Arte venezolano

Crítica de arte en Venezuela (2010-2017): reseña, preguntas, tareas

Publicado por traficovisual el 14/01/2018 in Crítica, Noticias, Seminario crítica de arte, Textos,
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En trabajo anterior[1] he sostenido que al arrancar el nuevo milenio la crítica de arte en Venezuela
dejó de dirigirse únicamente a la valoración de las obras, orientándose a las limitaciones de la
política cultural, inclusivista y contraria a las bellas artes, instaurada demoledora y progresivmente
por el gobierno desde 1998. En dicho trabajo también se señalaban otros factores de orden
editorial y profesional que han incidido en el repliegue y la virtual atomización de la óptica crítica
respecto al arte, entre los cuales destacan la disminución de los espacios de difusión impresos a
causa del impacto cruzado de los medios digitales y el cierre forzado de diversas publicaciones por
presiones gubernamentales y económicas, por otro lado.

Del 2010 al 2017 se registra una profundización en los temas asociados a la crisis institucional
(política cultural, museos, espacios independientes, etc.), así como un interés más definido en las
reflexiones de corte intelectual que reclaman una comprensión más responsable y articulada de la
acción cultural y su potencial respuesta frente a la grave encrucijada en que se encuentra el país.
En tal sentido, me permito comentar tres libros donde el ejercicio crítico es implícito o
consustancial a los temas que se abordan.

El Arte de los aforismos y los aforismos sobre el arte[2] de Víctor Guédez presenta una extensa
compilación de frases cortas –muchas de las cuales se refieren a la crítica- suscritas por autores
diversos como Simón Marchan Fiz (”Las artes ya no son bellas …”, p. 72), Luis Pérez Oramas (“La
experiencia estética no consiste en saber lo que un autor quiso decir …”, p. 118), Octavio Paz (“La
creación es crítica y la crítica es creación”, p. 200), Gustavo Flaubert ( “Se hace crítica cuando no se
puede hacer arte”, p. 200), Juan Acha (“Los críticos deben pasar de conocedores de arte a
productores de conocimientos artísticos”, p. 202).

La cultura bajo acoso[3] de María Elena Ramos analiza la agraviante situación de la

institucionalidad museística, sus causas y consecuencias, en un contexto donde las autoridades
oficiales confunden la excelencia con el elitismo y el conocimiento con la oligarquía. Según la
autora, el libro surge de la necesidad de “participar (…) en una crítica cultural más amplia, que
vincule la estética con la ética y la política”. Es decir, “crítica cultural” en “tiempos críticos”,
sustentada en la perdida de la autonomía institucional y de las libertades en el país (Introducción,
p. 9).

País en Vilo. Arte, democracia e insurrección en Venezuela[4] de Roldán Esteva-Grillet, enfoca la

relación entre arte y política en el país desde el siglo XIX hasta el presente, desde tres puntos de
vista -las obras, los comportamientos de los artistas y las directrices institucionales- en los que
prevalece el tono ensayístico matizado con oportunas valoraciones de los eventos y situaciones
analizados.
En el plano más específico de la crítica centrada en los medios y lenguajes visuales de mayor
preponderancia en el período, dos grandes segmentos dominan la atención de los analistas. De un
lado, las aproximaciones que testimonian y valoran el auge sostenido del lenguaje fotográfico en la
escena artística del país en los últimos años. Del otro lado, los comentarios y reflexiones que
abordan el heterogéneo conglomerado de propuestas que se reúnen bajo la denominación de
“arte contemporáneo”, especialmente las que tienen como tema la situación nacional.

Anoto a continuación varios espacios y autores dedicados a la divulgación y análisis de la

producción fotográfica. La página web El cuarto de los juguetes[5], publicación digital
especializada en fotografía venezolana y latinoamericana, manejada por el comunicador y
fotógrafo Gerardo Rojas. La sección de Artículos[6] en la página de la ONG-Organización Nelson
Garrido, donde se mezclan una heterogénea gama de textos de investigadores (Humberto
Valdivieso, Nicolás Gerardi, Elvira Blanco) y fotógrafos (Gala Garrido, Roberto Mata, José Ramírez,
Juan Toro, Rómulo Peña, José Joaquín Figueroa) teniendo la imagen como foco común. El
segmento Fotolectura[7] del Archivo Fotografía Urbana” con estudios de diversos analistas, entre
ellos Lorena Matilde González Inneco, quien también es curadora de la colección. La columna
Mirada Expuesta[8] de Juan Antonio González en El Universal con reseñas sobre portafolios
fotográficos de diversos artistas.

Especialmente significativo para la divulgación crítica del arte emergente en el período 2010-2017
es la sostenida labor de Tráfico Visual[9], plataforma virtual creada en 2009, con entrevistas,
crítica, opinión, textos sobre exposiciones y notas en torno a asuntos de actualidad. Entre sus
colaboradores se encuentran artistas (Néstor García, Ángela Bonadies, Luis Romero, Luis
Camnitzer), investigadores (Lourdes Blanco, Isabel Arredondo, Sagrario Berti, Hannia Gómez,
Jesús Fuenmayor, Félix Suazo, Fanny Pirela, Rodrigo Figueroa, Guillermo Vanegas, Lisa Blackmore)
y escritores (Rafael Castillo Zapata), entre otros.

Igual de significativas para la comprensión de la dinámica artística en la contemporaneidad

partiendo de una escritura donde se interceptan lo reflexivo y literario fueron las entrevistas,
reportajes y artículos realizados entre 2013 y 2017 por Florencia Alvarado, Natasha Tianiacos,
Elena Pastor y Nicolás Gerardi y en la sección de Escrituras Expandidas para la web de Backroom
Caracas[10].

Bueno es señalar que ya se advierte, entre las nuevas voces que ingresan al ejercicio crítico en los
últimos años, algunas tentativas escriturales que ponen el énfasis en una sintaxis más fluida,
ligeramente alejada de los preceptos académicos, y con cierta intensión literaria que ofrece una
visión más dinámica y actualizada de la materia en cuestión. Entre estos autores se encuentran los
citados Florencia Alvarado, Natasha Tinacos, Nicolás Gerardi y Gerardo Rojas.

Aparte de lo ya apuntado, en la etapa reseñada siguen vigentes (aunque con una leve
desincronicidad respecto a los temas urgentes) los artículos y entrevistas sobre artistas y
exposiciones que publican en versión digital Prodavinci[11] y Papel Literario[12]. En el ámbito
periodístico la sección de arte y espectáculos de los diarios El Nacional y El Universal reseñan
exposiciones y reportajes ocasionales sobre el impacto de la crisis económica e institucional sobre
las artes. También la sección de artes plásticas y arquitectura de Esfera cultural[13] con las
entrevistas y reseñas de María Laura Lombardi, Génesis Romero, Elvianys Díaz, Víctor Alarcón,
muchas de ellas centradas en exposiciones de arte contemporáneo realizadas en espacios
independientes.

Finalmente, debe mencionarse la labor de divulgación artística realizada en este periodo por las
revistas Hábitat Plus y Artefacto, prácticamente las únicas publicaciones impresas que han
mantenido un interés sostenido, aunque no parejo, por las artes visuales en Venezuela.

De lo anterior se deduce que: a) ante la crisis editorial que afecta a las publicaciones impresas, la
crítica de arte en sus distintas modalidades (artículo, ensayo, reseña, entrevista, reportaje) ha
migrado hacia los medios digitales; b) sigue prevaleciendo la crítica centrada en los problemas
campo institucional del arte y su relación con el poder más allá de las obras y c) el medio
fotográfico y las propuestas de mayor conexión con el contexto son las que más atención crítica
han recibido durante estos años.

