Anime

estilo de animación japonés

El anime, (en japonés, アニメ [  aɲime (?·i)])[1] ​también escrito ánime y animé en español,[2] ​es
un estilo de animación tradicional o por computadora de origen japonés.[3] ​
Wikipe-tan, personaje que contiene estereotipos de un dibujo estilo de manga y anime.

En sus inicios, alrededor de 1900, la animación japonesa

recibe el nombre de senga eiga
(literalmente “películas de líneas dibujadas”), más tarde se conocerá con el término Doga
(imágenes en movimiento) y, finalmente, sobre 1960 pasará a llamarse animeeshon
originalmente ( アニメーション animēshon ). De ahí que se abrevie a «anime» (アニメ). Por otra
?

parte se cree que es una palabra de origen francés.[4] ​El anime es un medio de gran expansión
en Japón, siendo al mismo tiempo un producto de entretenimiento comercial y cultural, lo que
ha ocasionado un fenómeno cultural en masas populares y una forma de arte tecnológico.[5] ​Es
potencialmente dirigido a todos los públicos, desde niños, adolescentes, adultos; hasta
especializaciones de clasificación esencialmente tomada de la existente para el manga, con
clases base diseñadas para especificaciones sociodemográficos tales como empleados, amas
de casa, estudiantes, etc. Por lo tanto, pueden hacer frente a los sujetos, temas y géneros tan
diversos como el amor, aventura, ciencia ficción, cuentos infantiles, literatura, deportes, horror,
fantasía, comedia y muchos otros.[6] ​

El anime tradicionalmente es dibujado a mano y al principio los procesos realizados de forma

digital eran muy específicos (retoque y montaje). Sin embargo, en la actualidad las tareas más
comunes dentro de la producción de una animación, como podría ser el coloreado o los efectos
visuales (brillos, sombras, luz ambiental, etc.), se hacen con aplicaciones digitales, que permiten
un mayor control sobre el trabajo y ayudan a agilizar la labor de los dibujantes a niveles
insospechados en un proceso de animación tradicional.[7] ​Sus guiones incluyen gran parte de
los géneros de ficción y son transmitidos a través de medios audiovisuales (transmisión por
televisión, distribución en formatos de vídeo doméstico y películas con audio).[8] ​La relación del
anime con el manga es estrecha, pues la mayor parte de las historias de las series animadas
anime provienen del manga. Además, también guarda estrecha relación con las novelas gráficas
de origen japonés.[9] ​

El anime es un medio diverso con métodos de producción distintivos que se han adaptado en
respuesta a las tecnologías emergentes. Combina arte gráfico, caracterización, cinematografía y
otras formas de técnicas imaginativas e individualistas. En comparación con la animación
occidental, la producción de anime generalmente se enfoca menos en el movimiento y más en
los detalles de la configuración y el uso de "efectos de cámara", como la panorámica, el zoom y
las tomas en ángulo.[10] ​Desde la década de 1980, el medio también ha tenido éxito
internacional con el auge de la programación subtitulada y doblada en el extranjero y su
creciente distribución a través de servicios de transmisión. A partir de 2016, la animación
japonesa representó el 60% de los programas de televisión animados del mundo.[11] ​

Etimología

La hipótesis con más credibilidad es que el término ánime proviene de la abreviación de la

transcripción japonesa de la palabra inglesa "animation" ( アニメーション animēshon ). De ahí ?

que se abrevie a "anime".[12] ​

Internacionalmente, el ánime llevó una vez el nombre popular "Japanimation", pero este término
ha caído en desuso.Los fanáticos pronunciaban la palabra preferiblemente como abreviación de
la frase "Japanese Animation" ("animación japonesa" en español). Vio su mayor uso durante las
décadas de 1970 y 1980, que generalmente comprende la primera y segunda oleada de ánime
fandom. El término sobrevivió al menos hasta principios de los años 1990, pero pareció
desaparecer justo antes del resurgir del ánime a mediados de los 1990.[13] ​

En Estados Unidos también se definió ánime como cartoon japanese, que significa dibujos
animados japoneses. En general, el término Japanimation es muy utilizado en Japón para
distinguir las animaciones hechas allí (Japanimation) de las animaciones en general (Anime, en
Japón).[14] ​

Historia

Véase también: Historia del anime

Fotograma de un cortometraje animado de 1917, una de las producciones más antiguas de Japón.
Precursores

Emakimono y kagee se consideran precursores de la animación japonesa. Emakimono era

común en el siglo XI. Cuentacuentos ambulantes narraban leyendas y anécdotas mientras el
emakimono se desenrollaba de derecha a izquierda en orden cronológico, como un panorama
en movimiento. Kagee fue popular durante el período Edo y se originó a partir del juego de
sombras de China. Las linternas mágicas de los Países Bajos también fueron populares en el
siglo XVIII. La obra de papel llamada Kamishibai surgió en el siglo XII y siguió siendo popular en
el teatro callejero hasta la década de 1930. Los títeres del teatro bunraku y las estampas ukiyo-e
se consideran ancestros de los personajes de la mayoría de las animaciones japonesas.
Finalmente, los mangas fueron una gran inspiración para la animación japonésa. Los
caricaturistas Kitzawa Rakuten y Okamoto Ippei utilizaron elementos cinematográficos en sus
tiras.[15] ​

Pioneros

Un fotograma de Namakura Gatana (1917), el cortometraje de animación japonés más antiguo

realizado para cines. La animación en Japón comenzó a principios del siglo XX, cuando los
cineastas comenzaron a experimentar con técnicas pioneras en Francia, Alemania, Estados
Unidos y Rusia.[16] ​Un reclamo de la animación japonesa más antigua es Katsudō Shashin (c.
1907),[17] ​una obra privada de un creador desconocido. En 1917 comenzaron a aparecer las
primeras obras profesionales y expuestas al público; animadores como Ōten Shimokawa,
Seitarō Kitayama y Jun'ichi Kōuchi (considerados los "padres del anime") produjeron numerosas
películas, la más antigua de las cuales es Namakura Gatana de Kōuchi. Muchos de los primeros
trabajos se perdieron con la destrucción del almacén de Shimokawa en el Gran Terremoto de
Kantō de 1923.[18] ​

A mediados de la década de 1930, la animación estaba bien establecida en Japón como un

formato alternativo a la industria de la acción en vivo. Sufrió la competencia de productores
extranjeros, como Disney, y muchos animadores, incluidos Noburō Ōfuji y Yasuji Murata,
continuaron trabajando con animación recortada más barata en lugar de animación cel.[19] ​Sin
embargo, otros creadores, incluidos Kenzō Masaoka y Mitsuyo Seo, lograron grandes avances
en la técnica, beneficiándose del patrocinio del gobierno, que empleó animadores para producir
cortos educativos y propaganda. En 1940, el gobierno disolvió varias organizaciones de artistas
para formar Shin Nippon Mangaka Kyōkai.[20] ​El primer anime sonoro fue Chikara to Onna no Yo
no Naka (1933), un cortometraje producido por Masaoka.[21] ​El primer largometraje de anime
fue Momotaro: Sacred Sailors (1945), producido por Seo con el patrocinio de la Armada Imperial
Japonesa. La década de 1950 vio una proliferación de anuncios animados cortos creados para
la televisión.[22] ​

Era moderna

En la década de 1960, el artista de manga y animador Osamu Tezuka adaptó y simplificó las
técnicas de animación de Disney para reducir costos y limitar el número de cuadros en sus
producciones.[23] ​Originalmente pensadas como medidas temporales para permitirle producir
material en un horario apretado con un personal sin experiencia, muchas de sus limitadas
prácticas de animación llegaron a definir el estilo del medio.[24] ​Three Tales (1960) fue la
primera película de anime transmitida por televisión; la primera serie de televisión de anime fue
Instant History (1961–64).[25] ​Un éxito temprano e influyente fue Astro Boy (1963–66), una serie
de televisión dirigida por Tezuka basada en su manga del mismo nombre. Muchos animadores
de Mushi Production de Tezuka establecieron más tarde importantes estudios de anime
(incluidos Madhouse, Sunrise y Pierrot).

