una utiliza, para estar consciente de como se está
emitiendo el sonido, que es algo que hemos venido trabajando. También se anotó en el tablero el
CCCA, ya han sido conceptos que entre todas unificamos (control, conciencia, constancia y
244
activación), que son esas cuatro cosas que necesitamos para cantar, dentro de tantas otras, pero
estas son las que el coro debe tener más en cuenta. La idea es anotar eso en el tablero para que en
cada obra o cada ejercicio que estemos haciendo, tengan en cuenta estos aspectos los cuales harán
que canten sanamente y con conciencia de como están emitiendo el sonido. Tomamos directamente
las obras que tienen los tags para ir dejando esto afianzado y terminar con la lectura de las obras.
Se hicieron los tags y luego se trabajaba directamente la obra: se recordaba algunas frases de cada
voz y cantaban simultáneamente el tag, tal y cómo está escrito, y luego hacíamos la obra completa.
Esto necesita de tiempo, ya que tenían que recordar todos los tags y como todo es de memoria, es
un proceso, sin embargo, es importante saber hasta este punto qué tan claros tienen los tags en
cuanto a la interpretación y dinámica de cada uno. Me gustaría para el próximo ensayo, también
para trabajar la memoria y apoyarnos entre todas, que todo el coro haga todas las voces del tag,
como ejercicio de afianzamiento.
Practicamos el tag de Chandé de acercamiento, el cual no habíamos tenido oportunidad de hacer,
y de una vez se ha acordado de la melodía y de ciertos materiales musicales; en general la obra
tiene una melodía fácil de reconocer y cantar, y que se disfruta mucho. Lo que más llama la
atención es la armonía que maneja, ya que todas manifiestan su agrado por la obra. Por otro lado,
haciendo el tag de acercamiento, me di cuenta de que podíamos iniciar de una vez con el principio
de la obra. Fue muy fácil unificarlo ya que contiene la misma idea melódica y rítmica, sólo que
se cambia y varía un poco el texto en ciertas partes. Más adelante hicimos la melodía de Rondel,
la cual pasamos a La menor, tonalidad qué ha funcionado muy bien y lo que faltaría es hacer la
segunda voz en la partitura, vale aclarar que ya se ha hecho en los tags.

245
A este ensayo fueron varias personas, esto también me motiva no sólo a mí sino a las demás, fue
necesario repetir cosas para algunas personas que no habían estado, pero en general fue un muy
buen ensayo en donde sólo practicamos las obras con los tags para finalizar la lectura de cada una
de las obras. A diferencia de los demás ensayos no hicimos el trabajo con el mapa, debido a que
fue un ensayo exigente en cuanto al trabajo de memorización de la herramienta pedagógica que se
está evaluando.
Ejercicio de respiración y Se dieron cuenta de que es Por el momento se pueden
producción de sonidos importante prestarle atención seguir trabajando los mismos
agudos a la manera en que se está intervalos incluso ya
respirando, y paralelamente relacionándolos con las
al mecanismo que se está canciones o con fragmentos
usando para hacer los que ya han cantado.
agudos. Fue muy bueno que
se tomaran los intervalos,
debido a que esto también se
encuentra en las obras y
tienen que ser muy
conscientes de emitir el
sonido sanamente.
246
Tag Pajarito acercamiento Los tags de esta obra ya están Después de hacer ciertas
armonía ritmo y melodía totalmente afianzados. En repeticiones del tag, teníamos
muchos momentos fue un momento para comentar

Trabajo en la obra
necesario repetirlos más de como se sentían y qué
dos veces, ya que se estaban diferencias habían notado
pidiendo dinámicas y desde la primera vez que lo
articulaciones, así como se cantaron. Muchas se dieron
decían las cosas que se cuenta que al principio la
debían tener en cuenta de una parte de memorizar la
vez para la obra. melodía no era tan fácil, sin
embargo, si era necesario

Al pasar a la obra se dan
repetir varias veces el mismo
cuenta en las partes en donde
fragmento de manera
tenían que hacer las
consciente para que se la
dinámicas que ya habían
fueran aprendiendo.
hecho en los tags, fue un
ejercicio más de atención en La obra ya está
donde simplemente completamente leída y muy
relacionarán las cosas que bien afianzada. Lo que es
ella había encantado incluso necesario hacer es un balance
así no tuvieran texto dentro entre las voces y la respuesta
del tag. Siento que se frente a ciertos gestos en
disfrutó mucho hacer los cuanto a la dirección. En

247
tags, porque ya se tenía el general fue una obra que
carácter de la obra y hacer la tomó más tiempo del que
obra completa fue mucho pensé, debido a que eran
más fácil; antes a ellas se les ritmos con los que no estaban
hacía muy larga como obra, muy familiarizadas; el hecho
pero ahora sienten que es de hacer un trabajo constante
corta y que disfrutan para memorizar las melodías
cantarla. del tag y hacer las tres voces
al tiempo, hizo que a la hora
de llegar a la partitura el
ensamble fuera mucho más
rápido y que disfrutaran de la
obra coral en general.
Tag A la orilla del río Todos los tags han Debido a que los tags
acercamiento armonía ritmo funcionado muy bien y han permiten que haya un trabajo
y melodía permitido que haya un muy musical integral, a la hora de
buen trabajo para que a la abarcar la obra, es más fácil

Trabajo en la obra
hora de ensamblar unificar las secciones; por
reconozcan en la partitura las otro lado cuando ya se hace
secciones que se están toda la obra de corrido, se
trabajando y la mejor manera tiene claridad en cada una de

248
de hacerlas técnicamente. las partes y su carácter, de tal
manera que no hay
confusiones y que en caso
que las haya, si es de un
fragmento específico, se
hace con el tag; si trata de
unificar las secciones se
trabaja directamente con la
partitura.
Tag Rondel acercamiento Se hicieron los tags en la Con los últimos cambios que
armonía ritmo y melodía parte de acercamiento, como se hicieron, quedó mucho
se había mencionado en los mejor y más fluido, se

Trabajo en la obra
ajustes del ensayo pasado, se mantiene la lógica y cumple
cambió una parte de la voz 1 con su objetivo que es de
para que fuera más orgánico; tener un primer acercamiento
en este ensayo funcionó a la obra.
mucho mejor.
En el tag de la armonía se va
Como ya se saben toda la a hacer unos pequeños
melodía 1, cuando le vamos recortes de notas y a cambiar
a pasar al tag, se confundían el ritmo para que
un poco con las sílabas que precisamente se note que

249
se estaba manejando, sin simplemente se quiere hacer
embargo, fue más de una profundización en la
atención y de recordar, parte armónica.
porque como ya se saben el
texto suelen ponerlo en el
tag.
Fue muy bueno que ellas
mencionaran que si hubieran
hecho el tag después de hacer
la obra hubiera sido un poco
más complicado, porque los
tags ya tienen la melodía con
diferentes sílabas y esto hace
que se aprendan muy bien la
melodía o los fragmentos a
trabajar, contrario a si se
hace de una vez la obra,
tienden a confundirse ya que
ya se saben el texto.
250
Tag Chandé acercamiento Se trabajó el tag de Por el momento todo
acercamiento, y aunque lo funciona muy bien en cuanto