Metodológicamente hablando no hay un acuerdo fijo en torno a cómo se debe hacer crítica
excepto la exigencia de que ésta debe contener una valoración, es decir, se rige por un imperativo
axiológico. De manera que la crítica puede adoptar la forma ensayística o puede ser un artículo, un
reportaje, una reseña e incluso una entrevista. Cada uno de estos géneros tiene su respectiva
prescripción, pero lo que es invariable desde el punto de vista crítico es la agudeza del autor y su
capacidad para poner en valor los tópicos que analiza. Sin embargo, la metacrítica o crítica de la
crítica es más severa cuando juzga las estrategias, argumentos y objetivos de la disciplina,
concediendo gran importancia a las cuestiones éticas que se derivan de los conflictos de intereses
que pudieran existir, por ejemplo, entre la crítica y el mercado o entre la crítica y el poder.

No se puede negar que la crítica de arte ha perdido autoridad ante el demoledor avance del
pluralismo axiológico de nuestra época. Entonces, ¿para qué la crítica si en el arte actual impera el
“todo vale”?. La solución corriente a este dilema es decretar que la crítica de arte ha muerto. El
propio Benjamín Buchloh llegó a decir “que el papel del crítico de arte está acabado”[14]. Sin
embargo, desde la perspectiva actual, el problema de fondo no es la desaparición del crítico o de
la crítica como actividad profesional específica, sino la necesidad del juicio valorativo en la cultura.
Cuando éste falta, se corre el peligro de confundir la necesaria diversidad de propuestas y
estrategias, con cualquier cosa. Y “todo vale”, por cierto, no significa “cualquier cosa”, sino
pluralidad de ópticas, cada cual regida por su respectiva pertinencia discursiva, estética y social.

Es tarea de la crítica establecer la relación de coherencia, efectividad y pertinencia que se produce

entre la propuesta, la idea que la desencadena y el contexto. Considerando estos criterios, es
posible discriminar lo significativamente valioso y “todo” lo demás, lo cual no significa que la
crítica de arte sea o deba ser “antidemocrática”, sino que allí radica su función y responsabilidad
orientadora.

Hay otro tema inquietante que podemos resumir en la pregunta: ¿por qué no se habla del arte
venezolano fuera del país, aun considerando el importante y valioso número de profesionales que
radican en el extranjero, alguno de ellos ocupando posiciones influyentes en el circuito global de
las artes?. La pregunta, en primer lugar, denota el aislamiento de la escena local y la interrupción
de las vías de acceso a las plataformas de difusión y legitimación institucional. Y de esa primera
constatación se deriva la explicación -innegable y dolorosa- del por qué esos artistas, curadores e
investigadores han debido probar suerte en geografías vecinas que, por cierto, responden a su
propia agenda y no necesariamente a los requerimientos del arte venezolano. Sus servicios y
creaciones deben ajustarse a las demandas del lugar donde se encuentran.

Evidentemente, la crítica de arte no puede resolver un problema que tiene una raíz socio-política
y económica pero si puede trabajar, dentro y fuera del país, para identificar, caracterizar y
reflexionar sobre las singularidades, fricciones y hallazgos del arte venezolano, así como los
posibles puntos de enlace con problemáticas más amplias. Hay que conectar lo que hoy sucede en
el país con los autores y propuestas que mejor han representado al gentilicio local en el
extranjero, pero también, hay que restablecer ante un lector ajeno el vínculo que hay entre la
producción actual y las circunstancias del país. La crítica de arte, en fin, puede colaborar en la
reconstrucción de un mapa simbólico que hoy está resquebrajado y disperso.

Para concluir, está la cuestión de quiénes y con qué medios pueden acometer una actividad que se
presume “acabada” y para muchos “indeseable”. Dicen que cada vez hay menos críticos –
gremialmente hablando- pero la experiencia cotidiana muestra que la crítica sigue activa,
especialmente en la vertiginosidad de las redes sociales. Cada día alguien comparte una nota, hace
un comentario o pone una foto de la exposición que visitó o de la obra que le interesó. En
respuesta, algunos asienten con un like al envío o simplemente opinan. A veces, sin embargo, una
chispa hace estallar una fuerte batalla de palabras –aclaraciones, correcciones, refutaciones,
defensas- que horas o días después desaparecen en la marejada electrónica. Por los momentos,
cualquier tema es bueno: el cambio de nombre de un museo, un premio inmerecido, una
declaración desafortunada de un funcionario, una obra incorrectamente presentada, un dato
inexacto sobre un acontecimiento artístico, etc. Lo descrito parece ser una señal de la
reencarnación virtual de la actividad crítica, sólo que ahora cualquiera puede ser un crítico o
simplemente expresar sus preferencias y aversiones desde su propia tribuna.

Caracas, diciembre 2017- enero 2018

[1] Cfr. Félix Suazo. Memoria crítica: escritura y visualidad en Venezuela, 2000-2010. I/IV.

[2] Víctor Guédez. El Arte de los aforismos y los aforismos sobre el arte. Fundavag Ediciones,
Caracas, 2012.

[3] María Elena Ramos. La cultura bajo acoso. Artesano Editores, Caracas, 2012.

[4] Roldán Esteva-Grillet. País en Vilo. Arte, democracia e insurrección en Venezuela. Universidad
Católica Andrés Bello, Caracas, 2017.

[5] https://elcuartodelosjuguetes.wordpress.com/

[6] http://www.laong.org/category/articulos/

[7] http://archivofotografiaurbana.org/fotolectura/

[14] Benjamín Buchloh. En: Anna María Guash. La crítica dialogada. Entrevistas sobre arte y
pensamiento actual. (2000-2006). Cendeac, Murcia, 2007, p. 21
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La pintura del siglo XIX en Venezuela

Durante la época colonial venezolana la cultura fue fundamentalmente católica y patriarcal.

Las manifestaciones culturales estaban asociadas a los asuntos espirituales de la población.
La pintura y la música eran de inspiración religiosa y estaba al servicio del culto; la pintura
ofrecía temas e imágenes sagradas como expresión grafica, con marcada influencia del estilo
español de los siglos XVI, XVII y XVIII

En la pintura venezolana del siglo XVI los artistas más representativos fueron: Juan Lovera,
Martín Tovar Y Tovar, Antonio Herrera Toro, Emilio Maury, Arturo Michelena Y Cristóbal Rojas

Juan Lovera (1776-1841)

Inicia su vida artística como ejecutante de imágenes religiosas, fue alumno del taller de los
Landaeta y formo parte de las últimas promociones de nuestros pintores coloniales.

En 1814, cuando la Republica cae en poder de los realistas comandados por José Tomas
Boves, Lovera emigra a oriente; durante su destierro vive en Puerto Rico y probablemente en
Cuba, después de la victoria de Carabobo regresan al país varios emigrantes, entre ellos Lino
Gallardo y Juan Lovera

De su obra se conservan 21 oleos, incluyendo “El 19 de Abril” y “El 5 de Julio” que son sus
dos pinturas mas conocidas. Estos cuadros los pinta 25 años después de la proclamación de
la Independencia y constituyen las dos primeras obras de carácter narrativo sobre la
emancipación de Venezuela, ya que Lovera se define como testigo presencial de esos hechos

19 de abril de 1810: De corte descriptivo, esta obra esta más cerca del costumbrismo que de
la narración histórica, que mas tarde veremos en Tovar y Tovar. En su composición, Lovera
incluye tipos populares, como el arriero, el aguador, el idiota, con el mismo interés que a los
personajes centrales del drama: Emparan y Vicente Salias. La escena se desenvuelve en un
primer plano, con poco sentido de la perspectiva, su obra revela que fue un artista de gran
sensibilidad y buenos recursos técnicos

Entre el “El 19 de Abril” y “El 5 de Julio”, existen caracteres que los diferencias. En la primera
predominan las tonalidades de grises, y en la segunda hay más tonos calidos que contrastan
con ocres, blanco, negro, azules casi puros. Hay, además, diferencias en la composición,
distribución de los personajes, movimientos de las figuras y su enlace en la unidad de la
composición

Martín Tovar Y Tovar

Nacido en 1828 con gran vocación y talento artístico. Es gran relator de la historia venezolana,
utilizo la anécdota para narrar gráficamente nuestra gesta cívico-militar. Además, realizo los
retratos de nuestros héroes. Su obra esta influida por el movimiento romántico europeo y el
Neoclasicismo francés de David e Ingres y por los académicos españoles; fue alumno de de
José Madrazo.