La década de 1970 vio un crecimiento en la popularidad del manga, muchos de los cuales
fueron animados más tarde. El trabajo de Tezuka y el de otros pioneros en el campo, inspiró
características y géneros que siguen siendo elementos fundamentales del anime actual. El
género de robots gigantes ("Mecha"), por ejemplo, tomó forma con Tezuka, se convirtió en el
género de superrobots con Go Nagai y otros, después fue revolucionado al final de la década
por Yoshiyuki Tomino, quien desarrolló el verdadero género robot.[25] ​Las series de anime de
robots como Gundam y The super Dimension Fortress Macross se convirtieron en clásicos
instantáneos en la década de 1980, y el género siguió siendo uno de los más populares en las
décadas siguientes. La burbuja económica de la década de 1980 estimuló una nueva era de
películas de anime experimentales y de alto presupuesto, que incluyen Nausicaä of the Valley of
the Wind (1984), Royal Space Force: The Wings of Honnêamise (1987) y Akira (1988).[26] ​

Neon Genesis Evangelion (1995), una serie de televisión producida por Gainax y dirigida por
Hideaki Anno, inició otra era de títulos de anime experimental, como Ghost in the Shell (1995) y
Cowboy Bebop (1998). En la década de 1990, el anime también comenzó a atraer un mayor
interés en los países occidentales; Los principales éxitos internacionales incluyen Sailor Moon y
Dragon Ball Z, ambos doblados a más de una docena de idiomas en todo el mundo. En 2003,
Spirited Away, un largometraje de Studio Ghibli dirigido por Hayao Miyazaki, ganó el Premio de la
Academia a la Mejor Película Animada en la 75ª edición de los Premios de la Academia. Más
tarde se convirtió en la película de anime más taquillera, ganando más de $ 355 millones. Desde
la década de 2000, un mayor número de obras de anime han sido adaptaciones de novelas
ligeras y novelas visuales; ejemplos exitosos incluyen The Melancholy of Haruhi Suzumiya y
Fate/stay night (ambos de 2006). Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba (la película): Mugen Train se
convirtió en la película japonesa más taquillera y una de las películas más taquilleras del mundo
en 2020.[27] ​También se convirtió en la película más taquillera del cine japonés, porque en 10
días recaudó 10.000 millones de yenes (95,3 millones de dólares; 72 millones de libras
esterlinas). Superó el récord anterior de El viaje de Chihiro, que tardó 25 días.[27] ​

El anime en Japón ahora se distribuye en cines, en emisiones televisivas directamente a los

hogares, por canales de cable, DVD, Blu-ray y masivamente a través de Internet para el resto del
mundo; clasificándose en numerosos géneros dirigidos a diversas audiencias generales y
especializados.

Atributos

El Anime se caracteriza fundamentalmente por el uso de la animación limitada, la expresión en

plano, la suspensión del tiempo, su amplitud temática, la presencia de figuras históricas, su
compleja línea narrativa y sobre todo, un peculiar estilo neotenico de dibujo, con personajes
caracterizados por ojos grandes y ovalados, de línea muy definida, colores llamativos y
movimiento reducido de los labios.[28] [29]
​ ​

Trama

Dentro de las características notables en el género, se destaca el desarrollo de tramas

complejas durante un cierto número de episodios, los personajes son presentados de forma
profunda y con personalidades definidas. Gran parte del anime está estructurado en series de
televisión con números de episodios definidos en los cuales se trata una trama específica que
puede implicar el trabajo de conceptos complejos.[30] ​

En la década de 1970, el ánime empieza a tomar un rumbo diferente dentro del mundo de la
animación. Mientras que las producciones occidentales se caracterizaban por estar dirigidas
hacia un público infantil,[31] [32]
​ ​el ánime trataba temas más complejos como el existencialismo
y a veces utilizaba un lenguaje más maduro, algunas escenas de violencia y escenas
sexuales.[33] [34]
​ ​Varias veces los objetivos demográficos a menudo afectan a los contextos
ideológicos de la obra: por ejemplo en el shōnen, en las series de acción, se toman momentos
que pasan en la adolescencia como la amistad, el compañerismo, las peleas, las aventuras, el
sacrificio por el amor.[35] ​En el seinen que también es para un público adulto se toman temas
más maduros como políticos, sexuales, o científicos.[36] ​(que, a excepción del kodomo, también
pueden ser parte de otros géneros demográficos, solo que se ven con más profundidad en
este). También se tiene que tomar en cuenta, que cuando una serie de manga o novela ligera
tiene mucho éxito, es común adaptarlo al anime,[37] ​por lo que toma elementos de este.

Romanticismo

Toma elementos de la fantasía y lo sobrenatural.[33] ​También se toma en cuenta las relaciones

que tienen los personajes, como amigos o familiares. La mayor parte de las series de ánime
pueden tener algo emocional y connotaciones ideológicas. Las imágenes pueden crear un
fondo adecuado para la transferencia de sus pensamientos emocionales.[30] ​
En las series
destinadas a un público femenino se le toma más importancia a los sentimientos de los
personajes, aunque no es ajeno también a las series destinadas a un público masculino, en
donde comúnmente los personajes están desesperados por una persona en especial (algo que
puede ser tanto como drama y comedia romántica), el mejor ejemplo en cuánto a la expresión
de sentimientos es la serie Candy Candy. Y también el sacrificio de amor que hace una persona
por su pareja, un concepto que se maneja en las series de acción, cuando un personaje
femenino trata de ser rescatada de los oponentes, ocurre el duelo entre el personaje principal y
su enemigo. También hay varios géneros románticos, en donde se pueden dar de diferente
forma como lo toma la serie Onegai Teacher, que trata de un amor entre una profesora y uno de
sus alumnos.

Realismo

Aunque es más predominante la fantasía sobre los sucesos reales, algunas series han tenido
influencia del movimiento del realismo, incluso se han adaptado obras literarias al anime.[38] ​
Las historias contadas a través de este medio pueden ser producidas mediante la combinación
de variados géneros cinematográficos, como tales hay una gran cantidad de temas, pueden
describir acontecimientos históricos, como los citados después. Algo que sí se tiene que tomar
en cuenta es que en el ánime se reflejan la cultura y las tradiciones japonesas.[39] ​Las ideas
populares de los personajes son: la persistencia, la falta de voluntad de entrega de personas
muy poderosas o circunstancias a las que enfrentarse en la vida. También hay series con drama
histórico, que narran diferentes sucesos de Japón, como Rurouni Kenshin (también conocida
como Samurai X), o también de Europa como la película Steamboy, en donde parte de los
personajes son ficticios, pero otros pueden ser parte de la historia. Algo que también se toma en
cuenta es la política, que inclusive los primeros largometrajes de ánime eran publicidad de la
guerra, en donde también el género mecha, con ejemplos como Super Dimensional Fortress
Macross o Mobile Suit Gundam, han sido parte de un dominio de diferentes lugares e ideologías
dentro de las series, también se ven los abusos que se cometen en la autoridad (que se hace
presente en los personajes contrarios). Otro elemento muy distinguido es el existencialismo, en
donde los personajes tratan de analizar su historia, y los diferentes sucesos por los que han
pasado, puede verse de manera muy profunda en Ghost in the Shell. También puede tratar de
desastres, por ejemplo Tokyo Magnitude 8.0. También en animes más maduros como Nana se
puede apreciar a veces el realismo y no ser tan fantasioso.

Humanidad, naturaleza y tecnología

Logo de Dragon Ball Z.

Lo que se ha dicho acerca de la tradición sintoísta también es útil para ilustrar la forma en que el
complejo debate sobre la relación entre la naturaleza y la tecnología ha sido desde hace mucho
tiempo importante en la sociedad japonesa (aunque también en el mundo entero), y esto se
refleja en el anime. Por ejemplo, la película Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares,
muestra una relación entre el medio ambiente, al ser representado por animales en una isla, y la
tecnología, al ser parte de propaganda de la Segunda Guerra Mundial, en donde también el gran
desarrollo de la tecnología ha sido parte de la posguerra.[33] ​También dentro de los géneros de
la ciencia ficción están el mecha (robots gigantes), en donde se puede explicar como la
tecnología en vez de ser un desarrollo positivo, comienza a ser una gran fuente de devastación,
paradójicamente el daño ocasionado es recuperado por la misma tecnología. Otro concepto es
el Cyberpunk, en donde la película Akira se le considera una pionera. También en la serie Ghost in
the shell, el concepto de humanidad es mezclado con tecnología, y la humanidad se le toma
menos importancia, generalmente van acompañadas con temas de existencialismo. En otro
sentido, el hombre-tecnología, en particular, es también la cara a través de la cual en el ánime
toma una transposición de la modernidad y, en última instancia, lo que dio lugar a una
inseparable combinación entre lo viejo y lo nuevo.[40] ​

Referencias culturales
Véase también: Cultura de Japón

Kunisada II: El Dragón en 1860, La impresión representa a Buda montado en la parte de atrás de un gigantesco dragón de
mar.