Trabajo en la obra
habíamos hecho el ensayo a las sílabas y el texto que se
pasado, era importante está manejando. Es
recordar todas las voces. importante de una vez dar el
Trabajamos sólo con una contexto armónico y utilizar
voz, ya que era lo que se iba los demás tags antes de seguir
a ver en la obra, es decir lo con toda la obra.
que estaba escrito en la
partitura.
En este ensayo trabajamos la respiración consciente dirigida a los tags. El tag de acercamiento y
melodía de Rondel tiene unas respiraciones antes de empezar la melodía, se tomó esta parte
precisamente para trabajar la respiración; en el ensayo nos tomamos un tiempo para ver como
estamos respirando y en algunas ocasiones para hacer un “pare” y concentrarnos en el ensayo. Fue
muy bueno relacionarlo directamente con los tags; ha sido una gran ventaja no tener que mirar la
partitura sino directamente apuntar a un ejercicio breve, el cual va de una vez a los puntos a trabajar
para que la obra tenga el carácter que se requiere. Alrededor de esto se puede planear todo un
calentamiento en el ensayo, y como se ha venido trabajando, que es hacer el tag y luego la obra.
Ya se intentó hacer solamente los tags y más adelante la partitura, y aunque hay relación, queda
mucho más afianzado si se hace y se relaciona al momento de hacer los tags. El objetivo principal
251
de este ensayo fue el trabajo en la pronunciación, se practicaron obras que ya habíamos hecho y
ensamblado completamente, únicamente con ritmo y texto, de manera que se pudiera trabajar tanto
la pronunciación hablada para tener en cuenta las secciones y los cambios, como la pronunciación
cantada o entonada, para tener en cuenta el balance y la emisión del sonido. Por otro lado, teníamos
una grabación, por lo que nos enfocamos directamente en las obras con los tags, para terminar
algunos que no se habían trabajado. Casi siempre se manifiesta dudas en las entradas, por ejemplo,
tomé de una vez el tag de melodía de Chandé, hice algunos fragmentos y con esto, fue posible ir
aclarando las dudas y a su vez uniendo secciones en la obra; en un momento no hice al mismo
tiempo todo esto, sino que hice que todas cantaran la misma voz.
Recalco la importancia de que todos supieran o tuvieran idea de lo que están cantando la otra voz
porque es muy importante también estar escuchando lo que está pasando alrededor. Cuando se
pasó a la partitura y cada voz estuvo cantando su parte, no hubo ninguna confusión, ya que todo
se había hecho antes en el tag. Lo mismo sucedió con el tag de acercamiento de la misma obra, en
donde se trabajo más la voz hablada y también se hizo énfasis en la respiración. Ya hemos hecho
algunos ejercicios con respecto a la voz hablada y en el tag podemos ponerlos en práctica, sumando
que ya estaba dirigido específicamente a la obra y que se pudo relacionar con el hecho de que las
notas que se hacen en una sección se parecen más a la voz hablada. No tuve necesidad de ir a la
partitura y buscar específicamente la sección, sino que a partir de esto ya pude recrear todo un
escenario de cosas puntuales a trabajar. A la hora de juntar las secciones de la obra, ya teníamos
toda la forma en que estaba la obra, sólo hacía falta ciertas voces o ciertos fragmentos, pero como
tal ya se tenía una idea general de toda la obra. Más adelante me centraré en el tag de ritmo y
directamente en las partes que hacen falta en algunas voces, y que tratan específicamente del ritmo.
252
Más adelante repasamos la parte de la melodía de Rondel, ya la primera voz está, aunque es
importante seguir trabajando con algunos como el de ritmo debido a que no hay una claridad
rítmica en lo que se refiere al pulso de la obra. Empezamos en la voz 2 con la unificación y relación
entre el tag y lo que tienen en la partitura; principalmente hay un trabajo de ritmo y melodía un
poco más exigente, es por esto por lo que se hará énfasis en empezar con esta voz para los tags.
Después hicimos un repaso de Maquerúle para recordar el texto y nuevamente tener en cuenta la
pronunciación de este. En esta obra los agudos de las sopranos están mejorando, siento que hay
más conciencia y conocimiento de la voz en cada una de ellas; hay que seguir trabajando en esto,
se trabajó la vocal “u”, la cual las ayuda mucho a que se sientan cómodas y puedan alcanzar estas
notas. Luego hicimos el tag de armonía de Pajarito, esta vez no les recordé de voz por voz, sino
que hice la armonía en el piano y cantando la triada, y de una vez ellas cantaron. Lo que más se
dificulta en el coro es la voz 2, hay que ponerle más atención y en este caso hay dos mamás, a
quienes se les dificulta encontrar la nota en un acorde, entonces simplemente se canta esta nota a
parte, y desde ahí ya recuerdan todo el fragmento.
Considero que es un ensayo que me ha mostrado que hay un gran avance tanto a nivel de escucha
como a nivel de técnica y de intuición musical. Las que menos conocimiento teórico y gramatical
de música tienen, ya pueden reconocer cuando no están dentro del acorde o la armonía o cuando
están haciendo otra línea melódica; sus expresiones y manera de referirse a estos sucesos salen de
manera muy natural, como por ejemplo, “ algo suena raro”, “ estoy haciendo algo que no es”, “
siento que al final me uní a otra voz”, “ preferí no cantar porque no me acordaba de la primera
nota”, “ siento que todas nos desafinamos”, entre otras. La manera que se expresan, incluso cuando
hay estudiantes de música, es muy honesta y auténtica, esto es algo que se ha aprendido a medida
los ensayos, y esto también lo han aprendido a manejar las estudiantes de música que saben que
253
hay algo mal. A veces se hablan entre las voces o me lo dicen y lo arreglamos de una vez. Me
alegra saber que ya el coro está utilizando cierto vocabulario para referirse a materiales o aspectos
musicales, y que tienen la confianza para decir sus dudas delante de todas.
En la obra de Pajarito tomamos la última parte directamente, ya que el último ensayo me di cuenta
de que no había claridad en esto, con una repetición y recordar lo que habíamos hecho en el tag de
melodía, quedó más afianzado. Luego se hizo repaso de Currulao y se trabajó con la pronunciación
muy exagerada. No se alcanzó a hacer el repaso de Cartagena de Indias, esta queda pendiente,
pero si se hizo el repaso de las capitales y los departamentos. Se tenía que ubicar cada obra en la
región correspondiente; todavía hay que seguir trabajando en ciertos lugares en donde todavía no
hay un reconocimiento, sin embargo, cada vez hay más identificación con el mapa. Esto hace
parte del contexto y de la identidad de la obra, visualmente también me interesa que lo reconozcan.
Cada vez siento que es un trabajo muy gratificante, que ellas están haciendo un excelente trabajo,
se les ve el esfuerzo; como estamos yendo toda esta semana, todas han manifestado y notado
mucho el progreso. Me parece que no se trata de una vez llegar y que se lo aprendan, sino que es
importante tener un contexto (en el caso de hacer los juegos con el mapa), tener un objetivo para
cada uno de los Tags y que este puede abarcar a su vez otro trabajo musical, es decir, trabajo a
nivel de técnica, de respiración, de emisión, de proyección de la voz y de disfrute personal y como
coro.
El tag da la posibilidad de entender fragmentos, que de pronto visualmente en la partitura, pueden
ser confusos para ellas. Con el tag te tomas el tiempo de conectarte con cada voz, y esto se va
interiorizando poco a poco; además, es un proceso de presentación o introducción frente a una obra
la cual tiene ritmos y es un género que el coro no tiene apropiado. Para muchas no era común
254
cantar una segunda voz o una tercera voz, y lo que he planteado con esta tercera voz, es una base
sólida en la que se encuentran personas que tienen un nivel un poco más alto en su desarrollo
auditivo, pero esto no quiere decir que las demás no canten esta voz. Lo que tengo en cuenta con
esta tercera voz es que les exijo otro tipo de cosas, por ejemplo, en la partitura directamente el
ritmo o el solfeo, de tal manera que esto también representa un reto para ellas. Con respecto a lo
anterior me ha dado cuenta de que lo más difícil para ellas es aprenderse las cosas de memoria, sin
ver la partitura.
Tuvimos en este ensayo una grabación/entrevista, y todas salimos muy contentas y animadas a
pesar de la hora y de la intensidad que se manejo. Personalmente también salgo muy contenta
porque disfruto el proceso para llegar a mi objetivo, qué es tener listas y leídas las obras que tienen
los tags y que ellas la pasen bien en cada ensayo. Nos quedan ya unos ensayos para reforzar las
obras y evidenciar en lo que me ha favorecido el tag con el coro.
Tag de acercamiento y Se hizo un trabajo de Ya se ha hecho la relación
melodía Rondel respiración directamente directamente con la obra, sin
conectada y luego se embargo, esta vez fue
relacionó con la obra. diferente porque se tomó otro
aspecto que fue la respiración