En Venezuela veneramos a Tovar y Tovar por toda su obra, pero, en especial, por los lienzos
de la Batalla de Carabobo y la firma del acta de la independencia.

La “batalla de Carabobo” es una composición monumental que ocupa todo el plafond central
del Salón Elíptico del Capitolio, allí concibe el campo de batalla como un inmenso paisaje,
ejecutan los terrenos con gran esmero, luminosidad y precisión, así como los accidentes
naturales del primer plano; árboles, grietas y los hierbajos están tratados con gran
satisfacción, los planos lejanos están seguidos con gran variedad de recursos

Antonio Herrera Toro

Nació en valencia el 16 de enero de 1857; hizo sus primeros estudios en caracas con Martín
Tovar y Tovar. Dirigió al Academia de Bellas Artes por mandato del presidente Guzmán
Blanco, cargo que va a desempeñar hasta su muerte

La pintura de Herrera Toro demuestra gran dominio en la construcción de las formas y gran
construcción de las formas y gran seguridad en la composición del cuadro; estudia e interpreta
con mucho cuidado los detalles, el conjunto y la composición en general. Entre sus temas
patrióticos esta “la muerte del libertador” “Ricaurte en San Matero”. Fue el pintor oficial de
Cipriano Castro. Su obra religiosas esta influenciada por las escuelas italianas y francesas de
la época, ya que estudio en Paris y Roma

Entre sus obras de temas religiosas se destacan las alegorías de “La Asunción”, “La Fe”, “La
Esperanza” Y “La Caridad”, que decoran el presbiterio de la Catedral de Caracas. En la Iglesia
de Altagracia, en caracas, están dos lienzos suyos. “La Inmaculada Concepción” Y “El Bautizo
Del Salvador”. Para La Catedral De Valencia Ejecuto “La Ultima Cena”, “La Ascensión”,
“Entradas De Jesús En Jerusalén” Y “La Repartición De Los Panes”

Arturo Michelena

Nació en valencia el 16 de junio de 1863. Como Tovar y Tovar, nos dejo un profundo mensaje
de carácter popular en su obra, que sirvió para impulsar a las actividades plásticas.

Las obras más importantes de Michelena son las que narran episodios de nuestra historia,
estudia a Bolívar, Miranda, Páez, Sucre, Cedeño, Pedro Camejo

En su obra se refleja la influencia de las escuelas europeas: neoclasicismo, romanticismo.

Realismo, naturalismo e impresionismo. Su prodigio técnico y su habitual maestría para
ejecutar obras de grandes dimensiones hacen de Michelena el más notable de los pintores
académicos de Latinoamérica

Entre sus obras sobresalen: “la caridad”, donde interpreta un ambiente de miseria y se
observa la influencia del realismo, el dibujo es mucho mas libre4, el color con tonalidades
grises y su contenido patético y descriptivo; “La joven madre”, impregnada de frescura y corte
romántico

Cristóbal Rojas
Nació en Cúa, estado Miranda de origen humilde; es uno de los artistas más representativos
de las artes plásticos venezolanas de finales del siglo XIX. En 1883 participo en la gran
exposición en homenaje al Cementerio de El libertador, con su obra “La muerte de Girardot en
Bárbula” y recibe como premio una medalla de plata y una beca para estudiar en la Academia
Julien de Paris

Su producción plástica se ve influenciada por los movimientos artísticos de la época: el

neoclasicismo, romanticismo, realismo, naturalismo e impresionismo. En esta época crea sus
obras: “La Miseria”, con cierta rigidez ene. Dibujo; “La Taberna”, con dibujo definido y
construcción precisa, pero con libertad en algunos detalles de la composición, como los
cachorros de la repisa y los vasos y botellas de la mesa. Otras obras son “el mendigo” y “El
plazo vencido”

Escultura

En el siglo XIX se continúan las tradiciones de los imagineros de la Colonia con las tallas de
madera

Juan bautista González, quien ejecuto muchas imágenes religiosas. Su hijo, Manuel

González, quien realizo tallas, como el Nazareno de san Juan, las estatuyas de Santa Ana
(barro cocido) y santa teresa (cemento), las cuales coronan la iglesia de santa teresa.
También ejecuto las cariátides que están fuertes al Capitolio y que representan la Ley y la
Justicia

Eloy palacios ejecutas sus obras perfectamente de carácter monumental y fundidas en

bronce. Entre sus obras encontramos: el monumento para conmemorar la Batalla de
Carabobo (La india del Paraíso), el monumento al Dr. José María Vargas, que se encuentra
en el hospital del mismo nombre, y la estatua ecuestre de José Antonio Páez.

Andrés Pérez Mújica, escultor valenciano, realiza el grupo de “Ribas en la Victoria”,

“Lucrecia”, que es un bronce ubicado a la entrada de la Galería de Arte Nacional. Su estilo es
de influencia neoclásica, romántica; otras obras son: “El Cacique Guaicaipuro”, que se
encuentra en Los Teques, <Cristo Yacente>, etc.

Lorenzo González hijo de Manuel, esculpió a “Ricaurte en San Mateo”, la estatua de Páez en

Maracay, “La Tempestad”, de gran expresividad y emotividad. Este escultor estudio en Paris y,
junto con los demás escultores, demuestran cierta tendencia naturalista es sus obras. Este
estilo imperaba en Europa

Arquitectura

Durante el siglo XIX y principios XX; la arquitectura es ecléctica porque se intenta armonizar
los sistemas constructivos criollos y los diversos sistemas y formas arquitectónicas
provenientes de otros países; es así como se conjugan elementos del Gótico, del Barroco
colonial, con los del Neoclásico y otros estilos que caracterizan las construcciones en todo el
país, desde el punto de vite formal y del uso: construcciones publicas y privadas exhiben este
eclecticismo sin llegar a conformar un estilo propio o bien definido

Romanticismo
Es un movimiento que surge como una oposición al neoclasicismo y se caracteriza por una
temática dramática, sentimental, inspirada en la literatura, la historia, la poesía, el teatro y la
música

En el contenido de la obra romántica se busca, más que los valores plásticos y artísticos, los
efectos de emotividad

Es un movimiento que nace en Florencia y sus representantes son: Theodore Gericault, y

Eugène Delacroiz, ambos reaccionaron contra la pintura académica del neoclasicismo.