Las referencias culturales como figuras históricas en el anime es una mezcla principalmente de
las culturas japonesa y occidental. Del género occidental rescata algunos arquetipos de
personajes, presentación en capítulos de misma duración y técnicas de animación entre otras
cosas. A esto le añade conceptos tradicionales japoneses como el énfasis en la vida cotidiana y
el estilo tradicional de dibujo japonés modernizado. Además se pueden presentar otros tipos de
mitologías, como la griega, china, escandinava (si se tomaran ejemplos estarían las series de
Saint Seiya, Dragon Ball y Matantei Loki respectivamente).

Bushidō
Otro factor que conduce el ánime son las tradiciones, las anécdotas y situaciones que, sin duda,
son la ética marcial que es básicamente debido a la complejidad de código de conducta que
consiste en el bushidō, la vía de los nobles guerreros.[41] ​Las historias en el anime, en particular,
tienden a combinar los aspectos de bujutsu ( 武術 ) y el budō (武道 ) que proporcionan el
? ?

derecho capaz de demostrar la lucha, sino también para representar el camino de la moral y de
educación protagonista.
En algunas casos, el héroe también puede ser divinizado como en la
mitología griega.[42] ​Sin embargo, dado que el bushidō se connota por la presencia de
cualidades de liderazgo moral, como la justicia, el sentido del deber, la lealtad, la compasión, el
honor, la honestidad y la valentía, es bueno recordar que su origen cultural no solo se presenta
en él anime, que de alguna manera se centran en el combate, o directamente en el conflicto
puesto en el Japón Feudal, sino que también se presenta en la modernidad de Japón.

Senpai-Kohai

En el camino de los budōka hay una norma que no podrá comenzar sin un guía, ya sea de un
padre o un maestro ( 先生 sensei ), poco importa, lo que indica la calle con su comportamiento.
?

En la sociedad japonesa, por lo general es representado por el par senpai-kōhai (tutor-trabajador,

veterano-aprendiz), donde el primero es "el que se inició por primera vez, y la segunda, que
comenzó más tarde".[43] ​Este informe, que implica el respeto y la devoción de kōhai hacia el
senpai, pero también que son efectivamente en condiciones de asesorar y orientar en la vida,
casi puede determinarse en cada contexto social, de la escuela al trabajo, de los deportes a la
política, y también, se refleja en el anime, en donde muchas veces los personajes son
enseñados por un maestro.[44] ​

El sentido del deber

En el sentido del deber presentado en el ánime por los japoneses, la verdadera fuerza está en no
preocuparse por su propia felicidad personal con el fin de lograr los ideales y cumplir con un
deber, es una búsqueda por tratar de buscar un camino interno.[42] ​Las visitas tienen el deber de
pagar una deuda, que puede ser contra el rey, los padres, los antepasados y aún en contra de su
nombre, pero en las historias de muchas personas llegan a estar en contra de todo el mundo, el
respeto en el que el protagonista, a menudo más allá de sus sentimientos personales y el
aislamiento que implica su inevitable diversidad, asume la responsabilidad por el sacrificio
propio, que es inspirado por la historia militar de Japón.[45] ​Sin embargo, la moral es un término
que es donde el universo es considerado por japoneses amoral e indiferente.[46] ​

Diseño de animación
 Véase también: Animación

Aunque el ánime se le considera un género distinto al de los dibujos animados, este utiliza
muchas características aplicadas en las caricaturas como guion gráfico, actuación de voz,
diseño de personajes, entre otras. El ánime también tiende a tomar prestados escenas de
muchos textos del manga en el fondo, y los paneles de diseños también. Por ejemplo, un
opening puede emplear paneles para contar la historia, o para dramatizar una cuestión de efecto
humorístico.[47] ​

La mayoría de las veces es la adaptación del manga al ánime —aunque también se adapta de
buena forma a una novela ligera, novela visual o web novel—; teniendo comúnmente menos
detalles en sus trazos. Generalmente el ánime se refiere al dibujo de celdas, pero también se
aplica a la animación creada por computadora,[48] ​
como por ejemplo Final Fantasy, aunque para
este último suele haber denominaciones como CG (computer graphics).

Animación limitada

Los cel representan un fotograma en la animación.

El ánime es conocido por su animación llamada animación limitada, la cual es muy particular[48] ​
comparada con la que tienen los dibujos animados occidentales tales como los de Disney. Los
estudios en los que se realiza ánime han perfeccionado técnicas para utilizar la menor cantidad
de cuadros de animación por segundo que sea posible (8 cuadros por segundo),[49] ​tales como
mover o repetir escenarios, imágenes de los personajes que se deslizan por la pantalla, y
diálogos que impliquen animar únicamente las bocas mientras que el resto de la pantalla
permanece estática. Otros argumentan que el mejor ánime debe acentuar la dirección
sofisticada sobre la animación actual (movimiento del personaje), proporcionando una ilusión
de movimiento cuando en realidad no lo hay.[48] ​Aunque en los últimos años todo ha mejorado
debido al uso de tecnologías computacionales usándose software especializado en animación
2D o combinación 2D/3D. Los lugares representan la atmósfera de las escenas, también puede
haber series como en La melancolía de Haruhi Suzumiya o Puella Magi Madoka Magica, en donde
los lugares pueden hacer referencias a diferentes localizaciones en la vida real.[50] ​
También hay
simulación de ángulos de cámara, movimiento de cámara que juegan un importante rol en las
escenas. Los directores tienen la discreción de determinar ángulos viables para escenas ,
fondos y también pueden escoger efectos de cámara como en la cinematografía.
Además, a
diferencia de la animación de Disney , donde el énfasis está en el movimiento, el anime enfatiza
la calidad del arte y deja que las técnicas de animación limitadas compensen la falta de tiempo
dedicado al movimiento. Estas técnicas se utilizan a menudo no solo para cumplir con los
plazos, sino también como dispositivos artísticos[51] ​

Guion y storyboard

Página de storyboard con escenas e indicaciones.

Eligiendo una temática de la animación, se empieza la redacción del guion, en virtud de la cual el
director, con la asistencia del director de producción, empieza a dar directivas al primer diseño
de personajes, el director artístico puede realizar un primer esbozo de los personajes y
ambientes. Con lo desarrollado se dirige hacia la creación de guiones, una especie de historieta
que sirve de base para el seguimiento de todo el personal, proporciona detalles tales como el
número de fotogramas de la escena, los efectos visuales y de los antecedentes necesarios,
cámaras, los movimientos de cámara, la dinámica y la composición de las escenas (para la
creación de veintiséis minutos de storyboards, normalmente, se requieren alrededor de tres
semanas de trabajo).[47] ​Una vez establecido, bajo la coordinación del director los storyboards,
diseño de personajes, el diseño de mecanismos y fondos, se realizan dibujos preliminares, que
van a formar el animatic,[48] ​que es una versión filmada de storyboards necesaria para verificar
los tiempos y el ritmo de las escenas, tanto con la incorporación del diálogo y la música que
debe tener coherencia con las imágenes y sonidos.[40] ​

Dirección de una película

Una de las principales innovaciones introducidas por el anime es la recuperación de técnicas

que se utilizan para compensar la animación limitada, muy similares a los utilizados en la
dirección del cine. Entre los movimientos de cámara y efectos más utilizados se pueden
distinguir: la corrección, o imágenes fijas; el deslizamiento, el diseño de deslizamiento a través
del marco, zum, en el que la cámara se aleja o enfoca; y técnicas basadas en la distancia
relativa de los dibujos para acelerar o frenar el movimiento de un elemento; el pan, cuando la
cámara realiza una visión general de la estructura horizontal, la inclinación cuando el pan es
vertical es similar a la sartén, con la cámara que sigue a la acción, o de un único elemento de la
misma empresa (seguimiento pan) o el mismo elemento, pero uno al lado del otro (de
seguimiento), desvanecimiento, que se descoloran de negro a blanco (a menudo en un marco
fijo de mucho cuidado), también la técnica donde la imagen empuja a las anteriores, y la
pantalla se divide, el cuadro se divide en varias partes, cada una con una visión diferente de la
misma escena, la iluminación de fondo, el marco que añade una celda negra a excepción de la
parte que se desea iluminar.[52] ​