Se empezó a trabajar con la
para volver a trabajar y pasar
voz 2 y fue importante la
estas mismas melodías, las
parte de la respiración
cuales hay que seguir
255
porque tienen varios afianzando.
momentos en los que carecen

Ya se escucha todo el
de este recurso natural y a
ensamble y todo el tag
su vez musical; en el tag
simultáneamente, cada una
estaban más claras estas
en su voz, y con esto es
partes puntuales.
posible trabajar ciertos
No se ha mencionado, pero fragmentos de los cuales no
desde hace cuatro ensayos son conscientes a la hora de
tenemos una nueva cantar la obra completa.
integrante, y ha comentado
Hasta este punto no ha sido
que se le hace mucho más
necesario hacer alguna otra
fácil aprendiendo de una vez
modificación con lo que se
el tag, porque se trabajan
tiene se ha podido abordar los
aspectos que después no son
aspectos que más hay que
necesarios repetir cuando ya
trabajar y que caracterizan la
se está haciendo toda la
obra.
canción y cuando ya se tiene
un carácter; se siente como si
se cortara un poco el
sentimiento con el que están
cantando. Por eso es mejor
hacer al principio los tags

256
porque ella se da cuenta si
tiene esto claro lo puede
pasar después a la obra.
Tag de melodía de Chandé Hice que todas cantaran No tuve necesidad de ir a la
todas las voces, para reforzar partitura y buscar
algunas líneas que no se específicamente la sección,
sabían y que sea que el sino que a partir de esto ya
trabajo en equipo puede pude recrear todo un
consolidar mejor. Fueron escenario de cosas puntuales
muy conscientes de su voz a trabajar. A la hora de juntar
hablada, considero que se las secciones de la obra, ya
debe los ejercicios que teníamos toda la forma en que
hemos hecho anteriormente, estaba la obra, sólo hacía falta
y porque el tag tiene ciertas voces o ciertos
únicamente una parte fragmentos, pero como tal ya
específica para este se tenía una idea general de
componente. toda la obra.
Se pasó directamente a la Al final se pasó toda la obra
obra, y cada voz estuvo que tenía el componente
cantando su parte sin ningún melódico, ya el próximo
problema y reconociendo ensayo se hace el

257
también las demás voces. componente que hace falta,
Igualmente se hizo énfasis en que es el rítmico, para
la respiración, que es en lo terminar y unificar las frases
que se ha trabajado en el de algunas voces que hacen
ensayo de hoy. falta.
Tag de armonía de Pajarito No les recordé de voz por Cuando se ubicaron
voz, sino que hice la armonía armónicamente y se hizo la
en el piano y cantando la última parte melódica, se
triada, y de una vez ellas pasó toda la obra
cantaron. Se toma completamente y se lograron
directamente el último hacer todas las secciones de
sistema de la obra, el cual corrido.
primero se relaciona con el