La obra más famosa de Gericault es “La balsa de la Medusa”, inspirada en un dramático

episodio del mar que es un naufragio, esta obra señala un nuevo rumbo en la pintura

Entre las obras de Delacroiz encontramos: “La muerte de Sardanápalo”, inspirada en la

literatura con grandes machas luminosas en los cuerpos femenino, de una gran intensidad del
movimiento y policromía. “dante y Virgilio”, que es un tema sacado de la obra literatura “la
divina comedia”Las composiciones de los artistas románticos son ricas en originalidad y
fantasía, a la vez que reflejan un estado de ánimo

Influencia europea

En el arte del siglo XIX se observa, en las artes plásticas de Venezuela, la influencia de los
movimientos europeos, entre ellos el Neoclasicismo, que surge como una reacción contra el
Barroco, y el Rococó francés.

En este movimiento se impone la fuerza, la pureza el equilibrio de la idea del clasicismo,

producto del redescubrimiento que hace la arqueología del mundo griego, romano, etrusco y
egipcio, que despierta gran interés entre los artistas, en su arte y su estética.

Los pintores reproducen los cánones y modelos de las estatuas antiguas y sus
representaciones más notables son: Luís David e Ingres que fueron grandes retratistas. El
dibujo es fundamental en la pintura, los temas son heroicos y dramáticos sus colores de tonos
suaves con armonía de grises. Generalmente sus cuadros son de gran formato, con
composiciones monumentales y estáticas

Realismo y naturalismo

Fue un movimiento donde se impuso la búsqueda de la realidad, el mundo exterior, la

naturaleza. Estas se convirtieron en modelos que sirvieron de inspiraron a los artistas. El fin
artístico fue la fiel representación de lo real. Entre sus representaciones encontramos a
Gustavo Courbet, Honore Daumier y Francisco Mollet.

Courbert proclama que “importa dar un contenido popular al arte”, entre sus obras se señala:

“Bonjour, Monsieur Courbet”, donde el paisaje natural esta presente. “Los picapedreros”,
“entierro en Ornas”, este ultimo s encuentra en el museo de Louvre

Daumier aborda temas de gran acento social, de protesta, de caracterización casi carituresca

y se inspira en las clases populares. Ejemplo: “La llamada al circo”, “Don quijote y sancho”. Su
obra tiene un gran realce colorístico, con deformaciones expresionistas
Mollet forma parte de la “Escuela de Barbizon”, en su obra resalta al campesino y su rudo
trabajo, como ejemplo están: “el angelis”, “las espigadoras” (Louvre); esta ultima representa a
tres mujeres trabajando bajo el sol

El realismo aparece en Francia y se extiendo por Alemania, Inglaterra, España, Italia,

Holanda, Estados Unidos

Arte Venezolano.

Integrante:
·

INTRODUCCIÓN

El presente trabajo forma parte de los objetivos del plan de evaluación de la

Cátedra 'Educación Artística' el mismo consiste en realizar un trabajo que será
evaluado como prueba final, se trata, en explicar dentro de la apreciación del arte
venezolano:

a–S Las expresiones plásticas

a–S Las manifestaciones que sucedieron en Venezuela

a–S El Circulo de Bellas Artes y La Escuela de Caracas

a–S Las principales características de configuración, técnicas del arte abstracto en

Venezuela

a–S El arte óptico y el cinestimo

a–S la arquitectura venezolana y las últimas tendencias plásticas en Venezuela.

CAPÍTULO I

1. Dentro la apreciación del arte venezolano identificar las expresiones plásticas

que determinan el crecimiento artístico de Venezuela en los Siglos XX y XIX

Durante el siglo XIX, se estableció la República de Venezuela, es decir, Venezuela

se independizó de España y emprendió su procesohistórico como nación
independiente. Esto le permitió conocer y valorar la cultura europea del momento.
Se adoptaron ideales políticos y se propició un acercamiento a las ideas estéticas
de los movimientos de mayor influencia en Francia: El neoclasicismo, el
romanticismo, el naturalismo y el realismo.

a–S El neoclasicismo se fundamenta en la imitación de las formas y expresiones

del arte clásico greco-romano, los cuales estaban siendo revelados a la luz de los
siguientes acontecimientos recientes descubrimientos de casas, obras de arte y
objetos en las ruinas de las antiguas ciudades romanas de Pompeya en 1748 y
Herculano en 1738; El auge de las publicaciones y estudios sobre la antigüedad, la
nueva filosofía francesa interesada en la simplicidad, la lógica y la vuelta a la
naturaleza; el rechazo a las formas curvilíneas y ornamentación exagerada del
barroco y el rococó.

a–S El romanticismo es un complejo movimiento histórico que se desarrollo entre

1815 y 1848. Influyo en las manifestaciones artísticas y en el pensamiento
occidental de diferentes maneras. Esta diversidad se debe al carácter
independiente y a la voluntad antidogmática de sus ideas y planteamientos, donde
lo subjetivo se impone a lo objetivo. La libertad sobre el orden, el sentimiento
sobre la razón, el misterio sobre la claridad y lo novedoso frente a lo conocido.

a–S Realismo y naturalismo estos dos estilos se encuentran muy asociados en la

historia del arte. Sin embargo, puede decirse que el realismo propone la
descripción artística de la realidad mientras que el naturalismo plantea la
representación objetiva de la naturaleza, es decir, sininterpretaciones
personales del artística. Ambos se caracterizan por un dibujo preciso, colores
terrosos y temas cotidianos. El realismo y el naturalismo tuvieron impacto en la
pintura, la escultura y la literatura francesas de mediados del siglo XIX. Los
pintores más vinculados con estos movimientos fueron: Courbet, Daumier y Millet.

A los inicios del siglo XX, mucho antes de que llegara Emilio Boggio a Venezuela,
Manuel cabré ya se había iniciado a la pintura de los paisajes del Ávila con una
factura moderna comprometida con las técnicas del impresionismo. La influencia
de las ideas y estudios pictóricos del impresionismo sobre la luz y el color unida al
desinterés por la enseñanza tradicional de la academia de Bellas Artes de Caracas
generaron un clima favorable para que un grupo de jóvenes artistas iniciara una
transformación en el desarrollo de las artes plásticas en Venezuela. Muerto Emilio
Mauri, director de la Academia de Bellas Artes, los alumnos no aceptaron el rígido
academicismo que proponía el nuevo líder Antonio Herrera Toro. Estos alumnos se
retiran de la academia y fundan una asociación llamada Círculo de Bellas Artes, en
1912, donde participan pintores, escritores, poetas y otros
intelectuales. En este grupo no había un maestro que impartiera normas para
pintar, sino que cada miembro desarrollaba su trabajo personal. Se inspiraron en
el impresionismo Frances, no con la intención de imitarlo sino con el interés de
desarrollar una obra que conciliara las inquietudes personales y el nuevo lenguaje
que había impuesto el arte impresionista.

Después que se desintegro el Circulo de bellas artes, en 1920,un nuevo grupo de

pintores, inspirados por la obra de Emilio Boggio y los ideales del Circulo, Inician
una nueva forma de tratar al paisaje local y los temas nacionales. Este grupo se
llamo la Escuela de Caracas.