Dilatación temporal

Muchas de las técnicas descritas anteriormente de recuperación, son también funcionales en el

momento crucial de dilatación del tiempo en el anime.[53] ​Sobre lo que se basa el hecho de que
la mentalidad y la espiritualidad japonesa no tiene mucho sentido hablar de tiempo en términos
cronométricos objetivamente de la medida, ya que no tiene principio ni fin, podemos decir que lo
que cuenta es la calidad de un momento, la intensidad con la que vivimos.[54] ​Esta es la razón
por la que en el ánime se encuentran a menudo momentos antes de lo "eterno", en el que el
tiempo coincide con la descripción del entusiasmo, de manera que en cuanto más se trata de la
más intensa se extiende hasta el momento se presenten fuera de tiempo, en una imagen fija, o
en una sartén (técnica de animación).[55] ​Una desaceleración enfática, podría llevar una batalla,
o una reunión de unos momentos a la última para más de un episodio, con un propósito que es
evidente, no para ahorrar más la elaboración, sino más bien para aumentar la tensión y la
implicación emocional, como en las tradiciones teatrales, como en el expresionista ruso Serguéi
Eisenstein para hacer un tipo de cine americano y cine negro primero.[53] ​

Diseño de personajes

Visualmente, las obras de anime exhiben una amplia variedad de estilos artísticos, que difieren
entre creadores, artistas y estudios[56] ​, sin embargo, en el Anime suele guiarse del estilo de
dibujo del manga y además el diseño de los personajes comparten un estilo neotenico de
dibujo.[57] ​Algunas características visibles son:

Diseño de personaje para anime.

Los ojos: son una característica específica de este estilo de animación, por medio de los ojos
el personaje puede tener diferentes expresiones y profundidad, comúnmente son muy
grandes, ovalados, muy definidos y con colores llamativos como rojo, rosa, verde, morado,
aparte de los normales como café y azul.[58] ​Frecuentemente se nombra a Osamu Tezuka
como quién introdujo ojos grandes para dar más personalidad y expresiones faciales a
personajes del anime. Tezuka usó esta técnica primeramente con Astroboy, manteniendo los
demás personajes con ojos pequeños.[59] ​En largometrajes animados se usa los ojos grandes
para acentuar la personalidad. No todas las producciones de animación tienen ojos grandes,
un ejemplo de ello son las películas de Hayao Miyazaki. Hoy en día los ojos grandes ya no es
exclusivo del ánime japonés, algunas producciones de animación occidental también llevan
 ojos grandes. El coloreado es para dar a los ojos profundidad. Generalmente se usa una
textura de luz para el brillo, y el tono de color y una sombra oscura en el fondo.

Diseño del cuerpo para proporciones masculinas.

El cabello: hay de todas formas, tamaños y volúmenes, para personajes masculinos o

femeninos. Además de una gran variedad de colores como los de los ojos. Pudiendo tener
diferentes formas de sombreado para darle el volumen deseado.[60] [61]
​ ​
El cuerpo: puede ser muy parecido a las proporciones del cuerpo humano,[62] ​aunque de una
manera muy escultural como en el moe. Al mantener las proporciones del cuerpo humano, los
personajes inevitablemente son demasiado grandes y altos con respecto a los cuadros de
animación, siempre es una proporción de 1/4 (cabeza y hombros), por la mitad (de la cintura
hacia arriba), o deslizar una escena para mostrar todo el personaje. Solo aparecen completos
en proporción chibi o super deformed donde los rasgos son pequeños y exagerados, aunque
estos son para dar un toque de comedia a las series.
La cara: el ánime utiliza una amplia variedad de expresiones faciales para denotar estados de
ánimo y pensamientos en comparación con la animación occidental.[63] ​La nariz y la boca
son pequeños, el mentón tiene gran parecido al del ser humano.[cita requerida]

También hay que tomar en cuenta que las características de seres no humanos como animales,
robots, monstruos y demonios[64] ​varían dependiendo el contexto y son muy diferentes a las de
los humanos. Los animales pueden tener un dibujo como realmente son, aunque también puede
haber híbridos entre humanos (véase kemono). Los robots y monstruos pueden ser de tamaño
gigantesco como los rascacielos, aunque también pueden presentar características chibi, de
manera cómica.

Algunos estilos de dibujo predominantes en el ánime son:

 Bishōjo (lit. "Joven hermosa"): representan la belleza de una mujer según la estética japonesa
moderna. Los personajes son de proporciones prominentes o bien dotadas, de cabellos
ondulados, cejas notorias y a veces también los labios carnosos.

Bishōnen (lit. "Joven hermoso"): representan lo apuesto de un varón según la estética

japonesa moderna. Los personajes son de talla alta, flacos, con el mentón pronunciado y a
veces con un cabello suelto u ondulado.

Moe (de "Moeru", lit. "Ardiente"): estilo que exagera las características "tiernas" de los
personajes. Si bien el término proviene de Moeru por quien lo dice, es porque le enciende de
manera no sexual.

Chibi: es la versión pequeña del personaje, se denota como muñequitos "enanos" y deformes
de sí mismos.
Audio

Véase también: Anison

La banda sonora utilizada en los diferentes formatos suele ser llamada OST como abreviación
de Original Soundtrack. Esta puede estar compuesta de:

Opening (o apertura): Canción puesta al inicio de la animación (ovas y capítulos de series)

cuando aparecen los créditos iniciales, es acompañada una animación que suele caracterizar
la serie. Pueden ser interpretadas o compuestas por bandas o cantantes populares en Japón.
Ending (o clausura): Canción puesta al final de la animación (ovas y capítulos de series)
cuando aparecen los créditos finales, es acompañada una animación más simple que la del
opening. Pueden ser interpretadas o compuestas por bandas o cantantes populares en
Japón.
Soundtrack central (banda sonora): Canciones que se utilizan para acompañar las escenas,
dependiendo de los directores, puede usarse una composición compleja de ópera.[65] ​
BGM o Background Music: Pistas musicales (muy pequeñas que no alcanzan a ser una
canción) utilizadas para acompañar las escenas.
Bonus o Extras: Canciones compuestas especialmente para la animación pero que no
aparecen en esta. Pueden ser piezas inspiradas en esta o canciones pensadas desde el punto
de vista de un personaje e interpretadas por el mismo seiyū, actor de voz, como ejemplo
véase la canción himitsu del tercer OST de Noir o los Image Character Song de K-ON!.

Debido al tipo de difusión histórica del ánime son más populares los términos ingleses que sus
traducciones al español.
El reparto de actores de voces en el ánime es llamado seiyū. La profesión seiyū es conocida y
desarrollada en Japón.[66] ​

Cameos en el anime

Véase también: Cameo

En muchas series, es posible encontrar que sus personajes o su historia hacen referencias a
otros anime, ya sea que un personaje sea parecido físicamente o que la historia sea igual o
parecida a otra, generalmente muy popular, puede que sea de un anime, como también puede
que sea de un videojuego, manga, novela visual, novela ligera, etc.
Por ejemplo en la película de
anime Kimi no Na wa. y El jardín de las palabras en que la profesora protagonista de El jardín de
las palabras aparece brevemente en Kimi no Na Wa, otro claro ejemplo muy evidente se
presencia en el ánime Cardcaptor Sakura y Tsubasa: RESERVoir CHRoNiCLE donde los personajes
principales
comparten apariencia y personalidad pero no la trayectoria de la historia.

La industria del anime

Este artículo o sección se encuentra desactualizado.