En esta obra ya solamente
tag de melodía y se hizo las
hay que trabajar aspectos de
primeras notas; esto ya se
balance y sonido.
había trabajado antes, sin
embargo, solamente fue
recordarles y ya después, con
unas cuantas repeticiones
conscientes, la voz 2 tuvo
claridad en su melodía.
258
Tag de acercamiento y Se hicieron de dos a tres Hasta este punto no se
armonía de A la orilla del río veces cada uno de los tags, requieren hacer otras
mientras los recordaban, se modificaciones de los tags;
pedían ciertos aspectos todos tienen un objetivo claro
musicales para que no y han servido para trabajar los
olvidarán y que tenían que aspectos puntuales que se
estar también en la obra; requieren dentro de la obra.
después de esto se pasa
directamente a hacer toda la
obra.
Ya hay una unificación de la
idea general de toda la obra;
hay que trabajar la seguridad
en ciertas secciones, pero
como tal la obra ya como
totalmente leída.
En el ensayo de hoy dirigimos la atención hacia ejercicios para el registro de cabeza, había varias
personas que no habían venido y que se consideran un apoyo en el coro; fue de gran ayuda para
avanzar en unas partes que estaban inseguras. El coro cada vez está memorizando las cosas más
259
rápido, todas nos sentimos a gusto que ya tenemos una pequeña rutina al principio del ensayo, qué
es la conciencia en la respiración y la emisión. Empezamos haciendo boca chiusa en notas de
registro medio y de ahí pasamos al registro agudo. Cuando estábamos haciendo el tag de armonía
de A la orilla del río, teníamos en cuenta también la respiración. Aunque se estaban haciendo todos
los tags, estaba trabajando transversalmente el tema de la respiración, la concentración estaba en
este aspecto, por ejemplo, al abarcar el tag de armonía que ya se sabían, se tuvo en cuenta la manera
en que estaban manejando el aire. Luego hicimos el tag de acercamiento A la orilla del río, y se
relacionó directamente a la partitura; yo les estaba mencionando que seguíamos en la parte de la
preparación de la voz, aunque vayamos a hacer un pedazo o una sección de la obra, la consigna
era seguir trabajando la respiración. Ellas no estaban sintiendo como tal que estaban cantando una
melodía, sino que su atención estaba en otro aspecto que yo les estaba exigiendo y que a su vez
reforzaba el que ya se hubieran aprendido cierta parte, tanto del tag como de la partitura.
Luego empezamos a trabajar en la obra, ya se puede hacer completamente; aunque nos demoramos
un poco en la unificación, ya las secciones están ensambladas. Fue muy bueno practicar ciertas
cosas de la parte melódica, para que la unión estuviera más fluida; cuando veían las cosas en la
partitura, para ellas era más fácil descifrar alguna sección teniendo en cuenta el texto (esto para las
personas que no leían música). Más adelante vimos Chandé, hicimos el acercamiento y tuvimos
un énfasis en la segunda y tercera voz, sin que ellas en realidad se dieran cuenta que esto era lo
que estábamos trabajando, ya que todas las voces estaban haciendo siempre las melodías, es decir,
todas estaban cantando todo. Ya después, le decía a cada voz cuál era su melodía y les recordaba
la conexión con la respiración, alcanzamos a avanzar en muchas partes y empezamos a ver el tag
de ritmo. Es una obra que sé que les gusta mucho porque tiene ciertas variaciones en la obra y la
parte rítmica es una de ellas; empecé a enseñar el tag e incluso se prestó para hacer ciertas cosas
260
de corporalidad y expresión. Para el próximo ensayo ya se va a ser directamente relacionado con
lo que está en la partitura.
En el trabajo de Pajarito apuntamos de una vez a la melodía, qué es lo que se ha venido trabajando
por ciertas notas que generaron las disonancias y que algunas suelen confundir. Hicimos una
pasada de esta sección y lo que queda es afianzar y unificar para hacer esta última parte con las
notas correctas y si confusión. Puedo reconocer que sí fue necesario hacer al principio el tag de
acercamiento y armonía, ya que tienen muy clara como es la estructura de la obra y su armonía;
cuando ya estás más confiada y segura con la parte melódica ya es posible incluir otros materiales
musicales, que tienen que ver con la expresión y que ya se han trabajado en los tags. Lo importante
cuando ya se hace referencia a la partitura, es que tengan la forma general de la misma y esto se
puede hacer relacionado directamente las partes que los tags trabajan. Cuando veían la partitura se
sentían bien porque ya se sabían ciertas melodías que podían reconocer por la letra; por otro lado,
también lo reconocían cuando se cantaba un fragmento del tag con una sílaba y directamente se
mostraba la parte en la partitura en la que estaba, es decir, se trataba de la habilidad de escuchar,
y como ya lo habían repetido varias veces, sólo era ponerle el texto, lo cual iba surgiendo muy
naturalmente en cada una de ellas. Cuando se hace toda la obra siempre hay un ambiente
gratificante porque se logró unificar y hacerla toda cada vez mejor.
Al final hicimos el tag del Rondel en el que se hizo énfasis en solamente una de las voces, ya que
tiene técnicamente algo que también se ha venido trabajando, que es el cambio de registro y por
consiguiente de mecanismo. Estos ejercicios que hemos hecho han servido mucho y se nota por la
habilidad que tienen para responder cada vez más rápido a este tipo de ejercicios y melodías. El
último ejercicio que se realizó fue ubicar en el mapa las capitales que nos habían hecho falta la
261
última vez. Queda pendiente para mañana hacer toda la obra de Cartagena de Indias y las
preguntas para las entrevistas. Se siente en el coro la manera en que cada una está aportando para
mejorar cada una de las obras, lo cual es muy gratificante para el proceso que se ha estado
siguiendo.
Tag de armonía, melodía, Aunque se estaban haciendo Fue necesario reconocer las
ritmo y acercamiento A la todos los tags, estaba partes que primero había que
orilla del río. trabajando transversalmente abarcar en el tag y hacer
el tema de la respiración, la énfasis para luego unificar lo

Revisar voz 1 y 2. Trabajo
concentración estaba en este que hacía falta, lo que no
directamente en la obra.
aspecto. estaba tan seguro en la
partitura, y así poder hacer
toda la obra de manera fluida

Se trabajaron todos los tags,
y que todas la pudiéramos
al principio como una
disfrutar.
preparación de la voz, y
Lo que se necesita trabajar
aunque no se estaba teniendo
para la otra parte del semestre
en cuenta necesariamente la
sería el sonido y seguir
melodía, se estaba trabajando
mejorando en memorizar la
la memoria y el que hicieran
obra; repetir las veces que sea
la melodía de una manera
necesario de manera
262
más fluida sin tener que consciente y con un énfasis
pensar estrictamente en los especial en el aspecto de
intervalos ya que todo esto ya conexión entre la directora y
se lo sabían. el coro.
Tag Chandé: acercamiento y Se trabajaron los tags de Con el proceso vivido hasta
ritmo completos. manera muy indirecta, pero ahora me doy cuenta de que
esto favoreció que pudieran con esto hay una buena
fluir más con las melodías y circulación de las ideas y de
también que las puedan partes que son necesarias
disfrutar y sentir un poco ponerles atención para el
más. Como es una obra que buen desarrollo de la
se que disfrutan, fue posible musicalidad de la obra.
abarcar el tag del ritmo de
manera muy dinámica, ya

No ha sido necesario ningún
que el tag lo permite por ser
otro cambio y esto se pudo
partes en donde hay un
comprobar en este ensayo en
registro que se asemeja a la
donde todo fluyó y permitió
voz hablada.
que se hiciera la obra de
Se unificó toda la obra tan
corrido. Asimismo, está
pronto acabamos de hacer el
ayudando a evidenciar partes
tag; en sí, ellas no sabían que
en donde las coristas no se
263
estábamos haciendo el tag de sienten seguras y una vez ya
ritmo. Ya tenemos toda la lo hacen en el tag, se sienten
idea de la obra es decir ya más confiadas de ir a la
leímos toda la obra. Algunas partitura y seguir
quedan un poco sorprendidas descubriendo lo que la obra
porque lo hayamos logrado tiene.
sólo con hacer pequeñas
melodías, pero al final nos
dimos cuenta de que, aunque
al principio era un proceso
que tenía ciertas exigencias,
permitía desarrollar ciertas
habilidades dentro del coro
para que las obras tuvieran
un montaje más fácil y que
ya tuvieran idea de los
recursos musicales que
íbamos a tener en cada
sección de la obra:
articulación, dinámicas,
sonido y balance.
264
Tag de Pajarito: ritmo, Hay una base muy sólida en Hay una sensación de
melodía y armonía. cuanto a los tags de armonía aprendizaje de la obra cuando
y acercamiento por lo que en van a la partitura y pueden
este ensayo se trabajó más la reconocer ciertas melodías o
melodía y el trabajo rítmico. ciertos ritmos que se han
Se fue directamente al punto trabajado. Como ha sido la
que se ha venido trabajando, obra que ha tomado más
y una vez se hizo en el tag, se tiempo, porque al principio
reconoció en la partitura; no había mucha relación del
nuevamente hubo una buena coro con la música de la
respuesta por parte del coro, región llanera, sin embargo,
quienes ya sabían que era una es la que más han disfrutado
parte que era importante cuando la logran hacer. Se
tener clara y todas dirigieron nota cuando cantan con
su atención para lograrlo. sentimiento y cuando
disfrutan de las letras y las
melodías.
Con las modificaciones y
ajustes que se han hecho a lo
largo de los ensayos, es
posible tener una herramienta
que permita un muy buen