Movimientos Artísticos que influyeron en el arte venezolano moderno.

a–S El impresionismo se revela como un movimiento y

fundamentalmente como una técnica pictórica desarrollada en Francia en la
segunda mitad del siglo XIX. Se proponía captar los cambios del paisaje, su
atmósfera y los efectos de la luz sobre el color. Por eso pintaban al aire libre
(plenairismo), usando una técnica rápida de colores putos y pinceladas sueltas.

a–S El postimpresionismo se conoce a un grupo de pintores que si bien estaban

vinculados a los impresionistas, buscaron su propio camino para expresar sus
ideas y maneras de pintar. La obra de estos artistas marca la definitivamente el
rumbo de la pintura moderna y el desarrollo de tendencias posteriores. Destacaron
aquellos que se interesaron por dar una solución objetiva al problema de la
representación visual, como Georges Seurat y Paúl Ceézanne y los que se
inclinaron por la utilización del color con fines expresivos y simbólicos como
Vincent van Fogh y Paúl Gauguin.

a–S El puntillismo o divisionismo nace de la obra pictórica y teórica de Georges

Seurat. Consiste básicamente en la técnica de representar las formas médiate
pequeños puntos de colores yuxtapuestos que vistos a distancia se ‘mezclan’ en el
ojo del espectador. Por ejemplo, varios puntos amarillos y azules colocados unos
junto a otros ofrecen a la retina una tonalidad verde. Esta manera de generar
tonoscromáticos se conoce como color óptico.

a–S El expresionismo representa un movimiento artístico de posguerra surgido en

Alemania a mediados del siglo XX. Se propone representar las ideas y las
emociones. Desea exaltar los valores emotivos y espirituales mediante una pintura
que desatiende las reglas de la perspectiva y las proporciones. Antepone la
intensidad de la expresión a la belleza de la forma. En el retrato interesa más la
expresividad del persona que su parecido físico con el modelo. Tampoco importa
mucho la precisión técnica del dibujo ni la correspondencia del color con la
realidad. Los colores agresivos, las formas grotescas y el trazo pictórico áspero e
impulsivo revelan una correspondencia vital entre la artística y la creación.

Entre los pintores más importantes del expresionismo están Eduard Munch (1880-
1944), autor de la conocida pintura El grito, obra que representa la angustia y la
incomunicación a través de formas distorsionadas y el misterios a los cuales se les
daba un valor simbólico. Los simbolistas recuperan el predominio de lo místico
sobre lo natural, de lo misterioso frente lo comprensible, de lo intelectual frente a
lo sensorial.
CAPÍTULO II

2. Identificar y conceptualizar dentro del carácter expresivo de las composiciones

plásticas las manifestaciones que sucedieron en Venezuela en el Siglo XIX en
cuanto a su composición in temática

Durante el Siglo XIX la mayoría de los países latinoamericanos comenzaron a

organizarse en repúblicas independientes. Paralelamente se inicia una renovación
artística inspirada en los movimientos culturales de Europa.

En los inicios de lahistoria republicana, bajo el primer gobierno de José Antonio

Páez el arte de atrás los temas religiosos de la Colonia y se aboco a una temática
heroica orientada a exaltar los próceres de la Independencia. Durante esta época
se fortaleció el género el relato iniciado por Juan Lovera. El interés de algunos
gobernantes, por favorecer esta nueva concepción heroica, los llevó a apoyar a los
pintores venezolanos del momento para que estudiaran en Europa. Martín Tovar y
Tovar, Cristóbal Rojas, Arturo Michelen, Antonio Herrera Toro y Emilio Mauri
encontraron respaldo para perfeccionar su técnica en el viejo continente.
Reconocidas academias de Francia, como la Julien de París, y la San Fernando de
Madrid, abrieron sus puertas para que estos artistas recibieran una sólida
formación clásica en las técnicas de dibujo, pintura y escultura.

El impulso de estas nuevas tendencias artísticas también se vio favorecido por la

presencia en Venezuela de pintores europeos, quienes impulsados por la aventura
de conocer los atractivos paisajes del trópico y el Caribe dejaron invalorables
testimonios pictóricos de nuestras bellezas naturales y aportaron técnicas y
procedimientos que influyeron en los pintores locales. Entre estos artistas viajeros
se encuentran Lewis Adams de Inglaterra, Fritz Georg Melbye de Dinamarca y
Ferdinand Bellerman de Alemania.
Arquitectura

La mayor parte de las construcciones realizadas durante la segunda etapa del siglo

XIX en Venezuela están influenciadas por el neoclasicismo manifestándose en las
fachadas, solo en algunos elementos exteriores, y en detalles interiores.
El uso del dintel en puertas yventanas.

Eclecticismo: Estilo que plantea “adoptar y combinar lo mejor de los elementos

constructivos de cada uno de los estilos del pasado”

Las edificaciones que merecen resaltarse debido a su significado dentro de la

historia de la arquitectura venezolana son:
 
a–S El Capitolio.
a–S El Panteón Nacional.
a–S El Teatro Municipal.
a–S El Arco de la Federación.
Otras construcciones del siglo XIX: la Universidad de Caracas y la Iglesia Santa
Capilla.

Escultura

La escultura del siglo XIX se deja influenciar por las formas grecolatinas

y del neoclasicismo europeo. Los temas variaban entre personajes de la mitología,
ángeles, musas y algunos héroes nacionales. Los escultores más destacados de
esta época son:
 
a–S Eloy Palacios: “La India” Ž
a–S Andrés Pérez Mujica: “El Cristo yacente” y “Guaicaipuro”
a–S Lorenzo Gonzáles: “La Tempestad”
a–S Rafael de La Cova: Sus obras más importantes son “El Bolívar”, encargada por
el gobierno venezolano y donada a Estados Unidos, ubicada en el Central Park de
Nueva York

Pintura

Martín Tovar y Tovar (1827-1902). Este fue un pintor caraqueño, sus obras más
importantes “La Firma del Acta de Independencia” y “La Batalla de Carabobo”

Cristóbal Rojas (1857-1902). La pintura de Rojas se detiene en el tema; es una

pintura sentimental y anecdotina por el propósito de conmover y a leccionar al
espectado, como se aprecia en La miseria, El plazo vencido y la primera y última
comunión. Rojas estudio en París donde su trabajo fue admirado por el
dramatismo romántico que confiere a sus personajes. Allí adquirió la influencia
decisiva de las obras maestras quepudo admirar en los museos franceses. Varios
de sus cuadros de tonos terrosos y luces locales reflejan con crudeza los dramas
de la vida cotidiana. La taberna describe una escena donde afloran aquellos
detalles en las texturas, demuestra dominio del dibujo académico y logra
volúmenes sugeridos por juegos de luces y sombras, Otras de sus obras sin El
Purgatorio y el Autorretrato con un sombrero rojo.

Antonio Herrera Toro (1857-1914). Discípulo de Martín Tovar y Tovar. Su trabajo

se inspira en la de los pintores españoles Rivera y Zurbarán. Sus
obras mas reconocidas son Muerte de Ricaurte en San Mateo, La Batalla de Junín y
la Batalla de Ayacucho.

Arturo Michelena (1863-1898). Arturo Michelena fue el artista de mayor éxito en

su tiempo, reconocido como un dibujante genial y poseedor de una facilidad
prodigiosa para la pintura. En todos los temas abordados evidencio una indiscutible
formación académica de tendencia realista y de espíritu romántico-neoclásico. Los
rangos de su estilo se evidencian en los contrastes de luces y sombras, las
composiciones teatrales y el desarrollo de temas cotidianos, que exponen el
dramatismo de la existencia humana.

Su obra más importante es Miranda en la Carraca. También han sido acreditadas

por la critica Muerte de Sucre en Berruecos, El niño enfermo y Carlota Corday

CAPÍTULO III

3. Investigar, conceptualizar, analizar e identificar todas las características y

aportes del Círculo de Bellas Artes y la escuela de Caracas a la cultura Venezolana.

El Círculo de Bellas Artes.