Producción

La estructura de la industria moderna del anime.[67] ​

Entre la década de 1990 y el 2000, la producción de ánime se ha incrementado de una manera

muy grande:[68] ​

En el 2001 las películas, videos y las producciones de televisión alcanzaron una cantidad
aproximada de ciento ochenta mil millones de yenes, y en cuanto a la exhibición se estima de 43
mil millones de yenes. También la cantidad de emisiones de televisión ha sido muy
significativa[cita requerida]:

Año Emisión en la mañana Emisión en la tarde Emisión en la noche Total

1996 643 850 1,090 2,583

1997 667 660 1,261 2,588

1998 673 452 1,406 2,531

1999 906 393 1,254 2,553

2000 724 271 1,291 2,286

Compañías de anime

El número de creadores de anime en Japón es de 3657[cita requerida] y el número de empresas es

de 255.[69] ​La cantidad de licencias ha generado 3937 millones de dólares,[cita requerida] y la
exhibición 8 110 000.[cita requerida]

Año Ingresos en millones de yenes fuera de Japón Ingresos en millones de yenes en Japón

1999 1561 8233

2000 5452 9393

2001 7154 8876

2002 6253 114 42

Dentro de las compañías, están los estudios de animación en actividad, como

principales[cita requerida]:
 Nombre Fundación Empleados

A-1 Pictures 2005

AIC 1982

Aniplex 1997 50

Bee Train 1997 70

BONES 1998

CoMix Wave Films 2007

Eiken 1952 50

GAINAX 1981 20

Gonzo 1992 155

J.C.Staff 1986 120

Kyoto Animation 1981 67

Madhouse 1972 120

Manglobe 2002

MAPPA 2011

Nippon Animation 1975 100

Orange 2004

Production I.G 1987 184

Satelight 1995 77

Seven Arcs 2002

Shaft 1975

Studio 4°C 1986

Studio Deen 1975

Studio Gallop 1978

Studio Ghibli 1985 150

Studio Nue 1972

Studio Pierrot 1979

Studio Ponoc 2015

Sunrise 1972 170

Tatsunoko Production 1962 43

Toei Animation 1956 462

TMS Entertainment 1964 298

Ufotable 2000

White Fox 2007

XEBEC 1995

Trigger 2011

Formatos

Hay diferentes formatos de producción usados:

Series de televisión

Son el formato más común y la mayoría están basadas en un manga o en una novela. Para los
estrenos de cada serie en Japón, suele presentarse un episodio por semana, en temporadas de
13 o 26 capítulos por motivos de calendario, duran entre 20 y 25 minutos y al igual que todos los
programas de televisión hay cortes comerciales.[70] ​De ahí puede variar su distribución en otras
partes del mundo. A diferencia de las series occidentales, las series ánime no se dividían en
segundas temporadas hasta el año 2012, en el que por motivos económicos, los productores de
ánime ahora pueden interrumpir la producción o la transmisión por un tiempo y más adelante
continuar donde se quedaron. Al considerarse este proceso como una especie de "brecha" entre
episodios se le considera segunda temporada a los episodios que le siguen y se cuentan a partir
del número en que quedó la temporada anterior. Jormungand II: Perfect Order es un claro
ejemplo de segunda temporada para la serie Jormungand. Cuando una serie ha terminado de
producirse y después de un tiempo sale una continuación, no se considera como una "segunda
temporada", sino como una secuela o serie relacionada.

La primera serie de televisión de ánime fue Otogi Manga Calendar, que tuvo 366 episodios en
total con 2 temporadas. Actualmente, Astroboy es considerado como el primer ánime emitido
en televisión, aunque fue el segundo luego de Otogi Manga Calendar.[cita requerida]

Usualmente se suelen crear para promocionar las novelas o mangas originales, la existencia de
un anime sin un libro o cómic e el que se basa no es común.
OVA

Abreviación de original video animation ('animación original en video') o también only video
available ("solo disponible en vídeo"). Son producciones animadas destinadas para su consumo
en video que normalmente no se emiten en televisión. La duración de un episodio puede variar
de unos solos minutos a 45 minutos, y a veces pueden ser complementos de la historia. Es un
capítulo especial (casi siempre no va de acuerdo con la historia) pero no es película. También es
común que contengan un opening diferente a los de la serie.{cita requerida}

Películas

Son los largometrajes producidos por las compañías, pueden ser historias originales basadas
en algún manga o muchas veces en las series de ánime que pueden presentar historias alternas
o un tiempo lógico establecido de la serie. Normalmente este complejo (de 50 a 120 minutos)
de películas difieren bastante de otros formatos de animación -por ejemplo, la calidad de
imagen- y en consecuencia causa mayores costes de producción.[70] ​

Algunos ánime presentan un amplio repertorio de películas, como Doraemon o Pokémon.

Especiales de televisión

Especial como bonificación de la serie, a veces no está relacionado con la historia básica que se
muestra en la serie de televisión. Normalmente suelen transmitirse en televisión por ser día
feriado durante el cambio de estación; a veces después de la conclusión de anime. La
bonificación de la serie suele estar estrechamente vinculada con la trama de la serie, pero no
necesariamente la continúa.

A veces es alterna a la historia principal y muestra escenas de la serie con otro punto de vista y
escenas inesperadas. A menudo en la bonificación circular de la serie, la historia ha estado
trabajando con la serie, pero absolutamente no cambia el actual estado de continuidad. Una
serie puede ser omitida sin que se pierda. Normalmente para entender la serie de bonificación
se exige el conocimiento de los antecedentes de la serie: puede verse en los especiales de Love
Hina posteriores a dicha serie de televisión.

ONA
ONA (original net animation, "animación original creada para Internet") de ánime especialmente
diseñado para su distribución en Internet. El formato ONA aún no es muy usado y su duración es
por lo general corta.[71] ​Un ejemplo de este es Azumanga Web Daioh y Candy Boy.

Géneros

En el anime, suele haber géneros que se encuentran en los medios audiovisuales. Estos son
acción, aventura, comedia, ciencia ficción, drama, psicológica, fantasía medieval, romance y
terror.

Gran parte de las series de ánime pueden incluir dos o más géneros de los dichos. Por ejemplo,
acción y aventura pueden ser combinados de muy buena manera. Hay muchas series de este
tipo, y es más común verlas en el shōnen. Así también, drama y romance se combinan de muy
buena manera, y muchas series suelen mezclarlos (especialmente en el shōjo). También,
misterio y terror, como en Detective Conan, MONSTER y Death Note.

Géneros demográficos

La siguiente tabla muestra los géneros usados exclusivamente para ánime y manga:[72] [73]
​ ​

Kodomo ( 子供 literalmente "niño"): ánime enfocado hacia el público infantil. Ejemplos en la

?

categoría Kodomo.

Shōnen ( 少年 literalmente "chico" o "muchacho"): ánime para chicos adolescentes o

?

preadolescentes protagonizado por un chico adolescente, en el que suele haber elementos

mágicos y combates de todo tipo. Ejemplos en la categoría Shōnen.

Shōjo ( 少女 literalmente "chica" o "muchacha"): ánime enfocado a público adolescente

?

femenino, generalmente con protagonista principal una chica. Ejemplos en la categoría Shōjo.

Seinen ( 青年 literalmente "hombre"): ánime enfocado a hombres adultos. Contiene alto nivel
?

de violencia, algunas veces gore, escenas sexuales y temática más madura que el clasificado
para adolescentes. Ejemplos en la categoría Seinen.

Josei ( 女性 literalmente "mujer"): ánime como audiencia objetivo las mujeres jóvenes
?

adultas. Donde abarca los géneros dramáticos o recuentos de la vida, también sobre sexo y
temática más madura desde el punto de vista femenino. Ejemplos en la categoría Josei.

Géneros temáticos
Otra forma de clasificar al ánime es mediante la temática, estilo o gag que se utiliza como
centro de la historia. Aunque existen controversias sobre una clasificación precisa y delimitada
del ánime, los más populares son:[73] [74]
​ ​

Comedia:[75] ​son animaciones con un gran sentido del humor, en la que se representan
escenas o situaciones similares a las de otras animaciones, se usan nombres comunes en los
animes, hacen cosas similares a la vida habitual. Ejemplos en la categoría Comedia.

Cyberpunk: sus historias suceden en mundos donde los avances tecnológicos toman parte
crucial en los problemas planteados, junto con algún grado de desintegración o cambio
radical en el orden social, adicionalmente su estética también es muy característica. Ejemplos
en la categoría Cyberpunk.

Ecchi: se presentan situaciones eróticas llevadas a la comedia.[76] ​Generalmente se centra en

personajes en edad de colegio y su despertar sexual.[74] ​Si se sobreexplota el erotismo,
usándolo en gran parte de las escenas, pasa a ser fan service. La diferencia entre estos es
que el Ecchi usa las escenas eróticas moderadamente. Ejemplos en la categoría Ecchi.

Gekiga: término acuñado por Yoshihiro Tatsumi para referirse a un estilo dramático, más
oscuro, serio y realista de relatar las historias. El término, literalmente, significa "imágenes
dramáticas".[77] ​Ejemplos destacados son: Ashita no Joe, Kyojin no Hoshi y Golgo 13.

Gore: ánime sangriento o con gran cantidad de terror, muy relacionado con el cine. Ejemplos
en la categoría Gore.

Harem:[75] ​relata historias donde varias mujeres son atraídas por un mismo hombre que suele
ser el co-protagonista del anime.[78] ​Ejemplos en la categoría Harem.

Harem Inverso: relata historias donde muchos hombres son atraídos por una misma mujer.

変態 literalmente "pervertido") aunque dentro de Japón no se emplea el término, sino

Hentai ( ?