265
acercamiento a esta obra; un
desarrollo melódico que
trabaje aspectos puntuales
entre las frases; una
conciencia armónica de toda
la pieza y un conocimiento
rítmico característico de esta
obra.
Tag de Rondel: Dentro de los tags que se Con los ajustes hasta ahora es
acercamiento, ritmo, melodía hicieron fue posible trabajar posible reconocer en cada tag
y armonía. el cambio de mecanismo. Ya lo que se va a trabajar
se han realizado todos los puntualmente y que sea
tags, por lo que esta vez solo también de acuerdo con la
se prestó atención a la voz 2, lógica que se está manejando
qué es la que necesita estar en la partitura.
más segura ya que se trabajo
después de que se hiciera
toda la voz 1. Se tomaron
partes específicas dentro de
cada tag, que pudieran
ayudar a clarificar sus líneas

266
dentro de la partitura.
Repaso de ubicación en el Hay algunas dudas con Hasta el momento ha sido una
mapa de Colombia. respecto a ciertas regiones, manera muy didáctica de
sin embargo, esto se va a terminar el ensayo, de
seguir trabajando para que distensionarnos un poco y de
más adelante cuando se irnos con una energía más
tengan las obras se pueda alta que con la que entramos.
profundizar más en este
aspecto de identificación del
contexto geográfico.
En este ensayo hicimos un proceso de respiración que nos sitúa en el presente y nos prepara para
lo que vamos a hacer a continuación qué es música. Empezamos dejando claro el objetivo de hoy
es pasar las obras que tienen los tags y luego reconocer que es importante trabajar en cada una de
ellas para luego tener un espacio de conversación y reflexionar lo que ha pasado en el proceso de
cada una hasta el día de hoy. Quise aclarar que es importante alejarnos de la partitura y tener más
conexión entre nosotras, es decir, unificar nos por medio de los gestos que estoy haciendo para
estar todas dentro de un mismo tiempo y disfrutar de la obra.

267
Se hicieron algunos tags de las obras, se trabajaron los que eran más relevantes para el aspecto que
todavía falta o mejorar en la obra. Una vez realizado esto se puso directamente a la obra y se hizo
por completo. Esto pasó en las 4 obras que realizamos, y aunque en algunas hubo ciertas dudas
fue más por inseguridad porque son cosas que sé que se han hecho es por esto por lo que decidí
hacer cada obra con otra repetición y de pie para que ellas se sintieran más confiadas incluso en su
propio proceso, y con libertad de hacer gestos o hacer movimientos con el cuerpo. Esto mejoró
notablemente y las distensionó un poco, ya que de pronto sentían que era a manera valuación o
calificación, pero trata de revisar el proceso; la idea es pasar las obras y poder identificar qué es lo
que hace falta trabajar para que lo hiciéramos entre todas y así yo poder poner todos los recursos
necesarios para que ellas entendieran y disfrutarán del proceso.
Luego de esto tuvimos una charla en donde cada una identificó cosas de su proceso y las compartió
con el grupo, por lo que fue un momento muy significativo y en el que tome nota de ciertas cosas
que son importantes para el desarrollo que se ha venido haciendo durante esta investigación acción.
Además, es importante para mí también saber cuál ha sido su crecimiento y en qué les ha aportado,
en general, el estar en el coro y tener como espacio. Finalmente se hablaron aspectos a trabajar
más adelante, ya centrándonos en otra etapa para el coro, y se les deseé unas excelentes vacaciones.
Terminé muy agradecida con ellas y con el proceso que se ha vivido, porque me ha permitido
reconocer diferentes formas de aprendizaje y las diferentes estrategias con las que pude hacer los
tags para que cumplieran su objetivo principal, e incluso, fueran un poco más allá (trabajar aspectos
técnicos, de escucha individual y grupal, trabajo en equipo, entre otras).
Corista 1:
- Técnica vocal
268
- Preparación de la voz
- Pone todo el practica hasta para hablar.
Corista 2:
- Practicar para mejorar la memoria.
- Vocalización
- Se considera menos tímida.
- Hay más ganas de asistir a los ensayos.
Corista 3:
- Técnica vocal. Reconoce que hay más fuerza y potencia.
- Siente que amplía su registro.
- No es solo preparación académica, es un don.
Corista 4:
- No hay dolor de garganta al salir, ya que esto le sucedía cuando estaba en otros coros.
- Ahora le gusta su voz.
- Ha hecho un gran avance en dejar a un lado su timidez.
Corista 5:
- Nunca había experimentado la tercera voz y le ha gustado.
Corista 6:
269
- Mejora en la memoria, porque normalmente solo se hace en solfeo.
- El ambiente en el coro es muy ameno.
- El repertorio a sido de su gusto.
- Ha aprendido a ubicarse en el país.
Corista 7:
- Lo disfruta mucho, ha aprendido mucho tanto a nivel musical como personal.
- Se siente mal cuando no logra subir.
- Sigue trabajando para mejorar la memoria.
- A veces el manejo del repertorio la confunde.
- Todo le ha gustado, siente que hace mejores cosas cuando canta.
- Se suelta más cuando canta.
Corista 8:
- No puede practicar mucho por su trabajo.
- Se le hace más fácil no ver la partitura, sino poner cuidado a los gestos de dirección.
- A veces se confunde con otras voces.
- Se siente perdida con el solfeo
- Ha aprendido un 70% más cosas musicales.
Corista 9:
270
- Ampliar el registro agudo
- Le han gustado los tips para la respiración. A veces no sabe en donde ubicar la voz.
- Al principio fue un poco lento por la falta de asistencia y constancia.
Corista 10:
- Se ha dado cuenta del progreso de las personas que no tienen una experiencia coral.
- Le gustan los tags, ya que hay que estar pendiente y desarrollar mucho la escucha.
- Le ayuda a empoderarse de lo que ha venido aprendiendo.
Corista 11:
- Le gusta mucho la manera en la que se trabaja.
- Hay un ambiente muy relajado.
- Es su primer coro y ha aprendido a estar con gente cantando.
- Se pudo aprender muy rápidamente las canciones.
Corista 12:
- La ha ayudado para enseñar.
- Le ha gustado los ejercicios de respiración y hacer conexiones porque es flautista.
Corista 13:
- Es su primera experiencia conviviendo con un coro. Le ha gustado mucho.
- Tiene más conocimiento de su contexto y de las músicas tradicionales.