El Círculo de Bellas Artes es una entidad cultural privada sin ánimo de lucro
localizada enMadrid y fundada en 1880.
Desde 1921 está declarado “Centro de Protección de las Bellas Artes y de Utilidad
Pública”. Es un centro multidisciplinar, en él se desarrollan actividades que abarcan
desde las artes plásticas hasta la literatura pasando por la ciencia, la filosofía, el
cine o las artes escénicas.
Desde su creación, ha desarrollado una importante labor de alcance internacional
en el campo de la creación, la difusión y la gestión cultural, siendo uno de los
centros culturales privados más importantes de Europa.
El CBA se fundó en 1880 gracias a los esfuerzos de un reducido grupo de artistas.
Durante los primeros años del siglo XX, pasaron por la directiva de la institución
personajes relevantes de la vida social y cultural de la época –como el Premio
Nobel Jacinto Benavente o el comediógrafo Carlos Arniches, mientras el joven
Picasso asistía como alumno a sus clases de pintura y Ramón María del Valle-
Inclán frecuentaba sus salones.

Las diversas actividades que a lo largo del tiempo han tenido lugar en el CBA han
generado un importante y variado fondo patrimonial.
La sede del CBA, obra del arquitecto Antonio Palacios, posee un enorme valor
arquitectónico. El edificio, situado en la confluencia de las calles Alcalá y Gran Vía,
fue declarado Monumento Histórico Artístico Nacional en 1981.
Destaca entre los edificios colindantes por su imagen urbana y monumental, su
ecléctica volumetría y el espectacular tratamiento de sus fachadas, cuya
ornamentación corrió a cargo de conocidos artistas de la época.
Por otro lado, el CBA cuenta con un considerable patrimonioartístico: más de
1.200 piezas de pintura, escultura, grabado, dibujo y cerámica,
así como numerosos objetos de mobiliario. A su vez, el fondo bibliográfico y
documental del CBA contiene el legado de la galerista Juana Mordó con más de
3.000 libros y una colección de 150 libros autógrafos. Además, el CBA cuenta
con un gran fondo de revistas de temática artística y una notable colección de
documentos históricos.

El Presidente y la Junta Directiva son los encargados de escoger la plantilla de

empleados al frente de la cual se encuentra el Director de la institución.
La financiación del CBA es mixta. Por un lado existe un Consorcio cuyos miembros
realizan distintas aportaciones económicas a la entidad y que en la actualidad está
integrado por la Comunidad de Madrid, el Ministerio de Cultura, el Ayuntamiento
de Madrid, Caja Duero e Iberia Líneas Aéreas de España. Por otro lado, el CBA
acuerda colaboraciones y convenios específicos con otras instituciones públicas y
empresas privadas

Sus fundadores fueron:

a–S Federico Brandt (1878-1964)

a–S Armando Reverón (1889-1954)
a–S Rafael Monasterios (1884-1961)
a–S Manuel Cabré (1890-1984)
a–S Antonio Edmundo Monsanto (1890-1984)

La Escuela de Caracas

En 1920 un grupo de pintores se proponen reproducir en pintura un nuevo estilo

de paisajes de la ciudad de Caracas destacando los siguientes elementos:

Luz, Vegetación, atmosfera.

Tenían libertad de desarrollar sus temas pictóricos a partir de estos tres principales
elementos; a este grupo se le conoce como La Escuela de Caracas. Algunos de las
imágenes más importantes de esta orientación son

a–SMarco Castillo (1897-1966) Sus obras se ven influenciadas por la actitud

artística de Cristóbal Rojas las cuales tienen una estructura compositiva de
volúmenes y cromáticos.

a–S Pedro Rafael González (1901-1981) Quien se dedico al estudio del paisaje libre

a–S Rafael Ramón González (1894-1975) En su primera pintura no solo se destaca

el paisaje sino también el interés por los temas sociales.

El Circulo de Bellas Artes y La Escuela de Caracas constituyen referencias

ineludibles para fundamentar el arte moderno Venezolano y su relación con las
manifestaciones artísticas, Europeas mas importantes para el tiempo y para la
época.

CAPÍTULO IV

4. sCuales con las principales características de configuración del arte venezolano

en cuanto a sus principios del arte venezolano conceptuales, composición,
materiales y técnicas?

El Cubismo
Representa uno de los más importantes movimientos artísticos del siglo XX. La
representación de las formas desde distintos ángulos simultáneos, por eso en la
pintura cubista los objetos y personajes se ven fragmentados en diversos planos
geometrizados.
Los artistas más importantes son

a–S Pablo Picasso (1881-1973)

a–S Georges Braque (1882-1963)

El Surrealismo.

El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos

subconscientes. Este sector recóndito del ser humano se considera apto para el
análisis artístico. Es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a
partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la
personalidad del poeta André Bretón. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras
automáticas,sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus
emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico, Entre los artistas
Europeos destacan:

a–S Salvador Dalí (1904-1989)

a–S Max Ernst (1897-1994)

a–S Rene Magritte (1898-1967)

a–S Joan Miró (1893-1983)

El Fauvismo

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló

entre 1904-1908 aproximadamente. El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera
exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar
las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les
atribuyó el término 'fauves', que en español significa fieras.

La figura central es Henri Matisse (1869-1954), artista genial y referencia

ineludible del movimiento.

Otros nombres importantes son

a–S André Derain (1880-1954) autor de paisajes, equilibrados con colores vivos y
armoniosos
a–S Maurice Vlaminck (1876-1958)

a–S Raoul Duffy consodilan la estética del fauvismo con propuestas pictóricas

alternativas.

El Expresionismo

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a

principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: Artes
plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc.
Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo
con la aparición del fovismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos
artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”.
Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento
heterogéneo, unaactitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos
artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.
Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter
positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían
un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista la
“expresión” frente a la plasmación de la realidad la “impresión”.
El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para
expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a
la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la
realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier
época y espacio geográfico.
Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo
reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la
Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918)
y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo
vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y
de renovar los lenguajes artísticos.

CAPÍTULO V

5. Relacionar bajo un esquema los elementos de impresión, materiales y

técnicas del arte abstracto en Venezuela y como influyeron con los motivos
internacionales dando una nueva línea de expresión artística

CAPÍTULO VI

6. Analizar en el arte óptico y el cientismo venezolano e internacional los

elementos de expresión, la percepción integral y la relación entre el espacio y el
tiempo.

ArteÓptico
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año
1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de
Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la
composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de
movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante
ilusiones ópticas.
Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias
racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de
producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el
que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la
configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación
de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que
desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica
derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de
perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre
convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré,
surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones
perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
El Op-Art

El Op-Art o Arte Óptico fue un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el

año 1958. Paralelamente, en Europa, se desarrollaba un movimiento llamado
nueva tendencia, quetenía bastantes aspectos similares al movimiento
norteamericano. El término Op-Art se acuñó por un artículo publicado en 1964 por
la revista Time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas
en sus obras. Después de esto el término se adoptó como el nombre oficial de este
movimiento. En 1965, el MoMA organizó una exposición llamada The Responsive
Eye en el cual varios artistas representantes de este movimiento, como Víctor
Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth
Noland y Richard Anuszkiewicz; mostraron sus obras, quedando completamente
definido este nuevo estilo. Las mayores influencias artísticas de este movimiento
son el suprematismo, el constructivismo, el De Stijl o neoplasticismo y el
Bauhaus. Además de tener importantes influencias intelectuales, psicológicas y
científicas sobre la fisiología y la percepción.

El Op-Art se caracteriza por varios aspectos

a–S La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente
estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.

a–S Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración,

parpadeo o difuminación.

a–S Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes
cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño,
combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos
ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y
circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.

a–S En muchos casos el observador participa activamente moviéndose

odesplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.

a–S Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.

a–S El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o

situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Algunos teóricos han interpretado el nacimiento del Op Art como una reacción

contra el expresionismo abstracto, el estilo dominante en la pintura
estadounidense desde la década de los 50. El nuevo estilo era ligero y
desenfadado, y se desmarcaba de solemnidad espiritual de un Mark Rothko o un
Pollock. Como pionero de esta frivolización del arte, el Op Art también preludiaría
la llegada del 'arte de broma': el Pop.
CAPÍTULO VII

7. Describir bajo las connotaciones plásticas de la arquitectura venezolana del siglo

XX.