Ero-Anime エロアニメ (animación erótica): son historias con contenidos sexuales explícitos,
sin embargo a diferencia de la pornografía occidental, sus universos narrativos son mucho
más ricos y complejos. Ejemplos en la categoría Hentai.

Isekai: Historias donde el protagonista es transportado, renacido, o atrapado en un mundo

diferente, el cual suele ser un universo paralelo o un mundo de fantasías, donde existen la
magia y las criaturas fantásticas.[79] ​Ejemplos en la categoría Categoría:Anime y manga
fantástico.

Jidaigeki: se trata de relatos con contenido histórico, en su mayoría situados en el periodo

Edo.
Kaijū: historias con monstruos gigantes con gran capacidad destructiva, proviene del genero
del cine japonés del mismo nombre cuyo exponente más famoso es Godzilla. En el anime
suelen también estar asociado al género de mecha.

Kemono: humanos con rasgos de animales o viceversa, usualmente dirigido a público

infantil.[80] ​

Kinshinsōkan: Relaciones románticas/eróticas entre miembros de la misma familia.

Mahō shōjo: caracterizado por narrar historias de chicas con poderes mágicos que deben
luchar contra algún poder maligno.

Mecha: sus historias tratan sobre robots gigantes los cuales tienen la responsabilidad de
salvar el mundo de un enemigo inhumano. Se distinguen dos subgéneros: los Real Robots
(funcionamiento realista) y los Super Robots (funcionamiento sobrenatural).

Meitantei:[81] ​son historias policíacas.

Musical: Son animes cuya historia principal gira en torno a la música, ya sea cantantes,
intérpretes de instrumentos, bandas, orquestas, clubes de música escolar, etc. Ejemplos en la
categoría Música.

Nekketsu también conocido como Shōnen de lucha: caracterizado por la abundancia de

escenas de acción protagonizadas por un personaje exaltado que evoluciona durante la
historia y que es comparado con uno o varios antagonistas.

Post-apocalíptico:[80] ​son historias que tienen lugar en mundos devastados, aunque guardan
similitud con las distopías son diferentes por el momento en el que se desarrolla la historia.
Ejemplos en la categoría Post-apocalíptico.

Recuentos de la vida: también conocido por su nombre en inglés Slice of Life, son historias
que centran en experiencias de vida cotidiana.[82] ​Ejemplos en la categoría Recuentos de la
vida.

Romakome: son comedias románticas que han trascendido inclusive al cine. Ejemplos en la
categoría Romance.

Sentai: sus historias retratan a superheróes que se consideran en algunos casos contrapartes
de los occidentales.

Shotacon o Lolicon:[75] [78]

​ ​sus historias se centran en romances entre niños menores o
también entre niños menores y adultos, en muchos casos los roles de género son volátiles.
Ejemplos en la categoría Lolicon.
 Shōjo-ai o Yuri: sus historias se centran en romances entre chicas o mujeres. Se diferencian
el primero del segundo en el contenido, ya sea explícito o no. Ejemplos en la categoría Yuri.

Shōnen-ai o Yaoi: sus historias se centran en romances entre chicos u hombres. Se

diferencian el primero del segundo en el contenido, ya sea explícito o no. Ejemplos en la
categoría Yaoi.

Spokon: caracterizado por el mismo espíritu guerrero del Shōnen de lucha, pero en un
contexto deportivo. Se exaltan valores cómo la amistad y la cooperación. Ejemplos en la
categoría Deportes.

Steampunk: sus historias se basan en mundos donde la tecnología a vapor aún es

predominante, localizándose en muchas ocasiones en la época victoriana, debido a esto suele
ser entendido más propiamente cómo un estilo estético. Ejemplos en la categoría Steampunk.

Suspenso:[75] ​son historias que se caracterizan por involucrar al público a partir de sucesos
inesperados, a partir de lo cual el relato toma un rumbo totalmente distinto y cambia de tono.
Ejemplos en la categoría Suspenso.

Directores reconocidos

Studio Ghibli

Isao Takahata y Hayao Miyazaki, tras abandonar Toei Doga se hallaban trabajando en series de
televisión, pero este último sentía grandes deseos de volver al cine de dibujos para la pantalla
grande. Miyazaki conseguirá firmar como director su primera película gracias al encargo
recibido de adaptar para el cine el popular personaje televisivo de Lupin III, en El castillo de
Cagliostro (1979). Gracias al ritmo rápido que le insufló Miyazaki y a unos gags basados sobre
todo en la acción, resultó una obra altamente reconocida.[83] ​

Miyazaki publicaba desde 1982 en la revista especializada Animage el manga Nausicaä del Valle
del Viento, que gozaba de gran prestigio.[84] ​Gracias a ello, surge el proyecto de que Miyazaki
realizara una versión para el cine, que Takahata se responsabilizará de producir. Por su parte
Miyazaki, además de dirigir, se encargó también del argumento, guion y story board. Aparece así
la película del mismo título en 1984, donde Miyazaki retrata una Tierra devastada por la guerra,
donde la humanidad está en peligro de extinguirse. A pesar de tratar un tema tan poco
comercial como el de la relación entre los seres humanos y la Naturaleza, el público mostró una
gran respuesta.
Gracias al éxito de esta película, Takahata y Miyazaki convencen al magnate del mundo editorial
Yasuyoshi Tokuma para que colabore en la formación de sus propios estudios de cine de
animación, inaugurándose de esta forma en 1985 el Studio Ghibli.[85] ​Dentro de estos, Miyazaki
dirigirá títulos como El castillo en el cielo (1986), vagamente inspirada en Los viajes de Gulliver de
Jonathan Swift; Mi vecino Totoro (1988), con una extraña criatura de los bosques que solo los
niños de corazón limpio pueden ver; Majo no Takkyūbin (1989), sobre las penalidades de una
joven bruja, y Porco Rosso (1992).

Por su parte, Takahata dirige La tumba de las luciérnagas (1988), basada en un argumento de
Akiyuki Nosaka, que relata la historia de dos hermanos a los que los bombardeos
norteamericanos durante la guerra han dejado huérfanos. Tras esta, realizará Heisei Tanuki
Gassen Ponpoko (Pom Poko, 1994), donde los tanuki protagonistas ven amenazada su morada
por el desarrollo urbanístico y deciden pasar a la defensa empleando sus habilidades para
transformar su apariencia. Todas estas producciones tuvieron gran éxito comercial y
repercusión también en el extranjero, donde empezó a cobrar fama el nombre del Studio
Ghibli.[86] ​

Mamoru Oshii

En Japón es muy reconocido el ánime de Mamoru Oshii (1951).[87] ​Tras trabajar un tiempo para
la televisión, Oshii llama pronto la atención por su serie Urusei Yatsura así como por la muy
posterior Patlabor. Sin embargo, el nombre de Oshii llegará a las audiencias occidentales
gracias a Ghost in the shell (1995). En la edición de Cannes de abril de 2004 presentó Ghost in
the Shell 2: Innocence (2004), que viene a ser una secuela de la película de 1995.

Katsuhiro Ōtomo

Katsuhiro Ōtomo (1954) alcanzó fama internacional gracias a su Akira (1988), basado en un
manga de creación propia, tras el cual viene la película Memories (1995), codirigida con Kōji
Morimoto y Tensai Okamura. Años después, regresaría dirigiendo la película Steamboy (2004),
una historia del steampunk más tradicional y con un presupuesto millonario.[88] ​

Hayao Miyazaki

Con el estreno de La princesa Mononoke (1997) vuelve a resonar el nombre del Studio Ghibli.
Con esta historia ambientada en la era Muromachi (siglos XIV a XVI), se vuelve al tema de la
Naturaleza amenazada por los seres humanos. Sobrepasando todas las expectativas, la
recaudación rebasa los diez mil millones de yenes, superando incluso a la norteamericana E.T.,
el extraterrestre.[89] ​Miyazaki, que había declarado a los medios de comunicación que esta sería
su última película, se retractará poco tiempo después de dicha afirmación.