271
- Le han salido mejor las notas agudas, ya no siente que sean tan altas. Le ayudan mucho los
tips que se dan.
Chandé Hay partes en donde hay que Finalizando el trabajo con los
seguir unificando en cuanto a tags, no hay que hacerle
carácter de la obra, esto les alguna modificación a lo que
daría más seguridad en se ha venido haciendo, ya que
algunas notas; sin embargo, con los cambios hasta ahora
cada sección ya se la saben. se puede decir que es una
obra que tiene las secciones
muy claras y que todas se
pueden trabajar con la
herramienta pedagógica
propuesta.
A la orilla del río Antes de realizar toda la obra Cada una de las secciones es
se realizó el tag de armonía, posible encontrarlas para

Tag de armonía y unificación
con el cual considero que se trabajar en algún tag y para
sueltan mucho antes de resolver específicamente
empezar la obra, y luego cuestiones que requieren más
hicimos la obra completa. interiorización para una

272
buena interpretación de la
obra. Ha sido una obra que
tiene cierta complejidad
melódica y con especial
atención en la parte rítmica y
de pronunciación. Todos los
tags que han sido
modificados han permitido
que su aprendizaje sea más
fluido y consciente.
Pajarito Nos centramos en trabajar Ha sido la obra que más
nuevamente en el tag de tiempo ha tomado y la que

Tag de melodía
melodía para llegar a las más modificaciones a tenido
partes melódicas de manera en cuanto a los tags, ha sido
más segura, es por eso por lo necesario volver a ellos para
que hay que tener precisión y que verdaderamente sean una
estar seguras de lo que ya herramienta de ayuda para
saben, es decir confiar en que al ensamblar esta obra
ellas mismas y en su proceso. haya una mayor fluidez y
No hubo ningún apropiación de los materiales
inconveniente cuando se que se encontraran en la

273
pasó la obra. partitura. En este punto los
tags quedan de esta manera,
ya que han demostrado
ayudar a alcanzar los
objetivos.
Rondel Se realizó primer tag de Para esta obra los tags que se
acercamiento para recordar realizaron han recibido muy

Tag de acercamiento.
ciertos motivos y carácter pocas modificaciones, sin
con el que empieza la obra. embargo, se ha prestado para
Se realizó la obra a dos voces que en un solo tag se trabajen
y hace falta trabajar un poco varios aspectos. Es posible
más la segunda voz para que trabajar, en general, todos los
no se confundan con la tags con múltiples objetivos,
melodía de la primera voz y siendo el principal el que
el ritmo. permite apropiarse ya sea, del
ritmo, la melodía, la armonía
o una primera mirada a la
obra que se va a trabaja. En el
caso del Rondel ayuda volver
a ellos para recordar ciertos
aspectos para tener en cuenta

274
que no se pueden olvidar
cuando ya se tiene la canción
ensamblada. Con los ajustes
hasta el momento, los tags
han sido una buena
herramienta para que haya
una apropiación, desde varios
puntos, pero principalmente
auditiva, antes de llegar a la
partitura.
8.3 Entrevistas
• Entrevistas #1
1. ¿Qué es lo que más te ha gustado del coro?
• Corista 1: lo que más me gusta del coro es la armonía, la energía que tiene Allison
para enseñar y la paciencia.
• Corista 2: lo que más me ha gustado del coro es como tener ese espacio en el día para
hacer música.
275
2. ¿El coro te ha ayudado para algo específico en un ambiente social, cultural o personal?
• Corista 1: en lo personal es como una terapia, siempre espero que llegue el día para
ir a la clase
• Corista 2: sí, para relajarme después de un día de rutina y pasar un buen rato.
3. ¿Qué sientes cuando estás en la clase?
• Corista 1: me siento muy tranquila y pues a veces no creo que haya llegado pues a
donde estoy, porque no sabía cantar, entonces ha sido un motivo muy bueno para
levantarme cada día.
¿Cómo es la experiencia entre ustedes, entre las coristas, cómo se relacionan cuando están
en los ensayos?
• Corista 2: hemos conocido muchas personas y hemos tenido la experiencia de
compartir con mamás, algunas van con sus hijas, entonces es interesante y es
chévere.
4. ¿Qué te ha aportado el coro en cuanto a tu desarrollo musical?

276
• Corista 1: me da más … me ha quitado la pena como un poquito, o un poquito no, me
ha quitado la pena, me siento más … un poquito más realizada.
• Corista 2: me ha ayudado mucho a explorar mi registro agudo, al que no estaba
acostumbrada a cantar.
5. ¿Qué aprendizajes musicales has tenido?
• Corista 1: en el coro he aprendido a calentar, unas notas, a subir, he aprendido a
escuchar.
• Corista 2: me ha gustado mucho ver a Allison dirigiendo, su forma pedagogía y he
aprendido harto de eso.
6. ¿Qué expectativas tenías del coro antes de vincularte a el?
• Corista 1: cantar, cantar bien, aprender a cantar y han salido cosas que pensaba que
fueran así como tan rápido, como grabar ahorita, para mi ha sido muy
bonito todo esto.

277
• Corista 2: ya conocía a Allison de la carrera, entonces, supe que estaba formando un
coro, y me llamó mucho la atención que quería hacer repertorio colombiano, que es
música que me gusta mucho.
7. ¿Qué fue lo que te motivó a ser parte del coro?
• Corista 1: Me motivó a ser parte del coro ayudar a mi, pues, no sé si puedo decir que
a mi hija. (si se puede), ah bueno. Me motivó ayudar a mi hija para la tesis y pues
probar de que si podemos las que no sabemos de música ni nada; pues amas de casa
y así, que podemos hacerlo, cuando uno de propone algo lo puede sacar adelante.
• Corista 2: eso mismo, que era música colombiana y las ganas de hacer música.
Allison García
1.Cuentanos que es lo que acabas de hacer.
Por una invitación de un amigo y un gran artista ElrojasIvan, estamos aquí con Raíces, con alguna
de las del coro porque estamos grabando un fragmento de una canción de un disco de él, entonces
el me pidió el favor para dirigir unas partes, pero obviamente lo primero que pensé fue en Raíces,
en que ellas pudieran tener esta experiencia, el hecho de grabar, de estar es un estudio, de estar con
personas tanto profesionales como no profesionales en esta industria de la música, entonces, quería
278
que ellas también se apropiaran y se dieran cuenta de lo que ellas hasta este momento han podido
hacer y pueden hacer.
2. ¿Qué implica para una persona que no es música, venir a enfrentarse a un estudio y vivir la
experiencia, y tu, que estuviste dirigiéndolos, de qué te percataste?
Lo que vi en ellas fue que algunas estaban al principio muy preocupadas, pero siempre estaban
muy a la expectativa de saber como iba a funcionar todo. Las vi muy concentradas y enérgicas; ya
después cuando estaba todo el coro, ya se estaban soltando, entonces siento, y en lo que me di
cuenta en sus expresiones, que llegó un punto en el que se lo estaban disfrutando, el hecho de
ponerse audífonos que era algo nuevo, pero poco a poco se estaban acoplando, siento que fluyeron
muy bien con todo lo que iba a pasar.
3. ¿Cómo viste el resultado final?
En general el coro estuvo muy bien, todo estuvieron muy conectados; como hay que repetir tanto,
si es importante que haya mucha energía. Ellas ya conocen un poco la pedagogía, lo que hemos
estado haciendo hasta ahora, entonces eso lo que hizo fue llenarlas de energía, las vi todo el tiempo
conectadas, a pesar de tanto repetir, que es lo tedioso de una grabación, fue vital que ellas
mantuvieran ese ánimo y siento que eso fue lo que nos permitió a todos sacar esto adelante.
Teníamos en cuenta nuestro objetivo, había motivación por parte de los ingenieros y del artista
como tal.
• Entrevistas #2
Corista 1
279
¿Qué herramientas o metodologías funcionan para ti, de manera que puedas entender y comprender
lo que la directora quiere decir?
Ella como tal hizo muchas metodologías que realmente me sirvieron muchísimo. Siento que las
metodologías que ella utilizó, por ejemplo, para el ritmo, y con las figuras, como que ella tenía
fichitas donde estaban las figuras musicales, entonces siento que eso nos ayudó para tener más
fluidez a la hora de entrar a la partitura. También otra metodología que ella hizo era hacer unas
partes previas antes de entrar a la obra, para que uno conociera la obra sin necesidad de tener que
leer la partitura, para los que no tenemos tanto conocimiento en la música.
¿Qué aprendizajes musicales has tenido en todo este proceso?
Aunque yo ya sabía leer algunas cosas de la partitura, siento que más que eso, como que me siento
más a fin con mi propia voz, es decir, yo cantaba de cierta manera y ella como que te ayudaba a
poner la voz distinta, a manejar el aire; siento que he mejorado.
Corista 2
Yo no sé nada de música y las partituras son muy difíciles de leer, pero ella, por ejemplo, las
escalas las hace con unos símbolos con los que le puedo entender, y eso ayuda más a que solo leer
las notas.
¿Qué aprendizajes musicales has tenido en todo ceste proceso?
Mas o menos aprendí a leer la partitura, aprender a respirar bien y cantar.