Entre mediados del siglo XIX y mediados del siglo XX se suceden en el mundo una

serie de acontecimientos y experiencias arquitectónicas variadas que concluyen en
el llamado movimiento modernista. Este movimiento propone una nueva visión de
la arquitectura caracterizada por: La incorporación de nuevos materiales (Hierro,
Vidrio) y técnicas novedosas (Hormigón, Armado); El uso de una armazón interna
de hierro que independiza la pared; la valoración estética de todos los elementos
estructurales y ambientales que intervienen en la construcción

Hacia una nueva Arquitectura.

Las diferentes propuestas en las formas y técnicas de construcción que se suceden

desde mediados del Siglo XIX hasta mediados del Siglo XX concluyen en el llamado
Movimiento moderno de la Arquitectura se trata de concebir una nueva
arquitecturacaracterizada por novedades en sus técnicas y en su forma

El uso de Armazón armado en la construcción de valoración estética de las formas,

espacios y características de los materiales que intervienen en la obra. También se
retoma la funcionalidad como el elemento esencial de la arquitectura. Los
arquitectos modernistas diseñan los edificios mediante un juego de volúmenes,
masas, espacios y superficies, Por tales razones, se dice que la arquitectura
moderna es de tendencia abstracta.

Arquitectura ecléctica
El Eclecticismo arquitectónico es una tendencia artística en arquitectura que
mezcla elementos de diferentes estilos y épocas de la historia del arte y la
arquitectura. Se manifiesta en Occidente entre 1860 y finales de los años 1920.
El término ecléctico viene del verbo griego escoger puesto que lo que harán los
arquitectos, y artistas en general, de esta época, será escoger de toda la Historia
del Arte lo que más les interesa. También se utiliza para definir este período la
palabra Historicismo, que se refiere a una nueva visión de la Historia, en la que se
indaga filosóficamente. Sus referencias serán el arte gótico Neogótico, románico
Neorrománico y oriental Orientalismo, Exotismo
Eclecticismo o Historicismo se refieren, pues, a lo mismo, y será un período
complicado de la historia de la arquitectura en el cual existirá una
superabundancia de tendencias que se entrecruzan, y unas muy diversas versiones
de carácter nacional, ya que cada país intenta resucitar sus tradiciones más
autóctonas, coincidiendo con los movimientos nacionalistas o regionalistas.

Arquitectura en HierroArquitectura en hierro es el nombre genérico de un estilo de

arquitectura y construcción del siglo XIX, originado en la disponibilidad de nuevos
materiales que se produjo durante la Revolución Industrial.
La Revolución Industrial, que comienza en Inglaterra hacia el año 1760, acarreó
numerosas nuevas composiciones hasta entonces ni siquiera soñadas. Sin
embargo, los arquitectos siguieron utilizando los materiales
tradicionales durante mucho tiempo, mientras las academias de las Bellas Artes
consideraban 'poco artísticas' las fantásticas estructuras diseñadas por ingenieros
a lo largo del siglo XIX.
El primer edificio construido enteramente con hierro y vidrio fue el Crystal Palace
(1850-1851; reconstruido entre 1852 y 1854) en Londres, una gran nave
preparada para acoger la primera Exposición Universal de Londres de 1851, que
fue proyectada por Joseph Paxton, quien había aprendido el empleo de estos
materiales en la construcción de invernaderos. Este edificio fue el precursor de la
arquitectura prefabricada, y con él se demostró la posibilidad de hacer edificios
bellos en hierro.

El Modernismo
Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación
artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos
países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau en Bélgica y Francia, Modern
Style en Inglaterra, Sezession en Austria, Jugendstil en Alemania y Países
Nórdicos, Liberty en Estados Unidos, Floreale en Italia, y Modernismo en España e
Hispanoamérica.

Grandes Arquitectos del Siglo XX
Walter Gropius (1883-1969) Arquitecto Aleman, fundador de laBauhaus, escuela
especializada donde se enseñaba arquitectura, escultura y pintura.
Mis van der Rohe (1889-1969) Aleman, En sus obras predomino la pulcritud de las
formas, la perfección de las proporciones, la elegancia de los detalles y largos
planos de cristal.
Le Corbusier (1887-1965) Teórico, pintor y urbanista suizo, considerado
el mas grande constructor del espacio y el volumen en cuerpos arquitectónicos.
Franck Lloyd Wright (1869-1959) Calificó a su variada obra como arquitectura
orgánica, caracterizada por la valoración de la naturaleza y su incorporación junto
a las formas arquitectónicas.

CAPITULO VIII

8. sCuáles son las últimas tendencias plásticas

en Venezuela? Analice como evolucionaron

Las artes plásticas en Venezuela, han estado signadas a lo largo del tiempo por

diversas circunstancias de carácter diverso económico, político, social, que de
alguna u otra manera han influido en las diversas corrientes surgidas en la
historiografía artística.
Hacia el siglo XIX, la pintura venezolana se caracteriza por el género
conocido como pintura de historia, los paisajes y los retratos pasaron a un
segundo plano.
La pintura de este período se encuentra desligada del resto de manifestaciones
latinoamericanas cuya temática es religiosa. 
Caracterizaba a las artes plásticas en este período sobre todo a finales del siglo,
cierto aire pesimista y desconsolador. 
En los inicios de la historia republicana, el arte se abocó a una temática 
heroica orientada a exaltar los próceres de la independencia; durante esta época
se fortaleció el género de retratos iniciadopor Juan Lovera.
Este cambio de mentalidad dependió de muchas causas que fueron transformando
la vida del país; entre ellas la Guerra de la Independencia, la caída del poder
español que imperaba en el país resquebrajó las bases que lo soportaban; entre
ellas, el de la Iglesia Católica como poder espiritual dirigido desde España para
mantener el dominio colonial. A nivel de las masas populares hubo luchas y
tensiones internas que se fueron configurando desde el siglo pasado debido a la
injusticia social y opresión a la cual estaban sometidas. Otro de los aspectos que
favorecieron el desarrollo intelectual del pueblo venezolano, especialmente el de
los Pardos Libres y el de los Blancos Criollos fue la aceptación y difusión de las
ideas políticas y filosóficas traídas de Francia y Norteamérica.
Cabe destacar que la función de este género de pintura comprende dos aspectos:
difundir y eternizar en la memoria de la colectividad, las hazañas de los próceres
de la independencia y perpetuar también de una forma más velada, la
organización social establecida.