Miyazaki volvió a la dirección en 2001 con El viaje de Chihiro, historia de una niña que, para
salvar a sus padres atrapados por una bruja, arriesga su vida internándose en una gigantesca
casa de baños poblada por dioses aprendiendo a valerse por sí misma. Volvió a renovar el listón
de taquilla, con unos ingresos de 150 millones de dólares, igual a la de Titanic.[89] ​En la edición
de febrero de 2002 del Festival Internacional de Cine de Berlín consigue el Oso de oro y en
marzo de 2003 el Oscar a la mejor película de animación, hechos ampliamente recogidos por la
prensa japonesa.[39] ​

Miyazaki regresó más tarde con Howl no Ugoku Shiro (traducida como El castillo ambulante, El
increíble castillo vagabundo y El castillo andante, 2004). En septiembre de 2005 Miyazaki recibe
el León de Oro a su carrera.[90] ​En cambio Takahata, su compañero, después del fracaso
comercial de Mis vecinos los Yamadas (1999), se mantiene apartado del anime.[91] ​

Satoshi Kon

Satoshi Kon (1963-2010), dirigió cuatro películas consideradas hoy como obras de culto: Perfect
Blue (1997), Millennium Actress (2001), Tokyo Godfathers (2003) y Paprika (2006), sus complejas
películas inspirarían a directores de Hollywood como Darren Aronofsky y Christopher
Nolan.[92] [93]
​ [94]
​ ​También dirigió una serie llamada Paranoia Agent (2004) y fue guionista de
Magnetic Rose, uno de los tres cortometrajes que componen la película Memories de Katsuhiro
Ōtomo. En año 2010 fallece de un cáncer de páncreas.[95] ​

Distribución del anime fuera de Japón

Asia

La animación japonesa es muy popular en Taiwán, Corea del Sur, China y el sudeste de Asia,
donde la serie para niños Doraemon ha sido particularmente exitoso en Tailandia y Filipinas a
principios de los noventa, al igual que Pokémon. En la televisión de Medio Oriente, con la serie
de UFO Robo Grendizer.[96] ​
Medio Oriente

En esta región el ánime se distribuye mayormente desde la versión japonesa con mínimas
ediciones como por ejemplo: en los títulos, los nombres de los personajes y en los openings y
endings, la empresa encargada de doblar los animes para el Mundo Árabe es la empresa Venus
Center y los canales que los Emiten son Kids Channel (para Israel), Spacetoon (para el resto del
Medio Oriente) y los canales locales de los países que conforman Medio Oriente.[cita requerida]

Europa

El ánime ha tenido radiodifusión televisiva en Europa: además de la de España, en Italia y

Francia ha sufrido en el cambio de los años setenta y ochenta una "invasión pacífica". De hecho,
en Francia el primer ánime se transmitió en 1974, con las series Ribon no Kishi y Kimba, El León
Blanco, pero la importación masiva comenzó solo después del éxito de la serie UFO Robo
Grendizer transmitida en 1978.[97] ​En Italia se transmite actualmente ánime por la señal de
MTV.[98] ​

En Alemania la programación de televisión de anime es un fenómeno, relativamente, bastante

reciente. Las primeras series de transmisión en el oeste de Alemania fueron Speed Racer en
1971 y Capitán Futuro en 1980. Sus éxitos no eran enormes, ya que a veces eran acusados de
ser demasiado violentos e inadecuados para los niños y solo con la consiguiente transmisión de
la serie La Rosa de Versalles y las de deportes Kickers y Mila Superstar a mediados de los
noventa el ánime ha encontrado más espacio en la programación alemana.[99] [100]
​

La situación en el Reino Unido ha sido muy diferente, donde el ánime prácticamente no había
tenido espacio en la televisión, pero cuando el mercado del video doméstico del ánime se había
afianzado desde el final de los ochenta con la venta de películas VHS de Akira y el nacimiento de
Manga Video, a diferencia de Italia y Francia, esto ha ocurrido solo en la segunda mitad de los
noventa.[99] ​El reciente éxito internacional recogidos de largometrajes de Hayao Miyazaki y el
Studio Ghibli abrió las puertas de celebración japonés también en países como Finlandia y
Polonia,[99] ​mientras que en abril de 2007 en Rumania, Hungría y República Checa han sido el
lanzamiento de Animax, el canal temático de pago por satélite de Sony, un canal de ánime que
emite 24 horas del día, más tarde integrándose Alemania y Portugal.[101] ​

En España en los años 1970 Televisión Española emitió las series Meteoro (Mach GoGoGo),
Heidi, Marco y después Mazinger Z. En los años 1980 se emitió Candy Candy. A pesar de que
estas series alcanzaron gran popularidad, a partir de los noventa, cuando las series Saint Seiya,
Dragon Ball y Captain Tsubasa resultaron muy populares, se las comenzó a concebir como parte
de un grupo muy extenso de series de animación realizadas en Japón con características
estilísticas similares. Otras series populares emitidas fueron Slayers, Kimagure Orange Road, City
Hunter, Los Gatos Samurai, Sonic X ' y Sailor Moon entre muchas otras. En España actualmente
son transmitidos por Buzz, Boing y algunos por la señal española de Disney XD y Cartoon Network.
En la década de 2000 se ha incrementado mucho la programación, a pesar de que es muy inferior
al transmitido en Japón.[102] ​

Entre el 12 de abril de 2008 y el 31 de diciembre de 2013 se emitió en España el canal Animax,

dedicado casi íntegramente a la programación anime.[103] ​

América

Estados Unidos y Canadá

En América el ánime empezó en los Estados Unidos en 1961 con la película Shōnen Sarutobi
Sasuke (bajo el nombre de Magic Boy),[104] ​y después Astroboy que fue la primera serie
transmitida.[105] ​En ese país han sido notables tanto las ediciones a referencias culturales y el
aplicamiento de censura a ciertas series por parte de algunas compañías, estas con el objetivo
de que sean aptas para todo público.[106] [107]
​ ​Debido a esto se han lanzado muchas series en
DVD bajo el sello "uncut" (sin cortes), generando muchas ganancias para los distribuidores.[108] ​
En Canadá, el anime ha tenido un impacto parecido al de Estados Unidos, uno de los canales
que transmite ánime en ese país es YTV.[109] ​

América Latina
En Latinoamérica, el ánime empezó a distribuirse desde 1970 empezando por Panamá, El
Salvador, Costa Rica, Nicaragua, Colombia, Venezuela, México, Paraguay, Uruguay, Perú, Chile,
Guatemala, Ecuador, Argentina, Bolivia y República Dominicana con las series Heidi, Princesa
caballero, Candy Candy y Meteoro.[110] ​Les seguirían Kimba, El León Blanco, Mazinger Z,[111] ​en
los 80s.[112] ​
Muchas de estas series eran transmitidas en la televisión abierta de muchos países
latinoamericanos.
Anime-manía: a partir de 1990 el anime empezó a tomar mucha popularidad con Robotech,
Saint Seiya, Sailor Moon, Las guerreras mágicas, Ranma 1/2, así como las sagas de Dragon Ball
y más tarde Detective Conan, Neon Genesis Evangelion, Beyblade, Pokémon, Digimon, Sonic X,
Captain Tsubasa, Cardcaptor Sakura, Blue Seed, Yu-Gi-Oh, Samurai X, Cowboy Bebop, InuYasha,
Naruto, One Piece, Death Note, Bleach, Black cat, Vandread Inazuma Eleven, Hamtaro, Fullmetal
 Alchemist, Hungry Heart y muchas más que se estrenaron. Los canales de cable
(internacionales) distribuidores en esa época eran Magic Kids, Locomotion, Fox Kids, Cartoon
Network y Animax, así como canales de señal abierta en cada país.
Cese: a partir del 2006, la emisión y estrenos de anime por la televisión se redujo
considerablemente en la región, debido a la cancelación de Toonami en 2007 en Cartoon
Network, el desvío de enfoque y muerte de Animax (sucesor de Locomotion, luego de que
fuera comprado por Sony) en el 2011, y la salida de aire de ZAZ en 2012, junto con el cierre de
Cloverway en 2007, lo que redujo la llegada de nuevos títulos para Latinoamérica.
A la fecha, el único canal que emite anime en su programación regular y de manera constante
(casi las 24 horas de anime) con estrenos y de manera ininterrumpida por 18 años es el canal
de cable chileno llamado Etc TV.[113] ​
Distribuidoras: en la actualidad, los distribuidores de anime para América Latina son Televix,
Comarex (Distribuye actualmente series propiedad de TMS Entertainment), Ledafilms
(distribuye principalmente series propiedad de Enoki Films), Alebrije Entertainment (distribuye
los animes de Toei Animation que además posee la biblioteca de series de la extinta
Cloverway), y Rose Entertainment (que desde 2012 distribuye parte del catálogo de series de
Viz Media).
Streaming: ahora los fanáticos en Latinoamérica pueden ver anime legal con regularidad
desde los servicio de streaming como Netflix, que tiene en su catálogo varios títulos de
animes en su servicio desde 2012, y con la llegada de Crunchyroll a la región, abren el
mercado legal del anime en línea por emisión en continuo.
Anime ilegal: A partir del cese de la publicación de anime en los canales de TV se han creado
páginas ilegales que transmiten anime de sin licencias no solo en América ni Europa también
en otras regiones.