280
¿Cómo te sientes ahora respecto a cuándo iniciaste este proceso?
Más confiada y he ampliado mi registro.
Corista 3
A mi me ha servido mucho cuando no entendemos un ritmo o algo así, siempre nos pone a bailar,
a repetirlo de otra forma, hacerlo con las palmas o a cantarlo; yo estudio música y me confío mucho
la partitura entonces miro mucho las notas, pero con Allison me ha ayudado a memorizar más fácil
y a desapegarme un poco de la partitura.
A hacer más evidente las dinámicas en la música, ser más consciente de la vocalización, de decir
las palabras y las consonantes, de posicionar la boca y la respiración entonces me ha servido para
eso.
Corista 4
Muchas, creo que tiene una gran habilidad para llevarnos en lo que necesitamos, entonces hay
ejercicios de juego; los tags, que nos ayudan a meternos en la armonía; hay juegos de ritmos; ha
habido juegos para conocer la partitura, la duración de las notas; las figuras que hay dentro del
pentagrama, muchas cosas que nos han servido.

281
He aprendido a leer algo de la partitura, también a saber que en la partitura no está todo, eso ayuda
a también a la confianza en que no solamente es lo que está escrito, sino que es lo que nosotras
vamos aprendiendo con los tags o con el oído; los diferentes ritmos en Colombia, la zona incluso
con los diferentes ritmos que tienen y como se caracterizan.
Corista 5
Las herramientas son múltiples, pero para nosotras las mamás que no sabemos leer partituras, nos
ha parecido que tenemos varias ayudas de ella como en la parte auditiva; la parte con unos
rompecabezas; las palmas; varias actividades que no tienen que ver tanto con las notas musicales,
porque no las sabemos leer, entonces ella implementa muchas cosas como juegos que son para
nosotras más fácil de aplicar y para el oído también. Uno a veces, claro, sabe leer cierta parte de
la partitura entonces uno está pendiente de que se perdió del renglón, entonces ya con el oído y
con las otras cosas que nos ha enseñado con palmas, con pies, a bailar y todo eso, entonces como
que ya entendemos mejor los ritmos.
En este proceso he aprendido cosas del pentagrama y de música que no sabía, no sabía que era un
staccato, un silencio, las siglas cuándo hay que repetir o hay que parar, los diferentes tonos
musicales y de las diferentes regiones también; hemos estudiado todas las regiones, entonces me
282
parece muy importante porque solamente es una cosa sino, para los que no tenemos noción de
ninguna cosa de música.
Corista 6
A mi me a servido muchísimo la parte de los tags, porque me ayuda a meterme mucho en la parte
armónica que es muy importante porque a veces, como trabajamos tantas obras, a veces es difícil
tenerlas todas presentes, entonces los tags me han servido mucho. También aprenderme las voces
de las otras cuerdas, porque eso lo ayuda a uno a tener un panorama general de la obra, me ubico
más.
Nunca había estado en un coro femenino y me parece que es muy diferente a las dinámicas que se
utilizan con un coro mixto, me lleva mucho a conocer mi voz y a conocer también las diferentes
voces que uno puede ejercer y que uno no se encasilla en un registro determinado, sino que uno
aprende; Allison nos ha llevado mucho a eso, a que no nos encasillemos en un tipo de voz sino
que podemos hacer diferentes voces, y está bien, eso es parte de nosotras.
¿Cómo ha sido la empatía entre el grupo, la situación de explicarse unas a otras, cómo te has
sentido?
Creo que hay mucha empatía porque, digamos yo no soy músico profesional, no estudio música,
pero si tengo una formación coral, ha sido muy bonito porque me ha ayudado a empoderarme en
lo que ya sé y de pronto antes como que no tenía esa consciencia; ayudarles a mis compañeras;
283
siento que ha sido importante que todas hemos respetado que el rol de Allison es el de directora,
entonces si corrige, si dice algo; toda la retroalimentación que ella nos hace las respetamos. Eso es
muy importante en un coro porque a veces hay liderazgos en otros coros, en donde entre los
mismos participantes tratan de mandarse, y no, para eso está el director, entonces eso es muy
bonito.
Corista 7
A mi me han ayudado los tags porque ayuda a introducirme en la canción y para mi es muy
importante el oído, yo escucho bastante para luego entrar en la obra y eso me ha servido bastante.
Es la primera vez que estoy en un coro y cuando supe que era con partitura, la verdad, me estresé
un poco, pero he aprendido que uno puede cantar sin partitura; no hay necesidad de la partitura,
sino que es importante toda la metodología que ella nos ha enseñado y eso es lo que me ha ayudado
a salir adelante porque pienso que lo he disfrutado bastante.
¿Cómo ha sido la empatía entre el grupo, la situación de explicarse unas a otras, cómo te has
sentido?
La verdad me he sentido muy bien porque todas las personas que saben música nos colaboran, a
por ejemplo puntualmente me dicen que en cierta parte hay que repetir; al principio fue duro porque
yo no conocía todos esos símbolos, pienso que el grupo es muy armónico y nos hemos entendido
bien.
284
Ya que alguien menciona el respeto, entre las compañeras también ha sido importante porque a
pesar de que hay muchas que saben música, nos han acogido muy bien y nos han colaborado; ha
sido muy bonito.
Corista 8
Usamos algo que se llaman los tags, que es hacer una armonía y otros ejercicios, que tenga que
ver con la canción para entrar en contacto con todo lo que tiene la canción, también hacemos juegos
para entender bien el ritmo y la respiración que deberíamos tener en las canciones.
He aprendido a guiarme con la partitura, no tanto de leerla, sino seguir una melodía para seguir
bien la canción.
Corista 9
Hemos hecho dinámicas en las que tenemos fichas con diferentes notas y podemos identificarlas
más fácilmente, también hemos hecho distintos tipos de calentamientos antes de cantar.
He aprendido a escuchar en los otros tonos y las otras personas que están cantando, y no intentar
centrarme solamente en lo que hago.