La Pintura Contemporánea venezolana:

Hacia la década de 1960 se dio a conocer en Venezuela el arte cinético, cuyas
raíces se remontaban bastante atrás en el tiempo, en un desarrollo ordenado de
investigaciones plásticas sobre el movimiento, el espacio y la luz, las cuales, a
partir de 1955, aproximadamente, se fueron presentando en 9 exposiciones
realizadas en Europa. Jesús Rafael Soto se encontraba entre estos investigadores y
es por su personal actividad artística que podemos insertar el cinetismo dentro de
la evolución de las artes plásticas enVenezuela; pues con la excepción de Soto y de
la obra de Carlos Cruz Diez (aunque se trate de planteamientos diferentes) no se
puede hablar de una corriente cinética en nuestro país.
En el transcurso de la década del 60, a la vez que el cinetismo va conquistando un
lugar en el arte internacional, se revitaliza la corriente social del arte mediante
fórmulas más modernas, alejadas del realismo del anterior Taller de Arte Realista.
Será la llamada nueva figuración, movimiento en el que destacan
artistas como Jacobo Borges, Manuel Espinoza, José Antonio Dávila , Régulo Pérez,
Alirio Palacios y Alirio Rodríguez.
La tendencia predominante en las artes plásticas de Venezuela a partir de 1970, ha
sido la figurativa y esto se evidencia aún más en el trabajo de las generaciones
más jóvenes de artistas. Se ha llamado nuevo dibujo,  al producto de los artistas
más recientes, se trata en general de una obra que se muestra desligada de
compromisos políticos, a diferencia de los figurativos surgidos del Taller Libre de
Arte o del Techo de la Ballena, grupos éstos en que se unieron intelectuales y
artistas hacia 1960 y años siguientes en el caso del Techo o del Círculo del Pez
Dorado. Este trabajo reciente se orienta hacia un replanteamiento del paisaje y la
naturaleza, de la vida urbana y no se limita a la pintura, hay un notable interés en
el dibujo, en el grabado en sus distintas técnicas y por las posibilidades de
experimentar combinando técnicas diversas y realizar trabajos de equipo.
Es también en los últimos años cuando se ha conocido el trabajo de varios artistas
radicados en Maracaibo, descentralizándose al menos unpoco el quehacer plástico,
habitualmente limitado a la capital; así como también se han realizado
confrontaciones, algunas privadas y otras oficiales, que han hecho posible dar una
visión amplia de la actividad artística actual en Venezuela.

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Arte Abstracto

Expresionismo Abstracto

Abstraccionismo Geométrico

El Arte Abstracto Venezolano

Es un concepto general que remite a los aspectos cromáticos, formales y

estructurales, acentuando formas que se alejan de la reproducción fiel de lo
natural, por ende es un concepto que se opone al de arte figurativo. Pero la
abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió
alrededor de 1910. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del
siglo XX el mismo designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes
gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la
conciencia del artista.

Es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto,

las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra
Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas
después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente
estadounidense dentro del arte abstracto.

Es una forma de arte abstracto creada en los años 80`s, basada en el uso de
formas geométricas simples combinadas en composiciones subjetivas sobre
espacios irreales. Surge como una reacción frente al excesivo subjetivismo de los
artistas plásticos de épocas anteriores en un intento de distanciarse de lo
puramente emocional.

Arte Plástico Venezolano De Los 90

Arte Plástico Venezolano De Los 90

Rocío Pacheco

El conocido curador venezolano Jesús Fuenmayor reseña, en un artículo de la revista Nexus, “la
falta de una publicación importante y exclusiva donde se registren los acontecimientos mas
relevantes del arte, que sirva de plataforma para ampliar los términos de la discusión de nuestra
muy aislada crítica y cumpla con la divulgación a nivel nacional e internacional de nuevos artistas,
entre los que existe un grupo considerable para confrontarse a nivel mundial”.

Esto hace difícil tener una idea de lo que han sido las artes plásticas venezolanas de los últimos
años. Sin embargo, mediante la investigación en distintas revistas internacionales y nacionales,
que al final en la bibliografía se mencionan, he podido tener un acercamiento a los artistas más
renombrados, por su destacada trayectoria internacional y es así como se puede observar la
existencia de artistas de calidad y movimientos artísticos sólidos, con una producción prolífica y
variada, digna de ser presentada individual o grupalmente en cualquier parte del mundo.

Los críticos consideran que Venezuela es un país visual. Ningún otro país del continente a dado la
cantidad de artistas plásticos que ha dado Venezuela, de la talla de Reverón, Jesús Soto, Marisol,
Carlos Cruz Diez, Otero, Gego o Meyer Vaisman y Hernández Diez de la última generación. Pero la
pésima política oficial ha hecho mucho daño al arte en este país.

Las opiniones sobre lo que han sido las artes plásticas de estos años son variadas y contradictorias.
El curador Miguel Miguel afirma que en Venezuela actualmente no hay pintores y los artistas que
tienen una obra interesante, de valor, son artistas que utilizan otros medios como el video arte, la
fotografía, el proceso multimedia, las instalaciones, en fin, la tecnología.

Tan variadas son las obras, que muchos son partidarios afirman que las obras de los artistas
venezolanos no entran en parámetros estilísticos conocidos y tampoco se pueden crear categorías
para clasificar la expresión actual, siendo tajante el hecho de que la alta generación de ideas
innovadoras van por encima de cualquier estigmatización.

Esta creación híbrida en distintos sentidos, parece funcionar y crecer hacia el atajo, la condición
marginada, fuera del ámbito de la información y la comunicación, la creación de modelos alternos
de lenguaje. El arte parece suceder en todos lados menos en los centros consagrados y
autoritarios con poder de difusión y albergue de la obra.

Aunque Venezuela sea el país con los museos de arte contemporáneo más importantes de Sur
América, estos se tornan pequeños e incómodos cuando se intenta organizar cualquier evento
expositivo que vuelque su atención hacia las nuevas experiencias artísticas.

Sin embargo, Mariana Figarella, crítico de arte venezolana, encuentra que a escala nacional
existen algunos rasgos predominantes del arte de los años mas recientes, que a su entender son:

1.- Predominio de la pintura como medio, en sus diferentes tópicos.

2.- Fortalecimiento de las formas libres en el arte tridimensional con sus vertientes mayores
(escultura e instalación).

3.- Vuelta a los “pintores viajeros” que realizaron vigorosas versiones de nuestro país
(Rauschenberg y Baumgarten, por ejemplo)

Otra característica notable de los artistas venezolanos actuales es la contribución a los numerosos
cambios de rumbo, rupturas y marchas atrás, que impiden que su imagen quede atrapada en el
estereotipo, por ejemplo: el Cinetismo de Jesús Soto y Cruz Diez, el Pop Art de Marisol Escobar y el
Neo- expresionismo de Jacobo Borges.

En cuanto al aspecto negativo, muchos son los artistas que se quejan de la enorme
mercantilización del arte, que a conducido a la restricción de la libertad creadora, por la necesidad
de conseguir el dinero para su financiamiento, dependiendo constantemente de la empresa
privada o del gobierno, corriendo detrás de las exposiciones, sin preocuparse de lo mas
importante, que es innovar y desarrollar su potencial.
También, se critica la tendencia de los llamados curadores venezolanos – que son pocos por cierto
– de valerse de una visión totalmente internacionalizada, para analizar las producciones
nacionales completamente alejadas del sentir artístico que le es propio. Además, usan un
vocabulario complicado y casi sin equivalente en castellano gracias a sus estudios en el exterior, lo
que complican mas la situación de la incomprensión del trabajo artístico.

A continuación, paso entonces a enumerar los distintos artífices significativos de la creación

plástica nacional, todos vinculados al hacer de esta última década del siglo XX, explicando
brevemente sus tendencias, que son el reflejo de las características y de la visión que se tiene en el
exterior de nuestro arte.

Pintores de los 90

Sigfredo Chacón

Es una de las personalidades más firmes de las últimos años, caracterizado por ser constante en el
rescate de la pintura por sí misma. Su proceso ha consistido en quitar al hecho visual todo lo
superfluo o innecesario, para encontrar una revelación distinta, sustentadora, que se sobreponga
precisamente a todo lo anecdótico y superficial. Heredero de Rothko, Rotterdam y Reihardt, el
artista asume las enseñanzas como nuevos principios.

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Arte Venezuela, Sigfredo Chacón, 2004, 120x120 cm, Acrílico y Grafito sobre tela.