Australia y Nueva Zelanda

En la última década Australia y Nueva Zelanda también se han convertido en grandes

importadores de animación japonesa, como lo demuestra las actividades de la editorial Home
Video Madman Entertainment[114] [115]
​ ​y el canal Animax en la telefonía móvil.[101] ​

África

La propaganda del ánime en África es una historia reciente. Con excepción de la edición en
árabe de UFO Robo Grendizer, que se transmitió con éxito en Egipto a comienzos de los años
ochenta,[116] ​la animación japonesa ha encontrado espacio en el mercado en el continente
africano solo a partir del 2000, en particular en Sudáfrica,[117] ​y el canal Animax en la telefonía
móvil.[101] ​En 2007, sin embargo, Sony ha lanzado su canal de televisión por satélite Animax
también en varios estados africanos, como Sudáfrica, Namibia, Kenia, Botsuana, Zambia,
Mozambique, Lesoto y Zimbabue.[118] ​

Censura y polémicas

Cuando varias series son licenciadas fuera de Japón, es posible que por malentendidos
culturales se editen esas series. El paralelo crecimiento de la popularidad del ánime fuera de
Japón toma el creciente número de los adversarios de este género de la animación.[119] ​La
crítica más importante es en opinión de muchos el número excesivo de escenas de violencia y
erotismo en el anime,[30] [31]
​ [97]
​ ​comportamiento inapropiado y la visualización de los deportes,
colección de ánime otaku que a veces lleva a las formas patológicas (retirada de la realidad,
cerca de la agresividad es llamada Toxicomanía).[120] ​En los países europeos y en los Estados
Unidos los productos de ánime japonés deben pasar una evaluación preliminar como se define
en edad-audiencia y en ocasiones adaptar la trama a una demografía de menor edad, por lo que
el editor de las obras corta las escenas violentas.[121] ​

En los Estados Unidos han sido editadas muchas series por considerarse inapropiadas para el
público infantil, por lo que cambian su contenido para hacerlos más accesible a los niños,
también se editan referencias culturales japonesas a estadounidenses. Por ejemplo, 4Kids
Entertainment hace las ediciones antes mencionadas, pero también lanzó los DVD de Yu-Gi-Oh!
y Shaman King sin cortes.[122] ​Aún con la censura en Shaman King, algunos investigadores
también la encontraron inapropiada para el público infantil.[123] ​Muchos se molestaron con la
edición en One Piece, haciéndola muy infantil, aun cuando pertenece al género shonen. Pero
FUNimation adquirió los derechos exclusivos en Estados Unidos para doblarla en abril de 2007
sin cortes.[124] ​

También para Latinoamérica suelen cortar algunas escenas cuando se transmiten por televisión
abierta. Cabe destacar la polémica que han tenido el ánime transmitido en televisión. También
se considera inapropiado poner las series violentas como programas infantiles.[125] ​

En Europa, algunas series tienen un parecido cambio como en los Estados Unidos, con el mismo
fin de hacerlas más apta para todo el público.[97] ​La polémica que han tenido ha sido por
ejemplo en España y otros países, se cree que todo lo referente a la animación es algo infantil,
por esto se han dado muchos malentendidos en la transmisión por las cadenas de
televisión.[126] ​El canal televisivo La Sexta empezó a incluir hentai en su programación, pero fue
retirada días después.[127] ​
Recientemente se ha registrado que cada vez más animes en su versión Blu-ray conservan la
censura vista en su versión para TV, causando molestia entre consumidores. Algunos de los
casos que se han señalado por parte de usuarios japoneses son los animes Hige wo Soru.
Soshite Joshikousei wo Hirou, Azur Lane Bisoku Zenshin y Isekai Maou to Shoukan Shoujo no
Dorei Majutsu.[128] ​

Impacto cultural

Fotografía de un competidor disfrazado de un personaje de anime en el Anime Festival X en Singapur.

La combinación de comunidades de Internet y el incremento del material de ánime desde

imágenes hasta videos, hizo lo que es el fandom en el anime.[129] ​Una de las influencias que ha
tenido los fansub, ha sido por parte de Bandai, quienes agradecieron a estos por hacer popular
la serie Suzumiya Haruhi no Yūutsu a los que hablan en inglés.[130] ​

Grandes éxitos a lo largo de la historia del ánime han difundido este tipo de expresión en
sucesivas oleadas, normalmente películas de alto impacto que llaman la atención de nuevos
sectores hacia la industria del anime. Dentro de estas películas se puede encontrar: Akira, Ghost
in the Shell, y El viaje de Chihiro ganadora del Óscar a la mejor película de animación en 2002[131] ​
y de un Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín (2002).[132] ​Un ejemplo claro de
la asimilación en el mundo es la producción española Gisaku (2005) que es el primer
largometraje de estilo ánime realizado íntegramente en Europa.[133] ​

El suceso fenomenal multimillonario de la franquicia de Pokémon,[134] ​ha ayudado grandemente

a la serie de este, y a los diferentes spin-off de la serie, que después de iniciarse a trasmitirse,
aún sigue vigente.

También ha influenciado a animaciones hechas fuera de Japón, pero con el estilo anime.[135] ​
Parte de estas series es hecha en Estados Unidos, Europa y otras partes de Asia. Como por
ejemplo Avatar: la leyenda de Aang. Los creadores de las series de Megas XLR y The Boondocks,
han comentado que se inspiraron en el ánime para la creación de estas.[136] [137] ​Un equipo de
producción francesa para la serie Ōban Star-Racers fue movido a Tokio para colaborar con un
equipo de producción japonesa sobre el Hal Film Maker.[138] ​Críticos y fanáticos en general del
anime no considera al anime influenciado como anime.[139] ​

Otro tipos de adaptación ha sido parte de la Biblia en el anime, específicamente el Antiguo

Testamento, a la vez esta ha estado con el asesoramiento del Vaticano, y hecho para todo
público,[140] ​y no solo al ánime ha sido adaptada la Biblia, sino que también al manga. Ejemplo:
Manga Messiah.

Algunas series animadas de televisión estadounidense también han hecho parodias o

referencias al ánime como en South Park ("Chinpokomon" y el episodio de "Good Times with
Weapons"). Otra serie con parodias es Perfect Hair Forever. También las series de Los
Simpson[141] ​y Los padrinos mágicos, han hecho diferentes parodias.[cita requerida]

Subcultura otaku
Akihabara: considerada la ciudad tecnológica de Japón y la de mayor concentración de otakus.

Al igual que las películas, las series de animación pueden dar lugar a un seguimiento
masivo,[108] ​especialmente si van dirigidas a niños o jóvenes. En ese caso, puede ocurrir que se
genere una variedad de artículos de mercadotécnia extendiéndolo a áreas como videojuegos,
películas y artículos de colección.

Puede que la fama de una serie quede confinada en un área relativamente pequeña o que, por el
contrario, se extienda por medio mundo. Casi todas las series de animación japonesa pasan
inadvertidas para el público general. A pesar de ello, pueden ofrecer historias, personajes,
escenas, frases míticas, guiños a otras series, que pasarán a formar parte de la cultura otaku.

Las convenciones de anime aparecieron por la década de 1990. Actualmente las convenciones
se han hecho en varias partes del mundo, principalmente en Asia, Europa y América.[142] ​En
muchas convenciones de manga y ánime hay concursos de karaoke en que los asistentes
podrán interpretar sus canciones preferidas de apertura y clausura, j-pop, j-rock, gente disfrazada
de sus personajes preferidos de ánime (cosplay), coreografías, entre otros,[143] ​recientemente
ha aparecido un nuevo nombre para los que les gusta mucho el anime: akiba-kei, usado para
hacer connotación exclusiva a aquellos fanáticos del ánime que tienen un mayor conocimiento
de este y menos fanatismo yendo a conferencias de estos, conciertos de j-pop, entre otros.[144] ​

Véase también

Portal:Anime y Manga. Contenido relacionado con Anime y Manga.

Categoría:Anime
 Categoría:Series de anime

Categoría:Películas de anime

Categoría:OVA

Glosario de anime y manga

Edición del anime para distribución

Manga

Cosplay

Fandom

Comiket

Otaku

Dibujo animado

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