285
Allison García
¿Qué estrategias has utilizado para que tus coristas te entiendan?
La herramienta que en este momento hemos utilizado, que es el foco de todo el proyecto, es el tag.
A partir del tag, podemos tener un acercamiento tanto rítmico, melódico, armónico y de
interpretación a la obra. Es decir, antes de llegar a la partitura, de darle una primera vista, se hacen
los tags. ¿Cuál es la diferencia de estos tags? como es importante tener estos ejercicios que ha sido
la metodología que más hemos utilizado y que es la principal herramienta, es porque todo se hace
a oído; ellas no tienen partitura, no tienen nada que les diga exactamente por donde va; escucharse
tanto a ellas mismas como escuchar a las demás.
¿Tu que has aprendido con este proceso musical?
He aprendido a ser muy paciente con el proceso porque es importante primero, tener un
diagnóstico, saber en qué está, tanto cada una como el coro, y saber como entre todas podemos
llegar al objetivo, ya sea tanto musical como personal; el hecho de preguntar, para muchas implica
arriesgarse y no es tan sencillo. Siento que es un aprendizaje no solo musical, sino que ha ido
mucho más allá. En cuanto al aspecto de educación, de pedagogía musical, es importante siempre
tener la opinión de ellas, saber qué es lo que necesitan en el momento que lo necesitan, en qué
están teniendo problemas; hay que ser muy atenta con esto.
286
8.4 Formatos de autoevaluación y seguimiento del proceso
• Marzo.
287
288
289
290
291
292
293
294
295
296
297
298
299
300
301
302
303
304
305
306
307
308
309
310
311
312
313
314
315
316
317
318
319
320
• Abril.
321
322
323
324
325
• Mayo y junio
326
327
328
329
8.5 Tags
330
331
332
333
334
335
336
337
338
339
340
341
342
343
344
345
346
8.6 Partituras
347
348
349
350
351
352
353
354
355
356
357
358
359
360
361
362
363
364
365
366
367
368
369
370
371
372
373
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Paine (ed.) Five Centuries of Choral Music: Essays in Honor of Howard Swan. ["Integridad en
378
la enseñanza y la interpretación de la música coral". En Gordon Paine (ed.) Cinco siglos de
música coral: Ensayos en honor de Howard Swan]. Stuyvesant, Nueva York: Pendragon Press.
Partituras
• Fernandez. G. (s.f). Rondel. Obra a dos voces. Arreglo coral: Gustavo Yepes. (1994). Santa Fe
de Bogotá: Colcultura.
• Jimenez, S. (2017). Pajarito. Tonada. Obra a tres voces. Casanare: Universidad Internacional
de La Rioja.
• Piñeros, M., Lozano, M. (2002). A la orilla del río. Currulao. Nuevos cantos infantiles
colombianos. Obra a tres voces. Bogotá: Ministerio de Cultura. Dirección de Artes. Área de
Música.
• Valencia, V. (2015). Chandé. Programa “Canta Bogotá Canta”. Obra a tres voces con
acompañamiento de piano. Bogotá: Ministerio de Cultura.

Allison - García. Proyecto de Grado

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PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA

ELABORACIÓN Y UTILIZACIÓN DE TAGS COMO HERRAMIENTA PEDAGÓGICA

PARA LA INTRODUCCIÓN DE PIEZAS COLOMBIANAS EN EL CORO FEMENINO

ALLISON LIZETH GARCÍA RINCÓN

Presentado como requisito para optar al título de

ENFASIS EN DIRECCIÓN CORAL Y EDUCACIÓN MUSICAL

Ana Paulina Álvarez y Andrés Samper

1. Planteamiento del problema y justificación …………………………………………… 11

1.1. Pregunta ……………………………………………………………………………… 11

1.2. Justificación ………………………………………………………………………….. 11

2.1. Funcionamiento del tag ……………………………………………………………… 13

2.2. Aprendizaje significativo…………………………………………………………….. 15

2.3. Contextos de aprendizaje……………………………………………………………...18

2.4. Práctica coral ………………………………………………………………………… 21

2.5. Relación con el cuerpo ………………………………………………………………. 27

2.6. Método Kodály en Colombia ………………………………………………............... 28

2.7. Interpretaciones de músicas tradicionales y latinoamericanas……………………….. 31

3. Estado del arte…………………………………………………………………………… 34

4.1. Objetivo general……………………………………………………………………… 46

4.2. Objetivos específicos…………………………………………………………………. 46

6.1. Propuesta pedagógica………………………………………………………………… 50

6.1.1. Elaboración del tag …………………………………………………………… 50

6.1.2. Estrategias pedagógicas……………………………………………………….. 88

6.2. Impacto ………………………………………………………………………………. 109

7. Conclusiones …………………………………………………………………………….. 118

8.1. Planeación de ensayos ……………………………………………………………….. 121

8.2. Bitácoras……………………………………………………………………………… 152

8.3. Entrevistas …………………………………………………………………………… 275

8.4. Formatos de autoevaluación y seguimiento del proceso……………………………... 287

8.5 Tags……………………………………………………………………………………. 330

8.6 Partituras ……………………………………………………………………………… 347

son positivas o negativas, simplemente se manifiestan en diferentes momentos, eventos o

circunstancias en la experiencia personal de cada ser.

acompaña desde el primer aliento, y nos acompañará hasta el último.

a tener un interés y gozo cuando la escuchaba cantar y quería imitarla.

involucra a las personas que están en mi cotidianidad. En otras palabras, me he estado

tienen otros niveles, incluyendo el de iniciación coral.

referencia al calentamiento como el momento de preparación de la voz para abarcar un contenido

momento del ensayo en el que ocurra.

Partiendo desde mi experiencia en dirección coral y en pedagogía musical, es posible que

aprendizaje significativo. Lo más importante, en lo que a mi concierne, es

en la capacidad de encontrar herramientas y crear metodologías para que en el proceso inicial de

Ahora bien, hubo un hecho en específico que también influyó en el desarrollo de la

Harmony University, un programa de música de una semana intensiva, y conocer Barbershop

que no tenían, y a muchos de ellos no les importaba, el conocimiento teórico-musical, se dejaban

su principal motivación; luego se convirtió en la mía, en mantenerla viva en mi, en mi país y en

el contexto que me rodea.

semana de Harmony University en Nashville cantaban, me hizo tocar fondo y seguir en la

de la melodía principal, la melodía secundaria o el acompañamiento armónico. Puedo sostener

plantear, que es el generar posibles escenarios musicales que se encuentran en canciones

colombiana, que también fue impulsado por la experiencia en Harmony University en

Nashville. Finalmente, y considerando lo mencionado de abarcar el repertorio colombiano y la

región del amazonas al tener un repertorio encontrado de fácil memorización, decido no

herramienta de enseñanza dirigido a la música colombiana, como mi proyecto de graduación.

Cuando mencioné la oportunidad que tuve al conocer y vivenciar lo que es Barbershop, me di

acompañar procesos de iniciación musical; apropiación de música la colombiana; e incentivar a

todo esto a partir del canto.

1. Planteamiento del problema y justificación

¿Qué tipo de estrategias metodológicas permiten utilizar el tag como herramienta

bogotano conformado por adolescentes, jóvenes y adultos?

partitura, es importante reconocer el valor de lo escrito y lo compuesto, ya que también es otra

La implementación de fragmentos cortos, llamados “tags”, se consolidan a partir del análisis